ARTE PRÉ-HISTÓRICA

Um dos períodos mais fascinantes da história humana é a Pré-História. Esse período não foi registrado por nenhum documento escrito, pois é exatamente a época anterior à escrita. Tudo o que sabemos dos homens que viveram nesse tempo é o resultado da pesquisa de antropólogos, historiadores e dos estudos da moderna ciência arqueológica, que reconstituíram a cultura do homem.

Divisão da Pré-História: Paleolítico - a principal característica dos desenhos da Idade da Pedra Lascada é o naturalismo. O artista pintava os seres, um animal, por exemplo, do modo como o via de uma determinada perspectiva, reproduzindo a natureza tal qual sua vista captava. Atualmente, a explicação mais aceita é que essa arte era realizada por caçadores, e que fazia parte do processo de magia por meio do qual procurava-se interferir na captura de animais, ou seja, o pintor-caçador do Paleolítico supunha ter poder sobre o animal desde que possuísse a sua imagem. Acreditava que poderia matar o animal verdadeiro desde que o representasse ferido mortalmente num desenho. Utilizavam as pinturas rupestres, isto é, feitas em rochedos e paredes de cavernas. O homem deste período era nômade. Os artistas do Paleolítico Superior realizaram também trabalhos em escultura. Mas, tanto na pintura quanto na escultura, nota-se a ausência de figuras masculinas. Predominam figuras femininas, com a cabeça surgindo como prolongamento do pescoço, seios volumosos, ventre saltado e grandes nádegas. Destaca-se: Vênus de Willendorf.

PALEOLÍTICO INFERIOR • • • • • aproximadamente 5.000.000 a 25.000 a.C.; primeiros hominídios; caça e coleta; controle do fogo; e instrumentos de pedra e pedra lascada, madeira e ossos: facas, machados.

PALEOLÍTICO SUPERIOR • • instrumentos de marfim, ossos, madeira e pedra: machado, arco e flecha, lançador de dardos, anzol e linha; e desenvolvimento da pintura e da escultura.

Neolítico - a fixação do homem da Idade da Pedra Polida, garantida pelo cultivo da terra e pela manutenção de manadas, ocasionou um aumento rápido da população e o desenvolvimento das primeiras instituições, como família e a divisão do trabalho. Assim, o homem do Neolítico desenvolveu a técnica de tecer panos, de fabricar cerâmicas e construiu as primeiras moradias, constituindo-se os primeiros arquitetos do mundo. Conseguiu ainda, produzir o fogo através do atrito e deu início ao trabalho com metais.

Todas essas conquistas técnicas tiveram um forte reflexo na arte. O homem, que se tornara um camponês, não precisava mais ter os sentidos apurados do caçador do Paleolítico, e o seu poder de observação foi substituído pela abstração e racionalização. Como conseqüência surge um estilo simplificador e geometrizante, sinais e figuras mais que sugerem do que reproduzem os seres. Os próprios temas da arte mudaram: começaram as representações da vida coletiva. Além de desenhos e pinturas, o artista do Neolítico produziu uma cerâmica que revela sua preocupação com a beleza e não apenas com a utilidade do objeto, também esculturas de metal. Desse período temos as construções denominadas dolmens. Consistem em duas ou mais pedras grandes fincadas verticalmente no chão, como se fossem paredes, e uma grande pedra era colocada horizontalmente sobre elas, parecendo um teto. E o menir que era monumento megalítico que consiste num único bloco de pedra fincado no solo em sentido vertical. O Santuário de Stonehenge, no sul da Inglaterra, pode ser considerado uma das primeiras obras da arquitetura que a História registra. Ele apresenta um enorme círculo de pedras erguidas a intervalos regulares, que sustentam traves horizontais rodeando outros dois círculos interiores. No centro do último está um bloco semelhante a um altar. O conjunto está orientado para o ponto do horizonte onde nasce o Sol no dia do solstício de verão, indício de que se destinava às práticas rituais de um culto solar. Lembrando que as pedras eram colocadas umas sobre as outras sem a união de nenhuma argamassa. NEOLÍTICO • • • • • • aproximadamente 10.000 a 5.000 a.C. instrumentos de pedra polida, enxada e tear; início do cultivo dos campos; artesanato: cerâmica e tecidos; construção de pedra; e primeiros arquitetos do mundo.

IDADE DOS METAIS • • • • • • aproximadamente 5.000 a 3.500 a.C. aparecimento de metalurgia; aparecimento das cidades; invenção da roda; invenção da escrita; e arado de bois. As Cavernas Antes de pintar as paredes da caverna, o homem fazia ornamentos corporais, como colares, e, depois magníficas estatuetas, como as famosas “Vênus”. Existem várias cavernas pelo mundo, que demonstram a pintura rupestre, algumas delas são: Caverna de ALTAMIRA, Espanha, quase uma centena de desenhos feitos a 14.000 anos, foram os primeiros desenhos descobertos, em 1868. Sua autenticidade, porém, só foi reconhecida em 1902. Caverna de LASCAUX, França, suas pinturas foram achadas em 1942, têm 17.000 anos. A cor preta, por exemplo, contém carvão moído e dióxido de manganês.

Caverna de CHAUVET, França, há ursos, panteras, cavalos, mamutes, hienas, dezenas de rinocerontes peludos e animais diversos, descoberta em 1994. Gruta de RODÉSIA, África, com mais de 40.000 anos. Parque Nacional Serra da Capivara - Sudeste do Estado do Piauí, ocupando áreas dos municípios de São Raimundo Nonato, João Costa, Brejo do Piauí e Coronel José Dias. Nessa região encontra-se uma densa concentração de sítios arqueológicos, a maioria com pinturas e gravuras rupestres. Para saber mais visite: http://www.fumdham.org.br/parque.asp Onde havia gente - Os arqueólogos já encontraram vários registros de seres humanos préhistóricos que viviam no Brasil há pelo menos 11.000 anos: Curiosidades: "O trajeto marítimo do Homo erectus" e "Os ancestrais do homem moderno": Os primeiros homens da América - Estudos mostram que a colonização deve ter sido mais complexa do que se pensava:

Técnica do carbono-14
LAHR, Marta Mirazón. Folha de S.Paulo. 15 Junho 1997.

O carbono é um dos elementos mais importantes na composição dos organismos. Os seres vivos absorvem constantemente uma forma estável desse carbono, o carbono-14, que tem uma "meia-vida" de cerca de 5.730 anos (meia-vida é o tempo necessário para reduzir pela metade, através de desintegração, a massa de uma amostra desse elemento radioativo. Depois que morre, o organismo deixa de receber carbono-14. Esse, agora um fóssil, vai perdendo seu carbono-14 pela desintegração (ou "decaimento"). Para medir o que restou de C-14 é preciso queimar um pedaço do fóssil, transformando-o em gás, que é analisado por detectores de radiação. O C-14, ao se desintegrar emite elétrons que podem ser captados pelos detectores. O índice de C-14 é comparado com o carbono não radioativo, o C-12, para se checar quanto do carbono radioativo decaiu, e com isso determinar a data na qual o organismo morreu. Uma variante mais moderna da técnica é a AMS (sigla em inglês para espectrometria de massa por acelerador), que também mede a proporção na amostra do carbono-14. Sua vantagem é poder fazer a medição, diretamente, sem que seja necessário queimar parte razoável da amostra para fazer o teste. A datação por esse método é especialmente valiosa para materiais orgânicos.

STONEHENGE
Como foi construído: Os maciços arcos de pedra da Planície de Salisbury aguardam o nascer do sol como vêm fazendo, dia após dia, há 4 mil anos. Erguem-se em silêncio vigilante, a cor escura em contraste com o céu cinzento.

Uma dica importante foi o formato do buraco onde fica a coluna maior.duas colunas de 45 toneladas e uma viga transversal de 10 toneladas. com um dos lados fortemente inclinado. O transporte e a edificação de 40 blocos de rocha. Os grandes blocos de pedra foram puxados colina acima por 130 soldados. os criadores de Stonehenge fizeram pequena elevação no meio das colunas. chamados de trilithons. sem guindastes ou roldanas? Há três verões. O anel externo e a arcada interna foram feitos de blocos de arenito provenientes das Planícies MarIborough. certo grupo de entusiastas liderado pelo engenheiro Mark Whitby e pelo arqueólogo Julian Richards mostrou como os arcos podem ter sido construídos. diretor da Associação.500 anos mais tarde. programado para prever os eclipses do sol e da lua. sem atentar para o fato de que aqueles antigos sacerdotes celtas faziam os cultos em bosques de carvalhos sagrados. Os megálitos têm aproximadamente sete metros de altura e pesam até 50 toneladas.e como. em suas atuais posições? E por que fizeram isso? Na Idade Média. "No ano 2600 a. situadas a cerca de 217 quilômetros dali". No entanto. Como poderiam os homens primitivos ter colocado aqueles gigantescos blocos de pedra. O astrônomo Sir Fred Hoyle declarou que Stonehenge é um computador pré-histórico. o monumento de Stonehenge era explicado pelo poder da magia: Merlin. a êntase faz a aresta de uma coluna parecer perfeitamente reta. "Esses rapazes da Idade da Pedra eram engenhosos".C. admite Whitby. com potencial humano e gerenciamento ágil. são lançados ao mar sobre trilhos.Stonehenge pode ser a maior maravilha do mundo pré-histórico.C. Quando prepararam as pedras. O círculo foi deliberadamente alinhado com o nascer do sol do solstício de verão. Whitby teve de pensar como os construtores originais. Que força bruta foi necessária para colocar aquelas pedras na posição. Contrariando o efeito de distorção da paisagem. no entanto. mago da corte do Rei Arthur. Ele era vertical. e não em templos de pedra. Whitby construiu uma rampa . Ninguém sabe exatamente o que é Stonehenge.foram puxadas sobre trilhos de madeira besuntados com sebo. Tudo começou logo após o ano 3000 a. pesando até 50 toneladas cada um. Recente estudo feito pela Associação Arqueológica de Wessex resolve as discussões sobre a idade de Stonehenge. Com certeza. No século 19. Acredita-se que foram construídos por volta do ano 2400 a. 1. é um de seus maiores mistérios. feitas de concreto . Entretanto. enormes pedras retangulares foram trazidas das Montanhas Preseli." Isso é incrível. com outro bloco de 10 toneladas colocado sobre eles. Whitby coordenou uma operação onde réplicas das pedras . hoje temos conhecimento de quando foi construído . é obra que mesmo hoje seria de tirar o ânimo de qualquer um. invocara as forças das enormes pedras da Irlanda. com as quilhas lubrificadas. Para alcançar seu objetivo. Uma versão do sistema em que os grandes navios. o amanhecer do dia mais longo do ano. situadas 40 quilômetros ao norte. num campo não muito distante de Stonehenge. diz Andrew Lawson. técnica que na Grécia. Os maiores dolmens da arcada interna. seria chamada de êntase. numa área circular delimitada por pequena encosta com grande fosso externo. Sacerdotes barbados em vestimentas brancas celebrando o solstício de verão em Stonehenge constituem sua imagem mais duradoura. não foi suficiente para erguer as pedras.C. são constituídos por dois pilares denominados megálitos e uma pedra colocada sobre o topo. A força bruta. bombeiros e estudantes usando quase 150 metros de corda. a descoberta mais intrigante da Associação é que o tempo de construção de Stonehenge talvez tenha sido bem menor do que se imaginava: "O monumento poderia ser construído em uma geração. as pessoas estavam presas à idéia dos druidas.

e * aspecto misterioso e impenetrável.flores de papiro.túmulo para a nobreza. ao longo dos séculos. "Com 140 pessoas. Junto a essas três pirâmides está a esfinge mais conhecida do Egito.perto do buraco e mandou que puxassem a enorme pedra sobre ela. eu poderia construir Stonehenge em menos de 20 anos. e Hipogeu . Era uma civilização já bastante complexa em sua organização social e riquíssima em suas realizações culturais. orientando toda a produção artística desse povo. destinado ao faraó.flor de lótus. O fundamento ideológico da arte egípcia é a glorificação dos deuses e do rei defunto divinizado. Pesados fragmentos de rocha foram colocados sobre o bloco de pedra e empurrados para sua extremidade. As pirâmides tinham base quandrangular eram feitas com pedras que pesavam cerca de vinte toneladas e mediam dez metros de largura. para o qual se erguiam templos funerários e túmulos grandiosos. Os tipos de colunas dos templos egípcios são divididas conforme seu capitel: Palmiforme . e Lotiforme . conseqüentemente. interpretando o universo. um aspecto enigmático e misterioso. justificando sua organização social e política. O interior era um verdadeiro labirinto que ia dar na câmara funerária. os egípcios acreditavam também numa vida após a morte e achavam que essa vida era mais importante do que a que viviam no presente. além de serem admiravelmente lapidadas. que representa o faraó Quéfren. Além de crer em deuses que poderiam interferir na história humana. Divididos em três categorias: Pirâmide . Os templos mais significativos são: Carnac e Luxor.túmulo destinado à gente do povo. Quéfren e Miquerinos. As características gerais da arquitetura egípcia são: * solidez e durabilidade.flores de palmeira. a viga transversal foi arrastada sobre a rampa mais íngreme. ambos dedicados ao deus Amon. Whitby acredita ter solucionado o problema. Os monumentos mais expressivos da arte egípcia são os túmulos e os templos. A religião invadiu toda a vida egípcia. Os três blocos se adaptaram de maneira impecável e formaram a perfeita arcada do século 20. Mastaba . foram construídas por importantes reis do Antigo Império: Quéops. local onde estava a múmia do faraó e seus pertences. mas a ação erosiva do vento e das areias do deserto deram-lhe. até que a terça parte da pedra se projetasse sobre o buraco.túmulo real. Para seu conhecimento . ARQUITETURA As pirâmides do deserto de Gizé são as obras arquitetônicas mais famosas e. * sentimento de eternidade. Papiriforme .” ARTE EGÍPCIA Uma das principais civilizações da Antigüidade foi a que se desenvolveu no Egito. determinando o papel de cada classe social e. Momentos depois. o peso desses fragmentos fez o imenso bloco se inclinar e cair dentro do buraco abaixo dele. A porta da frente da pirâmide voltava-se para a estrela polar. Uma vez erguido o segundo bloco. a fim de que seu influxo se concentrasse sobre a múmia.

Os próprios hieróglifos eram transcritos. Recobriam colunas e paredes. que acompanham o texto com singular eficácia. não utilizavam letras como nós. na pedra. que eram quase sempre pintados. Com esse objetivo ainda. que descobriu o seu significado em 1822. ou seja um rolo de papiro com rituais funerários que era posto no sarcófago do faraó morto. era ilustrado com cenas muito vivas. quase sempre de frente. foram também expressão da qualidade superior atingida pelos artistas em seu trabalho. Mumificação: a) eram retirados o cérebro. Quando a Grande Barragem de Assuã foi concluída. enquanto sua cabeça. As figuras femininas eram pintadas em ocre. Entre as raras exceções desse drama do deserto. literalmente. Quanto a hierarquia na pintura: eram representadas maiores as pessoas com maior importância no reino. em 1970. e * Lei da Frontalidade que determinava que o tronco da pessoa fosse representado sempre de frente. em baixo-relevo. ESCULTURA Os escultores egípcios representavam os faraós e os deuses em posição serena. os soldados e o povo. os intestinos e outros órgãos vitais. sem demonstrar nenhuma emoção. engolidas pelo Lago Nasser. Os egípcios escreviam usando desenhos. Obelisco: eram colocados à frente dos templos para materializar a luz solar. * ignorância da profundidade. * colorido a tinta lisa. Livro dos Mortos. uma ilusão de imortalidade. dando às figuras representadas uma impressão de força e de majestade. ela se deu na Pedra de Rosetta que foi encontrada na cidade do mesmo nome no Delta do Nilo. Suas características gerais são: * ausência de três dimensões. d) Após 70 dias o corpo era lavado e enrolado numa bandagem de algodão. Formado de tramas de fibras do tronco de papiro. Desenvolveram três formas de escrita: Hieróglifos . Pretendiam com isso traduzir. nesta ordem de grandeza: o rei. a mulher do rei. Os baixos-relevos egípcios. Hierática . sem claro-escuro e sem indicação do relevo. embebida em betume. Os Usciabtis eram figuras funerárias em miniatura. enquanto que as masculinas pintadas de vermelho. ou seja.Esfinge: representa corpo de leão (força) e cabeça humana (sabedoria). e colocados num vaso de pedra chamado Canopo. Para seu conhecimento Hieróglifos: foi decifrada por Champolion. dezenas de construções antigas do sul do país foram.a escrita popular. exageravam freqüentemente as proporções do corpo humano.considerados a escrita sagrada. Eram colocadas na alameda de entrada do templo para afastar os maus espíritos. c) as incisões eram costuradas e o corpo mergulhado num tanque com Nitrato de Potássio. em Abu . b) nas cavidades do corpo eram colocadas resinas aromáticas e perfumes. muitas vezes coberto de inscrições. dando um encanto todo especial às construções. utilizada pela nobreza e pelos sacerdotes. o sacerdote.uma escrita mais simples. suas pernas e seus pés eram vistos de perfil. que servia como impermeabilização. por água abaixo. muitas vezes. e Demótica . PINTURA A decoração colorida era um poderoso elemento de complementação das atitudes religiosas. geralmente esmaltadas de azul e verde. destinadas a substituir o faraó morto nos trabalhos mais ingratos no além. estão os templos erguidos pelo faraó Ramsés II. as quais eram batidas e prensadas transformando-se em folhas.

ARQUITETURA As edificações que despertaram maior interesse são os templos. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas. por sua simplicidade e severidade. através da arte. . o koilon ou . para os atores. se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária. pois os seus reis não eram deuses. O fuste da coluna era monolítico e grosso.Ordem Coríntia . o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo. e a democracia. mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bemestar do povo. mas sobre uma base decorada. A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher. Nove metros já se foram. o artista se empolga pela vida e tenta. empresta uma idéia de solidez e imponência .Simbel. exprimir suas manifestações.Ordem Jônica . que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. Nascida do sentir do povo grego. Além de salvar este valioso patrimônio. uma faraônica operação coordenada pela Unesco com recursos de vários países . o equilíbrio. um prédio de 48 andares.removeu pedra por pedra e transferiu templos e estátuas para um local 61 metros acima da posição original. durante vinte anos. tinha originalmente 146 metros de altura. ARTE GREGA Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito. graças principalmente à ação corrosiva da poluição vinda do Cairo. dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas. a obra prestou uma homenagem ao mais famoso e empreendedor de todos os faraós. encravado na montanha de pedra com suas estátuas do faraó de 20 metros de altura. a arte grega liga-se à inteligência. Contemplando a natureza. Queóps é a maior das três pirâmides. O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. nela se expressa o pensamento. A característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos. A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata. Eles tem como características: o racionalismo. a harmonia ideal. O maior deles é o Grande Templo de Ramsés II. para o coro. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da ordem dórica. foram precisos cerca de 2 milhões de blocos de pedras e o trabalho de cem mil homens.um total de 40 milhões de dólares .representava a graça e o feminino. b) Teatros. amor pela beleza. de um modo a variar e enriquecer aquela ordem. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e sobre ele eram erguidas as colunas. interesse pelo homem. Para erguê-la. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos. longe da margem do lago.era simples e maciça. o friso e a cornija. O templo era construído sobre uma base de três degraus. Em 1964. As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três partes: a arquitrave. também. Sugere luxo e ostentação. muito usado no lugar do capitel jônico. . Na sua constante busca da perfeição. jônica e coríntia. Na Acrópole.Ordem Dórica . essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”. a ordem dórica. a konistra ou orquestra.o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas. O capitel era uma almofada de pedra.

arquibancada. com o corpo em forma de um sino invertido..esculturas de formas humanas . as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas. a sua forma correspondia à função para que eram destinados: . esses vasos eram usados para armazenar. edifícios destinados à cultura física. uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar. Chegava a acomodar cerca de 14.Ânfora . podendo fixar o movimento sem se quebrar.vasilha em forma de coração. No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir. As estátuas adquiriram. se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore. construído. Surge o nu feminino. além do equilíbrio e perfeição das formas. . IV a. mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. água. mas também pela harmonia entre o desenho.000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). A pintura grega se divide em três grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem. com o gargalo largo ornado com duas asas.C. o antropomorfismo .tinha a boca muito larga. com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas. azeite e mantimentos. as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. para isto. Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma.Cratera . etc.Hidra . pois no período arcaico. Por isso.(derivado de ydor. servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro). Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade. Na escultura. .Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos. Além de servir para rituais religiosos. para os espectadores. Primeiramente aparecem esculturas simétricas. . entre eles. d) Praça . em mármores. O maior pintor de figuras negras foi Exéquias. em rigorosa posição frontal. composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita. água) tinha três asas. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. o movimento. c) Ginásios. grandes figuras de homens. filosofia. As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega. No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas. Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro. ao ar livre. vinho. entre outras coisas. no séc.foi insuperável.

As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo. senso de realismo. entre os gregos a lira era o instrumento nacional. e Atenéia. sua obra-prima. Atenéia: deusa da guerra. . em honra a Zeus. termas. Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia. * grandeza material. métopas e frisos. As construção eram de cinco espécies.Fídias.Lisipo. * originais: urbanismo. de acordo com as funções: .homem arremessando o disco. Entre as mais famosas: Édipo Rei de Sófocles. orientada para a expressão de um ideal de beleza.Os principais mestres da escultura clássica grega são: . vias de comunicação. . Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões.Miron. autor de Doríforo .condutor da lança. Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus: senhor dos céus. * predomínio do caráter sobre a beleza. * energia e sentimento. representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). talvez o mais famoso de todos.Policleto. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. Posseidon: deus das águas. ARQUITETURA As características gerais da arquitetura romana são: * busca do útil imediato. e a da greco-helenística. realçando a idéia de força. Afrodite: deusa do amor. anfiteatro. Apolo: deus das artes e da beleza. entre outros. . autor do Discóbolo . cada 4 anos. ARTE ROMANA A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida. Os primeiros jogos começaram em 776 a. Música: Significa a arte das musas. celebrado pela graça das suas esculturas.C. autor de Zeus Olímpico. . foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio menino). Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças. criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça. Olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia.Praxíteles.

