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EDAD MEDIA
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INTRODUCCIÓN
La Edad Media es un periodo muy largo que se extiende desde el siglo V hasta el siglo
XV. Esta etapa está encuadrada entre La Antigüedad y El Renacimiento. Hay dos hechos
que los historiadores marcan como el inicio y el fin de la Edad Media, que son la Caída del
Imperio Romano en el año 476 y el Descubrimiento de América en 1492.
La Alta Edad Media: (siglos V a X). Es una época de pobreza, llena de guerras y
enfermedades, en la que la sociedad sufre constantes epidemias como la de la
peste negra que asolarán toda Europa.
La Baja Edad Media: (siglos XI al XV). Época de gran prosperidad económica,
política y también cultural. Es la época del feudalismo, en la que el rey concede
poder a algunos nobles que se convierten en terratenientes y que en ocasiones
llegarán a tener más poder que el propio monarca. Aquí se desarrollarán los
estilos artísticos más importantes de este periodo, que son el Románico (S. XI) y el
Gótico (S. XIII) con los que llegaremos a la gran revolución musical de la época: El
nacimiento de la polifonía.
No obstante, la música profana siempre va a tener un sitio, sobre todo en la Baja Edad
Media con el nacimiento de los juglares y los trovadores que actuarán en castillos,
palacios, plazas o calles de cualquier lugar.
MÚSICA RELIGIOSA
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La música religiosa de la Edad Media será
eminentemente vocal, ya que cualquier elemento que
distraiga a los fieles del culto a la doctrina cristiana puede ser desechado. Por ello, la
música instrumental es tratada como algo vacío y que sólo sirve para adornar y distraer a
los creyentes, por lo que es apartada de los oficios litúrgicos.
Dentro del desarrollo que va a tener la música religiosa a lo largo de la Edad Media,
podemos distinguir dos grandes grupos que estudiaremos a continuación:
Desarrollo
del Desarrollo
de la
TIPO DE Canto Organum y
organum y música
MÚSICA gregoriano Discantus nuevas profana
formas
LA MÚSICA PROFANA
Los troveros también surgieron en Francia, pero en el norte (en las regiones de Artois y
Champagne). Surgen en el siglo XII y sus obras están escritas en la lengua d'Oil (que más
tarde dio origen al francés actual). La temática de los cantos es similar a la de los
trovadores. También contaron con gran prestigio entre las clases sociales actuando en
diferentes palacios y castillos del norte de Francia.
Entre los trovadores más importantes podemos nombrar a personajes como Adam de
la Halle, Jaufre Rudel, Ricardo Corazón de León o Guillebert de Berneville, además de los
españoles, el gallego Martín Codax, el catalán Rimbaut de Vaqueiras o el mismísimo
Alfonso X el Sabio, al que se le atribuyen (de manera más o menos acertada) las
Cántigas de Santa María.
LOS JUGLARES
Sin embargo, algunos de estos juglares, con el tiempo llegaron a convertirse en artistas
importantes, se asentaron en las ciudades y refinaron su estilo dejando atrás el espíritu
jocoso y perfeccionando su interpretación musical.
CORDÓFONOS:
SITUACIÓN
CONTEXTO HISTÓRICO:
CONTEXTO CULTURAL:
Progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de concebirse como
alabanzas a Dios, los artistas buscan como fin la belleza y el placer de los sentidos
en sus obras.
El nacimiento de la imprenta, que permitirá un mayor desarrollo de la cultura en
todos sus ámbitos.
El concepto de autor: dejamos atrás al artesano anónimo de la Edad Media para
hablar a partir de ahora de artistas que firman sus obras.
Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los
renacentistas como una época oscura y sin interés artístico, por lo tanto, van a
despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte clásico
sobretodo de Grecia y Roma.
CONTEXTO MUSICAL:
LA MÚSICA RELIGIOSA
Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que acabarán con la
unidad del catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519, ya
que no comparte algunas de las formas de comportamiento de la iglesia vaticana; va a
crear así el protestantismo, que se convertirá desde entonces y hasta nuestros días en la
religión mayoritaria de Alemania. A este hecho se le conoce como la Reforma Protestante,
ya que Lutero llevará a cabo una serie de cambios, alguno de los cuales afectará a la
música. Hemos de saber que Lutero era un gran estudioso de la teoría musical.
Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el motete y la misa
(forma musical compleja resultado de la unión de todas las piezas de la liturgia), en los
que se evitará la complejidad polifónica. Los compositores principales de la iglesia católica
son los italianos Giovanni Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso (que también realizó
numerosos madrigales), y los españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.
Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales,
se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en
las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía en la
música religiosa. A continuación se exponen los géneros más importantes de algunos
países:
LA MÚSICA INSTRUMENTAL
Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música del Renacimiento:
AERÓFONOS:
Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de
los instrumentos más populares de la época. También existían las flautas
traveseras de madera.
Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina)
que termina en forma de U.
Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se usaban con fines
militares y en desfiles.
Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble (parecido
a los oboes pero de mayor tamaño).
Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es fabricado en metal.
CORDÓFONOS:
Para algunos de estos instrumentos de cuerda (la guitarra, la vihuela o el laúd entre
otros) se creó un sistema de notación nuevo que se llamó la tablatura
COMPOSITORES DESTACADOS
SITUACIÓN
Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta 1750. Está
encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que encuadran
esta etapa son la creación de la primera ópera "Orfeo" del italiano Claudio Monteverdi 11
(1607) y la muerte de Johann Sebastian Bach(1750), que será el genio indiscutible de
esta época.
CONTEXTO HISTÓRICO
CONTEXTO CULTURAL
CONTEXTO MUSICAL
"...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas
reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda
de las matemáticas...."
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Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera
posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de
dinámicas,...). La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los
sentimientos.
MÚSICA RELIGIOSA
EL ORATORIO
LA CANTATA
LA PASIÓN
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales que
trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conocerá como "La
Camerata Fiorentina". Estos artistas están en contra del desarrollo polifónico que habían
alcanzado las composiciones del Renacimiento, que por su complejidad, perdían la
esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al
oyente y hacer brotar en él todo tipo de sentimientos.
Van a llevar a cabo un trabajo de investigación,
intentando retomar las raíces de la música griega. Llegan a
la conclusión de que en Grecia la música era monódica y
con un acompañamiento instrumental; esta música estaba
cargada de una gran expresividad. Basándose en estos
principios nacerá la técnica de la monodía acompañada,
que será la base fundamental de la ópera posterior. Los
artistas de la Camerata buscaban un género capaz de 13
abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello
denominarán a la ópera como "la obra de arte total", ya que
va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía,
música, teatro, danza,...
EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA
Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará como la
primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los requisitos tanto técnicos como
estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores. Esta obra, será tomada
como referencia por todos los compositores que le sucederán. Además, el propio
Monteverdi, creará otras óperas que alcanzarán una gran fama como "La coronación de
Popea" y "El retorno de Ulises".
Este género fue tomando mucha importancia en toda Italia. Varias ciudades se
convirtieron sucesivamente en capitales operísticas (Roma, Venecia, Nápoles,...),
añadiendo cada una sus propias innovaciones. El resto de Europa adoptó el estilo
operístico italiano, excepto Francia que creará su género propio.
TIPOS DE ÓPERA
Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue adquiriendo la ópera en
los distintos territorios en los que se desarrollaba:
MÚSICA INSTRUMENTAL
COMPOSITORES DESTACADOS
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BACH, Johann Sebastian
CORELLI, Arcangelo
FRESCOBALDI, Girolamo
HAENDEL, Georg F.
LULLY, Jean-Baptiste
MONTEVERDI, Claudio
PERGOLESI, Giovanni Battista
PURCELL, Henry
SCARLATTI, Alessandro y Domenico
VIVALDI, Antonio
CLASISISMO
INTRODUCCIÓN
CONTEXTO HISTÓRICO:
CONTEXTO CULTURAL:
CONTEXTO MUSICAL:
Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos
de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en
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las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en
Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del contexto musical.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
LA MÚSICA RELIGIOSA
LA ÓPERA SERIA
El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género
operístico. Este género, nacido en el Barroco dentro de los círculos aristocráticos,
experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos
barrocos y se tenderá a la naturalidad y acercamiento del argumento al público.
A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había alcanzado
una gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas mitológicos eran
demasiado sofisticados y difíciles de entender, los cantantes se inventaban partes
enteras debido a la complejidad de las arias,... Esto hacía que el público cada vez
estuviese más descontento con este tipo de ópera.
