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PDF GUY AITCHISON Reinventing the Tattoo en Espanol

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GUY AITCHISON REINVENTANDO EL TATUAJE, PRIMERA EDICIÓN NOTA DEL TRADUCTOR Antes de que comiences a leer, creo que

conviene aclarar unos cuantos puntos. Primero de todo, esta es una traducción totalmente gratuita y desinteresada. Por supuesto no es oficial, ni pretende sustituir el libro original (de hecho, difícilmente podría). Si alguien te intenta cobrar o te ha cobrado por esto, es un timador. Esta traducción fue llevada a cabo, en primer lugar, para uso personal mío, ya que es más cómodo leer y entender todo lo aquí expuesto directamente en castellano, en lugar de tener que estar traduciendo mentalmente cada párrafo. En segundo lugar, porque ya que la hacía para mí, no me molesta que otra gente la use y disfrute, y más teniendo en cuenta la enorme cantidad de castellano-parlantes (sobre todo españoles) cuyo nivel de inglés no es suficiente para entender un texto de estas características. Y se que eso es muy frustrante, sobre todo si se trata de un libro genial de un artista genial como éste. Cabe destacar que no soy licenciado en filología inglesa, ni nada por el estilo, así que podría decirse que esto es una traducción amateur. No obstante, y aun a riesgo de parecer poco modesto, puedo aseguraros que el contenido y el sentido están intactos en un 99,9%. Digo esto porque veréis por el texto alguna palabra en inglés escrita en negrita, esto quiere decir que no he podido encontrar su significado. Si alguien lo sabe, que se sienta libre de corregirlo. La traducción ha sido hecha con la primera edición del libro (como muchos sabréis, hay una segunda), descargada de internet. Debido a esto, faltan algunas páginas, pero nada grave. Esto sólo es el manuscrito, no hay fotos, y difícilmente podrás entenderlo si no posees una copia. Recomiendo encarecidamente la compra del libro, yo si tuviera pasta ya me lo hubiera pillado. Dejo mi myspace porque un poco de publicidad nunca viene mal  www.myspace.com/distattoo Este libro destruye muchos mitos arraigados en el extravagante mundo del tatuaje, y regala nuevas vías de expresión y experimentación muy útiles para más de un tatuador de barrio…espero que lo disfrutéis lo mismo que yo el haber acabado de traducirlo :D.

PARTE 1
Una historia de cambios A pesar de su enorme potencial, ha hecho falta mucho tiempo para que el arte del tatuaje encuentre su lugar en el mundo. Escondido en subculturas geográficamente aisladas, el tatuaje ha sido silenciosamente desaprovechado durante milenios, inconsciente de la riqueza y fertilidad artística esperándolo precisamente fuera de su aislamiento cultural. Su atractivo casi místico atraía a viajeros y mercaderes, sin embargo sus cualidades tabú y sus métodos ligeramente intimidantes fueron suficientes para mantenerlo escondido de todos excepto de los más atrevidos durante algún tiempo. Al fin, la globalización lo sacó de su estancamiento y el tatuaje encontró su camino hacia Occidente, donde unos pocos innovadores inventaron maneras de usar la electricidad para conseguir que una aguja se moviera lo suficientemente rápido como para ser usada igual que un bolígrafo. En pocas décadas, depuraron el proceso hasta el punto de que las imágenes podían ser trasladadas a la piel con gran precisión. Aunque había muy pocos practicantes que en ese tiempo tuvieran algún tipo de educación artística antes de convertirse en tatuadores, los pocos que ayudaron a formular los principios esenciales de colocación en el cuerpo, fluidez en el diseño, etc. fueron imitados por sus compañeros adoptando lo básico de sus trabajos. El núcleo de estas normas en el diseño fue en gran medida tomado de estilos de tatuaje clásicos usados durante mucho tiempo en Japón y en las islas del Pacífico, pero para los tatuadores occidentales, estos conceptos eran nuevos. Era el principio de un largo proceso de descubrimiento. Varias generaciones pasaron, y el oficio se fue refinando hasta el punto de haber suficiente gente atractivamente tatuada alrededor del mundo para apoyar un número de publicaciones que presentaban los últimos estilos en el arte de la piel. Inevitablemente, estas revistas y libros acabaron en manos de un surtido más y más variado de artistas, inspirándolos y permitiendo que muchos nuevos estilos llegaran a la piel. Estos innovadores pudieron conocerse e intercambiar ideas y técnicas en las convenciones de tatuaje, que en esos momentos se estaban convirtiendo en eventos grandes y bien organizados. El tatuaje se ha convertido en un medio en ciernes, introducido en la Base de Datos Mundial y siendo aplicado en una interminable variedad de sofisticadas técnicas. Nutrido en un ambiente de bonanza económica, combinado con la libertad de expresión y una próspera subcultura, el tatuaje ha ido experimentado el que es posiblemente uno de los renacimientos artísticos más rápidos y explosivos de la historia. Mientras seguimos mezclando y emparejando nuestro arte y tecnología a un paso cada vez más rápido, no es difícil imaginar acontecimientos incluso más innovadores y emocionantes en un futuro próximo. Actualmente, el estado del arte del tatuaje es tal que prácticamente cualquier imagen puede ser tatuada en la piel con un realismo casi fotográfico. Aunque estas técnicas son usadas principalmente para tatuajes de retratos y de vida salvaje, pueden ser aplicadas a cualquier tipo de imagen. Una de las pocas limitaciones reales que estamos encarando ahora está en nuestra comprensión de qué es lo que hace exactamente que un diseño de

un tatuaje sea acertado, o qué combinación de elementos tendrá el mayor impacto visual a la vez que el efecto más favorecedor en el cuerpo que lo va a llevar. Con la amplia variedad de diferentes estilos siendo explorados, no debería ser difícil entender estas limitaciones y usarlas a nuestro favor. Cada estilo de tatuaje tiene una dirección artística particular que explora más de cerca que otros estilos. El tatuaje Japonés siempre se ha concentrado en la fluidez y encaje en el cuerpo. El tatuaje tradicional americano explora el lenguaje de la Línea, buscando maneras de decir lo máximo con lo mínimo. El tatuaje Tribal simplifica la ecuación a relaciones de positivo/negativo, consiguiendo el equilibro entre el tatuaje y la piel. El tatuaje Biomecánico y Orgánico pone gran énfasis en la ilusión de profundidad del diseño y en su distribución. El tatuaje en blanco y negro explora las sutilezas de la gama entera de claroscuro. Con la profesión del tatuaje siendo gradualmente acogida por artistas experimentados, vemos muchos estilos ilustrativos modernos tatuados, desde el cómic hasta diseños futuristas generados por ordenador. Muchos pintores clásicos, como Van Gogh y Dalí, están siendo concienzudamente interpretados en la piel al lado de maestros modernos como Alex Grey y H.R. Giger. En menos de cien años, el tatuaje ha evolucionado para abarcar cualquier estilo de arte imaginable. Mucho de todo esto se hizo posible por la evolución técnica del proceso del tatuaje. Antes de la electricidad, la tinta tenía que ser literalmente martilleada dentro de la piel, dejando pocas opciones para la precisión. Con la invención de la máquina de tatuar eléctrica, todas las cosas que vemos hoy en día en la piel se hicieron posibles. Si echamos un vistazo a varios libros de tatuaje de principios de siglo, raramente veremos un retrato hecho con líneas finas y delicadas sombras. No era el método usual de hacer las cosas por esa época, y mucho de lo que puedas ver del pasado es desigual. Todo esto puede ser achacado al estatus de ghetto que tenía este arte, asustando a la mayoría de artistas prometedores que de otra manera podrían haberse sentido atraídos. Esto hizo difícil conseguir precios de obras de arte reales para los tatuajes, lo que significó que la mera cantidad era la única manera de mantener un estudio de tatuaje. La RAPIDEZ era la clave de todo, manteniendo las obras simples y toscas. El nuevo ideal artístico de aminorar la marcha y trabajar más cuidadosamente ha ayudado a traer todo tipo de mejoras en las máquinas, pigmentos, botes y demás parafernalia del tatuaje. La máquina de tatuaje moderna, aunque sin cambios apenas en 100 años, ha sido refinada en muchos aspectos y ahora puede ser ajustada para pinchar la piel exactamente de la manera deseada. La Ergonomía, la ciencia de fabricar equipos que se ajusten al usuario, ahora es considerada en cada aspecto, desde el peso y forma de la máquina a las modernas mesas de masaje y las sillas ajustables, haciendo el proceso al tatuador y el cliente más confortable. Los pigmentos también han evolucionado de muchas maneras. Casi cualquier color imaginable está ahora disponible de muchos proveedores diferentes usando numerosos tipos de pigmentos diferentes, muchos de ellos probados y comprobados en la piel durante décadas, otros recién salidos de la fábrica, prometedores pero sin esa garantía de haber sido usados durante tantos años. Muchos de estos nuevos pigmentos son más finos y más fáciles de usar que los pigmentos tradicionales de escamas de polvo, y no

Muchos de los tatuadores que llevan establecidos unos años. convirtiéndose a la larga en un lastre. “conoce las reglas para poder quebrantarlas apropiadamente”. Cualquiera que de verdad pone sentimiento por lo que hace no necesita reglas que lo guíen. Un ejemplo de esto es el malentendido de la “máquina de línea” y la “sombreadora”. Normalmente nos enseñan que nuestros pequeños grupos de agujas redondas son para línea y nuestro grupo de agujas más grandes y mágnums para sombrear y colorear. son a menudo algo reacios a aceptar nuevas formas de hacer las cosas. esta manera “aprobada” de aplicar el tatuaje es tan rígida que incluso un artista experimentado en otros medios. A menudo. dejando que la experiencia sea su guía. Los tatuadores que están en esta posición probablemente tienen aprendices. haciendo posible diseños más sofisticados. Algunos sabios ancianos dicen. puede que nunca le pille el . mejor o peor. estos artistas tienen un método muy rígido y hacen que el principiante lo aprenda como condición para enseñarle. La cultura popular ha estado pintando una estampa fea y simplona del oficio durante tanto tiempo que ahora se ha vuelto difícil para el público aceptar un nuevo y mejorado comercio del tatuaje. especialmente aquellos que poseen estudios. a los que transmitirán sus experiencias. que dejaban una impresión muy brusca que podía ser fácilmente borrada prematuramente. Generalmente. y bastante bueno en ellos. o es el Fin Del Mundo. debemos aceptar la responsabilidad de no dejar de lado estas esperanzas. y alentar un entorno de crecimiento y cambio entre nosotros y otros artistas. Desafortunadamente. ya sea artística o éticamente. A pesar de todos estos refrescantes avances. pero dejan de serlo a medida que el aprendiz gana más experiencia. y se sienten justificados para despreciar los cambios. Estos artistas suelen creer que lo que saben fue aprendido a través de años de lucha. incluso tatuajes que requieren horas sólo para el contorno. Alguna de estas reglas puede ser útil para mantener al nuevo tatuador fuera de problemas durante las primeras semanas. Usamos todos estos pigmentos diferentes para mezclarlos y conseguir nuestros propios colores. y los malos ejemplos destacan mucho más que los buenos. pero nada delicado o caprichoso. También nos muestran unos movimientos básicos para la mano que son algo así como los Movimientos Aprobados para Tatuar. esta reputación no es del todo inmerecida. Antiguamente usábamos plantillas de acetato. el tatuaje no está todavía fuera del ghetto. En la mayoría de casos. permitiendo un vocabulario tatuajístico incluso más amplio y formas más intuitivas y fáciles de manejar temas de tatuaje. simplemente sigue su intuición. este tipo de método se basa en unas reglas férreas que deben ser seguidas. En el futuro puede que veamos plantillas de inyección de tinta no tóxicas. Si queremos que la reputación del tatuaje sea liberada de esa carga y verdaderamente sea acogido como un buen arte. a todo color y solubles en alcohol. lo único que necesitamos es una manera mejor de transferir nuestros diseños. lo que hace la paleta de cada artista única. En esta simple manera de verlo están los ingredientes para contornos y sombras limpias. El uso de plantillas hectográficas solventó la mayoría de estos problemas. Ahora que tenemos un rango ilimitado de estilos y diseños para escoger unido a los pigmentos y un sofisticado equipo con el que aplicarlos.sólo facilitan el trabajo sino también dan la posibilidad de detalles más precisos y más control.

En este caso. Una vez que tengas la sensación básica del proceso. acabando finalmente con el amarillo y el blanco. y que te refieras a ellos por su descripción. pero deberíamos darnos la flexibilidad de trabajar con cualquier color que necesitemos en el momento que lo necesitemos. no necesitaremos esas rígidas reglas. A lo largo de este libro encontrarás numerosas ilustraciones y fotos. es poco probable que consideren los pequeños como “de línea” y los grandes como “sombreadores”. pero su tatuaje es simplemente mediocre. necesitas empezar a cuestionar lo que sabes y explorar lo que puede ser posible. luego trabajar los colores más oscuros. con tal de que seamos prudentes de no manchar los colores claros. Otro ejemplo de un mito en la técnica del tatuaje es la noción de que debes acabar primero el negro. Que no te engañen con sistemas dogmáticos de hacer las cosas. Fig. sin nada de la fuerza que demuestra en los otros medios. Ahora que he empezado a reventar mucho de lo que te han enseñado. y no estoy convenciéndome subliminalmente a mi mismo de que sólo puedo hacer líneas con la tres. una cuatro y una 7 mágnum.C. Lo más fácil es moverse en una dirección de claro a oscuro. todas las fotos en el cuerpo principal del texto son en blanco y negro. Esto se hace protegiendo el color claro con vaselina y pasando los colores negros lejos de los claros que ya están en la piel. Bueno y simple. y no me refiero a ellas como “de línea” o “sombreadoras”. y ser siempre flexible en lo que crees que se puede y no se puede hacer. El primer dígito indica qué parte del libro es. Normalmente se dice que puedes manchar un áera fresca de color claro pasando un color oscuro sobre ella. te animo a pensar en tus grupos de agujas como si fueran pinceles. A menudo trabajo con negro después de haber puesto la mayoría de los colores oscuros y medios. 6. creo que es importante que te señale que nada de lo que tengo que decirte en este libro es necesariamente verdad. En lugar de esto. Para poder imprimir muchas fotos y mantener el coste bajo. Todas las fotos e ilustraciones están identificadas por tres dígitos: por ejemplo. de ti depende averiguar la verdad por ti mismo. estas palabras son simplemente ideas a considerar cuando hagas tu próximo tatuaje. Cuando un artista está usando diferentes tamaños de pincel. no por su nombre tradicional. Igual que todo lo que hayas oído de otros artistas.1. Estas denominaciones sólo limitan lo que el artista siente que puede hacer con cada herramienta. ¿Pero tiene que ser esto tan inamovible? Mi experiencia es que podemos trabajar los colores en el orden que queramos. ocasionalmente se te hará volver . Mientras sepamos que no podemos manchar los colores claros y hagamos lo necesario para prevenirlo. tercera ilustración. y voy cambiando libremente entre ellas mientras trabajo. simplemente son los “pinceles pequeños” y los “pinceles grandes”. no hay riesgo de que eso suceda. justo como lo haría con los pinceles. Muchas veces conoces a alguien muy bueno que hace cosas preciosas con lápiz o pintura. Capítulo 1. yo normalmente uso una tres. De la misma manera. moviéndote hacia los medios tonos y los colores claros. Por ejemplo. así que trabajando de oscuro a claro. y el último qué ilustración del capítulo es. la cuatro y la mágnum. el segundo el capítulo de dicha parte. querría decir Parte 6.truco a tatuar. A pesar de que la mayoría de fotos están justo en la página en la que se habla de ella. y se usan intercalándolos a medida que el trabajo lo requiere. sino como la tres.

