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Haremos una reseña no de todas las partes del instrumento, sino de aquellas que nos
veremos obligados a mencionar a lo largo de las clases.
Bajo de 6 cuerdas y 24
trastes
Cuerdas al aire
Las notas en el bajo se
escriben una octava arriba de
su sonido real, la que aparece
aquí es la tesitura escrita, para
más aclaraciones sobre este
punto, mira la clase 1 del Nivel
1 de Arreglos de Aula Actual.
Para poder encontrar
cualquier nota en el mástil,
basta con saber las cuerdas
al aire, el orden de las
notas (do, re, mi, fa, sol, la,
si) y los semitonos
naturales.
Cada traste que avanzamos sube la nota medio tono.
Si bien existen técnicas para tocar con 3 dedos, la más usual utiliza 2: el índice y el
medio, a los que llamaremos 1 y 2 respectivamente.
El bajo también se puede tocar con "púa", y en ese caso la técnica es exactamente la
misma que en la guitarra).
4) Con estas tres cosas básicas conseguidas, lo que resta es encontrar un punto adecuado
de presión sobre las cuerdas, que no debe ser muy suave, porque el instrumento no
sonaría en todo su potencial, ni muy fuerte, puesto que las notas sonarían mal y se
produciría en típico "trasteo".
Pensemos que las cuerdas no se han de golpear sino tocar, si pudiésemos reproducir
un toque adecuado en cámara lenta, veríamos que se trata de apoyar y luego tocar.
Algo parecido se consigue también intentando que el movimiento de los dedos, sea lo
más corto posible, sin perder presión (o volumen), al mismo tiempo esto nos ayuda a
conseguir velocidad.
Ejercicios
Para aplicar esta técnica haremos unos ejercicios sólo para la mano derecha, la
izquierda, de momento sólo la usaremos para apagar el sonido de las cuerdas al aire.
Ejercicio 1-1
Este ejercicio consiste en repetir las figuras rítmicas que se oyen en la pista del bajo,
utilizando sólo las cuerdas al aire.
De momento las frases son sencillas, sólo aparecen negras, blancas y corcheas,
pero se irán complicando más adelante, si tienes dudas sobre estas figuras, mira la clase
1 del Curso de Inicio.
Con una ejercitarás la memoria y el oído (puesto que deberás "adivinar" cual
de las cuatro cuerdas al aire está sonando), ambas cosas son muy útiles para tocar.
Como el bajo se escribe una octava arriba de su tesitura real, es probable que
tengas que transportar las notas escritas (Display Transpose).
La altura de las notas (Transpose) debería permanecer inalterada, porque sino ya
no serían las cuerdas al aire del bajo.
Como hemos dicho antes, puedes usar la mano izquierda para apagar el sonido de
las cuerdas cuando la nota sea corta.
Ejercicio 1-2
Ejercicio 1-3
Aquí aparecen dos figuras nuevas que completan las que se estudian en la clase 1 del
curso de inicio.
Bajo Eléctrico - Nivel Inicio
La Técnica de la mano Izquierda es un poco más difícil de adquirir que la de la Derecha, por
lo que deberemos empezar con ejercicios más simples. Partimos de la base de que "nunca
has tocado un bajo eléctrico". Los puntos más importantes de la técnica de la mano izquierda
podrían ser estos:
1) Que los únicos puntos de contacto
de la mano con el instrumento sean el
dedo pulgar, que se apoya detrás del
mástil, y las yemas de los dedos que
tocan:
2) Intentar que el dedo pulgar quede
más o menos en la mitad del mástil
Evitando especialmente esto: o esto:
Evita especialmente esto: si los dedos O esto: en esta posición, la mano está en
están inclinados de esta manera, se contacto con la parte inferior de mástil, y esto
pierde casi toda la abertura de la mano, resta movilidad a los dedos.
de modo que sólo alcanzamos dos o tres
trastes.
4) Debemos intentar que los dedos
permanezcan en forma de "martillo" al
pisar las cuerdas
Los cuatro dedos que usamos de la mano izquierda son el índice, medio, anular y meñique, a
los que llamaremos 1, 2, 3, y 4 respectivamente. Existen diferentes posiciones. Según el
traste donde se ponga el dedo 1, en todas se abarcan 4 trastes consecutivos con los 4
dedos:
1ª posición: dedo 1 en el
primer traste
2ª posición: dedo 1 en el
segundo traste
VER AUDIO
Este archivo contiene la escala cromática, que es uno de los mejores ejercicios de
digitación que hay.
También utilizaremos la 5ª posición. Comenzaremos tocando la nota LA en el 5º traste de
la 4ª cuerda, con el dedo 1, y avanzaremos con los dedos 2, 3, y 4 a las notas siguientes que
corresponden a la 5ª posición.
En este archivo, después de cada compás grabado, hay un compás de espacio para
que puedas repetir lo que has oído.
Con una ejercitarás la memoria y el oído, ambas cosas muy útiles para tocar.
Como el bajo se escribe una octava arriba de su tesitura, es probable que tengas que
transportar las notas escritas (Display Transpose).
VER AUDIO
En este ejercicio utilizaremos la escala pentatónica menor, en la 5ª posición, es así:
El ejercicio consiste en repetir las frases que se oyen en la pista del bajo, utilizando sólo
estas notas con esta digitación.
En general, cuando una escala está dentro de una sola posición, se intenta tocar
todas las notas con los dedos que corresponden a cada traste.
De momento las frases son sencillas, sólo aparecen negras, blancas y corcheas, pero
se irán complicando más adelante.
Como en todos los ejercicios anteriores, lo mejor es hacerlo de oído, y viendo las
notas en la ventana Score del secuenciador.
Arpegio mayor
Ejercicios con la escala pentatónica
Arpegio mayor
En el bajo no se suelen usar acordes en los que todas las notas suenan al mismo tiempo,
más bien se utilizan los "Arpegios", que son las notas del acorde tocadas una a una.
Para más detalles sobre la construcción de los acordes mira la clase 7 del Curso de inicio.
