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visualiza con otras versiones dicho
contenido puede variar
bloque 3

Composición de la
imagen:encuadres y
formatos
Has pensado,¿cuántas
formas puede tener una
pintura?
casi siempre son
rectangulares
aunque también las
hay cuadradas,
redondas...
 e incluso
irregulares.
En este bloque aprenderemos
cómo influye el formato
sobre la composición de
una imagen.
Pero,¿qué es el
formato?
Formato = la forma del
espacio en que está
plasmada una imagen;
Formato = al tamaño
absoluto o real de la
imagen.
 Las primeras
imágenes fueron
pintadas en cuevas,
o sobre muros de
palacios,
tumbas, templos,
etc.
 Así, la forma de
estas imágenes se
adaptaba al lugar
donde eran pintadas.
 Más tarde, las
pinturas formaron
parte de retablos y
altares
Y, finalmente, se hicieron
en soportes independientes
a fin de transportarlas y
poder colocarlas en
cualquier sitio.
¿Qué funciones tiene el
formato?
•Separa a la imagen de lo
que le rodea, es decir, la
“encuadra”.
• Permite controlar la
composición.
A continuación haremos un
recorrido al
interior de varias
pinturas,para ver qué
sucede en su
interior.
 rectángulos
horizontal
es
Cuando se realiza una imagen
de formato rectangular hay
que tener en cuenta dos
aspectos:

• Su orientación
• Sus proporciones
Por orientación se
entiende si el lado más largo
del rectángulo está colocado
en el sentido
horizontal o
vertical.
Ambas orientaciones tienen
efectos muy distintos sobre
la manera en que vemos una
imagen.

Analicemos algunos ejemplos.

 Francisco de Goya
(español), La maja
vestida, 1800-05
óleo sobre tela, 95
x 188 cm, Museo del
Prado, Madrid.

La maja vestida
GOYA es considerado hoy en día como un artista innovador, cuyo personal estilo
influenció a varios pintores posteriores. Este retrato es uno de los más célebres y
misteriosos de toda su producción, y asimismo, uno de los más originales.
El formato de la pintura está formado por dos cuadrados unidos, no obstante, vemos
que la composición es asimétrica, pues el peso visual está cargado en el extremo
derecho, mientras que el vacío de la izquierda lo compensa y equilibra.
El cuerpo de la modelo impone un sentido diagonal a la mirada, que después de
recorrer la anatomía queda fijada en el rostro enmarcado por los brazos,
dispuestos en forma de triángulo.
 Edgar Degas
(francés), La
clase de danza,
hacia 1879, óleo
sobre tela,
Galería Nacional
de Arte,
Washington.

La clase de danza DEGAS fue un admirador de las jóvenes bailarinas del Ballet de la Ópera de París, a
quienes pintó en cientos de obras, ya fuera mientras ensayaban o bien arriba del
escenario. En la clase de danza capta tres momentos de la actividad que se vive al
interior del salón. A la izquierda, en primer plano, una joven reposa extenuada sobre
el piso, al centro, dos bailarinas conversan, y al fondo, el resto de la compañía ensaya
algunos movimientos.

A su vez, estos tres momentos conforman un ritmo visual de figuras y espacios vacíos vistos en perspectiva. Desde el ángulo
inferior izquierdo, vemos cómo asciende una línea diagonal hasta el extremo superior derecho. Esto contribuye a generar la ilusión
de profundidad espacial, la cual es aún más patente por la disminución de la escala o del tamaño aparente de las bailarinas.
 Paul Gauguin (francés),
¿De dónde venimos? ¿Qué
somos? ¿A dónde vamos?,
1897-99, óleo sobre
tela, 139.1 x 374.6 cm,
Museo de Bellas Artes,
Boston.

¿De dónde venimos?

¿Qué somos? ¿A donde
vamos? GAUGUIN concibió este lienzo como un largo fresco cuya lectura va de derecha a
izquierda. En éste se distribuyen 12 figuras situadas en distintos planos. Se inicia con
el niño dormido junto a un grupo de mujeres “que se dejan llevar por la alegría de
vivir”, y concluye al otro extremo con la anciana que llora “cerca de la muerte”. En el
centro, la figura de un joven se extiende a todo lo largo para tomar un fruto del árbol
del conocimiento. A su lado, dos figuras representan a los infelices que no pueden
evitar pensar en lo misterios de la vida, mientras que a la izquierda, el “Más Allá” está
representado en la forma de un ídolo azul.

