PERIODICO DI INFORMAZIONE, ATTUALITÀ E CULTURA MUSICALE A CURA DEL SAINT LOUIS COLLEGE OF MUSIC

ACROSS THE UNIVERSE RAMIN BAHRAMI ULTIMO TANGO

UN CRATERE A ROMA
Dicembre Gennaio 2008

di Roberta Mastruzzi
PER FUGGIRE VIA di Rossella Gaudenzi
Prendete il più
famoso gruppo della di Romina Ciuffa e Flavio Fabbri Quaranta candeline spente

Periodico di informazione, attualità e cultura musicale a cura del Saint Louis College of Music
storia della musica,
attori carini e vaga-
mente somiglianti ai
componenti del sud-
detto gruppo, un pizzi-
co di Joe Cocker e di
Bono, la fantasia di
Daniel Ezralow (sì, proprio lui, quello dei
Momix), e mettete tutto in un bel frullatore
colorato, di quelli che si trovano nelle cucine
delle commedie americane anni Sessanta.
Il risultato è un musical, che non è proprio
un musical, a tinte pop (nel senso di pop-
art) con l’ambizioso e un po’ furbo tentativo
di raccontare una storia e renderla universa-
le, almeno quanto la sua colonna sonora. Si
tratta di un film i cui dialoghi sono per la
maggior parte composti dalle canzoni dei
Beatles, il titolo - come poteva essere altri-
menti? - è «Across the Universe» e Julie
Taymor la sua regista. (...)
lo scorso marzo. Un corpo fles-
Credere nella reincarnazione? Forse. Di suoso, teso, come un nodoso
Bach? Si. In un certo senso, Johann ulivo adulto: vibrante, vigoro-
Sebastian è rinato a Teheran. Il pianista di so, nel pieno delle forze. L’età
Eisenach si è risvegliato 31 anni fa in una migliore per un uomo, si dice,
casa iraniana da padre ingegnere, Paviz il fior fiore degli anni.
Bahrami, che sarebbe rimasto ucciso in car- Eppure. 22 dicembre 2007,
cere con l’accusa di essere oppositore del Buenos Aires: questa sarà la
regime degli Ayatollah, in uno Stato in cui tappa finale di Boccatango,
l’uomo non può toc- tour conclusivo della carriera dell’étoile della
care le donne in danza internazionale Julio Bocca. Si assicura
pubblico. Si insidia che sarà una vera e propria festa, con entrada
Johann Sebastian, libre y gratuita. L’ultimo tour del ballerino
allora, dentro le argentino ha preso il via un anno fa, nel novem-
mani di Ramin, bre 2006, e ha toccato i teatri storici della sua
come a dire: «Tocca, carriera, oltre a teatri nei quali non aveva avuto
tocca i tasti, toccali ancora l’opportunità di esibirsi. La sua «Terra
in pubblico. Sono d’Argento», l’Argentina; il Nord e Sud
donne, e nessuno lo America; l’ Europa: Madrid, Parigi, Roma per
sa». Lui lo sapeva, citare solo le capitali più importanti toccate dal
perché aveva 7 (...) Ballet Argentino e dalla Orquesta Octango.

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on cadenza regolare nascono associazio-
Redazione ni temporanee di musicisti e musicanti
Via del Boschetto,106 - 00184 Roma che, come l’Italia nel patriottico inno, d’im-
Tel 06.4544.3086 provviso si destano e si uniscono in coro rivol-
Fax 06.4544.3184 ti al Palazzo. Questo Gospel di voci bianche
Mail redazione@musicin.eu (per il colore della pelle) chiede a volte più
garanzie per la categoria, un’assistenza previ-
Marketing e Pubblicità denziale più concreta, ma troppo spesso il tutto
Mail marketing@musicin.eu si riduce ad una mera richiesta di soldi, quelli
che fanno girare il mondo, ma
non in maniera diretta e vena-
Tipografia le, bensì attraverso una richie-
Litografica Iride Srl sta di ampliamento del FUS
Via della Bufalotta, 224 - Roma (Fondo unico per lo
Web Spettacolo). I problemi della
www.musicin.eu categoria sono tanti, a comin-
www.myspace.com/musicinmagazine ciare dal fatto che non esiste
una categoria. Scusate se è
Anno I n. 3 poco. Qualunque fannullone
Dicembre2007-Gennaio2008
Registrazione presso il Tribunale di Roma può alzarsi la mattina (tardi
n. 349 del 20 luglio 2007 chiaramente), prendere atto
che si sente un grande artista,
comprare una chitarra o una
STEFANO tastiera con i dischetti e giura-
MASTRUZZI re al mondo di essere un musi-
EDITORE cista. Forse un saltimbanco.
Guai a proporre in Italia una sorta di albo, per
carità, si limiterebbe la libera creatività indivi-
duale e il fluire delle idee; ma, forse, la paura
vera è che alcuni non passerebbero l’esame di
ammissione.
Uno dei problemi, ai fini previdenziali, è
l’Enpals: un Ente che, per come è regolamenta-
to, elargirà pensioni solamente a chi non ne
avrà bisogno. Per raggiungere e maturare il
diritto alla pensione ci vogliono
solo 2.400 concerti da spalmare
in minimo 20 anni di brillante
carriera. La normativa, la cui
prima stesura risale al ‘47, ha
certamente le proprie colpe e
lacune - che le successive modi-
fiche non hanno mai risolto -
ma anche i musicisti hanno le
loro. Sarò una voce fuori dal
coro (il Gospel di prima), ma
sono certo che pochissimi
rinuncerebbero a un fottuto
euro della propria retribuzione
per pagare le tasse o i contribu-
ti previdenziali. Eh già, le tasse
e i contributi li devono pagare
gli altri; io mi accontento di un importo al netto
di tutto. Pochi, maledetti e subito ma sporchi,
perché sono neri. Dati della Federculture ci illu-
strano che l’affluenza ai concerti cresce spaven-
tosamente: solo nel 2004 è stato venduto oltre il
40% di biglietti in più rispetto all’anno prece-
dente. Se ci fosse una crescita simile nel settore
industriale in un anno avremmo risolto tutti i
problemi economici del nostro Paese.
Quindi, anche se il FUS è stato ridimensiona-
to - e ciò è alquanto criticabile -, anche se la
maggior parte di questo fondo finisce ad Enti
lirici e spesso ai salotti di ex-aristocratici che
organizzano noiosissimi ascolti da camera (è
tutto vero) - e ciò è deprecabile -, perlomeno il
pubblico compensa di tasca propria queste defi-
cienze, premiando gli spettacoli con un’affluen-
za più numerosa. È chiaro che non serve a nulla
chiedere più soldi per lo spettacolo: abbiamo
bisogno di cambiamenti ben più radicali. Ma
chi fa le leggi in materia in Italia? Ve lo dico io:
dei parrucconi pieni di sé. Il problema risiede al
solito nella «italian way» che prende in consi-
derazione solo chi fa gol - che spesso è (...)
¢ CONTINUA NELLA PAGINA JAZZ&BLUES
 J A&ZbluZes AUGURI A Ottant’anni e non sen-
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008

a cura di ROSSELLA GAUDENZI

tirli: li fa Lee Konitz suonando in ADRIANO MAZZOLETTI Ti DRUM C’è un batterista che

Gli ottant’anni di
giro per il mondo il suo sassofono insegno il jazz per radio ha tutta l’aria di battere

LEE KONITZ
propria ispirazione. In uno degli ultimi semi-
nari tenuti in Italia, Konitz ha spiegato il suo
approccio all’improvvisazione basato su un
sistema di dieci differenti livelli che, parten-

PADRE NOBILE DEL JAZZ

do dalla stessa forma canzone, progredisse-
ro gradualmente verso qualcosa di nuovo,
sfuggendo all’ansia di dover subito abban-
donare lo spunto melodico iniziale (che è poi

H a compiuto ottant'anni Lee Konitz, gigante

dell'improvvisazione jazz che da oltre ses-
sant’anni continua a stupire la platea di appas-
sionati con idee e soluzioni melodiche sempre
originali, evitando gli eccessi dello sperimentali-
smo e restando fermamente ancorato al fraseg-
gio bop e swing.
L’infaticabile sassofonista di Chicago ha confe-
zionato, con una formazione di nove elementi,
uno spettacolo itinerante per il proprio comple-
anno che ha debuttato alla Carnegie Hall di New
York e che è approdato per la prima europea al
Manzoni di Milano di recente.
Nel frattempo, sta ultimando il mixaggio di ben
tre album che vedranno la luce a gennaio e che
dovrebbero riassumere gli elementi essenziali di
questo vero e proprio outsider del jazz, che ha
percorso, fiancheggiandole, le molte correnti
della musica afroamericana preferendo tuttavia
preservare una propria personale espressività e
fungendo inevitabilmente da lampara anche per i
suoi colleghi più innovatori, da Roscoe Mitchell a
Anthony Braxton.
Sarebbe davvero un esercizio di stile o al più
uno stucchevole elenchismo cimentarsi nel
ricordare le centinaia di collaborazioni storiche di
Konitz, la cui concezione armonica e melodica ha
sempre svolto il ruolo di filo d’arianna nei
momenti di svolta del jazz; basti pensare all’insi-
stenza con cui Davis lo volle al proprio fianco per
registrare The birth of the cool, con il quale iniziò
il progressivo allontanamento dal fraseggio be-
bop di Charlie Parker, prima che esso rischiasse
di divenire «maniera».
Grazie anche ad una serrata attività didattica -
Konitz è stato uno dei primi a promuovere la pos-
sibilità di insegnare la tecnica improvvisativa -, la
sua idea pilota è sempre stata quella di scavare
dentro gli standard e i brani della tradizione folk
per reperire il contesto dal quale avviare nuove
melodie; partendo da un abbellimento melodico
e ritmico, spostandosi poi ad una variazione sul
tema, l’improvvisatore deve sapersi allontanare
progressivamente da esso fino ad arrivare alla
piena espressività, come un demiurgo capace di
ricamare dentro una data struttura armonica la
una delle malattie principali di tanti e tanti jazzi-
sti pur tecnicamente ineccepibili).
Allievo di Lennie Tristano, il pianista-filosofo
come ebbe a ricordare lo stesso Konitz, resta
convinto che le coscienze e le sensibilità si diffe-
renzino non per un mero fatto di progresso tec-
nologico e di conoscenza, ma che esse siano
parte di una più complessa processualità sociale
globale che rende l’universo emotivo di
Armstrong, ad esempio, differente da quello di
Coltrane. È quindi il processo storico in sé a ren-
dere sempre differente l’interpretazione di uno
standard, senza la necessità di ricorrere ad avan-
guardismi spesso frutto più di operazioni mate-
matiche e razionali fatte a tavolino che di una
autentica esigenza espressiva.
Con questo patrimonio di sapienza, Konitz
continua a celebrare la gioia del jazz e della musi-
ca, con il suo carattere discreto e lontano da ogni
protagonismo eppure sempre presente in ogni
fase di «superamento».
Paolo Romano

A zzardo: trovarsi a dialogare con Adriano
Mazzoletti ti fa sentire in balia di una
sorta di incantatore di serpenti. Mi fac-
cio catturare dalla sua capacità narrativa. Inizia
a raccontare e ad ammaliare con le sue storie, i
suoi aneddoti, le esperienze, come in pochi oggi
di esprimere concetti intelligenti. Oggi le idee
in circolazione sono davvero poche. Si può pen-
sare ad un ottimo Fiorello: è capace, comunica-
tivo, intelligente, in grado di gestire una tra-
smissione straordinaria. Ma non ci si può
immaginare la qualità della radio affidandola ad
to della radio stessa. Paradossalmente, le radio
Attenti a quel
BATTERISTA
private fanno meglio il loro mestiere rispetto
alle pubbliche, le quali hanno - o avrebbero - il
dovere etico di attenersi ad alcuni dettami. La
radio è fatta di voci, musica, silenzi.
Importantissimo è chi va in onda, che deve cat-

S
sanno fare. Tic-toc, il tempo scorre. Tic-toc, il un unico personaggio». turare l’audience. Questa deve essere la forza
tempo scorre. Tic-toc, il tempo scorre. Tempo «Ulteriori elementi fondamentali per un buon della radio. Saper stare ai tempi radiofonici,
scaduto. E ne vorresti ancora, in un’atmosfera andamento dei programmi radiofonici, è un’at- sapere quando la concentrazione di chi ascolta embra che avere sangue abruzzese che

ONDE RADIO
ormai densa del suo spessore professionale. tenta analisi del Target: il pubblico delle 6.00 inizia a scemare, e variare». scorre nelle vene sia una garanzia di
Potrebbe illuminare con estrema competenza A un certo punto i due grandi amori di gran talento e riuscita, se il tuo sogno è quel-

su decine e decine di argomenti gravitanti il
mondo della comunicazione. È giornalista pro-
fessionista dal ‘64; autore, regista, conduttore
radiofonico e televisivo; è stato dirigente Rai;
per trent’anni ha fatto parte della direzione
dell’Uer (Unione Europea di Radiodiffusione),
come vicepresidente e poi presidente del
Dipartimento Jazz e Musica leggera; è stato cri-
tico musicale per il quotidiano Il Tempo di
Roma; sin dagli anni Cinquanta ha svolto ricer-
che e raccolto documenti e testimonianze sul
jazz europeo e italiano e sui musicisti italo-
americani. Fondamentalmente, è un instancabi-
le amante del jazz. E della radio.
Ricorda l’inizio dell’avventura nel mondo
radiofonico, legato ad un concorso vinto alla
Rai: La qualifica era di collaboratore, il ruolo,
quello di creatore di programmi. Fino al 1976,
anno di riforme , di una legge chiamata nell’am-
biente Legge Sullo (dal Ministro Fiorentino
Sullo, ndr) che interveniva sul lavoro dipenden-
te; estremamente adatta per vari settori lavorati-
vi, ma non per un’azienda come la RAI. Da quel
momento si entra fissi. Uno spirito libero come
quello di Adriano Mazzoletti non ha molto
amato il ruolo di lavoratore dipendente: indub-
biamente ha messo un po’ il freno alla creativi-
tà. Finchè si era collaboratori, il compito pre-
ponderante era quello di produttori di idee; la
proposta veniva valutata, si o no, piaceva o non
piaceva. Dal ‘76 in poi, la creazione ha un ruolo
inferiore, ma ci si continua ad avvalere di colla-
boratori. Quindi le idee fresche circolano.
Perché, parliamoci chiaro: la radio, dagli
anni Settanta agli anni Novanta, era estrema-
mente viva e piacevole. Si ricordano eccellenti
direttori, tra cui Leone Piccioni. Fondamentale,
il fatto che venisse realizzata da professionisti
del settore, interni ed esterni, e non, come oggi
accade, da ascoltatori. E da telefonate.
Era la radio che ha fatto nascere le trasmis-
sioni di cultura. «L’abilità di chi ha la responsa-
bilità di condurre una trasmissione sta nel solle-
ticare la curiosità e l’interesse dell’ascoltatore,
MAZZOLETTI
vuole cose diverse da quello delle 13.00 o delle
24.00. Indovinare ciò che piace, i ritmi delle
trasmissioni, il linguaggio idoneo fanno il suc-
cesso di un palinsesto ben studiato, e rispettoso
di chi ascolta. Il linguaggio: non finirò mai di
ripetere la necessità di un vero e proprio lin-
guaggio radiofonico, che un tempo esisteva ed
oggi non più. La radio è fantasia, deve saper
creare un rapporto magico tra ciò che si dice e
chi sta all’altro capo di un apparecchio, si è
sintonizzato e affida a noi il proprio tempo».
«C’è una gran diffusione di scurrilità al gior-
no d’oggi, nel linguaggio utilizzato nel mondo
della comunicazione. Non sono mai stato un
castigatore di costumi, ma questa volgarità è
fine a se stessa. In televisione è meno fastidio-
sa, il contesto è diverso; mi chiedo perché dei
conduttori bravi ed intelligenti come Lillo e
Greg si affidino in radio ad un linguaggio spes-
so scurrile Questa mancata attenzione al lin-
guaggio radiofonico, ha portato a uno svilimen-
Adriano Mazzoletti si incontrano, si fondono e
si trasformano in due forti passioni che lo
accompagnano da oltre cinquant’anni. «Il mio
amore per il jazz risale proprio a quando, da
ragazzino, mi sintonizzavo sulle onde radio per
ascoltare una straordinaria trasmissione di Piero
e Leone Piccioni: La Galleria Del Jazz. Il
critico e il musicista insieme, era una
trasmissione ben confezionata.
Smettevo di fare i compiti per goder-
mi questo momento di alta cultura.
Quando ho iniziato a collaborare alla
radio, il jazz era un po’ scomparso.
Convinsi i responsabili di allora a
lasciarmi uno spazio per un pro-
gramma di jazz».
Ha avuto vita lunga: dagli anni
Sessanta al 2000. Da qualche anno a
questa parte, da quando Mazzoletti
ha lasciato la radio, i programmi di
jazz, fatta eccezione per Radio 3,
sono molto diminuiti, e non sono
neppure più programmi di cultura. Egli
è stato l’ideatore della trasmissione jazzistica
più originale in circolazione: Radio Uno Jazz
Serata. «A fine anni Ottanta, l’allora direttore
Ennio Ceccarini mi disse di avere un problema
con gli ascolti serali. L’audience calava. Due
giorni di tempo: ho pensato ad una trasmissione
che andasse in onda dal lunedì al venerdì con
argomenti diversi ogni sera, entro specifici set-
tori. Varietà, musica leggera, jazz. A condurre,
grandi personalità dell’epoca».
«Tutto dal vivo. Si chiacchierava e si dibatte-
va, con collegamenti da tutto il mondo ed inter-
venti di mostri sacri della musica di tutti i gene-
ri. La serata jazz era condotta da me. Il risulta-
to fu ottimo». Parla a lungo Mazzoletti, com-
mentando con amarezza come dagli anni
Novanta il palinsesto della radio pubblica sia
stato uniformato a quello delle radio private).
«Ed è stato l’inizio di una parabola discen-
dente. Come non riflettere sulle capacità per-
suasive dei mass-media. Oggi se ne parla solo
ed esclusivamente per condannarli, perché il
collegamento immediato è con la corruzione
dei costumi, con la pubblicità che ci rende tutti
dei consumatori incalliti».
Ma se quotidianamente, una voce calda ci
illuminasse sulla storia del jazz o del soul, o del
rock, e fosse capace di tenerci inchiodati alla
radio per sete di conoscenza che cresce e della
quale, da un certo momento in poi, non potessi-
mo più fare a meno. Inizieremmo ad ascoltare
musica, a capire musica, a comprare musica.
Qualcosa si muove, nei negozi specializzati:
pare che i cd migliori, li trovi nello scaffale con
il cartello: € 9,90. Possiamo permetterceli.
lo di diventare batterista. Pensiamo a
Lorenzo Tucci e a un validissimo musicista di
qualche generazione successiva, ossia al ven-
tottenne Nicola Angelucci. Peraltro: maestro
e discepolo, e sull’ascesa di questo discepolo
ne abbiamo sentite e ne sentiremo delle belle.
Lo abbiamo incontrato spesso al Charity
Café in trio, il suo Nicola Angelucci Group
(Enrico Bracco, chitarra; Francesco Puglisi,
contrabbasso; Nicola Angelucci, batteria),
proponendo standards con personali arrangia-
menti e brani inediti. Ottimo traguardo, che
testimonia un consolidamento del drummer
abruzzese come figura leader nel panorama
jazzistico del momento, forte di un pubblico
fedele che crede in lui, lo segue con amore e
cresce esponenzialmente.
Il fuoriclasse non ama le etichette, ma è
stato il jazz ad appassionarlo più di ogni altro
genere da quando, sedicenne, lo ha scoperto
ascoltando dischi dei Weather Report. Ed è
attraverso il jazz che si esprime al meglio. Fa
parlare di sé ormai da tempo: Jazzitalia lo ha
intervistato qualche anno fa che era già una
figura autorevole con esperienza da vendere.
Non solo in dieci anni e poco più di carrie-
ra può citare numerosi stages e seminari a cui
ha partecipato in Italia e in America (presso il
Columbia College di Chicago), ma ha all’at-
tivo collaborazioni con le più autorevoli per-
sonalità jazzistiche nostrane e non. Solo per
citarne alcune: Bob Mintzer, Steve
Grossman, Miles Griffith, Andy Gravish,
Amedeo Tommasi, Rosario Giuliani, Enrico
Pieranunzi, Luca Mannutza, Fabrizio Bosso,
Stefano Di Battista, Javier Girotto, Max
Ionata, Francesco Puglisi, Dario Deidda,
Gianluca Renzi. Vince premi e concorsi: nel
2000 Jazz Baronissi, nel 2002 con il quartet-
to di Max Ionata il Grand Prix du Public al
Trumplin Jazz d’Avignon.
È passato più volte per le sale registrazio-
ne: la prima incisione a soli 18 anni con il
Max Ionata-Claudio Filippini Quartet
(Zaira); per continuare con Mood Swings,
Little Hand, A Secret Place, Internal Dance,
The Dream of Love e Dreams. Ma soprattut-
to, suona moltissimo dal vivo.
Non perdiamola di vista, questa personalità
che ha la stoffa per essere una promessa del
jazz internazionale, sebbene il termine pro-
messa comporti grosse responsabilità. E dun-
que, senza aspettative esagerate, concedia-
moci il lusso di godere dei suoi concerti.
Dubitando che ci deluderà. (RG)

Rossella Gaudenzi
NICOLA A NGELUCCI
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008

ANDREA BIONDI L’occasione BLUES Rick Hutton, che era

J A Z
& blues
Z
«S
fa l’uomo vibrafonista. Soliti, quello di Video Music. Non scher- AUGURI A Alexanderplatz, ne fa
ignoti, ladri di note ziamo. venticinque ma tutti, tutti suonati

IMPIASTRARE LE MURA
uonare a New York, nel palazzo delle Nazioni Unite, è stata un’espe-

DELL’ALEXANDERPLATZ
rienza unica». Per Andrea Biondi, vibrafono, da 3 anni membro sta-
bile di Roma Sinfonietta, l’orchestra che collabora stabilmente con Ennio
Morricone con cui tiene concerti nei più importanti teatri del mondo e incide le
colonne sonore per il cinema e la televisione. C’era anche lui quando l’Orchestra

L
che si esibiva in un concerto per l’Onu mentre Morricone dirigeva l’esecuzione
unga vita all’Alexanderplatz. Il Jazz
dei suoi brani più famosi davanti a un pubblico prestigioso. «Tra gli spettatori Club più famoso d’Italia è al giro di
boa del quarto di secolo, ed ha compreso
c’erano anche Lou Reed e Pat Metheny, una cosa davvero incredibile».