El primer acorde que estudiaremos será el
acorde mayor, y lo tocaremos en DO, las
notas deben sonar de más graves a más
agudas:
Como ves, las notas del acorde quedan todas
dentro de una misma posición, la segunda,
y deberemos respetar esa digitación siempre
que toquemos sobre el acorde mayor.
Esta posición es "móvil", es decir que si tocas este "dibujo" sobre las cuerdas a partir de LA,
estarás tocando el arpegio de LA mayor, y así con cualquier nota.
Para identificar los acordes, utilizaremos el sistema de "Cifrado Americano", que se explica
en la clase 7 del Curso de Inicio.
Ejercicio 3-1
VER AUDIO
En este archivo hay diferentes combinaciones con las notas del acorde de DO mayor.
Cada frase dura un compás y a continuación hay otro vacío para que puedas
repetirla.
Como en todos los ejercicios de repetición, hazlo viendo las notas y sin verlas.
Ejercicio 3-2
VER AUDIO
En este archivo se utilizan los acordes de DO mayor, LA mayor, RE mayor y SOL mayor,
en ese orden:
Este no es un ejercicio de repetición, aquí tienes secuenciada en cada pista de bajo, una
muestra de lo que tienes que tocar:
1. Silencia (mute) todas las pistas de bajo.
2. Luego escucha la primera e intenta tocarla igual, cuando la hayas aprendido silencia
otra vez esta pista y toca encima de la base.
Ejercicio 3-3
VER AUDIO
Este un ejercicio de repetición con la escala pentatónica menor de LA.
Este archivo es una continuación del ejercicio bj022 de la clase anterior, y valen las mismas
indicaciones que para todos los ejercicios de repetición. (hacerlos de dos formas: "de oído", y
viendo las notas en la ventana Score del secuenciador).
Puedes empezar a la velocidad que quieras, pero ten en cuenta que las frases son algo más
complicadas que las anteriores.
Bajo Eléctrico - Nivel Inicio
Arpegio menor
La Bossa
Lectura de cifrado
Arpegio menor
La segunda: Tercera
La tercera: Quinta
Parece broma, pero lo que pasa es que este nombre no tiene nada que ver con el orden en
que se tocan las notas, y si con el orden en que aparecen en la escala. Mira la clase 7 del
Curso de Inicio de Armonía de Aula Actual.
La escala mayor la estudiaremos más adelante, pero si quieres darte una idea mira la clase 8
del Curso de Inicio de Armonía de Aula Actual.
Entre el acorde mayor y el menor sólo cambia la tercera, sin embargo la digitación resulta
bastante diferente, se empieza con el dedo 1, el ejemplo es el acorde de Am (LA menor):
La Bossa
La Bossa es un ritmo característico, en el que el bajo toca siempre un mismo patrón rítmico,
principalmente con la fundamental y la quinta de cada acorde.
Si tuviéramos una progresión de acordes como la siguiente, para tocar en ritmo de bossa,
esta sería una línea de bajo que resultaría de tocar la fundamental y la quinta de cada
acorde:
Este ritmo es muy útil para practicar la lectura de cifrado. Como sólo tocamos la fundamental
y la quinta, no tenemos que preocuparnos de si el acorde es mayor o menor, y en principio,
podemos buscar la fundamental con el dedo 1 y recordar luego la posición de la quinta (a la
que le correspondería el dedo 3, en la cuerda de abajo) como si se tratase de un arpegio o
una escala. Aunque sí hay otras cosas que se deben considerar y que veremos más adelante.
Ejercicio 4-1
VER AUDIO
Este es el mismo "ska" con el que ejercitamos el arpegio mayor (bj032.mid), pero los
acordes A y D, se han convertido en Am y Dm.
Para el DO y el SOL, que quedan iguales, seguirás usando la 2ª posición.
Para el LAm y el Rem, como la digitación que sabemos comienza con el dedo 1,
deberás desplazarte a la 5ª posición.
Imprime o copia el cifrado que sale a continuación e intenta tocarlo, primero encima
del bajo grabado, y luego silenciándolo (mute) y tocando encima de la base.
Lectura de cifrado
Ejercicio 4-3
VER AUDIO
Esta es una progresión de acordes que utilizaremos para practicar la lectura de cifrado y el
cambio entre acordes menores y mayores.
Intenta tocar los acordes mayores y menores siempre con las digitaciones que hemos visto
para cada uno.
Aparece un arpegio para el que podrás utilizar la cuerda RE al aire: Bb.
En este caso, podrás variar la digitación, a pesar de ser un acorde mayor, ya no es
necesario empezar con el dedo 2, puesto que el 1 no lo usaras porque en su sitio va la
cuerda RE al aire.
Bajo Eléctrico - Nivel Inicio
Quinta disminuida
Improvisación con la escala pentatónica
Fraseo en dos compases
Ejercicios
Quinta disminuida
En las bossas que hemos tocado en las clases anteriores, salían sólo "quintas justas", (Si
quieres ver más sobre intervalos mira el curso de inicio de Armonía de Aula Actual, clase 2 y
clase 6).
La quinta disminuida se toca medio tono (un traste) más abajo de la quinta justa.
Si al acorde menor, le cambias la quinta justa por la disminuida, resulta un acorde menor
con quinta disminuida, que es un acorde bastante usado.
La teoría tradicional llama a este acorde "disminuido", y se cifra Gdim, ó Gdis
La forma más clara de frase de dos compases es la que comienza en el primer tiempo del
primer compás y acaba en el primer tiempo del segundo.
Puede que esta zona del bajo no te sea cómoda para tocar esta escala.
Para tocar en agudos, intenta mover el bajo hacia afuera,
de modo que la parte superior del mástil se aleje de tu
cuerpo, esto permitirá que tu brazo izquierdo siga
Esta sería una posición para tocar en graves: manteniendo una posición parecida.
Ejercicios
Ejercicio 5-1
VER AUDIO
Aquí tenemos el mismo tema, Blue Bossa, pero sin la melodía, lo utilizaremos para
improvisar con la escala pentatónica.
Comenzamos en DO, en el traste 15, con la escala pentatónica, tal como aparece
más arriba, y con la digitación que hemos visto cuando estudiamos esta escala.
