El arte de acción Recensión

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El arte de acción se publica en el año 2000 dentro de la colección Arte

Hoy de la editorial Nerea (Hondarribia). El texto hace un recorrido a lo largo de
las diferentes manifestaciones que se han dado en torno a este tipo de arte, su
creación orígenes e influencias, y las figuras y manifestaciones más notables
que se han hecho en torno al arte que toma como centro el hecho creador del
artista, el acto, la acción. Podemos a su vez extraer del mismo una definición
de este tipo de manifestaciones, el contexto en el que se enmarcan y sus
pretensiones. Sagrario Aznar, su autora, nos ofrece esta información de una
manera aséptica, objetiva y clara. Por ello definimos este texto como histórico
artístico, siendo su objetivo didáctico. Más que expresar su opinión la autora da
las claves al lector para formarse la suya propia, si bien, cualquier texto es
subjetivo por el simple hecho de ser texto, dado que el autor se filtra de una
manera u otra. En este sentido, Aznar nos da abiertamente su intención con el
libro: “En este libro no se pretende ni reivindicar ni combatir nada.
Simplemente dejar constancia de la importancia, las aportaciones y la
innegable valentía de los artistas que lo han practicado” 1.
La autora, Sagrario Aznar Almazán, es profesora titular de la UNED en el
departamento de historia del arte. Colabora a su vez con la facultad de bellas
artes de la Universidad Complutense de Madrid, en el máster titulado Teoría y
práctica del arte contemporáneo, periodo en el que es especialista,
comprendiendo sobre todo los movimientos que abarcan desde el año 1968
hasta nuestros días. En este sentido ha realizado numerosas publicaciones, en
las que el arte y su relación con la política y el poder son temas centrales.
Algunos ejemplos de las mismas son:
-NIETO ALCAIDE, V., AZNAR ALMAZÁN, S., y SOTO CABA, V., Vidrieras en
Madrid. Del Modernismo al Art Deco, Madrid, Comunidad de Madrid, 1996.
-ANTIGÜEDAD DEL CASTILLO, D., y AZNAR ALMAZÁN, S., Arte del siglo XIX: el
cauce de la memoria, Madrid, Istmo, 1998.
-El arte de acción, Hondarribia, Nerea, 2000.
-AZNAR ALMAZÁN, S., y CÁMARA MUÑOZ, A., Historia del Arte, Unidad
Didáctica, Madrid, Universidad Nacional de Educación a Distancia, 2002.

1 AZNAR, Sagrario. El arte de acción, Hondarribia, Editorial Nerea, 2000, p.9.

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-ALEGRE CARVAJAL, Ester, AZNAR ALMAZÁN, Sagrario, y GÓMEZ LÓPEZ,

Consuelo, Tipologías arquitectónicas en la Antigüedad, Unidad Didáctica,
Madrid, Universidad Nacional de Educación a Distancia, 2002.
-AZNAR ALMAZÁN, S., (coordinadora), La memoria pública, Madrid,
Universidad Nacional de Educación a Distancia, 2003.
-AZNAR ALMAZÁN, S, El Guérnica, Madrid, Edilupa, 2004. Traducido al inglés
por la misma editorial.
Además de las obras citadas, ha colaborado en diferentes publicaciones con
artículos, escrito capítulos en numerosos libros, realizado conferencias y
textos para catálogos de exposiciones, etc.
Es además una reputada investigadora, habiendo colaborado con diferentes
universidades, tanto españolas como hispanoamericanas.
Junto con el Doctor Javier Hernando Carrasco dirige la colección Arte Hoy de la
editorial Nerea (Hondarribia), dentro de la cual se engloba el texto cuyo
análisis nos ocupa2.
El formato de la misma, como el de todas las publicaciones que se
incluyen en esta colección es original en cuanto a la forma cuadrada y no
rectangular, el uso de papel reciclado, y el uso de una tipografía y maquetación
espaciosa y diáfana. Su cubierta nos da la sensación de “hecha a mano” por
los materiales y colores utilizados. Aunque obviamente no sea así, provoca en
el lector una sensación de exclusividad, además de que el valor estético nos
haga recordar el valor del libro frente a la edición digital o la fotocopia.
Su año de edición en los albores de un nuevo siglo, siendo el XX
(principalmente su segunda mitad) el marco para los happenings y las
performances, justifica el hecho de la publicación de este libro, como una
condensación de este movimiento, haciendo además y en palabras de la propia
autora, una justa recopilación que en la mayoría de libros de historia del arte
se ha menospreciado u obviado. Pretende dar un lugar al arte de acción en la
historia del arte, como menciona en su conclusión: “El arte de acción sigue
siendo invisible en la teorías del arte más tradicionales, las que más abundan y