como acuarelas u óleos. Tan importante como esto es saber cuándo no usar líneas. Discutiremos la Prioridad en un diseño. y saldrá a todo color para suplementar la versión en blanco y negro del libro. líneas sangrantes y delinear con color. todas estas imágenes están disponibles en color en nuestro sitio web. Ahora. www. Si usamos cada elemento en cada parte del diseño. y usaremos trucos gráficos para darles énfasis. Pero muchas de las imágenes en el libro realmente requieren color para entender la cuestión. Esto incluye un debate sobre el peso de la línea y formas de construir líneas. como una manera de ampliar tu vocabulario y potenciar nuestra visión. Para aquellos de vosotros con acceso a Internet. comentaremos la idea de trabajar en un medio artístico secundario. Hablaremos de Reservas. Siguiente. Algunos de los números de las Figuras están escritos en negrita. Abordaremos cómo encontrar la referencia apropiada y cómo fotografiarla y prepararla para el tatuaje o la pintura. Esto quiere decir que hay una versión en color de esa foto en el Apéndice E. En la Parte III del libro. Simplemente haz click en el número de la figura. Describiremos unos cuantos medios en detalle. para tu conveniencia. donde decidiremos qué partes del diseño son las más importantes. y la distinción entre una línea y un borde. pero si Reservamos algunos elementos sólo para el primer plano y otros sólo para el fondo. En la próxima parte de este texto. Hay una galería dedicada especialmente como soporte a este libro. vamos a hablar un poco sobre el uso de las líneas en un tatuaje. y que software usar. enfocado y desenfocado. y como ejecutar un tatuaje libre de líneas. donde escogeremos elementos para sacarlos del fondo y poder usarlos en primer plano. ya que tener un medio secundario parece mantener la mente desentumecida y ofrece más libertad técnica en el tatuaje. las cuales pueden darle al tatuaje vida y dimensión extra. y los muchos tipos de Contraste. Parte II. Afortunadamente este sistema las hará más fáciles de encontrar. en la Parte IV hablaremos sobre usar fotos de referencia. nos meteremos en más detalle en cómo usar el ordenador para propósitos de diseño y archivación. Luego iremos a un rápido tutorial de Photoshop. las diferentes capas del diseño serán visualmente distintas unas de otras. no sólo de claroscuro sino de cálido y frío. también abarcaremos las técnicas de líneas grises. liso y rugoso. En la Parte V. junto al tatuaje y nuestro medio secundario. Empezaremos con una descripción del hardware y su coste. La foto está también en blanco y negro en la misma página que el texto.hyperspacestudios. como ciertos colores o reflejos blancos. los compararemos con aspectos técnicos del tatuaje y seguiremos con un breve tutorial de pintura al óleo. textura y luminosidad. También hablaremos sobre la sensación de profundidad. relaciones de Positivo y Negativo. donde escanearemos . fluido y “antifluido” y contraste de temas. vamos a hablar de algunas ideas básicas importantes para el diseño como Fluidez y Encaje en el cuerpo.com. puede ser difícil de leer. Luego veremos cómo hacer nuestros propios modelos de referencia y usar herramientas del ordenador para ayudarnos en la creación de nuestros diseños.atrás a una foto o ilustración anterior.

hablaremos del Estiramiento. y alguna de las nuevas fuentes de alimentación disponibles que hacen este proceso más fácil. Luego hablaremos sobre la comodidad del cliente y por qué es bueno tanto para nosotros como para el cliente el que estén cómodos. añadir detalle y limpiar zonas sucias. incluyendo el uso de los modelos que construimos en la Parte IV. el entretenimiento y la atmósfera. Desafortunadamente. moviéndonos luego entre los varios tipos de aguja y su pros y contras. y espero refutar unos cuantos mitos más sobre el tatuaje. especialmente ventanas de templo con vidrieras y cosas así. La Parte VII muestra unas piezas en proceso en varios estadios. Incluso aunque esto sean cosas de principiante que pillamos ya el primer día de aprendizaje.un par de fotos. Un calibrado ideal debería permitir transiciones parecidas al aerógrafo con la mágnum y una libertad parecida a la de un lápiz con las redondas. Ahora tenemos unos cuantos geles de uso tópico anestésicos. cosas como la alimentación. Esto se consigue a través de la posición del cuerpo. afilar bordes. las reajustaremos. en la parte VIII revisaremos muchas de las preguntas más frecuentes que he recibido en seminarios o por e-mail. y la manera en la que manejamos los aspectos mentales y emocionales de su comodidad. Cuanto más claramente podamos sentirla. la iluminación. Hablaremos de ir cambiando de máquinas tan a menudo como un pintor puede cambiar de pinceles. también es importante nuestra manera de contactar con su cuerpo y manejarnos con él. En la Parte VI del libro hablaremos más específicamente sobre la técnica para tatuar. No es usual que los clientes pidan diseños tipo ventana. Después de esto hablaremos un poco sobre el montaje de la máquina. el acto de volver a una pieza con un grupo de pequeñas agujas redondas después de acabar el trabajo con un grupo mayor. convirtiéndola en un poderoso elemento en el lenguaje gráfico. cómo les limpiamos. Describiremos como transferir un diseño directamente del disco duro de tu ordenador a una plantilla hectográfica. equilibraremos el color y las colocaremos en una página para imprimirlas. la mitad de los diseños de ventana están condenados a la . así que hablaremos de estas sustancias también. Hablaremos de cada estadio y como completarlo. La ventana es una gran metáfora que puede describir la entrada a un mundo interior. Aunque es esencial ser capaz de ver cuándo el tatuaje está acabado. no importa cuán experimentados seamos. que pueden marcar una gran diferencia si los usamos cuidadosamente. Aprovecharemos esta oportunidad para mostrar ejemplos de los muchos puntos que hemos discutido en acción. y cómo estas cosas afectan a la acción de la máquina. Finalmente. A continuación. mejor será el estiramiento y mejor será la penetración de la aguja. y como debemos sentir la vibración de la aguja golpeando la piel con nuestra mano suelta. cómo los tatuadores experimentados pueden tender a descuidar el estiramiento casi tanto como un novato. golpeo y tensión del resorte. Luego usaremos estos mismos métodos para sofisticadas manipulaciones del diseño. ya que afecta el acabado de un tatuaje al menos tanto como las máquinas o los pigmentos. y qué hace que el diseño funcione. es un hecho que siempre debemos ser conscientes de ello. usando qué materiales y qué técnicas. empezando con un capítulo de Plantillas y Mano alzada (Freehand). Esta es una manera de rellenar esquinas. Uno de mis temas favoritos es el Detalle.

y el uso de piel sin tatuar en el diseño. Usando estas directrices no es difícil evitar los peligros de los diseños rígidos o poco creíbles. Para compensar más todavía. sólo el encaje de la pieza determinará finalmente si el cliente está feliz o no. usamos un diseño asimétrico dentro de la ventana. haciéndola parecer diferente desde delante y desde detrás. la persona que la lleva se sentirá más natural si se asienta bien en el cuerpo. las cuales se ondulan hacia delante y hacia atrás. Aunque podemos hacer sugerencias y ofrecer alternativas. unas parras asimétricas por cada lado. Para amoldarnos a esto. . El resultado final tiene las suficientes señales visuales en la forma de la ventana para que sea aceptada por el espectador como simétrica. especialmente en lo que se refiere a la relación cuello/muñeca/tobillo entre el tatuaje y la piel. el vocabulario del artista puede ser entrenado para sortear automáticamente la rigidez y la fluidez antinatural en sus composiciones.“antifluidez”.1. sólo ellos pueden saber realmente si les sienta bien o no. Con un poco de precaución aplicada a esta idea. Aunque en última instancia el encaje de una pieza es algo que tiene que ser determinado por el cliente.2. asimétrica desde un punto de vista lateral. es más difcíl que al que lo vea le parezca que la pieza es asimétrica. y distorsionándose aún más con los movimientos normales del brazo. Debe sentirte a gusto con ello. no importa cuantas agotadoras horas debamos emplear ajustando los detalles y redefiniendo los bordes. La comodidad del encaje tiene el mismo grado de relevancia que el encaje de una prenda de ropa. mientras usamos varios buenos trucos para distraerlo del hecho de que realmente no es simétrica. si es muy pesada por abajo. mientras que no parece tan buena cuando se mueve o está relajado-. En (Fig. y si la pieza funciona o no. que es un sitio muy natural para que alguien te pida algo así. o si es cuadrada donde necesita ser curvada. cambiándolas por arcos curvados. Una ventana con los bordes rectos hubiera molestado terriblemente ahí. Un buen tatuaje debe entenderse bien sin importar la posición en la que se encuentre en el cuerpo – una marca característica de los diseños “antifluídos” es que la pieza parece mejor cuando el que la lleva adopta una posición hierática como de militar. eliminamos las líneas rectas del diseño. De esta manera.L) se me pidió hacer una ventana en el hombro. Las impresiones del cliente sobre el tema NUNCA deben ser algo secundario para lo que el tatuador cree que está bien. No importa lo perfecto que sea el tema o el esquema de color. el peso y la densidad de la pieza. si no se corta a través de una parte del cuerpo de una manera incómoda visualmente. alejando la atención de la estructura de la ventana. no importa quiénes somos y cuán lejos ha viajado nuestro cliente para vernos. haciéndolo poco convincente para el cuerpo.

2. Aquí van algunos ejemplos de tatuajes en los que la fluidez y el encaje son los elementos más importantes del diseño. Una manga siempre es un proyecto emocionante para un tatuador. En (Fig. los demás errores apenas se notarán. Las zonas claras y oscuras son lo suficientemente grandes para que la fluidez del diseño sea claramente legible. El agua es usada como excusa para la fluidez. No importa lo simple o trivial que sea la idea para un diseño. los coleccionistas de tatuaje más quisquillosos con los que he hablado casi siempre se quejan de que los diseños son demasiado rígidos. es normal que tanto cliente como artista pensemos en primer lugar en el tema. hay numerosos estilos de tatuaje. ya que determinan mucho cómo un tatuaje transmite su mensaje básico. La verdad es que. por lo que no es raro ver un tatuaje técnicamente bonito que no favorece el cuerpo de la manera en que debería. demasiado luminosos o que cortan de una manera inapropiada una parte del cuerpo: las quejas rara vez se refieren al tema. si el encaje y la fluidez son lo suficientemente acertados. incluso desde lejos. Esta pieza es una de las que siempre ha causado una gran impresión en la gente que ojea mi portafolio. el cliente probablemente envejecerá felizmente con él. si hubiéramos dejado áreas de piel descubierta en el agua y llamas a lo largo de toda la piel con agua. si favorece al cuerpo. dando profundidad y aumentando la legibilidad de la fluidez. la composición y el esquema de color son trabajados a la par que el resto de detalles. Los elementos restantes del diseño llevan colores brillantes. y las cascadas vienen y van por las curvas naturales del brazo. sin importar lo limpio que esté ejecutado. En verdad. A los detalles más pequeños del diseño se les ha dado menos contraste que a las formas más grandes para que no enturbien las zonas más grandes y distraigan la atención de su fuerte fluidez. si no más importante que el tema de la pieza. Por otro lado.2. a pesar de su aparente carencia de tema.1) Fluidez y Encaje Cuando consideramos un nuevo diseño para un tatuaje. Una pesada sombra negra está puesta detrás de la gran forma del primer plano. sobre todo el tribal y el biomecánico. Esta aproximación tiende a descuidar la verdadera importancia de la fluidez y el encaje del diseño.1.PARTE II DISEÑO 2. y es muy poco común recibir este tipo de encargo de una cliente femenina. al ser de vital importancia. Creo que las formas femeninas piden un acabado más ligero. Después de que esto sea decidido. siempre parecerá inapropiado. Un tatuaje tribal mal diseñado. A pesar . la fluidez y el encaje SON parte del tema.B) es un diseño de brazo entero. demasiado oscuros. en los que la fluidez y el encaje son elementos primarios en el diseño. De hecho.1. la pieza hubiera parecido insustancial y soso. La (Fig. así que usamos mucha piel al descubierto para el agua para prevenir que el tatuaje resulte demasiado pesado. mientras que un buen diseño tribal parecerá bonito incluso si los puntos son torpes y los bordes un poco temblorosos.A) tenemos un diseño con un fuerte contraste y una fluidez simple y suave. la fluidez y el encaje de un tatuaje en el cuerpo del cliente puede ser tan.

y un diseño rígido y simétrico en un brazo parecerá fuera de contexto. experimentamos con el fluir de las serpentinas agitadas por el viento que vuelan a través del diseño. los cuales no necesitan estar en ninguna posición en particular. tomamos un preciso calco de su brazo poniendo papel de calco alrededor del brazo y marcando el codo. Para hacerlo lo más parecido a la musculatura natural. Se puede ver como las grandes espirales curvadas están en los mayores abombamientos de la estructura muscular.1.2. Para empezar. Ya que el árbol está hecho de formas orgánicas fluidas. parte de arriba del hombro (incluyendo marcas donde debemos superponer el papel para para envolverlo firmemente). Para equilibrar la pesada masa del árbol. mientras que ese mismo diseño en el centro del pecho o la espalda puede encajar potencialmente bien. encaja bien sin importar en qué posición esté el brazo. debemos ser capaces de incorporarlos al diseño general de manera que el brazo entero siga pareciendo una única pieza. usamos una ligera atmósfera en el fondo. Con trabajos de esta escala. luego sigue hacia arriba por el tríceps y por detrás del deltoides. es de vital importancia que la fluidez del cuerpo no se vea obstruida y que el diseño funcione en movimiento. y se verá muy bien cuando el brazo esté en movimiento.E) tenemos un tatuaje con muchos elementos pequeños que pueden llevar a confusión si no tenemos cuidado.2. como muchos árboles reales. y cualquier estructura muscular visible.C) es un tatuaje mucho mayor cubriendo una pierna entera. En (Fig. Hubiera sido más fácil hacer el árbol recto de abajo a arriba. Se han puesto ramificaciones indivuales donde reciben mayor protagonismo de protuberancias y concavidades. Que sea brillante y colorido no basta.1. Cuando estamos contentos con este aspecto de la composición. En (Fig. como la zona donde acaba el deltoides y empieza el tríceps. la (Fig.1.2. procedemos a encontrar sitio a los restantes elementos. parte delantera y posterior del brazo. Después de pasar el calco a una mesa de dibujo y poner una hoja de papel de calco limpia sobre ésta. Un diseño circular en el deltoides tiende a parecer con forma de huevo. nos aseguramos de tener una fluidez con la que estemos contentos. abriéndose a la ligera estructura de la parte de arriba del brazo.de que la cliente ya tenía un par de pequeños tatuajes en el antebrazo. Una buena regla para a diseñar tatuajes fluídos es la Golden S-Curve Rule que básicamente acepta que el cuerpo humano está hecho de formas curvadas y fluídas que parecen seguir un flujo con curvas en forma de S. tenemos que considerar primero y sobre todo la fluidez cuando creamos la composición. la fluidez es la auténtica clave.D) tenemos un diseño de un árbol. Luego. lo cual podría haber sido mucho más difícil . que sigue las curvas básicas del brazo en forma de S. mientras se vean bien. la simetría peleando por dominar sobre la asimetría natural del brazo. Ya que el movimiento de un diseño es especialmente importante en tatuajes grandes como una manga. la parte interna del codo. el tobillo y otras partes de la pierna. De esta manera. Los brazos no son cilindros. pero esto hubiera hecho que el brazo pareciera rígido. y el entorno orgánico rodeándolas toma protagonismo a la posición natural de la rodilla. hemos puesto una fuerte curva de la parte de abajo del árbol al final del bíceps.

espaciando los huecos y las puntas de los dientes en un ritmo creciente y decreciente. y se gradúan a mediad que se repiten – esto es. empezamos a añadir detalle.2. Cuando estamos conformes con toda la composición. sin obstruir nada. La espiral central es la curva más nítida. En (Fig. puestas en partes del brazo que les dan protagonismo por su anatomía natural.1.I) como la composición en forma de S se mueve libremente por el cuerpo.2. hablaremos de estos dos modos diferentes de diseño lógico como Fluidez y Antifluidez.1. Los elementos zigzagueantes siguen otra curva. ya que si empezamos con el detalle antes de que la composición esté finalizada. . Empezamos con largos arcos limpios.1.1. El efecto resultante es muy contundente. sólo para asegurarnos que fluyen de la manera adecuada. y las puntas de los picos describen otra. lo que fortalece la sensación de profundidad. podemos acabar malgastando mucho esfuerzo en un área que luego tenemos que borrar y redibujar medio centímetro más arriba. aunque definitvamente masculino. Los arcos largos y limpios hacen un buen esqueleto en el que construir los detalles.G). espinas y formas zigzagueantes siguen las limpias curvas en S del diseño. Los diferentes picos. asegurando que conseguimos los espacios y proporciones de los detalles correctos y una buena fluidez. Este tipo de patrones repetidos son creados usando una cuidadosa construcción en el dibujo (Fig. Las cosas orgánicas enrolladas y la parte de debajo de la vaina son grandes y entendibles.H) que usan composiciones reticulares en el cuerpo. Todos estos movimientos rítmicos mantienen el ojo del espectador dando vueltas alrededor del diseño. Parte de la diversión de la fluidez de este diseño son todas las repeticiones y graduaciones que vienen y van. Puedes ver en (Fig. Para futuras referencias. limpia y prominente del diseño. especialmente en las formas femeninas.2. las espinas se hacen más y más grandes hasta que culminan con la más grande y brillante encima de la espiral. Luego ponemos las repeticiones y graduaciones.de conseguir si hubiéramos puesto primero las frutas y los vegetales y luego las serpentinas como algo secundario. mientras que las composiciones rígidas reticuladas tienden a agarrar y confinar el cuerpo. Esto sin embargo no significa necesariamente que tengamos que eliminar toda evidenci de formas Antifluidas de nuestros diseños.F) usamos bastantes capas de elementos en forma de S para crear sensación de profundidad. todas las cuales complementan la fluidez de la espiral principal. cada una se hace un poco más grande hasta que llegamos a la parte de fuera de la curva. La grande vaina carnosa está compuesta por un número de curvas fluidas en forma de S. El hecho de que sea limpio y suave nos ayuda a que sobresalga sin necesidad de un contorno negro. dándole vida y energía. de la misma manera que la luz y la oscuridad. Hay estilos de tatuaje tribal de cuerpo entero hechos en algunas islas del sur del Pacífico (Fig. simplemente es un toque de atención para tenerlo en cuenta.2. luego se hacen más pequeñas mientras alcanzamos su otro final. Fluidez y Antifluidez puede ser equilibradas como elementos contrastantes en el diseño. aparte de estar llenos de curvas cuidadosamente colocadas para contrarrestar la rigidez. En la espiral central.

