Conceptos de Arte

Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o
ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El
término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de
acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte
de jugar al ajedrez.

Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad
técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en
escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una
experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas
esas cualidades.

BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS

Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica

con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte
como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. Las bellas artes
(en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centran
su interés en la estética. Las consideradas artes decorativas, o artes aplicadas, como la
cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter
utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios. Dado que en la
Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales,
a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura,
la arquitectura y la escultura. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor interés por
las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de
una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y
que se consideren artes tanto las unas como las otras.

Elementos del Arte

Los elementos del arte son un grupo de uso común de los aspectos de una obra de arte
utilizado en la enseñanza y el análisis, en combinación con los principios del arte.[1] Las listas
de los elementos del arte varían un poco pero en general incluyen las siguientes: color, valor,
línea, espacio, forma y textura. Dirección y tamaño se agregan algunas fuentes.

División de Las bellas artes

Arquitectura
• Arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo que cumplan una función y
provoquen placer estético.
• Arte y ciencia de diseñar construcciones.
• Arquitectura es el arte de crear espacios en un lugar geográfico, un momento histórico, para que la
humanidad desarrolle sus actividades de convivencia social, de entretenimiento y familiares,
cumpliendo con la verdad útil mecánico-constructiva, económica y social, que sea bello y tenga
carácter.
Danza
• Movimientos corporales rítmicos que acompañados generalmente de música sirven como
comunicación y expresión.
Escultura
• Arte de crear formas en el espacio, tanto exentas como en relieve.
 • Es el arte de tallar, esculpir o moldear.
• Arte de crear una realidad tal y como se presenta respecto al espacio, es decir, tridimensional.
• Toda materia moldeable dentro del entorno fisico
Música
Existen distintas definiciones de Música:
• Arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo.
• Movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo.
Pintura
• Arte de reflejar los sentimientos y los estados de ánimo con pinturas.
• Arte de poner sobre un objeto perdurable una imagen o momento (por ejemplo, en el impresionismo o
pintura histórica).
• Arte de plasmar sobre una superficie motivos de naturaleza muy diversa, normalmente mediante
pigmentos diluidos. Esos motivos pueden existir o no en la realidad, o incluso plasmar escenas
reconocibles pero con una percepción distinta a la lógica (por ejemplo, en el cubismo).
Literatura
• Arte bello que tiene por instrumento la palabra. Conjunto de las composiciones literarias de un
pueblo, época o género. Conjunto de obras sobre algún arte o ciencia.
Cinematografía
• Arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostrados sucesivamente y de forma breve
conocidas como películas. Una de sus cualidades en el arte es que contiene imágenes, formas y otras
características correspondientes a la Danza, Arquitectura, etc.

LA LÍNEA Y EL DISEÑO

La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados. Representa
la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada.

Por Luciano Moreno

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La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un

grafismo como la letra en un texto. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más

dinámica y variada.

Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar a la trayectoria seguida por un punto

en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de

elementos cercanos a ella.

Las principales propiedades de la línea son:

• Contiene gran expresividad gráfica y mucha energía.

• Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección.

• Crea tensión en el espacio gráfico en que se encuentra.

• Crea separación de espacios en el grafismo.

• La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

En una composición define direccionamiento, que estará más acentuado cuantas más líneas paralelas haya. Esta

cualidad se puede usar para dirigir la atención en una dirección concreta, haciendo que el espectador observe el

lugar adecuado.

Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos,

permitiendo al diseñador usarla como elemento delimitador de niveles y áreas en la composición.

Las propiedades de una línea vendrán definidas por su grosor, su longitud, su orientación (dirección) respecto a la

página, su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color. Estas propiedades se verán afectadas también

por el número de líneas que haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas.

La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. Una

línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una

superficie cuandrangular.

La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten

representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando

sólo lo esencial.

La línea pueden tener los bordes lisos o dentados, con extremos rectos, redondeados o en punta. Su cuerpo puede

ser sólido o texturado, y su dirección puede ser curva o recta. Y cada una de estas características matizará la forma

en que es interpretada una línea por el espectador.

Podemos considerar diferentes tipos de líneas, cada uno de los cuales tiene sus propias cualidades:

Línea recta

Define el camino más corto entre dos puntos. Es poco frecuente en la naturaleza, donde predominan las líneas

curvas (el universo en su totalidad es curvo), pero muy abundante en el entorno humano, que necesita de ellas

para dar estabilidad a sus creaciones.

La línea recta horizontal expresa equilibrio, calma, equilibrio estable. No hay estabilidad sin una línea recta

horizontal de referencia, una línea de horizonte, ya que nos movemos en un plano horizontal.

Las líneas rectas horizontales son muy usadas en las páginas web, tanto que el lenguaje HTML proporciona una

etiqueta específica para introducirlas, HR. Se utilizan sobre todo como elemento delimitador de bloques de

contenido en páginas de poco contenido gráfico, siendo conveniente no presentarlas con efecto tridimensional, sino

como una simple línea plana (atributo noshade).

La línea recta vertical sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero

inestable, como si estuviera a punto de caer. Esto se puede corregir haciendo trabajar las líneas verticales con

otras horizontales de apoyo, que les darán la estabilidad de que carecen.

En una páginas web, las líneas rectas verticales pueden ser usadas para separar columnas textuales o bloques de

contenidos, bien como líneas frontales, con un color que destaque lo suficiente sobre el fondo, bien como líneas de

fondo, del mismo color que éste, separando zonas de un color diferente.

La línea recta inclinada, por el contrario, expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio. Parecen que están a punto de

caerse. Dentro de las líneas inclinadas, la que forma 45º con la horizontal es la más estable y reconocible.

Línea curva

Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido

hasta un movimiento caótico, sin reglas.

Está muy asociada al ser humano, que escribe y dibuja casi siempre con líneas curvas.

Las curvas más comúnmente usadas en diseño gráfico digital son las curvas Bézier. Este tipo de curvas fue

desarrollado por Pierre Bézier por encargo de la empresa Renault, que buscaba una familia de curvas

representables matemáticamente (son curvas de tercer grado) que permitieran representar las curvaturas suaves

que deseaban dar a sus automóviles.

Una curva Bézier queda totalmente definida por cuatro puntos característicos, los puntos inicial y final de la curva y

dos puntos de control (manejadores) que definen su forma. Para modificar su forma, basta cambiar de posición uno

de sus puntos de control.

Son curvas de manejo poco complejo y muy elegantes, con un desarrollo muy suave, capaces de adaptarse a casi

cualquier forma imaginable, por lo que son muy usadas para diseñar logotipos e iconos y para copiar cualquier

figura.

También son enormemente versátiles, pudiendo adoptar desde curvaturas muy suaves (casi líneas rectas) a

curvaturas muy fuerte (curvas complejas), pasando por todos los valores intermedios. Pueden, incluso, cambiar de

cóncavas a convexas alrededor de un punto.

En el diseño web, el uso de líneas curvas aisladas está muy limitado. Es más común encontrarlas como partes

integrantes de formas más complejas, siendo útiles, por ejemplo, para suavizar la dureza de una forma rectangular

en uno o más de sus lados (como los botones).

Un factor a tener en cuenta siempre que se trabaje con líneas curvas en una página web es el efecto de escalado

producido al no ser capaz el sistema gráfico de los ordenadores de representar con exactitud formas curvas por

medio de píxeles. Es el típico efecto de "dientes de sierra" que aparece en todos los objetos con partes curvas,

efecto que aumenta con el tamaño del objeto.

Una solución a este problema visual es incluir las líneas curvas como imágenes en formato web (GIF, JPG, PNG,

etc.) y aplicarles el proceso de rastrillado o antialias, disponible en casi todas las aplicaciones gráficas, por medio

del cual se crean uno o más píxeles entre los bordes de la línea y el fondo, de un color intermedio entre ellos.

Trazo

Un trazo es el elemento lineal formado por la unión sucesiva de diferentes líneas. Es tal vez la forma gráfica más

humana, la que mejor representa nuestra forma natural de dibujar.

CLASIFICACIÓN DE LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS

Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante
una etapa de tiempo, siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las
características propias de la época en el que surge. Los movimientos o estilos artísticos
se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura atendiendo a distintos
criterios de periodización (por ejemplo, la generación) y se proyectan en las diferentes
áreas de la literatura y el arte o bellas artes: música, artes visuales (pintura, escultura y
arquitectura). De tal modo que, por ejemplo, para las creaciones culturales de la
civilización occidental del siglo XVII a la primera mitad del XVIII, se ha acuñado el
término barroco y, aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una
conexión inmediatamente evidente entre sí, se designan habitualmente como
arquitectura barroca, pintura barroca, música barroca o literatura barroca.
• Movimiento literario
• Movimiento pictórico
 • Movimiento escultórico
• Movimiento arquitectónico
• Movimiento musical
• Movimientos literarios
• Movimientos pictóricos
• Movimientos escultóricos
• Estilos arquitectónicos
• Géneros musicales

SURREALISMO MODERNO

El surrealismo es una corriente artística surgida a en el siglo XX, donde se manifiesta que a partir de la
propia persona, olvidarse de la lógica y hacer que el interior sea parte esencial de uno mismo, es por ello que
la búsqueda interna es la inspiración de este modo de arte.
Por tanto, esta corriente es lo suficientemente subjetiva para ser fácil de entender, pues como se dice "cada
mente es un mundo" y es precisamente en esto donde se basa la creación de diferentes formas expresivas en
este proceso.

Tachismo
El Tachismo (en idioma español, Tachisme, derivado de la palabra francesa tache - mancha) fue un estilo de
pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente
europeo al expresionismo abstracto. Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel).
Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la
abstracción lírica estadounidense). Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están
relacionados con el tachismo.
Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Algunos
de sus miembros eran Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y
Georges Mathieu, el narizon de raul Según Chilvers, el término tachismo «se usó por primera vez en este
sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne
y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié
Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de
pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.

Art pop- Pop Art

El Art Pop – Pop Art fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo
de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios
publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos». El arte pop, como la música pop, buscaba
utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes, separándolas de su
contexto y aislándolas o combinándolas con otras,[1] además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún
elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.[1]
El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto
precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más
tempranos de éste.

Concepto Diseño
Utilizado habitualmente en el contexto de las artes, ingeniería, arquitectura y otras disciplinas creativas,
diseño se define como el proceso previo de configuración mental, "pre-figuración", en la búsqueda de una
solución en cualquier campo.
Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo, designio, signare, signado "lo por venir", el
porvenir visión representada gráficamente del futuro, lo hecho es la obra, lo por hacer es el proyecto, el acto
de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas.
Plasmar el pensamiento de la solución mediante esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquiera
de los soportes, durante o posteriores a un proceso de observación de alternativas o investigación. El acto
intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe, o
es una modificación de lo existente inspiración abstracción, síntesis, ordenación y transformación.

Figuras Geometricas Planas

CUADRADO

En geometría euclidiana, un cuadrado es un rectángulo que tiene sus cuatro lados iguales, o
también, un rombo que además tiene sus cuatro ángulos iguales (rectos). Un cuadrado es un
cuadrilátero que tiene sus lados opuestos paralelos y, por tanto, es un paralelogramo. Dado
que sus cuatro ángulos internos son rectos, es también un caso especial de rectángulo. De
modo similar, al tener los cuatro lados iguales, es un caso especial de rombo.

RECTANGULO

En geometría plana, un rectángulo es un paralelogramo cuyos cuatro lados forman ángulos rectos entre sí. El
perímetro de un rectángulo es igual a la suma de todos sus lados. El área de un rectángulo es igual al
producto de dos de sus lados contiguos.
• Sus lados paralelos son iguales, dos a dos.
• Sus dos diagonales son iguales, y se cortan en partes iguales (esta característica también lo define)
• Se puede pavimentar el plano, repitiendo infinitos rectángulos.
El cuerpo de revolución generado por un rectángulo, respecto de un eje que contenga a un lado, es un
cilindro.

