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4. Psique reanimada por el beso del amor, de Antonio Canova, escultura del año 1797
Antonio Canova's statue Psyche Revived by Cupid's Kiss, first commissioned in 1787,
exemplifies the Neoclassical obsession with love and emotion. It represents the
god Cupid in the height of love and tenderness, immediately after awakening the
lifelessPsyche with a kiss, a scene excerpted from Lucius Apuleius' The Golden Ass. A
masterpiece of its period, it appeals to the senses of sight and touch, yet simultaneously
alludes to the Romantic interest in emotion co-existing with Neoclassicism.
PINTURAS
1-LA GIOCONDA
Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite
esencial. La técnica se conoce como Sfumato,22 23
Descripción de la obra
En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del
asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico
del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para
dar sensación de volumen.30 13
La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado
agresiva en siglos pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con
que se pintaron.Vasari, en efecto, sí habla de cejas: «En las cejas se apreciaba el modo
en que los pelos surgen de la carne, más o menos abundantes y, girados según los poros
de la carne, no podían ser más reales».35 Según otros expertos, Leonardo nunca le pintó
cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente, nunca llegó
a terminar la obra.
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa
considerada enigmática.19 Cuenta Vasari que
Mientras la retrataba, tenía gente cantando o tocando, y bufones que la hacían estar
alegre, para rehuir esa melancolía que se suele dar en la pintura de retratos.35
Sin embargo, no existen evidencias de dicha afirmación.
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa
desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en otras
partes del cuadro.38 El juego de sombras potencia la sensación de desconcierto que
produce la sonrisa. No se sabe si parece sonreír o si es una sonrisa llena de amargura.31
Supuesto embarazo y condición física
Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se
encontraba embarazada en el momento de posar.44 Para esclarecer esta teoría, un grupo
de investigadores utilizaron un escáner de infrarrojos en tres dimensiones por el
Consejo de Investigaciones de Canadá: Consideran que el velo de gasa fina y
transparente, enganchado al cuello de la blusa, era una prenda que solían llevar las
mujeres embarazadas.28 46 Por otro lado, el estudio consideró que el peso de la modelo
era de 63 kilos y su estatura 1,68 metros 27 así como que llevaba un moño en el pelo
cubierto por un bonete detrás de la cabeza, que el cuadro fue colocado en el cuarto de
baño del rey Francisco I y que no aparece ningún mensaje secreto en ninguna de las
capas de la pintura, como se contaba en la novela El Código Da Vinci.
Además, el doctor Julio Cruz Hermida, de la Universidad Complutense de Madrid,
afirma que la modelo tenía bruxismo (rechinar de los dientes), alopecia (caída del
cabello) y principios de la Enfermedad de Parkinson.4
Los resultados del estudio fueron avalados por el Consejo Nacional de Investigaciones
de Canadá, principal institución oficial de investigación del país. Los hallazgos fueron
presentados en Ottawa, durante un acto académico en 2004.44
El robo
Un comerciante argentino llamado Eduardo Valfierno convenció al carpintero
italiano Vincenzo Perugia (ex empleado del Museo del Louvre) para que robase el
cuadro, con el fin de venderlo por una cifra millonaria.59 El 21 de agosto de 1911,
Perugia llegó al Museo del Louvre a las 7 de la mañana, vestido con
una gabardina blanca como las que usaba el personal del museo, descolgó el cuadro y a
continuación, en la escalera Visconti, retiró la tabla de su marco, abandonando este
último. Poco después salió del museo con el cuadro escondido bajo su ropa,
colocándolo posteriormente en una valija.60 61 Cuando el pintor Louis Béroudentró al
salón para apreciar el cuadro, notó que no estaba y avisó de inmediato a la guardia. El
museo cerró por una semana, para efectos de investigación.62
Valfierno hizo negocio con cinco coleccionistas estadounidenses y un brasileño,63 a
quienes les vendió falsificaciones realizadas por el pintor Yves Chaudron,64 a cada uno
por trescientos mil dólares.4 65
Unos años antes, el museo había sufrido el robo de otras piezas de arte, lo cual hizo
suponer a la policía que ambos acontecimientos estaban relacionados.64 Esta suposición
se mantuvo hasta el 6 de septiembre de 1911, cuando se captura erróneamente al
escritor. Posteriormente, fue capturado el pintor Pablo Picasso, debido a que tenía
antecedentes de comprar objetos de arte robados,66 quien posteriormente también fue
declarado inocente… Durante su ausencia en el museo, la afluencia de visitantes
continuaba; acudían (en menor número) a apreciar el hueco en la pared, de donde el
cuadro fue hurtado.67
La pintura fue recuperada dos años y ciento once días después del robo, registrándose la
captura de Perugia.68 El detenido, intentó vender el cuadro original al director de
la Galleria degli Uffizi, Alfredo Geri, quien se hizo acompañar de la policía.64 Perugia
alegó que el robo había sido perpetrado para devolver la obra a su verdadera patria, 69 y
que él sólo era víctima de un estafador; el jurado lo sentenció a varios años de
prisión.70 Antes de regresar al museo, la pintura se exhibió
en Florencia, Roma y Milán.71 En 1931, Valfierno contó su historia a un periodista
estadounidense, revelando la identidad de los estafados con las falsificaciones.70
Tras dicho robo, algunos pintores afirman que puede dudarse de la originalidad del
cuadro en exhibición, puesto que fácilmente puede ser una copia.