Hay grabada una pista de guitarra con unos ejemplos muy sencillos, para realizar el
ejercicio puedes mutearla o borrarla.
Ejercicio 5-3
VER AUDIO
Una progresión de acordes, con ritmo de bossa, para ejercitar la lectura de cifrado y la
quinta disminuida.
Bajo Eléctrico - Nivel Inicio
Quintas conducidas
Bossas con dos acordes por compás
La Balada
Ejercicios
Quintas conducidas
En las bossas que hemos tocado hasta ahora, siempre hemos utilizado la quinta "aguda" del
acorde. Es decir, tocábamos la fundamental, y luego la quinta más aguda.
Si utilizamos también la quinta grave, podemos
conseguir una línea de bajo que se mantenga
dentro de un registro más corto, con menos saltos.
En esta imagen ves la quinta de DO tal como la
tocábamos hasta ahora, y la quinta grave.
Naturalmente, se trata de la misma nota, pero una
octava más grave.
Esta quinta la puedes tocar subiendo el
mismo dedo 1, en general se utiliza esta
posición, aunque hay algunas situaciones
en las que se puede usar dedos 4 y 3, si
te moverás luego hacia atrás en el
mástil.
Es muy útil de recordar la posición de octavas,
puesto que nos permite guiarnos mejor en el
mástil.
Conociendo esta posición para tocar las quintas graves, deberíamos buscar siempre la quinta
que queda más cerca de la fundamental que tocaremos luego:
La Balada
En este estilo el bajo toca un patrón rítmico compuesto por dos blancas.
La primera es la fundamental, la segunda puede ser cualquier otra nota del acorde (3ª ó 5ª
de momento). Si quieres ver otros ejemplos de este estilo, mira la Clase 1 del Nivel 1 de
Arreglos de Aula Actual. Contar con la 3ª permite tener más notas para escoger, y es más
fácil hacer una línea con una mejor conducción:
En el primer compás del ejemplo anterior, si tocamos la quinta de Am (MI), tanto grave
como aguda, estaremos aumentando el registro.
En el ejemplo la nota más grave es SOL y la más aguda RE.
Insisto en que, esto de que la línea de bajo se mueva con suavidad, sólo es mejor en ciertas
ocasiones, y en otras puede no serlo, por ejemplo cuando se desea un bajo más melódico, o
se toca un patrón muy definido.
Pero sí es una buena forma de ejercitar las notas de los acordes, y aprender a escoger entre
unas u otras "sobre la marcha".
Ejercicios
Ejercicio 6-1
VER AUDIO
Aquí tenemos una Bossa, en la pista de bajo hay grabada una muestra de como quedaría con
quintas conducidas. Es sólo una de las posibilidades, puesto que variará dependiendo de la
nota por la que empecemos, etc. Intenta tocar la misma línea que esta secuenciada, y busca
otras. En la partitura que sale a continuación, está indicada la digitación. Como ya sabes, no
utilizamos el sistema de tabulado para sustituir la notación musical. Lo que sale es la
partitura tal y como es, sólo que está indicado, debajo de cada nota, el dedo con el que se
debe tocar. En general, las notas tienen una sola posición razonable.
Ejercicio 6-2
VER AUDIO
Aquí hay otra bossa con varios compases donde aparecen dos acordes.
La partitura que sale a continuación muestra el cifrado y una posible línea de bajo con su
digitación. Toca esta y busca otras.
Ejercicio 6-3
VER AUDIO
Este archivo contiene una balada: "Autumn Leaves".
Crea una línea de bajo siguiendo este cifrado, recuerda que en la balada se
suelen usar todas las notas de acorde, no sólo la quinta.
Hay muchas líneas posibles, y cada una de ellas se podrá tocar con varias
digitaciones.
Escala Mayor
Nueva digitación para arpegios mayores
Modificación de la línea de bajo
Ejercicios
Escala Mayor
En este ejemplo aparece la digitación de la escala de DO mayor, al igual que en los arpegios,
esta digitación se reproduce igual en cualquier parte del mástil.
Es decir que para tocar la escala mayor de LA, sólo tienes que reproducir esta misma
digitación a partir de la nota LA (5º traste de la 4ªcuerda).
Una línea de bajo, se puede modificar cuando hay algún pasaje que no suena del todo bien,
para crear una que nos guste más, o simplemente para no tocar siempre la misma.
Para hacer modificaciones debemos tener presentes dos cosas:
1. Sólo podremos usar notas del acorde, (de momento) y nos podemos mover entre
ellas de la forma que queramos, tampoco es necesario usar todas las notas de cada
acorde, a veces puede quedar mejor una sola.
Esto significa que podemos tocar como primera nota del compás una nota que no sea la
fundamental, en general, en estos casos, la fundamental se toca como segunda nota.
Es aconsejable no abusar de las inversiones, ya que el resultado global puede ser un poco
confuso, y usarlas sólo cuando sirvan para crear una línea de bajo más interesante (este
suele ser, en general, el único motivo de las inversiones).
Ejercicios
Ejercicio 7-1
VER AUDIO
Esta secuencia es para practicar la escala mayor en diferentes posiciones.
Respeta siempre la digitación que hemos visto.
Ejercicio 7-2
VER AUDIO
Este archivo servirá para poner en práctica la nueva digitación que hemos visto para el
acorde mayor. Utilizándola podremos tocar todos estos arpegios sin salir de la 2ª posición.
Ejercicio 7-3
VER AUDIO
Recuerda que, aunque puedes moverte como quieras entre las notas del acorde,
deberás mantener la misma rítmica.
Puesto que ahora ya no estamos tocando "arpegios", sino una línea, puede haber
varias digitaciones correctas.
Cuando estés haciendo la línea, puede que te resulte más fácil usar las digitaciones
que conoces para los arpegios, pero una vez que la hayas terminado y la tengas escrita o
secuenciada, intenta "aprenderla" otra vez buscando una digitación que cambie lo menos
posible de posición, y no olvides las cuerdas al aire, cuantos menos cambios de
posición, mejor!