ROMBO

El rombo es un cuadrilátero paralelogramo cuyos cuatro lados son de igual longitud.

Los ángulos interiores opuestos son iguales. Sus diagonales son perpendiculares entre si y cada una divide a
la otra en partes iguales (esta característica por sí sola también define a los rombos).
Si un rombo es a la vez un rectángulo, entonces es un cuadrado. Un rombo con un ángulo interno de 45°
suele llamarse losange.
Romboide
Se denomina romboide al paralelogramo que no es ni rombo ni rectángulo, es decir, un paralelogramo que
no tiene ni sus ángulos ni sus lados iguales. Comúnmente se lo llama simplemente paralelogramo o también
paralelogramo no rectangular.[1] [2]
En los países que siguen la escuela de Julio Rey Pastor, esta figura no recibe un nombre especial (aparte de
ser un paralelogramo). El nombre romboide se aplica a otra figura, al cuadrilátero que tiene dos pares de
lados consecutivos iguales (véase deltoide).
Triángulo
Un triángulo, en geometría, es un polígono determinado por tres rectas que se cortan dos a
dos en tres puntos (que no se encuentran alineados). Los puntos de intersección de las rectas
son los vértices y los segmentos de recta determinados son los lados del triángulo. Dos lados
contiguos forman uno de los ángulos interiores del triángulo.

Circunferencia
Una circunferencia es un conjunto de puntos del plano equidistantes de otro fijo, llamado
centro; esta distancia se denomina radio. El segmento de recta formado por dos radios
alineados se llama diámetro. Es la mayor distancia posible entre dos puntos que pertenezcan
a la circunferencia. La longitud del diámetro es el doble de la longitud del radio. La
circunferencia sólo posee longitud.
CIRCULO

Un circulo, en geometría, es el lugar geométrico de los puntos del plano cuya distancia a otro punto fijo,
llamado centro, es menor o igual que la longitud del radio. Es el conjunto de los puntos de un plano que se
encuentran contenidos en una circunferencia.
En castellano, la palabra círculo tiene varias acepciones, la primera:[1] una superficie geométrica plana
contenida dentro de una circunferencia con área definida; mientras que se denomina circunferencia[2] a la
curva geométrica plana, cerrada, cuyos puntos son equidistantes del centro, y sólo posee longitud.
FIGURAS GEOMETRICAS

Triangulo:
El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. La suma de todos sus ángulos siempre es
180 grados.
Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula:
Área del triángulo = (base x altura) / 2
(tipos de triángulos: Isósceles, escaleno y equilátero)
Cuadrado:
El cuadrado es un polígono de cuatro lados, con la particularidad de que todos ellos son iguales. Además sus
cuatro ángulos son de 90 grados cada uno.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del cuadrado = lado al cuadrado
Rectángulo:
El rectángulo es un polígono de cuatro lados, iguales dos a dos. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada
uno.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del rectángulo = base.altura
Rombo:
El rombo es un polígono de cuatro lados iguales, pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del rombo= (diagonal mayor x diagonal meno)/ 2
Trapecio:
El trapecio es un polígono de cuatro lados, pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del trapecio = [(base mayor + base menor).altura] / 2
Paralelogramo:
El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del paralelogramo = base.altura
Pentágono:
El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del pentágono = (perímetro x apotema) / 2
Hexágono:
El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales.
Los triángulos formados, al unir el centro con todos los vértices, son equiláteros.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del hexágono = (perímetro x apotema) / 2
Circulo:
El círculo es la región delimitada por una circunferencia, siendo ésta el lugar geométrico de los puntos que
equidistan del centro.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del círculo = 3'14. radio al cuadrado

SOLIDOS GEOMETRICOS

La definición de sólidos geométricos es un tema complicado. Unas definiciones posibles son

las siguientes:

* Un sólido geométrico es una región cerrada del espacio limitada por ciertas superficies que
pueden ser planas o curva.

* Un Sólido o Cuerpo Geométrico es una figura geométrica de tres dimensiones (largo, ancho
y alto), que ocupa un lugar en el espacio y en consecuencia tiene un volumen.

LOS POLIEDROS

Llamados solidos platónicos o poliedros regulares.

Son sólidos geométricos que solamente tienen superficie plana. Cuyas caras son polígonos
regulares iguales y en cuyos vértices del poliedro se unen al mismo número de caras y aristas,
encierran un volumen finito.

HEXAEDRO O CUBO:

Formado por seis cuadrados. Permanece estable sobre su base. Está formado por seis caras,
doce aristas, ocho vértices.

# Caras: 6

# Vértices: 8

# Aristas: 12

Área = 6a2

Volumen = a3

TETRAEDRO:

Formado por tres triángulos equiláteros. Es el que tiene menor volumen de los cinco en
comparación con su superficie. Está formado por cuatro caras, seis aristas y cuatro vértices.

OCTAEDRO:

Formado por ocho triángulos equiláteros. Gira libremente cuando se sujeta por vértices
opuestos. Está formado por ocho caras, doce aristas y seis vértices.

ICOSAEDRO:

Formado por veinte triangulo equiláteros. Es el que tiene mayor volumen en relación con su
superficie. Tiene veinte caras, treinta aristas y doce vértices.
POLIEDROS IRREGULARES

Son aquellos que no tienen sus caras como polígonos regulares, ni sus ángulos iguales.

Los poliedros irregulares son 3:

* Ortoedro

* Prisma

* Pirámide

ORTOEDRO:

Es un cuerpo solido de seis caras pudiendo ser dos de ellas cuadras (caras basales) y el resto
rectangulares (caras laterales) Si las caras laterales son perpendiculares a la altura del cuerpo
entonces se le denomina ortoedro recto, en caso contrario se trata de un ortoedro oblicuo.

PRIMA:

Un prisma es un cuerpo geométrico, poliedro, limitado por dos caras iguales y paralelas
(bases), y tantos paralelogramos (caras laterales) como lados tiene la base.

PIRAMIDE:

Poliedro que tiene una cara que es un polígono cualquiera al que se le llama base y las
caras laterales son triángulos isósceles, que tienen un punto en común llamado vértice.

Apotema: es la altura de cualquiera de las caras de una pirámide regular.

CILINDRO:

Es el sólido conformado por caras paralelas circulares y el conjunto de todos los segmentos de
línea recta perpendiculares a sus caras y comprendidos entre ellas.

Generatriz: Las rectas contenidas en la superficie lateral, perpendiculares a la base

CONO:

Es el sólido cuya base es un círculo y su superficie lateral está formada por los segmentos de
línea recta que unen un punto O, sobre la línea perpendicular al círculo y por el centro de este,
con los puntos del círculo. Cualquiera de estos segmentos de línea recta se denomina una
generatriz y su longitud se denota con g. La distancia entre ese punto O y el centro del círculo
se llama altura.

ROTULACION
Rotulación es el arte que se tiene al momento de realizar un cartel o rótulo. Es toda perfección que se
consigue cuando se está trazando las literales del mismo.
Legibilidad es término empleado en el diseño tipográfico de rotulación, para definir una cualidad deseable en
la impresión de las letras del texto. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra.

PERSPECTIVA

La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. En un
dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.
Perspectiva del Campidoglio, en Roma. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza: dispuso
los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad.
Es también la ilusión visual que, percibida por el observador, ayuda a determinar la profundidad y situación
de objetos a distintas distancias.
Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que
influyen en su percepción o en su juicio.
PERSPECTIVA FRONTAL

La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de fuga, ubicado sobre la línea del
horizonte. En esta perspectiva, sólo vemos en fuga las líneas de profundidad, las demás las
vemos paralelas al plano del cuadro.

Perspectiva paralela
Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente
a nosotros o desviado solo ligeramente; lo más simple de representar en perspectiva paralela es, por ejemplo,
un cubo.
Perspectiva oblicua
Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto, los cuales se encontrarán
como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”).
La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente, pero la más
utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. Ésta es
la que más se aproxima a la visión real, equivale a la imagen que observamos al mirar un
objeto con un solo ojo.

PERSPECTIVA VISTA DE PAJARO

Es aquel que se mira desde lo alto, por eso decimos que es también vista de pájaro. Como
ejemplo, es como si miramos desde una terraza hacia abajo, en donde vemos que las cabezas
de los personajes se ven mas grandes y los pies mas pequeños.

DIVISION DE ESPACIOS EN PERSPECTIVA

Para dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal podemos usar
el metodo de un segundo punto de fuga. Veamos cómo se hace. Partimos de la misma figura
que hemos empleado en el caso anterior .

ARQUITECTURA A TRAVES DE LOS TIEMPOS

Prehistoria
Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de
trabajar la piedra.
El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. El abrigo, como construcción
predominante en las sociedades primitivas, será el elemento principal de la organización espacial de diversos
pueblos. Este tipo de construcción puede ser observado aún en sociedades no integradas totalmente a la
civilización occidental, tal como los pueblos amerindios, africanos y aborígenes, entre otros.

Antigüedad
A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban, presionadas por las amenazas bélicas
constantes, la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar. En ese periodo
surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la
protección de amenazas exteriores.
Antigüedad clásica
La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los
egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. La ciudad se
convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en
ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es
considerado el primer urbanista de la historia.
Edad Media
Los principales hechos que influyeron la producción arquitectónica medieval fueron el enrarecimiento de la
vida en las ciudades (con la consecuente ruralización y feudalización de Europa) y la hegemonía en todos los
órdenes de la Iglesia Católica. A medida que el poder secular se sometía al poder papal, pasaba a ser la
Iglesia la que aportaba el capital necesario para el desarrollo de las grandes obras arquitectónicas.
Edad Moderna
Con el fin de la Edad Media la estructura de poder europea se modifica radicalmente. Comienzan a surgir los
estados nación y, a pesar de la aún fuerte influencia de la Iglesia Católica, el poder secular vuelve al poder,
especialmente con las crisis recurrentes de la Reforma Protestante.
Renacimiento
El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. La idea de progreso del hombre -
científico, espiritual, social - se hace un objetivo importante para el periodo. La antigüedad clásica
redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los
artistas del periodo.
Manierismo
Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos, comienza a
surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico, aunque sus obras continuaran siendo en
esencia predominantemente clásicas. En este momento surge el manierismo.
Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian
de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales.
Siglos XVII y XVIII
Los siglos siguientes al Renacimiento asistieron a un proceso cíclico de constante alejamiento y
aproximación del ideario clásico. El Barroco, en un primer momento, potencia el descontento del
Manierismo por las normas clásicas y propicia la génesis de un tipo de arquitectura inédita, aunque
frecuentemente posea conexiones formales con el pasado.
Arquitectura barroca
El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de
entrada había la sensación de que, con el avance científico representado por el Renacimiento, el Clasicismo,
aunque hubiera ayudado en este progreso, no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias
a la dudas del hombre.
Arquitectura neoclásica
A finales del siglo XVIII e inicios del XIX, Europa asistió a un gran avance tecnológico, resultado directo de
los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración. Fueron descubiertas
nuevas posibilidades constructivas y estructurales, de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la
madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por
el metal.
Edad Contemporánea
La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá, en mayor o menor grado, a reflejar los avances
tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. Las
ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control
del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado, lo que acabará llevando al surgimiento del
urbanismo como disciplina académica.
EVOLUCION DE LA ARQUITECTURA

La arquitectura se considera como el arte y la ciencia de proyectar y construir edificios, que comienza en los
tiempos prehistóricos en que los hombres construyeron las primeras cabañas de cañas y barro.
En América precolombina la arquitectura solo floreció en México, Guatemala y el Perú; los mexicanos
(aztecas, zapotecas, mayas), levantaron vastos conjuntos de construcción armónica, al aire libre,
caracterizados principalmente por inmensas pirámides truncadas (adoratorios), juegos de pelotas, palacios y
otros edificios públicos; los incas del Perú fabricaron ciudades de piedra, escalonadas en terrazas, con
murallas, torreones, edificios y monumentos, obras de riego, estanques y caminos; los bloques de piedra eran
a veces colosales y los asentaban sin argamasa.
Es entonces la Arquitectura -desde lo contemporáneo y apoyada en los nuevos recursos
tecnológicos- un ejercicio en el que efectivamente se envuelven orden, síntesis, semiología,
materia, pero aun más importante que aquello, es un trabajo creativo, innovativo, inédito, eso
sí, mientras excluyamos la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria.

