PERIODICO DI INFORMAZIONE, ATTUALITÀ E CULTURA MUSICALE A CURA DEL SAINT LOUIS COLLEGE OF MUSIC

FONDERIA LA NUOVA SFIDA DI DALLA

Aprile-Maggio 2008

UNO PIÙ ISMAEL IVO AI MENDICANTI

UNO FA di Rossella Gaudenzi di Maria Luisa Tagariello
TRE

Periodico di informazione, attualità e cultura musicale a cura del Saint Louis College of Music
Ha scosso gli animi e le coscienze con la sua, Il mendicante è Marco Alemanno. È anche
di Romina Ciuffa se così vogliamo definirla, «trilogia del corpo». l’autore dell’opera, ed entra in scena qui.
Body Attack (2005), che è corpo che attacca, Incontra il direttore del teatro: «Vedi, - gli dice
Chiedo a Luca proiettato verso l’esteriorità; Underskin (2006), - siamo degli attori, non grandi cantanti, gente
Pietropaoli, che suona ricerca interiore che serpeggia sot- abituata a tutto: dire bugie, pisciare nei lavandi-
tromba, flicorno, cor- topelle; Body&Eros (2007), ni, capisci? Il Teatro Comunale non fa per noi,
netto e altre cose, come indagine del rapporto molto meglio il Duse».
fa. Insomma, sono anni con l’Eros, croce e Comincia così la
che lo incontro e ogni volta lo vedo su uno delizia, demone del- Beggar’s Opera di
diverso. Mi sono chiesta se non fosse un’inde- l’umanità del III millen- Lucio Dalla.
cisione la sua, finché non l’ho trovato fra i nio, per cogliere intuizio- Il mendicante spiega
membri della Fonderia. Allora ho capito. ne, sensualità, ricerca al pubblico perché lo
Fondere quello che c’è, gli strumenti e le della libertà interiore e spettacolo va in scena
sonorità, e fondersi. La Fonderia nasce nel dell’equilibrio con il nel secondo teatro di
dicembre del 1994 come un progetto dedicato dionisiaco. Bologna: si tratta di una
all’improvvisazione e alla contaminazione di Ismael Ivo ha ana- commedia satirica, una
suoni e generi. Sono Emanuele Bultrini (chitar- lizzato, scavato, posto storia popolare nata da
re), Stefano Vicarelli (piano, synth), Federico domande sin dall’ini- arie popolari, «non è per
Nespola (batteria) e lui, Luca Pietropaoli (trom- zio della sua carriera di gente impellicciata da
ba), affiancati dal basso di Claudio Mosconi. direttore del Festival di Comunale». E di opera
Hanno pubblicato il secondo album Re>>Enter Danza della Biennale di Venezia, in senso stretto infatti
dopo il disco d’esordio Fonderia. (...) concentrando l’interesse (...) non si tratta. (...)
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SPECIALE 1° MAGGIO JAZZ

& blues MCCOY TYNER
POPCK VASCO ROSSI

pop&rock

Editore
STEFANO MASTRUZZI

Direttore Responsabile
SALVATORE MASTRUZZI

Direttore
ROMINA CIUFFA

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Rossella GAUDENZI jazzblues@musicin.eu
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Mail redazione@musicin.eu AAA AUTORI CERCASI
Marketing e Pubblicità Artisti al seguito di uomini sotto elezione, tanto una mano lava l’altra,
Mail marketing@musicin.eu cantanti la cui vena creativa, se mai esistita, si è trasformata in un capillare;
e un gran bisogno di menti brillanti che non siano in debito né con la politica né con la televisione
Tipografia
Litografica Iride Srl
Via della Bufalotta, 224 - Roma Da poco concluso il Festival di Sanremo, chissà se questo duo vincito- mozzarella. L’artista dovrebbe essere per natura dinamicamente avverso
re farà strada o se seguirà la parabola discendente dei Jalisse, che tuttora alle logiche di palazzo, libero, nel pensiero e nella creazione, non dovreb-
Contributi imperversano per le sagre di paese proponendo dal 1997 la loro toccante be chiedere mai, come l’uomo della Mennen. Diffido di tutti i cantanti
Lorenzo Bertini, Nicola Cirillo, “Fiumi di parole”. Recentemente è stata anche tradotta in spagnolo; in che sostengono l’una o l’altra parte, ne ho conosciuti tanti e tanti relativi
Giosetta Ciuffa, Stefano Cuzzocrea, undici anni non sono ancora riusciti a scrivere un’altra canzone? Anche retroscena da poter assicurare che c’è molta poca nobiltà in queste sim-
Sara Di Francesca, Francesca Di Macco, Miguel Bosè ha svolto un’operazione di restyling della sua “Se non torni” boliche simbiosi di ideali, la mano sul cuore in pubblico sì, ma per sag-
Matteo Grandi, Adriano Mazzoletti, riproponendola in spagnolo con un arrangiamento freschissimo, in pieno giare il portafoglio. E allora, vota Apicella al Quirinale.
Paolo Romano, Maria Luisa Tagariello, stile anni Novanta. Sinceramente non ho capito se si tratti della stessa Stefano Mastruzzi
Ersilia Verlinghieri, Eugenio Vicedomini canzone o di un’altra che plagia se stessa, in tutti e due i casi non ne sen-
tivamo il bisogno.Verrebbe da pensare che non ci siano più gli autori,
Anno II n. 5 quelli che scrivono testi e musica di professione. Come d’altronde viene
Aprile-Maggio 2008
da pensare che non esistano più i cantanti e i musicisti di professione. In
Registrazione presso il Tribunale di Roma Italia siamo abituati ai dilettanti, che ci provano, che si sfidano, quelli che
n. 349 del 20 luglio 2007 non sanno fare nulla ma magari nessuno se ne accorge.
E poi c’è la politica italiana, che per molti artisti rappresenta la tavola
per mantenersi sulla cresta dell’onda, di quelle di Ostia però, alte poco
più di quaranta centimetri. Ogni politico ha il suo testimonial in queste
elezioni e saprà (leggi dovrà) ringraziarlo a dovere in caso di esito posi-
STEFANO tivo. Ma davvero c’è qualcuno che voterebbe Mastella solo perché
MASTRUZZI appoggiato dal proprio cantante preferito? Se così fosse, allora ci meritia-
EDITORE mo Simona Ventura, Morgan, l’immondizia campana e la diossina nella
 JAZZ
& blues Music In  Aprile Maggio 2008

McCOY TYNER di Adriano Mazzoletti Avevo già incontrato Bill Evans al festival di Pescara nove anni prima.
a cura di ROSSELLA GAUDENZI
Anzi lo avevo conosciuto molto bene perché fui io a presentare le prime edizioni di quel festival. Ero assai curioso
di incontrare McCoy e conoscerlo personalmente. Lo trovai schivo, di poche parole, ma gentile e a volte ingenuo.

TYNER E I MIEI DUBBI

«Stentavo a credere che il pianista di quel quartetto fosse lo stesso McCoy Tyner che mi aveva in parte deluso nelle incisioni
di poche settimane prima. Con il sassofonista, lo stile del ventiduenne McCoy Tyner si era completamente trasformato. Non più
le lunghe linee «alla Bud Powell», ma raddoppi di ottave, combinazioni di accordi nuovi, inusitati e di grande effetto sonoro.
Coltrane aveva trovato il suo partner ideale e l’ascendente che esercitava su McCoy fu determinante nella creazione di un
numero assai alto di piccoli e grandi capolavori realizzati nei successivi cinque anni. Ma non solo.»

ochi sanno che il suo nome musulmano è
P Sulaimon Saud, ma è risaputo che McCoy
è nato a Philadelphia e che a dicembre festegge-
rà il suo ottantesimo compleanno. La prima
volta che ascoltai una sua incisione doveva
essere il 1960 o giù di lì. Mi erano giunti dagli
Stati Uniti un paio di dischi appena pubblicati.
Il primo era del sestetto del trombonista
Curtis Fuller, un musicista che apprezzavo
molto. Il secondo era stato inciso dal celebre
Jazztet di Art Farmer e Benny Golson, il sasso-
fonista che aveva suonato fino a poco tempo
prima con i Jazz Messengers di Art Blakey.
Debbo dire che quelle incisioni non mi diede-
ro grandi emozioni. Jazz canonico nella linea di
quanto si stava all’epoca facendo a Detroit e
Philadelphia, ma nulla di più. Oltre ai leader, in
quei dischi suonavano musicisti ben conosciuti,
la tromba Thad Jones, i batteristi Lex
Humphries e Dave Bailey e i bassisti Jimmy
Garrison e Addison Farmer, fratello gemello di
Art che scomparve prematuramente nel 1963 a
soli trentacinque anni. L’unico nome che non
avevo mai sentito era quello del pianista
McCoy Tyner. Ammetto che mi lasciò abba-
stanza indifferente.
Suonava alla Bud Powell, ma quale distanza
dal genio di uno dei creatori del bop! In uno dei
brani inciso con il Jazztet, il celebre Avalon lan-
ciato nel 1920 dal cantante blackface Al Jolson,
protagonista del primo film sonoro, il suo asso-
lo a tempo veloce, pur eseguito con una tecnica
assolutamente brillante, appariva ritmicamente
scorretto ed inconcludente.
Fatto ancor più evidente se messo a confron-
to con il successivo di Curtis Fuller assoluta-
mente perfetto nella sua precisione. Perciò
avevo in un certo senso archiviato il nome di
questo giovane pianista fra i tanti che quasi
giornalmente apparivano nelle cronache del
jazz. Grande fu la mia sorpresa quando pochi
mesi dopo giunsero, sempre dagli Stati Uniti,
altri dischi pubblicati a nome di John Coltrane.
Stentavo a credere che il pianista di quel
quartetto fosse lo stesso McCoy Tyner che mi
aveva in parte deluso nelle incisioni di poche
settimane prima. Con il sassofonista, lo stile del
ventiduenne McCoy Tyner si era completamen-
te trasformato.
Non più le lunghe linee «alla Bud Powell»,
ma raddoppi di ottave, combinazioni di accordi
nuovi, inusitati e di grande effetto sonoro.
Coltrane aveva trovato il suo partner ideale e
l’ascendente che esercitava su McCoy fu deter-
minante nella creazione di un numero assai alto
di piccoli e grandi capolavori realizzati nei suc-
cessivi cinque anni. Ma non solo. In quella
prima metà degli anni Sessanta, McCoy Tyner
fu, con Bill Evans, il pianista più ammirato ed
imitato in ogni parte del mondo. Quando poi nel
1962 e 1963 McCoy incise per Impulse i primi
dischi a suo nome, fu la consacrazione.
Le sue versioni di Blue Monk, Round About
Midnight e l’ellingtoniano Satin Doll dimostra-
vano una inventiva melodica ed una chiarezza di
idee assolutamente innovative. Parlando di lui
John Coltrane si espresse in termini altamente
elogiativi: «McCoy possiede un suono persona-
le. Grazie poi ai frammenti di modo che usa e
della maniera in cui li dispone, questo suono è
molto più brillante di quanto ci si potrebbe
aspettare dai tipi di accordi che suona».
Fino al 1978 i miei rapporti con McCoy si
limitavano all’ascolto delle sue incisioni. Poi
mercoledì 19 luglio ebbi la possibilità di assi-
stere ad un suo concerto a Villalago di Terni
nell’ambito di Umbria Jazz, la stessa sera in cui
suonò anche il trio di Bill Evans con Lee
Konitz. Serata indimenticabile per la presenza
dei due pianisti più importanti e significativi
dell’epoca. Avevo già incontrato Bill Evans al
festival di Pescara nove anni prima.
Anzi lo avevo conosciuto molto bene perché
fui io a presentare le prime edizioni di quel
festival. Ero assai curioso di incontrare McCoy
e conoscerlo personalmente. Lo trovai schivo,
di poche parole, ma gentile e a volte ingenuo.
Quell’edizione di Umbria Jazz era decisamente
straordinaria. Vi suonarono le Big Bands di
Dizzy Gillespie, Buddy Rich, Lionel Hampton,
Carla Bley e i gruppi di Freddie Hubbard, Clark
Terry con Shelly Manne e diversi nostri musici-
sti, Giovanni Tommaso, Gianni Basso con
Larry Nocella, i Saxes Machine.
Insomma tre giorni di grande jazz. Ma le due
esibizioni di McCoy, la prima a Villalago, la
seconda a Castiglion del Lago (Umbria Jazz era
ancora itinerante), fu però una delusione. Avevo
nelle orecchie le straordinarie incisioni con
Coltrane, quelle in trio con Lex Humphries e
Steve Davis, fra cui lo stupendo Nights of
Ballads and Blues per Impulse e le altre per
Blue Note, fra cui Asante, Song for My Lady,
Atlantis, Trident.
A distanza di trent’anni non ricordo se la delu-
sione fosse dovuta al confronto con Bill Evans
che si era esibito accompagnato da Mark Johnson
e da un sensazionale Philly Jo Jones e che a
Villalago aveva suonato prima di McCoy, oppure
al gruppo che aveva portato in tournée che com-
prendeva, con l’esclusione di George Adams,
musicisti di scarso rilievo, fra cui il percussioni-
sta Guilherme Franco che non seppe inserirsi con
intelligenza e sensibilità nell’atmosfera creata
dalla musica di quel pianista che malgrado tutto
dimostrava sempre la sua genialità.
Negli anni successivi ebbi molte altre volte
l’occasione di incontrarlo ed ascoltarlo in
condizioni assolutamente migliori. Partecipò
anche a qualche mia trasmissione.
Soprattutto a Radiouno Jazz Serata che
ancor oggi rimane uno dei programmi radio-
fonici culto e non solo della radio italiana.
La sua disponibilità di esibirsi nel corso di
una trasmissione in diretta, la cui durata era di
tre ore e che nasceva all’insegna della più com-
pleta improvvisazione, è impressa nella mia
memoria.
Adriano Mazzoletti

ROBERTA GAMBARINI:
DOPO ELLA FITZEGERALD,
C ’È L E I
«GAMBARINI IS A TRUE SUCCESSOR TO ELLA
FITZGERALD, SARAH VAUGHAN, AND
CARMEN MCRAE.» KEVIN LOWENTHAL,
BOSTON GLOBE a cura di Rossella Gaudenzi