Dos circos romanos. pois ficavam presas à estrutura das arcadas. Sob a influência grega. b) Coluna Triunfal: a mais famosa é a coluna de Trajano. 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamada Atrio. foi concluída no Império de Otávio Augusto. Externamente o edifício era ornamentado por esculturas. Tinha cenários versáteis. as termas eram o centro social de Roma. já com o Cristianismo. ginásios . PINTURA O Mosaico foi muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral. construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a grande variedade de deuses existentes em todo o Império. As mais famosas são as termas de Caracala que. piscina. construído no Forum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém. jogos de Tróia . o mais célebre é o "Circus Maximus". o da Concórdia e o de César. que ficavam dentro dos arcos. O mais famoso deles é o arco de Tito. 4) Divertimentos: a) Circo: extremamente afeito aos divertimentos. . a basílica Julia. cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular. Essas colunas.C. a basílica servia para reuniões da bolsa. e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica. certamente o mais belo dos anfiteatros romanos. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio. Portanto.corridas de carros. com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do Imperador em baixos-relevos no fuste. os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a. ordem jônica e ordem coríntia). iniciada no governo de Júlio César. para tribunal e leitura de editos. Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40. Dos jogos praticados temos: jogos circenses . giratórios e retiráveis. (de quatro a cinco mil metros) dividida em várias colunatas. o de Saturno. Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater. com sua planta circular fechada por uma cúpula. na verdade eram meias colunas. pórticos e jardins. foi de Roma que se originou o circo. Assim era o Coliseu.000 pessoas sentadas e mais de 5. jogos de escravos .aquele em que havia torneios a cavalo. O principal teatro é o de Marcelus. O Panteão.incluídos neles o pugilato. Mais tarde.1) Religião: Templos Pouco se conhece deles. passou a designar uma igreja com certos privilégios. Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de Trajano sobre os dácios e os partos. mas apenas de ornamentá-la. Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo.executados por cavaleiros conduzidos por escravos. esse templo romano. 5) Monumentos decorativos a) Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos. Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado. Para citar uma. b) Teatro: imitado do teatro grego. todo em mármore. c) Anfiteatro: o povo romano apreciava muito as lutas dos gladiadores. 2) Comércio e civismo: Basílica A princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários. eram centro de reuniões sociais e esportes. não tinham a função de sustentar a construção. além de casas de banho.000 em pé.

A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos. os masaístas chegaram a resultados onde existe uma certa parte de estudo direto da natureza. a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos.C. V . Mais realista que idealista. o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus. que dava impressão de placas de mármore. MOSAICO Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico. Nos séculos seguintes. Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo. As cores vivas e a possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais levaram a que os mosaicos viessem a prevalecar sobre a pintura. mas por temperamento. que recebe este nome devido às catacumbas. mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios. Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram realizados pelo Estado. Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária. . como fizeram os gregos. cemitérios subterrâneos em Roma. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho.precisamente no ano de 476 . o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. os cristãos (aqueles que seguiam os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas. ARTE PALEOCRISTÃ Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e parte da Ásia. Era o começo da decadência do Império Romano que. eram muito diferentes dos gregos. Por serem realistas e práticos.Nesses locais. que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a. formando um grande mural. adotando soluções de clara matriz decorativa. imitando um cenário teatral. geralmente cópia de obra grega. tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas cristãs. tendo ao centro uma pintura. a pintura é simbólica. Primeiro estilo: recobrir as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado. Terceiro estilo: representações fiéis da realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. aves e pessoas. suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza humana.perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos. Retratavam os imperadores e os homens da sociedade. onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos.Com o surgimento de um "novo reino" espiritual. no séc. Segundo estilo: Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas paisagens com animais.Surge a arte cristã primitiva. ESCULTURA Os romanos eram grandes admiradores da arte grega.

C. Em 395 d. Com o fim da perseguição aos cristãos. nos arredores de Roma.Para entender melhor a simbologia: Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe. forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador".Honório ficou com o Império Romano do Ocidente. o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio. Tanto os gregos como os romanos. Eram edifícios com grandes dimensões: um plano retangular de 4 a 5 mil metros quadrados com três naves separadas por colunas e uma única porta na fachada principal. .. foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas. em grego ichtus. o imperador Constantino legaliza o cristianismo. Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina). 1453. O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões. quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos (esta data. O mosaico. marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna). foi completamente dominado(esta data. Os cristãos foram perseguidos por três séculos. apesar das dificuldades financeiras. principalmente de povos bárbaros. e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia para a já enfraquecida Roma. tendo Roma como sua capital . pois a palavra peixe.. Na cidade de Ravena pode-se apreciar o Mausoléu de Gala Placídia e a igreja de Santo Apolinário.Por volta do século IV. cidade grega. o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus". ARTE BIZANTINA O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros séculos de nossa era. começou a invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio. dos ataques bárbaros e das pestes. facilitou a formação dos Reinos Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã . lugar civil destinado ao comércio e assuntos judiciais. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas. os romanos cederam algumas basílicas para eles pudessem usar como local para as suas celebrações.c.C. utilizando imagens do Antigo e do Novo Testamento. Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões. Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também. o Novo e a de São Vital com riquíssimos mosaicos. 476 d. adotavam um modelo de edifício denominado "Basílica" (origem do nome: Basileu = Juíz) . dando início à 2a fase da arte paleocristã : a fase basilical. muito utilizado pelos gregos e romanos. por exemplo: Arca de Noé.C. depois batizada por Constantinopla. marca o fim da Idade Antiga e o início da Idade Média).. até que. Ainda hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila. em 476 d. Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas. até que em 313 d. com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul).Arte Bizantina. conseguiu se manter até 1453.

sentimentos de universalidade e poder absoluto. A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria). .O que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração. A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina. criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados.No alto. tornando os artistas meros executores.Plasticamente. projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto. O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas. folhas de acantos envolvem o monograma de Justiniano e de sua mulher Teodora. nos países eslavos. colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido. tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça. Apresenta pinturas nas paredes. sobre um solo de mármore. por associação à abóbada celeste. Grécia e do Oriente. além das suas funções.Um olhar mais atento permite ao visitante ver o trabalho requintado dos artífices bizantinos no colorido resplandecente dos mosaicos agora restaurados.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito entre os imperadores e o clero. Embora a igreja tenha perdido a maior parte da decoração original de ouro e prata. penetrando. ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus. Neles. elas eram planejadas sobre uma base circular. no mármore profundamente talhado dos capitéis das colunas das naves laterais. há uma beleza natural na sua magnificência espacial e nos jogos de sombra e luz um claro-escuro admirável quando os raios de sol penetram e iluminam o seu interior". e. UM POUCO MAIS DE SANTA SOFIA "A verdadeira beleza de Santa Sofia. ao clero cabia. a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina. dos profetas e dos vários imperadores. durante o reinado do Imperador Justiniano. o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos. por exemplo. encontra-se no seu vasto interior. A arte bizantina está dirigida pela religião.E essa arte extravasou em muito os limites territoriais do império. rico tanto na técnica como na cor. A união de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo. sugerindo. pois. foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina. não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa. bordada em filigrama de sombras dos candelabros suspensos. afasta o gosto pela forma e conseqüentemente a escultura não teve tanto destaque neste período. octogonal ou quadrada imensas cúpulas. as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade. logo sucedeu-se um período de crise chamado de Iconoclastia. durante a segunda metade do século XV e boa parte do século XVI. a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro. mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo. capital do Império Bizantino.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada. ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos. A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI. resplandece a grande cúpula. são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. organizar também as artes. A arte bizantina não se extinguiu em 1453. a maior igreja de Constantinopla.Porém. Toda essa atração por decoração aliada a prevenção que os cristãos tinham contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano. por exemplo. mosaicos e afrescos.Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências de Roma. era o representante de Deus. na hoje Istambul.

sob a orientação dos califas. seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. as decoraram. como o quadrado e o cubo. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. A casa de Maomé era local de reuniões para oração. a arte islâmica se mostra. Na complexidade de sua análise. As letras lavradas na parede lembram o neófito. o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. mais simbólico do que transcendental. que contempla uma obra feita para deus. A cúpula de pendentes. castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. a arte islâmica foi na realidade. e os esplêndidos tapetes persas. jejum e peregrinação. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. conceitual e religiosa. combinados com os coloridos mosaicos. desde seu início.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. No entanto. a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. enquanto o segundo controlava sua realização. no início. persistiu a preocupação com a preservação de certas formas geométricas. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. a Cúpula da Roca. centro político. mausoléus e mosteiros. hospital e refúgio para os mais pobres. Ao fazer isso. e a Grande Mesquita de Damasco. No entanto. Índia. transformandoos em seus próprios sinais de identidade. . mas nem sempre conservaram sua forma. De origem nômade. cidade do profeta). embora não tenha existido um modelo comum. que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. no Iraque. Na realidade. semelhantes àquelas na forma. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. esmola. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto. na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. Pérsia. De lá. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. sucessores do profeta. em Jerusalém. Daí o emprego de formas como os arabescos. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. concentrando-se no geométrico e abstrato. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. Norte da África e Espanha. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. A construção de palácios. Contudo. Aparentemente sensual. Ásia Menor. era ele quem realmente projetava o edifício. que permite cobrir o quadrado com um círculo. Síria. as escolas de teologia. A área de oração era coberta. foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas.

as representações eram completamente figurativas. com fundo dourado e ausência de perspectiva. para acompanhar a narração. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte. era o antigo minarete da cidade. A miniatura não foi usada. sofresse uma grande influência indiana. a do tapete constitui uma unidade em si mesma. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. de caça. O estilo era um tanto estático. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas. mas sim nas publicações de divulgação científica. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz. encontra-se a arte dos mosaicistas. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado. Tabriz e Isfahan. Estreitamente ligada à pintura. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. no Oriente. complexos desenhos multicoloridos. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. para tornar mais claro o texto. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis. e Palermo. em Granada. Assim. o que é conhecido como arabesco. PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. pensados como um microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante. o palácio tinha aspecto de fortaleza. como povo nômade. mas paulatinamente foram se abstraindo. com animais e plantas. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. por exemplo. a fim de marcar a organização do texto. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete. já que o muçulmano. ao rezar. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. e os geométricos. não deve ficar em contato com a terra. Para começar. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa. de motivos florais. e nas literárias. Diferentemente da tecedura dos tecidos. No início. muito parecido com o das miniaturas bizantinas. À medida que foram se tornando sedentários. como no cristianismo. combinando com a decoração de gesso das cúpulas. calculados com base na simbologia numérica islâmica. semelhantes às antigas. Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. em Sevilha. embora. A Giralda. Das primeiras. . bizantina e inclusive chinesa. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires. convidando-os à oração. onde foram criadas peças de uso cotidiano. separando um capítulo de outro. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. as sedas. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. de decoração. para ilustrar livros religiosos. junto com a cerâmica. A mesma função desempenhava a cerâmica. segundo o lugar. Exemplo disso é o Alhambra. no Ocidente.As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. esquematizado. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas.

desde seu início. as escolas de teologia. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. no Iraque. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. A casa de Maomé era local de reuniões para oração. que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir. persistiu a preocupação com a preservação de certas formas geométricas. enquanto o segundo controlava sua realização. mas nem sempre conservaram sua forma. seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. A área de oração era coberta. Síria. Na realidade. semelhantes àquelas na forma. jejum e peregrinação. o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. Ao fazer isso. As letras lavradas na parede lembram o neófito. Na complexidade de sua análise. sucessores do profeta. Ásia Menor. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. Aparentemente sensual. cidade do profeta). A cúpula de pendentes. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. conceitual e religiosa. concentrando-se no geométrico e abstrato. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto. as decoraram. mais simbólico do que transcendental. Pérsia. mausoléus e mosteiros. na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. esmola. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. que contempla uma obra feita para deus. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. A construção de palácios. a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. De origem nômade. em Jerusalém. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos. foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas. a arte islâmica se mostra.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. a arte islâmica foi na realidade. De lá. Norte da África e Espanha. embora não tenha existido um modelo comum. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. e os esplêndidos tapetes persas. Contudo. castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. pensados como um . As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. No entanto. era ele quem realmente projetava o edifício. hospital e refúgio para os mais pobres. como o quadrado e o cubo. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. No entanto. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem. combinados com os coloridos mosaicos. que permite cobrir o quadrado com um círculo. Índia. transformandoos em seus próprios sinais de identidade. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. a Cúpula da Roca. sob a orientação dos califas. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. Daí o emprego de formas como os arabescos. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. no início. centro político. e a Grande Mesquita de Damasco.

combinando com a decoração de gesso das cúpulas. À medida que foram se tornando sedentários. e nas literárias. de motivos florais. e Palermo. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. sofresse uma grande influência indiana. como no cristianismo. de decoração. calculados com base na simbologia numérica islâmica. a fim de marcar a organização do texto. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas. esquematizado. Assim. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha. No início. para ilustrar livros religiosos. já que o muçulmano. A miniatura não foi usada. separando um capítulo de outro. no Oriente. o que é conhecido como arabesco. em Sevilha. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis. as sedas. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa. junto com a cerâmica. ao rezar. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte. encontra-se a arte dos mosaicistas. o palácio tinha aspecto de fortaleza. de caça. bizantina e inclusive chinesa. as representações eram completamente figurativas. O estilo era um tanto estático.microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante. era o antigo minarete da cidade. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. Para começar. para tornar mais claro o texto. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. complexos desenhos multicoloridos. até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente. com animais e plantas. Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete. muito parecido com o das miniaturas bizantinas. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. onde foram criadas peças de uso cotidiano. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. . Estreitamente ligada à pintura. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. para acompanhar a narração. PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado. não deve ficar em contato com a terra. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. semelhantes às antigas. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. Tabriz e Isfahan. como povo nômade. no Ocidente. Exemplo disso é o Alhambra. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas. convidando-os à oração. em Granada. por exemplo. mas paulatinamente foram se abstraindo. a do tapete constitui uma unidade em si mesma. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires. mas sim nas publicações de divulgação científica. com fundo dourado e ausência de perspectiva. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. Diferentemente da tecedura dos tecidos. A Giralda. e os geométricos. Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. A mesma função desempenhava a cerâmica. embora. Das primeiras. segundo o lugar. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz.

* aberturas raras e estreitas usadas como janelas. A igreja como representante de Deus na Terra. A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1. com o Cristianismo a arte se voltou para a valorização do espírito. Não podemos estudá-las desassociadas da arquitetura. A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu tamanho. estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros urbanos. e * arcos que são formados por 180 graus. Daí serem chamadas: fortalezas de Deus. * pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas. Os valores da religião cristã vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque. PINTURA E ESCULTURA Numa época em que poucas pessoas sabiam ler.ARTE ROMÂNICA Em 476. não apresenta formas pesadas. com o passar do tempo. com a tomada de Roma pelos povos bárbaros. na Europa. A concepção de mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é chamada de teocentrismo (teos = Deus). que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada. * torres. através da técnica do afresco. ARQUITETURA No final dos séculos XI e XII. que originalmente era uma técnica de pintar sobre a parede úmida. As características mais significativas da arquitetura românica são: * abóbadas em substituição ao telhado das basílicas. duras e primitivas. Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas. . Na Idade Média a arte tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã. diferente do resto da Europa. surge a arte românica cuja a estrutura era semelhante às construções dos antigos romanos.174. é um estilo essencialmente clerical. tinha poderes ilimitados. tem início o período histórico conhecido por Idade Média. Elas são sempre grandes e sólidas. a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis. trazendo modificações no comportamento humano. A explicação mais aceita para as formas volumosas. A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes decorações murais. A arte desse período passa. assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. o terreno cedeu. Na Itália.

como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. para representar o próprio céu. O colorismo realizou-se no emprego de cores chapadas. conheceu seu auge na época do românico. sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra. ARQUITETURA A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. tudo se volta para o alto. Imitação de formas rudes. ARTE GÓTICA No século XII. Usado desde a Antigüidade. A figura de Cristo. projetando-se na direção do céu. de vários formatos e cores. entre os anos 1150 e 1500. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. tem início uma economia fundamentada no comércio. a arquitetura predominante ainda é a românica. Enquanto. nome que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres. a crença na existência de um Deus que vive num plano superior. na verdade. pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. curtas ou alongadas. por exemplo. pequeninas pedras. Na porta. A deformação. ESCULTURA . Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios. traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. que colocadas lado a lado vão formando o desenho.Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. No começo do século XII. a igreja românica apresenta um único portal. a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. As características essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. é sempre maior do que as outras que o cercam. MOSAICO A técnica da decoração com mosaico. a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano. é originária do Oriente onde a técnica bizantina utilizava o azul e dourado. ausência de movimentos naturais. isto é. de modo geral. A arquitetura expressa a grandiosidade.

XIV e no início do século XV. aristocratas e burgueses. em direção ao plano celeste. ou então é um privilégio da quase mítica China). O desenvolvimento de tal genero está ligado à difusão dos livros ilustrados patrimônio quase exclusivo dos mosteiros: no clima de fervor cultural que caracteriza a arte gótica. exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. Durante o século XII e até o século XV. a segunda é que os artistas ilustradores do período gótico tornaram-se tão habilidosos na representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena. alongamento exagerado das formas. ocupando sempre posição de destaque na pintura. que seus trabalhos acabaram influenciando outros pintores. * Jan Van Eyck ..As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto.. É precisamente por esta razão que os grandes livros litúrgicos (a Bíblia e os Evangelhos) eram ilustrados pelos iluministas góticos em formatos manejáveis. PINTURA A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII. Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores. apresentava personagens de corpos pouco volumosos. demonstrando verticalidade.procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua época. e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada. os cabeçalhos. com o olhar voltado para cima. pois destinava-se aos poucos possuidores das obras copiadas. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava. procurando mostrar os detalhes e as paisagens. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva. Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto . que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento. Os copistas dedicavam-se à transcrição dos textos sobre as páginas. a arte ganhou forma de expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. Assim. ILUMINURA Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada. quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento. cobertos por muita roupa. Ao realizar essa tarefa.a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin. Da observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do caráter individualista que a arte da ilustração ganhava. os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto. . quase sempre tratando de temas religiosos. deixavam espaços para que os artistas fizessem as ilustrações. a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo. os manuscritos também eram encomendados por particulares.

pois foi pintor. escultor e arquiteto. considerado agora como fonte de inspiração e modelo de civilização. aprendendo a lei simples do espaço. no desenho ou pintura. PINTURA Principais características: * Perspectiva: arte de figura. em oposição ao divino e ao sobrenatural. que propunha a ressurreição consciente (o re-nascimento) do passado.RENASCIMENTO O termo Renascimento é comumente aplicado à civilização européia que se desenvolveu entre 1300 e 1650. igrejas. O ideal do humanismo foi sem duvida o móvel desse progresso e tornou-se o próprio espírito do Renascimento. palácios. que superaram a herança clássica. a ocupação do espaço pelo edifício baseia-se em relações matemáticas estabelecidas de tal forma que o observador possa compreender a lei que o organiza. de qualquer ponto em que se coloque. que realizou seus mais importantes trabalhos. mas este que. segundo os princípios da matemática e da geometria. porém. Saber Ver a Arquitetura) Principais características: * Ordens Arquitetônicas * Arcos de Volta-Perfeita * Simplicidade na construção * A escultura e a pintura se desprendem da arquitetura e passam a ser autônomas * Construções. . da literatura e das ciências. conceitos que haviam impregnado a cultura da Idade Média. Além de dominar conhecimentos de Matemática. Foi como construtor. Além de reviver a antiga cultura greco-romana. Num sentido amplo. Geometria e de ser grande conhecedor da poesia de Dante. entre eles a cúpula da catedral de Florença e a Capela Pazzi. Características gerais: * Racionalidade * Dignidade do Ser Humano * Rigor Científico * Ideal Humanista * Reutilização das artes greco-romana ARQUITETURA Na arquitetura renascentista. as diversas distâncias e proporções que têm entre si os objetos vistos à distância.é um exemplo de artista completo renascentista. vilas (casa de descanso fora da cidade). esse ideal pode ser entendido como a valorização do homem (Humanismo) e da natureza. ocorreram nesse período muitos progressos e incontáveis realizações no campo das artes. fortalezas (funções militares) O principal arquiteto renascentista: Brunelleschi . Trata-se de uma volta deliberada. possui o segredo do edifício” (Bruno Zevi. “Já não é o edifício que possui o homem.

entre 1508 e 1512 trabalhou na pintura do teto da Capela Sistina. grandes escultores se revelam. melancólicas porque supõem que perderam esse dom de Deus. mas como a expressão mais grandiosa do próprio Deus. E o mundo é pensado como uma realidade a ser compreendida cientificamente. Os principais pintores foram: Botticelli . e não apenas admirada. conseqüentemente. ao mesmo tempo. Para ele. Outro grande escultor desse período foi Andrea del Verrochio. Obras destacadas: Teto da Capela Sistina e a Sagrada Família Rafael . Obras destacadas: A Escola de Atenas e Madona da Manhã. Foi considerado grande pintor de “Madonas”. as figuras humanas de seus quadros são belas porque manifestam a graça divina. Obras destacadas: A Primavera e O Nascimento de Vênus. Principais Características: * Buscavam representar o homem tal como ele é na realidade * Proporção da figura mantendo a sua relação com a realidade * Profundidade e perspectiva * Estudo do corpo e do caráter humano . ESCULTURA Em meados do século XV. já que o período é marcado pelo ideal de liberdade e. a beleza estava associada ao ideal cristão. o maior dos quais é Michelângelo. Para essa capela. concebeu e realizou grande número de cenas do Antigo Testamento. Davi (4. Protetores das artes.suas obras comunicam ao observador um sentimento de ordem e segurança. com a volta dos papas de Avinhão para Roma. Foi possuidor de um espírito versátil que o tornou capaz de pesquisar e realizar trabalhos em diversos campos do conhecimento humano. os papas deixam o palácio de Latrão e passam a residir no Vaticano.* Uso do claro-escuro: pintar algumas áreas iluminadas e outras na sombra. e. Michelângelo . diferente dos demais. claros e de acordo com uma simetria equilibrada.10m) e Pietá.ele dominou com sabedoria um jogo expressivo de luz e sombra. * Surgimento de artistas com um estilo pessoal.26m) em bronze. tornam-se manifestações independentes.os temas de seus quadros foram escolhidos segundo a possibilidade que lhe proporcionavam de expressar seu ideal de beleza. que domina toda a escultura italiana do século XVI. gerador de uma atmosfera que parte da realidade mas estimula a imaginação do observador. no Vaticano. esse jogo de contrastes reforça a sugestão de volume dos corpos. Algumas obras: Moisés. Trabalhou em ourivesaria e esse fato acabou influenciando sua escultura. Por isso. Ali. Obras destacadas: A Virgem dos Rochedos e Monalisa. Obra destacada: Davi (1. pois os elementos que compõem seus quadros são dispostos em espaços amplo. * Inicia-se o uso da tela e da tinta à óleo. * Realismo: o artistas do Renascimento não vê mais o homem como simples observador do mundo que expressa a grandeza de Deus. pelo individualismo. uma particularmente representativa é a criação do homem. Leonardo da Vinci . * Tanto a pintura como a escultura que antes apareciam quase que exclusivamente como detalhes de obras arquitetônicas. esta adquire o seu prestígio. Dentre tantas que expressam a genialidade do artista.