En la pista de bajo hay secuenciado un ejemplo, esta es la partitura con una posible
digitación:
Bajo Eléctrico - Nivel Inicio
Esta nueva digitación nos permitiría tocar algunos enlaces de acordes sin cambiar de
posición:
Ejercicios
Ejercicio 8-1
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Esta progresión de acordes se puede tocar sin salir de la segunda posición, utilizando las dos
digitaciones que hemos visto para arpegios mayores (dedo 2 y dedo 4) y las dos para
arpegios menores (dedo 1 y dedo 4).
Ejercicio 8-2
VER AUDIO
5. Una vez que lo toques todo, estúdialo con más detenimiento, para ver si puedes
encontrar digitaciones mejores.
Ejercicio 8-3
VER AUDIO
Esta progresión de acordes se puede tocar sin salir de la cuarta posición:
Ejercicio 8-4
VER AUDIO
En la pista de bajo de esta secuencia, hay grabado un patrón de Bajo, (el patrón, como
comentamos en la clase anterior, es una línea de bajo que suele llevar un ritmo siempre
igual y usar las mismas notas de cada acorde). Esta muestra sólo está en los primeros dos
compases, adapta el patrón al resto del cifrado.
Todos los arpegios se pueden tocar en la 2ª posición, excepto el de Ab (3ª).
Ejercicio 8-5
VER AUDIO
Para este ejercicio usaremos un patrón construido sobre la escala mayor.
Se trata de tocar cuatro negras en cada compás, que sean las 1ª, 3ª, 4ª, y 5ª notas
que salen en la escala mayor de cada acorde.
Esta no sería exactamente una base para un Rock, puesto que, en realidad, tampoco es la
escala mayor la que se usa, sino la mixolidia (la pentatónica se usa para solos).
La escala Mixolidia es igual a la escala mayor, sólo que la séptima está medio tono abajo. La
escala de DO mixolidia es igual a la de DO mayor, sólo que la séptima es Sib en lugar de SI.
El patrón está grabado en la pista de bajo, que puedes silenciar para hacer el ejercicio, y a
continuación hay algunas muestras de líneas de bajo para Rock un poco más desarrolladas.
NOTA.:
El bajo eléctrico, al igual que el contrabajo, suena una octava más grave de como se
representa en notación musical, con el objetivo de evitar un uso excesivo de líneas
adicionales en el pentagrama. Como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico necesita
ser conectado a un amplificador para emitir sonidos. Desde la década de 1950, el
bajo eléctrico ha reemplazado progresivamente al contrabajo en la música popular
como el instrumento de la sección rítmica que se ocupa de las líneas de bajo.
Aunque éstas varían notablemente en función del estilo de música, el bajista
cumple una función similar con independencia del estilo de que se trate: establecer
el marco armónico y marcar el tiempo o pulso rítmico. El bajo eléctrico se usa como
instrumento de acompañamiento o como instrumento solista en estilos de música
diversos, incluyendo el rock, el heavy metal, el pop, el blues, el jazz, la música
latina, el reggae, el funk o el flamenco.
Historia
Década de 1930.-
A mediados de la década de los treinta, el inventor y guitarrista Paul Tutmarc, de
Seattle (Washington), desarrolló el primer bajo eléctrico de cuerpo macizo de la
historia, un instrumento muy similar a los bajos modernos que había sido diseñado
para ser sostenido y ejecutado horizontalmente. En 1935, el catálogo de ventas de
la compañía de Tutmarc, Audiovox, ofrecía su violín-bajo electrónico, un
instrumento de cuerpo sólido con un mástil de 30 pulgadas y media que disponía de
trastes.
Una reedición del Precision bass de 1956, muy similar al modelo de 1951,
A inicios de la década de 1950, el ingeniero e inventor Leo Fender, quien por aquel
entonces se dedicaba al negocio de reparación de radios,[6] desarrolló con la ayuda
de su empleado George Fullerton el primer bajo eléctrico producido en serie de la
historia. Su Precision Bass, introducido en 1951 se convirtió en el estándar de la
industria y sería infinitamente copiado con posterioridad. El Precision Bass (o P-
bass) original disponía de un cuerpo angulado (slab o de tabla) similar al de la
guitarra Telecaster y una sola pastilla de bobinado simple, pero en 1957 se
modificó su diseño para presentar un cuerpo de contorno redondeado con una
pastilla doble de cuatro polos. Esta pastilla split (dividida) estaba formada de dos
partes similares a las pastillas de las mandolinas que Fender incluía en su catálogo
de la época.
Tras el lanzamiento de Fender, Gibson presentó en 1953 su modelo EB-1, con forma
de violín y pica, seguido de su modelo EB-0, de aspecto más convencional. El EB-0
era, de hecho, muy similar a la Gibson SG, aunque los primeros modelos disponían
de un cuerpo slab (sin contornos) que lo asemejaban más a la conocida guitarra Les
Paul, de Gibson. Mientras que los bajos de Fender montaban pastillas situadas
entre la base del mástil y el puente, muchos de los primeros bajos de Gibson
mostraban una sola pastilla de tipo humbucker montada directamente bajo la base
del mástil. El modelo EB-3, de 1961 contaba además con una pastilla adicional, de
tipo humbucker pero de tamaño reducido, situada cerca del puente del
instrumento. Gibson mostraba cierta tendencia a fabricar instrumentos de
dimensiones reducidas y, de hecho, no presentó un bajo de escala estándar (34
pulgadas) hasta 1963, con el lanzamiento de su modelo Thunderbird, que fue,
además, el primer bajo de Gibson que utilizaba dos pastillas humbucker situadas en
una posición más tradicional, entre el puente y la base del mástil.
Gibson EB-3.
Otras compañías más pequeñas iniciaron sus actividades durante la década de
1950: Kay Musical Instruments en 1952, Danelectro en 1956, y Rickenbacker o
Höfner durante el resto de la década. Pero fue con la explosión del rock, a
principios de 1960 cuando numerosas compañías comenzaron a fabricar bajos
eléctricos.
Durante las décadas de 1950 y 1960 el bajo eléctrico era frecuentemente llamado
bajo Fender, gracias a la posición dominante que la corporación ejercía en el
mercado. El término bajo eléctrico comenzó a reemplazar al de bajo Fender a
finales de la década de 1960, como resulta evidente en el título de un manual
didáctico editado por la bajista Carol Kaye en 1969, muy popular en la época: How
to Play the Electric Bass.
