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Arte Rococó y neoclásico

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ARTE ROCOCÓ Y NEOCLÁSICO
ARTE ROCOCÓ
(artehistoria.com).
El término rococó empezó a utilizarse ya en el siglo XVIII como una derivación burlesca de la palabra rocalla (rocaille) que designaba las decoraciones en forma de concha utilizadas en grutas y jardinesdesdeel manierismo. En el suplemento del "Diccionario de la Academia Francesa" de 1842 se puede leer:"Rococó: dícese trivialmente del género de ornamento, de estilo y de dibujo que pertenece a la escuela delreinado deLuis XVy de comienzos del de Luis XVI". Esta inicial actitud despreciativa cambió, sinembargo, durante la segunda mitad del pasado siglo, sobre todo a raíz de la publicación de los hermanosGoncourtacerca del arte del siglo XVIII. Pasó a tener el término un sentido puramente neutral y descriptivoal igual que había ocurrido con el Barroco o el Gótico. Pero si el Rococó no se consideraba ya como unadecadencia o la degeneración de un estilo y se habían descubierto en él valores puramente estéticos, eldilema que se presentaba ante los historiadores era definir este fenómeno, determinar su cronología yestablecer unas características diferenciadas. Tarea no fácil que ha originado diferentes puntos de vista, aveces contradictorios, e incluso aconsejó la celebración de un convenio internacional en abril de 1960 con eltítulo "Manierismo, Barroco y Rococó. Conceptos y términos", del que tampoco salieron acuerdosdefinitivos. Algunos conceptúan el Rococó como una fase tardía del Barroco, siguiendo la idea de que,inspirado en el Barroco italiano, sería su modelo de disolución; otros intentan dar una interpretaciónhistórico-cultural haciendo hincapié en el aspecto erótico-sensual y en la complacencia de lo gracioso.Kimball, cuyos estudios fueron fundamentales, lo considera fenómeno parcial del Barroco, producto de unaevolución exclusivamente francesa y limitado al ámbito del estilo decorativo. Sedlmayr y Bauer proponenque el concepto de Rococó se debe delimitar con precisión, afirmando que no es una fase estilística delBarroco clásico o tardío y que se trata de lo que llaman un genos-stile (estilo-especie) que no ejerceinfluencia sobre cierto tipo de construcciones (parte de los edificios oficiales y la mayoría de los religiosos).A pesar de sus limitaciones lo consideran como uno entre los estilos del siglo XVIII, junto a las diversasvariantes del tardo barroco y delclasicismo inglésy no una simple moda de decoración. Las dificultades conque se han topado los historiadores para intentar dar una definición del Rococó se acrecientan cuando llega elmomento de especificar qué artistas y qué obras pueden incluirse en él. Hay algunos ejemplos significativosque no dan lugar a dudas, como es el caso de unBoucher , pero en otras muchas ocasiones la cuestión noqueda tan clara. En el fondo el problema reside, como afirma Francastel, en que durante el siglo XVIII nohubo una sucesión de épocas compartimentadas, marcadas cada una de ellas por un ideal absoluto, no existióuna sino varias estéticas ligadas a las diversas especulaciones intelectuales y políticas de la época. Songeneralmente los historiadores del arte en lengua alemana los más empeñados en el estudio restrictivo y aveces excesivamente formalista del Rococó. Curiosamente los franceses, siendo una manifestaciónfundamentalmente gala, han evitado la utilización del término, prefiriendo el de estilo rocalla y desde un principio sus publicaciones se han dirigido bien a una visión amplia del siglo XVIII con todas sus particularidades, bien al estudio concreto de artistas o de los diferentes géneros, los ornamentistas,el mueble,etc. En conclusión, prefiero huir de interminables y estériles discusiones terminológicas y comprender elfenómeno del Rococó como un estado de ánimo, una actitud ante la vida, el pensamiento, la sociedad, que seinicia a principios del siglo XVIII y actúa, aunque no de manera excluyente, en la concepción del arte de suépoca.