2 Para una enumeración completa de sus artículos, libros, capítulos, investigaciones y demás
trabajos:http://portal.uned.es/portal/page_pageid=93,691072&_dad=portal&_schema=POR
TAL

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más se publican y, de alguna manera, sigue sin reconocerse su existencia” 3.

La obra se estructura en una introducción, tres capítulos titulados en un
principio, esto no es un juego y pero tampoco somos chamanes y un anexo. Se
intercalan en ocasiones descripciones de performances de algunos artistas.
Todo el libro está documentado gráficamente, ayudando a su comprensión.
Procederemos a analizar las ideas que el texto desprende, capítulo por
capítulo, empezando por su introducción.
En la misma se nos da una definición de arte de acción, haciendo
hincapié en su inherencia al acto así como a su condición de efímero. Se
mencionan como precedentes las corrientes y movimientos dadaísta 4, futurista5
y constructivista ruso6.
Nos introduce a su vez en un contexto (finales de la década de los
sesenta) marcado por un capitalismo feroz, en el que el arte se cosifica y pasa
a ser un objeto de mercado, un valor de compra-venta. El arte conceptual,
surge en este caso para romper con la vulgarización del arte convertido en
simple objeto de mercadeo, si bien terminó por entrar en este juego, en el que
objetos utilizados en performances eran tratados como obras con un valor
económico.
Esta nueva forma de hacer arte quiere romper con lo establecido
anteriormente, con las definiciones de arte realizadas hasta la fecha, para ello
se produce la suma de estilos artísticos, la participación del público... factores
para los que el artista funciona como condensador, catalizador. La libertad de
espacio, de duración, de técnicas, de preparación... es ilimitada.
Una vez definidos los conceptos básicos, la autora hace una declaración
de intenciones, en la que claramente expone que “Este libro en ningún

3 Íbidem, p.77
4 Según la definición de Dietmar Elger el dadaísmo era “un modus vivendi que hacían
presente al otro a través los gestos y actos Dadá: acciones que pretendían provocar a
través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y
artístico, Dadá crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden
establecido”.
5 El futurismo Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea,
basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento.
6 Se basaba también en la maquinaria, la celebración de la tecnología, pero estaba muy
ligado a la revolución política de su país de origen.

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momento ha intentado ser una historia completa del arte de acción” 7 y en el

que además “no se pretende ni reivindicar ni combatir nada” 8, cuestión que no
deja de ser sorprendente, al tratar un tema como el arte (y más un arte tan
reivindicativo), pero que es un valor añadido a este libro: el hecho de dejar la
opinión para el lector.
Entrando en el primer capítulo, En un principio, la autora como el propio
nombre del capitulo indica nos retrata los primeros trabajos de arte de
acción,producidos en la década de los sesenta, tomando como primer ejemplo
a John Latham9. Como ejemplo de lo que el movimiento supone: La ruptura de
las concepciones clásicas del arte. Latham pone de manifiesto la necesidad de
una evolución, de una ruptura con estos preceptos (como el de considerar
como arte tan sólo a la pintura y a la escultura), poniendo para ello en juego
su propio trabajo como docente. El tema central de sus trabajos eran los libros,
y en sus acciones los mismos eran destruidos y transformados.
Se enumera a continuación a una serie de artistas de una importancia
crucial en la historia de las performances y los happenings: Jackson Pollock,
John Cage y Antonin Artaud.
John Cage10 fue un innovador en el ámbito de la música al romper con los
métodos de composición utilizadas hasta la fecha, y comenzar a incluir el ruido
y lo fortuito, lo “desordenado” en sus composiciones. En colaboración con

