EDICION DIGITALNro.

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Nro.1 PUBLICACION TRIMESTRAL

orientacion, informacion y actualizacion sobre el 9 N O. A R T E

SPIROU Y BD

SUPERLOPEZ Y JAN

GILGAMESH
WATCHMEN HISTORIETISTAS
EN LA PUBLICIDAD
TALLER DE
HISTORIETAS REVISTA
PATORUZITO
SUPLEMENTO EL ARTE DE
DIBUJANTES
MERCADO
JOSE LADRÖNN COMIC.AR
HISTORIETAS EN
ARGENTINO LA PREHISTORIA
 orientacion, inf ormacion y actualizacion sobre el 9NO. ARTE
La revista el HISTORIETISTA, es una revista de informacion sobre
historieta, nacida en formato papel en argentina, en el año 2002. Se
publicaron desde el numero 0 al 5.

INDICE
Ahora comenzamos una nueva etapa en este formato digital que espe-
ramos sea del agrado del interesado.

EDITOR RESPONSABLE: ELARTE DE JOSE LADRÖNN - APUNTES SOBRE LA BANDE

WALTER VAZQUEZ

DESINNEE BELGA Y SPIROU- DIBUJANTES EN EL HIS-

STAFF:
FABIAN MEZQUITA

TORIET ISTA-SUPLEMENTO DIBUJANTES- GILMAMESH EL

(http://fabianmezquita.blogspot.com/)
ALEJANDRA MARQUEZ
(http://mundoniamh.blogspot.com/)
OSVALDO LAINO INMORTAL: 20 AÑOS NO ES NADA... Y 40?- LA HORA SE
(http://osvaldolaino.blogspot.com/)
ARIEL AVILEZ ACERCA : WATCHMEN- TALLER DE HISTORIETAS- ESTABA
(http://blancasmurallas.com.ar)
PABLO STADELMAN
TODO DIBUJADO- FANZINES- CRAZY JACK- REVISTA PA-
( patacom555@hotmail.com)
JUAN REINBERG CORTES
TORUZITO- COMIC.AR - JAN (Y SUPERLOPEZ) El papá de
(http://www.comicsdelmundo.blogspot.com)
HUGO GONZALEZ CASTELLO
Henga y otras aventuras prehistóricas- BOCADILLOS
(http://www.museodeldibujo.com)
MARCELO NIÑO
(http://museoitinerante.blogspot.com)
Armando Fernandez CORREO/ CONTACTO: revistaelhistorietista@yahoo.com.ar
(http://armando-fernandez.blogspot.com)
CESAR DA COL
(http://cesardacol.blogspot.com) TODOS LOS NOMBRES E IMAGENES DE LA REVISTA SON COPYRIGHT DE SUS RESPECTIVOS AUTORES Y SE REPRO-
Carlos martinez DUCEN CON FINES INFORMATIVOS. LOS ARTICULOS Y NOTAS PUEDEN NO COINCIDIR CON EL PENSAMIENTO DEL
(martinez_cr@todd.com.ar) EDITOR .

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Aparecio a fines de los ‘90, sorprendiendo a todos desde su dibujo para el comic de Marvel llama-
do Cable, su estilo crecio a tal punto de suplantar a Moebius en la serie El Incal. Aquí tenemos el
agrado de presentar esta jugosa entrevista de este amable dibujante mexicano.
el arte de jose
Por Walter Vazquez
José Omar Ladrönn nacio en el año 1967 en
la ciudad de Minatitlan de Veracruz, en Méxi-
co. En su niñez se divertía leyendo historietas
norteamericanas, traducidas al castellano que
publicaba la extinta editorial Novaro, encon-
trando en las páginas de la revista Batman, el
hechizo del dibujo de Jack Kirby para la serie
Kamandi. Pero su paladar artístico cambio en
los años ‘80, cuando un compañero de la se-
cundaria, le presentaría los dibujos Moebius
para la serie El Incal, a partir de allí se aleja
del genero de superhéroes para pasarse a
las huestes de la vanguardia europea: Bilal,
Gimenez, etc,etc.
Atrapado por la imagen logra terminar su ca-
rrera de diseñador grafico. Luego de trabajar
en algunas agencias publicitarias se traslada
a los Estados Unidos, hacia la convención
de cómics de San Diego, donde consigue su
primer trabajo de historietista para la editorial
Marvel cómics, junto a su amigo Juan Vlazco.
Tras hacer los lápices en una breve historia de
Blade, le ofrecen lo mismo para la serie Cable,
el mutante salido de la serie X-men, alli tam-
bien Vlazco realiza el entintado;un total de 21
capítulos (nros. 55 al 72), además del dibujo
de portadas. En esta etapa Ladrönn aprende
el oficio, apretado por las clásicas fecha de
entregas. Esto hace sentirle que de ahora en
más se dedique a proyectos donde prevalezca
la calidad a la cantidad.
Su estilo de dibujo tiene enormes emulaciones
a Jack Kirby, por lo cual empieza a llamar la
atención en el mercado.
Luego de dibujar una novela grafica para
Superman en DC cómics, (que fue separada
en los nros. 22 y 23 de la revista Legends of
Dc Universe), le llega la vuelta a Marvel, a
la miniserie de cuatro números de The Inhu-
mans, de la cual se ocupa totalmente de todo
el dibujo y color; pero un mal entendido con
el editor hace que sea reemplazado por el
argentino Jorge Lucas en su ultimo numero.
Ya para este trabajo el estilo de Kirby queda
atrás, yendo ahora para el lado del estilo de
Moebius, y ya metido en el género que más lo
apasiona, la ciencia ficción, tipo Blade Runner
y Alien.
Ladrönn acepta el ofreciento de la empresa
Comicraft, para trabajar en la serie Hip Flask,
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allí se ocuparía del dibujo completo y nuevamente del color, pero sobre-
todo el manejo de fechas de finalización de paginas mucho mas holga-
das, que le permitieron una obra de gran calidad logrando así plasmar
su estilo casi definitivo, con destellos de Moebius pero con mucho del
argentino/europeo Juan Giménez.
En el 2006, el mercado norteamericano decide galardonarlo con el Pre-
mio Eisner a “Mejor pintor/artista multimedia”, por su trabajo en Hip Flask:
Mystery City.
El prestigio lo lleva a trabajar con guiones de A. Jodroswky en el último
capitulo del album europeo que lo llevo a querer ser dibujante de cómics,
y había comenzado Moebius: El Incal.
Si bien ya había trabajado anteriormente para Les Humanoides Associa-
tes, en los Usa, el desafío era si sus historietas podían ser aceptadas en
Europa.
La obra llamada Final Incal contiene dos partes, el premier álbum fue
realizado en el 2008, también con dibujo completo y la dirección del
color, que paso a cargo del equipo de amigos del Protobunker Studio. Ni
que hablar que obtuvo una gran respuesta del público.
Hoy podemos ver su arte en las portadas de diferentes cómics de DC y
Marvel y agradecer esta amable entrevista que nos brindo, donde nos
profundiza varios temas referidos a su querido oficio.

EH: Casi comenzaste tu carrera dibujando un libro (comic-book)

mensual, fueron 19 meses para la serie Cable en Marvel. ¿Volverías
a trabajar en alguna serie o solo aceptas, aparte de dibujo de porta-
das, la novelas graficas?
Nunca me he cerrado a la oportunidad de trabajar nuevamente en un
libro mensual pero estoy consciente de lo que esto implicaría a mi perso-
na. Si hoy me decidiera a aceptar un trabajo mensual primero buscaría
que las condiciones fueran diferentes a lo que viví en el pasado. Hay
muchas cosas que giran alrededor de un libro, un proyecto mensual
necesita mucha coordinación y planeación, si estas dos condiciones no
se cumplen debidamente las cosas no van a funcionar bien. Hay que
entender que las empresas de cómics no siempre son flexibles, y los
editores por el enorme volumen de trabajo que tienen no siempre toman
las mejores decisiones ni están pendientes de todo. Es como la cadena
alimenticia, el pez grande se come al chico, bueno, en este caso el dibu-
jante es el pez más pequeño. Cuando dibujas un libro mensual debes de
estar siempre prevenido y saber que en algún momento van a cambiarte
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 que los superhéroes funcionaran en el
mercado Norteamericano. Entonces
recordé a Kirby y todo se fue aclarando
y la fusión entre ambos estilo se dio
de manera natural, estaba claro, debía
comenzar mi carrera de esa manera.
La fuerza y la dinámica del estilo Kirby
son ideal, es un lenguaje visual perfecto
para hacer cómics de superhéroes en
el mainstream Norteamericano. Claro,
hay otros estilos que funcionan bien en
este mercado pero, para mi, el estilo
Kirby no solo era el mejor, también me
era el más familiar ya que había creci-
do leyendo cómics de Kamandi, Mister
Miracle y la historias de horror de El
Demonio.
EH: ¿Cuando trabajaste en Marvel,
tuviste guionistas que utilizaron el
clásico método Marvel? Esta pregun-
ta viene a colación de lo estudioso
que fuiste con Jack Kirby para el
plantado de una historia, por lo tanto
y sabiendo que este sistema de tra-
bajo deja en evidencia que el dibu-
jante es casi el creador de la historia:
¿Qué opinas del nulo reconocimien-
to de parte de la editorial hacia sus
creaciones?
Uno como artista siempre piensa en
un gran guión, pero cuando trabajé en
Marvel, me encontré con que varios es-
critores trabajaban el “Plot”, al principio
se me hacia raro, y para alguien como
yo acostumbrado a trabajar en detalle
sentía que le faltaban cosas, o que no

las fechas de entrega o te encargaran más forma de expresarte?

trabajo del que tenias planeado hacer, que se
van a retrasar los guiones, que te harán co-
rrecciones, que te pedirán el especial anual
y este tiene el doble de páginas, que cuando
haya un personaje nuevo deberás diseñarlo,
entre otras cosas. Por esa razón siempre es
preferible la novela gráfica, donde el guión
es solo uno y los tiempos de entrega son
más holgados. La producción de una novela
gráfica también es mejor, se cuida más y eso
aumenta su calidad.
Entraste al mercado con un estilo muy a
lo Kirby; (tengamos en cuenta que Jim
Steranko comenzó su carrera de la misma
forma). ¿Fue una elección para crear un
golpe de efecto, o realmente sentías esta
Yo leí muchos libros dibujados por Jack Kirby
cuando era pequeño, y aunque tuve libros
dibujados por otros artistas de la época, el
estilo que me atraía más era el de Kirby.
Cuando comencé a trabajar en Marvel tuve
que pensar bien que es lo que iba a hacer.
Hasta ese día, mi gran inspiración artística
venia de Moebius pero ese estilo en los Es-
tados Unidos no es muy atractivo y tampoco
práctico. Por un lado, no podía dejar atrás el
estilo Europeo, era mi esencia, mi tenden-
cia y por otro lado debo producir un libro en
corto tiempo, necesito encontrar el balance
entre ambos. Después de reflexionar, pen-
sé, y me atraía la estética del cómic euro-
peo pero necesitaba mucha energía para

