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Facultad de Humanidades.
BACHILLERES:
Germary Paz.19.694.811
Pocos adelantos técnicos del siglo XIX, tan rico en innovaciones que hicieron
época, pueden ostentar tan profundas consecuencias para la cultura y el arte
subsecuentes, como la invención de la “fotografía viviente”.
El cine, que hace desfilar ante nuestros ojos veinticuatro (y en otro tiempo
dieciséis) imágenes por segundo, puede darnos la ilusión de movimiento
porque las imágenes que se proyectan en nuestra retina no se borran
instantáneamente. Esta cualidad (o esta imperfección) de nuestro ojo, la
persistencia retinaria, trasforma un tizón que se agita en una línea de fuego. El
fenómeno fue comprobado por los antiguos, y su estudio se esbozó en los
siglos XVIII con Newton y el Caballero d’Arcy. Hubo, no obstante, que esperar
los trabajos de Peter Mark Rogert, inglés de origen suizo, para entrar en el
camino que los llevo hasta el cine. Como aplicación de sus trabajos un ilustre
físico británico construyó en 1830 la rueda de Faraday, dio nacimiento al primer
juguete óptico que utilizó dibujos. El traumátropo, creado en 1825 por Fitton y
por el doctor Paris, es un simple disco de cartón que lleva en su recto y en su
verso dos dibujos que se superponen para nuestro ojo cuando se les hace girar
rápidamente.
Reynaud construyo en 1888 su teatro óptico con ayuda del cual pudo dar, a
partir de 1892 y durante cerca de diez años las primeras representaciones
públicas largas de dibujos animados.
En la misma época Edison hizo entrar el cine en una etapa decisiva, al crear la
película moderna de 35 mm con cuatro pares de perforaciones por imagen.
Edison se negó a proyectar en público sus films sobre una pantalla, por
parecerle que así se mataría “la gallina de los huevos de oro”, pues no había,
según él, ninguna probabilidad de que el público se interesara por el cine
mudo. Como había fracasado en su búsqueda del cine hablado, proyectando
personajes de tamaño natural, se decidió a lanzar al comercio, en 1894, sus
quinescopios, aparatos de anteojos, grandes cajas que contenían películas
perforadas de 50 pies.
Louis Lumière, que dirigía con su padre y su hermano una importante fábrica
de productos fotógrafos en Lyon, habían empezado sus trabajos desde la
llegada a Francia de los primeros quinescopios (en 1884). Había construido un
cronofotógrafo empleado para su entrenamiento la excéntrica de Hornblauer y
una película fabricada en Lyon en el formato Edison. Después de diversas
demostraciones públicas, a partir de marzo de 1895, hizo fabricar su
cinematógrafo, que era a la vez cámara, proyector e impresora, y realizo así un
aparato muy superior a todos sus competidores. Su perfección técnica y la
novedad sensacional de los asuntos de sus films aseguraron su triunfo
universal. (Georges Sadoul 2004).
Pronto, el particular invento fue distribuido por todo el mundo, bien a través de
la compra de la patente, o bien mediante la copia del artilugio. Diferentes
inventores alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el
cinematógrafo, y puede decirse que a finales del siglo XIX un amplio número de
personas en Europa y en Estados Unidos habían visto algún tipo de imágenes
en movimiento. Por ejemplo, en el caso de la India, el cinematógrafo llegó
solamente un año después de que lo inventaran los hermanos franceses.
Algunas de las películas rodadas durante estas tres primeras décadas han
pasado a la historia del cine, convirtiéndose en clásicos y marcando
inexorablemente la evolución posterior del lenguaje cinematográfico. El
nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916), convierten a su autor,
David W. Griffith (1915), en uno de los padres del lenguaje cinematográfico,
quién concreto en estas dos películas todas las aportaciones hechas en el cine
hasta entonces.
1.2. La transición del cine al mundo sonoro (1927-1928)
El final de la década de los veinte está marcado por la revolución que supuso la
llegada del cine sonoro. La primera película que se considera sonora es El
Cantor de Jazz, de Alan Crossland. Warner Bros. hizo esta película cuando
estaba casi en la ruina, en un desesperado intento de salir a flote, y gracias al
éxito del filme logró resurgir e impuso el sonido al resto de las productoras.
A efectos del cine como sistema global, la incorporación del sonido trajo
cambios en la industria. Ya no bastaba con ser fotogénico, sino que la voz tenía
que cumplir unas expectativas. En el cine norteamericano muchos actores de
origen extranjero vieron reducidas sus posibilidades de triunfar en Hollywood,
pues su acento no se ajustaba a las exigencias de los personajes, por lo que se
vieron relegados a interpretar papeles muy concretos.