D ieci anni fa, quando ancora vivevamo

nel XX secolo, quando scegliere di per-
correre le vie del jazz rappresentava una
sfida ambiziosa ed un salto nel vuoto, quan-
do il mito americano era ancora mito ameri-
cano dunque quasi inarrivabile, Roberta
Gambarini, talentuosa cantante torinese
forte di una solida maturità artistica, ha
preso il volo per gli States. Ed è a New York
che ha deciso di vivere.
Si tratterrà in Italia per pochi appunta-
menti lavorativi: Lucca, Ravenna e Roma in
chiusura, per un concerto presso la Casa del
Jazz ed una Master Class presso il Saint
Louis College of Music.
Esita a rispondere alla domanda «ha nostal-
gia del nostro Paese?». Sgrana gli occhi non
sapendo dove posare lo sguardo, prende
tempo. Significa che di nostalgia non ne ha. Poi
si spiega: «Ho nostalgia dei miei punti fissi, ed i
punti fissi per me sono gli affetti, non i luoghi.
Non riuscirei a fare a meno della mia famiglia e
delle amicizie che ho in Italia, ma con queste
persone, la cui presenza è per me fondamenta-
le, c’è un filo diretto continuo. È per questo che
fare ritorno in Europa due, tre volte all’anno mi
basta.»
È una donna affascinante, dai modi decisi,
energici e delicati al tempo stesso. Così rac-
conta dei primi passi mossi nella sua città,
Torino.
«A Torino il jazz lo ricordo da sempre. Una
vera e propria tradizione. Sarà che i miei genito-
ri mi portavano ai concerti sin da quando ero
piccola, rendendomi familiare questo meravi-
glioso linguaggio, sarà che i jazzisti dell’area pie-
montese sono sempre stati estremamente vali-
di, e che a Torino è stato di casa il JVC Jazz
Festival (manifestazione musicale internaziona-
le nata nel 1984 n.d.r.). La mia formazione
musicale è stata classica, con lo studio del cla-
rinetto e del canto classico. L’avvicinamento al
mondo del jazz è stato da autodidatta, affidato a
seminari estivi ma in primis ai dischi. Quando ho
compiuto diciotto anni mi sono spostata a
Milano, dove ho vissuto e lavorato fino al trasfe-
rimento negli Stati Uniti. Ed ho lavorato moltissi-
mo, insegnando e facendo serate.»
È stato un percorso artistico difficile o, per
circostanze più o meno casuali, più o meno
fortunate, un percorso in discesa?
Non c’è mai stato nulla di facile sulla via della
mia realizzazione. Il percorso è stato molto
duro, ma oggi dico che è così che doveva esse-
re. Occorre faticare, lavorare sodo per ottenere
una buona formazione. Nel mio caso, non mi
stanco mai di ripetere che la scelta coraggiosa
è stata a priori, nel momento in cui ho deciso
che la mia strada era il canto jazz, è quindi
come dire che quando sono arrivata in America
ero già allenata, corazzata.
Qualcuno a cui dire grazie?
Sicuramente alla mia famiglia. I miei genitori
sono il motore di tutto, la fiducia nelle mie capa-
cità non li ha mai abbandonati; vengo da una
famiglia operaia quindi il supporto materiale è
mancato, ma quello morale, davvero indispen-
sabile, non è mai venuto meno. Mai un tenten-
namento, ma una forza che mi ha sostenuta di
tipo quasi surreale.
Ci sono delle figure artistiche che per lei
hanno svolto il ruolo di un mentore…
Decisamente si. Benny Carter, il grande sas-
sofonista. Oltre ad avere avuto un peso come
musicista per la mia formazione, è stato l’arti-
sta e l’amico che ha organizzato il mio primo
concerto a Los Angeles. Anche per questo Los
Angeles, in cui Benny Carter abitava, è una delle
città che più amo… per una motivazione affetti-
va. E James Moody, altro grande sassofonista.
A lui mi lega un progetto che mi vedrà a fine
marzo a San Diego, in California.
Quali i progetti a breve e a lungo termine?
Innumerevoli. Per citarne alcuni: in aprile mi
attende il Savannah Festival, in Georgia, in duo
con Hank Jones con cui ho inciso You Are
There. A fine primavera mi attende la Dizzy
Gillespie All Star Big Band diretta da Hampton.
Dal punto di vista discografico, prossimamen-
te registrerò in California un Songbook, una
raccolta, dedicata a Dave Brubeck.
Le clinics hanno sempre un’importanza rile-
vante: permettono di valutare il pubblico che
si ha di fronte in maniera non superficiale,
tanto più quando è composto da giovani
aspiranti cantanti. Oltre a mettersi in gioco
per tenere alta la concentrazione. Il bilancio
di Roberta Gambarini?
Sono soddisfatta e molto ottimista. Registro
sempre un alto livello di maturità e di attenzione,
i ragazzi si mostrano sensibili e aperti. Nessuna
differenza tra un pubblico di giovani italiani, ame-
ricani o giapponesi: le nuove generazioni sono
decisamente recettive.
È ciò che emerge costantemente anche
durante i seminari che tengo presso
l’Università dell’Idaho. Entusiasmo. E questo
entusiasmo è universale…
È minuta, a guardarla bene, ma non riesci
a vederla per quel che è. Mentre la osservi
ripensi a tutte le foto che hai visto scorrere
sul suo space, e dalle quali non riuscivi a
staccare gli occhi. Era come ammirare Gilda-
Rita Hayworth, la stessa classe di una splen-
dida attrice anni Quaranta. Poi la lasci scivo-
lare via, pensando che quelle stesse foto le
riguarderai il prima possibile, ma stavolta
con una ricchezza nuova: averla ascoltata
cantare, averle parlato, averla sfiorata.
Music In  Aprile Maggio 2008
DUE SUL PIATTO Berardi Jazz ROBERTO GATTO
Connection e Claudio Filippini QUARTET Il ritorno
Senza peli sulla lingua alla mia musica
VIVA LA FACCIA
Ne recensiamo due: «Do It!» della Berardi Jazz Connection e «Space Trip» di Claudio Filippini.
Il primo strizza l’occhio in modo stucchevole ai lounge bar, con fiati da orchestrine estive di piazza, poche idee ritmiche e soli
senza né capo né coda (perdonate la franchezza). Il secondo è di un testardo ventiseienne pescarese con la voglia di novare
accordo, come redattore semplice di
D’ questa rivista le faccio intanto un bel
complimento, alla faccia della partigianeria.
Capita, di recensione in recensione, di dover
(anzi, poter) ascoltare molta musica e alla fine
decidere di che o di chi parlare, fare proposte alla
redazione e così via. Mi viene, tra gli altri, dato
un cd, la Berardi Jazz Connection, per trarne un
profilo e a chi, come Music In, non ha a disposi-
zione 200 pagine di rivista sponsorizzate piace
consigliare anziché sconsigliare.
Insieme mi viene fatto ascoltare l’ultimo lavo-
ro di Claudio Filippini. E allora dico che il primo
non m’è piaciuto e domando se posso ugualmen-
te parlarne. Mi guardano stralunati come se aves-
si chiesto una follia e mi rispondono un imbaraz-
zato «certo che sì». Bene, nicchie di libertà esi-
stono e quindi vado avanti.
Non allungo il brodo, ma constato rammarica-
to che c’è libertà di opinione finchè i bigliettoni,
quelli grossi, non circolano e con loro le tante
pressioni e indirizzi politici che ne seguono per
necessità; visione disincantata e forse cinica, ma
non credo lontanissima dal vero.
Ma andiamo avanti e proponiamo quindi due
recensioni in una, l’abbiamo anticipato: Do it!
della Berardi Jazz Connection e Space Trip di
Claudio Filippini.
Il dato comune è che, per gli addetti ai lavo-
ri, entrambi i nomi non suonano nuovi, stanno
cercando una loro fetta di mercato e di visibili-
tà portando avanti progetti originali, uno spic-
chio di ribalta suonando live come forsennati
per poter accedere ad una platea maggiore,
come è nella fisiologia di chi il mestiere del
musicista vuol tentare. Mi sbaglierò, ma mi
sembra che i primi abbiano con questo lavoro
cercato una più rapida scorciatoia, mentre il
secondo continui ostinatamente a sperimentare,
alle volte con qualche eccesso, ma anche con un
rigore ed una coerenza ai limiti del caparbio e
noi, sognatori e ancorati ai principi, gli speri-
mentatori coerenti piacciono di più.
Però sarebbe bello che i nostri lettori abbiano
la voglia e la possibilità di ascoltarli tutti e due,
perché sono davvero due modi diversi di inten-
dere e di suonare la musica. Perché in entrambi i
ROBERTO GATTO
QUARTET con
GIANLUCA PETRELLA
R oberto Gatto ha la personalità e
l’imponenza della figura leader. E si
è messo alla testa di un quartetto nuovo,
giovane e fresco degno della sua straor-
dinaria esperienza trentennale, della sua
esuberante creatività, della sua impec-
cabile tecnica: Luca Mannutza al piano,
Daniele Tittarelli al sax, Luca Bulgarelli al
contrabbasso. Il quartetto di Traps, suo
ultimo lavoro discografico, per capirsi.
Il disco, dodicesima fatica di Gatto in
qualità di leader, è stato inciso alla fine
del 2006 all’Auditorium della Casa del
Jazz di Roma e rappresenta, dopo esser-
si dedicato al Miles Davis degli anni
Sessanta (A Tribute to Miles Davis 64-
68) un «ritorno alla mia musica».
Brani di impronta jazzistica tradiziona-
le, da spingersi fino agli anni Trenta, ma
anche pezzi che sembrano estrapolati
da un film, frammisti ad atmosfere da
Nord Europa. In scena all’Auditorium
Parco della Musica il 23 aprile, il grup-
po si presenterà insieme ad un ospite
eccezionale, il trombonista Gianluca
Petrella. In cin-
que sul palco
quindi, per
esprimersi al
meglio attraver-
so questo ulti-
mo, validissimo
lavoro del batte-
rista jazz che
più ci invidiano
al mondo.
PAOLO RECCHIA E DADO MORONI È la storia della rea-
SUGAR BLUE BAND lizzazione di un disco. Non di un disco qualsiasi, ma del primo
Datemi un’armonica disco della carriera di un giovane sassofonista promettente
casi, e questa è l’altra analogia, abbiamo a che
fare con musicisti coi fiocchi, gente che ha stu-
diato, che la musica la vive con passione e che
ama strapazzarla perché si diverte come un bam-
bino a suonare. Viva la faccia.
Epperò, la Berardi strizza l’occhio in modo
spesso stucchevole a un certo lounge bar, a sono-
rità cui siamo stati abituati - ai vertici - dagli Us3
ma che di originale hanno davvero molto poco.
Divertenti a un primo ascolto, al secondo
annoiano, nel terzo - per mestiere - iniziamo a
notare una profonda sciatteria degli arrangia-
menti con fiati spesso e volentieri fatti suonare
all’unisono come le orchestrine estive di piazza,
poche idee ritmiche e, a fronte di grandi virtuosi-
smi solistici, un’interplay del tutto assente con
soli che, perdonate la franchezza, non hanno né
capo né coda e che, una volta finiti, ti domandi
cosa ti abbiano lasciato o cosa ti abbiano voluto
raccontare. Ci sono anche cover come quella di
Change dei Tears For Fears, e lì le cose quasi
PAORL O R E C C
OSE E SPINE
H I A
Una storia fatta di volontà ed affetti, un cd di otto brani, un lieto fine dal sapore nostalgico.
Ma Paolo si incupisce quando ammette che sì, si trasferirebbe all’estero. Con una timida alzata di spalle
O tto brani otto.
Nell’ordine:
One for Rick, Blues
for Nik, Isfhan,
November, Boule-
vard Victor, Central
Park West, ‘Round
the Room, A Nigh-
tingale Sang in
Berkeley Square.
Paolo Recchia
sax alto e soprano.
Dado Moroni piano-
forte. Marco Loddo
contrabbasso.
Nicola Angelucci
batteria. Grazie tan-
te alla famiglia, agli amici musicisti e ai colle-
ghi. Bravo Paolo. Ma procederemo per fla-
shback. Perché questa è la storia della realizza-
zione di un disco, e non di un disco qualsiasi,
bensì del primo disco della carriera di un giova-
ne sassofonista promettente.
È una storia fatta di forza di volontà e di
affetti, di stima e di difficoltà, di fortuna e di
rischio, di fiducia in sé e nei musicisti che hai
scelto... e di molto altro.
Le sue origini sono lontane ma non troppo,
perché Paolo Recchia nasce a Fondi nel 1980,
località non distante da Roma, ma culturalmen-
te ad anni luce dalla capitale. Paolo il jazz lo
ama da sempre. Il padre suona il clarinetto nella
banda del paese e a casa c’è un sax inutilizzato.
Sin da piccolo, studia il sassofono ad intermit-
tenza (l’altra passione che lo assorbe è il cal-
cio), entra poi a sua volta nella banda e a quat-
tordici anni inizia a frequentare il
Conservatorio di Latina. È dura avvicinarsi al
peggiorano con un tentativo di groove che non
decolla mai e fa rimpiangere i «tiri», forse tutti
uguali, ma incredibilmente potenti degli
Incognito che con questa musica sono diventati
ricchi e famosi.
Sull’altro «piatto» del nostro lettore cd mettia-
mo su Claudio Filippini, il giovane pianista che
sta sempre più attirandosi i consensi di pubblico
e di critica. Noi seguiamo i più pedissequamen-
te. Abbiamo già avuto modo di ascoltarlo live e
vedere un musicista di questa levatura che, anzi-
ché mettersi a far turni di registrazione o fare il
musicaio di professione, si butta in una speri-
mentazione ricchissima di citazioni, di cultura
afroamericana, di swing che è sempre al servizio
dell’improvvisazione.
Le strutture sono solo apparentemente nasco-
ste con stilemi e concezioni da free jazz, in real-
tà l’album in trio con Luca Bulgarelli e Marcello
Di Leonardo è interplay pura, l’elettronica non
crea una frattura con il jazz della tradizione, ma
ne diventa un arto artificiale eppure servente.
Ascoltare la ultrarivisitata Body and Soul piazza-
ta come prima traccia per capire di che stiamo
parlando. Tanto di cappello. E all’ispirazione e
alla fatica compositiva che deve averne compor-
tato la registrazione.
Ecco, il modo furbetto da strizzatine d’occhio
al pubblico dei non più giovanissimi che però
amano ballare i retaggi del «bbuddabbarr» ci
sembra il modo più diretto per svilire dei gran bei
talenti come quelli dei ragazzi della Berardi Jazz
Connection e, con fare paternalistico, siamo
dispiaciuti per questo «figlio» intelligente ma
pigro, che siamo certi poter dare tanto di più. Di
Filippini, invece, testardo ventiseienne pescarese
con la voglia di novare diciamo bene e invitiamo
caldamente a comprare il cd, ascoltarlo con
attenzione e poi soprattutto ascoltarlo dal vivo
allorquando dà il meglio di sé.
Questa rivista ama consigliare più che sconsi-
gliare, l’abbiamo detto in premessa. Ecco il con-
siglio: ascoltare sempre più musica, possibil-
mente dei giovani talenti, e saper distinguere le
patacche dalle pietre preziose.
Paolo Romano
jazz in un clima in cui la musica classica è la
legge e sei costretto a passarti sottobanco i
dischi con i compagni. I primi amori: Charlie
Parker, Massimo Urbani, Michael Brecker, ma
la vera folgorazione è stata ascoltare un concer-
to di Rosario Giuliani.
Come nasce l’idea di comporre? Viene dal-
l’ascolto, dall’esperienza. Inizialmente si vuole
solo suonare ed improvvisare. I pezzi più datati
hanno anche tre anni, da quando esattamente
Paolo ha iniziato a suonare con Nicola
(Angelucci) e Marco (Loddo). L’ispirazione è
tratta dal jazz tradizionale, di John Coltrane
come dei grandi musicisti odierni. I pezzi ven-
gono scritti, portati in sala e provati, ognuno
mette del suo. Il tutto con estrema naturalezza e
spontaneità. Affinché il risultato sia il più sem-
plice possibile, fluido, comprensibile, senza
forzature.
Tutto ciò è possibile se tra te e gli altri musi-
cisti c’è una totale sintonia, e tra questi tre
musicisti si è creata grazie alla comune vena del
«jazz dello swing», quello dei tempi d’oro. La
cultura vera del jazz. E da parte degli altri com-
ponenti c’è una totale fiducia in Paolo, la perce-
zione che il suo sia un talento vero.
Il giovane sassofonista si trasferisce a Roma
non più di quattro anni fa. E c’è stata in questo
preciso momento una figura rilevante per la sua
formazione e cultura musicale: Aldo Bassi, con
il quale ha suonato per la Big Band del Saint
Louis. Si sono conosciuti nel 2000, hanno par-
tecipato insieme alle jam session e in seguito
Paolo Recchia è stato invitato a prendere parte
al suo quintetto (fratelli Jodice, Renzi,
Rosciglione).
Il momento di Paolo è arrivato nell’estate
2003, con una sostituzione di Gianni Oddi a
JAZZ
& blues
SUGAR BLUE BAND
Date a James Whiting un’armonica e
vi sembrerà di partire per un viaggio ai
confini del mondo. Ascoltatelo. È il Blues.
E se ti scuote, il blues è in te, ti scorre
nelle vene, è nascosto e sopito in angoli
reconditi, ma riaffiora e non può non farti
intendere la vita come un fiume in piena.
Non a caso si dice che sia il Blues a sce-
gliere il musicista e non viceversa: qui
anche lo strumento ci ha messo del suo,
e l’armonica ha scelto il proprio adepto.
Ultimo preambolo: state per ascoltare
James Whiting alias Sugar Blue, definito
«il Charlie Parker e il Jimi Hendrix dell’ar-
monica».
Il nostro armonicista nasce e cresce
ad Harlem, New York, ascoltando Billie
Holiday, James Brown e il be-pop dei
dischi jazz di famiglia. La madre cantan-
te e ballerina gli dà un’impronta ben pre-
cisa e James sa da sempre che vivrà di
creazione musicale e arte. Il suo è stato
un percorso atipico: Dexter Gordon e
Lester Young i primi miti, suona con
nomi celebri quali Muddy Waters e
Brownie McGhee appena diciottenne,
approda in Europa a 26 anni dove colla-
borerà fruttuosamente con i Rolling
Stones. Al rientro negli States suona con
Willie Dixon e nell’ 83 formerà la sua
band. Collaborazioni con Frank Zappa,
Bob Dylan, B.B. King, Art Blakey, Stan
Getz e molti, molti altri, mentre scopre di
avere anche una voce straordinaria, ad
impreziosire il traboccante talento.
Ma attenzione, linguaggio musicale
tutt’altro che semplice il suo. Suono che
esce dall’armonica nuovo e diverso gra-
zie a un’estenuante sperimentazione e
ricerca, e conoscenza di tutta la musica:
jazz, funk, classica, folk, rock and roll.
Musica buona, perché Sugar Blue distin-
gue la qualità: «ci sono solo due tipi di
musica. Buona e cattiva».
Il suo concerto a Roma il 12 aprile.
Con la volontà di smentire una consuetu-
dine che non fa onore al nostro Paese,
quella di relegare nell’ombra il grande
Blues.
DIMMI DI SI 12 APRILE
Villa Celimontana nell’Orchestra Jodice-
Corvini. Lui lo chiama «il suo ingresso in
Nazionale» e da ora in poi è un susseguirsi di
concerti fruttuosi, tutti nell’area romana.
La scelta di Dado Moroni quale pianista per
questo primo, prezioso disco, è stata quasi
casuale. Alessandro Bravo, come pianista stori-
co del quartetto di Paolo, con il tempo ha avuto
esigenze differenti dal resto del gruppo, le stra-
de si sono divise e per qualche mese Luca
Mannutza ha preso il suo posto. Per problemi
organizzativi non ha potuto incidere il disco e a
questo punto Nicola ha suggerito Dado Moroni,
dopo esserne rimasto affascinato durante una
sostituzione di Roberto Gatto.
Nel giro di due mesi il disco è fatto.
Inizialmente il prodotto è stato inviato
all’estero, in seconda battuta alle case discogra-
fiche italiane. È stato accolto con entusiasmo
dalla Via Veneto Jazz, ottima ed importantissi-
ma casa discografica nazionale, con un ottimo
catalogo (Fresu, Rava, Salis, Girotto, Basso…).
Distribuzione Emi Music, in uscita il 14 marzo.
Questa è una storia a lieto fine.
Ma i racconti di Paolo sono fatti di rose e di
spine. Ha parlato delle difficoltà che un vero
jazzista incontra nel nostro Paese, di quanto sia
ingiusto veder faticare i tuoi colleghi che hanno
talento da vendere, di come nei festival jazz ita-
liani si stiano facendo strada musicisti che con
questo linguaggio musicale hanno poco a che
fare.
Si illumina parlando dei viaggi fatti a New
York ed in Francia. Si incupisce quando ammet-
te che sì, si trasferirebbe all’estero. Con una
timida alzata di spalle.
Rossella GAUDENZI
 PRMAGGIO
IMO
a cura di CORINNA NICOLINI
CAMBIARE MUSICA IL PRIMO MAGGIO
P rimo Maggio: grande festa in musica, che anno dopo anno riesce a far battere i cuori di
tamenti compíti. Centro di Roma, ma anche centro di tutte le piazze italiane, le piazze più belle
e quella di San Giovanni circondata da bellezze storiche e artistiche. Il connubio tra lavoro e
musica è più stretto il primo giorno di maggio da quando si festeggiano i lavoratori e si ricorda-
no le origini di lotta per i diritti dell’uomo - ma ascoltando musica com’è giusto che sia: gratis.
Coordinatore del Dipartimento Organizzazione della Cgil, un’opinione in merito al Primo Maggio,
che è sí giorno di festa e di spettacolo ma anche momento sindacale importante, ricordando
che il tempo libero è un privilegio acquisito solo di recente che prima non tutti potevano per-
mettersi; e la musica un linguaggio universalmente compreso ma che è, in alcuni Paesi, vieta-
to. Lo spettacolo cominci.
RAFFAELE BONANNI:
LIBERI DI AGGREGARSI
INTERVISTA AL SEGRETARIO GENERALE DELLA CISL
A CURA DI ROMINA E GIOSETTA CIUFFA
Il Primo Maggio, festa dei lavoratori ma
anche festa della musica: i musicisti allora
vengono festeggiati due volte in un colpo
solo. E sono proprio tra i lavoratori meno
«felici» e meno completi: iniziative in aiuto
del settore?
Il Primo Maggio è la festa del lavoro e il sin-
dacato si mobilita per difendere i diritti di tutti i
lavoratori. Musicisti compresi. Nel caso specifi-
co, la Cisl si sta battendo contro la precarietà del
lavoro anche nel settore dei musicisti, per dare
maggiori tutele previdenziali e maggiore salario
sul piano economico a chi è più flessibile.
Quest’anno, poi, il tema della manifestazione
politica che faremo il mattino a Ravenna sarà la
sicurezza sul lavoro. In Italia ci sono troppi
morti sul lavoro e dobbiamo fare qualcosa tutti
per fermare questo massacro continuo. Credo
che sia un tema molto sentito anche tra i giova-
ni musicisti italiani.
Nonostante la musica sia il massimo momen-
to di elevazione spirituale umana, è luogo
comune credere che chi ne faccia sia un
disoccupato, anche fannullone. Fare musica
per non lavorare. Dunque, i musicisti: scio-
perare o scioperati?
È un’analisi che non condivido. Ho avuto sem-
pre rispetto per chi fa musica, che è impegno, stu-
dio, pazienza. Ma quali fannulloni? Magari tutti
i giovani studiassero uno strumento musicale! La
considero una delle espressioni artistiche più
belle e utili perché può raggiungere tutti: giova-
ni, anziani, ricchi, poveri. La musica unisce.
Se quello del musicista non è considerato un
mestiere, il musicista non è un lavoratore.
Anche se lo fosse, non avrebbe risorse finan-
ziarie per mantenersi e ha bisogno di un
secondo lavoro (che, comunque, non è facile
trovare). In che modo possono essere incenti-
vati i musicisti-lavoratori?
MARCO DI LUCCIO: GIOVANI,
PRECARI, RICATTABILI
A CURA DI CORINNA NICOLINI
Ogni anno le associazioni sindacali scelgono
un tema centrale per la manifestazione. Qual
è quello di quest’anno?
Il tema sarà quello della Sicurezza sul Lavoro.
Ogni anno, in occasione della ricorrenza, si
organizza una manifestazione nazionale in una
città italiana diversa. Quest’anno abbiamo scelto
Ravenna, in nome del ventennale dell’incidente
della Mac Navy che avvenne al largo della costa.
Molti lavoratori e immigrati morirono per caren-
ze di apparecchiature di sicurezza. Inaccettabile
che ancora oggi si registri una media di 3-4 morti
ogni giorno per incidenti sul lavoro.
Il concertone è un evento dei e per i giovani.
Quanto sono attivi i ragazzi di oggi nel
mondo sindacale?
Molto, e hanno vivo il senso della solidarietà
e della partecipazione malgrado spesso si dica
il contrario. Il vero problema è che le loro con-
dizioni sono precarie e non possono far valere i
propri diritti, in quanto troppo facilmente ricat-
tabili dai loro superiori e privi di ogni tutela.
Ma quando si apre un dialogo con i giovani c’è
sempre una bella risposta, nonostante il lin-
RAFFAELE BONANNI, CISL: MARCO DI LUCCIO, CGIL:
L’intervista al segretario generale L’intervista al coordinatore organizzativo
chi sa ascoltare in libertà. Liberi pure da biglietti esosi, palazzetti della musica e compor-
Music In ha chiesto a Stefano Bonanni, segretario generale della Cisl, e a Marco Di Luccio,
La musica può essere un mestiere a tempo pieno
e può essere solo un hobby. Perché diventi una
professione c’è bisogno di talento, passione,
caparbietà. Non si diventa musicisti per caso.
Purtroppo in Italia si fa troppo poco per i musi-
cisti. La scuola fa troppo poco. L’educazione
musicale andrebbe incentivata e sostenuta anche
dopo la scuola media. La cultura musicale
andrebbe meglio diffusa perché rappresenta
l’anima di un Paese.
Nel caso del Primo Maggio, la musica è stru-
mento per aggregare o l’insoddisfazione
laburistica è forza a se stante? In altri termi-
ni: perché utilizzare la musica per smuovere
i giovani e radunarli in una piazza, quando
poi non si riesce a tirarli fuori dal problema
di base, la disoccupazione e la frustrazione
lavorativa italiana?
La musica è un’espressione artistica, ma è
anche momento di aggregazione popolare e
sociale. Per questo, i sindacati hanno ideato il
concerto, un’idea importante e di grande succes-
so. La musica è uno straordinario veicolo di
comunicazione e di coesione tra le generazioni e
le classi sociali: non esiste uno strumento più
libero e democratico. Altra cosa è comprendere
e risolvere il disagio giovanile, che il sindacato
affronta da sempre con le sue proposte concrete,
la militanza, le associazioni diffuse nel territo-
rio. Ci vuole una politica a favore dell’occupa-
zione dei giovani, con tutele maggiori e un sala-
rio adeguato. Questa è per la Cisl una priorità.
Ogni anno tante polemiche sul Primo
Maggio: non si possono evitare?
Purtroppo a volta capita che qualcuno beva
una birra di troppo. Come è accaduto l’anno
scorso. Ma i giovani, si sa, a volte esagerano. Da
quest’anno faremo firmare agli artisti un codice
etico che dovranno rispettare, proprio per evita-
re cadute di stile ed esternazioni personali.
INTERVISTA AL COORDINATORE DEL DIPARTIMENTO ORGANIZZAZIONE DELLA CGIL
guaggio sia diverso com’è normale in un con-
fronto generazionale.
E la musica può essere il linguaggio comune?
La musica è un linguaggio trasversale. I
ragazzi che vengono in piazza urlano a squar-
ciagola sulle voci degli artisti e quando, tra un
pezzo e l’altro, i nostri conduttori fanno inter-
venti di natura sociale e politica, il riscontro è
immediato. Partecipano esprimendo una cora-
lità di sentimenti verso i valori importanti. E
sempre in maniera pacifica e gioiosa.
Quanto è difficile organizzare in Italia delle
manifestazioni sindacali senza incorrere
nelle censure della Chiesa?
A noi delle censure interessa poco. Un anno
la Rai addirittura chiese di mandarci in onda
con due o tre minuti di differita. La nostra
risposta fu categorica. Il Primo Maggio è - e
deve rimanere - una festa e la musica non ha
niente che possa essere censurato. Nel terzo
millennio e dopo più di sessant’anni di repub-
blica e di libertà democratiche, la loro richiesta
ci fece anche sorridere.
Come riuscite a finanziare un evento di tali
È il caso di dire che bisogna «cambiare musi-
ca». Da quale genere partirebbe la Cisl?
Rock per aggressività e forza, Jazz per
improvvisazione o Classica per serenità?
Per quanto mi riguarda preferisco da sempre
il jazz. Ma per la Cisl, essendo un sindacato
sostenitore della concertazione, credo che si
adatti meglio l’armonia e la grande completezza
artistica della sinfonia classica.
Non a caso, la sede della Cisl era la vecchia
villa di Pietro Mascagni. Abbiamo persino ritro-
vato un manoscritto inedito, durante i lavori di
restauro della nostra sede, Il Nerone, un’opera
scritta da Mascagni durante gli anni del fasci-
smo.
La musica ha partito?
No. La musica non ha partiti. La musica è di
tutti, senza distinzioni ideologiche.
Lei è amico di Danilo Rea e di Stefano
Bollani, grandi classici del jazz. Raffaele
Bonanni e la musica: che filo c’è?
Amici è una parola grossa. Conosco sia
Danilo Rea, sia Stefano Bollani. Li ammiro
molto e vado quando posso ai loro concerti.
Suono la chitarra e l’organo da quando ero
ragazzo e frequento quando ho tempo i locali
storici a Roma e Milano, dove si esibiscono i
grandi del jazz italiano ed internazionale.
La musica ha un ruolo importante nella mia
vita. Quasi quanto la difesa dei lavoratori ed il
sindacato.
dimensioni con un cartellone così prestigioso?
Se dovessimo puntare solo sulle nostre risor-
se economiche senza dubbio non riusciremmo
ad offrire un tale spettacolo. Ci reggiamo sugli
sponsor e sui diritti che la Rai acquista ogni
anno. Inoltre, gli artisti chiedono un cachet
ridotto. Un po’ per sensibilità ai valori sottesi
alla manifestazione e un po’ perché stare su uno
dei palchi più importanti dei nostri anni è un
prestigio anche per loro.
Da qualche anno è nato «Primomaggio tutto
l’anno», il concorso che premia i migliori
artisti della penisola con l’opportunità di
farli esibire sul palco di Piazza San
Giovanni.
Anche questa rassegna ci inorgoglisce molto.
Funziona attraverso meccanismi puliti ed
esclusivamente meritocratici, al sicuro dalle
classiche raccomandazioni. Beh, non è cosa da
niente. E con questa occasione stiamo avendo
modo di scoprire che le realtà musicali emer-
genti valide e interessanti sono davvero tante.
L’Italia è un Paese vivo e la musica lo è anco-
ra di più.
Music In  Aprile Maggio 2008
PRIMO MAGGIO
Chicago 1886. Perché.
REC REC
di Corinna Nicolini
Chicago, maggio 1886: un gruppo di
lavoratori in sciopero per la riduzione
dell’orario lavorativo viene affrontato
violentemente dalla polizia. Il bilancio:
11 morti e centinaia di feriti.
Difendevano i loro diritti. Hanno
perso il diritto inviolabile alla vita. Sì,
perché quando una voce diventa un
coro le mani sulle orecchie non riesco-
no a coprirla e, come una musica, ti
entra nella mente e nel corpo.
Se le gambe non battono il tempo,
allora tremano. Il primo maggio diven-
ta la Festa dei Lavoratori. Perché nes-
suno dimentichi.
Mentre in Europa la festività è for-
malizzata tre anni più tardi alla riunio-
ne della Seconda Internazionale di
Parigi, in Italia ci sono le resistenze del
presidente del Consiglio, Francesco
Crispi. Le istituzioni ordinano di mette-
re lo stereo su mute. Ma il fermento è
ormai attivo anche nel nostro Paese,
quella musica dilaga tra i nostri uomi-
ni. Così il silenziatore non funziona e in
numerosi centri si svolgono manifesta-
zioni. I capitalisti sono costretti ad
aprire gli occhi. E le orecchie.
Nel corso degli anni, accanto alla
lotta per la riduzione dell’orario lavora-
tivo, si lotta per le condizioni di miseria
delle masse lavoratrici, per la rivendi-
cazione del suffragio universale e con-
tro la partecipazione del Paese alla
guerra mondiale.
Finché non arriva il ventennio fasci-
sta: stereo stoppato. Mussolini proibi-
sce la celebrazione del primo maggio e
la festa viene spostata al 21 aprile,
giorno del «Natale di Roma». Sul calen-
dario il 1 maggio non è più rosso e il
rosso vivo in quel giorno è del garofano
all’occhiello, del vino bevuto in allegria
nelle osterie e delle scritte sui muri
che urlano l’opposizione al regime.
All’indomani della Liberazione, il
primo maggio del 1945, i partigiani e i
lavoratori, i giovani di ieri e di oggi si
ritrovano insieme nelle piazze d’Italia.
La musica è tornata, ma qualcosa
ancora non va.
Solo due anni dopo, sempre il primo
maggio, a Portella della Ginestra, gli
uomini del bandito Giuliano sparano
sulla folla che assiste al comizio. La
scissione sindacale è in fermento.
Sarà solo nel 1970 che i lavoratori
di tutte le diverse tendenze politiche
torneranno a onorare insieme la loro
festa e canteranno in un unico coro.
Da allora la scritta Rec non ha più
smesso di lampeggiare.
F.A.T.A.LMENTE
Una rassegna spettacolare che animerà il
Maschio Angioino durante i weekend di Maggio
dei Monumenti per celebrare le diverse fasi
della storia e della storia artistica di Napoli: è
l’essenza del F.A.T.A. Festival, un grande conte-
nitore in grado di coniugare la ricognizione
meditata delle diverse epoche storiche con una
celebrazione gioiosa ed immediata degli ele-
menti naturali. Il F.A.T.A. presenta spettacoli
appartenenti a diversi ambiti artistici e si rivol-
ge sia ai cittadini napoletani che ai turisti italia-
ni e stranieri, mettendo la musica, linguaggio
universale per eccellenza, al centro di molti
degli eventi proposti e dedicando ampio spazio
al panorama musicale campano. Fra gli artisti
che si esibiranno: Avion Travel, Offlaga Disco
Pax, Le loup garou, A Toys Orchestra, James
Senese Acustic Quartet. (V.G.)
OGNI VENERDÌ, SABATO E DOMENICA
DAL 2 AL 25 MAGGIO
Music In  Aprile Maggio 2008
Ppop&rock
OPCK
VASCO ROSSI Banal-geniale. CAPAREZZA Luna-Roma SERGIO CAMMARIERE Nient’altro a cura di CORINNA NICOLINI
esploratore e ritorno che un Cantautore piccolino