ANDREA BIONDI:
che la vera idea rivoluzionaria, la sua forza,
la via del successo, è di rimanere così com’è.
Complicato fare una gerarchia di quanti
musicisti vi abbiano messo piede, perché

IL SOLITO (IGNOTO)
non basta dire tutti, sebbene davvero tutti i
jazzisti che hanno fatto epoca siano passati
per questo locale. Documentato dai penna-

VIBRAFONO
C’è un legame particolare tra questo stru-
mento e la musica da film?
Pochi lo sanno ma il suono del vibrafono è
molto presente nelle colonne sonore. Tutti i com-
positori italiani, dagli anni Sessanta in poi,
hanno usato spesso e volentieri le percussioni
sinfoniche. Lo stesso Morricone le usa molto. In
trent’anni di attività, non c’è una composizione
per film in cui non sia presente il suono del
vibrafono o della marimba. E poi Nicola Piovani
e Luis Bacalov, per citare altri due grandi com-
positori con cui ho avuto il piacere di lavorare.
Come vibrafonista ho lavorato tantissimo con la
musica da film e proprio da questo è nato un mio
progetto personale.
Di cosa si tratta?
Il progetto si chiama «I soliti ignoti. Storie di
ladri, storie di jazz» ed è dedicato alla musica di
Piero Umiliani, che per i due film de «I soliti
ignoti» aveva genialmente trovato una chiave
jazzistica per raccontare una storia tutta italia-
na. Nella colonna sonora di questo film straordi-
nario c’è anche Chet Baker. È un progetto che
porto avanti con l’aiuto di altri grandi musicisti,
Salvatore Bonafede e Maurizio Giammarco, con
i quali abbiamo deciso di dedicare questo omag-
gio al «Jazz Italiano in bianco e nero».
Come si diventa vibrafonista?
Ho iniziato suonando la batteria e ho prose-
guito gli studi al Conservatorio. Pian piano
dagli studi classici mi sono avvicinato alla musi-
ca moderna e mi sono accorto che questo stru-
mento, il vibrafono, era molto utilizzato nel jazz.
Dopo il Diploma mi sono dovuto trasferire in
Germania per perfezionare i miei studi, perché
al Conservatorio le percussioni sinfoniche ven-
gono studiate in maniera classica. Ho studiato
a cura di Roberta Mastruzzi
con David Friedman-insieme a Gary Burton uno
dei più importanti vibrafonisti-e con un grande
vibrafonista italiano che è Andrea Dulbecco.
Purtroppo in Italia non c’è una vera scuola. Per
questo, quando mi hanno proposto di introdurre
un corso di vibrafono al Saint Louis, mi è sem-
brata una cosa molto utile.
Come mai non è molto diffuso lo studio del
vibrafono?
Per i ragazzi che si accostano alla musica è
più facile trovarsi in casa una chitarra o un
basso elettrico o mettere su un gruppo con
basso, batteria e tastiere. Il vibrafono non lo si
vede quasi mai. Il suo suono ha un’impronta
molto particolare ed è anche di difficile utilizza-
zione in alcuni contesti. Si usa prevalentemente
nel jazz, ma non solo. Personalmente, sono sod-
disfatto della mia scelta, perché è uno strumento
che mi consente di suonare in situazioni molto
distanti fra loro.
Tradizionalmente usato dai quartetti jazz,
ora il vibrafono si sta facendo spazio anche
nella musica elettronica. Qual’è la tua espe-
rienza al riguardo?
Collaboro con due ingegneri del suono un po’
folli, Adriano Lanzi e Omar Sodano. È una bella
sfida da cui escono fuori cose inaspettate. Il
gruppo si chiama «El Topo», citazione di un vec-
chio film western, un cult degli anni 70.
Attraverso Myspace siamo stati contattati da
un’etichetta tedesca che aveva ascoltato alcuni
nostri brani su internet e ora suoniamo in diver-
si locali.
Cos’è «Makina/Fabric»?
È una grande opera poesia che ruota intorno
al mondo del lavoro: importanti voci della musi-
ca contemporanea, del jazz, della canzone e
della poesia raccontano la storia sociale italia-
na. Nasce da un’idea di Luigi Cinque, musicolo-
go che gira il mondo e si innamora di artisti
molto distanti fra loro e riesce ad unirli insieme
su un palco.
Così accade che mi ritrovo a suonare una sera
con Danilo Rea o Gianluigi Trovesi, e magari il
cantante pakistano o il suonatore di douduk
Jivan Gasparyan. Siamo stati in Paesi particola-
ri come lo Yemen o il Pakistan e abbiamo trova-
to un accoglienza straordinaria, sia musicale
che umana. Questi progetti sono legati a gruppi
o cori locali ed hanno un grande successo di
pubblico. La gente capisce che attraverso la
musica si può unire, ma unire veramente.
relli che sono passati sulle mura con le
firme dei più grandi musicisti mondiale, da
qui a 25 anni. Mica un gioco.
Un tempo fumoso, ed oggi purtroppo
non più, a detta del suo creatore,
Giampiero Rubei. Perché il fumo fa atmo-
sfera. Una presenza su tutte: il trombettista
Chet Baker si è esibito all’Alexanderplatz
per il suo ultimo concerto; Steve Geddes,
Matthew Shipp, Wynton Marsalis; i nostri
Marcello Rosa, Carlo Loffredo, Enrico siva dei Rubei, che hanno, tra gli altri il
Rava; i giovani Danilo Rea, Rosario compito di formare e «iniziare» al mondo
Giuliani, Stefano Di Battista; i giovanissimi del jazz le nuove generazioni, le promesse
Paolo Recchia, Oliver Mazzariello. Per il musicali nazionali. Lo spazio per i giovani
è presto creato, dedicando loro serate con
cadenza settimanale. Un accordo impor-
tante è quello tra l’Alexanderplatz e il Saint
Louis College of Music.
Ogni lunedì si esibiscono i gruppi jazz
migliori della scuola, nell’ordine: i Seven
Since, legati all’originale iniziativa musicale
di omaggiare il teatro canzone all’italiana;
Panebianco-Stabile, duo di chitarre per
brani originali; il Nicola Di Tommaso
Quartet; in duo, stavolta di chitarra e voce,
il progetto di Antonio Nasone La Promessa;
giovanissimo il leader degli Zut Quartet,
Enrico Zanisi. A dicembre, per presentarli
tutti, il progetto di Federico Procopio
Quartet, che condivide la serata con il Carlo
jazz italiano, l’Alexanderplatz ha rappre- Petruzzellis Trio; bossa nova e non solo per
sentato un trampolino di lancio, una pale- il Quintetto Malandro, per finire con
stra, un’occasione unica ed irripetibile. ZogaroS, progetto solista di Laura
E dire che il Club è nato quasi a costo Montanari, che si affida a musicisti diversi
zero, senza eccessive pretese, per divenire di volta in volta.
un unicum a livello musicale nazionale. La visione dei giovani Rubei è diversa e
Era letteralmente la cantina sotto casa della di più ampio respiro rispetto a quella di
famiglia Rubei, luogo in cui si vuole esi- Giampiero. Le attese sono di un jazz nuo-
stesse negli anni Cinquanta un famosissi- vamente fresco e di qualità, perché è di
mo locale, dal nome Johann Sebastian questo che il jazz ha bisogno. Bando all’im-
Bach; il quartiere Prati era d’altronde, già mobilismo e alla banalità.
negli anni Sessanta, zona di famosi punti di L’Alexanderplatz è un punto fermo.
ritrovo. Il giovane Giampiero negli anni Ineguagliabile. Intramontabile, da venti-
Ottanta prese in affitto la suddetta cantina, cinque anni. Lunga vita all’Alexanderplatz.
con l’idea di un locale multimediale ante
litteram: l’ambiente ospitava una libreria
musicale, con testate internazionali sul
mondo del jazz, dove potersi raccogliere
tra amici. Nessun inizio di stenti: tra amici
si sistemò l’interno, si tinteggiò, e si diede il
via a serate delle più varie.
Dal cabaret al jazz, al blues, alla musica
brasiliana. Se non che, si registrò un succes-
so pazzesco, quasi immediato. Nasceva
l’esigenza di cambiare prospettiva, di pen-
sare in grande, a un programma che preve-
desse eventi serali quotidiani, non più di
una o due volte a settimana. Fu necessaria
una chiusura d’emergenza per nuovi lavo-
ri e per gettare le basi del Jazz Club di suc-
cesso che l’Alexanderplatz è: una pietra
angolare per questo genere di musica.
L’organizzazione e la programmazione
sono oggi in mano alla generazione succes-

IL
RICK
più che trendy Micca Club propone il prossimo 22 dicembre sotto l’albero
di Natale il ritorno della Rick Hutton Band, apprezzata e seguita band italo-

HUTTON
britannica che ha registrato un crescente successo nella capitale grazie al
cocktail di energia e divertimento assicurato dalla riproposizione di tanti classici
funk, soul e rthytm and blues. Per chi marcia verso gli «anta» e per chi negli «anta»

BAND
c’è già, il nome di Rick Hutton è sinonimo di conduzione musicale su Video Music,
che fu il primo tentativo di canale dedicato alla programmazione musicale no-stop.
Hutton, insieme al suo amico Clive con il quale venne in Italia da Liverpool, riuscì a
interpretare con ironia stralunata e un po’ surreale il ruolo del VJ, prima dell’av-
vento della mai troppo criticata MTV, coi suoi stereotipi di massificazione del
gusto (dis-gusto) musicale. Ma la vera, autentica e originaria passione di Rick
ROCK_SOUL_BLUES Hutton è sempre stata la passione per la black music: stasera con la sua eccellen-
te band e la sua voce graffiante saprà far ballare, divertire e smaltire un po’ di
panettone prima della vigilia. MICCA CLUB, VIA PIETRO MICCA, 7A - PORTA MAGGIORE - ROMA.
 J&AbluZesZ RECENSIONE Roberto Ciotti (quello di
UNPLUGGED CIOTTI
Burattino Senza Fili di Bennato e della colon-
na sonora di Marrakech Express) scrive di sé
R
oberto Ciotti, musicista e compositore
romano, è noto ai più soprattutto per
avere creato l’indimenticabile colonna sonora
di Marrakech Express di Salvatores (1989).
Nella sua lunga carriera di bluesman ha rag-
giunto traguardi invidiabili, suonando al fianco
di Brian Auger, Jerry Ricks, Jimmy
Witherspoon. Un sogno iniziato da ragazzo, con
una Ariston regalata dal padre e le note dei
Rolling Stones, dei Led Zeppelin e di Jimi
Hendrix nell’aria. Erano gli sfolgoranti anni
Sessanta, tutto era in fermento e la musica si
faceva bandiera di una ritrovata
libertà. Dai primi anni Settanta,
dopo varie esibizioni con il grup-
po jazz-rock romano Blue
Morning, lavora come session-
man con Francesco De Gregori ed
Edoardo Bennato; dopo una breve
esperienza newyorkese torna a
Roma per incidere il primo disco,
andando in tour con Bennato per
due anni. Da questa collaborazio-
ne nascono «Burattini senza fili»
e «La Torre di Babele».
Nonostante le pressioni della
giornalista musicale Giulietti per-
ché si «italianizzasse», Roberto
Ciotti ha sempre trovato nell’in-
glese la lingua espressiva più effi-
cace, affermando che un genere
musicale deve essere fedele alla
lingua della cultura che lo ha generato, e inol-
tre, se canto in italiano, non riesco ad essere
fluido, immediato e spontaneo con la chitarra.
È l’inglese che mi permette di suonare come mi
viene e di improvvisare: le sonorità della lingua
si impastano alla perfezione con lo strumento.
È
nel 1977, frequentando il Pit 77 e assisten-
do ad un concerto di Dave Sumner, chitar-
rista dei Primitives, che Roberto conferma la
sua affinità elettiva con il Blues, un amore che
ha festeggiato i trent’anni e che continua senza
esitazioni: una scelta complessa che ha portato
Roberto a viaggiare molto e a partecipare a tutti
i maggiori Festival nazionali ed esteri.
Il primo disco solista arriva nel 1978: nasce
«Super Gasoline Blues», un diario delle espe-
rienze che Roberto colleziona in quegli anni di
viaggi, amori e amici sparsi per il mondo.
Seguono Bluesman (1979), un disco di blues
acustico, e «Rock’in Blues» (1982), una raccol-
ta di cover blues. Nel 1980 apre uno degli ulti-
mi concerti di Bob
Marley a Milano,
esperienza che gli
porta grande visibilità
e emozione. Poco
dopo conosce Ginger
Baker al Pistoia Blues
Festival. Iniziano una
grande amicizia e un
sodalizio artistico che
li portano a tornare
insieme in America.
Dopo numerose esibi-
zioni che gettano le
basi per alcuni brani
del quarto disco, «No
More Blue» (1989),
decidono di tornare in
Italia. È il 1983 e sta
per nascere il Big
Mama, locale presto famoso e molto frequenta-
to: Ciotti forma un trio e si fa portavoce del
Blues nella Capitale. Tra gli habitué, due giova-
nissimi Alex Britti e Federico Zampaglione che
si innamorano della musica di Roberto. Di loro
dice: Alex e Federico sono stati amici d’infan-
zia perché anche se più piccoli di me, vivevano
le stesse cose. Poi hanno cambiato strada per-
ché il mondo della musica è duro e seguire una
strada come la mia per i giovani è molto diffi-
L’EDITORIALE DI STEFANO MASTRUZZI Ma sì, facciamo finta
a fini Enpals che i musicisti non siano operai che si caricano il pianofor-
te e l’arpa in spalla (si spiega ora il famoso testo di Antonello Venditti).
cile. Le chance di sfondare in Italia ce le hai
solo con le canzonette nazional popolari, altri-
menti…è dura! Negli anni Settanta, visto che il
mondo andava da un’altra parte, anche noi
abbiamo avuto qualche possibilità con delle
etichette indipendenti, ma ora non ci sono più e
nessuno ti dà retta se non ti omologhi a quello
che impone il mercato.
Nel 1990 Roberto Ciotti, dopo l’esperienza di
Marrakech Express, si trova nuovamente a
comporre per il cinema e per Salvatores: a New
York incide infatti la colonna sonora di Turné,
con Mandel (ex Dire Straits) alle tastiere,
Herman (ex John Cale Band) al basso e Trump
alla batteria. Seguono altre collaborazioni cine-
matografiche e una fase di autoproduzione che
coincide con il boom della musica nera, evento
che gli permette di programmare anche cento-
quaranta serate l’anno. È con un sound più
aggressivo che nasce «Road’n’Rail» (1992),
pubblicato in Italia dalla Gala Records, piccola
etichetta indie veneta, per la quale nel 1994
pubblica «King of Nothing». Quando l’etichet-
ta chiude inizia una collaborazione con Il
Manifesto, che ormai dura dieci anni, pubbli-
cando «Changes» (1996), un disco di inediti
che vende 26.000 copie, e «Walking» (1999),
molto più introspettivo, dove Roberto sceglie
per la prima volta la chitarra classica. L’ultimo
cd pubblicato con il quotidiano è del 2002 e
nasce da una collaborazione con l’ottimo jazzi-
sta Andrea Pagani. «Behind the Door» ha sono-
rità più positive ed energiche: chitarra acustica,
percussioni, tastiere e qualche influenza latina.
Ora Ciotti continua a esibirsi con passione ed
incisività preferendo l’intimità dei piccoli club
ai grandi palchi. Una vita densa di conoscenze
ed esperienze da descrivere con minuzia per
delineare i contorni di un bluesman « made in
Italy», pieno di emozioni e di ricordi, narrati
attraverso la sua musica.
UNPLUGGED, (autobiografia),
Castelvecchi Editore, 2007 - € 18,50
Clara Galanti
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008
¢ CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA
POCHI, MALEDETTI E SUBITO
(...) un «pippone» con il senso della posi-
zione in campo, un politico dello sport) o chi fa
l’acuto più lancinante (è importante che nelle
arie d’Opera ci siano sempre gli acuti altrimen-
ti non scatta l’applauso, questo è il baudopen-
siero; ma Riccardo Muti, quando diresse il
Trovatore di Giuseppe Verdi - quello delle mille
lire - suscitò polemiche perché volle rispettare
la partitura originale, scevra da questi orpelli
da pubblico becero).
Voglio dire che i legislatori, quando provano
a riformare il settore, sono naturalmente incli-
ni a consultare solo le grandi personalità, che
spesso tanto grandi non sono ma famose sì; e
invece di portarle sull’isola le scelgono come
consulenti per la disciplina del settore, affinché
possano dar credito e visibilità alle loro buone
intenzioni e nessun contenuto degno di stima.
Consulenti che spesso non hanno fatto la gavet-
ta, che non hanno idea dei problemi che incon-
tra un’arpista (con l’apostrofo perché in gene-
re sono sempre donne) quando deve trasporta-
re il proprio strumento per le prove.
Purtroppo il musicista è l’unico operaio che
lavora con mezzi propri, ma questo fatto la
legge non lo ha mai preso in considerazione.
E la legge non considera il fatto che il lavoro
del musicista non si possa limitare al giorno del
concerto, ma si dovrebbe estendere ai giorni
necessari allo studio dei pezzi e alle prove; e
con queste premesse, come si può pensare che
un artista maturi 120 concerti l’anno richiesti
ai fini Enpals? Nelle more della legge, faccia-
mo meno prove, studiamo di meno, improvvi-
siamo di più; se poi qualche nota sembrerà
fuori contesto possiamo sempre ammiccare al
free-jazz.
O cambiamo categoria professionale.
Domattina mi alzerò presto, prenderò atto di
essere un grande chirurgo e aprirò un sala ope-
ratoria nella mia cucina, o forse farò il ministro
della giustizia.
Stefano Mastruzzi
 MUSICALL
DALLE
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008

Speciale Tango

TANGO
MIGUEL ANGEL ZOTTO TANGARIA Un
aacura
curadidiROMINA
FLAVIO FABBRI
CIUFFA
Sono tre i migliori ballerini di JULIO BOCCA Nudo incrocio tra tango ed

TANGO a Roma
tango di tutti i tempi. Uno è lui. a dire addio al tango. aria, tutto «galliano»

Ultimo
JULIO BOCCA - BOCCATANGO
¢ CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA

MIGUEL ANGEL ZOTTO È BUENOS AIRES

(...) Solo a Buenos Aires, in cartellone per due

D
ecidi di portarla a vedere il tango. C’è Miguel Angel
Zotto al Gran Teatro e tu vuoi farla vibrare questa
sera. È come una garanzia. E poi la compagnia si chiama
TangoX2, che è come un preludio alla tua mente, a
quanto di più strumentale c’è, stasera, in quel tango.
C’è sesso. C’è seduzione. C’è desiderio. Ma c’è insicu-
rezza, la tua.
mesi con oltre 20.000 spettatori. Con grande ram-
marico si deve prendere atto che il mondo della
danza e nella fattispecie del tango, il ballo del ban-
doneòn, sta per salutare uno dei suoi massimi rap-
presentanti.
Qualche domanda viene da porsela, sul perché
oggi il tango sia una delle poche forme artistiche
ad essere seguito, amato, praticato da un numero

E
c’è qualcuno, in fondo, che c’è arrivato da
molto lontano per ballarle questa serena-
ta, da Vicente Lòpez, a Buenos Aires, con un
aereo che ha fatto tappa, negli ultimi 50 anni,
ovunque. C’era già suo nonno che ballava per
voi e tu dovevi ancora nascere. Lui, e il figlio,
e poi il nipote-quello che è qui oggi-già stu-
diavano nelle Milongas per farla emozio-
nare oggi e non ci sono coincidenze nel
destino, il tango è nato per fartela
amare stanotte. Il fatto è che oggi tu
da quel tango ti aspetti proprio
tanto, ti aspetti che tre generazioni
di tangueros la facciano innamora-
re di nuovo, ti aspetti che le balle-
rine abbiano vestiti provocanti
di colore rosso fuoco e che gli
uomini le afferrino con
potenza, come a dire sei-al-
sicuro-qui-con-me (mentre-
sbatto-i-tacchi). Tu-seguimi-
che-io-ti-guido. Ti aspetti di
sentire bandoneones aprirsi e
chiudere come sesso non protetto e un pianoforte che si faccia pestare a sangue. Ti
aspetti di ballare con lei taconeados e cayengues in Calle Corrientes e di pagarle un
Fernet con Coca al Cafè Marzotto.
di adepti crescente di ogni sesso, età, nazionalità.
Tango che nasce dalla vita della gente comune e
della vita stessa è metafora. Che tocca tutte le
corde emozionali, dalla disperazione al visibilio.
Che ci mette in diretto ed intimo contatto con la
fisicità di un corpo che è altro da noi, in un gioco
di attesa, di stimolo, di seduzione e dominio. È la
natura stessa di questa danza, a possedere le carat-
teristiche dell’immortalità.
È frutto di un melting pot, dell’aggregazione di
emigranti giunti alle foci del Rio della Plata alla
ricerca di lavoro e condizioni di vita dignitose, che
hanno trovato miseria e durezza. Insieme si canta-
no la tristezza e la nostalgia, ma anche le gioie e le
speranze; le delusioni e la solitudine, ma anche lo
spirito di fratellanza, in un clima fervente di pre-
messe per un magico processo di creazione.
Dalla canzone alla danza, è il caso di dirlo, non
vi è che un passo: ed è subito tango. Nei bassifon-
di il pianoforte è sostituito dal bandoneòn, che ne
aumenta il senso drammatico e malinconico, ad
accompagnare temi quali le lotte di classe, la
nostalgia, gli amori perduti. Quando su un palcoscenico un meraviglioso passo a due
(Julio Bocca - Cecilia Figaredo) è in grado di farti dimenticare del mondo e di te
stesso, di ciò che grava sulla tua mente e del tuo immediato futuro…allora la danza
ha fatto un miracolo: che tu sia spettatore per una sera o che tu abbia deciso di met-
terti in pista ed imparare i passi di questa arte attraente.