Una Relación Positivo/Negativo es algo relativo involucrando formas. especialmente desde lejos o con poca luz. lo primero que vemos es la silueta del tatuaje. restringiendo la fluidez a través del brazo y haciendo que la pieza pareciera rígida y confinada. Vamos a llevar esta descripción un poco más lejos nominando todas las formas y áreas con colores claros como Negativas. y las oscuras como Positivas. Dota a la pieza de fuerza no sólo desde lejos. incluyendo la piel sin tatuar que rodea el tatuaje. Si la figura tiene en su mayoría colores claros y el bosque colores oscuros. Intenta imaginar cómo se vería el diseño si las columnas a ambos lados continuaran hacia fuera del brazo en vez de desaparecer debajo del agua. así como la identidad de los diferentes elementos del tema. pusimos la forma arquitectónica en el fondo y pusimos un árbol en forma de S en primer plano. y se usa normalmente de una manera que tiene en cuenta la fluidez de esa parte del cuerpo. Acabamos usando sólo la cantidad justa de la estructura de la ventana en el diseño para conseguir que parezca una ventana sin cargar el brazo de Antifluidez. esta vez roto en primer plano por agua. La silueta es esencialmente la relación de áreas oscuras contra las áreas claras o sin tatuar.1. Si hubiéramos diseñado el templo más grande y lo hubiéramos puesto en el centro del brazo sin nada contrarrestándolo. que se hubiera distorsionado de un montón de maneras extrañas cuando el cliente moviera el brazo. como una figura en primer plano y un bosque en el fondo.Estos principios pueden ser usados también en estilos de tatuaje más ilustrativos. Los espacios negativos son usados a menudo como una manera de dar fluidez a un diseño que de otra manera no sería muy fluído.J). mientras que el templo tiene menos contraste y carece de contorno. como el efecto del viento en las frutas y vegetales en la manga de la que hablábamos antes. que se refiere a las áreas sin tatuar que fluyen por un diseño. el uso de tonos claros contra colores oscuros. tenemos un diseño en el que se nos pedía una rígida estructura arquitectónica en la parte alta del hombro. Una silueta clara es al menos tan crucial para el funcionamiento de una pieza como la fluidez y el encaje. El árbol está hecho para destacar dándole un fuerte contorno y gran contraste. Para evitar este problema. Bien puedes imaginar como crearía un corsé visual.2.K) tenemos otro elemento arquitectónico. sino que los elementos intrínsecos deben contrastar unos entre otros de manera que no se junten y creen un caos. hubiéramos conseguido un tatuaje feo y poco favorecedor.2) Relaciones Positivo / Negativo Cuando vemos un tatuaje. y la incorporación de una fluidez claramente legible con grandes áreas abiertas de luz y oscuridad. No sólo el tatuaje debe tener una relación clara y bonita con la piel que lo rodea.1. decimos que la figura tiene una relación de negativo sobre . El templo es lo suficientemente pequeño y está tapado lo suficiente por elementos del fondo que la visión general no tiene nada de la torpeza que un diseño puramente Antifluido tendría en esta parte del cuerpo. sino a través de décadas de envejecimiento. Evitaremos este problema prestando mucha atención a las relaciones positivo/negativo. En (Fig.2. 2. Probablemente habrás oído el término “espacio negativo”. Una silueta fuerte revela claramente la fluidez y el encaje del diseño. La silueta viene determinada por el uso de partes tatuadas contra partes no tatuadas en la pieza. En (Fig.

sobre neg. lo que crea una capa luminosa entre la forma fuertemente contrastada primer plano y el área suave de la ventana detrás. Un fondo atmosférico oscuro le hubiera dado a la columna un relación de neg sobre pos. Ya que el contorno sólo no le da a la pieza la claridad suficiente.A). sobre neg. Las relaciones de negativo sobre positivo son tan fuertes y claras como las relaciones de pos. En (Fig. Pero si coloreamos la figura oscura sobre un fondo oscuro. Para crear más separación.. aunque con diferente efecto y sensación.2.2. . empujándola al primer plano. 2.B). Abandonamos parte de esta legibilidad instantánea cuando usamos motivos más complejos en los diseños. lo que hace un tatuaje más oscuro. donde la mariposa está hecha en tonos oscuros. dejando éstos en la mariposa para que sobresalga. sobre neg. lo que podría confundir la relación de pos. Un primer plano neg. o Pos sobre Neg (Fig.positivo. sobre pos. se vendrá hacia delante del fondo oscuro de una manera que a menudo más efectiva creando una ilusión de profundidad que una relación de pos.C) tenemos un ejemplo de una relación simple entre pos sobre neg. sin importar el tema. 2. en lugar de eso. Como su interacción con la piel es tan simpe. 2. si la misma figura está coloreada oscura y el bosque tiene tonos claros. En cualquier área donde el fondo no es significativamente más oscuro que el primer plano. La pieza es como si se viera difuminada y potencialmente difícil de leer. diremos que la figura tiene una relación de positivo sobre negativo. Usar un contorno para separar el primer plano del fondo puede ser de ayuda. los detalles de esta forma se han mantenido simples y luminosos. con pesadas sombras empujando el garfio hacia delante y haciéndolo claramente visible. pero sin una clara relación pos/neg. la fluidez del conjunto de la columna es audaz y claramente legible a pesar de la riqueza de detalles.2. Mientras la relación entre estos dos elementos sea tanto neg sobre pos o pos sobre neg. sobre pos.. En (Fig.D) tenemos una relación más compleja de pos. la fuerza de la silueta es de gran importancia. añadimos rayos de luz irradiando desde detrás de la mariposa. o negro sólido o partes sin pigmento. 2. y hacerlo difícil de leer. pero siempre debemos tener en cuenta la silueta y mantenerla lo más simple y clara posible. dejamos que los colores del fondo se suavizen y salgan a la piel y el blanco alrededor del eje de la mariposa. Usando una relación simple entre pos sobre neg. Sin embargo. para no comprometer la fuerza de su relación de neg. tendremos una relación Pos sobre Pos. En (Fig. 2.E) tenemos un ejemplo simple y claro de neg. en detrimento de la claridad de la pieza. sobre neg. recortándose contra la vidriera y los rayos de luz detrás de ella. su silueta es la más fácilmente legible de cualquier estilo. una relación Neg sobre Neg normalmente parecerá débil y mal hecha. Similarmente. sobre pos.2.2. el diseño será claramente legible. haciéndolo parecer un moratón gigante o forzándonos ha encontrar una manera inteligente de romper esto. pero el fondo atmosférico hubiese creado entonces una relación de pos sobre neg con la piel de alrededor. No se ha usado negro ni colores oscuros en el área de la ventana.. donde el diseño entero está enmarcado dentro de su contorno y no se usa fondo. un marcado contorno negro asegura la claridad. o Neg sobre Pos (Fig. El tatuaje tribal es el ejemplo más simple de una relación pos sobre neg. denso y menos legible. No usamos color en el fondo inmediatamente detrás de la mariposa.

el fondo está hecho para no destacar. quitando la atención de las fluctuaciones en el valor. permitiendo que los colores oscuros de la figura aparezcan negros y concisos. sobre neg. Las partes inferiores de cada forma mayor se les da una sombra contra el borde. En lugar de eso. on los otros pétalos que se le superponen. manteniendo el conjunto legible. manteniendo los detalles pequeños y claros. sobre pos. Esto relaciones claramente definidas nos permiten completar esta forma sin un contorno. tiene una clara relación neg.F). tenemos una pieza donde no nos conformamos con una simple relación pos. sobre neg. queremos mantener sus relaciones de positivo/negativo simples. sobre neg. lo que habría hecho la pieza entera demasiado densa. hasta que llegas al anillo de pétalos más pequeño y secreto. Un objeto y su fondo pueden tener también relaciones pos/neg más complejas. Las partes de arriba de la figura..2. Este color es empujado contra la parte de arriba luminosa del elemento en primer plano. tenemos la misma figura del bosque que vimos antes. y donde quiera que esto ocurre.Tenemos un ejemplo diferente de una relación de neg. con el fondo predominantemente oscuro.G).. 2. o neg. sobre neg. Sin ese fondo. la corona de fuego de alrededor.2. difuminándose a rojo oscuro alrededor de la silueta negativa de la forma volante. lo que habría comprometido la apariencia de lo que estamos intentando conseguir.2... estas áreas luminosas hubieran sido una relación neg. manteniendo la figura enfocada y en primer plano. Cada pétalo tiene una relación neg. y las partes de arriba de estas formas están iluminadas con colores claros y un fondo oscuro empujándolas detrás. que tiene una relación pos. En (Fig.2. Para hacer esta relación dinámica posible. En (Fig. sobre pos. el color es aplicado más y más claro hasta que nos acercamos a las sombras de la parte de debajo de la pieza. Ya que esta forma es compleja y delicada al mismo tiempo. acabamos el negro y los colores oscuros en la forma del primer plano. estableciendo una fuerte relación neg. Con los pétalos más grandes. sobre pos. que están iluminadas fuertemente por el sol de encima. sobre neg. con ese brillo. sobre pos. A través de este proceso.. optamos por una relación pos/neg dinámica. sobre pos. En (Fig. usando sobre todo amarillo y blanco dentro de la forma volante. con su fondo. 2.. Primero./neg.I). el fondo se mantiene suave y simple de tal manera que no compite con el primer plano. creando una relación pos. La flor. haciéndolo salir nítidamente. 2. dando a estas partes una clara legibilidad neg. sobre pos. Donde sea posible. optando por una fuerte situación de neg. donde la parte de debajo de las formas en primer plano están sombreadas oscuras. el fondo necesita tener en cuenta las necesidades del primer plano.H). sobre pos. que podría haber significado dar una apariencia demasiado oscura al conjunto de las formas del primer plano. en su conjunto. Luego. evitamos relaciones pos. en (Fig. tenemos muchos ejemplos de relaciones pos/neg. dejándolas en un fuerte pos. sobre pos. excepto que esta vez usamos una relación dinámica pos/neg. . Luego se aplica el fondo usando sobre todo tonos medios y claros. haciendo que la pieza pareciera inacabada. con los tonos oscuros los más cecanos al contorno. sobre pos. y acabamos haciendo todas las decisiones sobre su sombreado. 2. La luz y las zonas oscuras del fondo están hechas para emerger suavemente juntas. sobre neg. En otra partes del fondo. esta legibilidad está asistida por un fuerte contorno. parecen brillantes por los tonos profundos inmediatamente detrás. que tiene su propia relación de neg.

contrastarán entre ellos visualmente. Por ejemplo.3) Contraste El contraste es lo que hace que las diferentes partes de un diseño permanezcan cada una en su sitio. ¡necesitas uno!) tenemos un ejemplo genial de una relación dinámica pos/neg. en la parte de abajo y una relación neg. todos los demás tonos y colores están en medio. es al menos dos veces más oscuro que el resto del ambiente azul de alrededor. lo mismo que la gama de una montaña en la vida real parece tener menos y menos contraste a medida que se aleja. comparado con el 100 del árbol. Donde ha sido posible hemos dado a las formas del primer plano una nítida relación pos.A). Para lo que queremos explicar. Una de las metas del artista es hacer uso del contraste en su justa medida para conseguir la afirmación que busca. En primer plano hay una figura desnuda flotando en el espacio. fluidez y antifluidez. que necesitan salir. 2. está claramente lejos. sin contorno. se vuelve más oscuro. usando lavados de grises en vez de negro. usando todos los negros y los colores oscuros para complementar el amarillo y los brillos blancos. Para hacer nuestra afirmación tenemos una variedad de diferentes aspectos en un diseño para contrastar unos con otros: oscuro y claro. en la parte de arriba. suave o estridente. reforzando las relaciones pos. Por otro lado. el contorno negro hace el trabajo. tienen un contorno marcado y un valor de gama de 100. dandóle algunas áreas iluminadas y algunas zonas con sombras oscuras. Cuanto más dinámica sea la gama que tienen los elementos de un diseño. El elemento más básico del contraste es el Valor. más saldrá hacia afuera. De esta manera. nos referiremos al blanco como cero y el negro como 100. todos desde el negro del contorno hasta el blanco de los brillos. dándole una total gama de valores dinámica de 100. haciendo que el mensaje grite de todas las maneras posibles. Detrás de la figura hay una laguna azul. volvamos al diseño del hombro del árbol y el templo en (Fig. Conforme el campo azul se acerca a las partes brillantes de la figura. El árbol. 2. bajando su gama dinámica otros 5 puntos o así teniendo un total de 55. No se han usado brillos blancos siquiera. sobre neg. . en cualquier sitio donde no podemos hacer esto. usa la gama entera de valores. Donde quiera que dos elementos sean diferentes el uno del otro de alguna manera. Similarmente. sobre pos. Las formas del primer plano. cuando desaparece detrás de ella. enfocado y desenfocado. representada en su mayoría con tonos simples y planos para no competir con el primer plano. caliente y frío. de estas zonas. que necesita salir hacia fuera lo más posible sin ayuda de colores claros. el templo está en el fondo. pero no tengo los derechos legales – si aún no tienes ningún libro de Dalí.J). o el contraste entre oscuro y claro. Usamos métodos de contraste similar en (Fig. he incluso el tema pueden ser usados como elementos contrastantes para establecer una Gama Dinámica y maximizar un diseño. sobre neg.3. al fondo. El fondo se mantiene muy suave con una gama total de un 35 aproximadamente. mientras que otras veces la delicadeza es la clave. igual que un elemento con menos gama tenderá a irse hacia atrás. iluminada por una fuerte y brillante fuente de luz. algunas veces un contraste marcado es simplemente la herramienta adecuada.En el cuadro de Salvador Dalí “LEDA ATÓMICA” (os lo enseñaría. y no posee colores más oscuros de un 60. El resultado (PÁGINA PERDIDA) 2. las zonas azules que desaparecen detrás de las partes fuertemente sombreadas de la figura se difuminan en un azul más claro.1.

decir que esto es sólo mi propia intuición . Los cálidos y los fríos contrastan entre ellos de manera natural. pero no se ha usado amarillo o blanco. En (Fig. es su propia intuición. el azul primario contra el amarillo brillante y el naranja le dan una gama de color total.¡los dos métodos son válidos!) Pero en general. En (Fig. mientras que los fríos alejan. o entre los bordes interiores y exteriores. tenemos colores cálidos y colores fríos. así que cuando se usan juntos en un diseño. 100 también. si no entre la parte de arriba y la de debajo de un objeto. Cuando dos colores son exactamente opuestos en el círculo cromático. los elementos detrás de la nunca llegan al cero del blanco o se hunden en las profundidades del negro. Estas parejas incluyen azul vs naranja. (N. Cuando dos colores son complementarios. los dos colores que se encuentran a cada extremo de dicha línea son opuestos el uno del otro. dándole a su forma general más dimensión. más los verdes amarillentos y los púrpuras rojizos. que son los colores más cálidos. Así que si sumamos el color y el valor del contraste en la cola.) Podemos usar este tipo de relación no sólo entre objetos en primer plano y su fondo. podemos decir que los colores cálidos tienden a acercar. dándole menos color y escala de valor que el lagarto y evitando que los diferentes elementos compitan entre sí. por pequeño que sea. El contorno negro y las sombras más los brillos blancos de la cola le dan un valor de 100. los colores cálidos consisten en amarillos. haciendo que estas zonas se alejen y se curven.3. pasarán a segundo plano en cuanto le enfrentemos un elemento frío. y la parte de abajo con azules y púrpuras. En el Apéndice E tenemos un Círculo Cromático. Coloreamos la superficie superior del lagarto en naranjas. 2. haciéndolo tridimensional y destacándolo. las relaciones de cálidos y fríos de elementos colindantes en un diseño deben ser consideradas de la misma manera que las relaciones pos/neg. presentan el máximo contraste de color posible en todo el círculo. Cuando dibujamos una línea recta que atraviese por el centro al círculo. amarillos y rojos.3. (Ya de paso. su gama de valor es de unos 60. Parece que los colores cálidos se adelantan más sobre los fríos que al revés. Por otro lado. En jerga artística. se les denomina Colores Complementarios. Alrededor del círculo está el espectro entero de color en su orden natural. se empujan entre sí. naranjas y rojos. Los objetos del fondo orgánico están en verde por arriba y azul por abajo. Miremos más de cerca cómo la cola contrasta con el fondo. El verde y el . que se asocian normalmente con el fuego y el calor. un objeto azul en primer plano con fuego detrás puede parecer menos tridimensional que el diseño cálido-sobre-frío de esta carpa. Los fríos consisten en azules y verdes azulados. púrpura vs amarillo y rojo vs verde.C) tenemos un lagarto muy colorido con un ambiente orgánico a su alrededor. el koi está coloreado en naranja brillante y amarillo. El naranja automáticamente se impone al azul. ya que esto no siempre es verdad. usado durante años por artistas y profesores para ayudar a sus alumnos y a sí mismos a comprender mejor las relaciones de color.Los colores también tienen contraste. del T: Como bien dice. haciéndolo parecer tridimensional. tenemos una gama dinámica de 200. El agua está hecha con azul y pequeñas cantidades de verde azulado.B) tenemos un uso simple y efectivo de complementarios. normalmente asociados al agua y el hielo. más los púrpuras azulados. 2. por ejemplo: en el caso de tener un diseño con poderosos y saturados colores cálidos.