VASCO ROSSI
UN DIO NORMALE Corinna Nicolini

IL suo spirito è tutto rinchiuso nel suo nome: normalità e genialità mischiate insieme in un mix
esplosivo di rock ed emozioni. Uno dei cognomi più banali d’Italia si unisce al nome di un
grande esploratore come Vasco De Gama. L’intuizione, che a onor di cronaca è di Jovanotti, rias-
sume bene questo fenomeno che dura ormai da trent’anni e che ha sfornato più di ventitre dischi.
Partito da un paesino dell’Emilia Romagna, Zocca (da leggere rigorosamente con la zeta morbi-
da), ha scalato tutti i pregiudizi di un genere musicale che veniva associato ad uno stile di vita da
scapestrati tutto droghe e sesso libero. Uno che chiama il suo primo gruppo «Killers» un po’ se la
cerca questa reazione. Quando nel 1982 si tratta di andare a Sanremo non ci va con Grazie dei fiori
ma sfoggia un motto alquanto minaccioso: Vado al massimo. Se ne va dal palco col microfono in
tasca, ancora collegato all’amplificatore che cade fragorosamente. E fragorosamente sale il mito
del Blasco. La gente, quella viva, quella fuori dal sarcofago del Festival, se ne accorge e lo premia
facendo rimanere il suo disco in classifica per ben sedici settimane.
L’anno dopo è ancora Sanremo e ancora un titolo provocatorio, Vita spericolata. Penultima nella
classifica degli inamidati spacca in quella delle vendite. È lo stesso anno solare di Bollicine, inno
alla cocaina che vince il Festivalbar. Salire molto in alto a volte può significare anche cadere più
facilmente. E così la droga, che in qualche modo lo aveva aiutato a costruire intorno a sé un perso-
naggio di bello e dannato, lo tradisce nel fiore del suo successo. Il 20 aprile del 1984 Vasco viene
arrestato per possesso e spaccio di sostanze stupefacenti. Da questa seconda accusa viene scagio-
nato ma la prima gli procura due anni e otto mesi con la condizionale durante i quali l’artista si chiu-
de in se stesso cercando di recuperare il suo mondo reale e gli amici veri.
Vasco Rossi risorge e cade mille altre volte. La sua gente lo aspetta sempre. La sua gente lo per-
dona sempre. Sono tutti innamorati di lui i fans, uomini o donne che siano, e lo giudicano con gli
occhi parziali dell’amore. Avete mai ascoltato Gabri? Lui apre la bocca e il pubblico si elettrizza.
Il carisma non si studia né si acquista. Allarga le braccia e intona appena una vocale un po’ allun-
gata, «eeehhhh», ed è sufficiente. Quante note deve infilare Giorgia per strappare un applauso?
Quanti balletti deve sudare Meneguzzi per ripagare le sue teen-agers? Al Blasco basta salire sul
palco per scaldare i suoi stadi.
Perché la sua storia, dopo il buio della prigio-
ne, è fatta di San Siri e Olimpici pieni. È fatta
di Mtv in ginocchio, in attesa che lui conceda
una misera intervista. Buoni o cattivi è l’emble-
ma di ciò che Vasco può. L’album è brutto,
banale, con testi al limite dell’imbarazzante,
eppure vende e l’Italia lo canta a squarciagola
nei suoi live. Live in cui sudano appiccicati tra
di loro ragazzine e signore di quarant’anni, pro-
fessionisti seri e punkabbestia.
Questo immenso sex-appeal, che parte dalle
note e dalle chitarre elettriche e trascende anche l’aspetto fisico ormai toccato visibilmente dagli anni
e dagli abusi, stordisce anche altri artisti. Roman Polanski accetta di girare il video de’ Gli angeli,
nel 1996, scritta per la morte del caro amico Maurizio Lolli e Francesco De Gregori gli lascia «indos-
sare» la sua Generale, che Rossi rockeggia e vocalizza a sua immagine e somiglianza.
Ecco, quella di un Dio moderno è una metafora calzante. Non si discute che possa piacere o
meno; è una fede che o hai o non hai. Chi è fuori da quest’energia nota la voce sempre calante e i
capelli radi di un uomo che a sessant’anni si veste ancora come un ragazzino. Chi è dentro, però,
vede luce e sente note che prendono lo stomaco. Il 29 e il 30 maggio allo Stadio Olimpico di Roma
ci sarà un altro raduno, un altro momento di adorazione collettiva. Sarà l’occasione di constatare
sulla propria pelle cosa significhi avere Vasco Rossi a pochi metri di distanza. Abbiamo iniziato
dicendo che è un uomo speciale, che è anche un uomo banale.
È così. Vasco Rossi è un eroe della gente comune. Forse perché è visibilmente un uomo con tanti
limiti e tanti errori sulle spalle che ha la capacità incredibile di attirare tutti i cuori su di sé.

CAOS COME CAPAREZZA

V iene dalla luna e torna a Roma: Michele Salvemini in arte Caparezza e un concerto
atteso e ironico. L’Alpheus, l’11 aprile, ospita lo spettacolo del rapper più anomalo
della scena italiana. L’artista di Molfetta presenterà il suo nuovo album, Le dimensioni del mio
caos, in uscita l’11 aprile, preceduto dal libro Saghe mentali, disponibile dal 3 dello stesso
mese, in cui la carriera del rapper più anomalo della musica italiana è descritta in quattro
capitoli, uno per ogni disco. La sua avventura parte nel ‘97 quando, dopo aver sfornato il
singolo Donne in minigonne, si accoda al carrozzone sanremese presentando E la notte se ne
va sul palco dell’Ariston; all’epoca si fa chiamare MikiMix e raccoglie timidi consensi. Ma
l’ambito hip hop lo detesta, e anche Michele infondo trova nelle critiche uno spunto su cui
ricostruirsi: saranno i sui riccioli crespi e il dialetto dei luoghi natii ad ispirare la parodia di
se stesso ribattezzandosi Caparezza, ovvero «testa riccia» in dialetto pugliese. E non è solo
la chioma ad essere cresciuta: il nuovo Salvemini diviene ricercatore di sensi e controsensi.
Caparezza?!, album d’esordio della nuova genesi inciso nel 2000, si infarcisce di richiami al
reggae e al drum&bass ed è solo l’inizio di un’ascesa ai vertici delle classifiche. Tre anni dopo
è il tempo di In supposta veritas. E anziché limitarsi a bissare il discreto successo dell’album
precedente, Caparezza sfonda: il suo Fuori dal tunnel diventa tormentone. Ma se il successo
può dare a volte alla testa, il controsenso in questo caso genera nuove metafore: Habemus
Capa, album del 2006, è il «disco postumo di un’artista ancora in vita». I detrattori restano in
netta minoranza, critica e pubblico hanno già dato il verdetto: un successone. Ora Caparezza
torna con un disco che definisce un «fonoromanzo» di cui ogni canzone è un singolo capi-
tolo. Sarcasmo e ironia che si condensano in performance fatte di rock, rap e toni teatrali.
Stefano Cuzzocrea

TRIP MORCHEEBA
era del trip hop non è ancora finita. Non c’è nessun anacronismo nel suono dei Morcheeba:
L’ quello che sembrava essere un progetto legato ai ritmi in voga a Londra alla metà degli anni

PIANO
CAMMARIERE
SPianofiora piano i suoi tasti bianchi e neri.
Canta piano il suo amore elegante.
sorride. Piano si abbandona.
E allora, scuote forte le sue ciocche scure.
Urla forte il suo amore dilagante. Strizza forte i
suoi occhi mentre si accende. Sergio
Cammariere e il suo pianoforte ripartono in tour
per l’Italia, nel suo bagaglio la poesia, la sua e
quelle di Kunstler e di Panella, il jazz della sua
formazione, i ritmi tropicali e le visioni brasilia-
ne della sua contaminazione.
Una voce matura e un’emotività quasi adole-
scenziale incantano il pubblico che ha imparato
ad amarlo nella sua semplicità. Sì, perché lui è
così che si sente: un «Cantautore Piccolino»,
che con timore reverenziale si muove all’ombra
di De Andrè, Sergio Endrigo e Gino Paoli.
Eppure i riconoscimenti non gli sono mancati.
La critica anticipò il grande pubblico e il
2002 fu un anno di targhe e statuette: Premio
«L’isola che non c’era» come miglior album
d’esordio, Premio «Carosone», Premio «De
Andrè» come miglior artista dell’anno, Targa
Tenco come migliore opera prima con Dalla
pace del mare lontano.
Nel 2003 si emoziona davanti alla platea
dell’Ariston di Sanremo con Tutto quello che
un uomo. E allora la gente corre a cercarlo nei
negozi e gli regala un doppio disco di platino.
Intanto Sergio continua ad andarsene in giro
con il suo pianoforte e stringe amicizie e colla-
borazioni con colleghi come Samuele Bersani,
Peppe Voltarelli e Ornella Vanoni.
Nel 2004 esce Sul sentiero e nel 2006 è già il
disco della maturità: Il pane, il vino e la visione
è come una selezione dei migliori jazzisti del
panorama internazionale: Fabrizio Bosso,
Arthur Maya, Jorginho Gomez, Gilberto Gil,
Stefano Di Battista e Roberto Gatto.
Un altro grande amore di Sergio è il cinema e
fa dono delle sue note al film di Mimmo
Calopresti, L’abbuffata, ed ecco un’altra sta-
tuetta: il Festival del Cinema Mediterraneo di
Montpellier lo premia come miglior colonna
sonora. Siamo giunti così ai nostri giorni, che lo
vedono ancora protagonista.
Dopo i lunghi corteggiamenti di Pippo
Baudo, Sergio torna a Sanremo con L’amore
non si spiega, e nel ricordare il cinquecentena-
rio della bossa nova ci porta a casa niente popò
di meno che Gal Costa.
Cantautore piccolino è la sua prima raccolta.
La ascolto e mi rinfresco la memoria. Sono
pronta per il 6 maggio, sussurrerò le sue canzo-
ni dalla mia poltrona dell’Auditorium Parco
della Musica.
Corinna Nicolini
Novanta è stato, invece, un veicolo per trainare uno stile oltre quel decennio con dignità e inventi-
va. Suoneranno il 18 giugno, presso l’Auditorium Parco della Musica di Roma, per presentare al
pubblico il loro nuovo album Dive Deep.
Il disco è il secondo realizzato dopo la scissione dalla caratterizzante voce di Skye Edwards, che
ha accompagnato la band dagli esordi fino al successo ottenuto a livello planetario. Nel preceden-
te The Antidote, i fratelli Paul e Ross Godfrey si erano affidati alle tonalità di Daisy Martey, che
aveva cantato tutti i brani contenuti nell’album. Ma il successivo tour
promozionale aveva già apportato alcune modifiche alla line-up: ad
accompagnarli al microfono durante i concerti c’era infatti la
cantautrice e sassofonista australiana Jody Sternberg.
Tutto ciò è ancora preludio dell’assetto nuovo e dinamico
in cui si rintraccia l’attuale percorso della band. Dive Deep
è infatti un disco duttile e malleabile come l’apporto voca-
le impiegatovi: per comporlo Paul e Ross si sono accom-
pagnati a numerose collaborazioni, come quella con
Judie Tzuke per Enjoy The Ride, primo singolo estratto,
uscito lo scorso 28 gennaio.
Considerata la ricchezza dei talenti che collaborano
nell’incisione, pare costituire ancora un mistero sapere
chi canterà i brani durante il tour dei Morcheeba, ma
resta salvo che le loro canzoni hanno traghettato un suono
da un oceano all’altro, portando il trip hop fuori dalle rotte
consentite e sdoganandolo come uno stile capace di resiste-
re alla transitorietà delle mode.
Stefano Cuzzocrea
RETTIFICA La foto di David Sylvian di Music In n. 3 era di Davide Susa,
l’articolo su David Sylvian era di Eugenio Vicedomini.
 EDGE
AND BACK Music In  Aprile Maggio 2008

FONDERIA Luca Pietropaoli MARLENE KUNTZ

a cura di VALENTINA GIOSA
Intervista a un trombettista che MARISSA NADLER Gotica Inquietitudine sonico- MOJOMATICS
sa fondere l’oro con l’anima tristezza. D’amore e di morte esistenziale Talismano hodoo

 A CURA DI ROMINA CIUFFA  CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA

F O N D E R I A : UNO PIÙ UNO FA TRE

Suonare vuol dire fondere anima e strumento, più strumenti ci sono più anime escono allo scoperto.
La Fonderia è oggi, senza dubbio, uno dei gruppi più colti, meritevoli e audaci della musica romana,
che sa dal Tevere passare all’Aniene e da Trastevere ad Instambul soffiando dentro a un filicorno.