Tu
sei al Cafè Marzotto con lei e stai bevendo un Fernet con Coca; accanto a te, gli
uomini ballano con gli uomini e le donne, appena giunte nei bordelli di Buenos
Aires, suonano il bandoneòn di Eduardo Arolas. La porti a vedere uno dei più grandi tan-
gueros viventi perché lei profuma di tango. La porti a vedere l’Argentina a Roma e la
povertà a Tor di Quinto. Ti aspetti emozioni dure. Ti aspetti anche di soffrire stasera.
Stai rischiando di perderla così. Il Granteatro è fatto in discesa e più che vedere uno
spettacolo vedi teste e capelli, ti agiti, ti distrai su quinte dimenticate aperte e proiezio-
ni di bassa qualità al posto di scenografie che sanno di legno e tanguerìa, ti perdi in un’il-
luminazione sbagliata che ti fa dimenticare il sudore di un ballerino, soprattutto lampa-
dine (blu) che si stallano tra te e la tua immaginazione e occhi di bue fuori tempo; il
Granteatro non merita il re del tango come tu non meriti lei.
Il tango ha a che fare con la corporeità, la corporeità ha a che fare con la cono-
scenza dell’altro, la conoscenza dell’altro ha a che fare con le profondità dell’animo
umano. Una ricerca, che in quanto tale è inarrestabile e ci mantiene vivi. Julio Bocca
volteggia e non permette ai tuoi occhi di staccarsi per un attimo da ciò che ti sta
offrendo, non ti permette di distrarti, non permette alla tua concentrazione di cede-
re, non permette ai tuoi sensi di non risvegliarsi. Nel migliore dei casi, Boccatango
ci farà riflettere a lungo sui rapporti umani, sulla loro complessità, sull’abbandono
alle emozioni. Ad ogni modo, quasi in preda a un processo catartico, ne usciremo
purificati. Grazie Julio Bocca. Grazie Ballet Argentino. Grazie Orquesta Octango.
Come faremo a non sentirne la mancanza?
Rossella Gaudenzi

Comunque Miguel Angel Zotto è qui stasera, universalmente riconosciuto come uno
dei tre migliori ballerini di tango di tutti i tempi, solo per ballare per lei. Ti aspetti che
questo basti a conquistarla. Siete qui solo perché tu nemmeno hai il coraggio di prender-
le la mano, diciamoci la verità, si tratta di codardia e niente più: e allora lo fai fare a Zotto
che la afferra come afferra la sua compagna di ballo Daiana Guspero, la fa girare senza
che smetta di muoversi su carboni ardenti, distende il braccio sinistro e con il destro la
trattiene-ma a distanza-a sé senza temerti o temerla, corre e batte i piedi e scalcia e
ripercorre secoli di tango argentino su di lei-che tu ami-ma che ama sprezzante davanti
ai tuoi occhi in abbraccio frontale mentre 12 ballerini affondano l’anima nei propri tac-
chi, schiacciando la tua.

Soccorre Astor Piazzolla con la Balada para mi Muerte, quella para un Loco, con el
Gordo triste e con la Bicicleta Blanca. Soccorre con Libertango e Violentango. Perché il
tango è libero e violento. Soccorrono registrazioni originali del 1912 e il Patetico di
Jorge Caldara, lezioni di tango e la storia del Cìvico e della Moreira.

DI TANGO
Ma più Zotto la fa ballare, più lei si scorda di te.

Ti
E D'ARIA
accorgi che, se volevi fosse tua per sempre, non avresti dovuto darle tango. Ora
lei sa cosa vuol dire amare, e tu dovrai darglielo finché campi.
Romina Ciuffa

BACALOV SINCOPATO
GALLIANO
A SANTA CECILIA
Lanni uisarrangiatore
“
Bacalov è un brillante
di canzoni negli It’s Wonderful" è la rasse-
60, negli anni 70 si interessa al gna con cui l'Accademia
rock progressive (il "concerto gros- Nazionale di Santa Cecilia
so" dei New Trolls deve molto al richiama l'attenzione su artisti non
suo arrangiamento contaminato di spiccatamente classici ma che rap-
armonizzazioni classiche), negli presentano, comunque, l'espres-
anni 80 e 90 scrive colonne sono- sione più moderna e universale
re, conquistando la nomination della musica. Dopo aver accolto
all'Oscar per ben due volte e por- Caetano Veloso e Michael Nyman
tando a casa la statuetta per la gli appuntamenti continuano con
musica de "Il postino". Gal Costa (il 17 novembre) e
Ultimamente, però, è il tango ad occupare il suo estro creativo; una passione sbocciata fin dal- Richard Galliano che chiude la stagione proprio il giorno del suo compleanno, il 12 dicem-
l'infanzia, ma che negli ultimi anni ha assecondato in tutta la sua forza travolgente. Bacalov ha bre. Il fisarmonicista francese porta a Roma il suo nuovo progetto Tangaria (Fusione di
omaggiato il tango in ogni sua forma (ricordiamo la sua Messa a ritmo binario, la "MisaTango"), Tango con Aria come la intendeva Bach) che, come lui stesso dice, è "un invito a viaggiare
adesso lo ripropone a Roma, sedendosi al pianoforte, suo strumento d'elezione, e dirigendo i in alto mare accompagnati dal tango (Des voiliers) e dagli squali (Esqualo)". Un viaggio, dun-
musicisti della Roma Sinfonietta in nuove orchestrazioni. Il concerto, organizzato nell'ambito que, in cui le note percorreranno "vicoli" e "boulevards", ma solo dopo essersi lasciate "lati-
della stagione dell'Accademia Filarmonica Romana, è intitolato "Tango story" e promette di sor- nizzare" dal clima, dai colori e dai ritmi delle "avenidas". È la nuovamusica europea che vola
prendere anche per le musiche che il compositore argentino ha scelto di rivisitare: un percorso su ogni pregiudizio per mostrare tutta la bellezza dell'incontro tra popoli e culture.
guidato nella musica del '900 a ritmo sincopato.
Nicola Cirillo Nicola Cirillo

LUIS BACALOV AL TEATRO OLIMPICO IL 10 GENNAIO 2008 CON TANGO STORY

 C&opera
LASSICA RECENSIONE Sono mecenati, sono RAMIN BAHRAMI Preferisce il maggiore che suona minore, i tasti
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008

a cura di FLAVIO FABBRI

amici, sono colti: sono tutto quello di neri e la scala del mi bemolle maggiore, gli piace sorridere e toccare,
cui Richard Wagner aveva bisogno. fugge verso il cratere Bach. È il cratere Ramin, ed è esploso.

dopo la nostra esistenza terrena sia ignoto.

AMICI (MA PROPRIO AMICI)

¢ CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA

(...)
Quando Bach scrisse quest’opera, che stru-
bambini, a quattro dei quali va il mento crede avesse in mente?
merito di aver trasmesso, in epoca non digi- Il pianoforte, nel moderno senso del termine,

DI WAGNER
tale, l’opera del padre in modo che rimanes-
se eterna.
Sapeva anche Bach, come lo sa Ramin,
cosa vuol dire perdere un padre, perché ne
non esisteva all’epoca di Bach. Dai recentissimi
studi dei grandi interpreti bachiani come Gustav
Leonhard, siamo riusciti a stabilire che que-
st’opera Bach l’avrebbe destinata alla tastiera.

T
rimase orfano a 9 anni. Ma dal pianista ira- Tastiera, in lingua tedesca, ha un significato
di Roberta Mastruzzi e Romina Ciuffa niano il giovane Johann Sebastian guadagna abbastanza universale; loro chiamano clavier
una madre, che anche quella aveva perso il tutti gli strumenti a tastiera compreso il piano-

“
ristano e Isotta rivivono, ancora, quasi una condanna, la loro infelice storia d’amo- grande musicista tedesco: per la propria,
re sul palco della Scala di Milano: l’opera che Richard Wagner scrisse per rega- Ramin adora suonare. Come Weimar accol-
lare «un monumento al più bello dei sogni» inaugura la nuova stagione di concer- se Bach, l’Italia ha accolto Bahrami, omag-
ti alla Scala. Diretto da Daniel Barenboim con la regia di Patrice Chèreau e le scene di giando il suo talento di una borsa di studio
forte. Poteva dunque trattarsi di organo, clavi-
cembalo, del pianoforte di Bartolomeo
Cristofori, e in genere comunque gli strumenti a
tastiera. Possiamo anche essere uomini orgo-

RAMIN BAHRAMI:
Richard Peduzzi, il dramma sarà in scena dal 7 dicembre fino a tutto gennaio 2008 e lo che, da quando aveva 11 anni, gli ha permes- gliosi e dire che il nostro pianoforte a corde
celebra l’associazione Amici della Scala - che si definisce «dal 1978 un’associazione di so di toccare le donne, oltre che gli uomini moderno è lo strumento probabilmente più adat-
piccoli e grandi mecenati al servizio della cultura» - con il libro «Wagner alla Scala», una
raccolta di immagini fotografiche curata da Vittoria Crespi Morbio (già presenza attiva

UN CRATERE
nelle pubblicazioni dell’Associazione) che illustra le numerose rappresentazioni dei dram-
mi wagneriani presso il teatro scaligero.
È qui che centotrenta fotografie restituiscono al lettore tutta la grandiosità delle opere

PER FUGGIRE VIA

del compositore tedesco, alla cui realizzazione si dedicarono importanti artisti del secolo
scorso sin da quando, nel 1873, il «Lohengrin» non si mostrò per la prima volta agli occhi
e al cuore del pubblico milane-
se che a stento uscì incolume
dal «Wagnerital» (così Eugenio
Gara chiamò la moda wagne-
riana in voga in quei decenni): a cura di Romina Ciuffa e Flavio Fabbri
fino a quel momento parlare di
Wagner, e più in generale di
autori tedeschi, era quasi un fra il pubblico, prima sotto la guida di Piero to per rendere la musica di Johann Sebastian
tabù alla Scala. Sarà che la Rattalino presso il Conservatorio Giuseppe Bach più concertistica. Se continuiamo ad ese-
famiglia Ricordi, potenza indu- Verdi di Milano, poi con Danilo Lorenzini e guire la musica bachiana su clavicembali antichi
striale dei tempi, aveva una all’Accademia Pianistica «Incontri col o su altri strumenti di tastiera, è chiaro che il
grande influenza e sosteneva in Maestro» di Imola. Quindi, ovunque. pubblico che la ascolta è minore rispetto a
tutto e per tutto l’opera italiana, È in questo modo che Johann Sebastian un’esecuzione su pianoforte moderno che è in
nonostante certi flop verdiani. esce per la prima volta dalla Germania, den- grado di delineare, in maniera estremamente
Fu la vedova di Giovanni tro il corpo di un giovane iraniano cui piace precisa, l’andamento di ogni voce e, contempo-
Lucca (solo un apprendista dei viaggiare e che, diversamente dal suo ispira- raneamente - per il volume che ha - a riempire le
Ricordi), signora Giovannina tore che non se n’era mai partito, non torne- sale di migliaia di persone colpendo profonda-
Strazza, ad imporsi per pubbli- rà più a casa, dove «i giovani fanno fatica a mente i loro cuori. Non voglio fare nessuna
care per prima le opere del sorridere». Ramin passerà di lì, di nuovo, distinzione, ma dire soltanto che gli strumenti
tedesco, per poi essere risuc- quando la Persia sarà un nuovo mondo: ed antichi e quelli moderni hanno diritto di esistere
chiata dalla forza di Tito Ricordi, ha proprio l’arte della fuga in tasca. nell’universo bachiano a pari merito.
che godette dei ricavi (un nazio- Questo bambino che scoprì Bach in tenera
nalista che però aveva già intui- età, cui il padre soleva dire, scrivendogli Nei suoi prossimi lavori per l’etichetta
to la musica internazionale nel dalla prigione: «Frequenta Bach, perché la Decca, lei si prepara a un’interpretazione
fondare, nel 1864, la Società sua musica ti potrà aiutare molto» (uno degli più italiana del reportorio bachiano. Quale
del Quartetto). E fu Bologna artisti non proibiti in Iran poiché privo di ritiene essere il lato italiano di Bach, e come
(non a torto ritenuta la capitale riferimenti al sesso e ai rapporti fra perso- lo ha visto ed interpretato Bahrami?
wagneriana in Italia) la prima a osare una rappresentazione: un inizio incerto quello di ne), ha fatto il tutto esaurito con la sua inter- Il mio prossimo disco sarà dedicato all’Italia,
Wagner in Italia, ma che avrebbe dato seguito a una delle più fruttuose collaborazioni nel pretazione dell’ultima opera bachiana, quel- è vero, e potrò usare le stesse intenzioni di Bach,
mondo operistico, quella con la Scala. Tanto che il teatro milanese è a ragion veduta rico- la dedicata all’ignoto, l’ultimo viaggio di un che in alcuni testi ha prediletto egli stesso, e mai
nosciuto come uno dei quattro che nel mondo hanno dato maggiore contributo alle regie pianista che ha anche un cratere tutto suo su casualmente, un titolo italiano per avvicinarsi in
e alle interpretazioni musicali delle opere wagneriane,
© Melina Mulas insieme all’Opera di Monaco, il Mercurio per scappare, il cratere Bach. Per qualche modo alla musica del vostro Paese;
Bayreuth e il Metropolitan di New York. dire, quanto di vero c’era nel suo intento. anche io cercherò di eseguire i brani secondo
Molti, e gloriosi, sono i registi, i direttori, gli scenografi impegnatisi nelle messe in scena tale approccio.
susseguitesi alla Scala: tra i primi Arturo Toscanini, che nel 1899 diresse «I maestri can- Un cd di musica classica. Oggi. Sold Out:
tori di Norimberga», e Adolph Appia, storico scenografo che teorizzò la necessità di ripen- possibile? Perché proprio l’Italia per Ramin Bahrami,
sare interamente l’arte scenica per far diventare anch’essa protagonista della rappre- È una cosa che nessuno riesce a spiegare, se e non, ad esempio, la Germania?
sentazione, in una fusione totale tra gli attori, la musica e la luce a creare una scena viva si pensa anche che si tratta di una musica molto Lo racconto molto volentieri anche per rin-
mentre lo sfondo piatto lascia il posto a una più coinvolgente tridimensionalità. difficoltosa per la densità di polifonia che c’è in graziare questo splendido Paese che è l’Italia.
Sfida non facile, dinnanzi a un Wagner che aveva concettualizzato e ritualizzato pro- essa. Ma non c’è da spaventarsi. Dopo la rivoluzione islamica e dopo la guerra
gressivamente la nozione di teatro gettando le basi per l’arte astratta del Novecento, che Il mio approccio è stato puramente umano e che abbiamo fatto contro l’Iraq per otto anni, i
scriveva da sé tutti i libretti e le sceneggiature, che aveva tenuto a costruire un suo tea- comunicativo e credo che sia stato il segreto: nostri soldi non valevano più molto e, a fronte di
tro d’opera, il Festspielhaus di Bayreuth, solo per cercare di rappresentare le proprie non bisogna avere timore di qualcosa di estre- grandi disagi e di difficoltà finanziarie che impe-
opere così come lui le aveva immaginate: come dire un «fissato» - o un teorico. mamente intellettuale, bensì pensare che può divano di emigrare in un Paese occidentale,
E poi Mario Sironi, il gran- arrivare sia ai giovani sia agli l’Italia fu il primo a concedermi una borsa di
de pittore del Novecento che anziani, portando gioia e inse- studio, quella dell’Italimpianti di Genova.
partecipò all’allestimento di gnando loro ad amare la musica. Grazie ad essa potei proseguire la scuola in
scene e costumi nel 1947 Italia, dove mi trasferii all’età di 9 anni e mezzo.
proprio in occasione della Perché Bach e perché l’Arte
rappresentazione di «Trista- Della Fuga? Così giovane e le idee già così chiare?
no e Isotta»; quindi, il contri- Come mi diceva sempre la mia Avevo le idee chiare già a 4 anni. Ho vissuto in
buto di importanti artisti, da adorata insegnante, quando vieni una casa dove, di solito, le culture occidentali e
Giorgio Strelher ad Ezio coinvolto, penetrato dalla luce orientali significavano - e significano - unirsi e
Frigeri - che lavorarono insie- bachiana, questo ti rimane per amarsi. Io sono per metà tedesco, in quanto nato
me al «Loehngrin» del 1982 tutta la vita. Avevo cinque anni e a Berlino, e per metà iraniano, da parte di mio
- fino a Luca Ronconi, Pier- mezzo quando feci il mio primo padre. Mia madre ha origini russo-turche pur
luigi Pizzi, Nikolaus Lehnoff. ascolto bachiano e ne rimasi essendo nata in Iran. Scorre nelle vene della mia
Wagner, un compositore totalmente folgorato, perché è famiglia un po’ di Russia, di Turchia, di Iran e di
lirico di drammi ma prima una musica che entra nella tua Germania. Questo agglomerato di origini mi
uno scrittore (con titoli del anima e non ne esce più. permetteva a 4 anni di fingere di essere un diret-
tipo «L’astuzia maschile è Era inevitabile che, prima o tore di orchestra e dirigere le sinfonie di Ludwig
più grande di quella femmini- poi, mi sarei avvicinato all’Arte Van Beethoven e di tutti i compositori occidenta-
le, ovvero La felice famiglia Della Fuga per il semplice fatto li, le cui opere alla fine sentivo davvero mie nei
degli orsi» e «Pellegrinaggio che, avendo conosciuto tutte le 7 miei giochi.
a Beethoven»), ispiratore Partite e le Variazioni Goldberg,
dell’heavy metal di oggi (a mi mancava un tassello per dare il Quando ha iniziato a suonare?
detta del bassista Joey De mio omaggio al maestro di Lipsia Strimpellavo le mie melodie più o meno già a
Maio), un antisemita amato ed Eisenach, città natale di 6 anni e mezzo. Grazie a mia madre - che amava
da Hitler che soffriva d’in- Johannes Sebastian Bach, e mi moltissimo la musica e che ha provato a suona-
sonnia e malinconia; ma sembrava doveroso riprendere il re il pianoforte per anni, smettendo solo per
anche una festa solenne di suo ultimo viaggio. Questo è il paura - io venni a contatto, forse anche prima di
immagini, musica, suoni, luci, semplice motivo della mia scelta. pronunciare alcuna frase nella mia lingua, con
che si fondono insieme in le note musicali e riuscivo, ancor prima di scri-
un’unica opera d’arte totale, Ha definito l’Arte Della Fuga vere le lettere dell’alfabeto, a leggerle e a scri-
quasi gestaltiana, capolavori un «viaggio verso l’ignoto». In verle: questa fu una fortuna enorme, accanto
che nel tempo non hanno che senso? alla mia grandissima fatica da autodidatta.
mai smesso di esercitare il Sono credente e penso che,
loro fascino, magia propria dopo la morte, ci sia qualche altra Solo clavier, per Lei, o sa anche «strimpella-
delle opere immortali. cosa: questo io preferisco definir- re» dell’altro?
Di questo danno atto gli lo ‘ignoto’. Ecco perché, non Purtroppo non so «strimpellare» altri stru-
Amici della Scala. avendo delle certezze né sapendo menti che non siano dotati di tastiera.
nulla del paradiso o dell’inferno,
immagino che tutto ciò che viene Italia: oltre alla sua borsa di studio, cosa c’è?
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008

IL CORRIERISTA Non solo per chi s’interessa di giornalismo. Per chi

CLAS&opera
SICA
LUIGI RUSSOLO L’inventore dell’Intonarumori e del Rumorarmonio. anche legge di verità e frustrazioni mediatiche. Anche il motivo per cui i

c
Praticamente, il padre dell’elettronica e degli afterhours. musicisti emergenti non sfondano sui giornali. Leggetelo. Capitelo.