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había suficiente información, y poco a poco lo
fui entendiendo. Ese sistema compromete más
al dibujante que al escritor, y solo funciona bien
si hay buena comunicación entre ambas partes,
recordemos algo, dos personas que trabajaron así
por muchos años fueron Stan Lee y Jack Kirby,
ambos trabajaban en la mismo oficina, se cono-
cían bien y no hacia falta un guión muy elaborado,
de hecho, Stan Lee en ocasiones solo escribía
ideas en el margen de cada página y al lado de
cada cuadro, así Jack Kirby en 1962, su año más
prolífico, este llegó a dibujar hasta ocho títulos
mensuales en Marvel. Produjo 1,158 páginas de
arte ese año eso es más de tres páginas al día.
El lado bueno de un “Plot” es que al estar escri-
to de una manera tan vaga te da total libertad
de creación pero, por otro lado, si no hay buena
comunicación entre los creativos al final muchas
cosas pueden quedar mal, empezando por el
escritor quien puede terminar adaptando su con-
cepto original a lo que el artista le ha entregado.
Si no se trabaja debidamente el “Plot” este siste-
ma siempre termina dejando huecos dramáticos
y de continuidad en las historias. Recordemos
que el “Plot” solo describe la escena y no maneja
diálogos, así que para el artista no hay manera
de saber cuales son todos los elementos en cada
cuadro, tampoco es fácil saber si el personaje
está haciendo algo en especial, si está hablando
o mirando a alguien, si está enojado o feliz. El
método de Marvel es efectivo pero no funciona
solo, también hay que incluir a un entintador, un
letrista y un colorista.
Sobre tu pregunta acerca del poco reconocimien-
to a Jack Kirby: Es difícil, creo que han intentado
hacer algo, se ha re-editado varias de sus obras
pero nunca será suficiente. Un estilo no muere
mientras aporte, y para mi Kirby sigue siendo muy
atractivo, en Europa el estilo de Kirby es aprecia-
do, pero en los USA se ve como algo pasado de
moda. No hay que olvidar que Jack Kirby fue el
padre de Marvel y unos de los pilares de la histo-
rieta en los Estados Unidos, desafortunadamente
las nuevas generaciones solo conocen los per-
sonajes pero no saben quien los creo. Por suerte
hay editores que no olvidan pero ellos un día ya
no van a estar más, y todo quedará en manos de
las nuevas generaciones.
En aquellos tiempo la situación editorial/dibujante
era más mala que ahora pero Kirby lucho mucho
por los derechos de los dibujantes y cambió mu-
chas cosas, No se hasta que punto los derechos
de sus creaciones fueron de el pero una de las
cosas que a Kirby se le reconoce es que consi-
guió que los dibujantes tuvieran derecho a que-
darse con 2/3 de sus páginas y el 1/3 restante se
les quedó a los entintadores.
Desde hace unos años Marvel está trabajando de
manera diferente, el dibujante o penciller termina
su trabajo, digitaliza el material y los sube a un
servidor vía ftp, de ese lugar el entintador baja
las páginas y la imprime en azul para ponerle la
tinta, al terminar nuevamente se digitaliza todo
y lo sube al mismo servidor. Por un lado esto es
bueno pues ya no hay que estar enviando cosas
por FedEx con riesgo que se maltrate el trabajo
o se pierda. El resto del trabajo en un cómic se
sigue haciendo más o menos igual que antes, al-
guien le pone las letras y alguien más el color. Lo
bueno y lo mal de este sistema, Ahora el artista y
el entintador conservan el total de sus originales.
Desafortunadamente el artista no conserva su
trabajo final entintado y que es el que vale mucho
en caso que quieras vender su arte ya que es el
trabajo entintado el que se imprime.
EH: ¿Al finalizar Cable, te habrían ofrecido
otra serie?
Al final de Cable hice algunas cosas, entre ellas
un aporte a un anual de Thor y dibujé un anual de
los Fantástic Four después de eso trabaje en The
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Inhumans. Recuerdo que tuve la oportunidad de hacer la serie de los Fantástic Four que dejaba en su mo-
mento Carlos Pacheco y también me ofrecieron hacer otras series, entre ellas The Ethernals pero no pude
aceptar ninguna por que ya estaba trabajando en Hip Flask y ese libro absorbía todo mi tiempo.
EH: Después del malestar que te causo Marvel con el final de la miniserie de The Inhumans, volvis-
te a colaborar con ellos y eso habla de lo buen profesional que eres. Ya a esta altura te despojaste
casi por completo del estilo Kirby ¿Qué fue lo que paso al respecto y como ves hoy el trabajo del
argentino que te suplanto, Jorge Lucas?
Una cosa que uno debe aprender cuando se trabaja en este medio es a nunca cerrarse las puertas, puede
ser que termine el proyecto que estas haciendo por alguna razón, hay muchas circunstancias que pueden
darse, podría asegurarte que los tiempos de entrega es uno de los factores más comunes. No siempre el
artista alcanza a terminar su trabajo y para no dañar el libro a veces es mejor dar un paso al costado o a
veces el editor simplemente siente que tu estilo no está funcionando y tiene que cambiarte, recuerda que
esto es un negocio, una industria y todo lo que se hace va en función del marketing. Hay muchos libros,
hay muchos editores, si eres un buen artista seguramente te llamaran para trabajar en algo más.
El proyecto The Inhumans no escapó a los problemas típicos, originalmente el proyecto estaba planeado
a 12 episodios y así estaba escrito el guión original por Carlos pacheco y Rafael Marín pero Marvel pen-
só que era demasiado y les pidió que se hiciera todo en menos capítulos. Carlos y Rafael comprimieron
la historia de doce a seis libros lo cual fue terrible pues la densidad argumental aumentó. Cuando Marvel
recibió el nuevo guión pensaron que seis episodios aun seguían siendo demasiados y concluyeron que
querían todo en solo cuatro episodios, para Carlos y Rafael esto fue un duro golpe, no solo tuvieron que
volver a comprimir la historia, esta vez fueron dejando pasajes importantes fuera de la historia. Todos estos
cambios atrasaron mucho el proyecto, Todo esto para mi representó también un esfuerzo extra, eran de-
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masiados cuadros por página. Me puse a trabajar
lo más que pude si saber que internamente en Mar-
vel las fechas de publicación no habían cambiado.
Cuando estaba trabajando la mitad del primer libro
Richard Starkings (Comicraft) me llamó por teléfono
y me dijo:”se que estas trabajando en The Inhumans,
y te tengo una mala noticia, tengo el nuevo catálogo
de Marvel y tu libro sale en dos meses. Inmediata-
mente tomé el teléfono y llame a Marvel, el editor me
confirmó la noticia y me dijo que me apurara. Nunca
quiso cambiar las fechas ni aceptó a publicar el libro
bimensual a pesar que le dije sobre la complejidad
del proyecto pues no solo había que dibujar páginas,
había que diseñar personajes, había que trabajar con los
coloristas y había que hacer las portadas pintadas.
Como era de esperarse, el tiempo tan corto terminó afec-
tando el proyecto. La presión fue muy grande para mí. La
peor noticia llegó cuando estaba terminando el tercer libro,
Marvel me llamó para pedirme la cuarta portada, la querían
para incluirla en el siguiente catálogo, y necesitaban urgen-
te las últimas paginas del tercer libro además de unas refe-
rencias y es en ese momento cuando me entero que desde
hace dos semanas otro artista dibujaba ya el cuarto y últi-
mo episodio. Terminé el tercer episodio y la cuarta porta-
da, entregué todo y me fui a dormir, no lo había hecho por
varios meses. Unos días después, uno de los coloristas me
escribió, ellos habían continuado trabajando en el último
libro, me dijeron que el nuevo artista estaba trabajando con
ellos, se llamaba Jorge Lucas, al final del día nos pasamos
los email y así nos contactamos, hasta ese momento fue
que platicamos sobre el asunto, le desee suerte a Jorge, el
no tenia la culpa de lo que me había pasado a mi, desde
ese día Jorge y yo nos hicimos muy buenos amigos.
EH: ¿Cómo llegaste a trabajar para Comicraft, que
significo para vos Hip Flask y contanos de que se trata
esa serie?
Yo conocí a Richard Starkings (Comicraft), desde que tra-
bajaba en Marvel, Joe Casey me lo presentó, nos hicimos
amigos, Richard y yo tenemos gustos en común y un día
pensamos en juntarnos para hacer algo juntos pero en ese
momento mi trabajo en Marvel no me lo permitía. Hip Flask
llegó justo después del proyecto de los The Inhumans, mi
último trabajo de historieta en esa empresa y represen-
tó para mí la oportunidad de comenzar de nuevo. Tuve
la oportunidad de trabajar a mi ritmo y comencé a hacer
algunas cosas que no había hecho antes. Finalmente es-
taba haciendo el trabajo completo desde el dibujo hasta el nes Unidad disuelve la organización criminal y los mutantes
color. Para quienes no conocen, Hip Flask es una historia son liberados dentro de la sociedad donde no son comple-
de ciencia ficción, donde un científico en genética crea una tamente aceptados. La trama de Hip Flask se desarrolla en
súper raza de seres híbridos, mitad humanos, mitad anima- la ciudad de Los Ángeles cuando durante una prueba expe-
les con la idea de hacerlos súper soldados. El proyecto es rimental con un portal del tiempo ocurre un accidente. Hip
exitoso pero fracasa el plan final y el ejército de las Nacio- y su inseparable amiga, Vanity Case llegan a la escena del
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crimen dispuestos a resolver el misterio
a partir de ese momento ellos van des-
cubriendo que existe una realidad oculta
para todos y que involucra directamente
a otros mutantes del pasado de Hip.
EH: ¿Cómo fue la llegada a Les Hu-
manoïdes Associés?
En un principio fui contactado por los
Humanoides para hacer unas portadas,
iban a publicar El Incal de Moebius en
los Estados Unidos y habían partido la
obra en varios episodios. No desaprove-
ché la oportunidad y mostré a través de
mis portadas mi versión sobre la obra,
al parecer, mi trabajo causó una grata
impresión. Un día me llamaron para de-
cirme que Alejandro Jodorowsky quería
conocerme, había visto las cubiertas
de los libros de El Incal y le habían
gustado. Me entrevisté con Alejandro y
charlamos por un largo rato. Acordamos
trabajar en algo juntos y un mes des-
pués recibí un extraordinario guión, fue
una historia corta de horror escrita por
Alejandro, Lagrimas de Oro, una historia
terrible donde una familia perversa so-
metía a un niño a los más horribles cas-
tigos con el único propósito de hacerlo
llorar ya que el pequeño tenia un don,
sus lágrimas eran de oro puro. Después
de esto, Alejandro me llamó y me dijo
que le gustaría que pudiéramos hacer
la última parte de la saga de El Incal ya
que Moebius no podía seguir y que en
su última charla el dibujante pensaba
que yo era el artista indicado para suce-
derle en ese libro.
EH: ¿Cómo fue la concepción del
Final Incal, que elementos tomaste
de la obra de Moebius y cual es su
repercusión en Europa?
El Final Incal es la conclusión de
la increíble obra que Jodorowsky y
Moebius iniciaron hace más de tres
décadas. Es una aventura nueva en
el mismo universo. En el primer libro,
John Difool cae del puente, está semi
inconsciente y tratando de recordar.
Así comienza la historia. Esta vez ya
no es un sueño, es la realidad. John
Difool nuevamente se ve involucrado
en un conflicto de proporciones cósmi-
cas, ésta vez no solo la raza humana
enfrenta la extinción total si no cada
ser viviente del universo. Para poder
combatir el mal John Difool deberá
encontrar a Louz de Garra y así juntos
convertirse en el antídoto universal.
Al parecer el primer tomo de El Final
Incal ha sido bien aceptado y ahora
trabajo en la segunda parte. He toma-
do elementos de Moebius, Janjetov y
Juan Gimenez ya que todo es en el
mismo universo pero no los he res-
petado del todo ya que he tratado de
hacer una versión definitiva y actual,
para eso he puesto al día algunas
cosas, comenzando por la ciudad
enterrada, los Roboflics y los navíos
de la policía. El color del libro lo traba-
jé conjuntamente con mis amigos del
estudio de color, Protobunker, solo les
di unas guías de color y ellos enten-
dieron perfectamente lo que yo bus-
caba, inmediatamente se pusieron a
trabajar, siempre con un gran empeño
y dedicación en cada página, que más
puedo decir, hicieron un gran trabajo.
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Ellos tienen todo mi aprecio y reconoci-
miento.
EH: ¿Cómo es un día de trabajo en la
vida de Ladrönn? ¿Qué herramientas
utilizas? ¿Cual es el momento más
placentero del oficio? ¿Preservas el
original o trabajas directamente en la
computadora? ¿Elegís hacer lápiz, tinta
o color o solo haces todo el trabajo
completo?
Me gusta levantarme a trabajar tempra-
no, a las 6:00 AM, tomo un jugo de frutas
y verduras 45 minutos antes de tomar mi
desayuno y, trabajo hasta las 2:00 PM,
hora en la que mi esposa y yo comemos,
después vuelvo a trabajar. A las 7:00 PM
ambos salimos a caminar por una hora. La
cena es a las 9:00 PM. Termino de trabajar
a las 10:00 PM. Veo la tele unos 30 minu-
tos y luego alguna película, así cada día.
Descanso los domingos.
Hago el trabajo completo, una parte del
proceso lo hago de manera tradicional.
Para dibujar uso un papel Japonés, di-
bujo a lápiz y entinto con plumones, para
mi es más limpio entintar de esa manera
que tener accidentes con la tinta china. La
segunda parte del proceso la hago con una
computadora digitalizo, limpio y pinto todo
el arte con PhotoShop y Painter.
Antes de comenzar a dibujar reviso mis
layouts, de ser necesario hago algunos
bosquejos, que a veces debo ajustar en
photoshop para que los elementos que voy
a dibujar queden perfectamente distribui-
dos dentro de los cuadros. Generalmen-
te me toma dos días dibujar una página
pero eso varia mucho dependiendo de la
sencillez o complejidad. Hay páginas que
tienen objetos complicados y que se repi-
ten varias veces, esos objetos los modelo
en 3D, luego los ajusto a mis necesidades,
siempre me gusta que todo quede lo me-
jor posible.
Me gusta la música, en especial la ins-
trumental, eso me inspira cuando estoy
haciendo planeando mis páginas aunque
a veces prefiero trabajar en silencio. Si no
estoy en medio de un proceso creativo que
me exija una total atención me gusta escu-
char ESPN radio.
EH: ¿Que proyecto rechazaste y te sen-
tís arrepentido? ¿En que otras paginas
veremos tus trabajos próximamente?
Hace años, cuando recién comenzaba a
trabajar de manera profesional si había un
proyecto que por alguna razón debía re-
chazar sentía un sentimiento de culpa, hoy
ya no me pasa eso, nunca es bueno forzar
las cosas, si algo no se da es por alguna
buena razón y no pasa nada. No tengo
arrepentimientos ni pienso en ello, eso si,
cuando tengas un trabajo enfrente, hazlo
de la mejor manera y da siempre lo mejor.
Espero seguir trabajando para el merca-
do europeo los próximos años y tratar de
escribir también mis propias historias.
EH: ¿Cómo ves el futuro del comic y que
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opinas del manga? ¿Qué cómics no pueden faltar
en tu biblioteca?
No se cual podría ser el futuro de la industria, pero
todo se está haciendo virtual. Mientras yo sigo dibu-
jando una parte de mi trabajo de la manera tradicional,
tengo amigos que ya trabajan todo con la computa-
dora, yo no he querido dar ese paso ya que me gusta
sentir la tinta sobre el papel y ver mis originales físi-
camente, pero reconozco que la computadora es la
mejor herramienta que hay y creo que eventualmente
terminaré dibujando todo ahí, por lo pronto la limpieza,
las correcciones, el color, en fin, toda la postproduc-
ción de mis páginas y portadas la trabajo con el orde-
nador.
Mientras que en mi biblioteca la mayoría de los libros
son álbumes Europeos también tengo un poco de
todo, hay cómics Norteamericanos y Manga, también
tengo libros de diseño conceptual y arte comercial lo
cual es importantísimo para un artista. Trato de tener
libros que me aporten algo, es muy triste ver un libro
sin contenido o un artista sin idea o sin compromiso a
la hora de crear.
Me encanta el Manga y el Anime, es muy interesante
ver tanta diversidad de género y todo siempre tan bien
manejado. Siempre he admirado al artista asiático y
su capacidad de realización y producción. Se nota que
hay mucha escuela de fondo y los artistas saben lo
que hacen, han aprendido a manejar y a aprovechar
sus recursos.
EH: ¿Que opinas de tu carrera profesional en el
mundo del comic?
No me gusta mucho opinar sobre mí. Creo que es
aburrido. Solo soy un artista al que le gusta crear y
cada día parto de ese mismo principio.
En las convenciones de cómics siempre se acercan a
mi personas entusiasmadas con la inquietud de hacer
cómics, me preguntan que deben hacer para lograrlo,
yo siempre les hablo acerca de dos cosas que casi
nunca entienden, la fama y el prestigio, las dos te van
a llevar a hacer libros, pero solo una te va a acompañar
el resto de tu vida. Cuando te ven sentado haciendo sket-
ches a una fila de personas piensan que la vida del artista
siempre es así, algo muy alejado de la realidad, imagínate
que maravilla, andar viajando por el mundo todo el tiempo,
firmando libros y autógrafos, haciendo conferencias. Yo les
digo, “¿A qué hora ustedes creen que se trabaja?, ¿Pien-
san que dibujo en el avión o cuando voy manejando?”.
En verdad la vida de un artista es muy diferente, las ve-
ces que aparecemos en público son muy pocas, siempre
estamos quebrándonos la espalda dibujando o desvelán-
donos por meses. Nunca busquen la fama, eso llega y se
va rápido solo te cobija mientras seas el artista del mes.
Es la realidad, hoy sale un libro tuyo y todos se acercan
pero mañana tu libro puede estar en la basura y nadie se
acordará de ti. El prestigio es lo que realmente vale, pero
cuesta mucho trabajo hacerlo ya que envuelve a elemen-
tos relacionados directamente con la originalidad de la
creación y la sublime inspiración. No se trata de sentarse
a dibujar, se trata de hacer algo nuevo, una aportación
única al mundo, y eso no es fácil. Si tu vas a una librería
de cómics, la gran mayoría de los artistas no aporta nada
nuevo pero, ¿Y por qué están ahí?;es simple, hoy en día
al menos en los Estados Unidos cada casa editorial publi-
ca cincuenta, sesenta o más títulos por mes, alguien tiene
que hacer todo ese trabajo, a veces sin importar quien lo
dibuje o lo escriba, de todo ese mundo de artistas que van
y vienen, solo uno o dos se llegarán a separar del grupo
y comenzarán a hacer algo diferente, los demás seguirán
por un tiempo sacando el trabajo y mañana estarán otros.
Tener prestigio no solo te permite estar vigente por años,
también te ayuda a conseguir trabajo y a tener una voz en
el medio. No se que pasará mañana, nadie lo sabe, solo
queda trabajar sin olvidar que el mundo del buen cómic es
realmente pequeño. EH
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 APUNTES SOBRE LA
BANDE DESSINEE
BELGA Y SPIROU
Por César Da Col

Nota: El autor de este artículo se declara absolutamente "belgalófilo" - si existe

ese término- con grandes simpatías manifiestas hacia la Escuela de Dupuis, sin
dejar de lado la de Lombard, y es muy probable que exprese sus conceptos de
una manera más que subjetiva. También agradece al ya fallecido Franco Fossati,
como siempre, los máximos respetos.

De todos los pueblos de Europa, el belga es el me-

jor.
Para los amantes de la historieta humorística de aventuras, Bélgica es La Meca
de este arte. Sus habitantes, que al norte hablan holandés (región flamenca), y
al sur hablan en francés (región valona), son conscientes del valor cultural de su
Bande Dessinée*; un valor indiscutido, que les brinda una unidad como nación y
una identidad ante el mundo. Más allá de la calidad artística de sus historietas,
los belgas aplican un cuidado editorial en la publicación de los álbums: cubiertas
de tapa dura y una buena impresión ("la BD es para guardar en la biblioteca, para
que pase del abuelo al nieto", me decía un integrante del staff del CBBD).
En las callejuelas de Bruselas y otras ciudades belgas, pueden hallarse murales y
esculturas de sus personajes más emblemáticos. Dos museos realmente maravi-
llosos, el Centro Belga de la Bande Dessinée (CBBD), y el Museo Jijé, difunden y
magnifican las obras de los artistas. También pueden hallarse ferias y festivales de
BD por doquier. La BD es considerada un arte verdaderamente popular, pero no
por eso chabacano. Al contrario, es un arte para gente de todas las edades; por
eso el lema que tienen sus autores es el de brindarles lo mejor de si a cada uno
17
de los lectores.
Los belgas (que a lo largo de su historia fueron invadidos por muchos pueblos, como
los romanos, y siglos después por las siniestras legiones de Adolf Hitler) lograron
cruzar sus fronteras hacia gran parte del mundo occidental, o al menos del mundo
europeo, de una manera sabia y pacífica: con la historieta. Por algo se jactan de tener
como estandartes, como símbolos indiscutidos de su nación a Tintin (por Hergé), Luc-
ky Luke (por Morris), Les Schtroumpfs ("Los Pitufos", por Peyo), Boule et Bill ("Dany
y Pompón", por Roba), Blake et Mortimer (por Jacobs) y, por supuesto, a quien está
dedicado este artículo: Spirou, (por Rob Vel) y a los personajes que nacieron de su
serie, como Gaston Lagaffe, el Marsupilami (aportes de Franquin) y Fantasio (aporte
de Jijé). Cabe destacar que Spirou fue elegido como mascota oficial de la Comunidad
Económica Europea.

Claridad narrativa VS expresión gráfica.

Para que el lector de El Historietista tenga un panorama muy sintético de la historia
de la BD belga, haremos un repaso muy, pero muy escueto por su trayectoria. No
abordaremos los orígenes de la misma, aunque se pueden mencionar a las antiguas
estampas japonesas que influyeron a muchos artistas impresionistas; o a autores
como Alfons Mucha, Winsor Mac Cay, George Mac Manus, Chic Young, Alain Saint
Ogan y Rob Vel. Como decía E. P. Jacobs "la línea clara nació porque las técnicas de
impresión de la época así lo requerían". Ahora si, vamos directamente al punto de
estudio.
En Bélgica existen dos corrientes estilísticas, dos escuelas muy diferenciadas en sus
principios, pero que a lo largo de los años se fueron influenciando mutuamente. Una
de ellas es la Escuela de Bruselas, cuyos líderes son Hergé (Georges Remi, creador
de Tintin) y Edgar Pierre Jacobs (que supo trabajar para Hergé y es el autor de Blake
y Mortimer), y todos aquellos que pasaron por el Estudio Hergé: Jacques Martin, Ro-
ger Leloup, el gran Bob de Moor - mano derecha del estudio -, y otros.
Mucho tiempo después, en el año 1977, en el catálogo de la exposición de "Tintin en
Rotterdam", el dibujante holandés Joost Swarte bautizó al estilo utilizado por la Es-
cuela de Bruselas como "línea clara", un estilo de dibujo limpio, con un trazo continuo,
fondos muy documentados y estudiados, con rechazo a los negros con tramados, que
según el propio Hergé distraían la atención del lector y entorpecían el relato. La línea
clara también se refiere a un relato visual claro y conciso. No por nada este estilo
limpio, prolijo y disciplinado tuvo muchísimos adeptos en la región germánica belga y
en los países con ese origen, ya que son aspectos gráficos que reflejan una forma de
vida. Y fue justamente un holandés (Swarte) quién realizó un manifiesto escrito acer-
18
ca de éste estilo.
En oposición a esta escuela, tenemos a la llamada Escuela de Marcinelle-Charleroi. Am-
bas escuelas se gestaron entre los años ´40 y ´50, y tuvieron sus máximos duelos en los
años ´60 y '70. La Escuela de Bruselas debe su nombre a la editorial Lombard, que tiene
su sede en dicha ciudad y que publicaba la revista Tintin desde el año 1946. La Escuela de
Marcinelle-Charleroi debe su nombre a la editorial Dupuis, que tiene sus sedes en esas dos
ciudades y que desde antes, desde el año 1938, era la responsable de la revista Spirou.
Esta última escuela (acaso con un alma más "latino-francesa") tiene dos líderes que la re-
presentan, uno espiritual y el otro artístico: el padrino espiritual es Josep Gillain, más cono-
cido por su seudónimo Jijé. Y el representante artístico por excelencia es el maestro André
Franquin.
Jijé, de mayor edad y trayectoria, descubrió que el joven Franquin era un diamante en
bruto, y no tuvo que pulirlo mucho para que brillara. De la Escuela de Marcinelle-Charleroi
podemos mencionar a Peyo (Pierre Culliford), Morris (Maurice De Bevere), Jean Roba,
Maurice Tilleux, y al benjamín del grupo, Will (por supuesto que a lo largo de los años, en
ambas escuelas se fueron sumando decenas de autores, pero podemos citar a éstos como
sus máximos representantes).
Esta línea Dupuis, si bien en sus principios tenía ciertas similitudes con la obra de Hergé,
con el tiempo comenzó a hacer hincapié en las expresiones corporales de sus personajes,
a exagerar los estados de ánimo, a realizar grafismos un tanto más funnies, muy vincu-
lados con el dibujo animado cómico (recordemos que Franquin, Peyo y Morris trabajaron
juntos en un estudio de dibujo animado, y la primer aventura de Lucky Luke - muy diferente
a lo que es hoy este personaje- fue concebida prácticamente como una "historieta - dibujo
animado", con personajes de formas redondeadas, muy blandos y fondos muy simples,
símil el estilo Fleischer).
Ejemplifiquemos un poco estas diferencias estilísticas: siempre me pareció que las historie-
tas de Tintin parecen silenciosas, todo está quietito, tranquilo; y en las de Franquin el mo-
vimiento y el sonido te destrozan los tímpanos. Cuando un personaje de Hergé grita, abre
un poco la boca, unas rayitas rodean al personaje, y en el globo de diálogo (casi siempre
rectangular) simplemente aparece un "¡Ah!". Cuando un personaje de Franquin pega un gri-
to, pues pega un grito: abre su boca de manera desmesurada, da saltos por toda la viñeta,
su vena yugular se hincha de sobremanera, un color rojizo -violáceo inunda su rostro (des-
figurado por la bocaza), y se lee, en letras bien visibles que llenan la viñeta (porque ningún
globo alberga semejantes caracteres) un"¡¡¡¡AAAAAAA- AAHHHHH!!!!". (Ver las páginas de
Tintin y de Spirou que ilustran esta nota).
En el primer caso, en Hergé, el grito es parte de una historia, es un elemento más de su
narrativa. Le va a dar mucha importancia siempre y cuando el argumento lo requiera. En
Franquin, en cambio, el que grita, grita. Y si hay dolor, grita más todavía. Si bien hay una
aventura en las historias, el fuerte de la Escuela de Charleroi está en la expresividad de sus
19
personajes, y en los gags. Por algo
en esta escuela la línea del pasado
a tinta es modulada, mucho más
expresiva que la de Hergé, que es
una línea continua, casi sin levantar
la pluma del papel.
André Franquin no fue el creador
de Spirou, pero fue el artista (según
quien suscribe) que mejor dio vida
a la serie, creando todo un universo
de personajes y situaciones como
solo él pudo hacerlo. Asistido en el
dibujo (pasado a tinta y fondos) por
Jidehem (y en algunos álbums por
Roba), y en los guiones por su gran
amigo Greg (y en un par de oportu-
nidades por Peyo - que juntos dieron
origen a Los Pitufos en un mítico
almuerzo, con un salero de por
medio), Franquin se consagró como
un verdadero maestro, un artista que
supo transmitir en la hoja de papel
las más bellos gags de la BD belga
y por qué no, europea. Tras dejar
las agotadoras jornadas de trabajo
en Spirou a fines de los ´60, Fran-
quin se entregó a su imaginación, y
de su lápiz surgieron los álbums de
Gaston Lagaffe (al principio secun-
dado por Jidehem), el Petit Noel, las
Ideas Negras, sus Cauchemarrants,
sus monstruos y sus doodles y más
entrado en años, las llamadas Ideas
Rosas, esa serie de gags que escri-
bía y dibujaba para la serie anima-
da Les Tifous. Pero para hablar de
Franquin y su obra pos Spirou, ya
tendremos más informes en El Histo-
rietista.
20
Spirou, en la palabra de Franco Fossati
(Historiador de historietas italiano, ya fallecido. El Museo del Fumetto de Milano lleva su nombre
en su honor. Texto extraído del libro I grandi eroi del fumetto).

"Spirou, Bélgica, 1938. Creado por Rob Vel (Robert Velter).