ARQUITECTURA GOTICA

Gótico
Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval. Floreció en Europa del siglo
XII al XVI. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el
principio de la bóveda por aristas o crucería. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de
las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. Estos resultados se obtienen con el
uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas.

CONCEPTO DISEÑO, POR ENCADENAMIENTO, EMPOTRAMIENTO Y POR CONTACTO

Durante los últimos años, varias técnicas han sido implementadas en el desarrollo de los productos de la
programación; estas técnicas incluyen el refinamiento en pasos, los niveles de abstracción, el diseño estructurado, el
desarrollo integrado jerárquico hacia abajo y la programación estructurada de Jackson. Aunque estas técnicas son
nombradas como metodologías de diseño, en realidad son sólo puntos de vista y guías para el diseño; el diseño de
productos de programación es una actividad creativa y como en todo proceso creativo, un marco de trabajo, así como
un punto de vista es esencial. Lo anterior es proporcionado por las diversas técnicas mencionadas arriba.
Las técnicas de diseño comúnmente están basadas en las estrategias de las jerarquías de "hacia abajo" y de "hacia
arriba". Por medio del enfoque de arriba a abajo, se pone atención inicialmente en los aspectos globales de todo el
sistema; conforme el diseño progresa, el sistema se descompone en subsistema, poniéndosele mayor consideración a
los detalles específicos. El encadenamiento hacia atrás (en inglés, backtracking) resulta fundamental en este tipo de
diseño. Conforme las decisiones se descomponen en niveles más elementales, puede resultar aparente que una
decisión de alto nivel generó una ineficiente o desorganizada descomposición de funciones de menor nivel; así, una
decisión puede tener que ser reconsiderada y el sistema reestructurado correspondientemente. Con el fin de reducir
este encadenamiento hacia atrás, muchos diseñadores proponen el uso de una estrategia mezclada, la cual es
predominantemente hacia abajo, pero que primero requiere de la especificación de los módulos inferiores. La ventaja
primordial de esta estrategia es que se dedica la atención a las necesidades del cliente, a las interfaces con el usuario
ya la naturaleza global del problema a resolver.
En el enfoque hacia arriba del diseño de productos de programación, el diseñador primero intenta identificar al
conjunto primitivo de objetos, acciones y relaciones que proporcionarán una base para la solución del problema; los
conceptos de alto nivel son después formulados en términos del conjunto de primitivos. La estrategia hacia arriba
requiere que el diseñador combine las características proporcionadas por el lenguaje de instrumentación para dar
entidades más sofisticadas; estas entidades son a su vez combinadas hasta que se construye un conjunto de
funciones, estructuras de datos e interconexiones para resolver el problema por medio del uso de las facilidades del
ambiente de programación existente; este tipo de diseño puede también requerir del rediseño y el encadenamiento
hacia atrás del mismo. El éxito de este enfoque depende de la identificación del conjunto adecuado de ideas primitivas
que sean suficientes para la instrumentación del sistema. El diseño y la instrumentación jerárquicos hacia arriba
permiten)a determinación del desempeño de los subsistemas durante la evolución del sistema; cuando se utilizan
jerarquías hacia abajo, la evaluación del desempeño debe deferirse hasta el final, esto es, hasta que el sistema quede
ensamblado.
La escalada en fisuras podría considerarse como el arte más antiguo de la escalada sobre
roca, pues resultaba más evidente de ascender y proteger que las placas o los desplomes. Al
buscar una línea de ascensión a una pared, las fisuras resultaron ser las guías de todos los
aperturistas de antaño. Con el desarrollo de los materiales, esto se ha modificado en gran
medida. Ahora sí que existen formas de proteger cualquier sección de roca por increíble que
sea. Pese a ello, la limpieza y la rapidez de colocar protecciones, nunca será igualada por una
ruta de otras características. Esto conlleva a su vez un mayor compromiso con la escalada.
Las fisuras resultan un arte particular. Puedes escalar metros y metros sin agarrar un solo
canto con las manos y, sin embargo, con una buena dosis de técnica, conseguir incluso mayor
seguridad y reposo en los movimientos.
Dicen que el mejor canto es un empotramiento...
Pero, ¿Qué es un empotramiento? Es la forma de encajar manos y/o pies en la roca de forma
que sólo con la fuerza de mantener esa posición, la mano o el pie no se puedan salir de su
emplazamiento.
Interrelación de Formas
Las Formas pueden encontrarse entre si de diferentes maneras. Cuando una gorma se sobrepone a otra,
los resultados no son tan simples como se creen.
A. Distanciamiento: Ambas formas quedan separadas entre si, aunque puedan estar muy cercanas.
B. Toque: Si acercamos ambas formas, comienzan a tocarse. El espacio que las mantenía separadas
queda anulado.
C. Superposición: Si acercamos aun mas las formas, una se cruza sobre la otra y parece estar por
encima, cubriendo una porción de la cual queda debajo
D. Penetración: Igual que en c) pero ambas formas parecen transparentes. No hay una relación
obvia de arriba y debajo de ellas, y los contornos de ambas formas siguen siendo enteramente
visibles.
E. Unión: Igual que en c) pero ambas formas quedan reunidas y se convierten en una sola mayor.
Ambas pierden una parte de su contorno.
F. Sustracción: Cuando una forma invisible se cruza sobre otra visible, el resultado es una
sustracción. La porción de la forma visible que queda cubierta por la invisible se convierte
asimismo en invisible. La sustracción puede ser considerada como la superposición de una forma
negativa sobre una positiva.
G. Intersección:Igual que en d) pero solamente es visible por la porción en que ambas formas se
cruzan entre si. Como resultado de la intersección, surge una forma nueva y más pequeña. Puede
no recordarnos las formas originales.
H. Coincidencia: Si acercamos aun más ambas formas, habrán de coincidir. Ambas formas se
convierten en una.
Estas clases deben siempre ser exploradas cuando se organizan formas dentro de un diseño.
Efectos Espaciales en Interrelaciones de Formas
-El Distanciamiento;ambas formas pueden parecer equidistantes del ojo, o una mas cercana y otra
mas lejana.
-En el Toque;la situación espacial de ambas formas es asimismo flexible, como en el distanciamiento.
El color desempeña un papel importante para determinar la situación espacial.
-En la Superposición; es obvio que una forma esta delante o encima de otra.
-En la Penetración; la situación espacial es un poco vaga, pero con la manipulación de colores es
posible colocar una forma sobre la otra.
-En la Unión; las formas aparecen habitualmente como equidistantes del ojo, porque se convierten en
una forma nueva.
-En la Sustracción; igual que en la penetración nos enfrentamos una forma nueva. Ninguna
variación espacial es posible.
-En la Coincidencia; solamente tenemos una forma si las dos anteriores son idénticas en figura,
tamaño y dirección. Si una es más pequeña en tamaño o diferente de la otra figura, en dirección o
ambas cosas, no habrá coincidencia real y se producirán la superposición, la penetración, la unión, la
sustracción o la intersección, con los posibles efectos espaciales ya mencionados.

DISEÑO SIMÉTRICO Y ASIMÉTRICO

Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico

El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe igualdad de peso
en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso.

Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa, cuyas alas poseen simetría axial
bilateral, en la que el eje es el cuerpo del insecto. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje.
Esta regularidad constituye, a nivel de percepción, un factor estético de armonía.

La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden.

El equilibrio asimétrico
Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales, no
existen las mismas dimensiones en tamaño, color, peso etc, pero existe un equilibrio
entre dos elementos.

En el equilibrio asimétrico, al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto
es variado.

La asimetría nos transmite agitación, tensión, dinamismo, alegría y vitalidad; en este

tipo de equilibrio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada
del aquel.

La simetría axial
En estos applets tenemos dos imágenes con simetría axial: un animal y un arco. En ellos se puede mover el deslizador
verde que hay a la izquierda para comprobar cómo se “da la vuelta” a la imagen para coincidir con la original.
La simetría axial (también llamada rotacional, radial o cilíndrica) es la simetría alrededor de un eje, de
modo que un sistema tiene simetría axial o axisimetría cuando todos los semiplanos tomados a partir de
cierto eje y conteniéndolo presentan idénticas características.
Dada una recta se llama simetría axial de eje e al movimiento que transforma a un punto P en otro punto P'
verificando que:
• El segmento PP' es perpendicular a .
• Los puntos P y P' equidistan del eje .
Dicho de otra forma el eje es la mediatriz del segmento PP'
La simetría axial no solo se presenta entre un objeto y su reflexión, pues muchas figuras que mediante una
línea pueden partirse en dos secciones que son simétricas con respecto a la línea. Estos objetos tienen uno (o
más) ejes de simetría.
TUTORIAL DE DIBUJO: DIBUJAR ROSTRO, PROPORCIONES
Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato de una persona, lógicamente una de
las cosas fundamentales será el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante será el
partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el rostro que se vá a dibujar.
Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”, que son inherentes a todas las personas
(excepción hecha del rostro de un niño, como veremos).
Fórmulas que deberán tenerse en cuenta siempre, ya que de lo contrario ese rostro tendrá
necesariamente imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que el realizar esos encajes
“a ojo” es sumamente difícil, salvo que se sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a
la primera.
-

Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede encajarse en un rectángulo que tendrá una
proporción de 3,5:2,5 partes, siendo la medida base de la que partiremos la de la frente que corresponde
exactamente desde el nacimiento del pelo en la cabeza, hasta la altura de las cejas.Nada mejor para
comenzar que un dibujo hecho por mí, al que llamo “figura 1”:

Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la persona por alguno de los medios que deben
conocerse (bien con una regla y midiendo si es de una fotografía, bien con la ayuda del propio lápiz
extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la altura para trasladar al papel).