El artista consideraba a esta pintura su obra maestra y la suma de su pensamiento, por lo que está llena de simbolismos y alusiones
metafísicas. La escena se localiza en la isla de Tahití, donde llegó en 1891 en busca de una sociedad más simple y elemental que la
de Francia, y a la que retrató innumerables veces.
 La ofrenda
HERRÁN se inspiró en la tradicional
celebración de muertos para realizar este
cuadro, quizás el más importante de toda su
producción pictórica, que se caracteriza por
su dibujo refinado y elaboradas
composiciones. En el primer plano de esta
imagen observamos a una familia
campesina que lleva flores a bordo de su
trajinera en el lago de Xochimilco.
Los seis personajes superpuestos forman un
Saturnino Herrán
conjunto compacto y estático; en el cual
(mexicano), La
ofrenda, 1913, están representadas las edades de la vida,
óleo sobre tela,
182 x 210 cm, un tema que era afín a la sensibilidad
Museo Nacional de
Arte, estética de finales del siglo XIX e inicios
INBA/CONACULTA,
México D.F. del XX en México.

La triste expresividad de los rostros y posturas dan a la obra un carácter solemne. La vista sesgada en diagonal deja ver al fondo
el resto de la procesión que se pierde en el horizonte, donde también se divisa el cerro de La Estrella. Llama la atención el
abrupto cierre del encuadre sobre la escena central, que satura el espacio pictórico al punto de quedar encerrada, dejándose al
espectador la tarea de completar imaginariamente las figuras más allá de los márgenes.
 Edward Hopper
(norteamericano,
Noctámbulos,
1942, óleo sobre
tela, 84.1 x
152.4 cm,
Instituto de
Arte de Chicago.

Noctámbulos
HOPPER recreó en sus pinturas la vida citadina y rural de los Estados Unidos de América
con una visión que podríamos calificar de realista y poética. Casi siempre, el protagonista
de sus obras es el ciudadano común, cuya imagen es atrapada mientras lee, trabaja,
platica o toma café.
En este cuadro el espectador se hace parte de la imagen al observar desde afuera, como si se
tratase de un transeúnte, lo que ocurre al interior de un restaurante nocturno situado en la
confluencia de dos calles de Nueva York. La gran vidriera del lugar hace las veces de un
escaparate en el que quedan expuestos los clientes y el camarero.

Hopper cuidaba mucho los detalles, iluminación y composición de cada una de sus obras. En ésta vemos cómo han sido dibujados
hasta los pequeños saleros que están sobre la barra, e igualmente cómo se transparenta hacia el exterior la luz neón del restaurante.
Asimismo, la distribución de cada elemento representado ha sido proyectada auxiliándose en la sección áurea.
 Ben Nicholson
(inglés), Sirius
March, 1964, óleo
sobre tela, 109.5
x 221 cm, Museo
de Arte Moderno,
Teherán.

Sirius March
NICHOLSON desarrolló en su madurez artística un estilo caracterizado por el uso de
formas geométricas puras, pocos colores aplicados en una gama amplia de tonalidades y
por cierto lirismo, expresado a través de composiciones equilibradas y armónicas.
Lo anterior se constata en esta obra concebida como un friso, en la que establece una tensión
formal entre figuras cuadrangulares y círculos que se superponen unas con otras.

El artista decía que “cada movimiento de la vida humana se ve afectado por la forma y el color; (...) de manera que
cuando un artista puede utilizar estos elementos libre y creativamente, puede convertirse en una influencia
tremendamente potente en nuestras vidas”.
rectá
ngulo
s
ver
tic
ale
s
 Cantando y
bailando en
primavera MA YUAN realizó este paisaje en un rollo vertical
de papel y en él despliega varias cualidades del arte
pictórico chino: equilibrio entre lleno y vacío,
dominio en el manejo del pincel y la tinta,
localización de varios puntos de vista, pero sobre
todo, la búsqueda de la consonancia a través de la
repetición.
Así, vemos cómo las montañas, rocas, árboles,
templos y personas, se unifican visualmente por
medio de delicados ritmos de líneas y manchas,lo
cual se lograba gracias a una cuidadosa
observación de lo similar en lo diferente.