Sono otto anni che vivo in Italia e qui ho avuto consapevole. Ma uno studente di pianoforte,
la fortuna di studiare con un vero maestro d’ar- prima di iniziare a frequentare il Conservatorio,
te, Piero Rattalino, al Conservatorio di Musica deve domandarsi perché: se decide di intrapren-
i si può chiedere perché prima si scriva nel «master», «freelancers» e Co.co.co. politica e

Giuseppe Verdi di Milano, dove ho condotto i dere questa strada a livello professionale, infat-
Corriere della Sera, poi del Corriere della Sera, l’idea che il direttore responsabile sia ancora

miei studi classici. Ho potuto studiare anche ti, dovrà dedicarsi con grande umiltà e discipli-
come se il lavoro non finisse mai. Victor Ciuffa, responsabile e non un mero imprenditore-esecu-

Composizione, un’arte necessaria per imparare na allo studio dello strumento, ogni giorno, ed
quarantennale esperienza da «corrierista», ne dà tore della linea editoriale. Tutto a rendere anche la

a reinterpretare la musica. Era chiaro che sarei essere anche in grado di saper rinunciare a tante
una risposta più che logica: perché, come si scri- più grande inchiesta una cartina tornasole di colo-

rimasto in Italia per terminare la mia carriera; altre cose. Suonare e ripetere i passaggi.
ve degli animali in via d’estinzione dopo esser ri, passare come nulla fosse dal TimesNewRoman

quindi, ho avuto l’altra grande fortuna di studia-
re all’Accademia internazionale pianistica di
Imola, dove ho avuto dei contatti preziosi con
Rosalyn Tureck, András Schiff e Alexis
Weissenberg. Dopo la scuola italiana, per moti-
vi familiari mi sono trasferito a Stoccarda e lì ho
cominciato studi esemplari alla Hochschule Für
Musik, dove ho ottenuto un’altra laurea.
Ora sono residente in Germania, nelle campa-
La smettano poi di essere soltanto pianisti e
vissuti nella giungla e averli studiati da etologo - al FranklinGotTDemCon, scambiare la foto per la
li si compatisce, li si ricorda nostalgicamente, a notizia, non avere più il locus of control dell’ideo-
s’impegnino di più nella musica, perché essa
volte li si chiude in uno zoo, tutto fuorché interve- logia e il coraggio delle proprie affermazioni. Il
permetterà loro di essere persone migliori, meno
nire per ripristinare la razza con azioni energiche corrierista è uno che veniva pagato poco, che
propense all’egoismo e alla vanità.
e, a volte, estreme -, cosí si scrive dei giornalisti aveva un contratto di lavoro a tempo indetermina-
Consiglio di studiare anche l’Arte Della Fuga
dopo essere vissuti in quello che era l’habitat to, non scaldava la sedia e non passava-i-comuni-
ai giovani: una cosa che mi riempie di gioia è
naturale della scrittura professionale - li si rilegge, cati. Uno che leggeva. Uno che sapeva. Uno che
vedere ai miei concerti molti giovani sotto i
li si descrive, ma sempre li si chiude in uno zoo. scriveva di tutto e non «di cosa ti occupi? No, ma
diciottanni. Fa piacere anche a noi che facciamo
Lo zoo del nuovo secolo del giornalismo, in cui dico precisamente, di cosa scrivi?». Uno che, fon-
questa musica antica, vecchia di tre-quattrocen-
c’è il blog insieme a capitalismo, Internet e grafi- damentalmente, scriveva. Uno dell’epoca in cui

gne intorno a Stoccarda, ma l’Italia rimane sem- to anni, e vedere i nostri coetanei ascoltare la
ci, gossip e scuole di giornalismo, «stage» e dire «l’ho letto sul Corriere» era dire tutto.

pre il mio secondo Paese dopo l’Iran, la terra
dove sono nato; ma credo di aver preso alcune
delle abitudini italiane e, soprattutto, il cuore
italiano, che è molto grande e pieno d’amore per
il bello. L’Italia, per me, è il luogo più bello e
più ricco di cultura che ci sia al mondo.
nostra musica ci riempie di fiducia, di stima ed
amicizia; è bello il dialogo. Ascoltare la musica
a 360 gradi, amare qualsiasi genere, purché sia
musica fatta bene; da piccolo ascoltavo non sol-
tanto Bach o Beethoven, ma Frank Sinatra, Elvis
Presley, e non dimenticavo mai di ascoltare
Claudio Monteverdi.

Un maestro va in discoteca?
Purtroppo si, ci sono andato
due volte. La prima è stata a New
York, la sera alla vigilia di un mio
concerto americano: è stata
l’esperienza più brutale della mia
vita. ORDINA I DUE CORRIERISTI
La seconda è stata migliore, in SPECCHIOECONOMICO@IOL.IT
Italia. Non che non ci si diverta,
ma il volume della musica è tal-
mente esagerato che il giorno
dopo rimane addosso, note rim-
bombanti che ti traforano la testa
tanto da non avere più orecchio
per sentire note più fini.

Le piace suonare per qualcuno

in particolare?
Mi piace suonare per tutti, per
mia madre, per me stesso, per lei
e per tutti quelli che hanno voglia
di ascoltarmi.
Mi piacerebbe molto suonare
anche per il Papa tedesco, che so
essere un grande cultore di musi-
ca classica e suonare molto bene
il pianoforte. Non ho distinzioni
di pubblico.

Le piace più il minore o il mag-

giore?

Arte e
Mi piace il maggiore che suona
come il minore, che è un maggiore gonfio di
Quanta lontananza dall’Iran c’è nel suo nostalgia entro se stessa, come ad esempio l’aria

Rumore:
modo di suonare? delle Variazioni Goldberg che mi fa commuove-
Ce n’è molta. Nel mio modo di interpretare i re e mi fa piangere. Poi c’è il minore che mi
recitativi bachiani c’è proprio questa tristezza, riempie il cuore di tristezza, e la Messa del

LUIGI
questa nostalgia e quest’amore per l’infinito e Signore di Johannes Sebastian Bach, che tutti i
ciò non lo devo né alla Germania né all’Italia, giovani dovrebbero conoscere perché in essa
ma alla mia antica e gloriosa Persia, che pur- possono scopirire dei valori e dei contenuti che

troppo oggi sta passando un momento dramma-
tico, di intolleranza e di inciviltà. E pensare che
la civiltà è nata propria nella Mesopotamia,
nella terra da dove io provengo. Settemila anni
prima di Cristo, l’Impero persiano non aveva
RUSSOLO
li salveranno dalla grossa piaga che porta la
nostra società odierna.
Al giorno d’oggi i giovani sono senza stimoli e
senza direzione, non sanno dove andare e non
hanno minimamente idea di che cosa vogliono

Il padre
schiavi, a differenza dei greci, dei romani: un dalla vita: se si avvicinassero a cose grandi
impero sotto cui vivevano settanta grandi popo- come la Messa del Signore di Bach, la Divina

dell'elettronica
li, diverse culture che dialogavano tra loro senza Commedia di Dante o i capolavori di Michelan-
che ci fosse uno schiavo. Questa era la genera- gelo, riuscirebbero a capire che non è poi tanto
zione di un tempo, non quella di oggi, che ha male stare sulla terra.

avuto un impatto negativo.
Ha mai suonato in Persia?
No, purtroppo no. Manco da quasi venti anni.
Quello che mi ricordo come fosse ieri della mia
Persia è che da bimbo, a 3 anni, avevo una pas-
sione per le noci fresche, non quelle dure del
supermercato, ma quelle appena scese dall’albe-
ro. Se vogliamo vedere la vera faccia della
Persia dobbiamo cercarla nella sua poesia ,
nella sua gente comune e non nel regime che
purtroppo ci sta opprimendo, sta rovinando i più
giovani e mostrando una faccia che non appar-
tiene al popolo iraniano.
Torna a trovare la sua famiglia?
Ho la fortuna di avere mia madre e uno dei
miei fratelli in Occidente, più vicini. Ho sempre
pensato che il cielo e la terra sono dello stesso
colore dappertutto, e le uniche cose che mi man-
cano sono i miei famigliari che non ci sono più,
mio padre, mia nonna paterna e quella materna:
gli affetti mi mancano, ma la terra di origine la
puoi tenere dentro di te senza averne nostalgia.
Cosa dovrebbe chiedere e saper prendere
un giovane studente di pianoforte?
Composizione: la consiglio a tutti i giovani
pianisti anche se non s’intende divenire compo-
sitori: attraverso tale arte saranno in grado di
interpretare la musica in modo diverso e più
La sua scala preferita?
Il re minore, come l’Arte della Fuga. Anche il
mi bemolle maggiore, quello dell’Imperatore di
Beethoven, o il do maggiore delle Variazioni
Goldberg.
Preferisce il tasto nero o il tasto bianco?
Il tasto nero: è più elegante e, in quanto diesis,
rende malinconica la musica alzando la nota.
V
iene ricordato quest’anno, a sessant’anni
dalla morte, Luigi Russolo (1885-1947),
pittore, compositore e musicista appartenente al
movimento futurista italiano. Non uno dei suoi
massimi rappresentanti certo, ma a posteriori
considerato un visionario, un grande precursore
nonché primo uomo ad aver teorizzato e pratica-
to il concetto di musica elettronica, sostenendo
che la musica doveva essere composta prevalen-
temente di rumori e non di suoni armonici.Nel
1913 al Teatro Costanzi di Roma Russolo un po’
inaspettatamente presenta «L’arte dei rumori,
Manifesto futurista», cercando di coinvolgere un
altro militante e musicista di prestigio del movi-
mento, Francesco Balilla Pratella.
Si trattava di uno scritto in cui si teorizzava
l’utilizzo dei rumori in campo musicale, presen-
tando una macchina nuova, l’Intonarumori,
capace di sviluppare suoni disarmonici e avan-
guardistici subito battezzati «musica futurista».
In esso venivano indicate alcune idee per un
reale ammodernamento della musica, renden-
dola partecipe della grande ricchezza di suoni-
rumori da cui era già caratterizzata l’era del
primo progresso tecnologico.
Tre erano i punti sviluppati: 1) Enarmonia,
consistente nel superamento della divisione dia-
tonica e cromatica della scala; 2) Asimmetria
ritmica, che non rispetta la tradizionale quadra-
tura ritmica della battuta; 3) Allargamento delle
possibilità timbriche dell’orchestra, reso possi-
bile proprio dall’Intonarumori.
A completamento dell’opera nel 1922
Russolo costruì il Rumorarmonio, mezzo
necessario ad amplificare gli effetti musicali
creati dall’intonarumori. In realtà questa mac-
china altro non era che un insieme di scatole
voluminose da cui girando una manovella si
produceva ‘rumore’. Niente di esaltante per il
tempo, fino a quando alcuni lungimiranti artisti,
tra cui Edgar Varèse, Igor Stravinsky, Maurice
Ravel, Darius Milhaud, Paul Claudel e Piet
Mondrian cominciarono a vedere in quella
macchina qualcosa di ‘nuovo’, ma di troppo
nuovo per gli anni Venti del Novecento.
Sarà proprio Varèse (morto nel 1965) ad
avere la possibilità di veder confermato, col
progresso tecnologico del tempo, il reale valore
insito nell’Intonarumori con la nascita della
musica elettronica e gli sviluppi contigui nella
produzione-riproduzione dei ‘rumori’ (ad esem-
pio con il campionatore).
Arte, Musica e Rumore alla fine si ritrovarono
nel nome di Russolo e di quel movimento
Futurista che tanti mutamenti, in enorme antici-
po, aveva intravisto nelle luci del progresso.
Flavio Fabbri
 BEYOND
&further
R
a cura di ROMINA CIUFFA
idi Pagliaccio, una delle arie
più famose del melodramma
italiano, cavallo di battaglia dei più
grandi tenori lirici del Bel Paese, da
Caruso a Gigli, da Del Monaco a
Pavarotti. Il «Pagliacci» di Ruggero
Leoncavallo (1892) da più di cento
anni conosce un successo senza limiti e
in qualche modo è anche l’immagine
dell’Italia nel mondo. Un’immagine
della musica italiana che all’estero è
viva e importante, con un mercato
enorme, dietro solamente a Stati Uniti
e Inghilterra.
Solo che a guardar bene la situazione
del comparto musicale italico non si
capisce più ‘chi debba ridere di chi’,
chi siano i pagliacci e se qualcuno inve-
ce non faccia che piangere.
Il 95% dei musicisti nostrani che non
gode di alcuna tutela né rappresentan-
za, lavora spesso in nero, non ha il
diritto di ammalarsi, di acquistare a
rate, di accendere un mutuo.
Tutto ciò poi costringe spesso questi
‘precari’ a svolgere un secondo lavoro
a discapito della propria crescita pro-
fessionale, a danno della creatività,
dell’innovazione e della ricerca.
Una ricerca che non è solo individua-
le ma collettiva, dell’industria e di chi,
come noi, ne gode i risultati.
Cerchiamo di capire assieme ad
Antonino Salerno, segretario del
S.I.A.M. (Sindacato Italiano Artisti
della Musica), quale è esattamente la
situazione e cosa bisogna fare per
uscirne, partendo dai gravi fatti di
Venezia.
LAVORO La precarietà del musicista fa male perché spe- EMERGENTI Il Battito TALENTOPOLI È
RIDI PAGLIACCIO
gne il futuro e immiserisce. Lo spiega il segretario del elettronico del Roma dove ha piantato ban-
Sindacato Italiano Artisti della Musica, Antonino Salerno. Music Festival.
PIANGI PRECARIO
I musicisti in Italia
secondo ANTONINO SALERNO
Che cosa è accaduto di così grave in occasio-
ne del concerto della Roma Sinfonietta a
Piazza San Marco del 10 e 11 settembre
scorsi?
È accaduto che anche in eventi musicali di
rilievo internazionale, qual è stato il concerto-
omaggio di Piazza San Marco dedicato
all’Oscar del Maestro Ennio Morricone, i musi-
cisti siano trattati dai responsabili dell’organiz-
zazione come i lavoratori stranieri irregolari
nell’edilizia o nel bracciantato agricolo: niente
contratto e guai a chi sgarra perché non lavore-
rà più. Quel concerto è stato mandato in onda
dalla Rai.
Anche in Italia, fino a prova contraria, è
necessario chiedere a chi mette faccia e capaci-
tà a disposizione di un prodotto (il concerto), che
viene poi venduto a un network che lo diffonde,
l’autorizzazione (diritto morale) all’utilizzo
della sua faccia e delle sue capacità, ed è inoltre
necessario corrispondergli un corrispettivo con-
trattato (diritto economico). Invece qui si ha
l’idea bizzarra che il vero produttore di musica
sia l’organizzatore, e il musicista sia un costo di
produzione. Da abbattere.
A partire dai due giorni precedenti il concerto
ho cominciato a ricevere dai musicisti della
Roma Sinfonietta telefonate rese in forma anoni-
ma per il terrore che si venisse anche solo a
sapere che qualcuno aveva parlato con un sinda-
cato. Questo è il clima in cui scandalosamente
vive il 95% dei musicisti italiani. L’altro 5%, le
star ed i dipendenti delle Fondazioni liriche, vive
bene.
Quale è il profilo di un musicista precario?
Piuttosto che precario, sarebbe meglio chia-
marlo musicista intermittente o discontinuo, per-
ché l’intermittenza e la variabilità delle presta-
zioni sono una condizione connaturata al tipo di
attività, mentre la parola «precario» evoca una
condizione forzatamente provvisoria, di eterna
attesa. I lavori artistici sono naturalmente flessi-
bili, che è cosa molto diversa dalla precarietà,
ma in Italia condividono la medesima condizio-
emergenza
Musicisti
venite fuori,
c'è il Roma
Music Festival
R
oma grida, l’Italia risponde: musicisti
fatevi avanti, la vostra occasione è arriva-
ta! Finalmente una grande novità sulla scena
musicale, il Roma Music Festival, un sogno che
diviene realtà per centinaia di cantanti e gruppi
non solo romani ma di tutto il Paese. Un even-
to pensato e realizzato per dare la possibilità ai
musicisti non professionisti di avere una chan-
ce tutta loro, resa ancora più importante dal-
l’utilizzo di internet come piazza virtuale dove
esporsi ed essere votati. Perché ciò che rende
unico il RMF sarà proprio la stretta integrazio-
ne con i nuovi mezzi di comunicazione, un vero
battito elettronico, con il reclutamento, la sele-
zione dei candidati idonei e le votazioni finali
da parte del pubblico tutto on-line. Due le cate-
gorie in competizione: gli interpreti, che potran-
no esibirsi con brani editi o inediti, italiani o
stranieri e i cantautori che a loro volta potranno
proporre canzoni inedite italiane o straniere.
Audizioni dal vivo che vedranno coinvolti 128
artisti tra singoli e gruppi emergenti, di cui 32
arriveranno alle fasi finali. Queste ultime si
svolgeranno negli spazi del Cinema Teatro
Multisala Adriano in Roma fino all’evento clou
del 31 gennaio 2008 seguito in diretta televisi-
va e sul web, quando saranno decretati i vinci-
tori delle due categorie, i quali avranno diritto
alla produzione di un mini cd contenente due
diera Mychance.
a cura di Flavio Fabbri
ne. E la precarietà fa male perché spegne il futu-
ro, il progetto, perché abbruttisce ed immiserisce
materialmente e moralmente, altro che stimolo
all’intraprendenza. Per non parlare della malat-
tia, dell’infortunio e di tutto quel che segue.
Non che negli altri Paesi i musicisti siano tutti
assunti dallo Stato, né qualcuno ha mai pensato
di chiederlo; più semplicemente in Francia,
Germania, Inghilterra, esistono quegli ammor-
tizzatori sociali che consentono a un precario di
non annegare nei momenti difficili e, in alcuni
casi, esistono dei regimi speciali: previdenziali,
assicurativi e fiscali per i lavori fisiologicamen-
te speciali e/o discontinui, come le arti dal vivo,
le performing art e tutti i lavori creativi.
Economia instabile, logorio psicologico del
lavoratore, perdita di garanzie sul posto di
lavoro. È questo che accade nel mondo
‘incantato’della musica classica?
Altro che garanzie, si vive alla giornata, si
tiene duro per non buttare nella spazzatura
decenni di studio e applicazione, per non arren-
dersi a canticchiare in un call center a 35 anni.
Lo spettacolo in Italia andrebbe rivoltato
come un calzino. A partire dalla previdenza, per
brani che sarà distribuito a carattere nazionale e
promosso mediante passaggi radiofonici e tele-
visivi dall’etichetta indipendente del Festival.
Dal sito internet www.romamusicfestival.it gli
organizzatori porteranno avanti le selezioni e le
valutazioni dei brani con l’ottica di cercare e far
emergere nuove sonorità, nuovi talenti e nuove
capacità artistiche. Perché l’obiettivo è uno
solo: far emergere musica. Un enorme corpo in
fermento col cuore qui a Roma e il battito che
fa ballare e sognare tutta Italia. (Flavio Fabbri)
Ho una chance
chance
a Talentopoli
A
perte le iscrizioni, fino al 31 gennaio
2008, alla seconda edizione del concorso
Angeli del Rock 2008, organizzato da
www.mychance.it, che partirà il prossimo feb-
braio 2008. Gratuito, con un obiettivo: offrire
visibilità alle band emergenti e ai cantautori, e
contemporaneamente un sostegno
all’Associazione onlus Ciai (www.ciai.it), il
Centro italiano Aiuti all’Infanzia, che dal 1968
si batte per promuovere il riconoscimento del
bambino come persona e difenderne ovunque i
diritti fondamentali, alla vita, alla salute, alla
famiglia, all’educazione, al gioco e all’innocen-
za. Tre le linee di intervento, la Solidarietà e
Cooperazione, l’Adozione Internazionale e lo
sviluppo di una vera e propria Cultura
dell’Infanzia. E proprio con il preciso intento di
fondere in un’unica realtà l’arte emergente e la
solidarietà, nell’aprile 2005 è nato (a
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008
continuare con le collecting societies come la
Siae che toglie ai piccoli per dare ai grandi.
Questo sia sul fronte diretto dei finanziamenti,
sia sul fronte indiretto delle agevolazioni fiscali
che dovrebbero stimolare il privato a sostituirsi
a un pubblico già evanescente e in ulteriore eva-
porazione.
Esiste anche qui il problema della fuga dei
‘cervelli’ all’estero, o per un musicista pro-
fessionista è una condizione ‘normale’ cerca-
re lavoro all’estero?
Si cerca lavoro all’estero per fare esperienze
ma anche perché in Italia il lavoro buono manca.
La fuga c’è, eccome, non appena è possibile e
conciliabile con i propri legami si scappa, spes-
so i migliori emigrano, perché all’estero la
nostra è una professione rispettata e sincera-
mente amata.
Da noi, invece, c’è molta ipocrisia. Dietro le
quinte anche il musicista eccellente deve litigare
quasi ogni sera per farsi pagare il cachet pattui-
to, magari in nero.
Quali gli interventi concreti e più validi nel
tamponare questa contagiosa e dannosissima
instabilizzazione del mondo del lavoro?
La soluzione è più semplice di quanto si creda
e non consiste nello stabilizzare il lavoro nello
spettacolo, cosa irrealizzabile e neanche auspi-
cabile, ma nel renderlo accessi-
bile e possibile per quanti
vogliono misurarsi con questa
professione, adeguando le tutele
sociali alle caratteristiche di
un’attività che è fisiologicamen-
te discontinua e atipica.
Anzitutto con l’istituto della
disoccupazione a requisiti ridot-
ti, come gli stagionali, perché il
lavoro è concentrato in alcuni
periodi e perché un concerto ha
alle spalle almeno qualche gior-
no di prova e molti di studio che
non sono né pagati né coperti da
contributi; poi con l’assicura-
zione contro gli infortuni, per-
ché il palcoscenico è un ambien-
te ad alto rischio e gli incidenti
durante gli spostamenti frequen-
ti, spesso notturni, sono una realtà drammatica.
Infine, con una modifica della previdenza che,
senza entrare troppo nel sindacalese, vuol dire
dare al musicista una ragione, un motivo valido
per cui versare i contributi (l’Enpals è un ente
che non eroga quasi più pensioni) e un adegua-
mento della fiscalità che vuol dire permettergli di
detrarre i costi che deve sopportare per la pro-
fessione e fare una media su più anni per stabili-
re l’imponibile fiscale.
Ta l e n t o p o l i ,
Milano, come indi-
cato su
Myspace/mychan-
ce_it) il sito no pro-
fit di Mychance, un
portale internet
dove gli artisti, non
ancora famosi,
inserirscono gratui-
tamente i propri provini in una vetrina virtuale
per essere visionati dagli addetti ai lavori e dai
semplici utenti di internet, e contemporanea-
mente avere la possibilità di creare eventi e
manifestazioni sia virtuali che dal vivo a favore
della solidarietà anche attraverso il programma
radiofonico Mychance Onair. My Chance è
suddiviso in quattro sezioni e relative categorie:
Musica (Band, Cantanti, Cantautori,
Compositori, Corali/Gospel, Deejay,
Strumentisti); Letteratura (Poeti, Scrittori); Arti
Visive (Fotografi, Illustratori, Pittori, Scultori),
Spettacolo (Attori, Cabarettisti, Doppiatori,
Modelle, Modelli, Registi). Info manifestazio-
ni@mychance.it. (Romina Ciuffa)
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008

PIZZICA Nico JAZZ John Scofield Giù POP Roberto Vecchioni ELETTRONICA The Dreamers
FEED
back
Morelli La taranto- la maschera: con lui non Non c’è più spazio per le & Jerry Bouthier Al Boombox a acura
curadidiROMINA
FLAVIO FABBRI
CIUFFA
la che jazza a Parigi si può essere obiettivi. puttanate di Londra noi ci entriamo così