Bien, yo en el ejemplo que os muestro, he supuesto que la altura del rostro de la persona a pintar es de
10,5 centímetros así que como ya hemos visto, en la proporción del rostro a lo alto, como son 3,5 partes,
 divido 10,5 : 3,5 = 3 cm . (que será la “medida base” que recordareis era la medida de la frente); así que
marco a lo ancho y como habíamos visto que eran 2,5 veces la medida de la frente: 2,5 x 3 = 7,5 cm . que
me dará las referencias suficientes para dibujar el rectángulo que tendrá 10,5 cm de altura y 7,5 cm . de
anchura.
Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la mitad, lo que me dará unas líneas que
serán importantes pues la vertical me dará justo el eje de simetría del rostro, y la horizontal me marcará
justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos veis por tanto que comenzamos a tener referencias
importantes. Pero hay mucho más, veréis a continuación más puntos de referencia pero lo mejor es
adjuntar la “figura 2”:

-
Veis que al rectángulo original le añado ahora un montón de referencias más en el momento en que
procedo a dividir tanto el alto como el ancho en sus 3,5 y 2,5 partes respectivamente, por lo que salen una
serie de líneas o “puntos de referencia” que explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que
encontramos nos vá a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO, la segunda que encontramos será la que
nos marque la PARTE SUPERIOR DE LOS OJOS, además en su prolongación nos indicará la PARTE
SUPERIOR DE LAS OREJAS, y seguimos hacia abajo con la línea del eje que ya vimos por lo que
pasamos a la siguiente que nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ.
En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda, tendremos la primera de ellas que nos vá a decir
donde empieza EL OJO de la derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y asimismo nos dá
la anchura por su derecha de LA NARIZ ; luego viene el eje de simetría vertical que ya vimos, por lo que la
siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la izquierda.
Como veis, esto sería suficiente ya para abordar las proporciones, pero es que aún podemos obtener
más referencias, vereis: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora por la mitad según
veis en la “figura 3” que adjunto:

-
Apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos vá a dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y
la siguiente línea roja sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para referenciarnos el
ANCHO DE LA NARIZ.
Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la última parte inferior para que tuviésemos la
BASE DEL LABIO INFERIOR.
Así que como veis tenemos un encaje perfecto, con un número de referencias que parece abrumador en
principio, pero que cuando os acostumbreis a efectuar encajes para dibujo del rostro, los sacais enseguida
porque la mecánica es siempre la misma.
 Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal” pero la práctica os hará ver que es muy
difícil hallar el rostro ideal, ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal, otro una
diferencia en la altura de los ojos o cejas…., enfín, pero no me direis que no es mucho más sencillo desviar
a derecha o izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una referencia clara de donde vá
ese tabique ¿verdad?.

Bien, pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar esto que adjunto en la “figura 4”:

-
ÁREAS REGULARES E IRREGULARES DE
FIGURAS PLANAS
TRIÁNGULO
El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres
ángulos.
La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados.
Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula:

Área del triángulo = (base .

altura) / 2
CUADRADO
El cuadrado es un polígono de cuatro lados, con la
particularidad de que todos ellos son iguales. Además sus
cuatro ángulos son de 90 grados cada uno.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:

Área del cuadrado = lado al

cuadrado
RECTÁNGULO
El rectángulo es un polígono de cuatro lados,
iguales dos a dos. Sus cuatro ángulos son de 90
grados cada uno.
El área de esta figura se calcula mediante la
fórmula:

Área del rectángulo =

base.altura
 ROMBO
El rombo es un polígono de cuatro lados iguales, pero sus
cuatro ángulos son distintos de 90ª.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:

Área del rombo = (diagonal

mayor.diagonal menor) / 2
TRAPECIO
El trapecio es
un polígono de cuatro lados, pero sus cuatro
ángulos son distintos de 90º.
El área de esta figura se calcula mediante la
fórmula:
Área del trapecio = [(base mayor +
base menor).altura] / 2
PARALELOGRAMO
El paralelogramo es un polígono de cuatro lados
paralelos dos a dos.
El área de esta figura se calcula mediante la
fórmula:

Área del paralelogramo =

base.altura
PENTÁGONO
El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales
y cinco ángulos iguales

El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:

Área del pentágono =

(perímetro.apotema) / 2
HEXÁGONO
El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos
iguales.
Los triángulos formados, al unir el centro con todos los vértices, son
equiláteros.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:

Área del hexágono = (perímetro.apotema) / 2

CÍRCULO
El círculo es la región
delimitada por una
circunferencia, siendo
ésta el lugar geométrico de los puntos que equidistan
del centro.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
 Área del círculo = 3'14.radio al cuadrado

Claroscuro
El claroscuro es una técnica artística (en pintura, dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes
fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente
algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la
técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado
tenebrismo.
Zonas del claroscuro
Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. Entre ellas:
Zona de iluminación clara.
Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa
Zona de penumbra.
También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona
oscura, va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises.
Zona oscura.
También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.
Zona proyectada.
Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se
encuentra.
Zona de reflejo.
Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se caracteriza por medios
tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos, expresiones faciales, da más vida al
dibujo.

Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo del entorno
cuando son iluminados.
Cada cuerpo iluminado tendrá dos sombras:
Una propia sobre la zona que no recibe la luz
y proyecta otra que reproduce sus contornos, pero que se deforma según la inclinación de la
superficie donde se proyecta.
Las superficies con aristas determinan cortes nítidos entre luz y sombra, En las superficies
curvas tiene una transición suave.

OBRAS DE REMBRANT

"Cristo en la tormenta en el lago de Galilea", 1633. En paradero desconocido desde su robo

del museo Isabella Stewart Gardner en 1990.
En una carta a Huygens, Rembrandt ofrece el único testimonio conservado sobre sus aspiraciones como
artista: "(alcanzar) el movimiento más grande y más natural",[25] si con esto se refería a sus objetivos
materiales o de otro tipo es algo sujeto a la especulación, de cualquier modo Rembrandt representa la fusión
entre lo corpóreo y lo espiritual como pocos pintores en el arte occidental.[26]
A principios del siglo XX, algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt en unas 600 pinturas, casi 400
grabados y cerca de 2.000 dibujos.[27] Investigaciones realizadas desde 1960 hasta la actualidad —lideradas
por el Proyecto de Investigación Rembrandt, coordinado por varios expertos holandeses sobre el pintor— han
reducido esta cifra en unas 300 pinturas, aunque no sin generar cierta polémica.[28] Respecto a los grabados,
generalmente realizados mediante punta seca o al aguafuerte, la cifra estimada es más estable, y se aproxima
a las 300 piezas.[29] Es probable que Rembrandt realizase más de los 2.000 dibujos que se le atribuyen, pero
incluso esa cifra es posiblemente demasiado elevada según los estudios contemporáneos.[30]
En cierto momento se contaban hasta 90 autógrafos distintos de Rembrandt, aunque en la actualidad se sabe
que muchos de sus alumnos debían copiar sus pinturas como parte de su aprendizaje. Investigaciones más
recientes han reducido esta cifra hasta las 40 pinturas, suprimiendo algunos dibujos y 31 grabados, entre los
cuales se cuentan algunas de las imágenes más representativas del grupo.[31] Muchos de sus autorretratos le
muestran con ropajes anacrónicos, o haciéndose muecas a sí mismo. Sus autorretratos muestran la evolución
desde el atribulado joven con talento, y el pintor exitoso de la década de 1630 hasta los sombríos retratos de
su vejez, de enorme profundidad psicológica. Juntos componen la imagen de un hombre que atravesó todos
los estados de la vida, y cuya expresión refleja las fuertes sacudidas que sufrió su espíritu a lo largo de su
vida.[32]
Entre las características más notables de su obra destacan su uso del claroscuro, el manejo escenográfico de
la luz y la sombra —fuertemente influido por Caravaggio, o, más posiblemente, por la escuela de los
Caravaggisti de Utrecht— adaptados a sus propios fines.[33] Igualmente destacables son su visión dramática y
emotiva de temas que tradicionalmente habían sido tratados de una forma impersonal: Rembrandt se
caracteriza por el sentimiento de empatía que desprende su visión de la humanidad, independientemente de la
riqueza o la edad del retratado. Su propio entorno familiar -su mujer Saskia, su hijo Titus, su amante
Hendrickje- suelen aparecer de forma visible en sus pinturas, en ocasiones representando temas bíblicos,
históricos o mitológicos.

Períodos, temas y estilo

El rapto de Europa, 1632. Óleo sobre tabla. Esta obra se ha considerado "un brillante ejemplo
de la Edad de Oro de la pintura barroca.[34]
A lo largo de su carrera, Rembrandt haría suyos los géneros del retrato, el paisaje y la pintura narrativa. Por
esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos, que le consideraban un maestro en la
interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles.[35]
Estilísticamente, su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios —caracterizada por una excelente
técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior, más "áspero", que invocaba las
cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura.[36] En cuanto al grabado, podría
hablarse de un desarrollo similar. En las obras ejecutadas en su madurez, especialmente a partir de finales de
la década de 1640, la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios
impresos. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones, una gran superficie vacía
puede sugerir un espacio, mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas
en penumbra.[37]
Leiden (1625-1631)

"El fumador", de Joos van Craesbeeck. En Leiden, Rembrandt también cultivó este tipo de
retratos, muy populares en su época.
Fue durante el período de Rembrandt en Leiden (1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor
influencia de Lastman. Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella primera etapa
de formación.[38] Las pinturas de esta época son bastante pequeñas, pero ricas en detalles, especialmente en
vestiduras y joyería. Los temas preferidos en esta etapa son obras religiosas y alegóricas, al igual que los
"tronie", género popularmente holandés.[38] [39] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados, y la
rápida difusión característica de este medio le ganaron fama internacional.[38] En 1629 pintó "Judas
arrepentido, devolviendo las monedas de plata" y "El artista en su estudio", obras que evidencian su
progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos; esta obra constituye el
primer gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento como pintor.[40]
[editar] Primer período en Ámsterdam (1632-1636)

Un típico retrato de 1634, cuando Rembrandt gozaba de un enorme éxito comercial.

Durante sus primeros años en Ámsterdam, Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de
carácter más dramático, fuertemente contrastadas y en grandes formatos. A esta época pertenecen "El
cegamiento de Sansón" (1636), "La fiesta de Belshazzar" (c. 1635) y la "Dánae" que emulaba el estilo
barroco de Rubens.[41] Con la ayuda ocasional de asistentes en su taller de Uylenburgh, Rembrandt satisfizo
numerosos encargos de retratos, tanto pequeños ("Jacob de Gheyn III") como grandes ("Retrato del armador
Jan Rijcksen y su esposa", (1633); "La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp", fechado en 1632).[42]
Segundo período en Ámsterdam (1636-1650)
A finales de la década, Rembrandt había producido apenas algunas pinturas y pocos grabados de tema
paisajístico. Comúnmente, estas pinturas solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza, reflejada en
árboles desarraigados y nubes ominosas ("Casa de campo ante un cielo tormentoso", 1641; "Los tres
árboles", 1643). A partir de 1640, Rembrandt fue eliminando los rasgos más pintorescos y su estilo se volvió
más sombrío y comedido, quizás debido a las tragedias personales que ya habían empezado a sucederle. Del
mismo modo, las escenas bíblicas que había pintado desde su juventud pasaron de centrarse en el Antiguo
Testamento a representar pasajes del Nuevo Testamento. En 1642 recibió el encargo de "La ronda de noche"
—su mayor obra y el encargo de retrato colectivo más importante que recibió en este período— y en el que
trató de encontrar nuevas soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en obras anteriores.[43]

Detalle de La ronda de noche, también conocida como "La milicia del capitán Frans Banning
Cocq", 1642.
A lo largo de la siguiente década, las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de tamaños, técnicas y
estilos. La tendencia anterior a crear efectos dramáticos mediante fuertes contrastes de luz y sombra
(claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color.
Simultáneamente, las figuras empezarían a disponerse paralelamente al plano del cuadro. Estos cambios
pueden ser vistos como un retorno a la composición clásica y, considerando el mayor trabajo de pincelada,
pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano. De esta época son obras como "Susana y los
viejos", (1637-1647).[44] Al mismo tiempo, se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados
y dibujos de paisajes.[45] Esta obra gráfica incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales
holandesas.
[editar] La ronda de noche
Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los holandeses y
"Night Watch" por Sir Joshua Reynolds porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se
habían apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna.
Después de sucesivas restauraciones, se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida
de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol. La obra fue encargada para el nuevo
ayuntamiento de los Kloveniersdoelen, la compañía de mosqueteros encargados de la patrulla urbana.
Rembrandt se alejó de la representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran
retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una escena que sugiere la observación directa
de la acción: La milicia abandona el acuartelamiento, disponiéndose para salir de misión.[46] A pesar de toda
la especulación desatada, la obra fue reconocida como un éxito desde el momento de su entrega. Se
seccionaron algunas partes[47] del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser colgado
cuando se trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715. De cualquier modo, el Rijksmuseum conserva
una reproducción a menor escala en la que se aprecia la idea original de la obra, con las cuatro figuras
principales en el centro de la imagen. Esta obra está expuesta actualmente en el Rijksmuseum, donde ocupa
toda la pared de la mayor sala de la galería.[48]

Período tardío (1650-1669)

Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo, la
lección de anatomía del Doctor Tulp, pintado a los 26 años y una de sus obras tardías, los síndicos del
gremio de pañeros, pintada con 56 años en 1662.

