HISTORIA DEL CINE INTRODUCCION El cine y su definición.

El cine es una forma de evasión, un espectáculo, un negocio, una industria y una forma de expresión artística. Los valores del cine como séptimo arte son el resultado de la fusion de diferentes disciplinas artísticas: literatura, teatro, musica, artes plasticas... El cne es un arte con identidad propia. Es la union en la consecución del objeto artístico entre el hombre y la maquina. Historia del cine como historia del arte. En la epoca clásica las tres fases del proceso cinematografico son la preproducción, el rodaje y la distribución, esto estaba concentrado en las manos de las grandes productoras (metro, paramount,...). La ley antitrush (1948) obligo a la disolución del planteamiento del sistema de estudios. Hoy en dia el sistema de estudios solo se mantiene en lugares como China, Hong Kong o la India. En Occidente ya no se tienen a los artistas en plantilla, lo habitual es trabajar con el sistema de package (contratación de un equipo para peliculas diferentes). El trabajo de la creación/ producción cinematográfica. En la creación cinematográfica existen tres fases: Preproducción o preparación En el cine americano normalmente la preparación de una pelicula es por cuenta de una productora que encarga un guion, su estudio, la elaboración y la realización. En el cine europeo es frecuente que el director sea su propio productor y guionista. En este momento en la fase de preproducción los papeles más importantes son el del productor y el del guionista, puede intervenir tambien el director. Dentro de esta fase de preproducción uno de los elementos sustanciales es el guion sobre el que trabajar para la pelicula. Se puede trabajar: • Se encarga un guion a un guionista. • Un guionista escribe un guion y lo intenta vender a las productoras. A partir de aqui el guion tiene distintas fases: • El punto de partida se llama pitch, que es el eje basico del argumento de la pelicula. Esta idea argumental es la que marca el genero. • El siguiente estudio es la sinopsis, se emplea para vender el producto a la empresa. Puede ser un resumen entre 1−20 folios que contienen las ideas basicas del argumento con algun elemento espectacular para llamar la atención de los compradores. • Una vez realizada la sinopsis se construye el guion literario donde se describe la pelicula con las emociones y sensaciones que se quiere transmitir, no entran aspectos técnicos. Los guiones literarios son lo que se publican para la venta. 1

• El instrumento de trabajo es el guion técnico con las especificaciones del guion literario. En este guion se encuentran las especificaciones técnicas. El desglose de planos es una escena especificada en cuantas tomas se traduce. El desglose de planos es lo que va a estar contenido en el guion técnico. • Storyboard es el dibujo pormenorizado del tipo de plano y el desglose de planos. Prácticamente imprescindible cuando hay efectos especiales. A partir de aqui otro aspecto a resolver es la financiacion, es un aspecto complejo y una tarea de la que se encarga el equipo de producción. Puede haber una o varias formas de financiacion: • A través de una empresa. • Subvenciones publicas. • Fuentes de financiacion: dinero a obtener en taquilla, ventas a las televisiones, precompra o la compra directa, mercado de video−DVD o el merchandising. Una vez obtenida la preparación viene el plan de rodaje, casting, decorados, banda sonora... Producción o rodaje Aqui es fundamental la figura del director ya que planifica el trabajo de los distintos equipos: decorados, reparto, fotografia, sonido, efectos especiales. Esta apoyado por el equipo de dirección: ayudantes de dirección y script (secretariodel rodaje, va haciendo un memorandun de los planos que se ruedan para mantener la coherencia dentro de la narración). Con este equipo se procede a construir una imagen cinematográfica, la creación de esta imagen el plano es la unidad basica (unidad de toma), puede ser de segundos o de varios minutos. Posproducción Varios aspectos: Montaje de la película, edición, distribución, promoción y exhibición de la película. En el montaje interviene un equipo y se realiza con sistema digital, el montador se coordina con el director para el montaje cuya función reside en la coordinación temporal y espacial, lógica o ilógica según la película, pero coherente. Existen varios tipos de montaje: • Montaje lineal, sucesión cronológica de las escenas. • Montaje en paralelo, dos o más planos de la misma secuencia se muestran alternativamente pero corresponden a espacios diferentes, se mantiene la unidad tiempo y acción pero se rompe la unidad espacial. • Montaje alterno, se unen las escenas que rompen las tres unidades: espacio, tiempo y acción y se concatenan acciones diferentes. • Flashback, retroceso al pasado; flashback foward, avance a una acción del futuro. Lenguaje cinematografico. La imagen tiene varios rasgos o valores: Plano: Unidad de una toma, diversos tipos: • Planos generales, tiene el infinito como límite, personajes situados en su entorno, espacio y tiempo. • Plano medio, toma como módulo el objeto o personaje retratado, diferentes variantes de plano medio: (plano americano: de cintura o rodillas a cabeza, permite mantener proximidad con el espectador u objeto retratado pero a la vez vemos el entorno o el desarrollo de la acción, denominado así porque se impuso como moda o recurso cinematográfico en los primeros años del cine estadoudinense, por 2

ejemplo, en películas del oeste). • Primer plano, toma como módulo el rostro o un objeto prescindiendo del entorno. • Plano de detalle, acerca una porción del rostro o del objeto para marcar o resaltar una acción. Toma: sucesión de imágenes en movimiento filmadas con una cámara. Angulación de la cámara: • Normal o neutro, objetivo a la misma altura del rostro o los ojos de los retratados. • Inclinado, cámara oscila a derecha o izquierda en relación con el objeto retratado, apenas se utiliza, sólo para acentuar el dramatismo, la inquietud, la inestabilidad o el dinamismo. • Picado, cámara por encima del objeto retratado para minimizarlo. • Contrapicado, cámara por debajo del objeto para magnificarlo. Enlace de fotogramas: Diversos tipos: • Corte directo o seco, unión de un plano con otro. • Fundido en negro, el plano se va oscureciendo y luego se ilumina para dar paso a una nueva imagen, se utiliza para cambios muy amplios en el tiempo. • Fundidos en blanco, la imagen se desvanece hasta que la pantalla se queda en blanco y luego vuelve a salir un plano. • Fundido encadenado, la imagen se difumina y da lugar a otra imagen de tal manera que las dos se solapan, se utilizan para señalar cambios de espacio o de acciones dramáticas. • Fundido en iris, se cierra el diafragma hasta que la imagen se queda en negro. • Fundido en cortinilla, una imagen empuja a otra imagen, utilizado en los años 60 y 70 (en Stars war). • Barrido, movimientos de cámara que funcionan como enlace, movimiento brusco de la cámara que desdibuja la imagen y pasa a otro plano estático. • Plano inserto, inserto en medio de un plano que es el dominante. La construcción de la imagen está marcada por las diversas posibilidades de movimiento de la cámara: • Panorámica, movimiento de cámara que reproduce el giro de la cabeza para recorrer el espacio en que se desarrolla la cámara (de 180º a 360º). • Travelling, rail sobre el que se coloca un soporte con ruedas para montar la cámara, pueden ser laterales (de izquierda a derecha o viceversa), de aproximación o alejamiento, circulares (giran alrededor del objeto); según las grúas: doris, director sentado con la cámara, o grúas cabezas calientes, cámara manejada a distancia por un operador. • Steadycam o cámara portativa, el operador la amarra a su cuerpo mediante un arnés, hay diversos tipos, y consiguen un movimiento más natural del personaje. La cámara: presenta unas características: objetivos: • Gran angular, distancia focal amplia, del campo visual del ojo, a veces consigue distorsionar las líneas, 25 mm. • Objetivo normal, reproduce el campo visual del ojo humano. • Teleobjetivo, amplía el detalle a la perfección, 100 o 500 mm. • Zoom, para crear travellings ópticos. La luz: La imagen es resultado de la luz, sin ella no se entendería ninguna imagen. Cine es igual a luces y sombras. La luz permite crear la composición global del plano, señala zonas de luz y de sombra, también da forma a los objetos, dos tipos de luz: reflejos y sombras (inherentes: son las que genera el propio objeto, y proyectadas: generan efectos estéticos). La luz también contribuye a generar sensación de especialidad, 3

en la que plantea. finalmente. vestuario). rodadas en nitrato o celulosa (material muy inflamable) y gran parte de lo que se filmó. acetato de seguridad. PREHISTORIA Y GENESIS DEL ESPECTACULO CINEMATOGRAFICO Introducción. así se abarata el rodaje. la fuente. Francia o EEUU). La reproducción de la realidad en el Arte El mito de la reproducción gráfica del movimiento nace en la prehistoria cuando algunos hombres pintaron imágenes de animales como una opción ritual. de frente al personaje. eran películas cortas de diez a treinta minutos. Conocemos que las películas anteriores a 1920. fuente de luz por detrás del retratado. En España destacamos tres aspectos: la creación de la Filmoteca Nacional en 1953. En la edad antigua. En 1930 se pierde el 70% de lo realizado porque se produce el paso del cine mudo al sonoro. precisa una producción muy cara. se introduce algo en el rodaje y luego se añade la otra parte. el color: se utilizan todos los filtros para generar diversas cualidades: azul para nocturnidad Sonido: En el cine hay cuatro elementos básicos de sonido: Palabra. pero da mayor sensación de realismo y abarata el proceso de producción. En la década de los 50 se sustituye el soporte. para reproducir así el movimiento. La luz (intensidad relativa de la luz) presenta cuatro características: la cualidad: puede ser luz muy dura con contrastes de luces y sombras. ya que lo sonoro se considera pasado de moda. resalta rasgos. pero se encarece la postproducción. Sin embargo. la creación de Televisión Española en 1956 y la pérdida del 50% de las obras filmadas. Platón habla de la representación del movimiento en su obra La República. La relación entre unos y otros y las mejoras técnicas influyeron en el desarrollo del cine. Este 4 . vemos que es muy difícil establecer el arranque del cine. tratará de reproducir el movimiento siguiendo el esquema de la prehistoria. subraya a los personajes principales. maquillaje. sobretodo en lo que respecta al cine anterior a1920. Al principio se ponían discos.también genera sensaciones en el espectador (forma. de esta manera. el sonido se añade en la posproducción. esculpe los rasgos de los personajes. Es difícil fijar los pasos por los que se llegó a la cinematografía ya que ésta se daba a la vez en diversos lugares (Alemania. Lumiére). son necesarias dos fuentes de luz como mínimo. I. tiende a eliminar las sombras. que si los prisioneros pudieran ver a través de unas sombras lo que hay tras ellos. para propiciar su caza. TEMA 1. 1895. contraluz. crea efectos dramáticos y distorsiona algunos rasgos. ruidos y silencio. textura. Así pues. luego se pasó al sonido óptico y finalmente al sonido digital. pensarían que ven la realidad. la realidad y el movimiento. La banda sonora puede ser tomada durante el rodaje: sonido directo. lateral. El proceso de creación del cine está marcado por enormes pérdidas documentales. en torno al 80%. y se hay otra destrucción (sobre el 50%). luz cenital: picado y contrapicado. con sonido de referencia. Veinte mil años después. se ha perdido. los prisioneros creen que las sombras son la realidad. Edision. y. la dirección de la luz: marca la composición cinematográfica: diversos tipos: frontal. en el que se debatió sobre la fecha de celebración del centenario del cine (1894. otros movimientos artísticos como el futurismo. rodaje en silencio. y luz matizada o compuesta. En abril de 1990 se celebró el congreso de la FIAF (Federación Internacional de Archivos Fílmicos). La prehistoria del cine. El Arte. en el mito de la caverna. es la suma de una luz frontal y un contraluz. la realidad que les rodeaba era dinámica y decidieron pintar en piedra dos pares de patas más a las del animal. música. luz de contorno. una principal y una secundaria que rellena y compensa las sombras.

El desarrollo de la cultura visual. ópera. donde se ve la rueca en pleno dinamismo. el cómic o la historieta donde se aprecia con enorme densidad cómo se estaban preparando los recursos lingüísticos que utilizará el cine (gestos visuales: angulación. La narración secuenciada en el Arte En algunas obras se narra la realidad secuenciada. otros fenómenos atmosféricos (nieve. escena donde están rodeados por la imagen. y finalmente.es un ejemplo de ignorancia para Sócrates. esta idea se ha entendido como una primera reproducción del cine. existía una preocupación por reproducir la realidad. en la Edad Media. a finales del gótico. en el siglo XIX. la imagen). Pero. formados por enormes cuadros transparentes superpuestos que mediante juegos de luz producen efectos de variación de la 5 . los espectáculos fundamentados en la imagen: teatro. A través del cómic se educa la visión de los que serían espectadores posteriores de cine y así se van preparando para entender como lógico el cine (Idea: a través del cómic y otros medios. es un movimiento que intenta imitar las formas de la realidad. aspecto que queda muy bien ejemplificado en los bustos funerarios. En algunas obras se capta lo efímero. humo). En el siglo XVIII se pasa de la cultura de la imagen única a la cultura del Renacimiento donde la imprenta permite la copia y multiplicación de la imagen. en algunas pinturas nos narran la realidad en diversas escenas. La imagen capta un instante de la realidad. La construcción del movimiento en el Arte En el arte se capta el movimiento. y los dioramas. La captación de lo efímero en el arte. carteles). Otros medios son: las revistas ilustradas. ya que cine y realidad están unidos. Pongamos algunos ejemplos: En la época romana. de tal manera. por ejemplo. también artistas como Giotto o El Greco. el cartel. lluvia. las sensaciones atmosféricas como. El movimiento futurista también se preocupa por estas ideas de movimiento. el omnimax. niebla. e incluso lo efímero de la luz a lo largo del día. La cultura visual presenta un especial desarrollo a partir de los siglos XVIII y XIX. Desde las representaciones de Altamira hasta nuestros días se observa que dentro del arte que hay un interés por imitar la realidad en movimiento. El faraón Ramsés se hizo representar a sí mismo montando a caballo en diversas fases del galope del caballo. Vemos algunos ejemplos: En los frisos griegos y en las columnas romanas se explica detalladamente una historia de la realidad. que se podía percibir el relieve en movimiento a una cierta velocidad. La idea de captar el movimiento ha sido constante en la historia del arte. en los siglos XVIII y XIX este aspecto lo encontramos en obras de carácter popular (folletines. se va preparando a la gente para que luego vean y acepten el cine). En el siglo XIX se da un paso más allá debido a la aparición de la fotografía. por ejemplo en Las Hilanderas de Velázquez. sobretodo en el desplazamiento de una comprensión del mundo centrada en lo sagrado hasta una comprensión popular. artistas como Van Eyck intentan volver a reproducir la realidad. por ejemplo. que recogen eventos de la vida cotidiana y noticias y sirven para construir visualmente las ideas de las narraciones sobre los acontecimientos. en obras como El matrimonio Arnolfini. obras de magia o panoramas (grandes lienzos circulares que rodeaban al público). Tienen lugar cambios en la forma de ver el mundo. el Realismo. Éstas se difunden con los medios de difusión de masas a partir del siglo XIX como la fotografía. la transición de la tormenta a la calma.

1− La animación de la imagen (movimiento). el cine nació basándose en un defecto o característica de la visión. salvo series para producir efectos de retardo que está en 24 fotogramas por segundo. por lo tanto es un defecto de la transmisión nerviosa de la visión. Consiste en un disco con un dibujo en una cara y otro dibujo en la otra cara y dos hilos a ambos lados que se giran muy deprisa y. Por lo tanto. percibimos esas imágenes como una unidad. fotografía y cine de visionado individual. dibujos pintados y secuenciados de una historia. Para entender el movimiento hay que hablar de los principios científicos sobre la visión que se establecen en el siglo XIX. Se proyecta sobre una pequeña superficie y luego sobre una gran pantalla en un teatro. La continuidad del visionado de una película existe en nuestro cerebro pero no es real. La persistencia retiniana: Inventada en 1924 por el médico Rogert presentó una tesis en la que decía que la reproducción de la imagen en movimiento se basa en una propiedad o defecto del ojo. en televisión está en 25. En 1892 en el museo de cera de París se representan las pantomimas luminosas de películas de diez a quince 6 . El fenaskistiscopio: Término tomado del griego. debido a la resistencia retiniana. en el cine sonoro. se percibe como una unidad. de seis a ocho. Formado por un disco con hendiduras y un dibujo con movimiento secuenciado que se hace girar delante de un espejo y mirando a través de las hendiduras. sino una sucesión de imágenes. nacieron aparatos que van a desarrollarse en el siglo XIX. así se crea el techo óptico que permite la proyección de imágenes en movimiento. pero no son nunca unidad. La velocidad estándar de rodaje del cine mudo está en 16 fotogramas por segundo. nos hacen ver el pájaro dentro de la jaula. • Proyección en pantalla de la imagen • Fotografía • Reproducción del sonido La única de estas cuatro técnicas imprescindibles para que haya cine es el movimiento. Rogert parte de un principio falso porque la imagen no queda en la retina. ya que puede haber sonido. A partir del paso de una serie de imágenes durante unas fracciones de segundo. el relato fotográfico. por segundo. un pájaro y una jaula. La invención del cine. Aparato inventado por Plateau. Esto se conoce como fenómeno Phi. El fenómeno Phi: En realidad.imagen. A partir de la teoría de Rogert. Vemos una sucesión de imágenes diferentes que entendemos como unidad. Pongamos algunos ejemplos: El taumátropo: Inventado en París en 1825. Por ejemplo. El cine se basa en un defecto psicoperfectivo. esa imagen permanece en la retina aunque ya haya desaparecido. El zootropo: Se trata del fenaskistiscopio evolucionado. sino en el cerebro. 24 fotogramas por segundo. Esto permite que si ponemos delante del ojo varias imágenes. Para que haya cine tiene que haber cuatro técnicas básicas: • Animación de la imagen. se percibía el movimiento completo. II.

ya existentes en torno al año 500 a. En 1892. Marey se basa en el revólver fotográfico para crear el fusil fotográfico. Y. conocida como daguerrotipo. los encontramos en la proyección de sombras. fijó la imagen sobre una plancha de cobre con una sustancia reaccionaria a la luz. tratando de perfeccionar la litografía. Posteriormente se va desarrollando y perfeccionando la fotografía y se utiliza el nitrato de celulosa. se inventa el cronofotógrafo. En 1840. Y finalmente. Así nace el cine de animación. en 1878. Los precedentes de la cámara oscura a la cámara lúcida ya aparecen en época de Aristóteles. fija la imagen en menor tiempo de exposición (dos minutos frente a los treinta). Años después idea el procedimiento negativo−positivo que consiste en crear un cristal un negativo que luego permite reproducir la imagen varias veces. William Henry Fox Talbot desarrolla el calotipo. durante el último tercio del siglo XIX. de tal manera que el espectador debía reconstruir mentalmente el pasaje 7 . En 1839. finalmente. el cual funcionaba como el mecanismo del revólver. desarrollada ésta en la segunda mitad del siglo XIX. Leonardo describió cuidadosamente el principio físico que afirma que la luz que entra en un espacio oscuro se filtra por un orificio y la imagen se proyecta invertida en una habitación o cámara. Por lo tanto. En 1827 Joseph Nicéphore Niepce. Daguerre estableció los primeros medios mecánicos y químicos para crear la fotografía. para intentar captar varias imágenes del paso de Venus por delante de la Tierra. consiguió captar una imagen permanente sobre una plancha de estaño con betún de Judea y la expuso a la luz durante varias horas. Los precedentes de la proyección de la imagen. ya que se le encarga descomponer el movimiento del galope de un caballo y comprobar que en un determinado momento no apoya ninguna pata. se desarrolla y extiende. Ettienne−Jules Marey trabaja el análisis fotográfico del movimiento con una sola cámara. así estudia el movimiento del vuelo de las aves. Los primeros experimentos de fotografía en movimiento tienen lugar en 1874 con el revólver fotográfico de Halsen. es decir. aparato donde se coloca una película que permite el visionado de imágenes (cien por segundo) y luego las reproduce. que obtiene series de doce fotografías. Todos estos experimentos dejan abierto el camino para la fotografía en movimiento. en la isla de Java y popularizadas en Alemania y Francia durante los siglos XVIII y XIX como espectáculo alternativo. Daguerre vende la patente y así populariza su invento. Daguerre perfecciona difunde la fotografía.minutos de dibujos animados. Asociado a Niepce. Los principios de la fotografía se concentran cuando aparece la cámara oscura.C. La linterna mágica fue creada en 1641 por un jesuita como complemento a los ejercicios espirituales. también están presentes en el mundo árabe y en Leonardo. Entre los años 1872 y 1878. 3− La proyección de la imagen. 2− La fotografía. Este personaje realiza un complejo sistema de cámaras dispuestas a lo largo de la pista que van a realizar una sucesión de imágenes y así consigue descomponer y analizar el movimiento y comprueba que el caballo no llega a apoyar ninguna pata. Se proyectaban imágenes fijas a la pared. Eadweard Muybridge consigue el análisis fotográfico del movimiento de una forma hazañosa. podemos decir que la fotografía está plenamente desarrollada. Durante siglos los artistas utilizaron la cámara oscura como ayuda para sus bocetos y los científicos se esforzaron en intentar fijar esa imagen por procedimientos químicos.