La pintura china antigua estuvo normada por principios filosóficos y artísticos

muy distintos de los occidentales. La tradición del paisaje se remonta a la
dinastía Tang (618- 907) y en ésta se observan cambios sutiles, ya que no se le
consideraba un arte inventivo, sino más bien interpretativo y expresivo.
Uno de dichos principios de composición se denomina sze o “pensamiento”, el
cual implicaba penetrar mentalmente en la estructura de una escena para poder
Ma Yuan (chino), representarla. Asimismo, se buscaba captar el impulso vital de las cosas, o ch’i,
Cantando y
bailando en bajo una visión armoniosa.
primavera, siglo
XIII, tinta sobre
papel, 193 x 111
cm, Museo del
Palacio de Pekín.
 El rapto de
Ganímedes CORREGGIO representó en esta pintura el momento en
que Ganímedes es sorprendido por Zeus en forma de
águila, mientras su perro ladra la partida del amo. El
formato estrecho y alargado fue bien aprovechado por el
artista para transmitirnos una sensación de amplitud y
espacialidad extraordinaria.
El ángulo en contrapicada nos permite divisar desde arriba
el escarpado horizonte, mientras que en la parte superior
del lienzo, el escorzo genera la ilusión de movimiento y
ligereza.

En la mitología griega, Ganímedes era un joven de la estirpe real de Troya, a quien

algunos consideraban el más hermoso de los mortales. Un día, mientras cuidaba los
rebaños de su padre, apareció Zeus en la forma de una enorme águila que lo atrapó
para llevarlo al Olimpo, hogar de los dioses.
Antonio Allegri,
Correggio,
(italiano), El
rapto de Ganímedes,
1530, óleo sobre
tela, 163.5 x 74
cm, Museo de
Historia del Arte,
Viena.
 Viajero mirando
por encima de la
niebla FRIEDRICH intentó simbolizar en esta pintura el
anhelo del hombre por alcanzar la vida eterna y la
semejanza con Dios.
Ello explica que el pintor le haya dado una fuerza
visual inusitada, basada en una composición
depurada. En el centro de la pintura vemos a un
hombre de espaldas que ha alcanzado la cima de
una montaña, desde la que domina el paisaje
matinal, con sus espesos bancos de niebla.
En su figura convergen todas las líneas diagonales
de la obra, resaltando al hombre que ha logrado
llegar a la meta última de su vida. Frente a él se
levanta la gran figura cónica de otra montaña, a la
cual observa.
Caspar David
Friederich
(alemán), Viajero
mirando por encima Podemos notar cómo la forma de ésta última es anticipada por el contorno de los
de la niebla, 1818,
óleo sobre tela, hombros del viajero, mientras que las demás rocas vistas a contraluz guardan
94.8 x 74.8 cm,
Kunsthalle, semejanza con su abrigo. Asimismo, su cabeza recuerda la forma de la extraña roca
Hamburgo.
que surge a su derecha.
 Retrato de
Adolfo Best
Maugard RIVERA pintó este retrato de su colega y amigo en
el balcón de su estudio en Mont- parnasse, París. La
alargada figura, vista de tres cuartos, está
ligeramente descentrada, lo que nos permite ver al
fondo la estación de trenes y la gran noria construida
para celebrar la Exposición Universal de 1900. De
hecho, la rueda pareciera tener como eje la mano del
modelo, mientras que su forma curvada es emulada
por el vapor que despide la locomotora.
El juego de planos, estructuras geométricas y
direcciones, sugeridas por los contornos bien
definidos del barandal, el tren y el abrigo, así como
la pincelada fragmentada, revelan la influencia
cubista, no obstante Rivera ha conservado en esta
obra la perspectiva y un dibujo realista.

Diego Rivera
(mexicano), Retrato
de Adolfo Best
Maugard, 1913, óleo
sobre tela, 227 x Rivera formó parte de una comunidad de artistas jóvenes y vanguardistas como
162 cm, Museo
Nacional de Arte, Picasso,Delaunay y Mondrian, que hacia 1912 experimentaban con el cubismo. En
CONACULTA/INBA,
México D.F. esta misma época otro pintor mexicano, Adolfo Best Maugard se instala también en
el barrio artístico de la ciudad y, al poco tiempo, Rivera le dedica este gran retrato de
elegante composición.
 Barco de pescadores

PECHSTEIN fue uno de los miembros del grupo

de artistas alemanes Die Brûke. Su obra es
figurativa, aunque no académica, y muestra la
influencia de pintores franceses como Matisse y
Gauguin.
En 1913 el pintor visitó las islas Palau, situadas en
el Pacífico, donde pintó esta escena poco realista
de los pescadores. Destaca el uso de fuertes
diagonales que forman un ritmo ascendente, lo que
otorga gran movimiento y vivacidad a esta imagen.
Además, observamos el aprovechamiento de la
distorsión como medio de representación.