OBRAS DE LEONARDO DA VINCI

Cartón de Burlington House.

Anunciación (Leonardo, Uffizi).

A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó como científico e inventor
en los últimos años, su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras, autentificadas o
que se le atribuyen, y que han sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal.[54]
[Nota 10]

Sus pinturas son célebres. Por un lado, han sido copiadas e imitadas por los estudiantes, y por otro han sido el
centro de debate y controversia entre los especialistas. Entre las cualidades, cabe destacar las técnicas
pictóricas innovadoras que empleó, el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores, el
conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y la geología, la utilización que hacía
de la luz, el interés por la fisonomía, la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro
de las emociones y las expresiones gestuales. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la
combinación de sombras y luces. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda, La
Última Cena y La Virgen de las rocas.
Primeras obras
El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus
alumnos. Otra pintura que parece datar de este periodo, es La Anunciación. Uno de ellos es pequeño, 59
centímetros de largo y 14 centímetros de alto. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran
composición, en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. El otro es un trabajo
mucho más grande, 217 centímetros de largo.[56] En estas dos Anunciaciones, Leonardo ha representado a la
Virgen María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen, y un ángel de perfil que se acerca a ella desde
la izquierda. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel. Aunque
anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio, el trabajo es ahora casi universalmente
atribuido a Leonardo.[57] Entre 1478 y 1482, pintó Madona Benois, una obra que le ha sido atribuida pero es
muy debatida en cuanto a su fecha de ejecución. Fechada hacia 1474-1476, otra pintura que ha sido atribuida
al pintor florentino es un pequeño retrato, Ginebra de Benci. La Virgen del clavel, cuya fecha de ejecución se
presume entre 1478 y 1480, es otra de sus obras de este periodo.
Década de 1480
En la década de 1480, Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a trabajar para otra obra que fue
igualmente de gran importancia en términos de composición. Desgraciadamente, dos de las obras nunca
fueron terminadas, y la tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. Uno
de estos cuadros fue el de 'San Jerónimo. Liana Bortolon, asocia este cuadro a un período difícil de la vida de
Leonardo, los signos de la melancolía se pueden leer en su diario: «Pensaba que aprendía a vivir, aprendía
sólo a morir».[13] La fijación audaz e innovadora de la composición de San Jerónimo, con los elementos del
paisaje y el drama personal, aparece igualmente en otra gran obra inacabada, la Adoración de los Magos, un
encargo de los frailes de San Donato en Scopeto. Fue un cuadro muy complejo, y Leonardo realizó
numerosos dibujos y estudios preparatorios, incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una
ruina de arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena. En 1480, el pintor florentino hizo una obra que
ha sido muy famosa, La dama del armiño. Pero, en 1482, a petición de Lorenzo de Médici, Leonardo marchó
a Milán para ganar los favores de Ludovico Sforza. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro.
[8] [58]
La tercera obra importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos versiones,
ambas atribuida a Leonardo[59] ), que fue un encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán.
La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya construido,[35] y tuvo una elaboración casi tan compleja
como la Adoración de los Magos, pese a tener sólo cuatro personajes, y describe un paisaje en lugar de un
fondo arquitectónico. El cuadro pudo ser terminado, se hicieron dos versiones de la pintura: la que ha
quedado en la capilla de la cofradía, y una segunda versión hecha algunos años más tarde, con el añadido de
las aureolas y el bastón de Juan Bautista.
Década de 1490
Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena, que representa la última comida compartida por Jesús
con sus discípulos; fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en
Milán. Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer, para así dejar de hacerlo los tres o cuatro
días siguientes, que topó con la incomprensión del prior del convento.[29] Es una obra maestra en su
concepción y caracterización, que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt. La
obra ha tenido que ser restaurada constantemente debido a la técnica utilizada por Leonardo;[Nota 11] al cabo de
un tiempo ya fue descrita por un testigo como una obra «totalmente dañada».[8] A pesar de todo, es una de las
obras de arte más reproducidas.[Nota 12] Entre 1499 y 1500, Leonardo pintó Santa Ana, la Virgen, el Niño y san
Juanito.
Década de 1500
Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato, La Gioconda,[60] [61] [62] [63] probablemente el cuadro más
famoso de la pintura occidental. La obra representa a Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo.
Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte. El estado de conservación
destacable y el hecho de que no haya ningún signo visible de reparaciones, sobrecapa o repintes es un hecho
muy raro en una pintura de esta época. Otra obra destacable es La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana, pintada
hacia el 1510, y que ha sido copiada muchas veces. La obra influyó sobre todo en Miguel Ángel, Rafael y
Andrea del Sarto,[8] y a través de ellos, en Pontormo y Antonio da Correggio. El estilo de la composición ha
sido adoptado en particular por pintores venecianos como Tintoretto y Paolo Veronese. Una de las últimas
pinturas de Leonardo fue la de San Juan Bautista, en la que usó como modelo a Salai.[66]
Dibujos

Dibujo preliminar de La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana.

Leonardo no fue un pintor prolífico pero, en cambio, fue un dibujante muy productivo; llegó a llenar sus
diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su
atención. Además de sus notas, existen numerosos estudios de sus pinturas, del que algunas son bocetos
preparatorios de obras como Adoración de los Magos, La Virgen de las Rocas y La Santa Cena.[67] Su primer
dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473, donde se puede observar el río, las montañas, el
castillo Montelupo y, más allá, las explotaciones agrícolas hechas con gran detalle.[13] [67]
Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio, un estudio de las proporciones del cuerpo
humano, el Jefe del ángel, La Virgen de las Rocas y La Virgen, el Niño Jesús con santa Ana y san Juan
Bautista, que fue un gran dibujo (160x100 cm) en yeso blanco y negro sobre un papel de color;[67] en él
utiliza la técnica sutil del «sfumato». Este tema de Santa Ana, junto con el de la Sagrada Familia,
predominaría en la obra de Leonardo de 1500 a 1517.[29] No parece que Leonardo hubiera hecho ninguna
pintura a partir de este dibujo, pero un cuadro bastante próximo es La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana.[8]
Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que, aunque exagerados,
parecen estar basados en la observación de modelos vivos. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una
persona que tenía una cara interesante, la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con
detenimiento.[29] También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza, con una cara poco habitual,
característica del llamado «perfil griego», perfil característico de muchas estatuas griegas; las cuales se han
asociado con Salai. Leonardo había pintado a Salai llevando diferentes trajes y disfraces, hay que recordar
que Leonardo era famoso por haber creado decoraciones y vestimentas para procesiones tradicionales. Otros
dibujos, a menudo minuciosos, muestran estudios sobre ropas. Otro ejemplo de la curiosidad de Leonardo es
un dibujo de Bernardo di Bandino, uno de los asesinos de Juliano de Médici en la conspiración de los Pazzi,
después de ser colgado en una de las ventanas del Palazzo del Capitano di Giustizia de Florencia, el 29 de
diciembre de 1479.[
Giotto

Presunto retrato de Giotto, atribuido a Paolo Uccello.

Giotto di Bondone, mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano, 1267 - Florencia, 8 de
enero de 1337) fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se lo considera el primer
artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en
romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar
temas religiosos, fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de sangre y fuerza vital.

Primeras obras conocidas

Escenas de la vida de San Francisco, en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo.

Cuando Giotto promediaba la treintena, su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya
por toda Italia, a tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle algunas muestras de
su arte, con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para
trabajar en Roma. Según Vasari, Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero, hundió su pincel en
pintura roja y, con un solo trazo continuo, dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto,
diciendo al hombre: "La valía de este trabajo será reconocida". Escribe Vasari: "Cuando el papa vio el
lienzo, percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo".
Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue, Giotto comenzó pronto a ocuparse de
encargos de terceros, principalmente trabajos religiosos. Así, se le atribuyen como primeras obras dos series
de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. Un primer ciclo, en la parte alta de las paredes del templo,
realizado posiblemente en la primera mitad de la última década del siglo XIII, y de atribución bastante
dudosa, desarrolla temas bíblicos. Más adelante, entre 1297 y 1299, una nueva serie de frescos fue muy
probablemente ejecutada por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia, acerca de la vida de San
Francisco de Asís. Vistos los excelentes resultados, se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los
extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua.

Color

El color es un aspecto importante en la pintura.

El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le
envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes
de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético.
Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las
diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y
animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con
mayor precisión.
Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas
reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas
correspondientes. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. A
diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro.
Con poca luz se ve en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada
"superposición de colores luz") el color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que
el negro es la ausencia de color. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas, tintes, tintas y colorantes
naturales para crear colores) el blanco solo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese
color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian, magenta y amarillo.
La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la
naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.

TEORÍA ARTÍSTICA DEL COLOR

En artes visuales, teoría artística del color (o teoría del color) está un cuerpo de la dirección
práctica a color el mezclarse y el impacto visual de las combinaciones específicas del color.
Aunque los principios de la teoría del color primero aparecer en las escrituras de Leone
Battista Alberti (c.1435) y los cuadernos de Da Vinci de Leonardo (c.1490), una tradición de la
“teoría colory” comienza en el décimo octavo siglo, inicialmente dentro de una controversia
partisana alrededor Isaac Newton'teoría de s del color (Opticks, 1704) y la naturaleza de
supuesto colores primarios. De él se convirtió como tradición artística independiente con
solamente referencia superficial a colorimetría y ciencia de la visión.
La teoría del color ha tenido de largo la meta de predecir o de especificar las combinaciones
del color que trabajarían bien juntas o aparecerían armoniosas. La rueda del color se ha
adoptado como herramienta para definir estas relaciones básicas. Algunos teóricos y artistas
creen que las yuxtaposiciones de colores complementarios están dichas para producir un
contraste o una tensión fuerte, porque se aniquilan cuando están mezcladas; otros creen las
yuxtaposiciones de las interacciones armoniosas del color del producto complementario de los
colores. Los colores al lado de uno a en la rueda del color se llaman los colores análogos.
Tienden para producir una experiencia sola-hued o dominante del color. La armonía se ha
buscado en combinaciones con excepción de estos dos. Una fractura complementaria
esquema de color emplea una gama de tonalidades análogas, “parten” de un color dominante
básico, con el color complementario como contraste. Un esquema de color triadic adopta
cualesquiera tres colores aproximadamente equidistantes alrededor del círculo de la tonalidad.
Las impresoras o los fotógrafos emplean a veces un esquema de color del duotone, generado
como gradaciones del valor en negro y una sola tinta o filtro coloreada del color; los pintores
refieren a veces al mismo efecto que un esquema de color monocromático.
Isaac Newton