(...) Questo è la
Fonderia. E rimusicazio-
ne di film muti. Dove
eccelle: nel 2001 il pre-
mio per le musiche origi-
nali a Bolzano, al
FestivalRimusicazioni,
per Charcuterie mecani-
que dei fratelli Lumiere
ed Emak-Bakia di Man
Ray, e nel 2003 ad Aosta
il primo premio nella
Sezione Giovani di
Strade del Cinema-Festival Internazionale del Cinema Muto
Musicato dal Vivo, per My Wife’s Relations di Buster Keaton (poi
nel cd Notes on Frame - Strade Del Cinema, 2003). Nel 2004 il
primo posto nelle selezioni regionali di Arezzo Wave e la parteci-
pazione alla compilation ufficiale e al Festival. Qui presenta il
primo videoclip, quello del brano Piazza Vittorio, che viene sele-
zionato per il concorso Capalbio Cinema e riceve il Premio del
Pubblico nella sezione videoclip, a luglio 2005.
Fonderia: cosa fonde?
Invenzioni, reminiscenze, personalità diverse, metalli preziosi.
Come nasce il gruppo e come si evolvono le scelte musicali?
Articolo 1: «La Fonderia nasce nel 1994 come gruppo dedito
all’improvvisazione», attraverso lunghe sessioni di musica libera e
un lavoro di sintesi.
Chi sono i componenti?
Emanuele: l’organizzatore, il pacificatore, il multiculturale;
Stefano: il tenebroso, l’imprevedibile, il competente; Federico:
l’ottimista cieco, l’irrazionale; Claudio: il fricchettone, il combat-
tivo. Ed io alla tromba.
Tromba, filicorno, cornetto, e poi guitar synth, oud, zither, sha-
ker, moog voyager, clavinet, theremin e molti altri: strumenti
da cercare su Wikipedia. Cos’ha ognuno di essi che Miles Davis
non sapeva?
Nulla. Miles sapeva. Sapeva anche che la strada della sperimen-
tazione, della commistione dei generi è quella che non porta mai ad
un vicolo cieco. Molti si sono ispirati a lui. E noi non siamo da
meno.
Mare aperto o fiume?
Se il fiume lo rendi navigabile, puoi viverli entrambi.
Nel primo disco Tevere, in questo Trastevere: come dire, siete
approdati finalmente? O vi siete arenati?
Sono solo due fermate. Next stop: Monti Tiburtini, left side exit.
Fiume Tevere, ma anche Aniene, che è un altro vostro pezzo. Poi
c’è «fili-kudi»: quale mare guarda la Fonderia?
Le distese oceaniche mi affascinano e mi spaventano allo stesso
tempo. Il solo cercare di pensarle nella loro interezza provoca fru-
strazione e sgomento. Ma sapere che, da un momento all’altro, una
nave possa attraccare in porto, carica di spezie esotiche e raccon-
ti avventurosi, nutre la fantasia.
Ascoltarvi e non stancarsi mai. C’è qualcosa di estremamente
ipnotico nella vostra musica: cosa?
La semplicità. Forse a qualcuno la nostra musica non potrà sem-
brare tale: mescolanza tra jazz, elettronica, funk, rock. Sulla carta
sembra un qualcosa di cerebralmente complesso. A mio avviso non
lo è. Le strutture armoniche, le linee tematiche, i supporti ritmici, i
suoni utilizzati: tutto rimanda a una musica fruibile in molte situa-
zioni, senza complicare per stupire o di urlare per farsi sentire.
Fate un genere che è commistione e che molti fanno senz’arte,
suonate e conoscete selettivamente ciò che gli altri creano con
programmi per computer. Si avverte una costante e profonda
cultura musicale e armonica, che fa tenere sempre una mano
sul cuore e l’altra sulla cerebralità. Da impazzire. Che studi ci
sono dietro?
C’è ascolto. In profondità e in estensione. L’osmosi si mette in
atto e i centri della creatività vengono irrigati. Per me un grande
punto di riferimento è Jon Hassell, che riesce ad unire il rigore del
minimalismo strumentale alle invenzioni dei motivi etnici. Ne sca-
turiscono le «musiche possibili» di quello che lui definisce il «quar-
to mondo»: la somma del primo e del terzo.
Commistione vuol dire: a) non saper sceglierne uno (Dubbio
II); b) forza d’eclettismo (Magma); o c) padronanza
(Leonardo)?
d) sedersi e guardare lo stretto di mare tra due continenti
(Istanbul, sul prossimo disco)
Gestalt (più generi che, sommati, danno vita a un genere diver-
so) o mera somma delle parti?
La natura difficilmente si comporta in modo lineare, le cose non
si sommano come libri impilati. E le attività umane non fanno difet-
to a questo principio. Assolutamente Gestalt.
Musica da film, anche sonorizzazioni di muti, e rivisitazioni di
colonne sonore quali Star Wars o Pinocchio. Scegli un film.
Una commedia divertente con implicazioni esistenziali.
Sideways di Alexander Payne, o Play it again, Sam di Woody Allen.
O Alfie, il remake del 2004 con Jude Law.
Siete recensiti con frasi incomprensibili quali: «Sa naufragare
in quiete meditazioni crepuscolari» (Il Mucchio , 6 aprile 2004)
o «alternano squarci d’azzurro a cupe e psichedeliche discese
negli inferi» (Liberazione, 20 agosto 2004), o ancora «espressio-
ne genuina di un atto liberatorio corale» (Rotter’s Club, aprile
2004). Ma le parole povere per descrivervi esistono?
Certo. Ma vanno scoperte. Che ne dici di «Fonderia»?
Oriente o Occidente? Strumenti a est o a ovest?
E perché non Nord-Sud? Si potrebbe passare dalla Norvegia,
dalla tromba crepuscolare di Nils Petter Molvaer al Mali, alla chi-
tarra solare di Ali Farka Tourè.
Influenze di...?
Letteratura, scienza, cinema, cucina, viaggi in furgone, giornate
piovose, erba appena tagliata.
Invitate un artista, del presente o del passato, a suonare con
voi: chi?
Un Dj. Qualcuno molto bravo, in grado di filtrare dal vivo dei
loop presi dai nostri strumenti, di proporre nuovi frammenti ritmi-
ci su cui improvvisare, di «sporcare» la tela con stile.
Infine: quanto individualismo c’è in una fusione?
Tanto. È innegabile ed inevitabile. A volte serve per vincere la
timidezza. A volte è bene metterlo da parte e ammettere che in
fondo il bello della musica è proprio quel senso di comunanza con
le persone con cui la fai.

L’ESTETICA DELLA TRISTEZZA: MOJOMATICS

MARISSA NADLER di Valentina Giosa
di Ersilia Verlinghieri

primo impatto sembrano davvero usciti da

In bilico fra antico e moderno, sogno e realtà, pace e tormento, la

scrittrice, pittrice, cantante e musicista americana si presenta come
uno dei talenti più curiosi della scena indipendente degli ultimi tempi. Un
folk fuori dal tempo, la magia di una voce angelica e una chitarra carez-
zevole come l’acqua di un ruscello che segue il suo corso naturale. Se si
dovesse definire con una sola parola lo stile di Marissa Nadler si potreb-
be pensare proprio all’acqua, elemento femminile per eccellenza, così
puro e limpido quanto imprevedibile e potente.
Un volto angelico incorniciato dai lunghi capelli neri, la pelle diafana
e i tratti delicati: la cantautrice newyorkese sembra giungere da un’epoca
remota per sussurrarci le storie di un mondo sospeso, attraverso sentieri
sperduti e nenie sognanti. Debutta a soli 23 anni con Ballads Of Living
And Dying (2004), una raccolta di Canzoni d’amore e morte arricchita di
due omaggi letterari a Edgar Allan Poe e Pablo Neruda di cui rivisita Hay
Tantos Muertos in chiave fado con un suggestivo accompagnamento d’or-
gano. Dopo un solo anno di distanza esce The Saga Of Mayflower May,
ovvero altre undici ballate eteree e incantevoli con testi gotici e spettrali
che parlano di personaggi fantastici come Mary delle luci gialle, Calico
delle montagne, Shannadeeah che muore in guerra e torna in una bara,
Mr. John Lee e la sua rosa vellutata, Lily e il suo tragico destino.
Risale a pochi mesi fa l’uscita del suo ultimo lavoro, Songs III: Bird On
The Water, pubblicato dall’etichetta inglese Peacefrog Records e prodot-
to da Greg Weeks. L’album, che si avvale anche della collaborazione di
Jesse Sparhawk (mandolino, arpa) e Otto Hauser (percussioni) è la con-
ferma che la deliziosa ed affascinante Nadler è cresciuta sia come musi-
cista che cantante. Restano intatti
i tratti prettamente caratteristici
del suo stile: la forma della bal-
lad, la forza evocativa e quel
magico sentimento di tristezza
che pervade negli scenari delle
sue storie meravigliose.
«Tutto quello che posso dire è di amare molto le canzoni tristi»,
ammette infatti Marissa, «quelle che ti spezzano il cuore. Mi sento come
se non potessi mai avere l’urgenza espressiva di scrivere una canzone
allegra. Si può dire che non abbia familiarità con la felicità, perché subi-
sco l’influenza di tutti i demoni di questo mondo... Adoro l’inverno e mi
sento «fredda» nel cuore. Mi piacciono i paesaggi spogli e surreali, e
anche i miei dipinti sembrano solitari e invernali, come nelle sculture di
Giacometti o negli acquerelli di Turner. L’estetica della tristezza è il mio
terreno prediletto».
Paragonabile a Joanna Newsom, Elizabeth Anka Vajagic e Josephine
Foster per l’unicità di uno stile teso fra folk tradizionale, classicismo e
cantautorato indipendente, a Hope Sandoval dei Mazzy Star e Cat Power
per l’utilizzo della voce e a Leonard Cohen e Joni Mitchell per il sapore
minimale e raffinato della scrittura, Marissa Nadler ci accompagna in un
viaggio che profuma di nuvole e malinconia, in una sorta di «giardino
segreto» dove è difficile non trovarvi armonia e bellezza.
INIT - 8 APRILE
A una di quelle rassegne di rock un po’ stori-
co-tutto anni Sessanta; basta guardare qualche
foto: sfondo bianco e nero, chitarra e armonica,
capelli al vento. Ma, come si infila nello stereo
uno dei loro cd, ci si accorge subito che quella
chitarra e quell’armonica sono capaci di donare
un sound davvero nuovo. E col rock’n roll si
incontrano garage, punk, blues.
Suoneranno al Circolo degli Artisti di via
Casilina Vecchia - «spazio musicale dove avan-
guardia e sperimentazione sono di casa» - i
Mojomatics, che così si fanno chiamare da
Mojo, talismano delle credenze hoodoo.
Veneziani, ma dal sound tutto internaziona-
le. In due bastano a sprigionare un carico di
energia incredibile. Suoni puliti, grande intesa
nell’esecuzione. In più, alle spalle, tournèe in
tutta Europa e cd incisi dal vivo ad assicura-
re l’esperienza giusta per tenere sveglio il
pubblico tutta la notte. «Il rock&roll puro, qual-
cosa che tutti hanno ascoltato almeno una
volta nella vita. Noi facciamo questa musica»,
dichiarano. «Se non piace, continueremo
comunque a farla». Come non detto.
CIRCOLO DEGLI ARTISTI - 19 APRILE

MARLENE SI DENUDA di Lorenzo Bertini

ppuntamento sabato 12 aprile all’Auditorium con i Marlene Kuntz, band tra le più
A importanti della scena alternativa italiana degli ultimi quindici anni, impegna-
ta in queste settimane per i teatri d’Italia nell’Uno Live in Love Tour a presentare
il loro ultimo disco Uno. Versione inedita e suggestiva quella teatrale, per un
evento che si annuncia, secondo le parole del leader Cristiano Godano, «ricco
di poetica e di tensione», e che ha già fatto registrare il pieno nelle altre date.
La dimensione nuda e unplugged è anche quella che meglio si adatta alla
resa stilistica di Uno, settimo capitolo di una serie che ha visto la band cunee-
se (nel frattempo allargata a cinque elementi, con l’inserimento del
violinista/tastierista Davide Arneodo e del bassista Luca Saporiti, accanto alle altre
due presenze storiche di Luca Bergia, Riccardo Tesio), attraversare sonorità differenti,
quelle noise degli esordi di Catartica sino alle deviazioni livide e metalliche di Ho
ucciso paranoia, passando per collaborazioni importanti come quelle con Skin,
seguendo sempre un percorso rigoroso di ricerca emotiva e artistica.
Oggi, con Godano sulla soglia dei quaranta, l’inquietudine sonico-esistenziale che per-
meava ancora il precedente Bianco Sporco dei Marlene sembra approdare a una visione
più serena e pulita delle cose e a declinazioni più autoriali, intimiste ed eteree, che d’al-
tronde sono sempre state ben vive nelle loro corde. Ascoltare, tra tutte, la liturgia quasi fer-
rettiana di Musa («È una questione di qualità», sembra suggerire Godano nei primi versi),
la fluttuante e ipnotica title track Uno, o la bellissima soffusa Ballata dell’ignavo.
Non a caso l’album vede la collaborazione di Paolo Conte in Musa (affinità di
terre), e di Greg Cohen, contrabbasso di Tom Waits, oltre al contributo letterario di
scrittori come Stefano Benni, Carlo Lucarelli, Tiziano Scarpa, Enrico Brizzi,
Emidio Clementi. Uno sarà al centro della prima parte del concerto, mentre la
seconda verrà dedicata alla rilettura acustica dei pezzi del passato, da Nuotando
nell’Aria a Lieve e Come stavamo ieri, e vedrà inoltre omaggi a Gaber (Libertà),
Diaframma (Siberia) e Pfm (Impressioni di settembre).
AUDITORIUM - 12 APRILE
Music In  Aprile Maggio 2008
EDGEAND BACK
ADAM GREEN Voglio fare un album che
sia perfetto per essere ascoltato mentre si DISSONANZE Dove la musica MUCCASSASSINA Dalla
guida per la campagna incontra la sperimentazione Troya de Ibiza al Closing Party

XIU XIU
GREEN AS LOVERS
IN CAMPAGNA di Francesca Di Macco
di Valentina Giosa
anno più volte cambiato formazione, ma

L o avevamo apprezzato grazie a Gemstones (2005) e Jacket Full Of Danger (2006) dove il
genio creativo, la verve dissacratoria, la malizia e la provocazione del ragazzino newyorche-
H l’anima è rimasta la stessa. Quella con-
troversa e sofferta di Jamie Stewart, cantautore
se ci avevano già ampiamente conquistato. «Il genere del cantautore confessionale mi disgusta, e fondatore del gruppo. Gli Xiu Xiu nascono a
è gente che vomita le proprie emozioni in faccia al prossimo», aveva affermato ai suoi esordi da San Jose, California, tra le band indipendenti
solista confermando un vero e proprio rifiuto per la categoria del songwriter «classico». Peccato americane, ed oggi sono in tour con il loro set-
che Adam Green sia adorato ancora solo negli Stati Uniti fatta eccezione per Germania e timo album Women as Lovers. Quattordici brani
Inghilterra. L’esibizione del Circolo degli Artisti sarà perciò un’occasione da non perdere. Soltanto in cui si ritrovano molte delle sfaccettature di
due le date italiane per il capostipite della nuova generazione «anti-folk» (01/05/2008, quest’anima: punk rock, dark-wave, noise rock,
Roma@Circolo degli Artisti; 02/05/2008, Ravenna@Bronson) in occasione dell’uscita del suo un po’ di folk e qualcosa di melodico.
nuovo album Sixes & Sevens (marzo 2008 Rough Trade Records/SPinGo) anticipato dal singo- Ma soprattutto si ritrova la durezza della vita
lo Morning After Midnight. e la disillusione nei testi (e nei videoclips, uno
«Voglio fare un album che sia perfetto per essere ascoltato mentre si guida per la campa- per tutti I Do What I Want, When I Want), un
gna», aveva ammesso Adam tempo fa e, proprio com’era nelle sue intenzioni, il disco si presen- linguaggio forte e crudo che denuncia grandi
ta come una perfetta colonna sonora «da viaggio». Rispetto agli album precedenti, Sixes & mali, problemi sociali, sessuali, criminalità e
Sevens è un lavoro più spontaneo e meno impostato. La voce, come dice lo stesso Green, «è più disumanità. Messaggi allucinati, ostinati, con-
da letto che da music hall». Probabilmente l’ex Moldy Peaches non ha più bisogno di dimostrare fusi e tremanti come gli amanti. As Lovers.
le sue doti vocali ormai ben consolidate. Women as Lovers è un album dibattuto,
Influenzato da John Davis (Folk Implosion), Skip Spence, Sly Stone, Rick Shapiro, Wanda incensato da alcuni per l’intensità e il virtuosi-
Jackson, Royal Trux, Buddy Holly, Alejandro Jodorowsky, The Make Up, Steven Jesse Bernstein, smo del sound in continuità con il passato, cri-
Green mescola il rock, il pop e un folk giocherellone alle viole e a i violini della musica orchestrale. ticato da altri che lo trovano, invece, poco inno-
Ma in Sixes & Sevens l’uso del coro gospel della chiesa di Brooklyn dona una componente quasi vativo, un po’ inflazionato e non del tutto credi-
soul al disco con un risultato singolare e bizzarro che partendo da Leonard Cohen arriva sino a bile. Se non in evoluzione, però, va riconosciu-
Richerd Hawley passando per Jack Black (l’attore di School Of Rock che è un suo grande fan), il ta la continua ricerca nelle sonorità che comun-
gusto orchestrale di Randy Newman, le scelte melodiche di Johnatan Richman dei Modern que contraddistingue la produzione artistica
Lovers e l’approccio un po’ intellettuale di Joe Pernice. della band. A dir poco «curiosa» la cover di
L’album, di cui si segnala la partecipazione di David Campbell (arrangiatore anche di Michael Under Pressure riproposta in coppia con
Jackson, Elton John e Beck) è stato registrato a NY in diverse location: l’appartamento di Green, Michael Gira.
il suo studio di Brooklyn, e una scuola per bambini autistici a Jersey, gestita dalla moglie del suo A Roma il 14 maggio, suoneranno al Circolo
storico produttore e amico Dan Myers. CIRCOLO DEGLIO ARTISTI - 1 MAGGIO degli Artisti, dove comunque si vivranno atmo-
sfere intense e mai scontate. As Women.

CORNEA INCONTRA TIMPANO

Un Festival che è linea di frontiera tra suoni, musica visiva e sperimentazioni.
Il 9 e il 10 maggio, a Roma, torna Dissonanze

giorni, 3 palchi e un flusso di musica che si fonde con la mul- performance di grandi nomi dell’arte internazionale. Tra i più atte-
2 timedialità delle arti. Il 9 e il 10 maggio torna Dissonanze, il
luogo in cui la musica incontra la sperimentazione e i nuovi lin-
si, la nuova star dell’arte francese Cyprien Gaillard. Con l’arrivo
della notte Dissonanze si sposta al Palazzo dei Congressi dove
guaggi. Nato nel 2000 come una manifestazione di avanguardia a venerdì 9 sarà on stage Italo&Cosmic Disco, una produzione dedi-
carattere indipendente, il festival è cata alla rivoluzione della musica e del costume
pian piano cresciuto divenendo un italiani degli anni Ottanta, una rivoluzione a colpi
appuntamento imprescindibile di di batterie elettroniche, di look ossigenati e colori
«esperienze» di musica visiva, pastello che ha avuto tra i più attivi protagonisti
spettacoli totali di sperimentazio- Daniele Baldelli alla console della Baia degli
ne fra suoni, immagini e architet- Angeli e del Cosmic e Alexander Robotnik, vera
ture degli spazi. Nel 2005 icona electro-pop con il suo classico Problèmes
Dissonanze ha così conquistato la d’amour. A condividere il palco di Dissonanze con
cornice ideale del suo progetto Baldelli e Robotnik ci saranno Francisco e
artistico, quella del Palazzo dei Rodion.
Congressi.
Ambientato a Roma, il cui
Nella serata di sabato 10 maggio si approda alle
calde sonorità di Brasilin Time un progetto multi-
vieni a
fascino storico crea quel legame
sottile e imprescindibile fra la tra-
mediale che ha debuttato a San Paolo e che per la
prima volta viene presentato in Italia. Protagonisti
volare
dizione e l’avanguardia, è una della produzione sono Madlib e J.Rocc-dj, produt-
linea di frontiera in cui la musica è tori e mc, figure di primo piano dell’hip hop ame- WWW.FLYROMA.IT
punto di partenza e luogo di arri- ricano - e tre generazioni di batteristi leggendari
vo, una community in cui artisti e del jazz e della musica brasiliana. Il viaggio dei
spettatori da ogni parte del mondo suoni di Dissonanze dopo l’Italia e il Brasile arri- 19 - 20 APRILE
si incontrano per immergersi nelle va anche in America, precisamente a Detroit, la in Via Prenestina Nuova Km 3 e ogni altro giorno dell'anno
infinite possibilità dei suoni, del- città dove i robots dei Kraftwerk si sono trasfor-
l’arte visuale e di qualsiasi forma mati in cyborg e la musica elettronica è diventata
d’espressione in evoluzione. techno. L’evento di chiusura è stato affidato al live esclusivo dei Nei giorni 19 e 20 aprile la TECNAM presenterà presso
Per l’edizione 2008 si è pensato di aggiungere anche un nuovo leggendari Model 500 di Juan Atkins e Mad Mike Banks (fondato- l'aviosuperficie Fly Roma la nuova gamma di velivoli 2008.
spazio. Oltre l’ormai storico Palazzo dei Congressi e l’Auditorium re di Underground Resistance) e al dj set di Carl Craig. Dissonanze Per pernottamenti e informazioni, tel. 339 5250039.
Parco della Musica (che l’anno scorso aveva ospitato il grandissi- quest’anno si apre anche alla danza con Outre, una performance di Fai il nome di Music In.
mo Karlheinz Stockhausen in prima assoluta) si aggiunge un terzo Array Dance Company, la compagnia di Darren Johnston riconfer-
luogo straordinario: l’Ara Pacis dove per la scarsa disponibilità di mando quel forte interesse, che è poi il suo punto di forza, ad incon-
posti (350) si potrà accedere soltanto per invito (parte dei biglietti tri inaspettati ed influenze reciproche fra le arti, tratti caratteristici
saranno messi in palio online). Aperta sin dal pomeriggio per video della nostra epoca e della nostra cultura.
ed incontri, si trasformerà al tramonto in stage d’eccezione per le Valentina Giosa

GENTILI ASCOLTATORI VOGLIA DI MUCCA

U n gruppo di creativi di Milano uniti sotto il nome di Ideificio,
definito dagli stessi «un’agenzia di idee», ha lanciato una pro-
vocazione dando vita al D-Day, una rassegna di musica per «gentili
ascoltatori». Il messaggio è chiaro: in Italia la sana cultura dell’ascol-
to e del rispetto per chi suona (e per chi desidera ascoltare) è caren-
te e il più delle volte a pagarne le conseguenze sono non solo i musi-
cisti, ma anche e soprattutto la «minoranza» meno protetta e più
bistrattata degli ultimi anni: quella del Gentile Ascoltatore. Il proget-
to è nato ad ottobre dal Dynamo di Piazza Greco a Milano dove ogni
giovedì dalle 22.30 alle 23.30 si può assistere a un’ora di musica
pura, una sorta di performance durante la quale l’unica cosa permes-
sa è ascoltare. Sono tanti i musicisti che hanno preso parte a questa
iniziativa e dalla rassegna è nata anche una compilation. Il CD-Day
è stato stampato in 2.500 copie e distribuito gratuitamente al momen-
to solo nella città di Milano. www.myspace.com/gentiliascoltatori.
V oglia di trasgressione? Esotismo? Divertimento sfrenato? Per soddisfarle tutte la risposta è
Muccassassina, la storica serata danzante capitolina organizzata da ben 17 anni dal Circolo di cul-
tura omosessuale Mario Mieli di Roma, che porta nella Città Eterna i party, i personaggi e i sound più
spettacolari della club culture internazionale. Ambiziosa la proposta per il mese di aprile, quando la
‘Mucca con la falce’ mette insieme, nei tre piani della discoteca Qube, il meglio di Amsterdam e di Ibiza,
mescolando il tutto con seduzioni classicheggianti che arrivano direttamente dal mitico monte Olimpo e
maliziosi inviti fra lenzuola di raso, ricchi di erotismo e con un pizzico di spirito camp: il 4 aprile l’Olympo
Party, l’11 un super guest, Baby Marcelo, con tutto il folle carrozzone della Troya de Ibiza, il 18 aprile A
letto con la Mucca e un White Party il 25. A maggio, il 2 l’appuntamento è con il dj set degli inglesi The
Sharp Boys, il 9 maggio è Gladiator Night mentre il 16 il Fire di Londra si trasferisce eccezionalmen-
te per una notte a Roma. Quindi Mucca Tropical il 23 maggio e, per chiudere in bellezza la stagione
2007/2008 il 30 maggio, una vera e propria summa delle maggiori attrazioni dell’intero anno: il
Closing Party lascerà senza fiato ogni pubblico.
Romina Ciuffa
 Music In  Aprile Maggio 2008