En 1905 se formó Die Brücke ( El Puente) en la ciudad de Dresde,

Alemania, el cual tuvo una influencia fundamental en el desarrollo del
expresionismo alemán. A él pertenecieron varios pintores jóvenes, algunos
autodidactas, quienes pensaban que el arte debía reflejar de manera directa el
impulso creador y expresar de forma honesta los ideales de una nueva
Max Pechstein
(alemán), Barco de sociedad.
pescadores, 1913,
óleo sobre tela,
190 x 96 cm, Museo
Brücke, Berlín.
 Jack-en-el-
Púlpito
O`KEEFFE recreó una y otra vez el tema de la
naturaleza: el paisaje de Nuevo México,
esqueletos de animales y sobre todo flores, casi
siempre vistas desde su interior o en grandes
acercamientos.
En 1930 pintó una serie de seis lienzos donde
representa una flor característica de
Norteamérica llamada popularmente Gato-en-el-
púlpito. Esta es la cuarta versión de dicha serie,
una abstracción de colores y formas que se
generan en el interior de la planta.
Al centro, el pistilo consiste en un aura que se
levanta sobre un fondo negro, gris y púrpura.
Arriba, los pétalos y hojas de la flor se revelan a
través de tonalidades iridiscentes de verde.

Georgia O’Keeffe
(norteamericana),
Jack-en-el-Púlpito
IV, 1930 óleo
sobre tela, 101.6 Los contornos y colores son la base compositiva de esta pintura, en la que O’Keeffe
x 76.2 cm, Galería
Nacional de Arte, manifiesta su idea de la inmanencia de la naturaleza revelada a través del
Washington.
refinamiento de la forma
cuad
rado
s
Elcuadrado es una
estable
figura , debido
a que la longitud de su
base altura
y son
idénticas .
 Asimismo, cuando se divide un
formato cuadrado a través de una
línea diagonal , se establece
simetría.
su eje de
 El prestamista
y su mujer
METSYS retrató en esta obra a un
prestamista de la ciudad de Amberes, que
en ese momento era la más rica de
Europa, pesando cuidadosamente su oro y
joyas. Junto a él está su esposa, quien
voltea la mirada a la vez que se distrae de
la lectura de un libro de oraciones.
El soporte, formado por dos tablas unidas,
sirvió al artista para realizar un
composición simétrica, a la que le
imprimió cierto dinamismo al inscribir a
los personajes dentro de un triángulo.
La balanza, las perlas, el espejo y la fruta,
son tan sólo algunos de los varios
símbolos de esta pintura.
Quentin Metsys
(flamenco), El
prestamista y su
mujer, 1514, óleo
sobre tabla, 71 x
68 cm, Museo del A mediados del siglo XV era común que los pintores del norte de Europa retrataran escenas de la
Louvre, París.
vida cotidiana en las cuales mostraban los vicios del ser humano a través de múltiples
simbolismos.
 Olas
OGATA KORIN desarrolló un estilo
pictórico muy personal,
caracterizado por su idealización de
la naturaleza y por el alejamiento del
realismo que habían seguido sus
predecesores.
En esta imagen, se observa más que una
representación fiel de las olas del
mar, la idea que de ellas tiene el
pintor. Divididas en dos amplios
planos, se trasponen una serie de
líneas, que a su vez, configuran
ritmos expansivos. La estilización
del dibujo da gran dinamismo a las
olas, e incluso un sentido
amenazante.
Ogata Kōrin (japonés),
Olas, Periodo Edo
1658-1716, Biombo de
dos hojas,hoja de oro,
tinta y color sobre
papel, 147 x 165.4 cm, Los biombos se cuentan entre las creaciones más refinadas del arte japonés. Su doble
Museo Metropolitano de
Arte, Nueva York. función, ornamental y como delimitadores de espacios, los hicieron muy apreciados entre
la elite del Japón imperial.
 Finca con
abedules
KLIMT realizó en su juventud esta
pintura poco común, que a primera vista
se confunde con una fotografía
desenfocada.
En el formato cuadrado domina un manto
de hierba jaspeado por pequeñas flores
silvestres, el cual termina muy arriba,
sobre la línea del horizonte. A ambos
lados, irrumpen como líneas los delgados
troncos de cuatro árboles situados a
diferentes distancias y en perfecto
equilibrio visual.
La pincelada “impresionista” y el cierre
del campo visual que sólo nos permite
ver fragmentos, ayudan a crear un efecto
difuso y una atmósfera de serenidad.
Gustav Klimt
(austriaco), Finca
con abedules,
1900, óleo sobre
tela, 80 x 80 cm,
Galería Austriaca,
Viena.
Así, esta imagen revela más una visión interior de la naturaleza que su representación
fiel.
 Niña enferma
MUNCH utilizó poco el formato cuadrado, el
cual organiza en esta composición a partir de
una diagonal ascendente que separa el
cuerpo de la niña del de su madre.
Vemos a una joven de perfil apoyada sobre
una gran almohada blanca, que observa
impasible a su madre. Las manos cerradas
de la mujer, situadas en el centro mismo de
la imagen, muestran su desesperación; y
junto a la pincelada nerviosa, dan un aire
pesimista a la imagen. La escena se sitúa en
la esquina de una habitación cuya estrechez
está dada por la cómoda y la mesa que
flanquean a los personajes.

