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La Universidad del Zulia.

Facultad de Humanidades.

Escuela de Comunicación Social. RR-PP

Cátedra: Medio Audiovisuales

Profesor: Luis Gómez

BACHILLERES:

Germary Paz.19.694.811

Veronica Petit. 19694888

Kenny Labarca. 20.579.480

Lismar Rincón. 23.745.105

Mónica Leal. 19.907.471

Maracaibo, julio 2010


1. Acontecimientos que dieron origen al cine

1.1. El Arte Mudo.

Pocos adelantos técnicos del siglo XIX, tan rico en innovaciones que hicieron
época, pueden ostentar tan profundas consecuencias para la cultura y el arte
subsecuentes, como la invención de la “fotografía viviente”.

El cine, que hace desfilar ante nuestros ojos veinticuatro (y en otro tiempo
dieciséis) imágenes por segundo, puede darnos la ilusión de movimiento
porque las imágenes que se proyectan en nuestra retina no se borran
instantáneamente. Esta cualidad (o esta imperfección) de nuestro ojo, la
persistencia retinaria, trasforma un tizón que se agita en una línea de fuego. El
fenómeno fue comprobado por los antiguos, y su estudio se esbozó en los
siglos XVIII con Newton y el Caballero d’Arcy. Hubo, no obstante, que esperar
los trabajos de Peter Mark Rogert, inglés de origen suizo, para entrar en el
camino que los llevo hasta el cine. Como aplicación de sus trabajos un ilustre
físico británico construyó en 1830 la rueda de Faraday, dio nacimiento al primer
juguete óptico que utilizó dibujos. El traumátropo, creado en 1825 por Fitton y
por el doctor Paris, es un simple disco de cartón que lleva en su recto y en su
verso dos dibujos que se superponen para nuestro ojo cuando se les hace girar
rápidamente.

Los aparatos que se crean simultáneamente en 1832 Joseph Plateau, joven


físico belga, y el profesor austriaco Stampfer, utilizan los dispositivos
escensiales de la rueda de Faraday (disco dentado que de observa en un
espejo) y los dibujos del traumátropo. Los inventos de estos dos son
simultáneos y sin ninguna influencia reciproca. Sin embargo, Plateau parece
haber rebasado a su rival en los resultados que obtuvo de la construcción de su
fenaquistiscopio: su disco de cartón dentado (o agujerado por dientes) puede
servir lo mismo para reconstruir el movimiento partiendo de una serie de
dibujos fijos que para descomponerlo observando una serie de imágenes fijas.
Esto dio origen ya en 1833, los principios fijos del cine, tanto para su
reproducción como para el registro.
Una inglés, Horner, les dio a estos inventos una nueva forma con el zoótropo
(1834), que lleva una banda de imágenes sobre cartón que anuncia
lejanamente el film.

En efecto, el cine supone la instantánea. La fotografía ha universalizado hoy


esta idea. La fotografía era para todos una nueva forma de dibujo, el medio de
fijar químicamente las imágenes de las cámaras negras (cámara obscura)
empleadas por los artistas desde el comienzo del Renacimiento. Los primeros
daguerrotipos fueron bodegones o paisajes. Pero hubo que esperar el
procedimiento del colodión húmedo, que se generalizo a partir de 1851, para
que naciese la fotografía con sus placas de vidrio de las que podían sacarse
muchas copias o pruebas. El tiempo de exposición se redujo de media hora a
unos segundos, y se creó una nueva profesión artesanal, la de fotógrafo.

A partir de 1851 se realizaron las primeras fotografías animadas (Claudet,


Duboscq, Herschel, Wheatstone, Wenham, Seguin, etc.) todos estos
realizadores se vieron obligados a recurrir al expediente de las exposiciones
sucesivas. Si se trataba de un hombre bajando el brazo, se le fotografiaba con
el brazo levantado. Después de cargar de nuevo el aparato se le volvía a
retratar con el brazo un poco más bajo y así sucesivamente. Procedimiento
imperfecto, pero que antes de 1870 permitió profetizar los usos futuros del cine
y algunas de sus técnicas (acelerado, retardado, cine astronómico, etcétera.