O Renascimento Italiano se espalha pela Europa, trazendo novos artistas que nacionalizaram as idéias italianas. São eles: * Dürer * Hans Holbein * Bosch * Bruegel Para seu conhecimento - A Capela Sistina foi construída por ordem de Sisto IV (retangular 40 x 13 x 20 altura). E é na própria Capela que se faz o Conclave: reunião com os cardeais após a morte do Papa para proceder a eleição do próximo. Lareira que produz fumaça negra - que o Papa ainda não foi escolhido; fumaça branca - que o Papa acaba de ser escolhido, avisa o povo na Praça de São Pedro, no Vaticano - Michelângelo dominou a escultura e o desenho do corpo humano maravilhosamente bem, pois tendo dissecado cadáveres por muito tempo, assim como Leonardo da Vinci, sabia exatamente a posição de cada músculo, cada tendão, cada veia. - Além de pintor, Leonardo da Vinci, foi grande inventor. Dentre as suas invenções estão: “Parafuso Aéreo”, primitiva versão do helicóptero, a ponte elevadiça, o escafandro, um modelo de asa-delta, etc. - Quando deparamos com o quadro da famosa MONALISA não conseguimos desgrudar os olhos do seu olhar, parece que ele nos persegue. Por que acontece isso? Será que seus olhos podem se mexer? Este quadro foi pintado, pelo famoso artista e inventor italiano Leonardo da Vinci (1452-1519) e qual será o truque que ele usou para dar esse efeito? Quando se pinta uma pessoa olhando para a frente (olhando diretamente para o espectador) tem-se a impressão que o personagem do quadro fixa seu olhar em todos. Isso acontece porque os quadros são lisos. Se olharmos para a Monalisa de um ou de outro lado estaremos vendo-a sempre com os olhos e a ponta do nariz para a frente e não poderemos ver o lado do seu rosto. Aí está o truque em qualquer ângulo que se olhe a Monalisa a veremos sempre de frente.

MANEIRISMO
Paralelamente ao renascimento clássico, desenvolve-se em Roma, do ano de 1520 até por volta de 1610, um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera, em italiano, significa maneira). Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca, extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco, enquanto outros preferem vê-lo como um estilo, propriamente dito. O certo, porém, é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. Não só a Igreja, mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. Carlos V, depois de derrotar as tropas do sumo pontífice, saqueia e destrói Roma. Reinam a desolação e a incerteza. Os grandes impérios começam a se formar, e o homem já não é a principal e única medida do universo. Pintores, arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento, mas agora com um espírito totalmente diferente, criam uma arte de labirintos, espirais e proporções estranhas, que são, sem dúvida, a marca inconfundível do estilo maneirista. Mais adiante, essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias.

ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal, com espaços mais longos do que largos, com a cúpula principal sobre o transepto, deixando de lado as de plano centralizado, típicas do renascimento clássico. No entanto, pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si, mas também na distribuição da luz e na decoração. Principais características: Nas igrejas: · Naves escuras, iluminadas apenas de ângulos diferentes, coros com escadas em espiral, que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum, produzem uma atmosfera de rara singularidade. · Guirlandas de frutas e flores, balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. Caracóis, conchas e volutas cobrem muros e altares, lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. Nos ricos palácios e casas de campo: · Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. · A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo, que, mais do que marcar a transição entre duas épocas, expressa a necessidade de renovação. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI , (1511-1592), Autor de vários projetos arquitetônicos por toda a Itália, tais como: a construção do túmulo do conde de Montefeltro, o palácio dos Mantova, a villa na Porta del Popolo. a fonte da Piazza della Signoria. Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi, com base nos quais planejou uma cidade ideal. De acordo com os preceitos dos jesuítas, que proibiam o nu nas obras de arte, legou a eles todos os seus bens. GIORGIO VASARI, (1511-1574), Vasari é conhecido por sua obra literária Le Vite (As Vidas), na qual, além de fazer um resumo da arte renascentista, apresenta um relato às vezes pouco fiel, mas muito interessante sobre os grandes artistas da época, sem deixar de fazer comentários mal-intencionados e elogios exagerados. Sob a proteção de Aretino, conseguiu realizar uma de suas únicas obras significativas: os afrescos do palácio Cornaro. Vasari também trabalhou em colaboração com Michelangelo em Roma, na década de 30. Suas biografias, publicadas em 1550, fizeram tanto sucesso que se seguiram várias edições. Passou os últimos dias de sua vida em Florença, dedicado à arquitetura. PALLADIO, (1508-1580), O interesse que tinha pelas teorias de Vitrúvio se reflete na totalidade de sua obra arquitetônica, cujo caráter é rigorosamente clássico e no qual a clareza de linhas e a harmonia das proporções preponderam sobre o decorativo, reduzido a uma expressão mínima. Somente dez anos depois iria se dedicar à arquitetura sacra em Veneza, com a construção das igrejas San Giorgio Maggiore e Il Redentore. Não se pode dizer que Palladio tenha sido um arquiteto tipicamente maneirista, no entanto, é um dos mais importantes desse período. A obra de Palladio foi uma referência obrigatória para os arquitetos ingleses e franceses do barroco.

PINTURA

É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. São os pintores da segunda década do século XV que, afastados dos cânones renascentistas, criam esse novo estilo, procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte. Principais características : · Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. O resultado é a formação de planos paralelos, completamente irreais, e uma atmosfera de tensão permanente. · Nos corpos, as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. Os músculos fazem agora contorsões absolutamente impróprias para os seres humanos. · Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes, de um drapeado minucioso e cores brilhantes. · A luz se detém sobre objetos e figuras, produzindo sombras inadmissíveis. · Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva, · mas em algum ponto da arquitetura, onde o olho atento deve, não sem certa dificuldade, encontrá-lo. Principal Artista: EL GRECO, (1541-1614), Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. Na verdade, sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. Nascido em Creta, acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina, em Cândia. De acordo com documentos existentes, no ano de 1567 emigrou para Veneza, onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano, com quem realizou algumas obras. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo, onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II, para os conventos locais e para a nobreza toledana. Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz, a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. Homem com a Mão no Peito, O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. Esta última lhe custou a expulsão da corte.

ESCULTURA Na escultura, o maneirismo segue o caminho traçado por Michelangelo: às formas clássicas soma-se o novo conceito intelectual da arte pela arte e o distanciamento da realidade. Em resumo, repetem-se as características da arquitetura e da pintura. Não faltam as formas caprichosas, as proporções estranhas, as superposições de planos, ou ainda o exagero nos detalhes, elementos que criam essa atmosfera de tensão tão característica do espírito maneirista. Principais características: · A composição típica desse estilo apresenta um grupo de figuras dispostas umas sobre as outras, num equilíbrio aparentemente frágil, as figuras são unidas por contorsões extremadas e exagerado alongamento dos músculos. · O modo de enlaçar as figuras, atribuindo-lhes uma infinidade de posturas impossíveis, permite que elas compartilhem a reduzida base que têm como cenário, isso sempre respeitando a composição geral da peça e a graciosidade de todo o conjunto. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI, (1511-1592), Realizou trabalhos em várias cidades italianas.

PINTURA Características da pintura barroca: * Composição assimétrica. Deus e Diabo. dando-nos às vezes a impressão de ver o céu. No ano de 1555. BARROCO A arte barroca originou-se na Itália (séc. É uma época de conflitos espirituais e religiosos.Trabalhou com igual maestria a pedra calcária e o mármore e foi grande conhecedor da técnica de despejar os metais. na arte barroca predominam as emoções e não o racionalismo da arte renascentista. * pintura com efeitos ilusionistas. paganismo e cristianismo. A Fonte de Netuno. Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi. com a morte do papa. Giambologna deu seus primeiros passos como escultor na oficina do francês Jacques Dubroecq. céu e terra. abrangendo todas as camadas sociais.era um recurso que visava a intensificar a sensação de profundidade. legou a eles todos os seus bens. * busca de efeitos decorativos e visuais. alegria e tristeza. contracurvas. * Escolha de cenas no seu momento de maior intensidade dramática. De origem flamenga. As obras barrocas romperam o equilíbrio entre o sentimento e a razão ou entre a arte e a ciência. * violentos contrastes de luz e sombra. baseando-se no princípio segundo o qual a fé deveria ser atingida através dos sentidos e da emoção e não apenas pelo raciocínio. pureza e pecado. trazida pelos colonizadores portugueses e espanhóis. tal a aparência de profundidade conseguida. através de curvas. colunas retorcidas. com base nos quais planejou uma cidade ideal. O Rapto das Sabinas. seu propósito é impressionar os sentidos do observador. Mercúrio. como demonstram suas esculturas de bronze. em diagonal . Baco e Os Pescadores estão entre as obras mais importantes desse período. Conheceu a poetisa Laura Battiferi. voltou para Florença. De acordo com os preceitos dos jesuítas. para o qual realizou uma de suas mais célebres esculturas. retorcido. onde se supõe que teria colaborado com Michelangelo em muitas de suas obras. Participou também de um concurso na cidade de Bolonha. (1529-1608). GIAMBOLOGNA. espírito e matéria. Giambologna está para o maneirismo como Michelangelo está para o renascimento. e juntos se mudaram para Roma a pedido do papa Júlio II. . Começaram assim seus primeiros passos como arquiteto. Estabeleceu-se finalmente em Florença.Decorou também o palácio dos Mantova e o túmulo do conde da cidade. * Acentuado contraste de claro-escuro (expressão dos sentimentos) . * entrelaçamento entre a arquitetura e escultura. que proibiam o nu nas obras de arte. substituindo a unidade geométrica e o equilíbrio da arte renascentista. monumental. * Realista. onde venceu um concurso para a construção da fonte da Piazza della Signoria.que se revela num estilo grandioso. que os artistas renascentistas procuram realizar de forma muito consciente. que incumbiu-o da construção de sua villa na Porta del Popolo. O estilo barroco traduz a tentativa angustiante de conciliar forças antagônicas: bem e mal. com quem se casou. XVII) mas não tardou a irradiar-se por outros países da Europa e a chegar também ao continente americano. Poucos anos depois mudou-se para Roma. Suas características gerais são: * emocional sobre o racional. na corte dos Medici.

Dentre os pintores barrocos italianos: Caravaggio . mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores. decorador e escultor. documentando o dia-a-dia do povo espanhol num dado momento da história. as penumbras que envolvem áreas de luminosidade mais intensa.arquiteto. de outros países da Europa. ESCULTURA Suas características são: o predomío das linhas curvas.além de um colorista vibrante. Obra destacada: A Glória de Santo Inácio. e de que este se abre para o céu. mas é criada intencionalmente pelo artista. algumas de suas obras serviram de elementos decorativos das igrejas. ROCOCÓ Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco. Dentre os pintores mais representativos. no vestuário que se localizam as cores quentes . Obra destacada: O Conde Duque de Olivares. para dirigir a atenção do observador. Andrea Pozzo . o baldaquino e a cadeira de São Pedro. temos: Velázquez . Rembrandt (holandês) . ambos na Basílica de São Pedro. Rubens (espanhol) . a partir das linhas contorcidas dos corpos e das pregas das roupas. aplicado para designar pérolas de forma irregular.o vermelho.o que melhor caracteriza a sua pintura é o modo revolucionário como ele usa a luz. e os gestos e os rostos das personagens revelam emoções violentas e atingem uma dramaticidade desconhecida no Renascimento.além de retratar as pessoas da corte espanhola do século XVII procurou registrar em seus quadros também os tipos populares do seu país.realizou grandes composições de perspectiva nas pinturas dos tetos das igrejas barrocas. Obra destacada: O Jardim do Amor. causando a ilusão de que as paredes e colunas da igreja continuam no teto. Obra destacada: Vocação de São Mateus. A Itália foi o centro irradiador do estilo barroco.o que dirige nossa atenção nos quadros deste pintor não é propriamente o contraste entre luz e sombra. urbanista. Obra destacada: Aula de Anatomia. os meios-tons. o verde e o amarelo . de onde santos e anjos convidam os homens para a santidade.que contrabalançam a luminosidade da pele clara das figuras humanas. dos drapeados das vestes e do uso do dourado. Bernini . Em seus quadros. um intenso movimento. Vaticano e o Êxtase de Santa Teresa. Para seu conhecimento Barroco: termo de origem espanhola ‘Barrueco’. como. é geralmente. por exemplo. Obra destacada: A Praça de São Pedro. se notabilizou por criar cenas que sugerem. no Vaticano. mas a gradação da claridade. Ela não aparece como reflexo da luz solar. .

frivolidade e exuberante. é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves. na Prússia e em Portugal. Grande mestre do estilo rococó. ao contrário do que ocorreu na arquitetura. elegância. marco do rococó bávaro. laços e flores. Na França. o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr. que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas. difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha. bizarro. o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI. o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. tais como conchas. e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. (1692-1766). por volta de 1770. responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren. caráter intimista. alusões ao teatro italiano da época.Desenvolveu-se na Europa do século XVIII. quer estilisticamente. motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. Características gerais: · Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos. Nos primeiros anos do século XVIII. Principal Artista: Johann Michael Fischer. não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó. Restaurou dezenas de igrejas. cada uma com existência própria e individual. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis. Vigoroso até o advento da reação neoclássica. mosteiros e palácios. O termo deriva do francês rocaille. Mais do que nas peças esculpidas. alegria. entre 1700 e 1780. quer cronológica. que significa "embrechado". ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central. · Possui leveza. escultor alemão. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado. o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. ARQUITETURA Durante o Iluminismo. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre. com maior graça e intimidade. Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas originariamente na decoração de grutas artificiais. membro de um grupo de famílias de . Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia. pastorais. responsável por vários edifícios na Baviera. (1709-1772).

Jean-Honoré Fragonard . em Berlim. isto é. e um dos mais antigos precursores do impressionismo. uma nova tendência estética predominou nas criações dos artistas europeus. (1684-1721). que assumiu a direção da Sociedade européia após a Revolução Francesa e principalmente com o Império de Napoleão. pela imitação dos modelos antigos greco-latinos. desenhista e retratista de talento. No final do reinado de Luís XIV. apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado. num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles. PINTURA Durante muito tempo. Principais Artistas: Antoine Watteau. mas a alegre descontração do estilo rococó. que expressou os valores próprios de uma nova e fortalecida burguesia. . NEOCLASSICISMO Nas duas últimas décadas do século XVIII e nas três primeiras do século XIX. transformada depois no Panteão Nacional. a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. (1725-1775). ARQUITETURA Tanto nas construções civis quanto nas religiosas. * arte entendida como imitação da natureza. (1703-1770). sempre com grande perfeição no desenho. alguns retratos. Foi um dos últimos expoentes do período rococó. Fragonard destacouse principalmente como pintor do amor e da natureza. "Anjo da guarda". de cenas galantes em paisagens idílicas. pintou.mestres da moldagem no estuque. Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva. o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas. que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. "Pietà". um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha. paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio"). Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. * academicismo nos temas e nas técnicas. obras-primas dos interiores rococós. Além dos quadros de caráter mitológico. e a Porta do Brandemburgo. sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes. Ignaz Günther. "Anunciação". Principais características: * retorno ao passado. escultor alemão. as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica. caracterizado por uma arte alegre e sensual. em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da Europa. em Paris. distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho. François Boucher. (1732-1806). Trata-se do Neoclassicismo (neo = novo).

Para seu conhecimento Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. mestre inegável do equilíbrio da composição. Amante declarado da tradição. registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo. além de composições mitológicas e literárias. Sua obra abrange. no ano de 79 a. retratos e paisagens.foi considerado o pintor da Revolução Francesa. mais tarde. rendas. Diante daquelas construções. sem dúvida. ocasionando a construção de tantos edifícios brancos.PINTURA A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana. que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. ele afirmava. * Exatidão nos contornos * Harmonia do colorido Os maiores representantes da pintura neoclássica são. os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco. foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. refletindo racionalismo dominante. sobretudo em Rafael. contudo foi Ingres. . Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos. o mais revolucionário dos dois. Jacques-Louis David .C. o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados. nus. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. Características da pintura: * Formalismo na composição. mas algumas delas exprimem fortes emoções. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados.. num erro de interpretação. flores e jóias. repetia a seus alunos. na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola". Ardoroso defensor da pureza das formas. Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Durante o governo de Napoleão. principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. e não o retórico e inflamado Delacroix. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo. por exemplo.

e * os sentimentos do presente tais como: Liberdade. * o nacionalismo. * Valorização das cores e do claro-escuro. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. Igualdade e Fraternidade. traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão. gerando o neogótico. os horrores da guerra. em que os direitos individuais fossem respeitados. a permanência do estilo anterior. grosso modo. Morreu em Bordeaux. * a valorização da natureza como princípios da criação artística. * Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas. Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês PINTURA Características da pintura: * Aproximação das formas barrocas. e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica. tons opressivos. em 1746. Observa-se. o neoclássico. Do mesmo modo. Características gerais: * a valorização dos sentimentos e da imaginação. e * Dramaticidade Temas da pintura: * Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas. e * Mitologia Grega Principais artistas: Goya . Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos. Espanha. ARQUITETURA E ESCULTURA A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. * Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador. provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-de-obra.ROMANTISMO O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais.Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos. em 1828. políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. a atividade artística tornou-se complexa. a . seres deformados.

Veneza. Para seu conhecimento: A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar. Amigo do compositor Frèderic Chopin. dando-nos a sensação de grande movimentação. um estilo delimitado no tempo. muitas vezes tomado como um símbolo das lutas populares e republicanas. Seu quadro mais conhecido A Liberdade Guiando o Povo. Turner . admirado pelo poeta Charles Baudelaire e indiferente às demais celebridades de seu tempo. a restauração da dinastia dos Bourbon e. deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade.representou grandes movimentos da natureza. REALISMO Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias. mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete. inclusive em suas criações artísticas. procurou descrever uma certa atmosfera da paisagem. de interpretar a realidade. dono de uma língua ferina. cenas históricas e as lutas pela liberdade. Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808. das luzes e das sombras. convenceu-se de que precisava ser realista. Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte. Culto. escreveu na derradeira nota de seus famosos diários. a entronização do rei Luís Felipe. que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza. finalmente. O homem europeu. portanto. suas obras apresentam forte comprometimento político e o valor da pintura é assegurada pelo uso das cores. Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva). Obras destacadas: Chuva. que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades.ação incompreensível de monstros. em 1830. Nascido num momento crucial da História da França. por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho. Assistiu à ascensão e queda de Napoleão Bonaparte. o pintor viveu a maior parte da vida jovem e adulta num mundo que voltava aos poucos à antiga ordem natural das coisas. de agir. Eugène Delacroix (1798-1863). aquele em que a burguesia revolucionária colhia os frutos de seu triunfo sobre o monarquia dos reis Capeto. em 1963. inimigo do romancista Honoré de Balzac. São características gerais: * o cientificismo . nomeia um sistema. uma nova tendência estética chamada Realismo. rico e namorador. Representava assuntos abstratos personificando-os (alegorias). menos de dois meses antes de morrer. sobretudo na pintura francesa. Delacroix tinha noção da própria grandeza. "A principal qualidade de um quadro é ser uma festa para os olhos". Vapor e Velocidade e O Grande Canal. foi feito por inspiração do movimento que levou Luís Felipe ao trono da França.

Os Burgueses de Calais. O Beijo e O Pensador. realista. a vulgaridade dos tipos que pintavam. tanto para os operários quanto para a nova burguesia. em Paris. ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental. pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana. Ao contrário. assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. hospitais e moradias. * Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. por exemplo. Pissarro e Van Gogh.* a valorização do objeto * o sóbrio e o minucioso * a expressão da realidade e dos aspectos descritivos ARQUITETURA Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas. Além disso. sensível observador da vida campestre. * Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade. Obras destacadas: Balzac. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. Gustavo Eiffel levanta. principalmente das classes populares. ferroviárias. os escultores preferiam os temas contemporâneos.o povo. Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. Elas precisam de fábricas. bibliotecas. estações. Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram. ESCULTURA Auguste Rodin . Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica. Principais pintores: Courbet .tornaram-se assunto freqüente da pintura realista. republicano. mais tarde. procurou recriar os seres tais como eles são. hoje logotipo da "Cidade Luz". Temas da pintura: * Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta.não se preocupou com a idealização da realidade. Em 1889. elevando esses tipos à categoria de heróis. pois a beleza está na realidade tal qual ela é. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. socialista. a Torre Eiffel. lojas. Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza. Os artistas incorporavam a rudeza.foi considerado o criador do realismo social na pintura. a fealdade. criadas pela industrialização. Jean-François Millet. criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. amigo da verdade e verdadeiro" . a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos. Para seu conhecimento Courbet dizia: "Sou democrata. "Angelus". As pessoas das classes menos favorecidas . Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano. armazéns. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX. * Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza. escolas. em resumo . e. PINTURA Características da pintura: * Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um fenômeno da natureza. É o caso.