con cada objeto en el encuadre con el mismo grado de detalle. El enfoque funciona mejor cuando tenemos elementos desenfocados para contrastar los enfocados. lo enfocamos en dondequiera que estemos prestando atención. compitiendo con el objeto central. Si hubiéramos usado azul para esta parte del trabajo.D – 2. He estado practicando efectos de enfoque lo máximo posible en mis pinturas. tenemos dos fotos muy similares del mismo tema.1) tenemos una composición relativamente simple con sólo partes de ella enfocadas. El árbol en (Fig. 2. frío abajo. ya sea cuando hablamos de elementos de un diseño o un aspecto de nuestra vida cotidiana. para un efecto similar. usándolo alrededor de los bordes de este objeto en primer plano. así que evitamos usar amarillos brillantes o azules primarios.3.B). alto contraste vs bajo contraste y alto detalle vs no detalle. En las zonas enfocadas. haciéndose borroso.3. pero más suave. El diseño está pensado para tener una relación natural con su esquema de color.E). En la que está todo enfocado tiende hacia el ajetreo. luego pegamos la foto al caballete para poder verla continuamente mientras pintamos. habría hecho que los bordes del pez salieran con el fondo. Usamos un proyector para trazar la imagen en el lienzo con un lápiz de color. todo lo demás queda desenfocado. En su lugar. Conseguimos efectos de enfocado y desenfocado usando bordes afilados vs bordes borrosos. Hay una gran metáfora aquí.azul son cálido y frío comparados entre sí.1. Cuando vemos el mundo con nuestros ojos. en que lo que enfocamos tiende a ser lo más importante. Un buen subproducto de usar colores contrastantes es que no sólo los elementos permanecerán distintos unos de otros y mostrarán una ilusión de profundidad. Conseguimos esto primero fotografiando el objeto y luego duplicando la imagen en el lienzo. En (Fig. usamos los . mezclándolos con azul y marrones más fríos en la parte de abajo de las formas. con una todo enfocado y la otra enfocando sólo a los elementos en primer plano. queremos usar el enfoque para atraer la atención a los elementos más importantes de un diseño. En (Fig. La otra.4. Con esta analogía en mente. dándole a la forma entera un sentido de curvatura y dimensión. un cuarto es 50. 2. restándole algo de claridad. El rosa también se ha usado alrededor del borde del ojo del lagarto. 2. causa que los bordes se vayan para atrás. con los elementos menos importantes desenfocados. es mucho más claramente legible. sino que la pieza en su conjunto es más contundente visualmente. veremos cómo este truco se usa de forma similar para darle profundidad al koi. Esto le da al fondo una gama dinámica de 100. usamos toda la gama de marrones y tonos tierra. es un color más frío que los naranjas y amarillas del centro del koi. Cuando hacemos esto. usando la foto como guía. Una cosa que parece ayudar al efecto más que ninguna otra es usar pinceles de diferente tamaño. enfocamos la lente al objeto importante antes de hacer la foto. todos los demás elementos están enfocados en menor medida. como ir al colegio o dedicarnos a la pintura. Similarmente. cuando usamos una cámara. Si echamos un vistazo atrás a (Fig 2. aunque la composición es idéntica. pero no tienen más contraste de 40 (si la mitad del círculo cromático es 100.3. A pesar de que el rosa es un color más cálido que el agua azul de alrededor del pez. dejando los demás elementos borrosos. y así sucesivamente).D) usa una lógica similar de caliente arriba. o más o menos la mitad que la cola.

En (Fig. podemos confeccionar un espectro entero de diferentes texturas para jugar con ellas. para no fastidiar el efecto.D) y en (Fig. donde verás un ejemplo del uso del enfoque (Fig. sus diferencias deben ser claramente visibles. 2. como era el deseo del cliente.H). También hay muchos ejemplos de efectos atmosféricos en este libro los cuales se mantienen desenfocados con bordes borrosos para ayudar a enfatizar el tema principal de la pieza. 2. De cualquier modo. Luego cambiamos a la 5 redonda para afilar los bordes de los rayos y añadir detalle a los rasgos. la atmósfera detrás de los árboles en (Fig. El viento en la manga de las frutas y los vegetales es un ejemplo de un elemento desenfocado pasando por delante de otros enfocados. evitamos usar ningún pincel pequeño. éste está organizado tan diferente en estos dos temas que sus siluetas son distintivamente diferentes. 2. Cambiamos a pinceles más y más grandes. creando el mayor enfoque ahí y haciendo que los rasgos destaquen del resto del diseño. dando el mayor valor de gama en los ojos. Un objeto liso y pulido se separará de otro desigual y agujereado. están hechas con una 7 mag. 2.3. en vez de volverse más y más pequeñas como el pelo (y crear un revoltijo).pinceles más pequeños. . objetos con diferentes texturas se alejarán unos de otros tanto como si fueran de diferente color.J) muestran el elemento enfocado delante de un fondo borroso.1. Con un poco de imaginación.3. usando flojos movimientos circulares para crear bordes suaves. El patrón venoso del repollo tiene también una silueta diferente.F). las ramitas desenfocadas están hechas para pasar por detrás de las ramas enfocadas. Usamos una 7 mag para la mayoría de estas zonas suaves y la mayoría de los rasgos de la cara. Los bordes de las formas importantes tienen mucha definición y un fuerte valor de contraste.3. creando naturalmente los detalles más nítidos. creando profundidad mientras mantenemos la parte superior del diseño lijera y sencilla. la diferencia de contraste entre texturas siempre es mayor si una de ellas es suave y abierta. cada una necesita tener una silueta básica diferente – cuando entornamos los ojos y las miramos. y la otra rígida y detallada. Existen también otras texturas además de liso y desigual. mientras que las zonas simples de la cara y la mayoría del fondo se les da menos contraste y bordes más suaves. usando movimientos ligeros y circulares para que queden suaves. igualmente. Las texturas suaves son más abiertas y tienen menos detalle. En algunos sitios. Los elementos lisos y rugosos pueden ser equilibrados igualmente. Las ramitas más pequeñas de las ramas.G) tenemos otro ejemplo del uso del enfoque. Luego se usa una 5 redonda para unir las ramitas suaves con las ramas más enfocadas. nariz y boca. Si queremos que las texturas contrasten de verdad entre ellas. Miremos un detalle de la pieza del árbol de la que hablábamos antes y centremonos en las ramas. como en (Fig. una fluida y aleatoria. En las zonas borrosas. como los patrones repetidos en los diseños biomecánicos o los patrones venosos en el repollo rojo de la manga de frutas y vegetales. Ambas estrategias tienen su tiempo y lugar. Mientras nos movemos hacia zonas menos enfocadas. contrastarán con una textura desigual y más detallada en un sentido parecido al que una zona desenfocada contrasta con objetos desenfocados. 2.1. A pesar de que las texturas orgánicas irregulares y las texturas biomecánicas pueden tener cantidades similares de detalle. Las texturas son también buenas herramientas para expresar contraste. la otra más rígida y repetitiva. un objeto desigual y áspero se pondrá delante de un fondo suave y pulido.

estas características contrastan con las suaves gradaciones y los fluídos arcos de los pétalos. con cálidos en la parte de arriba y fríos debajo para darles forma y volumen. en este caso hay muchos agujeros en la calavera en primer plano. irregularidad. 2. Las hojas del fondo están hechas de arcos largos y simples que encajan bien en el hombro. 2. mientras que el movimiento direccional de los rayos atraen más atención hacia ella. para que no compitan con la suavidad del brillo blanco. la textura más densa en detalle estaría enfrentada contra la textura más suave. Los pétalos del loto son suaves y pulidos. dándole continuidad a este fondo. Intenté darle a esos elementos diferentes 50-50 de prioridad.I) Esto representa otra gama dinámica de 100 para añadir a la gama de valor. pero las formas con textura fría verdiazulada son mucho más frías que los fríos lavanda en la parte de debajo de las cosas suaves. En (Fig. hecha toda de líneas rectas y ángulos rectos.M) hay una pieza con dos texturas contrastantes distintas. Un brillo alrededor de la gema la trae hacia delante. Ambas texturas usan la lógica de cálido sobre frío.K) es otro ejemplo de suavidad vs. Si quisiéramos hacer un círculo de texturas parecido a nuestro círculo cromático. (Fig. la suave simplicidad de las facetas de cristal crea la interesante impresión de algo muy grande dentro de algo muy pequeño. La concha en primer plano es suave y pulida.3. con toda una gama de densidad entre ellas (Fig.3. color y enfoque.La gama de contraste entre diferentes texturas tiene mucho que ver en cómo de grande es la diferencia que hay en el grado de detalle de una textura contra la otra. La piedra preciosa del centro es nítida y facetada. distinguiendo lo uno de lo otro. dándoles protagonismo por igual. A lo suave se le han dado limpios y afilados contornos negros y largos y claros brillos que se imponen resolutivamente a la caótica textura de lo verde. el dibujo dentro de ellos es pequeño y aleatorio. Usamos verde en el patrón desigual y naranja en la calavera para separarlos entre sí. suave y áspero. los objetos lisos y pulidos suelen mostrar un brillo como ese. complementando la simplicidad del contorno de las hojas y contrastando las texturas de los pétalos y la gema. . Entre sus contornos negros y sus brillos blancos.3.3. pero mantenemos los bordes de las manchas suaves y desenfocados. mientras que el fondo impreciso se mantuvo sumiso sobre unos 60. En (Fig. Los nudillos están hechos de manera que las partes que naturalmente reflejan la luz también están iluminadas en el diseño. 2. 2. Ponemos un patrón punteado en la concha para hacerla más interesante. La hacemos parecer pulida dándole un limpio y afilado contorno negro curvado y un brillo blanco largo y suave por el centro. más otros 80 por la diferencia entre texturas. 2. En (Fig. revelando zonas de patrones desiguales a través de ellos. diciéndole al ojo exactamente qué distancia simulada hay. Al patrón desigual se le dio una fluidez radiante que continúa de un agujero a otro. Los pequeños detalles del fondo vs.L) tenemos muchas texturas diferentes. la concha tiene un valor dinámico de gama de 100. En la vida real. así que contrasta con la textura desigual del fondo.3. Sombras arrojadas son provocadas por los puntales suaves al pasar por encima del fondo irregular. total una dinamicidad de 200. Brillos blancos más pequeños y nítidos se ponen en la cresta desigual en espiral alrededor de la corona de la concha para hacerla parecer más brillante.J) tenemos un tatuaje simple con un solitario objeto en primer plano y una textura en el fondo.

1. Los bordes del agua están un poco menos enfocados que los bordes de los contornos negros y las llamas. 2. que esencialmente tiene el mismo esquema de color. usando la gama entera de 100 – ya nos hemos puesto en 160. Tenemos una enorme variedad de herramientas gráficas a nuestra disposición. texturas carnosas y texuras peludas. tenemos una potente juxtaposición de fluidez-antifluidez aquí. una manera de ilustrar como estas cosas pueden sumar. su propia silueta distintiva. no voy a través de mis tatuajes puntuando su rango dinámico punto a punto. Como hablábamos antes. Aquí solo he tocado la superficie del mundo de las texturas. Las texturas de la cara son contrastadas por la suave y pulida corona. como si los elementos a través de los años se hubieran deslustrado por igual. hay un fuerte contraste en el tema . Sin embargo. Honestamente. Las olas rompen hacia dentro siguiendo fuertes movimientos fluídos. y sus complementarios opuestos. Cada una tiene sus propios atributos. sobre pos. perdemos una pequeña cantidad en el apartado del tema. y grandes zonas de luz. la fluidez y la antifluidez pueden ser usadas como elementos contrastantes en un diseño. de los ojos quedan enfocados. texturas escamosas y de aleta. contrastando la simple abertura de la muñeca y la mano dando otros 35 puntos. añadiendo otros 75 puntos y llevándonos a los 350. Por otro lado. Para empezar.subiendo la cifra a unos 300. Volvamos a la manga del agua con la mano en (Fig. dándonos potencialmente otra gama dinámica de 100 por encima de las demás. vemos muchos elementos contrastantes. Sus esquemas de color son complementarios fuertemente contrastados. Los pequeños puntos. donde los granos de la textura están todos en sombra sin colores más luminosos de 50. descritas en una limpia relación neg. somos capaces de escapar del caos a través del uso de grandes áreas de oscuro. El limpio movimiento del borde de la corona ayuda a hacerla distinta de la textura de piedra de la cara. Los ojos.3. este sistema de puntuación es en realidad una herramienta para discutir y comprender el uso del rango dinámico. Conforme el portador gira su brazo. El tema también puede ser usado como elemento contrastante. por otro lado. Si nos fijamos en la parte interna del brazo. tienen una textura completamente diferente en un esquema de color completamente diferente. donde los granos están todos en colores claros.N) borbota de textura de arriba abajo. por decir algo. 2. Todas ellas pueden aportar estímulo visual a un tatuaje. también tenemos texturas de hoja y texturas venosas. pero no mucho – el agua y la arquitectura contrastan un poco en tema. mientras que el gran brillo blanco les hace parecer suaves y húmedos. dándonos otros 10 puntos o así. incluyendo incontables ejemplos que no he mencionado aquí.B). 2. una detallada textura espumosa envuelve por debajo a la muñeca. texturas de llamas y texturas acuosas. El resultado es que la pieza tiene una silueta general legible.¿Qué puede ser más opuesto que fuego y agua?. un potente rango dinámico.1. ya que un simple vistazo a la arquitectura en forma de verja entre las olas rompiendo atrae la vista y demanda mayor atención. mostrada en (Fig. separándolos 60 puntos. Finalmente.(Fig. así que bajémoslo a 275. sin sombras más oscuras de 50. uno de los grandes .K). el agua se mantiene a menos de 40 en la escala de valor mientras la mano usa la gama completa de 100. dándonos un potencial dinámico total de 600 si elegimos hacer uso de todos estos elementos.

Haciendo esto. los elementos más importantes hacen mayor uso del rango dinámico. dándole el máximo contraste de color además de tener el máximo contraste de valor. primero debemos preguntarnos a nosotros mismos qué elementos del diseño son los más importantes en la composición. Todas las técnicas que hemos hablado en la sección de rango dinámico son formas efectivas de asignar prioridad. con brillos blancos interactuando con las pupilas negras. no compitiendo. dejan de ser una manera efectiva de asignar prioridad y podemos conseguir un aspecto confuso. con llamativos detalles de blanco y negro uno al lado del otro. Habrá una discusión más detallada sobre delineamiento e interpretación de detalles sin líneas en el capítulo 2.6. El color también trae al gato por delante del fondo. atascando el diseño y amenazando con juntarse por la edad. Para conseguirlo. y los detalles del fondo no tienen contorno. un montón de pequeños detalles con líneas negras puede ser un poco denso y desastroso. quizás la más vieja y comúnmente usada es el contorno.A) usa muchos de estos trucos. Las líneas llamativas tienen que ser usadas cuidadosamente. Los rasgos de la cara tienen el mayor rango de contraste. muchos elementos compitiendo pueden significar el desastre para una composición. Recortar el número de elementos a veces puede ayudar. 2. luego el orden de importancia de los demás elementos. pero esto no es siempre apropiado para contar la historia gráfica bien. medias y delgadas. (Fig. si demasiados elementos tienen líneas gruesas. un tatuaje debería empezar a leerse claramente antes de que se aplique ningún color o sombreado. 2. Los ojos son muy contrastados. Con sólo el equilibrio justo de líneas gordas. mientras los otros elementos pedirán menos atención y retrocederán.4) Prioridad Cuando estamos creando un diseño para un tatuaje complejo. los elementos de más prioridad se harán para sobresalir los que más. ya queramos uno poderoso o discreto. Los brillos blancos de la cara y el cuerpo tienen bordes suaves y contrastan menos con los colores colindandtes. Hay muchas maneras de expresar la prioridad. asignamos una prioridad a cada elemento. Igualmente. una fuerte complementación cálido sobre frío.placeres de diseñar tatuajes está en encontrar maneras de combinar estas herramientas para diferentes efectos. mientras que el fondo es más sumiso. El Rango Dinámico es una manera de medir en nuestras mentes el tipo de efecto que estamos consiguiendo. No importa cómo de grande sea el área de piel. a veces simplemente no podemos evitar algo de complejidad. tenemos el reto añadido de prevenir que el tatuaje se vuelva caótico y difícil de leer.4. El verde frío de los ojos contrasta con el naranja de alrededor en 100 puntos. donde el objeto con la línea más llamativa saldrá el que más. Los elementos menos importantes tiene una línea más delgada. que nos ayudará a tomar decisiones sobre como conciliar cada parte. demandando menos atención que los ojos. El resto del cuerpo tiene menos valor de contraste. . El truco es tener todos nuestros elementos trabajando en armonía. como una escena. La delgadez de la línea es una manera simple y efectiva de asignar prioridad. y el fondo incluso menos.