Edvard Munch
(noruego), Niña
enferma, 1907, óleo
sobre tela, 118,7 x
121 cm, Galería
Tate, Londres.
El pintor expresó en esta obra la experiencia de la enfermedad, después de que su
hermana muriera de tuberculosis a los quince años de edad.
 Pies prensando
la uva
GONTCHAROVA ideó en 1911 un gran
políptico integrado por nueve pinturas,
destellantes en colorido y alegría; de formas
simples y atrevidas. La paleta de colores que
utilizó para realizarlo incluyó violeta,
amarillo, ultramarino y bermellón de
vibrantes tonalidades, con acentos de color
blanco.
Aquí nos muestra un interesante
acercamiento de la vista que tendríamos
desde atrás del proceso de extracción del
mosto. Una serie de líneas curvas y
contornos sólidos dan a la imagen gran
movimiento, no obstante que las figuras y el
color son planos.

Natalia Gontcharova
(rusa), Pies prensando
la uva, 1911, óleo
sobre tela, 99.5 x
92.5 cm, Centro
Georges Pompidou, El título del políptico es Cosecha y está inspirado en las tradiciones populares rusas y
París.
en la pintura de iconos. No obstante, cada pintura que lo integra fue concebida como
una obra en sí misma.
 Naturaleza
muerta
TAMAYO era aún un pintor joven
cuando realizó, entre los 20 y 30 del
siglo pasado, varias naturalezas muertas
caracterizadas por una paleta de colores
sobria.
En esta obra reúne una serie de objetos:
una cabeza de maniquí, una bocina, dos
huevos y una tela, y los acomoda muy
juntos y en distintas direcciones, de tal
manera que formen un conjunto
compacto y estático, que sigue el
perímetro del formato
Blanco, grises y ocres aplicados con una
pincelada gruesa acentúan la solidez de
los objetos, lo que da gran plasticidad al
Rufino Tamayo conjunto.
(mexicano), Naturaleza
muerta, 1930, óleo
sobre tela, 125,7 x
123,2 cm, Galería
Enrique Guerrero,
México D.F.
La expresividad de la cabeza, con una sonrisa apenas esbozada por una línea, sugiere
una atmósfera teatral y metafórica.
círculos
Si elcentro es importante
para el cuadrado, lo es aún
círculo
más para el , ya
que todos los puntos de la
imagen son
equidistantes al
mismo.
 En diversas culturas, el
círculo se ha asociado
con la idea de
perfección y la
infinitud
 Gran Piedad
redonda
MALOUEL adaptó la disposición de las
figuras a la forma de panel de madera
que le sirvió de soporte. Así, podemos
notar cómo los personajes aparecen
sutilmente curvados hacia el centro, a
fin de enfatizar la presencia de la
Trinidad.
Asimismo, la distribución de los colores
responde a ese mismo esquema
compositivo, pues el bermellón se
localiza a los extremos de la pintura,
mientras que el azul profundo aparece
equilibrado en el sentido diagonal.
La descripción de cada uno de los rostros
da gran riqueza expresiva a la obra,
Atribuido a Jean pues en éstos se observan diferentes
Malouel (francés),
Gran Piedad redonda, emociones.
hacia 1400, tempera
sobre tabla, 64,4 cm,
Museo de Louvre,
París.