De botones a héroe de mil aventuras.
Nacidos en esta serie, el misterioso Marsupilami y el vagoneta de Gaston Lagaffe, se convirtieron
rápidamente en personajes popularísimos.
Aparecido en el primer número de la revista homónima - cuando en su interior prevalecían las
páginas dedicadas a los grandes héroes norteamericanos, pero ya se estaban gestando las bases
para la que sería denominada la escuela belga de la historieta- Spirou es un simpático y vivaz
adolescente que inicialmente hace de botones en el Moustic Hotel y en seguida se convertirá, de
la mano de Jijé, en una especie de émulo de Tintin, viviendo largas historias humorísticas y de
aventuras, ambientadas en viajes por todo el mundo.
Cuando Rob Vel fue movilizado por el ejército (fue herido y hecho prisionero por los alemanes en
Lille), este personaje pasó rápidamente a las manos de Jijé, que realizó nuevas aventuras, incor-
porando a la serie a un nuevo personaje: el bizarro, extravagante y superficial Fantasio.
En 1946, Spirou pasa a manos de André Franquin que acentuó el tono de las situaciones humorís-
ticas, haciéndole adquirir a la serie una notable popularidad.
Al lado del aventurero Spirou y del hogareño Fantasio, aparecen de vez en cuando numerosos co-
protagonistas. Desde la ardilla Spip al Marsupilami, un misterioso animal fantástico, indudablemen-
te uno de los más interesantes animales fantásticos del mundo de la historieta; desde el Conde
de Champignac, un simpático y extravagante inventor, hasta el malvado Zorglub, que a toda costa
quiere dominar el mundo; y Zantafio, el megalómano primo de Fantasio. Entre los personajes de
esta serie creados por André Franquin, se merece un lugar de honor Gaston Lagaffe, un simpati-
quísimo vagoneta aparecido por primera vez en el año 1957, que en seguida se convirtió en prota-
gonista absoluto de una larga serie de páginas autoconclusivas.
Para poder dedicarse exclusivamente a este personaje, en el año 1969 Franquin deja Spirou en
las manos de Jean Claude Fournier quien continúa sus historias, pero sin la fuerza y la fantasía de
sus antecesores." (F.F., año 1990).
Para completar la reseña de Franco Fossati, cabe señalar que la serie, una vez abandonada por
Fournier entró en una crisis, que fue superada con el tiempo. Fournier se dedicó a sus proyectos
personales (como Bidu y otros). Luego, Raoul Cauvin y Nic Broca se hicieron cargo de la serie,
pero en verdad ésta adquirió un gran impulso cuando Tome y Janry tomaron las riendas. En este
período, que va desde los años ´80 hasta fines del ´90, la serie se aproximó un poco más a lo que
Franquin planteó, tanto en guión como en la parte gráfica.
Actualmente, Spirou volvió al ruedo (el álbum N°50), con dibujos del español José Luis Munuera y
guiones de Morvan.
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Es menester recordar que en los años ´80, poco antes de su muerte, Yves Chaland realizó
una historia de Spirou, basado en el estilo gráfico de Jijé y del primer Franquin. Una joya
que hace poco Dupuis reeditó en un álbum compilatorio.

Lecturas de Spirou recomendadas

Desde el 6 de Enero del año 1997, funciona en la web el único sitio en castellano dedicado
a las aventuras de Spirou. Su creador es el fan gallego Eduardo Joaquín, un gran admira-
dor de la Escuela de Charleroi y quien es, al margen, policía de profesión.
En su sitio web www.arrakis.es/~espiru/spirou , Eduardo realizó un completo catálogo de
todos los álbums del personaje publicados en castellano, además de algunos que todavía
solo se consiguen en francés. Hay también noticias, en fin, un muy buen panorama para
aquellos que quieran saber algo sobre esta obra fundamental de la historieta mundial.
Si se hiciera una encuesta entre los lectores de Spirou, sospecho que ganaría por lejos
el álbum "Z como Zorglub" (Franquin, Greg, Jidehem) y su secuela, "El retorno de Z", en
donde hace sus maléficas apariciones el malvado Zorglub, el científico archienemigo del
Conde de Champignac. Zorglub es tan malvado como lo es Neurus en Hijitus, o Cerebro,
el personaje de la Warner . Es de esos científicos locos que desean dominar el mundo a
toda costa, pero que en el fondo el lector les tiene cariño.
A mí, se me dan a elegir, me quedo también con "QRN en Bretzelburg" (Franquin, Greg),
22
en donde Franquin ya comienza a realizar un estilo gráfico muy similar al que desarrolló con Gaston Lagaffe desde las planchas 320 o 400 en ade-
lante de la serie. Lo mismo que Un bebé en Champignac (Franquin, Gos, Peyo) en donde Zorglub vuelve a la pequeña villa champignacsense. En
la versión francesa de este álbum, hay un dossier con una aventura que transcurre en la redacción de la revista Spirou, con el protagonista, Fanta-
sio, Lagaffe y todos los empleados de la oficina. Se titula Bravo les Brothers, y es un Franquin en todo su esplendor: Tres monos de circo, entrena-
dos en malabares y acrobacias, haciendo estragos a la redacción de Spirou, con la complicidad de Lagaffe. Sublime.
Para los que gusten de las aventuras de estilo "tintinianas" (joven que viaja por el mundo), pueden deleitarse con unos álbums anteriores a los
mencionados, como La mina y el gorila (Franquin), Tembo Tabú (Franquin, Greg, Roba) o El prisionero de los 7 Budas (Franquin, Greg, Jidehem) y
otros. Todos son buenos.
Salteamos la etapa de Fournier y de Cauvin-Broca, para llegar a la de Tome y Janry. Y aquí sí, una linda panzada ¡qué lindas mujeres dibuja Janry!
Tome y Janry son los creadores de El Pequeño Spirou, que nació justamente en la serie "madre": pueden leer el álbum La infancia de Spirou, en
donde se da el puntapié inicial de la serie. Con El Valle de los proscriptos y Con el agua al cuello, Tome y Janry vuelven a llevar a Spirou y Fanta-
sio a la aventura clásica, al reportero que viaja por el mundo. También son muy recomendables Spirou y Fantasio en New York (con la aparición de
Don Vito, que no es otro que El Padrino Don Corleone) y Spirou y Fantasio en Moscú. Y si se encariñaron con Zorglub, arremetan con El despertar
de Z. Entretenimiento garantizado. EH

(*) BD: El nombre es una palabra, un signo, o un ícono que nos identifica.
A lo que nosotros llamamos "Historieta", los países francófonos la denominan "Bande Dessinée" (o su abreviatura "BD"), que significa literalmente
"Banda Dibujada" o "Tira de Dibujos". El témino "BD" también lo utilizan otros países, como Portugal ("Banda Desenhada") y Galicia ("Banda
Deseñada").

23
 DIBUJANTES EN EL
HISTORIETISTA
A partir de ahora, en la revista El histo-
rietista, tenemos el agrado de incluir el
suplemento Dibujantes, donde se publi-
caran artículos de la mitica revista crea-
da por Osvaldo Laino alla por 1953.
La idea de incluir estos viejos articulos,
coinciden con el espiritu de la revista pòr
el rescate de los grandes maestros, que
forjaron la cultura de argentina a traves
de su arte. Tal vez estas notas podrán
parecer bastante antiguas, pero cuando
nos adentremos en su lectura, podremos
ver que aun gozan de una gran actua-
lidad en cuanto a su labor pedagógica,
y como pieza periodistica de una epoca
en que ser dibujante de historietas era
como ser una estrella de television.
Tampoco olvidemos el contexto en el
cual fueron escritas, en el país se consu-
mían millones de publicaciones mensua-
les.
Asimismo, cabe un parrafo aparte y
subrayado, ya que la revista Dibujantes
fue la precursora de las publicaciones de
informacion sobre historietas en el pais,
por ello agradecemos su existencia.
OSVALDO LAINO
El director de la revista Dibujantes na-
cio en Rosario, Argentina, y comienza
a dibujar a temprana edad. Publica sus
primeros cartoons en un semanario local.
Al terminar sus estudios secundarios se
traslada a la ciudad de Córdoba donde
trabaja y continúa sus estudios.
Comienza en el conservador diario Cór-
doba con una tira en la sección deportiva
que dirige el periodista Bioy Pereyra.
En esos años participa con el conocido
humorista Juan Carlos Mesa y Humber-
to Vílchez Vera dibujando (con público
presente) en los programas de radio de
la cadena Splendid.
A principio de los años 50 se radica
en Buenos Aires, su trabajo creativo es
requerido por varias agencias de publici-
dad, periódicos y las revistas, “Esto Es”,
“Pobre Diablo”, “Potpurrí”, etc. Se suma
al plantel de “Avivato” de Billy Kerosene
y Jorge (Faruk) Palacio con humoris-
tas como Landrú, Dobal, Garaycochea,
Francho, Quino, Gius y otros que tam-
bién colaboran en “Bomba H” y “Loco
Lindo”.
24
 Conocida su carrera artística y su expe-
riencia en publicidad, su amistad con Án-
gel Sagrera lo conduce a dirigir la revista
“Dibujantes”. Es a través de esta publi-
cación que crea el programa “Dibujemos
Con...” en el Canal 7 de televisión invitan-
do a colegas como Divito, Raúl Manteola,
Ferro, Landrú, Palacio, Sabat, Guerrero,
Torino, Sagrera y otros tantos humoristas
y figuras del cine y la televisión.
Como miembro del Club de Directores de
Arte y Director de Dibujantes
forma parte de la delegación de las pri-
meras jornadas de publicidad que se ce-
lebran en Montevideo (1953) encabezada
por Amílcar García Torres, Presidente de
la Federación Argentina de la Publicidad.
, también formo parte de la Asociación de
Dibujantes.
En 1955, junto a Garaycochea, Breccia,
Udaeta y Cotta exhiben la obra “Cinco
Humoristas” en la Galería Picasso quie-
nes denominaron a esta muestra “Pri-
mera Exposición de Dibujo Humorístico
Contemporáneo”.
En 1956 es contratado por una compa-
ñía argentina de publicidad en Venezue-
la. En ese país colabora con “El Gallo
Pelón”, una revista humorística de gran
popularidad dirigida por el humorista
Sancho. También dibuja para “Pico Pico”
(revista para niños), “Páginas”, “Martín
Garabato”; y, con el seudónimo “Brutus”,
publica sus dibujos en el diario “La Esfe-
ra” de la cadena Capriles, en la página
editorial.
En enero de 1961 se muda a New York.
Allí se encuentra con otro rosarino de
gran talento ¬ Víctor Martín ¬ quien lo
presenta a la revista humorística “Crac-
ked” (competidora de “Mad”) donde pu-
blica sus primeros dibujos, comenzando
otra carrera exitosa en la ciudad de los
rascacielos y después en la ciudad de
Tampa (Florida).
Tras más de 50 años en el país del Nor-
te, cosechó reconocidos galardones
de mérito por su labor profesional y dedi-
cación a la comunidad. Entre los muchos
honores recibidos se encuentran:
• 1986 Tampa Advertising Federation
Man of the Year Award.
• 1992 AAF Jack Phillips Gold Medal
Award.
• 1998-1999 Advertising Professional of
the Year Award.
• 2000 Professional of the Year Award.
• 2001-2002 Hispanic Man of the Year.
• 2003 AAF Silver Medal Award.
• 2003 Instalado en el Hall de la Fama
del Kappa Tau Alpha (Mass Communica-
tion) de U.S.F.(Universidad del Sur de la
Florida).
Desde la ciudad de Tampa, por medio
del Museo de la Caricatura Severo
Vaccaro, comenzó la nueva tarea de
relatar parte de la historia del Humorismo
y la historieta Argentina, labor que hoy
continúa desde Rosario, su ciudad natal
y donde hace casi 4 años que se radicó.
Estas historias se pueden leer a través
del Internet: www.historiaspasado.blogs-
pot.com - osvaldolaino.blogspot.com.
suplemento dibujantes
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suplemento dibujantes
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Todo el material del suplemento corresponde al numero 1 de la revista Dibujantes,
setiembre 1953.

suplemento dibujantes
OSVALDO LAINO con JUAN ANGEL SAGRERA, quien genero la idea de
crear la revista DIBUJANTES, compartiendo ideas y revisando material para
ser publicado en la revista.

MUSEO DE LA CARICATURA
SEVERO VACCARO
Lima 1037 (Codigo Postal 1073)
Buenos Aires - Argentina
e-mail: severovaccaro@yahoo.
com
Teléfonos: 4304-6497 / 4276-
4802

32
SECCION BLANCAS MURALLAS
En su apartado, Ariel Avilez, el especialsita en la extinta editorial Columba, nos cuenta la vida y obra del personaje creado
por Robin Wood y Lucho Olivera

Por Ariel Avilez

Gilgamesh el Inmortal es, sin duda, la obra más emblemática del recordado Lucho Olivera (1942-
2005) y en estos meses se cumplen 40 años de su primera aparición en el segundo Anuario de la
revista D’artagnan, número especial correspondiente a fines de 1969 y principios de 1970.
Mediocres amantes como somos de los números redondos y los oportunos homenajes, nos pareció
éste un excelente momento para hacer una recorrida a lo largo de los casi 180 episodios que duró la
saga. Hay tanto para hablar al respecto –estamos en presencia de un Inmortal, caramba- que cuesta,
incluso, empezar y organizar la información; así que para no irnos por las ramas y estructurarnos un
poquito, dividiremos la nota en cinco partes teniendo en cuenta los distintos equipos creativos que
tuvo la serie. Equipos en los que –es bueno decirlo- sólo Lucho Olivera, su creador, resultó imprescin-
dible.

1- ETAPA LUCHO OLIVERA: PRIMERO YO (1969-1973)

No nos extenderemos demasiado acerca del Gilgamesh original, el de los mitos súmeros, el de la
primera obra épica escrita que conoció la humanidad hace más o menos 4000 años; sólo diremos
que Lucho Olivera dotó al personaje, cuando decidió adaptarlo a la historieta, de algo que sus ante-
riores autores súmeros y akkadios se ocuparon prolijamente de mezquinarle, su máxima aspiración,
el motor de sus aventuras: la Inmortalidad.
En realidad, en esa historieta aparecida en el Anuario 2 de la D’artagnan, Lucho cuenta una mara-
villosa historia autoconclusiva y boceta en los siguientes nueve números todo aquello que, con inne-
gable habilidad, sus sucesores al frente del guión volverán a contar: la obtención de la inmortalidad
de manos de un marciano (Utnapistim, nombre de otro héroe de la antigua Mesopotamia); la barbarie
humana observada con impotencia por alguien que, poseedor de un don maravilloso, poco puede
hacer para evitar la autodestrucción de sus pares; su amistad con Nippur de Lagash; el resentimiento
que despierta entre los mortales; las ansias de recuperar su condición de mortal; la hecatombe que
destruye toda vida sobre la Tierra; los viajes al espacio; la misión de prolongar la existencia de la
especie humana buscando un planeta en el cual puedan desarrollarse los niños en estado de hiber-
nación con los cuales se topa; la interacción fraternal con naves humanizadas; la providencial apari-
33
ción de especies extraterrestres muy poderosas o cuasi divinas; la amenaza de alienígenas hostiles; la compleja
evolución de la nueva humanidad en un nuevo planeta similar a la Tierra (planeta al que llama Nippur)... todo,
todo está en esta primera decena de episodios en los que Olivera demostró no sólo ser un dibujante excepcional,
sino también un guionista genial.
No es necesario rastrear las viejas D’artagnan para disfrutar estas historias: entre 2000 y 2001, la Editorial Co-
lumba reeditó en los primeros cinco cómic-books de “Fantasía presenta: Gilgamesh” todo este período. Si no les
molesta leer historietas impresas en papel higiénico ¡adelante!

2- ETAPA SERGIO MULKO / LUCHO OLIVERA: NUBES DE HUMO (1973-1975)

Cuando Lucho ya no cuenta con tiempo para escribir más historias de Gilgamesh, curiosamente se le confía la
tarea a otro dibujante, Sergio Alejandro Mulko, que firma con el seudónimo de Leo Gioser.
El Gilgamesh de Mulko es, en principio, el mismo de Lucho: el anterior guionista le dejó un personaje manco
(unos marcianos dementes lo habían mutilado) a punto de encabezar una rebelión en contra de unos tiranos que
sometían al grueso de la humanidad que él se había encargado de establecer en el nuevo planeta. De un modo
muy elegante –pero ya anticipado por Lucho en algún viejo episodio: seres de otra dimensión intervienen y le dan
otra oportunidad a la humanidad para que no se autodestruya- Mulko sale rápidamente del compromiso y hace
borrón y cuenta nueva mandando a Gilgamesh miles de años al futuro, al espacio y de regreso a la Tierra, un
planeta en ruinas, árido, que permite al guionista mostrar la faceta que más le interesa del personaje: la del ser
cuya soledad cósmica propicia soliloquios y reflexiones la mar de profundos, al tiempo que se enfrenta a extraños
peligros, la mayoría de los cuales parece surgir de su propia mente.
No deja de sorprender que una editorial tan conservadora como Columba permitiera tales libertades a estos auto-
res: el fuerte contenido psicodélico, la aparición de especies extraterrestres de indescriptible aspecto, esas aven-
turas tan alejadas de lo convencional no son de ninguna manera a lo que estaba acostumbrado el lector promedio
de la revista.
Volviendo a la historia en sí, Gilgamesh una vez más debe encargarse de asegurar el futuro de la humanidad en
la Tierra, primero, volviéndola un sitio habitable (el planeta tiene su atmósfera envenenada), luego, custodiando
una docena de humanos hibernados que serán la semilla de los nuevos terrestres y, finalmente, viajando al es-
pacio para enfrentarse a seres de maldad inconmensurable, al tiempo que se reencuentra con lo que queda de la
especie marciana que le dio la inmortalidad (incluso con Utnapistim).
Los últimos ocho episodios de Mulko son ciertamente inquietantes: parece querer contar varias historias y esboza
planteos complejos e interesantes que, sin embargo, resuelve abruptamente cuando no parece sencillamente olvi-
darlos. De repente, Gilgamesh tiene una compañera también inmortal –Galhya -, pero cuando regresa a la Tierra
el personaje se pierde en un segundísimo plano porque el sumerio está ocupadísimo en preparase para combatir
con la peor amenaza a la cual jamás se haya enfrentado la humanidad... Sin embargo, el enemigo es vencido con
una facilidad insultante: el Inmortal lo arroja a un pozo profundo.
Al finalizar esta etapa de veintitrés episodios, Gilgamesh, Galhya y dos alienígenas custodian a la floreciente hu-
manidad. Cinco años después, el guionista Robin Wood no recordará nada de esto.
Los cómic-books números seis y siete de la colección “Fantasía presenta: Gilgamesh” contienen los cuatro prime-
34
ro episodios de éste período. Los once siguientes –que constituyen un arco argumen-
tal perfecto- fueron reeditados en 2008 en formato libro por Doedytores y fue el primer
tomo de la Biblioteca MP de Novela Gráfica; se tituló “Gilgamesh el Inmortal: Hora
Cero”.
3- ETAPA ROBIN WOOD / LUCHO OLIVERA: MIENTRAS VIVA...(1980-1985)
Vamos a ponernos de acuerdo: Robin Wood no es pura fama y casi nadie discute que
la primera cincuentena de los aproximadamente sesenta y cinco que escribió está
entre lo mejor de su producción personal. Su versión de Gilgamesh es, sencillamen-
te, gloriosa y se potencia increíblemente con un Lucho Olivera inspiradísimo y en su
mejor momento.
Arranca la historia en la Séptima Dimensión. Gilgamesh es uno de los Guardianes del
Universo que lidera El Padre de las Estrellas y se encargan de mantener el equilibro
universal combatiendo a las fuerzas del Mal; se rumorea que el humano inmortal será
el sucesor del gran líder. Sin embargo, el sumerio siente nostalgias de su vieja vida
y una necesidad imperiosa de recuperar sus vivencias humanas, así que retorna a la
Tierra y reencarna en sí mismo cuando era niño y príncipe de la ciudad de Uruk.
Ya hemos dicho antes que prácticamente todo lo que se hizo después de la etapa
Olivera como guionista ya lo había hecho antes don Lucho; pero Robin lo hace de un
modo magistral, confirmando de algún modo aquella vieja máxima de Dalmiro Sáenz:
“Las cosas no son del que las dice primero, sino del que las dice mejor”. Ciertamente
Wood vuelve a contar el origen de la inmortalidad de Gilgamesh, pero se toma cuatro
episodios para hacerlo y recién en el quinto lo hace abandonar su reino, Uruk, en un
capítulo memorable coprotagonizado por otra criatura de estos dos próceres de nues-
tra historieta: Nippur de Lagash. Gilgamesh nunca fue tan humano y, hasta entonces,
nunca resultó tan sencillo y placentero para el lector identificarse con él.
El resto es de antología: Gilgamesh aspira un mundo perfecto y quiere poner su don
al servicio de la humanidad, pero nada de lo que hace es suficiente porque el hombre
parece solazarse en su natural barbarie y tendencia autodestructiva; desesperado,
intenta influenciar a los grandes hombres de la historia humana: se pone al servicio
del Imperio Romano –presencia apenado la crucifixión de Cristo -, participó de la Cru-
zadas, se convierte en hombre de confianza de Napoleón, pelea en mil guerras que
supuestamente impedirán las futuras guerras... El fin de la vida en la Tierra, el estallido
fatal de una superbomba de cobalto, lo encuentra en un refugio atómico. Harto, decide
viajar al espacio, buscar a Utnapistim –el marciano que lo dotó de inmortalidad- y soli-
citar el retorno de su condición de mortal; sin embargo, en Cabo Cañaveral encuentra
la razón de su vida: niños en estado de hibernación a la espera de ser trasladados a
algún planeta habitable.
Tras cientos de años de exploración espacial en los que pasa de todo –en cierto mo-
mento el Inmortal hasta pierde su cordura -, Gilgamesh encuentra un inmenso plane-
ta al que bautiza “Sumer” y en el cual deposita su preciosa carga que, rápidamente,
35
crece y se reproduce bajo su tutela. Este resurgir de la humanidad es narrado de un modo
sublime y nada es dejado de lado: los años de aprendizaje y adaptación al medio, el creci-
miento de los niños (personajes secundarios magníficamente desarrollados; el sensacional
episodio 54 de la etapa Wood es el primero y único en el cual el Inmortal no aparece en una
sola viñeta), el cuestionamiento a la condición patriarcal del sobreprotector Gilgamesh y, por
fin, su partida para bien de los que ama.
Los últimos diez episodios se desarrollan en el espacio y narran LA GUERRA UNIVERSAL:
Gilgamesh detecta que un peligro inminente se cierne sobre su querido planeta Sumer y no
encuentra otro modo de conjurarlo que levantar a cientos de planetas de la galaxia en contra
del feroz Imperio de los Xhaguar, aliados de los Primordiales, los mismos seres malignos que
Robin Wood había hecho derrotar por su Or-Grund.
Finalizada la guerra, Gilgamesh se reencuentra con aquel Padre de las Estrellas del primer
episodio y vuelve a ocupar su lugar como Guardián del Universo. Conmovedoras frases fina-
les de Wood y fin ¿O no?
Los primeros indispensables veintipico de episodios del período Wood / Olivera fueron reco-
pilados en dos libros de la Colección Clásicos de Columba a mediados de la década del ’90.
Conseguirlos y atesorarlos es deber ineludible de todo amante de la buena historieta.