Después de 1872, un millonario californiano, Leland Stanford, enriquecido por


el comercio y los ferrocarriles había hecho una apuesta sobre la andadura y las
actitudes de un caballo al galope. Este excéntrico ,gasto una fortuna para que
Muybridge pudiera hacer construir el extraordinario dispositivo que contaba de
veinticuatro cabinas, cámaras oscuras, veinticuatro placas de colodión húmedo;
porque es este procedimiento las placas dejan de ser sensibles al cabo de
unos minutos en cuanto se secan. Cargados de veinticuatro aparatos se
lanzaba a la pista a los caballos, que se fotografiaban a sí mismos al romper
unos bramantes colocados en su recorrido.

A partir de 1878 se publicaron en todas partes las fotografías tomadas en


california que provocaron el entusiasmo de los investigadores científicos.
En 1882 Muybridge decidió emplear la fotografía en sus experimentos. Facilito
su tarea la reciente salida al comercio de las placas fotográficas de gelatina-
bromuro.

Después de haber hecho construir un fusil fotográfico, Marey prosiguió sus


trabajos con ayuda del cronofotografo de placa fija, que se convirtió en el
cronofotógrafo de placa móvil mediante la adaptación de rollos de películas
Kodak recién salidos al comercio. En octubre de 1888 Marey presentó a la
Academia de Ciencias las primeras tomas de vistas en película. Poco después
Leprince y Friese Greene obtuvieron en Inglaterra resultados idénticos (1888-
1890). Lograron proyectar sus cintas en una pantalla, en laboratorio o en una
demostración ocasional, como lo hará mas tarde Marey y después su
colaborador Demeny. Las cintas de Leprince y de Friese estaban perforadas
dispositivo esencial para obtener la fijesa de las imágenes necesarias para una
buena proyección. La perforación había sido adoptada en la misma época por
Reynaud, creador del dibujo animado.

Reynaud construyo en 1888 su teatro óptico con ayuda del cual pudo dar, a
partir de 1892 y durante cerca de diez años las primeras representaciones
públicas largas de dibujos animados.

En la misma época Edison hizo entrar el cine en una etapa decisiva, al crear la
película moderna de 35 mm con cuatro pares de perforaciones por imagen.
Edison se negó a proyectar en público sus films sobre una pantalla, por
parecerle que así se mataría “la gallina de los huevos de oro”, pues no había,
según él, ninguna probabilidad de que el público se interesara por el cine
mudo. Como había fracasado en su búsqueda del cine hablado, proyectando
personajes de tamaño natural, se decidió a lanzar al comercio, en 1894, sus
quinescopios, aparatos de anteojos, grandes cajas que contenían películas
perforadas de 50 pies.

Inmediatamente, en todos los países del mundo decenas de inventores


buscaron el modo de proyectar esos films en una pantalla. Tenían para ello que
resolver un problema teóricamente muy sencillo: hacer desfilar los films por una
linterna mágica, animándolos de un movimiento discontinuo mediante el
empleo de dispositivos mecánicos clásicos (cruz de malta, excéntrica, álabes,
etc.) el vencedor de esta carrera tras el invento había de ser el primero que
lograse dar una serie de representaciones públicas y de paga.

En 1895 se multiplicaron las primeras representaciones de cine. Pero ninguna


fue acogida con el éxito enorme como el que obtuvo el cinematógrafo Lumière,
a partir del 28 de diciembre de 1895, en el Grand Café, bulevar des Capucines
en Paris.

Louis Lumière, que dirigía con su padre y su hermano una importante fábrica
de productos fotógrafos en Lyon, habían empezado sus trabajos desde la
llegada a Francia de los primeros quinescopios (en 1884). Había construido un
cronofotógrafo empleado para su entrenamiento la excéntrica de Hornblauer y
una película fabricada en Lyon en el formato Edison. Después de diversas
demostraciones públicas, a partir de marzo de 1895, hizo fabricar su
cinematógrafo, que era a la vez cámara, proyector e impresora, y realizo así un
aparato muy superior a todos sus competidores. Su perfección técnica y la
novedad sensacional de los asuntos de sus films aseguraron su triunfo
universal. (Georges Sadoul 2004).

