IDAM – Final

OBJETOS, HOMBRE E HISTORIA

OBJETO
Objeto de Diseño Industrial: Es un objeto producido para la industria al que se le aplica previamente una
actitud proyectista. Expresa las aspiraciones y sentimientos del diseñador que determinan los valores
estéticos del objeto.
Los objetos pertenecen a una segunda naturaleza, el hombre trata, ante la hostilidad del medio en el que
vive, de asegurar su supervivencia a través de la creación de objetos que extiendan sus facultades. Esos
objetos creados compensan las irregularidades mostradas por el espacio. En la actualidad se ve a los objetos
como la resultante de factores evolutivos que corresponden a las necesidades del hombre.
Mundo preindustrial
Horror vacui: Empiezan a aparecer elementos ornamentales en los objetos, se comienza a llenar de signos y
atributos las superficies lisas.
Se sustituye cada vez más rápido a la primera naturaleza porque crece cada vez más la necesidad de
equiparse. Las propiedades comunicativas que antes sólo se asignaban a la obra de arte ahora también las
tienen los objetos.
Objeto de dieño industrial: seriable, de producción mecánica y valor estético en sí mismo y no por agregados.

FORMA
La forma de un objeto es su apariencia. Las explicaciones y descripciones son a posteriori, es una especie de
objeto paralelo a la apariencia. La estructura formal de un objeto es el conjunto de relaciones y descripciones
de este. Todo problema de diseño nace para ajustar la forma y el contexto. La forma es la solución al
problema y el contexto lo define. La forma es la parte del mundo que modemos dominar, el contexto le hace
exigencias a la forma. La forma no sólo debe posibilitar la función, también debe comunicarla para hacer
deseable el objeto y para dirigir los movimientos de uso.

HISTORIA
Las sociedades y las culturas no deben ser consideradas parcialmente sino dentro de un continuo. La historia
trabaja con datos pero se ocupa de hechos del pasado que ya no son realidad. Según el historiador Morris
Cohen, “el ideal de la historia es una reconstrucción imaginativa del pasado, científica en sus
determinaciones y artística en su formulación”. Los hechos del pasado aparecen en el presente sólo como
conceptualización. La capacidad de hacer historia, entonces, no se encuentra en los hechos sino en la
capacidad de interpretación del hombre. Así, los datos adquieren significado cuando alguien se los da. La
historia es lo que el presente encuentra de valioso en el pasado, interpretación mediante. Los hechos del
pasado se transforman en hechos históricos cuando se les otorga un significado relacionado con valores
culturales. La esencia de los valores culturales consiste en su vigencia. Si el historiador se refiere al pasado lo
hace porque considera que le permitirá conocer mejor el presente, es decir que pasa a pertenecer al
presente. En la historia, se busca el conocimiento de uno mismo.

EL HOMBRE
Según Heidegger “habitar es el modo de ser del hombre en el mundo”. Tiene un interés en estudiar al
hombre en sus relaciones con el entorno.
Sentido gregario del hombre: sentido del hombre a agruparse para responder a sus necesidades físicas y
sociales.
Según Linton toda sociedad es un grupo organizado de individuos que establecen entre ellos una cooperación
duradera para garantizar la durabilidad del grupo. El hombre permanecería inactivo si no tuviese
necesidades, sin embargo las necesidades en sí no explican las distintas maneras de satisfacerlas. La
conducta se explica como el resultado de la relación del hombre con el medio ambiente.
Medio ambiente natural: es un conjunto de lo nacido por sí mismo. Cuando el hombre habita ese espacio lo
modifica, lo transforma . El hombre resulta rodeado de otra realidad transformada a través de su capacidad
intelectual y simbólica. ¿Cómo transforma su hábitat? A través de recursos materiales, extra-cuerpos que
mejoran sus facultades. Y recursos intelectuales o simbólicos mediante los cuales nombra a la naturaleza
para apropiarse de ella.
Cultura: Es el modo de ser de una sociedad, tiene carácter individual y social. Las pautas culturales parten del
carácter que comparten los grupos sociales significativos y que permite la comunicación entre los miembros
de una sociedad y asegura la continuidad de la misma. Al formar parte de un continuo histórico los cambios
en la sociedad son paulatinos, es un proceso dinámico.

GRECIA
El más importante de los principios griegos es el paradigma del justo medio que implica templanza, nada en
demasía, dominio de uno mismo, equilibrio en los apetitos. Se aplica a todos los apetitos: por ejemplo el valor
es una virtud y la cobardía es un vicio, sin embargo también es un vicio el exceso de valor. Del justo medio
deriva el comportamiento de los griegos en sociedad y del descrédito para con aquel que sigue su propio
camino sin preocuparse por los compañeros de la ciudad estado. Éste va a vehicular lo correcto entre dos
medidas excesivas. En el caso de la generosidad, entre la avaricia y la prodigalidad. Es el puente entre estes
dos excesos, que proclama la victoria del centro del mismo.

La cultura griega se basa en la competencia de los individuos. Los griegos no querían una sociedad de
conformistas ni una de no conformistas, querían individuos y ciudadanos en su conjunto. La arquitectura
griega no es un resultado casual, los griegos querían construir lo que construían. Tamién en esto se refleja el
justo medio, ya que no había casas colosales, sino mucha horizontalidad y sobriedad.
La cultura griega era aristocrática. Platón sostenía la existencia de hombres de oro, plata y bronce. Aristóteles
estaba a favor de la esclavitud, algunos hombres nacieron para realizar algunos trabajos y está bien que los
hagan. Aceptaban el mundo tal como era, no creían en un dios interesado en el sentido de los hombres. Los
intelectuales griegos querían una separación entre clase privilegiada y clase inferior. No había un sistema
escolar estatal ni imprentas, ni revistas ni periódicos. La cultura literaria de Atenas se basaba en la palabra
hablada en vez de en la escritura. La política estaba basada en la discusión, tenían un nivel elevado de ideas
y de gusto.

Religión
No había dogmas teológicos ni escrituras sagradas ni sacerdocio profesional ni iglesias. Tampoco existía un
clero apartado del pueblo. No había separación entre iglesia y estado. La mayoría de los griegos practicaba la
religión oficial del pueblo.
Los dioses eran seres humanos inmortales y glorificados. No siempre consiguen lo que quieren porque sus
deseos pueden chocar con los de otros dioses. La religión da la sensación de participar en algo colectivo,
hecho necesario para que siga en marcha cualquier sociedad. El oráculo ayuda a mantener el estilo de vida
griego a no alentar nunca acciones románticas.

Crisis del siglo IV

La polis pierde su independencia, cae en poder de los macedonios y de los romanos y se incorpora a un
nuevo tipo de estado. Sin embargo, ninguno de los factores (guerra del Peloponeso, luchas de clase,
decadencia de la polis, constituyen por separado la crisis de la cultura griega)
Atenas forma un sistema ateniense organizando muchas ciudades estado del Egeo. Cambia el viejo sistema
de ciudades estado independientes. Si bien muchos seguían creyedo en la polis se da una subversión contra
el viejo sistema, la vieja moral.

Aspectos generales del s. IV a. C.

Hay distintos aspectos que separan a la primera y segunda mitad del s. IV:
· Aspecto político
Caracterizado por la disolución de la idea de las Polis y el paso a la concepción del “imperio universal” de
Alejandro, predominando en esta transición:

- La proliferación de ligas de ciudades.

- La monarquía militar
- El resurgimiento de las Tiranías, como aspecto predominante del s. IV

Inestabilidad y decadencia de las polis sobre todo en la época entre la llamada Paz del Rey (386) y la batalla
de Mantinea (362). Esta inestabilidad se ve agravada por:

- La violencia de los mercenarios, utilizados en numerosas guerras, ya que había poco interés de los
ciudadanos en la defensa de su patria y el período militar se veía como una carga. Profesionalizandose tanto
los estrategas convirtiendose en generales profesionales como los ejércitos
- El espíritu de revancha de los desterrados. Eran un grave peligro para la estabilidad política de las ciudades,
ya que eran desposeidos de sus derechos y de sus fortunas, y cuando se producía el cambio político y
volvían, se vengaban de sus enemigos provocando graves desórdenes.

Aspecto económico
Hay una gran diferencia entre las dos mitades del siglo:
La primera mitad: Se caracteriza por una profunda crisis, debido a las continuas luchas y como
consecuencias:
- La proletarización de la población
- La falta de trabajo
- El despoblamiento de extensas regiones.
- La reduccion de los mercados debido a continuas guerras en Grecia.
La segunda mitad: Hay un gran cambio, a partir de las conquistas de Alejandro, se potenció la economía y
hay apertura de nuevos mercados. El comercio es a gran escala y las riquezas de Oriente fluían hacia grecia y
Occidente.

Aspecto étnico y social

Hay una nivelación de clases sociales y una mezcla de razas. Las culturas de Oriente y Occidente inician un
proceso de intercambios.

Aspecto religioso
La religión tradicional greiga será sustituida por cultos universales y dioses nuevos en el Panteón helénico.
Isis, Cibeles, Sabazio y Mithra. Las religiones se extiende por occidentes y proliferan las religiones de
salvación.
Aspecto artístico
El arte griego se desarrolla en diferentes lugares y florecieron numerosas escuelas, reflejando la importancia
del individuo y su personalidad individual, así como sus inquietudes, todo ello en un realismo que no excluye
la vejez, la fealdad o el dolor. La construcción que destaca es el Mausoleo de Mausolo de Caria en
Halicarnaso. En escultura los grandes maestros de este siglo son Escopa (420-350?), Praxíteles (400-330),
Lisipo (350-300). Pero este siglo es sobre todo, en escultura, el arte del retrato, de la obra de Lisipo, que no
excluye la caricatura o la idealización, en la que se representan la personalidad espiritual y no el físico del
personaje. En pintura alcanza el arte de este siglo su apogeo con el jonio Apeles.