4- ETAPA RICARDO FERRARI / LUCHO OLIVERA: VOLVER (1986-1994)

Aunque la historia ya estaba redondeada, es evidente que Columba tenía la intención de

seguir contando con la presencia estelar de Gilgamesh en sus páginas. A Lucho Olivera le
pareció bien
–aunque en la gran mayoría de los episodios de esta etapa se nota, a veces descaradamen-
te, la mano de algún asistente demasiado novato- y los guiones cayeron en las únicas manos
posibles de hacer un trabajo más que digno, en las de Ricardo Ferrari, escritor cuyo talento
aún no ha sido debidamente reconocido y que, sin embargo, dotó a la serie de una identidad
muy personal logrando algunos episodios a la altura de los mejores de Wood.
Para no complicarse la vida, Ferrari hizo la vista gorda y declaró de facto la no-existencia del
retorno de Gilgamesh a las filas de los Guardianes del Universo. Finalizada la Guerra Univer-
sal, el Inmortal calvo retorna a su queridísimo planeta Sumer, al que encuentra evolucionadí-
simo y, evidentemente, con el Edipo superado: por ley, es neutralizado, amarrado a una nave
y arrojado al espacio; se considera su presencia inmortal perjudicial para el sano desarrollo
de la especie (¡y pensar que hay padres que se quejan de que sus hijos los depositan en
geriátricos!).
Vaga por el espacio durante siglos, enloquece y, finalmente, retorna al planeta Tierra donde,
para su sorpresa, por las propias ha resurgido la humanidad; se confunde con la multitud y
es feliz en su anonimato, pero al poco tiempo es abducido por seres que aspiran obtener de
él la inmortalidad. Esta nueva saga espacial termina con Gilgamesh perdido en el interior de
36
un agujero negro y retornando al pasado, a su Sumeria natal, sorprendiéndose de nuevo
ante los torpes pero firmes pasos del hombre hacia un futuro que él bien conoce.
En los últimos diecisiete episodios, Gilgamesh es llevado nuevamente al espacio y
permanece náufrago en un asteroide que es imposible abandonar. Historias rarísimas,
la mayoría introspectivas, muy dignas de convertirse en episodios de “Lost”, son mone-
da corriente en este tramo final que culmina, justamente, con algo que bien podría ser
un lugar común en Gilgamesh y que, sin embargo, Ferrari sabe sacar brillo y presentar
como nuevo: una nave inteligente creada por un humanoide que alguna vez aspiró a
la inmortalidad, rescata al sumerio y se le ofrece, con sus infinitas posibilidades, como
compañía para sus eternos años por venir.
Con aproximadamente setenta episodios en su haber –sin contar un par que coló en la
etapa Wood -, Ferrari es el guionista de mayor duración al frente de la serie. Lastimosa-
mente, nada de esta gloriosa etapa ha sido reeditado. Paciencia.
5- ETAPA ALFREDO GRASSI / LUCHO OLIVERA: LA COPA DEL OLVIDO (1997-1998)
Cinco episodios de triste factura, absolutamente olvidables, son el fruto de una dupla
gloriosa que un par de décadas atrás había sorprendido gratamente con obras como “Yo
Ciborg” o “Planeta Rojo”. El trabajo de Olivera no es malo y resuma vigor, fuerza des-
controlada, pero no se lleva bien, no cuaja, con las historias inexplicablemente infantiles
que propone el guionista que, para colmo de males, satura con diálogos inverosímiles.
Grassi también decide empezar su versión de Gilgamesh de cero, así que en el primer
episodio vemos al Inmortal salir de una tumba desprovisto de recuerdos. Es un perso-
naje sin gracia, sin esa profundidad e inteligencia que lo distinguían en sus versiones
anteriores, y no ayuda tampoco la aparición de “misteriosos” personajes (Lúcifer, Dagón
e Ishtar) que le proponen devolverle la memoria a cambio de que les hagan el favor de
viajar en el tiempo con una máquina para sumarse a las filas del Moisés bíblico y deter-
minar el lugar exacto en el cual se halla el Arca de la Alianza. En pago por sus servicios,
Lúcifer le regala la máquina del tiempo... aparato que el Inmortal y su ahora fiel amigo
Ghort - un personaje cuyo aspecto y personalidad cambian radicalmente episodio a epi-
sodio- utilizan para viajar y entrevistarse con un poco lúcido Freud (en el ínterin le salva
la vida a un joven dibujante llamado Hitler, cómicamente dibujado por Lucho, imagino
que al propósito) o un patético Lázaro (“Cuidado, está muy nervioso desde que resu-
citó...” le advierten a Gilgamesh). En el último capítulo de esta saga inconclusa, Gilga-
mesh –inexplicablemente- se interesa por los viajes al espacio y, con el ridículo Ghort,
decide darse una vueltita por Marte, más habitado que Constitución a las cinco de la
tarde, donde descubre que se originó la civilización sumeria.
Todo está dicho. EH
37
 OPINION Cuando se pensaba que estaba todo escrito sobre la obra de Moore y Gibbons, el escriba Juan Reinberg Cortés tambien tiene algo que decir sobre los viligantes
LA HORA SE ACERCA...
Por Juan Reinberg Cortés
Cuando escuchamos la palabra superhéroe automática-
mente pensamos en Superman y Batman. Pensamos en
un hombre fuerte, con una larga capa, que recorre las
más grandes ciudades enfrentando peligrosos criminales
y seres con poderes sobrehumanos. Pensamos en una
figura tranquilizadora, un símbolo del bienestar nacional.
En los Estados Unidos la historieta siempre fue, por un
lado, parte de la máquina capitalista del imperio “ame-
ricano”, y por otro lado, todo lo contrario. Esto es tan
sencillo de explicar que suena hasta infantil: hay un bue-
no y un malo. Si tenemos algo en común políticamente
Estados Unidos y Argentina es que ambos países tuvi-
mos regularmente una política pendular, basada en dos
partidos con ideales completamente encontrados.
Las dos grandes potencias de la historieta norteameri-
cana son DC comics y Marvel Comics. DC mostró siem-
pre tener una ideología de derecha muy fuerte, siempre
resaltando ese tipo de personajes fuertes y nacionalistas
como Superman; y Marvel se muestra un poco más
cercano a una ideología de izquierda, tomando más en
cuenta la psique de los personajes y llevando a cabo
historietas mucho más comprometidas con el futuro de
la humanidad.
Todo esto cambió en 1986. Todo lo que podíamos llegar
a decir sobre DC tendríamos que replanteárnoslo luego
de la aparición de dos comics: Batman, el Caballero de
la Noche, la primera historieta oscura de Batman, con
un héroe maduro y conflictos mucho más truculentos; y
Watchmen, una serie de 12 números sobre la otra cara
de los superhéroes.
DC comenzó a ver que el Héroe no era el único que
vendía. El antihéroe vende mucho más… podríamos
decir que Batman, el caballero de la noche, de Frank
Miller, y Watchmen, de Alan Moore y Dave Gibbons, son
las historietas precursoras de lo que ocurriría en 1993:
la creación del sello alterno Vértigo. En esta editorial
separada pero aún arraigada a la editorial madre, se
han publicado geniales y oscuras historietas netamente
adultas protagonizadas por antihéroes: The Sandman,
The Preacher, Transmetropolitan, etc.
Pero hoy vamos a dejar de lado al encapuchado de
ciudad Gótica, y también a los oscuros personajes de
Vértigo, pues esta nota está dedicada a los Vigilantes.
¿Quién Vigila a los Vigilantes?
Watchmen es una novela gráfica que se publicó en los
años 1986 y 1987 a lo largo de 12 números en formato
comicbook (clásico formato norteamericano de historie-
ta). Es, a mi humilde opinión: junto con El Eternauta, de
los argentinos Oesterheld y Solano López; El Incal, del
francés Moebius y el chileno Jodorowsky; y Akira, del
japonés Katsuhiro Otomo, uno de los cuatro pilares de la
historieta mundial.
La grandeza de Watchmen reside no solo en su genia-
lidad guional y en los dibujos de Dave Gibbons, sino
también en su cinismo y la horrenda sensación que nos
deja el final. Un sentimiento a la vez de aprobación y
desaprobación sobre la afirmación que viene rondando
la cabeza de cientos de miles de personas a lo largo de
la historia de la humanidad: El fin justifica los medios. No
es la única vez que Moore utiliza esta noción como base
para sus historietas, otro caso de esto es la significativa
V de Vendetta.
La novela gráfica recibió muchos galardones dentro del
mundo de la historieta y fuera de él. Recibió el ansiado
Premio Hugo en 1988 (galardón anual del género de
ciencia ficción), y la revista Time la llamó una de las 100
mejores novelas en inglés desde 1923 a la actualidad.
38
También en Time, el columnista Jay Cocks habló de la
novela como “un hito con mayúsculas de la imagina-
ción, que combina ciencia-ficción, sátira política, guiños
al pasado de los cómics y atrevidas reformulaciones de
los formatos gráficos actuales en una historia de miste-
rio y distopía”.
También recibió el Premio Kirby a Mejor Serie Limitada,
a Mejor Serie Nueva, a Mejor Escritor, a Mejor Escritor/
Artista, y dentro de varias categorías más. También re-
cibió varios Premios Harvey. Y algunos de los preciados
Premios Eisner. Watchmen es la historieta más galardo-
nada de la historia.
Stan Lee, co-fundador de Marvel Comics, y creador de
gran parte de sus personajes, o por lo menos de los
más famosos y exitosos, dijo que Watchmen es su his-
torieta favorita de todos los tiempos NO publicada por
Marvel. Vale decir que la aparición de Watchmen logró
que DC superara en ventas a Marvel durante los dos
años de duración de la historieta.
Argumento
Watchmen habla del bien y el mal, habla de la sociedad
enferma, habla de la ciudad, habla de la guerra y de la
paz, habla de los medios y los fines, habla de los super-
héroes, habla de la autoridad y el autoritarismo… Habla
de tantas cosas que tendría que escribir doce artículos
para que se haga justicia a la historieta. Por eso, a con-
tinuación voy a hacer un breve resumen del argumento,
o al menos voy a tratar de mantenerlo breve.
La ciencia ficción ha utilizado marcos diversos a lo
largo de toda su existencia, pero muchísimos autores
toman la utopía y la distopía como base para hablar
de sociedades futuras y presentes donde el mundo se
está cayendo a pedazos sobre nuestras cabezas. Ese
es el nacimiento del género Cyberpunk, que estaba tan
de moda en los años en que apareció Watchmen. Pero
Alan Moore, el genial guionista de esta obra (que dicho Los Minutemen
sea de paso, es un autor Cyberpunk, como se demues- En 1939 aparece Batman por primera vez en la revista
tra, por ejemplo, en una de sus obras maestras, V de Detective Comics. Superman había aparecido el año
Vendetta), busca generar la misma sensación oscura anterior dentro de Action Comics. Era la época en que
y apocalíptica del género pero sin movernos tempo- se estaba terminando la depresión, la gente necesitaba
ralmente. Por lo tanto utiliza un recurso poco utilizado figuras fuertes en quienes confiar, aunque fueran de
en el mundo de la historieta: la Ucronía, es decir, una fantasía. 1939 es el año en que (dentro de la ucronía de
realidad alterna ubicada en la actualidad. Entonces, la Watchmen) aparecen por primera vez los héroes En-
historia comienza en 1985, en un punto de inflexión en mascarados. Se formó entonces el grupo de justicieros
el tiempo, un punto donde el ser humano está conde- Minutemen.
nándose a sí mismo a la destrucción, cuando el reloj
está a punto de dar la hora del cataclismo nuclear.
Suena muy metafórico, pero es un tanto más literal:
los canales de televisión, diarios y todos los medios
gráficos tienen en constante protagonismo al reloj que
marca la hora en que se desatará la guerra. Estamos
hablando de la guerra entre los Estados Unidos y la
Unión Soviética.
La historia comienza con la muerte de un héroe. El ase-
sinato a sangre fría del Comediante. El Comediante, es
el nombre que usa Edward Blake junto con su antifaz y
su característico broche de la carita feliz, cuando com-
bate el crimen junto con sus compañeros superhéroes.
Blake, en un momento de su juventud tiene una revela-
ción: el mundo está condenado y todos somos parte de
esta broma, todos nos vamos a morir y no va a quedar
nada de nuestro mundo civilizado, y lo único que nos
queda es reírnos.
El guión nos va llevando, a lo largo de los 12 tomos, a
conocer la historia completa sobre dos grupos de hé-
roes encapuchados que tuvieron lugar, uno en los años
40’s y el otro en los años 60’s. Estas dos generaciones
de héroes funcionan como herramientas de represión
fascista del Estado. Y fueron utilizados para dar forma a
una nueva generación de estadounidenses.
39
26
Watchmen tiene una particularidad frente a otras no-
velas gráficas publicadas en tomos. Cada uno de los
tomos viene con un anexo, entre estos anexos encon-
tramos artículos periodísticos de diarios de ultra dere-
cha (los medios dentro del mundo de Watchmen tienen
una importancia primordial); informes psicológicos de
ciertos personajes; y entre muchas cosas, resalta en los
primeros números fragmentos del libro autobiográfico
Bajo La Máscara, de Hollis Mason. Mason cuenta en ción que dio a conocer su identidad al mundo.
estos párrafos que nos regala Moore muchos secre-
tos sobre su vida como enmascarado. Él había sido El
Búho Nocturno en los años 40’s, y había comenzado su
Los Vigilantes
En 1966 El Capitán Metrópolis reunió a un grupo de
carrera en los Minutemen luego de leer durante largos
hombres y mujeres para formar Los Justicieros (Cri-
años historietas como las que nombrábamos antes. Él
mebusters), pero El Comediante quemó los planos y
nos relata los comienzos de los Minutemen.
mapas de Gardner en un cínico acto de anarquía. Pero
Mason había sido policía, pero se unió a los Minutemen
años después se formaron Los Vigilantes (Watchmen).
después de leer sobre Justicia En-
Uno de los Vigilantes era El Comediante, de quien ya
mascarada, el primero de los héroes
hemos hablado, que todavía no ostentaba la cicatriz
enmascarados. También estaban
que fue marca de su vida y de sus excesos. La cicatriz
en el grupo Nelson Gardner, alias
se la había hecho una vietnamita con quien él se acos-
Capitán Metrópolis; Byron Lewis, La
taba durante la guerra en el 68. Tras ganar la guerra,
Polilla, que terminó sus días en un
Estados Unidos manda a buscar a los Vigilantes que
instituto para enfermos mentales;
habían formado parte de la invasión al país oriental. El
Silueta, una mujer de origen judío
Comediante le dice a su “novia” que no la iba a volver a
que había huido del nazismo para
ver y que había sido solo una diversión del momento, la
llegar a los Estados Unidos. También
mujer embarazada enloquece y le destroza la cara con
estaban Sally Jupiter, cuya identidad
una botella rota, tras esto, el desfigurado comediante la
pública era Espectro de Seda. Y por
mata de un tiro.
último, el más joven e intrépido del
Se estarán preguntando si no habrán leído mal, ya que
grupo: El Comediante.
los Estados Unidos no ganaron la guerra de Vietnam.
Mason nos cuenta de muchos duros
Bueno, este punto nos arranca de la realidad y nos
momentos que vivió con los Minu-
mete de lleno en la ucronía de Alan Moore. Los Estados
temen, de los cuales Sally Jupiter
Unidos ganan la guerra de Vietnam gracias a la apa-
era protagonista. Por ejemplo, de su
rición, años atrás, del primer Super-Héroe: Dr. Man-
altercado con Silueta, quien había
hattan.
dejado en evidencia el origen judío
El Dr. Manhattan era un hombre común, llamado Jona-
polaco de Jupiter, cuyo apellido era
than Osterman, que sufrió un accidente con un reactor
en realidad Juspeczyk. Y también
nuclear. Fue desintegrado tras quedar atrapado en el
uno de los episodios más violentos
aparato. Semanas después, su conciencia logró formar
de la vida de los Minutemen: El Co-
nuevamente un cuerpo, un hombre de estatura mayor a
mediante había intentado violar a la
la normal y de piel azul. Su conciencia había llegado a
hermosa Jupiter.
límites humanamente inalcanzables, conociéndolo todo.
El Búho se retira y se dedica a arre-
Un estado de conciencia muy similar a Buddha.
glar autos, él es uno de los pocos
Jon ayudó a la humanidad a llegar a niveles de tecno-
enmascarados de la primera genera-
40
26