Merce Cunningham11, realizaron diferentes trabajos en el que la suma de

diferentes artes era la pieza angular, la suma de varias disciplinas, ofreciendo
varios niveles de lectura simultáneos. Lejos de la idea de obra de arte total
7 Íbidem, p.9
8 Ïbidem, p.9
9 Artista radical y visionario, rompedor de las normas artísticas preestablecidas, basaba sus
obras en la deconstrucción, ensamblando las piezas de nuevo para un nuevo resultado.
Falleció en 2006 a los 84. Se mantuvo en activo hasta el fin de sus días, enfocando sus
últimos trabajos hacia la crítica a los fundamentalismos, a los que culpaba de la mala
marcha del mundo.
10 Músico estadounidense, revolucionó los métodos de composición a través de sus
investigaciones, incorporando el ruido y la aleatoriedad a las mismas. Sus partituras eran en
un primer vistazo caóticas, y perseguía en las mismas la liberación del tiempo a través de la
utilización de grandes silencios.
11 Bailarín y coreógrafo estadounidense. Investigó sobre la relación entre danza y tecnología.
Pareja sentimental de Jonh Cage, trabajaron conjuntamente en multitud de ocasiones,
logrando una simbiosis artística que hace difícil entenderlo a uno sin el otro.

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Wagneriana, Cage pretendía estimular al público y despertar sensibilidades y

niveles de percepción.
Antonin Artaud12, en este mismo objetivo de abrir la sensibilidad del
espectador, ofrecerá al mismo un lenguaje teatral enfocado a lo sensitivo,
aunque de una manera más cruda y violenta que los dos artistas
anteriormente mencionados.
La importancia de Jackson pollock13 está en la unión de pintura y acción,
aunque la autora critica cierta impostura en sus obras y sobrevaloración en su
figura.
Influido claramente por Cage, la autora nos presenta al siguiente artista,
al que se le atribuye el primer happening (18 happening en seis partes), Allan
Kaprow14. El uso de múltiples disciplinas artísticas, la multiplicidad espacial, el
uso del sonido, de la voz, y sobre todo la participación del público fueron clave
en este trabajo, así como la pretensión de que no significaran nada por sí
mismos, dando al happening la cualidad de algo que simplemente sucede y es
espontáneo.

Tomando como punto de partida esta idea de performance, cuatro serán

los máximos exponentes en la investigación de este tipo de manifestación
artística: el propio Allan Kaprow, Jim Dine, Claes Oldenburg y Robert Whitman,
vinculados los tres con el pop art. Aznar hace especial hincapié en la
importancia y relevancia de Jim Dine 15, destacando la importancia de lo

12 Dramaturgo, novelista, ensayista, actor... Utilizó los diferentes géneros literarios en la

búsqueda de un arte total. Es el creador del teatro de la crueldad, caracterizado por lo
violento, lo sangriento, lo cruel.
13 Artista estadounidense. Se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser
uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de
técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización
fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la
realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del
nacimiento del Expresionismo Abstracto.
14 Pintor estadounidense, ayudó a desarrollar las instalaciones artísticas y los happenings a
fines de los años cincuenta y sesenta. Sus happenings, alrededor de doscientos, fueron
evolucionando a lo largo de los años. Con el tiempo, Kaprow cambió su práctica en lo que él
llamó “Actividades”, relacionando íntimamente piezas para uno o varios jugadores y
dedicadas al examen de los comportamientos y hábitos cotidianos de una manera casi
indistinguible de la vida ordinaria. A su vez, su obra influye en Fluxus, el arte de
performance y la instalación artística.
15 Pintor estadounidense. Formado en la Cincinatti art academy, posteriormente se graduó en