Aspecto filosófico
Es en esta época, con la cultura organizada, con academias y escuelas, cuando fueron creadas la filosofía y la
ciencia y se legaron a épocas posteriores los instrumentos necesarios para el progreso del saber y para
transmitir la herencia espiritual de Grecia al resto del mundo. Se produce el paso “del mito al logos”, se ha
descubierto el cocepto de Physis o natura, con leyes inmutables que no podían ser violadas por factores
externos y el logos se aplicó a los problemas del hombre. Las dos figuras principales son Platón (428-347) y
Aristóteles (384-322)

Aspecto literario
El s. IV marca la plenitud de la prosa griega, que se convirte en el lenguaje de la filosofía, adornándose con
belleza y elocuencia impuesta por la moda y recogida por los logógrafos de la época. Florecienron todas las
formas de la oratoria: La judicial, la política y la retorica. Pero las diferencias entre las tres eran de carácter
did´actico ya que las tres podían ser cultivadas por la misma persona. Destacab los oradores áticos:
Jenofonte, Tucídides y Platón, con ellos la prosa, al contrario que con los sofistas se ajustó a las
preocupaciones y supo adaptarse tanto al breve y claro estilo de Lisias como a la amplitud y magnificencia
del estilo de Isócrates.La producción tráfica fue abundante, la comedia, ya no es alimentada por la política, se
refugia en la parodia del mito o personajes históricos (Menandro y Aristófanes). La produccción
verdaderamente representativa fue la prosa, que eclipsó en la memoria a la poesía, teniéndo en esta época
sus raices la novela.

Aspecto espiritual
Es donde mayores cambios hay en el s. IV. Desde la caída de Atenas, Grecia estaba empobrecida y humillada
por Persia, cuyo rey intentaba dividir con su oro a las ciudades griegas. Sólo Isócrates comprendió que la
desunión de las ciudades podia destruirlas. Atenas tenía los derechos y méritos suficientes para seguir siendo
la ciudad-guía, pero no tenía la adecuada voluntad de sacrificio que tal empresa rquería. Tras la guerra del
Peloponeso, la caída de Atenas a manos de Esparta significó el despertar de un sueño de la hegemonía, a la
que tenía derecho tras haber sido la primera combatiente contra los persas y defensora de la hegemonía
griega contra la expansión oriental.. Pero a pesar de la derrota de Atenas se demostró su grandesza al
pervivir su superioridad espiritual, sacando de nuevo vigor para afirmarse y hacer frente a los nuevos
enemigos de su libertad: Espart, Tebas, Macedonia y luego Roma. La juventud ateniense del s. IV estaba
menos ocupada en la actividades de la polis, tendía a la actividad espiritual, aprendiendo de la derrota.,
demostrando una desidia de todos los ciudadanos, que dejaban todos los asuntos públicos en manos de
políticos y oradores que los domesticaban para someterlos, Atenas se convierte en un república de abogados,
donde las decisiones políticas se toman más por la influencia de un orador que por meditadas decisiones.

ROMA
El mundo romano tenía tres elementos unificadores: el latín, el derecho romano y la religión. La única
institución del mundo grecorromano que perdura es el cristianismo y parte del derecho romano. En el mundo
romano se logra la práctica más cercana a la ciencia moderna. Para el florecimiento de la ciencia es necesario
un centro de enseñanza e investigación. Hubo también mucho trabajo científico y teórico (métodos
filosóficos). No se dio la relación entre ciencia, técnica y producción económica. Existe la idea de que a la
verdad se llega por medio de la introspección, la lectura de los grandes maestros y no por manipulación de
hechos sensibles. La ciencia era incapaz de influir sobre la ingeniería y otras actividades económicas y para
dejarse influir por ellas.
El individualismo sustituye la disciplina de la polis. Continuo forcejeo por el poder, la riqueza y la popularidad.
Crece la tendencia a la ornamentación y el lujo. En los edificios se tiende al colosalismo, el orden corintio que
en las columnas sustituye al dórico es mucho más cargado.
Surgen filosofías consoladoras frente al áspero mundo en que se vive:
Estoicismo: Filosofía de las clases superiores. Dios único bajo nombres diversos, amable y omnipotente que
cuidaba de sus criaturas. Creencia de que hay que combatir el pecado. Predicaba la moralidad y el
cumplimiento de las tareas que se le imponen a uno. No llega a convertirse en una iglesia, ni en una
organización eclesiástica.
Epicureísmo: Cree en un dios remoto pero amable. Vida tranquila sobre la tierra. Se debe evadir todo
sufrimiento, el objetivo de la vida es el placer (hedonismo). El placer es la ausencia de dolor en el cuerpo y
pena en el alma.
Las dos corrientes tienen un aspecto escapista. Las dos aceptan el mundo como algo susceptible a
modificaciones, el hombre tiene que aceptar todo lo que los dioses deparen.

Roma comienza siendo una ciudad estado. Va más allá de la polis. Es una entidad territorial con una
ciudadanía en común y con leyes comunes también.
Ingeniería: desarrollan arcos, acueductos, circos, estadios y grandes basílicas. En escultura y pintura imitaron
abiertamente a los griegos. Son los primeros en considerar al derecho como algo que cambia con las
necesidades humanas. El derecho natural presume la unidad de toda la humanidad.

Cultura: fue el resultado de un importante intercambio entre civilizaciones diferentes: la cultura griega y las
culturas desarrolladas en Oriente (Mesopotamia y Egipto, sobre todo) contribuyeron a formar la cultura y el
arte de los romanos. Uno de los vehículos que más contribuyó a la universalización de la cultura romana, que
pronto fue la de todo el imperio, fue el uso del latín como lengua común de todos los pueblos sometidos a
Roma. En los dos siglos que siguieron a la guerra de Augusto, el imperio alcanzó su mayor extensión y realizó
una intensa labor civilizadora. La cultura romana ya no quedó limitada a Roma e Italia, sino que se extendió
hasta las más lejanas provincias fronterizas. Se destacaron en la tecnología, los edictos del los pretores, las
disposiciones del senado, de la asamblea popular y de los emperadores y las opiniones de los jurisconsultos
romanos. Los principios fundamentales se han incorporado a la legislación de todos los pueblos civilizados por
Roma.

MEDIOEVO
Las necesidades de las sociedades eran de orden práctico (supervivencia) o de orden trascendental (ligado
con lo espiritual y lo filosófico). El acento está puesto en Dios, un ser sobrenatural que es más que el hombre.
La sociedad medieval es teocrática, prevalece lo divino. Había un sometimiento general a las leyes divinas, a
lo místico. El hombre se considera como un elemento más dentro de la creación divina. La verdad es la
revelada por Dios, quien juzga y decide entre lo bueno y lo malo. La iglesia es la institución más importante
porque es la representante de Dios en la tierra. Los estados bárbaros se forman por falta de cohesión
causada por la imposición de estructuras ajenas.
La caída del imperio romano da lugar a la organización de la sociedad feudal. Las circunstancias no permiten
el progreso técnico. La ciudad decae y se despobla mientras que el campo se organiza. La economía agrícola
es cerrada y de trueque. El campo vuelve a ser naturaleza, desaparece el factor cultural.
La iglesia desarrolla actividades prácticas dentro de los feudos (jurídicas económicas)
Desde la Iglesia se apoya la artesanía con nuevas técnicas.
Trabas para la agricultura y para la artesanía. (Faltaban necesidades de consumo)

Segundo Período
Evolución de la técnica. Se reemplazan las lajas por el empedrado, surge el enganche de caballería, la silla de
montar. Mejoran los medios de comunicación con lo que renace el comercio. Se crean gremios, en este
período se aprecia tanto el trabajo manual como el mecánico. Se desarrolla una cultura comunitaria, unos
necesitan de los otros. Un ejemplo de esto es el esfuerzo comunitario para la realización de catedrales. La
catedral representa la estructura social de la época: el proceso de sistematización y resalta el acento en lo
espiritual y en lo místico. Los elementos se continúan los unos en los otros, no pretende ser resuelta
racionalmente sino emocionalmente. El interés se pone en la percepción emocional y no en la perfección.
Todos los elementos contribuyen a un interés comunitario. La iglesia queda como la única institución. Casi no
hay clase media (señores feudales). Se utiliza un latín simplificado, poco gramatical. Se interrumpe la línea
que va del maestro al aprendiz. Se reconstruye poco a poco, no se puede negar la existencia de una cultura
medieval. Nace la universidad, que empieza como escuelas eclesiásticas. La iglesia era la única institución
capaz de hacer propaganda verbalmente y se debe a ella la conservación del arte y la literatura. Separan
teología y filosofía. Aunque ningún hombre puede llegar al lugar de Dios se puede comprender por
razonamiento.

RENACIMIENTO (XV-XVI)
Puede ser entendido como una manifestación del hombre que constituye la transición entre el final del
Medioevo y la Edad Moderna. Nace y se desarrolla en Florencia, uno de los más destacados centros políticos,
económicos y culturales del siglo XV. Del concepto de Humanidad se desprenden la visión clásica y medieval
del hombre.
Visión clásica: contraposición entre humanidad y barbarie.
Visión medieval: contraposición entre lo que es el hombre y lo que es más que el hombre, o sea la divinidad.
La visión Renacentista parte de la convicción de la dignidad del hombre y de la acentuación de valores
humanos (racionalidad y libertad). Se sigue considerando a la obra de Dios como perfecta, sin embargo ahora
se considera al hombre como la máxima creación divina (acento en lo individual). Se acerca a Dios desde la
razón y no desde lo místico. El hombre renacentista tiene entonces una actitud teórica y prioriza valores
absolutos y universales.
Revalorización del pensamiento clásico. Estudio de la geometría, aritmética, astronomía y música.
Brunelleschi inventa la perspectiva geométrica,
La nueva aristocracia con dinero pone en crisis las instituciones corporativas dela sociedad y de la ciudad.
Las obras dejan de ser de toda la comunidad y comienza a aparecer el nombre del artista. Aparecen los
mecenas que se encargan de dar respaldo a ciertos artistas sustituyendo en esta funcion a entidades
pùblicas.
Leonardo: no considera a las màquinas como un mundo de objetos independientes, los ve como prolongación
artificial de la capacidad de movimiento y de trabajo del hombre.
Con la razòn y valores absolutos se busca representación total del universo con recurrencia a la geometría y a
la aritmètica.