Pintou o corpo feminino com . O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX. * As figuras não devem ter contornos nítidos. Pelo contrário. de ser técnica para se óptica. É o observador que. alegria e a intensa movimentação da vida parisiense do fim do século XIX. Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade.foi o pintor impressionista que ganhou maior popularidade e chegou mesmo a ter o reconhecimento da crítica. por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história. dependendo da incidência da luz do sol. ainda em vida. afim de estudar as mutações coloridas do ambiente com sua luminosidade. obtendo o resultado final. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento. pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. como os pintores costumavam representá-las no passado. A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris. Havia algumas considerações gerais. em abril de 1874. Assim. pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens. pois as cores da natureza se modificam constantemente. Auguste Renoir . * As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. Principais características da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento. de interpretar a realidade.A palavra realismo designa uma maneira de agir. devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. muito mais práticas do que teóricas. combina as várias cores. IMPRESSIONISMO O Impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. Principais artistas: Claude Monet . * As sombras devem ser luminosas e coloridas. A mistura deixa.incessante pesquisador da luz e seus efeitos. e não escuras ou pretas. que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. pintou vários motivos em diversas horas do dia. ao admirar a pintura. tal como é a impressão visual que nos causam. Seus quadros manifestam otimismo. portanto. Obras Destacadas: Mulheres no Jardim e a Catedral de Rouen em Pleno Sol.

empastando ou provocando explosões. onde teve contato com a obra dos impressionistas. * pasta grossa.O movimento impressionista foi idealizado nas reuniões com seus principais pintores e elas aconteciam no estúdio fotográfico de Nadar. as composições com personagens do cotidiano. foi pintado totalmente ao ar livre e sempre com a luz do sol. * cores resplandecentes. abrupto. * preferência pelo patético. . Ganhou uma viagem à Europa. Obras Destacadas: Baile do Moulin de la Galette e La Grenouillière. à prostituição. Obra Destacada: Tarde de Domingo na Ilha Grande Jatte. Principais artistas: . dá forma plástica ao amor. Para seu conhecimento . martelada. ao medo. * técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem. que era a grande paixão do Impressionismo. vibrantes. à miséria humana. áspera. “expressando” sentimentos humanos. trágico e sombrio OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento ”Pós Impressionista”.sua formação acadêmica e sua admiração por Ingres fizeram com que valorizasse o desenho e não apenas a cor. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. inesperado. Deforma-se a figura. Os três primeiros pintores abaixo estão incluídos nessa designação. ele já não se preocupa mais em imitar modelos clássicos. fundidas ou separadas. decididamente. Principais características: * pesquisa no domínio psicológico. destaca-se o pintor Eliseu Visconti. * dinamismo improvisado. Obra Destacada: O Ensaio.O quadro Mulheres no Jardim. Adorava o teatro de bailados. procura. fazendo e refazendo. Os ambientes de seus quadros são interiores e a luz é artificial. Paris. de Monet. preferia os nus ao ar livre. Sua grande preocupação era flagrar um instante da vida das pessoas. foi pintor de poucas paisagens e cenas ao ar livre. Obra destacadas são: Trigal e Maternidade. Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas. No Brasil. à solidão. Utilizando cores irreais. ao ciúme. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanhaentre 1905 e 1930.formas puras e isentas de erotismo e sensualidade. os retratos e as naturezas mortas. para ressaltar o sentimento. mas queriam leválos mais longe. EXPRESSIONISMO O Expressionismo é a arte do instinto. Edgar Degas . São cenas do jardim da casa do artista. Além disso. registrar os efeitos da luz solar nos objetivos e seres humanos que retrata em suas telas. subjetiva. Seurat . A influência que recebeu desses artistas foi tão grande que ele é considerado o maior representante dessa tendência na pintura brasileira.Mestre no pontilhismo. trata-se de uma pintura dramática. aprender um momento do movimento de um corpo ou da expressão de um rosto. na Rue de Capucines.

Na França de 1870. Cézanne volta para Aix. Cézanne era conhecido como um artista subversivo. violando. Neste último o pintor destacava mulheres nuas com enormes nádegas As pessoas para ele eram tidas como objetos. A autonomia da arte. Quando voltou a Paris. “Por que você se mexe? Uma maça por acaso se mexe?". realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel. ambos pintados entre 1864 e 1868. dizia.sua principal tendência foi converter os elementos naturais em figuras geométricas . algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores. literalmente. a realidade do objeto. “A Orgia” e a “Tentação de Santo Antão”. Nos diversos artigos que escreveu para os jornais da época. Aos 35 anos tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. mas de qualquer forma indicam os elementos de um grande pintor”. representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida. No ano de 1891. voltou ao Taiti. longe de poder ser enquadrada em algum movimento. Passa os últimos 30 anos de sua vida. é verdade que teve seguidores e que pode ser considerado o fundador do grupo Navis. Obra Destacada: Jovens Taitianas com Flores de Manga. cones e esferas – que se acentuou cada vez mais. em oposição a qualquer naturalismo. Cézanne se preocupava em interpretar as cenas ao seu redor. Começou assim uma vida de viagens e boemia. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície. de difícil temperamento. que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. quase decorativamente. implicava. Irritava-se com freqüência com os seus modelos. Cézanne diferenciava-se deles por sua técnica de construção rigorosa que mais tarde evoluiria para as formas geométricas. publicado num jornal de Marselha. A maioria dos seus quadros transmite uma emoção. Sua grande aspiração. Gauguin voltou com os pais para a França. Apesar disso. da mesma forma que maçãs e laranjas. Em 1887 entrou para a marinha e mais tarde trabalhou na bolsa de valores. por vezes. disse ele num artigo de 1877. e não faltam cenas que mostram um erotismo natural. o pintor parte para o Taiti. segundo conhecidos do pintor. criticava o sistema artístico estabelecido e enaltecia a arte dos pintores impressionistas. mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique. verdes e violetas. Não conseguindo entrar na Escola de Belas Artes e tendo vários dos seus quadros recusados no Grande Salão de Paris. Retratar banhistas virou uma obsessão para o pintor. Paul Cézanne (1839-1906) . considerada intragável pelos críticos da época. de tal forma que se tornaria impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos. Mais do que reproduzir.Depois de passar a infância no Peru. Sua obra. era “fazer do impressionismo algo sólido e durável como as artes dos museus”. Colega dos principais artistas do movimento impressionista francês como Renoir. de sua paixão pelas nativas. mais precisamente para Orléans. entre eles. Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos. mais do que um conceito artístico. em busca de novos temas. Monet e Degas. foi a premissa básica do Cubismo de Picasso e Braque que surgiria nos primeiros anos do século 20. que quebrou com a visão estereotipada de que a obra de arte tinha de ser uma cópia da realidade. morando em diferentes cidades do sul da França e indo . “As telas tão fortes e tão vívidas podem até provocar risos nos burgueses. Zola chamava Cézanne de o maior colorista do grupo. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar. No começo da carreira artística ele chocou o público pintando temas sensuais. tão bem divulgada por ele. amarelos. onde se casa e tem um filho.Paul Gauguin (1848-1903) . para se libertar dos condicionamentos da Europa. foi tão singular como a de seus amigos Van Gogh ou Cézanne. que.como cilindros. fruto. como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo.

pouco contato com os pintores. onde passou a pintar ao ar livre. e também foi responsável pelos cartazes das artistas que se apresentavam no Moulin Rouge. sem nenhuma matização. cidade do sul da França. As linhas sinuosas do céu e da água. declarando-se um colorista arbitrário. foi surpreendido por uma tempestade em Aix. Uma de suas obras mais importantes é O Grito (1889). entre eles Pisarro e Paul Gachet. começou a se especializar em gravações e litografias. Tanto na “A Casa dos Enforcados” . Numa segunda viagem a Paris. O sol intenso da região mediterrânea interferiu em sua pintura. comuns na sua época. Em julho do mesmo ano. nem compreender o esforço para libertar a beleza dos seres por meio de uma explosão de cores. Interessou-se pelo trabalho de Gauguim. Nela a figura humana não apresenta sua linhas reais mas contorce-se sob o efeito de suas emoções. foi convidado a participar da exposição da Associação de Berlim. depois de internações e tratamentos médicos. na qual conheceu Gauguin. Enquanto viveu não foi reconhecido pelo público nem pelo críticos. realizou cenários. pois elas tinham para ele a função de representar emoções. Em outubro de 1906. Perseguido pela tragédia familiar. sofrem e amam".foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. exibidas no Grande Salão. no ateliê do pintor Krogh. Cézanne já esboça a sua tendência às formas geométricas. em maio de 1890. Boêmio. Kirchner (1880-1938) . Volta para Paris em 1874. deixou Paris e foi para Arles. Um exemplo do seu perfeccionismo pelas formas pode ser expresso pelos seus 60 quadros acerca do mesmo tema: o Monte Saint Victoire.eventualmente a Paris. Toulouse-Lautrec (1864-1901) . por insistência de Pisarro. principalmente pela sua decisão de simplificar as formas dos seres. na década de 1880. artista amador. que não souberam ver em sua obra os primeiros passos em direção à arte moderna. Nessa época. com o fim de . morreu jovem. Obra Destacada: Ivette Guilbert que Saúda o Público. pintou cerca de oitenta telas com cores fortes e retorcidas. Realizou uma viagem a Paris. que comprou várias de suas obras.empenhou profundamente em recriar a beleza dos seres humanos e da natureza através da cor. em três meses apenas. dirigiu-se. Em pouco tempo pôde se apresentar no Salão dos Independentes. e a linha diagonal da ponte. para a primeira mostra coletiva dos pintores impressionistas. O Grito é um exemplo dos temas que sensibilizaram os artistas ligados a essa tendência. Seus quadros exerceram grande influência nos artistas do grupo Die Brücke. na Noruega. as cenas interiores pacíficas. Entretanto ele passou por várias crises nervosas e. 1756 desenhos e dez gravuras. para Anvers. e ele libertouse completamente de qualquer naturalismo no emprego das cores. As suas telas são as que mais despertam zombarias do público. Noruega. onde. próximo à Aix. o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos. A dor e o trágico permeiam seus quadros.foi um dos primeiros artistas doséculo XX que conseguiu conceder às cores um valor simbólico e subjetivo. como na “Moderna Olympia”. que conheciam e admiravam sua obra. Munch (1863-1944) .Pintava temas pertencentes à vida noturna de Paris. morreu uma semana depois. conduzem o olhar do observador para a boca da figura que se abre num grito perturbador. Munch foi um artista determinado a criar "pessoas vivas. Apaixonou-se então pelas cores intensas e puras. ele suicidou-se. Obras Destacadas: Trigal com Corvos e Café à Noite. morou na Alemanha. Nascido em Loten. realizando trabalhos para a Ópera. que para ele era o elemento fundamental da pintura. Ele ficou quase 30 anos aprimorando a “geometria” da montanha em aquarelas de traços retos e vigorosos e ângulos quase perfeitos. uma cidade tranqüila ao norte da França. deixando uma obra plástica composta por 879 pinturas. reduzir os efeitos de luz e usar zonas de cores bem definidas. Recusou o banal. Afetado por uma congestão pulmonar. em 1863. longe das representações realistas. Em 1888. Munch iniciou sua formação na cidade de Oslo. Toulouse-Lautrec e Van Gogh. enquanto pintava no campo. Passou seus últimos anos em Oslo. Vicent Van Gogh (1853-1890) . Influenciado pelo cubismo e fauvismo. que respiram e sentem. além de exposições. Em seu regresso. Foi uma pessoa solitária. Manteve. A partir de 1907.

A HISTÓRIA DE DOIS AMIGOS Van Gogh conheceu Gauguin poucos meses antes. que seria de vital importância para suas obras posteriores. à dos gênios solitários. numa referência à frase do escritor: “. Sua visão tão subjetiva dos seres humanos e a emotividade de suas cores o aproximam mais do reduzido grupo de expressionistas franceses. para citar alguns. Veio então a época em que os pintores se reuniam numa casa de veraneio em Moritzburg e se dedicavam apenas ao que mais lhes interessava: pintar. voltou a pintar ao ar livre. em sua primeira viagem a Túnis. A exemplo de Kandinski. com quadros de caráter quase surrealista. Em 1933. As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. durante o nazismo. começou a trabalhar como professor em Dusseldorf e mais tarde na escola da Bauhaus em Weimar. na primeira exposição dos surrealistas. Picasso e Braque. Em 1908 participou do Salão dos Independentes e lá conheceu Juan Gris e Brancusi. Nessa cidade travou conhecimento com os pintores Utrillo. Klee escreveu: "A cor. pode expressar ritmo e movimento". em 1931. Suas obras mais importantes estão dispersas pelos museus de arte moderna mais importantes da Alemanha. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza. entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter.considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista. Modigliani teve em comum com os cubistas e expressionistas o distanciamento das academias. para seis anos mais tarde. Demônios. Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus. produto de uma profunda tristeza. como a forma. Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. Além de sua obra pictórica. fundou o grupo Die Brücke (A Ponte. ver sua obra ser destruída e desprestigiada pelos órgãos de censura. Três anos depois mudou-se para Paris. Amadeo Modigliani (1884-1920) . Em 1902 entrou na Academia de Florença e um ano mais tarde na de Veneza. Klee deixou vários trabalhos escritos que resumem seu pensamento artístico. segundo o pintor. Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra. Em 1912 viajou para Paris. este pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito.iniciou sua formação como pintor no ateliê de Micheli. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluf em Berlim. foi nomeado membro da academia de Berlim. Depois de uma viagem pela Itália. em Livorno. elegante. recatada e ao mesmo tempo misteriosa. Quando suas mãos se recuperaram do ferimento..manifestar sua verdadeira visão da realidade. pertence. bem como cenas circenses e de variedades. e ficará fascinado com a personalidade arrebatadora desse artista aventureiro que acabava de voltar do Panamá e da . onde teve aulas na academia de Colarossi. Sua última exposição em vida aconteceu em Basiléia. Entre eles merecem ser mencionados Anatomia de Afrodite. composto por Rouault e Soutine. Em 1914 Kirchner foi convocado para a guerra. Produziu então suas primeiras esculturas motivado pelas peças de arte africana chegadas à França das colônias. onde se encontrou com Delaunay. Paralelamente. e um ano depois tentou o suicídio. Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique. juntamente com a dos mestres Cézanne e Van Gogh. sua cidade natal. Esse aspecto de máscara foi uma das constantes nos seus retratos e nus sensuais. Sensivelmente influenciado pelos desastres da guerra.No final de 1938 o pintor pôs fim à própria vida. Flores Noturnas e Villa R. seus quadros se transformaram num amontoado neurótico de cores contrastantes e agressivas. em 1940. Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden. em Paris. Kirchner tentou mostrar em toda a sua produção pictórica uma realidade de pesadelo e decadência. a revalorização da cor e o estudo das formas puras. Mas a grande descoberta ocorreria dois anos depois. motivados pela leitura de Nietzsche. criados.. Quando finalmente sua contribuição para a arte alemã foi reconhecida. mas antes apresentou suas obras em Paris.a ponte que conduz ao super-homem”). Paul Klee (1879-1940) . com os quais. Apesar disso. Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen. pode-se muito bem dizer que sua obra. em sua casa ao pé dos Alpes. em cima de "matéria e sonhos". Iniciou uma fase de grande produtividade. Klee emigrou para a Suíça.

espontânea e definitiva. Os dois meses que Van Gogh e Gauguin passaram em Arles. depois do incidente no parque. nessa casa amarela. entre outubro e dezembro de 1888. em Auvers-sur-Oise. se viveria pela e para a beleza e não existiriam a propriedade privada nem o dinheiro. Gauguin fará um comentário brevíssimo e ríspido. em arte. · A cor pura deve ser exaltada. no Taiti. Os princípios deste movimento artístico eram: · Criar. 'Quando do suicídio de Van Gogh. Às 7 da manhã volta à Casa Amarela. é óbvio que não o esqueceu. embrulhada num jornal a Rachel. · As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares. Gauguin e os policias o transferem para o Hotel Dieu e Gauguin parte para Paris na mesma noite. enquanto bebiam absinto. E nos anos seguintes evitará falar do holandês. que mal se desvia dela. nos meses seguintes. pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista. Guaguin vai passar a noite num hotelzinho próximo. No dia seguinte lhe comunica a intenção de mudar-se para um hotel pois. ao se sentir descoberto."). quando todo mundo lhe garantira que essa flor exótica nunca havia conseguido aclimatar-se na Polinésia? Mas o "selvagem peruano". FOVISMO Em 1905. e trabalhou a terra com tal perseverança que afinal seus vizinhos indígenas e os missionários daquele lugar perdido. Van Gogh havia cortado parte da orelha esquerda. no bordel de madame Virginie. não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos. termina de modo abrupto: o holandês lança sua taça contra o amigo. onde tudo seria partilhado. Características da pintura: · Pincelada violente. Gauguin a dirigiria e novos pintores chegariam para integrar essa confraria ou comuna fraternal. quando está atravessando o Parque Victor Hugo.Martinica com uns quadros cheios de luz e de vida primitiva. levando-a. Ali. são os mais misteriosos de suas biografias. no Salão de Outono. como que assediado por um incômodo permanente. alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras). talvez de um modo que nem sequer foi sempre consciente. era teimoso e pediu sementes a seu amigo Daniel de Monfreid. Volta-se e vê Van Gogh com uma navalha na mão. como gostava de se chamar. no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens. ele poderia reagir com igual violência e apertar-lhe o pescoço. puderam deleitarse com aquelas estranhas flores amarelas que acompanhavam a trajetória do Sol. o fim de seus sofrimentos. · Criar é seguir os impulsos do instinto. um ano e meio depois. fundariam uma comunidade de artistas. foge. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles. uma discussão no Café Estação. Na véspera. Então pedira a seu irmão Theo que o ajudasse a convencer Gauguin que fosse à Provença morar com ele. caso o episódio se repetisse. nas quais o episódio da mutilação da orelha e suas experiências em Arles primam pela ausência. com uma bala de revólver no estômago. . enquanto Van Gogh permanecia um ano inteiro no sanatório de Saint Rémy. que. as sensações primárias. sem misturá-las ou matizá-las. Véspera de Natal de 1888. Gauguin sente passos às suas costas. prostituta com quem Van Gogh saia. lhe diz. em Arles e a descobre rodeada de vizinhos e policiais. em Paris. Ao anoitecer. que essa ausência esteve muito presente nos 15 anos de vida que lhe restavam. os amigos de Arles trocaram algumas cartas. Depois havia voltado ao seu quarto e ido dormir em meio a um mar de sangue. Embora nunca voltassem a ver-se. No entanto. da qual seriam os pioneiros. Punaauia. Por que se empenhou em semear girassóis diante de sua cabana em Punaauia. em virtude da intensidade com que usavam as cores puras. como a que ele reclamava para contra balançar "a decadência do Ocidente". como se tratasse de alguém muito alheio a ele ("Foi uma sorte para ele.

Para Cézanne. ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas.· Ausência de ar livre. . HENRI MATISSE (1869-1954). Em suas telas. como saem das bisnagas. Após romper com o fovismo. O que interessa é a composição e não as figuras em si. · Colorido brutal. Passaram a representar os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. pintor francês. Impressionista a princípio. sem profundidade. RAOUL DUFY (1877-1953). essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas. Na década de 1920. o mundo em pintura”. sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo. pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva. pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas. tanto das figuras como das suas cores. a árvore da paisagem ou a fruta da natureza morte não eram a árvore e a fruta que conhecemos – eram pintura. escultor. Principais Artistas: MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958). Preservavam-se as referências exteriores que as identificavam como árvore ou fruta. não correspondendo à realidade. CUBISMO Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne. Abandonou assim a perspectiva. que exploraram o sensualismo das cores fortes. retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica. Nessa fase. desde então. Foi. Ele dizia: “Mudo a água em vinho." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista. Na verdade. depois de travar contato com Matisse. a transformava. com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras. dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis. pintor francês. gravador e decorador francês. E era verdade. Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo. pois para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones. não mudou. ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse. foi o mais autêntico fovista. de fato. como de pessoas ou de naturezas-mortas. dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite. evoluiu gradativamente para o fovismo. ANDRÉ DERAIN (1880-1954). Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza. também. · Uso exclusivo das cores puras. formando grandes planos. tampouco copiava a natureza. seus nus. as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma. Dos pintores fovistas. adquiriam outra substância: eram seres do mundo pictórico e não do mundo natural. na fronteira da natureza e da arte. esferas e cilindros. ilustrador e litógrafo. Seu estilo. recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. Entretanto. em 1908. Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra. Por isso. os cubistas foram mais longe do que Cézanne. É como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador. · Pintura por manchas largas. pintor francês. é correto dizer que Cézanne pintava numa zona limite. a pintura não podia desvincular-se da natureza. com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas." Por volta de 1900. pintor.

despertando também no observador as sensações táteis. como vimos anteriormente. Representa-os como se movimentassem em torno deles.O pintor cubista tenta representar os objetos em três dimensões. dias depois. com a obra Les Demoiselles d’Avignon começa a elaborar a estética cubista que. reduz tudo.(1909) caracterizado pela desestruturação da obra em todos os seus elementos. por cima e por baixo. metal e até objetos inteiros nas pinturas. A motivação imediata do quadro foi a destruição de Guernica. vendo-os sob todos os ângulos visuais. Cubismo Sintético . Essa frase.(1881-1973) Tendo vivido 92 anos e pintado desde muito jovem até próximo à sua morte passou por diversas fases: a fase Azul. por um ocre apagado ou um castanho suave Braque e Picasso. a esquemas geométricos. sob formas geométricas. mas com uma liberdade muito maior. citada por Louis Vauxcelles. vidro. Picasso pretendia que seu quadro fosse uma denúncia contra a s mortes que estavam destruindo a Espanha na terrível Guerra Civil (1936-39). Principais características: • geometrização das formas e volumes • renúncia à perspectiva • o claro-escuro perde sua função • representação do volume colorido sobre superfícies planas • sensação de pintura escultórica • cores austeras. pedaços de madeira. o artista registra todos os seus elementos em planos sucessivos e superpostos. daria o nome ao movimento. seu amigo. Braque enviou alguns quadros para o Salão de Outono de 1908. entre 1904-1907. sítios. chega ao fim a aventura cubista.(1911) reagindo à excessiva fragmentação dos objetos e à destruição de sua estrutura. procurando a visão total da figura. O cubismo se divide em duas fases: Cubismo Analítico . mas sugere a estrutura dos corpos ou objetos. se fundamenta na destruição de harmonia clássica das figuras e na decomposição da realidade. Basicamente. que representa a tristeza e o isolamento provocados pelo suicídio de Casagemas. que se tornou impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas cubistas. Também chamado de Colagem porque introduz letras. Essa fragmentação dos seres foi tão grande. Essa inovação pode ser explicada pela intenção dos artistas em criar efeitos plásticos e de ultrapassar os limites das sensações visuais que a pintura sugere. o amor por Fernande origina muitos desenhos sensuais e eróticos. números. palavras. percebendo todos os planos e volumes. Não representa. Decompondo a obra em partes. Principais artistas: Pablo Picasso . seguindo a lição de Cézanne deram inicio à geometrização dos elementos da paisagem. do branco ao negro passando pelo cinza. cinza e bege. como membro do júri. Também destacamos a obra Guernica que foi mostrada pela primeira vez na Exposição Internacional de Paris. Foi concebido e executado com grande rapidez em seu estúdio em Paris. Em 1907. no Gil Blas. a fase Rosa. com o predomínio de linhas retas. essa tendência procurou tornar as figuras novamente reconhecíveis. figuras e casas. Picasso desenvolveu uma verdadeira revolução na arte. examinado-a em todos os ângulos no mesmo instante. . A cor se reduz aos tons de castanho. numa superfície plana. são evidenciados pela monocromia e também a representa a miséria e o desespero humanos. e contra a perpétua desumanidade do Homem. onde Matisse. essa tela subverteu o sentido da arte moderna com a declaração de guerra em 1914. através da fragmentação dela. iniciam-se os ciclos dos saltimbancos e do arlequim. com a paixão de Picasso pelo circo. em artigo publicado. a cubos”. em 1937. entre 1901-1904. os viu e comentou: “Ele despreza as formas. Depois de descobrir as artes primitivas e africanas compreende que o artista negro não pinta ou esculpi de acordo com a tendência de um determinado movimento estético.