El cinematógrafo, el invento de los Lumière, tenía como antecedente


el kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos consiguieron fabricar una cámara más
portátil y funcional a partir de aquel artefacto, que registraba imágenes en
movimiento, aunque no era capaz de reproducirlas. Aunque los hermanos
Lumière nunca tuvieron excesiva confianza en las posibilidades técnicas y
artísticas del nuevo invento, poco a poco estas proyecciones van atrayendo a
un número de espectadores cada vez mayor. Las primeras películas
combinaban indistintamente dos tendencias cinematográficas que pronto se
escindirían: el cine documental y el cine de ficción. Por un lado exhibían
escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de
las fábricas, trenes, transeúntes… y, por otro, representaciones escenificadas
grabadas en interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las
famosas Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895).

Pronto, el particular invento fue distribuido por todo el mundo, bien a través de
la compra de la patente, o bien mediante la copia del artilugio. Diferentes
inventores alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el
cinematógrafo, y puede decirse que a finales del siglo XIX un amplio número de
personas en Europa y en Estados Unidos habían visto algún tipo de imágenes
en movimiento. Por ejemplo, en el caso de la India, el cinematógrafo llegó
solamente un año después de que lo inventaran los hermanos franceses.

Poco a poco el cine comenzó a dejarse de ver como un espectáculo de feria y


ciertos intelectuales ya lo empezaban a reivindicar como un Arte. A partir de
1910 comienzan a producirse en Europa películas de mayor duración y más
calidad. En Francia se adaptaron obras de Victor Hugo o Emile Zola, mientras
que en Italia se consolidaba una forma de hacer cine que influirá en todo el
mundo. Mientras, en Estados Unidos empiezan a fundarse los primeros
estudios cinematográficos

En la Exposición Universal de 1900 el aparato causó una gran sensación, lo


que supone el impulso definitivo para su expansión. En Estados Unidos se
eliminó la marca Lumière del cinematógrafo, tras un forzado conflicto legal, lo
que marcó la desligazón del cine europeo y anglosajón. Por su parte, sería la
firma de Charles Pathé la que extendería el cinematógrafo a Berlín, Londres,
Roma, Moscú… Antes de la Primera Guerra Mundial, el cine francés se había
adueñado del mundo. En 1913 la firma Pathé equipaba el 95% de las salas de
Bélgica, El 60% de Rusia y el 50% de Alemania. Incluso durante esta época, el
cine americano, pese a su producción autóctona continuaba importando filmes
franceses. A partir de la Primera Guerra Mundial, el testigo del mayor productor
de cine pasaría a manos anglosajonas.

Algunas de las películas rodadas durante estas tres primeras décadas han
pasado a la historia del cine, convirtiéndose en clásicos y marcando
inexorablemente la evolución posterior del lenguaje cinematográfico. El
nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916), convierten a su autor,
David W. Griffith (1915), en uno de los padres del lenguaje cinematográfico,
quién concreto en estas dos películas todas las aportaciones hechas en el cine
hasta entonces.
1.2. La transición del cine al mundo sonoro (1927-1928)

El final de la década de los veinte está marcado por la revolución que supuso la
llegada del cine sonoro. La primera película que se considera sonora es El
Cantor de Jazz, de Alan Crossland. Warner Bros. hizo esta película cuando
estaba casi en la ruina, en un desesperado intento de salir a flote, y gracias al
éxito del filme logró resurgir e impuso el sonido al resto de las productoras.

Aunque en un principio parecía que la incorporación del sonido restaba


expresividad a los planos, pronto se supo aprovechar la capacidad
comunicativa que aportaban los diálogos. Los espectadores podían entender
mejor las historias y muchos intelectuales vieron la posibilidad de escribir
guiones interesantes.

A efectos del cine como sistema global, la incorporación del sonido trajo
cambios en la industria. Ya no bastaba con ser fotogénico, sino que la voz tenía
que cumplir unas expectativas. En el cine norteamericano muchos actores de
origen extranjero vieron reducidas sus posibilidades de triunfar en Hollywood,
pues su acento no se ajustaba a las exigencias de los personajes, por lo que se
vieron relegados a interpretar papeles muy concretos.

Los estudios, que por entonces aglutinaban en sí mismos todas las actividades
cinematográficas de forma vertical (producción, distribución y exhibición), se
vieron obligados a realizar grandes inversiones para adaptarse a la nueva
tecnología del registro del sonido. Las cámaras de cine, para asegurar una
buena sintonización entre la banda sonora y la de imagen, pasaron a rodar a
24 fotogramas por segundo, lo cual implicó también la reforma de las salas de
exhibición.