EDAD MODERNA
Cambia la cosmovisión, se produce una crisis de las creencias establecidas.
Desaparece la idea de un orden universal, la idea geocéntrica del universo y la idea antropocéntrica como
concepción de la vida.
Aparece la concepción relativista en el mundo, influenciado por la ciencia.
Ideas de Copérnico y órbitas de Kepler. Kepler introduce la idea de punto de vista adecuado o inadecuado.
Los descubrimientos gográficos estimulan las invstigaciones acerca de astronomía, navegación y geografía.
Las guerras estimulan la técnica, los cambios económicos y los cambios estatales.
Nace el capitalismo mopderno a partir del racionalismo económico: organización, planificación, contabilidad.
Machiavelli funda la nueva política donde los fines justifican los medios. Se produce una liberación del dogma
eclesiastico y del feudalismo.
El hombre moderno se libera de las estructuras Renacentistas y piensa que lo razonable es lo natural y que
no existe nada sobrenatural.
Reforma: el punto de arranque de la fe es el individuo. El creyente no necesita intermediario entre él y Dios
para su salvación. Indignación frente a la manipulación del clero y el negocio de las indulgencias y cargos
eclesiásticos. Empieza como movimiento popular y después se inclina por príncipes y burgueses.
En el siglo XVII se produce la contrarreforma con el fin de recuperar la pérdida de autoridad política y
religiosa. Los jesuitas se encargan de propagar la fe.
Racionalismo (Descartes) Intencion de construir un método de conocimiento basado en la razón. No admitir
por cierto nada que contenga duda. Dividir en partes los problemas. Razonar desde las cuestiones simples a
las complejas.
Colbert propone racionalizar el capitalismo financiero del estado por fomentar el desarrollo económico.
Crisis:
SXVI Pone en crisis la ideología: tiene puntos en común con el Renacimiento (racionalismo, empirismo,
antitradición, individualismo)
SXVIII Ilustración, Revolución Industrial y Romántica SXIX y Relativismo SXX

REVOLUCION INDUSTRIAL
Aparta al hombre de la actividad agrícola y aparece la fábrica en la ciudad.
La revolución industrial es parte de un proceso no es un determinado período de tiempo.
Se dice que es una revolución porque cambia la forma de trabajo y de vida. El hombre se transforma en un
operador de máquinas.
Empieza en Gran Bretaña:
Además de tener capital destinado a la industria el sistema monetario era más sólido que el francés. Había
mayor liquidez y disponibilidad en Inglaterra y más disponibilidad de mano de obra con mayor capacidad de
adaptación a los nuevos trabajos. Inglaterra tenía también más mercados para sus productos, más transporte
desarrollado para la industria. Las cabezas británicas tienen más privilegios que en Francia para el desarrollo
de la industria.
Inglaterra desarrollaba un medio favorable para la industria y responde a sus necesidades.
Todos los factores de la industrialización se unen en la producción textil, que es la primera actividad de
manufactura sometida a la producción industrial.
En sus inicios se ve un aumento de la miseria en el campo y en la ciudad.
No se acepta la pobreza como condición natural de divino designio.
Problemas:
Reclutamiento y adiestramiento de trabajadores.
Acostumbramiento a la rutina industrial.
Amoldamiento de la población a la ciudad.
Integración política de los trabajadores con plenos derechos civiles.
Aplicación del sistema educativo y de los derechos del trabajador.
Primera generación: crece la población rural y las oportunidades de trabajo disminuyen.

EL SISTEMA AMERICANO
Los cambios en Europa son en la organización comercial y en la organización de producción y no en los
métodos de fabricación.
Sistema Americano: Producción a gran escala de productos normalizados, con piezas intercambiables,
fabricados en una secuencia de operaciones mecánicas para las máquinas herramientas. Los cambios afectan
todo el proceso productivo. No existía una estética de la fabricación en serie.
Taylor: estudios sobre el método de realización de una tarea. Aumentar al máximo la productividad
cronometrando y eliminando movimientos superfluos.

GRANDES EXPOSICIONES
El objetivo era el de facilitar la comparación entre nuevos productos. Las primeras Paris 1798-1844 son
posibles por el colapso de los gremios y son de carácter nacional. En la segunda mitad del siglo XIX con el
librecambio las exposiciones pasan a ser internacionales. Existía la posibilidad de vender los productos en
todos lados.
Edificios: montaje y desmantelamiento rápido, sus partes de hierro se podían fabricar en distintos talleres.
Cambios en la manera de construir (hierro) y en el sentido estético.
Se demuestra el optimismo y la fe en las posibilidades de la industria.
Londres 1851
Cristal palace: se producía con partes prefabricadas de pequeñas dimensiones. Valor arquitectónico de la
estructura. No se puede abarcar en una sola morada. No se ven los dos muros, sino una prolongada
perspectiva.

ART & CRAFTS

WILLIAM MORRIS protesta contra los productos fabricados en la época victoriana. Los seguidores del
movimiento sostienen que el diseño afecta a la sociedad y el entorno y como consecuencia el carácter del
individuo.
Luchaban por recuperar los métodos artesanales, mejorar las condiciones de trabajo de los artistas y
colaborar artísticamente con los obreros. Mejorar la integridad de vida restaurando objetos comunes a la vida
diaria.
Critican como se elige y usa el material y evitan la fabricación en etapas de los objetos. La falta de
comunicación entre etapas de diseño provoca que bajen los estándares del diseño.
Restauración de la dignidad del trabajador.
Restauración de la integridad del producto.
Restauración de la consideración por el usuario.
Restauración de la cooperación artística en el proceso de diseño.
PUGIN recomendaba a arquitectos y diseñadores estudiar las obras de los predecesores medievales.
Admiraba la funcionalidad en las plantas y la integración estructura-ornamento medieval.
RUSKIN comparaba el carácter de una nación con el de su arquitectura. Quería que la arquitectura británica
expresara características greco romanas.
1) No manufacturar un artículo que no sea completamente necesario y que en su producción no se
aplique inventiva.
2) No pretender una terminación superficial determinada sin que tenga un fin práctico.
3) No incentivar una copia o imitación de ningún tipo.
Ruskin no da la manera de reformar el diseño, dieta o ideal.
MORRIS: Compromiso por la artesanía y el ambiente de la Edad Media. Su meta era proveer una alternativa
accesible de buen gusto a los productos de la Revolución Industrial. Tiene que conciliar sus ideales de diseño
y los políticos (bajos costos, Standard alto) para los consumidores de clase media. Se anticipa a la unión entre
arte e industria.

THONET
(1840-1870)
De 1920 en adelante se buisca rechazar el pasado y desarrollar nuevas formas de la creación humana. Los
criterios cuantitativos van en perjurio de la calidad. Lugar de producción cerca de las materias primas. 1859-
silla nro 4. Introduce el marketing para sus productos.
Diseño accesible, simple, bello, cómodo y durable.
Nació en un ambiente propicio, se encuentra con Metternich, aprende la economía en los muebles con List.
Logra una unión de arte y técnica, alianza entre lo espiritual y lo material.
Adaptación al gusto de la época sin ser su esclavo.
Normalizado de la producción, piezas intercambiables, especialización del trabajo (antes que Ford).
THE SHAKERS
1770
Cabeza madre (Dios) que se manifiesta en los dos sexos (iguales). Todo en la familia era propiedad común.
Meta: pureza del alma y de todas las cosas mundanas. Los problemas de diseño eran parecidos a los actuales
pero con la fe y sus creencias como fuerza conductora. Sus muebles comunican alegría. Muebles para ser
vistos en sus ambientes originales. Interiores luminosos, sencillos, simples. Terminación artesanal. Las mesas
y bancos eran muy proporcionados y no tenían adornos.
ART NOUVEAU
Origen: Art & Crafts, construcción en hierro, pintores prerrafaelistas, objetos orientales, gusto por nuevas
técnicas.
No es sólo un estilo arquitectónico sino que impregna todas las costumbres de una época.
1) Fue un estilo internacional en la forma y en lo sociocultural. Entraba en la lógica del sistema capitalista
(libre comercio, moderno transporte). Fruto de la clase hegemónica pero no se desarrolló en beneficio de
una clase, no fue clasista. Productos accesibles a toda la escala social.
2) Liberación de formas del pasado. Expresa los nuevos mensajes nacidos de las nuevas tecnicas.
Aceptación de la tecnología, voluntad de doblegarla al nuevo gusto y definición del nuevo gusto.
3) Acortamiento de distancias y consideración paritaria de todos los sectores implicados. Modificación entre
artes puras y aplicadas. La idea de Morris de Arquitectura como conjunto de modificaciones hechas por el
hombre para sus necesidades solo se puede aplicar difundiendo una moda.
4) Se anticipó el hecho de la cantidad como valor, hecho propio del diseño industrial. El Art Nouveau tiene un
nivel de producción artesanal. Acentuación lineal, funde la arquitectura con la naturaleza.