En una lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho
más elaborada que la bufa italiana, a la que acusaban de frívola y superficial. Encabezaba
este grupo Rameau. En el otro bando, estaban los defensores de la nueva ópera que
había llegado desde Italia, la cual consideraban que se ajustaba mejor a los ideales del
Clasicismo de sencillez y claridad. Era mucho más fácil de entender para todo tipo de
público, ya que sus argumentos eran mucho más cercanos al pueblo y además
destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de este grupo estaba Rouseau y
algunos otros enciclopedistas.
En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C.
Gluck, que buscó la reconciliación de ambos grupos,
realizando una reforma de la ópera seria para que se
acercase más a lo que el público pedía. En el prefacio de su
ópera "Orfeo y Eurídice" expone los principios de la reforma
que la ópera seria debía adoptar, que se resumen en los
siguientes puntos:
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LA ÓPERA BUFA
Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de la Serva
Padrona de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. A
pesar de utilizar las mismas características musicales que la ópera seria, la ópera bufa
contaba con algunas particularidades:
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LA MÚSICA INSTRUMENTAL
Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera
ser interpretada por aficionados.
Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el piano o la
guitarra), para un trío (por ejemplo un violín, un piano o un violonchelo),…; pero sin
duda las agrupaciones de cámara que se convirtieron en favoritas fueron el cuarteto
de cuerda (dos violines, viola y violonchelo) y el quinteto (que sumaba a esos
instrumentos del cuarteto un instrumento de viento)
Sin embargo, dentro de este tipo de música caben todas las posibilidades de
instrumentos y agrupaciones que podemos imaginar, siempre que no sean grupos
demasiado numerosos.
LA SONATA:
Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante el Clasicismo
en el principal modelo de composición para la música instrumental
de la época.
LA SINFONÍA:
Podemos decir que es
una sonata construida
para una orquesta
completa aunque de
manera más compleja.
Tenía, en principio, tres
partes o movimientos que
luego se convertirán en
cuatro. Se considera a
Haydn como el compositor
que dio la forma definitiva
a este género, aunque los músicos de la Escuela de Manheim también desarrollaron
este género en gran medida.
Las orquestas sinfónicas reciben este nombre, ya que en principio eran concebidas
para interpretar sinfonías.
LOS INSTRUMENTOS
COMPOSITORES DESTACADOS
SITUACIÓN
CONTEXTO HISTÓRICO:
CONTEXTO CULTURAL:
CONTEXTO MUSICAL:
LA ÓPERA ROMÁNTICA
Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este
género a su cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía.
Se construyen teatros por toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos
(dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias.
ITALIA
FRANCIA
ALEMANIA
ESPAÑA
MUSICA INSTRUMENTAL
EL LIED
Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a F. Schubert, que a lo
largo de su vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma otros autores como
Hugo Wolf o Gustav Mahler.
LA MÚSICA DE CÁMARA
A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara,
desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano,
violín y violonchelo),...hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar
el cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un violonchelo), que
siguió ocupando un lugar destacado en esta época.
La orquesta romántica,
denominada orquesta sinfónica,
estaba integrada por un número de
intérpretes que solía oscilar entre los
60 y 75 instrumentos de las tres
familias. No es extraño, sin embargo,
encontrar a finales de siglo obras
que requerían 100 o más músicos.
Los mecanismos técnicos de los
instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos
tan importantes como los de cuerda.
Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en el Romanticismo fueron:
LA SINFONÍA
EL CONCIERTO PARA SOLISTA
LA MÚSICA PROGRAMÁTICA
LA MÚSICA DE PIANO
EL POST-ROMANTICISMO
La etapa nacionalista coincide en el tiempo con los últimos coletazos del Romanticismo,
que se produjeron sobretodo en Alemania. A este movimiento se le conoce con el nombre
de Post-Romanticismo, que tanto en el ámbito expresivo como en el técnico constituye
una prolongación del lenguaje romántico.
EL NACIONALISMO MUSICAL
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A lo largo del siglo XIX, Europa vivió un agitado periodo nacionalista en el que muchos
pueblos defendieron el derecho a su autonomía, amparándose en la lengua o en razones
de tipo histórico. Este movimiento político nacionalista se hizo patente con la
independencia de Grecia y Bélgica y las unificaciones de Alemania e Italia.