En el caso de Estados Unidos, desde el principio el cine se entendió como un


espectáculo dirigido a un extenso sector de población, como una industria que
podía aportar grandes beneficios económicos. Por tanto, hacer la película
atractiva al público era fundamental. En Estados Unidos interesaba era que la
cinta, de factura impecable, contara una historia creíble, atractiva y entretenida
para el público. Esto comenzó a interesar a las productoras, que rápidamente
se pusieron manos a la obra con sus inversiones.

2. Aportes de los primeros exponentes del arte cinematográfico desde


la perspectiva narrativa.

El cine que hoy vemos es producto de muchos encuentros y desencuentros


con la tecnología y con la teoría. A continuación, veremos los primeros aportes
de este arte cinematográfico por distintos exponentes.

1891 TOMAS A. EDISON

o Tomas A. Edison comercializa el kinetoscopio, un aparato que consistía en


una caja de madera, de un metro de altura, que poseía un orificio en la
parte superior, donde se podía ver una película muy corta, mientras se
giraba una manija que hacía pasar la película por un sistema de cilindros
internos. Su limitación radicaba en que la sólo podía ver la película una
sola persona.

1895 hermanos LOUIS Y AUGUSTE LUMIÈRE

o En el Salón Indien, del Grand Café del Boulevard des Capuchines (París)
se llevó a cabo la primera proyección cinematográfica pública. Fue el 28 de
diciembre y se considera esta fecha como la del nacimiento del
Cinematógrafo, inventado por los hermanos Louis y Auguste Lumière y
patentado en 1894.

o El cinematógrafo inventado por los Lumière era un aparato muy simple,


que servía de cámara, proyector e impresora. Al accionar una manivela
arrastraba la película de 35mm a una cadencia de 16 cuadros por
segundo. El programa exhibido en el Salón Indien incluía sus films más
conocidos: La salida de los obreros de la fábrica, La llegada del tren, El
regador regado.

o La exhibición de La llegada del tren, de Louis Lumière provocó gran


conmoción entre el público asistente, pues veían llegar a la locomotora
desde el fondo de la pantalla y abalanzarse sobre los espectadores. La
sensación de realismo era tal, que algunos asistentes huyeron
despavoridos, ante el temor de morir aplastados por el tren.

1896 GEORGES MÉLIÉS

o El mago francés del Teatro Houdini, Georges Méliés, realiza L'escamotage


d'une dame. Inaugura así el trucaje en el cine. Logra hacer “desaparecer”
a su actriz, deteniendo el rodaje para permitirle abandonar el estudio, para
seguir filmando, sin cambiar la posición de la cámara. El resultado era un
asombroso truco mágico.

o El espectador ve cómo la dama desaparece de pronto, ante su vista. Un


trucaje muy simple, pero bastante efectivo y exitoso.

o GEORGES MÉLIÈS es el autor de casi todos los trucajes que forman el


patrimonio del cine moderno: las apariciones y desapariciones, objetos que
se mueven solos, las maquetas, sobreimpresiones, fundidos y
encadenados. Incluso buscó darle color a sus imágenes, coloreando a
mano cada fotograma de sus films. Su limitación es que, como buen mago,
los trucos para Méliès eran un fin en sí mismos y no una búsqueda de
significación. También fue un pionero al construir el primer estudio
cinematográfico de Europa y por incorporar al cine la puesta en escena de
origen teatral.

1897 GEORGE ALBERT SMITH

Surge en Inglaterra la ESCUELA DE BRIGHTON , de la mano de George


Albert Smith, James Williamson y Alfred Collins, quienes incorporan al lenguaje
cinematográfico algunas novedades, como la alternancia dramática de los
escenarios (mostrando a perseguidos y salvadores en planos alternos), lo que
supone un progreso narrativo cinematográfico.

o George A. Smith utiliza el primer plano de manera funcional (para mostrar


lo que se ve a través de una lupa), no con una finalidad dramática.

o Se le debe a la Escuela de Brighton los primeros travellings (logrados al


desplazar la cámara en un auto o en un barco), el plano-contraplano
(gracias a la alternancia de puntos de vista) y un montaje bastante
rudimentario visto hoy, pero que será el inicio de la narrativa
cinematográfica.