logía muy avanzados, esto luego será muy importante
cuando lleguemos a hablar del final de la obra.
También forma parte de los Vigilantes Laurel Juspeczik,
hija de la anterior Espectro de Seda. La niña se había
criado entre héroes enmascarados y sintió siempre la
presión de su madre por ocupar su lugar. Finalmente,
a una temprana edad, se unió al grupo utilizando el
mismo mote que su madre. Vivió durante muchos años
un romance con el extraño y Jon, hasta que no soportó charch estaba convencido de que alguien estaba bus-
más su manera de observar el mundo, como si no fuera cando y asesinando a los héroes del pasado, y comen-
parte de él. zó a alertar a sus viejos compañeros.
Daniel Dreiberg, un fanático de la ornitología (estudio de Veidt también fue víctima de un atentado, pero el ase-
las aves) y de la aviación, entra al grupo con el nombre sino murió, tragándose una píldora de cianuro antes de
de Búho Nocturno, tras pedirle permiso a Hollis Mason, ser interrogado por Ozimandias. El tercer atentado no
de quien es un gran amigo y admirador. fue armado, fue político y público: Jon fue atacado por
Ozimandias, el hombre más inteligente del mundo, los medios, fue llevado a una conferencia en televisión
como lo llamaban los medios también era parte del
grupo. Su nombre era Adrian Veidt. En 1975 el gobierno
de los Estados Unidos prohibió su actividad a los en-
mascarados, Veidt aprovechó para sacarse la máscara
públicamente y convertirse en una figura muy respetada
en varias industrias, formando un imperio de corporacio-
nes.
Y finalmente, el más desagradable, oscuro y extraño
de todos los Watchmen: Roscharch. Detrás de la más-
cara que recuerda el test de Roscharch, en constante
movimiento, se encuentran los vestigios de un hom-
bre. Roscharch dejó de ser Walter Kovacs el día que
masacró a un violador que había raptado a una niña y
había alimentado a sus perros con su cuerpo muerto.
Ese día Roscharch tomó posesión sobre Kovacs, dán-
dose cuenta de que el mundo estaba condenado, pero
no había que reírse (como decía el Comediante), había
que castigarlo. Se convirtió en una sombra, un mons-
truo fascista que merodeaba los rincones más oscuros
de la ciudad asesinando criminales y utilizando la fuerza
para coaccionar a otros y siempre encontrando la ver-
dad, mediante horrendos medios.
El Comediante ha Muerto
Tras la muerte del Comediante, Roscharch comenzó
a investigar los extraños sucesos que estaban toman-
do lugar en Nueva York. Quien asesinara a un hombre
como Blake debía ser demasiado fuerte y capaz. Ros-
41
26
para hablar sobre la actual situación y la posibilidad del
comienzo del holocausto nuclear. Todo había sido una
pantalla para llevarlo ante los medios, donde el New
Frontiersman (un diario de ultra derecha) lo atacó con
algo mucho peor que una bomba: se le dijo que su sola
presencia había causado cáncer en varias personas
que habían tenido contacto con él a lo largo de su vida.
Jon, alterado por semejantes noticias, desapareció del
mundo y se marchó a Marte a reflexionar. Los Estados
Unidos, sin la presencia del Dr. Maniatan, sabían que
pronto se desataría la guerra, y el
reloj se acercaba a la hora 0.
Roscharch fue apresado tras caer en
una trampa, y debió enfrentarse a los
criminales que él mismo había apre-
sado años atrás. De pronto una nave
con forma de Búho llegó a la cárcel
donde los presos se habían amotina-
do con el fin de asesinar a Kovacs.
De la nave salieron Búho Nocturno y
Espectro de Seda (estaban teniendo
un romance tras la desaparición de
Jon), que sabían que algo raro pa-
saba y que Roscharch, a pesar de
ser un criminal, debía ser salvado,
pues era el que sabía más de lo que
ocurría.
Jon, tras reflexionar mucho volvió
a la tierra para llevarse consigo a Laurie (Espectro de
Seda) a Marte, donde la ayudó a entender su vida, ella
por fin comprendió la verdad: su padre era El Come-
diante. Tras discutir mucho sobre la vida y el tiempo,
Jon, que despreciaba al ser humano, pues creía que
era la semilla de la destrucción, tuvo una revelación y
decidió volver a la Tierra para salvar a la humanidad.
Entendió el milagro de la vida, entendió que cada na-
cimiento humano era un milagro en sí mismo, y que la
vida en sí era la energía máxima del universo.
Mientras tanto, en la Tierra, Daniel (Búho Nocturno) y
Roscharch investigaron en el submundo callejero, y tras
varias idas y vueltas, comprendieron la verdad sobre el
complot: Adrian Veidt, Ozimandias, era el responsable
de todo lo que estaba ocurriendo. Todos los Vigilantes
terminaron en la Antártida, donde Veidt se había creado
una fortaleza con forma de pirámide (imitando a uno de
sus dos ídolos: Ramses II). El otro ídolo de Veidt era
Alejandro Magno, pero su fin no era el de conquistar al
mundo entero, sino el de conciliar al mundo entero en
la tan buscada Paz.
Los Vigilantes no podían hacer nada contra Veidt, por-
que su plan había dado frutos ya, mientras ellos todavía
viajaban a la Antártida. Había utilizado a varios artistas
para crear el ser más extraño y horrible que podía exis-
tir en la imaginación humana, y había utilizado las tec-
nologías que Jon había regalado a la humanidad para
darle vida al ser, que fue teleportado a Nueva York. La
teletransportación nunca había funcionado, ya que la
reintegración de un átomo desintegrado hacía que este
explotara. Por lo tanto Nueva York, junto con muchas
de las más importantes ciudades del mundo, habían
volado, solo habían quedado las ruinas, y los vestigios
de estos seres monstruosos y gigantescos.
El plan de Veidt dio resultado: el Hombre creyó ser
blanco de una invasión extraterrestre, y las naciones
del mundo unieron sus fuerzas y se estableció la paz, y
terminó la Guerra Fría. El Fin, para Ozimandias, Justifi-
ca los Medios.
Relatos del Navío
Negro
Además de los Anexos, Wat-
chmen tiene varios recursos
para contarnos la historia desde
diferentes puntos de vista. Exis-
ten personajes secundarios que
viven la historia desde afuera,
pero que son testigos de muchas
cosas. Entre ellos se destacan
un vendedor de diarios, que ha-
bla durante todo el día con gente
en la calle, y un joven que se
sienta junto al puesto de diarios
a leer historietas. Ambos mueren en la explosión.
El niño lee los Relatos del Navío Negro, una historieta
que trata sobre un hombre que lucha contra la locura.
Constantemente se mezclan los diálogos de las per-
sonas que compran diarios con los pensamientos del
protagonista de la historieta (se trata de Metaficción,
ficción dentro de la ficción).
Esta historieta cuenta la historia de un navegante cuyo
barco es atacado por una nave negra y queda náufra-
42
26
 go durante mucho tiempo. Construye una balsa con las
maderas que logró recobrar, y utilizando de base los
cuerpos putrefactos de sus compañeros, que, llenos de
gases mortuorios, hacen que la balsa flote de manera
ejemplar. Las caras muertas lo atormentan durante todo
su viaje, pero algo lo hace seguir adelante: el terror de
que los tripulantes del monstruoso navío fantasma llega-
sen a su pueblo. Termina autoconvenciéndose de que el
barco finalmente había llegado a su pueblo y destruido
todo a su paso, incluyendo a su familia.
La balsa es atacada por gaviotas hambrientas y por tibu-
rones. Con lo que queda del mástil atraviesa el cráneo
de un tiburón, que termina formando parte de la balsa.
Finalmente llega a su pueblo, famélico e intoxicado por
la ingesta de carne podrida de tiburón y gaviota; enlo-
quecido por los fantasmas de sus compañeros, por las
tormentas de mar abierto y por beber solamente agua salada.
El hombre, creyendo estar liberando a su pueblo de los tripulantes del Navío Negro,
termina asesinando a su familia y a varias personas del pueblo. Cuando se da cuen-
ta de su locura, se arrastra nuevamente al mar, donde lo ve: el Navío Negro, que lo
esperaba, para ser parte de su tripulación.

La Película
Warner Brothers y la Paramount Picture realizaron, con la dirección de Zack Snyder
(director de 300, el film basado en la historieta de Frank Miller), la versión cinemato-
gráfica de Watchmen.
Muchos fanáticos tienen miedo de verla, porque piensan que la película destruirá lo
que llevan en el corazón como la más grande historieta norteamericana.
Desde mi humilde opinión, les digo a todos los que no la vieron que la vean. Obviamente, la historieta es mucho mejor, pero la película le hace justicia. El Final es diferente,
pero cumple el mismo efecto que en el comic.
En el final de la película no hay seres monstruosos, se le echa la culpa de las explosiones al Dr. Manhattan. Jon, cuando se entera, se marcha finalmente de la galaxia, dán-
dole la razón a Veidt, ya que el fin justifica los medios.
En la versión en DVD de la película, se incluye un disco con extras, entre ellos está un mediometraje de animación basado en Los Relatos del Navío Negro, con la voz de
Gerard Butler (actor que dio vida a Leónidas en 300) como relator y protagonista.
También está en los extras del DVD un documental llamado Bajo La Máscara (basado en los escritos de Hollis Mason), que cuenta la historia completa de los Minutemen.
EH

43
26
TALLER DE DIBUJO HISTORIETAS
DE
INTRODUCCIÓN.
Un estudiante no solo debería abocarse al estu-
dio de las técnicas de dibujo, sino que también
tendría que indagar sobre el arte mismo.
Sería interesante que conozca a los artistas que
lo precedieron, estudiar las diferentes escuelas
de dicho arte, tener un panorama de lo que ocu-
rrió en su país, en otros países y/o continentes.
Este interés se torna una búsqueda apasionan-
te, no se trata solo de quedarse en lo moderno,
sino que también se trata de indagar por los
recodos de la historia.
¿Por qué nació este genero?, ¿Con qué nece-
sidad?, ¿Cómo se proyecta en un mundo próxi-
mo?, y la pregunta mas interesante, ¿En qué
puedo a través de él, aportar algo?...
Dibujar no es solo ese acto mecánico que
termina en si mismo, sino que es un “Don” que
hay que aprender a desarrollar al máximo para
traducir impulsos (internos o externos), para
plasmar ideas, y para colaborar en la construc-
ción de una cultura.
No va a estar de más que les nombre algunos
pocos de los muchísimos dibujantes que nos
precedieron y que influyeron a las posteriores
Por Fabian Mezquita
generaciones, que a la vez, hicieron lo mismo
hasta llegar a nuestros días.
La historieta que conocemos actualmente es
relativamente moderna, data de fines del siglo
XIX, principios del siglo XX, por ese tiempo se
destacaron artistas gráficos sumamente crea-
dores y revolucionarios como Richard Outcault,
Carl Schulltze, Windsor Mc Cay, George McMa-
nus, Lyonel Feininger, Bud Fisher, entre otros
grandisimos maestros; No nos podemos olvidar
del gran George Herriman, y algunos artistas
que manejaban el realismo con una virtuosidad
magistral como Harold Foster, Alex Raymond;
otros con un estilo menos académico pero muy
efectivo como Al Capp o Milton Caniff (y otros
muchísimos que no estoy nombrando), más
adelante aun, los revolucionarios Robert Crumb
y Will Eisner, y algunos otros como Jack Kirby,
Neal Adams, y Frank Miller.
En Europa aparecian maestros de la talla de
Hergé, Uderzo, Peyo, Morris, Franquin, y mas
adelante Moebius (o Giraud), Hermann, Loisel,
actualmente Guarnido, Barbuchi, Enrique Fer-
nandez, entre otros.
Por aquí, por aquellas épocas la primera his-
44

torieta de la que se tiene referencia es
“Sarrasqueta”, dibujada por Manuel Re-
dondo, después una larguisima lista de
artístas de nivel internacional que forma-
ron escuela, dibujantes como Zavataro,
Sirio, Alvarez, José Luis Salinas, Alberto
Breccia, Arturo del Castillo, Carlos Freixas,
Joao Mottíni, Enrique Vieytes, Quino,
Mordillo, Garaycochea, entre tantos, luego
la lista siguió, Fontanarrosa, Caloi, Me-
glia, Mandrafina, Oswal, Alcatena, Enrique
Breccia, Alberto Salinas, Horacio Altuna,
García Seijas, Juan Jiménez, Dani de O
y un largísimo etc; actualmente aparecen
grandes creadores como Juan Saenz Va-
liente (un gran narrador gráfico), Salvador
Sanz, Minaverri, Parés, Calvi, Liniers, Tute,
etc, etc, etc…
Si pegamos un vistazo por Oriente, tam-
bien nos vamos a encontrar con dibujantes
tremendos, algunos de ellos son Akira Tori-
yama, Masamune Shirow, Katsuhiro Oto-
mo, Osamu Tezuka, Yoyito Usui, Satoshi
Tajiri, Takumi Nagayasu, y el gran maestro
TALLER DE DIBUJO DEHISTORIETAS
Hayao Miyazaki, entre miles. recíproca. La persona que desea ir man- recido a la figura humana.
Mirando estos artistas, ustedes dando sus ejercicios podrá hacerlo, estos Posee gran cantidad de movimientos. El
tienen una larga lista de maestros, se les revisaran, y se le sugerirá alguna problema que existe es que es muy rígido
cada uno con un estilo y una for- observación si fuera el caso. y da sensación de dureza al moverlo.
ma que los identifica, que hicieron Así iremos avanzando lección por lección. Es conveniente, por esto, conocer la base
un gran aporte a la historieta de Mucha suerte para todos, y espero sea de geométrica de la figura humana.
todos los tiempos. Para realizar su gran utilidad. Si comprendemos esta síntesis, es mas
trabajo deben apoyarse en ellos fácil comprender al muñeco (o a la foto que
para continuar con su legado. PARTE 1: DIBUJO tengamos de referencia), y así podremos
Cada uno con su sello, y sus 1ra. SUBPARTE: Figura humana captar ese movimiento que querrámos
contenidos propios que son los obtener.
internos, y los de la época que Lección 1: Muñeco – Comprensión del En cambio si quisiéramos copiar al muñe-
los contiene culturalmente, cada concepto de las formas – Estructura co o a la foto, sin esa síntesis geométri-
uno aportando su grano, en éste básica. ca, tal vez nuestro dibujo, ridículo y/o sin
tan hermoso arte, fusión de la ninguna gracia.
literatura y el cine, y encima apto para todo El muñeco articulado es una “Esfinge” pa- Veamos estos ejemplos:
público.
Desde el día de hoy presentamos este
taller de historietas en donde repasaremos
desde el tratado de dibujo, pasando por las
técnicas del trabajo y estilos, hasta dar con
la estética del arte (composición, secuen-
cias, tiempos, etc). El taller esta dividido en
tres partes, y cada parte en otras subpar-
tes, para poder llevar a cabo un trabajo
minimamente ordenado.
La primera parte es sobre los fundamentos
del DIBUJO, y consta de 11 lecciones, en
la segunda parte nos meteremos con las
TËCNICAS Y ESTILOS de trabajo, que
son 7 lecciones, y en la última etapa ve-
remos ESTÉTICA DE HISTORIETA, que
consta de 8 lecciones más.
Trabajaremos de una forma dinámica y
45

Observaciones detalladas:
Si nos fijamos bien, los brazos antebra-
zos, piernas y antepiernas tienen forma
de cilindros, el pecho y el abdomen se
asemeja a un cubo que vamos deforman-
do, y la cabeza es una esfera con los
TALLER DE DIBUJO DEHISTORIETAS
En sí, el dibujo de la figura (con los bloques
geométricos) es otra especie de muñeco,
pero mas flexible y accesible de manejar.
Es, como dije anteriormente una síntesis de
laterales achatados (o cortados), con el
agregado de una parte inferior.
Ahora ejemplifiquemos con el muñeco de
madera:
Para avanzar mejor y más seguros fijémo-
nos en estos detalles importantes:
La figura mide ocho cabezas. En los prime-
ros ejercicios conviene hacerse un cuadri-
culado para tomar (en base a la repetición
del ejercicio) familiaridad con los tamaños y
las formas.
Aquí en el dibujo les marco detalladamente
lo que mediría cada una de las partes del
cuerpo.
Estúdienlo con mucha atención.
Observen las figuras y tengan en cuenta
dos grandes diferencias al dibujar una mu-
jer y un hombre. La dama tiene las caderas
la figura humana, y con ella trabajaremos
de aquí en adelante.
Detalles a seguir:
mas anchas que los hombros, por eso sus
brazos ce cierran arriba y se abren abajo,
en cambio el varón tiene los hombros mas
anchos que las caderas, por eso sus brazos
se abren arriba y se cierran abajo.
Ejercicios:
Es muy útil trabajar la geometría de la figu-
ra humana, haciendo varios muñecos hasta
familiarizarse, no solo con sus formas sino
también con sus partes, para evitar deformi-
dades.
PRÓXIMA LECCIÓN: Movimiento – Línea
de eje - Dinamismo. EH
46
 SECCION DEL MUSEO ITINERANTE DE
HUMORISTAS GRAFICOS E ILUSTRADORES

A TODO DIBUJADO
ESTAB
Por Marcelo Niño

En los albores de la historia de nuestras publicaciones, difícilmente

podramos encon-
trar publicidad en las mismas. Esto, tiene que ver con que las revist
as tenían como úni-
co objetivo informar y se sustentaban con el solo hecho de la venta
de los ejemplares.
Los tiempos avanzan y la publicidad comienza a colmar el medio
gráfico. Los puestos
de diarios, tienen un abanico más que suficiente para ofrecer, era
la época de oro de
nuestras publicaciones, cada temática contaba con más de una public
ación, y la publi-
cidad ocupa un espacio especial, pero no como sustento de una
publicación, sino para
marcar presencia por un lado o dar a conocer productos por el otro.C
ada maestrito con
su librito, como dice el dicho, las publicidades iban dirigidas al public
o consumidor de
cada temática.En cuanto a nuestros dibujantes, tema que nos ocupa
en esta nota, han
realizado grandes campañas en diferentes medios y temáticas ya
que por aquel en-
tonces era más sencillo poder plasmar lo que se quería a través
de un dibujo y no por
medio de una fotografía.Puntualizando sobre revistas humorística
o de historieta, los
dibujantes y la publicidad han dejado documentos que son realm
ente una exquisitez.
Hoy la historia ha cambiado sustancialmente, y las publicaciones
son las que necesitas
de la publicidad para subsistir, y el avance tecnológico ha colaborado
en la desapari-
ción de publicidades dibujadas, pero hagamos un merecido home
naje a aquellos que
nos han brindado verdaderas joyas entre la publicidad y el humor.
EH

47
48
49
50
PARA MAS MATERIAL ORIGINAL SOBRE
AUTORES ARGENTINOS, INGRESA A:
http://museoitinerante.blogspot.com
MERCADO ARGENTINO
UN ENFOQUE ACERCA DE LA INDUSTRIA HISTORIETISTICA NACIONAL ( 1RA. PARTE)
HOY : FANZINES
Por Alejandra Marquez
Que las aguas están revueltas en el ambiente editorial, no
es novedad, posiblemente porque es necesario ese estado
revolucionario continuo dentro de ese círculo.
Pero que el meta espacio historietero o comiquero tenga
desde hace unos años a esta parte una revolución aún más
profunda, sí tiene aristas novedosas.
Veamos, en el año 2001, aproximadamente, las ganas y el
dinero de muchos editores comiqueros se vieron hechas
fina arena que se deslizaba sin detenerse. Tanto corrió la
arena que el mar muy oscuro de la economía argenta se la
llevó sin decir ni mu.
Fueron las épocas oscuras. Precios caros, nada en los
kioscos de factura nacional, una situación que la mayoría
recuerda con sabor amargo.
Como suele pasar en nuestro amado y vapuleado país,
después de un tiempo y de acomodos a la situación, se
llegó a un punto muerto, donde para leer algo relacionado
con los cuadritos había que recurrir o a viejas revistas que
todos (o la gran mayoría) tenemos en casa, a las casas
de canje (pocas, muy pocas) o a la moderna y ahora más
establecida lectura online.
Como fuera, no había producción nueva, o reediciones, no
había en la calle lecturas de este tipo. Y las que había eran
importadas, con personajes también extranjeros y caras,
bastante caras.
Dicen que las crisis son oportunidades que se nos ofrecen
para crecer. Y por suerte, esto sucedió con la industria
comiqueril.
Aproximadamente a fines del 2004, inicios del 2005, al-
gunas editoriales asomaron su cabeza con mayor fuerza.
Thalos, Doedytores son tal vez las que históricamente
dieron el puntapié inicial, basados en los trabajos y expe-
riencia de sus directores.
De ahí en más el regreso de algunos comenzó a gestarse.
Si bien habían sobrevivido en Internet, comenzaron a bus-
car su espacio nuevamente en papel.
Por aquella época conocimos a Domus. Su primer trabajo
estuvo relacionado con la revista Comiqueando, nacida
como fanzine, allá por septiembre del ’86. Mucha agua
pasó bajo el puente de esa publicación, la crisis antes men-
cionada llevó a su cierre, tuvo una etapa online, de la mano
de Martín Casanova hasta que, Domus mediante, salió
nuevamente en papel, en Mayo del 2005. De ahí en más,
Domus no paró de editar nuevos títulos y nuevos artistas.
A inicios del 2009, Domus dejó de existir, al menos bajo la
tutela de Casanova. Pero todo esto, más la nueva editorial
Moebius, son tema para otros números de El Historietista
Otro que retomó las lides editoriales fue Pablo Muñoz.
También allá por el 2005 vió la luz una obra imperdible, con
el Maestro Solano López en dibujos y su hijo Gabriel en
guión: “Ana”. Esto marcó el inicio de Deux Editora (en ese
momento Deux Books), que sigue adelante, más allá de
desprolijidades en cuanto a fechas de salida. Pero también
todo esto será tema de una próxima entrega.
Como se puede observar, en poco menos de cuatro años el
engranaje de las publicaciones relacionadas con historietas
52
comenzó a funcionar otra vez. Y eso que sólo citamos La palabra en sí tiene un cierto aire a idioma inglés. Y
a Thalos y Doedytores. Si, sí, acertaron. Es tema para así es, es una contracción de fan y magazine . Por lo
números venideros. tanto como primera cosa deberíamos notar que no es
Pero entonces, ¿de qué vamos a hablar en este núme- una publicación profesional. Como segunda cuestión,
ro? lo que se sabe y dice es que los fanzines no tienen una
Bueno, alguna vez me enseñaron que para contar una vida muy larga, suelen salir muy pocos números, in-
historia uno puede empezar desde el final, pero tam- cluso muchas veces sólo sale uno. Otros se mantienen
bién, como es lógico, puede hacerlo desde el inicio. en el tiempo, siguen publicándose como un ejercicio de
Por lo tanto, si bien comenzamos por el inicio, pasamos libertad creativa, aunque sus integrantes se profesiona-
por el medio de la trama y seguimos por un final acotado licen.
y en capítulos, lo que haremos ahora es retomar el hilo En el último tiempo a los fanzines publicados en papel
de la charla. Y al menos es lo que me sucede a mí, hay se le sumaron otros más modernos y de última genera-
un punto, un tema que siempre llama la atención cuando ción. Son los e-zines, la versión en internet de estos .
me refiero a esta historia nuestra. Algunas voces agoreras suelen pregonar que el fanzine
¿Cómo fue posible que a pesar de tantos desencuen- en papel está muerto. Pero esto bajo mi perspectiva es
tros, tanta economía negativa, tantos años sin produc- una falacia y una forma negativa de referirse a este tipo
ción nuestra en la calle, de repente hubiera material de publicación señera.
dispuesto para salir al ruedo otra vez? Pero preguntémosle a los mismos fanzineros qué pien-
Fácil, este país tiene uno de los niveles más altos en san al respecto.
artistas de historietas del mundo. Les acerqué a varios algunas preguntas. Busqué perso-
Y si bien una gran pero con muchas ganas de levantar vuelo en algún mo- nas que tuvieran distintas posturas. Aquí dejo los interro-
cantidad trabaja mento. Me refiero por supuesto a los fanzines. gantes y más abajo las respuestas.
para el exterior En la red quienes estuvieron “al pie del cañon” cuando 1.¿El fanzine digital desplaza actualmente al clásico en
(porque son artis- nadie lo hacía, con un foro, con espacio para que todos papel?
tas, pero comen y pudieran expresarse más allá de los vaivenes económi- 2.¿Alguna vez pensaste en dejar de publicar en papel
tienen familias) mu- cos fueron los señores de Portalcomic . De la mano de para hacerlo sólo en digital?
chos mantuvieron Hernán Cabrera fue (y sigue siéndolo) un sitio indispen- 3.Si tu comienzo fue en digital, ¿por qué te volcaste al
la llama comiquera sable para los comiqueros y seguramente sin su pre- papel?
nacional viva. sencia las cosas hubieran sido más complejas y difíciles 4.Si tu comienzo fue en papel, ¿por qué te volcaste al
¿Cómo hicieron para todos. digital?
esto? En la red En sus foros nacieron publicaciones fanzineras, nacie- 5.¿Qué ventajas tiene el papel por sobre el digital?
(aunque en el 2002 ron o mejoraron su andar muchos artistas y se hilvana- 6.¿Qué ventajas tiene el digital por sobre el papel?
Internet no era lo ron proyectos que más tarde vieron la luz. Hernán Cabrera, diseñador gráfico, colorista, web-
que hoy es) y en Como dije, los fanzines sustentaron en muy buena parte master de Portalcomic
unas ciertas publi- los sueños y posibilidades de muchos que no tenían otro 1.No creo que lo desplace. Lo que si veo es que es una
caciones modes- modo de hacer historieta. opción más cercana al fanzinero, debido a que es más
tas, a veces no del Por las dudas, si alguien no sabe a qué me refiero, defi- sencillo y económico y brinda una llegada al público que
todo bien editadas, namos fanzine. en papel sería difícil de conseguir. Estoy seguro que el
53