El nacionalismo musical sirve de puente entre el siglo XIX y el XX, ya que en muchos
países se prolonga conviviendo con otros movimientos musicales contemporáneos.
COMPOSITORES DESTACADOS
ROMANTICISMO NACIONALISMO
POST-ROMANTICISMO
INTRODUCCIÓN
CONTEXTO HISTÓRICO:
El siglo XX es un periodo de
cambios acelerados. El desarrollo
de las comunicaciones y de las
tecnologías van a influir en gran
medida durante el transcurso de
este periodo. Sin embargo, los
problemas socioeconómicos y
políticos derivados de la
Revolución Industrial culminan a
principios de siglo con la Primera
Guerra Mundial (1914-1918) y la
Revolución Rusa (1917) y más
tarde con la Segunda Guerra
Mundial (1939-1945). Estos
hechos sacuden hasta lo más
íntimo las conciencias de la población. El panorama europeo es desolador ya que las
guerras trajeron millones de muertos y muchas personas se vieron obligadas a abandonar
sus países.
Sin embargo, nada más terminar 2º Guerra Mundial se inicia una reconstrucción que
abarcará todos los ámbitos: político, económico, social, ético y, por supuesto, artístico. El
auge de la tecnología, los medios de transporte y las telecomunicaciones convierten a
nuestro planeta en una aldea global que conoce casi con total inmediatez lo que ocurre en
el mundo entero.
CONTEXTO CULTURAL:
CONTEXTO MUSICAL:
El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y cultural. La
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música, cuyos recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad por los
autores románticos, busca abrirse nuevos caminos y romper con el pasado. Gran cantidad
de estilos vanguardistas musicales se irán yuxtaponiendo en el transcurso del siglo en
busca de la novedad y la experimentación, a través de un cambio estético que dará lugar
a las composiciones más variopintas.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Hubo otras rupturas, incluso más radicales, como la del Futurismo en Italia, que aunque
no tendrán mucha vigencia como corriente estética, influirán en los movimientos que
tendrán lugar en la 2ª mitad de este siglo. Otros movimientos, como el Neoclasicismo,
intentarán devolver a la música a sus cauces tradicionales.
IMPRESIONISMO
Melodías desdibujadas (igual que en pintura), sin líneas ni cadencias claras, que
utilizan escalas modales, pentatónicas, cromáticas o de tonos enteros.
Armonía libre, con acordes incompletos a los que Debussy llama flotantes, que
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toman su valor por su sonoridad, no por su función tonal, para convertirse en
líneas y manchas que se desvanecen en el tiempo y el espacio.
Nuevo concepto de timbre, utilizando los instrumentos de forma individual y no
como conjunto orquestal (collage).
Incorporación de elementos musicales orientales, tanto melódicos o rítmicos como
armónicos.
EXPRESIONISMO
Una de las obras más destacadas de esta corriente es "Pierrot Lunaire", ciclo de 21
melodramas compuestos sobre poemas de Albert Giraud.
ATONALISMO
Entre las obras en las que Schoenberg recurre al Atonalismo, podemos destacar
"Cuarteto nº 2" y "La noche transfigurada". Esta ruptura con la tonalidad influiría también
en artistas como Richard Strauss, Gustav Mahler, Edgar Varese o Charles Ives, entre
otros. Sin embargo, la corriente del Atonalismo como tal tuvo una vida efímera, ya que se
trataba de componer sin ningún tipo de normas, sumiendo a la música en una especie de
caos.
DODECAFONISMO
La técnica dodecafónica consistía en definir una serie con las doce notas de la escala
cromática (distancia de medio tono entre notas), que podían ordenarse de la forma que el
compositor decidiera. Sin embargo, una vez establecido el orden, éste debía mantenerse
a lo largo de toda la obra; era precisamente esta serie la que se erigía como la
estructuradora de toda la composición. Desaparece, por tanto, la jerarquía entre los
grados de la escala, originando una música atonal que podríamos asociar a la pintura
abstracta de autores como V. Kandinsky.
Pronto, los compositores dodecafónicos se dieron cuenta de que una sola serie limitaba
enormemente las posibilidades compositivas; por ello, para disponer de un mayor margen
de acción, se empezaron a utilizar en la misma obra otras series derivadas de la primera,
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retrógrada (hacia atrás), invertida (en espejo) o retrógrada invertida.