JOE STRUMMER Il futuro non è

a cura di ROBERTA MASTRUZZI
scritto Suona come un vecchio PERSEPOLIS Una nuova Rocky IL TRENO PER DARJEELING
disco di vinile Balboa contro il regime iraniano Estroverso indian-pop

PERSEPOLIS
JOE S e fino ad oggi le note di The Eye of the
Tiger richiamavano alla mente Rocky
Balboa che si prepara per la sua rivincita sul
La musica rispetta questo tentativo e non
cerca facili vie di fuga: il rischio era quello di
creare una colonna sonora scontata, con tratti

STRUMMER: ring, ora qualcosa cambia. Merito di un film e

di una rivincita, quella di Marjane Satrapi, illu-
stratrice di libri per bambini, che sola porta
avanti la propria personale battaglia contro il
marcatamente etnici per richiamare alla mente
atmosfere mediorientali da villaggio vacanze.
La ricerca stilistica di Bernet ha invece portato
alla creazione di un suono nuovo dove Persia e
IL FUTURO regime iraniano con la forza della sua matita e
con ironia e rabbia.
Ne nasce un fumetto che in quattro volumi
Iran, Medioriente ed Europa, passato e presente
convivono in perfetta armonia. Si inizia con
temi delicati e malinconici, simbolo di un’in-
NON È racconta la sua storia, da bambina a donna,
costretta a fare i conti con un Paese, l’Iran, che
sembra non amare molto le
fanzia da ricordare con nostalgia anche se
segnata da eventi drammatici, e si raggiunge il
culmine con la bella e triste
SCRITTO donne, ma non così diverso
da altre nazioni in cui il raz-
zismo è più nascosto, stri-
Dans le Vie
Reencontreras Beaucoup de
Cons che segna il momento
Tu

sciante ma ugualmente del distacco dalla famiglia.

uesta è la storia di John Mellor, che cam-
Q biò il suo nome in Joe Strummer (letteral-
mente «strimpellatore»), fondò il gruppo più
rappresentativo della musica punk - The Clash -
e portò una ventata di rivoluzione negli anni
Settanta londinesi, diventando la colonna sono-
ra delle contestazioni dell’epoca, con brani che
hanno fatto storia: London Calling, Rock the
Casbah, Should I Stay or Should I Go.
I Clash si sciolgono e Joe prosegue il suo
cammino: mette su famiglia, scrive musica per
il cinema e non cede alla tentazione di parteci-
pare a qualche nostalgico raduno per racimola-
re un po’ di soldi e un attimo di autocelebrazio-
ne. Accadrà solo una volta e sarà per appoggia-
re lo sciopero dei vigili del fuoco: lui e Mick
Jones di nuovo insieme per interpretare una
nuova White Riot, dopo più di vent’anni.
Joe Strummer: Il futuro non è scritto è l’ope-
ra cinematografica - definirlo documentario è
estremamente riduttivo - che Julien Temple,
dopo aver raccontato i Sex Pistols, dedica al
leader dei Clash, scomparso nel 2002.
Ognuno ha una personale immagine del para-
diso, e Strummer lo immaginava come un’isola
con tanta gente riunita intorno a un fuoco. È
questo il luogo che il regista sceglie per parlare
di lui. Non si tratta di un rifugio dal mondo, ma
di un punto d’incontro per parlare, scambiare
idee, ritrovare il calore umano e improvvisare I
Fought the Law solo voci e chitarre e ricordare
che la lotta non ha mai fine.
Il film suona come un vecchio disco di vinile
e ha l’atmosfera di una serata tra amici: intorno
al falò arrivano decine di musicisti, amici,
conoscenti, star del cinema.
Dagli ex componenti dei Clash (Mick Jones,
Paul Simonon e Topper Headon) a Bono degli
U2, fino a Jim Jarmusch e Martin Scorsese,
John Cusack e Johnny Depp, tutti hanno un
ricordo, un frammento di vita, una strofa da
condividere. Sulle parole di chi lo ha conosciu-
to scorrono le immagini di filmati d’epoca, stri-
sce di fumetti disegnate dallo stesso Strummer,
riprese amatoriali, immagini di repertorio, foto-
grafie in bianco e nero, brevi fotogrammi di
film.
Il ritmo è serrato, le frasi brevi e incisive,
come i testi di Joe. La sua musica è energia allo
stato puro, vibrazione del corpo e dello spirito,
pulsazioni costanti e frenetiche.
Si inizia con la voce di Strummer, bella e
sporca allo stesso tempo, che incide senza base
un’intensa White Riot.
Dopo due ore di musica - la colonna sonora
non include solo brani dei Clash, ma anche
classici degli anni Sessanta e Settanta che
hanno contribuito alla formazione umana e
musicale dell’artista come Corrina Corrina di
Bob Dylan e Black Sheep Boy di Tim Hardin -
il film si chiude con l’invito dello stesso
Strummer a uscire dal binario del conformismo,
per combattere ogni forma di potere che non
rispetti i diritti individuali. London Calling,
qualcuno risponda.
Roberta Mastruzzi
avvilente. I racconti sono
diventati un film,
Persepolis, e trasportati sul
grande schermo non perdo-
no la loro forza poetica e la
vena ironica anche per il
fatto che l’autrice rifiuta
facili compromessi.
In un’epoca in cui i film
d’animazione fanno a gara
per risultare il più realistici
possibile e stupiscono lo
spettatore con effetti specia-
li e figure tridimensionali
così perfette da sembrare
sbucare fuori dallo schermo,
Marjane sceglie il disegno in bianco e nero per
caratterizzare i protagonisti e i toni sfumati del
grigio per lo sfondo su cui si muovono sempli-
ci figure bidimensionali.
La terza dimensione è invece la musica di
Olivier Bernet, compositore francese che ha
scritto la colonna sonora per il film diretto dalla
stessa Satrapi e da Vincent Paronnaoud.
Perfetta fusione tra tradizione e modernità, la
musica di Bernet punta dritto all’anima della
storia e la asseconda nelle sue pieghe diventan-
do ora serena e spensierata, ora drammatica e
cupa. Marjane cresce a Teheran, conosce la
guerra e il fanatismo religioso, viene mandata a
studiare a Vienna per paura che il suo carattere
agguerrito si scontri con le idee di un regime
che vede nella donna il Male assoluto e la
costringe dietro un velo «simbolo della libertà
della donna» (ma quale libertà è se non posso
scegliere di non portarlo?), ritorna in Iran per
nostalgia per poi ripartire per l’Europa. In que-
sto cammino persegue il difficile tentativo di
trovare un’identità che non sia solo uno stereo-
tipo, ma che rispecchi fedelmente se stessa.
La protagonista vive la
propria adolescenza a
Vienna, una città dove si tra-
sferisce per vivere in libertà
e che invece non riesce ad
accogliere la sua diversità,
emarginandola.
Marjane trascorre il suo
tempo libero nei supermer-
cati e la noia si fa sentire, la
musica lo sottolinea inter-
rompendosi come un disco
rotto che ripete in continua-
zione le stesse note. Poi arri-
vano le prime esperienze, le
amicizie, gli amori e l’alle-
gra Flower Power regala un breve e illusorio
attimo di libertà. Il ritorno a casa è inevitabile e
doloroso. È qui che inizia la rivincita, quasi
urlata in The Eye of the Tiger, cantata e voluta-
mente stonata da Paola Cortellesi che nella ver-
sione italiana presta la sua voce alla protagoni-
sta (nella versione originale francese è Chiara
Mastroianni).
È il risveglio, il momento di combattere,
quello di crescere e diventare donna. Non senza
qualche ferita, perché «la libertà ha sempre un
prezzo da pagare»; quello di Marjane è separar-
si nuovamente dalla sua famiglia e dalla nonna
che l’ha cresciuta nel rispetto di se stessa.
Il finale si chiude proprio con il dialogo tra
Marjane bambina e sua nonna. Golè Yakh è il
brano che chiude la storia: la melodia è prima
accennata da un ingenuo fischiettare per poi
divenire più chiara con l’intervento della chitar-
ra elettrica, alla rabbia si sostituisce la consape-
volezza di sé, mentre petali di gelsomino scen-
dono giù come dolci lacrime d’addio.
Roberta Mastruzzi

LE QUINTE DELLE DONNE
Compositrici colonne sonore cercasi. Il «dietro le quinte» dei set cinematografici
è ancora quasi esclusiva proprietà del mondo maschile: se registe e sceneggiatrici
hanno cominciato a rubare la scena ai colleghi, ancora molto c’è da fare per quan-
to riguarda il cast più strettamente tecnico, come ad esempio la musica da film.
Poche finora le donne che sono riuscite ad emergere in questa professione come
l’inglese Rachel Portman (premio Oscar 2006 per le musiche di Emma), la giappo-
nese Yoko Kanno (definita il «Morricone dell’Estremo Oriente») o la greca Eleni
Karaindrou (compositrice delle musiche per i film più celebri di Theo Angelopoulos
tra cui L’eternità e un giorno).
Il concorso «Sono un’isola: io, donna per una canzone d’autore», giunto quest’an-
no alla quarta edizione, ha deciso di affiancare al premio per giovani cantautrici
anche una sezione speciale dedicata proprio alle compositrici di colonne sonore.
Promosso dall’associazione Bianca D’Aponte, che da anni si impegna nella valoriz-
zazione dei talenti femminili nel campo della musica sotto la direzione artistica di
Fausto Mesolella (Premio Morricone per la miglior colonna sonora 2007 per il film
Lascia perdere, Johnny!), il concorso si rivolge alle cantautrici che scrivono in italia-
no e intende offrire un’occasione importante per esibirsi e farsi conoscere.
Le finaliste scelte da un comitato composto da cantanti, autori, compositori e cri-
tici musicali si esibiranno nella finale del 24 e 25 ottobre ad Aversa; in questa occa-
sione verrà assegnato anche il riconoscimento speciale per la musica da film, su
una selezione di colonne sonore autonomamente acquisite o inviate dalle aspiranti
compositrici. L’iscrizione è gratuita e da effettuare entro il 30 aprile 2008; verran-
no prese in considerazione colonne sonore relative a cortometraggi o lungometrag-
gi, anche inediti.
(R. M.)
IL TRENO PER
DARJEELING
Darjeeling Limited - questo il titolo originale, da noi tradotto «Il treno per Darjeeling»,
The (dal nome del treno diretto dall’India al Rajasthan) - è la nuova pellicola dell’estroverso
regista Wes Anderson, interpretata da Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman. Una com-
media esilarante, davvero fuori dagli schemi, quasi semi-demenziale come nel tipico copione dei
suoi film da Rushmore (1998) a The Royal Tenenbaums (2001).
Tre fratelli che non si vedono mai decidono dopo la morte del padre di fare insieme un viaggio
in treno in India, per visitare la madre e ritrovare il proprio legame. Come le immagini, anche la
colonna sonora si presenta estremamente particolare e - proprio dei film di Anderson - notevole e
decisamente ‘esotica’, denotando una particolare attenzione
messa dal regista nella scelta dei brani. Questo però non sarà
accompagnato dalle musiche di Mark Mothersbaugh. La scelta,
infatti, stavolta è caduta sull’autore indiano al momento più quo-
tato, Satjayit Ray, noto per le sue intense sonorità folk dai con-
torni emotivi, romance&drama, che vede la collaborazione di
Ustad Vilayat Khan e Jyotitindra Moitra.
Atmosfere indiane, speziate e dense di aromi, substantia del
film e della colonna sonora, che passano dai classici come
Ludwig Van Beethoven - Symphony No. 7 in A (Op. 92) Allegro
con brio - e Alexis Weissenberg, fino agli angoli più «easy» della
pop culture di Peter Sarstedt già in Hotel Chevalier (2007), Joe
Dassin e il travolgente indian-pop di Shankar Jaikishan.
Ma, oltre la sperimentazione e un indubbio gusto musicale
frutto di una lunga ricerca, Anderson non ha disdegnato di inse-
rire del buon vecchio british rock, dagli immortali Rolling Stones
ai Kinks di Lola versus Powerman and the Moneygoround Part
One del 1970, This Time Tomorrow e Strangers, brani che enfa-
tizzano il film, lo rendono malinconico, originale e frizzante, con
l’effetto finale di un’ottima colonna sonora, grazie anche alla
supervisione e alla produzione di Randall Poster, il supervisor di
tutti i film del bizzarro regista/sceneggiatore di Houston. Nelle
sale dal 24 aprile.

Flavio Fabbri
Music In  Aprile Maggio 2008

PATTI SMITH Il documentario DIDATTICA Summer Camp Torna il

Undici anni per capirla LA BANDA Comunicare fra popoli corso di musica multistilistica. Al mare

PATTI SMITH: DREAM OF LIFE LA BANDA

Sarà nostalgia o riproposizione ciclica? Probabilmente entrambe. Grazie alle quali abbiamo un documentario su Patti Smith,
e scopriamo che le piace visitare le tombe per sentire lo spirito della vita e lasciare a suo marito cognac e sigarette
Immagine e immaginario si tingono di rock,
la moda rispolvera il look delle rockstar, il cine-
ma realizza biografie sui musicisti più grandi
degli ultimi tempi. Sarà nostalgia o riproposi-
zione ciclica? Una cosa è certa: l’effetto è
appassionante.
Già nel 2005 Martin Scorsese aveva dato alla
luce No Direction Home sulla vita di Bob Dylan
seguito dal più recente Io non sono qui di Todd
Haynes, dedicato allo stesso artista, e ancora
Control sul leader dei Joy Division Ian Curtis, il
film-concerto degli Stones Shine a Light, CSNY:
Deja Vu firmato da Neil Young nascosto sotto il
nome di Bernard Shankey, l’ultimissimo Il futuro
non è scritto, biografia del poeta punk Joe
Strummer e Patti Smith: Dream of Life, docu-
mentario-tributo alla cantante e poetessa newyor-
chese presentato al Festival di Berlino e vincitore
a Gennaio del premio per l’Eccellenza
Cinematografica al Sundance Film Festival.
Steven Sebring, fotografo di Vogue ed esor-
diente alla regia, ha voluto ripercorrere le tappe
della vita e della produzione artistica di Patti
Smith con testimonianze, esibizioni, musica,
racconti, interviste e filmati di vita privata rac-
colte in undici anni.
«Il processo di scoperta di Patti Smith - affer-
ma Sebring - è durato 11 anni. Io stesso non rie-
sco a crederci, ma ho trascorso un quarto della
mia vita a inquadrarla nel mio obiettivo.
Questo film è anche un modo per trasmettere al
pubblico la mia esperienza».
Realizzato grazie a una tecnica cinematogra-
fica che lo accomuna ai road movies, il lungo-
metraggio raccoglie brani, parole, interviste,
video di concerti e immagini tratte dalla colle-
zione privata di Patti Smith, voce narrante del
film, che la ritraggono in raduni politici, insie-
me alla classe operaia cui appartenevano i suoi
genitori, o con figli ed amici.
Un’originale biografia a più dimensioni,
un’analisi del suo percorso artistico sullo sfon-
do di un’America che stava cambiando sotto la
spinta di diversi movimenti culturali, un’entu-
siasmante commistione di riprese di vita reale e
fittizia, per quasi due ore di film girato in larga
Cosa ci fa la banda musicale della polizia egi-
ziana in una piccola cittadina sperduta nel
deserto israeliano?
Il film di Eran Kolrin La banda, premiato a
parte in bianco e nero. Tra i momenti più toc- Cannes 2007 nella sezione Un certain regard,
canti del film ci sono le visite alla tomba del parte da qui, da un viaggio impossibile e un
marito Fred («Mi piace visitare le tombe di incontro che si rivela invece possibile tra due
amici o di grandi che ho conosciuto. Non sento Paesi in contrasto, Israele e Egitto, da anni di
la morte, ma lo spirito della loro vita. A mio guerra anche senza conflitto armato.
marito parlo delle cose che gli piacciono, gli Negli anni Ottanta - ricorda il regista - le cose
lascio le sue sigarette, il suo erano diverse: ad
cognac»), e il concerto del 1999 a esempio la televisio-
Gerusalemme, durante il quale l’arti- ne israeliana trasmet-
sta lesse i brani della Torah, del teva film egiziani ed
Nuovo Testamento, dell’Islam. essi erano spesso
«Fu una delle serate che non seguiti da un’esibi-
dimenticherò mai, tra il pubblico zione dell’orchestra
c’era gente delle tre religioni, era un dell’Autorità delle
momento in cui era viva la speranza comunicazioni israe-
della pace. liane composta preva-
Durante il concerto mi arrivò la lentemente da ebrei
notizia che mio padre stava morendo, arabi. Poi è arrivato il
e la serata diventò straordinaria, progresso e le centi-
vivevo una forte emozione sociale e naia di canali televisi-
nello stesso tempo una sentimento vi privati, la pubblici-
profondamente personale». tà, i centri commer-
È ovviamente la musica il filo con- ciali, la musica di
duttore di questo meraviglioso ritratto Mtv e la gente ha
di vita: «Ci ho messo anni - ha dichia- cominciato a dimenti-
rato Patti Smith - per decidermi ad care.
aprire i bagagli della memoria, ma adesso ne Così è nata l’idea di un film che rappresenti
sono fiera ed eccitata. Il mio film non è un un tentativo di stabilire una comunicazione tra
documentario sulla mia vita, ma alcuni istanti due popoli distanti tra loro, nella convinzione
delle mie emozioni, parole e poesie. Il mondo è che il cinema e la musica riescano ad unire le
cambiato ma la musica può ancora ispirare, persone di lingua e cultura differenti molto più
cambiare il mondo». profondamente di uno spot di 30 secondi.
Valentina Giosa Roberta Mastruzzi

rilievo

TANKIO BAND the Music of Frank Zappa , 1995), ai brani origina -

La festa continua e raddoppia. Non solo si festeg-
giano i venticinque anni dell’Alexanderplatz, ma si
sceglie una medium band che dello storico locale
romano ha la stessa età. Due gli appuntamenti da
tenere a mente firmati Tankio Band, al timone della
quale c’è, dal 1983, il pianista, tastierista, composi-
tore ed arrangiatore Roberto Fassi. L’ensemble è
stato nel tempo in grado di realizzare progetti viva-
ci, ricchi di estro ed estremamente differenti tra
loro: dal tributo a Frank Zappa ( Tankio Band Plays
li, dall’omaggio ad Eric Dolphy (Tankio Band Plays
the Music of Eric Dolphy, 2005), alla musica da
film. Elemento di forza per l’affiatata band è rap -
presentato dall’apertura nei confronti di ospiti
p r e s t i g i o s i , i migliori nomi del jazz italiano.
L’Alexanderplatz aprirà le porte alla Tankio Band
per onorare Eric Dolphy ed una seconda volta per
esaltare la genialità di Antonello Salis.
TANKIO BAND @ ALEXANDERPLATZ
26 APRILE PLAYS THE MUSIC OF ANTONELLO SALIS
16 MAGGIO PLAYS THE MUSIC OF ERIC DOLPHY

DIAMO I NUMERI
Un’esperienza musicale distante da Roma. Il Saint Louis
College of Music dimentica la metropoli e trasferisce baracca e
burattini e alcuni tra i propri docenti per un progetto didattico
a San Benedetto del Tronto, in provincia di Ascoli Piceno. Tutti
al mare l’ultima settimana di agosto, ma rigorosamente duran-
te le pause. Poiché il Summer Camp, corso di musica multistili-
stica giunto alla terza edizione, prevede un impegno full
immersion, affidando oltre sei ore di corso quotidiane a pro-
fessionisti di fama nazionale ed internazionale. Ad ospitarlo, il
Consorzio per l’Istituto Musicale A. Vivaldi.
Lezioni di strumento, armonia, laboratori di musica d’insieme, laboratori specifici, Music
Technology. In chiusura, due serate di concerti: la prima affidata ai docenti, e la seconda ai grup-
pi formatisi durante il corso. Docenti di eccellente livello, una settimana di corso intensivo, costi
competitivi (il Saint Louis ringrazia a tale proposito il Comune di San Benedetto del Tronto e la
Provincia di Ascoli Piceno per il Patrocinio ed il contributo economico devoluto, volto ad avvici-
nare alla musica un elevato numero di appassionati).
PIANO JAZZ E ARMONIA: PIERPAOLO PRINCIPATO; TASTIERE: JOSÉ FIORILLI (TASTIERISTA DI LIGABUE); BASSO: GIANFRANCO GULLOTTO E
SATURNINO; BATTERIA: CLAUDIO MASTRACCI; CANTO: MARIA GRAZIA FONTANA E MARCO D’ANGELO; CHITARRA: LELLO PANICO E STEFANO
MASTRUZZI; SAX E LABORATORI DI MUSICA D’INSIEME: MICHEL AUDISSO; MUSIC TECHNOLOGY E LABORATORI DI MUSICA D’INSIEME: ROBERTO GIGLIO