Jean Malouel realizó esta pintura para el duque de Borgoña, quien la utilizaba
como imagen devocional.
 Sagrada Familia
con Juan el
Bautista Niño
MIGUEL ÁNGEL representó en el
primer plano a María, José y Jesús
conformando un conjunto en forma de
pirámide. El ángulo de visión los hace
parecer monumentales, como si fuesen
una escultura con gran movimiento.
En segundo plano, atrás de un muro bajo,
está Juan el Bautista niño; mientras que
al fondo, observamos varios desnudos
masculinos que reposan sobre un
edificio en construcción.
Michelangelo
Buonarroti (italiano),
Sagrada familia con
Juan el Bautista niño,
hacia 1506, tempera
sobre madera, 120 cm,
Galería Uffizi,
Florencia.
Este cuadro le fue encargado al artista por uno de los matrimonios más acaudalados
de Florencia, para celebrar el bautizo de su hija. La figura y posición del Bautista
simboliza un puente entre el mundo pagano que vemos al fondo y el cristianismo.
 Cabeza de Medusa
“EL CARAVAGGIO” retomó el
mito griego de Medusa a la que
representó en el momento mismo en
que es decapitada, al tiempo que
grita horrorizada al ver su reflejo.
El realismo con que el artista
representa la expresión del rostro y
las serpientes dan a esta imagen-
objeto gran fuerza y dramatismo.
Michelangelo Merisi
“el Caravaggio”
(italiano), Cabeza
de Medusa, 1598-99,
óleo sobre madera,
60 x 55 cm, Galería
Uffizi, Florencia.
En ocasiones, la elección del formato para realizar una pintura tiene que ver más con el
tema que con cuestiones estéticas. Tal es el caso de esta imponente imagen que fue
realizada sobre un escudo de madera. Medusa era un monstruo con cabellera de
serpientes, cuya mirada tenía el poder de petrificar a cualquier ser vivo. La Gorgona fue
decapitada por el héroe Perseo, quien entregó la cabeza a Atenea, diosa de la sabiduría y la
guerra, para que la colocara en su escudo.
 Paisaje de
invierno con
patinadores
AVERCAMP pintó en este cuadro a
personas de todas las edades y condiciones
sociales que pasean sobre un canal
congelado. Algunos van en tobogán, otros
patinan e incluso hay otros que juegan.
La composición de la imagen converge en el
velero varado al centro, mientras que el
horizonte está situado justo en medio del
formato. Al dividir las imagen nos
percatamos que las figuras del frente ocupan
una cuarta parte de la circunferencia.
El color apagado del cielo y el hielo hacen
que la pintura sea casi monocromática, algo
Hendrick Avercamp
(holandés), Paisaje poco común en las obras de este artista.
de invierno con
patinadores, s.
XVII, óleo sobre
tabla, 30.5 cm,
Museo de Bellas
Artes, Budapest.

“El sordo de Kampen” - como le llamaban al pintor a causa de ser sordomudo- fue un
artista singular en su época, que se especializó en paisajes invernales pintados de forma
realista y detallada.
 Contrastes
simultáneos:
Sol y Luna
DELAUNAY realizó cerca de 22 pinturas
en las que exploró las posibilidades de
combinación simultánea del contraste de
colores. Esta fue la primera de dicha serie,
en la que ya no aparecen elementos
figurativos sino únicamente manchas de
colores moduladas.
Esta obra fue improvisada directamente sobre
el lienzo y en ella predomina una estructura
circular, generada por la yuxtaposición de
colores complementarios que dan la
sensación de movimiento.
Robert Delaunay
(francés), Contraste
simultáneo: Sol y
Luna, 1913, óleo sobre
tela, 134.5 cm, Museo
de Arte Moderno, Nueva
York.

El estilo pictórico denominado Orfismo, al que pertenece esta composición, surgió como
una derivación del cubismo, sólo a que diferencia de éste hacía del color el principal
elemento expresivo. Su nombre deriva del mito griego de Orfeo y manifiesta el deseo de
sus seguidores por dar un carácter lírico a la pintura de su época.
 El hombre en
llamas
OROZCO se inspiró en el mito de
Prometeo para crear el mural de la
cúpula del Hospicio Cabañas, punto
culminante de su obra maestra.
Enmarcado por los brazos de varios
hombres, aparece la figura del héroe que
se eleva hacia las llamas, como símbolo
de su conquista.