Juan Gris (1887-1927). Se também ouviu a frase de Cézanne. mas no ano de 1889. pois existem relógios. sob as ordens do general Franco. dá uma contribuição importante ao introduzir no cubismo uma visão nova do espaço como espaço-tempo. ao decompor o objeto no plano. No Outono de 1907. era aquilo que se queria fazer. 26 de abril de 1937. entrando em contato com a arte de Cézanne. aos dezesseis anos. Em 1900. no Salão dos Independentes. onde em um escritório de arquitetura e retoques fotográficos trabalhou como desenhista. é como se ele estivesse reencontrando filhos pródigos . Fernand Léger (1881-1955) se desenvolveu o seu cubismo numa direção diferente de Braque e Picasso. Reprovado no exame de ingresso da Escola de Belas-Artes de Paris. “Braque sempre disse que na pintura só conta a intenção. É muito difícil hoje em dia estar-se sozinho. o que o leva a Caen. Já alguma vez se viu um santo com relógio?” “Não sou nenhum pessimista. onde trabalhou como aprendiz de arquiteto.capital da região basca. por ocasião de uma mostra. Mas por isso mesmo não vejo por que razão todo o mundo pretende interrogar a arte. que chamava a atenção para a geometria contida nos objetos naturais. Léger nunca atingira o grau de abstração dos dois mestres cubistas.só que vestidos com túnica de ouro”. pois não poderia viver sem lhe dedicar todo meu tempo. em 1906. tendo sido agraciado com a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. tal como se observa em seu quadro “Nus dans la forêt” (1909-10). "A Arte não é a verdade. Em plena luz do dia. Braque foi mobilizado e ferido na cabeça em 1915. 81 anos) Foi um pintor e escultor francês que juntamente com Pablo Picasso inventaram o Cubismo. no dia da feira da cidade. vê algumas de suas telas antigas novamente. Georges Braque . E isso não se pode pintar”. estudou na Escola de Artes Decorativas e na Academia Julien. os aviões nazistas. . mudou-se para Paris onde. Amo-a como a minha única razão de ser. A maior parte da sua adolescência foi passada em Le Havre. expôs as suas primeiras obras no estilo de formas simples e cores puras (fovismo. mudou-se para Paris. O que era afinal o mais importante no cubismo. Não obstante. pintor espanhol que aderiu ao cubismo em 1912. De seus 7 mil habitantes. capital da Alta Normandia. não conseguiu entregar-se totalmente à liberdade inventiva de Picasso e Braque. desde cedo se interessou pelo desenho. O que conta é aquilo que se faz. devido ao ferimento esteve afastado da pintura.(1882-1963. É isso o importante. não detesto a arte. Por essa razão. era um homem muito lúcido em cuja arte o fator racionalizante tinha grande peso. mas como cilindros e cones. exigindo-lhe certificados. mantendo seu cubismo preso a uma composição formal muitas vezes rígida e fria. buscando exprimir as várias etapas de sua apreensão no tempo. A Arte é uma mentira que nos ensina a compreender a verdade". de família de camponeses normandos. “Nada pode ser criado sem a solidão. passou a pintá-los não como se fossem cubos. Algumas das frases de Pablo Picasso: "A obra de um artista é uma espécie de diário. deixando correr livremente sua estupidez em relação a este tema”. De origem modesta. Quando o pintor. a intenção que se tinha. 1654 foram mortos e 889 feridos. atacaram a cidade indefesa. conheceu Picasso com quem se deu quase diariamente até que em 1914 devido a Grande Guerra se separaram. Criei em meu redor uma solidão que ninguém calcula. frequentando ainda vários ateliês. na empresa de pintura decorativa de seu pai. Picasso e Braque. Braque iniciou a sua ligação as cores. França. Tudo que faço relacionado com a arte dá-me a maior alegria. Durante dois anos. É verdade.

(1886 . Tarsila do Amaral . Georges Braque e Pablo Picasso. ou seja. Tarsila absorveu do mestre sua característica síntese geométrica. estão na origem das colagens de Kurt Schwitters que. Braque e Gris). que estão evidentes na séria de “Villes”. colaborou decisivamente para o desenvolvimento da arte moderna brasileira. além de Léger. De volta do Brasil. Em 1928. Ele cria um novo repertório de signos (ou objetos figurativos). que aderiram ao cubismo. com seus merzbilder. Também usou de temática social nos seus quadros como na tela Operários. no mobiliário. Léger não aceitou sua representação exclusivamente conceitual. Metzinger. com ele a pintora paulista aprendeu a estruturar o quadro. não planos ou recortes de figuras dispostas. Rego Monteiro . do cubismo nasceu a arte geométrico-construtiva. no ano seguinte.1973) Aluna de seu amigo Fernand Léger por apenas algumas semanas em outubro 1923. participou efetivamente de seu ambiente artístico e se tornou membro do Salon dês Indépendants. pois. suas abstrações curvilíneas e tubulares contrastavam-se com as formas retilíneas preferidas por Picasso e Braque. dá entrevista ao Correio da Manhã em que se autodenomina uma pintora cubista “movimento que nasceu com a fragmentação da forma”. que me legou as noções de construção. Nelas. na moda. pintor francês o seu caminho no movimento cubista. pintou seus “Discos simultâneos”. Gleizes. “Minha pintura não poderia existir antes do cubismo. mais tarde. deu início a uma fase chamada Antropofágica. Robert Delaunay (1885-1941). Léger. A partir de 1912. Uma de suas mais famosas é “Mulher Diante do Espelho”. disse ela ao jornal em reportagem publicada no dia de Natal.Aproxima-se dos cubistas em 1909. ele chega rapidamente a uma linguagem abstrata. que se aproxima do decorativo. este mais militante. na revista Der Sturm. o papier collé. pois produziu um conjunto de obras indicadoras de novos rumos. Max Jacob. quando esteve na Europa manteve contato com artistas europeus. De Chirico e Brancussi. Quando em 1912. Era. a arte neoconcreta brasileira e a optical art. Morando em Paris desde 1911 (chegou lá com 12 anos). a continuação do impressionismo “a fragmentação da cor”. mas planos interligados. integrados. nos 4 mil expositores do Salão de Outono e dos Independentes”. A essa fase pertence a tela Abaporu cujo nome. suas primeiras telas cubistas. que servirá de pretexto para suas “frases cromáticas” e outras obras. em dezembro de 1923. de Léonce Rosenberg. Em 1911. Picasso. que reunia a “trinca de ouro do cubismo” (Picasso. à qual o poeta Apollinaire daria o nome de orfismo.(1899-1970) Fez grandes obras pós-cubistas. uma nova vertente surgiu no cubismo. expôs no Salão dos Independentes e. de que derivaria a arte concreta. aos 34 anos. Interessa-se pela lei dos contrastes simultâneos de Chevreul. mais Gleizes. luz e forma”. de 1922. Em meados da década de 20. a lição cezanniana. participa da Section D’Or. introduzido nos quadros cubistas por Braque e Picasso. Em 1923. Blaise Cendrars. . criaria as primeiras ‘instalações’. segundo a artista é de origem indígena e significa “Antropófago”. o pintor foi convidado a integrar o famoso Grupo da Galeria L’effort Moderne. Herbin e Severini. AS fontes da pintura de Delaunay são as mesmas de Braque. Em contato com o Cubismo. Voltou ao Brasil em 1933. ele abdica das cores vivas que marcaram sua pintura anterior. disse Monteiro certa vez. “Estou ligada a esse movimento que tem produzido efeitos nas indústrias. conhecendo os poetas Apollinaire. Delaunay recorre à cor como seu meio de expressão. Apesar de não ter exposto na Semana de 22. uma vez que nele se inspirou Piet Mondrian para criar o neoplasticismo. Ao contrário da experiência relâmpago com Léger. que daria à sua pintura algo de composição musical. mais tarde. onde expôs diversas vezes. o levaria a uma redescoberta da cor e do ritmo espacial. os pintores Albert Gleizes. também. através de Picabia e Duchamp. nos brinquedos. CUBISMO: O VERDADEIRO INICIO DA ARTE CONTEMPORÂNEA De fato. e publica seu ensaio ‘Les origines de la peinture contemporaine’. a passagem pelo ateliê de Gleizes foi mais duradoura e marcante na sua obra posterior. e preconizavam uma aproximação às imagens orgânicas surrealistas. Também próxima de outro cubista. mas de que ele se afasta imprimindo em sua pintura a preocupação de expressar o dinamismo da vida moderna. Robert Delaunay e. Como Léger. sem figuração. fundadas na exploração daqueles contrastes.

em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas. o sentido de construção formal. de outro. Naturalmente. registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. inspirador da arte pop americana. o poeta italiano Marinetti. da arte objeto. Deve-se acrescentar ainda a antecipação. Russolo. O cubismo influiu sobre as vanguardas russas do começo do século. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". embora sem chegar a uma total abstração. forneceu aos jovens Braque e Picasso as armas necessárias para agirem à linguagem invertebrada do impressionismo agonizante. De nenhum movimento artístico é possível dizer em que data exata nasceu. de que são exemplos as ‘esculturas’ (bandolins. mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. aderindo entusiasticamente à máquina. ou vários tempos num só espaço. Em face de tão raro fenômeno. Assim. sua cidade natal.Mesmo assim. adotada pelos seus dois protagonistas. no construtivismo. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel. Críticos e historiadores. de Malevitch. Boccioni e Giacomo Balla. admitem que dois fatores mais importantes que determinaram o nascimento do cubismo foram. dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. bem como nos contra relevos de Tatlin e Rodchenko.dá origem ao dadaísmo e ao futurismo. a influência de Cézanne sobre Braque e. também de algum modo preparou o terreno para a mudança futura. guitarras. O pontilhismo de Seurat. Severini. Deve admitir. que o fauvismo de André Derain e Henri Matisse já havia aberto o caminho para uma arte mais construída e menos sujeita à imitação do mundo exterior. FUTURISMO O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris. A resposta está obviamente na natureza desse movimento. onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as . por sua objetividade construtiva. desdobrando-se ali no suprematismo. resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra. cabe perguntar por que teve o cubismo papel tão decisivo e fecundador a arte do século 20. na sua maioria. de uma síntese de fatores convergentes que vão aos poucos ganhando corpo e se definindo. Para Balla. Em 1895 o pintor mudou-se para Roma. e nele. O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. com Guillaume Apollinaire. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia. de dois meses de duração. mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas. etc. uso de novos materiais e a reciclagem dos chamados objetos do cotidiano. com a situação da luz e a integração do espectro cromático. na Academia Albertina de Turim. a ação desses fatores foi estimulada esgotamento da linguagem impressionista. em 22/02/1909. os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo. Com o cubismo não foi diferente. principalmente o primeiro. Mas nem um nem outro tocava no cerne da questão que deflagrou a reviravolta estética promovida pelo cubismo. Para os futuristas. nos fatores que o engendraram. Principais artistas: GIACOMO BALLA . de 1910. O segundo manifesto. Os futuristas saúdam a era moderna. A formação acadêmica de Balla restringiu-se a um curso noturno de desenho. Pevsner e Gabo. Procura-se neste estilo expressar o movimento real. comum à pintura de Cézanne e à escultura negra. uma vez que se trata de um processo.) construídas por Picasso por volta de 1911 e 12. na nova atitude em face a arte. o espanhol Pablo Picasso e o francês Georges Braque. de um lado. movimentos que tiveram grande influência do desenrolar da arte moderna. "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". ali verificada. a descoberta da escultura negra por Picasso.

ou desintegração das formas. mostrou-se interessado na pintura impressionista. Foi com a intenção de procurar as bases dessa nova estética que ele viajou a Paris. apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade. juntava-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista.. como num pseudofotograma. Logo fez amizade com os pintores Balla e Severini. . Enquanto ganhava seu sustento como pintor-decorador freqüentava as aulas de pintura na Academia Brera. onde estudou em diferentes academias. Dinamismo Plástico). Na volta a Roma. por definição suas obras mais futuristas. Durante a Primeira Guerra Mundial. influenciou a arte de seu país nas décadas de 1920 e 1930. No início. Representante do futurismo e mais tarde da pintura metafísica. Boccioni mudou-se ainda muito jovem para Roma. Londres e Berlim. o pintor se alistou como voluntário e ao voltar publicou o livro Pittura. em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento. em Milão. principalmente na obra de Cézanne. entre eles La Pittura Metafísica (1919) e La Mia Vita (1943). Em 1912.Publicou vários trabalhos. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento. Um ano mais tarde. Um ano mais tarde. Cinco anos mais tarde. São Petersburgo e Milão. no qual foram registrados os princípios teóricos da arte futurista: condenação do passado. Modigliani e Picasso. pintor italiano. Morreu dois anos depois. Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica. Preocupado. Numa segunda viagem a Paris entrou em contato com Apollinaire. sua obra se manteve sob a influência do cubismo. junto com Giorgio De Chirico. CARLO CARRA (1881-1966). em 1916. Ao voltar. Dissolvido o movimento. mas já em 1915 separou-se definitivamente do grupo. Ao voltar. Carrà não deixou de comparecer às exposições futuristas de Paris.exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes. Escultura Futurista. mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias. Em 1900 fez sua primeira viagem a Paris. do qual foi um dos principais teóricos. ele se separaria finalmente do futurismo para se dedicar àquilo que eles próprios dariam o nome de Pintura Metafísica. Ao retornar. A partir desse momento começaram a aparecer as referências cubistas em suas obras. De lá mudouse para Londres. participou da primeira exposição futurista. não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. indiferença em relação aos críticos de arte e rejeição dos conceitos de harmonia e bom gosto aplicados à pintura. onde se encontrou com Picasso e Braque. com sua obra Dinamismo de um Jogador de Futebol. Juntou-se a Giorgio De Chirico e realizou sua primeira pintura metafísica. fez uma viagem a Paris. Boccioni conseguiu finalmente fazer a representação do movimento por meio de cores e planos desordenados. numa repetição quase infinita. publicou o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. Suas obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo. Nascido em Reggio di Calábria. onde entrou em contato com a obra dos impressionistas e neoimpressionistas e participou de várias exposições. retomou as aulas na Academia Brera e conheceu Boccioni e o poeta Marinetti. Fez então algumas viagens a Paris. Boccioni e Severini. Em suas últimas obras retornou ao cubismo. conheceu Marinetti. entrou em contato com Carrà e Marinetti e um ano depois se encontrava entre os autores do Manifesto Futurista de Pintura. contratado para a decoração da Exposição Mundial. Scultura Futurista. como seus companheiros. Nessa época iniciou seus primeiros estudos e esboços de Ritmo dos Objetos e Trens. Um ano mais tarde assinou o Primeiro Manifesto Futurista. desprezo pela representação naturalista. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas. Balla retornou às suas pinturas realistas e se voltou para a escultura e a cenografia. redigido pelo poeta italiano e publicado no jornal Le Figaro. Dinâmico Plástico (Pintura.

.única higiene do mundo -. o salto mortal. É da Itália que lançamos ao mundo este manifesto de violência arrebatadora e incendiária com o qual fundamos o nosso Futurismo. 8. o gesto destruidor dos anarquistas. Nenhuma obra que não tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. O poeta deve prodigalizar-se com ardor. o feminismo e toda vileza oportunista e utilitária. tudo bem. fausto e munificência.. Museus: cemitérios!. a velocidade. ditamos nossas primeiras vontades a todos os homens vivos da terra: 1.. é mais belo que a Vitória de Samotrácia. Museus: dormitórios públicos onde se repousa sempre ao lado de seres odiados ou desconhecidos! Museus: absurdos dos matadouros dos pintores e escultores que se trucidam ferozmente a golpes de cores e linhas ao longo de suas paredes! Que os visitemos em peregrinação uma vez por ano. 3. 2. porque queremos libertar este país de sua fétida gangrena de professores. cuja haste ideal atravessa a Terra. cicerones e antiquários. pelo prazer ou pela sublevação. as locomotivas de amplo peito que se empertigam sobre os trilhos como enormes cavalos de aço refreados por tubos e o vôo deslizante dos aeroplanos. o êxtase e o sono. os navios a vapor aventurosos que farejam o horizonte. Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo. contundidos e enfaixados os braços. e combater o moralismo. Mas não admitimos passear diariamente pelos museus nossas tristezas. mas impávidos. 6. Queremos exaltar o movimento agressivo. Fragmento "Fundação e manifesto do futurismo". 5.na cidade de Verona. as pontes semelhantes a ginastas gigantes que transpõem as fumaças. 4. 10. arqueólogos. cintilantes ao sol com um fulgor de facas. a fim de aumentar o entusiástico fervor dos elementos primordiais. Que uma vez por ano se desponta uma coroa de flores diante da Gioconda. cujas hélices se agitam ao vento como bandeiras e parecem aplaudir como uma multidão entusiasta. Por que haveremos de olhar para trás. a insônia febril. pois criamos a eterna velocidade onipresente. Queremos glorificar a guerra . pela sinistra promiscuidade de tantos corpos que não se conhecem. o patriotismo. Queremos cantar o amor do perigo. o hábito da energia e da temeridade.. o militarismo. Cantaremos as grandes multidões agitadas pelo trabalho. 9. "Então. publicado em 1909. as bibliotecas. Queremos celebrar o homem que segura o volante. A coragem.. a audácia e a rebelião serão elementos essenciais da nossa poesia. como se visita o cemitério no dos dos mortos. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa. um automóvel rugidor. se queremos arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem. lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita. cantaremos o vibrante fervor noturno dos arsenais e dos estaleiros incendiados por violentas luas elétricas: as estações insaciáveis. que parece correr sobre a metralha.empaste de escórias metálicas. 1908. realmente. de suores inúteis. Estamos no promontório extremo dos séculos!. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. Queremos libertá-la dos incontáveis museus que a cobrem de cemitérios inumeráveis. Queremos destruir os museus. as belas idéias pelas quais se morre e o desprezo da mulher. a bofetada e o murro. A poesia deve ser concebida como um violento assalto contra as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o homem. de fuliges celestes -. as academias de todo tipo. vá lá. Idênticos. com o vulto coberto pela boa lama das fábricas . 7.. Há muito tempo a Itália vem sendo um mercado de belchiores. cantaremos a maré multicor e polifônica das revoluções nas capitais modernas. nossa frágil . 11. Já não há beleza senão na luta. devoradoras de serpentes fumegantes: as fábricas suspensas das nuvens pelos contorcidos fios de suas fumaças. Vivemos já o absoluto.

Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: no entanto. de amor. Empunhem as picaretas.. porque estão nutridos de fogo. Por fim eles nos encontrarão . rasgadas e descoradas sobre as águas. Olhai para nós! Ainda não estamos exaustos! Nossos corações não sentem nenhuma fadiga.. dançando à cadência alada dos seus primeiros cantos.. a alegria de ver flutuar à deriva. .) é. pois. Já entendemos!.. as velhas telas gloriosas!.. Oh. . Eles se amotinarão à nossa volta... de astúcia e de vontade rude. A forte e sã Injustiça explodirá radiosa em seus olhos .. registros de lances truncados!.. sob um triste galpão tamborilado por monótona chuva. sem jamais hesitar. os martelos e destruam sem piedade as cidades veneradas! Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: resta-nos assim. até perder o fôlego.. aquecendo as mãos ao fogo mesquinho proporcionado pelos nossos livros de hoje flamejando sob o vôo das nossas imagens. delirantemente.. às portas das academias. Ai de quem nos repetir essas palavras infames!. já prometidas às catacumbas das bibliotecas. sem jamais repousar.. os alegres incendiários com seus dedos carbonizados! Ei-los!. jovens e fortes futuristas! Bem-vindos.. de fato.. inestancável audácia. ofegantes de angústia e despeito.. da qual saís fatalmente exaustos. temos já esbanjado tesouros. pois não vos recordais sequer de ter vivido! Eretos sobre o pináculo do mundo. não pode ser senão violência. desperdiçar todas as vossas melhores forças nessa eterna e inútil admiração do passado. .. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas! Vós nos opondes objeções?... se precipitarão para matar-nos. Desviem o curso dos canais para inundar os museus!. os machados. Mas nós não queremos saber dele.Pois é isso que queremos! Nossos sucessores virão de longe contra nós. Quereis... Basta! Basta! Já as conhecemos.. e todos..A arte. do passado.Talvez!. Mas nós não estaremos lá.... Nossa bela e mendaz inteligência nos afirma que somos o resultado e o prolongamento dos nossos ancestrais. estendendo os dedos aduncos de predadores e farejando caninamente.em campo aberto. exasperados pela nossa soberba. Mas que importa? Não queremos entender!. nós.. pois... vá lá: o admirável passado é talvez um bálsamo para tantos os seus males. o bom cheiro das nossas mentes em putrefação.. para os artistas. de audácia. já que para eles o futuro está barrado.. Seja!. impelidos por um ódio tanto mais mais implacável quanto seus corações estiverem ébrios de amor e admiração por nós. Por que devemos nos envenenar? Por que devemos apodrecer? E que se pode ver num velho quadro senão a fatigante contorção do artista que se empenhou em infringir as insuperáveis barreiras erguidas contra o desejo de exprimir inteiramente o seu sonho?.. em violentos arremessos de criação e de ação.. Admirar um quadro antigo equivalente a verter a nossa sensibilidade numa urna funerária.. diminuídos e espezinhados? Em verdade eu vos digo que a frequentação cotidiana dos museus. como manuscritos inúteis. Ponham fogo nas estantes das bibliotecas!. das bibliotecas e das academias (cemitérios de esforços vãos... tão ruinosa quanto a tutela prolongada dos pais para certos jovens embriagados por seu os prisioneiros. e nos verão agachados junto aos nossos aeroplanos trepidantes. mil tesouros de força. Estais admirados? É lógico. precipitadamente.uma noite de inverno .. de ódio e de velocidade!. crueldade e injustiça. em vez de projetá-la para longe. Aqui!. pelo menos um decênio mais jovens e válidos que nós jogarão no cesto de papéis. calvários de sonhos crucificados. de toda parte.coragem. sem calcular. nossa mórbida inquietude.