1897 THOMAS ALVA EDISON

o Se desata la guerra de las patentes, iniciada por el denominado Mago de


Menlo Park, que no es otro que Thomas Alva Edison, quien reclama los
derechos de sus inventos, porque veía en el cine las posibilidades de una
verdadera industria. Su intento de monopolización del negocio
cinematográfico lo llevó a competir deslealmente contra todos sus rivales.
La persecución duró nueve años, cuando se creó la Motion Picture Patents
Co. dirigida por el propio Edison.

1902 EDWIN S. PORTER

o En los Estados Unidos, EDWIN S. PORTER filma Vida de un bombero


americano, donde intercala escenas documentales sobre la tarea de los
bomberos y escenas ficcionadas, en las que una madre y su hijo deben ser
salvados de las llamas. Porter da, así, un paso más en la búsqueda de la
narración cinematográfica, pues muestra en escenas alternas cómo los
bomberos irán a salvar a los personajes, generando cierto suspenso al
narrar una situación dramática.

o Porter también utilizará el primer plano para mostrar una mano que
acciona una alarma. Pero ya no persigue un fin funcional, sino que con ese
primer plano se genera todo lo que se desarrollará luego (el despertar de
los bomberos alarmados y las escenas de la salvación montadas
alternadamente, sugiriendo paralelismo en la acción). Porter da un paso
más en la narratividad cinematográfica, al mostrar en continuidad principio,
conflicto y desenlace de una historia.

o Porter filma Asalto y robo de un tren, ambientada en el Oeste


norteamericano, e iniciadora de un género mítico. Estamos ante uno de los
primeros films de ficción. Y con la particularidad que el plano final muestra
a un bandido en primer plano, disparándole a la cámara (al espectador), en
una búsqueda de efectismo bastante novedoso para esta época.
1903- 1908 DAVID W. GRIFFITH

o DAVID W. GRIFFITH filma en cuatro días Las aventuras de Dorotea, con


un argumento de folletín. Sin embargo, incluye en él como novedad el flash
back (una escena que altera la secuencia cronológica de la acción, al
intercalar un acontecimiento del pasado).

o En sus films, David W. Griffith utilizará por primera vez el plano medio y la
acción paralela para contar un “salvamento a último minuto”. Será en El
teléfono (1912) cuando afinará estos recursos para potenciar la tensión
dramática, mediante la prolongación de la situación y los planos alternos
de unos bandidos, la familia acosada que interpone ante ellos muebles en
las puertas de la vivienda, y el padre que corre a rescatarla.

1911 THOMAS INCE

o THOMAS INCE filma Across the Plains, una historia sobre la fiebre del oro
que azotara a California durante el siglo XIX. Ince es considerado como el
padre del western. Es el creador del vaquero Río Jim, encarnado por
William S. Hart, a quien ubica en medio de la naturaleza. Ince sabía que el
cine es movimiento y acción, y así lo tradujo en sus películas, que le dieron
al género las pautas a seguir.

1915

o David W. Griffith realiza El nacimiento de una nación, con un guión


esquemático, pero con suficientes aportes técnicos como para pasar a la
historia como un hito cinematográfico. Es un compendio de las técnicas ya
inventadas, pero con una función expresiva. Por primera vez se afronta
una narración tan larga y compleja (165 minutos), de ritmo ágil y gran
coherencia narrativa.

o La agilidad de la narración se debe, en parte al montaje, por el cual se


alternan los planos generales (incluso grandes panorámicas) con planos
cercanos.
o A través del montaje paralelo, Griffith logra armar una historia con tres
acciones, que se desarrollan en Atlanta, en la casa de la familia Cameron y
en el campo de batalla.