Los estudios, que por entonces aglutinaban en sí mismos todas las actividades
cinematográficas de forma vertical (producción, distribución y exhibición), se
vieron obligados a realizar grandes inversiones para adaptarse a la nueva
tecnología del registro del sonido. Las cámaras de cine, para asegurar una
buena sintonización entre la banda sonora y la de imagen, pasaron a rodar a
24 fotogramas por segundo, lo cual implicó también la reforma de las salas de
exhibición.
o En el Salón Indien, del Grand Café del Boulevard des Capuchines (París)
se llevó a cabo la primera proyección cinematográfica pública. Fue el 28 de
diciembre y se considera esta fecha como la del nacimiento del
Cinematógrafo, inventado por los hermanos Louis y Auguste Lumière y
patentado en 1894.
o Porter también utilizará el primer plano para mostrar una mano que
acciona una alarma. Pero ya no persigue un fin funcional, sino que con ese
primer plano se genera todo lo que se desarrollará luego (el despertar de
los bomberos alarmados y las escenas de la salvación montadas
alternadamente, sugiriendo paralelismo en la acción). Porter da un paso
más en la narratividad cinematográfica, al mostrar en continuidad principio,
conflicto y desenlace de una historia.
o En sus films, David W. Griffith utilizará por primera vez el plano medio y la
acción paralela para contar un “salvamento a último minuto”. Será en El
teléfono (1912) cuando afinará estos recursos para potenciar la tensión
dramática, mediante la prolongación de la situación y los planos alternos
de unos bandidos, la familia acosada que interpone ante ellos muebles en
las puertas de la vivienda, y el padre que corre a rescatarla.
o THOMAS INCE filma Across the Plains, una historia sobre la fiebre del oro
que azotara a California durante el siglo XIX. Ince es considerado como el
padre del western. Es el creador del vaquero Río Jim, encarnado por
William S. Hart, a quien ubica en medio de la naturaleza. Ince sabía que el
cine es movimiento y acción, y así lo tradujo en sus películas, que le dieron
al género las pautas a seguir.
1915
1916
1921
1932
o “La realidad está allí, para qué manipularla”, será la frase que se
constituirá en el manifiesto de este movimiento. Sin embargo, no realizan
un cine documental, sino que reconstruyen la realidad de manera tal que
parezca documental.
o Para romper con las convenciones hay que conocerlas, pareciera ser el
lema de Jean-Luc Godard, quien propondrá en sus películas una
composición agresiva y no habitual del encuadre (por ejemplo un rostro en
primer plano tomado en su tres cuartas partes), la cámara en mano, la
continuidad fracturada (a veces, hasta el paroxismo) y el distanciamiento
del espectador (por ejemplo, con el diálogo del actor dicho a la cámara).
2008
o Los avances se han sucedido tan repentinamente, que habrá que esperar
unos años para considerar la envergadura de su desarrollo.
Película “Constantine”
John Constantine tiene un don al que él mismo considera una maldición. Desde
niño puede ver a ángeles y demonios disfrazados en la Tierra como seres
humanos. Ante el horror de sus visiones intentó suicidarse y llegó a estar
clínicamente muerto durante 2 minutos. Su intento de suicidio lo llevó a ver el
infierno comprendiendo que debía redimirse para evitar ese final tras su
muerte. Desde entonces busca la redención en la Tierra exorcizando demonios
y expulsando a los demonios que amenacen romper el equilibrio entre el bien y
el mal en la Tierra.
Película “Crepúsculo”
James Camerón, ha desarrollado una visión muy particular de ver las cosas y
ha utilizado las corrientes artísticas, para proponer un nuevo concepto de cine,
utilizando quizás, esquemas viejos, pero dándole un toque innovador que ha
despertado la imaginación en todas sus vertientes.
Los escenarios, aunque tal vez demasiado coloristas, son de una belleza
embriagadora, los Na’vi gozan de una expresividad orgánica jamás vista antes
en personajes recreados por ordenador, las escenas de acción son
adrenalínicas e impresionantes, las batallas épicas, el sonido extraordinario, la
banda sonora muy adecuada y el ritmo narrativo casi perfecto. La historia, en
cambio, es tópica, los personajes rozan el estereotipo y su evolución es
previsible. El guión se centra en convertir a los indígenas azules en émulos de
los nativos norteamericanos (o los vietnamitas, iraquíes, africanos, cualquier
raza oprimida por el primer mundo…) y a la raza humana en el representante
brutal de la ambición desmedida. Críticas al militarismo, el imperialismo e
incluso el capitalismo son evidentes, así como odas a la ecología, la paz y la
conexión interior entre todos los seres
Toda su carrera ha estado siempre marcada por una ambición desmedida por
subirse el listón y encontrar nuevos niveles para el espectáculo, aprovechando
al máximo las virtudes que le ofrece la técnica, pero sin descuidar nunca la
dignidad de la historia ni la conexión del espectador con los personajes.
Definitivamente, AVATAR, es un homenaje a todas las tendencias artísticas
existentes y que reafirman que el cine cada día se reinventa aportando
conocimientos y mucha creatividad y renovación.
BIBLIOGRAFÍA
Georges Sadoul (2004). Historia del cine mundial: desde los orígenes. México:
Editorial siglo veintiuno editores, s.a. de c.v. Decimonovena edición en
español.
Guadalupe Gómez Salazar. Los inicios del cine (1895-1927). Disponible en:
http://www.duiops.net/cine/inicios-del-cine.html