Edison). Sin embargo. Fue preciso llegar a finales del siglo XIX para que llegara el cine. y para ello eligen un sótano en el gran café del boulevard de los capuchinos. proyectar y revelar la película. Finalmente. ya que fue entonces cuando confluyeron todas y el público estaba preparado para el cine y mostraba interés por él. este repertorio fue acogido con un extraordinario éxito por parte del público. en las que incluía proyecciones de linternas mágicas sobre fondos de humo que generaban volúmenes y efectos fantasmagóricos en los espectadores (cabe destacar que impactaban mucho. La primera película que rodaron fue Salida de los obreros de la fábrica Lyon Mont−Plaisir que era un anuncio de autopromoción porque la rodaron para una conferencia privada. A las dos semanas de la explotación. todo ello antes de los hermanos Lumière. A la exhibición acudieron 35 personas. 2) la difusión de dicho aparato y la distribución de operadores por el mundo y 3) la apertura del camino para que otros realizaran nuevas aportaciones y convirtieran el cine en espectáculo. La aportación de los Lumière reside en: 1) la creación de un aparato sencillo y polivalente. En 1798 Roberson perfecciona las linternas con un espectáculo que denominó las fantasmagorías. EUROPA HASTA LA GRAN GUERRA I. que era capaz de filmar. la invención de la técnica de la proyección de imágenes mediante focos de luz sobre una pantalla. basándose en los descubrimientos de los anteriores (Kodak. que tendría lugar en la semana de Navidad (28 de diciembre de 1895). Se busca la imitación más fiel sobre la realidad y los Lumière 8 . Se cree que los sacerdotes griegos poseían linternas mágicas que pudieron basar a Platón para la creación del mito de la caverna. puesto que acababa de suceder la Revolución Francesa y Roberson proyectaba las cabezas de algunos personajes de este episodio). Niepce. En estas fechas. entre ellas George Méliès. el éxito fue tan grande que se recaudaban 2500 francos diarios. TEMA 2. Como el ensayo fue satisfactorio deciden hacer una exhibición. temas banales. podemos afirmar que el cine comienza cuando el hombre es capaz de reproducir y reconstruir el movimiento. salvo el sonido. por lo tanto se convirtió en una estrategia comercial y así es como la primera proyección se convirtió en una narración mítica restando protagonismo a la verdad histórica que disimulaba a los Lumière como inventor del cine. LOS PIONEROS DEL CINE FRANCES Los hermanos Lumière Los hermanos Lumière no inventaron el cine porque la cinematografía supone: la invención de la técnica de la fotografía. También Leonardo proyectaba imágenes transparentes sobre una superficie gracias a una luz posterior. y estaba formada por diez cortos en los que encontramos imágenes vulgares. Son imágenes de la temática que estaba en el imaginario visual de finales del siglo XIX. El cine gustó por las ilusiones ópticas y el auge de los espectáculos públicos. Las principales aportaciones reales de los Lumière son: • Culminación de la tendencia realista del cine a lo largo del siglo XIX: El cine sirve para representar el mundo por la que tan preocupada estaba la cultura de finales del siglo (hay que recordar que es la época del realismo y se busca representar la realidad). propios del repertorio de la fotografía de la época y del repertorio de las revistas ilustradas. el desarrollo del análisis del movimiento de la fotografía y la síntesis del movimiento. lo cual nos explica que ellos no inventaran el cine.bíblico que estaba contemplando. y también había sido creada por Kodak la técnica de la película flexible de celuloide para cargar las fotografías. y todos estos aspectos ya habían sido inventados. ya estaba todo preparado para el inicio del cine.

también claman contra películas de dudosa moralidad (eróticas) y la gente deja de ir al cine en las grandes ciudades. • La difusión del cinematógrafo: Los Lumière mandaron operadores de cámara por todo el mundo para rodar películas. Se alzan voces clamando contra las exhibiciones por el alto riesgo de incendio en las salas. El herrero. su política también es inteligente. porque no creían en el porvenir del cine. También impulsan el desarrollo de los noticiarios. • Incendio del bazar de la ciudad. abren salas por todo el mundo y mandan operadores a todos los lugares para nutrir su catálogo. En 1898 los Lumière abandonan la producción de películas para centrarse en la venta de sus exposiciones de las películas ya filmadas. Destrucción de las malas hierbas.. por un lado proyectan en las salas de la ciudad que habían filmado y. Algunas de sus obras: Salida de los obreros de la fábrica Lyon Mont−Plaisir. El regador regado. Innovan en las imágenes y descubren una nueva manera de ver la realidad desde la perspectiva del movimiento. George Méliès 9 . Riña de niños. La primera crisis del espectáculo cinematográfico La crisis se produce en torno al cambio de siglo. relegándose éste a las barracas de feria itinerantes que acudían a lugares donde no se conocía el cine y así se garantizaba el éxito. sobretodo el efecto evanescente de la luz (por ejemplo. Realizan películas de temática social como Salida de los obreros de la fábrica Lyon Mont−Plaisir con el pretexto de que los protagonistas (los obreros que han sido grabados) vayan a verse al cine. algo novedoso porque recopilan las noticias y las proyectan en sus pantallas incluso en el mismo día. También contribuyen al crecimiento del montaje para prolongar la duración de las películas. Los fosos de las Tullerías.. La demolición de un muro. como reclamo dicen que han rodado en la torre Eiffel y así la gente va al cine para ver si sale en la película). El regimiento. Una de las fuentes de luz de un pequeño cine instalado en el bazar provoca un incendio que calcina a más de veinte espectadores. habilidades para captar la fugacidad o lo efímero. Partida de naipes. y también la riqueza de encuadres. En torno a 1897 se producen dos acontecimientos muy significativos: • En EEUU estalla la guerra de las patentes. película novedosa en la que los espectadores se identifican con el punto de vista de la cámara como si estuvieran en el andén esperando el tren. El almuerzo del bebé. • Una nueva forma de ver la realidad: Muchos de sus títulos aportan los vectores de desarrollo que marcan el crecimiento del lenguaje cinematográfico. En esta película se trabaja el eje perpendicular de la pantalla con mucha profundidad de campo. en El almuerzo del bebé). nutrir su catálogo y obtener éxito. Los Lumière también hacían disfrutar de cualidades que se perderán años después. El mar. por otro lado fingen haber filmado en un lugar para que la gente fuera a verse al cine (engañan a la gente. Las otras facetas de negocio y espectadores serían cubiertas por otros personajes del mundo del cine que tuvieron más fe. George Méliès y la casa Pathé. del operador Promio. Una vez pasada la novedad. el público se empezó a quejar de las repeticiones fotográficas. También realizan películas de carácter histórico.contribuyen a esa imitación con su obra. como el travelling. Edison considera que la patente del cine era suya y todo aquel que hiciera actividad cinematográfica violaba su patente y mandaba a matones a quemar los negocios de los demás. También introducen algunos de los primeros movimientos de cámara. • Inicio de las líneas de desarrollo posterior del cine: Adoptan una cuidada política de promoción. La película de mayor éxito de los Lumière fue La llegada de un tren a la estación de la Ciolat. Llegada de un tren a la estación de la Ciotat.

tampoco utiliza el montaje para unir una secuencia con otra. construcción de tramoya y escenografía para el rodaje. holgada posición económica. Tercera etapa: El fracaso del planteamiento industrial (1906 − 1912). como innovador ya que era muy creativo en la magia. pero enseguida no se conformó con proyectarlas y volvió a Londres para comprar película virgen y así realizar sus propias composiciones (usa aparatos y película Kodak. el travelling de acercamiento. Todos estos recursos aparecen en la película de 1902. sobre todo. En su obra encontramos varias etapas: Primera etapa: Los inicios (1896 − 1897): Transcurre desde que compra el aparato. empleo de luz artificial Pero también presenta lastres. Fallece en condiciones miserables en 1938.Nace en 1861. Estos fueron aprendidos por Méliès en el teatro y traslada a la construcción cinematográfica: guión dividido en escenas o cuadros. la inmovilización de la cámara con una perspectiva fugada. pero se ve absorbido y trabajará para la Pathé y sus obras estarán destinadas al público infantil. Viaje a la luna. la película obtuvo mucho éxito. también es un lastre porque concede a la cámara la misma posición que un espectador sentado en una butaca de teatro. las disolvencias. Aportaciones son los trucajes que proceden del ilusionismo. En 1888 compró el teatro Judini para alcanzar enorme fama como mago. Obras: El regador regado. Hacia 1912. un periodista lo descubre en un quiosco para niños y le homenajea por su gran labor. Experimenta con los primeros trucos de magia como el escamoteado (sustitución de una persona u objeto por otra). también procedentes del teatro.000 leguas bajo 10 . Segunda etapa: El éxito (1897 − 1906). pero el cine de Méliès se ve obsoleto y acaba desapareciendo del panorama francés. Méliès no sabe avanzar con el paso de tiempo porque mantiene la misma forma de hacer cine que en los años anteriores y su situación económica se va agravando. posteriormente. organizada en 30 cuadros que mostraban al espectador las posibilidades que tenía una correcta puesta en escena. La principal aportación de Méliès es que impulsa al cine como narración y como espectáculo. el coloreado manual de la fotografía todo ello es un descubrimiento clave para la historia del cine porque proporciona nuevos recursos cinematográficos. Obras de la tercera etapa son: 200. fue muy imitada. también se desconfía de la compresión del cine como fórmula narrativa. Por culpa del éxito. La llegada del tren y Salida de una fábrica. unos estudios de rodaje con paredes y techos de vidrio para utilizar la luz natural. Méliès se vio obligado a abrir una oficina en Nueva Cork para controlar su película y evitar el pirateo. contratación de actores profesionales. pertenece a una familia de fabricantes industriales pero su verdadera vocación era el ilusionismo y la magia. y también provoca solapamiento temporal. el uso de mascarillas y maquetas. Su obra es contradictoria ya que ofrece aportaciones y lastres. para proyectar películas. George Méliès se caracteriza por aplicar sus hábitos y composiciones teatrales a la creación cinematográfica y. ambos ingleses). Como los hermanos Lumière no le vendieron los aparatos cinematográficos. otros autores triunfan. Méliès se dedica al rodaje y producción de ficción fantástica que conecta con su origen como ilusionista. En 1897 decide que en su teatro sólo se proyecten películas y para esta actividad decide construir los primeros estudios franceses a las afueras de París. uso del vestuario y maquillaje. una película de 15 minutos de duración. George Méliès compite contra la casa Pathé. fenómeno que consigue casualmente cuando estaba rodando y la manivela de su aparato se atascó y al revelar y proyectar la película se dio cuenta de que el coche que había parado en ese momento se convirtió en una carreta fúnebre (esto dio lugar a uno de los trucajes más populares del cine. por ejemplo. realiza sus primeros trabajos con escasa originalidad porque copia los mismos argumentos exitosos de los catálogos de los hermanos Lumière. los cuales son el punto de partida de los trucajes posteriores. al igual que esto es una innovación que hace crecer el cine. Méliès marchó a Inglaterra para comprar un aparato similar que había sido creado por Robert William Paul. otros efectos eran la toma de vistas a través de un acuario para fingir un fondo marino. Durante la I Guerra Mundial no se conoce su paradero y. hubo copias piratas e imitaciones. la mímica exagerada de los personajes. como si fuera la visión de un espectador desde una butaca.

que había sido actor. es decir.el mar (1907). Se creó en 1907 cuando el cine experimentó una de sus mayores crisis debida al agotamiento de las barracas de feria y a la creación de los cortos (muy primitivos y aburridos) que saturaban a los espectadores. es decir. Se afianzan las dos compañías más importantes de Francia. Zecca se da cuenta de que sus películas tenían que dirigirse al público popular. En este contexto es donde nace la sociedad Film d'Art. Unido al desarrollo horizontal (desarrollo mundial). para empujar el desarrollo de la creación cinematográfica. De la fantasía de Méliès. y sobretodo por el cambio producido en torno a 1907 en el que se pasa de la venta al alquiler de las películas a las compañías. Lumière y Méliès. II. El Film d'Art es uno de los primeros movimientos históricos del cine. Las alucinaciones del barón de Munchausen (1912) y La conquista del polo (1912). Con esta estructura se dibujó el sistema de estudios que se trasladaría a otros lugares como Estados Unidos. También se transforman los géneros. nacerán formas de expresión cinematográficas que superarán a ambos. copia todo lo que había triunfado anteriormente y todo aquello que atraía a las masas: comedia galante. El Film d'Art. La casa Pathé experimentó un gran desarrollo entre 1903 y 1909 y llegó a convertirse en la empresa más poderosa de la industria cinematográfica. que van desde la vida de Cristo a la reproducción de folletines más escabrosos. por lo tanto. director de películas y director de producción. se crearon estudios de rodaje que abastecieron a las barracas de feria y a los cines estables de todo el mundo. El avance definitivo del cine se produce con la creación de industrias cinematográficas como la Pathé y la Gaumont. asimila novedades propuestas por otros cineastas y además dejó de lado la idea de hombre orquesta con la que había trabajado Méliès y dividió el trabajo de la producción cinematográfica para permitir la clave de desarrollo de la casa Pathé (producción en masa de películas). pero a diferencia de Méliès. y se abrieron sucursales en diversos países como la India. Méliès es fruto del realismo de los Lumière. fundada por los hermanos Lafitte. Se pensó que era necesario elevar el nivel recurriendo a la tradición literaria y teatral y así se podría arrastrar a un público con un mayor poder adquisitivo y un mayor perfil cultural. Los hermanos Pathé se dan cuenta de que la burguesía no iba a las salas por el peligro de incendio tras el del cine del bazar y porque el cine ya resultaba aburrido y repetitivo. la Gaumont y la Pathé. que marcan la tónica de esta nueva tendencia y van a proceder de una manera que va a 11 . y también desarrolla otros géneros como las actualidades reconstruidas. dramático. ESPLENDOR Y DECADENCIA DEL PRIMER CINE FRANCES (1907 − 1918) La industria del cine francés. y así la industria del cine perfiló tres ramas claras: la producción. la casa Pathé también alcanzó un desarrollo vertical. posteriormente de kinestoscopios y finalmente de películas. para todos los públicos. conocía perfectamente el mundo del espectáculo. aunque también hay otras compañías como la Eclair y así se perfila el sistema de estudios que se desarrollarán en Estados Unidos. La casa Gaumont tiene a Louis Feuillade como director de películas y en ella participa la banca suiza. las barracas de feria dan lugar a locales estables y la proyección es muy variada y se empiezan a diferenciar los géneros y con diferentes opciones de entretenimiento. La casa Pathé surge a manos de los hermanos Pathé que tenían una carreta de feria en la que ofrecían sesiones de fonógrafo. pasó a controlar todas las fases de la película desde su creación a su finalización. Al frente de los estudios estuvo Ferdinand Zecca. que consistía en la reconstrucción de hechos históricos o escabrosos. la distribución y la exhibición. A partir de 1907 decae lo fantástico y gana protagonismo lo cómico y las historias de carácter sentimental. así pues. A George Méliès se le atribuye haber creado una nueva forma de espectáculo popular. películas religiosas. no se abandona el género fantástico y copia los éxitos de Méliès.

En 1912. Dentro del Film d'Art tuvo éxito una película rodada en 1908. El asesinato del duque de Guisa de Le Bargy la cual ofrecía un psicologismo que no había estado presente en las pantallas y entusiasmó a los directores. La escuela de Brighton es la encargada de perfeccionar el rodaje en exteriores (rodaje iniciado por Robert William Paul). pero demostraron que esa tendencia cultural y elitista del cine podía tener éxito. Allí fragua la aparición de una escuela de cineastas (escuela de Brighton) en la que destacan los cineastas Albert Smith y James Williamson. la Gran Guerra y su incidencia en el mundo francés detienen el progreso de las pequeñas productoras que terminarán arruinándose. por ejemplo. La escuela de Brighton. a actores importantes y a otros profesionales como escenógrafos o músicos. una cámara tomavistas propia con la que abastece a los diversos pabellones y galerías de espectáculos de Gran Bretaña. • El Film d'Art realiza un cine más elaborado. pero pronto se sienten tentados por los temas fantásticos y realiza un precedente de Viaje polar. que escribió el guión en unos versos alejandrinos. No obstante. Los antecedentes del cine británico están en Robert William Paul. lo que consiguió amortiguar la crisis cinematográfica del cambio de siglo entre 1897 y1901. El Film d'Art también demuestra como trabajar con artistas famosos era una fórmula de éxito. y así nace la producción de carácter industrial. con esta fórmula se abandona el anonimato del cine primitivo y se da un paso hacia el stars sistem. Otras películas son: El regreso de Ulises. La fórmula del Film d'Art cuajó y dio lugar a dos tendencias que marcaron el cine posterior: • El asentamiento del largometraje: Se pasó de los cortos a películas de mayor duración (15 − 30 minutos). por lo tanto era un espectáculo apto para la aristocracia. Smith construye con recursos como la sobreimpresión y la utilización de manera parecida a Méliès. Paul fue hábil y proyecta a las pocas horas de tener lugar una carrera de caballos a la que acudió el príncipe de Gales. en la playa de Brighton donde había una importante escuela de fotógrafos puesto que era lugar de veraneo y tenían garantizada la clientela de familias burguesas que se interesaban por los retratos y por las postales. Albert Capellani rodó en nueve partes Los Miserables de Víctor Hugo. para crear efectos de fantasía. con películas más cuidadas que eran exageradamente teatrales. Finalmente. Se especializa en la construcción de aparatos cinematográficos. cuya duración era de cinco horas. Gracias al Film d'Art y al Colosalismo italiano se ganó la batalla del paso del corto al largometraje (de uno a cinco rollos). del escritor del Tirano de Bergerac. Albert SMITH impresionó sus primeras escenas naturales en abril de 1897 y lo hizo para ilustrar unas conferencias sobre fotografía. Smith abandona el cine libre y pasa al cine de estudio y utiliza el trucaje fotográfico en el cine. LOS PRIMEROS MOMENTOS DEL CINE BRITÁNICO Antecedentes y origen del cine británico. III. En 1897 funda la empresa Paul's Animatograph Ltd.marcar esta tendencia: contratan a escritores prestigiosos para la elaboración de los guiones. En 1898. de Méliès. En Inglaterra había una red de barracas de feria y music hall muy sólida. También experimentó con el montaje. Dicha empresa se especializa en el rodaje de escenas naturales como paseos por la ciudad de Londres. Dentro de la escuela de fotografía el maestro fue Grimin que enseñó a los fotógrafos la construcción de equipos de fotografía. Robert William Paul construye en 1894 una imitación del kinetoscopio. en 1960 se dio cuenta 12 . En 1900 consigue una innovación ya que rueda un corto desde un automóvil a toda velocidad.

En la película A big swallow de 1901. se acerca a la cámara y va abriendo la boca. uso del montaje. IV. se trata de una película de cinco minutos. el cine británico entró en un bloqueo y fue subordinado por el cine estadounidense. los trabajos británicos tardaron en ser conocidos y se impuso la fórmula más teatral francesa de Patté y Méliès. En 1899 filma una regata utilizando un montaje rudimentario porque en realidad rodó diferentes momentos de la regata. muy larga. Tras la escuela de Brighton. mucho más claro gracias a la ubicación de la cámara que es capaz de ubicarse en diversos lugares. en esta película utiliza trucos ya que amplía el primer plano para reproducir la imagen vista por una lupa. donde amplifica el voyerismo mediante vistas de un telescopio (introduce dos planos diferentes) y así introduce el principio del montaje en paralelo. para al final reproducir el mismo efecto de montaje. de 1900. termina de valorar las posibilidades del primer plano y altera los planos generales con tomas del ojo de la abuela mirando a través de la lupa y las tomas de los objetos que se van ampliando por la lupa. para que así se viese mejor el matiz. En 1900 en ataque a una misión china perfecciona los recursos. en su película As seen through a Telescope. Una de las escenas muestra a los atacantes atacando y cómo llegan los salvadores a rescatar a los miembros de la misión.de que los planos generales no daban buenos matices y utiliza planos insertos más cortos. muchos de los elementos son importados por 13 . Este montaje de la secuencia se aleja de los balbuceos prematuros de Méliès. por ejemplo. Smith nos interesa por su trabajo en el montaje en paralelo. que está señalando el camino hacia el montaje en paralelo. consciente y voluntario. con cuatro secuencias y utiliza un lenguaje de plano − contraplano. en la película Stop a Thief! Williamson plantea el principio de la persecución. pero bastante claro. Las principales aportaciones del cine británico son: • Tendencia natural a rodar en exteriores • Gusto por el estilo más realista que no rehuye de la temática social. EL COLOSALISMO ITALIANO El cine italiano se caracterizó por su súbita ascensión. En su película Grandma's reading glass. Los principios del éxito italiano tienen que ver con la comedia. de tal manera que nos da la sensación de que al final se come la cámara. • Rudimentario montaje Sin embargo. La importancia de Albert Smith está ligada a: • Temprano uso del color • Temprano uso del primer plano • Tosco y rudimentario. pero menos teatralizante que en el cine francés • Movilidad y ubicación de la cámara (se ubica en diversos lugares). En 1901. por el rotundo éxito entre los años 1908 y 1915 y su fulminante decadencia. el hecho de que montara mentalmente un rodaje rudimentario. es algo muy importante porque la cámara es un espectador inquieto que recorre la realidad de manera fragmentaria y da lugar al travelling al montarse en una barca y recorrer a los espectadores. avanza en las posibilidades del primer plano el cual se da con la excusa de un trucaje en el que un caballero le molesta que le hagan una foto. James WILLIAMSON es otro de los miembros de la escuela de Brighton.

con Chomón se introduce en travelling en interiores. los Alpes) además contó con el español Segundo de Chomón como director de fotografía y como autor de trucajes de la película. que se caracteriza por: • Tradición literaria: En el cine sueco encontramos gran potencial poético. • Peso del paisaje: La utilización del paisaje como puesta en escena. (guionista. Los gobiernos no se dan cuenta del valor del cine como medio de propaganda y como medio para subir la moral de sus pueblos. Cabiria tuvo mala suerte puesto que fue estrenada pocos días antes del comienzo de la Gran Guerra. rodada en diez rollos de película. creando un carrito sobre el que se soportaba la cámara y así se conseguía describir el espacio en el que se desarrollaba la acción. La fórmula propuesta para la puesta en escena influyó posteriormente en los grandes cineastas de los años diez y veinte. se da paso al concepto de superproducciones ambientadas en época clásica porque Italia dispone de decorados naturales. pero con mala salida en la zona anglosajona. a excepción de la industria escandinava que estaba en zona neutral. El primer gran éxito del cine italiano fue Los últimos días de Pompeya (Ernesto Pasquali. su rodaje supuso más de seis meses. en la que se utilizaron reiteradamente los decorados tridimensionales que imitaban el acabado del mármol y eran reforzados por la aparición de extras. la hegemonía de Hollywood se impuso sobre Italia y el resto de Europa. la puesta en escena La decadencia del cine italiano es tan fulminante como su ascenso. 1912). con más de mil extras. también se introduce el travelling lateral y el uso de la luz eléctrica con fines expresivos. tenía enorme familiaridad con la cultura antigua y contaba con figurantes muy económicos. es decir. EL CINE NORDICO La I Guerra Mundial deja bajo mínimos a las industrias cinematográficas europeas durante cinco años aproximadamente. el uso de maquetas y de efectos especiales como sobreimpresiones para reproducir el sueño de la hija del monarca. En 1914 se rueda Cabiria. treinta leones y se consigue la fórmula de gran espectáculo trasladado al cine. Otra de las obras que tuvo mucho éxito fue Quo Vadis? (1912) en la que se utilizaron cinco mil extras. con famosas divas que pedían mucho más dinero y además era un vedetismo con éxito en Italia. 14 . El cine sueco En Suecia se habían logrado notables resultados gracias a la productora Svenka. Sicilia. Aprenden que la naturaleza puede servir para apoyar el desarrollo de la acción.el cine francés. Los suecos saben entender el paisaje con acción gracias al cine estadounidense. lo cual lleva al cierre de los estudios. entienden las posibilidades psicológicas del paisaje como forma de exteriorizar los dramas internos de los personajes. A partir de 1914 se va dando paso a los melodramas. la tradición literaria es un lastre para el cine. Después de 1915 solo las películas relacionadas con el cristianismo conservaron cierto dinamismo en el aire italiano. D'Annunzio. Tras la I Guerra Mundial. sobre todo en la película Dodskyssen de Sjostrom (1916). y consiguió disfrutar de una breve edad de oro. por lo que no alcanzó ni fama ni éxito. uso de luz eléctrica con efectos expresivos (llamada iluminación a lo Rembrandt). fundada en 1909. Sin embargo. durante los veinte años siguientes nadie superó los efectos especiales utilizados en la película. pero tras el éxito de la comedia. V. director Pastrone) una película concebida como superproducción. con abundante trabajo en exteriores (Túnez. Al cine italiano se debe la paternidad de la superproducción. sin embargo en el cine sueco se convierte en virtud porque les lleva a experimentar para indagar en nuevas técnicas narrativas. En muchos casos. El cine italiano se especializa en el cine de episodios históricos de inspiración bíblica y de la antigüedad greco−romana. que adoptaron muchos de los recursos utilizados en Cabiria: travelling lateral.

fundada por Olsen en 1906 y caracterizada por: • Gusto por el naturalismo: Es un realismo casi descarnado y extremo. En Dödskyssen (1916) experimenta un crimen desde diferentes puntos de vista mediante el uso del flash back.• Excelente puesta en escena: Se emplean decorados interiores como elementos poéticos par explicar los rasgos psicológicos de los personajes. En Los proscritos (1917) presenta una continuidad entre los decorados y un paisaje tratado como un personaje. Greta Garbo y las hermanas Hanson) cruzarán el océano y correrán diversa suerte en los Estados Unidos. En el cine danés nos encontramos con un mundo de prestigio. fabuloso. Stiller. para realizar la perspectiva y para dar relieve a la construcción de la puesta en escena. • Refinamiento plástico: Se investiga sobre problemas visuales y técnicos. A esto añade la yuxtaposición de elementos en la escena a los que les da un valor asociativo. Autor mucho más refinado y sensible. En La carreta fantasma (1920) utiliza sobreimpresiones para construir la imagen de la carreta conducida por la muerte. En sus primeras obras. Todos estos rasgos se culminan en la obra Gosta Berlina de 1924. apoyado por el empleo de la luz. El cine danés Dinamarca fue otro país neutral en la I Guerra Mundial. El cine danés ve su desarrollo gracias a la productora Nordisk. Se hacen famosos los besos daneses que serán los besos de tornillo americanos. de actores y directores que pasaron al cine. Mauritz STILLER (1883 − 1928). con mucha potencia visual. rueda con tomas más largas donde va demostrando que éstas refuerzan la relación entre el personaje y el entorno. en esta obra consigue descubrir el lado más oscuro del alma mediante una fusión simbólica entre los estados de ánimo del personaje y el paisaje. donde conoce a la que sería su amante (Greta Garbo). 2) preocupación por el trabajo con imágenes con profunda carga poética y. que busca a alguien fallecido en pecado el día de san Silvestre para que le sustituyese en su recorrido y explica el suceso desde varios flash back. sobretodo. que será lo que practicarán posteriormente los soviéticos. pero pronto la vida germánica reacciona y el cine nórdico pierde potencia en los años veinte. Víctor SJÖSTRÖM (1879 − 1960). sofisticado y elegante que daría lugar a las comedias de Hollywood en los años treinta. • Creación de la mujer fatal: Mujer que conduce a los hombres a su perdición. Cuando el cine danés decae queda en el panorama el cineasta Dreyer que refleja las inquietudes místicas en el contexto cultural de los países 15 . con paisajes helados que intenta evitar la tendencia a la teatralización. El cine primitivo danés es un cine de extraordinario refinamiento plástico. El cine danés crea un mundo frívolo creado por amores apasionados y famosos por el carácter escabroso. • Uso simbólico de la luz. Conforme se afianza su técnica. tenía enorme sentido plástico que le permite construir dramas muy sobrios. Arquetipo que aparecerá en la literatura romántica. Dinamarca presenta gran tradición teatral. Se especializa en los estudios acerca de los estados de ánimo y las emociones. 3) preocupación por un trabajo fotográfico donde se mantiene la profundidad de campo como constante. por ejemplo. Ingeborg holm (1913) nos encontramos con las características de su estilo: 1) interés por una narrativa en forma de mosaico formada por muchas piezas. En El tesoro de Ame (1918) presenta una obra muy sobria y equilibrada. Todos estos personajes suecos (Sjostrom.