FUTURISMO
La corriente futurista, en su sentido más estricto, no duró mucho tiempo, pero su idea
de conectar la música con la realidad utilizando los ruidos de la vida moderna, tendrá una
gran influencia en muchos compositores contemporáneos y anticipará las técnicas de la
música concreta.
Entre los músicos más influenciados por el Futurismo podemos citar a Edgar Varese,
con obras como "Ionization" (primera obra en la historia escrita únicamente para
instrumentos de percusión) o Arthur Honegger, con "Pacific 231" (obra que describe el
movimiento de una locomotora).
NEOCLASICISMO
SERIALISMO INTEGRAL
Entre los compositores más destacados cabe recordar a Oliver Messiaen, con obras
como "Modos de valor e intensidad", y a Pierre Boulez, con "El martillo sin dueño" o
"Sonata para piano nº 3".
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LA MÚSICA CONCRETA
Entre los compositores pioneros se encuentran los francese Pierre Schaeffer, que
expone sus teorías en "El tratado de los objetos musicales" y Pierre Henry. Algunos de los
títulos de las obras de estos artistas son: "Estudio de ruidos", "Sinfonía para un hombre
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solo", "Variaciones para una puerta y un suspiro" o "El micrófono bien temperado".
LA MÚSICA ELECTRÓNICA
Movimiento que surge durante los años 60 y que reacciona contra el Serialismo,
tratando de introducir en la música una mayor libertad compositiva. Se trata de una
música indeterminada, en función del azar y de la libertad de quien la interpreta. El
compositor no escribe una obra acabada y cerrada, sino que confía en la creación e
independencia del músico para hacer de cada audición una obra única e irrepetible.
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Para lograr esa libertad interpretativa la música aleatoria emplea notaciones muy libres
y sugerentes, o textos en los que se invita a la creación. Ejemplo: "toca una nota con la
seguridad de que tienes todo el tiempo y el espacio que quieras; cuando la hayas tocado,
toca otra nota...".
ÚLTIMAS TENDENCIAS
En las últimas décadas del siglo XX muchos compositores siguen escribiendo obras
musicales en busca de lenguajes propios y nuevas formas de expresión; sin embargo, a
modo de reacción contra estas corrientes, surgen algunas tendencias que intentan
presentar una música más comprensible para el público. Posiblemente, la característica
más común a todas ellas sea el abandono de la experimentación y la búsqueda de
lenguajes más sencillos y asequibles.
MINIMALISMO:
El principal representante de esta tendencia es Michael Nyman, que crea una obra
minimalista que más tarde formará parte de la banda sonora de la película "El piano".
EL NUEVO ROMANTICISMO:
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Conocido también con el nombre de Nueva Simplicidad. Es una tendencia musical que
surge en Alemania en la segunda mitad del siglo XX. Los compositores que pertenecen a
esta corriente rehuyen la práctica de la experimentación y de la complejidad que
caracteriza las obras de la mayoría de los compositores de vanguardia.
No dudan, sin embargo, en incorporar elementos nuevos junto con los tradicionales.
Destaca en este movimiento el compositor Bernard Herrmann, con obras como "Escena
de amor".
COMPOSITORES DESTACADOS
BERG, Alban
DEBUSSY, Claude
HONNEGER, Arthur
MESSIAEN, Oliver
RAVEL, Maurice
SATIE, Erik
SCHOENBERG, Arnold
STOCKHAUSEN, Karlheinz
STRAVINSKI, Igor
WEBERN, Anton von
AUDICIONES
EDAD MEDIA
MÚSICA RELIGIOSA:
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MÚSICA PROFANA:
RENACIMIENTO
MÚSICA RELIGIOSA
MÚSICA PROFANA
ÓPERA
MÚSICA RELIGIOSA
MÚSICA INSTRUMENTAL
CLASISISMO
ÓPERA
MÚSICA RELIGIOSA
MÚSICA INSTRUMENTAL
ROMANTICISMO 45
ÓPERA
ZARZUELA
FORMAS MENORES
MÚSICA DE ORQUESTA
BALLET
MÚSICA INSTRUMENTAL
1ª mitad de siglo
46
2º mitad de siglo
BALLET