Sir Isaac Newton (25 de diciembre de 1642 JU – 20 de marzo de 1727 JU (4 de enero de 1643 GR – 31 de
marzo de 1727 GR)) fue un físico, filósofo, teólogo, inventor, alquimista y matemático inglés, autor de los
Philosophiae naturalis principia mathematica, más conocidos como los Principia, donde describió la ley de
gravitación universal y estableció las bases de la mecánica clásica mediante las leyes que llevan su nombre.
Entre sus otros descubrimientos científicos destacan los trabajos sobre la naturaleza de la luz y la óptica (que
se presentan principalmente en su obra Opticks) y el desarrollo del cálculo matemático.
Newton comparte con Leibniz el crédito por el desarrollo del cálculo integral y diferencial, que utilizó para
formular sus leyes de la física. También contribuyó en otras áreas de la matemática, desarrollando el teorema
del binomio y las fórmulas de Newton-Cotes.
Entre sus hallazgos científicos se encuentran el descubrimiento de que el espectro de color que se observa
cuando la luz blanca pasa por un prisma es inherente a esa luz, en lugar de provenir del prisma (como había
sido postulado por Roger Bacon en el siglo XIII); su argumentación sobre la posibilidad de que la luz
estuviera compuesta por partículas; su desarrollo de una ley de convección térmica, que describe la tasa de
enfriamiento de los objetos expuestos al aire; sus estudios sobre la velocidad del sonido en el aire; y su
propuesta de una teoría sobre el origen de las estrellas. Fue también un pionero de la mecánica de fluidos,
estableciendo una ley sobre la viscosidad.
Newton fue el primero en demostrar que las leyes naturales que gobiernan el movimiento en la Tierra y las
que gobiernan el movimiento de los cuerpos celestes son las mismas. Es, a menudo, calificado como el
científico más grande de todos los tiempos, y su obra como la culminación de la revolución científica. El
matemático y físico matemático Joseph Louis Lagrange (1736–1813), dijo que "Newton fue el más grande
genio que ha existido y también el más afortunado dado que sólo se puede encontrar una vez un sistema que
rija el mundo."

COLORES ANÁLOGOS Y SU NORMA

Los Colores Análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados de cualquier color en el
círculo cromático, son los colores vecinos del círculo cromático los cuales, tiene un color como
común denominador, si se tomase como color dominante el rojo pudiendo formar un esquema
de colores análogos con los otros tres correlativos en el círculo cromático representados en la
acuarela por el laca de garanza, el púrpura y el violeta.
Son aquellos que se encuentran muy próximos en el círculo de color (por ejemplo toda la
gama de azules, dede el verdoso al violáceo). Usados juntos producen sensación de armonía.

Los colores análogos son base del esquema armónico en la elección de los colores de la
decoración y las paredes.

Otro ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. En un sentido más
específico, los análogos del rojo, serían rojo violáceo y rojo anaranjado. O también gama de
azules, desde el verdoso al violáceo.

CARACTERÍSTICAS del COLOR

Ya sean de naturaleza lumínica o pigmentaria, las características esenciales de los colores son:
Tono o matiz
Es el estímulo que nos permite distinguir un color de otro. Así, rojo, verde o azul. También se define como la variación
cualitativa del color, en relación con la longitud de onda de su radiación.
El matiz también hace refencia al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático, por lo que el
verde amarillento y el verde azulado serán matices diferente del verde.
Según el tono los colores se pueden dividir en cálidos, rojos, naranjas y amarillos (colores asociados con la luz solar,
el fuego...) y fríos, verdes, azules y violetas (colores asociados con el agua...).
Los colores cálidos, dan sensación de actividad, de alegría, de dinamismo, de confianza, amistad y acogimiento. Los
colores fríos dan sensación de tranquilidad, seriedad y distanciamiento.
Saturación o Intensidad
Es la sensación más o menos intensa de un color, es decir, su nivel de pureza. La máxima saturación de un color es
aquella que se corresponde a la propia longitud de onda del espectro electromagnético y carece absolutamente de
blanco y negro.
- Los colores puros del espectro están completamente saturados. De un color puro se dice que es un "color muy
vivo".
- La intensidad de un color está determinada por su carácter de brillante u apagado.
- La perdida de saturación de un color puede producirse añadiéndole blanco o mezclándolo con su complementario, lo
que daría un color neutro.
- Para desaturar un color sin que varíe su valor, hay que mezclarlo con un grís de blanco y negro de su mismo valor.
En los ejemplos de arriba, el color rojo de la fresa ha ido perdiendo intensidad hasta aparecer gris en uno de los
casos, pero igualmente pierde intensidad al agregarle blanco, en el segundo. En la escala inferior, la intensidad del
color naranja, va decreciendo hasta un gris de su mismo valor al perder saturación.
Lumniosidad, brillantez o valor
Se entiende como la capacidad de un color para reflejar la luz blanca que incide en él. Alude a la claridad u oscuridad de
un tono. Los tonos rojos de las imágenes superiores, tienen distintos "valores" de luminosidad, desde los más altos a
los oscuros. El término valor es sinónimo de luminosidad e igualmente hace alusión al grado de claridad u obscuridad
de un color.
El naranja puro de arriba señalado con una X, al mezclarse proporcionalmente con blanco, dá como resultado valores
más altos o claros de ese color, que al mismo tiempo pierde saturación. A medida que se le agrega negro, pierde
brillantez, se intensifica en oscuridad y obtiene valores más bajos.
Características de tono, saturación y luminosidad.
Los sistemas de registro como la fotografía o el vídeo, tienen que adaptarse a otra característica, la denominada
temperatura de color de las fuentes que iluminan la escena. Dependiendo de la naturaleza de la luz los colores
pueden variar notablemente ofreciendo resultados erróneos. La luz natural (luz día) tiene una alta temperatura de
color (10.000º Kelvin), mientras que la luz artificial (luz de bombilla) tiene una baja temperatura de color (3.000º
Kelvin). El mismo motivo con esta última temperatura de color produciría un notable cambio de los tonos que
apareciendo filtrados de amarillo.

PSICOLOGÍA DEL COLOR

Amarillo: Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una gran inteligencia o con una gran deficiencia
mental; Van Gogh tenia por el una especial predilección, particularmente en los últimos años de su crisis.
Este primario significa envidia, ira, cobardía, y los bajos impulsos, y con el rojo y el naranja constituye los colores
de la emoción. También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición.
Es el color de la luz, el sol, la acción , el poder y simboliza arrogancia, oro, fuerza, voluntad y estimulo.
Mezclado con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad, disimulo, crimen,
brutalidad, recelo y bajas pasiones.
Mezclado con blanco puede expresar cobardía, debilidad o miedo y también riqueza, cuando tiene una leve
tendencia verdosa.

Naranja: Es algo mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos, tristes o linfáticos.
Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo, ardor y pasión. Utilizado en pequeñas
extensiones o con acento, es un color utilisimo, pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una
impresión impulsiva que puede ser agresiva.
Mezclado con el negro sugiere engaño, conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro , opresión.

Rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida, que vive hacia afuera , tiene un temperamento vital,
ambicioso y material, y se deja llevar por el impulso, mas que por la reflexión.
Simboliza sangre, fuego, calor, revolución, alegría, acción, pasión, fuerza, disputa, desconfianza, destrucción e
impulso, asi mismo crueldad y rabia. Es el color de los maniáticos y de marte, y también el de los generales y los
emperadores romanos y evoca la guerra, el diablo y el mal.
Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente, habrá que controlar su extensión e
intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente.
Mezclado con blanco es frivolidad, inocencia, y alegría juvenil, y en su mezcla con el negro estimula la imaginación
y sugiere dolor, dominio y tiranía.

Violeta: Significa martirio, misticismo, tristeza, aflicción, profundidad y también experiencia.

En su variación al púrpura, es realeza, dignidad, suntuosidad.
Mezclado con negro es deslealtad, desesperación y miseria. Mezclado con blanco: muerte, rigidez y dolor.

Azul: Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la
circunspección, la inteligencia y las emociones profundas. Es el color del infinito, de los sueños y de lo maravilloso,
y simboliza la sabiduría, fidelidad, verdad eterna e inmortalidad. También significa descanso, lasitud.
Mezclado con blanco es pureza , fe, y cielo, y mezclado con negro, desesperación, fanatismo e intolerancia.
No fatiga los ojos en grandes extensiones.
Verde:Es un color de gran equilibrio, porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del
juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro.
Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y
simboliza la primavera y la caridad.
Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia y calma, también
porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo el color de los celos, de la degradación moral y de la locura.
Significa realidad, esperanza, razón, lógica y juventud.
Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la compania.
Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza.
Sugiere humedad, frescura y vegetación, simboliza la naturaleza y el crecimiento.

Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. Es la suma o síntesis de todos los colores, y el
símbolo de lo absoluto, de la unidad y de la inocencia, significa paz o rendición.
Mezclado con cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas, la del blanco es siempre positiva y
afirmativa.
Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia.
Gris: No es un color, sino la transición entre el blanco y el negro, y el producto de la mezcla de ambos. Simboliza
neutralidad, sugiere tristeza y es una fusión de alegrías y penas , del bien y del mal.

Negro:El color más oscuro. De hecho, el negro puro es la ausencia de color y de luz. Sólo existe (en teoría) en
los objetos estelares conocidos como "Agujeros negros", que no dejan escapar radicación alguna, luz visible
incluida. No reflejan nada, no emiten luz.
En la vida más normal, el negro es el color neutro más oscuro que un aparato, pintura o tinta son capaces de
reproducir. La cuestión de la neutralidad (ausencia de predominio de una longitud de onda concreta) es esencial
para que el ojo humano considere "negro" ese tono.
Símbolo del error y del mal. Es la muerte, es la ausencia del color. Estiliza y acerca. También transmite nobleza y
elegancia. Entre los chinos y los egipcios, sin embargo, el negro fue signo de fertilidad. Entre los primeros, además
representaba el yin femenino. Pese a la consideración negativa del negro, la razón por la cual se impuso, sobre
todo durante una época, el uso del color negro como singularización de un determinado estatus social, tiene que
ver con la protección que este color ejercía contra los movimientos del mal.

Numerosos test selectivos han demostrado que el orden de preferencia de los colores es el azul, rojo y verde, los
amarillos, naranjas y violetas ocupan un segundo plano en el gusto colectivo, las mujeres sitúan el rojo en primer
lugar, y los hombres el azul.
Cromoterapia
La Cromoterapia es una Terapia que se suele utilizar dentro de la Medicina Natural y que se lleva a cabo a través
de los colores en que se divide el espectro de la luz solar.
Sin la luz solar, la vida no sería posible. Su influencia sobre los seres vivos es fundamental. Este poderoso agente
natural es, a la vez, un notable elemento curativo.
La Naturaleza proporciona gratuitamente los mejores remedios para preservar la salud y para recuperarla en caso
de enfermedad. Sólo los cuatro elementos, debidamente combinados, el sistema naturista ha venido venciendo
muchas de las llamadas " enfermedades incurables ". La Cromoterapia es una de las facetas de la Medicina Natural.
Conocida desde las más antiguas civilizaciones, la investigación médica ha redescubierto ahora este medio de
curación natural que brinda a la Humanidad la posibilidad de alcanzar la salud sin caer en el riesgo de las
venenosas drogas sintéticas de la Medicina moderna. Mediante los diversos rayos de la luz solar, visibles e
invisibles, se pueden sustituir con éxito centenares de los medicamentos hoy en uso.
Químicamente muy rica, la luz solar transmite esta riqueza a la Tierra, de manera que pueda ser asimilada por los
organismos vivos : animales y plantas.
De hecho, los colores existen en todas las sustancias del Universo. La ciencia demuestra que cada una de ellas
tiene un espectro propio, desde los simples átomos a las más lejanas galaxias.
La utilización de los colores en la prevención y en el tratamiento de las enfermedades, se basa en el hecho de que
los sentidos tienen una gran influencia sobre la mente, haciendo permeable al ser humano según la información
que recibe.