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personal y lo cotidiano, así como el papel protagonista del material y del

vestido en sus performances, de las cuales se citan el obrero sonriente16 y car
crash17.
De Claes Oldenburg18 se destaca la importancia del objeto, patente en su
más famosa obra el almacen.
Robert Whitman19, propone el tiempo como un actante más dentro de
sus happenings, investigando en su relación con el espacio y estableciendo
también una separación entre artista y público. Como ejemplo de su obra se
menciona plano color ciruela.
En paralelo a la corriente norteamericana, surgirá Fluxus en Europa,cuyo
organizador e ideólogo fue George Maciunas 20, donde como su propio nombre
indica lo esencial es dejar fluir, y que por lo tanto, las acciones realizadas sean
sencillas e improvisadas, sin ninguna interacción con el espectador. Éstas se
dan no desde la individualidad, sino desde una experiencia colectiva en la que
se reúnen diferentes disciplinas artísticas. Ligados a esta corriente, George
Brecht21 presentará acciones consistentes en acciones escritas con
instrucciones para el actor (three aqueous events y en el festival Fluxus
Internacional de nueva música) y por su parte Nam June Paik 22 realizará
acciones como Zen for Head en la que utilizó su cabeza como brocha para
trazar una línea blanca en el suelo o Exposition of music electronic television
en la que utilizó objetos cotidianos como televisores y pianos para realizar
actos de destrucción.
También en Europa, pero alejados de Fluxus en muchos aspectos,
bellas artes en la Universidad de Ohio. A pesar de llegarse a convertir en un referente
dentro del movimiento pop art, nunca se sintió cómodo dentro de esta catalogación.
16 El propio Dine declaró sobre esta performance que era “un modo de mostrar el sentimiento
de ser un feliz pintor compulsivo, como lo soy yo”.
17 Fruto de una experiencia traumática del propio Dine, cercana a la muerte.
18 Escultor estadounidense, exponente del pop art. Sus obras representan réplicas a gran
escala de objetos cotidianos.
19 Artista estadounidense, precursor de la tecnología del arte. fue un visionario en el sentido
más amplio de la palabra. Sus obras materializan un mundo a la vez físico y onírico, influido
por el cine mudo de Buster Keaton, el ilusionismo y la magia.
20 Artista lituano nacionalizado norteamericano. Realizó estudios de arquitectura.
21 Artista norteamericano, su faceta más conocida es la de músico. Trabajó también como
farmaceútico. Al final de sus días se le premió y varias retrospectivas de su obra fueron
realizadas.
22 Compositor y artista surcoreano. Además de colaborar con Fluxus, investigó en el
laboratorio de música electrónica de Radio Colona.

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Sagrario Aznar destaca a Ben Vautier 23, cuyos trabajos poseían una mayor
carga conceptual, más cerca de la línea norteamericana y Jean Jaques Lebel 24,
citando alguno de sus happening, pero destacando sobre todo su labor como
teórico a través de su libro El Happening (1966), en el que defiende la tesis del
este tipo de acción como instrumento liberador, de rebeldía contra los
condicionantes sociales.
En un segundo capítulo, esto no es un juego, Aznar nos remite a la
relación o apreciación de según qué tipo de acciones como un juego,
definiéndola como falsa o al menos incompleta, dado el grado de investigación
y desencanto social que las mismas conllevan.
El primer artista citado, John Armleder 25, animador de ECART, realiza sus
trabajos de manera muy programada y serial. En un periodo marcado por el
existencialismo26, la muerte de Dios, en el que el individuo necesita hacerse
notar, Armleder toma la postura de ser silencioso, quizá para ser escuchado o
porque cree que la actitud contraria es inútil.