ARTE NEOCLÁSICO (Wikipedia)
El término
neoclasicismo
surgió en elsiglo XVIIIpara denominar al movimientoestéticoque venía a reflejar en lasarteslos principios intelectuales de laIlustraciónque desde mediados delsiglo XVIII, se venía produciendo en lafilosofíay que consecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de lacultura.Con el deseo de recuperar las huellas del pasado se pusieron en marcha expediciones para conocer las obras antiguas en sus lugares de origen. También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como
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lugar de cita para viajeros y artistas de toda Europa e incluso de América. En la ciudad se visitaban lasruinas, se intercambiaban ideas y cada uno iba adquiriendo un bagaje cultural que llevaría de vuelta a sutierra de origen. Allí surgió en 1690 la llamada Academia de la Arcadia o Arcades de Roma, que con susnumerosas sucursales o
coloniae
por toda Italia y su apuesta por el equilibrio de los modelos clásicos y laclaridad y la sencillez impulsó la estética neoclásica.La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas y eruditosacudían con la intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba el prusiano JoachimWinckelmann (1717-1768), un entusiasta admirador de la cultura griega y un detractor del rococó francés; suobra
 Historia del Arte en la Antigüedad 
(1764) es una sistematización de los conocimientos artísticos desdela antigüedad a los romanos.La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de Razón (filosofía)racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadorade la existencia del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevaráa un concepto deísta de la verdad.La
puede ser interpretada como una rama de las artes social y moral;La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así lasconstrucciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos,teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara laúltima arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónicode validez universal. Nacen movimientos decríticaque propugnan la necesidad de la funcionalidad y la supresión delornato en los edificios. Se da la necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran unafunción esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólodecorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida conlógica.Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en lasconstrucciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios deGreciay Roma e incluso deEgiptoy Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean aunque desde puntos de vista distintos.Los modelosgreco-romanosdieron lugar a una arquitectura monumental que reproducefrecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. El perfil de losPropileos de Atenasle sirvió al alemánCarl Gotthard Langhans para configurar suPuerta de BrandeburgoenBerlín  (1789 a 1791),
 
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 un tipo muy repetido como atestigua la entrada alDowning CollegedeCambridge(1806) obra del inglésWilliam Wilkinso la posterior Gliptoteca de MúnichdeLeo von Klenze.
También elinglés James Stuart(1713-1788), un arquitectoarqueólogoal que se ha llamado el Ateniense, en su monumento aLisícratesenStaffordshire, reprodujo el monumento corágico a Lisícrates de Atenas.Loshermanos Adamextendieron por toda Inglaterra un modelo decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obras más representativas esOsterley Park , con una notable estanciaetruscay un clásico hall de entrada (1775-80).Italiaprefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y en los comienzos delsiglo XIX. El modelo delPanteón de Agripaen Roma se repite en un gran número de templos, como el de laGran Madre de DioenTurínySan Francisco de Paulaen Nápoles, ambos terminados en1831,que reproducen el pórtico octástiloy el volumen cilíndrico del Panteón.También en la
escultura neoclásica
pesó el recuerdo del pasado, muy presente si consideramos elgran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la luz, además de las colecciones que se habíanido formando a lo largo de los siglos.
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos enmármolblanco, sinpolicromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas
, predominando en ellas la noblesencillez y la serena belleza que Winckelmann había encontrado en laestatuaria griega.En este mismosentido habían ido las teorías deGotthold Ephraim Lessing(1729-1781) que en su libro
 Laocoonte, o de loslímites de la pintura y de la poesía
(1766) había tratado de fijar unaley estéticade carácter universal que pudiera guiar a los artistas; sus concepciones sobre la moderación en las expresiones y en el plasmado de lossentimientos son reglas que adoptará el modelo neoclásico.Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todosellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad.Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre lasvirtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, losfrontonesde lospórticosy los monumentos, como arcos de triunfoocolumnas conmemorativas.
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