La película logró concentrar la intensidad de la acción en un breve espacio temporal y demuestra que el cine había llegado a un punto en el que era precisa la palabra para poder evolucionar. momento en que rueda siete películas en diversos países europeos como Suecia. Carl Tehodor DREYER (1889 − 1968). no planos de cuerpo entero. la acción consiste en la sucesión de planos despiadados que muestran el contraste entre la doncella (sensibilidad) y el tribunal (dureza). Vemos una serie de primeros planos. Alemania. Los actores son maquillados para transmitir la desnudez y la sobriedad en la puesta en escena. TEMA 3: ORÍGENES Y DESARROLLO DEL PRIMER CINE ESTADOUNIDENSE 1. tras haber invitado a sus laboratorios a Muybridge. Tras La pasión de Juana de Arco. Noruega y Francia. la iconografía renacentista y elementos propios de la abstracción. también se utilizan zoom y planos inclinados. EDISON Y LA INVENCIÓN DEL CINE EN EEUU En 1888. cámara tomavistas. Su eclosión artística tiene lugar en los años veinte. tomas fijas. por ejemplo. Edison encargó a un equipo de empleados el trabajo en la materia. Para construir estéticamente la película utiliza estilos artísticos muy diversos. da extraordinario protagonismo al primer plano con valor dramático. fabricadas por George Ismar Kodak. de remanso. donde está presente la denuncia de la intolerancia social y moral. A Edison le preocupaban la poca calidad de las primeras imágenes proyectadas sobre una pantalla y entendió 16 . en la que cuenta el proceso a Juana de Arco y se basa en documentos del juicio concentrando los 29 interrogatorios en uno solo. No tenía un interés científico sino encontrar un acompañamiento visual al fonógrafo que había patentado. Autor que tiene un mayor calado en el cine nórdico. Dreyer pasó a la producción sonora con la película Vampyr (1932) y finalmente pasó al olvido y sus últimas películas no tuvieron mucho éxito. y el kinetoscopio (dotado de un motor eléctrico que pasaba las imágenes a 46 fotogramas por segundo y permitía un visionado individual de hasta 15 minutos) fueron realmente inventados por William Dickson. le llevan a Edison a investigar la fotografía en movimiento. Entre las escenas hay intertítulos que explican la película. y 2) cine de fuerte religiosidad: Realiza obras comoLas páginas del libro de Satán (1921) ó La Pasión de Juana de Arco (1928). Es uno de los autores personales que trabaja por su cuenta y destaca por ser muy exigente en la elaboración cinematográfica. que es el autor de la cámara y el objetivo que Edison presentaría más tarde como propio. pero salvo en la financiación no se involucró mucho más. • Su cine se basa en la caracterización de los ambientes austeros e imparciales y utiliza recursos como el plano − secuencia. El kinetógrafo. Es en este periodo de eclosión cuando su estilo empieza a definirse: 1) Cine reposado.nórdicos. Esta era una forma de proceder de Edison dentro de su empresa. Consiguió además hacer películas animadas sobre películas de celuloide perforado por ambos lados. Comienza a trabajar en 1912 para la Nordisk como director artístico y debuta como director en 1918 con la película El presidente (1918−1920). y ver sus aparatos. Dreyer se caracteriza por: • Cine depurado y espiritualista que lleva a composiciones de imágenes casi abstractas. la cual ya nos demuestra que era interesante la aplicación del sonido (la acción es dramática y los intertítulos interrumpen la acción).

Además la nueva industria cinematográfica estadounidense fue en empresas como la creada por Edison. porqué era en primer término (1896) y encontramos las primeras reacciones morales contra el cine. Con estos inventos. El beso. Para iluminar se abría el tejado y toda la sala podía girar sobre sí misma para captar la luz del día. la cámara como si fuese un espectador teatral aunque ya se ven posibilidades como espectáculo porqué en un momento determinado para la imagen. De la mano de Armat crearon el vitascopio. Este fondo negro daba un enorme relieve a los actores. Poco después se comercializarían los kinetófonos.que las imágenes iban a ser más claras y definidas si se ofrecía su visionado en un aparato individualizado (kinetoscopio). Son películas que no se montaban. La danza serpentinata La Pasión de Cristo (1888) Tiene mucho que ver con el teatro de la época La batalla de Manila 17 . Los kinetoscopios empezaron en 1894 a ser expandidos por EEUU y Europa. Para rodar las películas para abastecer estos kinetoscopios Dickson construyó una pequeña sala junto a los laboratorios de Edison diseñada para hacer películas. pero esto no se hacía durante el rodaje. y estableció las bases del modo de representación institucional. formato clásico. comprando la patente del bucle Latham. con contenido propio. primer escándalo moral de la Historia del Cine. creando el primer estudio. retiran al actor y colocan un muñeco al que se le corta la cabeza. Estas películas carecerán de la frescura de las de los Lumiere porqué Edison no supo captar la belleza natural y cotidiana. Esto intuye las posibilidades para convertir al cine en una manipulación de la realidad. Los temas eran muy populares: bailes. Sólo se planteó la proyección cuando empezaron a llegar empleado de los Lumiere a EEUU. actuaciones Películas marcadas por su tendencia a la teatralización y normalmente rodadas en interiores que son construidos para rodarlas. estableciendo las perforaciones a ambos lados de la película. Edison analizó la fotografía en movimiento aunque se resistía a la proyección de las imágenes por los problemas de nitidez y porqué no le veía futuro como entretenimiento. La cámara se montaba sobre un riel para poder acercarse o alejarse. Maria Reina de Escocia (1895). Este sería el primer estudio de rodaje. llamada Black Maria (así se llamaba a los furgones donde iban los prisioneros a la cárcel). Este estudio estaba en realidad planteado como un pequeño teatro de cámara donde la cámara adoptaba la posición de un espectador inmóvil. distinto de la copia de la realidad (Lumiere). porque estos aparatos se sincronizaban con el sonido del fonógrafo. Este invento pasó de ejecutar una tarea mecánica a filmar imágenes con un efecto significante. y marcó una dicotomía entre cine documental y cine de ficción. que permanecía fija. Edison (realmente Dickson) marcó en muchos aspectos el futuro del cine. Posiblemente la primera película americana fue obra de Dickson que rodó las primeras películas entre 1888 y 1891. Esto estaba condicionado por la inmovilidad de una cámara a la que había aplicado la electricidad en vez de una manivela.

Planificación muy eficaz que imitó todo el mundo. 18 . En 1913 los tribunales de EEUU establecieron que la MPPC violaba la ley antitrust de Sherman y los tribunales dieron la razón a los independientes quedando la Patents muy erosionada. montañas. y en 1919 el 90% de las películas comercializadas en Europa y el 100% de lo que se veía en Sudamérica. que propiciaron grandes logros en la sistematización y avance del lenguaje cinematográfico. Se confeccionó para funcionar como un trust o monopolio. Empezó a utilizar el plano americano. PROBLEMÁTICA Y PECULIARIDADES EN LA ORGANIZACIÓN DE LA PRIMERA INDUSTRIA DEL CINE EN USA Organización de la primera industria del cine estadounidense (monopolio de Edison y Guerra de las Patentes). Patents −> organización creada por Edison para hacer una maniobra para controlar todas las compañías de cine: Motion Picture Patents Company o MPPC. Además era un clima soleado y era un enclave con variedad de paisajes en su entorno (costa. cuando EEUU se hizo con la hegemonía del mercado cinematográfico mundial. y los impuestos y salarios eran más bajos que en Nueva York. lagos. para alejarse de los gangsters y además cerca de la frontera mejicana para poder escapar. laboratorios o proyecciones de los independientes). forzaron a Kodak a que no vendiera películas y boicotearon a los independientes (gangsters que irrumpían en rodajes. se negaron a vender cámaras a otras compañías. LOS PIONEROS DEL CINE ESTADOUNIDENSE ·James Stuar Blackton Reconstrucciones de la vida real. produciendo el 1914 el 50%. en California. desierto. En este contexto aparecen 2 autores: Porter y Griffith. 3. Coincide con el inicio de la guerra y la prosperidad económica de los EEUU. A partir de la planificación tan ajustada que creó trabajaría Griffith. pero también por el triunfo de un cine que ellos habían vetado y habían quedado fuera de los gustos del público. islas) y además era un barrio periférico de Los Ángeles con terrenos muy baratos. La alternativa de los independientes fue que empezaron a distribuir largometrajes europeos con un gran éxito de público. En 1914 despegue de las productoras de Hollywood. inmigrantes así que prohibió hacer o distribuir películas de más de una bobina y cuando lo sobrepasaba se proyectaba en días sucesivos con la consiguiente falta de continuidad como le sucedió a Griffith. (1898) 2.Soldados jugando. · El nacimiento de Hollywood Entre 1908 y 1913 los productores empezaron a trasladarse a la costa oeste. La Patents creía que no era posible mantener la atención del público durante más de 1 bobina porqué este primer público era gente de poca cultura. Momento en que las películas multiplican por 5 su duración y se incrementan los costes de producción (de 500 o 1000 dólares a 2000 o 20000).

permite el desarrollo de acciones simultáneas. − Lugar del incendio. Porter Primeras pautas del modo de representación institucional. − Secuencia final−>rescate. − Los bomberos bajan por la barra desde arriba y desde abajo pero no hay solapamiento. Construyó una nueva realidad. 2 escenas directamente relacionadas rompiendo con el espacio único del teatro. • Primerísimo plano −> alarma. Primera vez que el primer plano no tenía función fantástica o de truco. con todos los planos. Movimiento de la cámara que a partir de este momento se estabilizará. la patentada. sino la secuencia de planos. Bomberos reales.·Edwin S. Existen 2 versiones: · Versión registrada−> con solapamiento temporal · Versión editada −> la que se proyectó (la versión registrada. se tenía que presentar en bruto. Esto ya está patente en Vida de un bombero americano (1902) estrenada en 1903. Asalto y robo a un tren (1903) grabada para Edison. Mostró que las acciones podían tener efecto de continuidad de un plano a otro. no era necesario mostrar una escena de principio a fin. La lógica narrativa produce una unidad. trozos reales que filmó con anterioridad. sino función narrativa. Asalto y robo a un tren − Esquema de la película de acción: perseguidores−perseguidos 19 . La versión editada mostraba una alternancia de planos sin solapamiento. donde sí se produce un solapamiento temporal. Continuó su trabajo donde lo había dejado la Escuela de Brighton. En estos momentos se está estableciendo la relación causa−efecto dentro del lenguaje cinematográfico. Aquí perfeccionaría las conexiones entre plano. otra novedad: se mueve la cámara en panorámica en su eje vertical y en su eje horizontal. − Continuidad causal entre plano y plano (se despiertan tras oír la alarma). Había comenzado como proyeccionista y había proyectado muchas veces Viaje a la Luna de Méliès y observó el solapamiento temporal (doble alucinaje desde diferente perspectiva) y se planteó la narración en continuidad sin duplicar las acciones. Cuando Porter exhibió la película entendió que el núcleo de la película no es la escena. Introduce aquí algunos hallazgos de las ficciones de Méliès y la estructuración del montaje al modo de los pioneros ingleses. se puede considerar el primer western. Vida de un bombero americano −Dream ballon −> está soñando. − Planos a carros de caballos.

configurando el principio del salvamento en el último minuto. Porter) primera película como actor tras pasar del teatro. 4. Lo que empaña su figura es su mentalidad decimonónica y retrograda marcada por tópicos racistas. · Etapa de aprendizaje en la Biograph y los primeros trabajos significativos (1908−1913) Rodó más de 450 cortos con influencias muy diversas donde plasmó su experiencia como actor y le permitió ir utilizando modos de expresión con los que a veces de modo intuitivo iba articulando el lenguaje cinematográfico. Pasa de un plano medio de la mujer a un primer plano de su rostro. acercándonos de plano general a primer plano o medio (cambio de plano dentro de una misma toma For love of gold). capacidad de recuerdo). 20 . con el que trabajaría a lo largo de su carrera. además paso del primer plano de ella angustiada al primer plano del objeto de sus pensamientos: su marido. Aunque no cambia de toma en cada escena intuye ya que la unidad es el plano (Aunque todavía no cambian las tomas dentro de las escenas. queda ya claro que la unidad de una película es el plano. − Esta fórmula hace que el público tenga que establecer los nexos (espectador activo) por eso es una película de modernidad sorprendente. se fijaron en Griffith por las ideas que tenía y así se embarcó en Las aventuras de Dolly que rodó en sólo 2 días con uso de los mejores operadores: Billy Bitzer. En 1907 Rescate de un nido de águila (de Edwin S. así pues no solo usaba el plano con fines narrativos y conexiones subjetivas sino que también introduce la posibilidad del flash back. DAVID WARK GRIFFITH Y LA MADUREZ DEL RELATO CINEMATOGRÁFICO En sólo 6 años (1908−1914) sistematizó los recursos del cine y creó un lenguaje propio. Escenas que se unen en corte directo y que son unidades abiertas. Además introduce acciones paralelas. tuvo una educación muy puritana que se vio completada por la lectura de autores victorianos. Cuando Dickson formó su propia compañía. También cambió el emplazamiento de la escena en plano−secuencia. Su primera película funcionó muy bien y así inició su carrera de director que tuvo 3 periodos. Es el séptimo hijo de un coronel sudista. Entre 1908 y 1909 las primeras innovaciones: en la narrativa entre las tomas. − Sin embargo Porter se quedó aquí estancado por un incremento enorme de la demanda que no le permitió hacer investigaciones. − Capacidad del espectador de reconstruir la información que falta (elipsis) − Cortes que sirven para la correcta comprensión de la historia.− Interés sobre todo en el desarrollo de una escena en continuidad. Después de muchos oficios terminó siendo actor. Empezó a utilizar un plano medio sin cambiar de espacio. intuyendo algo que Griffith llevará hasta sus últimas consecuencias: que puede haber cuantos planos sean necesarios dentro de una misma escena). aunque su sueño era ser escritor. También hizo planos medios con cambio espacial y combinado con los primeros planos (After many years −> primer plano con fines narrativos. que en 1908 tenía problemas para satisfacer la demanda y no tenía realizadores. −sólo lo hace entre ellas−.

A medida que se va acercando el momento se va acelerando la acción para 21 . Muerte de Lincon −> secuencia muy fragmentada y compleja. En estos 2 puntos esta el núcleo principal del montaje en paralelo. Esto lo hace en El teléfono (The lonely villa). Las acciones paralelas ya se habían dado primitivamente en la Escuela de Brighton pero a partir de ahora será una de las fórmulas básicas del lenguaje cinematográfico. − Emplazamientos. pero pese a que era complicada a los directivos de la productora les pareció que iba demasiado lejos y decidieron hacerle jefe de producción para quitárselo de encima. Salvamento a lo Griffith o salvamento en el último minuto. aunque sólo usa 10 localizaciones diferentes está visto a través de 2 personajes. − Movimientos de cámara (Salvada por teléfono −> panorámicas para implicar al espectador) − Perfeccionó los fundidos y la iluminación usándola de manera dramática. tiempo y acción). en NY estuvo 48 semanas en cartel. (ARGUMENTO −> FOTOCOPIA) En la película. pero se fue y fichó por la Mutual. trabajó casi siempre con los mismos actores. 12 bobinas que implicaron un montaje complejo durante 3 meses (1544 planos frente a los 100 que solían tener las más complicadas). Sofisticado montaje. 6 semanas de ensayos y rodaje de 9 semanas a principios de 1914 (lo normal era 7 días). lo empleó de manera sofisticada. Se iba concentrando y acelerando la acción hasta resolverse finalmente. puesta en escena: planos en profundidad. pues podía percibir la acción en paralelo temporal. Judith en Betulia (1913) sistematizó todo lo que venía investigando. más de 3 millones de espectadores en EEUU la vieron el año de su estreno. cambio de angulación dentro de la toma con fin dramático. · La plenitud profesional y creativa (1914−1919) Nacimiento de una nación Pieza de teatro de un clérigo sureño. Película de momento histórico pero a través de la vivencia de personajes individuales. Partitura en la que también colaboró Griffith. los planos eran cada vez más cortos en su duración. angulaciones. A las acciones en paralelo añadió el progresivo aumento de la gestualidad. Nadie quería distribuir la película de manera que tuvo que hacerlo por cuenta propia. se sucedían más rápidamente y el encuadre era cada vez más corto. se justificaba por ejemplo el nacimiento del KKK. Nos interesa de Griffith la técnica narrativa.(Acciones paralelas −> fragmentación espacial y temporal de la realidad). Rompía con esto la unidad espacial (dentro de las unidades de espacio. llevándose a su equipo e iniciando su época de esplendor con lo que había ido desarrollando previamente. Entre 1909 y 1911 novedades en las tomas: • Interpretación: intentó moderar los gestos exagerados. con 3 acciones a la vez y como nexo de unión un teléfono con el que se avisa y que permite soldar las discontinuidades espaciales.

fastuosas puestas en escena. intentando disculpar el racismo aunque también es una denuncia a la intolerancia frente a las diferentes maneras de pensar. Cuando ya la había completado se le ocurrió mezclarlo con otras historias diferentes: Babilonia (s. I d. los carteles también relentizan el avance y otra carencia es la escasa habilidad a la hora de usar emplazamientos de cámara variados. Griffith afirmaba su derecho a expresar su visión de la Guerre Civil Americana. escala de planos más próximos hasta rematar en una salvación en el último minuto. · Movimientos de cámara ya muy sólidos (travellings. Con esta película triunfa el gigantismo. panorámicas) · Iluminación muy cuidada que busca transmitir realismo al espectador. Con las tomas cada vez más cortas. Secuencia final que sí es el salvamento en el último minuto (KKK) donde Griffith hizo que convergieran las 3 acciones. que se convertirá en un paradigma que luego recuperará la Escuela Soviética.concluir en un clímax trágico (55 planos). Historias unidas por un puente visual: mujer meciendo una cuna. Judea (s.) en la época de la Crucifixión y Francia (s. que sofisticará más Hitchcock en El hombre que sabía demasiado y más aún Coppola en El Padrino III. Iba a ser de bajo presupuesto basada en un hecho reciente: la acusación falsa de asesinato a un hombre. los primeros planos a veces detienen la acción. Pese a esto debe ser considerada obra maestra y fenómeno sociológico. Triangle −> compañía creada por Griffith junto a Thomas Ince y Mack Sennet para llevar a cabo esta producción.C). VI a. · Virados de color entre secuencias para distinguir espacios y unidades dramáticas. Intolerancia (1916) Pretendía ser el contrapeso liberal de la anterior. XVI) durante la matanza de los hugonotes en la noche de San Bartolomé. Aportaciones de Griffith: − dominio absoluto de las técnicas que había establecido antes: · Fundido en negro y a negro · Planificación canónica de cada secuencia (empieza en plano general para marcar el eje central de la acción) · Personajes dotados de cierta profundidad psicológica. Se hicieron varios montajes y aunque fue un fracaso por su pacifismo influyó mucho en el cine posterior. En esta escena de la muerte de Lincon también encontramos el esquema del suspense. aunque hace muchos planos. · Montaje y ritmo del montaje que va acelerándose. Tenía algunas carencias. Esta película se aleja de la puesta en escena teatral aunque podemos constatar algunos arcaísmos. los fenómenos narrados se habían producido sólo 50 años antes. Gran impacto emotivo de esta película: positivo y negativo que obligó a eliminar planos de la película. 22 .C.

De esta manera delegaba en la producción pero controlaba el producto final. Se formó junto a Griffith. producción cómica de la Pathé francesa y en especial Max Linder. Reelaboró en su estilo un cóctel en el que mezclaba diferentes fórmulas de humor que le habían precedido: comedia del arte. John Ford se formó en la escuela de Ince. Las 4 historias van convergiendo en un cuádruple salvamento a lo Griffith tratando de converger en un solo y único torrente de emoción. fluida y convincente. Secuencias de Intolerancia Complejidad narrativa + alegato pacifista = fracaso x ser la 1ª G. Mucha influencia en la Escuela Soviética y también en la francesa. en contra de la ley de las 3 unidades). Crescendo emocional para establecer una idea abstracta: intolerancia a través de las edades. formato de comedia con excelente salida en el mercado. Comenzó en 1912 construyendo sus propios estudios en Hollywood en los que produjo hasta mediados de la década de los 30. no sólo rompe con la unidad de espacio sino que rompe también con las otras 2: tiempo y acción (ley de las 3 multiplicidades. quien se reservaba el montaje final de la película. Tenía 2 23 . Creación de elementos de carácter simbólico que terminará de desarrollar la Escuela Soviética con el montaje intelectual. Fracaso económico. del circo. A partir de los años 20 su cine perdió vigor y no introdujo aportaciones novedosas. LA CONSOLIDACIÓN INDUSTRIAL · Figuras clave en la implantación del studio system: Thomas Harper Ince organizaba unidades de producción con un equipo de guionistas que preparaban minuciosamente los proyectos y antes de llevarlos a cabo la idea debía ser revisada por Ince. tenía pues un espléndido control de la esencia del montaje. Ince aportó al cine dinamismo. El montaje en paralelo proviene de la novela del siglo XIX. Hizo cientos de comedias de 1 o 2 bobinas (burlesco). era muy preciso. Contribuyó a la industrialización de la risa.M. y según él. TEMA 4: EDIFICACIÓN Y HEGEMONÍA DE HOLLYWOOD 1. Griffith trasladó al cine las consecuencias narrativas de la novela decimonónica trasladándola al lenguaje del cine. Griffith entiende de manera diferente el tiempo rítmico del cine.Complejidad estructural del film y montaje ya no paralelo sino alterno (un estado más avanzado). Mack Sennett tuvo una vida menos accidentada y más larga que Ince. Regodeo o complacencia en el detalle pero sin quedar lastrada la narración. que es expuesta de forma clara.