1916

o Griffith emprende la realización de Intolerancia, una superproducción muy


costosa, que lo sumió en la ruina. Compuso un gran fresco histórico, de
varios episodios. Unidos por la imagen de una madre que mece una cuna,
vemos escenas intercaladas de manera alterna, de distintas historias
acronológicas: una contemporánea, la caída de Babilonia, la pasión de
Cristo y la noche de San Bartolomé. Con esto buscaba mostrar lo que ha
sufrido la humanidad, debido a la intolerancia religiosa y social a lo largo
de su historia.

o Intolerancia, David W. Griffith

1919 ROBERT WIENE

o En oposición al naturalismo poético y literario, surge en Alemania el


EXPRESIONISMO. Su propuesta es plasmar la realidad desde una
interpretación subjetiva y emocional.

o Robert Wiene filma El gabinete del doctor Caligari, compuesta con


decorados en los que las sombras son pintadas y las líneas
distorsionadas, en una búsqueda de sembrar la inquietud en el espectador.
La escenografía cumple una función dramática puesta al servicio de la
subjetividad del autor y de la emoción del espectador.

o El gabinete del doctor Caligari, Robert Wiene

o Este movimiento artístico, al que se le dio el nombre de Caligarismo, puso


el énfasis en lo pictórico de la escenografía, descuidando las posibilidades
expresivas que podría haberle brindado la cámara. Sin embargo, su puesta
en escena llamó la atención de los intelectuales europeos, quienes
comenzaron a referirse al cine ya no como un espectáculo barato, sino
como un arte.
o En la Unión Soviética, Lenin promulga el decreto de nacionalización de la
industria cinematográfica y de la creación de la escuela de cine del Estado,
donde se formarán durante los próximos años los cineastas más
destacados del FORMALISMO RUSO. “De todas las artes, el cine es para
nosotros la más importante” fue la consigna con la que el gobierno
emprendió la alfabetización de la población y su ideologización.

1920 LOUIS DELLUC

o Louis Delluc crea en Francia el primer cineclub.

o En oposición al Expresionismo alemán, surge en Francia, la ESCUELA


IMPRESIONISTA. Sus representantes son: Louis Delluc, Marcel L'Herbier,
Abel Gance y Jean Epstein. Hacen uso de imágenes desvanecidas para
ponerse a la altura del impresionismo pictórico.

1921

o En Alemania, surge el KAMMERSPIELFILM, que rompe con la tradición


fantástica expresionista. Esta escuela prefiere narrar tragedias cotidianas y
dramas psicológicos. La continuidad de la narración es lineal y los
argumentos se caracterizan por su simplicidad.

1922 FRIEDRICH W. MURNAU

o FRIEDRICH W. MURNAU filma Nosferatu, logrando una síntesis entre la


fantasía y el realismo, pues ubica su historia irreal en ambientes naturales
(hasta entonces rechazados por el Expresionismo). Utiliza recursos
técnicos novedosos, como el ralenti y el negativo para mostrar el paso del
mundo real al fantástico.

1923 SERGEI EISENSTEIN

o El cineasta soviético, Sergei Eisenstein desarrollará una amplia filmografía,


en la que se encuentran: El acorazado Potemkin, 1925; Octubre, 1927;
Alejandro Nevsky, 1938.

o Paralelamente a la realización cinematográfica, Eisenstein teorizó sobre el


cine, especialmente, sobre el montaje“, al que consideraba la esencia del
cine.
1925

o Sergei Eisenstein presenta El acorazado Potemkin, basado en un hecho


histórico, el motín que sufre un barco en alta mar. Su estructura está
desarrollada en cinco actos y fue filmada en escenarios naturales.

o Eisenstein deja de lado al héroe individual e incorpora a la masa como


protagonista, en un hecho que, a través de la narración, cobra
características épicas. No hay casi utilización de movimientos de cámara,
sino que la acción está determinada por la composición de cada cuadro y
la longitud de los planos.

o La escena de las escalinatas de Odessa, donde el pueblo es reprimido por


las fuerzas zaristas, es antológica por su dramatismo y genialidad en la
composición que ha logrado, gracias al montaje.

1927 ALAN CROSLAND

o Se estrena la primera película con sonido: El cantante de jazz, de Alan


Crosland. Se utilizó el sistema “vitaphone” (grabación del sonido en un
disco).

o La aparición del sonido en el cine haría que la cámara volviera a


inmovilizarse, ya que el ruido que hacía al moverse era registrado por los
micrófonos. Este hecho significó un verdadero retroceso en el desarrollo
del lenguaje cinematográfico alcanzado hasta entonces.