también usamos rayos para este propósito en (Fig. el fuego. mientras tiene menos rango de color que la cara. A causa de su cualidad reflectante. Los elementos direccionales de un diseño.4. y docenas de personajilloscon armadura y armas. No se han usado líneas ni negro en el fondo o en las rayas. Los rayos convergen enima del arco. zigzagueando con una 3 o una 5 de agujas redondas adelante y atrás en un ritmo garabateado mientras nos movemos por la plantilla (Fig. La consideración de la prioridad en esta pieza es súper importante. Otros elementos también dirigen la atención. Los rayos son simples y abiertos. el entorno de cueva. Las líneas alrededor del medallón. usando grandes zonas fluídas de blanco al lado de zonas muy contrastantes de colores oscuros y sombras negras que podemos leer claramente. más un pelo negro largo y revuelto.L) y (Fig.3. el arco y su contenido. la historia que cuenta este tatuaje pide una maraña de personajes. dando a estas características prioridad. los bigotes y las rayas en primer plano llevan la atención al centro de la cara. cuerpo y mejilla hace que estas zonas se curven por detrás del naranja cálido de las partes de arriba de estas zonas. la mayoría piel sin tatuar. En (Fig .2. ojos y boca son casi igual de gruesas. los rayos y el contorno de la figura son claramente legibles desde lejos. atraen mucha atención hacia el arco. Ya que los rayos son un elemento direccional tan dominante en el diseño.4. Un puñado de rayos de luz entre la figura y el fondo la empujan aún más al primer plano. la puerta. La figura es obviamente el elemento más importante del diseño. Tenemos una escena en marcha con muchos elementos: la figura principal. como un abrigo de piel. incluso con los ojos entornados. pero aún usamos amarillos y naranjas brillantes.B). El contorno alrededor de la periferia del gato es el más grueso. Se le ha dado el contorno más gordo de todo el tatuaje. 2. que se lee de una manera gráfica similar a la anchura del contorno.2D). equilibra la cara y añade carácter al gato. Otra forma radiante.C). para contrastar la piedra colindante y hacer que parezca que el arco brilla. 2. Esto es porque es hacia donde va la figura. dándole segunda prioridad. Ya que la piel sin tatuar refleja la luz de forma diferente que la piel tatuada. También le hemos dado el rango de valor entero. así que se van hacia atrás.Un borde rosa en la parte de debajo de patas. Este contorno está hecho peludo. también dirigen la atención del espectador. también una franja de piel sin tatuar traza la mayoría de el área colindante de la figura. Esta fuerte. clara y contrastante legibilidad es una gran manera de darle prioridad al elemento. El fondo alrededor del gato tiene rayos azules y verdes señalándolo. así que la hacemos lo más grande que podemos sin apiñar los detalles encima o debajo o perder la figura cuando se enrolla por el brazo. dando prioridad a cualquier forma que estos elementos señalen. que fácilmente podría volverse caótica. el medallón en forma de estrella. dando al diseño una dirección distinta a pesar de todo su detalle. esta franja de piel alrededor de la figura le añade legibilidad. ya que desordenaría el diseño y lo haría parecer oscuro. 2. haciéndolo claro y legible contra todo el movimiento activado en el fondo. los grilletes. es importante cuando definimos la silueta de un diseño. . Mantenemos los detalles del arco por debajo de un 60% de contraste. como los rayos de luz.

Las pequeñas figuras son una parte importante de la historia pero un gran riesgo de confusión. Casi cualquier diseño con más de un elemento necesita que se considere la prioridad de éstos. mientras que el resto del diseño tiene menos rango. dependiendo de la importancia del objeto. dirigimos esto haciendo que trepen en muchos movimientos simples a través del brazo. Los grandes brillos blancos quedan genial en un tatuaje de una carpa. bonitas olas rompiendo para una buena composición con las partes del cuerpo. 2. Lo mismo va por el color. reduciendo su prioridad.A) es un simple ejemplo del uso de reservas. subiendo su rango de color a 100. dándoles atención. usamos nuestras herramientas en cada diseño en mayor o menor medida. usando unos sólo para el fondo. Los brillos blancos ayudan lo que más a un diseño cuando los usamos selectivamente. y dejando otros en reserva para sólo el primer plano. controlando el caos. Estos naranjas y amarillos están puestos en frente de una zona de azul primario.Por el dorso de la mano hay un par de grilletes. Sin embargo. nada es más cálido que un verde lima. y también ponen luces blancas en el agua. es un paso simple que puede significar la diferencia entre crear un diseño fuerte. tendrá la mayor prioridad. También reservamos nuestro brillo blanco más grande y pulido para la parte más prominente del garfio. Considerando las olas individualmente. ya que ayuda a establecer la profundidad de las olas usando el rango entero de valor. pero el mayor rayo de luz los ilumina. las convertimos en unas cuantas formas direccionales. con todos los elementos donde deben estar: buena fluidez de la carpa. si se usan en los lugares correctos harán que el pez brille y parezca tridimensional. en lugar de por todos lados. quizás un par de flores de cerezo en un color diferente del de la carpa. 2. la textura u otra herramienta del diseño. todos serán más distintivos. las llamas no tienen contorno. muchos artistas no se paran ahí.5. Desafortunadamente. Lo que ahora hará que este diseño funcione o no es el uso del blanco. (Fig. Superponiéndolas con estos movimientos simples y coloreándolas igual. El hecho de que la figura se ha librado de ellos es claro en el lenguaje corporal de la figura. le damos a este elemento en la historia una clara tercera prioridad. incluso aunque sean gráficamente simples. docenas de artistas han hecho y publicado algo así mientras lees esto. amarillo brillante y naranja son usados sólo en el garfio superior. Si cada elemento tiene algo que los demás no tienen. si reservamos los colores más brillantes y las texturas más llamativas para el objeto más importante. para no competir con otras cosas. Todos hemos visto este tatuaje hipotético. esto acaba cancelando el blanco de la carpa.5) Reservas Cuando definimos prioridades. Estoy hablando del básico diseño carpa-y-agua. También podemos guardarnos algunos trucos. Consideremos un tatuaje hipotético tanto con uso como sin uso de reserva. puede tener sentido hacer esto. Las . Se usa amarillo brillante y llamas naranjas entre estos movimientos para contrastarlos y darles más claridad en conjunto. o un tatuaje que parezca bien hecho de cerca y una quemadura de tercer grado de lejos. Entre el uso del rayo y su posición en la mano. buen contraste de color de los cálidos del pez con los fríos del agua.

C) tiene algunos elementos mayores del diseño que necesitan interacturar constructivamente.B) es una composición similar. dejamos una franja de amarillo brillante alrededor de la lava donde sea posible. no usamos contorno en los glóbulos de lava. 2. La curva de esta forma sigue la curva natural del brazo y se refuerza dándole un fuerte y claro contorno negro y poniendo un pesado sombreado negro y colores oscuros detrás de ella.5. En su lugar. dándole una fuerte relación neg. entorna los ojos y verás la diferencia entre las siluetas de estas dos texturas. todos los rojos. causando que los bordes se curven hacia dentro. sobre pos. mientras que las zonas que apuntan hacia fuera están en azules y púrpuras. mejor que hacer uno más importante que otro. Ya que los dos elementos son esencialmente de igual prioridad. incluyendo contornos gruesos. . A pesar de que hay algunos pequeños destellos blancos encima de lo orgánico para destacar la textura. Usamos la relación cálido/frío para crear profundidad en todo el diseño. todo el blanco verdader está en el cristal. 2. ninguno en el cristal. siempre en áreas claras y nítidas. También le hemos dado los brillos blancos más grandes y limpios que se imponen a los brillos más pequeños y suaves del resto del tatuaje. Todos los verdes y azules se usan en el entorno orgánico. Para empezar. (Fig. que competiría con la lámpara misma. Igualmente. ya que disminuiría su fuerza de pos. Las zonas carnosas a la derecha de la lámpara de lava tienen magentas y rosas. la estructura de cristal no tiene negro ni contornos. para lo orgánico. Los bordes de la lámpara de lava están coloreados en rosa. es importante mantener los elementos separados y legibles. El cliente pidió una lámpara de lava.5. Para esta forma hemos reservado amarillo primario y naranja brillante. reservamos todo negro. Evitamos poner naranja en el fondo de la lava. Las costillas a la derecha del diseño también están iluminadas por la lámpara de lava. que hacemos fluida y orgánica en vez de recta y rígida. (Fig. Con todos estos movimientos. naranjas y rosas se encuentran sólo en el cristal. mientras las demás son más finas. La lava se aleja de las zonas naranjas y amarillas de detrás por el azul brillante de la parte de debajo de cada glóbulo. pero poco o nada de rojo primario. se le ha dado a la lava una fuerte prioridad reservando el rojo primario para ella. que es un color más fuerte que el magenta.sombras ayudan a que salga más. Para hacerlo parecer que está detrás de un cristal. Tenemos dos elementos básicos diferentes. la línea más gorda está reservada para alrededor del garfio naranja. la meta es separarlos haciéndolos lo más diferentes posible. un elemento orgánico y un elemento cristalino. Finalmente. estos brillos. usando la lógica cálido/frío. sólo la lámpara de lava tiene fuertes concentraciones. que es más frío que el amarillo y el naranja. que se enrollan entre ellos. Por último pero no menos importante. como normalmente son las lámparas de lava. las facetas angulosas y brillantes del cristal contrastan la irregularidad de lo orgánico. que contrasta con los brillantes colores cálidos y le da a cada glóbulo más dimensión. La cosa carnosa está iluminada por la lámpara de lava. sobre neg. se oponen a la manera azarosa y sencilla de usar el blanco en el verde. así que todos los detalles carnosos que apuntan hacia la lámpara están en brillantes cálidos. pero mucho más compleja. a pesar de que encontrarás atisbos de estos colores en cualquier lugar del diseño.

pero parece que las más importantes son: contornos negros y sombreados negros. dando a cada herramienta la oportunidad de que se note en el esquema general de la composición. La imagen con el contorno inmediatamente tiene más impacto y entereza. En la parte de abajo. Un contorno difiere de esto porque tiene un grosor. sin embargo. las diferentes calidades de línea son importantes para evitar que la complejidad se convierta en caos. usando negro. haciéndolo destacar. Cuando usamos un contorno. un diseño debe ser muy simple y económico para evitar estas situaciones. los colores. podemos despreocuparnos más de los bordes y no por ello perder toda la legibilidad. haciendo la relación pos. A menudo los tatuajes hechos así son desordenados y recargados. una con contorno y la otra sin. donde el pelaje está en sombra. así que usualmente usamos contornos para reforzar nuestros diseños. En ambos casos evitamos relaciones pos/pos. En el tipo más básico de tatuaje. todos los contornos son creados igual. sobre pos. a la vez que no lo suficientemente fuertes. Con diseños más complejos. En la parte superior de la cabeza donde tenemos una relación neg. 2. tiene dos bordes con una gruesa zona de negro entre ellos. los brillos blancos. especialmente los más claros. . y neg/neg. la forma acaba en su borde. vemos que en la vida real no hay contornos. La fluidez de las costillas está cuidadosamente pensada para que no sean caóticas. mientras que la otra es más sugerente y realista. como una gruesa forma negra tribal. particularmente los primarios más brillantes. óptima. el borde de una forma no tiene grosor. y empieza el fondo. que no es tan brillante como el naranja de la lámpara pero es único en el diseño. ponemos los tonos oscuros del fondo justo contra el borde de la cara. Un contorno es una herramienta gráfica que fue creada para hacer que la forma que describe destaque más de como lo haría en la vida real. 2. sobre neg. que tienen el valor más profundo disponible. en la imagen sin línea. teniendo cuidado de mantener el borde claro y legible. la piel sin tatuar. La fuerza y beneficios de cada una de estas herramientas son más efectivas cuando las reservamos cuidadosamente. Con un solo tipo de calidad de línea.6.. Normalmente mantenemos nuestras líneas limpias y suaves. que equilibra las zonas trabajadas. Hay muchas herramientas gráficas para guardarlas potencialmente en la reserva. las crestas y los detalles de cada costilla se repiten en las otras. se debe poner más atención para mantener estas relaciones pos/neg. nítidos y grandes. lo sombreamos con tonos más oscuros y lo construimos alejado del borde.6) Líneas y Sombras Cuando miramos una fotografía del mundo que nos rodea. Las líneas se hacen con una sola pasada con el mismo grupo de agujas. la textura o los detalles pequeños.Para las costillas hemos usado marrón. uniéndolas en un campo continuo de movimiento simple y legible. así que es como tener un grueso diseño tribal reforzando nuestra composición. En la vida real. (Fig. este tipo de exageración es a menudo necesaria en pro de la claridad y legibilidad. En el diseño de tatuajes. con el fondo. lo más legibles posible.A) muestra dos versiones diferentes de la misma imagen. que usamos en el objeto de mayor prioridad pero menos en el resto.

se les da un grueso contorno negro. mientras que las escamas y los globos oculares están hechos con una línea de gris diluido. el agua no tiene línea.6. ya que la mayoría de las agujas pasan por el centro en vez de los bordes. todo esto se ha reservado para el droide. dándole máxima prioridad. Para hacer esto. 2. Esto es un ejemplo de usar el enfoque para asignar prioridad. separando el primer plano del fondo. limitándonos el explorar la gama entera de grosores. Fuera de la carpa. Los numerosos detalles de las piernas y el cuerpo tienen un peso de línea acorde a su importancia.D) vemos ejemplos de líneas hechas de las dos maneras. es como usar pintura en spray.B) verás como le damos a la carpa una gordo. Si volvemos a (Fig. y construir nuestra línea. incluso sin negro. primero acabamos las líneas negras y grises del pez y luego nos saltamos el delineamiento del agua. la calidad de la línea es esencial para el éxito del diseño. el pigmento se concentrará en el centro de la línea. El mejor remedio para esto es usar un grupo más pequeño de agujas. la línea construida es mucho más limpia y más consistente. Puede que lo primero que se nos ocurra sea usar un grupo de agujas más grueso como 14 redondas para las líneas gordas.B). Evitamos usar líneas contundentes en ninguno de los detalles dentro de la carpa. Esto se llama contorno periférico. Una de las pegas de esto es que necesitamos un grupo diferente de agujas para cada peso de línea. la calidad de la línea es la clave para crear estos efectos de enfoque. que competirían con el contorno periférico y cancelarían su efectividad. esta diferencia se veía mucho antes de que pasaran todos esos años. algunas mejores que otras. usando los tipos de métodos de construcción de líneas descritos aquí. como las branquias y las espinas dentro de las aletas. Hay muchas maneras de tatuar líneas de diferente peso. yendo directamente a esta parte de la plantilla con una 7 magnum. Los detalles más pequeños.En la mayoría de los diseños complejos de este libro. con muchos de los detalles más pequeños contorneados en gris. El otro lo hce hace casi once años. la consistencia de su grosor y la oscuridad del negro. Cuando una línea se hace con una sola pasada de un gran grupo de agujas. Más aun. lo que hace que el pez parezca más enfocado en comparación. y grupos de agujas más pequeños para líneas más delgadas. cambiamos a una 5 redonda y afilamos los bordes en sitios clave mientras los dejamos más suaves en otros.C – 2. usando la técnica de líne de una sola pasada. dándole claridad. El otro problema de esto es que las líneas hechas así no son líneas de mucha calidad. La calidad de una línea está determinada por la limpieza de sus bordes. La línea periférica es gruesa y limpia. 2. una línea de cualquier peso hecha de una sola pasada tenderá a tener rotos y explosiones durante el proceso de curamiento. limpio y simple contorno negro alrededor de su borde. En (Fig. El fondo está hecho sin líneas.6.6. El de la izquierda es un tatuaje en mi propia pierna hecho hace unos 8 años por un tatuador experimentado. incluyendo las aletas y los bigotes. De hecho. Después de poner los azules ásperos.3. 2. usamos un número de diferentes pesos de línea en conjunción con detalles que no tienen líneas. . ya que define la periferia de la forma. En (Fig. La diferencia de calidad entre líneas es pronunciada. y éstos quedan más blandos.