Los primeros abrieron algunas salas de producción para terminar siendo jefes de grandes estudios. como el star system. Buster Keaton o Charles Chaplin. · El largometraje El éxito de El nacimiento de una nación determinó que el formato fuera el largometraje a partir de ese momento. de escasa cultura pero con gran intuición en los negocios. más espontáneo dentro de ese nihilismo destructivo. Aportó conceptos como el slastic. es un código de autocensura. En los años 20 se redactó el Código Hays. Amasaron sus fortunas en los primeros años de exhibición y llegaron a su culmen en la 1ª Guerra Mundial. · El Star System La mejor solución para las producciones era respaldarlas por un importante aparato publicitario y con actores y actrices que eran los nuevos iconos culturales y garantizaban el éxito de la película. Además de este carácter absurdo y destructivo. tomando el relevo de los grandes teatros del siglo XIX. Su producción entra en decadencia a mediados de los años 30. Sistematizó el gag cinematográfico. que garantizaba la rentabilidad económica del producto. la joven inocente. Harold Lloyd. A veces se le parangonó con el movimiento dadaísta por el carácter destructivo. aunque Sennett es mucho más sincero. · La preocupación por la moralidad y el Código Hays Temprana preocupación. Algunas de sus compañías: Universal Pictures. Este cine tendrá vigencia hasta la llegada del sonido cuando esta fórmula queda obsoleta. (comedia del arte −> historias que se desarrollan a partir de personajes arquetípicos: Pierrot. forma de comedia que parte de la comedia del arte (mímica) adaptándola al ámbito del cine. Paramount. se pasó de las barracas itinerantes o salas de malas condiciones a los grandes edificios concebidos para la representación cinematográfica imitando a los grandes teatros. no es una censura gubernamental sino que se lo autoimpone la industria para garantizar al consumidor la integridad 24 . Bing Crosby. destacó también por ser descubridor y maestro de algunos de los grandes como: Frank Capra. Fox. Nuevo icono cultural −> el actor. Colombina. Es una estrategia comercial.reglas fundamentales: que las películas se movieran (que siempre hubiese acción) y que ningún gag durase más de 100 segundos. · Los primeros magnates y los primeros grandes estudios Los dueños de los primeros estudios fueron principalmente inmigrantes judíos. Se pasó de 200 a 10000 cines en tan solo 4 años. el burgués orondo estereotipos. · De los nikelodeones a los palacios cinematográficos Cambio de formato en la exhibición. Warner y junto a ellos una serie de sistemas de trabajo que han perdurado hasta nuestros días. situaciones de enredo). salvo en el caso de la comedia. MGM?. En este slastic el dinamismo es un seña de identidad.

se cuenta sólo lo esencial − empleo reiterado del plano americano − repudio de cualquier efectismo o señal visual que no resulte natural Modelo muy eficaz narrativamente pero que tiene un problema: si no se utiliza correctamente conduce a la simplificación temática. Parece ser que el cine llegó a ser la 4ª industria del país. · Éxito y codificación del cine de género El género como código es una fórmula con la que se garantiza la comprensión de la historia por parte del 25 . así como el auge económico de los EEUU gracias a la guerra. Se configura el modelo clásico del cine americano que se basaba en la facilidad para lograr de manera comprensible la continuidad narrativa. aumentaron los costes de producción y se hizo necesaria la participación de la banca que vio en el cine un gran negocio. Cuando el cine comienza a despegar surgen los primeros recelos por parte de los más puritanos.moral de sus producciones. y una de las más importantes económica y culturalmente. va tan a lo esencial que se pierden los matices. Con esto las narraciones se estandarizaran para garantizar y rentabilizar la producción. 2. Para evitar la mala imagen se creó este código que creó la propia industria para regularse a sí misma. En los años 20 el cine tiene que competir con la radio y el automóvil como fórmulas de ocio. líder indiscutible del mercado cinematográfico. Esto llevó al encarecimiento de las películas. Todo esto va dando solidez a la industria. El estilo de este clasicismo o modo de representación institucional tiene unos rasgos: − lenguaje visual muy conciso − uso reiterado de la cámara a la altura de los ojos − movimientos de cámara que se utilizan sólo para seguir los desplazamientos de los personajes − montaje muy preciso y cuidado − enorme economía narrativa. Se evitaban riesgos económicos. es tan conciso. también por algunos escándalos protagonizados por algunas estrellas. LA PRODUCCIÓN · La fabricación de películas Producto seguro gracias a la eficacia de su estilo narrativo. · La hegemonía del cine estadounidense en el mercado mundial después de la Gran Guerra EEUU. aprovechó la interrupción de producción de Francia e Italia.

sobre todo de la burguesía.público: − Western − Cine de aventuras − Melodrama − Se empieza a trabajar incluso el documental − Cine de animación − Cine burlesco: uno de los pilares · Los maestros del cine burlesco Género desde el que se hace crecer el cine como medio de expansión artística. Empezó imitando a Chaplin hasta que en 1917 dio con un personaje nuevo: un joven inocente. El verdadero cerebro era Stan Laurel. desde el humor. y Buster Keaton. en contra de esta tendencia a 26 . La tendencia a la estandarización suponía el recorte de la creatividad. hasta 1930 con la llegada del sonido. en especial Harold Lloyd. Comedia francesa (Pathé) como precedente. El Gordo y El Flaco Hasta 27 cortos. Su mayor éxito El hombre mosca (1923). que era quien escribía los guiones y dirigió parte de las películas. Chaplin. con gafas redondas. un mínimo incidente terminaba dando lugar a un cataclismo destructor. Utilizaba el recurso de la bola de nieve. Su comicidad se basaba en el antagonismo en los 2 personajes. Harold Lloyd Pionero en las investigaciones de la audiencia. con el mundo moderno. porqué el burlesco es una comedia gestual que proviene de la pantomima. Su humor muy basado en lo gestual no sobrevivió a la llegada del sonido. fueron: Chaplin y Keaton. Grandes cómicos destacados. clase media. complicidad con la clase media norteamericana que terminaba luchando con su medio. Stan Laurel y Oliver Hardy (El Gordo y El Flaco). Estructura narrativa de sus gags. vistiendo hortera y cuya normalidad se veía alterada cuando tenía que competir que era cuando surgía su agresividad (perfil del luchador del sueño americano). Acertada parodia de la mezquindad del ser humano. su humor creció con la llegada del sonido. Dos figuras que hicieron crecer el cine como medio de expresión artístico. Protagonismo de este género a partir de 1915.

En 1938 terminó con Charlot y abordó otras comedias como El gran dictador. y le permitió trabajar con comodidad. Terminó en una compañía de mimo inglesa entre 1907 y 1913. aunque no olvidó lo aprendido con Sennett en la Keystone (agilidad narrativa). En 1917 pasó a la First National con un contrato de 1 millón de dólares por 8 comedias. Hizo un primer papel de estafador. Aportaciones de Chaplin: 27 . En 1919 fundó la United Artist junto a Mary Pickford. en tono de sátira. Un rey en NY sobre la caza de brujas de la que él mismo fue victima. Durante esta etapa calmó el ritmo de la acción y redujo el número de gags. Tuvo la oportunidad de dirigir y a partir de aquí sería siempre el director. llegando a prescindir en algunas de Charlot. Esto le permitió experimentar más.estandarizar aparecen estas figuras. De hecho avanzó poco en la fórmula narrativa. La quimera del oro (1924) mezcla lo poético y lo tragicómico dando como resultado una epopeya burlesca. mezclando los códigos de comedia y melodrama. pero redujo el número de películas centrándose en los matices y sobre todo encuadres en plano general para captar la mímica de la totalidad del cuerpo. En 1915 −> Essanay. Entre 1916 y 1917 cambiaba de productora según el dinero. lo que le obligaba a establecer un precario equilibrio entre la pobreza de su atuendo y la dignidad de su personaje. Tuvo varios matrimonios frustrados que le causaron reticencias morales a su persona. Trabajó en la Mutual con un contrato fabuloso donde trabajaba incluso 20 horas al día. Durante una gira por EEUU se unió a la Keystone en 1914. Sincronía entre las acciones que daban sensación de transparencia y simplicidad. Para tratar de controlar las producciones que rodaban. y luego de dandy inglés. Sus últimas producciones son del periodo sonoro. Arquetipo con el que el espectador podía identificarse. Además con Tiempos modernos se le acusó de comunista. Va a ir profundizando en la figura del vagabundo. Douglas Fairbanks y Griffith. Candilejas. Trabajó desde joven como actor. Fue humanizando el personaje y añadiendo la crítica social a través de la comedia. lo que le permitió construir su propio estudio. El chico (1921) es su primer largometraje. Se distanció de Sennett en el tiempo narrativo y la manera de actuar. y La condesa de Hong Kong donde dirigía a Marlon Brando y Sophia Loren. Charles Chaplin (1889−1977) Infancia dura. De Max Linder tomó la búsqueda del matiz y también el traje de caballero. donde esbozaba el personaje de Charlot. aunque en Chaplin estaba degradado. abandonando el movimiento frenético.

A partir de 1923 hizo largometrajes. Hace también avanzar el cine como Chaplin. − Lenguaje cinematográfico. para que la correlación entre estos 3 elementos dé lugar a una sucesión de acciones que parezca lógica y que desemboque en la resolución de la escena. empeñado en superar las adversidades mediante el ingenio. Constitución del gag de trayectoria. El cameraman es su última película independiente. más aséptico. A partir de 1928 trabajó en la Metro−Goldwing−Mayer. − Utilización del humor como crítica corrosiva. 28 . con todos los defectos y virtudes del ser humano. y menos teatral. como Las tres edades. Su personaje (Cara de Palo en España). − Charlot. Esto lo reforzó con su consciente impasibilidad. − Sus valores críticos no estaban reñidos con la ternura − Siempre un fondo de esperanza. Coordinación milimétrica. y esta desligado del tono tierno de Dickens. Fundamenta su humor en situaciones dramáticas complejas pero creíbles. Frente a Chaplin va a ser cada vez más cinematográfico. Buster Keaton Provenía también del teatro. Dominio del lenguaje cinematográfico. porque interfirieron en su trabajo hasta que lo despidieron en 1933. Mecanismo de precisión en montaje. Es una película que encierra todas sus virtudes cinematográficas. Charlot prestamista y La quimera del oro. Cuidado de la fotografía que busca el trabajo en exteriores naturales siempre que es posible. más moderno. Entre 1917 y 1919 trabajó como secundario de Fatty. Posteriormente decadencia. Después hizo varios cortos. y un Oscar Honorífico en 1959. dirección y actuación.− Su obra fue uno de los puntales para la consolidación econ de Hollywood. Menos sentimental que Charlot. Evolución desde un humor más físico a lo último que es tragedia burlesca. como La mudanza (Cops 1922). Fragmentos: El campeón. Cuidado plano−secuencia. La siguieron otras obras cada vez más logradas. tomas largas y con notable profundidad de campo. primer personaje con entidad psicológica propia de la Historia del Cine. Humor verosímil. Sorprende por lo creativo que es en la resolución de determinadas escenas. que es una parodia de Intolerancia de Griffith. Fue a la esencia. hecha con gran rigor histórico a lo que añade lógica dramática y narrativa que se fundamenta en la precisión de los gags −> gags de trayectoria. aunque su obra maestra será El maquinista de la general (1927).

Avaricia. obra de autor. Estaba adelantándose a los soviéticos y al neorrealismo italiano. Evolución psicológica de los personajes. Del burlesco a la comedia de situación. Hollywood producía como ansia de evasión. · Erich von Stroheim. lo vulgar y lo público. de éxito enorme. Padeció restricciones en su corta carrera como director. su gran éxito de 1923. Rodó la película en escenarios exteriores e interiores naturales. con rigor y capacidad crítica. DeMille. sólo algunos directores destacaron por crear obras con entidad artística y casi todos de procedencia y/o educación europea. Lo grandioso y lo vulgar (kitch). Hay una primera versión de 10 horas que quedó reducida a 2 por el productor de la MGM. Retrato del proletariado y pequeña burguesía americana en la transición del siglo XIX al XX. Uso del plano−secuencia en el que se da importancia a la composición en profundidad. · Ernst Lubitsch. Cine de carácter naturalista. Lo grandioso.Fragmentos: Cops El maquinista de la general (Secuencia del cañón −> gag de trayectoria . Su intención es trasladar literalmente la novela con todo detalle. Comedia de situación aún vigente. más tarde como actor. Fue discípulo de Griffith. que le llevaría casi al Expresionismo. 29 . adaptando una novela naturalista. Obra maestra. trabajó con él en Intolerancia En 1919 hizo El engaño. que le permitió una trilogía sobre el adulterio. AUTORES RELEVANTES DE ESTE PERIODO · Cecil B. Preocupación por el realismo en la puesta en escena. señas de identidad. Estaba adelantándose a Jean Renoir y a Orson Wells en todo esto (planos largos y con profundidad de campo con valor simbólico). que adquiere valores simbólicos en algunos momentos. llevando a sus actores hasta el Valle de la Muerte. profundidad de campo) 3. Enseguida fue considerado autor maldito y marginado de la dirección por no seguir los patrones comerciales. Uno de estos fue Stroheim. Superproducciones. El naturalismo en el cine y la vocación de autor.

Diferentes estilos y tendencias provenientes del ámbito europeo. Uno de los cambios tiene que ver con la alteración de la mirada hacia el mundo. − Ludwith −> gusto por el mundo elegante − Barroquismo y tratamiento de la sensualidad explícita como integrante de la psicología de sus personajes. Entre 1905 y 1914 (justo antes de la 1ª Guerra Mundial) se agudiza esto. · La alteración de la mirada sobre el mundo Aspectos que provocarán esto (cambio de la mirada): − La industrialización del arte (aparición de galerías. Movimiento y velocidad son esencias de la cultura contemporánea. En los 30 su personalidad no cabía en la industria del sistema de estudios. a causa de las innovaciones de la 1ª y 2ª revolución industrial. Fragmento de Avaricia Escena de la boda − entierro Retratos psicológicos TEMA 5: EL PROCESO VANGUARDISTA 1. Ahora vamos a ver como el cine adquiere entidad artística gracias a su relación con las vanguardias históricas. así como la configuración del lenguaje cinematográfico. exaltación de la velocidad que es proclamada como uno de los valores fundamentales del mundo moderno. Uno de los últimos autores independientes. la percepción. Tras la 1ª Guerra Mundial estallan estos movimientos que se venían gestando. porqué la década de los 20 es la última que daría personalidades tan fuertes. INTRODUCCIÓN Hasta ahora hemos visto la creación y orígenes del cine. grandes editoriales de arte y en definitiva el arte como negocio). 30 . museos. que en el caso del cine es un elemento imprescindible. concentraciones de población. de una manera muy abierta y que molestaba al control de la moralidad. · Circunstancias y contexto del nacimiento de las vanguardias Entre 1880 y 1930 se producen rupturas como consecuencia de la convergencia de distintas situaciones contradictorias que ponían en cuestión la cultura oficial hasta entonces. la aceleración del ritmo cotidiano. − Protagonismo que adquiere la máquina. París es el centro de todo esto. grandes ciudades. − Notable proceso de aceleración urbana y aparición de las primeras acumulaciones de masas. − Muy vinculado a la maquina.

· La difícil difusión de las vanguardias cinematográficas y el nacimiento de los cine−clubes 31 . Esto transforma el concepto del espacio y las distancias. Como consecuencia de las vanguardias y la reflexión a la que obligan empieza a utilizarse el concepto arte cinematográfico en algunos círculos. sin nexos esto se refleja en el arte y se traslada muy bien al arte cinematográfico. por ejemplo. El burgués debe enfrentarse a una serie de antinomias. − Cambia la manera de entender las ciudades. que se había entendido muchas veces sólo como negocio o entretenimiento. entre `primitivismo' y `futurismo'. − El montaje. Las investigaciones de las vanguardias van a llevar a una lucha entre el cine experimental y el cine comercial. A finales de la década de los 20. Estos planteamientos teóricos evidencian que el cine se estaba entendiendo a sí mismo. · Las vanguardias y las artes tradicionales Estos elementos cambian la perspectiva sobre la realidad y eso genera una serie de contradicciones en la expresión artística. Los autores más lucidos se dieron cuenta de cómo estos términos contradictorios podían convivir. Además de esta antinomia de artes que conviven. El arte por el arte o el arte por el compromiso es otra de las antinomias. Bela Balázs habla de los elementos que hacen del cine un arte: − El primer plano. Además a veces las cosas se ven de forma fragmentaria. Bela Balázs Dentro de este ambiente en el que cambia la percepción de lo artístico empieza a valorarse el cine como arte. Ricciotto Canduo en 1914 fue de los primeros que se atrevió a experimentar. · El cine como arte y elaboración de las primeras teorías cinematográficas: Ricciotto Canudo. Louis Delluc. y esto es un acto artístico porqué supone una reflexión artística. Están conviviendo los opuestos. porqué significa una selección de un fragmento de la realidad. que une los planos como si fuesen palabras. Espacio moderno que es revisado y cambia sobre todo por el enorme desarrollo de los medios de comunicación y de transporte. y las vanguardias van a legitimar artísticamente al cine.− Cambio de la concepción del espacio. para construir frases visuales que son obras de arte. Hasta el inicio de la 1ª Guerra Mundial se atrevieron poco. Esto da lugar al inicio de un debate que todavía está en vigor. otra centrada en conceptos como `antirrealismo' y `superrealismo'. que aísla y agranda los objetos/actores convirtiéndolos en personajes dramáticos de primer orden −El encuadre. se ven cada vez más cosas en menos tiempo. Este es el debate que se establece en los años 20 y que desgraciadamente se extiende hasta nuestros días. Louis Delluc llevó a cabo las primeras formulaciones teóricas sobre los valores del cine (elementos de creación artística). veloz.

y la vanguardia soviética será pues una de las más importantes y las de más repercusión. Son obras cinematográficas que se articulan según pautas musicales. las llamadas sinfonías metropolitanas (década años 20). y pronto surgieron otros. Según Moholy−Nagy.Las vanguardias en cine tuvieron una difícil difusión y restringida a los círculos intelectuales. Imágenes con valor estético en sí mismas. y también huye del guión porqué lo que busca es articular las imágenes no dependiendo de una historia. Será la popularización de las sinfonías metropolitanas. no narración. En los años 10 y 20 se está imponiendo el cine comercial. sinfonía de una gran ciudad Walter Ruttmann (1927) 3. los cine−clubes. LA ABSTRACCIÓN FÍLMICA En este caso ya podemos hablar de movimiento. Este cine huye de las interpretaciones. Efecto estético. sobre todo en pintura. se puede jugar con contrastes de luces y sombra. de volúmenes y líneas y todas estas imágenes se reúnen utilizando una pauta o ritmo musical. Las sinfonías musicales junto con el cine abstracto y surrealismo potenciaron los valores visuales y estéticos del cine frente a los narrativos. El cine experimental sólo pudo difundirse gracias a circuitos minoritarios que se crean en estas fechas (años 20). En Francia arraigó el cine abstracto sin argumento y este tipo de cine arraigó mucho de animación. gracias a Luis Buñuel 2. 32 . Origen en los cambios artísticos de las artes plásticas en general. pero también en poesía y música. Berlín. Esto no pasa en el caso soviético donde el cine está aliado a la revolución y se convierte en un elemento de propaganda y de pedagogía política. Esto es posible porqué la cámara puede moverse. Sinfonía visual porqué ha arraigado a estas alturas la teoría sinfonista y se hace especial hincapié en la `sinestesia'. sino del atractivo visual de esas imágenes. Arranca del concepto `orquestación visual'. son una investigación sobre lo fílmico que atiende más a su capacidad asociativa que a la lógica de una narración visual. − El cineclub francés promovido a partir de 1920 por Germaine Dulac − La Film Society de Londres − La Film Art Guild de Nueva York − Los Filmfreunde alemanes − El Cine Club Español de Madrid. Los primeros en Francia. propone una sugerencia visual. LAS SINFONÍAS METROPOLITANAS Y EL SIMULTANEISMO Tendencia de la que van a participar muchos autores.

Hizo 4 películas dentro del movimiento abstracto (Opus I. Donde fue más abstracto fue en Rhytmus 21 y Rhytmus 23 Rhytmus 21 Walter Ruttmann Dio un paso más. Esta abstracción cinematográfica tiene como pretensión defender la entidad plástica del cine. · La obra cinematográfica abstracta Viking Eggeling Uno de los fundadores del movimiento dadaísta. Esta es la obra que construyó y será su única obra. ilusión de profundidad alejando o acercando los objetos. Hacía tiras de papel pintado y de ahí pasó al celuloide donde dibujó entre 1920 y 1921 en los rollos. alejándose del espacio plano para empezar a plantear uno tridimensional. Líneas que adoptan un determinado ritmo que así mismo se ordena a partir de dos ejes. De su calidad técnica y artística habla el hecho de que fuera el primero de los autores abstractos en pasar del 33 . Era un pintor sueco y empezó en 1918 a relacionarse con el cine cuando empezó a trabajar con Richter en unos estudios de cine. II. III y IV) con las que se adelantó a las anteriores propuestas recurriendo al color y al acompañamiento musical. Aunque trabajaron en obras que evidencian su intención. Además hace que la pantalla aparezca totalmente en blanco o negro. pero teorizaron menos que franceses. Era arquitecto y pintor y se inicia en el cine en los mismos años que los anteriores. Sinfonía diagonal (1920−21) Viking Eggeling Hans Richter Trabajó con Eggeling a partir de 1918 y empezó a interesarse por el cine.Sobre todo los cineastas alemanes fueron los que más trabajaron esto. A veces juega con espacio tridimensional. contrapunto de color. italianos. o soviéticos. Realizadas a partir de una estructura mecánica con 2 rodillos. En esta película los movimientos cinematográficos se basan en conceptos musicales. Culminación plástica de formas basadas en la línea. Más tarde continuará trabajando en Vormittagsspuko El fantasma antes del almuerzo utilizando objetos. las dos diagonales que cruzan la pantalla. Su vocabulario visual es también más variado. Elementos en común con la obras de Eggeling (un elemento único que variaba según un ritmo) pero él sustituyó el dinamismo de las líneas por el dinamismo de figuras geométricas. Inventa formas móviles que terminan teniendo una capacidad palpitante. lo que le permitía componer fotograma a fotograma una película: Sinfonía diagonal.

trabajo minoritario al cine comercial de la mano de Fritz Lang para quien filmó una breve secuencia `sueño de los escudos heráldicos' que se incluyó dentro de Los nibelungos. Evoluciona hacia las 3 dimensiones. Opus I y Opus II Walter Ruttmann Oskar Fischinger Continuador de los anteriores, el último que pudo seguir trabajando en la abstracción en la 2ª mitad de loas años 20, incluso en la década de los 30. Experimentos con figuras irregulares de cera que fundía (Wachsexperimente). Luego fue capaz de dar el paso al cine más comercial. Introduce un elemento que no se había utilizado, como la cera, de carácter orgánico. Control muy depurado de la técnica que le facilitó el paso al cine comercial. Extendió la abstracción hasta efectos especiales dentro de obras de animación, como las de Disney (Fantasía). El cine abstracto deja pues una huella apreciable por ejemplo en esta obra de animación. Fantasía (fragmento) Walt Disney 4. EL FUTURISMO Junto al cine abstracto fue uno de los primeros movimientos que se llevó a cabo en cine, y también se preocupó por los planteamientos puramente estéticos del cine. Drama en el cabaret futurista n. 13 (1913) Mayakovsky Vita futurista (1916) Marinetti − Ruptura con el carácter realista. − Todas las tentativas de los futuristas fueron una manifestación aislada. − Sería en Francia donde las vanguardias adoptarían una mayor entidad. 5. LA PRIMERA VANGUARDIA FRANCESA También se utiliza el término `Impresionismo cinematográfico', pero se utilizó en oposición al `Expresionismo alemán', no por relacionarlo con el movimiento pictórico impresionista. Autores con actitud renovadora encabezados por Louis Delluc Louis Delluc (1890−1924) Uno de los principales teóricos que buscaba una fórmula para un cine francés y a la vez autónomo del resto de las artes. Que el cine francés sea cine, y que el cine francés sea francés, con este lema dirigió varias películas. Fièvre (1921) −> admiración por el cine americano La femme de nulle part (1922) −> uno de los primeros intentos de hacer un cine psicológico influenciado por 34

los nórdicos. Nos interesa por su valor como teórico, creó el primer cine−club, también acuñó el término `fotogenia' para referirse a la relación entre objetos/actores y la cámara. Considera el cine como el resultado de un conjunto de acciones creadoras. Valora al actor como creador; también del decorado, de la iluminación. Importancia de la puesta en escena. Vida muy breve pero fructífera. En torno a su vida se agruparon una serie de artistas que se caracterizarían por una simplicidad estilística y por el refinamiento de los temas. Su espíritu sobrevivió en los cineastas que le siguieron. Marcel L'Herbier (1980−1979) El principal continuador de Delluc. Empezó como poeta simbolista, también había trabajado como autor teatral. Obra altamente cerebral que recurría a formas geométricas, efectos visuales con la finalidad de expresar estados de conciencia, esto se hace patente en Eldorado que en este caso sí puede asociarse con el Impresionismo pictórico por el empleo de una lente que difumina los contornos. Su evolución va a ser notable en Don Juan et Faust y en L'inhumaine, donde se acerca a la estética cubista. Se asocia con el músico Darius Milhaud para la partitura y con otros artistas para decorados, vestuario La intervención de estos colaboradores le permitió logras formas marcadamente geométricas que iban más allá del gusto `art decó' y lo acercaban al cubismo. Aprendió de su maestro la importancia de la puesta en escena. Jean Epstein (1897−1953) De origen polaco. Aprendió los rudimentos del cine junto a los Lumiere. En París desarrolló un importante trabajo teórico. Fue importante a través de la academia de cine que dirigía su mujer, donde estaría también Luis Buñuel que fue ayudante de dirección de Epstein. Finisterre −> Gente de la calle para filmar su película La caída de la casa Usher −> tratando de reconstruir la atmósfera claustrofóbica del cuento de Poe, para lo que se sirvió del recurso técnico del `ralentí'. El efecto de esta película fue enorme (Buñuel ayudante de dirección). Fue considerada como un equivalente cinematográfico a las armonías propias de Debussy. Abel Gance (1889−1981) La figura de más calado de esta vanguardia a pesar de sus irregularidades y su grandilocuencia. Después de Griffith es el que más hizo por buscar en los recursos del lenguaje cinematográfico. Comenzó en la estela del `caligarismo' (El gabinete del doctor Caligari). Después de dejó influir por Griffith, 35

sobre todo Intolerancia, lo que se advierte es sus títulos posteriores: J'accuse (alegato antimilitarista) o en La rueda que le costó rodar 3 años (Influencia de Griffith en el montaje muy convulsivo y que volverá a utilizar en Napoleón Napoleón (1927), junto a Intolerancia de Griffith y Avaricia de Stroheim ha quedado como uno de los intentos de más envergadura de explotar al máximo las posibilidades del cine. Sólo llegó a rodar la primera de las 6 películas, para dar lugar como resultado un montaje final de más de 6 horas de duración. Se contaba la niñez y juventud del héroe y el inicio de la campaña en Italia (encarnación legendaria del héroe romántico en plena apoteosis, lo que llevó a algunos críticos a pensar que había extremado la benevolencia a la hora de juzgar a Napoleón, muchos vieron un héroe profascista). Pese a sus excesos interpretativos es valiosa por innovaciones técnicas y lingüísticas, recopilación de los recursos que poseía el cine a estas alturas. Gracias al uso de cámaras ligeras con un mecanismo que permitía atarlas al cuerpo (mirada subjetiva). Trabajo de cámara en mano, incluso ató la cámara a la montura de caballos, e incluso la introdujo en proyectiles. Ensayó en la superposición de imágenes, fundidos muy logrados. Ampliación del formato de pantalla: `polivisión': 3 cámaras−3 pantallas. No sólo permitía vistas panorámicas sino que construía trípticos con valor alegórico, que conducían a ideas. Sólo pudo ser vista en versión íntegra en unas pocas ciudades, la copia que se extendió duraba 2 horas. Era excesivamente grandilocuente desde el punto de vista narrativo aunque magnífica visualmente. Fragmentos Napoleón Abel Gance Técnica de polivisión gracias a su ayudante técnico Segundo de Chomón 6. LA SEGUNDA VANGUARDIA Imágenes sobre el dadaísmo en cine (fragmentos) · El dadaísmo Fernand Leger A veces aparece dentro de la corriente cubista. Tiene influencias de varias vanguardias. Había trabajado con Abel Gance, y con Marcel L'Herbier en L'inhumaine. Como director tiene sólo una película: Ballet mécanique (1924), algunos lo adscribieron al cubismo y otros al dadaísmo. Surgió a raíz de su encuentro con Dudley Murphy , cubista americano que trabajó como técnico y también trabajó con Man Ray en los exteriores. 36