EINFULUNG
Introducción del sentimiento, sentir todal. Intenta explicar porqué los hombres son atraidos por las formas de
la naturaleza. Las formas y volúmenes se aceptan o se rechazan preexistentes en nosotros. La línea es una
fuerza y actúa de la misma manera que en la naturaleza. 2 líneas de gusto: líneas cóncavo convexas:
EINFULUNG y rigor geométrico: ABSTRACCION.
OBRA DE ARTE TOTAL
El término alemán Gesamtkunstwerk (traducible como obra de arte total) se atribuye al compositor de ópera
Richard Wagner, quien lo acuñó para referirse a un tipo de obra de arte que integraba la música, el teatro y
las artes visuales. Desde su acuñación, el término ha sido utilizado para describir distintas manifestaciones
artísticas en las que se combinan elementos de varias artes. En arquitectura, por ejemplo, se emplea este
término para describir a un edificio en el que cada parte está diseñada para complementar a otras dentro de
un todo. El término también fue empleado por los artistas pertenecientes a la "Secesión de Viena" de
comienzos del siglo XX, para describir su objetivo estético. Se refiere a la utilización de un solo lenguaje,
poner todas las cualidades de una obra al servicio del arte. Gaudí puede ser un claro ejemplo de esto.

BÉLGICA
Nace el Art Nouveau. Ambiente favorable a la renovación figurativa.
HORTA Los clientes pertenecían a la burguesía de Bruselas. Grandes profesionales e industriales. Hace la
sede del partido socialista.
VAN DE VELDE: artista selecto interesado en problemas teóricos. Difusión del estilo, debate cultural,
enseñanza. Artes decorativas e industriales al inicio de su carrera. Quiere un método unitario a todos los
sectores proyectuales. El AN de Bélgica es el paradigma de estilo, los de otros lugares son deformaciones

ESCOCIA
Mackintosh (1868-1928)
Hereda la tradición del Art & Crafts. Reducción progresiva a la geometría de fluencias lineales en la plástica
menor. En los elementos arquitectónicos se ve una característica lineal de carácter decorativa. Gusto por
planos y volúmenes.

ESPAÑA (Gaudi 1852-1926)

Destacado sentido del uso de los materiales. Se puede ver una continuidad entre las obras de Gaudi.
Contribuciones:
1) Continuidad sin desviaciones voluntarias de otros maestros.
2) Sentido articulado y fluido de las masas.
3) Había una gran riqueza de colores y formas en su plástica menor.
4) Simbolismo con motivos zoomórficos. Binomio racional-imaginario.

AUSTRIA (Secesión)
Hace emerger la parte decorativa del nuevo estilo, y a través de una simplificación anticipar el
protoracionalismo.
Vincular la arquitectura con las necesidades de la época.
OLBRICH 1898: casa de la secesión. Planta compacta, atrio naturalista. Diferente simetría de bloques de
Wagner.
3 fases: clasista, decorativa, simplificación protoracionalista.
Formas:
Anglosajona: Corriente geométrica de la abstracción.
Austria: Hoffman, Moser Olbrich
Escocia: Mackintosh

ALEMANIA Jugendstil
Se aplica en las artes aplicadas y no en la arquitectura. Se pone tanto empeño en la competencia industrial
como en la bélica. El Art Nouveau en Alemania no es producto de grandes personalidades sino de un
programa de política cultural. Escuelas d arte aplicadas, red de museos industriales en contacto con las
escuelas.
WIENER WERKSTATTE (1903-1932)
Fundada en 1903, la Wiener Werkstätte (Vienna Workshop) era una comunidad de producción de artes
visuales. El taller reunió a arquitectos, diseñadores y artistas cuyo primer compromiso fue el diseño de arte
accesibles a todos. El trabajo más representativo de la Wiener Werkstätte es probablemente el Stoclet Palace
en Bruselas.
"Wiener Werkstätte" fue fundada el 19 de mayo de 1903. Dos de los fundadores fueron los artistas Josef
Hoffmann y Koloman Moser. La financiación fue aportada por el industrial Fritz Warndorfer.

Miembros importantes de este taller fueron el pintor Gustav Klimt, Egon Schiele, Emilie Floge, Max Lenz,
Wilhelm Lizst, Emil Orlik, Dagobert Pesca, Eduard Wimmer Wisgrill, Leopold Bauer, Oskar Kokoschka, Vally
Wieselthier, Otto Prutscher, Emanuel Margold, Hans Ofner , CO Czeschka, Michael Powolny, Carl Moll y Maria
Likarz.

La Wiener Werkstätte creó obras de artesanía en un estilo distintivo, el Estilo Wiener Werkstätte. El taller
realizó sobre todo joyas, telas para prendas de vestir, cerámica y alfarería, y muebles, todos caracterizados
por formas simples, ornamentación mínima y patrones geométricos. Para el Palacio Stoclet en Bruselas, el
punto culminante de la organización, Hoffman se desempeñó como arquitecto, y Klimt y Czeschka (entre
otros) como artesanos.

Si bien muchos de los movimientos de Art & Crafts, como los talleres fundados en Inglaterra, se mostraron
interesados en la integración de la tradición artesanal con las técnicas de producción en masa para un
mercado de masas, la Wiener Werkstätte se concentró en el buen diseño para un mercado más selecto.
Hoffman dijo: "Dado que no es posible trabajar para el conjunto del mercado, nos concentraremos en aquellos
que pueden permitírselo".

El taller también creía que las escuelas de diseño debían incluir clases prácticas sobre la realización de arte (y
no sólo sobre el diseño de la misma); las bellas artes y el arte decorativo debían considerarse como iguales,
y las bellas artes, arquitectura y artes decorativas de arte debían ser unificadas.

Debido a la falta de finanzas, la Wiener Werkstätte cerró en 1932.

Es mejor trabajar 10 días en un objeto que producir 10 objetos en un día. El arte ofrecía a los miembros de la
burguesía vienesa la oportunidad de estar a la par de la aristocracia política. Los burgueses eran los que
promovían el arte, lugar ocupado anteriormente por la aristocracia. Lo viejo no es rechazado, se rechaza lo
nuevo fundado puramente en lo estético.
1903 Se funda la WIENER WERKSTATTE en un café, lugar en donde giraba la vida social y cultural. A
diferencia del Art Nouveau alemán, la WW tenía una postura práctica y racional. Sus metas eran la elegancia
y funcionalidad. Concepto de obra de arte total. Estaban en contra del exceso de objetos, sus interiores lo
demostraban. Querían elevar todos los objetos al status de obra de arte. Si falló fue por la dificultad de
vender objetos de tan altos estándares. Algunos abrazaron el jugendstil y otros se volcaron a una estética
práctica y racional
Metas: Elegancia, funcionalidad, propiedad.
Inicio
La WW tiene sus inicios en Inglaterra con los ideales de Ruskin, Morris y Mackintosh. No era una secta como
la de Arts & Crafts. Tanto en el mobiliario de Mackintosh como en su arquitectura dominan los cuadrados y los
cubos. El arte japonés impacta en todos los artistas del fin del siglo XIX. Diseño interior, pintura y diseño
gráfico.
1) La expansión industrial crea un consumidor que demanda objetos lujosos y exóticos.
2) Artistas, artesanos y diseñadores querían formas y motivos nuevos para reemplazar la pintura
naturalista e historia.
3) La industrialización da lugar a una nueva espiritualidad.
Artes aplicadas y puras eran lo mismo para el artesano japonés. El hogar era la realización de la obra de arte
total.
Armonización entre interior y exterior, decoración, amoblamiento e iluminación.
Decoración: No son complicadas creaciones, son simples líneas. Plano bi y tridimensional. No se preocupan
solo por la geometría sino por la tensión artística (HOFFMAN) producida por medios formales. Los materiales
se subordinan a la expresión (liviano/pesado/sustracciones).
Se diseñaban cosas que tradicionalmente no eran realizadas por artistas: pastelería, arreglos florales.
Se funde lo orgánico y lo geométrico.
Aunque usaban materiales exóticos no se quería crear objetos de colección sino utensilios domésticos.
La calidad artesanal se transforma en una categoría estética.

AMOBLAMIENTO
No se pueden considerar fuera de su contexto. Se quería vencer al demonio de la producción industrial y en
masa. Hay que reestablecer el contexto entre consumidor y productor. Querían producir buenos y simples
objetos cotidianos. No querían competir por los precios más bajos. Placer y dignidad del trabajador. Un objeto
producido mecánicamente puede tener una calidad aceptable pero debe mostrar su forma de manufactura.