hacemos una segunda pasada. como en (Fig. Es comúnmente asumido que los mejores grupos de agujas son los más apretados. Notarás esto con un grupo de agujas demasiado apretado. rompiéndola a su paso. Si necesitamos un cinco apretado. mientras la línea de una sola pasada siempre va a ser imperfecta.6. En (Fig.6.M).E). cambiamos a un tres suelto. Hay unas cuantas razones para esto. necesitas frozar más y acercarte más. tomaba más tiempo hacerlas. y no parecían tan oscuras como debieran. Esto no es necesariamente verdad.F). poniéndonos más cerca del arco limpio que queremos. la piel necesita menos insistencia y podemos trabajar más tiempo la línea sin causar trauma. 2. Si queremos construir una línea y un cinco suelto es demasiado grande.6.L) noté inmediatamente cuánto más difícil era esculpir líneas con estos grupos. y una línea donde ha acabado la primera pasada con la cinco redonda. así que invierte la mayoría de su esfuerzo rebotando en la superficie. Finalmente. Primero.6. Después de volver a una cinco mucho más suelta. la máquina es menos capaz de abrirse camino a la piel. esto es un signo inequívoco de que necesitas más espacio entre tus agujas. 2. Finalmente. ya que los agujeros que estamos llenando están más alejados. 2.J).I) vemos la segunda pasada. cuya idea de una “cinco suelta” ¡era mucho más apretada que mi definición de una 5 apretada! (Fig. 2. Con un punto tan grande y mellado. una cinco suelta cubre más superficie en menos tiempo. 2. Parte de la causa de que la piel se traumatice con una cinco apretada es que el grupo está tan apretado que deja de ser un grupo de cinco agujas y se convierte en sólo una mala. Después de mucha experimentación.H) tenemos una plantilla de un arco limpio. este margen de error es relativamente normal y normalmente aceptado.6. a pesar de que lleva más tiempo hacer líneas realmente gordas y puede causar líneas levantadas y ligeramente cicatrizadas por su pequeño tamaño si corremos demasiado para hacerlas. hacemos una tercera pasada rápida.6. donde aprovechamos la oportunidad de construir la línea hacia fuera en algunos sitios y hacia dentro en otros. poco a poco he adquirido el hábito de usar 5 redondas sueltas para construir mis líneas. podemos ajustar y perfeccionar esa línea con segundas y terceras pasadas. repartiendo más tinta en los agujeros que estamos rellenando y haciendo la línea más oscura.6. trabajando a pequeñños toques rectos sobre la piel. 2. donde quiera que los círculos no lo hayan hecho (Fig. Aún peor. Parte de la belleza de este método es que. .La manera más simple de hacer esto es primero hacer una pasada por la plantilla con el grupo de agujas de tu elección. una buena separación entre agujas significa mejor acción capilar.6. patinamos por el borde en cortos toques rectos. afilando los bordes y refinando el arco hasta que estemos satisfechos. normalmente una cinco redonda (Fig. Incluso con montones de experiencia. las cosas volvieron a la normalidad y construir líneas dejó de ser una lucha. en (Fig. 2. 2. esta vez con pequeños movimientos superpuestos para engrosar la línea y establecer sus bordes (Fig. empecé a usar agujas hechas por otra persona. Después de años de trabajar de esta manera. 2. Entonces. En (Fig. Finalmente.6. Segundo. los clientes empezaron a volver con un trabajo de línea muy mal curado. una vez que la plantilla entera está hecha en la piel.K). Este grupo puede ser usado para hacer líneas de cualquier grosor. patinando a lo largo del borde para suavizarlo y hacerlo cortante por ambos bordes. lo mejor es apretarlo con moderación (Fig.G).

con la máquina en descanso debería estar apenas en contacto con la punta. un cinco redondo es una buena herramienta para todo. empieza con el botón de la potencia muy bajo. siéntete libre de hacerlo cuando quieras. pero . vuelve y usa los movimientos de mano que decíamos antes para construir las líneas. Luego.6. El único método de construcción de líneas que no recomendaría es el de usar un grupo pequeño para contornear ambos bordes y luego cambiar a un grupo mas grande para llenar el hueco (Fig. probablemente te darás cuenta que trabajas mejor con una amplia variedad de movimientos que apegándote a una fórmula. Haz una primera pasada con el lápiz negro.N). Hay unos cuantos problemas en esto. y el negro puede correrse en los colores claros. He incorporado este movimiento en mis hábitos de trabajo. Primero. Para líneas gigantes de cuarto de pulgada.dos puntas no son necesarios). y la máquina funciona incluso más suave. es difícil hacer estas líneas realmente paralelas. especialmente mientras trabajas zonas de piel más resistentes. Si necesitas añadir un poco de potencia mientras tatúas. dejándote trabajar la línea muchas veces sin hacer un agujero. usarás habitualmente la cantidad de potencia correcta. ¿Manía? Puede ser. Una buena de practicar la técnica de construcción de líneas es usar un lápiz de color negro en una ilustración (si vas a colorear estos dibujos. Esto hará que ruede suavemente. Otro problema es que tenemos las trabas normales de cuando rellenamos un espacio pequeño con un grupo de agujas grande – es difícil pegar el negro a la línea sin pasar por encima de él accidentalmente. querrás trabajar con la menor potencia posible. el truco está en que consigas que tu equipo trabaje como un lápiz de color. Para líneas más grandes. Con un poco de experiencia. con un espacio de al menos el grosor de un centavo entre las puntas (o entre la punta y el resorte. y súbelo lentamente hasta que esté bien. prueba otros movimientos de la mano y encuentra cuál es el más natural. Mientras haces esto.Normalmente uso un tres para construir líneas en pequeños detalles. Cuando traduzcas estos movimientos de mano a tu tatuaje. Luego. no hay razón para no hacerlas con la magnum y luego afilar los bordes con un tres o un cinco si es necesario. Segundo. así que incluso con una mano firme acabaremos con un peso de línea inconsistente. especialmente en zonas de piel más suaves como el interior del brazo. quieres un golpeo largo en tu máquina. tengo que darle un pequeño golpe de muñeca para que empiece. Cuando empiezas un tatuaje o cambias de máquinas en cualquier punto. La libertad es la clave. Primero de todo. Las líneas gruesas hechas así normalmente no son muy buenas. pero parece que funciona. los contornos para los bordes tendrán las imperfecciones normales que las líneas hechas de una pasada tienen. La máquina que uso para llevar una tres tiene incluso menos presión en el resorte que ésta. 2. Luego. como los mecanismos hidráulicos en las piernas del droide. pon primero el color y haz el contorno lo último. así que no es un inconveniente. como ya hemos dicho antes.como el problema de teñimiento del tatuaje. ya que es fácil fastidiar una línea cuidadosamente construida cuando coloreamos. Pero estate siempre atento para bajar un poco la potencia. como harías en un tatuaje. pero al revés). perdemos la oportunidad de refinar nuestros arcos. dale al resorte apenas la tensión mínima que puedas.

parecía que la aguja perforaría automáticamente justo a la profundidad exacta antes de retraerse. deberías ser capaz de trabajar con grupos de agujas más pequeños libre e intuitivamente. a pesar del largo martilleo. y también puede serlo con una máquina de tatuar. La mayor ventaja de las agujas largas muy expuestas es la visibilidad. Pon la punta en la lima y empújala hacia ti en golpes lentos y mesurados (Fig .P).6. Debes tener todas las agujas sobresaliendo del tubo.2. que está biselada en un ángulo de 45 grados. Después de observar a otros artistas en convenciones. esperando a ser conducidas dentro de la piel de alguien. Si tienes problemas encontrando limas de aguja. Esta es una manera tosca e inacertada de delinear. Enjuaga debajo del grifo abriéndolo y cerrándolo rápidamente para asegurarte que no hay esquirlas de acero escondidas dentro del tubo. y se puede controlar más con la potencia baja. prueba en Sears.6.6. redondea la punta con un par de ligeras pasadas sobre la lima. hasta ahora. Despúes de cada tres o cuatro golpes. para que no esté peligrosamente afilada (Fig. Esto mejora drásticamente la visibilidad sin afectar el flujo de tinta. Coge una lima dentada pequeña. Tener un montón de agujas sobresaliendo es una manera de mejorar la visibilidad.Q). La mayoría de los tubos comerciales no viene pre-biselados.R). es mejor tener menos que más. podemos controlarlas mejor. de unas ocho pulgadas de largo y ¾ de ancho. especialmente cuando construimos curvas u otras operaciones precisas. Originalmente se me enseñó que tuviera sólo tantas agujas saliendo como las que quisiera que perforaran la piel.6.S). deberás hacerlo tú mismo. y usar la punta del tubo como “guía”. que uso tantas agujas que ni siquiera se retraen por todo el tubo. Me di cuenta que mientras mantuviera el voltaje bajo y fuera consciente de el estiramiento. Cuando estés contento con el bisel. Primero estaba asustado de enterrar la aguja y dañar a alguien. . Luego. 2. otra importante manera es tener un buen bisel en el tubo. de la misma manera que usarías un lápiz. Finalmente. Esto es resultado de golpes largos y con baja tensión golpeando piel que está lo suficientemente estirada.O) tenemos una visión lateral de la punta de un tubo para una 5 redonda. el bajo voltaje y la aguja larga y visible. comprueba el bisel y asegúrate de que no vas más alla de lo necesario. Construir líneas y bordes limpios es pan comido con un lápiz.mientras tanto. y una pequeña lima redonda de aguja. agarra la lima grande en un banco de trabajo y coge el tubo como se muestra en (Fig. pero rápidamente salí de ese miedo. (Queremos que nuestras agujas estén lo más cerca posible para que se retraigan completamente. introduce la lima de aguja y gírala adelante y atrás unas cuantas veces para limpiar cualquier rebaba del tubo (Fig. empecé a usar más y más agujas. que normalmente son un cuarto de pulgada de anchas en el mango y disminuyen hasta acabar en punta. ya que se cargan mejor de pigmento de esta manera). asegúrate de que encuentras una con una punta lo suficientemente pequeña para que quepa en tus tubos redondos. 2. Entre la tensión del resorte y el golpeo. En (Fig. 2. 2.6. Cuando podemos ver las puntas de nuestras agujas.

una línea gris. Ya que el pozo es el elemento más importante. podemos superponerlos. Por no mencionar las mariposas. 2. Le damos el rango de valor completo. es una estrategia similar a (Fig. He notado que cuando la gente está ojeando mi portafolio en las convenciones.1. Las líneas sangrantes son geniales para cosas como el humo o el viento. Pero si mantenemos la pista de cuáles hemos hecho trabajando sistemáticamente de una punta del tatuaje a la otra. dos cojines cercanos el uno del otro con motivos persas. Para contar la historia. Normalmente evito tantos elementos en un tatuaje. piedra y madera. necesitamos el pozo. y sentí que podía hacerse si los equilibrábamos cuidadosamente. lo hacemos tan alto como es posible sin meternos en la axila.7) Profundidad Una fuerte ilusión de profundidad puede tener un poderoso impacto. pero me gusta el tipo de atmósfera que invocan estos elementos. un elemento de buen humor pero potencialmente atiborrante. . Las partes de madera del pozo tienen un limpio contorno negro y una zona oscura claramente grande y legible encima que se superpone al cielo. el portavelas. sobre pos. 2. incluyendo la luna llena y la grulla volando. completado con la manivela y el cubo. la relación entre primer plano/plano intermedio/fondo puede ayudar a prevenir que el diseño sea un caos. dejamos que el fondo baje a un valor más claro. luego el atardecer. se volverán claramente visibles. puede que al principio no veamos nada. Con muchos elementos interactuando. Donde las zonas sombreadas del pozo amenazan con crear una relación pos. Usamos los brillos blancos para crear dos texturas.J). nos preguntamos a nosotros mismos qué sería lo apropiado: una línea sangrante. Nada más ponerlas. sus reacciones más fuertes son hacia las piezas que transmiten mayor profundidad. con los elementos de mayor importancia en el primer plano. o meterte en la plantilla con la magnum para sombrear o colorear la zona sin usar ninguna línea. o cualquier elemento que vaya a tener un borde suave. Las líneas hechas de esta manera perpetuarán la plantilla en la piel durante una sesión. La mayoría de los demás elementos tienen menos contraste. Si está hecha lo suficientemente convincente. usando grandes áreas de negro y muchos brillos blancos. haciendo que el negro del pozo salte hacia delante.Afinar nuestras máquinas para que trabajen como lápices es especialmente útil cuando trabajas elementos de un diseño que no tienen ninguna línea. la jarra y las tazas. Poco a poco.A) es un ejemplo de un diseño muy complejo. Se pueden hacer rápidamente y causan muy poca herida. que podría distorsionarlo. evitaremos hacer alguna dos veces. donde se usa menos valor de rango en el fondo. La profundidad es una herramienta importante para mantener los diseños de tatuajes complicados claros y legibles. especialmente si nuestra plantilla es oscura. mientras las líneas sangrantes se enrojecen y la plantilla se borra. particularmente en el fondo. Si no queremos una línea negra en un elemento dado. una línea de color. en lugar de atestar los diferentes elementos del tatuaje de un lado a otro. (Fig. lo cual ayuda a mantenerlo enfocado. puede mover al espectadora ver más allá de la piel y de la visión del diseño. Hacemos líneas sangrantes tatuando sólo con agua destilada en nuestro tubo. De alguna manera.7. el templo y las palmeras. pero curarán y desaparecerán cuando no sean necesarias. 2. simplemente parece que estas piezas tienen un empuje extra.

He notado que cuando miro muchas mangas pesadamente tatuadas.7. así que todas las superficies de los objetos que encaran la bobina están iluminadas por ésta. 2. En (Fig. esto es super importante (Fig. lo que ayuda a establecer la posición relativa del muro y el pozo en el espacio. luego lo arreglan cinco años después. que los empuja delante del esquema de color más simple de la piedra. la cual transmite una sensación de amplitud (en contraposición con una puesta de sol más simple. El diseño de los cojines está en la misma perspectiva que los propios cojines. 2.C) puedes ver como los óvalos también se hacen más circulares por encima del nivel del ojo. Pero incluso cuando la zona es tatuada por primera vez. Esta característica de los círculos y la perspectiva es evidente en la vida real. así que parecen óvalos (Fig. simplemente mira un vaso y muévelo arriba y abajo. que podría haber hecho que el cielo pareciera más pequeño) mantenemos su valor de rango sobre 60. Usamos un alto rango de colores brillantes en sus patrones.E). me gustaría mencionar otra manía mía.7. la parte superior del antebrazo es normalmente la parte más pesada y menos legible del brazo. El diseño tiene cuatro círculos. A menudo esto se debe porque en este punto se tatúa una calavera CHEEZY o algo por el estilo cuando la persona tiene dieciséis años. 2. 2. Repararás en cómo los óvalos parecen más planos cuando están mas cercanos a la altura del ojo y más circulares a medida que se alejan hacia abajo.7. el exterior de la gran cuerda enrrollada y el sombrado debajo de la repetida fila de dientes contrasta fuertemente con los colores luminosos y suaves usados en la bobina y las superficies interiores de la vaina. parece que es más propensa a parecer recargada que la mayoría de partes del brazo. Están en perspectiva (Fig.F). prestando atención en cómo cambian los óvalos. y colores fríos en los contrarios. así que les damos un contorno periférico negro limpio y los hacemos tan grandes como podemos. Mientras hablemos de esta pieza. La fuente de luz es la punta de la bobina. pero usamos una nítida línea negra alrededor de las mariposas para empujarlas hacia delante. El pequeño muro circular en el tatuaje está diseñado de manera que pase por delante y por detrás del pozo. pero usamos cálidos en los bordes de los cojines que encaran la fuente de luz. Las sombras proyectadas de dos de los dientes en una rama cercana también añaden sentido de la profundidad.7. mientras las superficies contrarias están en sombra. en lugar de eso lo reservamos para la luna y la grulla. añadiéndose al sentido de profundidad ya establecido por la perspectiva del pozo. Aunque la puesta de sol es compleja.1. usamos la luz y la sombra como una herramienta para crear profundidad. Los tonos oscuros en la parte de debajo de la bobina. Los cojines son de una prioridad bastante alta. También empleamos el portavelas como una fuerte fuente de luz para jugar con la textura de las piedras y proyectar una sombra en el muro. (Fig. lo que habría competido con el pozo. No usamos blanco verdadero en el cielo. usando casi toda la anchura del diseño. vistos desde un ángulo. Volviendo a (Fig. No le ponemos contorno a la grulla.7.D) es un dibujo de un castillo usando estos principios. lo que añade sentido del espacio. manteniéndola en la distancia. incluso menos cuando nos acercamos al pozo. Creo que esto .F). La estructura del pozo nos da una oportunidad de usar esta importante herramienta gráfica. 2. 2. luego se lo tapa cuando tiene veintiuno.B).Otra estrategia que usamos para crear profundidad es usar la perspectiva.