De 1980 en adelante
Hardware: Incluye las partes metálicas del instrumento, entre las que se
encuentran las clavijas de afinación y el puente que, construido generalmente en
metal, tiene una importancia decisiva en el sonido final del instrumento.
Los bajos de escala larga, como los Precision Bass de Fender ofrecen una escala
(distancia entre la nuez y el puente del instrumento) de 34 pulgadas, que es
considerada la escala estándar del bajo eléctrico. Sin embargo son bastante
comunes instrumentos de escala corta, habitualmente de 30 ó 32 pulgadas, como el
bajo-violín de Höfner que popularizó Paul McCartney o el Mustang Bass, de Fender,
ambos diseñados especialmente para músicos de manos pequeñas o principiantes.
Aunque los bajos de 35, 35,5 ó 36 pulgadas de escala estaban reservados hace
unos años a los instrumentos de luthier, hoy en día existen muchos fabricantes que
incluyen instrumentos de escala extra larga en sus catálogos. Esta longitud extra
de escala provoca una mayor tensión en las cuerdas, que redunda en un sonido más
claro y definido, sobre todo en las regiones graves del diapasón y en instrumentos
de 5 y 6 cuerdas.
Una de las consideraciones primordiales a las que tiene que hacer frente un
constructor es si usar o no trastes en el diapasón. En un bajo con trastes, éstos
separan el diapasón en divisiones de semitono, como ocurre en la guitarra. El
Precision Bass original disponía de 20 trastes, pero muchos bajos modernos
disponen de 24 o incluso más. El bajo sin trastes, o fretless, ofrece un sonido muy
característico, pues la ausencia de trastes metálicos significa que la cuerda debe
ser presionada directamente contra la madera del diapasón, como ocurre en el
contrabajo. La vibración así producida ofrece un sonido más dulce y cálido, y el
bajo sin trastes permite ciertas técnicas de ejecución que no son posibles en un
bajo eléctrico normal, como el glissando continuo o la afinación microtonal. Algunos
bajistas emplean ambos tipos de bajos -con y sin trastes- en función del tipo de
material a ejecutar, como el bajista de sesión Pino Palladino, que ha trabajado con
Eric Clapton, David Gilmour o John Mayer. Aunque se asocia normalmente el bajo
sin trastes al jazz o al jazz fusion, el instrumento es usado por músicos en una
amplia variedad de estilos, como el rock, la salsa o, incluso, el heavy metal.
El primer bajo sin trastes fue construido por Bill Wyman en 1961, cuando arrancó
los trastes a un bajo económico de fabricación japonesa, un instrumento que
podemos escuchar en temas de The Rolling Stones como "Paint it Black". El primer
bajo sin trastes de serie fue el modelo AUB-1 de Ampeg, lanzado en 1966; Fender
introduciría la versión sin trastes de su Precision Bass en 1970.
A principios de la década de 1970 el bajista Jaco Pastorius creó su propio bajo sin
trastes eliminando los trastes a un Jazz Bass de 1962. En diversas entrevistas,
Pastorius ofreció distintas versiones acerca de cómo consiguió hacerlo: menciona el
uso de unos alicates y una cuchilla de obras, pero en una entrevista de 1984 afirma
que compró el instrumento con los trastes ya eliminados, aunque no habían sido
rellenados los huecos que habían dejado. En cualquier caso, Pastorius usó epoxy en
lugar de barniz con el objetivo de obtener un acabado que le permitiese usar
cuerdas roundwound (entorchadas), que de otra manera habrían acabado dañando
la madera del diapasón.
Algunos bajos sin trastes emplean marcadores como guías para facilitar la
afinación; es frecuente el uso de cuerdas de nylon o planas (flatwound) para no
dañar el diapasón con el roce abrasivo continuo de las cuerdas. Algunos
instrumentos fretless incorporan un barnizado con epoxy para incrementar la
resistencia del acabado, realzar el sustain del instrumento y otorgarle un sonido
más brillante. Aunque muchos bajos sin trastes disponen de cuatro cuerdas,
podemos encontrar fácilmente bajos sin trastes de 5, 6 o incluso más cuerdas.
Cuatro cuerdas con afinaciones alternativas para extender el rango efectivo del
instrumento. Afinaciones en quinta (ej: do-sol-re-la) (similar a la del Violoncello)
permiten un rango extendido tanto en graves como en agudos.
El bajo de seis cuerdas no es más que un bajo de cuatro cuerdas con dos cuerdas
extra añadidas, una más grave y una más aguda. Aunque menos comunes que los
bajos de 4 y 5 cuerdas, estos instrumentos son empleados en géneros como la
música latina o el jazz, o por músicos de estudio que necesitan un instrumento más
versátil. Existen otras muchas afinaciones alternativas para este tipo de
instrumentos.
Uno de los primeros bajos de 7 cuerdas fue construido por el luthier Michael
Tobias en 1987 para el bajista Garry Goodman, quien había desarrollado una
técnica especial de mano derecha que requería el uso de siete o más cuerdas. La
firma Conklin Guitars se especializó desde un principio en la construcción de este
tipo de bajos, y ofrece instrumentos de 8 y 9 cuerdas. El guitarbass es un
instrumento de 10 cuerdas, cuatro de bajo (con afinación estándar) y las seis
restantes con afinación de guitarra (también estándar). Este instrumento cuenta
con un solo mástil y cuerpo, pero utiliza diferentes escalas, puentes, diapasones y
pastillas para cada "región". Fue creado por John Woolley en el año 2005,
basándose en un prototipo construido por David Minnieweather. El luthier Michael
Adler construyó el primer bajo de 11 cuerdas de la historia en el año 2004, y
realizó otro instrumento de doce cuerdas un año más tarde. Los instrumentos de 11
y 12 cuerdas de Adler disponen de un rango comparable al del piano de cola, con 97
notas en el último caso. Algunos constructores han experimentado con la creación
de subcontrabajos afinados en do#-fa#-si-mi (el do# de la cuerda más grave a
17.32 Hz). Entre los bajistas que usan este tipo de instrumentos podemos citar a
Yves Carbonne, Jean Baudin, Bill Dickens, Phil Lesh o Al Caldwell. Ibanez lanzó su
modelo SR7VIISC a principios del 2009; de escala corta (30 pulgadas) y afinación
si-mi-la-re-sol-do-mi; la compañía lo describe como un cruce entre el bajo y la
guitarra.