ROBERTO VECCHIONI DI RABBIA E DI STELLE

NICO
NICOMORELLI
MORELLI- UUN
N(FOLK)ETTABLE
( FOLK ) ETTABLE che allude alle speranze, ai sogni, all'ideale.
Singolare e plurale: vorrà pur dire qualcosa?
di Romina Ciuffa Per un poeta come Vecchioni sì: vuol dire
«A sessan- che a dominare è sempre il volto sorridente
t'anni non della vita, nonostante la volgarità dei tempi,
c'è più spa- l'aridità del cuore (ammessa senza paura nella
Questo è un disco che ascolto in una macchina vecchia andando a zio per le splendida «Non amo più»), le preoccupazioni
Brugge dalla Francia. Mi è stato dato proprio a Parigi perché, pur essen- puttanate», per il tempo che passa e lascia troppi vuoti
do italiano Nico Morelli, anzi, tarantino, mischia i due popoli intorno ai dice Rober- («lontano adesso è un tempo/spaventosa-
fuochi e alle ballate pizzicate, e su Un(folk)ettable lancia delle mani accanite, affama- to Vecchio- mente breve»).
te, sul pianoforte, le sbriglia e queste attaccano tutte le note che vedono, izzate. ni. E inevita- Ma le stelle coperte da queste nubi, in un lin-
Nel viaggio verso il Belgio passo da 7 Show 7 a Contropizzica e la mente non può bilmente guaggio ermetico e sofferto, si lasciano scor-
non andare a Eugenio Bennato e a tutti coloro che rischiano di non vendere mai pur di pensi se lui gere anche grazie alle ampie melodie classi-
fare tradizione, e velocemente il piano di Nico Morelli segue gli urletti di quelli che, ce ne abbia cheggianti e alla vivezza degli arrangiamenti,
nella mia macchina vecchia, sembrano tutti Pulcinella come le coccinelle di quella pub- mai propinato attraverso i suoi dischi. Oggi dai rimandi jazz di Fariselli fino alle meraviglio-
blicità, anche se poi, in realtà, sono pugliesi e non suonano mandolini ma tamburi. però ho nelle mani questo nuovo CD, strug- se trovate di Lucio Fabbri (tra tutte la popular
Per questo se la rischia, perché ignoranti siamo molti e non tutti apprezziamo i vico- gente e sincero, intitolato «Di rabbia e di stel- song «Il violinista sul tetto», cantata in duetto
li popolari in cui si infilano questi pezzi, nostalgici come Auralba e Meriggi, ma anche le»: il genitivo indica chiaramente un'imposta- con Teresa De Sio, spontanea ed energica).
pericolosi come Tarantelle e Mena Mena Mo', e non è detto che vogliamo entrarvi e zione classica che non vuole concedere nulla E poi la sua voce, sempre emozionata, a
rischiare la pelle: di solito il jazz ci dà sicurezza alla comunicazione «moderna». ricordarti che «i poeti non saranno anche nes-
perché ci avvicina alla nostra solitudine, men- Poi due vocaboli così diversi, rabbia e stelle: suno/ma hanno il potere di sputtanarvi».
tre la pizzica è un ballo schietto, di gruppo, gua- un sentimento, e una metafora di sentimenti,
ritore, sudato, sessuale - non tutti siamo pron- una parola cangiante (per citare De André) Nicola Cirillo
ti a questo tipo di lealtà frontale.
Mentre la macchina corre ancora e, in effet-
ti, sembra dirigersi verso il Salento e il
Barese, per un sole che batte stranamente, o
il Materano, e non più verso il freddo di un THE DREAMERS & JERRY BOUTHIER BOOMBOX PARTY
artista che dall'Italia è razionalmente fuggito,
Nico Morelli fa il bruto a Parigi. La serata più cool del nigthlife londi-
Con lui ancora non supero la frontiera e nese in Hoxton Square diventa una
suona una cantilena che sembra di essere tra compilation autentica, che scappa
due set in un locale jazz che è universale, dove dalla trappola dell'elettro che annoia e regala un
lui ha un whisky in mano e i suoi musicisti accor- sound "french touch" puro alla Thomas
dano. Abbasci' A è il secondo set ed è quando Banglader-Para One e mixaggio graffiante
passo la dogana, e i salentini urlano per scon- degno dei Daft Punk.
giurare la morte al punto tale che la macchina La label francese Kitsuné presenta, mixato da
sfreccia e i belga non mi fermano nemmeno, Jerry Bouthier, il BoomBox Party, manifesto del
nonostante abbia una tarantola nel cofano. progetto The Dreamers che vede come prota-
Parte l'inseguimento e le mani di Morelli li gonisti i giovani talenti inglesi, i creativi, i visiona-
superano su Lesson 45, sfrecciano e Tonino ri: sognatori, appunto, gli eccentrici animatori
Cavallo sfotte con proverbi nonsense in Pizzica Strana e Yes O' Sol. Arrivo a Brugge, del club culto frequentato da Kate Moss e dai
lascio le coccinelle in macchina con la radio che dimostra che l'America nomi grossi. È unico nel suo genere: dal dj set di
dell'Unforgettable Nat King Cole e le ballate salentine convivono nella pazzia e nel pia- fotografi, attrici o modelle alla stregua della top
noforte morelliano, tutti comunque schiavi di qualcuno. Negri e meridionali. Agyness Deyn, a un'esperienza a sorpresa
E non ci sono miracoli per il morso di certe tarantole, se non godersene il veleno in (lesbiche che ballano in topless si stringono a
terra straniera. Apro il cofano e la tarantola scappa oltre frontiera: abbiamo frega- ragazzi dalle tensioni greche), remix di Madonna
to i controlli. insieme all'ultimo elettro-sound dei Digitalism o
Romina Ciuffa dei Gossip. Quando si apre, la scatola dei para-
dossi si mostra mentre i dj più famosi del
mondo (Glimmers,Gildas&Masaya, Justice,
Bang Gang, Boys Noize, Alexander Robotnick) vi
suonano a costo zero e senza preavviso, scari-
JOHN SCOFIELD THIS MEETS THAT cando la stampa all'ingresso con le sue teleca-
mere. È il BoomBox lo scrigno dei nuovi reali, dei
gioielli del fashion e del circuito delle celebrities.
Ho in mano l'ultimo lavoro di John ragioni di utili privati e di mercato discografico, Ne siamo esclusi e aspettiamo gli upload del
Scofield, il titolo è accattivante e, degli "istant cd", album sfornati a bella posta sito dal fotografo Alistair Allan (www.dirtydirty-
com'è nel suo stile, attento all'uso per accompagnare tour e (se pure suonati dancing.com), ma ne ascoltiamo ora i pezzi
giocoso delle parole (c'è ancora qualcuno che si meravigliosamente) completamente algidi e imperdibili: la traccia n. 8 dei Daft Punk e la n.
diverte a pensare titoli e a credere che sia una senza un briciolo di idee e di personalità. 13 dei The Young Punx.
scelta importante): This meets That. Ho tutta Ogni suo lavoro è il frutto di una personalis-
l'emozione e la paura del fan che lo segue da sima ricerca, di uno stile che-proprio come il Matteo Zini
anni e teme una caduta, una delusione da que- suo fraseggio-lo fa stare continuamente in bili-
sto eccezionale chitarrista dell'Ohio. co tra il dentro e il fuori da un contesto musi-
Quindi, giù la maschera... questa è una
recensione di parte. Lo ascolto un po' di volte,
calmente definito. Lo accompagnano in que-
sta avventura due suoi vecchi amici, con i quali LANG LANG
ma da subito mi cattura e mi affascina il senso già nel 2004 registrò per la Verve il cd live BEETHOVEN , CONCERTI PER PIANOFORTE E ORCHESTRA NN. 1E4
della novità, l'impressione che i vari filoni porta- Enroute: alla batteria Bill Steward e al basso
ti avanti negli ultimi lustri da Scofield abbiano Steve Swallow, sul cui talento non occorre
preso una strada di sintesi, un mood unico spendere parole. In più, la forza di questo Probabilmente in molti lo Eppure, tralasciando le bizzarre scelte di
capace di racchiudere l'anima jazz, quella funk, album va ricercata nel potere dell'insieme, conoscono per la prima esibi- mercato e le cerimonie internazionali, il giova-
quella ryhtm & blues e cioè non un trio ben zione virtuale mai eseguita in ne e bizzarro artista cinese Lang Lang (in con-
quella più squisitamente rodato con una sezione assoluto nella storia della musica classica. certo a Roma il 25 gennaio 2008
folk tradizionale. E così ritmica grossolanamen- Infatti, grazie alla piattaforma virtuale di all’Accademia Nazionale di Santa Cecilia) è
Scofield inizia a far diver- te arrangiata, ma una Universal Music Classics & Jazz, il pianista ormai acclamato in tutte le capitali musicali
tire con un uso frequente vera macchina da guer- Lang Lang ha presentato l’uscita del suo del mondo, con uno straordinario livello di
e ben dosato di citazioni, ra in grado di giocare nuovo cd «Beethoven-Concerti per pianoforte musicalità e un repertorio molto vasto.
ma anche di ironiche sugli scambi, sui contro- e Orchestra nn. 1 e 4» nello strabiliante La sua arte e la capacità ed abilità di rappor-
autocitazioni (come l'in- tempi e su interventi rit- mondo virtuale di Second Life. Altri ancora lo tarsi con i pubblici più diversi lo hanno reso
tro della lirica Down D, mici pensati in modo da avranno conosciuto in occasione del concerto uno degli artisti più interessanti e carismatici
probabilmente il brano creare il massimo del di apertura della II Festa del Cinema di Roma, dei nostri giorni.
più convincente di questo groove in ogni traccia. quando Lang Lang ha accompagnato al piano- Nato nel 1982 in Cina, a Shenyang, ha inizia-
cd, dove riprende la frase E così il trio diventa coi forte la voce di Andrea Bocelli. to a studiare il pianoforte a 3 anni per arriva-
ricorrente in ogni brano fiati "settetto" in senso re al successo nel 1999 a soli 17 anni, sosti-
di Up all night di quale proprio, in una continua tuendo all’ultimo minuto, su segnalazione di
anno fa). Dal poco cono- osmosi tra musicisti in Isaac Stern, l’indisposto André Watts al
sciuto, ma importante, grado di fare dell'inter- Ravinia Festival, per il concerto di Ciaikovskij.
Scorchead per la play la base ideale per Tale fu il successo di questa esibizione che nel
Deutsche Grammophon l'improvvisazione chitar- giro di pochissimi mesi tutte le principali
porta l'impianto compositivo classico ed ristica, particolarmente feconda di idee in que- orchestre americane chiesero di Lang Lang,
orchestrale, da That's What I Say-acclamato sto album. Scofield resta un insuperabile crea- sino al debutto alla Carnegie Hall con
tributo alla musica di Ray Charles-porta i ritmi tore di riff che invitano a ballare i tempi anche Temirkanov nel 2001.
soul e il gusto per l'arrangiamento dei fiati, da più difficili e a muoversi nel contesto modale In questo nuovo lavoro è evidente un’inter-
Uberjam e dai lavori con il Medeski, Martin e con assoluta scioltezza. pretazione di Beethoven lucida e forte, malizio-
Wood trio la grinta timbrica del funk, il tutto Per chi, invece, volesse scoprire nuove samente resa giovane da un calore espressi-
tenuto insieme dal suo tipico fraseggio jazzisti- potenzialità di superclassici come The House vo e passionale, da un fraseggio estremamen-
co stralunato e altalenante nel gioco dentro- of the Rising Sun o di (I Can't Get no) te curato, variegato nelle sfumature e nelle
fuori tonalità, che ne ha disegnato il tratto Satisfaction consigliamo di seguire con atten- nuances. Sbalordisce di questo giovane la
inconfondibile nel panorama jazzistico e chitar- zione i sentieri melodici che qui inaugura con il semplicità esecutoria quanto il rigore tecnico
ristico contemporaneo. suono graffiante, ironico, aggressivo e anche di base. Un artista possiamo dire che del
Una cosa però va sottolineata: Scofield è un dispettoso della sua fida seicorde Ibanez. talento ha fatto uno stile inimitabile.
musicista straordinario che ha sempre rifiuta-
to di sottomettersi alla logica, abusata per Paolo Romano Flavio Fabbri
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ENNIO IL TEMPO MOR- INTO THE WILD Non ELISABETH THE GOLDEN AGE Così come
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008

a cura
a cura
di ROBERTA
di FLAVIOMASTRUZZI
FABBRI
RICONE La sua è proprio ch’io ami l’uomo di l’amore, anche le civiltà oggi si misurano positiva-

ENNIO IL TEMPO
una cantata kamikaze meno, ma la natura di più mente dalla loro lontananza e dalla loro diversità

CANTATA KAMIKAZE
C' era una volta in America un simbolo della grandezza umana, quella D ire che Morricone è oggi il più grande compositore
che tende verso il cielo a conquistarsi spazi grandi. C’era una volta
di musiche per cinema ad alcuni suona azzardato,
il West, quello regolato prima da pistole, poi da democrazie in cui tutti gli
ma ascoltare dal vivo le sue esecuzioni è indiscutibilmen-
uomini hanno pari dignità. E poi, Giù la testa, perché arrivano gli aerei
te prender parte a una comunione di emozioni e ricordi.
dall’Oriente. Sembrava già scritta nella trilogia del tempo di Sergio Leone,
Ogni suo concerto diventa un’occasione unica di ascolta-
musicata da Ennio Morricone, la sua opera «Voci dal silenzio - Concerto
re e riascoltare musiche senza tempo e piene di storia. La
contro tutte le stragi della storia dell’umanità». Come un presagio che di
storia del grande e del piccolo schermo è scandita in quasi
spaghetti non sapeva per niente. Più di McDonald’s forse, e di cosa signi-
500 pellicole da Morricone musicate che ne fanno, se non
fica massacrare un simbolo.
il più grande, il compositore più prolifico. Affetto del pub-
«C’era proprio bisogno di questa strage? Ti avevo detto soltanto di spa-
blico, ammirazione dei colleghi e, tra i tanti premi, l’Oscar
ventarli!», dice Frank a Morton, dopo aver ucciso McBain e i suoi figli in
alla Carriera ricevuto a febbraio 2007 dalle mani dell’atto-
C’era una volta il West. Morton risponde: «Chi muore è molto spaventato».
re simbolo del cinema Spaghetti-Western, Clint Eastwood.
C’era bisogno di questa strage. Perché chi muore è molto spaventato, ma
Un cinema che ci riporta a Sergio Leone e al suo soda-
chi non è morto lo è di più. E chi sopravvive si vendica o ci scrive sopra uno,
lizio artistico con Ennio Morricone. Perché, mai come in
mille pezzi, ci fa tutta una sequenza da una finestra che dà sulla piazza del
questo caso, la musica ha davvero plasmato la pellicola cinematografica e non dobbiamo aver timo-
World Trade Center se si chiama Spike Lee e sta girando La 25esima Ora,
re ad affermare che Leone, Brian de Palma, Roland Joffè, Giuseppe Tornatore e molti altri debbo-
o ci scrive una cantata per voce recitante, voci registrate, coro e orche-
no gran parte di quei loro successi alle partiture del maestro romano. Ecco perché ogni sua esibi-
stra per più di duecento musicisti e coristi, se si chiama Ennio Morricone
zione diventa un evento, come quello in occasione della II Festa Internazionale del Cinema di
e ha visto crollare le torri.
Roma. In una Sala Santa Cecilia piena e trepidante Morricone, autore anche di un centinaio di
Ci sono un buono, un brutto e un cattivo in quest’opera triste, angoscio-
Musiche assolute (brani da concerto), ha eseguito «Voci dal silenzio-Cantata contro le stragi di tutta
sa, lancinante, dannata. C’è Ennio stesso, il buono. C’è il brutto, che è un
la storia dell’umanità» per la voce recitante di Mariano Sigillo, e «Musiche per il cinema».
presidente. C’è il cattivo. E ci sono tutte le stragi, quelle per un pugno di
Due lati artistici e concettuali dell’uomo Morricone: da una parte la personale commemorazione
dollari, che esplodono nelle note e nei cori del buono che le dirige. Musica,
dell’11 settembre 2001, il ricordo delle vittime newyorkesi che diviene unico dolore per tutte le
musica, non si può orchestrare che musica qui, non aerei, non kamikaze.
stragi e le guerre dell’umanità; dall’altra il cinema (la «Musica applicata»), quasi 50 anni di com-
Solo sensi, da barcollare.
posizioni ormai leggendarie. Di queste, nella prima Suite s’inizia con la semplice e lineare espres-
Non si può dirigere il dolore, ma Morricone lo fa come un kamikaze, e
sione musicale melodica e melodrammatica di «Per le antiche scale», film di Mauro Bolognini del

soffre e fa soffrire mentre ricorda, terrorizza, mentre muove i musicisti

1975, passando poi a «Bugsy» del regista Barry Levinson (1991) in cui Morricone riesce a restitui-

torna a tutti i crimini contro l’umanità, incomprensibili, ne raccoglie il dolo-

re le atmosfere americane anni Venti grazie al timbro inconfondibile del filicorno acuto abilmente

re puro, lo tormenta ancora e lo convoglia in una cantata che, quella sì, e

sfruttato per un fraseggio geniale di matrice blues, finendo con l’astratta piece di «H2S» di Roberto

non le torri, arriva al cielo.

Faenza (1969), caratterizzata da uno studio pianistico ironico e irrealmente allegro, fino all’inquie-
tante e teso, come le immagini, a un effetto straniante.

ROMINA CIUFFA
Nella seconda Suite si parte subito con le sonorità esotiche e le giustapposizioni di flauti, sitar e
tabla, di «City of Joy» di Roland Joffè (1992), per raggiungere una poetica dell’azione e della spi-
ritualità, che ritroviamo in linea di studio nel cosmopolitismo epico-esotico conradiano di
«Nostromo», sceneggiato tv di Alastair Reid (1996). Per la III Suite invece Morricone offre al suo
pubblico un piccolo evento nell’evento: l’esecuzione prima del suo nuovo lavoro «Sicilo e altri
frammenti». Sicilo è un epitaffio del I-II secolo dopo Cristo, ma anche un documento musicale, per-
ché costituito da 12 righe di cui la metà accompagnate dalla notazione di una melodia frigia.
Una partitura fatta di percussione e flauto, greca rinascita eterna, come quella del sole, il ‘Sol
invictus’ dei romani, che irradia un contesto ritmico primevo e aurorale. Un’opera che nasce con-
cettualmente sui ‘frammenti’, nel loro senso di unità assoluta caro ai greci e alla musica di
Morricone. Avviandosi verso la fine non poteva che crescere l’attesa, poi soddisfatta nella IV Suite,
per «Mission», il film di Roland Joffè, per molti vertice stilistico delle composizioni morriconiane.
Alcune musiche vengono eseguite per ultime in un concerto proprio perché hanno il raro dono di
essere portatrici di un linguaggio universale, massimamente coinvolgente, nella drammaticità e nel-
l’esaltazione della condizione umana. Nel caso di «Mission» quindi, com’anche per «Sacco e
Vanzetti» (eseguita nel primo bis), la musica è presentata come tangibile presenza e consapevolez-
za dell’anima, preghiera cristiana e laica nel belcanto dei soprani Patrizia Poli e Susanna Rigacci,
per una sorta di ecumenismo universale e utopico al quale, tramite Morricone, noi tutti aderiamo.

Flavio Fabbri

INTO THE WILD ELIZABETH

Un'altra America The Golden Age
quella di Penn e Vedder La Regina vergine e la donna guerriera
There is society, where none intrudes,
By the deep sea, and music in its roar:
le vicende di ‘Supertramp’ nelle generose e forti
«Rise» e «Hard sun», per poi passare alle sug- D opo il fortunato «Elizabeth» del 1998 il
regista indiano Shekhar Kapur ci propone
Collezionista di Ossa». Il secondo ha venduto
quasi 100 milioni di dischi, soprannominato

I
I love not man the less, but Nature more.
nizia così, citando il poeta inglese Gordon
Byron, l’ultimo lavoro di Sean Penn, «Into
the wild», un piccolo gioiello apparso come
d’incanto nella seconda edizione della Festa del
Cinema di Roma. La storia vera di Christopher
McCandless (dal libro di Jon Krakauer), un gio-
vane brillante laureato in scienze sociali, che
decise di fuggire dalle convenzioni di una vita
familiare e sociale che non sentiva più sue, per
trasformarsi in Alexander Supertramp, il ‘Super
Vagabondo’. Questa l’origine di un affascinan-
te e perturbante viaggio americano con vele
spiegate verso un unico traguardo: L’Alaska.
Un viaggio che è passaggio nell’età adulta, vis-
suto come mitologia dell’American Dream per
arrivare, disilludendosi, alla saggezza del dram-
matico epilogo.
Un’ottima prova per Sean Penn, con una
strizzatina d’occhio ai grandi maestri del cine-
ma come Malick, Herzog e forse Lynch, porta-
ta avanti come una ricerca proustiana del
‘nostro tempo’, miscelata ai grandi mostri sacri
della letteratura mondiale come Dostoevskij,
London, Twain, Tolstoy o altri più ‘locali’ come
Thoreau, Emerson e Goldman.
Un omaggio alle tradizioni politiche e sociali
dell’anarchismo americano, del pacifismo e del
naturalismo, il tutto splendidamente evocato
nella ballata «The Society». Il regista infatti ha
scelto, come voce narrante, il tono malinconico
e rabbioso di Eddie Vedder, frontman dei Pearl
Jam, qui accompagnato da chitarre acustiche e
arrangiamenti scarni dove troviamo raccontate
gestioni di «Toulumne» e «The Wolf». È il
primo album da solista di Vedder le cui fugaci
performance precedenti le avevamo ascoltate in
alcuni live e nella colonna sonora di «Dead
Man Walking» e «Big Fish», finalmente in una
prova a tutto tondo.
L’unico, a detta di Penn, che fa fluire, sangui-
nare e gioire la sua giovane terra e il cuore ame-
ricano in modo così appassionante, da riuscire a
fondere immagini e testo. Un’inconfondibile
voce, di una grazia spaventosamente cinemato-
grafica, per 8 brani da due minuti e mezzo, più
tre songs complete. Difficile fare a meno di
questo gioiellino della durata di un vecchio LP,
con canzoni che senza aver visto il film (in
Italia arriverà con il nuovo anno), riescono già
a ricreare un’impressione cinematografica.
«Hard Sun», il primo singolo estratto dalla
soundtrack, è una cover di Gordon Peterson
(della band Indio), suonata da Eddie Vedder in
compagnia di Corin Tucker (un tempo leader
delle Sleater-Kinney), mentre «The Society» è
stata scritta da Jerry Hannan che ha anche suo-
nato la chitarra e cantato i cori.
Le restanti nove canzoni che compongono il
disco «Music from the motion picture Into the
wild» sono state scritte, cantate e suonate da
Eddie Vedder, che ha anche curato i disegni, il
mix e il concept del disco, mentre la foto sul cd
è uno scatto del famoso fotografo Anton
Corbijn.
Flavio Fabbri
un nuovo episodio della vita di Queen negli Stati Uniti «Il Mozart di Madras», con una
Elizabeth: «Elizabeth, The Golden Age». L’età produzione di 50 colonne sonore, sia per pelli-
dell’oro è attraversata da una sanguinosa lotta
familiare per il trono, mentre cresce nella sovra-
na la consapevolezza dei cambiamenti religiosi
e politici dell’Europa di fine Cinquecento e si fa
aperto lo scontro con il Re Filippo II di Spagna,
in procinto d’invadere l’Inghilterra. Nella vita
di Elisabetta, donna guerriero e regina vergine,
si fa strada però anche l’amore e con esso le
debolezze di ogni essere umano.
Cate Blanchet, nei panni di una regnante sta-
tuaria della dinastia Tudor, ritorna con un’inter-
pretazione superba e impressionante per tono e
vigore, supportata da un ottimo Clive Owen
(Sir Raleigh), da Geoffrey Rush nel machiavel-
lico Sir Walsingham e «Mary Queen Stuart»
Smantha Morton. Anche per questo film la
colonna sonora è parte integrante dell’eccellen-
te risultato, come nel precedente, quando le
melodie di David Hirschfelder gli valsero
un’ennesima candidatura all’Oscar.
Qui la scelta è ricaduta su due musicisti
diversi ma di eguale spessore artistico: Craig
Armstrong e A.R. Rahman. Il primo è un gran-
de di Hollywood, il secondo è un’icona di
Bollywood. Uno è scozzese, l’altro è indiano.
Il primo, arrangiatore, compositore e produt-
tore, si presenta come un artista versatile e
geniale dividendo la sua produzione tra cinema,
teatro e composizioni classiche, con una produ-
zione di musica per cinema di cui ricordiamo
alcune soundtrack di successo: «World Trade
Center», «Moulin Rouge» (per il quale è stato
sommerso da una pioggia di premi) e «Il
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008

ACROSS THE UNIVERSE Tutte le regole per guar-

SO
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TAN DUN È uno che suona la carta (e i suoi

Across the Universe

dare (e sentire) il film sui Beatles senza sentirsi pro- AMEDEO TOMMASI La leggenda orchestrali letteralmente gli spartiti) e l’acqua. Che

DAL LIVE
fondamenti traditi e pensare «dove l’ho già visto» del pianista che suonò con Chet Baker ha vinto agli Oscar. Che è sciamano.