1932

o Como síntesis del surrealismo y el realismo poético, surge en Francia el


NATURALISMO POÉTICO. Sus exponentes son: Jean Vigo, que inicia el
movimiento con Cero en conducta; René Clair, que filma Bajo los techos
de París; Jaques Feyder, La kermesse heroica; y Jean Renoir, La gran
ilusión y La regla del juego.

o Cero en conducta, Jean Vigo


1939 VÍCTOR FLEMING

o Se filma Lo que el viento se llevó, de Víctor Fleming, quien utilizó en esta


superproducción el sistema Technicolor, que ya había experimentado Walt
Disney en sus animaciones unos años antes. A partir de ahora, el blanco y
negro irá desapareciendo de las pantallas de cine.

1941 ORSON WELLES,

o Se estrena Ciudadano Kanes. Su director, Orson Welles, logra sintetizar


en este film los recursos novedosos que iba brindando cada nuevo
movimiento o realizador. Pero lo hace con una forma expresiva singular.

o Utiliza la profundidad de campo, el plano secuencia, los techos en los


decorados, flashbacks en la narración e innumerables recursos que
adquieren un uso novedoso por parte de este genial autor.

1945 ROBERTO ROSSELLINI

o Roberto Rossellini filma Roma ciudad abierta y con ello inaugura el


NEORREALISMO ITALIANO, que se desarrolla en la inmediata posguerra
y que tendrá también entre sus creadores a Vittorio De Sica, Luchino
Visconti y Cesare Zavattini. Las penurias los obligarán a filmar en
escenarios naturales, con iluminación natural y con actores no
profesionales. Los temas se los brindará la realidad del momento histórico.
Con su estilo, se oponían al cine “de teléfonos blancos”, propio del
fascismo mussoliniano.

o “La realidad está allí, para qué manipularla”, será la frase que se
constituirá en el manifiesto de este movimiento. Sin embargo, no realizan
un cine documental, sino que reconstruyen la realidad de manera tal que
parezca documental.

o Ladrón de bicicletas, Vittorio De Sica.

1959 JEAN-LUC GODARD

o Un grupo de jóvenes críticos de cine se da a la tarea de probar sus teorías


en el set de filmación. Así, surge la NUEVA OLA FRANCESA, cuyos
representantes más destacados son: François Truffaut (Los cuatrocientos
golpes); Alain Resnais (Hiroshima, mon amour) y Jean-Luc Godard (Al final
de la escapada).

o Reclaman abandonar las historias cuyo prestigio lo dan las adaptaciones


literarias y proponer un cine de autor, renovador de la narración
cinematográfica tradicional. Están influidos notablemente por el cine
norteamericano y por el Neorrealismo italiano.

o Para romper con las convenciones hay que conocerlas, pareciera ser el
lema de Jean-Luc Godard, quien propondrá en sus películas una
composición agresiva y no habitual del encuadre (por ejemplo un rostro en
primer plano tomado en su tres cuartas partes), la cámara en mano, la
continuidad fracturada (a veces, hasta el paroxismo) y el distanciamiento
del espectador (por ejemplo, con el diálogo del actor dicho a la cámara).

o Al final de la escapada, Jean-Luc Godard

2008

o Desde aquella obra de Godard, el cine ha recorrido un largo camino. En el


medio han aparecido los ordenadores, y el cine digital ya es un hecho.

o Los avances se han sucedido tan repentinamente, que habrá que esperar
unos años para considerar la envergadura de su desarrollo.

3. Ejemplos de películas actuales donde se evidencian las corrientes


artísticas.

Película “Constantine”
John Constantine tiene un don al que él mismo considera una maldición. Desde
niño puede ver a ángeles y demonios disfrazados en la Tierra como seres
humanos. Ante el horror de sus visiones intentó suicidarse y llegó a estar
clínicamente muerto durante 2 minutos. Su intento de suicidio lo llevó a ver el
infierno comprendiendo que debía redimirse para evitar ese final tras su
muerte. Desde entonces busca la redención en la Tierra exorcizando demonios
y expulsando a los demonios que amenacen romper el equilibrio entre el bien y
el mal en la Tierra.

Asimismo se define como un héroe fuera de lo común, pues no es la típica


figura que todos esperan ver, con un cuerpo excepcional, rodeado de fama y
todo lo característico de un héroe. Él es todo lo contrario, trata de evitar todo
contacto humano, se está muriendo, y no le interesa el bien y el mal,
simplemente hace lo que le parece un beneficio mayor para sí mismo, va por la
vida solo, y no le teme a nada, sólo al destino de su alma.