DAL 23 AL 30 AGOSTO, SAN BENEDETTO DEL TRONTO (AP). PER INFORMAZIONI: WWW.SLMC.IT
 MUSICALL
a cura di ROMINA CIUFFA THE BEGGAR’S OPERA
Un’opera da quattro soldi
 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA
DALLA AI MENDICANTI
Il primo musical della storia, o meglio, la prima «ballad opera», un genere di teatro musicale dell’Inghilterra del XVIII secolo.
La scrisse John Gay nel 1728 e la ripresero Brecht e Weill con intento provocatorio nei riguardi dei borghesi.
Oggi,Lucio Dalla la usa per unire - in bolognese e al suo modo - mendicanti ed èlite, snobbando il Teatro Comunaale
e la «gente impellicciata» che lo frequenta.
Peppe Servillo, cantante degli Avion Travel
e ottimo attore, e Angela Baraldi, jazzista
ma anche attrice protagonista del film Quo
Vadis, Baby? di Gabriele Salvatores, sono
accompagnati sulla scena dall’orchestra del
Teatro Comunale di Bologna diretta dal
maestro Giuseppe Grazioli, e da voci della
lirica come quella di Borja Quiza Martinez.
Lo scenario si sposta dalla Londra dei
bassifondi di Gay a una città italiana di
oggi, forse Bologna, ma potrebbe trattarsi
di una qualsiasi città dei giorni nostri con il
suo lato oscuro, fatto di ladri, prostitute,
imbroglioni e ricettatori. La vicenda rima-
ne la stessa.
( . . . ) La The Beggar’s Opera di John Gay Cambiano i linguaggi. Molti personaggi
del 1728, di cui la nuova edizione diretta da parlano in dialetto, il bolognese ovviamen-
Dalla è un riadattamento, è piuttosto il te, ma anche il napoletano e il romanesco. E
primo musical della storia, o meglio la il linguaggio musicale è quello di Lucio
prima «ballad opera», un genere di teatro Dalla che ha lavorato sulla partitura che
musicale che nell’Inghilterra del XVIII Frederic Austin compose nel 1920: una
secolo si distanziava da opera e operetta struttura melodico-armonica con un’atmo-
per semplicità di impianto e attualità di sfera decisamente pucciniana.
temi. La cifra popolare fu quella che attirò La trama è la stessa che regalò il successo
anche Bertold Brecth e Kurt Weill che, due al poeta e autore drammatico inglese agli
secoli dopo, ispirandosi alla commedia inizi del Settecento. Un losco ricettatore
musicale di Gay, misero in scena a Berlino (Peppe Servillo) e la moglie (Angela
la celebre Opera da Tre Soldi con un preciso Baraldi) fanno arrestare il capo dei banditi
intento provocatorio nei riguardi del pub- che ha promesso alla figlia di sposarla. Il
blico borghese. giovane riesce a fuggire seducendo un’al-
Oggi, invece, l’intento non è quello di tra ragazza, figlia del secondino della pri-
scandalizzare, ma piuttosto di unire pub- gione, ma viene immediatamente riacciuf-
blici diversi e avvicinare i giovani all’opera, fato e condannato a morte.
con l’uso di nuovi linguaggi musicali e la I nomi dei personaggi, che nella versione
mescolanza sul palcoscenico di due mondi. originale hanno un significato riconoscibile
Se i protagonisti, infatti, sono rappresen- per il pubblico dell’epoca, anche nella riela-
tanti di quel panorama musicale italiano borazione drammaturgica firmata da
che potremmo definire «extracolto», l’or- Giuseppe di Leva hanno un significato.
chestra e il coro appartengono a pieno tito- Così Peachum, dall’inglese «Speach them»
lo al mondo più elitario dell’opera. Così («denunciali»), diventa Speja, Spia in dia-
LA DIVINA
Saranno risuonate le famose terzine introduttive della Divina Commedia
nelle orecchie dei detenuti italiani al guardare questo musical. «La Divina
Commedia-L’Opera» ha ricreato (e rieducato?) i carcerati di Rebibbia in un
tentativo di riavvicinamento alla società civile.
L’imponente kolossal musicale tratto dall’opera per eccellenza della lette-
ratura italiana e mondiale è stato ideato da un monsignore, Marco Frisina.
Venti protagonisti e 10 acrobati, impegnati dal 23 novembre 2007 sul
palco romano appositamente allestito a Tor Vergata - ora pronti per il
Palasharp milanese - hanno stupito 150 mila spettatori provenienti da tutta
Italia per l’eccellenza dimostrata nella rappresentazione di una trama di
non facile realizzazione e comprensione.
Le creature fantastiche create dalla mano di Marco Rambaldi, il padre di
ET, irrompono tra il pubblico rendendolo parte integrante dell’impianto sce-
nico così come l’imponente palco roteante, che dà il senso della circolarità
THE WEST SIDE STORY LA REGIA DEVE SPARIRE
di Ersilia Verlinghieri
ell’ambito della rassegna cameristica pro- smo politico, Robert Schumann tra fascino
N posta dall’Accademia di Santa Cecilia
di Roma, il concerto in programma per il 23
romantico e sprazzi di follia. Momento saliente
del programma The West Side Story (Bernstein,
aprile potrebbe essere sottotitolato «alcune suite, versione per ottoni): non esattamente
delle personalità più eclettiche della musica musica classica ma estratto di un musical dove
degli ultimi secoli»: compositori, ma anche per- alla musica sofisticata e memorabile (Maria, I
sonaggi dalle storie intense ed emozionanti. Feel Pretty, Somewhere) si affiancano il tema
Leonard Bernstein combattuto tra arte e attivi- «tragico» di un Romeo e Giulietta rivisitato con
l’esigenza di esprimere istanze sociali. Apre la
serata, affidato anche questo alla maestria di
grandi esecutori (Antonio Pappano e Alessio
Allegrini) e alla sonorità «nobile e malinconi-
ca» (Hector Berlioz) di uno degli strumenti a
fiato prediletto dai romantici, l’adagio («lento e
con intima espressione») e allegro («rapido e
con fuoco») per corno e pianoforte (op.70 di
Schumann). A intervallare le due esecuzioni
ancora le sonorità calde degli ottoni, con il con-
certo per trombone (lo suonerà Andrea Conti) e
pianoforte di Henri Tomasi, compositore còrso
del primo Novecento, capace di accostare a
sonorità classiche ritmi popolari e jazzistici.
Music In  Aprile Maggio 2008
LA DIVINA COMMEDIA The Opera THE WEST SIDE STORY Tra
Dante nel girone di Rebibbia musica classica ed estratto di musical
di Maria Luisa Tagariello
letto bolognese. Il direttore del carcere,
Lockit («chiudi»), si trasforma in
Lucchetto. E Macheath, che significa
«Figlio della brughiera» o «Uccell di
bosco», diventa nella versione italiana
Capitan Uccello.
Nella scena finale il mendicante è di
nuovo con il direttore
del teatro. Ora discu-
tono su come conclu-
dere l’opera. Devono
davvero lasciare che il
bandito e i suoi com-
pagni vengano impic-
cati? Non sarebbe
forse meglio introdur-
re un colpo di scena?
Del resto anche que-
sti carcerati sono esseri
umani. E a ben guar-
dare, forse non c’è
molta differenza tra
mendicanti e signori,
ladri e borghesi: tutti
sono disposti a imbro-
gliare e a mendicare
per ottenere quello che
vogliono.
Nella Londra del
XVIII secolo e nelle
nostre città di oggi.
Ancora una volta il
grande cantautore
bolognese - che da
poco ha compiuto 65
anni ed è reduce da un
tour che ha riempito i
maggiori teatri italiani - si mette alla prova,
divertendosi a fare anche «quello che in
teoria non saprei fare».
CARCERE
dei luoghi danteschi. Gli artisti negli atri delle carceri si esibiscono in un
medley dei momenti più suggestivi ed emozionanti dello spettacolo, tra cui
tratti dedicati al V Canto e all’amore travagliato tra Paolo e Francesca, alla
musicalità della città di Dite, all’incontro con Ulisse e al triste addio con
Virgilio, magister vitae del pellegrino Dante.
L’iniziativa si propone di diffondere la cultura della conoscenza e della
sapienza in luoghi dimenticati da tutti di costrizione e condizioni disumane.
Scontare le proprie colpe da golosi, lussuriosi, accidiosi ma anche crimina-
li a Rebibbia va bene; così dare una ragionevole speranza a chi attende un
reinserimento nella società - carcerati e abitanti del Purgatorio che chiedo-
no a Dante di pregare per ascendere alla luce divina del Paradiso e incon-
trare un giorno la propria Beatrice.
Sara Di Francesca
di Romina Ciuffa
un architetto emiliano il regista di Actor Actor Dei, vogliamo la fusione tra ballerini e
È Dei ma, soprattutto, del nuovo Musical
che uscirà dalla creatività degli allievi del Saint
coristi, che sia una storia corale in cui non vi
siano protagonisti bensì personaggi volti a spie-
Louis selezionati per una sfida: quella di saper gare meglio le dinamiche della sceneggiatura».
fare Musical dalla A alla Z - anzi, dalla M alla Se il direttore artistico è Maria Grazia
L. Lo dice Giulio Costa, Fontana, allora questo
«devono saper fare corso di Musical sarà
tutto», e lui, in un certo pronto a sfidare gli allievi
senso, deve sparire. delle scuole televisive,
Ossia, la regia, se fatta con lo svantaggio-vantag-
bene, nemmeno si vede. gio di non avere telecame-
La storia - che sarà re puntate e la fortuna di
rappresentata a partire credere nella multidimen-
dal prossimo autunno a sionalità, nella necessità
termine del corso e lan- di un apprendimento
ciata a livello nazionale - costante e globale, nell’es-
non esiste: la stanno scri- senza di generazioni dai
vendo ora, così come le 15 ai 35 anni come parte-
canzoni. Perché «si deve cipanti attivi alla stesura
adattare ai nostri ragazzi, di un’opera che, ancorché
i quali devono confron- a budget limitato, promet-
tarsi con tutti. Come in te emozioni.
 BALLET
Music In  Aprile Maggio 2008

BIENNALE DI DANZA DI
VENEZIA L’intervista a Ismael
CARMINA BURANA
L’intervista a Mauro Astolfi
FESTIVAL DELL’EQUILIBRIO
Marie Chouinard, Membros, Shantala
danza
a cura di ROSSELLA GAUDENZI
Ivo Direttore, ballerino, coerografo Spellbound vuol dire ammaliare Shivalingappa Perderlo.

 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA

CARMINA BURANA
LA NUOVA SFIDA ciò che ammalia
D I ISMAEL IVO Intervista a Mauro Astolfi,
direttore artistico della Spellbound Dance Company,
Biennale di Venezia: il ballerino e coreografo brasiliano viene riconfermato che rilancia con estro un evergreen della tradizione italiana
direttore del Festival di danza dopo il fruttuoso triennio 2004-2007
( . . . ) sul corpo in quanto specchio del nostro tempo e della società in cui viviamo. er iniziare: perché Spellbound Dance rappresenta un successo. C’è del nuovo anche
Finito il triennio 2004-2007 il timone resta tra le sue mani, arrivando ad eguagliare
Carolyn Carlson, unico direttore ad avere avuto un incarico quadriennale. Ma parliamo
P Company? Quale aneddoto si nasconde
dietro a questo nome? Spero sia abbastanza
nel pubblico: solitamente gli «addetti ai lavo-
ri» sono la maggioranza dei presenti; è invece
quasi di una new entry, per la famosa Biennale, poiché la Danza quale disciplina autono- evocativo, poiché è un concetto entrato nella una piacevole sorpresa notare che c’è gente di
ma vi ha fatto ingresso nel 1998. mia mente quasi per gioco, durante gli anni di ogni sorta, stavolta. Anche spettatori «digiuni»
Per questa edizione il celebre danzatore e coreografo si scopre ancora di più, e lancia studio negli Stati Uniti, e molto spesso dietro di danza. E ancora: i giovani, che sono sempre
una domanda diretta: Beautiful. Art is Beautiful? Cosa è la bellezza oggi? Come si rappor- alla casualità si trova qualcosa che funzione- stati la fetta più grossa di presenti, saranno il
ta alla società, all’uomo e all’arte? Si può affermare che l’arte sia l’amante segreta della rà. Spellbound è un termine che ha a che fare 40 per cento. Inversione di tendenza significa-
bellezza? Se pensiamo alla con ciò che incanta, che ammalia. Questa tiva ed interessante.
moda si comprende quanto compagnia è nata nel ‘94, chiamandosi Come spiegarlo, questo meritato successo?
il concetto di bellezza sia Spellbound Dance Group. Il nome era convin- Si può parlare dell’eco della danza che ci pro-
mutato nel tempo; le passe- cente, oggi siamo la Spellbound Dance pina la televisione, di qualità dubbia, motore
relle propongono top-model Company. però di un nuovo boom per questa disciplina in
che più che l’estetica richia- È romano Mauro Astolfi, il direttore artisti- Italia? Penso che si possa parlare davvero di
mano cadaveri ambulanti, co della nota compagnia, ma ha una formazio- due facce della medaglia. Tanta televisione,
tanto da giungere agli scan- ne internazionale, avendo lavorato duramente tanto musical che hanno invaso il nostro
dali clamorosi della morte tra Europa e Stati Uniti. Ciò gli ha permesso di Paese senza dubbio hanno mobilitato le
di modelle per anoressia. confrontarsi, spaziare, contaminare. E ricerca- masse, e le hanno incuriosite. A noi coreogra-
Trasferendo il concetto di re continuamente, insaziabilmente. Questo è fi, il compito di educarlo, di prenderlo per
bello all’arte e alla danza si quanto. Il coreografo si è trovato a trattare i mano questo pubblico nuovo, che si avvicina
vuole raggiungere quella Carmina Burana nel 2006, essendogli stato ad una danza da definire in alcuni casi
bellezza che muove da un commissionato il balletto dall’Ente per il «danza-spazzatura». Ed è anche un momento
impulso, dalla sympatia Turismo della Campania. storico nel quale la gente ha una grande
greca (sentire insieme), da Inizialmente, ho temuto che non avrei spo- voglia di sognare. Per questo oggi si registra
un’energia interiore che tra- sato volentieri questo classico della cultura un calo di pubblico del teatro ed un incremen-
sforma il corpo. italiana. Un tema che affonda le origini nel to di pubblico della danza. A teatro sai cosa
Solo da essa può scaturi- Medioevo, in quei secoli bui tanto lontani da stai vedendo, dove sei, cosa accadrà; nella
re il movimento, che non
può prescindere da un pro-
fondo senso della spirituali-
tà, la stessa che animava
artisti dello scorso secolo tanto diversi ed «imperfetti» come Pablo Picasso, Salvador Dalì,
Alberto Giacometti. Contro ogni legge del marketing, contro la logica delle e-mail, contro
la velocità a cui ci obbliga la società odierna che propone corpi vuoti di spiritualità ed emo-
zionalità. Questa la nuova sfida di Ismael Ivo.
Momento saliente della rassegna sarà rappresentato da Choreographic Collision 2. Lo
scorso anno la prima edizione, dal tema Coreografia Oggi, ha coinvolto un gruppo di 25
ragazzi impegnati in un workshop per quattro settimane, oltre a confronti con coreogra-
fi all’interno della Biennale. Quest’anno l’impronta sarà differente: coreografi selezionati,
tra gli otto e i dieci, realizzeranno progetti propri della durata di 15-20 minuti, e verran-
no affiancati da ballerini professionisti per mettere in scena queste creazioni. Il futuro
della danza secondo Ismael Ivo? Investire nello sviluppo, spalancare una volta per
tutte la «finestra» della danza contemporanea italiana, tanto ricca di talenti. (R.G.)

FEBRE
dolore minimal
ppressione, paura, tensione,
O eccitazione, angoscia, rabbia,
malattia: febbre. Una febbre che
rimanda al malessere sociale, al
disagio del vivere tipico delle aree
urbane dove la realtà è spesso vio-
lenza ed esclusione. I sette giovani
danzatori della compagnia
Membros offrono un quadro crudo
e realistico della vita dei ragazzi di
strada mostrandoci il lato più dolo-
roso del Brasile. I problemi dell’in-
fanzia, della droga, della diffusione
delle armi, della disuguaglianza
sociale e della miseria vengono rac-
contati a ritmo di hip hop, break
dance e danza contemporanea attraverso la forza
e la spontaneità di questi giovani interpreti che vi
interagiscono con grande originalità divenendo
dei veri e propri attori-acrobati sulle musiche di
Bach, Chico Barque, della canzone brasiliana del
funky e del continuo e impressionante rumore
dei corpi che sbattono a terra. Una scenografia
minimale fa da sfondo allo spetta-
colo: un semplice muro bianco e
nudo, proprio come i protagonisti,
quasi sempre privi di abiti e belli in
tutta la loro schietta e selvaggia
natura. Uno spettacolo duro e toc-
cante, secondo capitolo della trilo-
gia dei Membros, nati nel 1999 a
Macaé (a 180 km da Rio de
Janeiro) dal coreografo Tais Vieia e
da Paulo Azevedo, laureato in
scienze politiche ed istruttore,
come proposta di una vita alternati-
va a giovani artisti di diversi origini
sociali e culturali in una città con il
più alto tasso di omicidi del Paese.
La compagnia brasiliana ha così dato vita ad una
trilogia di spettacoli incentrati sul tema della vio-
lenza: Raio X (2003, presentato per due anni nei
teatri di tutta Europa), Febre (2007) e Medo
(Paura), che sarà presentato al pubblico solo nel
2009.
Valentina Giosa
noi e perciò considerati privi di interesse.
Dopodiché, decidendo di trattare soprattutto i
goliardi, cantori di vagabondaggi, vino, donne
e gioco, ne ho dato una lettura provocatoria,
sfacciata, burlesca. Esaltazione della corpo-
reità, mandando al diavolo ratio e decorum.
Ed ecco che questi canti tornano di colpo ad
essere attuali, godibili da un pubblico del XXI
secolo...
Essere presenti con uno spettacolo per sei
giorni consecutivi rappresenta una scommes-
sa. Solitamente si rimane in teatro per un paio
di date, e a quattro giorni dal debutto (Carmina
Burana, dall’11 al 16 marzo al Teatro Italia),
l’aver registrato quasi sempre il tutto esaurito
IO BALLO DA SOLA
Shantala Shivalingappa
Abiti dai colori essenziali ornano un corpo sottile dalla
danza vieni gettato in un mondo onirico,
sognante, che ti permette di fantasticare, e di
arrivare dove vuoi.
In poche parole, come racconteresti il tuo
percorso artistico? Non ho mai accettato com-
promessi, ho sempre assecondato il mio lato
creativo. Di lavoro ne ho fatto tantissimo,
quindi il successo e le gratificazioni le ho
sudate fino all’ultima goccia. Amo questo
Paese così difficile per chi intraprende carrie-
re artistiche. Se potessi, mi scinderei in due:
vivere in Italia, e lavorare ovunque, in Europa,
tranne che in Italia.
a cura di Rossella Gaudenzi