LOS COLORES Y SUS TÉCNICAS

Óleo

El dos de mayo de Francisco de Goya.

El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. La pintura al
óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún
aceite vegetal. Estos aceites se secan más lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se
forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos de
secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este proceso de oxidación confiere
riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de aceite y
disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades, opaca o
transparente, mate o brillante. Por esta y por otras razones, el aceite puede considerarse como el medio más
flexible. Usado de una manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado
aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de soportar capas sucesivas, permite al
artista desarrollar un concepto pictórico por etapas - Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)-
y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Las fotografías con rayos X
demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de
realización de un cuadro.[17]
Caja de acuarelas.
Acuarela
La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son
transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que
actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus
procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la
composición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la
ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo existe
la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las
primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de
la translucidez de la acuarela clásica.[19]
Témpera
La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco
de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo
diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la
acuarela «clásica» se considera incorrecto. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y
hacer efectos de trazo seco o de empaste. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga, aunque
muchas témperas modernas contienen plástico. Con esta técnica François Boucher logró grandes obras
maestras, los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos para dar distinción a una zona
concreta de la pintura hecha con acuarela . Según el pintor Paul Signac: «... determinados rosas violáceos de
los cielos de Turner, ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un
poco de gouache.

Arte en Crayon de Madera

Esta técnica se basa utilizando crayones de madera, puedes combinar tonos (como amarillo y rojo,
obtendríamos el naranja) así logrando tonalidades únicas, realismo y facilidad de trabajar tu arte. Puedes
dejar de trabajarlo por horas, días y podrás seguir pintando sin ninguna dificultad. Esta técnica se trata de
pintar en la dirección correcta para que logre volúmenes así como trabajar con luces y sombras. Las
tonalidades de las sombras es mejor que se trabajen con el color morado mas el tono del objeto donde nace la
sombra, porque el color negro ensucia el trabajo y mira al rededor, las sombras no son negras… Puedes
trabajarlo en un papel con textura, como Cascara de Huevo y Lino.
Armonía cromática
La Armonía cromática, o Armonía de los colores, es concebida hoy, sobre todo en los ámbitos pictóricos y
en los de la Iconolingüística, como el conjunto de técnicas que se aplica a la creación de un colorido para
lograr cierto equilibrio en la interacción de los colores que lo componen. Asimismo se denomina así al efecto
estético de calma que ese equilibrio produce en el espectador. Suelen emplearse también las designaciones
armonía del color y armonía del colorido.
Dicho conjunto de técnicas ha venido evolucionando paralelamente al desarrollo de la Pintura y las artes
relacionadas con ella, desde la Antigüedad griega, hasta alcanzar su actual conceptualización en la
perspectiva iconolingüística de los distintos ámbitos de las Artes visuales y del Diseño. La tradición de la
Armonía cromática ha implicado una incorporación sucesiva de conceptos, entre los que destacan: el ajuste
cromático, la complementariedad, la extensión cromática, el acorde cromático y la coloración acorde.

COLORES PRIMARIOS, SECUNDARIOS Y TERCIARIOS

Colores primarios.
Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran
absolutos, únicos. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando
pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores.

Colores secundarios.
Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %, obteniendo: Verde (S), violeta (S) y naranja
o anaranjado (S).
Colores intermedios.
Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados colores intermedios (I), que como su nombre
indica estan "entre medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa. Otra característica de estos
colore es que se denominan con los colores que intervienen en su composición, primero citando el color primario y
a continuación el secundario: amarillo-verdoso, rojo-anaranjado, azul-verdoso, azul-violeta, rojo-violeta y amarillo-
anaranjado.

Colores terciarios
Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente:
amarillo terciario (verde+naranja), rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta).
Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura, ya que
por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media.

Colores elementales
Los ocho colores elementales corresponden a las ocho posibilidades extremas de percepción del órgano de la
vista. Las posibilidades últimas de sensibilidad de color que es capaz de captar el ojo humano. Estos resultan
de las combinaciones que pueden realizar los tres tipos de conos del ojo, o lo que es lo mismo las
posibilidades que ofrecen de combinarse los tres primarios. Estas ocho posibilidades son los tres colores
primarios, los tres secundarios que resultan de la combinación de dos primarios, más los dos colores
acromáticos, el blanco que es percibido como la combinación de los tres primarios (síntesis aditiva: colores
luz) y el negro es la ausencia de los tres.

Colores complementarios
En el círculo cromático se llaman colores complementarios o colores opuestos a los pares de colores
ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia, unidos por su diámetro. Al situar juntos y no
mezclados colores complementarios el contraste que se logra es máximo.
La denominación complementario depende en gran medida del modelo de círculo cromático empleado. Así
en el sistema RGB (del inglés Red, Green, Blue; rojo, verde, azul), el complementario del color verde es el
color magenta, el del azul es el amarillo y del rojo el cyan. En el Modelo de color RYB (Red, Yellow, Blue =
rojo, amarillo, azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color, el amarillo es el complementario del
violeta y el naranja el complementario del azul. Hoy, los científicos saben que el conjunto correcto es el
modelo CMYK, que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo.
En la teoría del color se dice que dos colores se denominan complementarios si, al ser mezclados en una
proporción dada el resultado de la mezcla es un color neutral (gris, blanco, o negro).
Círculo cromático

Círculo cromático escalonado.

Círculo cromático con degragadado.

Lápices de colores dispuestos cromáticamente.

El círculo cromático es una clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de
distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Los colores más comunes
de encontrar en un círculo cromático son seis: amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde, aunque para
las artes gráficas en el formato digital los colores sean amarillo, rojo, magenta, azul, cian y verde. La mezcla
de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores, haciendo una mezcla de un color con el
siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.
El hexagrama es una estrella de seis picos que se coloca en el centro del círculo cromático. Aunque depende
del número de colores usados en el círculo es la cantidad de picos que tenga dicha estrella. Esta estrella
muestra los colores complementarios.
Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro.
• El amarillo es el color opuesto al azul.
• El magenta es el color opuesto al verde.
• El cian es el color opuesto al rojo.
Y así sucesivamente con todos los colores, como podría ser el azul-verde (verde mar) o el naranja-rojo
(naranja rojizo).
El blanco y el negro podrían considerarse opuestos, pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un
círculo cromático, el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total.
Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Esto
forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises"

HEXÁGONO DE LOS COLORES

A continuación se expone mediante imágenes el proyecto que todos los alumnos de 2º de ESO deben
desarrollar en torno al tema tratado en el capítulo anterior: El círculo cromático.

Materiales necesarios:
- Block de dibujo,
- Compás y regla,
- Lapicero y goma de borrar,
- Témperas (cyan, magenta, amarillo, blanco y negro) y pinceles...

Esquema de trabajo:

Para todos aquellos que aún no sepan cómo se mezclan los colores para obtener los secundarios y los
terciarios pueden acudir al video del siguiente enlace:

ARMONÍA POR ANALOGÍA DEL COLOR

Bien, ya tenemos un conocimiento algo avanzado de en qué consiste el color, las diferencias que existen
entre los colores o tonos propiamente dichos (azul, rojo, etc.) y las diferencias que pueden existir a partir de
otros parámetros como la saturación o el brillo.
Estos conocimientos pueden ayudarnos a comprender cómo componer en colores. Y resulta curioso que
estemos usando términos relacionados con la música: composición, armonía...
Antes de tratar el tema de la armonía, podemos distinguir entre gamas y escalas. Dentro de la escala se
incluye un determinado número de pasos graduales que van de un extremo al otro de los opuestos que enlaza.
La gama tiene un sentido más restrictivo, pero también más rico y preciso. Normalmente, en una gama se
presentan los dos términos entre los que discurre, que pueden estar alejados pero también muy próximos, y
que igual enlaza colores que transitan por una escala como otros transversales muy heterogéneos. Las escalas
son esquemáticas, incluso ideales. Las gamas, por el contrario, se vinculan más a las experiencias propias de
la práctica de la pintura. La misma palabra escala procede del sistema de notas musicales, e igual ocurre con
la palabra gama. La gama de colores cálidos la gama de colores fríos y la gama de colores quebrados nos
hablan de un conjunto de concordancias en la pintura que se desarrolla sobre una superficie.

Perspectiva aérea del color

Perspectiva aérea o perspectiva atmosférica está el efecto sobre el aspecto de un objeto por atmósfera
entre él y un espectador (o la técnica de representar este efecto en una obra de arte, tal como a
pintura del paisaje). Como la distancia entre un objeto y un espectador aumenta, contraste entre el
objeto y sus disminuciones del fondo, y el contraste de cualesquiera marcas o detalle dentro del objeto
también disminuye. Los colores del objeto también se convierten en menos saturado y cambio hacia el
color del fondo, que está generalmente azul, pero bajo algunas condiciones puede estar un cierto otro
color (por ejemplo, en los colores distantes de la salida del sol o de la puesta del sol puede cambiar de
puesto hacia rojo).

RENACIMIENTO, BARROCO, NEOCLASICISMO, ROMANTICISMO, IMPRESIONISMO Y CUBISMO

La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea, e incluye todas las
representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que coincide con la historia del arte en su
contexto histórico y cultural.
El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas, se concentra sobre todo, en ciertas regiones pirenaicas
pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino, en muestras inferiores se
han encontrado en Portugal, Norte de África, Italia y Europa oriental. Las pinturas rupestres más antiguas
conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia, fechada por algunos historiadores de unos
32.000 años, de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense, fueron realizadas con ocre de arcilla,
rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . También cabe destacar las cuevas de Lascaux y
Altamira. Se encuentran dibujados rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a
menudo en aptitud de caza.[3]
Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5.000 años son escenas de
la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y utilizando el tamaño de
las figuras como rango social. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios
principales y entre las mejores conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. En la época
paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de
Jesús como el «Buen Pastor», eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador, este
estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. La pintura románica se desarrolla entre los siglos
XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña, la mayoría de las veces
eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor,
la Virgen María y la vida de santos. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas
laicos principalmente en Francia y Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.[4]

La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci.

En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica, se desarrolló la perspectiva lineal y i el
conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura, también en esta época apareció la
técnica del óleo. Fue una época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci, Miguel
Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano. En la obra de La Gioconda destaca las nuevas técnicas empleadas por
Leonardo, el sfumato y el claroscuro. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas los
frescos de la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de
Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck i Hubert van Eyck. En Alemania destacó el pintor y
humanista Durero.[4]
La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza
del protestantismo, y para esta empresa las convenciones artificiales de los manieristas, que habían dominado
el arte durante casi un siglo, ya no parecían adecuadas, las dos características más importantes del
manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición, en los colores y en las formas, la
novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con
una aproximación, incluso teatral y dramática mediante el claroscuro, el uso de luz y sombra. Caravaggio y
Annibale Carracci son dos pintores coetáneos, y considerados decisivos en la conformación pictórica del
barroco,
Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta, Ostrava Pintura del expresionismo con mezcla del
cubismo.
esta pintura se caracteriza por su dinamismo y sus composiciones, destacan Velázquez , Rubens y
Rembrandt. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó más alegre y festivo que el barroco y
que fue en Francia y Alemania donde más importancia consiguió. El romanticismo de principios del siglo
XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. En Francia el pintor más importante fue
Delacroix, en el Reino Unido, Constable y Turner, en los Estados Unidos, Thomas Cole y en España
Francisco de Goya. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la pintura empezó a perder
su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista, el impresionismo con Manet a la cabeza, es el
estilo de las pinceladas sueltas y la yuxtaposición de colores, sin interesarse por los detalles concretos.[5]
A partir de inicios del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas, el fauvismo que
rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos, el expresionismo que mostraba más los
sentimientos que la reproducción fiel de la realidad, el cubismo con Georges Braque y Picasso con la
descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales, la pintura abstracta es
heredera del cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950, el
Pop art llega un poco después con su máximo exponente Andy Warhol. El minimalismo se caracteriza por la
reducción de la pintura a formas geométricas. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se
siguen realizando en una amplia variedad de estilos y estética.[
principios del siglo XX, el término expresionismo era utilizado para referirse, indistintamente, a cualquier
tendencia de vanguardia. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras que adoptan como tema
del cuadro estados mentales, representados con tanta fuerza, que la apariencia normal de las cosas y las
personas queda distorsionada. Las obras expresionistas, asimismo, muestran una inspiración violenta,
espontánea, rebelde y apasionada, característica de muchos artistas nórdicos. Finalmente se designó como
expresionismo, ya de un modo preciso, la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX
con Vincente Van Gogh, James Ensor y Edvard Munch, expresión de la interioridad de la conciencia, estilo
vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza, en el cual se funden angustia y
simbolismo. En la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre la representación
de las formas tridimensionales sobre la superficie plana de la tela, está el método de Cézanne, consistente en
simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado. A
diferencia de los fauves, Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color, desarrollando
imágenes casi monocromas. Esta etapa bajo la influencia de Cézanne que comprende de 1907 a 1909, se
considera la primera fase del cubismo.