DADAÍSMO Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que. pintor italiano. selecionado e combinando elementos por acaso. enigmáticos e sem rosto. Esse nome escolhido não fazia sentido. filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. solitários. Sendo a negação total da cultura. muitas vezes com a inclusão de estátuas. religião. . H. em que buscava a unidade das coisas do universo. recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos. através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos. garrafas. frutas. o Dada foi um movimento de negação. caixas e lâmpadas velhas. teriam sido convocados para o serviço militar. numa transfiguração toda especial. nus ou vestidos à moda clássica. idealizadas. principal representante da "pintura metafísica".Chipp. Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências. Principais Artistas: GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978). manequins. ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural. artistas de várias nacionalidades.. a incoerência. em curiosas perspectivas divergentes. Durante a Primeira Guerra Mundial. o caos. pintor italiano. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas. Eretos sobre o pináculo do mundo. Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto. A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas. de plástica despojada e escultural. em arcadas e arquiteturas puras. irreais e enigmáticos." (Teorias da Arte Moderna. o Dadaísmo defende o absurdo. assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra. Notável por suas naturezas-mortas. 1993) PINTURA METAFÍSICA A pintura deve criar um impressão de mistério. legumes. perpassado de inquietações metafísicas. Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico. onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente. eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra.B. que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente.Cabeça erguida!. Também usada nas suas obras manequins. nascido na Grécia. As suas obras retratam cenários arquitetônicos.. A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. exilados na Suíça. Conferiu imobilidade e transparência de formas. a desordem. GIORGIO MORANDI (1890-1964). se tivessem permanecido em seus respectivos países. sombras sedutoras e cores ricas e profundas. Tem inspiração na Metafísica. Martins Fontes. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau".

tentando enquadrar a fotografia na categoria de arte. busca relevo. Trancava-se horas a fio no laboratório fotográfico para pesquisar. americano. pintor e escritor francês. e. Depois de 1927. Era um experimentalista por excelência. Reinterpretou o cubismo a sua maneira. reconstruir e testar métodos em busca de aperfeiçoamento. paisagem e retrato. em Paris. com a superposição de formas lineares e transparentes. Man Ray trabalhou. após leve intervenção e receberem um título. The Ridgefield Gazook. nome real Emmanuel Radnitzky) – A pintura. surrealismo e dadaísmo. adquiriam a condição de objeto de arte. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. quatro curta-metragens produzidos na década de 40. uma provocação tipicamente dadaísta à sociedade da época. para alcançar isso. funda. Mesmo sem deixar a sua paixão de lado. objetos escolhidos ao acaso. que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa. firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. Principais artistas: Marcel Duchamp (1887-1968). Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX. composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. antes do surgimento do grupo Dada (Zurique. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas. sua arte abriu caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 e 1960. a primeira revista dadaísta dos Estados Unidos. e que. o frottage também era considerado um método que dava acesso ao inconsciente. escreve. Man Ray (1890-1976. uma técnica em que objetos são colocados sobre o papel fotográfico em um quarto escuro e expostos à luz sem utilização da câmera. seu primeiro quadro (1913) é cubista. sempre andaram a reboque da grande paixão que Man Ray tinha pela fotografia. em três gêneros: natureza morta. O experimentalismo e a provocação o conduziram a idéias radicais em arte. pintor alemão. como cubismo. começa a usar a raiografia. . Lidando com os princípios básicos da fotografia. o livro Fotografia não é Arte? Fazia. Max Ernest (1891-1976). em 1921. pronto. para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional). adepto do irracional e do onírico e do inconsciente. de índole satírica. assim. ele inova.Politicamente . a terceira dimensão e. como a madeira de veios salientes. pintor e escultor francês. Suas primeiras pinturas cubistas. Como o artista não tinha controle sobre o quadro que estava criando. interessando-se pelo movimento das formas. em 1937. são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. 1916). em 1915. Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage. participa da primeira Exposição Surrealista de Fotos. abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana. eram mais próximas de Léger do que de Picasso. François Picabia (1879-1953). Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que chamou de "Fonte". Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona Lisa. No Dadaímo contribuiu com colagens e fotomontagens. tratado como objeto de arte por opção do artista. de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele. assim como o cinema. e esfregar um lápis de cor ou grafita. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular. O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921. inventou mecanismos ópticos. Ready-Made significa confeccionado. E. criando técnicas em pintura e escultura. a exemplo da arte pictórica do século IX. esteve envolvido em outros movimentos artísticos. até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo. Criou os ready-mades.

O manifesto do Suprematismo. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho. tentando sempre uma aproximação entre fotografia e pintura e é o pioneiro da desconstrução da fotografia com a transformação de fotos tradicionais em criações de laboratório. baseado nas proporções matemáticas ideais. foi um dos principais integrantes do movimento futurista em seu país. Mondrian foi para Nova York. uma superfície plana. despojado de todo excesso da cor. as cores e a significação que esses elementos podem sugerir ao espírito. seja uma árvore ou uma paisagem. Essas superfícies coloridas são distribuídas e justapostas buscando uma arte pura. entre as linhas e os planos. uprematismo. foi para Hollywood trabalhar como fotógrafo das estrelas de cinema como Ava Gardner. uma espécie de artesão conceitual. como elemento de base. O papel do artista. para ele. Andy Warhol começa a fundir ainda mais os elementos pesquisados por Man Ray e a fotografia passa a ganhar. sempre brincando com uma consciência por trás das coisas em busca da metáfora e não simplesmente jogando elementos. nos anos 70. em sua essência. elaborada. O ângulo reto é o símbolo do movimento. na verdade. Segundo Mondrian. o grande defensor da fotografia como arte. . Em 1940. Os elementos principais são: retângulo. Com ligações que passam pelo Cubismo. Mas. pintor holandês. continua simplificando suas formas até conseguir um resultado. Ele procura. o fato é que as suas fotos mais ousadas não foram bem-aceitas pelo público e. sendo rigorosamente aplicado à arquitetura. quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade visível. o status de obra de arte. seu criador e principal teórico foi Piet Mondrian. é o artífice da foto criativa. Abstracionismo Geométrico ou Formal. Marylin Monroe e Catherine Deneuve. em 1940. entre as relações formais de um espaço estudado. artísticas ou não. retangular e as três cores primárias com um pouco de preto e branco. da linha ou da forma. E. cada coisa. sem qualquer preocupação de representação. é uma pintura com base nas formas geométricas planas. Neoplasticismo. Quando a significação de um quadro depende essencialmente da cor e da forma. seja uma casa. seria revelar essa essência oculta e essa harmonia universal. ela passa a ser abstrata. onde realizou a última fase de sua obra: desapareceram as barras negras e o quadro ficou dividido em múltiplos retângulos de cores vivas. ABSTRACIONISMO GEOMÉTRICO A arte abstrata tende a suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro. O artista utiliza.Man Ray foi. PIET MONDRIAN (1872-1944). a partir daí. azul e amarelo). Depois de haver participado da arte cubista. estão em harmonia no universo. quando surge o Pós-Modernismo. defendia a supremacia da sensibilidade sobre o próprio objeto. usando muitas vezes distorções de corpos e formas. círculo. triângulo e a cruz. possui uma essência que está por tráz de sua aparência. Dadaísmo e Surrealismo. O tão esperado reconhecimento internacional por seus experimentos só veio em 1961 com a Medalha de Ouro na Bienal de Fotografia de Veneza. pesquisa e consegue um equilíbrio perfeito da composição. as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica. construída ou improvisada. E as coisas. poeta russo. assinado por Malevitch e Maiakovski. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. É a série dos quadros boogie-woogie.

que envolviam a própria percepção do objeto. livre das impurezas que envolviam a representação do objeto. nas variações ambíguas de fundo e forma. quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade visível. reduz as formas. Procurou sempre elaborar composições puras e cerebrais. Pintado entre 1913 e 1915. destituídas de toda sensualidade. tal qual uma obra musical. Uma arte abstrata. as cores e a significação que esses elementos podem sugerir ao espírito. pintor russo. o círculo. Os nazistas destruíram várias de suas obras. KAZIMIR MALEVITCH (1878-1935). que coloca na cor e forma a sua expressividade maior. um dentro do outro. convenceu-se de que a essência dos seres se revela na abstração. através das tonalidades e matizes obtidos. Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e perceptivas entre a forma e a cor. que levou o abstracionismo geométrico à simplicidade extrema. sob a influência deste. compõe-se apenas de dois quadrados. a cor e alinha. sem relacioná-los a lembrança do mundo exterior. Dizia que as aparências exteriores da natureza não tinham para ele nenhum interesse. Na Alemanha surge o movimento denominado "Der blaue Reiter" (O Cavaleiro Azul) cujos fundadores são os Kandinsky. Franz Marc entre outros. os quais na pintura de Malevitch. conseguindo variações espaciais e formais na pintura. no Kunstmuseum. Sobre o espiritual na arte. Foi o primeiro artista a usar elementos geométricos abstratos. A admiração pelos futuristas italianos imprimiram nova dinâmica à obra de Marc. o quadrado e a cruz. As que restaram estão conservadas no Museu de Belas-Artes de Liège. entre as linhas e os planos. o artista é livre para expressar seus sentimentos interiores. em que procurou apontar correspondências simbólicas entre os impulsos interiores e a linguagem das formas e cores. Com a forma. Estes artistas se aprofundam em pesquisas cromáticas. e em 1926. à pureza geométrica do quadrado. predominam os sentimentos e emoções. explicação mais técnica da construção . Estes elementos da composição devem Ter uma unidade e harmonia. das crianças e dos doentes mentais. Principais Artistas: FRANZ MARC (1880-1916). WASSILY KANDINSKY (1866-1944). Fundador da corrente suprematista. na Städtische Galarie im Lembachhaus. adquirem um significado próximo do sagrado. em Nova York. antes do abstracionismo participou de vários movimentos artísticos como impressionismo também atravessou uma curta fase fauve e expressionista. Escreveu livros. em Minneapolis. O "Quadro negro sobre fundo branco" constituiu uma ruptura radical com a arte da época. pintor russo. no Walker Art Center. A problemática dessa composição seria novamente abordada no "Quadro branco sobre fundo branco" (1918). o pintor alemão Marc escolheu como temas favoritos os estudos sobre animais. mais do que isso. em Basiléia. sensível e emotivo. o essencial era a sensibilidade. e no Guggenheim Museum. Do ponto e da linha até a superfície. ABSTRACIONISMO SENSÍVEL A arte abstrata tende a suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro. Pesquisa os efeitos perceptivos do quadrado negro sobre o campo branco. com os lados paralelos aos da tela. ela passa a ser abstrata. que passou a empregar formas e massas de cores brilhantes próprias da pintura cubista. Os elementos de estética suprematista eram o retângulo. As cores e as formas são criadas livremente. denominada pelo espiritual.Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee. apaixonado pela arte dos povos primitivos. Quando a significação de um quadro depende essencialmente da cor e da forma. Eles querem um expressionismo abstrato. pintor alemão. como em 1911. Abstracionismo Sensível ou Informal. hoje no Museu de Arte Moderna de Nova York. conheceu Kandinsky. em Munique.

Arshile Gorky e Mark Rothko. · Técnica: pintura direta na parede ou no chão. chegando à criação de um estilo original. Com seus borrões e respingos de tinta atirados contra ela a tela. misturavam-se às camadas de tinta para dar relevo à textura. com gestos bruscos e impetuosos. Nos últimos trabalhos nessa linha. muitas delas usadas na pintura de automóveis. utilizando tinta à óleo. junto com Jackson Pollock. De Konning fez das figuras femininas . Principal Artista: JACKSON POLLOCK (1912-1956). Desenvolveu pesquisas sobre pintura aromática. Tachismo (de tache = mancha). Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas. costumava afirmar. Ao contrário de seus colegas de vanguarda. Formado por manchas coloridas colocadas lado a lado em um certo parâmetro ou limite. Diversamente dos expressionistas europeus. a vanguarda expressionista ianque tratou de banir a política de seus quadros. Principal artista: Sonia Delaunay. trincha. começou a vida como carpinteiro e pintor de paredes. revolucionaria a pintura americana. gotejando (dripping) as tintas que escorrem de recipientes furados intencionalmente. O abstracionismo cresce e se desenvolve nas Américas. De cultura européia. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou efusão emocional do artista.e inventividade da sua arte. que no começo do século converteram sua arte numa forma de panfletagem político-social. que aboliram a representação figurativa de seus quadros. pintor americano. o artista usou materiais como pregos. espontaneidade e automatismo. nos anos 20 e 30. antes de atacar suas telas.a marca da diferença em seu trabalho. · Execução cheia de violenta agressividade. a Sociedade dos Artistas Abstratos. vidro moído. algumas vezes realizada diante do público. não de excluí-las". Orfismo tem ligação com a música. elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no Tachismo. preferindo . porém. etc. fundando a vanguarda expressionista abstrata. Em 1937. o jovem De Kooning. introduziu nova modalidade na técnica. numa execução veloz.pincéis. manchando. secundado por De Koonning e companhia. criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata Americana. deslizes e riscos com luminosidade. no mínimo o braço do artista. Usou freqüentemente tintas industriais. estanques. deslocou de Paris para Nova York a capital mundial das artes. conchas e pedaços de tela. Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada. WILLEM DE KOONING (1904-1997). fundou-se nos Estados Unidos. Pollock. "Minha obra vive de incluir as coisas. o maior de todos. Características da Pintura: · Compreensão da pintura como meio de emoções intensas. tornando-se um admirador da obra de seu conterrâneo Rembrandt e do francês Cèzanne. pintando a superfície escolhida com resultados extraordinários e fantásticos. Principal artista: Larionov/Gontcharova Action Painting ou pintura de ação gestual. espátulas. · Destruição dos meios tradicionais de execução . em telas enormes. De Kooning herdaria o apreço ela arte figurativa. que abandonou a Holanda aos 22 anos a bordo de um cargueiro. Raionismo formado por raios. Ao final dos anos 40. borrifando. Dezenas de suas obras foram confiscadas pelos nazistas e várias delas expostas na mostra de "Arte Degenerada". pasta espessa de areia.

ARTE CONCRETA ARTE FIGURATIVA. à medida que a vida adquirir equilíbrio. restringindo-se . Da primeira. combinações repetitivas e desenhos geométricos. alguns artistas europeus no inicio do século 20. exprimia seu pensamento com traços. Para ele. imitando a natureza. também russo. pinturas e gravuras. os críticos e o público se queixaram. Entretanto. cujas idéias inspiram-se na perfeição das leis cientificas e matemáticas. Malevitch (1878-1935). me refugiei na forma do quadrado negro sobre um fundo branco. Gradativamente. deviam ser imagens da realidade. Um quadro pode emocionar como a música apenas pelas linhas.” Piet Mondrian Em épocas passadas. o artista se serve das formas como teclas de um piano. que para ele simbolizava algo. Desaparecerá proporcionalmente. Da outra tendência. da regra. Morreu vítima do mal de Alzheimer em sua casa-ateliê em Long Island.expremir as misérias da condição humana nos limites da existência individual. principalmente na Arte Ocidental. mas com autonomia do mundo visível. toda forma tem um conteúdo. perto de Nova York. que expõe “a mais pura representação do Universo”. ao tocá-las “põe vibração a alma humana”. proporcionando liberdade de interpretação e estímulo para a imaginação. podemos citar o artista. que já em 1910 fazia aquarelas abstratas. propondo uma nova maneira de representação. quando o homem vivia em contato com a natureza. é preciso lembrar do pintor russo Wassily Kandinsky (1886-1944). como podemos comprovar se observarmos os desenhos na arte cerâmica e nos outros utensílios de nossos índios. embora as duas tenham em comum uma raiz idealista e mística. e quando ele mesmo era mais natural que hoje. nela mesma. o homem foi desenvolvendo o interesse por representar o mundo visível. por uma série de razões históricas e estéticas. ARTE ABSTRATA E ARTE CONCRETA “A arte é apenas um substituto enquanto a beleza da vida for deficiente. assim foi no inicio das civilizações. procuraram romper com todo um passado de arte figurativa. e durante séculos este sistema foi sendo aperfeiçoado e adotado. holandês (1872-1944). formas e cores. da geometria. Para melhor entendimento da arte abstrata há duas tendências principais: uma mais lírica. Em geral. subjetiva e espiritual e outra mais intelectual. Esculturas. que em 1913 declara que: “Para libertar a arte do peso da subjetividade.” O expoente mais seguro do abstracionismo geométrico é Piet Mondrian.

e do Museu de Arte Moderna (MAM). Leopold Haar e Geraldo de Barros. em 1947. Lothar Charoux. no mesmo período. nesse mesmo ano. que rejeitam a subjetividade e criam um idioma plástico universal. vermelho e amarelo) e não as cores como o branco e o preto. o movimento espalha-se pela América Latina. pois ela não abrangia representações tão diversas. declara que: “Pintura concreta e não abstrata. que foi fundamental para o conhecimento da arte concreta no Brasil. em 1951. especulativos. dá continuidade ao concretismo a partir de 1936. Sacilotto. siderúrgicas. Brasil e Alemanha. O marco histórico na Arte Concreta no Brasil é o Grupo Ruptura. e assinado por: Waldemar Cordeiro. nascido na Suíça. Na mesma data. pois nada é mais concreto. posteriormente. uma árvore. o construtivismo. Max Bill. Na Bauhaus (Alemanha. limitando as cores para as primárias (azul. baseavam-se numa teoria rigorosa. mas no estado de pintura são abstratos.. que além de uma arte visual e abstrata. proporcionando contato com diversas tendências internacionais. propõem um arte integrada à ciência. Seguidor das idéias de Theo Van Doesburg. em 1908. a criação da Petrobras. uma cor. lançado na exposição do MAM de São Paulo. escultura e pintura –. as divergências entre os grupos concretistas Frente (Rio) e . já se esboçava o movimento concreto. Argentina e. Neste momento. a I Exposição Nacional de Arte Concreta. Assim. Uma mulher. uma vaca. ao passo que um plano é um plano. Manifesto Ruptura. Fundamental citar também a criação da I Bienal Internacional de São Paulo..a linhas verticais e horizontais. Kazmer Féjer. vagos. o MASP (Museu de Arte de São Paulo) organiza uma exposição do conjunto das obras de Max Bill – arquitetura. artista e portavoz do grupo. o artista holandês Theo Van Doesburg. Em 1950. são concretos no estado natural.” O movimento concretista encontra precedentes imediatos nos holandeses Mondrian e Theo Van Doesburg. que se empenharam em formar acervos e promover exposições. No movimento russo. que divulgou artistas nacionais e internacionais. houve a criação do Museu de Arte de São Paulo (MASP). paulista. 1919-1933). Anatol Wladyslaw. Este grupo queria criar formas novas de princípios novos. com o desenvolvimento do abstracionismo dizer “arte abstrata” era impróprio. Sediado na Suíça. em São Paulo e no Rio de Janeiro. à transformação social. Importante lembrar que. o crescimento das cidades e novos meios de comunicação. ilusórios. com a implantação de indústrias nacionais como a automobilística. ARTE CONCRETA NO BRASIL A época da penetração e desenvolvimento da arte geométrica no Brasil coincide com a euforia de desenvolvimento do pós-2ª Guerra Mundial. ocasião que é lançado o Manifesto da Poesia Concreta (interação de conceber o poema como um todo matematicamente planejado). Escola Superior de Criação Industrial que leva a arte para o design. Por volta de 1930. à técnica. nem mais nem menos. em 1948. Em 1956 é realizada no MAM. uma linha é uma linha. que apresenta um manifesto em 1952. como a televisão. mais real que uma linha. uma superfície. São Paulo.

como desenho e pintura. Formou-se no Instituto Profissional Masculino. Lygia Clark. Função social. etc. na matemática. em 1924. O concretismo conhece seu período mais ativo nos anos 50. e expõe com eles no MAM. IV. No início.Ruptura (São Paulo) vêm à tona. cujo manifesto aparece no catálogo da I Expo Neoconcreta (1959) com trabalhos de Amílcar de Castro. sendo um dos pioneiros da arte concreta no País. Em 1952. O desenho é preciso. sem abrir mão do vocabulário abstrato. com autonomia da arte com o mundo exterior. mas a partir de 1947 realiza suas primeiras experiências no domínio da abstração geométrica. SP. no design. Utilização tanto no suporte como na matériaprima de materiais industrializados. em dezembro do mesmo ano. Participa de exposições em São Paulo e no Rio de Janeiro. onde estudou técnicas diversas relacionadas às artes e ofícios. Seu primeiro emprego. informação a todos. ao artista cabe contribuir de modo abrangente para a socialização da boa forma. crença na tecnologia. Reinaldo Jardim e Théon Spanudis. que estrutura ritmos e relações. e seu aprendizado veio principalmente pelo seu profundo interesse em artes plásticas e pelas conversas com os amigos. sem o rigor dos paulistas. com apenas 27 anos. Integração do trabalho de arte na produção industrial. em São Paulo. É o neoconcretismo. Durante muito tempo atuou como desenhista técnico. feito com régua e compasso. estará presente ainda na II. Lygia Pape. participa da I Exposição Nacional e Arte Concreta em São Paulo e no ano seguinte no Rio de Janeiro. o sinal da mão. no Brás. como ferro. filho de imigrantes italianos. no ABC Paulista. aos 17 anos. Em 1956. e em 1951. LUIZ SACILOTTO (1924-2003) Nasceu em Santo André. alumínio. Eliminam o gesto. aplicação em todas as áreas de comunicação visual. Os elementos principais do concretismo são: Aspiração a uma linguagem de comunicação universal. querem liberdade de criação. Baseiam-se no rigor geométrico. Os artistas cariocas. participa da XXVI Bienal de Veneza e. é um dos signatários do Manifesto do Grupo Ruptura. tinta esmalte. Desenhava nas horas vagas. foi como desenhista de letras de alta precisão. Franz Weissmann. Ferreira Gular. seus trabalhos são figurativos. também artistas. III. VI e VII Bienais Internacionais de São Paulo. . Paisagens e retratos de tendência expressionista. participa da I Bienal Internacional de São Paulo. trabalhou em escritórios de arquitetura e projetou esquadrias de alumínio para produção em série. etc. na tipografia. produzidos em série.