Howard Fried27, realiza Baseball, un juego nocturno de baseball en el que

las pelotas fueron sustituidas por tomates, y en el que la formación de los
equipos estaba condicionada por su personalidad dominante o indominante.
Matthew Barney28, en drawning restraint, realiza una acción en un

23 Benjamín Vautier, más conocido como BEN, es un artista plástico. Su actividad le ha llevado
a ser agitador público, crítico de arte, poeta, fotógrafo, pintor, decorador y editor de libros.
Para él no hay vanguardia sin novedad y no hay riqueza sin multiculturalismo. Ben propugna
una máxima artística que resume la espina dorsal de su estética: la importancia de la idea
de que todo arte debe significar un choque y ser nuevo.
24 Artista frances, artista plástico, escritor y creador de manifestaciones artísticas.
25 Artista suizo. Sus primeras performances se dieron junto a Fluxus en los años 1960 y 1970,
cuando creó instalaciones y actividades colectivas. En 1969, con Patrick Lucchini y Claude
Rychner, Armleder fundó el Grupo ECART en Ginebra, de la que surgió la Ecart Galerie y sus
publicaciones.
26 Movimiento filosófico, cuyo postulado fundamental es que los seres humanos, en forma
individual, son los que crean el significado y la esencia de sus vidas.
27 Artista conceptual norteamericano que se hizo conocido en la década de 1970 por su trabajo
pionero en el videoarte, la performance y arte de la instalación
28 Matthew Barney es un artista multimedia que no cree en la diferenciación entre disciplinas y
busca siempre combinar en sus obras todo tipo de técnicas y expresiones artísticas:
instalaciones audiovisuales, esculturas, dibujos, fotografías, etc. Tiene una serie de trabajos
dedicados y titulados Cremaster que es un músculo del aparato genital masculino que
mantiene suspendidos los testículos y permite su movimiento retráctil ante estimulaciones
externas como cambios bruscos de temperatura, la excitación o el miedo.

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gimnasio, en el que se dicierte, juega a volar, a pintar, a experimentar.

Susan Hiller29, juega a la deconstrucción en Hand Paintings, en la que
tras con la participación del público, realizar una serie de pinturas, las quema y
las introduce en recipientes redondos, dando como resultado sus Granadas de
mano.
Robert Morris30, influido en gran parte por la danza, investiga en sus
diferentes performances con la relación entre el cuerpo y el espacio, basándose
en una escala fundamentada en el cuerpo humano. Column, Passage way y
Untitled son ejemplos de su trabajo.
En una misma línea pero más activa, participativa y sensorial, Sagrario
Aznar cita a Mowry Baden31 y sus trabajos I walk the line e Instrumento.
Rebeca Horn32, se decanta por una investigación del cuerpo, en este caso
llevándolo a extremos anatómicos a través de una serie de aparatos,
extendiendo por ejemplo los brazos (Arm extensions), alargando los dedos
(Finger gloves), o definiendo a través de dos grandes círculos de tela, un
espacio más en el cuerpo de los individuos (Abanico de cuerpo mecánico).
En otra línea más reivindicativa, se encuentra una serie de artistas que
por sus condicionantes de género, de sexualidad, afiliación política, lugar de
nacimiento y vitales en cuanto a la experiencia se refiere sienten la necesidad
de hacer patente su situación, de un modo comprometido y arriesgado.
La primera línea de artistas que la autora nos presenta es la de las
feministas Yoko Ono, Marina Abramovic, Ana Mendieta, Gina Paine, Barbara T.
Smith, Adrian Piper, Hannah Wilke, Julia Heyward y Leonora Antin. Estas
artistas utilizan la exposición del cuerpo, la humillación, la cosificación, el
acercamiento al yo masculino y la separación genérica para señalar la