NON VOLTARTI INDIETRO

Marie Chouinard
Onirico. Sarà lecito fluttuare tra il sogno e l’incubo, dopo aver assistito a questo sorprendente
Orphée Et Eurydice, poiché qui entreranno in gioco la poesia e la dannazione, l’amore e la morte,
l’Ade e la Nemesi. Non solo corpi in movimento, ma suoni fortemente disarticolati che da questi
corpi esplodono, a riproporre sempre la stessa storia, anzi due: la mitica vicenda di Orfeo che perde
per sempre la sposa Euridice, e la narrazione della conquista del linguaggio, grande miracolo del-
l’umanità. Dieci artisti sul palco che sanno recitare, ironizzare sulla scena oltre a
danzare con maestria impeccabile. La coreografa canadese Marie Chouinard ha
fatto centro per l’ennesima volta. C’è del genio in questa pluri-
premiata artista dai lunghi capelli rossi. La sua è la danza
della mancata linearità e cronologia narrativa. La sua è la
danza della provocazione. Mai distante dall’umana ricerca
di esprimersi e rapportarsi agli altri.
Rossella Gaudenzi
pelle bruna. Bellezza pura, angelica, ancestrale. Bianco.
Nero. Movimento, sensualità ed emozione. Racconto.
Luce. Emana luce la ballerina che ha saputo fondere i det-
tami della millenaria danza classica indiana, appresa dalla
madre ballerina (Savitry Nair), alla cultura del balletto
occidentale. Ed illuminante, è proprio il caso di dirlo, il
suo incontro con la coreografa tedesca Pina Bausch, entra-
ta ormai nella leggenda per aver rivoluzionato e destruttu-
rato l’idea di danza tradizionale.
La minuta Shantala ha portato in scena quattro deliziosi
quadri narrativi dominando, sola sul palco, spazio e tempo.
Tra una rappresentazione e l’altra, ci tengono in sospeso
proiezioni della ballerina, stavolta ricoperta dagli sgar-
gianti colori della tradizione indiana.
Poi si ricomincia, tornando al bianco, ma soprattutto al
nero dei suoi costumi. E Shantala è baco strisciante, farfal-
la che si libra, figura seducente, dalla profonda forza evo-
cativa. A metà tra oriente e occidente. (R.G.)
 CLASSICA
&opera
INGMAR BERGMAN «La libertà totale, la totale problematicità, portate al cul- RECENSIONE La musica
mine della disperazione professionale che appare al barbaro del Nord che ha assor- sveglia il tempo Il suono rifiu-
a cura di FLAVIO FABBRI
bito la fedeltà al testo insieme al latte materno come qualcosa di spaventoso»
INGMAR BERGMAN:
LA VOCAZIONE
DI UN INVALIDO
DALLA MUSICA AL CINEMA,
STORIA DI UN SOGNO DI MEZZA VITA
«Forse questa lotta incarognita ha un aspetto positivo: sono costretto
a darmi da fare con quel pezzo all’infinito.
Non posso seguire un’altra via. La mia invalidità me lo impedisce».
D irigere un film è un po’ come dirige-
re una scena teatrale o un’ orchestra.
Proprio nella sceneggiatura ci sono tutta
in seguito definì «la mia gioia». La stessa
definizione che usò Bach secoli prima per
chiamare a sé la musica nei momenti peg-
una serie di componenti da orchestrare giori. Scriveva Bergman: «I corali di Bach si
molto simili ai ritmi, ai timbri e a delle muovono ancora come veli colorati nello spazio
forme che potremmo definire musicali. della coscienza, avanti e indietro sulle soglie,
Ingmar Bergman non ha mai nascosto la attraverso porte aperte, gioia».
propria ‘ impossibile’ vocazione alla musi- Passerà poi per l’Opera di Stoccolma
ca e i suoi film sono lì a dimostrarlo. come assistente alla regia e conoscerà Issay
Di più ne è testimonianza una breve ma Dobrowen, assorbendo da lui una versione
intensa attività teatrale, venuta alla luce in della vita negativa, paurosa e nello stesso
un’autobiografia del 1987, Lanterna magica tempo eccezionale e appassionante.
(Garzanti). Pagine travolgenti, drammati- Conoscerà le anime dannate dei registi, le
che, intense, come la pancia di un compo- loro follie e la rigida disciplina, che poi è
nimento, ampie parabole che nel volteggio l’anima della musica e anche lo spirito
e nel gesto di girarsi a noi dal passato rac- segreto di Mozart: «La libertà totale, la totale
contano un’ esistenza e la trasfigurano in problematicità portate al culmine della dispera-
un senso finale a tratti ignoto. Probabili zione professionale che appare al barbaro del
illuminazioni, momenti inquieti e sfuggen- Nord, che ha assorbito la fedeltà al testo insieme
ti carichi di pena e di respiri profondi, unici al latte materno, come qualcosa di spaventoso».
segni di vita nel silenzio della concentra- Poi arrivò l’ incontro con Von Karajan a
zione. Del silenzio che precede la musica, Salisburgo per la messa in scena del Sogno
concentrazione creativa anelata da ogni strindberghiano, stavolta realizzato da
artista. Bergman, con gli elogi del Maestro, i più
La prima volta che Bergman assistette a belli per il regista svedese: «Lei dirige come
un opera teatrale fu dinanzi a Il Sogno di un musicista, ha senso del ritmo, della musica-
Strindberg nel 1930; aveva dodici anni e ne lità, del tono. Si vedeva anche nel Flauto magi-
fu travolto, come da un’onda elettrica che co (film girato da Bergman nel 1974). Ogni
fece vibrare il suo piccolo corpo, quella che pezzo preso a sé era affascinante, ma non mi è
UN ORECCHIO PENSANTE
PER UNA MENTE IN ASCOLTO
DANIEL BARENBOIM, «LA MUSICA SVEGLIA IL TEMPO», FELTRINELLI 2008, PP 192, € 15,00
iò che permette di fare esperienza con la musica è il suono: questo attraversa lo
C spazio, l’aria e giunge a noi. Ma da dove nasce il suono? Da uno strumento - certo -
o dalle mani di un musicista - ovvio - e dal nulla - oddio. Sì dal nulla, come la vita d’altron-
de, cui la musica è visceralmente e concet-
tualmente legata. Prima del suono c’è il
silenzio, necessario, richiesto, generatore
nulla cui sempre si torna. Perché dopo
che un suono è stato generato, prima o
poi, comunque, questo tornerà al silenzio e
quindi al nulla. Eppure, finché lo spazio
sarà attraversato dai suoni, in quel percor-
so sospeso tra i due silenzi la musica crea
una frazione temporale di vissuto, genera
il tempo, quello del sogno e della memoria,
passato e presente, immateriale e senso-
riale, fatto di dimensioni altre mai così
tanto vicine a queste nostre, vissute.
Daniel Barenboim, pianista e composito-
re di fama mondiale, nel suo libro «La
musica sveglia il tempo» edito da
Feltrinelli, ci racconta di come la musica
costruisce il tempo, a partire da uno spa-
zio fatto di congiunzioni e giustapposizioni,
dove il suono si rifiuta di tornare nel silen-
zio e cercando un suono compagno crea
l’armonia, sempre così simile alla vita degli
uomini. Anche noi come i suoni ci leghiamo
per creare corrispondenze tra individui e
gruppi, tra parte e somma, per creare la
società, proprio come i suoni, i fiati e le
note cercano e creano la musica.
Pagine in cui si percepisce in che modo
il canto avvicini l’uomo e il suono più di ogni
altra cosa, perché due voci che si esprimo-
no simultaneamente si ascoltano, si
oppongono, si contrappongono e si ritro-
vano nella musica che è stare insieme, che
è prima di tutto condivisione.
Le note in uno spartito, gli uomini in società, in ordine e libertà, insieme e da soli, dal
nulla e per sempre. Scrive Barenboim: «Questo non è un libro per musicisti o per non-
musicisti, è piuttosto un libro per le menti curiose di scoprire le corrispondenze fra musi-
ca e vita, e la saggezza che diventa comprensibile all’orecchio pensante». L’orecchio
pensa come la mente sente e l’occhio assaggia, una visione antropologica olistica, del-
l’uomo che pone il nostro corpo in stato senziente e smaterializzato, inorganico, come il
suono dunque, sempre in lotta con il silenzio e il nulla della storia.
ta di tornare al silenzio. Oddio
piaciuto. Lei ha cambiato l’ordine di alcune
scene, verso la fine. Questo con Mozart non lo
si può fare, è un tutto organico». Fu come
lasciar scorrere una rosa sulla guancia,
dapprima il bocciolo e poi un lacerante
tema di spine.
Una lezione, di stile e di vita, quella che
Von Karajan inflisse a Bergman, sulla natu-
ra della musica e della bellezza, presenze
eteree che ci attraversano e che sono troppo
difficili da far nostre, tanto da renderci
invalidi eccezionali: «Forse questa lotta inca-
rognita ha un aspetto positivo: sono costretto a
darmi da fare con quel pezzo all’infinito. Ho
modo di ascoltare attentamente ogni battuta,
ogni pulsazione, ogni attimo. La mia rappresen-
tazione sorge dalla musica. Non posso seguire
un’altra via. La mia invalidità me lo impedi-
sce», scrive Bergman.
Il regista che non fu mai un musicista e
che divenne uno dei più grandi autori cine-
matografici della storia, trovando l’altra
sponda del sogno nella settima arte, non
tanto lontana poi dalla musica, altrettanto
rigida, maniacale e perfezionista da
mostrarci amabilmente come si mette in
scena un «sogno».
Flavio Fabbri
I MIEI PRIMI 100 ANNI
io li festeggio così
E ra il 16 febbraio del 1908, le quattro del
pomeriggio di domenica e Giuseppe
Martucci salì sul podio dell’Augusteo,
l’Auditorio romano poi demolito dal fascismo,
per dirigere il primo concerto della neonata
Orchestra stabile, poi Orchestra dell’Augusteo,
quindi - dopo la demolizione della sala nel 1936
- Orchestra della Regia Accademia di Santa
Cecilia e da ultimo in Orchestra dell’Accademia
Nazionale di Santa Cecilia.
Nello stesso giorno di 100 anni dopo è
Antonio Pappano a salire sul podio della Sala
Santa Cecilia dell’Auditorium Parco della
Musica per dirigere il concerto che ricorda uno
dei momenti più importanti per la cultura musi-
cale romana e italiana.
In 60 mila a celebrare i cento anni
dell’Accademia di Santa Cecilia il 17 febbraio
2008 allora, e ben 21 esecuzioni consecutive,
testimonianza di questo amore la lunga fila per le
proiezioni dei documentari storici e del film
Music In  Aprile Maggio 2008
SCASSINARE
IL SALOON
Tornare alla «Polka», il locale di
Minnie sotto le vette della Sierra buono
per gustare qualcosa di forte, ‘Laggiù
nel Soledad’, mentre lei, la confidente e
consolatrice dei minatori (Daniela
Dessì) e lo straniero Dick Johnson
(Fabio Armiliato), che viene per scassi-
nare il saloon, incrociano gli sguardi
ancora una volta, come Puccini volle.
La Fanciulla del West è un’opera liri-
ca in tre atti di Giacomo Puccini, su
libretto di Guelfo Civinini e Carlo
Zangarini.
La prima rappresentazione avvenne
al Teatro Metropolitan di New York il
10 dicembre 1910 con la voce di
Caruso. Un’opera forte, di contrasti
passionali e piena d’avventura. Fino al
18 aprile, invece, è al Teatro
dell’Opera di Roma.
«Cento, centouno» di Anton Giulio Onofri, dedi-
cati all’orchestra e al direttore Antonio Pappano.
Bruno Cagli, presidente dell’Accademia, ha
dato, con le arie di Rossini, Verdi, Puccini,
Beethoveen, Mozart, Brahms, Vivaldi e
Schumann, il via alla Festa della musica, una
lunga maratona che ha visto suonare in ogni
angolo dell’Auditorium quintetti e quartetti,
fiati e ottoni, voci bianche e cori, e l’inaugura-
zione del neonato Museo degli Strumenti.
Con le stesse musiche che furono scelte
all’epoca: la Sinfonia dall’Assedio di Corinto
di Rossini, la Sinfonia n. 3 Eroica di
Beethoven, l’Andante e il Minuetto dalla
Serenata K525 di Mozart, il Mormorio della
foresta dal Siegfrid di Wagner, l’Ouverture dal
Tannhäuser sempre di Wagner, e a notte scesa
fuochi d’artificio che rischiaravano il cielo di
un gran bel pezzo di Roma.
Flavio Fabbri
Music In  Aprile Maggio 2008
LUTTO Giuseppe Di Stefano
Fece innamorare pure la Callas
CLASSICA
&opera
ARGENTINA Bacalov Quartet
Fonde culture musicali e grandi musi- DANIELA DESSÌ È insieme una
cisti in voli sincretici casta diva e la padrona di un saloon

UN PIANOFORTE
AVVENTURE PER QUATTRO MANI:
ARGENTINE Michele Campanella
e Monica Leone
La ricca Stagione musicale della IUC
(Istituzione Universitaria Concerti ) propone un
Torna Luis Bacalov col suo ultimo progetto, un quartetto con concerto da non perdere per il prossimo 19
bandoneón, contrabbasso, percussioni e pianoforte, col quale aprile: il duo pianistico formato da Michele
esegue composizioni che ricercano punti d’incontro fra diver- Campanella e Monica Leone, con l’Orchestra di
se culture musicali, approdando ad un risultato fortemente Padova e del Veneto. In apertura Beethoven,
sincretico, tra musica etnica, atmosfere urbane e cultura con il Concerto n° 3 per pianoforte e orchestra
musicale contemporanea. op. 37, e a seguire la Fantasia op. 103 in fa
Il Quartetto Bacalov fonde, infatti, diverse culture musicali minore di Schubert per pianoforte a quattro
con lo stesso Luis Bacalov al pianoforte, Juanjo Mosalini al mani; e il Concerto in re minore per due piano-
bandoneon, Daniel Bacalov alle percussioni e Giovanni forti e orchestra di Poulenc.
Tommaso al contrabbasso. L’opportunità di seguire dal vivo Al termine la Danza macabra Totentanz di
l’estro del maestro argentino è data dal concerto dell’8 mag- Franz Liszt, autore di cui il virtuoso
gio all’Oratorio del Gonfalone. Campanella è uno dei maggiori interpreti a
livello internazionale.
Nicola Cirillo

GIUSEPPE DI STEFANO
LA FORZA DEL DESTINO
Si spegne uno dei più grandi tenori della storia, che fece arrossire
il Metropolitan di New York e il Coven Garden di Londra

ncora un lutto nel mondo della lirica.

A All’età di 86 anni si spegne a Como uno
dei più grandi tenori della storia, Giuseppe Di
Stefano. Una voce che divenne presto leggenda,
la voce che fece arrossire il Metropolitan di
New York nel 1948 col Rigoletto e dieci anni
dopo il Covent Garden di Londra; la stessa che
NORMA
fece innamorare la Divina Callas pochi anni
dopo. Per trent’anni la Scala di Milano ha lega-
to il suo nome al successo di Di Stefano, con 26 CASTA
titoli, 43 produzioni e 185 recite. Un gigante
della lirica mondiale, al pari di Gigli, Caruso,
Schipa e del più giovane e già compianto
Pavarotti. Una voce limpida, calda, generosa,
DIVA
potente estensione della sua anima, caratteriz- orna in scena il capolavoro di Vincenzo Oltre all’acclamata Dessì nelle vesti di
zata dalla naturalezza di una dote immensa e
della forza di un destino.
T Bellini, Norma, rappresentato per la prima
volta nel 1831 alla Scala di Milano e ora ripro-
Norma, ad interpretare Pollione c’è uno dei
nostri tenori più importanti al mondo, Fabio
Un tono di istintivo colore, manifestazione di posto al Teatro Comunale di Bologna il 29 Armiliato.
rara capacità vocale, di origini popolari, sempli- aprile prossimo per la regia di Federico Tizzi. Capolavoro del lirismo vocale di Bellini,
ci ma rigorose e orgogliose. Giuseppe Di Fino al 9 maggio. Norma è un’opera piena di pagine solenni e
Stefano le ha portate in giro per il mondo a sol- Un’edizione bolognese questa della Norma memorabili contenute nel libretto di Felice
care i palchi più importanti e blasonati, come i rinnovata nelle scenografie, con i disegni di Romani, a cominciare dall’indimenticabile aria
Maestri che li hanno calcati, Von Karajan, De Mario Schifano, nell’interpretazione, con la Casta Diva, scritta per la divina Giuditta Pasta.
Sabata, Bernstein. Un drammatico, struggente grandissima soprana Daniela Dessì, e nella Un ritorno alle origini questo per il regista
interprete del Novecento che insieme al vecchio direzione del Coro e dell’Orchestra del Teatro toscano Tiezzi, reduce dal successo del Parsifal
secolo ci saluta, cantando ancora una volta La Comunale con la presenza di Evelino Pidò, pro- napoletano, che debuttò nella regia dell’Opera
forza del destino di Verdi. fondo conoscitore del repertorio classico del lirica nel 1991 proprio con la tragedia lirica di
Flavio Fabbri primo Ottocento. Bellini.

METTI UN GIORNO
MOZART A LINZ Nicola Cirillo

Nel 1783 W. A. Mozart si trovava a Linz, ospite del conte Thun. Proprio in quella casa, per com-
piacere al suo ospite, scrisse una sinfonia in linea col carattere festoso di quei giorni: una sinfonia
in Do maggiore, con timpani e trombe nell’orchestrazione. È così che, in seguito, la sinfonia n. 36
in Do maggiore K 425 prese anche il nome di Sinfonia Linz. Il prossimo 31 maggio potremo ascol-
tarla all’Auditorium Parco della Musica, nell’esecuzione dell’orchestra dell’Accademia
Nazionale di Santa Cecilia diretta per l’occasione da Ton Koopman. A seguire, col supporto del
Coro, sarà eseguita anche la sonata «profana» di Bach La contesa tra Febo e Pan BWV 201.