10 `rotorelieves' o `discos ópticos' entre los que fue intercalando otros con inscripciones en espiral que jugaban con figuras literarias o con juegos lingüísticos (sonancia. Espontaneidad irracional del movimiento dadaísta. Propone reflexionar la capacidad distanciadora del movimiento. combinaciones de estas formas reales que en la película terminan desprovistas de su realidad. homofonías. 37 . Ejercicio de arte en movimiento. Apuesta muy distinta a la de otros de la época. sus últimos trabajos estaban anunciando el movimiento surrealista. Incluía juegos de palabras. terminan teniendo un valor abstracto. Severa restricción del espacio. Marcel Duchamp Creó una película: Anemic Cinema (1925−26) con unos roto−relieves (mecanismo de discos pintados a los que hacía girar). anagramas. Partiendo de aquí quiere una obra que va a estar a caballo entre la abstracción y la figuración porqué parte de objetos reales. René Clair Lo veremos más adelante con el cine sonoro en Francia. Man Ray Varias incursiones cinematográficas.Mediante el montaje compone algunos de sus motivos predilectos en pintura (era pintor). que él no había hecho. ruptura con la realidad. Para algunos. Después de esta obra inicial hizo otros trabajos: L'Etoile de mer. así que Tzara le invita a que lo desarrolle en las técnicas que estaba experimentando en fotografía (positivando con objetos sobre el papel fotográfico) y esto lo llevará al cine. Intentaba llevar al cine su consigna: q el argumento en cine era un error. Tristan Tzara anuncia una serie de proyecciones cinematográficas. Quiere explorar las posibilidades de los objetos de la vida cotidiana. La película fue realizada con una partitura escrita por otro músico de la vanguardia y además contó con otros miembros dadá como Duchamp. porqué esos discos girando tenían una dificultad física óptica y la dificultad también en el carácter básicamente conceptual de toda la obra. Consiguió dinamismo ligando el movimiento cinematográfico con un lenguaje cinematográfico muy ambiguo. aforismos efectos acústicos de la lengua). sólo un pequeño ensayo. descrito por el mismo en su biografía. Coreografía con objetos cotidianos. no hay fondo de referencia. Trabajo conceptual. entre ellas de Man Ray. Su primer trabajo Retour à la reison que define muy bien el proceso de creación dadaísta. Una obra en sus años iniciales: Entreacto. Con Francis Picabia se encarga de rodas un divertimento cinematográfico para que sea proyectado en los intermedios de los ballets suecos que estaban actuando en París.

con diferentes temas. Símbolo de la 2ª vanguardia francesa. el Surrealismo tiene una valoración más constructora (destruir para construir una sociedad mejor −> esto también lo vincula con el Romanticismo. Se educó en Zaragoza (Jesuitas). Estructura abierta de la película. y también con un cierto Humanismo). reivindicando esta escritura automática como el método expresivo para los nuevos poetas. pero siempre partiendo del automatismo psíquico. la huella de los cómicos del cine mudo americano que fueron reivindicados por muchos dadaístas y surrealistas por su espontaneidad. · El Surrealismo Muy ligado al dadaísmo. porqué los demás títulos de Buñuel no se hacen por automatismo psíquico. de modo que en el proceso de creación se adopta el automatismo psíquico en la escritura del guión (escritura automática) Texto de Luis Buñuel sobre la escritura del guión de Un perro andaluz con Dalí (espontaneidad del subconsciente) La actitud del surrealismo frente al mundo es diferente al dadaísmo.(Fundamentalmente secuencia del entierro) Además de las pretensiones provocadoras. el desprecio del arte oficial y el peso de lo emocional. porqué reivindica el `yo'. Hay elementos que comparten: enfrentamiento con la sociedad. el subconsciente. humor absurdo. · LUIS BUÑUEL Nació en Calanda en 1900 en una familia de terratenientes bien posicionada. pero va a tener más desarrollo en cine. Algunos miembros del dadaísmo se encararon con Tristan Tzara y se alejaron del movimiento dadaísta acercándose a este otro movimiento. son las primeras proyecciones en Zaragoza (cine Farrusil?. de esta época nacen dos de sus obsesiones: • la pasión por la entomología (y las ciencias naturales en general) • el universo de lo religioso Sus primeros contactos con el mundo del cine. se reivindica la escritura automática. Polémica: − Algunos autores redactaron en su día una larga lista de títulos que deberían ser considerados como surrealistas (La coquille y le clergyman de Dulac−Artaud o Le sang d'un poete de Jean Cocteau entre otros) − Cine y surrealismo sólo es cierto en 2 obras: Un perro andaluz y La edad de oro. 38 . Además arremetió contra los cánones convencionales del arte. aunque en el caso del Surrealismo debía seguir el camino del azar (automatismo psíquico). sin embargo no hay nada menos automático que la elaboración de una película. Dificultades para señalar que es cine surrealista y que no lo es. porque se separa del nihilismo destructor del dadá. Escisión del dadaísmo que adquiere un desarrollo propio. Estas ideas se trasladan al cine con enorme rapidez porqué se entendió que el cine era el medio que mejor podía expresar los mecanismos del sueño (según decía Buñuel).

pero se encontró con que la película fue acogida con aplausos y considerada una obra de clave. Emplear el cine con la misma vocación sugerente y evocativa. Dalí o Pepín Bello). iba a llamarse Es peligroso asomarse al interior. pero termina cursando Filosofía y Letras. Le Corbusier. Iba a estudiar para ingeniero agrónomo en Madrid obedeciendo las órdenes de su padre. En 1929 rompen Dalí y Buñuel con Lorca. y trabajará como su ayudante.donde está el cine Goya. Proyección Un perro andaluz Versión sonorizada por Buñuel en 1969 cuando la registró y sonorizó intentando imitar lo que había previsto. intencionalmente no narrativa. En abril de 1929. Rafael Alberti y dos años después Salvador Dalí. En París se afirma su vocación por el cine. crítica) Con estas dos obras va a romper de manera definitiva con el discurso cinematográfico establecido. Ramón Gómez de la Serna. Tras concluir la carrera y con la muerte de su padre se marcha a París en 1925 coincidiendo con la dictadura de Primo de Rivera. Aunque Dalí reclamó más tarde haber participado más. Man Ray. con Las 3 luces de Fritz Lang. Magritte La película le encumbró como vanguardista y fue incluido en el grupo surrealista. Un perro andaluz producida por su madre. Además tenía los bolsillos llenos de piedras para lanzar al público. bebiendo de las fuentes del surrealismo que él aplicaba a la literatura. Ruptura con la esclavitud narrativa. Esta pasada a 24 fotogramas por segundo en vez de a 16. libres. que utiliza la poesía. Tzara. Será el encargado de organizar las primeras sesiones de cine−club (1920−23). sin estar adscrito al grupo. Decide dedicarse al cine. Allí trabajó como secretario. Entre los asistentes estaban Picasso. Contacto con los movimientos de vanguardia. las primeras en España. planteando que es peligroso mirar en el inconsciente de uno mismo. A los 17 años fue a la residencia de estudiantes de Madrid donde se encontró con Federico García Lorca. sigue desarrollando su afición por el cine. aunque la producción cinematográfica fue de Buñuel. entendiéndose la película como una de las obras clave. No puede entenderse sin su etapa de convivencia con otros artistas o estudiantes de la residencia (Lorca. Hace un proyecto sobre una película sobre Goya En 1929 otra opción más arriesgada: Un perro andaluz y La edad de oro Su vocación inicial era escritor (poesía. entra en la escuela de Epstein. uso del cine entendido como un poema visual. con este argumento construye un poema visual que se basa en las asociaciones inconscientes. que en principio era una barraca de feria). porqué preveía silbidos. Existe una copia restaurada − Cadena metafórica de imágenes: − Pretende ser el mecanismo del sueño 39 . el guión técnico fue escrito con Dalí. Buñuel alternó música de tangos con el preludio de Tristan e Isolda. la noche del estreno. El responsable final de la película fue Buñuel.

Le propició el rodaje de La edad de oro. Retoma el tema de la obra anterior. Potente financiación que posibilitó que fuese rodada con sonido. El piano asociado con la muerte también aparece en la obra de Dalí. reivindicación muy explícita del triunfo del amor loco. que está presente en toda la obra de Buñuel. Elementos comunes en Buñuel y Dalí: 40 . Además es una imagen de efecto traumático que prepara al espectador para la película con sus rupturas de lenguaje tradicional. Este mecenazgo le permitió trabajar con recursos muy innovadores dentro del sonido. La película es un claro discurso sobre el deseo materializado. − Destruye la narrativa habitual (espacio−tiempo) sin buscar la comodidad del público. un hombre y una mujer que tratan de encontrarse. Muerte espiritual de la burguesía. pretende provocarlo. El piano es la representación simbólica del ataúd de la burguesía (aparece muchas veces en su obra) − Cuerdas y maristas (expresión evidente del lastre o peso de lo religioso en la persecución del deseo) Buñuel se resistía a posibles interpretaciones. − Torrente de imágenes oníricas − Hay escenas y elementos que tienen cierto sentido dentro del conjunto de la obra de Buñuel y de Dalí y dentro de la cultura española: − Piano con cadáveres de asnos (cultura burguesa corrompida). incitarlo. La película le hizo muy famoso y de su éxito se beneficiará a lo largo de su carrera. una de las primeras del cine francés.− Las relaciones causa−efecto quedan abolidas − Se rompe el racord de tiempo y espacio (aboliendo la narrativa tradicional e intentando emular mecanismos del sueño) − Estaba muy interesado en la obra de Freud. destrucción de las convenciones de la sociedad para llegar a la mística. es un regalo del vizconde a su esposa. Buñuel propone cegar la mirada externa para abrir la mirada interior. − Constante referencia al cine cómico americano por su carácter absurdo: − Uso de la luz (muy clara y transparente) típica de este cine − Concepto de gag que adapta a la categoría de gag trágico (esto funciona con más claridad en La edad de oro) − Ritmo ágil de la acción − Secuencia del ojo cortado −> potencia visual Inserta como una declaración de intenciones. − Poesía del absurdo en imágenes − Trata de reivindicar la potencia y la fuerza del deseo carnal. Posible gracias a una oferta de los vizcondes de Noailles. no busca la respuesta positiva del espectador.

Abundantes detalles subliminales. Esto buscaba y demostraba la eficiencia provocadora. La película estuvo prohibida en Francia durante 50 años. También relacionado con la misma temática −> vínculo entre el erotismo y la muerte. Excitación por la muerte. La película arranca con un documental sobre escorpiones. como cuando pasa un carro de campesinos por la fiesta. Ruptura con la convención. Sonido muy novedoso. crisis interior. como Viridiana o Belle de jour La edad de oro hace referencia a la edad de oro en que hombres y mujeres podrán dar rienda suelta a sus deseos. además de Beethoven. Reflexión sobre la muerte. Los tambores de Calanda: sonido que usa reiteradamente en su obra. Empleo de fondo musical de Wagner. Tristan e Isolda: historia de erotismo y muerte en la mitología Provocación en la conclusión: cita explícita de Las 120 jornadas de Sodoma del Marqués de Sade (declaración de principios). y el protagonista es Jesucristo. Buñuel representa Las 120 jornadas de Sodoma sólo con el Cristianismo. Recurso muy moderno: monólogo interior. y la prensa conservadora también arremetió contra él. donde se puede ver el paso de unas nubes y viento que sale del espejo (inquietud interior. Hace collages visuales que subrayan el absurdo. de corte erótico. escritor prerrevolucionario (reivindicación del instinto como liberación y como fuerza renovadora. como marca de fábrica para subrayar momentos de conmoción interna. El deseo pues tiene una connotación positiva. Cuadro que fascinaba a Dalí y que interpretó a su manera. Fiesta burguesa o aristocrática (tema recurrente en su obra) donde se hacen explícitos todos los paradigmas del comportamiento burgués. que subrayan el éxtasis amoroso. Hizo muchas variantes y aparece citado en algunas obras de Buñuel. Cuadro de Valdés Leal. La película provocó un gran escándalo en la sociedad francesa. que originalmente ya busca crear alternativas. el viento aparece con frecuencia como metáfora de la zozobra interior). En paralelo lo estaba descubriendo también Hitchcock (Murder).• Las hormigas (insectos): elemento que aparece mucho en la obra de ambos. Escena de la protagonista ante su tocador. hasta 1980. inspirado en la obra de Fabré? Que marcó parte de la formación de Buñuel. La edad de oro contiene todo Buñuel. obispos putrefactos sobre la costa de Cadaqués. 41 . muchas citas onanistas. interpretado por un actor que lo interpretaba habitualmente y que había protagonizado varias pasiones. En este caso alusión al cosquilleo del deseo (evocación poética) • La encajera de Vermeer : referencia pictórica fetiche (tejedoras de tramas del deseo) • El Ángelus de Millet: escena en la que aparecen semienterrados en la arena. Esto esta unido a una sobreactuación de los protagonistas (lascivia más desenfrenada) Gestos de pasión que resultan cómicos: uno de los gags trágicos más solventes es cuando la mujer mordisquea los dedos en un gesto de pasión y en la secuencia siguiente él la acaricia con los muñones. Se plantea por primera vez el uso de la voz en off (secuencia del jardín) para mostrar los pensamientos. Asalto de grupos de extrema derecha al cine.

−−−−−− En los años 70 obras de madurez en Francia. −−−−−− Acaba en 1946 en Méjico. Ese oscuro objeto de deseo mantenía el tema con el que arrancó. Tríptico producido en Francia que pretende revisar el surrealismo en el cine: La vía Láctea El discreto encanto de la burguesía El fantasma de la libertad Aquí suavizó su mirada sobre el mundo. Retrato de la miseria. el cine de denuncia social y el tono de aquelarre goyesco de muchas secuencias (personajes deformes. menos violenta aunque igual de crítica. con la vocación de un cine populista pero bien hecho. tratando el tema de la pobreza. A caballo entre el documental etnográfico. En Méjico producción muy importante con trabajos más comerciales y otros más personales.−−−−−− En 1933 −> Las Hurdes. Motor de las 42 . aunque lo cierto es que fue el directos de muchas películas y no quiso aparecer en los títulos de crédito. como productor ejecutivo. Con el triunfo de Los olvidados consiguió recuperarse desde posicionamientos morales. Participó económicamente. Con la Guerra Civil este proyecto quedó suspendido y se marchó de España a EEUU donde consiguió trabajar en el MOMA hasta que Dalí publica sus memorias y le acusa de pertenecer al Partido Comunista. Incluso en sus trabajos más comerciales intentó recuperar los temas e ideas que le apasionaban. y reconocimiento internacional con dos producciones españolas: Viridiana y Tristana. Tierra sin pan Idea de compromiso. El potencial del deseo. donde le ofrecen producir con Jorge Negrete y Libertad Lamarque un musical mejicano (Gran Casino). En EEUU ya hay un clima de aversión anticomunista (caza de brujas) por lo que tiene que abandonar el MOMA. Documental en el que evoluciona a formas más realistas pero nada complacientes. muertes absurdas) El gobierno español republicano decidió prohibirla −−−−−− Dio un giro radical comprometiéndose con el cine español y fundando la productora Filmófono. acompañado por el fondo grandilocuente de música de Brahms. La película es un fracaso estrepitoso que le obliga a malvivir hasta 1949 en Méjico.

La UFA realizaba películas muy comerciales. No sólo fue el nazismo la causa de la decadencia. ORÍGENES Y DESARROLLO DEL CINE ALEMÁN DURANTE EL PERIODO MUDO · La industria del cine alemán La 1ª Guerra Mundial había dividido a Europa en 3 bloques: el bloque aliado sucumbió a manos de Hollywood. Se dieron cuenta durante la guerra de que la forma de contrarrestar la propaganda aliada era hacer sus propias películas. puesta en escena costosa. cuando sube Hitler al poder. de gran espectáculo. Consiguieron romper el boicot del cine alemán que se había hecho durante la guerra y se mantenía (estreno en París de El gabinete del doctor Caligari La derrota de los alemanes les había obligado a una revisión de los valores culturales y artísticos y esto dio lugar al periodo de Weimar o de la República de Weimar. las raíces hay que situarlas a mediados de los 20 cuando la creatividad de la vanguardia parecía agotada. Cuando acabó la guerra dejó de utilizarse para propaganda y la UFA se privatizó volviendo a manos de los que habían puesto capital. Política muy agresiva de producción. Alemania estaba aislada de la producción exterior por lo que buscó una producción propia. como se da en la obra de Ernst Lubitsch. para esto se apeló a la banca y a las grandes empresas pesadas para crear una gran industria. TEMA 6: EL EXPRESIONISMO Video (fragmentos de cine expresionista) 1. Etapa de esplendor en los años 20. a lo que se añade la llegada del sonido (adaptación de los estudios). En 1919 se abolió la censura dando pie a la vanguardia artística. el bloque ruso tenía una producción aislada al principio. y también estaba Alemania. Declive en 1933. y cuando en la UFA entraron en la administración gente menos creativa en vez de directores. Compraros salas de exhibición en todo el mundo. así nació la UFA (Universum Film Aktiengesellschaft) que construyó unos enormes estudios a las afueras de Berlín.motivaciones del ser humano. propiciando películas más mundanas 43 . En muy poco tiempo fue una de las industrias más poderosas del mundo y la única que hizo competencia en los años 20 a EEUU. además de los neutrales. sino que facilitó el prestigio del cine alemán favoreciéndolas. −−−−−− En su obra hay dos líneas de pensamiento: − La tradición cultural hispana − La lectura del Marqués de Sade A partir de aquí dialéctica entre tradición hispana y el rupturismo revolucionario de la obra de Sade. La UFA no eliminó a las productoras de pequeño tamaño.

Esto va unido a efectos deformantes que son el resultado de la `visión subjetiva' de la realidad. · Coordenadas espacio temporales En el arte contemporáneo lo entendemos como una manifestación artística que se produce en centroeuropa entre 1905 y 1925 y que se inicia en pintura y en último término pasaría al teatro y al cine. lo que provocó un desembarco de los mejores profesionales del cine alemán al cine estadounidense. Después de la derrota en la guerra.y menos experimentales. A esto se le añadió la llegada del nazismo con Gebels. Con esto se produce la 2ª oleada de emigraciones de profesionales muy importantes. pero también a momentos del arte en general. Messter. A pesar de que hubo un puntal histórico en la creación del cine. dio lugar a la decadencia del cine alemán que no se recuperó hasta los años 60 (el nuevo cine alemán) 2. es cuando llega al cine. cuando el Expresionismo se popularizó y ya se había diluido en pintura. Giulio Carlo Argan lo contrapone a la impresión −> la realidad (del exterior) deja una huella en el sujeto y se graba en su conciencia. · El concepto de expresionismo en el ámbito fílmico En el ámbito cinematográfico se da entre 1919 y mediados o finales de la década de los 20. expresión −> es la psicología del sujeto la que se manifiesta exteriormente hacia el mundo. Controversias entorno a su definición Mucha polémica acerca del concepto. en otras sólo encontramos algunos aspectos relacionados con el Expresionismo y con lo propuesto en El gabinete del doctor Caligari. que es cuando comienza a disolverse y mezclarse con otras tendencias. Murnau) · Precedentes Hasta ese momento el cine alemán se había desarrollado en condiciones precarias. Además Plan Dawes Un plan financiero según el cual los capitalistas de EEUU podían invertir en industrias alemanas. que tenía como asunto prioritario hacer desaparecer a todos los judíos de la plantilla de la UFA. EL EXPRESIONISMO · El cine expresionista. La parálisis de la clase media. porqué al igual que el realismo se aplica a movimientos artísticos. Excepciones son Paul Leni. era un cine más teatral. que permitió el ascenso del nazismo. y Urban Gad o el movimiento del Autorenfilm (que copia el Film D'Art francés) o el cine hecho por el director de teatro Max Reinhardt que pasó cosas del teatro (uso de escenas 44 . esto dio lugar a la PAR−UFA−MET. Al margen de muchos avances como los de Griffith. Crear una nueva realidad que prescinde de la realidad física para ahondar en la realidad psíquica. como Genuine? o Del alba a la medianoche. sólo usan elementos de esta vanguardia (como Fritz Lang. sólo algunos títulos enlazan con el caligarismo. El gabinete del doctor Caligari no creó escuela. pero ya no son expresionistas. Sólo unas pocas pueden considerarse como puramente expresionistas desde el punto de vista pictórico.