29 Artista norteamericana que actualmente vive en el Reino Unido . Su práctica abarca la

instalación, vídeo, fotografía, la interpretación y la escritura . Ella describe su arte como una
especie de "investigación arqueológica, el descubrimiento de algo para conseguir tipo de
sentido sobre el mismo".
30 Artista norteamericano. En la expresión artística recurre a la utilización de formas simples,
por lo que cabe considerarlo como uno de los precursores del arte minimalista a comienzos
de la década de los sesenta y como autor de obras antiformales.
31 Escultor norteamericano que vive y desarrolla su carrera artística en Canadá.
32 Artista norteamericana. Comenzó sus estudios en la Escuela Superior de Artes Figurativas
de Hamburgo. Allí entró en contacto con el cine, un lenguaje muy presente en toda su obra
posterior, y tuvo acceso a las películas de Andy Warhol y de Buster Keaton.

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necesidad de identidad, criticar el rol social de la mujer y también al propio

aparato feminista.
Los latinoamericanos es la segunda corriente de performancers a los que
Aznar alude en su libro. Marcados por su situación geográfico política,
condicionada por la dependencia poscolonial, las dictaduras y la jerarquización
tan acusada en sus estructuras sociales, este grupo de artistas utilizaran el
cuerpo como instrumento para sus investigaciones artísticas y diferentes
reivindicaciones, como piedra angular para la revolución de las estructuras
artísticas. La autora se centra en los artistas brasileños, haciendo un recorrido
a través de sus obras y medios y métodos de expresión.
Lygia Clark33 utiliza obras de vestimenta, en la que interacción con el
espacio escultórico y el traje del artistas son primordiales (Gusano). Más
adelante, la propia Clark investigaría en la línea del objeto y su aplicación
terapeútica (Relational objects).
Por su parte, Helio Oiticica34, identíficandose con la población marginal de
las suburbios y las favelas, realiza trabajos en los que critica el colonialismo y
el racismo, dentro de una subcultura denominada Crelazer. Investigará a su
vez con el vestido y los materiales en performances como Parangolé.
Lygia Pape35 en sus trabajos Eggs y Divisor, utilizando el cuerpo y
estructuras para la división y el mismo, investiga acerca de la dicotomía unión
división de los seres humanos.
Artur Barrio, Cildo Meireles, Leopoldo Maler, Lea Lublin y Roberto
Evangelista, son los últimos autores que sagrario Aznar menciona dentro del
grupo de los latinoamericanos, con temáticas como las dictaduras militares y
su opresión, la relación entre hombre y tecnología o el maltrato a la madre
naturaleza.
En el último capítulo, pero tampoco somos chamanes, la autora hace un
repaso a los trabajos de artistas que en sus performances han hecho de la

33 Artista brasileña, es frecuentemente asociada a los movimiento constructivistas de su país,

así como al movimiento del tropicalismo.
34 Artista brasileño. De inspiración libertaria, fundó del movimiento cultural brasileño llamado
tropicalismo. Helio estaba muy influenciado por las ideas de su abuelo, el militante
anarquista José Oiticica.
35 Influyente artista brasileña que participó en los movimientos concreto y neoconcreto.

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sangre, la violencia y lo ritual sus áreas de investigación y de trabajo. Ana