fanzine en papel nunca va a dejar de existir.
2.No. Publicar en digital siempre es una buena opción y
lo he hecho. Pero siempre es mi meta publicar en papel.
El publicar en papel, el tener el objeto físico en la mano,
da un sentido de plenitud al trabajo realizado.
3.No
4.Porque, lamentablemente, en Argentina es cada vez
más caro publicar en papel. No solamente la impresión
en si misma, sino todo el tema de la distribución que
suele tener unos costos absolutamente prohibitivos para
los pequeños editores.
5.La fuerza del objeto real en la mano. Es más simple y
cómodo de leer en todo momento y lugar.
6.Los escasos o nulos costos. La posibilidad de recibir
comentarios y feedback del lector en manera instantá-
nea. Una gran llegada al lector, inclusive a nivel interna-
cional. Nuevas posibilidades artísticas (color sin límites,
tamaño del área de trabajo también ilimitado, posibilidad
de agregar sonido, movimientos, etc.)
Ligia Berg, artista visual multifacética. Colaboró en
fanzines como “Igantius tenía razón”, “C3”. De am-
plia experiencia en fotografía, dibujo y artes varias
derivadas de la era de lo digital.
1.El medio digital es más económico que el papel. La
mayoría de aquellos que publican fanzines cuentan con
un costo reducido de dinero para realizarlo, gastan y el
resultado no les parece satisfactorio. En el medio digital
pueden encontrar una presentación no sólo más eco-
nómica sino más accesible para ellos y para el público
en general. Considero que en un futuro la mayoría de
las publicaciones serán digitales y las hechas en papel
serán para colección o cosas específicas. Como los
cassettes (jaja). De todos modos, todavía se sigue apun-
tando con energías al papel por un tema de satisfacción
personal, ver las cosas en el papel es muy distinto a la
pantalla.
2.En los últimos tiempos solamente estuve publicando
en digital.
3.El sentimiento es distinto, y creo que siempre uno
quiere verse publicado, verse impreso sentirse como los
grandes. Una se autocomplace. Pero en mi caso la esta-
día en papel fue corta y en colaboraciones.
4.No es el caso.
5.Un mayor detalle, genera otro tipo de sensación, una
mirada más general de la obra, que pienso que en lo
digital se pierde
6.Es más económico, más accesible para uno y el públi-
co, no tiene limitaciones en cuanto a la estética que se
quiera usar (full color por ejemplo que en papel es muy
costoso) fácil de promocionar.
Juan Pablo Camarda, historietista autodidacta,
Miembro del círculo del cuadrito desde el 2005.
1.No lo desplaza pero brinda más posibilidades para el
autor en cuanto a difusión. Crear un fanzine en papel im-
plica distribuirlo en circuitos chicos o quizá llevarlo inclu-
so a encuentros. Con el fanzine colgado el la web auto-
máticamente se soluciona la distribución en primer plano
y la difusión depende de mandar mails y convertirte en
spamer por un tiempo, pero de esa forma lo puede leer
tu vecino y un holandés que se fue a vivir a Singapur.
2.Desde el primer momento, de hecho antes de lanzar
mi primer fanzine decidí colgarlo en la web para probar
la recepción y luego imprimirlo, la respuesta fue mejor
de la esperada y cuando evalué sacarlo en papel era
una inversión importante para la poca circulación que
tendría.
3.y 4. De vez en cuando hago un pequeño fanzine en
papel pero lo nuevo siempre cae primero en Internet, me
parece muy importante que se lea y produzca historieta
en papel porque es el origen en si, me parece que lo
ideal sería llegar al punto medio en el que los dos me-
dios se complementen.
5.y 6. Creo que la única ventaja que tiene el digital es la
llegada rápida y directa, aparte del contacto directo autor
lector que es importantísimo. Pero le juega en contra lo
mismo que le juega a favor, la grandeza de Internet hace
que todo lo publicado ahí sea efímero en cierto punto. El
papel por otro lado es el formato clásico de la historieta
y no un medio al que tuvo que adaptarse. y quizás para
los más cerrados sea mejor visto tener un fanzine en
papel que colgar un pdf en la web.
Gabriel Fix. Dibujante, docente, historietista, colabo-
ro en Editorial Thalos como en Deux, creador de la
bandera de su ciudad Reconquista, Santa Fe.
1.El fanzine digital por si solo no desplaza al de papel, lo
54
hacen otras variantes. En el segundo boom de fanzines
en Argentina las fotocopias eran mucho mas baratas y
en el primer boom alla por finales de los 80 era el unico
medio para hacerse conocer. A eso se le sumó que los
autores solo crecían viendo y leyendo material en papel.
Ahora un autor que comenzó a interesarse en los comics
y tiene menos de 18 años, con un mercado de historie-
tas hecho ruinas, encontrará blogs o foros y puede ver
eso como horizonte
2.Sí, lo pensé, sobre todo cuando vi las posibilidades
que me daba el photoshop de hacer cosas en color.
Pero es algo tramposo eso, porque sabés que con el
papel tenés que arriesgar de forma directa el dinero y
con Internet no. Entonces pensás “hago esto a color y
lo ve todo el mundo”, siendo que todo ese “mundo” esta
navegando en millones de productos como el tuyo. En
cambio la publicación en papel la entregás vos al público
de forma directa. Y esto es algo que Internet no tiene
3.y 4. Empecé en papel porque era la única opción en
mi ciudad, pero también por el juego de querer ser au-
toeditor (dibujante/redactor/diagramador/tipeador/etc).
Algo que es muy divertido cuando tu única obligación
es ir a la escuela 4horas. Ahora estoy volcado un poco
a lo digital porque me ahorro ir a ver cuánto aumentó
la fotocopia, de jugar a meter ganchitos en el medio de
la publicación, de intentar levantar publicidad. Aunque
pierdo la oportunidad de tocar y oler papel con mi trabajo
para solamente ver como quedo un colorcito que hice en
photoshop.
5.y 6 No es lo mismo, pero porque son dos medios
distintos... a vos, ¿qué te gusta más? ¿la manzana o
el mar?. Como ventajas encuentro que con el papel el
contacto que tiene el lector es directo, el zoom lo hace
con su mano y sus ojos, utiliza más que el sentido de la
vista. Como autoeditor jugás a ser EL SEÑOR EDITOR y
aprendes cosas, como ejemplos te puedo citar el contar
las hojas, diagramar , para que sirve el fucking margen,
la cantidad de tinta, etc. Como dije más arriba, el fan-
zinero tiene la ventaja de dejarle el trabajo hecho en la
mano al lector y ver su reacción al instante. En contra-
posición, el trabajo digital tiene como ventaja la cues-
tión económica de poder usar más colores, arriesgarte
a hacer todas las páginas que se te vengan en ganas,
probar otros formatos jugar con otros lenguajes y llegar
a mucha más gente, que no necesariamente va a leerte,
pero sabás que estará ahí en el blog, en la web y puede
que algún día alguien por error buscando algo en Goo-
gle entre a ver lo que hiciste. Cada uno tiene su ventaja,
pero prefiero el papel.
Max King, Historietista humorístico
1.Creo que lo digital en general desplace al papel, pero
el medio digital tiene una ventaja estratégica respecto de
las publicaciones en papel, y es mayormente económi-
ca. Aún pagando por el alojamiento, es muchísimo más
barato tener una publicación en Internet que armar una
revista, del formato que fuere, y sacarla a la calle.
2.No. Pese a las ventajas del digital (que no se terminan
en lo económico), el papel tiene un punto fuerte que es
el de la persistencia. Internet puede ser un gran archivo,
pero sigue siendo bastante volátil. No necesariamente la
página web de hoy seguirá estando mañana. Todas las
publicaciones digitales que hay en GeoCities desapa-
recerán cuando Yahoo! cumpla lo anunciado y elimine
todos los servidores con páginas gratuitas.
55
4.Cuando empecé a publicar en digital, fue precisamente
por razones económicas. En el 2002, sumado a contar
con el acceso a Internet, la devaluación alejó definiti-
vamente los precios de impresión de lo que yo podía
sostener en el precio de tapa. No pudiendo volcar el ma-
terial al papel, finalmente me las rebusqué para terminar
publicando en Internet. No fue, eso sí, un traslado del
papel al digital, porque el material que escribí y dibujé
para Max King Comics! sigue destinado al fanzine, pero
sí usé los personajes para hacer material nuevo que
publiqué en Internet.
5.Como dije antes, el fanzine en papel es un objeto per-
sistente, que no requiere para accederse más que tener
vista y saber leer. Como objeto concreto, es persistente
en el tiempo, y es accesible en todo momento y en todo
lugar, sin necesidad de ninguna tecnología particular
para eso. Además, la experiencia de leer el objeto-
historieta es otra cosa, y con la historieta en la mano, el
acceso al material es total e inmediato.
6.Publicar en digital es económico en todo sentido. El
alojamiento es desde gratuito hasta precios bastante ac-
cesibles, incluso en dólares o euros y al tipo de cambio
actual El acceso al material carece de límites. El material
hasta puede hacerse a color sin que eso varíe en nada
el costo. La única limitación para la publicidad está dada
por el hecho de que un fanzine no puede publicitarse
en otro medio que no sea Internet, pero con las redes
sociales y los blogs, hacer “marketing viral” compensa
bastante esa limitación. El tema de la accesibilidad es
notable cuando, por ejemplo,
el webmaster de Portalcomic
me contaba que recibió buenas
críticas a mi tira de La Liga de
Plata, de un usuario de México.
que genera el papel….no podrán darlo jamás una com-
putadora, ya sea como lector o como autor.
En la próxima entrega, nos adentraremos en las editoria-
les y su mundillo. Por qué los editores son editores y por
qué siguen apostando a la publicación en papel. EH
Enlaces relacionados
Hernán Cabrera: http://cabrerahernan.blogspot.com/
Portalcomic; http://www.portalcomic.com/
Ligia Berg: www.ligianauta.blogspot.com
www.ligiabergphoto.blogspot.com
Juan Pablo Camarda: http://juampacamarda.blogspot.
com/
Gabriel Fix: http://gabrielfix.com.ar
Max King: www.mkcomics.com.ar
http://enqueandamaxking.blogspot.com

A modo de cierre de esta prime-

ra parte podríamos decir que
una de las patas en las que se
basó la actual industria historie-
tera nacional es la de los fan-
zines. Y otra de esas patas es
el medio digital. A esta altura,
y por sobre todo, colaborando
como lo hago para varias publi-
caciones online, desconocer el
peso de Internet sería tonto.
Ahora bien, la mística y el ritual
 EL PERSONAJE POR SU CREADOR
CRAZY El primer personaje propio que
dibuje para la editorial Columba
fue Rodwin de Britania, en el año
1982, y como estaba el problema
JACK
de la guerra por las islas Malvinas
cambiaron su nombre por Rodwin
de las Galias.
Pero el personaje mas importan-
te, para mi, fue Crazy Jack por su
Por Ruben Meriggi continuidad.
El guion de Crazy fue pensado
por el jefe de arte de Columba
Antonio Presa, junto con Gustavo
Amezaga, el primer capitulo lo
dibujo otra persona y luego me
toco a mi. Querían hacer algo tipo
Mad Max, inclusive querían pa-
gar los derechos del personaje y
utilizarlo, pero no se pudo, tam-
bién había muchas “referencias” a
Blade Runner.
Yo le agregue toda esta fisonomía
de gigante, medio bestia, podero-
so y loco a la vez ,con una per-
sonalidad muy fuerte, diferente al
héroe tradicional; si tenia que pe-
garle una trompada a una mujer
lo hacia ( y esto traía problemas
con la editorial), pero era eso lo
que le gustaba al lector.
Del pelo corto paso a largo, el
uniforme lo hacia diferente y asi
varios cambios de ese estilo, eso
se debia porque me cansaba de
dibujar siempre lo mismo y por-
que la editorial me decía que lo
haga siempre igual; y como forma
de revelarme, hacia lo contrario.
El estilo de dibujo que me carac-
teriza lo fui elaborando a medi-
da que la editorial me obligaba
a copiar trabajos de diferentes
dibujantes, entonces pase desde
el dibujo de Enrique Villagran,
que era el que mas se parecía
a lo que buscaba, a copiar el
arte de Lito Fernández, que no
me atraía para nada. Empece a
quejarme, a pedir una oportuni-
dad y me hicieron seguir el estilo
de Jorge Zaffino, entonces hago
una muestra que deja conforme al
jefe de arte y me dan la historieta
Wolf para dibujarla. Ahí yo hice
el dibujo a mi estilo y lo entinte al
estilo de Zaffino. Cuando adapte
la historieta de la película Krull, ya
cambie la resolución; maneje el
entintado a la forma de Joe Ku-
bert, pero un poco mas limpio.
Cuando empiezo a dibujar Crazy
Jack voy cambiando el entintado
de los fondos y Presa me pro-
pone a que le aplique a la serie
una onda europea, un terminado
tipo Moebius (ya que se vendia
en Italia) ahí comenze a agregar-
le tramas. Me sentí cómodo, y
encontré la forma de que parezca
que la historieta esta muy traba-
jada, y en realidad no era así.
Ahora el trazo es mas fuerte, en
el dibujo europeo era mas liviano,
pero mi estado de animo es así,
soy violento por dentro.
Con el guionista nos reuníamos
en la editorial para armar la serie,
y eso tal vez produjo el éxito que
tuvo, porque se hacia con cierto
cariño. Se charlaba todo, en base
a una escena o idea podía salir
un buen guión.
Todo lo que vuelco en el papel
viene marcado por los estilos de
tres de los dibujantes que mas
influyeron: Jack Kirby, Joe Kubert,
John Buscema; mas todo lo que
aprendí en los estudios donde
estuve trabajando.El tema de las
tramas, de los grisados lo aprendí
de espiarlo a Ricardo Villagran, yo
entraba al estudio y mientras el
trabajaba yo observaba; uno esas
cosa las almacena como una
computadora y el día de mana-
ña, hasta inconscientemente, lo
soltas.
Crazy Jack era un militar retirado
que se transformo en mercenario,
y casi todo lo hacia por dinero.
Esto era una de las cosas que
mas chocaba en la editorial, pero
como dije antes, a la gente le
gustaba.
También había muchos perso-
najes miserables, al vivir en un
planeta desbastado, tanto físico
como moralmente; cualquier tipo
57
de personaje sin alma. Y en el medio de
Crazy juega con esto, por que parecía
ser un hielo, y por gotitas le brotaba la
parte humana.
La idea era hacerlo mucho mas fuer-
te, pero hubo guiones que la editorial
filtraba.
La editorial venia con el vacío de una
historieta como Mark, cuya tematica era
tambien en un futuro apocaliptico (que
el dibujante Ricardo Villagran había
abandonado y había sido un mega exi-
to). Incluso en un momento me habían
ofrecido hacer Mark 2000, con guión
de Robin Wood, donde al personaje le
tenían que quemar el rostro,trabajo que
no me gustaba para nada porque el per-
sonaje lo tiene que hacer el que lo creo
y prefería intentar algo nuevo . Ahí me
dieron Crazy.
Columba descubrió, después de un
tiempo, que Crazy les traía una gene-
racion lectores nuevos que no solían
comprar las revistas, esto permitió que
me dejaran trabajar con mas libertad.
Lamento mucho, el haber hecho capítu-
los que quedaban feos por la velocidad,
pero muchas veces planificábamos y
después había que entregar en una
semana, y te llamaban por teléfono y
lo querían para ayer... Así se trabajaba
para columba.
El ultimo capitulo se publico en 1998 y
la historia quedo abierta, porque la edi-
torial ya no pagaba, y yo renuncie. Fue
muy doloroso. Thalos, sale a la venta el comic de
Al tiempo la editorial desapareció, yo Crazy Jack: “ la saga del fantasma”, pu-
me quede con las ganas de seguirlo y blicacion de dos numeros, donde repu-
la gente me lo siguió pidiendo, entonces blico estas historias, de las cuales tengo
surgió la idea de publicarlo en formato mucho aprecio y me tome el trabajo de
comic-book, para cerrar la saga dándole restaurar.
un final; me quedo el hacer una autoedi- Esperemos que la nueva generacion de
cion con un proyecto llamado Brain lectores nos siga acompañando, como
Box, la idea era venderlo por internet a hasta ahora. EH
traves de un sistema de impre-
sión por demanda, pero llego el
desastre economico del 2001,
con devaluacion de moneda
incluida y todo desaparecio; igual
se imprimieron varios numeros
que llevaba a diferentes eventos
y tuvíeron gran aceptacion.
Este era un homenaje a Jack
Kirby, que había quedado trunco,
por que yo lo quería hacer dentro
de las revistas de Columba; era
como agradecerle que yo era di-
bujante gracias a el. Pero se dio
dentro de mi primer comic-book.
Y también es un homenaje a los
lectores.
Despues vino la oportunidad
de ser el direcotor de arte de la
revista Magma, para la editorial
Thalos, y en esta republique
esta ultima historia de Crazy,
para quien no tuvo la suerte de
conseguir esa pequeña edicion
anterior.
Y hoy tambien de la mano de
58
SECCION MUSEO DEL DIBUJO GRANDES PUBLICACIONES ARGENTINAS