− la importancia concedida a la subjetividad: Tomado del Romanticismo y del Expresionismo pictórico. lo secreto: sótanos. expresar la intimidad de los personajes. la cultura está llegando a su fin. donde se trataba el tema del doble. fatalismo) Con este fatalismo el Expresionismo Alemán generará otros dos géneros: el cine de terror y el cine negro. Posibilidad de contar las historias de otra manera. el nihilismo Temas que provienen del Romanticismo: · La atracción por lo sobrenatural (lo oculto. medio de expresión del lenguaje interior. Prolongación del Romanticismo que gracias a la tecnología tiene la oportunidad de manifestarse de una manera diferente.teatrales. El cine pudo adentrarse en el lenguaje de la conciencia. el reflejo en el espejodualidad de todo ser humano) · La mujer que es al mismo tiempo esclava y poderosamente seductora y sexual y que proviene de la mujer−vampiro y terminará el proceso con la mujer fatal estadounidense del cine negro (conduce al hombre irremisiblemente a la perdición y ayuda al destino) · La noción del Apocalipsis. − También temas como el androide como La venganza del Homúnculo o El Golem Esto prefigura una problemática que estará presente hasta nuestros días. la sombra. que es el gran legado del Expresionismo a la Historia del Cine. catacumbas) · La atracción por los poderes ocultos de la naturaleza · La intimidad con la muerte (horror y atracción que ya está presente desde la Alta Edad Media y el gótico alemán) · La animación de lo que carece de vida o conciencia · El sabio o científico loco (enfrenta a la tradición con la renovación científica) y unido a esto la tensión entre creador y criatura · El tema del doble (otro yo. mundo de fisuras Todos estos temas se refuerzan en el clima de posguerra (ansiedad. pues siempre se había considerado un arte objetivo y realista. nuevas perspectivas narrativas desde el ámbito de la subjetividad. coreografía del movimiento de los actores) Películas precedentes en temas: − La primera versión del Estudiante de Praga en 1913. 45 . iluminación claroscurista. Con estos precedentes eclosiona El gabinete del doctor Caligari · Características y valores esenciales del expresionismo cinematográfico: − La herencia romántica: la tradición romántica trasladada a los temas. Después de la 1ª Guerra Mundial los fantasmas del Romanticismo alemán reviven con más fuerza porqué casan bien con las doctrinas apocalípticas.

hace cometer asesinatos a uno de sus pacientes: Cesare. y en el cine expresionista se utiliza con este sentido y así pasaría a Hollywood. − Peculiar interpretación: Estrechamente unido a los decorados. Pero esta iluminación adquirió carta de naturaleza a partir de El gabinete del doctor Caligari y del Expresionismo y se fue enriqueciendo a través de la obra de Fritz Lang. En Alemania Max Reinhardt lo había utilizado ya en teatro. Pero en el guión definitivo se introdujeron variantes porqué el productor había asignado primero la dirección a Fritz Lang que sugirió cambios en el argumento: el principal. El protagonista de la historia. − La sombra: Según Nietchze era el doble demoníaco de las cosas. se consideraba una obra de arte a una película cuando alteraba la verdad para subjetivizarla. inducía a los enfermos a cometer crímenes. Por ejemplo: movimientos mecánicos. no naturalista. el doctor. afectando al cine negro y al cine de terror. Con esto cambiaba la visión antimilitarista por la paranoia de un loco. niebla − Efectos muy contrastados de claroscuro que modelaban. Son descubiertos por otro médico: Francis. LA EVOLUCIÓN DEL EXPRESIONISMO · El Gabinete del Doctor Caligari (1919) Al acabar la 1ª Guerra Mundial los poetas Hans Janowitz y Carl Mayer decidieron escribir un guión donde volcar sus experiencias durante la guerra para construir una historia antimilitarista. gestos muy bruscos Inventar movimientos que sobrepasasen la gestualidad cotidiana y que plasmaran el mundo de lo espiritual. − la iluminación: Elemento imprescindible en la puesta en escena. hipnotizadores. aunque allí tuvo cualidades más estéticas. vampiros que parecía preveer a Hitler. con los que debe coordinarse la interpretación. El efecto del claroscuro existía mucho antes de El gabinete del doctor Caligari: iluminación a lo Rembrandt que se utilizó durante la década de 1910. 46 . Interpretación conceptual. recursos de la pantomima reelaborados desde el teatro de vanguardia. Rasgo que pasaría a otros países dando sus mejores resultados con Hitchcock u Orson Wells. el director de un manicomio. Realidad estilizada. El uso expresivo de la luz es una de las marcas del cine alemán de los años 20. Importancia en el cine alemán en general de los años 20. obsesionado con un hipnotizador del siglo XVIII. atribuir a los delirios de un loco (Francis) el hecho de que Caligari. El cuerpo se convierte en un instrumento de expresión del alma. Convivían dos formatos: − Luz brumosa. Cesare −> antecedente de todos los zombies Caligari −> antecedente de los tiranos. una visión más tranquilizadora pero más inquietante cinematográficamente (visión de un loco). Estilo interpretativo pretendidamente no naturalista. sino estilizada. 3.− El protagonismo de la puesta en escena: Como consecuencia del peso de lo subjetivo. más superficiales.

El Golem −> más romántico. Estética casi abstracta. según la cual las películas debían ser dibujos a los que se les daba vida (arte gráfico. · La nueva objetividad También nació oponiéndose al Expresionismo. Sustituirán las telas pintadas de Caligari por decorados corpóreos. muy teatral.Robert Wiene fue al final el encargado de la dirección y añadió un nuevo matiz: decidió colaborar con 3 pintores del grupo Der Sturm que tuvieron un papel fundamental en los decorados. Lo más interesante es que este cine (El último de Murnau). Nosferatu. Esto encaminaba al cine a una `cineplastia'.. por eso los decorados y maquillajes son muy marcados. y acaba siendo una evolución de este. tridimensionales. pintura). como por ejemplo las formas radiales del patio del manicomio. Además los tres pintores imaginaron unos decorados sin precedentes en el cine. Respeto a las unidades de tiempo.) y rechazaba el subjetivismo a favor de los problemas de la sociedad contemporánea. Historias muy lineales y simples y sobriedad interpretativa en oposición al Expresionismo. más intimista. Tránsito que se va a dar en general en el cine alemán de los años 20. pero ahora lo podemos interpretar como una nueva forma de figuración cinematográfica marcada por el Expresionismo (como pasó en pintura). que nace como reacción. Puesta en escena muy sencilla. incluso opuestos: · El Kammerspielfilm Nuevo formato con fuerte carga psicológica. moralidad. Los personajes son un elemento más dentro del decorado (sus movimientos. que trataban de concretar los estados alterados de la conciencia del loco (metáforas visuales −> ornatos emocionales). El Expresionismo pictórico era un callejón sin salida y se empezó a investigar en otras líneas. Esta evolución nos lleva a Murnau (de lo pintado a lo pictórico) −> Nosferatu que se inspira en la pintura romántica alemana. hubo distintos movimientos. casi teatral.. número limitado de personajes que debían moverse en ambientes catódicos. Además supuso un éxito sin precedentes para el cine alemán y rompió el bloqueo (interesó mucho a los círculos psiquiátricos y los intelectuales y se empezó a considerar claramente al cine como arte). En esa época la energía estaba racionada. 47 . acción y lugar. porqué había que ahorrar en iluminación. con un enriquecimiento psicológico de los personajes. iluminación con valor expresivo. Tendencia a la abstracción que servía para distorsionar la realidad y transmitir los estados de conciencia de los personajes. Esto se correspondía con la premisa de Warm. en contra del Expresionismo. en un momento determinado Francis se coloca en el centro −> su visión de la realidad. Tendencia que pretendía denunciar los males de Alemania (inflación. Fragmento final de El Gabinete del Doctor Caligari El Expresionismo evoluciona de lo pictórico (El Gabinete del doctor Caligari) a lo arquitectónico. El cine alemán de los años 20 no fue sólo expresionista. movimientos muy limitados de los actores para discurrir por los escenarios. Cinematográficamente es arcaica. sus gestos) Rasgos característicamente expresionistas que se utilizan para transmitir el punto de vista de un loco.

La calle (1923) de Karl Grune. el ser humano queda minimizado en una naturaleza poderosa y grandilocuente (copia de Friedrich el ambiente claustrofóbico consiguiendo una película de terror paradójico porque lo provoca la naturaleza. de las que sólo se conservan 6. resume todos los logros del Expresionismo. sensación de naturalidad que subraya la idea de terror. hasta llegar a Nosferatu (1921) de difícil clasificación. En esta película aun no mueve la cámara mucho. Trabajó con Reinhardt como actor. pero no coló y la viuda de Bram Stocker intentó secuestrar la película. Año a partir del cual se iniciará la decadencia de las vanguardias. 48 . Resolvió cinematográficamente otros problemas como la condición sobrenatural de Nosferatu (ralentí. Tiene aspectos en común con El Gabinete del Doctor Caligari: − Uso expresionista de la luz − Idea de la sombra como lado oscuro. 1888−1931). Concepción de la naturaleza de la pintura romántica alemana (Friedrich). es una estilización de la problemática alemana del momento. es el nombre de su ciudad de origen. y esta es una lección que aprendió Hitchcock. de hecho Hitchcock se formó en Alemania junto a Murnau. Desde aquí evolucionarían otros autores e influenciarían a otros autores y tendencias Comic (FOTOCOPIA − Índice) −> Subjetivación de la mirada A caballo entre el humor negro y el Expresionismo · Murnau (Friederich Wihelm Plumpe. Producción independiente que pretendía burlar los derechos de autor del Drácula de Bram Stocker. Murnau conseguía crear la sensación de que el terror podía salir de lo cotidiano. fotografía más mimética. consigue crear la sensación de realismo pero no es realista. 14 películas. − Interés por el paisaje natural (utilización de la naturaleza para transmitir una idea de fuerza). Cine subjetivo pero con apariencia naturalista que comienza a quebrar los cánones teatralizantes del primer expresionismo. Además resuelve los problemas expresionistas en el ámbito cinematográfico. o imagen en negativo) Todo esto apoyado por una espléndida profundidad de campo. pero hace buen uso del montaje y de las angulaciones extremas. velocidad de las imágenes. Formación como actor y pintor. Murnau. el otro `yo' (veremos a su sombra atenazando a sus víctimas) Se aleja en: − El cuidado puesto en la gama de grises. no recurre a lo pictórico o a lo teatral. A partir de aquí será una característica de cine alemán trasladándose hasta Orson Wells. Nosferatu es un punto de inflexión del Expresionismo. Varieté (1925) de Ewald Andreas Dupont.

contiene elementos del expresionismo pero también contiene temas que van a avanzar el futuro del cine de ciencia ficción. casa del científico) con una estética de arquitectura futurista donde se dejan sentir las influencias más avanzadas de la arquitectura del momento y del `art decó'. Uso de la luz cada vez más eficiente e inteligente.Después estuvo en el Kammerspielfilm y posteriormente se trasladó a los EEUU Fragmento de Nosferatu Muchas notas del Romanticismo (encuadres que hacen alusiones a cuadros. ya sonoras. De lo pictórico a lo arquitectónico. Uso de la luz expresionista y sofisticado que sirve para dar corporeidad a las formas. libera a los obreros que se rebelan promovidos por una robot revolucionaria). Nació en Viena. hijo. Tendencia medievalizante (catedral. − Primera etapa alemana: Las tres luces −> historia de amor y muerte Primeros años 20 −> La saga del Doctor Mabuse Los Nibelungos −> no la podemos calificar de expresionista aunque en algunos aspectos plásticos sigue al expresionismo (síntesis formal. Muchos rasgos propios de Fritz Lang: − Individuo enfrentado a su destino − Plástica dominada por el volumen Rodó más películas en Alemania. Estética gótica. en la entrevista admitió el cargo y se fue a 49 . Hacía películas policíacas y de terror en Alemania. y tuvo problemas con la censura nazi. Además temáticamente está entre el expresionismo y otras tendencias. Para construir una atmósfera que alcanza un crescendo dramático. En torno a 1933 Gebels le ofreció el puesto de director de la UFA. Su esposa era escritora y guionista. se formó como arquitecto. adaptación de una novela de su esposa (el héroe capitalista. Diseños mezclados con elementos del `art decó'. ropa) · Fritz Lang (1890−1976) Representa otro paso más de la evolución del Expresionismo. A caballo entre el expresionismo y el cine posterior. líneas) Todo esto terminará de cuajar en Metrópolis. física tridimensional del espacio. Rasgos de lo que después serán las antiutopías futuristas del siglo XX (1984 George Orwell −> el progreso no nos conduce a ninguna mejora) Apogeo del expresionismo de dimensiones arquitectónicas.

colaboradora del régimen nazi. Los estudios tenían pocos recursos. Las primeras filmaciones recogen la coronación de Nicolás II. Lo va a desarrollar más con un aparato crítico y teórico. Se decidió nacionalizar la industria del cine bajo un comité de Propaganda y Educación encabezado por la mujer de Lenin. La producción rusa (prerrevolucionaria) va a ser muy escasa. Fragmento inicial de Metrópolis (1926) TEMA 7: LA ESCUELA SOVIÉTICA Asociada al Constructivismo ruso. ceñidas al código del Realismo−Socialista (descripción verídica e históricamente concreta 50 . En 1917 los afiliados al Partido Bolchevique eran 200. aunque fuera como propaganda. cuando Stalin sube al poder y con su Realismo−Socialista afectará al cine. el último zar. pero Stalin era mucho más intolerante y esto se extiende al arte. El cine soviético arranca del punto en que se había quedado Griffith en cuanto a las posibilidades del montaje. porqué cambiará el panorama. porqué Rusia va a ser una colonia de la casa Pathé. En sus primeros momentos problemas por la falta de profesionales. Esta dificultad para arrancar es porqué no había público que demandase ese espectáculo. Es la que más proyección va a tener en el desarrollo posterior de la Historia del Cine. porqué los pocos que había emigraron por la revolución. En 1919 se parte casi de la nada. Entre 1906 y 1916 se produce un incremento en la cinematografía pero muy por detrás de Europa. Además Rusia quedó bloqueada por el bloqueo aliado y quedó aislada. Lenin y Troski tenían una sólida formación intelectual y apoyaron el cine. el mejor instrumento para propagar estas ideas era el cine. Su uso del montaje se va a ver condicionado por: − La escasez de celuloide − Las ideas constructivistas El esplendor va a darse los 10 años siguientes. con diversas lenguas y gran porcentaje de población analfabeta. El partido bolchevique va a necesitar del cine. Para extender estas nuevas ideas en un país tan vasto y variado. Durante los años de Stalin las películas eran bastante mediocres. Abrieron una escuela de cine (la primera del mundo).París dejando a su mujer Thea von Harbou. melodramáticos (influencia del cine danés) y también algunas vanguardias como la futurista. desde 1924 (primeros alumnos de la escuela) hasta 1934. CIRCUNSTANCIAS HISTÓRICAS Y ÁMBITO TEÓRICO El cine llega a Rusia a la vez que al resto de Europa (1896?). Casi todas las producciones del periodo inicial serán de temas históricos. porqué las clases bajas eran demasiado pobres y las clases altas eran demasiado conservadoras. Pero el desarrollo será muy lento.000. Con la llegada de la revolución en 1917 se cuando se inicia la industria del cine soviético con cierta fuerza. Arrancaban de las propuestas de la vanguardia constructivista. 1.

pantalla dividida. actores. desuavecimientos. TEORÍAS Y OBRAS. El hombre de la cámara (1929) la más memorable. elementos de animación. De El hombre de la cámara parten cosas de la Nouvelle Vague Cinema−verité − kino−pravda En este montaje utilizaron lentes prismáticas. Intolerancia tenía `montaje alterno'. Sólo Eisenstein hizo obras de interés. Periodo de esplendor de la vanguardia en los años 20 y algo de los 30. desde 1921. 2. el objetivo principal/único es la educación comunista de las masas). · Dziga Vertov (1896−1954) Uno de los pocos que había empezado antes de la revolución y que se quedó en el país. Labores documentales que recibirían impulso por un decreto de Lenin que establecía un porcentaje de documentales dentro del conjunto de películas.de la realidad en su desarrollo revolucionario. Sus reflexiones sobre el montaje se debieron a la necesidad (falta de celuloide) con lo que se planificaban las películas sobre papel. Esto obligaba a un ejercicio de reflexión teórico y abstracto y se dejaría ver en el cine. Entre 1922 y 1925 rodó hasta 23 propuestas según el cine−verdad (cinéma−vérité o kino−pravda). o Tres cantos a Lenin (1934). como Kino−glaz (1924). LOS CINEASTAS MÁS SIGNIFICATIVOS. decorados. Grupo de adeptos a sus teorías que partían de una base: la cámara podía recoger la realidad con fidelidad absoluta. Partiendo de esto se proponía prescindir de todo lo que pudiera alterar la realidad: guión. sobreimpresiones. Así surgieron obras que él ya filmaba y montaba. La película Intolerancia gustó mucho a Lenin porqué hay una huelga al principio. la película más 51 . maquillaje. En 1917 trabajaba como montador del material que enviaban a Moscú los operadores que seguían la marcha del Ejército Rojo. todo esto se aleja del modelo de cine−verdad porqué esta manipulando la imagen y se adentra en la poesía cinematográfica. montaje en stacato?? (A golpes). y se convirtió en el referente. fotogramas tintados. Pero morirá joven de un ataque cardiaco. que se coló tras el bloqueo y se uso como referente o modelo. Con esto quería construir una historia de la revolución que más o menos pudo concluir entorno a 1921. que era completamente objetiva. Luego montada debidamente era capaz de mostrarse de forma natural y desvelar sus significados ocultos. iluminación artificial Esto compone el cine−ojo o cine−verdad. que contribuye a las teorías del montaje de toda la Escuela Soviética. · Lev Kulechov (1899−1970) Muy influyente porqué fue profesor de la Escuela de Cine. Partía de Intolerancia de Griffith como banco de pruebas. Aquí se forman Pudovkin y Eisenstein. Libertad absoluta para jugar con las posibilidades del cine y el montaje. y esta imagen daba carta abierta en este país. como otras vanguardias. Impartía unas peculiares teorías y se le asignó un taller propio apartado: Laboratorio experimental. en buena medida por las presiones ejercidas por parte de la censura de Stalin.

Este efecto Kulechov fue utilizado por Hitchcock en Psicosis. muy presente dentro de las formulaciones teóricas del cine soviético. No ocultaba que la obra más importante era El Acorazado Potemkin. Pudovkin (1893−1953) Más popular que Eisenstein dentro de la URSS. Kulechov sistematiza esto para demostrar que el significado no depende de lo grabado. Para él la esencia de la película no era el fotograma. El montaje alterno rompía con la unidad de espacio. la función que le asignemos. sino de los planos que lo rodena. es decir . Kulechov experimentó con sus alumnos sobre cómo una película podía transmitir a la audiencia: Efecto Kulechov (experimento): Montaba un plano neutro del rostro de un actor asociado con distintos planos: Plano: los espectadores entendían − Plato de sopa −−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−− expresión de hambre − Mujer en ataúd −−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−− expresión de tristeza − Niño jugando −−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−−− expresión de alegría Los espectadores entendían diferentes expresiones cuando era siempre el mismo plano de rostro. Teorías de la psicología de Paulov. Misma base que Eisenstein pero planteamientos diferentes. acción y tiempo. En 1924 se produce la primera película del taller de Kulechov. sino la construcción de varios fotogramas. Demostraron. West en la tierra de los bolcheviques. `montage' −> palabra que tomaron del francés. Un mismo plano en comedia o drama puede funcionar de manera diferente. y en 1926 Dura Lex. yendo más allá de Griffith que el montaje podía ser simbólico o metafórico. de las cadenas de montaje. con la que cayó en desgracia y se le inhabilita. el 52 . de los reflejos condicionados. Desde este punto de partida van a reelaborar todavía más las posibilidades del montaje.elaborada en cuanto a montaje en esos momentos. parodia de una película americana: Las extraordinarias aventuras de Mr. Nueva líneas de vanguardia: − Aprendizaje del cine americano (Griffith) − Postulados marxistas y dialéctica marxista − Constructivismo artístico Autores: Pudovkin y Eisenstein · Vsevolod I. El montaje pues tenía una función metafórica o asociativa que no residía en las imágenes sino en cómo las percibías el público.

lo cual hace que se considere su etapa muda como su mejor etapa. Escena final de La madre − Acciones en paralelo (montaje) − Metáforas visuales Persecución − Montaje en paralelo < Manifestación − Metáforas visuales: puños cerrados. Además clima de presión política con Stalin. guiones de hierro. Su primera obra fue un corto sobre los reflejos condicionados de Paulov. En contra de Eisenstein que organizaba el montaje a posteriori con el material. Hizo que su carrera se viniera abajo porqué se sumo a esto la llegada del sonido y no supo hacer este salto. conocedor de la pintura. bandera que pasa de unos a otros − La Marsellesa como himno revolucionario · Sergei M. 53 . cerrados. utilizaba argumentos muy estructurados. angular). basada en una novela de Gorki es La madre (1926). de familia aristocrática. Es otro ingeniero frustrado. En 1927 hay un nuevo aniversario. En la manera de organizar el montaje también eran diferentes. donde estaba todo (duración de planos. posición. Su obra es clave y punto de referencia para el desarrollo posterior del cine. de la puesta en escena de la historia (escena del deshielo de La madre) metáfora integrada de manera natural en la historia.montaje de planos. lo hará en todo su cine. por eso es más popular que Eisenstein. Pasó al cine desde el teatro (diseñador de decorados −> Teatro del Proletariado de Moscú). Muy dotado para el dibujo. Excelente teórico del cine. porqué Pudovkin procuraba que los elementos metafóricos del montaje partiesen de la lógica de la narración. va a personalizar los hechos revolucionarios. Además de esto. Ingresó en el Ejército Rojo durante la Guerra Civil. Eisenstein (1898−1948) Sólo hizo 7 películas. sino en personajes concretos. La película que le dará fama internacional. Concienciación de la madre por la ideología revolucionaria de su hijo. A Pudovkin El final de San Petersburgo Pudovkin cayó en desgracia con Tempestad sobre Asia (sobre la colonización de Mongolia) por la visión poco favorable que daba en esta película. Era una obra de encargo de 1925 para conmemorar los hechos revolucionarios de 1905 (primeras revueltas prerrevolucionarias). no como hacía Eisenstein (por ejemplo: reses en el matadero para la metáfora de la muerte de unos obreros) que resultaba más forzado. y se producen encargos a ambos. Se diferencia de Eisenstein en que focaliza la acción no en los hechos históricos en general.

Lo primero que hizo fue rodar un cortometraje que pasaban en sesiones teatrales. intuyendo quizás que había tocado techo en el teatro. Desde el teatro se embarca en su primer largo: La huelga. la cultura japonesa. por lo menos en las primeras películas.Influenciado por teorías como la biomecánica de Meyerhold y las teorías de la FEKS o Fábrica del Actor Excéntrico. el pueblo revolucionario en conjunto es el protagonista de sus primeras películas y esto las hacía más difíciles para el público. Bebe de estas fuentes para darse cuenta de que el montaje puede servir para mezclar estímulos que provocan en el espectador una reacción que puede estar prevista de antemano. Con esto aglutinaba información de diferentes espectáculos. que era el mejor del momento. con lo que consigue un objetivo: de la imagen al sentimiento y del sentimiento a la idea uno de los objetivos de su cine. Impacto visual que ataca a la sensibilidad del espectador. de cabaret. el montaje de atracciones. lo que da idea de sus intenciones intelectuales que lleva al extremo en Octubre. Llegó a plantearse adaptar el Ulises de Joyce al cine. − Personaliza puntualmente pero no tiene unos únicos protagonistas en toda la historia. y los cómicos americanos. Después el acorazado defendió al pueblo 54 . Parte de la historia real de la marcha de la guerra ruso−japonesa que había provocado uno de los intentos de sublevación del ejército ruso en 1905. Además de la teoría de los reflejos condicionados de Paulov y el concepto de producción en cadena (montage) o taylorismo. Proyección de la escena de la masacre de huelguistas en La huelga − No hay protagonistas personalizados. − También alguna metáfora como las de Pudovkin (tinta−sangre) − Eficacia emocional. los protagonistas son los huelguistas. Antecedente teatral (de vanguardia) es fundamental. un grupo teatral de inspiración futurista de Leningrado. Antes de este proyecto y consciente de su falta de experiencia vio cientos de películas americanas y expresionistas. Parte de la tripulación del acorazado príncipe Potemkin mantenía contactos clandestinos con organizaciones obreras de Odessa y esto dio lugar a las sublevaciones y las posteriores represalias al pueblo de Odessa. El Acorazado Potemkin (1926) Éxito que da lugar a un nuevo encargo por parte del Estado. cuyo instrumento máximo radicaría en el montaje. los espectáculos circenses. para conmemorar los hechos de la Revolución contra el zarismo de 1905. La huelga se concibió como una parte de la historia de la revolución que iba a tener 8 partes. subvencionado por el Teatro del Proletariado de Moscú: Contó con Eduard Tissé como operador. Esa es la noción de `atracción'. normalmente agresivos. Mezcla de estímulos. Reivindicaba el uso de estímulos estéticos. Empezó a atraerle el realismo del cine. y después rodó La huelga (1925) donde ultimó el montaje de atracciones que había utilizado en teatro y que se entiende perfectamente en la escena de la masacre de huelguistas que se mezcla en montaje con la matanza de reses en el matadero. teatro de marionetas alemán. ideologías teóricas con recursos de procedencia diversa: commedia dell'arte italiana. atracciones como estímulos para que encadenados mediante el montaje dieran lugar a una respuesta predeterminada en el espectador.

saliendo victoriosos (donde acaba la película) pero fueron devueltos a Rusia y tuvieron un trágico final que la película omite. se hacen con el control de la nave.de Odessa. situaciones diversas): · Hombre sin piernas. impotencia · Los que van cayendo −> más pausado. 5. Ataque −> montaje por corte directo. El barco llega al puerto de Odessa donde se instala la capilla ardiente de un marinero. montaje muy rápido llevado al extremo. Complejidad del montaje. muy rápido. 3. 4. Notable por su fragmentarismo. Solidaridad del pueblo. De los 600 planos de media en las películas americanas a los 1346 de esta. Mal estado de la carne. Disparan los cañones del barco contra el ejército. Aparece el intertítulo: De repente y cambia la acción del ambiente de júbilo a un clima de terror por la llegada de las tropas zaristas que atacan a la población. pudiendo salir del puerto sin ser represaliado. Película mítica por su uso del montaje en toda la película y sobre todo en la secuencia de las escaleras. y sus tripulantes se refugiaron en Rumania. Contar el conjunto de la revolución con una sola parte (la sublevación del Potemkin). En marzo empezó a rodar en Belingrado. a veces en cámara lenta 55 . Se hacen de nuevo a la mar y saludan a los barcos zaristas que también se solidarizan. Secuencia de las escaleras: Se inicia con una serie de primeros planos que individualizan a los que van a ser protagonistas de la masacre (población de Odessa). pero al llegar allí se da cuenta de que puede hablar del conjunto de todos los hechos con esa historia sólo. 5 actos: 1. cojo (dificultad. pero hacía mucho frió y tuvo que trasladarse a Odessa donde había previsto el rodaje de una sola escena. El comandante toma represalias con los que se habían quejado y esto termina provocando el triunfo de un motín dentro del barco. En medio del caos distintos ritmos en la acción: − Ritmo de los soldados: · Botas que van descendiendo · Más espaciado −> fusiles disparando − Población que huye (más complejo. descontento de la tripulación 2. Las fuerzas zaristas cargan contra la población civil de Odessa en las escaleras por su solidaridad con los sublevados.

forma de proceder que hace del cine un arte. ya que esta es una secuencia muy estudiada por su montaje. El acorazado decide disparar y emerge una de las metáforas del cine de Eisenstein: el despertar popular o el despertar del pueblo materializado en las esculturas de los leones (en este caso la metáfora sí surge de la historia. Secuencia de la escalera de Odessa (Acto 4) − Ejército zarista −> máquina de matar. convirtiéndose en un paradigma del heroísmo del pueblo y su rebeldía.− La madre que lleva en brazos a su hijo herido y pide auxilio a las tropas − Los que se esconden y deciden pedir clemencia y diálogo − Cochecito que cae por las escaleras después de que la madre sea asesinada. en Los intocables hace un homenaje a esta secuencia. Esto se articula mezclando: − Planos cortos y largos − Planos cortos y generales − Dominio horizontal o vertical − Dilataciones y contracciones − Retrocesos y avances Juega con efectos antagónicos para llegar a una síntesis: situación de caos. Brian de Palma. anónimos (Goya −> Fusilamientos del 2 de Mayo). 56 . Cierre de la secuencia−> llegada de los cosacos. −−−−−− Aparato teórico de Eisenstein muy solvente. sobre todo del montaje. Con esta escena Eisenstein logró crear un drama épico que ha trascendido del contenido político de su época. (ritmo muy pautado) Todos estos ritmos de acciones distintas están amalgamados por una dialéctica visual que nace de los postulados de la dialéctica marxista: TESIS + ANTITESIS = SÍNTESIS (Concatenación de opuestos para llegar a una síntesis) Es lo que se va a trasladar a la construcción de las imágenes: Mezcla de opuestos visuales −> crescendo dramático parecido a lo que se conseguía con el salvamento en el último minuto de Griffith. que llegan por el pie de la escalera y la población queda rodeada.