El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) o
superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo,
en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba
descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando
imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

CORRIENTES PICTÓRICAS IMPORTANTES

Los estilos artísticos son innumerables, particularmente en la época contemporánea en la que
numerosos artistas interpretan la realidad en formas plásticas. Cuando estos estilos son
adoptados por diferentes artistas y se convierten en fuerzas de interpretación de un grupo en
torno a las artes, la cultura o a tópicos sociales, éstas han sido definidas como corrientes
dentro de las artes. Así encontramos como corrientes de las artes y la cultura al arte románico,
el arte gótico o el barroco. Veamos cuáles han sido algunos de los principales movimientos en
la historia de la expresión pictórica.
 ESCUELA DE PINTURA POMPEYANA

a su esposa Julia Domna. Pintura de El Fayum. La segunda ilustración corresponde a una joven
mujer escribiendo. Es un significativo ejemplo de pintura pompeyana del siglo I. Estos retratos,
como el de la pareja imperial, son representaciones relativamente realistas de personas de
cierta relevancia política o social. Se colocaban sobre el rostro de la momia de la persona
fallecida. Eran ejecutados en madera o sobre las vendas de lino. Los modelos eran siempre
jóvenes e idealizados, puesto que los retratos debieron ser realizados cuando el modelo aun
vivía. Es factible que el retrato fuese usado expuesto en la vivienda y que, únicamente tras el
fallecimiento del dueño de la casa, se aplicase sobre su momia. La pintura romana, por su
parte, se empleaba en edificios públicos para denotar realismo. Generalmente al fresco, las
pinturas se protegían con una capa de cera para avivar los colores. Suele hablarse de cuatro
estilos pictóricos en la pintura pompeyana: el de incrustaciones, de origen helenístico; el
arquitectónico, que llega hasta comienzos del imperio, y presenta espacios arquitectónicos
que se completan con paisajes ajardinados y figuras; el ornamental (siglo I), de detallada
decoración, y el del ilusionismo arquitectónico, escenográfico o teatral, bien representado por
las pinturas de la Villa de los Misterios en Pompeya.

Pintura renacentista

Ticiano, Amor sagrado y amor profano, h. 1513-1514

La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte
europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. La pintura de esta
época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica,
el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos, nuevas
sensibilidades y técnicas artísticas y, en general, la transición entre el
periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna.

Impresionismo y Pintura Impresionista

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales
del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia
Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las
exposiciones oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo
espontánea y directa.
El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura
reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba
el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la
percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real
que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se
centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas
ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas
compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Todo esto
hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les
importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.

Posimpresionismo

Visión tras el sermón, Paul Gaugin, 1888.

Posimpresionismo o postimpresionismo[1] es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos
pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuñado por
el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y
Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. Este término engloba en realidad diversos
estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las
limitaciones de éste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta
de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión
a su pintura.
Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas,
reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del
mundo.
Expresionismo. Pintura Expresionista
El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los
sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la
realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas
del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el
aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los
artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser
humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

Simbolismo. Pintura Simbolista

El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue
el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente
se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los
pintores eran semejantes.
El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó
en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que
surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto
el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían
identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e
intelectuales. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la
sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en
lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su
momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la
actividad industrial y la degradación.
Cubismo. Pintura y escultura cubista
Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso
concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y
algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean
Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado
el camino.
Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él.
Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la
realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja,
sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más
aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura
de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de
formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el
problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios
puntos de vista.
Futurismo. Arte futurista
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el
primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en
torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le
Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo
frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado
al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la
técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza
nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil
rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso
que la Victoria de Samotracia
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán
artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de
romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo.
Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para
ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el
movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la
deshumanización han alcanzado las máximas metas.

Textura
Textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos, así como las sensaciones que
causan, que son captadas por el sentido del tacto. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir
sensaciones no táctiles (o sea que no se captan por las manos). Se puede referir específicamente a:
• Textura de la música, calidad general del sonido de una composición musical.
• Textura de la pintura, sensación de la tela basado en la pintura y su método de
aplicación.
• Textura del tejido, entrelazamiento , disposición y orden de los hilos en un tejido,
también se refiere a la superficie de un vestido o al material de su confección, existen
varios tipos de fibras, las naturales: algodón, lana, seda y lino. Las de algodón y lino son
fibras naturales vegetales y la lana y seda son fibras naturales animales. Por otra parte
también tenemos las fibras artificiales siendo estas las de polyester y nylon.
• Textura (gráficos por computadora), una imagen bitmap aplicada sobre una
superficie en gráficos por computadora.
La textura es expresiva, significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el
espectador, las que son utilizadas por los artistas, que llevan la materia a un nivel superior del
que ella tiene, para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra.
Volumen
El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. Es una función derivada ya
que se halla multiplicando las tres dimensiones.
En matemáticas el volumen es una medida que se define como los demás conceptos métricos a partir de una
distancia o tensor métrico.
En física, el volumen es una magnitud física extensiva asociada a la propiedad de los cuerpos físicos de ser
extensos, que a su vez se debe al principio de exclusión de Pauli.
La unidad de medida de volumen en el Sistema Internacional de Unidades es el metro cúbico, aunque
temporalmente también acepta el litro, que se utiliza comúnmente en la vida práctica.

DEFINICIÓN DE VOLUMEN
Efigie
Una efigie es la representación de una persona en una moneda, pintura o escultura.
Busto
Un busto es una representación artística de la parte superior del cuerpo humano.Puede ser una escultura,
pintura, dibujo o grabado. Incluye la cabeza, los hombros, el nacimiento de los brazos y el pecho, o parte de
él.
Torso
Torso puede designar:
• al cuerpo humano excluyendo las extremidades, también llamado tronco;
• a una representación escultórica de esta parte del cuerpo.

ARTES POPULARES DE GUATEMALA

Aunque los restos que han llegado hasta nosotros son muy escasos, la pintura mural del periodo clásico maya alcanzó una gran
perfección técnica y una gran calidad artística, logrando un difícil equilibrio entre el naturalismo de los diseños y la gravedad
impuesta por el convencionalismo de los temas.

Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. Primero trazaban
el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco, después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se
iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores. Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado
de las figuras, la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales. Los murales
más importantes que se conservan son los del sitio de Bonampak (Chiapas). Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes de
tres habitaciones de un edificio (790 d.C.). Relatan acontecimientos bélicos que incluyen las ceremonias preliminares a la batalla
(cuarto I), la batalla (cuarto II) y el sacrificio final (cuarto III). Existen fragmentos de antiguas pinturas en Uaxactún, Palenque, Coba
y Chichén Itzá.

Cerámica y lítica
De la misma forma que los muralistas mayas plasmaron escenas mitológicas y
cortesanas en sus composiciones, los ceramistas reflejaron diversos aspectos
relacionados con temas similares. La cerámica polícroma —asociada con el mundo
funerario— fue la más extendida. La técnica era similar a la de los murales aunque
jugaron también con las posibilidades expresivas que les brindaban el engobe y el
pulimento. Suelen ser cilindros, platos y fuentes de distintas dimensiones donde la
pintura cubría casi la totalidad de la superficie. Los perfiles de los dibujos se
realizaban en negro sobre un fondo monocromo, crema o anaranjado. El otro
estilo, del que se conservan muy pocos, llamado códice, recuerda la técnica
utilizada por los escribas mayas sobre las tiras de papel vegetal estucadas y
pintadas. Las figuras antropomorfas alcanzaron también una gran popularidad y
perfección. Las llamadas figuritas de la isla de Jaina (Campeche) incluyen una
variada muestra de tipos físicos diferentes. A esta lejana isla llegaban para
enterrarse personajes ilustres de muy diversa procedencia, y los artesanos de la
necrópolis preparaban los ajuares que habían de acompañarles en su viaje al
mundo de los muertos (Xibalbá).
La talla de las piedras semipreciosas, en jade y obsidiana, suponen una
valiosa aportación al arte maya. Figuras humanas, excéntricos y collares
alcanzaron un grado de perfección que las hizo ser incluidas en los ajuares
de las tumbas más principescas.
Mundo de las Artesanías

Trabajo artesano en arcilla, Nueva Esparta.

Artesanía se refiere tanto al trabajo del artesano -normalmente realizado de forma manual por una persona
sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones -, como al objeto o producto obtenido -en el que cada pieza
es distinta a las demás. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o
industrial.
Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria, Eutimio Tovar Rodríguez en "La
artesanía su importancia económica y social"[1] ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica
 manual creativa, para producir individualmente, bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como
"toda técnica mecánica aplicada, para producir socialmente, bienes y servicios".
Para muchas personas, la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. Para otros es una
continuación de los oficios tradicionales, en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido
práctico del objeto elaborado es también importante.
También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales», pero cada vez son
menos.
Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de
procesos industriales de bajo coste, con apariencia similar a los productos artesanos, pero con menor precio y
calidad.
Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos, ya que es una característica de
la artesanía, que se realiza en talleres individuales o de pocas personas, con poca capacidad para llegar al
mercado.

Cestería

La cestería es el proceso de confeccionar mediante tejido o arrollamiento de algún material plegable, un

recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. Las personas dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o
cesteros.
• Artesanía del morro (elaboración de jícaras y guacales elaborados con la fruta del morro Crescentia
Cujete y la aplicación de una laca natural extraída del insecto nijj Llaveia axin.
• Artesanía del tejido Maya Achí: utilizando telares de cintura y de pie. Especialmente las mujeres
son las que se dedican a la elaboración de esta artesanía, identificándose en algunos casos la organización
en comités, asociaciones o en cooperativas.
Máscaras Ceremoniales de Guatemala
• En Guatemala se producen también como artesanía las máscaras ceremoniales,
que son muy comunes en la artesanía maya, ya que se utilizan como su nombre lo
indica en ceremonias.
• También se utilizan en danzas religiosas y representan a diversos personajes, según
la leyenda que se dance o se cuente.
• Las máscaras son elaboradas con finos acabados y detalles, asi como vivos colores
que se aprecian con el brillo que producen con tan sólo verlas.
• Hay muchos lugares que prodecuen máscaras, entre estos lugares está el Museo de
Máscaras Ceremoniales, ubicado al sur de la iglesia de Santo Tomás.