Mendieta36, en sus trabajos Muerte de un pollo y Violación, que la propia autora
renegó clasificar como rituales, con lo que Aznar extrae que puedan ser una
llamada de atención a la violencia del mundo profano en el que vivimos.
Gina Paine37 entrará en el terreno de la automutilación, la agresión y la
violencia en sus performances Acción sentimental, Cuerpo presente, Laura y
Pequeño día 3.
Aznar nos presenta una acción de Marina Abramovic 38, Ritmo 0, en la
cual la audiencia podía actuar sobre su cuerpo pasivo con diferentes
instrumentos, de placer y de dolor, con un resultado violento, que tuvo que
obligar a su suspensión.
Chris Burden39, investigo sobre los límites del dolor con gran polémica y
presencia mediática en sus trabajos, Pieza de disparo, Preludio a 220 o 110,
Suavemente a través de la noche, etc.
Paul Mc Carthy40, el siguiente de los artistas, empezó centrando sus
trabajos en el material para ir evolucionando hacia performances más
agrasivas y sexualmente provocativas.
Y para hoy... nada, en el que Stuart Brisley41 se introdujo en una bañera
durante semanas es el último de los trabajos que Aznar nos presenta antes de
la conclusión escueta, en la que hace referencia a la necesidad de un lugar en
la historia del arte para este movimiento y artistas. Se incluye después la

36 Mendieta, (18 noviembre 1948 hasta 8 septiembre 1985) fue una artista cubano-
estadounidense famosa por su arte de la performance y la "tierra-cuerpo". Trabajó la
escultura, la fotografía y las grabaciones en vídeo
37 Gina Pane (1939-1990), empieza con la actividad artística en la década de los 70. El
conflicto árabe-israelí y el final de la guerra de Vietnam marcan la vida política a nivel
mundial .El bloqueo comercial, por parte de los países productores de petróleo, provoca una
gran crisis y la revuelta de Mayo de 1968.
38 Artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa
por más de tres decádas, recientemente ha sido descrita por sí misma como la "Abuela del
arte de la performance".
39 Estudió artes visuales, física y arquitectura en la Universidad de Pomona (Universidad de
California), en Irvine, de 1969 a 1971. Para su tesis de 1971 presentó la obra Five Day
Locker Piece, una performance en la que se encerró durante cinco días en su taquilla, lo que
provocó una gran polémica entre el personal docente.
40 Estudió arte en la University of Utah (EEUU) en 1969. Adquirió un B-F.A. En pintura en el
San Francisco Art Institute. En 1972 estudió cine, vídeo y arte en la Universidad del Sur de
California, Los Ángeles (EEUU).
41 Nacido en 1933 en Haslemere , Surrey (Inglaterra), es ampliamente considerado como la
figura fundamental del arte del performance británico.

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descripción de la performance Semillero de Vito Acconci42, en la que se analiza

también su evolución que termina utilizando el espacio vacío e invitando a
crear su propia acción.
En el apéndice se incluyen varios textos en referencia al arte de acción.
Desde nuestro punto de vista, la autora con su conclusión exigua aunque
contundente, y con la última performance relatada en el libro, la de un vito
Acconci dejando la acción al espectador, pretende precisamente eso, dejar la
acción y la conclusión al lector.
Su libro abre un camino al lector, le da la oportunidad de investigar y
conocer este tipo de arte, desterrado de los manuales usuales, pero
imprescindible para comprender nuestro momento artístico actual.
Aunque quizá se pueda dar ya este movimiento como terminado, dado
que muchos de los artistas mencionados en el libro se han aburguesado o
acomodado, o directamente han fallecido, es cierto que vivimos en una
sociedad en el que en conformismo no nos permite siquiera imaginar un
ambiente de revolución. En unos días en el que el capitalismo feroz ha
fracasado como eje de nuestra economía y sociedad, son mínimas las voces
que se alzan a exigir ningún tipo de cambio o derecho.
Es interesante ver que somos deudores de esa sociedad en la que estos
artistas realizaron estas acciones, ver que en la acción comienza el cambio, y
cambiar.

42 Artista y poeta estadounidense cultivador del llamado arte corporal, derivado del
minimalismo escultórico. El proceso artístico de Vito Acconci sigue un camino singular y
complejo. Se inició artísticamente como poeta a mediados de los años sesenta. En sus obras
trabajaba con la página en blanco como un espacio en el que se podía actuar, utilizando las
palabras como objetos para el movimiento, y la página como un contenedor.

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