A publicação do Manifesto do Surrealismo. revelando a complexidade do simples. Por meio do automatismo. ambos métodos da psicanálise freudiana. transformaram-se nos procedimentos básicos do surrealismo. qualquer forma de expressão em que a mente não exercesse nenhum tipo de controle. A serigrafia é uma técnica plana em gravura. retrospectivas e teve suas obras expostas nos principais museus e coleções particulares. como chapas de alumínio. sem o freio do espírito crítico. os surrealistas tentavam plasmar. na Suíça. Interrompe temporariamente seu trabalho criativo.sacilotto. que ele cortava e dobrava.Em 1960 está presente na Exposição Internacional de Arte Concreta. A livre associação e a análise dos sonhos. Surgem movimentos estéticos que interferem de maneira fantasiosa na realidade. ou seja. pois a emoção mais profunda do ser tem todas as possibilidades de se expressar apenas com a aproximação do fantástico. Os surrealistas deixam o mundo real para penetrarem no irreal. Como figura central do concretismo continuou a participar de exposições nacionais e internacionais. ganhou vários prêmios. Usava materiais industriais. como silk em camisetas. O surrealismo foi por excelência a corrente artística moderna da representação do irracional e do subconsciente. Para isso era preciso que o homem tivesse uma visão totalmente introspectiva de si mesmo e encontrasse esse ponto do espírito no qual a realidade interna e externa são percebidas totalmente isentas de contradições. de ferro. de latão. e dedica-se à sua própria empresa de esquadrias metálicas. Este movimento artístico surge todas às vezes que a imaginação se manifesta livremente. Sacilloto foi pintor. Saiba mais em: www. assinado por André Breton em outubro de 1924. seja por meio de formas abstratas ou figurativas simbólicas. em constantes variações. desenhista e precursor da escultura de vanguarda.br SURREALISMO Nas duas primeiras décadas do século XX. É homenageado em 1968 com Sala Especial no I Salão de Arte Contemporânea de Santo André. organizada por Max Bill Zurique. como a serigrafia. marcou historicamente o nascimento do movimento. Faleceu no dia 9 de fevereiro de 2003 no ABC paulista. os estudos psicanalíticos de Freud e as incertezas políticas criaram um clima favorável para o desenvolvimento de uma arte que criticava a cultura européia e a frágil condição humana diante de um mundo cada vez mais complexo.com. utilizada na indústria e feita com tinta gráfica. Sua obra reflete seu pensamento claro e ordenado. embora aplicados a seu modo. Suas origens devem ser buscadas no dadaísmo e na pintura metafísica de Giorgio De Chirico. Nele se propunha a restauração dos sentimentos humanos e do instinto como ponto de partida para uma nova linguagem artística. as imagens da realidade . Desde a década de 50 conquistava e pensava o espaço tridimensional a partir de desdobramentos do plano. o que vale é o impulso psíquico. Recomeça com alguns estudos em guache e experimenta na década de 70 novas linguagens. no ponto onde a razão humana perde o controle. que projeta nossos artistas internacionalmente.

o mais conhecido dos artistas surrealistas. é preciso “contribuir para o total descrédito da realidade”. embora sejam muito mais radicais. Além da pintura ele desenvolveu esculturas e desenho de jóias e móveis.Segundo ele. Artaud e Lial. seja por escrito. embora continuasse viajando. A partir daí sua pintura mudou radicalmente. cineasta. Breton define Surrealismo: "Automatismo psíquico pelo qual alguém se propõe a exprimir. Em 1924 o pintor foi expulso da Academia e começou a se interessar pela psicanálise de Freud. data de 1929. seja verbalmente. se estabeleceu definitivamente em Port Lligat com Gala. entre os quais estavam Masson. Instalou seu ateliê em Roma. No final dos anos 30 foi várias vezes para a Itália a fim de estudar os grandes mestres. Suas primeiras obras são influenciadas pelo cubismo de Gris e pela pintura metafísica de Giorgio De Chirico. se os dadaístas propunham apenas a destruição. Os surrealistas pretendiam. e nesse aspecto eles se aproximam dos românticos. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura. Sua primeira viagem a Paris em 1927 foi fundamental para sua carreira. fez amizade com Picabia e pouco depois com Picasso e seus amigos cubistas. embora se apresentem de forma amistosa ao observador. Ele criou o conceito de “paranóia critica“ para referir-se à atitude de quem recusa a lógica que rege a vida comum das pessoas . Leiris. sua mulher. Em 1920 Miró instalou-se em Paris (embora no verão voltasse para Montroig). A fantasia. os estados de tristeza e melancolia exerceram grande atração sobre os surrealistas.mais profunda do ser humano: o subconsciente. Estudou em Barcelona e depois em Madri. Principais artistas Salvador Dali . em Barcelona. onde se formara um grupo de amigos pintores. O Surrealismo apresenta relações com o Futurismo e o Dadaísmo. No mesmo manifesto. O filme O Cão Andaluz. ex-mulher do poeta e amigo Paul Éluard. Ao voltar. junto com seu amigo Luis Buñuel. fez uma viagem para a América. Depois de conhecer em Londres Sigmund Freud. COBRA . Nessa época. Fez amizade com Picasso e Breton e se entusiasmou com a obra de Tanguy e o maneirista Arcimboldo. Nessa época teve oportunidade de conhecer Lorca e Buñuel. Joan Miró . ara seu conhecimento “O sonho não pode ser também aplicado à solução das questões fundamentais da vida?” (fragmento do Manifesto do Surrealismo de André Breton. a ser organizada em outras bases. sem dúvida. No entanto.iniciou sua formação como pintor na escola de La Lonja. A famosa magia de Miró se manifesta nessas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência.é. francês que lançou o movimento). que fez com Buñuel. Em 1912 entrou para a escola de arte de Francisco Gali. onde publicou sua biografia A Vida Secreta de Salvador Dali (1942). em cujo grupo militou durante algum tempo. seja de qualquer outra maneira. os surrealistas pregavam a destruição da sociedade em que viviam e a criação de uma nova. dessa forma. Desde 1970 até sua morte dedicou-se ao desenho e à construção de seu museu. obra fundamental em seu desenvolvimento estilístico posterior e na qual Miró demonstrou uma grande precisão gráfica. Finalmente aderiu ao surrealismo. de grande importância ao longo de toda a sua obra. Breton falava dela como o máximo do surrealismo e se permitiu destacar o artista como um dos grandes gênios solitários do século XX e da história da arte. situada no plano do subconsciente e do inconsciente. nas quais extravasou suas inquietações pictóricas. atingir uma outra realidade. o funcionamento real do pensamento". Dois anos depois adquiriu forma La masía. mas difíceis de serem elucidadas. onde conheceu a obra dos impressionistas e fauvistas franceses. na Academia de San Fernando.

em 1965. pintor dinamarquês. Criador de uma obra vigorosa e colorida. usando como materiais. virou moda. ilustrações e designs. tinta acrílica. Participou da XI Exposição Internacional do Surrealismo. Ligado esteticamente ao expressionismo figurativo. ela operava com signos estéticos massificados da publicidade. para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental. pelo crítico inglês Lawrence Alloway.Movimento artístico criado na Holanda. pintor e gravador belga. dos quadrinhos. Realizou também esculturas em madeira e metal. violenta na escolha de cores e texturas. usando como materiais principais. e já que tanto o gosto. transformando o real em hiper-real. nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. Um dos mais jovens integrantes do grupo Cobra. produtos com cores intensas. do cinema e da publicidade. da fotografia. sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954. brilhantes e vibrantes. a arte para poucos. um dos principais artistas da Pop Art. Além disso. poliéster. KAREL APPEL. com as Sopas Campbell. em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950. sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos. Sua iconografia era a da televisão. os componentes mais ostensivos da cultura popular. já que se utilizava de objetos próprios delas. POP-ART Movimento principalmente americano e britânico. desmitificando. a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo. Representavam. em refinado. reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande. quando alguns artistas. muito do que era considerado brega. ASGER JORN. Assim como as obras de Jackson Pollock essa pintura é gestual. Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo. Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica. marcou sua obra pelo tachismo. látex. assim. caracterizada pela figuração rude e simplificada. Principais Artistas: PIERRE ALECHINSKY. tinta acrílica. teve como principais representantes Asger Jorn. livre. e aproximou a arte das massas. a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar. após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos. pintor holandês. passaram a transformá-los em tema de suas obras. quadrinhos. Sofreu influência dos pintores James Ensor e Paul Klee. grupo artístico europeu que surgiu entre 1948 e 1951. usando como materiais principais. Sua obra é caracterizada pelo uso de cores vivas e formas distorcidas. Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp. ilustrações e designam. como aconteceu por exemplo. como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza. de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. Era a volta a uma arte figurativa. Sigla de Copenhague-Bruxelas-Amsterdam. Karel Appel e Pierre Alechinski. . de Andy Warhol.

Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950. Andy Warhol (1927-1987). Em seus quadros a óleo e tinta acrílica. como garrafas de Coca-Cola. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema. Seus quadros. Roy Lichtenstein (1923-1997). A obra de Andy Warhol expunha uma visão irônica da cultura de massa. Da mesma forma. contribuíam para o intenso impacto visual. Com essas obras. e usando sobretudo a técnica de serigrafia. apesar da ascensão social e da celebridade. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular. Produziu filmes e discos de um grupo musical. como Elvis Presley e Marilyn Monroe. que realizou em 1960 para os filhos. o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. com garrafas de Coca-Cola. a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. intelectuais. NO BRASIL A década de 60 foi de grande efervescência para as artes plásticas no pais. mas transformou-a em instrumento de denúncia política e social. seu espírito foi subvertido. Cores brilhantes. Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop art. Os artistas brasileiros também assimilaram os expedientes da pop art como o uso das impressões em silkscreen e as referências aos gibis. uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". OP-ART A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Baravelli. Dentre os principais artistas estão Duke Lee. mais próxima das ciências . aparecem como imagens frias. parece excessivamente cerebral e sistemática. incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal. pois. destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo. os procedimentos gráficos. Por volta de 1962. Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. nosso pop usou da mesma linguagem. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração. automóveis. Resende. Aguilar e Antonio Henrique Amaral. em comparação. Rauschenberg criou as pinturas "combinadas". por exemplo. adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. No Brasil. De Tozzi. que se modifica a cada instante. e reproduziu a mão. delineadas por um traço negro. planas e limitadas. Nasser. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art. Apesar do rigor com que é construída. Empregou. crucifixos e dinheiro. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias. ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais. simboliza um mundo precário e instável. símbolos ambíguos do mundo moderno. com fidelidade.Principais Artistas: Robert Rauschenberg (1925) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950. desvinculados do contexto de uma história. Fajardo. as latas de sopa Campbell.

Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento. Embora. Características gerais: * Spray art .(1960-1988). Com 21 anos participou da sua primeira coletiva em Nova . e principalmente ícones da cultura e consumo americanos. a opressão e o racismo. ao receber o jato de spray. como o genocídio. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas. existe a valorização do desenho. depois de 1932. no PS 1. valoriza-se a cor. por outro lado. palavras ou frases de humor rápido. instalando-se em coleções privadas e cobrindo com seus rabiscos e signos os mais variados objetos de consumo. pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue. parece obedecer a duas finalidades. vandalismo puro e simples".criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica. em 1981. A primeira grande exposição de Grafite foi realizada em 1975 no "Artist's Space".o metrô . de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo. Seus grafites mostravam símbolos de variadas culturas. com apresentação de Peter Schjeldahl.do que das humanidades. um dos principais espaços de vanguarda de Nova York. destruição moral. Victor Vassarely .e das ruas das galerias e museus de arte. Principais artistas: Alexander Calder (1898-1976) .pixação de signos.o grafiteiro utiliza um cartão com formas recortadas que. Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. São engenhosamente combinadas. Mas. de obras famosas. que se modificam desde que o contemplador mude de posição. ao qual não são estranhos efeitos luminosos. solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta". anarquia social. em preto e branco ou coloridas. elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar. sua montagem é muito complexa. suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia. o Grafite saiu do seu gueto . como diz o artista. ele verificou que se mantivesse as formas suspensas. Por outro lado. Principal artista: Jean Michel Basquiat . mesmo quando em preto e branco. As temáticas do seu trabalho refletem suas preocupações. de Nova York. * Stencil art . O geometrismo da composição. iniciou sua carreira grafitando as paredes e muros de Nova York. só deixa passar a tinta pelos orifícios determinados. por outros. GRAFFITI Definido por Norman Mailler como" uma rebelião tribal contra a opressora civilização industrial" e. como "violação. principalmente no contexto político e social. Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade. nascido no Haiti. mas a consagração veio com a mostra "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez. os móbiles pareçam simples.

York. Foi patrocinado por Andy Warhol (Pop Art). guarda-sóis. Claro que. ARTE NAÏF É a arte da espontaniedade. Speto. da arte do doente mental e da arte primitiva. juntamente com a escultura e outros materiais. Waldemar Zaidler e Carlos Matuck. nem nas tendências modernistas. Ponte Neuf (Paris) embrulhada para presente. Guardasóis colocados em um vale da Califórnia e mais recentemente o Reichstag ( Parlamento Germânico em 1988 . O espectador participa da obra. do fazer artístico sem escola nem orientação. o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras. O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa. também se destacam artistas de vanguarda como: Os Gêmeos: Otávio e Gustavo. embrulhos em locais públicos. Assim. portanto. a partir daí virou celebridade. sem que. Freak. nem tampouco no conceito de arte popular. muito embora. No Brasil. Nina. INTERFERÊNCIA Como a pintura já não é claramente definível e deixou de ser a única fornecedora de memoráveis imagens visuais. É utilizada a pintura. e não somente à aprecia. Obra Destacada: Homenagem a Chico Mendes do artista Roberto Evangelista. ressaltamos Christo. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos. no entanto. que foi envolvido em tecido sintético com duração de duas semanas. Atualmente. Boleta. se confunda com elas. portanto é instintiva e onde o artista expande seu universo particular. existem os realmente marcantes e outros nem tanto. Obras Destacadas:: Cortina no Vale. Não se trata. das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos. colocam cortinas. Art naïf (arte ingênua) é o estilo a que pertence a pintura de artistas sem formação sistemática.Berlim). Nunca. INSTALAÇÃO São ampliações de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. Alguns artistas interferem na paisagem. de uma criação totalmente subjetiva. Esse isolamento situa o art naïf numa faixa próxima à da arte infantil. da criatividade autêntica. mesmo nesses casos. sem nenhuma referência cultural. . Morreu prematuramente em virtude de depressão e drogas. seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros. como numa arte mais intelectualizada. para ativar o espaço arquitetônico. o único artista que se destaca com suas interferências. Tikka e T. destacam-se os artistas: Alex Vallauri.

após despertar a admiração de Alfred Jarry. a presumida datação em 40 mil anos das pinturas do sertões da Bastiana também será um grande indício de que o homem pode ter vivido aqui bem antes do que na América do Norte. ARTE PRÉ-HISTÓRICA O Primeiro Homem das Américas "Escavações feitas no boqueirão da Pedra Furada. aqui. os dentes e desenhos . Dentes com 15 mil anos foram desenterrados e apresentados ao público. ponderando que a suposta fogueira pode ter sido na verdade madeira incinerada por um raio e que nada garante que as rochas não foram lascadas durante a queda de um bloco. "Um dia de carnaval". a colonização teria acontecido por povos diferentes em épocas diferentes. Exibe . tem vários estilos de pinturas entre 2. Estreou com uma original obra-prima.quando o nível do mar chegou a descer 100 metros em relação ao atual -. Pablo Picasso. Se aceitos pela comunidade internacional. A comunidade científica internacional se dividiu sobre o tema. tenha sido o único caminho adotado." As mais importantes pinturas rupestres do Brasil: · PEDRA PINTADA (PA). tende à simetria e a linha é sempre figurativa · Não existe perspectiva geométrica linear. no Salão dos Independentes. bidimensional. Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. pela equipe da arquitetônica Niède Guidon encontraram o que eles acreditam ser restos de uma fogueira e pedras lascadas.que não podem ser causados por raios ou quedas de blocos .000 anos. Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica de ignorar regras elementares de desenho. Ou seja. no Parque Nacional da Serra da Capivara. De um lado estão os que acreditam que a travessia do estréio de Bering. A questão por trás dessa briga é a elucidação de qual teria sido a porta de entrada do homem na América. Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas. e de empregar as cores de modo arbitrário. datadas em mais de 50 mil anos.Características gerais: · Composição plana. Nos primeiros anos do século XX. outra porta de entrada do continente americano poderia ser a costa do Pacífico na América Latina.000 anos. Alguns rechaçam essas pesquisas. com viajantes vindos do sudeste asiático e das ilhas oceânicas. seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o surrealismo.000 a 10. · PERUAÇU (MG). Com essa idade. Para quem não aceita essa exclusividade. Principal Artista: Henri Rousseau (1844-1910). em 1996. Se confirmada. Guillaume Apollinaire. entre 15 mil e 12 mil anos atrás . A situação começou a tomar novos rumos com uma descoberta no ano passado na toca do Garrincho. a arqueóloga americana Anna Rosevelt achou pinturas com cerca de 11.representarão uma nova fase nos estudos sobre a ocupação do continente. homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. · Pinceladas contidas com muitas cores. são os fósseis humanos mais antigos do continentes. composição e perspectiva.

Esse conceito só pode ser compreendido através do coração.espetaculares desenhos geométricos. ou seja. da Lua e da Grande Mãe ensinam que tudo se desdobra de uma fonte única. árvores.000 anos. a nossa Mãe Antepassada. Para seu conhecimento: A tinta de pedra é feita de cacos de minério que forneciam as cores para as pinturas rupestres: os artistas raspavam as pedras para arrancar os pigmentos coloridos. o nosso Pai Antepassado. e a outra. o som-de-pé.000 e 10. da Universidade Estadual de Campinas. E logo os anciães fizeram surgir da Águas do Grande Rio Nanderykei-cy. de modo que tudo se conecta a tudo. Seu nome era Nanderuvuçu. que significa "Tu" (som) e "py" (pé). têm entre 2. As imagens abaixo referem-se à Serra da Capivara/Piauí. um se transformou no Sol. e a cobra-canoa levou-os até a Terra. A Visão Indígena Brasileira O que é índio? Um índio não chama nem a si mesmo de índio esse nome veio trazido pelos colonizadores no séc. o vermelho e o amarelo vinham do minério de ferro. ARTE INDÍGENA “SOMOS PARTE DA TERRA E ELA É PARTE DE NÓS” Os olhos e as mentes intelectuais da humanidade começaram no séc.000 anos e pinturas de 15. Mas a maior contribuição que os povos da floresta podem deixar ao homem branco é a prática de ser uno com a natureza interna de si. rios e mares são um corpo. O índio mais antigo desta terra hoje chamada Brasil se autodenomina Tupy. de modo que o índio é uma qualidade de espírito posta em uma harmonia de forma. soprou seu cachimbo sagrado e da fumaça desse cachimbo se fez a Mãe Terra. O pulsar de uma estrela na noite é o mesmo que do coração. o que viria a ser o Sol. o Criador. segundo Niède Guindon. ou seja. formando uma trama sagrada de relações e interrelações. Qual a origem dos índios? Conforme o mito Tupy-Guarani. com ações interdependentes. Estava criado o homem. XX a reconhecer os povos nativos como culturas diferentes das civilizações oficiais e vislumbraram contribuições sociais e ambientais deixadas pelos guerreiros que tiveram o sonho como professores. · LAGOA SANTA (MG). Misturado com cera de abelha ou resina de árvores o pigmento virava tinta. conhecidas desde 1834. /tataravô desse Sol que vemos. Quando o humano das cidades petrificadas largarem as armas do intelecto. na Lua. Os anciães navegaram em uma canoa que era como cobra de fogo pelo céu. A Tradição do Sol. São nossos tataravós. e a Terra sem Males se manifestará no reino humano. Logo eles criaram o primeiro ser humano e disseram: ‘Você é o guardião da roça’. cujo coração é o Sol. Chamou sete anciães e disse: ‘Gostaria que criassem ali uma humanidade’. Depois eles geraram a humanidade. do manganês. essa contribuição será compreendida. Nesse momento entraremos no Ciclo da Unicidade. Homens.000 anos de idade. XVI. suas pinturas de animais. possui vestígios humanos de 40. da natureza interna de cada um. o preto. . O primeiro homem desceu do céu através do arco-íris em que os anciães se transformaram. serras. · SÃO RAIMUNDO NONATO (PI).