Los detuners son dispositivos mecánicos que pueden ser activados por el músico
para provocar la tensión o distensión de una o más cuerdas, logrando con ello una
afinación alternativa inmediata. Estos dispositivos son normalmente usados para
destensar la cuerda más grave de un bajo de cuatro cuerdas (re-la-re-sol).
Análogamente es posible usar estos dispositivos en bajos de cinco o más cuerdas
para tensar o destensar la cuerda más grave. Existen instrumentos, como el Zon
Hyperbass de Michael Manring, que ofrecen innumerables posibilidades de
afinación, obteniendo así un mayor rango tonal
Bajo tenor, con afinación la-re-sol-do, esto es, una cuarta por encima de lo normal.
El bajo tenor fue inventado por Stanley Clarke, pero es usado por muchos otros
bajistas, como Victor Wooten o Stu Hamm.
Bajo piccolo, con afinación mi-la-re-sol (una octava por encima de el bajo estándar)
y también popularizado por Stanley Clarke.
Por otra parte, existen instrumentos con menos de cuatro cuerdas (menor rango
efectivo) y con cuerdas dobles o triples (idéntico rango efectivo que sus
equivalentes de cuerdas simples):
Bajos con menos de cuatro cuerdas, como los instrumentos del fabricante japonés
Atlansia, de 1, 2 y 3 cuerdas. El bajista de sesión Tony Levin encargó a la firma
Music Man la construcción de una versión de tres cuerdas de su modelo Stingray.
Pastillas magnéticas
Disponen de dos bobinas invertidas que presentan imanes con polaridad inversa (un
principio similar a las pastillas jazz). Esta disposición reduce considerablemente el
nivel de interferencia y de ruido respecto a las pastillas de bobinado simple. Del
mismo modo, las pastillas humbucker ofrecen generalmente un nivel de salida
mayor que el producido por las pastillas de bobinado simple. Las pastillas de
bobinado doble se presentan en dos variedades: cerámica o cerámica y acero. Las
primeras producen un sonido ligeramente más áspero que las segundas y
precisamente por ello, son a menudo más usadas por músicos de rock y estilos
afines.
Pastillas Soapbar, así llamadas por su parecido a una pastilla de jabón (soapbar en
inglés). Atribuidas generalmente a Gibson, que introdujo este tipo de pastillas en
su guitarra P-90 en 1943, el término se usa también para hacer referencia a
cualquier pastillas de forma rectangular que carezca de polos magnéticos visibles.
Empleadas normalmente en la construcción de bajos diseñados para rock o heavy
metal, como los instrumentos de Gibson, ESP Guitars o Schechter, entre otros.
Circuitos activos
La electrónica activa tiene muchas ventajas: no hay zumbidos, se gana en más bajos
y agudos, se obtiene un mayor nivel de salida (algo necesario cuando el cable es muy
largo) y se dispone de un sistema de ecualización incorporado para
transformaciones adicionales de las propiedades del sonido. Debido a su habilidad
para cortar o potenciar la señal así como varias bandas de ecualización, este tipo
de electrónica es muy versátil. Los modelos de preamplificador más usados
funcionan con una batería de 9 voltios, aunque existen modelos más exigentes que
requieren de 18 voltios (sistemas de doble batería).
Pastillas no magnéticas
Las pastillas piezoeléctricas, diseñadas por Ovation para sus modelos de guitarras
acústicas a finales de la década de 1970 son pastillas no magnéticas que usan un
cristal transductor para convertir las vibraciones mecánicas de las cuerdas y de la
tapa en señales eléctricas. Producen un sonido muy diferente al obtenido con las
pastillas tradicionales, más cercano al del contrabajo acústico.
Amplificador de bajo
Amplificación y efectos
Al igual que la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico necesita ser conectado a un
amplificador y a un altavoz para emitir sonido. Algunos bajistas usan un
amplificador combo, esto es, un aparato que combina amplificador y altavoz en una
misma caja, mientras que otros prefieren usar unidades de amplificación y
altavoces independientes. Cuando el instrumento se conecta a un sistema de
amplificación a gran escala (sistema P.A.), normalmente se enchufa a una caja
directa o caja de inyección (DI o direct box en inglés) que envía la señal del
instrumento directamente a la mesa de mezclas, y, desde allí al sistema de
monitoraje interno y al amplificador (que el músico usa como monitor). Para las
grabaciones se puede emplear un micrófono situado delante del amplificador, se
puede grabar directamente a la mesa a través de una caja directa, o se puede
optar por una solución mixta.
Un pedal de efecto.
El bajo acústico, un híbrido entre la guitarra acústica y el bajo eléctrico que, como
sucede con aquellas, puede o no disponer de un sistema de integrado.
El guitarrón mexicano, del que existen otras variedades, como el guitarrón chileno
o el argentino.
Técnicas
No existe una regla general acerca de esta cuestión: si bien la mayoría de los
bajistas tocan su instrumento de pie, bajo determinadas circunstancias (en
actuaciones con big bands o en géneros acústicos como la música folk, por ejemplo)
puede esperarse del músico (o incluso serle exigido) que toque sentado. Más allá de
estas circunstancias especiales, el hecho de tocar de una u otra forma es una
cuestión de preferencias personales.
Victor Wooten con su bajo Fodera.
Técnicas de ejecución
Leo Fender había diseñado su Precision Bass original dando por sentado que los
músicos utilizarían el dedo pulgar de la mano derecha para pulsar las cuerdas,
como, de hecho hacían los primeros bajistas en adoptar el nuevo instrumento. De
ahí la localización del apoyapulgar en la parte inferior del cuerpo de las primeras
versiones del instrumento. James Jamerson, un influyente bajista de la Motown
usaba únicamente el dedo índice (que él llamaba The hook, El garfio) para ejecutar
complicadas líneas de bajo. Igualmente, existen numerosas diferencias en cuanto a
la posición de reposo del pulgar de la mano derecha: algunos bajistas usan el
apoyapulgar que Fender había diseñado originalmente; otros lo apoyan sobre la
pastilla o sobre el lateral del cuerpo; y otros, por último lo apoyan sobre la cuerda
más grave o sobre aquella que desean mutear.