DEUTSCHER WERKBUND
La Deutscher Werkbund (DWB) era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en
1907 en Múnich, por Hermann Muthesius. Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura
moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus.
El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios
tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar
competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era "Vom Sofakissen
zum Städtebau" (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de
intereses.
Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría,
como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente
a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las
vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma
abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.
Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a partir de 1914, cuando la
necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría
esta base, permitiendo el nacimiento de la fabricación modular. Se pensó en la posibilidad de fabricar
edificios en serie.
Existió en una primera etapa hasta 1934, sufriendo una pausa en sus actividades en 1918, por los costes en
la industria debido a la primera guerra mundial, y se volvió a reestablecer después de la segunda guerra
mundial en 1950.
Otros arquitectos afiliados al proyecto incluyen a Heinrich Tessenow y al belga Henry van de Velde. El
Werkbund comisionó a van de Velde la construcción de un teatro para la exhibición de 1914 en Colonia, que
fue un momento álgido de su historia antes de la primera guerra mundial. Este teatro fue su mejor trabajo,
pero que solo estuvo en pie un año al ser destruido en la guerra. Van de Velde tuvo de dejar Alemania por ser
ciudadano de un país enemigo. Hay que destacar que, durante la exhibición de 1914 en Colonia, se evidenció
la clara disidencia entre el sector más individualista (encabezado por van de Velde) y el sector más
funcionalista (encabezado por Muthesius).
Walter Gropius decidió reconducir las artes a la arquitectura fundando la Bauhaus en Weimar en 1919.
Hermann Muthesius se inspiró en el movimiento inglés "Artes y Oficios" preconizado por William Morris.
Aunque tras una conferencia que generó gran polémica por condenar el historicismo del arte prusiano, se vio
impelido a fundarlo sobre la base de sus viajes a Inglaterra donde conoció y se vio ampliamente influido por
William Morris y su movimiento, el Arts & Crafts. Se distanciaba de este al admitir la utilización de la máquina
y del proceso industrial. Esta asociación se dividía en dos partes: una encargada de la producción del diseño
(producción mecánica en masa) y en la preservación de la expresión artística industrial.
La Werkbund manifestaba un interés tan amplio por la industria que se confió a Peter Behrens la tarea de
proyectar publicaciones, logotipos, lámparas, escaleras eléctricas, fábricas, conjuntos de habitaciones para
obreros, tiendas y publicidad para la AEG. La Werkbund trabajaba ya en el dominio de diseño industrial. Se
veían en las páginas de los anuarios de la Werkbund reproducciones de fábricas, de muebles, de lámparas, de
locomotoras del Maffeiwerke de Múnich, ferrocarriles eléctricos, buques, reproducciones del avión de Rumper,
puentes de hormigón armado, puentes colgantes de acero, etc.
El Deutscher Werkbund se extendió pronto a Suiza, donde se fundó el llamado Swiss Werkbund, movimiento
que publicó la Revue Mensuell de l’Ouvre, con sede en Lausana.
Jugendstil: Linea ondulada, formaciones onduladas concéntricas, formas orgánicas de plantas.
Antes se había usado el nuevo ornamento sin trasfondo ideológico. Muchos de los artistas iniciadores se
pasan al arte aplicado para tener un efecto más directo sobre la vida. No se puede aceptar una división en el
arte que le otorgue un lugar preferencial a una de sus manifestaciones. Se consideran bellas las formas que
tienen una correspondencia con la vida y a su vez son funcionales. La forma sigue a la función. Se va
perdiendo sin embargo el énfasis en la función y se pone en la estructura.
Preceptos de W MORRIS:
- No pongas en tu casa nada que no sea útil y no te parezca bello.
- El carácter artístico en los objetos de uso debe surgir de manera natural y espontánea del material. De
modo que se logre un efecto imposible de lograr en otro material.
Se sigue asociando lo funcional a lo orgánico.

MUTHESIUS Iniciador y vocero de la DW. Favorecía el orden y la disciplina, no el individualismo bohemio. Se le

oponen al exigir una forma de trabajo msin arte. Le reprocha a la industria que es inmoral producir cada vez
más novedades originales baratas por razones de lucro convirtiendo en demanda la fabricación de cosas
durables. Material, diseño y forma. Propone eliminar el individualismo en el diseño para crear algo de validez
universal. No piensa en formas generales pero sí alemanas.
NAUMAL Ennoblecimiento del trabajo industrial en colaboración entre industria y artesanía. Postura unificada,
educación, propaganda.

MUTHESIUS
Exige una forma de trabajo sin arte. Los muebles y la decoración no pueden ser una manifestación de las
vivencias del diseñador.
Estimular a la fabricación masiva de productos de elevada calidad. Le reprocha a la industria novedades
constantes y baratas por razones de lucro. Demanda la fabricación de cosas durables.
Considera un ideal patriótico el diseño alemán de alta calidad. La función, el material y el diseño no lo son
todo, la forma es lo más elevado.

Según PETER BEHRENS, además de la arquitectura, la escritura es el reflejo más característico de una época.
A partir de 1905 se empiezan a emplear formas cada vez más sencillas. Trata de surgir un arte nuevo que
quiere actuar sin el requisito de un arte previo. Los artistas no estaban motivados por la imitación sino por la
necesidad de crear. Aplica en sus proyectos la idea de fundir arte y técnica en una sola realidad. Behrens
tuvo una larga y fructífera carrera como diseñador. Realizó pintura y diseños de joyería, muebles y objetos de
cristal y porcelana en sus primeros años
BEHRENS en 1907 se suma a la Deutscher Werkbund con cuyo fundador, Hermann Muthesius, comparte
ideas, así como con el resto de los integrantes. Ese mismo año es nombrado consejero artístico de la AEG
(Allgemeine Elektrizitäts- Gesellschaft) y se muda a Berlín. Para la AEG realiza lo más reconocido de su
trabajo. Hizo los proyectos de las fábricas y las viviendas de los trabajadores, muebles, productos industriales
e incluso la papelería, carteles, anuncios y escaparates; contribuyó así a consolidar una nueva idea: la de la
"identidad corporativa", para cuyo desarrollo era necesario un nuevo tipo de empleador, el industrial
visionario involucrado en todos los aspectos producidos por su industria, y también de proyectista, el
"consultor" de diseño. Behrens proclamaba con esto la unión del arte y la industria en sintonía con los ideales
de Hermann Muthesius al fundar la Deutscher Werkbund.
En los siguientes 4 años trabajan en su despacho Walter Gropius, Adolf Mayer, Ludwig Mies Van der Rohe y Le
Corbusier, siendo una reconocida influencia, tal como lo muestra el propio Gropius en su libro "La nueva
arquitectura y la Bauhaus".
En 1914 se adhiere al Manifiesto de los profesores de Universidad y Hombres de Ciencia Alemanes y participa
en 1927 en la explosión organizada por la Werkbund en Welbenhof. Entre 1922 y 1936 es profesor de la
Escuela de Arquitectura de Viena.
En el año de 1936 aceptó el cargo de director del departamento de Arquitectura de la Academia Prusiana de
las Artes de Berlín.
Cambia la interpretación artística antes de la Primera Guerra Mundial.

ALEMANIA, INDUSTRIA, WERKBUND

Problema de la mecanización.
1907 Año en que BEHRENS ingresa a la AEG y MUTHESIUS funda la DEUTSCHER WERKBUND.
MUTHESIUS Agregado comercial en la embajada de Alemania. Difundir artesanía y fusionar artistas, industria
y proyectistas en una organización que hiciera un aporte útil a la economía.
AEG contrata a Behrens como consultor de diseño.
El DW desarrolla una línea de muebles para la producción en serie.
La situación económica y política hace que la tendencia sea la unión entre artesanado e industria.
Al principio pasa a que artesanos y artistas veían oportunidades en la industria y apuntaban allí sus
esfuerzos, parecía que no existía una dirección estética específica.
1911: MUTHESIUS en un discurso pone de manifiesto la idea de que la estética puede ser independiente de la
calidad material. También introduce la idea de normalización como virtud y la de la forma abstracta como
base para el diseño industrial. Propone la eliminación de los accesorios, se refiere al ornamento superfluo.

HILDEBRAND se opone a la imitación de la naturaleza en el arte. Esto hace que el sentimiento

arquitectónico sea reemplazado por una distribución externa de formas. La arquitectura es arrastrada a la
altura de otras artes. La arquitectura debe dirigir a las otras artes en el establecimiento de criterios
homogéneos.

ADOLF LOOS
Valora la sencillez en la forma como una virtud en si misma.
LOOS afirma que el hombre incapaz de proyectar escapa hacia el ornamento.
Tiene la exigencia de eliminar el ornamento superfluo ya que es carente de importancia si hay un buen
manejo de la forma.
El ornamento se asocia a artículos de mala calidad.Su ataque al ornamento se da cuando cae en desgracia el
Art Nouveau. La evolución de la cultura es paralela a la eliminación del ornamento. Ataca sólo la
ornamentación elaborada por artistas. Construir sin decoración es la manera de construir de los ingenieros,
por lo tanto es la manera adecuada en la era de la máquina. La liberación del ornamento es un símbolo de
una mente sin corromper.
VANGUARDIAS
El arte moderno nace de una ruptura con los valores decimonónicos. Se quiebra la unidad espiritual del siglo
XIX. El pensamiento filosófico, político y literario se organiza en una tendencia revolucionario de fondo. Los
intelectuales captan como elemento decisivo la presión de las fuerzas populares. El arte y la literatura se ven
como espejo de la realidad. La literatura sale de la fantasía, pasa a ser la voz del pueblo para el pueblo.
Claridad, evidencia, compromiso. Artistas: intérpretes de la realidad.
La realidad para a ser el contenido de la obra de arte. Para de Sanctus la forma e suna cosa y no una idea, y
hay que expresar las cosas en su realidad.