A terra. OS HOMENS A cor mais forte (vermelho) representa a casa dos homens.Esta história revela o jeito do povo indígena de contar a sua origem. que fica bem no coração da aldeia. São consideradas um lugar perigoso. É a "prefeitura" Kayapó. Cada tribo e cada família desenvolvem padrões de pintura fiéis ao seu modo de ser. próxima de rios e da mata. mas apenas a pura busca da beleza. como colares e pulseiras. rituais e confeccionar adornos. em cada oca vivem várias famílias (ascendentes e descendentes). Destinada a durar no máximo 5 anos a oca é erguida com varas. As cores e os desenhos ‘falam’. Não possuem janelas. cada um tem seu lugar e sua função determinados. e passam aos seus portadores elegância e magestade. na viagem. dominando visualmente a vizinhança. A ALDEIA CABE NO COCAR A disposição e as cores das penas do cocar não são aleatórias. do cosmos. Vivem de modo harmonioso. a praça. cocares. A FLORESTA O verde representa as matas. ARQUITETURA Taba ou Aldeia é a reunião de 4 a 10 ocas. Lá. boa pintura. fechada e coberta com palhas ou folhas. bom desenho garantem boa sorte na caça. . a origem do mundo. No centro da aldeia fica a ocara. a mulher pinta os corpos dos filhos e do marido. ele indica a posição de chefe dentro do grupo e simboliza a própria ordenação da vida em uma aldeia Kayapó. E para revelar de quem se trata. Esta é uma arte muito especial porque não está associada a nenhum fim utilitário. uma grande roda a girar entre o presente e o passado. Não recebe reparos e quando inabitável os ocupantes a abandonam. mostra-se requintada. como está se sentindo e o que pretende. nos combates. têm uma abertura em cada extremidade e em seu interior não tem nenhuma parede ou divisão aparente. própria para o cultivo da mandioca e do milho. Boa tinta. Os antropólogos chamam de mito. que protegem as aldeias e ao mesmo tempo são a morada dos mortos e dos seres sobrenaturais. O lugar ideal para erguer a taba deve ser bem ventilado. na pesca. ao campo e ao bosque. as faces e o nariz. máscaras. têm lugar as grandes festas. e algumas dessas histórias são denominadas de lendas. presidida apenas por homens. A pintura corporal é função feminina. Dessa praça partem trilhas chamadas pucu que levam a roça. cobrindo também a testa. Ali se reunem os conselheiros. Além de bonito. já que fogem ao controle dos Kayapó. explica Luis Donisete Grupioni. as mulheres preparam as bebidas rituais. Assim como a pintura corporal a arte plumária serve para enfeites: mantos. geralmente entre 300 a 400 pessoas. porém nas festas. Nos dias comuns a pintura pode ser bastante simples. os insetos e os espíritos maus. guerras. "É uma lógica de manutenção e não de progresso". PINTURA CORPORAL E ARTE PLUMÁRIA Pintam o corpo para enfeitá-lo e também para defende-lo contra o sol. dão recados. A aldeia também é disposta assim. Aí eles se reúnem diariamente para discutir caçadas. Em forma de arco. na guerra. e também mostra como funciona o pensamento nativo.

áreas dominadas pelas mulheres. Esquema de arquitetura primitiva: . os centros das vilas. que se tornaria a principal fonte de riqueza produzida no Brasil. que trabalhou em Portugal com o arquiteto italiano Filipe Terzi. Portugal tomou posse do território e transformou o Brasil em sua colônia. abanos para aliviar o calor e avivar o fogo. em 1530. ARTE COLONIAL Após a chegada de Cabral. sempre com estruturas retangulares e cobertura de palha sustentada por estruturas de madeira roliça inclinada. Nas capelas há crucifixo. ARQUITETURA A arquitetura era bastante simples. uma expedição comandada por Martim Afonso de Sousa para dar início à colonização. que eram construções muito simples com cerca de pau-a-pique ao redor porque os portugueses temiam ser atacados pelo índios. iniciando-se o plantio de cana-de-açúcar. como cestos para uso doméstico. o seu ponto alto ocorreu na ilha de Marajó. TRANÇADOS E CERÂMICA A variedade de plantas que são apropriadas ao trançado no Brasil dá ao índio uma inesgotável fonte de matéria prima. Todas as choças têm a mesma distância em relação à casa dos homens. objetos de adorno pessoal (cocares. Essas construções eram conhecidas por tejupares. Preocupado com que outros povos ocupassem terras brasileiras. pulseiras). Nesses espaços. tangas. colhem e preparam os alimentos. Tudo isso sem perder a beleza e feito com muita perfeição. Primeiramente. para transporte de alimentos e objetos trançados para ajudar no preparo de alimentos (peneiras). Após a divisão em capitanias hereditárias. projetista da igreja de São Roque de Lisboa. Com essa evolução começam a aparecer as capelas. elas pintam os corpos dos maridos e dos filhos. buscando a sua forma. A arquitetura religiosa foi introduzida no Brasil pelo irmão jesuíta Francisco Dias. É trançando que o índio constrói a sua casa e uma grande variedade de utensílios. nas cores e na decoração exterior. redes para pescar e dormir. foram construídas as feitorias. a imagem de Nossa Senhora e a de algum santo.AS MULHERES O amarelo refere-se às casas e às roças. o rei de Portugal enviou. dirigidas por missionários jesuítas. trazidos de Portugal. houve grande necessidade de construir moradias para os colonizadores que aqui chegaram e engenhos para a fabricação de açúcar. palavra que vem do tupi-guarani (tejy=gente e upad=lugar). Martim Afonso fundou a vila de são Vicente (1532) e instalou o primeiro engenho de açúcar. etc. Com o tempo os tejupares melhoram e passam os colonizadores a construir casas de taipa. A cerâmica destacou-se principalmente pela sua utilidade. instrumentos musicais para uso em rituais religiosos. armadilhas para caça e pesca. plantam.

formando um caixão. e Casa da Companhia de Jesus. Quando a terra pilada atingia mais ou menos 2/3 da altura do taipal. Vila inteira de São Vicente. construída por Tomé de Sousa. pequenos paus roliços envolvidos em folhas. mas talvez pela falta de tempo ou por deficiência técnica não se deu um acabamento mais aprimorado. Gregório de Magalhães e Fernandes Pinto Alpoim. geralmente de bananeiras. Essa técnica é usada para formar as paredes externas e nas internas estruturais. TAIPA Construção feita de varas. onde o material a ser socado ia disposto em camadas de 15 cm aproximadamente. Os principais arquitetos do período colonial foram: Francisco Dias. ele era misturado com sangue de boi e óleo de peixe. A igreja de Jesus de Roma (autor: Vignola) e a igreja de São Roque de Lisboa. sobrecarregadas com pavimento superior ou com madeiramento do telhado. Floreciam as igrejas em todos sos lugares onde chegavam os colonizadores. consiste em comprimir a terra em formas de madeira. eram nela introduzidas transversalmente. A liberdade de estilo dada ao arquiteto modifica o esquema simples. Francisco Frias de Mesquita. Algumas das principais construções de taipas: • • • • • Muralha ao redor de Salvador. produzindo orifícios cilíndricos denominados cabodás que permitiam o ancoramento do taipal em nova posição. Para que o barro tivesse maior consistência a melhor resistência à chuva. de origem árabe. ambas de padres jesuítas.Dois eram os modelos de arquitetura primitiva. Essas camadas reduziam-se a metade após o piloamento. Igreja Matriz de Cananéia. destruída por um maremoto e reconstruída entre 1542 e 1545. galhos. Elas podem ser feitas com técnicas diferentes: A taipa de pilão. especialmente no litoral. Engenhos de cana-de-açúcar. . cipós entrelaçados e cobertos com barro. que deu origem à cidade de São Paulo.

indo aportar em São Vicente. atirado por duas pessoas simultaneamente uma de cada lado. a Prefeitura de Bertioga e o Iphan entregam para visitação o forte totalmente restaurado. chamado"Buriquioca"(morada dos macacos) pelos nativos. por motivo de segurança seguiram viagem. franceses e holandeses. os portugueses defenderam o Brasil dos invasores ingleses. foi tombada pelo Iphan (Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional) . Martim Afonso enviou João Ramalho à Bertioga afim de verificar a possibilidade de construir uma fortificação para proteger a nova vila dos ataques Tamoios. Em 1540.A taipa de mão ou pau-a-pique que caracterizam-se por uma trama de paus verticais e horizontais. ESCULTURA Os jesuítas ensinaram aos índios e negros o alfabeto. a primitiva paliçada de madeira foi substituída por alvenaria de pedra e cal e óleo de baleia. Sob direção dos religiosos e de mestres.O lugar. no talhe e nas lavras. também muito primário e rústico na execução. os holandeses resistiram e se instalaram no nordeste do país por quase 25 . que são a base ao enxerto da arte Barroca. encantou os portugueses por suas belezas naturais e exóticas. erguida em louvor a São João Batista. eqüidistantes. na arte. FORTE SÃO JOÃO No ano de 1531. devido à restauração de sua capela. o que originou o verdadeiro Forte. a religião e a trabalhar o barro. foi nomeado para comandar a fortificação em Bertioga. famoso artilheiro alemão. a madeira e a pedra. recebeu a denominação de Forte São João em 1765. O índio é muito hábil na imitação. ARTE HOLANDESA Na virada do século. o índio e o negro esculpiram muitos trabalhos. Hans Staden. Essa trama era fixada verticalmente na estrutura do edifício e tinha seus vãos preenchidos com barro. as naus de Martim Afonso de Souza avistaram terras tupi-guaranis. Em 1940. O negro adapta-se mais facilmente e é exuberante no desenho. Apesar da bela paisagem. no dia 22 de janeiro de 1532.Lá. Porém. Neste mesmo ano. após viagem através do Atlântico Sul. Aproveitando a comemoração dos 500 anos do Brasil. em auge na Europa. Em 1547. e alternadamente dispostos. mas. considerada a mais antiga do Brasil. naufragou na costa brasileira e foi levado à São Vicente. a fortaleza. vindos além-mar. A taipa de mão geralmente é utilizada nas paredes internas da construção.Primeiramente foi chamado Forte Sant'Iago (ou São Tiago).

a fauna e a flora como temática de suas produções artísticas. como pintor contratado por Maurício de Nassau. O Conde Maurício de Nassau trouxe à “Nova Holanda” artistas e cientistas que se instalaram em Recife. Mulher Africana. O Conde de Nassau freqüentemente ofereceu obras de Eckhout como presente à nobreza européia. costumava pintar pequenas figuras para funcionar como pontos de atração nos quadros e deixa-los mais interessantes. POST Nascido em Haarlen. Foram verdadeiros repórteres do século XVII. Embora fosse comum a presença de artistas nas primeiras expedições enviadas à América. entre os quais Frans Post e Albert Eckhout. os tipos étnicos. Holanda (1610-1666). em 1678. Mulato. Holanda (1612-1680). os chamados pintores de Nassau. no Brasil podemos ver a sua obra no MASP. Os dois touros. Índia Tapuia. alemães. o que não era permitido aos portugueses. flamengos. Paisagem Brasileira com nativos dançando. Em conseqüência disso foram os primeiros artistas no Brasil e na América a abordar a paisagem. por não serem católicos. ALBERT ECKHOUT Nascido em Groninger. em carta à Luiz XIV. Tinha 24 anos quando chegou ao Brasil. Holandeses. em São Paulo e MNBA no rio de Janeiro. puderam facilmente dedicar-se a temas profanos. O rei da França recebeu uma coleção de pinturas que foi usada para fazer tapeçarias. Os trabalhos de Eckhout contribuem para que os europeus se interessassem pelo Brasil. contratado por Nassau. O rei da Dinamarca recebeu vinte pinturas retratando tipos brasileiros e naturezasmortas. FRANS J. Obras destacadas: Dança Tapuia. Era irmão do arquiteto Pieter Post. ter a sua disposição seis pintores no Brasil. Composição com cabaças. portos e fortificações. Sua principal tarefa era nas novas terras do foi documentar edifícios.anos (início em 1624). BARROCO . desenhista e gravador. permaneceria até 1644. frutas e cactos. Mameluca. representações dos tipos humanos que habitavam o país e costumes. Foi autor de cerca de 150 obras. Paisagem com Tamanduá. nela destacam-se naturezas-mortas com frutas e legumes tropicais. Mauritsstad e Recife. Obras destacadas: A cidade e o castelo de Frederik na Paraíba. Ficou fascinado pelo o que encontrou no Brasil. Maurício de Nassau afirmou. Foi sob a orientação de Nassau que o arquiteto Pieter Post projetou a construção da Cidade Maurícia e também os palácios e prédios administrativos. veio para o Brasil em 1637 e permaneceu até 1644. Vários museus do mundo mantêm em seus acervos obras de sua autoria. foi pintor. Destacou-se entre os pintores de Nassau: é considerado o primeiro paisagista a trabalhar nas Américas. as chamadas “Tapeçarias das Índias” tornaram-se muito conhecidas e foram tão copiadas que os cartões originais se estragaram. foi artista e botânico. livre dos preconceitos e das superstições que era de praxe se encontrar nas representações pictóricas que apresentavam temas americanos. Aqui realizou grande parte de sua obra.

um colorido como o das cidades mineiras da época do barroco. Ataíde utilizava tanto a tinta a óleo (que era importada da Europa) como a têmpera. bem como a sua realização. . sem dúvida a partir dos trabalhos de: Antônio Francisco Lisboa. em Ouro Preto. O ponto culminante da integração entre arquitetura. Para seu conhecimento: O Mestre Ataíde pintou várias igrejas de Minas Gerais com um estilo próprio e bem brasileiro. o visitante já tem certeza de que está diante de um artista completo. talha e pintura aparece em Minas Gerais. obrigando D. Entre outros. e aliavam-se perfeitamente às esculturas e arquitetura de Aleijadinho.seu projeto para a igreja de São Francisco.suas pinturas em tetos das igrejas seguiam as características do estilo barroco. por exemplo. além de extratos de plantas e flores. encontramos igrejas com trabalhos em relevos feitos em madeira . cada um desses personagens numa posição diferente e executa gestos que se coordenam. o Aleijadinho . Além de extraordinário arquiteto e decorador de igrejas foi também incomparável escultor. etc. Desde a portada. no mundo inteiro. escultura. Já nas regiões onde não existia nem açúcar nem ouro. perdurando ainda no início do século XIX. cornijas e portas decoradas com detalhados trabalhos de escultura.) a virem para o Brasil. Talvez por isso é que se diz que não existe. Obra Destacada: Pintura do Teto da Igreja de São Francisco de Assis. com janelas. leite e óleo de baleia. empregados. Os pintores da época nem sempre podiam importar suas tintas. os exércitos de Napoleão Bonaparte invadiram Portugal . em Congonhas do Campo. sua família e sua corte (nobres. usavam terra queimada. clara de ovo.O estilo barroco desenvolveu-se plenamente no Brasil durante o século XVIII. pois torna muito forte para o observador a sugestão de que as figuras de pedra estão se movimentando. com um belíssimo trabalho de medalhões. as igrejas apresentam talhas modestas e os trabalhos foram realizados por artistas menos experientes e famosos do que os que viviam nas regiões mais ricas. Nas regiões enriquecidas pelo comércio de açúcar e pela mineração. ele conseguiu um resultado muito interessante. MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA No início do século XIX. anjos e fitas esculpidos em pedra-sabão. O Santuário do Bom Jesus de Matosinhos. João VI (rei de Portugal).as talhas . Duas linhas diferentes caracterizam o estilo barroco brasileiro. é constituído por uma igreja em cujo adro estão as esculturas em pedra-sabão de doze profetas. artistas. expressam uma obra de arte plena e perfeita. Usava cores vivas e alegres e gostava muito do azul. Características da escultura de Aleijadinho: * Olhos espaçados * Nariz reto e alongado * Lábios entreabertos * Queixo pontiagudo * Pescoço alongado em forma de V Manuel da Costa Ataíde . E é claro criavam suas próprias receitas que eram mantidas em segredo. Com isso.recobertas por finas camadas de ouro. O barroco brasileiro é claramente associado à religião católica. Faziam então suas próprias cores com pigmentos e solventes naturais aqui da terra.

esculpiam e construíam à moda européia. Conheça alguns dos principais artistas do movimento Neoclássico Europeu: Jacques-Louis David: (1748-1825) nasceu em Paris e foi considerado o pintor da Revolução Francesa. Esse grupo ficou conhecido como Missão Artística Francesa. mestre inegável do equilíbrio da composição e da harmonia do colorido. Por outro lado. Os pintores deveriam seguir algumas regras na pintura tais como: inspirada nas esculturas clássicas gregas e na pintura renascentista italiana. retratou várias paisagens do Rio de Janeiro. Durante os cinco anos que residiu no Brasil. João VI. fuste (parte maior) e capitel (parte superior com ornamentos).D. Ele foi desenhista. sobretudo em Rafael. mais tarde. Os artistas da Missão Artística Francesa pintavam.João VI como rei de Portugal. preocupado com o desenvolvimento cultural. XIX. decorador. trouxe para cá material para montar a primeira gráfica brasileira. Alguns dos artistas da Missão Francesa. · Frontões: Estrutura geralmente triangular existente acima de portas e colunas e abaixo do telhado. vieram para o Brasil. professor de pintura e organizador da primeira exposição de arte no Brasil (1829). Seus temas preferidos são a nobreza e as cenas do cotidiano brasileiro e suas obras nos dão uma excelente idéia da sociedade brasileira do século XIX. Algumas obras: Banhista de Valpinçon e Louis Bertin. o Brasil recebe forte influência cultural européia. Jean-Baptiste Debret: (1768-1848) foi chamado de "a alma da Missão Francesa". que ele retrata e descreve a sociedade brasileira. u seja. um estilo artístico que propunha a volta aos padrões da arte clássica (greco-romana) da Antigüidade. · Arcos (de origem romana): Elemento de construção de formato curvo existente na parte superior das portas e passagens que serve de sustentação. onde foram impressos diversos livros e um jornal chamado A Gazeta do Rio de Janeiro. na qual os alunos poderiam aprender as artes e os ofícios artísticos. Compõe-se de três partes : base. retratos e paisagens. desenhavam. no séc. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. É nessa perspectiva que se situa alguns artistas europeus independentes da Missão . nus. coleção composta de três volumes com um total de 150 ilustrações. registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. além de composições mitológicas e literárias. Nesse momento. Os frontões podem receber os mais variados tipos de decoração. Brasil e Algarve. principalmente no seu gosto e poder. outros pintores motivados pela paisagem luminosa e pela existência de uma burguesia rica e desejosa de ser retratada. Obedeciam ao estilo neoclássico (novo clássico). Algumas obras: Bonaparte Atravessando os Alpes e a Morte de Marat. pintor cenográfico. Jean Auguste Dominique Ingres: (1780-1867) estudou no ateliê do artista David (1797). aquarelista. sua obra abrange. Soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo. revela um inegável apuro técnico na pintura do nu. Principais artistas: Nicolas-Antonine Taunay: (1775-1830) pintor francês de grande destaque na corte de Napoleão Bonaparte e considerado um dos mais importantes da Missão Francesa. Mas é em Viagem pitoresca ao Brasil. Durante o governo de Napoleão. Em 1818 trabalhou no projeto de ornamentação da cidade do Rio de Janeiro para os festejos da aclamação de D. intensificada ainda mais com a chegada de um grupo de artistas franceses (1816) encarregado da fundação da Academia de Belas Artes (1826). Algumas características de construções neoclássicas: · Colunas (de origem grega): Estrutura de sustentação das construções.

já em 1912. paisagens e composições. o próprio imperador procurou dar ao país um desenvolvimento cultural mais sólido. de Marinetti. que trata da famosa personagem indígena do poema Caramuru. MODERNISMO BRASILEIRO MODERNISMO BRASILEIRO (Primeira Fase 1922-1930) SEMANA DE 22 Essa arte nova aparece inicialmente através da atividade crítica e literária de Oswald de Andrade.Considerado por alguns críticos o mais brasileiro dos pintores nacionais do século XIX. Oswald de Andrade alerta para a valorização das raízes nacionais. retratando paisagens e cenas da vida no nosso povo em Minas Gerais. na pintura. que propõe “o compromisso da literatura com a nova civilização técnica”. Sua obra compõem-se de 800 desenhos e aquarelas. além disso produziu retratos. Menotti del Picchia. as ciências e as artes. já em nosso país. religiosos e regionalistas. Os principais artistas acadêmicos são: Pedro Américo de Figueiredo e Melo . Suas obras mais conhecidas são: Picando Fumo. começa a falar do Manifesto Futurista. Além disso. Os seus temas eram os históricos. ao mesmo tempo.RJ. que .Em 1861. principalmente os gregos. esteve no Brasil entre 1821 e 1825. que é parte do acervo do Museu Imperial de Petrópolis . Oswald de Andrade. viajou pelo interior. No ano seguinte. íntou Moema. e certa estabilidade política. PINTURA ACADÊMICA Em meados do século XIX. como o De Dom Pedro II na Abertura da Assembléia Geral. Vitor Meireles de Lima . os bíblicos e os retratos. o artista não deve imitar a realidade. a paisagem e os costumes dos povos que conheceu. a sua obra mais conhecida A Primeira Missa no Brasil.Artística Francesa: Thomas Ender. Além do nosso país. era alemão. Mas. documentando. José Ferraz de Almeida Júnior . que refletia modelos clássicos europeus. era austríaco e chegou ao Brasil com a comitiva da Princesa Leopoldina. por meio de desenhos e aquarelas. que atualmente no Museu Paulista. Estas ganharam um impulso de tendência nitidamente conservadora. O Violeiro e Leitura. por meio da imitação dos clássicos. Uma das características gerais da pintura acadêmica é seguir os padrões de beleza da Academia de Belas Artes. na arquitetura e dos renascentistas. E Johann-Moritz Rugendas. proporcionada pelo café. Suas obra retratam temas históricos. o Império Brasileiro conheceu certa prosperidade econômica. ou seja. incentivando as letras. mas também realizou imponentes retratos. São Paulo e Rio de Janeiro. visitou outros países da América Latina.Sua pintura abrangeu temas bíblicos e históricos. mas tentar recriar a beleza ideal em suas obras. depois que Dom Pedro II assumiu o governo e dominou as muitas rebeliões que agitaram o Brasil até 1848. produziu em Paris. Mário de Andrade e alguns outros artistas que vão se conscientizando do tempo em que vivem. A sua obra mais divulgada é O Grito do Ipiranga. de Santa Rita Durão.

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