La cuerda puede ser pulsada en cualquier punto entre la base del mástil y el
puente, pero en función de ello varía notablemente el timbre del instrumento:
algunos bajistas, como el virtuoso Jaco Pastorius, son conocidos por usar
preferentemente el área más cercana al puente del instrumento, donde la cuerda
es más tensa y produce un sonido más seco, compacto y definido, mientras otros
prefieren utilizar la parte media o más cercana a la base del mástil para obtener un
sonido más grave y redondo.
Es posible emular el sonido tradicional del contrabajo pulsando las cuerdas con el
dedo pulgar de la mano derecha mientras se mutean ligeramente con la palma de la
mano para obtener un sonido corto y sordo, muy similar al del hermano acústico del
bajo eléctrico. Esta técnica, de hecho, era favorecida en los primeros modelos
Precision por la localización del apoyapulgar bajo las cuerdas, pero el dispositivo
fue más adelante situado sobre las cuerdas hasta desaparecer por completo en la
década de 1980.
Slap y pop
Slap
Mediante la técnica de slapping, muy frecuente entre los bajistas de funk, se logra
un sonido percusivo muy característico que se consigue al golpear con el pulgar
(slapping en inglés) las cuerdas graves y pellizcar con los dedos índice y medio
(popping en inglés) las cuerdas más agudas. Los ejecutantes de esta técnica
intercalan a menudo notas fantasma y notas muertas entre las notas pop y slap
para conseguir el efecto percusivo característico del slapping. Tras la ejecución de
una nota slapeada, la mano izquierda puede provocar otras notas mediante el
empleo de diversas técnicas como el hammer-on, el pull-off o el glissando. Se
atribuye generalmente a Larry Graham, bajista original de Sly and the Family
Stone, la invención de este técnica, pero el bajista de sesión Louis Johnson ha
afirmado que desarrolló la técnica de forma paralela e independiente, y hoy se
considera a ambos como los padres del slap.
La técnica es usada asimismo por muchos intérpretes más allá de las fronteras del
funk, como el rock (Les Claypool, Flea), el heavy metal, la fusión (Marcus Miller,
Victor Wooten o Alain Caron) o el pop (Mark King de Level 42). En los últimos años
Victor Wooten ha popularizado la técnica del double thump, que consiste en
golpear dos veces (una con la yema, la otra con la uña) cada cuerda.[76] Tony Levin
ha experimentado con una técnica derivada del slapping que denomina funk fingers,
y que consiste en el uso de unos palillos de madera para golpear las cuerdas.
Técnica de púa
Uso de la púa La púa es usada por algunos bajistas que buscan un ataque más
articulado, mayor velocidad, o que, simplemente, prefieren su uso en lugar de los
dedos. Aunque generalmente se asocia el uso de la púa a géneros como el rock,
existen músicos en otros estilos que usan preferentemente la técnica, como el
bajista y compositor de jazz Steve Swallow o el bajista de flamenco Carles
Benavent.
Existen diversas variedades de púas disponibles, pero, dado el mayor grosor de las
cuerdas del bajo respecto a las de la guitarra, la mayoría de los bajistas prefieren
púas más gruesas y más duras que las usadas por los guitarristas. El empleo de
distintos materiales (plástico, nylon o fieltro) proporciona diferentes sonoridades.
Normalmente la púa se sostiene con los dedos índice y pulgar, y es la muñeca la
encargada de proporcionar el movimiento alternativo arriba-abajo.
La mano izquierda del bajista (la derecha para los músicos zurdos) se usa para
presionar las cuerdas sobre los trastes del diapasón con el propósito de extraer
así las diferentes notas del instrumento a partir de la vibración de las cuerdas. La
mano izquierda puede también producir cambios en una nota en ejecución,
muteándola justo después de que la cuerda ha sido pulsada para apagar la nota
eliminando la vibración de la cuerda, ya sea brusca o progresivamente. La mano
izquierda cumple una tercera función: mutear las cuerdas que deberían sonar para
eliminar las vibraciones no deseadas y la resonancia por simpatía, lo que resulta de
vital importancia para obtener un sonido limpio y definido. En algunos casos, sin
embargo, esta propiedad de vibración por simpatía de las cuerdas puede ser
aprovechada por el músico con resultados musicales, haciendo sonar otras notas
del acorde que está sonando en ese momento, algo muy común en la ejecución de
baladas, por ejemplo.
La mano izquierda es también responsable del vibrato. En los bajos con trastes el
vibrato se aplica en la mayoría de los casos alternando rápidamente la nota con una
nota inmediatamente superior. En los bajos sin trastes el ejecutante puede usar
este tipo de vibrato, pero generalmente se hace uso de la capacidad del
instrumento para ejecutar microtonos. En cualquiera de los casos el vibrato se
aplica casi siempre sobre notas obtenidas pulsando las cuerdas en algún punto del
diapasón, pero cuando se trata de posiciones abiertas (mi-la-re-sol en el traste 0),
es posible también obtener vibrato mediante la aplicación de una ligera presión en
la parte de la cuerda que queda más allá de la nuez del instrumento. En algunas -
raras- ocasiones el bajista puede ayudarse de palancas de trémolo como las usadas
por los guitarristas para obtener el mismo efecto.
Otra técnica a disposición de los bajistas son los armónicos, que se consiguen
aplicando una ligera presión sobre el traste con la mano izquierda, evitando que la
cuerda llegue a hacer contacto con el traste, para posteriormente pulsar la cuerda
con la mano derecha. Esta técnica (popularizada sobre todo por Jaco Pastorius)
posibilita la obtención de sonidos mucho más allá de las posibilidades tímbricas
naturales del instrumento, y ha sido a veces usada en para la composición de piezas
cuya riqueza armónica quedaba fuera de las posibilidades de la técnica estándar.