EXPRESIONISMO
Decae toda forma decorativa. Da lugar a una deformación, expresión de dolor o angustia del artista.
A fin del siglo XIX el positivismo era el posible antídoto a la crisis. EL expresionismo nace sobre la base de
protesta y critica al positivismo, es un arte de oposición. Antinaturalismo, antiimpresionismo.
Para el expresionista había que meterse, había que vivir desde el interior. Les molestaba más que el
positivismo el tono de ligereza de algunos impresionistas. Los impresionistas no terminaban el acto de ver.
Expresión: movimiento del interior al exterior, el sujeto se manifiesta en el objeto. Se propone una creación
desde lo real. Es un movimiento REALISTA.
El artista debe prescindir de los conocimientos existentes para renovar el lenguaje figurativo en cada obra. EL
arte deja de relacionarse con la cultura intelectual y pasa a relacionarse con las clases trabajadoras. Arte
comprometido en lugar de ser un arte de evasión.
CONCEPTO DE FRUICIÓN: “el arte se dirige al hombre, a todos ellos y no importa que este sea viejo o joven,
culto o inculto. De modo que una obra de arte puede ser comprendida y gozada por todos, ya que todos
llevan en si algo artístico”. Una obra de arte puede conmovernos aún si no la entendemos o si encontramos
una sóla lectura.
DIE BRUCKE (1905)
Es el primer grupo expresionista alemán organizado. Busca atraer todos los elementos revolucionarios (el
Puente). Quieren destruir todo lo que obstaculiza la manifestación de la inspiración inmediata. Sus primeros
cuadros no eran ni agradables, ni hedonistas ni brillantes. El contenido superaba la expresión formal.
KIRCHNER Poeta de la ciudad, de la vida actual, de la vida artificial. Hipersensibilidad, formas tensas y
agudas, colores ácidos.
NOLDE quiere creer de la misma manera la naturaleza. Por eso utiliza fuertes e intensas manchas de color, se
ve una alegría turbadora en sus cuadros.
DER BLAUE RAITER (1911)
Fundado en 1911 por Kandinsky y Marc, el grupo del puente se disuelve en 1913. No aceptaban el instinto y
temperamento de Die Brucke. No querían desencadenar los instintos, buscaban captar la esencia espiritual
de la realidad. El artista debe mantenerse distante de la vida oficial. Quieren destruir la idolatría con lo real,
purificar lo impuro. El arte abstracto busca hacer hablar al mundo en vez de a nuestra alma excitada por él.
Representa uno de los principales presupuestos de la objetividad. Expresar los sentimientos de dolor y
angustia del artista. Doble espíritu: exaltación de lo individual y apelación a lo colectivo.

CUBISMO
Rasgos: Construcción de imágenes mediante estructuras geométricas. Representación de los objetos por
formas. Fusión de figura con fondo. Representación de la totalidad del objeto (exterior –interior - sección).
Simultaneidad de las visiones.
Tendencia antiimpresionista cientificista. Reprochaban el impresionismo por ser solo retina y no cerebro.
Querían organizar y hacer una síntesis intelectual de lo que se veia. La geometría es a las artes plásticas lo
que la gramática al arte de escribir. Buscan nuevas dimensiones a las tres del espacio. 4ta dimensión.
Subjetivismo mental: despoja a las formas de la realidad geométrica para llevárselas a la realidad.
Pensaban que el objetivo impresionista de registrar los elementos que vibran a la luz se pierde en su
pincelada. El pintor sigue reglas científicas para que el cerebro haga su propia síntesis.
Representación total de un objeto. La verdad está más allá del realismo, hay que captar la estructura
auténtica de las cosas.
Construcción de imágenes mediante una estructura geométrica.
Representación a través de planos que forman el volumen.
Representación de la totalidad espacial.
No era un arte abstracto, pintaban lo que sabían y no lo que veían.
Rompe con la pespectiva del Renacimiento, puede tratar distintos objetos con distintas perspectivas.
Los arquitectos se ven obligados a pensar en volúmenes y no en masas, planos, superficies que se cortan,
planos suspendidos en el espacio.
Transformar color en luz, acceder a las exigencias del material, se deja de lado el tema.

FUTURISMO
La situación de la proclama de Roma capital precipita en una burocracia y provincianismo en Italia. Por un
lado estaban los artistas académicos, por otro existía el verismo social. EL verismo se basaba en un acto de
denuncia y no en la comprensión del movimiento proletario.
Revistas: La crítica (Croce), Il Leonardo florentino (Papini). Temas económico sociales, filosóficos, religiosos,
literarios, artísticos.
El futurismo nace como antítesis al arte oficial y al verismo. Aspiración a la modernidad.
La ruptura con el pasado, el maquinismo, activismo y belicismo eran características propias de la vanguardia.
Querían reproducir el sentido de velocidad.
En la Arquitectura se produce el rechazo de estilos tradicionales, la destrucción del ambiente preexistente, la
exaltación de la producción mecánica y el uso de nuevos materiales. Se produce la expansión de la
arquitectura a la urbanística y hacen entrar a Italia en la escena del movimiento moderno.
Para pintar una figura hay que pintar su atmósfera, ponen al espectador en el medio del cuadro.

NEOPLASTICISMO
La guerra mundial refleja el conflicto también presente en el arte entre lo individual y lo universal. La guerra
está destruyendo al viejo mundo. El arte nuevo muestra la sustancia de la nueva época (equilibrio entre
individual y universal)La nueva conciencia es para revelarse en todo (cosas cotidianas)Tradiciones, dogmas y
lo individual impiden esta realización. Hay que eliminar lo que cierra el paso al arte puro.
Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento
accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia,
universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento,
en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista.
Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque, Picasso y en la
teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a
líneas rectas horizontales y verticales, negras, blancas y gris, junto con los tres colores primarios. Entre sus
principales representantes se encontraban, además de Van Doesburg, Bart van der Leck, el pintor Vilmos
Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas
Rietveld, entre otros. El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro
como fuera de su círculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el
suprematismo de Maliévich, el origen de la abstracción geométrica.
Características de esta corriente:
Coherencia estética; que sea un movimiento inconfundible (debe haber, por tanto, un programa). Unidad de
las artes.
- Grupo antindividualista; algo que ya vimos en el cubismo analítico con Picasso y Braque (sus obras
apenas se distinguían).
- Buscan un lenguaje formal novedoso; distinto del arte tradicional.
- Los elementos básicos de las obras neoplasticistas son:
Línea vertical y horizontal
Colores claros y oscuros (primarios/ gris, blanco y negro)
Concepto de grande y pequeño, es decir, la oposición de contrarios
Ángulos rectos y grandes planos
- Línea vertical y horizontal
- Colores claros y oscuros (primarios/ gris, blanco y negro)
- Concepto de grande y pequeño, es decir, la oposición de contrarios
- Ángulos rectos y grandes planos
- Aplicación del arte a todos los ámbitos (algo que ya pudimos ver en el movimiento modernista).
- Desaparecen las referencias naturalistas en beneficio de las formas geométricas.
- Valor simbólico.
- La arquitectura es el objetivo al que deben tender todas las artes figurativas.

GERRIT RIETVELD: el artista que ya vimos en arquitectura neoplasticista realizará también muestras de
diseño. Destcan Silla roja-azul, Silla zigzag o Lámpara para el estudio del Dr.Hartog en Maarssen. Aplica todas
las características ya vistas en el movimiento neoplasticista a objetos utilitarios y funcionales; líneas
horizontales y verticales que se cortan, utilización de colores tipicos de esta corriente, etc. En la silla zigzag
vemos un magnífico ejemplo donde la línea horizontal, vertical y oblicua están fusionadas.
Casa Schröder es una de las obras más conocidas de este autor. A pesar de no ser un arquitecto profesional,
ya que se dedicaba a la ebanistería, un día decide dar el salto al ámbito arquitectónico. En la Casa Schröder
apreciamos una volumetría compleja, grandes planos que se cortan, líneas verticales y horizontales, algún
elemento independiente. También se aprecian partes de carpintería en color, como rojo, azul o amarillo que
le dan ese toque ya que vimos en las pinturas anteriormente estudiadas. En definitiva, la arquitectura
neoplasticista es muy sencilla, donde los edificios poseen un aspecto de objeto autónomo. Verdaderamente
consiguen trasponer a la arquitectura los conceptos de la pintura. En Café de Unie vemos como la fachada
parece un auténtico cuadro de Mondrian. Líenas horizontales y verticales, con cuadrados de colores y
distintos tamaños, etc. Todo esto también se traspasará a las construcciones de tipo social, como vemos en el
Proyecto para casas en hileras de bloques superpuestos en Scheveninge.
MONDRIAN: Planos fijos, orden plástico nuevo, espacio poco profundo.
VAN DOESBURG: Estructura lindeal del plano pictórico a través de estrechas franjas de color en un campo
blanco. 3era fase. Introducción de la diagonal por Van Doesburg. La vida y el Arte ya no son dominios
separados. En vez de Arte hay que construir un entorno basado en leyes creativas hechas sobre un principio
fijo. La pintura sin la construcción arquitectónica no tiene razón de ser. IDEAL Principio común a todas las
artes que trasciende la división entre arte y vida.
PRODUCTIVISMO
El movimiento cultural ruso se inicia con la liberación de esclavos en 1861.
1903 Se funda la Asociación para la cultura del proletariado. Proletkult. SU objetivo era promover la cultura a
través de la unidad ciencia, industria y arte.
Productivistas: TATLIN, RODCHENKO. En debate con otros artistas, eran criticados por no hacer arte
constructivo sino por imitar a la máquina. (GABO PEVSNER). Hacían propaganda, muebles desmontables y
prendas duraderas para los trabajadores.
1919-20 Diseño de TATLIN para el movimiento de la III Internacional
LADOSKY (formalismo). Escuela estructuralista, delineación rítmica de superficies, formas puras. Formas
geométricas asociadas a estados psicológicos.
1923 Fundación de la ASNOVA. Idear nuevas formas de construcción relacionadas con el nuevo estado
socialista. El problema más importante desde el punto de vista arquitectónico era el de la vivienda. Creación
de la OSA (Asociación de Arquitectos contemporáneos). Creación de viviendas comunitarias, Incorporación de
métodos científicos, distribución energética, dispersión de la sociedad.
CIUDAD VERDE (GINZBURG). Proyecto para la ampliación de Moscú de “unidades” para solteros elevadas
sobre pilates. A los lados se ofrecían servicios comunitarios.
CIUDAD LINEAL (MILYUTIN). Zona de ferrocarriles, industrial y de educación, verde con autopista, residencial
por sus instalaciones deportivas.
La incapacidad práctica de la OSA en proyectos a gran escala, sumado a la censura de Stalin eclipsaron la
arquitectura moderna en le Unión Soviética.