ALLA DIDATTICA
E RITORNOONROTIR E
¢ CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA

(...) È la storia di cinque ragazzi che condividono un appartamento a New York ai tempi
della guerra nel Vietnam e i passaggi più importanti della propria vita, i momenti di crescita
e di ribellione, i desideri e i sentimenti repressi trovano una via per esprimersi attraverso la
musica, come se tutto fosse già stato scritto nei versi del quartetto di Liverpool. Se state pen-
sando - e non vi dò torto - che un film che ha tra i titoli di coda le canzoni dei Beatles valga
comunque la pena di essere visto, badate però di attenervi alle seguenti indicazioni. Intervista ad AMEDEO TOMMASI
Prima regola fondamentale: le canzoni sono di chi le ascolta. Il film reinventa il significa-
to delle strofe di Lennon e McCartney. «Revolution» diventa una scenata di gelosia contro la
ragazza, «Strawberry fields forever» un manifesto pacifista e «I Wanna Hold Your Hand» uno a cura di Marzia Bagli

A
struggente lamento di una ragazza innamorata della persona sbagliata, che non potrà mai
avere. I più conservatori vivranno questo stravolgimento come un tradimento.
È un rischio da mettere in conto: le canzoni dei Beatles sono parte di una coscienza col- medeo Tommasi, la leggenda del
lettiva, incise nel Dna di qualunque persona nata nel mondo occidentale dagli anni 60 in pianista che suonò con Chet
poi. Il tradimento poi diventa ancora più evidente quando lo zio Sam esce dal famoso Baker. In oltre 40 anni di carriera ha
manifesto di reclutamento per l’esercito americano per cantare, pensate un po’, I Want composto le musiche dei primi film di
You! D’accordo, forse l’idea non è tanto originale così come quella di chiamare i personag- Pupi Avati, ha portato lo studio del-
gi Jude, Lucy, Prudence, perché si sa già che prima o poi verrà il momento in cui quei nomi l’armonia jazz a Roma e ha collabora-
ritorneranno utili. to con Ennio Morricone per la colonna
Regola numero due: vietato chiedersi «questa storia non l’ho già vista da qualche sonora della «Leggenda del pianista
parte?». È vero, la trama non brilla per spessore e profondità, ma è una storia fresca e viva- sull’oceano», scrivendo alcuni brani e
ce che parla di amore, di amicizia, di crescita personale. E poi ancora impegno sociale, prestando le sue mani a Tim Roth.
prese di coscienza, guerre ingiuste. E infine, droghe, amore più o meno libero, piccole tra- Ricordate la scena in cui i due protago-
gedie personali. Nient’altro? Ah si, due dei personaggi del film ricordano rispettivamente nisti danzano con il pianoforte a ritmo
Janis Joplin e Jimi Hendrix, due icone dell’epoca. Forse la smania di raccontare quegli anni di walzer nel bel mezzo di una tempe-
è eccessiva e in due ore di pellicola si è voluto far rientrare un po’ tutto e un po’ troppo. sta? Il brano è «Magic Waltz» e l’auto-
Ma ha il merito di insinuare un dubbio: che i giovani di allora fos- re è proprio lui, Amedeo
sero meglio di quelli di oggi perché, seppure a volte sbagliando, Tommasi. Un breve sguardo a
perlomeno provavano a reagire alle ingiustizie e non si adagiava- tanti anni di carriera all’insegna Morricone, ma io ho collaborato con lui e ho
no nel nichilismo tipico di questi ultimi decenni, in cui si vive dell’eclettismo e della trasforma- composto otto brani. Mi diceva «devi fare un
all’insegna del living is easy with eyes closed, misunderstanding all zione. walzer particolare che sia anche un po’
you see. (Ecco, l’ho fatto anch’io. Mi sono appena appropriata del swing, un po’jazz…», per cui diciamo che mi
senso di versi che non sono i miei). Oppure è il revival del passa- Il primo passaggio è stato dal live dava delle direttive precise, che poi erano le
to a far sembrare tutto sempre più bello di quanto in realtà fosse? nei jazz club al palco dei grandi stesse date dal regista quando si vedeva il
Regola numero tre: quello non è…? Per evitare che passiate tutto della musica italiana: la sua verve film.
il tempo a chiedervi «ma dove l’ho già visto?» e perdervi così l’im- improvvisativa e creativa ne è
mediatezza e la spontaneità del film, ecco tutto quello che c’è da rimasta in qualche modo frustra- Ed eccoci al terzo passaggio, l’insegna-
sapere. Julie Taymor è la regista di Titus (1999) e Frida (2002). I pro- ta o ha potuto mantenere la pro- mento. La prima collaborazione con il
tagonisti sono Jim Sturgess e Evan Rachel Wood e sono loro stessi a pria identità musicale? Saint Louis College of Music risale agli
interpretare le canzoni dei Beatles, alcune in versione molto simile Quando ho cominciato, negli anni anni Settanta. Cosa insegnava allora?
all’originale, altre riarrangiate completamente da Elliot Goldenthal, Sessanta, ero un perfetto sconosciu- Solfeggio e armonia, armonia spicciola.
che ha curato l’intera colonna sonora. Joe Cocker canta «Come to. Il cambiamento è iniziato dopo Poi sono andato a Siena a fare «ear trai-
Together» e Bono degli U2 interpreta Mr Robert una specie di guru che ho vinto la Coppa del Jazz per ning», che non è solo una copiatura, un det-
che trascina i protagonisti in un mondo dissoluto, interpretando, a due edizioni consecutive. Nei due tato musicale; lì non bisogna solo capire
modo suo, «I am the Walrus». In alcune sequenze compare anche anni successivi ho combinato molti cosa suona il sax in quel momento ad esem-
Salma Hayek nei panni di una infermiera, anzi cinque. E le coreografie, originali come guai per quanto riguarda concerti e premi pio, ma si deve capire l’armonizzazione che
sempre, sono di Daniel Ezralow, il creatore dei Momix. vari, poi nel ‘67 mi sono trasferito a Roma e c’è sotto. E allora ho pensato, perché non
Ultima regola: stracciate questa recensione. Lasciate da parte tutte le vostre aspettati- subito ho cominciato a muovermi in un parliamo di armonia partendo dai brani,
ve, tutti gli stereotipi sui musical (si, lo so, è una cosa assurda e irrealistica che ogni 7 mondo nuovo, soprattutto intorno alla RCA dagli standards? Uno studente viene al Saint
minuti i protagonisti si mettano a cantare e ballare per strada senza alcun ritegno, nessu- dove ho iniziato a lavorare prima come assi- Louis per imparare a suonare gli standards,
no lo farebbe mai nella vita reale) e tutte le belle e cattive parole che vi diranno quanti stente musicale, poi come arrangiatore. Qui vuole suonare i brani, che siano jazz o rock e
hanno già visto il film. Infilatevi tra le poltroncine rosse del vostro cinema preferito e ho conosciuto Ennio Morricone, Armando ha bisogno di suonare con gli altri e per farlo
gustatevi la colonna sonora più amata di tutti i tempi. Trovaioli, Luis Bacalov e tutti gli altri musi- deve decidere un pezzo. Allora ho detto, per-
Da «Girl» a «All You Need Is Love», sarà piacevole riscoprire l’attualità di brani che hanno cisti. Ho cominciato a vedere l’orchestra in ché non partiamo proprio da lì?
fatto storia e non sarà difficile trovare la propria preferita. La mia è questa: I’ve just seen a face, funzione tutti i giorni e sono passato rapida- Prendiamolo, impariamolo, vediamo come è
I can’t forget the time or place, Where we just met. Esci dalla sala e non puoi smettere di canta- mente dalla situazione del Trio, l’unica che fatto, e da qui prendiamo la scusa per fare
re. E sulla strada verso casa, ti viene quasi voglia di improvvisare due passi di danza, se non conoscevo allora, a qualcosa di molto più dei discorsi. Si può parlare di lettura del
fosse una cosa così assurda e irrealistica. (Roberta Mastruzzi) grande e completamente diverso. Quando brano, di solfeggio, ma anche di classifica-
suoni jazz poi puoi suonare qualsiasi altra zione degli accordi che lo sostengono. A
cosa, e ti porti dietro tutto il tuo bagaglio. questo punto ci si accorge che tanti brani
hanno degli accordi simili. Curiamo l’armo-

Tan Dun, l'Hero

cole occidentali di successo come «Lord of War» e Com’è arrivato da qui alla composizione nia, che è la scienza di mettere correttamen-
«Inside Man», sia per quelle orientali come il cine- di musica da film? te un accordo dopo l’altro, partendo dal-

della natura
se «Warrior of Heaven and Earth». Alla RCA a un certo punto è arrivato Pupi l’esperienza di vari brani. Li studiamo, li
Il risultato di tale connubio: un enorme successo. Avati da Bologna. Lui da ragazzo aveva suo- suoniamo, ed impariamo l’armonia dal
Mentre nel primo film Hirschfelder tentò di ricon- nato in una Dixieland Jazz Band, e di quei punto di vista pratico. È uno studio ed un
testualizzare le tecniche di composizione rinasci- tempi magici a Bologna poi ne ha fatto laboratorio.
mentali con partiture originali del tempo, di ELENA COLEINE anche un film. Io invece facevo parte del cir-
Armostrong e Rahman si distaccano dal XVI seco- colo dei modernisti, stavo con Alberto Come si è evoluta la didattica musicale