Usos y estilos
Música popular
Los tipos de líneas de bajo ejecutados por los bajistas difieren notablemente en
función del estilo de que se trate, pero sobre estas diferencias de estilo subyacen
varios roles comunes: el trabajo del bajista consiste en establecer el marco
armónico (lo que frecuentemente significa enfatizar la nota raíz de los acordes y
—en menor medida— los intervalos de quinta, tercera o séptima), así como
determinar el pulso rítmico.
Verdine White, del grupo de Funk Earth Wind & Fire.
La importancia del papel del bajista varía asimismo según el estilo de música que se
esté ejecutando: en algunos estilos pop, el bajo cumple una función relativamente
simple y la música se focaliza más sobre los instrumentos melódicos y sobre la línea
vocal, mientras que en el reggae, el funk o la música disco existen numerosos temas
que giran alrededor de una línea de bajo, que además, suele estar muy presente en
la mezcla. En la música latina, el country, el folk y en otros estilos similares, el bajo
ejecuta normalmente patrones simples de tónica-quinta sobre cada acorde de la
progresión. En el blues el bajista ejecuta frecuentemente líneas walking derivadas
de las escalas y los arpegios correspondientes a la progresión armónica, y también
hace un uso frecuente de riffs basados en la escala de blues. En el heavy metal y
sus derivados, el bajista dobla generalmente las líneas ejecutadas por los
guitarristas, para aportar profundidad al sonido de la banda.
El bajo eléctrico en el jazz cumple las mismas funciones del contrabajo: como
parte integrante de la sección rítmica (junto a la batería, el piano o la guitarra), es
ante todo un instrumento de acompañamiento, pero también puede ser requerido
como un instrumento solista. Cuando acompaña, el bajista ejecuta normalmente
líneas de walking bass sobre estándares de jazz. En temas latin o fusión el bajista
puede ejecutar figuras sincopadas en combinación con el baterista, o puede
también proveer un fundamento rítmico simple y sólido.
El papel de solista del bajo eléctrico es más acentuado en el jazz que en los demás
estilos, dada su naturaleza improvisada y la abundancia de solos en este tipo de
música. Mientras que en la mayoría de las bandas de rock no suele ser normal que el
bajista ejecute un solo, durante una representación de jazz es de esperar que el
bajista, como el resto de los músicos, se encargue de una o más improvisaciones de
longitud variable. Tanto si el bajista está acompañando como si se está haciendo
cargo de un solo, es muy importante en este contexto que lo haga con sentido del
swing y con un sólido groove.
Entre los compositores modernos que han usado el bajo eléctrico desde la década
de 1960 encontramos a Christian Wolff (Electric Spring 1, 1967; Electric Spring 2,
1966/70; Electric Spring 3, 1967; y Untitled, 1996); Francis Thorne, un estudiante
de Paul Hindemith, de la Universidad Yale nacido en 1922, quien compuso
Liebesrock (1968–69); Krzysztof Penderecki (Cello Concerto n.º 1, 1966/67, rev.
1971/72), The Devils of Loudun], 1969; Kosmogonia, 1970; y Partita, 1971);[93]
Louis Andriessen (Spektakel, 1970;[94] De Staat, 1972-76; Hoketus, 1976; De
Tijd, 1980-81 y De Materie, 1984–1988)
Durante las décadas de 1980 y 1990, el bajo eléctrico fue empleado en los
trabajos de Steve Reich (Electric Counterpoint], 1987[98] Wolfgang Rihm (Die
Eroberung von Mexico, 1987-91), Arvo Pärt (Miserere, 1989/92), Sofia Gubaidulina
(Aus dem Stundenbuch, 1991), Giya Kancheli (Music for the Living, 1982-84), o
John Adams (I Was Looking at the Ceiling and Then I Saw the Sky, 1995)
Bajistas destacados
Entre los bajistas que, por diversos motivos, ocupan un lugar destacado en su estilo
y son ampliamente citados en la literatura especializada de referencia, podemos
citar a:
Alphonso Johnson.
Anthony Jackson.
Brian Bromberg.
Gary Willis.
Jaco Pastorius.
Jeff Berlin.
Jimmy Haslip.
John Patitucci.
Kai Eckhardt.
Mark Egan.
Matthew Garrison.
Marcus Miller.
Michael Manring.
Richard Bona.
Stanley Clarke.
Steve Swallow.
Tal Wilkenfeld.
Tom Kennedy.
Funk y soul
Tal Wilkenfeld.
Bernard Edwards.
Bootsy Collins.
Chuck Rainey.
James Jamerson.
Jerry Jemmott.
Larry Graham.
Verdine White.
Victor Wooten.
Mark King.
Pino Palladino.
Sting.
Steve Harris
Gene Simmons.
Billy Sheehan.
Chris Squire.
Flea.
Geddy Lee.
Jack Bruce.
John Entwistle.
Oteil Burbridge.
Stu Hamm.
Tony Levin.
Paul McCartney.
John Deacon.
Heavy metal
Steve Harris.
Cliff Burton.
Jason Newsted.
Les Claypool.
Steve Harris.
Markus Grosskopf.
Rob Trujillo.
Lemmy Kilmister.
Bajistas de sesión
Nathan East.
Will Lee.
Otros estilos
Carles Benavent
Bobby Valentin.
Pedro Aznar.
Fabricantes
Existe una gran cantidad de marcas que comercializan sus instrumentos, desde
grandes internacionales que fabrican sus productos en serie hasta pequeños
talleres familiares que elaboran sus instrumentos individualmente o por encargo.
De entre ellas, algunas de las más conocidas son:
Aria. Japón.
BassCulture. Alemania
Basslab Guitars. Alemania.
F Bass. Canadá.
Hofner. Alemania.
Ibanez. Japón.
Amplificadores y efectos
Acoustic Image.
Crate.
EBS. Suecia.
Eden Electronics.
Epifani.
Gallien-Krueger.
Genz Benz. Estados Unidos.
Glockenklang. Alemania.
Ibanez. Japón
Kustom.
Labsystems. Australia.
Laney Amplification.
Orange Amps.
SWR.