SUPREMATISMO
(MALEVIC)
Plantea la diferencia entre actividad práctica y artística. Supremacía de la sensibildad pura sobre la
representación naturalista o expresionista.
Impulso originario del hombre por encima de la utilidad en el arte y en el diseño.
Relacionando las sensaciones plásticas con el carácter de la forma se llega a la unificación de las artes.

CONSTRUCTIVISMO (1913-1930)
El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo
especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte
moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la
construcción del sistema socialista.
2 corrientes:
La representada por KANDINSKY, MALEVICH, GABO Y PEVSNER que defienden lo subjetivo en la obra de arte,
el proceso consciente de creación y la encabezada por RODCHENKO y TATLIN que propugna la inserción de
la persona del artista dentro del proceso constructivo de la obra de arte, como un elemento más, poseyendo
la misma importancia que los materiales o cualquier otro agente.
TATLIN y RODCHENKO: Compromiso sociopolítico y tecnológico. La obra canónica del constructivismo fue la
propuesta de Tatlin para el Monumento a la III Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina
con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección.
Gabo criticó públicamente el diseño de Tatlin diciendo O se crean casas y puentes funcionales o el puro arte
por el arte, pero no ambos. Esto llevó a una división importante dentro del grupo de Moscú en 1920 cuando el
Manifiesto Realista de Gabo y Pevsner afirmó la existencia de un núcleo espiritual para el movimiento. Esto se
oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitaria que sostenían Tatlin y Rodchenko.
GABO Y PEVSNER: Estética independiente de connotaciones sociopolíticas.
Mito de la construccion. El espacio y tiempo son las únicas formas donde la vida se construye. Síntesis de las
intenciones de la vanguardia: revolución, maquinismo, propagandismo y simbolismo. El arte debe asistir
donde transcurre la vida.
Fundado en 1913 por Vladimir Tatlin, el movimiento Constructivista ruso tuvo sus raíces en el Cubismo, el
Futurismo Italiano, el Suprematismo Ruso, el Neoplasticismo Holandés y la Bauhaus en Alemania. El término
constructivismo se utiliza para definir la construcción no representativa, escultura, cinética, y la pintura.
Como respuesta a los cambios en la tecnología y la vida contemporánea, abogó por un cambio en la escena
artística, con el objetivo de crear un nuevo orden en el arte y la arquitectura que hiciera referencia a los
problemas sociales y económicos.
Los hermanos Naum Gabo (Esculturas y precursor del Arte cinético) y Antoine Pevsner también apoyaron el
movimiento, utilizando elementos escultóricos del cubismo y futurismo con una alusión a la arquitectura, la
maquinaria y la tecnología. El primer manifiesto del movimiento constructivista fue escrito en 1921 cuando se
formó el Primer Grupo de Trabajadores Constructivistas en Moscú. El movimiento se extendió posteriormente
a Holanda y Alemania antes de ganar popularidad internacional. El estilo fue inicialmente apoyado por el
régimen soviético, pero más tarde se consideró inadecuado por razones de propaganda masiva. A raíz de
este decreto, Gabo y Pevsner se exiliaron mientras que Tatlin permaneció en Rusia.
El constructivismo fue uno de los primeros movimientos en adoptar un punto de vista estrictamente no
objetivo. El trabajo del movimiento fue principalmente de composición geométrica y precisa, a veces a través
de las matemáticas y herramientas de medición. Utilizaron formas básicas: cuadrados, rectángulos, círculos y
triángulos. Utilizaron una gran variedad de materiales incluyendo la madera, el celuloide, de nylon, Plexi-
glass, lata, cartón y alambre soldados o pegadas. Más adelante incorporaron el uso de aluminio, la
electrónica, y el cromo. Al utilizar estas formas y materiales, su objetivo consistía en demostrar el dominio de
la máquina en el mundo moderno y su triunfo sobre la naturaleza.

FORMALISMO
Pura visibilidad.
Intentan en arquitectura establecer formas simbólicas.
Institucionalizar un lenguaje arquitectónico comunicativo sobre bases científicas.
Relaciona la vanguardia rusa con la europea porque resuelve el binomio entre pintura pura y tecnología
ingenieril donde estaba estancado el debate ruso.

SURREALISMO
Juego absurdo de reemplazar una cosa por otra.
Ready-made: piezas arrancadas de contexto
Object trouvé: el mundo se transforma en una tierra ignota que coincide con el inconsciente.
Movimiento inmerso en el mecanismo que gracias a las teorías de Freíd puede llevar más lejos sus
investigaciones.
Buscan una suprarealidad que unifica el sueño y la realidad.
Buscan expresar el funcionamiento del pensamiento.
Buscan el punto en el espíritu donde se eliminan ciertas contradicciones. Vida/muerte. Real/imaginario.

VANGUARDIA FIGURATIVA
Doble exigencia: arte puro y arte social comprometido.
Pura visibilidad: considerar las distintas artes por sus valores formales y sus aspectos visuales.
La naturaleza no dice nada al arte, se conoc por la mediación del artista.
Distanciamiento entre arte y naturaleza.
No se pide imitación, se pide clasificación.
El arte ayuda a la objetivización del mundo.
Difusión de la idea de un artista.

IMPRESIONISMO
Momento del gusto de algunos pintores entre 1870 y 1880. Reaccionan contra la pintura histórica y buscan
una pintura que se base en el valor de la imagen. Imagen pintada al aire libre.
Técnica como contenido entendida como búsqueda expresiva, no hay más contenido en sí.
CEZANNE. Contrario a la impresión efímera, introduce el clasisismo al impresionismo, tarda muchas sesiones
en terminar un cuadro. A veces usa más de un punto de fuga en sus obras (cubismo)

SIMBOLISMO
Corriente postimpresionista. Remarca la separación con la naturaleza. Expresión de ideas traducidas en
símbolos. Notable interés por las artes aplicadas. TOLOUSSE LAUTREC, BONNARD: nace el cartel publicitario
moderno.

FAUVISMO
El objetivo era la síntesis forma color. Las imágenes eran yuxtaposiciones de formas de color, no había
dibujos ni líneas. No representaban objetos expuestos a la luz solar, sino las imágenes que resultaban de esa
luz (superposición de colores). Base para el expresionismo y el cubismo. Deformación morfológico colorista.

PURISMO
Pintura objetiva e implicada en todos los aspectos de la moderna civilización mecánica. Elementos simples
que se entrelazan en el fondo en una imagen unitaria. No hay en sus cuadros elementos sobresalientes. Por
primera vez se ve la unión entre arte y movimiento industrial. El espíritu mecánico es la guía de la pintura
pura (contenido)

DADAISMO
Durante la guerra cambia el trasfondo de la vanguardia pero no se detiene su desarrollo. La vanguardia se da
en los países neutrales (Holanda, Suiza) donde van los exiliados políticos. La obra de arte no debe ser la
belleza en sí misma, la belleza ha muerto. No puede ser bella por decreto, objetivamente para todos. La
crítica es inútil, existe sólo subjetivamente. Momento negativo de la vanguardia, hay más libertad y una falta
de prejuicios hacia el cubismo y el futurismo.
REFORMA EN LAS ARTES FIGURATIVAS
1905-14 Reforma en los principios de las artes visuales.
Visión clásica: Las formas visibles estaban reguladas por la perspectiva, la cual corresponde a las leyes de la
visión humana. La representación de objetos debe definir forma y posición.
La pintura de vanguardia trabaja en las relaciones entre forma y color. Caen los viejos preceptos y no se
busca imponer unos nuevos, los pintores no tienen ideas preconcebidas que expresar. Se libera a los objetos
de su relación con la realidad. El artista renuncia a imitar cosas, ahora puede crearlas.
Futuristas: Se dan cuenta que la vanguardia europea tiene la posibilidad de generar una síntesis de las artes.
Der Blaue Reiter. El grupo no se une por características pictóricas ni por querer establecer un método
general, se unen por el deseo de penetrar más allá de las apariencias y llegar a la esencia.
Kandinsky: habla de la mirada interior que penetra la forma exterior. Excluye relación entre arte y vida
práctica. Más adelante BAUHAUS intenta volver a unir arte y vida práctica.

PRIMERA GUERRA Y AMBIENTE DE LA POSGUERRA

Suspende la actividad de los artistas. Se agudiza el problema de la vivienda por la guerra y el incremento
demográfico. Crece la actividad arquitectónica subvencionada. La guerra acelera el progreso técnico. Hay un
nuevo concepto de la técnica más alejado de la ideología. Pone de manifiesto el interés por los problemas
humanitarios.
En la vanguardia o se pierde la confianza en cualquier sistematización teórica o se intenta construir un nuevo
lenguaje artístico de bases muy sólidas.
Método de construcción nacido del estudio de las relaciones recíprocas entre partes.
Método Neoplástico: acuerdo entre forma y construcción, se absorbe la descomposición.