Uno de los fallos. Además del montaje de atracciones los categoriza de más sencillo a más complicado: − Métrico − Rítmico − Tonal − Armónico − Intelectual (dialéctica marxista) De la dialéctica marxista: TESIS + ANTITESIS = SÍNTESIS idea abstracta (esto implica que no es necesario que haya una narración) montaje de atracciones: Imagen emoción idea montaje intelectual Imagen idea (concepto abstracto) Con este concepto iba a trasladar al cine El Capital de Marx. Se basó en el libro Los 10 días que conmovieron al mundo del estadounidense John Reed. y hubo que volver a remontar toda la película.Para explicar esto del montaje como esencia recurría a explicar 3 campos de la actividad humana: − Biológico −> (Paulov) − Mecánico −> movimiento − Llingüístico −> conocimiento de la escritura ideográfica japonesa Dos realidades/ideogramas daban lugar a una realidad/ideograma diferente: Por ejemplo: ideograma `boca' + ideograma `pájaro' = cantar Elabora una sofisticada teoría sobre el montaje. que no llegó a hacer. pero en 1927 se le encargó otra película: Octubre donde aplicó esto. Partía de la idea de que los hechos históricos eran ya conocidos y por ello debía reflexionar sobre lo ocurrido. Utiliza con mucha frecuencia el montaje intelectual. sino ideas abstractas. además de esto. Iba a cubrir toda la revolución pero al final decidió centrarse en Leningrado. Imágenes que no tenían relación entre sí para provocar un choque y una idea. Ya no eran emociones condicionadas. Fuerte contenido irónico. Película terminada en Octubre de 1927. 57 . es que se trata de una película tan intelectual que resultaba difícil de ver porqué no hay emociones. sólo ideas abstractas. pero cae Troski y se elimina visualmente de fotos y documentales.

No sólo fue un cambio técnico. con lo que no podrá terminar la 3ª entrega. pero eran difíciles de mantener. en teoría contradictorio con sus primeras propuestas sobre el montaje. acompañamiento por música). donde plantea el uso contrapuntístico del sonido. También otros intentos de Pathé. Además la amplificación era todavía muy rudimentaria y los discos tenían una duración muy limitada. El camino hacia el sonido había tenido muchos ensayos. pero no con su perfil de experimentación Secuencia de Octubre TEMA 8: LA IMPLANTACIÓN DEL SONIDO 1. y tuvo problemas con la censura. Pero el principal problema era el de la sincronización entre imagen y sonido. siempre estuvo acompañado por el sonido (explicadores. Cambia en su propuesta cinematográfica porque en estas películas experimenta con otro recurso: el plano−secuencia. De modo que estos ensayos se vieron inviables. Se había empezado a estudiar en Alemania a principios de 58 . LA LLEGADA DEL SONIDO Proyección fragmento Cantando bajo la lluvia Nos vamos a centrar en el caso estadounidense que es donde antes y más rápido se da este paso.Esfuerzo por crear un nuevo lenguaje mediante el cine. También a él le debemos el'kinetofonógrafos' de visionado individual. La solución de calidad estaba en el sonido óptico. Los aparatos con discos grabados se colocaban detrás de la pantalla y se simplificaba. el sistema de trabajo y todo el sistema de organización económica. Con la `implantación del sonido' nos referimos a los diálogos sincronizados con la imagen. Vuelve obligado cuando Stalin le amenaza con decirle a su madre que es homosexual y divulgando su vida íntima. Otros títulos: Lo viejo y lo nuevo Estuvo en EEUU para familiarizarse con las técnicas del sonido y en Méjico hizo una película sobre la revolución mejicana: Que viva México (1931−21).. muchos en el mismo origen del cine. como el `kinetoscopio' de Edison para acompañar al `fonógrafo'. que sincronizaba un disco grabado en un fonógrafo. Rodará una de las primeras y mejores películas sonoras del cine soviético: Alexander Nevsky (1938). supuso un cambio en el lenguaje cinematográfico. En los años 40 −> Iván el terrible donde mostraba un perfil parecido a Stalin. la interpretación. Hubo otros intentos cono el `cronofonógrafo' de la casa Gaumon. · Genealogía del sonido En rigor no hubo nunca cine mudo. que requirió una transición más compleja que se dio en los últimos años de la década de los 20. la relación del público con la pantalla.

Tuvo bastante éxito y en 1927 grabaron Orgullo de raza que además de música incorporó ruidos y efectos sonoros. y el cambio era costoso. por la demanda del público. decidió hacer un recorte de gastos suprimiendo las orquestas de sus cines y proyectando las películas acompañadas por sonido pregrabado. · Consecuencias inmediatas del sonido La mayoría de las consecuencias inmediatas fueron negativas. los diálogos seguían en intertítulos. con la patente de Tri−Ergon (transformación de impulsos eléctricos en variaciones de la luz. sólo sonorizados los números musicales.siglo. que sólo alquilaba los equipos a alto precio (a productores y salas). No estaban sincronizados los diálogos. porqué el cine era muy rentable en ese momento. la industria quedó colapsada y tuvieron que recurrir a los que en los años 20 conocían el tratamiento del sonido: la radio y la telefónica. La adaptación al sonoro fue muy costosa. cuya patente tenía la Western Electric. Con el sonido llegó una nueva mecánica de trabajo completamente diferente. que fue Don Juan (1926). Es el sistema que se ha utilizado hasta hace 10 años. Así producen su primera película sonora. · El paso del mudo al sonoro en USA En términos técnicos estaba resuelto el problema para 1924. pero en un par de momentos Al Johnson hablaba con su madre y pronunciaba una frase hacia el público. Esto obligó al resto de estudios a plantearse su producción. pero los estudios no consideraron oportuno entrar en esta transformación. Sólo la Warner Bros. En 1930 se habían homologado internacionalmente los aparatos de lectura óptica desapareciendo el problema de las patentes.. pero luego se utilizó el sistema de sonido óptico. Consecuencias negativas: 59 . Hacia 1928 el paso al sonido fue irremisible. Tuvo también mucho éxito y ese año hicieron El cantor de jazz que acababa de triunfar en Broadway. Esto tuvo un efecto subyugador para los espectadores y quedó evidenciado que el cine hablado era muy bien acogido por el público. En 1929 las ¾ partes de EEUU ya eran sonoras. Estas industrias introdujeron capital en el cine (la banca Morgan y banca Rockefeller estaban detrás de estas empresas). primero se utilizó el sistema `Vitaphone'. y viceversa). que en 1926 estaba al borde de la bancarrota. La radio popularizaba las canciones de las películas y el público ya no quería películas mudas en un par de años. no el óptico. sino que se aplicó sólo música de fondo. gracias al `Vitaphone'. EL cantor de jazz era una película muda. una válvula que proporcionaba amplificación para grandes espacios. Entre las positivas está que se duplicó el número de espectadores y se dieron cambios revolucionarios a largo plazo en la expresión cinematográfica. Al principio incorporaron el sistema de disco sincronizado. Fue Lee de Forest quien en 1923 puso un sistema de sonido parecido al alemán que incorporaba el `triodo'. Sólo quedaba el problema de la amplificación.

ese motor además hace mucho ruido y por eso las cámaras tuvieron que ubicarse dentro de armazones de madera desde cuyo interior se rodaba para que los micros no captaran el ruido de la cámara. 60 . que redactaron un manifiesto entorno al sonido donde preveían del posible arcaísmo que podía provocar la llegada del sonido. se eliminan los intertítulos que interrumpían la acción. esto demuestra que el cine sonoro aporta novedades expresivas al cine. René Clair afirmó que asustaba el deplorable uso que los industriales podían hacer del cine sonoro. Se mejoró mucho la tecnología (los micrófonos. que no tuviera porqué acompañas o estar sincronizado. directores de teatro (coordinación de trabajo donde se hablara) y por supuesto actores con voz fonogénica. King Vidor fue el primero que lo hizo.) y se incorporaron más canales de sonido (4 canales o bandas: voces en primer término. porqué el doblaje libera a la cámara de su inmovilidad en primer lugar. para crear una especie de profundidad de campo con sonido). porqué era necesario gente que supiera escribir diálogos que resultasen naturales. consideraba que esto había acabado con la pantomima. poco captación. Queda inmovilizada porqué el sonido obligaba a incorporar un motor a las cámaras para filmar. 3º efectos sonoros y 4º música. − Tampoco había actores acostumbrados a recitar diálogos y algunos no tenían una voz fonogénica o no sabían pronunciar o recitar bien un diálogo. no hay guionistas acostumbrados a escribir diálogos verosímiles para ser recitados. eclipsando logras como el montaje.− El sonido paralizó la cámara. 2º voces de fondo. Chaplin por ejemplo. Con esto se agilizaba el cine gracias a la elipsis visual. sobre todo de NY y de Broadway. Además tenían un registro muy limitado y eran omnidireccionales. Además se produce una variación en el lenguaje cinematográfico: − Mayor continuidad narrativa. − Los primeros diálogos son muy convencionales. Llegaron profesionales del mundo del teatro. como las de los cineastas soviéticos. sino que el sonido fuera más libre (debate años 30: sonido sincrónico o asincrónico). pero sobre todo va a permitir introducir nuevas formas de expresión porqué no todo lo que se ve tiene que oírse o no todo lo que se oye tiene que verse. El espectador puede reconstruir lo que sucede. se introduce la lengua de los diversos países sustituyendo al lenguaje universal del gesto. La más notable fue el descubrimiento del doblaje. Hubo algunas soluciones para estas controversias. esta era la verdadera preocupación de los sectores cultos. los actores permanecían quietos y sus movimientos sujetos a los micros. − Fin de la universalidad del cine. memoria y que supieran recitar bien el texto. y así se aumenta la fluidez. Rouben Mamoulian utilizó 2 micrófonos con 2 canales de sonido. − Se pasa de los 16 a los 24 fotogramas por segundo para que la sincronía con el sonido fuese correcta. sobre todo entre los sectores más cultos. Así llegaron algunas de las más importantes estrellas del cine clásico de los años 30 y 40. También hubo otras posturas conciliadoras. − Los micrófonos de la época eran muy rudimentarios. en City Street (1931) donde empleó el flash back sonoro (la protagonista recuerda una frase sin pronunciarla. con Aleluya (1929) doblada toda a posteriori. Todos estos inconvenientes hicieron surgir controversia entorno al sonido. También lo hicieron otros dos cineastas: Lewis Milestone en Sin novedad en el frente (1930) y Lubitsch en el desfile del amor (1929) y Montecarlo (1930). Por esto ellos proponían un uso antinaturalista del sonido. incorporar el sonido más tarde.

− Se reduce el número de planos y se alarga la duración de los planos (plano−secuencia) − Era posible representar realidades que estaban fuera de la pantalla. El dirigía los números musicales y el resto estaba en manos de otro director. De esto se derivan otras películas que 61 . a la comedia verbal. su evolución estética. Trabajaba de forma muy bien definida: los números musicales eran autónomos. El sonido no se hubiese desarrollado tan deprisa sin el musical. Estilo visual definido del todo a partir de 1935. Bubsby Berkeley fue el que hizo avanzar el género. `Gold Diggers' tiene un tratamiento más realista y estaban dirigidos a las clases más populares. Experimentó con lentes caleidoscópicas y zooms. Formas caleidoscópicas. Con esto se enriquece el contenido sin que aumentase el número de imágenes. aunque tuviesen que ver. que tiene más posibilidades porqué puede aunar 3 ritmos diferentes: − Bailarines − Escenarios móviles − Cámara Los 2 primeros los tenía ya el teatro. raíles de travellings. La cámara rompe con la posición estática del espectador. que nació también gracias al sonido. En 1932 se asentó el género musical con figuras como Busby Berkeley y Fred Astaire. quedó claro la diferencia entre el musical en teatro y en cine. Las primeras películas eran muy toscas. − Uso dinámico de la cámara (grúas muy rápidas. y apareció el musical como género nuevo. tomas cenitales. Convirtiéndose junto al western en uno de los géneros más importantes y genuinos del cine americano. Características: − Escenarios muy extravagantes. con efectos teatrales. Calle 42 es su primer gran éxito. − diálogo ¿? ) · Transformación de géneros e introducción de géneros nuevos La comedia pasó de la pantomima. anunciaba que se estaba demandando un cine en el que la narración no se viese fragmentada por los intertítulos (+ fluidez. casi surrealistas. El último cine mudo. Al principio se adaptaban obras de Broadway pero esto pronto quedó obsoleto. + economía de medios. −Trucos para hacer que los cuadros de coristas se convirtieran en modelos geométricos abstractos. + posibilidades expresivas. El musical Las películas musicales fueron las primeras responsables de liberar a la cámara de esa inmovilidad. visiones novedosas). Este dinamismo frenético de la cámara es la mayor aportación de Berkeley.

a partir de los años 30. Fred Astaire superó la mediocridad de los bailarines aportando elegancia. Debutó en el cine interpretándose a sí mismo en un número musical en Flyind Down to Rio. utilizando sobre todo panorámicas sin cortar siempre que se podía. que hasta entonces era una joven secundaria. Mankiewick. Había química. creatividad. y de aquí apareció el deporte de natación sincronizada. Fred Astaire sobre todo aportó calidad a este género. que fue bailarín. El conflicto de los Marx que eran adaptaciones de obras de teatro con las que habían triunfado. llevó a que la RKO lo convirtiera en protagonista. Fragmentos de musicales La comedia · Los hermanos Marx: La comedia hablada Transformación del género cómico gracias al sonido. Los Hermanos Marx son los de más calidad. no representaban un parón. Mientras los números de Berkeley eran habitualmente independientes. con la renovación del género en los primeros años 50. Berkeley pues convirtió al musical en un género cinematográfico. Después de esta película pasaron a ser 3 y empezaron a trabajar para la MGM coordinados por el duro productor de Irvind Thalberg (el que vetó el trabajo de Stroheim) quien se ocupó de pulir a los Hermanos 62 . En la línea argumental seguían un esquema muy simple: historia de amor con final feliz. Después les siguieron otros títulos en colaboración con Herman J. El género crece y madura dando protagonismo a la palabra. los números de Astaire empleaban la danza para expresar emociones y ayudaban a desarrollas la acción. junto a Ginger Rogers. como las acuáticas (Esther Williams). La comedia fue el género de más éxito junto al musical en la época del paso al sonoro. Provenía de Broadway. La palabra era la esencia de su comicidad. comedias simples de soporte para estos magníficos números musicales. investiga diferentes posibilidades de baile. muy cuidadoso y minucioso en las coreografías. Otro gran renovador será Fred Astaire. Fred Astaire fue el responsable de estos éxitos porqué era el coordinador de la filmación y coreografía. El musical vivirá una segunda edad dorada. Esto será definitivamente adaptado con fórmula en los años 50. coreógrafo y director de los números musicales. El éxito de esta película. Se hicieron hueco cómicos nuevos. Fred Astaire fue uno de los renovadores del musical de los años 50 en la MGM. cuyo humor iconoclasta está en estado puro y parodia las situaciones absurdas que se producen por el exceso de poder. juegos de palabras Entraron en el cine con el sonido en 1929: Los 4 cocos. diferentes recursos. Fueron los reyes del musical en la década de los 30. En cuanto a sus carreras por separado. dinamismo. desde la pantomima hacia la palabra. conexión verosímil entre los dos actores. Ginger Rogers era una excelente bailarina que hasta entonces hacia papeles populistas y de graciosa en el teatro. Gracias a Berkeley y a Astaire se produjo una renovación del lenguaje gracias a la aparición del género del musical. Comenzaron en el teatro: humor verbal. con esto logró la unión perfecta de sonido y ritmo visual.se hicieron. con quien hicieron grandes obras como Sopa de Ganso (1933). Aunque el gesto no perdió importancia.

verbo cáustico. No dejaban títere con cabeza con su humor. Tuvo un gran éxito que no pudieron repetir en Amor en conserva (1948) donde debutó Marilyn. cinismo anarquizante (contrastaba con otras fórmulas de humor de la época muda como El gordo y el flaco) satirizaban sobre todo. sin dejarles concesión a la improvisación. poeta − Chico −> pragmático. cámara prácticamente pasiva. • proyección de fragmentos de Una noche en la ópera TEMA 9: EL SISTEMA DE ESTUDIOS 1. anarquista. pero participaron juntos en 1946 en Una noche en Casablanca para ayudar a Chico en sus apuros económicos. Este método no les dañó demasiado. amigo de las millonarias. Se acabaron de definir los perfiles de los personajes: • Groucho −> dandy. Y también contribuyó a corregir la gran agresividad que tenían y que podía poner al público en su contra. Rodaron más películas: Tienda de locos les llevó a separarse en 1942. • Harpo −> mudo. representa al inmigrante italiano (acento italiano) Además Thalberg les asignó a Sam Wood como director que introdujo bloques neutros entre los gags y números musicales. haciendo que ayudasen a alguien e introduciendo personajes rígidos. juegos de palabras origen en el No sense de Edward Liar y en la literatura de Lewis Carol: · Humor de traducción casi imposible · Dialéctica delirante −> lógica del absurdo · Comportamiento −> seres que no creen en el orden sino en la destrucción (nihilismo de entreguerras que caracterizaba a la sociedad). Claves de su comicidad: • Humor verbal. LA CONSOLIDACIÓN DE LOS GRANDES ESTUDIOS EN ESTADOS UNIDOS ( completar con el libro Historia del Cine página 108 y siguientes − El sistema de estudios) ·Metro−Goldwyn−Mayer Tomamos a la Metro−Goldwyn−Mayer como ejemplo de los estudios de la época. con guionistas. más ceñido al ámbito anglosajón por su difícil traducción (juegos con la lengua inglesa: retruécanos. • Mucha improvisación. el más verbal. haciendo otra gran obra: Una noche en la ópera (1935) La muerte repentina de Thalberg durante el rodaje de Una noche en las carreras hizo que su carrera entrara en un lento y progresivo declive. Incrustaban distintos gags seleccionados que comprobaban antes ante el público. adinerados para proyectar la energía negativa sobre ellos.Marx. 63 . • La palabra prevalece sobre lo visual: sustitución del lenguaje universal del cine y la comedia. nexo de unión.

Además cada productora tenía su estilo particular. Ted Turner. Selznick. Proyectaban una película importante y otra de relleno. San Francisco. con lo que contaban con una financiación casi ilimitada. donde se proyectan estas películas compradas en los 80. los grandes musicales (renovación del musical en los años 40−50). que tenía que conseguirse muy barata porqué se pagaba como por una película. como el melodrama. con la sentencia judicial que obligaba a las majors a desmembrar su estructura vertical y deshacerse de las salas de exhibición (ley Shermann) 64 . Su origen está en el nacimiento de los programas dobles que tuvieron éxito en los años 30.. Contaba con el patrocinio de la Chase National Bank. las programaciones dobles desaparecieron y con ellas desaparecieron las series B cuya función fue asumida por las series de TV (argumentos simples. La ley anti−trust hizo perder a las majors sus cadenas de salas. Se advertía la influencia del neorrealismo italiano: − Marty −> Delbert Mann − 12 hombres sin piedad −> Sidney Lumet Decadencia del sistema de estudios. − Filosofía a la hora de abordar los temas: optimismo materialista. −−−−−− Similares trayectorias podrían establecerse para el resto de los estudios.En los años 30 la Metro−Goldwyn−Mayer llegaba a sacar una película a la semana. por eso en Canal Satélite Digital existe el canal TCM (TCM?? o MGM??). Durante esta transición. tono escapista − Se especializó en determinados géneros. y la adaptación de obras literarias (Lo que el viento se llevó) Típicas producciones de la MGM son: Gran Hotel. su forma de abordar los temas. cada uno con su propia personalidad en cuanto a géneros y estilos. El Mago de Oz o Lo que el viento se llevó. esquemas reiterativos). A finales de los años 50 se produjo una disolución de estudios por una sentencia antimonopolio. como empresa. su estética. Por debajo de las `Majors' y las `Minor' estaban las Poverty Row. las películas de serie B sirvieron para que se iniciaran algunos cineastas independientes (películas en blanco y negro. Estudios dedicados a producciones de series B. de serie B. En 1973 desapareció como estudio pero no como firma financiera. El resto se disgregó pero se mantuvo la firma. Actividad casi dictatorial del director de ejecución. en pantalla convencional en vez de panorámica. Crisis a partir de 1948. Además tenían contratados en plantilla a los profesionales de todo tipo. Producir una película de serie B no tenía riesgos porqué iba unido a una de serie A (reestreno en salas más inferiores) pero tampoco daban grandes beneficios. La MGM se caracterizaba por: − Gran potencia de luz para realzar el lujoso diseño de decorados y vestuarios. de bajo presupuesto). como sus grandes productores ejecutivos: Irving Thalberg y David O. Las películas de la MGM fueron compradas por el magnate de la CNN. 40 y 50 ( por el descenso de espectadores durante la crisis de la época).