PATORUZITO
Por Hugo González Castello
Habiendo alcanzado el éxito con la revista ‘Patoruzú’, Dante Quinterno pudo publicar un gran semanario de historie-
tas de aventuras, que vio la luz el 11 de octubre de 1945, y que hasta el Nº 593 del 9 de mayo de 1957, en sus tapas,
tuvo como protagonista al pequeño gran cacique tehuelche y a Isidorito Cañones, el nombre elegido fue ‘Patoruzito’.
En su tapa el Nº 1 mostraba al cacique Patoruzito acompañado del potrillo Pamperito, con su personal mirada torva.
En el isologo de la revista ‘Patoruzito’, Quinterno unió las tres primeras sílabas, que evocaban al personaje original y
por ende apuntaban a un público adulto, con las dos últimas de mayor tamaño y a color que estaban dirigidas al públi-
co infantil.
Al convocar a un público tan heterogéneo, su contenido pasaba, de temáticas cómicas a aventuras infantiles y de es-
tas a aventuras para todo público. Había relatos humorísticos de media página, o aventuras de una o dos páginas, las
que inexorablemente, en la mayoría de los casos, finalizaban con el consabido “continuará”.
Las tapas de la revista merecen un tratamiento especial, ya que estaban realizadas por un trío excepcional: los di-
bujos eran plantados a lápiz por el jefe de dibujantes de la revista Tulio Lovato, pasadas a tinta por Jaime Romeu y
coloreadas por el entonces joven Guillermo Roux consagrado hoy como uno de nuestros más importantes artistas
plásticos.
Entre los dibujantes de historieta que engalanaron sus páginas podemos nombrar a Raúl
Roux (padre de Guillermo) con su aventura ‘Fierro a Fierro’, Emilio Cortinas que dibujó
‘La conquista de Jastinapur’ entre muchas otras, Leandro Sesarego con su ‘Vito Nervio’
que posteriormente fue continuado por el gran maestro Alberto Breccia, el historietista
español Carlos Freixas Baleito que le dio vida a ‘Tucho de canillita a campeón’, la re-
impresión de ‘Hernán el corsario’ dibujado por José Luis Salinas, y tantos otros. Como
complemento se publicaron en sus páginas historietas llegadas del exterior, entre las que
vale mencionar Rip Kirby y Flash Gordon ambas de Alex Raymond, entre las más cono-
cidas.
En lo referente a las tiras cómicas podemos decir que Oscar Blotta le dio vida al ‘Gnomo
Pimentón’, Eduardo Ferro a su ‘Langostino’ quien surcaba los mares a bordo de su lan-
cha Corina tratando de emular a Vito Dumas, Roberto Battaglia a ‘Mangucho y Meneca’
que posteriormente se transformó en ‘Don Pascual’, entre otras.
Su edición de prolongó durante casi dieciocho años, llegando hasta el Nº 892 del 31 de
enero de 1963.
La magia de su contenido, hace que aún hoy nos deleitemos releyéndola.EH
59
http://www.museodeldibujo.com
COMIC.AR
Tal vez puede ser la publicación más original tecimiento, más incluso de lo que me hubiera
de los últimos tiempos. imaginado.
Comic.ar es una pieza de diseño muy intere- EH: Lo bueno que tiene la revista es su ina-
sante, Es una revista de historietas al estilo de movibles fechas de salidas, eso hace que
los famosos Sundays americanos, aquellos la espera por las aventuras continuadas se
suplementos que acompañaban a los perió- lleve mejor. ¿Cual es tu opinión a esto?
dicos los días domingos, a todo color y com- Estamos tratando de mantener la periodicidad,
Por Walter Vazquez puesto por tiras auto conclusivas para que nadie se
y continuadas (con diversidad quede sin el conti-
de genereros, desde la aventura nuará. El continuará
al humor), a esto le sumamos la estuvo desde el co-
excelente distribución y periodi- mienzo del proyecto
cidad mensual, comparable a la y es lejos una venta-
“híper exitosa” revista fierro, y ja para el lector que
un precio que hace acordar a las tiene historias con
épocas donde las revistas eran más desarrollo.
accesibles a todos. Salio a la Eh: En los últimos
venta en junio del 2009 y ya va tiempos la edición
por su quinto numero en argentina se
Su editor Tomas Cogiola nos vuelca al formato
responde al respecto. libro, ustedes van
EH: ¿Como surgió la idea de en sentido con-
sacar este tipo de formato con trario. ¿La idea es
tiras diarias? retomar la vieja
La idea fue llevar la página de formula donde
chistes e historietas de los dia- las publicaciones
rios a una revista. Hoy el formato baratas llegaban a
de tiras y páginas apaisadas es mayor cantidad de
más conocido por los blogs que lectores?
por el medio que los vio nacer, los periódicos. Exactamente, si los libros son más caros que
Por eso se llama Comic.ar el periódico de his- las revistas y a eso se le suma que quizás la
torietas. gente no conoce a loa autores o a los perso-
EH: ¿Cual fue la respuesta del publico? najes, se reduce bastante las posibilidades de
Muy bien, el público en general ha respondido llegar a un público mayor.
con entusiasmo y con la expectativa de ver Creo que hoy en día hay que trabajar para
más. La salida de una revista en el mercado conquistar nuevamente al lector de historietas.
actual de historietas en Argentina es un acon- Una publicación de bajo precio y con un aba-
60
nico de autores y personajes puede enganchar al
lector.
EH: ¿Cual fue el criterio en la elección de los
autores, y a que publico apuntan?
Apuntamos al público más amplio que se pue-
da captar, aunque la historieta en si ya tiene un
targets más inclinado hacia los varones y a los
jóvenes, estas historietas están hechas para todo
público.
En referencia a los autores, mi pri-
mera opción fueron los autores que
ya conocía, porque había trabajado
con ellos, por ejemplo, Curci, Basile,
Alcatena, Ibáñez, Greco, Löwy y Szi-
lágyi. Además son todos excelentes,
así que no tuve muchas dudas, creo
que el desafío era que ellos estu-
vieran de acuerdo con el proyecto,
ya que cuando les propuse hacer
Comic.ar era sólo eso. Por otro lado,
a medida que avanzó el proyecto
fui conociendo a otros autores que
se sumaron y se entusiasmaron con
Comic.ar
EH: ¿Habra cambios en el futuro
inmediato, en cuanto a autores y
edición?
En el número 4 y 5 hicimos algunos
cambios en la edición, la cantidad
de páginas pasó de 12 a 16 y ahora la parte color
lleva papel ilustración.
En materia de autores en el número 4 se había
sumado Andrés Lozano con “Los Crichos” y en el
5 comienza “Colo Galván” de Toni Torres y Maria-
no Navarro. Más adelante estrenaremos una tira
nueva de Jorge Morhain y Miguel Paradiso “Ga-
rrote” que es un policial detectivesco.
EH: ¿Como se manejan con la distribución, y
en cuanto a los costos, ya que no tienen publi-
NAHUEL PUMA, TRAS LAS HUELLAS DE
cidad?
La distribución es la de cualquier revista que llega
EL ETERNAUTA Por Armando Fernandez
a los kioscos de diarios y revistas, mediante un
distribuidor para capital y otro para el interior.
Luego se puede encontrar en las comiquerías
Club del Comic, Camelot y Entelequia. También
se puede comprar en la página web que tiene un
sistema que te permite diferentes formas
de pago y los envíos se realizan por co-
rreo privado.
En cuanto a la publicidad, estamos traba-
jando en eso, la idea es que Comic.ar ten-
ga anunciantes, ya que es un medio muy
bueno para que las empresas pauten.
EH: Seguramente les llueven propues-
tas de autores para incorporarse a la
revista.
Paciencia, hemos comenzado con un pro-
Después de cincuenta años de profesión en el tema de escribir guio-
yecto de cero, que tiene la característica
nes para historietas, puedo decir con propiedad que algo he leído y
de no tener un editorial detrás, por tanto
conozco sobre historieta argentina. Y, desde luego, todavía puedo re-
hay que crecer de a poco. Realmente
cordar mi asombro cuando a la edad de 12 años (corría el año 1957)
espero que con el tiempo haya más espa-
tuve en mis manos el primer número de HORA CERO semanal. Allí,
cio para otros autores. Por ahora leo con
junto a los relatos de Ernie Pike ilustrado por Hugo Pratt, Randall, the
mucho interés todos los mails, aunque a
kyller, ilustrado por Arturo del Castillo y Cayena, ilustrado por Daniel
veces no tenga tiempo de contestarlos a
Haupt llegaba una historieta que a mí (y a miles de lectores también)
todos.
me sacudió. Hablo, desde luego, de El Eternauta. Yo ya era hincha
EH: ¿Que opinas sobre sobre el pro-
fanático de Solano López (Bull Rockett, Rolo el marciano Adoptivo,
ducto final?
Uma-Uma, etc) porque lo venía leyendo desde Misterix y Rayo Rojo.
Me gusta, es la revista que yo buscaría en el kios-
Quedé atrapado, fascinado (hoy tengo toda la colección completa
co, con historietas, humor y algo de información,
encuadernada a la que guardo como un verdadero tesoro) Muchos
con un formato novedoso en cuanto al diseño. So-
años después, trabajando para la revista SOLDADOS tuve el honor
bre los autores que están en Comic.ar me gusta
de hacerle un reportaje al maestro Solano (¡las cosas de la vida!). Y
lo que está haciendo cada uno, me da la sensa-
así pues, El Eternauta quedó depositado en mi subconsciente. Mu-
ción que ellos también están haciendo lo que les
chas historias escribí desde entonces, de todos los temas e incluso
gustaría leer, y eso se nota.EH
llegué a desarrollar en la etapa final de la querida Editorial Columba
61

la serie John Cronos, con ilustraciones del maestro uruguayo Miguel Castro Rodríguez, cuya primera parte se publicó en El Tony
y en la Lanciostory italiana, quedando la segunda y tercera parte no publicadas (a pesar de poseerlas completas) John Cronos
fue, de algún modo, mi primer homenaje al talento del gran H. G. Oesterheld , pero el personaje, un norteamericano, nada tenía
que ver con nuestra idiosincrasia, modos y costumbres. Yo sabía que me faltaba algo.
NAHUEL, un muchachito criollo.
Y un día pensé: “Voy a contar una historia de Ciencia Ficción ambientada aquí, en la argentina, tal como sucedió en El Etern-
auta “. Y como, lamentablemente las editoriales de historietas han desaparecido en este país, resolví escribirlo como novela.
Puse manos a la obra y así nació “Nahuel Puma y el anillo del poder” que es la primera parte de las aventuras de Nahuel, un
pibe argentino como cualquiera de los jóvenes de hoy. Solo que, a Nahuel le suceden cosas extraordinarias, tales como ser
abducido en la Antártida por una nave extraterrestre y enterarse de que el universo está en guerra y esa guerra llegará pronto
a nuestro planeta. De hecho, el invasor establece como “cabeza de playa” a las islas Malvinas. Y allá va Nahuel, convertido en
súper soldado por haber recibido un baño de antimateria, junto a sus aliados y amigos, a dar batalla al invasor. Como dije, esa
fue la primera parte. Y escribí también la segunda llamada “Nahuel Puma y el día del juicio final”, donde lamentablemente, la
civilización humana es practicamente borrada del mapa. Mi amigo,
el maestro Sergio Ibáñez, me oyó relatar lo que había escrito y me
pidió la primera novela para leerla. Con falsa modestia debo decir
que Sergio “quedó enganchado”. Recuerdo que me dijo:”Me tenés
que hacer la versión en historieta, porque esto lo quiero dibujar”- El
tiempo pasó y Sergio me habló de un proyecto que estaba desarro-
llando Tomás Coggiola, uno de los creadores del recordado perso-
naje Mikilo. Se trataba de un periódico de historietas (después me
enteré que iba a llamarse Comic.Ar). Y bueno, me puse a trasladar
al esquema del guión lo que ya había desarrollado en la novela.
Debí sintetizar mucho, porque novela e historieta no son la misma
cosa, como se comprenderá. Realmente lo que tengo planificado
son cinco novelas que abarcan toda la serie, la cual está plagada
de sorpresa y aventuras. Entonces, desde ahora, y felizmente con
excelente respuesta del público,de la mano del pincel del maes-
tro Sergio Ibáñez y con relatos y diálogos de quien suscribe estas
líneas, Nahuel está desarrollando sus aventuras en Comic.Ar. Me
siento muy feliz y gratificado haciéndolo. Creo que el “querido vie-
jo” Juan Salvo, debe estar guiñándole, complacido, un ojo a este
pibito argentino que sigue sus huellas y combate contra un despia-
dado invasor que tiene algunos puntos en común con los enemigos
que el inolvidable Eternauta debió enfrentar.EH
ARMANDO FERNANDEZ
Nacido en la ciudad de Buenos Aires y autor
de miles de guiones de historieta, publicó su
primer guión profesional en 1959, a la edad de
catorce años, en la revista Casco de Acero, que
por entonces dirigía Andrés Cascioli, más tarde
célebre creador de Humor quien le llegó a dibujar
un guión de “western”, El honor de un renegado.
Creó su primer personaje, Capitán Siglos, con
dibujos de Angel “Lito” Fernández.De allí pasó
a las revistas X-9 y Bala de Plata, de Editorial
Nómina. En 1965 arribó a Editorial Columba
en donde colaboraría hasta el cierre de la misma
a mediados del 2000. Luego vinieron los guio-
nes para la Eura Editoriale de Italia, el Ejército
Argentino y la Escuela de Náutica de la Armada
Nacional. Para el Ejército Argentino realizó los
guiones de los Cuadernos de la revista Soldados.
Para la escuela de Náutica de la Armada Nacional
realizó en 2006 el guión de la historieta ¡Al Grito
de Santiago! sobre la actuación del Tercio de
Galicia en la invasión inglesa de 1807. También
en 1997 publicó un volumen en historieta titulado
“A quince años de Malvinas” sobre episodios de
la guerra en el Atlántico Sur.
 ES UN PAJA
JA N (Y
RO, ES UN A
VION ES...
Por Pablo Stadelman
SUPERLOPEZ)
UN SEÑOR LLAMADO JUAN
Si se nombra a Juan López Fernández, cual-
quier persona no reconocería el arte que se
esconde tras esa persona, quizás deberían
conocer su Pseudónimo, Jan, para dar rienda a
todo el bagaje que esta persona encierra.
Jan, como todos lo conocen, nació en la provin-
cia de León, Castilla en España, un 13 de Mar-
zo de 1939.
A los 6 años, le detectaron una sordera congé-
nita, por lo que la familia se traslada a Cataluña,
para una mejor atención del niño. Para superar
este problema, su familia lo alentó a dibujar , y
escribir, lo que le llevo a dar sus primeros pasos
en la revista Yumbo, y sus primeros pasos como
animador en los estudios Maican. Junto a su fa-
milia se muda a Cuba, en 1959, donde comien-
za a trabaja en el ICAIC (Instituto Cubano de
Arte e Industria Cinematográficos), y en varios
canales de televisión, combinando con el traba-
jo de corrdinador de varias historietas juveniles
de diversas editoriales.
En 1969, regresa con su esposa y sus dos hijos
a Barcelona, donde comienza a trabajar en
Bruguera, gracias a la ayuda que le da Miguel
Pellicer, que había compartido trabajo en los
estudios Maican. Allí trabaja en varios libros
infantiles, de estudios y troquelados, hasta que
comienza a trabajar en editoriales como Gaceta
Junior y Strong (ambas extintas) donde crea
personajes Sicodelic Hood, parodia de Robin
Hood, los Hermanos Rengifo y Lucas el Maldi-
to. Es debido a esto, que Antonio Martín, le en-
carga en 1973, para la editorial Euredit la reali-
zación de una parodia del superhéroe de moda,
Superman, creando así a Superlopez. Los
primeros trabajos distan mucho de los actuales,
siendo tiras auto conclusivo, de cuatro cuadros,
en blanco y negro, donde el humor reside más
que nada en las expresiones y posturas corpo-
rales de los personajes.
Es en 1978 que vuelve a Bruguera, y retoma
el personaje, dejándole el manejo de todas las
historias, siendo el personaje que actualmente
todos conocen. Haciendo mayor hincapié con el
origen de Superman, se le da un origen extrate-
rrestre, ya que provenía del planeta Chiton, y se
llama originariamente Jo-Con-El. Junto a esto,
se desprenden parodias de todos los persona-
jes de superhéroes de la capa roja, que obtie-
nen su versión en las historietas de superlopez,
como Luisa Lanes, Jaime González, y demases.
Esta comparación entre los dos personajes,
dio inicio a una serie de aventuras donde Su-
perlopez siempre terminaba las historias con
chichones, moretones y magulladuras en todo
el cuerpo. Con el paso del tiempo, Jan le da un
enfoque distinto, mas orientado al humor adulto,
64

donde las aventuras se prologaban, tomando el
formato de comic, propiamente dicho.
Con este estilo de humor, es que se perfilan temas en
las historietas, como la contaminación, las drogas, el
racismo, y muchos otros temas que son tratados de una
manera inconfundible. Además, se suman constantes
referencias a la cultura Pop, o a algún suceso importan-
te contemporáneo al armado de la historia. Es sabido
que Jan se basa en lo que sucede en la actualidad para
armas las historias de Superlopez, y toma elementos
cotidianos y los expresa en clave de humor para dar
un mensaje positivo a quien lo lee, esto hace de Jan,
un autor difícil de encuadrar, proporcionando un amplio
disfrute cualquiera sea la edad del lector.
A continuación, una entrevistas que realizada a Jan en
este año, donde relata sus inicios, y sus preferencias
artísticas entre otras cosas.
EH: Repasando su historia, no podemos dejar de
Entrevista a Jan repasar su trabajo, con personajes como Sicodelic
Hood, los Hermanos Rengifo o Lucas el Maldito.
EH:¿Cuales fueron sus pri- Como fue la creación de estos personajes, y si le
meras lecturas de pequeño, gustaría retomar alguno de ellos.
historietas, libros, revistas En primer lugar Sicodelic Hood no lo cree yo, simple-
etc.? mente era un personaje de la película de Francisco
Bastante escasas y norma- Macián, “El Mago de los Sueños”. A mi me pidieron que
les, era la postguerra y mi lo dibujará en cómic para la revista Gaceta Junior que
familia pasaba bastantes había comprado los derechos. El resto sí fue creación
penurias como para com- mía y cada uno tiene un estilo de dibujo más o menos
prar tebeos o libros, pero diferente, pero no los retomaría sencillamente porque
algo pude hojear entre los nunca miro para atrás... Son parte de épocas pasadas.
más comunes... A los doce EH:¿Que autor elegiría para que escriba una historia
años mi padre me regalo de Superlopez, de lengua Hispana o no?
una edición resumida del Lo haría yo mismo, pero no veo Superlópez como novela
libro de Don Quijote de la escrita. No creo que valga la pena...
Mancha y desde entonces EH:¿Con que estilo trabaja más cómodo?
fue para mí una lectura Con las historias de 62 ó 48 páginas divididas, con
fundamental... Llegue a saberme párrafos enteros de
memoria.
EH:¿Influyo esto en la elección de su carrera?
Naturalmente que no, lo que yo aspiraba a hacer inicial-
mente no eran los cómics sino dibujos animados y me
gustaban sobre todo los cortos de la U.P.A. Correcami-
nos, mister Magoo, etc... Pero no tuve éxito debido a mi
sordera, que me dificultaba dirigir equipos humanos. Tal
vez por eso me decante al cómic ya que podía hacerlo
solo.
EH:¿Cuales han sido sus mayores influencias a la
hora de encarar su trabajo frente al tablero?
Mis inicios fueron en los estudios Macián de Barcelona
y trabajábamos en animación para spots de publicidad.
Para cada spot teníamos que un estilo diferente, eso
es lo que me marco más ya que me hizo versátil. Si
actualmente llevo años con el mismo estilo de dibujo se
debe sólo a que el Superlópez sigue siendo un elemento
solicitado y no puedo cambiarlo.
65
 viñetas grandes a color, encarar un nuevo proyecto, distinto a
similar al modelo franco- Superlópez?
belga o al modelo Ameri- ¿Temas...? Precisamente busco siempre
cano de Superhéroes. un tema a tratar en cada una de las his-
No veo las historias de torias de Superlópez... Sucede que a mi
Superlópez de una for- el personaje me es indiferente. Lo que me
ma tan cerrada, no sigo importa es la historia a contar con él y al
modelos determinados y conseguir que un personaje pegue y guste
de hecho he usado va- al público consigo que compren y lean mis
rios formatos diferentes historias. Me costo mucho competir con
porque no quiero abu- los populares del momento: Mortadelo y
rrirme; me gusta variar y Filemón, ZIPI Zape, etc. y el mismo Super-
experimentar... Supongo man naturalmente. Esta respuesta también
que las historietas que hice con 62 páginas quedaban complementa la pregunta anterior.
más interesantes ya que daba más juego argumental y EH¿Cuanto tiempo tarda para realizar un
las actuales de 48 me lo limitan bastante, pero es una álbum completo, entintado y a color?
exigencia comercial de la editorial y la comprendo, yo Entre escribirme el guión, documentarme y
también sé hacer números... realizarlo completo pueden ser cuatro me-
EH:¿Cree que las historias de Pulgarcito, podrían ses, poco más...
ser continuadas por algún otro autor que no sea EH: El reconocimiento de los críticos y
usted? los lectores, es muy importante para el
Ya lo intentó uno artista. ¿Esto lo llevo a disfrutar aun más
y fue un desastre, de su trabajo, o siente que aun puede sor-
pero acabe pegándolos en las cartas, to-
duro tres páginas, prendernos con algo más?
davía tengo tres telescopios reflectores, dos sin estre-
y no me extraña De los lectores y los críticos me interesa el efecto que
nar... tal vez caminar por la montaña...
nada. Tengo un estilo mi trabajo les produce, no su aprobación o rechazo...
EH:¿Que esta leyendo actualmente, y que recomen-
demasiado personal Sé que nunca llueve a gusto de todos y es muy difícil
daría a los lectores?
y el tipo de histo- sorprender pero es verdad que hay que intentarlo. O
Mis lecturas son muy variadas, pero bastante anár-
rias que desarrollo mantengo el interés o plego. En resumen es parte del
quicas ya que puedo estar leyendo una novela y de-
tiene un fondo que trabajo y disfrutar, disfruto cuando he terminado... ¡Un
jarla por otra más en relación con el tema que estoy
si no se capta bien trabajo, aunque te guste, siempre es un trabajo...! y
trabajando en Superlópez... y la verdad que me gusta
no puedes hacerlo cansa que no veas...
leer, pero reconozco que estoy un poco fuera de onda
igual... Tampoco sé EH: Además de las historietas, ¿cuales son las
actualmente. Recomendar lecturas es difícil sin saber
porque habría de otras actividades favoritas que realiza Jan cuando
a quién, qué edades ni que cultura... Prefiero recomen-
permitir eso. tiene tiempo libre?
dar en general sencillamente que lean libros, buenos
EH:¿Que temas ele- Empezar otra... Bueno, antes tenía hobbies... La mi-
libros... y toda su vida.EH
giría si tuviera que croscopia, la fotografía, en una época coleccione sellos