BERLIOZ AMORE E FANTASIA

fogo d’amore assoluto, dolore profon-
S do che Berlioz ha provato per il senti-
ROMA SINFONIETTA mento negato dall’attrice biondissima e
bellissima Harriet Smithson.
Una ‘Sinfonia fantastica’ che avrà l’ono-
vs NUOVO CORO LIRICO re di rappresentare il primo esempio di
musica a programma, prototipo del sinfo-
nismo ottocentesco. La biondissima diven-
Li unisce Morricone. ma anche tutto il repertorio sinfonico e operistico eseguibile. ne poi sua moglie e lui un maestro e un
E l’Aula Magna della Sapienza, per questa volta. esempio per gli autori posteriori di «poemi
sinfonici». Tutto l’amore che Berlioz river-
osa unisce l’Orchestra Roma Sinfonietta e il Nuovo Coro Lirico Sinfonico Romano? Intanto
C il grande Maestro romano e premio Oscar Ennio Morricone. Poi gran parte di tutto il reper-
torio sinfonico e operistico eseguibile.
sò in questa imponente partitura del
1830 si trasformò in un vero e proprio
programma dove ogni pezzo della compo-
Due giganti della classica che si ritrovano l’8 aprile sullo stesso palco, quello dell’Aula Magna sizione ritrova il suo contenuto narrativo.
dell’Università La Sapienza di Roma, assieme a Chiara Augello soprano, Veronica Simeoni mez- Il 5 maggio all’Auditorium.
zosoprano, Cristiano Cremonini tenore, Maurizio Lo Piccolo basso e il Direttore Maestro
Francesco Lanzillotta. Musiche di Bach, Puccini e Verdi, di quest’ultimo verrà eseguita anche la
Messa da Requiem per soli coro e orchestra.
 BEYOND
BEYOND
&further
a cura di ROMINA CIUFFA
E SI LEVANO I SENSI
Intervista a Sergio Durante, uno dei principali musicologi italiani
e curatore della Giornata dell’Ascolto di Padova del 18 maggio
un giorno, che è il 18 MAGGIO, in cui
C’è tutta Padova si zittisce e si affinano le
orecchie, come quegli animali che, per molto
istinto e per elevata sensibilità al suono, si leva-
no di balzo in piedi e chi non sente non capisce.
Quasi si spaventa. I padovani così si scuoteranno
dal torpore e come animali sopravvissuti a qual-
cosa di duro come il rumore si metteranno ad
ascoltare. Come si dedica a una madre la festa
della mamma così a un ascoltatore la giornata
dell’ascolto, e poco importa
che oggi si ascolti poco e ci si
fermi mai - e non importa se
una madre abbia l’istinto
materno. Siamo tutti ascoltato-
ri e Padova sarà la nostra capi-
tale, la culla dei silenzi in cui
riposerà l’orecchio.
SERGIO DURANTE è un
ricercatore, prima di tutto. Di
musica. Da uno zio che lo ha
iniziato alla musica a 10 anni,
a un gruppo pop con il basso
elettrico e già un flauto traver-
so («strumento più manegge-
vole»), si è dedicato anima e
cuore alla musica classica
diplomandosi a Bologna; ha
suonato in orchestre di enti
lirici, ha studiato composizio-
ne e frequentato il Dams. La
sua passione per la ricerca
musicologica lo ha portato ad
anni di professione didattica in Conservatorio, a
un dottorato alla Harvard University e all’inse-
gnamento delle discipline storico-musicali a
Cremona, infine a Padova, sua città natale.
Ascoltare è naturale?
Come camminare. Ma questo non vuol dire
che si cammini tutti allo stesso modo o che non
si possa camminare, come pure ascoltare ‘male’.
Perché una Giornata dell’Ascolto?
Mi sono chiesto come si potesse affrontare in
modo non accademico il problema della banaliz-
zazione dell’ascolto, aspetto più critico della
cultura musicale del Novecento. Facendo tesoro
ADD THE NIRO
Sono cresciuto a pane e De Niro. C’è
stato un periodo in cui Goodfellas lo conoscevo
a memoria, Casinò l’avrei potuto rivedere
all’infinito, Toro Scatenato e Taxi Driver erano
bibbie parlanti. Poi mi sono sentito tradito da
Heat e trafitto da Terapie e pallottole varie.
Ma nella bacheca dei feticci sentimentali un
posto per la gigantografia del grande Bob, sor-
riso smagliante e faccia da schiaffi condita da
inconfondibile neo, ci sarà sempre. Sperando,
s’intende, di non vederlo mai trascinato nel
cammeo di qualche vanzinata natalizia.
Quello davvero non potrei reggerlo. Ebbene.
Avendo respirato De Niro per i migliori anni della
mia vita, da dopo Gli Intoccabili in poi ho temu-
GIORNATA DELL’ASCOLTO DI PADOVA 18
maggio C’è un giorno in cui ci si leva in balzo come
animali sensibili a suoni sottili e s’impara ad ascoltare
delle mie esperienze ho messo al centro del pro-
getto non ‘la musica’ ma i processi d’ascolto. La
differenza è sottile ma essenziale.
Durante la Giornata si offrono musiche che
per loro natura e per il modo in cui vengono
offerte devono essere ascoltate diversamente.
Questo ‘risveglia’ un’attenzione spesso sopita (o
vittima di una ‘anestesia’ dovuta alla continua
esposizione ai suoni).
Concorrono poi altri elementi: lo studio e l’in-
dividuazione di ‘luoghi’ o situazioni da destinare
alla musica entro uno specifico tessuto urbano e
il desiderio di promuovere il lavoro di musicisti
o gruppi di artisti che (in massima parte) appar-
tengono alla città. Non si vuole però l’autarchia:
più di una produzione è ‘importata’, come il
gruppo di musiciste persiane ‘Mehr’. Se l’espe-
rienza si dovesse esportare in una città diversa,
andrebbero tenute presenti le differenti condizio-
ni ‘locali’, urbanistiche e culturali.
Quali sono le iniziative previste per questa
edizione?
La maggior parte degli eventi comprende
musica classica europea, che ha più bisogno
to di morire asfissiato. L’aria si stava inquinando
a tal punto che ho persino pensato di perorare la
causa verde. Anche se, a dirla tutta, non mi ci
vedevo proprio a bordo di una goletta targata
Greenpeace a scagliarmi contro una baleniera
giapponese.
Meglio scenderci a patti col Sol Levante:
soprattutto da quando ho scoperto che Akira
Kurosawa e Takeshi Kitano possono essere una
salvifica bombola d’ossigeno per uno che al cine-
ma non sa più che aria respirare.
Stando così le cose, mentre il tempio di cristal-
lo eretto in onore di Robert il grande inziava a sci-
volare nell’ombra, prendere polvere e attirare
ragnatele non potevo non sobbalzare quando un
amico mi chiese ma le hai sentite le canzoni di De
Niro? Canzoni?
Pur di restituirgli nel cuore il posto che così a
lungo aveva occupato ero disposto anche ad
accettare questo gioco perverso: l’avrei accolto
come cantante. Le coppie in crisi in fondo fanno
così: per rinvigorire il rapporto e ritrovare la pas-
sione perduta si chiamano con nomi diversi, si
vestono in maniera inconsueta, fingono di non
conoscersi…
L’equivoco durò esattamente quanto il mio
record di tolleranza di fronte a una puntata del
Festival di Sanremo, più o meno due secondi. In
un attimo capì che non stavamo parlando dello
stesso De/The Niro. Ma la cosa m’incuriosì ancor
di più. Il mio era De, il suo era The. Pensai istin-
tivamente «all’impostore» ma soffocai il pensie-
ro. E decisi di saperne di più. Mi documentai, par-
tendo dalla base: www.myspace.com/theniro.
Fu così che sotto i miei occhi prese forma il ritrat-
to di un artista intimo e complesso, profondo e
preparato. Uno che non si era buttato sul web per
cercare una scorciatoia, perché di strada ne aveva
percorsa tanta fin da prima dell’avvento di
MySpace.
Aveva macinato chilometri il nostro The Niro
passeggiando sul palco con Sondre Lerche, Lou
Barlow e i Deep Purple tanto per fare dei nomi
così. Aveva macinato chilometri anche per anda-
re a impreziosire la sua arte a Londra.
Già, perché questo cantautore gentile, che a
THE NIRO Uno che, già lo sai, T E N D E N Z E
non potrà mai essere tutto chiac- Ecco cos’è il
chiere e distintivo
A CURA DI ROMINA CIUFFA
oggi, in Italia, di essere offerta dal vivo e a un
pubblico che non sia quello consolidato (e,
ahimé, senescente) delle sale da concerto. Alcuni
altri tentano un approccio innovativo:
l’Orchestra di Padova suonerà dal vivo sulle
immagini del film muto di C. Froelich su Wagner.
Nella sala della Sinagoga ‘tedesca’ (data alle
fiamme nel ‘43 dai Fascisti e da qualche anno
restaurata) verranno proposte musiche sinago-
gali commissionate appositamente per Padova
fra il 1830 e il 1930: si tratta di
un fondo recentemente recupe-
rato su quale lavora un giova-
ne musicista padovano,
Gabriele Donà, che studia
direzione d’orchestra a Vienna.
Lungo il portico di via Roma
(l’antica ‘via regia’ che dal
Municipio porta verso il Prato
della Valle) sarà disposta
un’installazione di musica elet-
tronica realizzata da sette com-
positori coordinati da Nicola
Bernardini.
Anche nell’edizione dell’an-
no passato il Comune commis-
sionò tre nuove opere. C’è poi
musica per soli, coro e orche-
stra (l’op. 87 di Beethoven), la
Civica orchestra di fiati, la
ripresa del magnifico spettaco-
lo DeForma del Tam/Teatro
musica di Michele Sambin.
L’Interensemble di Bernardino
Beggio propone uno spettacolo musicale origi-
nale dedicato ad Andrea Palladio.
E i Solisti veneti diretti da Claudio Scimone
proporranno musica di Giuseppe Tartini nella
Chiesa in cui il musicista è sepolto.
Vista e udito, Padova e musica. Che prevale?
Padova ha un carattere proprio: intima, pro-
tettiva ma non priva di grandi aperture prospet-
tiche, fitta di meandri porticati nei quali è bello
perdersi. A tratti se ne scoprono i suggestivi
corsi d’acqua sopravvissuti alla ‘modernizzazio-
ne’. Ci si sta bene anche senza la musica, ma la
presenza diffusa di questi eventi ha creato un
corto-circuito socializzante.
tratti ricorda Leonard Cohen e a tratti Nick
Drake, anche se lui forse si diverte a fare il James
Blunt, nonostante il nome e la lingua utilizzate
nei suoi pezzi, è un italiano doc.
All’anagrafe di Roma, città che gli ha dato i
natali, è registrato come Davide Combusti. E il
suo recente Ep An Ordinary Man, vero scrigno
fatato composto di quattro canzoni che assomi-
gliano più a quattro brillanti, è un vero miracolo
musicale del made in Italy.
Qualcuno si mette a scrivere canzoni perché
non è il bullo del quartiere, perché una ragazza
carina gli ha detto che le piacevano i cantanti,
perché ha i denti storti e non può sorridere come
vorrebbe, perché non vuole la moglie brutta che
si merita. Il bello è che scrivere canzoni non serve
a nulla di ciò che uno vuole.
Scrivere canzoni è un limite, un dolore, un
difetto in più. Il bello è che dopo averlo fatto stai
malissimo. Il brutto è che desideri ancora un
amore indimenticabile.
Ma se guardi la cosa da un’altra prospettiva,
ascoltare canzoni non serve a molto di più. O
almeno è quello che credi finché, una tantum, non
t’imbatti in un The Niro. Uno che, già lo sai, non
potrà mai essere solo chiacchiere e distintivo.
Matteo Grandi
Music In  Aprile Maggio 2008
Venerdrink
Meglio ascoltare musica al buio ovvero in
silenzio guardare un’opera?
Meglio ascoltarla quando si è ben disposti a
farlo. Anche in uno stadio assordante, se è
buona. Ogni tipo di musica vuole un tipo di
ascolto.
C’è flessibilità ma niente è più deleterio che
credere di avere avuto un’esperienza d’ascolto
quando in realtà si è solo ‘sentito’. E si eviti l’in-
digestione: dobbiamo fare vuoto nella mente per
tornare ad ascoltare.
Cosa offre Padova ai giovani musicisti, oltre
a una giornata di ascolto?
Sempre troppo poco. Ci sono però speranze
che in occasione dell’edificazione del nuovo
Auditorium dell’architetto Kada vi venga inclu-
so il nuovo Conservatorio, che dovrebbe mante-
nere una relazione con le istituzioni di istruzione
superiore (l’Università) più che con quelle di
produzione (che avranno vita del tutto autono-
ma). Si tratterà di un collegamento ‘simbolico’,
ma forse non inutile e almeno risolverà i proble-
mi di spazio.
Oltre alla musica classica la municipalità
dovrebbe preoccuparsi anche della musica leg-
gera: c’è bisogno di luoghi dove poter provare e
crescere musicalmente. È ora di far uscire i
ragazzi (e i meno ragazzi) dai garages.
Quale grande artista vedrebbe per le strade
di Padova questo 18 maggio a rappresentare
«l’ascolto»?
Mi piace pensare che John Cage si troverebbe
a suo agio.
VENERDRINK
Negli anni Ottanta c’era una famo-
sissima reclame che recitava «Una
Milano da bere»: è dal
cuore della Lombardia
che parte la moda degli
aperitivi e degli eventi col-
legati e arriva fino a una
Roma che evolve e trova i
Venerdrink del Savoia68,
nei pressi di Piazza Fiume,
in cui quattro musicisti si
alternano in acustico tutti
i venerdì alle 19.
Si scambiano microfo-
no e strumenti Pier
Cortese, Marco Fabi, Leo
Pari, Luca Bussoletti,
Valeria Rossi, Michele
Amadori, Stefano Scarfone e, tra apri-
le e maggio, anche Nicco Verrienti,
Diana Tejera, Daniele Sarno e
Federica Baioni. Ingresso gratuito e
info su www.myspace.com/ubixweb.
 FEED
Music In  Aprile Maggio 2008

DAVE ALLEN Real and DARIO MARIANELLI Espiazione RADIODERVISH L’immagine

back
Imagined Un nuovo cd, nove trac- La colonna sonora che gli ha fatto vin- di te La verità è uno specchio cadu- a cura di ROMINA CIUFFA
ce di poesia virtuosa cere l’Oscar to dalle mani di Dio

DARIO MARIANELLI - ESPIAZIONE (ATONEMENT)

DAVE ALLEN - REAL AND IMAGINED
Le parole e le note possono letteratura britannica da E.M. Forster a
essere davvero così vicine? Virginia Woolf. Inchiostro musicale che scorre
Non volevo finirci ma ora vedo il mondo a quadretti, un po’ in trasparen- Tasti di un pianoforte che inse- anche nelle tracce Cee, You and Tea, With my
za, comunque sospesa. Perché improvvisamente mi sono trovata impri- guono quelli di una macchina da scrivere. Il own Eyes, che dialoga fluidamente con la son-
gionata nella ragnatela di un ragno di Philadelphia, Dave Allen, uno che sa tono amaro che si confonde col sapore dell’in- tuosità del pianoforte e degli archi.
tessere jazz e incollarti per nove tracce che sono poesia virtuosa. Così ora vedo New chiostro, una sensazione penetrante, dispe- Atmosfere dense, che arrestano il respiro, per
York dagli occhi di uno che a 16 anni era già stato riconosciuto da Guitar Player come rante e passionale come la consistenza delle terre lontane, troppo lontane, all’origine di ogni
un talento da tenere sotto controllo. Non l’ho fatto ed ora mi ritrovo nella sua tela. lettere in bocca nel pronun- lontananza, di ogni nostalgia.
Ma almeno è la tela di un romantico. Ne prendo atto mentre ascolto questo nuovo cd, ciare ‘Atonement’. E proprio per far fronte a tali
Real and Imagined, e mi lascio afferrare da dita incessanti a condurmi sulle sue cinque Poi il suono si eleva dalle let- pesi evocativi dell’anima che
corde, una per una, che sono seta da cui lui si cala. Resto cosí tra il reale e l’immagina- tere battute, si allontana, Marianelli ha dovuto ricerca-
to, qualcosa che Dave sa domare con lunghe frasi di jazz per tenermi con i piedi per terra quasi per paura di sentirsi re momenti altissimi, inge-
mentre mi manda ad Ottavia, la città ragnatela di Italo troppo vicino all’altra gran- gnosi di spirito compositivo,
Calvino, con la velocità stilistica del suo arpeggio. de volontà d’espressione abbandonando la musica in
Se lo merita, Allen, un nuovo cd dopo le sue Untold dell’anima: la scrittura. affascinanti e penetranti
Stories (ancora Fresh Sound New Talent); si merita città Dalla semplice e ripetitiva misteri come nella traccia
invisibili da tessere, una Manhattan che fa sfondo al suo nota iniziale si passa all’ar- Atonement.
animo agitato e racconti fantastici spiegati a modo suo; peggio su scala minore, Lasciando l’ascoltatore allo
si merita un ascolto diluito e la strada di Pat Metheny sempre sulla stessa nota scoperto, tra ombre troppo
totalmente spianata. Tesse da solista la ragnatela in cui bassa mentre il ritmo fisso lunghe e improvvise luci
sono imprigionata e prosegue, mai di troppo, in accom- della macchina da scrivere troppo forti, come nell’in-
pagnamento a un altro talento della nuova generazione cerca di inchiodare il volo treccio di violino e pianoforte
newyorchese di sassofonisti, Seamus Blake, al bassista delle note rendendo ango- di Love Letters. Forti come i
Drew Gress che sostituisce Carlo DeRosa nel nuovo scia all’anima. cori che sovrastano Elegy for Dunkirk, som-
album, e alla batteria di Mark Ferber. Così inizia ‘Atonement - Espiazione’, con lo messi e abbattuti come in Two Figures by
Mi afferra mentre sono distratta e mi porta giù veloce- score Briony, del Premio Oscar alla Miglior Fountain, i suoni di Marianelli si fondono alle
mente sulle note di Untold Story, precipito velocemente colonna sonora nelle mani del compositore percezioni individuali per un cd magnifico, sen-
sulla City e dal punto di vista della sua chitarra al 55 Bar Dario Marianelli, che incarna e materializza, sibile forma di congiunzione tra la musica, la
di Greenwich ascolto corde alla Wes Montgomery e i col- con i tasti della macchina da scrivere confusi scrittura e le immagine bellissime del film di
lage di Mantra e Always Beginning in cui s’incontrano Blake e Allen; dovrei temere, al piano soave di Jean-Yves Thibaudet, gran Joe Wright.
perché quando avrà finito sarà pronto a divorarmi. Ma invece lo guardo senza paura parte della cruda narrativa di McEwan e della Flavio Fabbri
perché c’è sensualità nel suo tormento e stabilità nonostante la voluttuosità del jazz.
C’è un ragno dannato ma un chitarrista saldo e non vedo di che preoccuparmi.
Mi ritrovo così nel limbo di una New York talentuosa, guardo Manhattan dal buco di
una chitarra e immobile, sulla tela di Dave Allen, lo accompagno in caduta libera MATRIMIA KLEZMER BAND - MATRIMIA
lasciandomi divorare. Fatti ammazzare da un boia pratico: e lui è un esperto.
Il klezmer non nasce per ragioni
ROMINA CIUFFA estetiche né per motivi commer-
ciali: è musica tradizionale, deve
accompagnare eventi della vita, matrimoni,
funerali, banchetti, o fare da colonna sonora
alle lunghe migrazioni in cui la musica è ele-
mento identitario di un popolo e motivo di
socializzazione. Non è roba da auricolari e let-
OFFLAGA DISCO PAX - BACHELITE tore Mp3. Il klezmer te lo dice chiaro: non si
gioisce né si soffre, da soli. Per questo i
BEYOND Bachelite, seconda fatica del music sembra un tentativo di evadere dalla real- Matrimia Klezmer band sarebbe meglio ascol-
&further trio emiliano composto da tà italiana (politica e musicale) come da una tarli dal vivo, in compagnia, magari ad una
Enrico Fontanelli (basso, moog), Daniele Carretti palude giurastica che sopravvive soffocando sul festa. Il cd che il gruppo palermitano ha pro-
(chitarre) e Max Collini (voce), esce a tre anni di nascere ogni lucente germoglio. Le nove tracce dotto, però, aiuta a immergersi in quelle atmo-
distanza dall’eccellente disco d’esordio impongono un ascolto attento e rigoroso. Nove sfere e dà l’opportunità di apprezzare un
Socialismo tascabile. La formula di musicare racconti minimali narrati con ironica rassegna- certo virtuosismo strumentale, di soffermarsi
brani recitati piuttosto che zione: storie di personaggi, sulle colte citazioni, e cogliere le tensioni
cantati, carattere distintivo ricordi di gioventù vissuti a espressive di quest’arte. I Matrimia dimostra-
della band, presenta subito cavallo tra gli anni Settanta e no di aver ben compreso lo spirito dei klez-
una sostanziale differenza i primi anni Ottanta come mer, che si trasmette per osmosi, e si arric-
rispetto al disco d’esordio: i cortometraggi in bianco e chisce e trasforma in base ai luoghi che
toni aspri e gli attacchi politici nero girati nell’asse ideologi- tocca, alle culture su cui si sovrappone. Così
lasciano più spazio a medita- co che da Reggio Emilia arri- tutte le influenze musicali e le esperienze di
zioni nostalgiche e ironiche di va fino a Berlino. Dalla storia vita dei sette musicisti sono ben raccolte e
piccoli affreschi di provincia. di Carlotta «figa di legno» amalgamate: jazz, classica, swing manouche,
I testi acquistano un’aurea di (Superchioma) al racconto funky, ritmi balcanici e immagini felliniane.
solennità per mezzo di arran- dell’epica impresa sportiva Musica «povera» e «sporca», eppure così
giamenti semplici ma ricerca- del compagno Yashenko coinvolgente. Povera e sporca: sporcarsi su
ti, basati su intrecci ipnotici di (Ventrale) saltatore da record questo disco (www.matrimia.it), che invece
basso, chitarra e moog sup- simbolo della supremazia che impoverire arricchisce.
portati dal ritmo tribale e incessante di una socialista; dall’epopea delle feste dell’Unità nella Nicola Cirillo
drum-machine rudimentale. Molteplici le influen- madre terra emiliana (Lungimiranza) a storie di
ze musicali: Cccp, Massimo Volume e, soprat- macchine, vigilesse e poliziotti (Dove ho messo
tutto, Kraftwerk, Cluster, La Dusseldorf e Neu!. la golf). Massima intensità nei momenti conclu-
Non a caso i riferimenti di Bachelite si rifanno a sivi di Cioccolato I.A.C.P., che racconta un’inizia- RADIODERVISH - L’IMMAGINE DI TE
un fenomeno, il krautrock, che aveva rappresen- zione al sesso in una squallida realtà di provin-
tato un preciso anelito di evasione da un conte- cia, e della meravigliosa Venti Minuti, su un diffi- «La verità è uno specchio cadu- Alcuni li ha recuperati Alessia Tondo (voce
sto sociale: come la gioventù tedesca dei primi cile rapporto padre-figlio, in assoluto uno dei più to dalle mani di Dio e andato in dell’Orchestra Popolare della Notte della
anni Settanta aveva scelto le astrazioni cosmi- bei pezzi del disco. frantumi. Ognuno ne raccoglie Taranta di Melpignano), un altro frammento è
che per esorcizzare le colpe dei propri padri, un frammento e sostiene che lì è racchiusa tutta stato riportato da Caparezza (il rapper barese
così, in questo disco, il riferimento alla cosmik Eugenio Vicedomini la verità». Con questa frase del mistico persiano compare in Babel), ma i frammenti più impor-
Gialal ad-Din Rumi si tanti li ha riscoperti
apre il libretto del nuovo Franco Battiato, pro-
cd dei Radiodervish, duttore del disco, e li
RICCARDO MUTI «L’immagine di te». ha resi con generosità
MISSA SOLEMNIS IN E DI LUIGI CHERUBINI Così Nabil Salameh e ed orgoglio (per averli
Michele Lobaccaro trovati lui per prima)
(Radio-dervish dal insieme a Pino Pinaxa
Attacca lieve e impalpabile, per l’esecuzione orchestrale dei complessi 1997) dichiarano che Pischetola, che ha
su un tappeto d’archi velluta- Bayerischen Rundfunk e Symphonieorchester. anche la musica può mixato l’album e ne ha
to, spazzato a folate dalle voci Cori flessibili, precisi, morbidi e di una compat- avere un ruolo nella curato la programma-
del Coro delle Kyrie in apertura. Atmosfera tezza eccezionale, pieni di cura per le sfumatu- ricerca della verità. zione dei suoni.
sospesa su accensioni progressive e provoca- re e i fraseggi. Raccolgono i pezzettini Su questa ricca trama
torie di un’interpretazione, quella data dal Un’opera trascendente che Muti ha domato dello specchio e li met- musicale si intessono
maestro Riccardo Muti, incredibilmente stra- appieno, con grazia e solennità, lasciando che tono insieme, fornen- testi di spessore, paro-
ordinaria. il senso del sacro, molto vicino alla cifra di do un’immagine certa- le di pace, veicolate da
La Missa solemnis in E di Luigi Cherubini Mozart, si diffondesse inevitabilmente, ma dol- mente più globale della una pluralità di lingue
(1760-1842), per i tipi Emi Classics, nono- cemente, per tutta l’esecuzione. realtà musicale del (dall’arabo al francese,
stante sia stata composta nel Otto tracce registrate in nostro Paese e della dall’inglese al «griko»
1818, trattiene ancora tutta presa diretta nell’eccezionale sua società. «La nuova salentino) amalgama-
la sua spiritualità e tensione esecuzione live a Monaco di musica italiana», come te all’italiano, alternate
liturgica, grazie anche al tono Baviera, più l’Antifona e il la definiscono è una nostalgia musicale che va tra le strofe o all’interno della stessa frase.
e all’impostazione del quartet- Mottetto Nemo Gaudeat, in dalla disco music degli anni Settanta all’elet- E appare l’immagine di un’Italia multietnica, di un
to di solisti vocali di spalla a cui alla Bavarian Radio Chorus tro-pop degli anni Ottanta, fino al rap e all’hip- Uomo libero da ogni razzismo, aperto alla tra-
Muti: Ruth Ziesak, Marianna si sono uniti gli organisti pop più recente, passando per i ritmi pop-raï e sformazione individuale e collettiva.
Pizzolato, Herbert Lippert e Harald Feller e Max Hanft. bhangra. Pezzettini persi nello spazio e nel
Ildar Abdrazakov. tempo e trasportati fino a noi dalle onde del
Una direzione impeccabile, Flavio Fabbri mediterraneo. Nicola Cirillo