José Clemente Orozco

Los planos concénctricos y el escorzo de la
(mexicano), El hombre
en llamas, 1936-39,
figura dan una majestuosa sensación de
fresco, Hospicio
Cabañas, Guadalajara. profundidad y dimensión a esta
composición circular, cuyo cierre
abrupto, distorsiona y fragmenta el
primer plano.
óvalos
 oval
El formato permite
hacer composiciones más
libres , ya que sus
extremos se
estrechan en los
márgenes.
 Escena
pastoril
BOUCHER recreó en esta elegante
escena a una pareja de campesinos
jóvenes que, absortos el uno en el otro,
entrelazan sus brazos para beber vino.
El género pastoril al que pertenece esta
obra llegó a ser muy popular, debido a
que se inspiraba en el ideal de una vida
sencilla, de feliz contacto con la
naturaleza, en contraposición a la
artificialidad de la vida cortesana. Este
cuadro tuvo una finalidad decorativa, lo
que le permitió al artista jugar libremente
con la forma y la composición de la
misma.
François Boucher
(francés), Escena
pastoral, principios de
1730, óleo sobre tela,61
Este tipo de formato ovalado, también
x 75 cm, Museo del
Hermitage, San
llamado tondo ovato, se obtiene trazando
Petesburgo.
dos círculos entrelazados a partir de su
centro.

El estilo rococó floreció en las cortes europeas del siglo XVIII y se caracteriza por el
abigarramiento de sus formas y el carácter teatral y fantasioso de sus composiciones. Uno de los
pintores preferidos de esta época fue Boucher.
 El triunfo
de Céfiro y
Flora
TIEPOLO ejecutó esta obra como parte de
la decoración de un techo, de ahí que la
composición ovalada fuese concebida
para apreciarse desde abajo.
En ella hace un fastuoso despliegue de
técnica pictórica, presente en la vista en
perspectiva, en el modelado de los
cuerpos y el brillante colorido, así como
en el dinamismo de la composición en
diagonal ascendente.
La imagen hace una alegoría de la
Primavera como la unión de Céfiro, dios
de los vientos primaverales, y de Flora,
diosa de los capullos, mientras viajan en
una nube.
Giovanni Battista
Tiepolo (italiano), El
triunfo de Céfiro y
Flora, 1734-35, óleo,
sobre tela, 395 x 225
cm, Museo del Los dioses van acompañados de querubines, mientras que en el extremo inferior se ve a
Settecento Veneziano,
Ca’Rezzonico, Venecia. Cupido, dios del amor, que les muestra el camino.
 Robert Delaunay
(francés), Ventanas
abiertas
simultáneamente,
primera parte, tercer
motivo,1912, óleo
sobre tela, 57 x 123
cm, Colección Peggy
Guggenheim, Venecia.

Ventanas abiertas
simultáneamente,
primera parte,
tercer motivo.
DELAUNAY pensaba que la abstracción era el medio ideal para expresar la realidad.
En esta pintura de un formato inusualmente elíptico, se propuso experimentar con la
transparencia de la luz y los colores. No hay un motivo concreto que representar sino
únicamente fragmentos de colores, que pare el artista constituye una razón en sí
misma de la pintura.
La organización del color es compleja y armoniosa. Vemos cómo se establece un juego
entre matices y tonalidades con el fin de aparentar diferentes planos y profundidad.
El ojo se mueve de manera continua de una forma a otra, estableciendo ritmos
infinitamente variados.
 Instrumentos
musicales
PICASSO sugiere en esta naturaleza
muerta las formas de un violín, una
guitarra, una mandolina, un metrónomo,
así como unas partituras y un papel tapiz.
En apariencia, las formas semejan estar
pegadas unas sobre otras, algo que no es
casual dado que en ese entonces el artista
también realizó varias obras utilizando la
técnica del collage.