K) tenemos dos formas muy similares. podemos usar esa estructura para mostrar profundidad. En (Fig. peluda y oscura. lo que ayuda a mostrar la curvatura y el volumen de dichas protuberancias a la vez que el espacio entre éstas y las costillas. sobre pos.7. Intentamos hacerlo lo más natural posible para que siga las curvas en forma de S del brazo. porque es la que más sol recibe. las llamamos líneas de contorno. lo que puede ser muy efectivo a la hora de traer formas al primer plano. una de ellas se apoya solo en sombreados para dar profundidad. Me parece haber conseguido algún éxito en honorar esta manía.7. Las líneas finas dentro del cuerpo principal de la espiral ayudan a describir la profundidad de la forma de la misma manera que lo hacen las espinas en (Fig. 2.1.J) tenemos una composición similar en términos de encaje de grandes formas. Esta vez toda la zona del primer plano es brillante.3. Le damos a las formas más grandes una clara lógica de color de cálido sobre frío. 2. como he demostrado anteriormente en (Fig. Estas líneas muestran el espesor de la espiral. 2.3. damos a cada una de estas formas una clara relación neg. En (Fig. Fig. es algo insignificante a considerar la próxima vez que te enfrentes a esta situación. 2.se debe en gran medida a que esta parte del brazo es la más curtida. Para empezar.H) se apoyan en las líneas de contorno para describir su forma. Las sombras proyectadas son una fantástica herramienta de profundidad. o 3DF8. la fila de espinas incrustadas en la espiral del deltoides ayudan a describir cómo de espesa es la espiral. Uno de mis trucos favoritos para crear profundidad es la figura de 8 tridimensional.. Puedes hacerte una idea de cómo construir este tipo de formas en (Fig. lo que crea un gran sentido de volumen. mas qué partes son cóncavas y cuáles convexas. y la otra usa línea de contorno. Este tipo de sombras enseñan realmente al espectador la distancia aparente entre el objeto que proyecta la sombra y la superficie donde ésta aterriza.I).7.7. (Fig. Muchas de las formas en espiral de este libro. 2.I).G) es otro ejemplo del uso de sombras proyectadas.7. mira cómo las sombras proyectadas de las costillas siguen el contorno de las protuberancias donde se proyectan.2. De cualquier manera. Normalmente intento disimular esto haciendo esta parte del diseño más clara y abierta que el resto de la manga. 2.H) usa muchos trucos de profundidad. 2. Ya que estas formas son estructuradas. Un contorno periférico claro y fuerte lo ayuda a destacar aún más. Eso son un montón de factores influyendo contra el tatuaje. 2. asegurándome de usar arcos largos y sutiles y colores claros.A. . 2. para un efecto mayor. la forma en que la materia orgánica se procesa alrededor de las espinas muestran cómo están incrustadas en la espiral.7. con las formas más grandes situadas en la parte más redonda del deltoides y bajando por el bíceps. Cuando las líneas se colocan en una forma de tal manera que describen la forma. haciéndolo destacar del fondo más oscuro y áspero.M). como (Fig. la manera en que la pieza descansa en el brazo hace que aproveche las protuberancias y depresiones naturales del brazo. Las formas lisas y brillantes fusionadas con las partes orgánicas también ayudan a describir la profundidad del diseño. Esto sucede cuando seguimos todo el recorrido en una curva en forma de S (Fig. Luego. (Fig. 2. Fig.E. Por ejemplo.

luces y sombras. para que encaje mejor. el fondo es áspero mientras que el primer plano es suave. De cualquier modo. luego se meten en la figura del 8 tridimiensional. nos asegurarnos de hacer un tatuaje más emocionante. contribuyendo aún más al sentido de profundidad. 2. igual que (Fig.7. pero voy a tocar el tema otra vez cada vez que hablemos de ciertos diseños más adelante en el libro.2. (Fig.B).7. Estas herramientas incluyen el uso del rango dinámico para empujar un objeto hacia delante. los elementos de mayor prioridad fluyen por el primer plano. dándoles siluetas de textura distintivamente diferentes. luego pasan por detrás del objeto en primer plano. los elementos de primer plano siguen la curva natural en S del brazo.7. Si estamos usando la profundidad para añadir legibilidad a un diseño. se separan aún más uno de otro. 2. Si queremos el máximo impacto visual posible. (Fig . y por supuesto la posición en el cuerpo y la disposición de los elementos del diseño como la estrategia del 3DF8. como la parte de arriba del hombro.Q) es un diseño abstracto complejo que sigue el plan básico de 3DF8 que ilustramos en (Fig. se curvan por la parte superior del brazo.5.7. En (Fig.7. (Fig. (Fig. 2. 2.M). luego lo dibujamos en el brazo con bolígrafos Sharpie. tenemos un 3DF8.7. Cuando el primer plano y el fondo fluyen en direcciones opuestas. En buena medida.R).8) Iluminación y Luminosidad . esto es suficiente para sugerir el volumen del espacio al espectador.7. 2. como aquí. que pueden ser mezclados y ajustados a nuestro antojo para intentar optimizar el efecto. En el momento de escribir estas líneas. En ambos casos. Este tipo de flujo encaja muy bien en partes grandes del cuerpo. En este ejemplo. Tenemos muchos trucos a nuestra disposición para conseguirlo.7. Esta pieza es en su mayoría un cover-up encima de una zona aclarada con láser. La parte de la figura en 8 que pasa por detrás es mucho más oscura que la forma del primer plano. 2. sólo el hecho de usar la curva S y hacer fluir los elementos del fondo en la dirección opuesta del primer plano. Además.P) es un buen ejemplo de esto.2. los elementos fluídos/antifluidos se usan sólo en partes concretas del diseño. El 3DF8 puede que sea otra de mis manías.A) hace fuerte uso de este principio de composición. como las mangas (Fig. 2. aún esta por acabar. el uso de líneas de prioridad. La forma básica de 3DF8 está a la vista. 2. 2.M). Creo que es un principio universal de diseño. podemos intentar usar todos los trucos a la vez. o creando una ilusión óptica. como en las espinas de (Fig. Este movimiento no tiene por qué ser seguido necesariamente todo el rato en cada parte del tatuaje. lo planeamos primero en un boceto (Fig.1. fluyendo en la dirección contraria. especialmente sombras proyectadas. dándole más impacto visual.N) hay un diseño biomecánico que usa este tipo de disposición. Incluso aunque no pensemos en ello conscientemente.I).L).O) es un diseño más tradicional de un dragón que expresa profundidad de esta manera. lo importante es que los elementos de primer plano fluyan por la curva en S y los elementos que pasan por detrás fluyan en la dirección contraria. 2. En cada uno de estos diseños.7. los dientes de la forma del primer plano han sido diseñados para mostrar profundidad y contorno.

y usarlas de referencia cuando dibujes el diseño. con el brillo de alrededor. o una luz trascendental. separándolas. mientras que el resto de la mano esta silueteado con sombra.C) y los más pequeños de (Fig. donde reservamos los colores más claros y el blanco para la fuente de luz y los colores más oscuros para las sombras. una luz siniestra. la luminosidad es un gran efecto en un tatuaje que tiene un fuerte impacto visual y añade vida a la pieza. Podemos usar efectos de iluminación para simular texturas convincentes en la piel. puede dejarnos sin aliento. Esto es especialmente divertido en la cara. Luego. Puedes mover tus manos alrededor y ver cómo cambia todo. o atraer la atención hacia un elemento importante. En este caso. de dentro. sino que cuando se usan correctamente invocan un sentido de belleza y solemnidad. También tenemos las superficies y los objetos dentro de la composición. intenta simularlo en la vida real y luego traducir lo que ves a un diseño de tatuaje. incluso puedes hacer un par de fotos de tus manos en estas condiciones de iluminación. Tenemos unas cuantas herramientas a nuestra disposición para simular luminosidad.4. Otra importante herramienta de luminosidad son los rayos de luz.una luz sagrada. Para empezar. Esto le da a la forma una fuerte claridad. 2. Podemos situar los objetos en un diseño de tal manera que describan la situación de la luz de una manera fácil de entender.8. describiendo estas relaciones. lo que añade brillo y ayuda a crear una relación con los objetos alrededor de los rayos. (Fig. tenemos el uso del color y el valor del contraste. hacemos la piel del personaje texturada. pero detrás de las manos. . 2.Como la profundidad. Los rayos de luz no son sólo efectivos en sugerir la fuerza y dirección de una fuente de luz. impidiendo que el diseño sea demasiado denso o demasiado soso. 2. incluyendo las sombras proyectadas y otros efectos de sombreado. podrías ponerte delante de un espejo con una pequeña linterna y poner tus manos alrededor de ésta para ver cómo se ven. Entonces ponemos las manos de manera que sólo un borde delgado que se enfrenta a la luz está iluminado. Los efectos buenos de iluminación añadirán legibilidad a una pieza y ayudan a equilibrar sus zonas oscuras y claras. como la gema en (Fig.A) usa todas estas herramientas para transmitir luminosidad.L). 2. La forma brillante del centro tiene una ligera relación pos. donde iluminamos claramente desde abajo. los rayos de luz son un gran elemento direccional que puede ser usado para concentrar la atención del espectador o para pasar entre capas del diseño. Date cuenta cómo los rayos pasan por delante de las piernas. El fondo y las partes de la figura que no encaran la luz están en colores oscuros y fríos que contrastan fuertemente con los amarillos brillantes y los blancos de la fuente de luz.3. Si alguna vez no estás seguro de la manera en que la luz debe proyectarse sobre un objeto.2G). e iluminamos y sombreamos las curvas y protuberancias de la textura de manera que todas las partes que quedan hacia la espiral son las más iluminadas. sobre neg. Si quieres. desde abajo. También usamos rayos en este diseño. cuando estamos al aire libre y vemos rayos de luz romper las nubes. viniendo desde arriba. y cómo la luz juega sobre ellos. Podemos usarla también como lenguaje. como los rayos grandes y abiertos de (Fig. Por último pero no por ello menos importante. crear una ilusión realista de profundidad.

C) es un ejemplo de una forma brillante en relación pos. más o menos como hicimos en (Fig. estas formas tienen algo del único negro del tatuaje. (Fig. sobre neg.ZB). Esta es una compleja cuestión para lo que no tengo teoría o siquiera una manía. sobre pos.8. cuando usamos buenos trucos de iluminación. nuestro tatuaje nunca será vulgar. así que están coloreados en su mayoría de amarillo. Esto hace la plantilla más fácil.B) es un ejemplo de una forma brillante en relación neg. Mostrando los dos tipos de relaciones. que están estructuradas y facetadas en contrapunto a la superficie orgánica de la figura. usamos rojo oscuro sólo cerca de los bordes más lejanos. sobre pos.D) es una forma brillante con una relación simple de neg. Ponemos muchas formas orgánicas delante de la forma brillante. Seguimos teniendo rayos. Aparte del contorno. para sus formas brillantes. Para mantenerla luminosa. silueteándolas oscuras.8. así que lo mejor es estar preparado para cualquiera. sobre neg.¡y nadie se dará cuenta nunca! (Fig. poddemos esconder los pliegues de la plantilla dentro de esta forma. honestamente no puedo decir en este momento si una manera es mejor que la otra y bajo qué circunstancias. La luminosidad es siempre un potente y atractivo efecto para dar vida y dimensión a un tatuaje si estamos haciendo un dragón iluminado por una perla. Ya sea fuerte o leve. pero esta vez difuminamos los rayos hacia un rosa medio a medida que nos acercamos al borde de la forma brillante. un niño en una caja de arena iluminado por el atardecer.6. o un sistema de raíces mutante iluminadas por un huevo ectoplásmico.8. sobre pos. en algunos sitios incluso usamos púrpura oscuro con una tres suelta para definir estos bordes exteriores un poco más. así que solo vemos brillos amarillos a lo largo de los bordes más cercanos. 2. (Fig. Hay muchos usos para estos trucos de iluminación básicos en más tatuajes ilustrativos. Aumentamos este sentido de la luminosidad trayendo un elemento orgánico en primer plano delante de ella. Luego proyectamos la luz sobre las superficies colindantes. especialmente el centro. e intentamos dejar la mayoría de las facetas simples y abiertas. Dejamos el resto de la forma muy iluminado. 2. el resto está sombreado con color. tanto delante como detrás de la fuente de luz. pos. 2. Preguntas de Revisión de la Parte II . dándoles una silueta que destaca del fondo. encajada en un diseño de 3DF8. Otros tatuajes en este capítulo usan una relación neg. Este elemento de primer plano sirve al propósito adcional de romper la rígida simetría de la forma geométrica que estamos intentando tatuar en una parte del cuerpo asimétrica. Otras formas pasan detrás de la forma brillantey están iluminadas por ella. aumentamos el efecto de luminosidad y ayuda a definir la posición relativa de todos los objetos en el espacio. sobre pos. haciendo que de verdad destaque. o neg. ya que nos da un magen de error en la forma geométrica. 2. este elemento está fuertemente silueteado y no sólo contrasta con el centro de la forma brillante en 100 si no que además contrasta los cálidos naranjas y amarillos con ricos azules por otros 100 puntos.especialmente con el uso de un contorno blanco alrededor de su borde. Los pétalos visibles en la parte lejana de la flor captan la luz de pleno. Los pétalos cromados no miran hacia la fuente de luz.

1.) Si oscuro es lo opuesto a luz. ¿qué es lo opuesto de fluidez? 8.) ¿Son las relaciones de positivo y negativo determinadas por la relación a lo largo del borde de una forma.) ¿Qué elementos usamos para conseguir efectos de enfoque/desenfoque? 19. dinámica? ¿Qué significa usar todo el rango de valor? ¿Queremos más rango dinámico en el primer plano o en el fondo? 15.) ¿Qué tipo de relaciones pos/neg.) ¿Dónde están las mejores partes del cuerpo para diseños simétricos? 5. o por el peso medio total de los elementos de un diseño? 11.) ¿Qué tipo de colores tienen el mayor contraste entre ellos? 17.) ¿Qué seis factores son responsables del rango dinámico? ¿Puedes pensar en cualquier otro no mencionado en este libro? 16.) ¿Qué es la silueta de un tatuaje? 9.) 12.) ¿Cuál es una buena manera de usar colores cálidos y fríos para darle a un objeto redondeado sentido de volumen? 18.) ¿Qué determinará el total de contraste entre dos texturas en mayor medida? 21.) ¿Por qué necesitamos dar a los diferentes elementos de nuestro diseño un orden de prioridad? . sobre Neg. son probablemente las más legibles? ¿Qué es un relación pos/neg.) ¿Cuál es el propósito de un dibujo de construcción? 7.) ¿Cómo hacemos un trazado? 6.) ¿Qué tipo de movimientos encajan de manera más natural en el cuerpo? 4.) 13.) ¿Pueden la fluidez y el encaje en un diseño ser un aspecto importante del tema del diseño? 3.) ¿”Pos. y cuál para una una zona enfocada? 20.) 14.) ¿Por qué son importantes la fluidez y el encaje? 2. ¿qué instrumento usamos para emitir una zona desenfocada. o a una forma oscura en un fondo iluminado? 10.) Ya sea en pintura o en tatuaje.” se refiere a una forma iluminada en un fondo oscuro.

decoración de chaquetas de cuero o portadas de discos. La única cosa que la mayoría de tatuadores tienen en común es que el arte de la piel es el único arte que practican. como yo.) ¿De qué manerason diferentes las líneas de contorno de las líneas periféricas? 33. .22. como fliers de punk rock. la mayoría de artistas seducidos por el tatuaje tienen algún tipo de trasfondo artístico.) 26.1) Una Perspectiva más Amplia Hoy en día. acumulando una buena cantidad de experiencia en poco tiempo.) 23. otros abandonan dichos estudios – y la mayoría. Algunos están graduados en escuelas de de arte.) ¿Cómo podemos ajustar nuestras máquinas para hacerlas trabajar de manera que podamos usarlas como lápices de colores? 29. aparte de tener una buena iluminación? 30.) ¿Qué herramientas son efectivas para asignar prioridad? ¿Qué elementos gráficos podemos guardar en reserva? ¿Cuál es la diferencia entre línea y borde? ¿Qué tres factores determinan la calidad de una línea? ¿Qué maneras buenas hay de construir una línea? 27. Es comprensible cómo un tatuador novato necesita llevar gafas y cerrarse a todo lo demás mientras se concentra en la empinada curva de aprendizaje del tatuaje.) ¿Cuáles son algunos de los trucos mas efectivos para transmitir iluminación y luminosidad? Parte III Trabajando en un Medio Secundario 3.) ¿Cuál es un gran método para practicar construcción de líneas y desarrollar nuestra técnica? 28.) ¿Cuáles son las dos cosas que podemos hacer para mejorar nuestra visibilidad mientras delineamos.) 25.) ¿Qué tipos de grupos de agujas pueden ser usados para las líneas? ¿Qué trucos gráficos buenos hay para transmitir profundidad? 32. otros artistas comerciales. no tienen formación pero han hecho algún tipo de arte.) 31.) 24. pero estaban suficientemente interesados en la tarea para realmente dedicarle horas y hacer los deberes. También hay tatuadores que tienen poca o ninguna experiencia real en ningún campo artístico antes del aprendizaje. Algunos son artistas del cómic.