La pintura fue encargada por Nicolás Rolin, canciller de Felipe el Bueno, un importante
funcionario de la corte deBorgoña.1 Jan Van Eyck no sólo plasmó su apariencia física,
sino también su temperamento. Se trataba de un político muy arrogante, lo que explica,
por ejemplo, que se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo
tamaño que ella.2 Hasta entonces, los cuadros con donante se caracterizaban por ser el
comitente de menor tamaño que las figuras sagradas de la Virgen o Jesús y, en segundo
lugar, por la presencia de un santo, generalmente el del nombre del donante, que hiciera
de intermediario ante la Virgen. A ello se une la ostentación de lujo que describe la
posición social del donante.
Minuciosidad
Esta obra se concibió para verla de cerca ya que debía colgarse en una capilla privada
del canciller en la catedral de Autun;3 por eso, los detalles se plasman con una exactitud
microscópica, sólo posible gracias al empleo del óleo y de plumillas especiales. En la
sacristía de esa catedral estuvo hasta 1800.4
Deleite en la reproducción de objetos
Ya hemos dicho que el canciller Rolin era muy vanidoso, de ahí que el cuadro sea un
alarde de riqueza, pero además, los objetos suelen esconder una simbología. Más cerca,
bajo la ventana, el huerto, desde donde dos personajes miran el panorama, es
un edén simbólico,alegoría del Paraíso Terrenal. Todos estos símbolos sociales y
religiosos se vinculan a la presencia de la Virgen y del Niño, ya que en el jardín
aparecen pavos reales (que es una de las señales de Cristo) y azucenas (que son la
divisa de la Virgen). En los capiteles de las columnas se pueden apreciar distintas
escenas religiosas, como Adán y Eva, Caín y Abel o la embriaguez de Noé.6
La perspectiva
Era otra de las constantes de Van Eyck, y la consigue por medio de efectos geométricos
(el enlosado del suelo, los arcos laterales de la estancia…)4 y atmosféricos.
5-LA ENCAJERA
Descripción de la obra
El tema de la encajera es frecuente en la literatura y la pintura holandesas, como
representación de las virtudes femeninas domésticas; Esta representación de la virtud se
refuerza en la obra a través del pequeño libro cubierto por tapicería sobre la mesa.
Aunque el libro no tiene rasgos que lo identifiquen, casi con seguridad es un libro de
oraciones o una pequeña Biblia.
Vermeer sugiere la total concentración de la encajera en su trabajo a través de su
postura forzada y el amarillo limón de su ropa, un color activo y psicológicamente
intenso. Incluso su peinado representa en parte su estado físico y psíquico, pues está
firmemente sujeto pero, al mismo tiempo, fluye en sus tirabuzones. Finalmente, los
claros toques de luz que iluminan su frente y dedos enfatizan la precisión y claridad de
visión que requiere este arte tan exigente del encaje. El cabello y las manos nacen de la
luz que, a diferencia de la mayor parte de las obras de Vermeer, entra por la derecha, y
no por la izquierda.
Este cuadro ilustra las inquietudes del autor por el estudio de la óptica. Está pintado con
suaves modulaciones de luz y color. Vermeer utiliza en él un procedimiento usual:
exageró lateralmente el primer plano, que muestra desenfocado, para dar mayor efecto
de profundidad a la perspectiva.
Fue especialmente valorado por los pintoresimpresionistas, Así, Renoir consideraba que
esta obra maestra era el cuadro más bello del mundo.
9-PUENTE DE NARNI
En realidad, de este tema existen dos versiones diferentes: una en París y otra en Ottawa
(Canadá).
La primera versión fue pintada en 1826 y mide 34 cm de alto por 48 cm de ancho. Se
exhibe actualmente en el Museo del Louvrede París, por donación de Étienne Moreau-
Nélaton (1906).
La aparición de un puente romano en el fondo de la pintura es una alusión a
la Antigüedad.
En el Salón de 1827, Corot expuso la segunda versión del tema [1], ahora en la Galería
Nacional de Canadá (Ottawa), que tiene un encuadre muy diferente. Se inscribe en la
tradición noble del paisaje neoclásico.