Pablo Picasso (español),

Instrumentos musicales,
1912, óleo, yeso y
aserrín sobre lienzo, 90
x 80 cm, Museo del Picasso comenzó a experimentar con una nueva vertiente del cubismo a partir de 1912, en
Hermitage, San
Petesburgo. la cual los objetos ya no eran representados con volumen, sino sólo a través de líneas y
planos de color superpuestos. A esta segunda fase se le conoce como cubismo sintético,
que a diferencia del cubismo analítico es más decorativo y abstracto.
 Al interior
de la vista
ERNST pintó figuras de pájaros en muchas de
su obras surrealistas. Hacia 1928 inició una
serie de obras donde aparecen extrañas
figuras de aves y embriones cuyos cuerpos
transparentes se entrelazan.
El significado de esta imagen puede remitir al
dilema del huevo y la gallina, ya que los
contornos de las aves se encuentran
contenidos en un huevo, mientras que otras
parecieran engullirlo.
El artista aprovechó bien el color para
establecer una ambigüedad entre la forma y
el fondo, tanto al interior del ovoide como
en su exterior, ya que el fondo verde actúa
Max Ernst (alemán), Al
también como marco de la pintura.
interior de la vista,
1929, óleo sobre tela,
100 x 81 cm, Museo de
Arte Moderno y
Contemporáneo,
Estrasburgo.
Para los surrealistas, el subconsciente era una inmensa fuente de inspiración que les
permitía socavar la lógica y el razonamiento, a través de la creación de imágenes
relacionados con los sueños y la imaginación.
 Formatos
irregulares
 Ceres rinde
homenaje a
Venecia
“EL VERONÉS” fue el sobrenombre de Paolo
Caliari, uno de los artistas venecianos más
importantes del siglo XVI. En esta
composición representó a la diosa romana de
la agricultura, Ceres, haciendo un homenaje a
la ciudad-estado de Venecia.
El formato respondió a un diseño previo del
plafón y está constituido por un cuadrado y
cuatro círculos; sin embargo, la imagen
privilegia el centro, donde observamos a una
mujer que personifica a Venecia, que está
sentada sobre un estrado con un león a sus
Paolo Caliari “el pies, símbolo de la ciudad. A su derecha se
Veronés” (italiano),
Ceres rinde homenaje a encuentra Heracles, y a su izquierda, Ceres
Venecia, 1575, óleo
sobre tela, 309 x 328
cm,Galería de la
rodeada de niños que portan espigas de trigo.
Academia, Venecia.

La elección del tema no fue casual, pues la imagen estaba destinada a decorar la oficina del
Magistrado de los alimentos en el Palacio del Dux, quien era el responsable de todo lo
relacionado con los granos y cereales.
 Zapato azul con dos
tacones dado la
vuelta y puesto
debajo de una
bóveda negra
JEAN ARP participó en varios de
los movimientos artísticos más
importantes de principios del siglo
XX.
Siendo un joven se unió al
movimiento Dada, al interior del
cual produjo varios relieves de
madera pintada de diferentes
Jean Arp (francés),
Zapato azul de dos
colores y montados a manera de
talones volcado sobre
una bóveda negra, c. collage.
1925, madera pintada,
75.3 x 104.6 x 5 cm,
Colección Peggy Las formas que utilizaba nos
Guggenheim, Venecia.
recuerdan a microorganismos. El
extravagante título de la obra no
guarda relación con su forma, tan
solo pretende llamar la atención
sobre la misma.

Dada fue un movimiento de espíritu anárquico que iba en contra de los valores tradicionales del arte.
A los dadaístas les gustaba ser irracionales, absurdos y provocativos. Con el tiempo, dichas actitudes
cambiaron para siempre la noción de arte.
 Composición
1
MONDRIAN buscaba la armonía entre forma y
espíritu a través de la pintura. Su lenguaje
pictórico se reducía a líneas rectas
escrupulosamente dispuestas en el plano pictórico
y a planos de colores primarios, siempre en
equilibrio.
En esta obra hace rotar el eje de un cuadrado para
convertirlo en un rombo, más dinámico y abierto,
Piet Mondrian
(holandés),Composición
que contiene en su interior los vestigios de otras
1, 1925, óleo sobre
tela,112 x 112 cm figuras similares.
Kunsthaus, Zurich.
s.XIII 1506 1530 1610 1730 1800 1879 1900 1911 1913 1929 1936 1964
1400 1514 1598 1660 1734 1817 1899 1907 1912 1925 1930 1942

Romanticismo
Simbolismo Simbolismo
Muralismo
Surrealismo
Renacimiento Barroco
italiano Rococó
centroeuropeo Realismo
Pintura
china Romanticismo Secesión Rayonismo Cubismo
Manierismo Surrealismo

Pintura Abstraccionismo
Pintura japonesa Postimpresionismo Orfismo
medieval
Renacimiento Rococó Dadaísmo
norte de Barroco
italiano Modernismo
Europa
Impresionismo
Cubismo Neoplasticismo

LAS OBRAS EN EL TIEMPO

Expresionismo
También puedes estudiar las
imágenes en orden cronológico y por
estilo o tendencia artística.
Observa los cambios y similitudes Orfismo
entre ellas. También compara
aquellas que fueron creadas en el
mismo año.
Programa de Artes Visuales de secundaria
Composición de la imagen: encuadres y
formatos
Material didáctico para el profesor.
Realización de diseño y contenidos:
José Antonio Espinosa