ARTE ABSTRACTO
Se aplica a obras corrientes de figuración. No es una abstracción de la realidad sino que propone una nueva
realidad. Produce obras según leyes ajenas a las de la naturaleza. Intento de hacer hablar a nuestra alma
reflejando una imagen del mundo.
Abstracción: forma primitiva improvisada , forma geométrica.
No es una representación del mundo sino la visualización de sus ritmos, formas ordenadoras y
desencadenantes.
La idea de Gesamtkunstwerk fue permanente objeto de consideración entre los utopistas de la primera
posguerra. El Proun de Lissitzky y la escultura-arquitectura visionaria de Tatlin no son, ni mucho menos, casos
aislados. Por ejemplo, el artista dadá Kurt Schwitters (1887-1948), que trabajó con Lissitzky, concibió una
alternativa a las manifestaciones convencionales del arte de taller, cuyo fin también era el de integrar las
artes en una nueva realidad espacial. Llamó Merz al proyecto al que dio realidad: "Merz significa crear
relaciones, preferentemente entre todos los elementos del mundo". Ningún grupo de artistas de ímpetu
utopista o revolucionario escapó en los años veinte al ideal de integración de las artes. Entre los primeros
móviles de Walter Gropius al diseñar en 1919 el proyecto de la Bauhaus estaba la concepción de una catedral
del futuro. Gropius lo sintetiza así: "La finalidad última del arte: la concepción creadora de la catedral del
futuro. Esta será todo en una sola forma: arquitectura y escultura y pintura".En sentido lato, a los proyectos
programáticos de vanguardia les fue inherente la aspiración a crear un nuevo espacio vital por la obra de arte
integrada. Pensemos que ya en la exposición cubista de 1912 se presentó una obra colectiva, la Casa cubista
en la que Duchamp-Villon, André Mare, Marcel Duchamp y otros daban cuerpo a un cubismo que se extendía
a la arquitectura y la decoración. Esto rompía con el postulado de la autonomía del cuadro propiamente
dicho. Pero los anhelos por constituir la obra de arte total, que cuenta con muchos precedentes en la edad
contemporánea, se tomaron en ansiedad de abstracción en la imaginativa Europa de los años veinte.Justo
antes de la guerra de 1914 se multiplicaron los experimentos artísticos que condujeron a la abstracción neta.
Ya vimos que las experiencias de diversos autores a partir de los lenguajes cubistas o futuristas condujeron al
abstraccionismo. Kandinsky y Malevich y autores sin un ideario tan marcado, como puede ser el caso de Hans
Arp y Sophie Taeuber, conquistaron el horizonte de la abstracción antes de 1917. Pero después de los
sucesos revolucionarios y del fin de la guerra urgió la instancia de dar realidad práctica al prometedor mundo
que la abstracción descubría. "No visiones de mundo, sino realidad de mundo", reivindicó Lissitzky. La nueva
estética sintió el reclamo de la funcionalidad y se vio impelida a transformar el mundo mediante el arte. Los
nuevos conceptos del arte eran ocasión de redención. En el programa de 1919 de la agrupación Arbeitsrat für
Kunst, de la que formaban parte, entre otros, los arquitectos Bruno Taut y Hans Scharoun, puede leerse: "Arte
y pueblo han de conformar una unidad. El arte no ha de ser ya disfrute de unos pocos, sino felicidad y vida de
las masas. La finalidad es la integración de las artes bajo las alas de un gran arte de la construcción".El
lenguaje unitario de las artes era premisa en la creación de mundo, el estilo integrado medio de
transformación de la vida colectiva. Theo van Doesburg, ideólogo de De Stijl bien conocido de Lissitzky, vio la
necesidad de que la pintura se deshiciera de los límites de su propia autonomía, en favor de un nuevo
máximo en autonomía artística. Consistía éste en el autosuministro de leyes artísticas en un nuevo concepto
de arte total. En el manifiesto que firmó en 1923 con Cornelis Van Eesteren decía: "Asignamos al color en la
arquitectura su lugar correcto y aclaramos que la existencia de la pintura separada de la construcción
arquitectónica (esto es, el cuadro de caballete) carece ya de legitimidad".Van Doesburg, como Lissitzky,
trabajó en la idea de la cuarta dimensión para las creaciones plásticas, al modo que lo había hecho Charles
Howard Hinton en sus teorías sobre el hiperespacio. Con una arquitectura espacio temporal van Doesburg
quería sustituir el espacio tridimensional o escenográfico por otro de ejes múltiples, susceptible de ser
fragmentado sin que los segmentos perdieran razón de totalidad. El color, el elemento pictórico, tenía ahí la
misión de derogar la materialidad condicionada de la construcción, propia de una arquitectura tridimensional.
El color dinamizaba, transformaba la materialidad e introducía la cuarta dimensión, el tiempo, en la
experiencia del espacio. La obra de arte total había de contar con su propia forma de determinación de la
experiencia, dotarse de su propia dimensión temporal. El trabajo en la utopía tenía como fin dar realidad a
una vida ausente.
Art Nouveau o Modernismo (arte), denominación que literalmente significa ‘arte nuevo’ y se utiliza para
designar un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el arte y el diseño europeos durante las dos
últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX. En España se denominó modernismo, en Alemania
Jugendstil y en Austria Sezessionstil. En Italia se conoció como Stile Liberty, en referencia a la tienda de
Arthur Liberty, que había sido decisiva en la difusión del estilo por el continente europeo.

Como corriente implicada en el concepto wagneriano del arte total, se manifestó en un amplio abanico de
formas artísticas —arquitectura, interiorismo, mobiliario, carteles, vidrio, cerámica, textiles e ilustración de
libros— y se caracterizó por su tendencia a utilizar líneas curvas y ondulantes semejantes a latigazos. El
término francés se tomó de La Maison de l’Art Nouveau, tienda que abrió el marchante Sigfried Bing en París
en 1896.

2. ORIGEN

El Art Nouveau, cuyos antecedentes pueden encontrarse en el arte de los prerrafaelistas e incluso en el poeta
visionario del siglo XVIII William Blake, surgió como consecuencia de los postulados del Arts & Crafts, fundado
por William Morris en 1861. A la vista del incremento de la producción en serie, y de la mala calidad de los
diseños y la realización que ello conllevaba, este movimiento pretendió recuperar los diseños y la elaboración
de buena calidad. Basándose en los postulados del Arts & Crafts, el Art Nouveau los reelaboró para crear un
estilo completamente nuevo que, en oposición al historicismo ecléctico de la época victoriana, no hiciera
referencia a estilos del pasado. Sin embargo, su vinculación a los movimientos nacionalistas también propició
numerosas sugerencias medievales, asociadas a los mitos nostálgicos.

El Art Nouveau se caracteriza por utilizar líneas curvas y formas inspiradas en la naturaleza, con frecuentes
elementos fantásticos y mitológicos. Como estilo decorativo se utilizó con gran éxito en metalistería, joyería,
cristalerías e ilustración de libros, en los que queda patente la influencia de los grabados japoneses.

3. BÉLGICA, HOLANDA Y FRANCIA

En Bélgica, el primer ejemplo se dio en la obra de Victor Horta y Henri van de Velde, que renovaron el
lenguaje arquitectónico con sus formas ondulantes y el empleo de nuevos materiales como el hierro fundido y
los amplios ventanales de vidrio. En Holanda, la figura clave fue Hendrik Petrus Berlage, pionero de un
racionalismo expresivo que influyó en la evolución de la arquitectura moderna europea.

En Francia, este estilo tuvo un carácter más decorativo, como queda patente en las obras del arquitecto
Hector Guimard (sobre todo en las entradas del metro de París, 1898-1901), en las del vidriero Émile Gallé, en
los diseños de muebles de Louis Majorelle y en los carteles de Alphonse Mucha. También se puso de moda en
la decoración de interiores y un ejemplo sobresaliente de ello es el restaurante Maxim’s de París.

4. INGLATERRA Y ESCOCIA

Los antecedentes más inmediatos del Art Nouveau son las obras del arquitecto inglés Arthur Mackmurdo,
discípulo de John Ruskin. Los diseños textiles que Arthur Liberty vendía en su famosa tienda londinense,
fundada en 1875, y las ilustraciones de Aubrey Beardsley —en particular las que hizo para el Yellow Book (El
libro amarillo) en 1894 y para Salomé (1894) del escritor irlandés Oscar Wilde— llevaron al Art Nouveau
inglés a sus más altas cimas.

En Escocia, mientras tanto, un grupo de artistas asumió el movimiento europeo para la renovación de las
artes. En esa vanguardia destacó Charles Rennie Mackintosh, arquitecto de Glasgow, que llevó a cabo una
versión austera del estilo en sus diseños de edificios, interiores, mobiliario, vidrio y esmaltes.

5. ALEMANIA Y AUSTRIA

En Baviera y en Austria se plasmó especialmente en la arquitectura, las artes aplicadas y la ilustración de

revistas, alcanzando su cota más alta en la pintura simbolista de Gustav Klimt, líder de la Sezession vienesa.
El estilo rectilíneo desarrollado por Otto Wagner y sus discípulos, entre los que destacaron Joseph Maria
Olbrich y Josef Hoffmann, constituyó la corriente más influyente de la arquitectura y el diseño europeos hasta
la década de 1930.

6. ESPAÑA

En España, quizá el más original de los exponentes fue Antoni Gaudí; sus personalísimas obras, como el
parque Güell, la casa Milá o la famosa Sagrada Familia, situadas en Barcelona, juegan con las formas
ondulantes y producen la impresión de organismos naturales surgidos de la tierra. Dentro de la arquitectura
también fue una figura de la máxima relevancia Lluís Domènech i Montaner con su Palau de la Música
Catalana. En el campo de la orfebrería destacan las obras del vasco Paco Durrio y las joyas del escultor
Manuel Martínez Hugué.

7. ESTADOS UNIDOS

En Estados Unidos el máximo exponente fue Louis Comfort Tiffany, famoso por sus jarrones de brillante cristal
favrile y pantallas para lámparas de cristales emplomados.

8. CONSECUENCIAS

Hacia 1910 entró en decadencia y tras la I Guerra Mundial fue despreciado por las vanguardias racionalistas y
reemplazado como estilo decorativo por el Art Déco. Su relevancia histórica volvió a ponerse de manifiesto a
mediados del siglo XX gracias a la exposiciones de Zurich de 1952, de Londres (1952-1953) y de Nueva York
(1960). El Art Nouveau tuvo un papel fundamental en el desarrollo de la historia del arte, sobre todo en el
campo de la arquitectura. Con su rechazo del academicismo convencional y su nueva interpretación de la
relación entre arte e industria, los seguidores de este estilo prepararon el camino para el arte y la
arquitectura contemporáneas.