lo per lasciarsi trasportare dal ritmo delle immagini
e dalle atmosfere inventate da Kapur.
Il tutto introducendo l’orchestra sinfonica, il coro
latino, un soprano femminile (quasi a stilizzare la
presenza ‘vocal’ di Elizabeth) e la miscela di diver-
si strumenti caratterizzanti le immagini, chitarre
spagnole fuse al ‘dilruba’ indiano, generando
un’onda sonora variegata e sincronica come le
tonalità di una tavolozza di Paul Gauguin.
La performance al violino di Clio Gould, «The
Opening», permette da subito al pubblico di entra-
re in questa ‘età dell’oro’, mantenendo come tema
centrale ‘la passione’, l’infatuazione malata attorno
a cui le note danzano fino al soffocamento del-
l’amore di Elizabeth, per poi piegare su temi mili-
taristici, quando Re Filippo di Spagna entra in
scena.
Così, alla passione elegante della prima parte
subentra la percussione ritmica dell’elettronica e il
rigore dei sintetizzatori. Un tumultuoso e rabbioso
agire, quello della battaglia e dell’orgoglio di regi-
na, «Battle», aumentando l’impatto della musica e
lasciando che profonde voci maschili portino l’om-
bra della guerra.
Un classico esempio di sincretismo musicale
moderno, dove strumenti sinfonici si fondono a
melodie etniche e timbri elettronici.
Probabilmente Armstrong e Rahman nel loro
felice incontro ci hanno voluto evidenziare che così
come l’amore, anche le civiltà oggi si misurano
‘positivamente’ dalla loro lontananza e dalla loro
diversità.
Flavio Fabbri
L’
hero di Hero e di La Tigre e il
Dragone, Tan Dun, arriva quat-
to al passo di una tigre a dirige-
re l’Orchestra del Santa Cecilia
per suonare classica cinese e interna-
zionale e - la sua preferita - l’organic
music prodotta attraverso stimolazioni
di acqua e carta.
Di fronte alle intense suggestioni create
dai suoi suoni non è retorica parlare di
magia. Cresciuto con una nonna sciama-
na, Tan Dun coinvolge l’anima con viaggi
musicali di potente effetto straniante.
Ascoltandolo si apprezza la sua attitudi-
ne alla sperimentazione; Tan Dun ha
ridefinito la natura durante il suo cele-
bre Water Concert: percuotendo l’ac-
qua e liquidando le percussioni, letteral-
mente immergendole.
Difficile da immaginare, ardito forse da
pensare, naturale per Tan Dun da suo-
nare. L’accostamento di concetti musi-
cali differenti crea sentimento quando si
è fortunati, magia solo quando si è dei
maestri.
Come Dun, che suona ceramica, acqua e
carta, ma soprattutto mente nei suoi
«mind concertos», uno che, più che un
drago, è un dragone di carta.
Alberti, ma comunque ci vedevamo, ci incon-
travamo. Quando l’ho conosciuto stava pre-
parando il suo primo film, «Balsamus» e mi
chiese di farne la musica. Eravamo tutti e
due alla prima esperienza.
Da dove trae l’ispirazione per la messa in
musica di una storia?
Dal racconto del film fatto dal regista,
innanzitutto. Quando Pupi raccontava era
come vedere tutto il film. Da qui io mi ispira-
vo per tirare giù un tema conduttore.
Quando glielo sottoponevo, di solito appro-
vava senza problemi. A questo punto si face-
va un montaggio lungo del film girato su pel-
licola, che diveniva sempre più stretto finché
non arrivavamo al punto in cui si diceva
«ecco il film». Allora veniva chiamato il
musicista per prendere i tempi, vedere il film
col regista e dire «qui, quando lei toglie la
mano dalla testa di lui parte la musica e deve
finire quando lui dice
ohibò»; allora si registra il
tempo in secondi per questa
scena e si comincia a nomi-
nare gli «M», ossia la musi-
ca: M1, M2, M3.
È stato lo stesso procedi-
mento che ha usato per
«La leggenda del Pianista
sull’Oceano»?
Certamente. Nella
«Leggenda» la musica è di
da allora ai giorni nostri? Gli studenti
sono cambiati nel modo di rapportarsi
alla musica?
Gli studenti cambiano in base all’inse-
gnante che hanno, se questo li sa interessare
e divertire o meno. E gli standard sono sem-
pre gli stessi. Oltre la parentesi del «free
jazz», che per fortuna come è venuta se n’è
andata, nulla è cambiato dagli anni Sessanta
a parte i metodi per approfondire lo studio
della musica: libri di testo, internet. Grazie a
questi mezzi tutti oggi sono bravissimi, ma il
rischio è che sono anche tutti uguali.
E come si può risolvere questa tendenza
alla stereotipizzazione?
Se ne esce cercando di pensare di più a ciò
che si vuol dire piuttosto che a una esecuzio-
ne perfetta. Chet Baker diceva: «Questo è
vuoto riempito di note». Bisogna cercare di
parlare, di comunicare, esprimendo tanti
concetti in poche
note.
Questa intensa atti-
vità non le impedi-
sce però di conti-
nuare a coltivare il
tuo «primo
amore», ovvero la
performance live,
vero?
Assolutamente.
 EDGE
AND BACK
a cura di CORINNA NICOLINI
Ido invadere
l Roma Gospel Festival è giunto con enorme successo alla sua dodicesima edizione. Anche
quest’anno ospiterà i migliori cori e gruppi di spiritual provenienti da tutto il mondo, lascan-
l’Auditorium Parco della Musica di Roma di echi di ieri e suoni di oggi.
Abbiamo parlato con chi del gospel si è innamorato in viaggio e l’ha portato a casa, nella sua
città. Mario Ciampà è direttore artistico di alcuni dei maggiori festival musicali italiani, come il
Festival del Mediterraneo e il Roma Jazz Festival e dell’etichetta discografica Parco della
Musica Records. Oggi ci ha portati per mano in un viaggio antico attraverso la storia della musi-
LA MUSICA CHE
ca gospel, quella che parte dallo spirito e arriva al cielo.
ARRIVA FINO AL CIELO
MARIO CIAMPÀ
Intervista a
direttore artistico del Roma Gospel Festival
Per dirigere un festival per tanti anni ci vuole
sicuramente una grande passione. Si ricorda
il primo incontro che ha avuto con la musica
gospel? Ne è stato subito conquistato?
Il mio primo incontro lo ricordo benissimo. È
stato a New York in una chiesa di Harlem, dove
ancora oggi la gente del posto si riunisce per la
funzione domenicale. Sono rimasto meravigliato
dall’atmosfera e dalla partecipazione emotiva
che c’era per questo tipo di messa. Pur essendo
un vero concerto di musica e gioiosità, restava
pur sempre una preghiera che trascinava tutti.
Le origini della musica gospel si ritrovano
nell’America nera degli anni Trenta e incon-
trano quelle del jazz. Cosa hanno in comune
secondo lei questi due generi?
Il jazz è sempre stato una fusione di diverse
tendenze che si sono avute tra la fine
dell’Ottocento e i primi del Novecento. Non so
quanto questo abbia preso dal gospel ma sicura-
mente entrambi hanno preso dal blues. Il gospel
prima era costituito soltanto da cori, anche
bianchi, e veniva usato dalle diverse professioni
religiose per trovare dei proseliti. Quando poi è
diventato anche un’espressione del popolo nero
afroamericano, e c’è stata l’aggiunta della ritmi-
ca, è arrivata l’influenza del blues.
All’inizio questa contaminazione ha dato
luogo a una netta reazione degli integralisti, i
quali la definirono addirittura come la musica
del diavolo, non ammettendo che si potessero
usare strumenti musicali quando si andava a
pregare. Poi però qualcuno li convinse del fatto
che se gli strumenti potevano dare maggior vigo-
re alla preghiera e avvicinare così a Dio, questi
dovevano essere usati.
Quando la musica gospel è uscita dalle chie-
se e si è presentata al pubblico profano dei
night club?
Intorno agli anni Cinquanta. Quando si sono
iniziati a produrre anche dei dischi, sulla scia
del successo che il gospel stava avendo. Il gene-
re a quel punto ha assunto un altro ruolo e si
sono avute le prime esibizioni, più che nei night,
nei teatri. Ma anche in quei luoghi i canti resta-
vano un atto di fede e di preghiera.
Esiste un gospel moderno? E cosa racconta?
È ancora presente l’elemento religioso?
L’elemento religioso è sempre presente.
Esistono diversi generi di gospel. Perché il
ROMA GOSPEL FESTIVAL
Sono i neri di Mario Ciampà
a cura di Corinna Nicolini
gospel è la parola del Vangelo e come tale può
essere interpretata in diversi modi e, quindi, stili
musicali. Esiste il gospel rap, quello punk o
quello pop. Ci sono dei festival che presentano
proprio il New Gospel, ossia tutte quelle forme
evolute che noi profani possiamo definire com-
merciali, ma che poi sono quelle che avvicinano
il grande pubblico. Nella nostra manifestazione
in effetti facciamo un gospel molto tradizionale,
ma il gospel è una musica viva in continua evo-
luzione e quello che ascoltano gli americani e gli
inglesi è tutt’altro rispetto a questo.
Quale disco consiglierebbe a chi vuole avvici-
narsi a questo genere?
Non me la sento di consigliare un disco in par-
ticolare perché essendoci tale diversità di stili,
bisogna scegliere secondo i propri gusti. Il mer-
cato mondiale del gospel è molto fiorente, ma in
Italia non c’è una grande produzione e non si
trovano molti dischi nei negozi, ma per chi fosse
interessato ci sono moltissimi siti specializzati.
Ci parla degli artisti di spicco di questa dodi-
cesima edizione del Roma Gospel Festival?
Abbiamo qualche conferma e qualche novità.
Tra le prime c’è Tony Washington, cantante
rhythm and blues, e Robin Brown, compositrice
e organizzatrice di cori ad Atlanta.
Tra le novità c’è Sue Conway, cantante molto
varia e profonda, e il gruppo di Joe Pace, com-
posto da venti persone, più vicino alla linea pop
del gospel. Tra l’altro lui si esibirà proprio il 25
dicembre, e questa è una novità anche riguardo
alla scelta di passare il giorno di Natale insieme.
Un’altra cosa interessante è il Capodanno alle
22, con replica il 1 gennaio alle 18, per una
serata tutta dedicata al gospel di New Orleans,
con un gruppo originario di lì.
Il nostro giornale è molto attento alla situa-
zione discografica italiana. Lei è alla direzio-
ne artistica dell’etichetta dell’Auditorium.
Ci accenna quali sono, nella sua esperienza, i
lati più affascinanti e quelli più faticosi di
questa attività?
Il lato più affascinante è quello di poter
costruire un progetto originale, intervenire nelle
decisioni artistiche e costruire insieme ai musici-
sti. Il lato più faticoso è che i tempi di realizza-
zione di un disco sono abbastanza lunghi e per
chi come me organizza concerti ed è abituato ad
un’attività adrenalinica a volte può stancare.
CINE-CONCERTO Piazza Vittorio
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008
tornerà italiana. O l’Apollo sarà un MEET IN TOWN L’elettronica
bingo. Delle due l’una. è di casa. Pure a Roma.
APOLLO: TRASFORMARE
ROMA IN UN BINGO
BINGO
C
Il cine-concerto dell'Orchestra di Piazza Vittorio
os’è un cine-concerto? Lo scopriamo a gennaio all’Auditorium di Roma.
Lo schermo vibrerà di musica per novanta minuti e poi la festa si materializze-
rà sul palco. Per chi se l’è perso è arrivata l’occasione di vedere il pluripremia-
to film sulla storia dell’Orchestra di Piazza Vittorio. Un documentario che ritrae
Roma senza parlare di Roma. Un documentario che non è una ricostruzione di una sto-
ria, ma è la storia stessa. Una storia raccontata dalla voce e dalla telecamera di chi que-
sto progetto l’ha creato e l’ha portato per mano fino al successo che oggi ci fa scrive-
re di loro.
Mario Tronco, tastierista degli Avion Travel, vive all’Esquilino, il quartiere più multiet-
nico di Roma e ha imparato ad affezionarsi a tutte le voci, i suoni e gli odori stranieri
che si intrufolano tra gli infissi delle sue finestre e arrivano come fossero una musica.
Così inizia a sognare un’orchestra in cui possano esprimersi.
C’è qualcun altro che nel quartiere si
batte per una buona causa. È Agostino
Ferrente, documentarista. Lui non può
accettare l’idea che l’Apollo, l’unico cine-
ma-teatro rimasto nella zona, stia per
essere trasformato in una sala Bingo. Ai
suoi occhi quel posto storico è la location
ideale per un laboratorio multidisciplinare
che proietti film che parlino delle culture
della gente di quel posto. I loro sogni si
somigliano e allora decidono di unirli e
con l’apporto di altri artisti, intellettuali e
gente comune, creano l’Apollo 11. Intanto
gli abitanti della zona cercano di farsi spa-
zio e di rivendicare quella che è la loro
casa. Una grossa scritta su un muro grida:
«Piazza Vittorio tornerà italiana».
I nostri protagonisti vanno alla spasmo-
dica ricerca di musicisti di ogni lingua e
colore che cantino insieme le tradizioni di
ogni parte del mondo. Una ricerca ardua, perché tutti hanno il diritto di suonare sui
marciapiedi, nelle metropolitane e ai semafori di una città. Ma i veri artisti sono pochi.
E allora la telecamera ci porta in giro per Roma, passando per i posti che vediamo tutti
i giorni, dagli storici monumenti della città eterna ai palazzi delle zone popolari e fati-
scenti. Ma li vediamo con occhi diversi, i nostri sguardi cercano musica straniera, voci
da scoprire, volti nuovi. L’Orchestra alla fine prende forma e movimento.
Scoprirete che sfregando le mani sui pantaloni nasce una musica, che il tappo di
sughero di un barattolo di sale può fare da percussione.
Ho l’impressione che quando, alla fine del film, gli artisti arriveranno sul palco vi
sarete già affezionati a loro. Amerete già i loro capelli, raccolti in strettissime trecce
africane o avvolti in affascinanti turbanti indiani, amerete le loro mani di ogni colore che
scivolano sugli strumenti più originali, amerete le loro labbra muoversi pronunciando
parole ignote. Amerete i loro suoni e le loro voci.
E vi sorprenderà una cosa. Questa gente non ci somiglia affatto. E non è solo una
questione di colore di pelle. Loro non sono qui perché vogliono essere come noi.
Scoprirete che le radici dell’uomo non devono restare impiantate nella sua terra per tra-
smettergli la linfa di cui ha bisogno per vivere. La sua terra, l’uomo, se la porta nel
cuore e nella memoria. E te ne accorgi quando canta, quando suona e quando balla.
Perché a quel punto per capirlo non ti serve conoscere la sua lingua.
Corinna Nicolini
Venerdì 14 dicembre è di scena Christopher
Stephen Clark. Dietro di lui c’è un marchio di
garanzia: la Warp Records, etichetta inglese che
vanta nella propria scuderia Aphex Twin e
Jamie Lidell. Clark presenterà un set in cui la
batteria tradizionale si integra perfettamente
con i suoni digitali in una performance ritmica
ed elettrizzante. La stessa sera si esibisce lo
svizzero Kalabrese, portando in concerto la sua
attitudine deep, accorpata ad un’indole funk-
soul, costruita su melodie e fiati.
Il giorno dopo sul palco uno spettacolo dedi-
cato all’etichetta berlinese Shitkatapult.
L’evento è composto dal live di Apparat , artista
MIT MEET IN TOWN
tedesco che dopo essersi cimentato con le mac-
chine assieme a Ellen Allien, porta a Roma,
accompagnato da un una vera e propria band, il
suo ultimo album intitolato «Walls».
ELETTRONICAMENTE
Se Sonb Production saluta il 2007 con un
calendario tanto ricco, le premesse per il nuovo
ROMA
anno sono tutt’altro che scontate. Il 12 gennaio
M.I.T. inaugura il 2008 con una serata speciale.
Carl Craig, uno dei pionieri della techno si pre-
A
senterà assieme alla Innerzone Orchestra, per
vanguardie a Roma. «Meet In Town» un set in esclusiva in cui elettronica e funk si
continua. Snob Production saluta il 2007 intrecciano in uno spettacolo senza pari, capace
con due serate di fibrillazioni elettroniche, il 14 di raccogliere la sfida tra analogico e digitale, e
e il 15 dicembre, per poi dare il benvenuto al di risolverla in un’armoniosa contemporaneità
2008 con un esclusiva performance, il 12 gen- già catturata nell’album «Programmed», uscito
naio. Il nesso è un concetto di elettronica inteso per la Talkin’ Loud di Gilles Peterson.
come veicolo culturale capace di intersecarsi M.I.T. scioglie il freddo inverno in un’altra
con il pop, il rock e la world music, in un per- calda stagione galvanizzata. L’elettronica conti-
corso in divenire che porta il passato ad essere nua ad essere un mezzo espressivo più che una
l’approccio con quel che sarà e le performance categoria musicale ben definita. E il suono non
del festival ad occupare uno spazio preciso: la rinuncia a stupire.
contemporaneità. Stefano Cuzzocrea
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008
CHIARA CIVELLO Si legge GIOVANNI IMPARATO La sua MOLTHENI Lingua famosi del mondo e Tracy Young è la preferita di
Roma si scrive New York Africa. E Cuba, e New York. E Napoli. ferma psichedelica. Madonna. Di passaggio a Roma contro l’Aids
CHIARA AMERICA CIVELLO
R
oma-Boston-New York e ritorno. Chiara
Civello, cantautrice romana, torna nella
sua città per presentare l’ultimo lavoro «The
Space Between». E lei è una che di grandi spazi
se ne intende. A 16 anni prende la valigia e
attraversa l’oceano per andare a studiare jazz e
inseguire la sua grande passione coltivata nel
tempo, fin quando da ragazzina, zaino in spalla,
andava a studiare musica al Saint Louis, la
scuola nel cuore di Roma.
Da qui alla Berklee il passo è breve e una
borsa di studio le consente di perfezionarsi nel
prestigioso College di Boston. Finiti gli studi,
New York è lì che la aspetta. Altro trasloco,
altra valigia. Ma la scelta si rivela vincente.
Come nei più classici copioni hollywoodiani, il
sogno americano si realizza e questa volta la
protagonista è una giovane ragazza italiana. La
voce di Chiara viene notata da Russ Titelman.
Firma per la Verve Records, storica etichetta
jazz che per la prima volta mette sotto contrat-
to una musicista italiana e pubblica il suo esor-
dio discografico, «Last Quarter Moon».
Con alcuni mesi di anticipo rispetto al merca-
to americano, è uscito a settembre in Italia il
suo secondo lavoro, «The space between», 13
canzoni scritte e composte dall’artista romana.
Nella musica Chiara rispecchia la sua vita. I
testi parlano di distacchi, di lontananza e del
bisogno di trovare un punto fermo in cui ritor-
nare ogni volta che la vita impone delle scelte.
Il suo stile è stato definito di volta in volta jazz,
etnico, pop, musica d’autore.
Sicuramente le diverse città e le diverse cul-
ture in cui è vissuta hanno lasciato un segno.
E la contaminazione tanto ricercata da molti
artisti in lei trova una sintesi perfetta. Non a
caso la band con cui si presenterà
all’Auditorium di Roma l’8 dicembre è compo-
sta da musicisti di diversa nazionalità: un piani-
sta americano Pete Rende, un chitarrista brasi-
liano Guilherme Monteiro, un bassista neoze-
landese Richard Hammond e alle percussioni il
giapponese Yusuke Yamamoto.
E poi lei, la sua voce, che in modo soffice ed
elegante sa comunicare a chi ascolta tutta la
bellezza nascosta nei momenti della vita, anche
quelli più malinconici. I suoni sudamericani, la
bossanova, un gusto raffinato uniti a parole
ricercate, creano un’atmosfera calda e quasi
nostalgica. Nostalgia per gli anni ‘60, quando il
digitale ancora non c’era e il suono era più
diretto e ricco di tensione. Nostalgia apertamen-
te dichiarata dalla stessa Civello che per incide-
re un disco così intimista si è rivolta ai suoi
amici che lavorano con lei da anni e oltre alle
sue composizioni originali ha voluto inserire
anche due classici standard, «Without her» di
Harry Nilson e «Skylark» di Hoagy
Carmichael.
«Questa collezione di canzoni è il mio treno
verso casa» così Chiara descrive il suo cd. E il
suo amore per i treni è racchiuso in uno dei
brani dell’album: «L Train», impreziosito que-
st’ultimo dalle percussioni del venezuelano
Luisito Quintero. I treni a volte si perdono, a
volte sbagliano direzione, lei ne ha preso uno al
volo ed era quello giusto.
Roberta Mastruzzi
Moltheni
soffice
La sua musica prende forma su suoni
acustici, minimali, scarni ed essenziali - con
echi folk che ammiccano a Nick Drake e
David Sylvian - vagamente psichedelici e
decisamente ambient ma non privi di slan-
ci pop-rock. Tutto il resto è Moltheni: una
voce soffice, anima romantica e scanzona-
ta, lingua ferma e meraviglia, piccolo gran-
de uomo, cantautore capace di colorare la
UNITED DJS AGAINST AIDS Sono i Dj più
GIOVANNI IMPARATO
il sacerdote
sacerdote
è
radioattivo. Batte nelle vene di tutti
perché è lui che manda avanti i ritmi
di tutte le leggende italiane. È quello
che pesta i pezzi di tipi come Dalla,
Ramazzotti, Zero, Paco De Lucia, Ray
Charles, e pure Mina lo ha nelle vene. Mina,
proprio lei. Non a caso si chiama Imparato.
E insegna tamburo, congas, batà, bongò,
l’arte di percuotere ed essere percossi, lo
sciamanesimo, il sangue, al Saint Louis di
Roma e nel mondo, da New York, a Cuba,
alla sua Africa.
Fino a Napoli. Scorre. Come dire, coman-
da le pulsazioni dei cuori, e lo fa bene. Perché
è un sacerdote cubano. Ma è napoletano e
crede nella Madonna e in Olofi, all’Africa e
allo spirito guida di sua madre, e al suo
totem, un pesce che vola sull’acqua come un
delfino. Ha quarantamilioni di anni, è zero D
positivo e si chiama Giovanni.
Kuba Sound System Proyecto e Tammumba
Tour: di cosa si tratta?
Kuba Sound System Proyecto è il disco che ha
risvegliato il leone che dormiva Tammùmba
Tour è il progetto col quale siamo stati invitati al
primo Festival Timbalaye di rumba all’Habana,
grosso fiore all’occhiello che fonde la mia matri-
ce partenopea e l’amato patrimonio afrocubano.
Il nome stesso è: tammurriàta +rumba.
Perché Cuba?
Cuba, perché condensa una fucina incontrol-
lata di inno alla vita, uno dei misteri africani più
poderosi stemperati dall’influenza mediatrice
dell’Europa e del Mediterraneo.
Non c’è nulla di più palese di un tamburo che
staglia «geometrie» armonizzanti! Cuba ha inte-
grato quattro tra le etnie più evolute di tutta
l’Africa (Yoruba, Ararà, Abakwà, Bantù) con i
latini del vecchio continente,con i cinesi presen-
ti sull’isola fino ai russi dell’ex Unione
sua poesia semplice quanto profonda con una
musica mai banale. Canta l'amore Moltheni:
sia esso l'amore per un'amata acerba e dolce
insieme; o per la vita che cuoce l'uomo al vapo-
re; per il rosso di un vino buono o il profumo
dell'alloro e del grano; per madre terra, ruvida
quercia e solida grandi-
ne, sangue caldo di un
cinghiale morente nel
bosco.
Canta, altresì, la
decadenza Moltheni: il
morire di ciò che era,
l'agonia di un fiume che
a cura di Romina Ciuffa
Sovietica.
Cuba Libre o Rum&Cola?
Cuba Libre, ma mi auguro una nuova bevan-
da con auspici meno rivoluzionari e più univer-
salizzanti.
Vanti collaborazioni con Mina, Ornella
Vanoni, Gigi Proietti, Gino Paoli, Francesco
De Gregori, Lucio Dalla, Renzo Arbore,
Eugenio Bennato, Ray Charles, Paco De
Lucia e molti altri. Cosa sei per meritarli?
Mio malgrado, un artista... che ama incessan-
temente la professione del musicista.
Chi è stato il tuo vero ispiratore?
Il chitarrista Carlos Santana. La tumbadora
ascoltata dalla composizione di Tito Puente
(ibaè). Oye Còmo Va, e Samba Pa’ Ti.
Materialmente, Armando Peraza; quindi
Patato Valdez (per i primi tamburi Batà ascolta-
ti), Mongo Santamaria (ibaè), Steve Wonder. E le
canzoni napoletane.
Come definiresti Giovanni Imparato?
Una persona che sta ricercando.
Ti confesso che ho imparato a stimarlo.
Cosa sono i disegni pubblicati sul tuo sito
www.giovannimparato.com?
Sono miei: vengo dall’Istituto d’Arte ma avevo
già scelto la musica nella mia vita.
Da piccolo non facevo che disegnare: quel-
l’avventura vissuta ogni volta che mi accingevo
ad iniziare un foglio bianco l’ho continuata poi
con la musica.
Puoi descrivere le tue percussioni?
Scatole cilindriche di detersivo, mobili, fino al
dorso di una chitarra acustica. A dieci anni ho
avuto il primo paio di bongos, ma sempre le con-
gas nei miei sogni. Ora ho venti cinque congas,
quindici batà, otto bongò.
Percosso o percussionista? Cosa di più?
Abbastanza percosso dalla vita, specie all’ini-
zio: è stata la morte di Immacolata Pesacane,
era in piena o di un'idea morta in un
requiem inudito, la sofferenza della natura
e del ricordo di alberi ed erba verde che
non ci sono più, sommersi da internet e dal
petrolio. Moltheni è un artista da capire e
scoprire con pazienza. L'occasione giusta
è il tour di presenta-
zione dell'ultima fati-
ca "Io non sono come
te".
Manuele
Angelucci
EDGE
AND BACK
mia madre (ibaè) ad iniziarmi all’età di due
anni. Mi è venuta in soccorso sotto le spoglie di
madre universale attraverso la musica e il ritmo
del tamburo.
Ti abbandoni alla musica come uno sciama-
no. Il tuo percorso musicale sviluppa i sette
chakra, la ricerca degli animali totem deri-
vata dalla sapienza amerindiana, la ruota di
medicina. Qual è il tuo totem?
Il mio totem è un pesce che nuota come un del-
fino, tra acqua e cielo. Fu iniziatore ed autenti-
co stregone Arnold Keyserling (ibaè), che con il
tamburo a vent’anni mi incaricò di guidare un
gruppo di praticanti. Invece, il mio «angelo della
guardia» yoruba è: Changò, patrono del tambu-
ro, del canto e della danza. La musica viene
emanata dal nostro corpo più sottile (che non è
fisico): ecco perché lo sciamano (colui che
impara ad intessere una costante relazione con
le dimensioni parallele non ordinarie) è il pre-
cursore del musicista... se non proprio musici-
sta, che è allo stesso tempo sacerdote.
La musica guarisce?
La musica sgorga nella specie solo per guari-
re: è nella nostra società che è divenuta esaspe-
ratamente estetica fino a perdere la sua essenza
più profonda nella preoccupazione eccessiva di
ciò che salta all’occhio.
Da cosa hai preso l’uso rituale del tuo tam-
buro, di ispirazione tribale?
È la sua potenza che ha fatto tutto, continuan-
do a riservare consistenti verità per la mia cre-
scita. A Cuba sono un sacerdote dei tamburi con-
sacrati e ufficialmente posso presenziare musi-
calmente le cerimonie del culto della Ocha (il
pantheon di Deità Yoruba).
Se dovessi pubblicare un tuo libro dal titolo
La mia Africa, cosa scriveresti nella quarta
di copertina?
Il mal d’africa esiste: l’ho provato! Si viene a
capo della propria provenienza remota dal grup-
po sanguigno, ed io sono: zero D positivo:
appartengo al ceppo più antico dell’umanità che
proviene dall’Africa, circa 40 milioni di anni fa.
Quanta Napoli c’è in Africa?
E quanta Africa a Napoli?
La mia percezione della terra unisce tutti i ter-
ritori sui quali ho camminato. Napoli, con la sua
forma del golfo, mi accoglie come se Partenope
potesse ridestarsi. Da piccolo è per le strade di
Napoli che ho scelto la mia professione, suonan-
do e pregando Olofi (Yoruba) e la Madonna
(Napoli). È così che Partenope, l’Habana e
Matanzas diventano una sola cosa per me.
Certi ritmi neutralizzano l’iper controllo ed
equilibrano i due emisferi cerebrali. Quanto
c’è di psicoanalitico ed evocativo nella tua
musica?
Una pulsazione del tamburo, sincera e sentita,
trasforma le onde frequenziali del cervello da
beta in alfa, che è il risultato che si raggiunge
con la meditazione, lo yoga e il sonno profondo.
Le cellule cerebrali si rigenerano completamen-
te... e non solo. La psicoanalisi e la bioenergeti-
ca sono state delle potenti accompagnatrici nei
miei momenti cruciali, indispensabili per imbat-
tersi nell’autentico: è una ricerca degli archetipi
e non ha confine di razze né di culture. E questo
è ciò che ho definito lo Statuto Tammumba.
UNITED DJS
AGAINST AIDS
U na serata con i
grandi deejay
della scena interna-
zionale, per non
lasciare cadere il
messaggio di solida-
rietà e speranza lan-
ciato dalla Giornata
Mondiale della Lotta
all'Aids. A pochi giorni dal Red Ribbon
Day, il 6 dicembre i fiocchetti rossi che
simboleggiano la battaglia contro la
malattia del secolo sono tornati a colora-
re per sensibilizzare i giovani sulla pre-
venzione. Il Gay Village, in collaborazione
con una delle più grandi associazioni di
lotta all'Aids, la LILA, ha curato il Gay
Village No Aids, United Djs against Aids.
Per tutta la notte allo Spazio Novecento
alternatisi alla consolle, un'ora ciascuno,
alcuni fra i maggiori Dj in circolazione
(Cristiano Spiller, aka Dj Spiller; la dj pre-
diletta di Madonna, l'americana Tracy
Young, vera icona del gay clubbing mon-
diale; Lorenzo LSP, Pisti, Fiore Dj, Sam
Perez, Luca Marano, Slide, Antonello
Love, aka Stereologic) donando le perfor-
mances alla causa, accompagnati dal
vocalist Kevin Delite. Romina Ciuffa
 Ppop&rock
OPCK Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008

BLONDE REDHEAD Due

SENZA DAR
a acura
curadidiVALENTINA
FLAVIO FABBRI
GIOSA
JOSÈ FIORILLI Il tastierista di VINILE Ma sì che è meglio. Ma gemelli e una japnewyorkese.
Ligabue spiega la medianità sì che torna. Ma sì che ci va. No, non è un film di Bertolucci

FUOCO AL PIANO
Non c’è rock crudo, pesante, quello in cui si
sbatte la chitarra per terra in Italia: è perché
non vende?

una vita da mediano

Non credo: tanto ormai non vende più nessu-
no. Semplicemente perché non tutti sono in
grado di farlo. Ci sono molti gruppi che da anni
scrivono belle canzoni in italiano ma che hanno
una chiara ispirazione alla musica anglosasso-

Intervista a JOSÈ FIORILLI

ne; basta citarne alcuni come gli Afterhours, i
Marlene Kunz, i Deasonika e i Verdena. Questi

tastierista di Ligabue
ultimi addirittura sembra che cantino in inglese.