Todo esto provocó una ruptura del sistema de estudios. aunque también hubo otros condicionantes: − Llegada de la TV − Caza de brujas − Cambio de forma de producción propuesto desde Europa. Por ejemplo: surgieron en las películas las camas separadas en los matrimonios. Esto condicionó la producción estadounidense hasta mediados de los años 50. Esto se relajó a mediados de los años 50 cuando llegó la TV y las películas europeas. además de la aparición de nuevas formas de ocio. Además elaboró una de las primeras listas negras con 117 personalidades conflictivas por cuestiones personales (divorcios. Baby Doll. hacía cumplirse este código redactado por un jesuita. homosexuales. para que redactara un código al cual debían atenerse guiones y películas. encabezado por Joseph Breen. los cineastas estaban maniatados por: 65 . en 1922 los productores contrataron los servicios de un ultraconservador. así como el mestizaje. drogadictos. mediante una lenta decadencia en los años 50 que se terminó de disolver en los 60. escándalos) que quedaron excluidos. Se prohibía cualquier práctica natural de un adulto. cuando este código comenzó a relajarse y el cine pudo reflejar la evolución de la vida americana con mayor fidelidad. Podía mostrarse un vicio durante las 6 primeras bobinas si la virtud triunfaba en la 7ª bobina. con el Código Hays (1922) de autocensura. Así en 1933 se creó el Código de Producción que era una actualización del Código Hays. Un comité. y sobre todo no se podía poner en cuestión la autoridad. Además esto impidió que la mayor parte de los cineastas pudieran tratar los temas candentes de la sociedad contemporánea. hecho bajo la supervisión de la Iglesia Católica. Este control se hizo más necesario porqué se introducía la palabra. ni alcohólicos se suprimieron todo tipo de desnudeces. Esto se complicó más con la llegada del sonido. Desde los comienzos el cine estuvo amenazado por la censura. entre 1934 y 1954. Para hacer frente a estas circunstancias. La filosofía principal de este código era el principio de los valores compensados. danzas o vestidos sugerentes. sobre todo las relacionadas con la sexualidad.Esto obligó a los grandes estudios a reestructurarse. · El Código de producción y la censura Para entender el sistema de estudios es fundamental entender el funcionamiento de la censura en esa época. no existían homosexuales. y pasaron a la vida real. Se prohibieron expresiones vulgares. En los años 20 aparece la nueva moralidad y se produce un descenso de espectadores en las salas (Liga de la Decencia). hasta este extremo llegó la presión de la censura. Will Hays. Gracias a esto se hicieron películas como El hombre del brazo de oro. que a través de la Legión de la Decencia boicoteaba las películas que no cumplían estos valores. La gata sobre el tejado de cinz Antes de esto. Aspectos condicionados por el cine que se trasladaban a la vida real.

(pues esta era una formula rentable). Era irlandés. y su política del New Deal. Peligrosa tendencia a la estandarización. Sin novedad en el frente (una de las primeras antimilitaristas) Tiempos Modernos de Chaplin Furia de Fritz Lang Las uvas de la ira de John Ford − Otra línea −> Individualidades destacadas: aquellos cineastas que incluso dentro de la estructura del sistema de estudios fueron capaces de hacer obras personales. Obras de enorme interés. por eso su carrera sólo se hace posible dentro del sistema de estudios. Muy influenciado por la literatura contemporánea (generación perdida). facilitaba la evasión en momentos de crisis y daba grandes beneficios económicos. la política social. provenía de una familia numerosa. Individualidad. un cine muy rentable que el público entendía muy bien. pero sí estaba este peligro. Esta peligrosa homogeneización del cine fue salvada gracias a 2 líneas de actuación que iban a dar como resultado grandes obras cinematográficas: − Cine crítico: Máximo desarrollo a finales de los 40 (posguerra II GM). películas que rompían con el optimismo capitalista (prosperity de los años 20) que era el ámbito cultural de EEUU en esos momentos. Además estaba asociado con la subida al poder en 1932 de Rooselvet. No todo el cine era estándar. Rodó más de 125 películas. Movimiento paralelo a la literatura. También tenía un lado negativo que venía de la mano del crecimiento industrial. También había productos de gran calidad. Cine minoritario en cuanto a cantidad. Josef von Sternberg y sobre todo John Ford. Individualidades como: William Wyler. por hacer rentables a los productos.− La estructura impuesta por el sistema de estudios − El código de autocensura Este es el ámbito en el que debemos entender La edad de oro del cine estadounidense o cine clásico. Tuvo diversos oficios. la revisión de los valores de EEUU y su posición crítica. ya que la creatividad y la investigación quedaban en 2º término. Muchos pudieron incluso hacer su obra gracias al sistema de estudios. con el mayor intervencionismo estatal. en diferentes oficios 66 . · JOHN FORD El mejor representante de un cineasta con entidad propia pero perfectamente integrado dentro del sistema de estudios. Howard Hawks. estilo que se reflejaba. A partir de 1914 ayudaba en el cine a su hermano Francis.

A partir de aquí el western va a poder utilizarse como metáfora para expresar la esencia de la sociedad estadounidense. esto le permite introducir el valor de la psicología dentro del western. Paisajes tópicos. de bajo presupuesto. Se inició en el cine mudo. Trilogía sobre las formas de vida típicamente americanas: − Doctor Bull (1933) − El juez Priest (1934) − Steamboat Round the Bend (1935) Desde fecha temprana estuvo influido por Murnau. la mayor parte westerns de bajo presupuesto donde marcó su estilo de gran solidez narrativa. y le permite ahondar en el triunfo del espíritu comunitario (los personajes superan sus prejuicios. Con el sonido hizo la transición sin dificultad. Durante el camino evolucionan los conflictos dramáticos. esto se advierte en El delator (un renegado del IRA en la rebelión irlandesa de 1922) que tuvo el reconocimiento unánime de la crítica y le permitiría rodar la siguiente: La diligencia (1939). unión que permite que venzan las adversidades). porqué el ya había asimilado para su cine las lecciones del cine de cámara alemán o kammerspielfilm (importancia de la psicología de los personajes. como los sus dos guionistas: Dudley Nichols y Jhonson. haciendo películas sobre el Oeste. Se añade un personaje correcto.relacionados con el cine. Sólo algunos fragmentos de Caballos de hierro (1924) para la Fox. realismo. La diligencia marcará muchas de las fórmulas y estereotipos del western. Además rescata a 67 . impacto visual. No se ha conservado casi ninguna de estas películas. Esto influenciaría por ejemplo a Sin perdón de Clint Eastwood (tensión psicológica de los personajes). emocionales Este formato ya se había dado en literatura (nave de locos). Un grupo de desarraigados que hacen un viaje por territorio apache. Hizo hasta 52 largometrajes entre 1914 y 1928. para la Universal. En La diligencia además empezó a resolver la historia con un sistema visual muy reiterado en su obra: mezcla de tomas generales. que hasta entonces estaba sólo preocupado por la acción. También es eficaz la mezcla de escenas de pura acción y otras en que un primer plano consigue expresar las emociones del personaje. su gran película de los años 30. También conflictos por la convivencia forzada. Película modélica por la unidad espacial. que fue uno de los puntales del western. panorámicas largas combinadas con primerísimos planos de rostros o del interior de la diligencia. La diligencia se considera el primer western moderno. unidad de coherencia temporal) y además contaba con un equipo de trabajo con el que se sentía cómodo. Buscó posibilidades nuevas a este género que se revitalizó. Es un contraste muy eficaz. la esposa embarazada de un teniente de caballería que va a buscar a su esposo. Con esta película creó la fórmula del western de itinerario.

nueva etapa que nos lleva a la renovación de su propia cinematografía. de la que se estaban recuperando. obsesionado con la venganza). Problemática de la dificultad de entendimiento entre indios y colonos. Ajustado trabajo de fotografía. Todo esto bajo el formato de comedia. En 1942 hace ¡Qué verde era mi valle!. muy preocupado por la experimentación. Tras la guerra. también basada en una novela inspirada en el proceso de industrialización en Gran Bretaña. Reseñable trabajo de fotografía. Después volvió al western. Centauros del desierto (1956) Un mercenario del ejército que regresa a su hogar y pierde a casi toda su familia menos a su sobrina que es secuestrada por los indios.John Wayne de la serie B. Retrata la crisis del país. Es la historia de su búsqueda. John Ford se implicó de manera estrecha con el bando aliado trabajando como documentalista en la 2ª Guerra Mundial. (Exteriores naturales con iluminación natural lo que crea una dramática verosimilitud). director de fotografía: Gregg Toland. como personaje de hombre de conciencia. Patetismo y veracidad por esta estética de la luz y los escenarios naturales (muy poco frecuente en EEUU en la época). John Wayne interpreta aquí uno de sus mejores papeles (personaje atormentado. Prescinde de las fuentes de luz artificial. Reflexiona sobre estos tipos apoyándose en un recurso que maneja con habilidad: el paisaje como elemento que sirve para reflejar estados anímicos y cambios emocionales. esto marca estéticamente la película. sobre las clases menos favorecidas. Fragmento inicial de La diligencia (Stagecoach) −−−−−− También trabajó en otros géneros. casi siempre luz natural o luces rebotadas. hizo Las uvas de la ira. la adaptación de una novela de temática social. nueva técnica: Technicolor y nueva pantalla: Vistavisión 68 . la problemática Fragmento de Las uvas de la ira − Iluminación − Delicadeza con que trata la miseria −−−−− Durante la guerra. Acercamiento a la temática social infrecuente en el cine estadounidense de la época. 1940. Evidente estructura de itinerario (de Oklahoma a California). Trabajos muy distintos: Un hombre tranquilo (1952) Un boxeador que regresa a Irlanda. Henry Fonda entra como otro de sus actores predilectos. la naturaleza como representación de los impulsos. Al años siguiente. Cuenta el complejo proceso de concienciación de un hijo de campesinos que terminará haciéndose comunista por la pobreza y la miseria. Es una comedia que ha sido revalorizada por la manera en que hace caricatura irónica de los diferentes tipos de una sociedad rural. Evolución psicológica en el itinerario.

TEMA 10: EL CINE FRANCÉS DE ENTREGUERRAS Y EL REALISMO POÉTICO 1. − Durante mucho tiempo fue considerado conservador. Estaban en manos de las potencias extranjeras (la americana Western 69 . Retratos tanto individuales como colectivos. Hombres en el itinerario que le imponen las circunstancias (comportamiento de los individuos diferentes ante un hecho crucial). Juega con la elipsis y la sugerencia de manera sutil: historia de amor entre Ethan y su cuñada que aparece sutilmente sugerida. Improvisador impulsivo. influyó en muy diversos cineastas. en las diferentes fases del producto. − Completa técnica. No sólo representación de la fórmula clásica. FRANCIA EN LA DÉCADA DE LOS 30' (Transición del mudo al sonoro) · Marco político y sociológico: Francia estuvo marcada por una crisis económico y moral tras la 1ª Guerra Mundial. Es más lo que intuimos que lo que se expresa de manera explícita. Va a lo esencial sin hacer superficial la película o sin hacer una narración simplista. − Siempre fórmula similar: ideas puestas en cuestión en una situación límite. Aunque en su obra denuncia cualquier cosa que rebaje la dignidad del ser humano. No tenía método de trabajo. elipsis en la escena de descubrimiento del cadáver violado de su sobrina mayor enterrada entre unas piedras. cuando se afronta la dificultad los personajes maduran. · La industria del cine francés El cine francés no tiene patente de sonido. Enorme control en el producto final. mostrando su madurez. Se reflexiona acerca de la imposibilidad de entendimiento entre indios y colonos. Rompió con las normas clásicas de iluminación. − Uno de los mejores narradores de la historia del cine americano. Mayor autoría sobre su obra. Por su aprendizaje en la década de 1910 y 1920 en casi todos los puestos. En los años 20' hay una recuperación de la producción francesa pero se ve nuevamente frenada por la llegada del cine sonoro. Economía narrativa. que también acabó con la experimentación de las vanguardias. esto no se expresa con imágenes. En esta línea insistirá en su madurez: El hombre que mató a Liberty Balance (1962)y Otoño Cheyenne (1964) donde muestra a los indios desde otro punto de vista. además sólo las firmas más importantes fueron capaces de trabajar en los primeros años del cine sonoro.Además John Ford demuestra su madurez y sabiduría narrativa. − Temáticamente le interesan los seres humanos. Fragmentos de Un hombre tranquilo y Centauros del desierto Cualidades y características de John Ford por su capacidad para crear obra original y de calidad dentro de este sistema de estudios: − Tendencia a eliminar cosas superfluas.

Con el sonido en Francia: • Cambian las salas de producción • Menos ingresos por le crisis (la gente no va al cine) En los 30' la Gaumont fue a la quiebra. pero René se opuso. Jean Vigo. Después. los efectos de la depresión del 29' se hacen patentes en Francia en el 32'. Su escasa producción es tan importante porqué es un autor que representa muy bien el final de las vanguardias y representa el modo de cómo puntualmente se prolongó su trabajo principios de los 30'. René Clair Trabaja ya en el cine mudo. 70 .O. Gran éxito de público. se desarrolló la obra de René Clair. Mediante el sonido asincrónico y el montaje en paralelo equiparaba este trabajo con una prisión. Luego estuvo poco tiempo en Hollywood. Hubo directores que se adaptaron al cambio. que a veces eran sólo sociedades creadas para producir una película. muchos directores de ese tiempo han dejado testimonios de gran calidad. Esto denota que tenían constancia de lo que se hacia a un lado y otro del océano. Esta película es una crítica a la deshumanización del trabajo de las cadenas de montaje de las fábricas. Sólo la Pathé y la Gaumont fueron capaces de trabajar.. tras la 2ª Guerra Mundial vuelve a Francia. Así el cine quedó en manos de las empresas más pequeñas.Electric o la alemana Tobis−Klangfilm). comentando que constituía un honor haber inspirado a tan grande creador. Jean Renoir. siguiendo la moda de los musicales pero adelantándose al sonido asincrónico. En 1935 Chaplin hace Tiempos Modernos. como Renoir. A partir de 1935 quiere cambiar. Se va a Londres a trabajar con Alexsander Korda. Pese a todos estos inconvenientes fue una gran época para el cine francés. Vuelve al sonido asincrónico con ¡Viva la libertad! en 1931 (En marzo de 1932 se inauguró el Cine Goya con esta película en V. Muere a los 29 años y pese a eso se considera una de las más grandes figuras del cine francés. En medio del ambiente de crisis económica y estructural pero también de florecimiento creativo. el cine más antiguo de Zaragoza). Se inicia en el sonoro con películas como Bajo los techos de París. produciendo obras de René Clair. Jean Vigo Es un caso diferente. luego desarrollado por los rusos. pero lo más interesante de él es cómo supo adaptarse al sonido creando una fórmula popular. La Tobis se estableció en Epinay. donde rodó Me casé con una bruja (1942) (inauguración del cine Eliseos en 1944). afectando también a la industria cinematográfica. La Paramount construyó en Joinville unos estudios para rodar las versiones de sus películas en distintas lenguas europeas (La niña de tus ojos). pero otros no supieron adaptarse al nuevo lenguaje que suponía el sonido (Abel Gance) del mismo modo que pasó en EEUU. por lo que la Tobis quiso que René lo llevara a juicio por plagio. en los alrededores de París. Ponía música popular o imágenes de una estilización idealizada de las clases populares de París. A esto hay que sumarle la crisis económica.

pseudodocumentales (al modo de Dziga Vertov. la decadencia de una ciudad frívola. Cero en conducta) es un mediometraje de ficción. Nihilismo. L'Atlante (1934) es una poesía surrealista más el realismo populista de moda en Francia en los años 30'. artística también. Jean Vigo será el maestro espiritual de otros movimientos posteriores. como liberación de los instintos más internos) Fascinante simbólica y también estéticamente. Rompe con el peso del texto dando importancia a las imágenes. (Como Michael Moore). entre ellos: • La tradición naturalista francesa (de autores como Zola) • La pervivencia de las tradiciones fílmicas del origen del cine francés (Zecca o Feuillade) • No se entiende sin los guionistas Charles Spaak y Jacques Prévert 71 . Rebelión de un grupo de alumnos contra sus profesores tiránicos. Pero también es importante porqué su cine se hizo dentro de una libertad creadora muy poco habitual (libertad temática). más que verbal. En 1934 fallece. Emil Khol. • Proyección secuencias de Cero en conducta (1933) • Crítica al sistema educativo francés • Muy visual • Profesor malo (sucio. Influencia de Chaplin. por lo que se prohibió en Francia. • Ruptura estética. Es iconoclasta porque: • Critica el sistema educativo francés y a todo el sistema moral francés. pero con el montaje toma posición. la ida al extranjero de profesionales (como René Clair) llevan a que la producción descienda en un tercio. Punto de vista documenta. Zéro en conduite (1933. La secuencia de la rebelión (primero en la habitación y luego en entrega de premios) consigue un equilibrio entre la fuerza de la revuelta con un tono evocativo que pocas veces ha fraguado bien en el cine con el tema de la adolescencia. como el neorrealismo italiano. Tono anarquizante que había aprendido en su casa. Una pareja de recién casados que recorre canales y ríos en una lancha. Iconoclasta en formas y contenido. Renoir. Realidad como punto de partida. Enlaza las vanguardias con el paso al sonoro. Luis Buñuel (usó las plumas de las almohadas igual que Buñuel en La edad de oro. la rodó). pederasta) • Clases de la sociedad francesa representada por peleles en una escena • EL REALISMO POÉTICO: JEAN RENOIR El realismo poético es sólo una parte muy pequeña de la producción francesa de los años 30' y con tampoco demasiado éxito de público pero es fundamental para la posterior evolución del cine. La crisis del cine con la quiebra de la Pathé y la Gaumont.A propos de Nice (1929) sigue los planteamientos de las sinfonías metropolitanas. con cuyo hermano el operador Boris Kaufman. pero es una sátira crítica sobre la superficialidad de Niza. El período conocido como Realismo poético (1934−1940) es el resultado de una mezcla de diferentes ambientes y cineastas. Es muy visual. Los pequeños estudios son los que mantienen la producción. Mezcla de recuerdos de la infancia (algo autobiográfico) y crítica de la sociedad francesa.

Pero la influencia de Stroheim no está sólo en la interpretación. representando así una cierta estructura de clases francesa.) Recoge el espíritu de pasividad de Europa que llevó a la 2ª Guerra Mundial (al final del día para entender la situación del momento). Gracias a su interpretación. de Luchino Visconti.. La purga del bebé. Trata de un inmigrante italiano en el sur de Francia. A partir de 1936 hay una crítica más negativa. muy movida. sólo Los bajos fondos es una obra menor. Estos aviadores son recluidos en una fortaleza comandada por un noble prusiano.. visión más simbólica. y con amplia intervención de actores no profesionales. Escrita por Renoir en colaboración con Charles Spaak. Erich von Stroheim La golfa) con el gusto por las puestas en escena espectaculares. poética que matiza el tratamiento de la realidad • Realidad siempre sometida a un destino fatal. a veces teatralizantes. Uno de ellos es un aristócrata. En 1931 rodó su primera sonora. Entre 1936 y 1939 hace 6 películas. 5 obras maestras del cine francés. Se centra en tres pilotos franceses que han caído prisioneros de los alemanes durante la Gran Guerra. y se mezcla con el uso de una gestualidad cotidiana que él había aprendido de los cuadros de su padre. actores de la calle (características que luego son las del Neorrealismo italiano. sino también en aspectos temáticos: • Hondura temática 72 . pero que siempre que se pudiera fueran escenarios naturales (Madame Bovary)..) • Todo esto se estiliza por una visión romántica. protagonizada por su actor favorito en esta etapa. rodada íntegramente en escenarios naturales. hoteles de prostitución. el acercamiento a lo cotidiano. caduca. que traspasó a Renoir un método de interpretación basado en la commedia dell'arte italiana y las reelaboraciones posteriores de Molière y Shakespeare. Su carrera comenzó con 8 películas mudas.• Las aportaciones últimas de autores como René Clair y Jean Vigo • El impulso progresista del Frente Popular de 1935−37 (gana las elecciones la izquierda francesa) Esto da de resultado una tendencia del cine francés: realismo poético. Michel Simon. Nana (1927). Su obra madura en 1934. Suya fue la idea de embutirse en un collarín y corsé ortopédico que traducía visual y simbólicamente la parálisis de una Europa rígida. La felicidad es inalcanzable • Representa la unión del gusto populista de los años 30' con el nihilismo del período de entreguerras (desesperanza. negativismo. Hijo del pintor Auguste Renoir. el personaje cobró tanta entidad que se convirtió en una de las claves del film dando unidad a toda la acción. pletórico con el triunfo de la izquierda del Frente Popular. interpretado por Erich Von Stroheim. como en Un día en el campo. Se siente más libre y quiere hacer del cine un instrumento de alcance social. en los que se puede ver el influjo de las atmósferas de su padre. tabernas. El trabajo más significativo de esta época y que le llevó a tomar mayor contacto con la realidad es Toni (1934). entre las que cabe destacar una adaptación de Zola. Se puede encontrar carga humanista por encima de otros valores. que integra el naturalismo (Zola. otro un mecánico y el tercero un banquero judío. JEAN RENOIR La figura más representativa del Realismo Poético. que se caracteriza por: • Personajes de las capas más bajas de la sociedad (con excepciones) • Estos personajes se mueven en ambientes perdidos (muelles. De ello deriva una puesta en escena muy ágil. que fue su joven ayudante de dirección). En las primeras películas sonoras empieza a preparar su cine.. pesimismo. La gran ilusión (1937)...

Tomas cada vez más largas unidas a mucha profundidad de campo. en la regla del juego que enmascara toda vitalidad de los individuos. • Es el primer director del sonoro que ajusta sus planos continuamente. Su cuarta película en inglés. aviador heroico. pero es pesimista. The River. al ir más allá de los recursos del montaje gracias a la composición en profundidad y al plano−secuencia (porqué se basa en la novela y no en el teatro). sin olvidar a Orson Welles. La Marsellesa (1937) una de las primeras que se hizo con recaudación popular y La bestia humana (1938). 7 novelas. que narra el despertar de unas adolescentes en la India. Ya había experimentado esto en Toni. Por esta razón. que terminan mezclándose. Parece cómica. actualización de una novela de Zola. Trata de una mansión campestre con dos pisos. permitiendo con ello pronunciarse sobre los personajes y su ambiente sin trocear el mundo ni distorsionar su unidad natural. el de los aristócratas arriba y los criados abajo. es el único que va a morir. El uso continuado del plano−secuencia fue influenciado por Stroheim. que se había unido a Alemania en su lucha contra Francia. su autobiografía). El sureño y Diario de una camarera. ejercería una considerable influencia sobre algunos de los movimientos que más innovaron la marcha del cine a partir de la segunda posguerra: el neorrealismo italiano. fracasa con el público y se va a Italia invitado por Mussolini para dar clases y rodar La Toscana de Puccini. Estalla la guerra y ha de salir deprisa de Italia. a raíz de su muerte. El plano−secuencia es más humanista porqué es más próximo a la visión humana Cine a la medida del hombre. Copia los diálogos. En 1969 se retira a California donde se dedicó a escribir compulsivamente (una biografía de su padre. Se basa en la novela Les caprices de Marianne de Musset que fue muy alterada. Gracias a ello los personajes pueden moverse con mayor libertad. y la Nueva Ola francesa. gracias a lo que los personajes quedaban vinculados al ambiente que les condicionaba. la rueda marcado por la angustia. 73 . pero La gran ilusión va a ser la primera película que en su totalidad está formada por planos−secuencia muy largos. abiertamente humanista. Se abre con los acordes de Las bodas de Fígaro de Mozart. fue una producción británica y la primera en color. aunque para ello tuviera que mover el objetivo continuamente para mantener la profundidad de campo. Se estrena unas semanas antes de la 2ª Guerra Mundial. André. Basada en una doble moral. convirtiendo la casa por la noche en una extensión de la cacería de conejos y faisanes a la que se han dedicado por la mañana. Así emigró a EEUU donde rodaría Aguas pantanosas. La regla del juego Se da la ruptura del Frente Popular. La regla del juego (1939) es su última película francesa de este período. Una mujer que deber elegir entre varios hombres que la pretenden pero elimina al único que la ama de verdad.• Modo en que usa el plano secuencia y la profundidad de campo que a menudo vertebra la película. es el único sincero que no sigue la regla de las apariencias. quien le consideraba el padre de una nueva estética. quien animaría a Renoir a articular toda la película así. El ejemplo de Renoir sería exaltado sobre todo por André Bazin. Tras rodar y estrenar la película. quien en 1979 escribió un gran elogio sobre Renoir.

Pasividad de la sociedad. pero no renuncia a ser marquesa por el amor verdadero. un aviador joven. Todo se concentra en un fin de semana de cacería. Acaban de firmar Francia y Gran Bretaña el Tratado? De Munich (1938) por el que Alemania puede invadir Checoslovaquia. finalmente. amigo de la infancia de la marquesa. La relación de los sirvientes entre sí (la criada se lía con un cazador furtivo. Fórmula más fluida que concede que podamos entender el medio del desarrollo de la acción. también enamorado de ella. Él tiene muchos años una amante oficial. • Planos−secuencia • Profundidad de campo (espejo) 12 74 . Se va abriendo porque cada vez entran más personajes. pero está casada con el guardabosques que debe perseguirle −> nota de humor) Aparece Renoir (disfrazado de oso) como personaje.Los personajes son estériles. Ella se lía con muchos. con todos los amantes. • Antisemitismo (los sirvientes hablan del pasado judío) • Himno militar de los años 30' de los partidarios del fascismo • Juegos de enredo gracias a la profundidad de campo. sus acciones no llevan a nada: Las personas son improductivas. • La regla del juego (1939) Matrimonio de marqueses.

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