Aunque el personaje original era típicamente británico, en la película,


Constantine es americano y la acción transcurre en la ciudad de Los Ángeles.
La película fue prohibida en algunos países islámicos por su visión de algunos
aspectos religiosos.

Esta película es Surrealista ya que en ella se observan imágenes absurdas y


sin orden lógico, estético y moral. Ataca los pilares de la sociedad exponiendo
imágenes diabólicas y no religiosas. La realidad se define por el sueño libre y
por la imaginación del subconsciente.

Película “Crepúsculo”

Crepúsculo (Twilight en inglés) es una película estadounidense de género


fantástico dirigida por Catherine Hardwicke y basada en la novela del mismo
nombre escrita por Stephenie Meyer. Es una historia de amor prohibido narrada
por su protagonista Bella Swan, una adolescente interpretada por Kristen
Stewart, quien se enamora del vampiro Edward Cullen, interpretado por Robert
Pattinson. La novela fue adaptada por Melissa Rosenberg a finales de 2007,
poco antes de la huelga de guionistas en Hollywood de 2007-2008. La película
fue rodada en Washington y Oregón a principios de 2008 y estrenada el 21 de
noviembre en Estados Unidos.

Esta película es surrealista ya que predominan imágenes absurdas que rompen


con la lógica temporal; es decir alteran el orden lógico y también pertenece al
expresionismo alemán por que la historia da más importancia o primacía a la
expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.
Pelicula “AVATAR “

James Camerón, ha desarrollado una visión muy particular de ver las cosas y
ha utilizado las corrientes artísticas, para proponer un nuevo concepto de cine,
utilizando quizás, esquemas viejos, pero dándole un toque innovador que ha
despertado la imaginación en todas sus vertientes.

Nos referiremos particularmente a su última producción, AVATAR en ella


empleo no solo la propuesta de una nueva visión cinematográfica sino que
desarrollo una nueva tecnología para crear personajes imaginarios que se
hacen presentes en nuestro mundo real.

En AVATAR se ven reflejadas tendencias como el arte renacentista, el


neoclasicismo, la mitología, el impresionismo, entre otras, que hacen que cada
imagen de la película estuviera hecho a mano, cuidando cada detalle, tomando
en cuenta que la tecnología actual lo hace posible esta lluvia de creatividad e
innovación.

Los escenarios, aunque tal vez demasiado coloristas, son de una belleza
embriagadora, los Na’vi gozan de una expresividad orgánica jamás vista antes
en personajes recreados por ordenador, las escenas de acción son
adrenalínicas e impresionantes, las batallas épicas, el sonido extraordinario, la
banda sonora muy adecuada y el ritmo narrativo casi perfecto. La historia, en
cambio, es tópica, los personajes rozan el estereotipo y su evolución es
previsible. El guión se centra en convertir a los indígenas azules en émulos de
los nativos norteamericanos (o los vietnamitas, iraquíes, africanos, cualquier
raza oprimida por el primer mundo…) y a la raza humana en el representante
brutal de la ambición desmedida. Críticas al militarismo, el imperialismo e
incluso el capitalismo son evidentes, así como odas a la ecología, la paz y la
conexión interior entre todos los seres

Toda su carrera ha estado siempre marcada por una ambición desmedida por
subirse el listón y encontrar nuevos niveles para el espectáculo, aprovechando
al máximo las virtudes que le ofrece la técnica, pero sin descuidar nunca la
dignidad de la historia ni la conexión del espectador con los personajes.
Definitivamente, AVATAR, es un homenaje a todas las tendencias artísticas
existentes y que reafirman que el cine cada día se reinventa aportando
conocimientos y mucha creatividad y renovación.
BIBLIOGRAFÍA

Faulstich,Korte (1997). Cien años de cine: 1895-1924, desde Orígenes Hasta


su establecimiento como medio. México: Editorial siglo veintiuno
editores, s.a. de c.v. Volumen 1.

Georges Sadoul (2004). Historia del cine mundial: desde los orígenes. México:
Editorial siglo veintiuno editores, s.a. de c.v. Decimonovena edición en
español.

Guadalupe Gómez Salazar. Los inicios del cine (1895-1927). Disponible en:
http://www.duiops.net/cine/inicios-del-cine.html

Corrientes artísticas disponible en:


http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque2/index.html

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