Il tastierista di Ligabue: una vita da mediano?

siano Beastie, ma più per melensi accordi
maggiori e storie d’amore. In questo, lui è
a cura di Romina Ciuffa
Ci sono molti gruppi che da anni scrivono
belle canzoni in italiano ma che hanno una chia-
La vita di un tastierista è quasi sempre da
mediano, il rock si fa principalmente con le chi-
tarre. Ma Luciano mi lascia molto spazio, forse
perchè sono cresciuto a pane e rock’n’roll quin-
di la mia cultura mi permette di interpretare le

C
hissà, forse ci arriva in bicicletta a tutti
i suoi concerti, quelli dell’Ellesette
Tour, poiché proprio pochi giorni fa Luciano
Ligabue, ex metalmeccanico e bracciante,
era alla ricerca del «Grande Fiume», il Po,
insieme a Francesco Guccini, e motivato da
istanze ambientali. Certo che il suo tour
stanca. Perché lo fa pensare a quando era
praticamente un ragazzino: magrissimo,
anzi snello, ma sempre una voce profonda, la
voglia di sfondare.
Il rock, sì, ma poi il rock italiano è più pop,
perché forse non si è pronti per ragazzi che
ferratissimo. Parla d’amore da quando
suona, di rock ha la pelle nera delle sue giac-
che, mette molto pianoforte (che fa cantare
più facilmente) ed ora lo fa suonare a Josè.
Il rock in Italia è...
Partiamo dal presupposto che la lingua italiana,
come quella francese e spagnola, nasce già un
pò «sfigata» per il rock, nel senso che ha un
suono troppo morbido rispetto all’inglese e tutte
le parole finiscono sempre con una vocale.
In più ci metti che la nostra tradizione musicale
è basata sulla melodia: ecco che fare rock in
Italia risulta più difficile. Ma è possibile.
Dunque esiste. E chi lo fa?
ra ispirazione alla musica anglosassone; basta
citarne alcuni come gli Afterhours, i Marlene
Kunz, i Deasonika e i Verdena. Questi ultimi
addirittura sembra che cantino in inglese.
Ligabue dove si colloca nell’immaginaria
linea tra il rock e...
A metà tra la tradizione melodica italiana e
tutto ciò che, dagli anni Cinquanta in poi, ha
portato al rock in tutte le sue forme. Nei suoi
pezzi c’è il rock’n’roll classico, Bar Mario o
Marlon Brando è sempre lui; c’è il blues (che è
la base del rock) in Almeno Credo o Seduto in
riva al fosso; c’è il rock più moderno come ne Il
giorno dei giorni o in È più forte di me.
sue canzoni senza renderle pop con qualche
suono anonimo di tastiera.
Chi sei, tu?
Il 70% delle parti che suono sono di hammond,
strumento che amo fin dall’infanzia, ma mi sbiz-
zarisco anche con suoni elettronici psichedelici e
ovviamente con piano e wurlitzer. Ho iniziato a
suonare a 13 anni imitando Jerry Lee Lewis,
senza però dar fuoco al piano... Poi mi sono subi-
to appassionato al blues con cui ho scoperto
anche l’hammond. Da lí ho allargato al rock anni
Settanta, al funk e alla musica elettronica in tutte
le loro forme e contaminazioni. Ed ecco a voi
Josè Fiorilli.

IN PRINCIPIO FU BLONDE
IL VINILE REDHEAD
... asimmetrici
angolari
Il magnetofono, lo stereo8, il giradischi, i nastri. Poi sono arrivati i cd e il vinile è

gemelli
stato dimenticato divenendo desiderio e preda solo di fanatici e collezionisti. Ora anche
il cd sta subendo la stessa sorte. La virtualità ha assorbito tutti quegli oggetti che con-
tribuivano alla magia della fruizione musicale e che in fondo un pò rimpiangiamo.
Il supporto fisso è andato col tempo scomparendo: i lettori walkman hanno permesso
alla musica di divenire portatile, i lettori mp3 e i cellulari l’hanno resa mobile, continua-
mente disponibile. La musica è ormai diventata liquida e la fine del disco pare essere

C'
arrivata. E cosa ne sarà del mercato discografico? Già nel 2000 i Pearl Jam per scon-
figgere il fenomeno dei bootleg pubblicarono 25 album live ufficiali inizialmente solo sul

è sempre qualcosa di misterioso, con riverberi e echi a metà fra i Television di

web. Madonna, Aerosmith, Rolling Stones diversi anni fa presentarono in anteprima

angolare, e stranamente asimmetri- Marquee Moon e i Beatles dell’ Abbey Road.

sulla rete le loro nuove produzioni. Nell’aprile del 2006, un brano pubblicato esclusiva-

co nella visione dei gemelli. Il seguente Misery is a Butterfly ha una gesta-

mente da mp3 raggiunse la prima posizione della classifica inglese. Un anno fa
Nel caso dei Blonde Redhead, zione di tre anni ed è quasi una seduta terapica
Samuele Bersani anticipò su iTunes il singolo Lo scrutatore non votante.
l’impressione aumenta, perchè ai per la cantante Kazu, reduce da un brutto inci-
Anche la Sony-Bmg ha cercato tempo fa di adeguarsi alla digitalizzazione della musi-
gemelli Simone e Amedeo Pace, dente da cavallo. L’attesa viene comunque ripa-
ca creando H20 Music, un sistema dove viene meno l’obbligo dell’uscita di un cd (una

si aggiunge la presenza dei due gata. Inquietante e ipnotico, Misery vive sulla
canzone può essere pubblicata anche ogni tre settimane). Tutto è un work in progress:

occhi a mandorla di Kazu ragnatela incantata delle orchestrazioni più

i brani vengono venduti in una ventina di negozi online (iTunes, Tiscali, Rosso

Makino, eccentrica musa jap- ampie e barocche. Il suono si fa più etereo, le

Alice) e sui mobiles della telefonia e nel frattempo si ha il modo di tara-

newyorchese, che sembra atmosfere sospese.

re l’artista. H2O Music ha per ora lanciato soltanto due grup-

uscita come un elfo dal collo 23 sembra a metà tra il volo della farfalla e le
pi: Corveleno (8mila copie vendute all’uscita dell’al-

di una bottiglia. psicoderive di Melody. Sette anni non passano

bum fisico e 15 mila i download registrati) e The

Misteriosa e angolare è invano, i gemelli Pace incanutiscono, lo stile si

Styles.

stata a tratti anche la loro definisce.L’album vanta collaborazioni impor-

L’ultimo caso è quello dei Radiohead, che per

musica, disseminata in tanti, da Chris Coady (Yeah Yeah Yeahs, Tv on

l’uscita del nuovo album In Raimbows hanno deciso

questi anni (dall’ormai the Radio), a Alan Moulder (My Bloody

di voler fare tutto da soli per essere liberi da qualsiasi

lontano ‘93, anno del loro Valentine) e Rich Costey (Franz Ferdinand e
vincolo di contratto (contando esclusivamente sulla

primo omonimo album) Bloc Party), e non per niente appare percorso da
forza della rete) attuando una distribuzione diretta ai

come piccoli pezzi di echi new wave come nella title track d’apertu-
fans. La band inglese ha infatti lanciato il nuovo album

pane per ritrovare la via ra, 23, con la spinta prog della batteria di
sul web permettendo allo stesso pubblico di decidere

di casa. Seminali, come tanta Simone a tracciare la linea guida, o in

quanto pagarlo. «Quella di Thom Yorke e soci dev’esse-

parte della produzione newyorchese, Publisher, con il crescendo iniziale di piano e

re interpretata come un risuonare di sveglia che noi tutti

alla fine i Blonde Redhead la via di casa sem- synth. La sognante Silently ricorda da vicino gli
dovremmo accogliere e corrispondere con creatività ed
brano averla davvero trovata. Air più pop di Cherry Blossom Girl, mentre la
energia.
23 infatti è il numero della via e della casa di vena post-moderna vibra nelle corde di Kazu, in
L’industria del disco è stata sin troppo a lungo dipendente
Kazu Makino, e anche il titolo dell’ultimo pezzi che sono delle piccole caramelle pop a
dal numero di cd che è possibile vendere, e piuttosto che
album uscito in aprile per la 4AD Records, in metà tra Gainsbourg e la rivisitazione a la
imbracciare la digitalizzazione e le opportunità ad essa con-
cui i nostri sembrano approdare alla stabilità di Pizzicato Five (Top Ranking e My Impure
nesse per la promozione di un prodotto e la distribuzione attraverso diversi canali ha infi-
un pop ‘post’ emozionale e gestaltico, forse a Hair).
lato la testa nella sabbia», ha affermato Guy Hands (responsabile di EMI Group) che,
tratti rassicurante rispetto alle inquietudini Si registrano forse alcuni passaggi a vuoto
dopo l’iniziativa dei Radiohead - gruppo di punta dell’etichetta - ha capito che è arrivato
sonore del passato, ma sempre raffinato e pre- (Heroine, Sw) ma restano impressi comunque
il momento di cambiare per evitare la rottura definitiva. Cavi, computer, internet, satelli-
zioso, come i Blonde sanno sempre essere. Sarà momenti notevoli come Spring and by Summer
ti stanno soppiantando le case discografiche e sempre più stretto si sta facendo il rap-
proprio la presentazione dell’ultimo album al Fall, densa di riverberi noise primi anni novan-
porto diretto fra l’artista e il consumatore. Le reazioni a queste nuove sperimentazioni
centro del concerto tenutosi il 2 dicembre nella ta, e soprattutto la notturna e spettrale Dress,
appaiono però ancora incerte.
prestigiosa cornice dell’Auditorium di Roma, con il recitativo roco di Kazu a levarsi accenna-
La stessa operazione di In Raimbows non sembra esser stata accolta molto positiva-
un riconoscimento importante per il gruppo to sopra una delicata trama synthetica.
mente dal pubblico visto che secondo la comScore Inc più della metà di chi ha scarica-
italo-nipponico cresciuto all’ombra della Dal vivo il trio da vita a un concerto-perfor-
to i brani (il 62%) ha deciso di non pagare nulla mentre il restante 38% ha invece paga-
Grande Mela, e che da qui ha assorbito lo sple- mance che è quasi un evento d’arte rileggendo
to una media di 6 dollari. C’e ancora tantissima incertezza nell’aria dovuta ad un cam-
en e l’attitudine avantguarde, fino a diventare tutto alle perfezione, quasi da partitura, con
biamento evidente che è difficile stabilire se sia evoluzione o rivoluzione. Siamo certa-

uno dei punti di riferimento della scena alterna- virate rumoriste e incendiarie sul passato più
mente in un momento di passaggio in cui è forte l’incapacità di controllare qualcosa di
tive dell’ultima decade, per uno stile inconfon- prossimo e luminoso destinate a contagiare il
così estremamente imprevedibile e sfuggente come la rete che, per alcuni, è stata addi-

dibile fatto di sonorità tese e voci strozzate, pubblico, anche quello (forse) più posato
rittura causa di una degenerazione: «Internet rovina l’arte e la vita, bisognerebbe spe-

melodie ossessive e dilatate su testi di remine- dell’Auditorium .

gnerlo per cinque anni: verrebbe fuori musica molto più interessante di quella attuale»

scenza dada-surrelista. Lorenzo Bertini

ha ammesso saggiamente Elton John.

È il 2000 quando esce Melody of certain

C’è chi invece come Patti Smith, si dimostra ottimista e ammette che l’atteggiamento

damaged lemons, vero e proprio oggetto di

di chi fa musica oggi è finalmente indipendente e libero proprio grazie alla rete: «Il punk-

culto, e a tutt’oggi il loro lavoro forse più bello.

rock oggi sono tutte le persone su Internet che decidono di fare la propria musica. Quelli

Il trio aggiusta la mira mettendo a punto un

ai quali non importa se saranno in venti ad ascoltarla. Lo fanno e basta». Per fortuna,

art pop al tempo acido e notturno, giocato sui

di fronte a uno scenario virtuale tanto anarchico quanto caotico resta sempre la dimen-

riff ossessivi e lievemente variati della chitarra

sione magica del live, dove la tattilità del contatto che si instaura tra gli applausi (e che

di Amedeo Pace (una per tutte la bellissima En

manca ad un prodotto di fabbrica solido o liquido che sia!) diviene una forte ricchezza.

Valentina Giosa Particolar, ormai un piccolo classico della

scena indie) e sull’intensità della voce di Kazu,
Music In ¢ Dicembre Gennaio 2008 Ppop&rock
OPCK

FRANCESCO
FRANCESCO DE GREGORI Che
DAVID SYLVIAN Uggioso e bri- IL TEATRO DEGLI ORRORI canta l’amore ma ha detto «ti amo» in NEGRAMARO Dolci e amari,
sole due canzoni. Di sinistra o destra salentini ed etnici. Teatrali.

DE GREGORI
tannico. Dandy glam-pop. In piena Ecco l’angoscia umana.

DAVID SYLVIAN
MA È UN FIUME IN PIENA
The River of Constant Change

PER MANCINI E DESTRORSI

U n’uggiosa serata tipicamente britannica accoglie l’attesissimo concerto romano di David di Roberta Mastruzzi

L’
Sylvian. L’occasione è di quelle da non lasciarsi sfuggire. L’artista inglese questa sera, che è
il 27 settembre 2007, ha percorso in poco meno di due ore ben trent’anni di carriera dimostrando
quanto siano labili i confini tra i generi musicali. Look algido ed impeccabile da perfetto «Bowie
berlinese». Sembra che il tempo per l’ex dandy glam-pop non sia mai passato. Glaciale, pacato,
concentratissimo.
La sua voce, inconfondibile e profonda, ha sprigionato emozioni per tutta la durata del live. Solo
di rado si concede al pubblico che si dimostra in ogni caso entusiasta. Seduto, con la chitarra fra le
mani, manifesta appieno il distacco di chi si sente estraneo alla realtà odierna farcita di majors in
quanto già proteso al futuro. A fare da sfondo: un telone dove si alternano immagini rarefatte e
sognanti, tinte di colori tenui che emananno un’atmosfera rilassata che proietta lo spettatore diritto
nel «pianeta Sylvian».
Con questo concerto Sylvian ha salutato definitivamente il suo passato: «È tempo di muoversi
verso nuove mete, dice l’artista. Per farlo devo fare il punto sul passato e gettarlo alle spalle in
modo da avere la mente libera per ripartire. La mia storia musicale è importante ma non voglio
rimanerne intrappolato. Così canto per l’ultima volta il mio repertorio».
Lo stile è (come sempre) essenziale e ricercato. Brani vecchi e nuovi vengono arrangiati sotto una
nuova veste: i consueti paesaggi ambient e minimali si colorano di atmosfere jazz.
Questo tentativo di amalgamare il vecchio ed il nuovo ha fatto si che alcuni brani fossero, a volte,
proposti in versioni medley. L’esperimento, però, non ha sempre dato i risultati sperati sfociando a
volte in sequenze troppo lunghe e ridondanti.
Se una The Scent of Magnolia apre molto bene il concerto, la versione japaniana di Ghost, risul-
ta priva dell’antico patos. Ad ogni modo la classe fascinosa e catalizzatrice dell’artista è riuscita ad
arginare agevolmente questi frangenti regalando comunque al pubblico momenti di profondità ini-
mitabili. Solipsistico autocompiacimento? No, è solo il prezzo da pagare alla costante ricerca di un
artista che vuole rimanere integro, senza abbassarsi mai a «progetti lets dance».
«Il pop è ripetizione. Se andassi sempre nella stessa direzione impazzirei; mi sento come un albe-
ro che deve cambiare le foglie, la mia strada è la sperimentazione, qualcosa di minimale ma al
tempo stesso sostanzioso. Ciò che faccio oggi è rinunciare a un grosso pranzo per fare un ottimo
breakfast»». E noi tutti gliene saremo per sempre grati.
Eugenio Vicedomini
Auditorium della Conciliazione apre i propri spazi alla musica d’autore e lo fa con
il «Principe» dei cantautori: Francesco De Gregori. Il tour estivo che l’ha visto pro-
tagonista nelle maggiori città italiane è ora diventato un cd, «Left &Right», uscito
a fine novembre, e per presentarlo il cantautore riprende il suo viaggio. Con lui,
l’immancabile Guido Guglielminetti al basso e la band composta da Alessandro
Valle, Lucio Bardi e Paolo Giovenchi alle chitarre, Alessandro Arianti alle tastiere e
Stefano Parenti alla batteria. Assistere a un concerto di De Gregori è sempre un’espe-
rienza nuova: è noto ormai a tutti che l’artista romano ama cambiare spesso l’arrangia-
mento, la melodia e il ritmo dei suoi brani più famosi, spiazzando a volte gli ascoltatori
meno attenti. Di certo, questa è un’ottima tecnica per sfuggire ai cori del pubblico, riu-
scendo così a dare maggiore risalto all’interpretazione e alla canzone in se stessa.
E chi non gradisce può sempre ascoltarsi le sue vecchie canzoni dallo stereo di casa e
cantare quanto vuole. Prendere o lasciare. Un concerto è e deve essere invece un’espe-
rienza unica e irripetibile, il momento in cui, come in una favola, le canzoni prendono vita
e riemergono dal limbo dove la nostra memoria le ha conservate. La musica di De
Gregori ha questo potere, le sue parole non perdono nel tempo la loro forza, la sua voce
non smette di ricordarci la nostra vita.
«Left&Right», sinistra e destra come i punti di vista
da cui si possono guardare le cose, ma a seconda di
chi guarda i punti di vista cambiano e in un attimo
possono diventare destra e sinistra. Registrata
durante le date estive del tour 2007, la raccolta di
brani live si propone di riannodare il filo della memo-
ria, conducendoci nella ricostruzione di una carriera
che dagli anni del Folkstudio e del primo album pub-
blicato insieme a Antonello Venditti (Theorius
Campus, 1972) fino ad oggi, ha toccato tutti gli
aspetti dell’essere umano, sempre con una inconfon-
dibile grazia ed eleganza.
Spesso è stato definito un cantante impegnato e di
sinistra, anche se - qualcuno stenterà a crederci -
«Viva l’Italia» è stata all’epoca adottata dal MSI ad uso propagandistico. Come tutti i veri
artisti, De Gregori in realtà non ha fatto altro che essere una voce contro. Le critiche alla
società sono spesso presenti nei suoi testi: da «Festival», dedicata alla scomparsa di Luigi
Tenco, a «Titanic», aperta denuncia dell’Ïmpostazione classista della società fino alla più
recente «Vai in Africa, Celestino» (vale a dire, scappa finchè puoi). Ma più di tutto ha can-
tato la gente, la sua vita, le sue difficoltà, i suoi rimpianti, le sue battaglie quotidiane, senza
distinzioni di classe, quelli che hanno letto un milione di libri e quelli che non sanno nem-
meno parlare. E poi l’amore, raccontato per immagini e frammenti, ricordato prima
ancora che vissuto, sempre troppo difficile da afferrare nel momento in cui c’è.
Le parole «ti amo» compaiono solo due volte nei suoi testi, la prima nel 1975 in «Pezzi
di vetro» e la seconda, trent’anni dopo, in «Cardiologia» del 2006. Eppure, più di tutti ha
saputo dare un’immagine al sentimento, senza usare parole da pubblicità, ma impressio-

NEGRAMARO
ni e sensazioni, come nella descrizione di due buoni compagni di viaggio, quelli che non
«dovrebbero lasciarsi mai».

come il vino
D olci all’apparenza e amarognoli in fondo
proprio come il vino da cui prendono il
nome, con cui condividono anche la terra
posta finora».
«Utilizzeremo strumenti etnici, ma anche
l’uso dei nostri abituali strumenti sarà diverso
Foto di DAVIDE SUSA pugliese del Salento, i Negramaro si stanno dal solito: ad esempio le manipolazioni elettro-

IL TEATRO
conquistando una fetta sempre più numerosa di niche di Pupillo saranno l’elemento onirico di
fans tanto che gli ultimi concerti continuano a questo live».

DEGLI ORRORI
Ecco l’angoscia umana in cui lo spettatore
dovrà trovarsi uscendo dal nostro teatro. Egli
sarà scosso e sconvolto dal dinamismo interno
dello spettacolo che si svolgerà sotto i suoi
occhi. E tale dinamismo sarà in diretta relazio-
ne con le angosce e le preoccupazioni di tutta la
sua vita... Egli deve essere ben convinto che
siamo capaci di farlo gridare (Antonin Artaud,
«Il teatro e il suo doppio»).
Il Teatro Degli Orrori prende il nome proprio
dal Teatro delle Crudeltà di aurtaudiana memo-
ria proponendosi presto come una delle realtà
musicali nazionali attualmente più interessanti.
La formazione nasce all’inizio del 2005 e solo
dopo ben due anni di prove
dà vita a «Dell’Impero Delle
Tenebre», debutto discografi-
co che rivela ben presto la
sottigliezza e il genio dela
band. Registrato e mixato
dallo stesso Giulio al Blocco
A di Padova e al Natural
Head Quarter di Ferrara nei
mesi di Novembre e
Dicembre 2006 e Gennaio
2007, il disco esce il 6 aprile
per l’editore Tempesta e
viene distribuito da Venus.
12 tracce di rock moderno ed alternativo, con
un occhio agli amori di sempre (Scratch Acid,
Jesus Lizard, Birthday Party, Melvins) e uno
alla tradizione tipicamente italiana (da De
Andrè a Carmelo Bene) fanno di questo disco
qualcosa di veramente raro ed inedito grazie
all’effetto singolare e spiazzante del contrasto
fra asprezza, potenza e violenza dei suoni e un
cantato tradizionale italiano ricco di fascino e
romanticismo.
GIOSA
registrare il sold out. Sono quasi dieci anni che
la band è attiva ma solo negli ultimi tempi è riu- GIOSA
scita a crearsi un’identità ben definita che vede
un’ interessante commistione di influenze tipi-
camente british (Coldplay, Muse) e un rock
autoriale di matrice italiana ispirato ad autori
come Tenco e Battisti.
Dopo i successi ottenuti nelle arene estive, i
Negramaro hanno deciso di portare in tour il
loro ultimo successo «La Finestra», in un’am-
bientazione del tutto nuova, quella del teatro.
«Abbiamo fortemente voluto portare il tour
nei teatri per ricreare l’incanto, l’atmosfera
della stanza nella quale nascono le nostre can-
zoni - dice Giuliano Sangiorgi, voce dei
Negramaro - perché noi e chi ci ascolta possia-
mo godere insieme dell’emozione più forte che
scaturisce da ogni pezzo, quando ancora è
nudo e vibra solo grazie al fluire delle sensazio-
ni che scorrono».
«Il concerto acustico è la situazione più vici-
na a questo nostro sentire. Stiamo preparando
un nuovo spettacolo, completamente diverso da
quello estivo, ma anche da qualunque cosa pro-