66
 El papá de Henga y otras aventuras prehistóricas
Por Carlos Martinez

En 1974 al presentar el primer episodio de “Henga” la legendario” y en su episodio inicial el protagonista des-
revista Skorpio destacaba el interés de Juan Zanotto cubría el cuerpo de un hombre de características físicas
(1935-2005) por el tema del hombre diferentes de la suyas (tal como suce-
Brigitte entre dinosaurios
prehistórico, y del trabajo dió en realidad entre el Neanderthal,
Y ya que estamos con la Edad de Piedra y la historie-
de creación en conjunto el Cro-Magnon y el Sapiens Sapiens)
ta, aprovechemos la ocasión para hablar de un trabajo
con el guionista Eugenio y junto a él unos signos marcados
referido también a esa época realizado por un dibujante
Zapiettro (“Diego Na- en el suelo. Guiado por esas señales
menos conocido que Zanotto pero de indudables valores:
varro” en esa ocasión) encuentra el poblado de donde era
José María Clemen , o José Clemen a secas ó Joe Cle-
para el desarrollo de la originario el muerto y luego de diver-
men, también guionista de trabajos para sus hermanos
serie. A “Henga” como es sas peripecias encuentra al desapa-
Juan y Carlos, este último uno de los iniciadores de la
sabido le seguirían per- recido jefe del clan, quien había sido
historieta de aventuras en nuestro país.
sonajes similares como víctima del complot de un rival. Salvo
El trabajo de José Clemen se titula “Bi-Bi” y exige una
“Hor” y “Tagh” amén de la firma de Zanotto no hay mención
aclaración previa. A mediados de los años cincuenta el
otras series posteriores de dibujante ni guionista, pero puede
cine francés lanzó a la fama a una actriz que rápidamen-
que se desarrollaban en presumirse que el guión o la idea
te se convirtió en uno de los símbolos sexuales de la
los lejanos tiempos de la original le pertenecían.
época y desató los consiguientes escándalos con pelícu-
Edad de Piedra o por el Por supuesto que en la época en
las como “Y Dios creo a la mujer”. Esa actriz era Brigitte
contrario en un futuro en el que dibujó esta historieta Zanotto
Bardot (o BB) y su descubridor y luego esposo fue el
cual por diversas causas todavía estaba lejos de alcanzar el
director Roger Vadim, pareja que en algún momento se
(cataclismos, guerras, etc.) nivel técnico de los comienzos de
convirtió en triángulo con la irrupción de un actor llamado
la Humanidad había sufrido “Henga” y posteriores; la mujer que
Jaques Charrier.
una regresión que la obliga- acompaña al protagonista en sus
Precisamente lo que hace José Clemen es tomar este
ba a afrontar circunstancias andanzas está lejos de las curvas
trío amoroso y ubicarlo en la Prehistoria, desarrollando
y condiciones similares a de Bárbara o similares (claro que
un relato en el cual los dos hombres deben ganar el amor
las del hombre de las caver- tampoco en aquellos años cincuen-
de Bi-Bi (cuyo rostro es obviamente el de la Bardot) al-
nas. ta se hubieran permitido dema-
canzando la cima de una alta y peligrosa montaña, desa-
Que la afición de Zanotto siadas audacias), pero de todas
fío que termina con la muerte de ambos rivales. La his-
por estos temas venía de formas la manera en que resuelve
torieta se publicó en la revista Puño Fuerte en 1961 y es
lejos lo prueba una historieta elementos del agreste paisaje en
una muestra de la calidad de Clemen, quien en el citado
suya publicada hacia 1957 ó que se ambienta la historia tales
trabajo desarrolla un minucioso trabajo a pincel.
1958 en la revista Aventuras del Oeste, como volcanes en erupción, altos farallones de roca ó
Digamos para completar su semblanza que José Cle-
en la cual por la misma época hizo “El mundo del hom- río turbulentos muestran ya el enorme potencial de aquel
men inició su carrera muy joven a inicios de los cuarenta,
bre rojo”. La historieta en cuestión se titulaba “Ucán el Zanotto versión 1958.
dibujó luego en Billiken, pulsó a Hamlin a idear una el apasionante proceso durante el cual el hombre fue
Ping-Pong y Poncho Ne- tira humorística ambientada imponiendo su supremacía en la Tierra, construyó sus
gro, formó parte de a Edi- en la Prehistoria, serie que primeras herramientas, descubrió el fuego o domesticó
torial Cleda (creada por gozó de gran aceptación en algunas especies animales. Eso es básicamente lo que
los Clemen) y desde fina- su momento, perduró hasta cuenta la magnífica “La guerra del fuego” del francés
les de los años cincuenta 1971 y en nuestro país se Jean Jaques Anaud, mientras que en un plano más
colaboró como dibujante publicó, entre otros medios, aventurero pueden mencionarse la reciente “10.000 AC”
y guionista en las revis- en la revista Pif- Paf con el y más atrás en el tiempo “Un millon de años antes de
tas Fuego, la citada Puño título de “El hombre de las Cristo”, que si bien es tirando a bodrio por lo menos tiene
Fuerte y posiblemente Im- cavernas”. el mérito de contar como protagonista a Raquel Welch,
pacto, de la misma edito- Inicialmente el protagonista otra “gloria” de
rial. En 1971 con guión de vivía sus aventuras en la los sesenta.
Héctor Oesterheld dibujó tierra de Moo pero luego es Volviendo a
“Rush Congo” en la revis- capturado por una “máquina la historieta,
ta TOP, un trabajo que del tiempo” y a partir de allí cuando se leen
algunas reseñas suelen aparece en distintas épocas o se repasan
atribuirle erróneamente a históricas, recurso que le estudios acerca
su hermano Carlos, quien permite al autor jugar con los de este género
había fallecido una déca- anacronismos, la parodia y el que nos apa-
da antes. No contamos contraste entre la visión de siona no faltan
con datos de su actuación ese hombre primitivo y socie- en algunos de
posterior en la historieta dades más desarrolladas, un ellos referen-
pero sí sabemos que en recurso que años más tarde cias que seña-
1994 todavía estaba activo realizado ilustraciones para utilizarían Hanna y Barbera en “Los Picapiedras”. lan a las pintu-
manuales didácticos. Ya entrando en el terreno de la aventura seria y siempre ras rupestres
en Estados Unidos, hubo también varias historietas que de Altamira y
se desarrollan en la Prehistoria, tales los casos de un otras similares
Los tiempo de Alley Oop personaje de la Dell Comics llamado “Naza, el guerrero como lejanos
de la Edad de Piedra”, de “Cave Girl” y de “Cave (caver- antecedentes
No estaría de más para completar estas breves referen-
na) Carson”, este último dibujado entre otros por Bruno de los actuales
cias sobre dos historietas argentinas ambientadas en
Premian en los años sesenta. En realidad solamente la cuadritos. Más
los comienzos de la Humanidad que refrescar algunos
primera transcurría en esa Edad histórica mientras que allá de lo que
antecedentes al respecto que pueden encontrarse en el
las dos restantes apelaban al recurso (muy habitual por pueda opinarse
comic y el cine yanqui. Entre esos antecedentes le co-
otra parte) de hacer la transcurrir la acción en el presente al respecto lo cierto es que de todas formas los tiempos
rresponde un lugar de privilegio a “Alley Oop”, creado en
pero en lugares remotos donde por razones no explica- prehistóricos han sabido ganarse un lugarcito en el mun-
1933 por el dibujante Vincent Hamlin. Su interés por la
das habían persistido la fauna, la flora e incluso grupos do de la historieta. EH
Paleontología -despertado en él cuando trabajaba como
humanos pretéritos.
bocetista para una compañía petrolera de Texas-, im-
El cine también se ha interesado en la Prehistoria y en
bocadillos
Superman: Secret Origin
Dc comics publica una una nueva miniserie contando el origen de Superman
y parece que pasara a la historia como lo hizo la version de Jhon Byrne en los
años 80, en aquella oportunidad el origen de Clark estaba mas cerca de las
peliculas de Richard Donner y la actual serie Smalville. Pero con los cambios
de continuidad que metio en los ultimos años la editorial en sus personajes,
era necesario un nuevo recuento para el hombre de acero. Y por suerte lo
hara el guionista del momento : Geoff Johns con el dibujante Gary Frank. Por
las imágenes se pueden deducir algunas cosas importantes.

Todo suma
Dos obras fundamentales para entender la historia del comic americano y
su influencia alrededor del mundo.
Se tratan de dos formatos diferentes con un mismo nombre: Will Eisner. Por
un lado tenemos el libro Shop Talk, entrevistas a grandes maestros de la
industria que Eisner hace en carácter de coprotanista con el invitado, y por
el otro el film realizado en el 2007, llamado Will Eisner: retrato de un artista
secuencial.
Comenzaremos con el filme, un documental que cuenta la vida de Eisner (
en realidad la historia del comic americano, digamos, que es lo mismo), des-
de su naciemiento como creador de comics, sus exitos tanto en la prensa
como en los comic books, hasta el periodo que desaparecio de la industria
( el peor momento de la misma) para trabajar en publicaciones educativas
y militares, y luego reinsertarse en el medio, ya de la mano de los comics
underground y la perspectiva analitica de los semiologos sobre el 9no. arte, todo este coctel hace que el viejo Will cierre el
circulo con la creacion definitiva de la historieta de autor: la novela grafica.
En cuanto al libro, Shop Talk, son un compilado de amenas charlas disfrazadas de entrevistas, con grandes maestros de
la talla de Jack Kirby, Neal Adams, Milton Cannif, Joe Kubert y otros , donde no solo se rememora los años dorados de los
comics, sino tambien la epoca de post segunda guerra mundial, donde el mercado no era un lugar apto para ningun profe-
sional, y que paso con estos en esa epoca: la respuesta es simple, los dibujantes se iban a trabajar en la publicidad, era el
boom de las grandes agencias y en este libro Eisner hace un gran seguimiento de exelentes dibujantes que abandonaron
los comics para hacer publicidad y tambien el caso contrario.
69
 bocadillos
YA SALIO EL NRO.1 !!!

PUBLIQUEN A SONOMAN
Este es un blog de homenaje al maestro Oswal, uno de los mejores dibujantes de argentina y del
mundo, con un manejo de la narración muy pocas veces visto en el papel, destacándose siempre
en la búsqueda y en la sensibilidad de la linea, en esa transmisión de sensaciones que termina
en la innovación.
Pero que mejor homenaje a este querido y respetado profesional que la publicacion de su obra.
Y mas si se trata de un personaje como SONOMAN, que fue deleite en las paginas de la revista REVISTA DIGITAL GRATUITA
Anteojito en los años 70.
Parece increíble que un personaje como SONOMAN, en estos años de renacimiento de la histo- REEDICION DE LA MITICA REVISTA CREA-
rieta argentina todavía no figura en lo kioscos, y ni siquiera tuvo su oportunidad en la biblioteca DA EN 1953, CON EL AGREGADO DE NUE-
de Clarín.Hoy en dia por suerte tenemos herramientas para hacernos escuchar. VAS NOTAS A LOS GRANDES MAESTROS
Por eso esta convocatoria es para los viejos y para los potenciales lectores de esta historieta, DE LA HISTORIETA ARGENTINA.
que estarán interesados en comprar esta publicacion (los números hablaran). SU DIRECTOR OSVALDO LAINO NOS RE-
Solo hay que enviar nombre y apellido y ciudad. GALA UN MATERIAL DE Colección AL
Seguramente esto llegara a manos de algún editor inteligente (que siempre está atento) para QUE POCOS DE LAS NUEVAS GENERACIO-
llevar al papel esta idea. NES PUDIERON ACCEDER .
ingresa a : BAJALA ANTES QUE SE AGOTE!!!

http://publiquenasonoman.blogspot.com/ DESDE
http://revista-dibujantes.blogspot.com/
70
bocadillos
EL LECTOR DA LA NOTA

En esta seccion que inauguramos, la informa-

cion la dara el lector, nosotros ponemos las
imágenes. En este caso se trata de la publica-
cion Adventures of Bob Hope, publicada por la
hoy Dc comics a partir de 1950.
Las respuestas elegidas formaran parte de la
nota y en ella tendran que enviar la mayor can-
tidad de informacion posible: quien es el per-
sonaje, cuanto duro la revista, quienes eran su
equipo creativo, anecdotas etc.
para esto hay que escribir a:
revistaelhistorietista@yahoo.com.ar

71
bocadillos
2°ENCUENTRO DE HISTORIETAS
CINE Y ANIMACIÓN
A BENEFICIO DEL HOGAR PRA-
DÉRE
Algo de historia: en 1986 se realizó el 1º
encuentro de historietas a beneficio del
Hogar Pradére, con una exitosa respues-
ta del público, donde asistieron artistas
historietistas de todo el país. El desarrollo
este evento fue de amplia repercusión en
todos los medios de comunicación local y
nacional.
El alumnado y sus familias tuvieron con-
tactos con artistas que les brindaron sus
conocimientos sobre el arte del dibujo, el
humor, la animación etc.
El 12 y 13 de Diciembre del 2009 pre-
sentamos PRADERE COMICON, en el
cual se realizaran talleres, charlas ex-
plicativas de cómo es el arte de dibujar
historietas y dibujos animados. Además
durante los días del evento, los artistas
dibujaran los distintos personajes que han
creado durante sus extensas carreras,
para el público en general.
Aquí algunos nombres de los artistas y
sus trabajos:
• Ricardo Villagrán: STAR TREK
,MARK, OR-GRUND, CONAN, TAR-
ZÁN, ATARI FORCE, ETC.
• José Massaroli: PATO DONALD,
MANUELITA, LOS PICAPIEDRAS,
SCOOBY DOO, LOS PITUFOS, ETC.
• Raúl Ernesto Barrero: PAN
TRISTE, HIJITUS, ALADINO, LA BE-
LLA Y LA BESTIA. ETC.
• Rubén Meriggi: CONAN, WOLF,
CRAZY JACK, HIRAS HIJO DE NI-
PPUR , DEMONIKON, ETC.
• Sergio Ibáñez: MIKILO, MARK,
NIPPUR DE LAGASH, HUMORISTA
DEL DIARIO NACIÓN.
• Horacio Lalia: NEKRODAMUS,
ADAPTACIONES DE EDGAR ALLAN
POE Y LOVECRAFT
• Enrique Villagrán: BATMAN ,SU-
PERMAN, KAYAN, NIPPUR, ETC
• Walter Gómez : WARNER COM-
PANY Y WALT DISNEY STUDIOS
• Enrique Alacatena:
BATMAN,CONAN, FLASH, ETC
Estos son algunos de los artistas que
participarán de este gran evento.
PRADERE COMICON tendrá además
otros contenidos derivados del mundo del
cine y los comics, a continuación se deta-
llan algunas de las actividades:
1. La locución y animación estará a car-
go de TUSAM, el famoso mentalista se
suma, dándonos un plus extra con su
presencia.
2. Los alumnos del colegio PRADERE
presentarán dos coreografías de inaugu-
ración y cierre.
3. La asociación de esgrima medieval AR-
BOL NEGRO, hará una demostración del
arte de la guerra en el medioevo, con las
vestimentas típicas de guerreros y don-
cellas ataviados con espadas, escudos,
hachas, cascos. Transportándonos a usa
época mágica.
4. El grupo BATMANIA, celebrando los
70 años del hombre murciélago, presen-
tará su colección de trajes y elementos
originales de la serie de tv BATMAN, algo
imperdible para fanáticos.
5. La asociación Argentina de TAEKWON-
DO Enrique Eiriz ofrecerán coreografías.
El mundo del animé (el dibujo animado
Japonés) conecta a los chicos con este
arte marcial.
6. La espectacular banda de rock progre-
sivo OJO EN EL CIELO ( Su nombre es
un tributo de la banda a ALAN PARSONS
PROJECT) nos brindará dos recitales.
7. Concurso de disfraces, se invitará al
público que participe disfrazándose de
sus personajes favoritos (es para todas
las edades). Se dividirá en diferentes eta-
pas clasificatorias.
8. Proyectaremos diferentes películas de
dibujos animados durante los dos días,
brindando una charla explicativa de los
fundamentos técnicos
9. Exposición de dibujos de los artistas
invitados al evento. Se podrá admirar
en tamaño original. Páginas de comics,
como por ejemplo: BATMAN, SUPER-
MÁN .TARZÁN, NIPPUR DE LAGASH,
CONAN EL BÁRBARO, entre otros.
10. Sortearemos premios, que serán do-
nados por los stands.
11. En las galerías del colegio se monta-
rán stands de venta de comics, muñecos,
posters, libros, pins, etc.
12. Exposición intercolegial de historietas
realizadas por alumnos de diferentes co-
legios (Pradere, Marin, Instituto Italiano,
etc.)
13. Entrega de premios a los ganadores
del concurso del logo y de historieta.
Contaremos con el funcionamiento de un
buffet para brindar al público: gaseosas
frescas, hamburguesas, panchos, empa-
nadas, tortas, café, etc.
• Fecha: Sábado 12 y Domingo 13 de
Diciembre.
• Horario: 11 a 20 hs
Valor de la entrada: $5 y $8 el abono de
dos días
El evento es en Libertador 2895 Victoria,
San Fernando, Pcia. de Bs. As.
ARGENTINA.
Si alguien está interesado en reservar
stand comunicarse a:
praderecomicon@ gmail.com
TEL :4744-0925
72
IMPERDIBLE

73
o.1 S P I R O U YB D

P E Z Y JAN SECCION CORREO

ERLO ESCRIBINOS A EL HISTORIETISTA

revistaelhistorietista@yahoo.com.ar

C H ME N
W A T

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