el lienzo. algunos de ellos similares al tatuaje y otros muy diferentes. No es que no podamos sumergirnos en un proyecto de tatuaje. tenemos una libertad en el dibujo o la pintura que no tenemos en el tatuaje. y todo el vocabulario de ideas para el diseño que el tatuaje nos ofrece. El tatuaje tiene muchos beneficios que no pueden ser encontrado en la mayoría de medios: la inmediatez y urgencia del proyecto. si queremos. no tenemos que cumplir las expectativas de nadie. recuerdo volver a casa del trabajo las primeras semanas en estado de shock. donde no tenemos más elección que sentarnos y acabarlo. en cualquier esquema de color sin que las peticiones de nadie nos limiten. Puede facilitar la experimentación libre sin riesgo. éxitos experimentales y las sorpresas que nuestra energía personal presenta cuando se la deja correr libremente. Pero llega el momento en el que estamos lo suficientemente cómodos con el proceso básico del tatuaje que puede que tengamo sitio en la cabeza para un poquito más. y el ingenio que se ha invertido en la puesta a punto del equipo. Los proyectos personales son una oportunidad de acostumbrarte a un tema que no te sea familiar. podemos trabajar con cualquier tema que queramos. sino que sólo podemos hacerlo hasta que el cliente tenga que irse a casa. Desde nuestro medio secundario nos traemos al tatuaje nuevas formas de libertad. sin importar de que humor estemos o que dan por la tele. o incluso ampliar nuestra perspectiva en un tema que lo sea. Cada medio tiene sus propios enfoques y métodos. Entonces es hora de ampliar nuestros horizontes trabajando en un medio artístico secundario. la increíble precisión posible con las agujas. tenemos con nosotros todo lo que hemos aprendido sobre diseño y composición fluida. Es extremadamente raro conocer a un tatuador en sus dos primeros año trabajando en otro medio artístico. nuestro objetivo real es el de alimentar una relación entre los dos medios en la que se beneficien mutuamente. en el tamaño que queramos. y díficilmente podemos culparlos. Dibujar con tinta y/o lápices de colores está . Cuando tenemos un medio secundario. Otra gran ventaja de trabajar en un medio secundario es que podemos trabajar tantas horas consecutivas tantos días o semanas como deseemos sin que el cliente se quede sin dinero o se desmaye.Simplemente hay demasiadas cosas que aprender y sólo 24 horas al día. Aunque queramos dominar el medio secundario por nuestro propio bien. Mientras trabajamos en nuestros proyectos personales. así que podemos concentrarnos en lo que queremos conseguir exactamente sin que cada toque del lápiz o el pincel sirvan al Deber o la Obligación.la idea. explorando lo que le place. toda la precisión y firmeza de la mano. y el propósito de que el tatuaje exista. Para empezar. Incluso tenemos la libertad de dejar un proyecto inacabado para siempre. nuestra carrera no durará mucho. permitiéndonos expandir nuestro vocabulario con los éxitos sin implicar a nadie en nuestros fallos. Esto es una oportunidad de verdad para “meterse en materia” y creo que una de las grandes experiencias que un artista puede tener es la de sumergirse totalmente en un proyecto. que es el quid de la cuestión. y cambiar a algo más prometedor – pero si hacemos esto a nuestros clientes. Hay muchas razones para ello. y por supuesto la relación con el cliente.

y puede ser usada tanto para detalle como para grandes difuminados. solo podremos mezclar las migas sueltas de color en la superficie del papel. pero para el propósito de este libro intentaremos acoplarnos a aquellos que tengan una relación más cercana con el tatuaje para que sean de provecho a nuestran técnica tatuajística. el Liquin consigue abrirse paso hasta los colores más profundos y nos . te recomiendo Berol Prismacolor. A medida que se gasta. mientras que en el tatuaje trabajamos de oscuro a claro para evitar manchar. Los lápices de colores son geniales para láminas. Cuando están afilados. pero también pueden ser usados para un arte más abstracto y suelto. Si tenemos una zona de púrpura oscuro o negro y ponemos amarillo justo al lado y nos metemos un poco. La mayor diferencia entre los lápices de color y el tatuaje es que. después de usarlos durante un par de minutos. desde hacer líneas a conseguir difuminados.estrechamente relacionado con el tatuaje en el movimiento de las manos. trabajar en un medio secundario abrirá nuestros ojos a nuevas posibilidades. no sobre algo que te estés currando!). enseñará a nuestras manos una nueva variedad de movimientos. Si de verdad te interesan los lápices de colores. son como una 3 estirada. 3. con los lápices de colores es de la otra manera. son más blandos y se agarran mejor con menos esfuerzos que los lápices duros. tanto del cuerpo en sí mismo como de los efectos dimensionales que creamos en la piel. trabajamos generalmente de claro a oscuro. y con un poco de práctica se pueden conseguir difuminados suaves. Para evitar esto. cada uno con sus pros y sus contras. Todos son gratificantes a su manera. Durante los primeros segundos después de aplicar Liquin con un pincel suave. ampliando nuestro vocabulario gráfico de maneras inesperadas y dándonos más libertad artística en general. También usamos un medio para la pintura al óleo llamado Liquin y un pincel para mezclar los colores (¡haz primero una pequeña prueba. diseños de camisetas o cualquier otro trabajo que requiera una apariencia definida y refinada. incluso puedes comprar lápices de color de ¼” para hacer grandes zonas. Son fáciles de mezclar superponiéndolos. me he dado cuenta que pintar me ha dado mayor libertad en mi uso del color cuando tatúo. Sin importar lo que escojamos. tanto visualmente como en términos de facilidad de uso. tanto en forma de lápiz como de barra. y aquellos que los hemos usado sin duda notamos su funcionamiento similar al tatuaje. se parece más a una magnum. a veces estas manchas pueden ser usadas para una mezcla concreta. algo de pigmento se agarrará a la punta y se meterá en la zona amarilla. Pintar es muy parecido a tatuar en que tenemos paletas de colores húmedos que podemos mojar o mezclar con el pincel o el tubo. la punta se parece más a una 5 suelta. a pesar de que siempre nos damos la libertad de hacer lo que necesitemos hacer. La escultura nos da un mejor entendimiento de la forma tridimensional.2) Ejemplos de Otros Medios Hay incontables medios artísticos disponibles. Luego. Los lápices de colores ya son una parte en la vida de la mayoría de tatuadores.

permitiéndonos crear sutiles o agudos efectos de brillo después de haber puesto el carboncillo. Pueden superponerse más y nos permiten poner brillos con colores claros encima de colores oscuros. Las tiendas de suministros artísticos tienen borradores eléctricos. Hay muchos tipos de medios en barra. tendremos una zona para poner cinta y huellas. Estos medios pueden ser satisfactorios para cualquiera que sienta la necesidad de trabajar en grande. sin embargo hay algunas compañias que comercializan pasteles delgados que parecen una especie de lápices de color gordos. sólo debemos mojar una pequeña zona de la pieza a la vez. permitiéndonos levantar el color pero haciéndolo difícil de mezclar. dejando cientos de pequeñas marcas blancas a través de los de otra manera suaves difuminados. toallitas de papel. Podemos poner negros muy pesados y luego usar gran variedad de herramientas para crear grandes y suaves mezclas y gradaciones. de casi una pulgada de diámetro. Los pasteles crayón son como un cruce entre pasteles y crayones Crayola. Q-tips o difuminos. como los pasteles. Si es demasiado suave.. nos permiten mucha libertad y pueden dar a nuestra intuición una oportunidad para soltarse. pasteles crayón. Si usamos una tabla más grande que el trabajo que estemos hacienda. A pesar de tener menos paralelismos con el tatuaje que los lápices de colores. Por esto. pero son difíciles de borrar levantar. son más cerosos que los pasteles y tienen un tacto diferente. puede que debas plantearte usar un medio diferente. Los pasteles son similares a los lápices de colores. Puede ser afilado más fácilmente que los pasteles y puede ser usado para detalles bastante precisos. barras Conté y carboncillo. especialmente si ni siquiera consideramos los detalles precisos como opción. pero más grandes y blandos. es más difícil crear bordes afilados o detalles precisos con ellos. Son ideales para rellenar grandes áreas y crear grandes y suaves gradaciones. si es demasiado áspero. habrá ablandado todos los colores. Al ser grandes y blandos. que puede romperse. Después de 15 o 20 segundos. de modo que si el desgaste y desgarre de las manos es un factor a considerar en tu vida. habrá pozos profundos en el papel que no podremos llenar con el lápiz. con un núcleo de pastel dentro de un lápiz de madera. Normalmente son de base aceitosa y pueden mezclarse con los dedos.permite moverlos también. ya que debemos tener el tablero hacia abajo para obtener una buena saturación del color. Algunas marcas tienen tamaño extra gordo. . Puede ser borrado y levantado. que pueden ser usados para dibujar brillos blancos muy precisos en un dibujo a carboncillo. Pueden ser divertidos para trabajar. Me he dado cuenta que trabajar con lápices de cualquier tipo es de lejos más áspero en mis pobres y pequeñas manos que usar el equipo de tatuaje. También recomiendo usar una tabla de ilustración ligeramente rugosa en lugar de papel. especialmente después de toda la pequeña precisión del tatuaje. no aceptará bien el color. El carboncillo es un buen medio clásico para hacer dibujos grandes. Los lápices de colores pueden ser difíciles de manejar.

básicamente manchando apenas el papel. ponemos un poco de color en la zona de la roca que vaya a ser la más oscura. Luego. teniendo presente no desgarrar el papel. La mayoría de láminas viejas se hacían de esta manera. Tintas y Acuarela son otros dos medios que han sido usados antiguamente por los tatuadores de todas las épocas. Las acuarela puede ser muy brillante y luminosa. Podemos usarlos para las tintas negras. Ya que la acuarela funciona muy bien para rellenar grandes . podemos usar los bordes como puntas afiladas. también tenemos la opción de trabajar sobre ella con lápices de colores. Empezamos usando un pincel limpio para rellenar el contorno de la roca con una capa fina de agua limpia. Mientras el área esté húmeda. usamos un pincel seco para mover el color por el charco. dándoles una apariencia clásica en tono sepia. pero parará cuando empiece el papel seco. Para esto. recomiendo Dr. podemos conseguir estos efectos rápidamente y casi sin esfuerzo. Una vez la obra en tinta o acuarela está acabada. Ya que las barras vienen están cortadas de manera rectangular. creando un borde limpio. Las plumas vienen en muchos tamaños y son un método clásico para hacer líneas con tinta. Están disponibles en multitud de colores. desde paisajes hasta retratos. De tintas de color. Debo admitirlo. dándonos fácil acceso a todo el rango de valor. tanto para los toques finales como para añadir más detalle. los colores deben ser muy transparentes.Las barras Conté son como el carboncillo pero ligeramente más cerosas y ricas. Geniales para retratos. Los lavados de tinta son básicamente como las acuarelas. Los pinceles pequeños también sirven. Al contrario que la mayoría de técnicas. o para todos los colores vibrantes disponibles. Para tener el mayor control posible sobre el color. sin tener que usar un sacapuntas. pero la mayoría de nosotros estamos acostumbrados con los tonos tierra rojizos (sanguina) que se usan normalmente. pero sin color. No se levantan tan fácilmente como el carboncillo. Es una buena técnica que nos permite crear negros profundos y gradaciones suaves. El truco para usar acuarela es humedecer el papel antes de añadir colores. interesantes y emocionantes con ellos. pero he visto a otros artistas de mi alrededor hacer cosas muy divertidas. consiguiendo un increíble control sobre las sutilezas. Digamos que estamos pintando un paisaje y queremos pintar una roca en la escena. podemos seguir poniendo color y moviéndolo. mientras está húmedo. El color se expandirá rápidamente por el pequeño charquito de agua. Entonces. Martens (¡no confundir con la famosa marca de botas!). en una técnica conocida como “spit shading”. Con un poco de práctica. ésta depende de la reflectividad del blanco del papel para dar luminosidad. pero requieren más control y dan una línea menos consistente (que también puede ser deseada según las circunstancias). aunque estos medios son apropiados para todo. y pueden ser afilados casi tanto como los lápices de colores. solo humedecemos la zona en la que vayamos a trabajar. sólo pueden superponerse un número limitado de veces sin que parezcan sucios o estropeen el papel. no he tenido mucha experiencia en ninguno de estos medios en forma de barra.

puedes conseguir que el programa sea funcional sin tener que memorizar el manual de 300 páginas. manteniendo la pista de qué menús y herramientas ayudan a tu proyecto. Puede ser como estar sentado en una clase bajo tubos fluorescentes zumbantes. ha sido una herramienta importante que he usado casi a diario en mi vida artística. y podría decirte por experiencia que cuantos más programas manejas. Hay algo de controversia sobre la legitimidad del arte digital. Normalmente. El arte digital no nos enseñará necesariamente movimientos de la mano o maneras de mezclar el color nuevos. De hecho. cada parte a su tiempo. podemos usarlos para diseñar tatuajes y preparar plantillas. Usar un ordenador es muy distinto a tatuar en términos técnicos. ya sea en un programa de pintura como Adobe Illustrator o un programa de modelado en 3D como Bryce 3D. teniendo siempre el manual al lado para las dudas. Hoy en día muchos artistas. pero muchos artistas consideran que cualquier herramienta que les permita conseguir más cosas es una herramienta legítima. Los ordenadores son geniales para limpiar nuestros portafolios y hacer nuestra presentación más atractiva en general. Recomiendo que te introduzcas en la experiencia de aprendizaje con una meta específica en mente. Luego. que es probablemente la herramienta de manipulación de imagen más importante jamás inventada. En poco tiempo. como hablaremos en la Parte V. y es fácil desmotivarse cuando no comprendemos todo lo que estamos leyendo. podemos desarrollar cualquier imagen desde el principio. algún tipo de proyecto que sea apropiado para el programa. Hay incontables cosas que podemos hacer con ellos. más fácil resulta aprender otros nuevos. o frenéticas llamadas nocturnas a amigos tuyos que sepan de ordenadores. Teniendo un proyecto modesto como meta. y luego usar los lápices para añadir detalle y carácter. mientras que un tatuaje debe ser hecho lentamente. mirando a un libro de texto de Latín Clásico. La gente que escribe estos manuales tienen el mal hábito de asumir que entiendes su jerga. Si no. podemos salvar a nuestras manos del estrés y hacer los trozos grandes de color de esta manera. te puedes apañar de esta manera.zonas. Mientras lees la introducción y los primeros capítulos. nuestros ojos se velan y nuestros pensamientos se desvían hacia cosas más simples y agradables. siempre está el servicio técnico. tiene tanto que ofrecer a . puedes olvidarte del manual. Cuando miramos el manual de un nuevo programa. con unos pocos clicks del ratón puedes transformar totalmente una imagen normal en un deslumbrante caleidoscopio de color y textura. Por otro lado. como la mayoría de técnicas “de mano”. O bien. Pronto te desenvolverás lo suficientemente bien como para intentar otras cosas. incluidos los tatuadores. podemos importar una imagen ya existente de una foto o un dibujo y modificarla en Adobe Photoshop. toma notas. han empezado a usar ordenadores como medio artístico. una vez que pasemos la empinada curva de aprendizaje. Bajo mi punto de vista. Con un ordenador. ve al índice para ver respuestas a preguntas específicas.

intento mantener las capas lo más delgadas y diluidas posible. podemos poner fácilmente colores claros sobre colores oscuros. Al contrario que la mayoría de técnicas. ya que es mucho más fácil conseguir buenas mezclas. Ambas son maneras comunes de trabajar y están disponibles prácticamente en cualquier sitio que vendan suministros de arte. De todos los medios disponibles aparte del tatuaje. ya que podemos apoyar nuestra mano directamente en el lienzo y trabajar justo ahí. Trabajar con pinceles es parecido a usar equipamiento para tatuaje. Hay muchas fórmulas secretas y recetas para conseguir el medium de óleo definitivo. Muchos artistas famosos. detallados y bonitos. como Todd Schorr.nuestro vocabulario gráfico que es difícil ignorarlo. pero con un grado extra de flexibilidad e intuición. o trabajar durante meses en algo pequeño si es lo que nos apetece. que tienden a parecer más plásticos. encontraría maneras de hacer esto. pero hace más difícil mezclar colores diferentes juntos y conseguir degradados suaves. Puede ser genial para trabajos muy precisos y detallados. El óleo y los acrílicos tienen una textura similar. Los dos tipos principales de pintura de los que vamos a hablar aquí son Pintura al Óleo y Pintura Acrílica. puede secar casi instantáneamente. Pero aun así. Esto me hace el trabajo un poco más fácil y rápido en el primer paso de encajar formas geométricas complejas u otras cosas que requieran mucha precisión. podemos poner color en grandes cantidades. no se si podría hacerlo de manera muy convincente. Usando pintura. Sin embargo. para no crear una película plástica en la que el óleo puede no agarrar bien. Si intentara argumentar mi preferencia por el óleo. pero normalmente intento mantener mi método tan simple como me es posible para concentrarme simplemente en poner pintura. puros y más vibrantes que los acrílicos. La mayor diferencia en sus composiciones es el tiempo de secado. El óleo existe desde hace mucho más tiempo y tiene una rica historia de siglos de prueba y error. Ya que los acrílicos son base al agua. a veces me aprovecho de esto pintando con acrílico primero antes de aplicar óleo. pero esto también se puede conseguir con el acrílico usando medium brillante. Nos meteremos en esta materia para unos cuantos detalles más adelante en el libro. como se evidencia en los colores ricos y vibrantes de la obra de Schorr. pero esto puede ser fácilmente impresión mía. Pero estoy seguro de que si trabajara regularmente con acrílico. ya que los acrílicos tienen sus propios puntos fuertes. y podemos hacerlo rápido sobre un área grande si queremos. Si trabajamos en capas lo suficientemente delgadas. Me parece como que los pigmentos son más ricos. opacidad y transparencia similar y usan pigmentos parecidos. Esto puede ser muy ventajoso para superponer colores. una libertad que definitivamente no tenemos en el tatuaje. secan rápido. sigo prefiriendo el óleo. También me gusta el acabado brillante con el que el óleo seca. la pintura es quizás mi favorito y el que más me ha enseñado. o en minúsculos montones. Prefiero la manejabilidad de un medio que permanece húmedo más tiempo. Cuando hago esto. . usan acrílicos y consiguen resultados vibrantes.

cuando es tan fácil cubrir un lienzo grande en una sola sesión? Desde este punto de vista. pero encuentran el óleo un poco intimidante. recomiendo dibujarlo más pequeño en una hoja de papel aparte. somos uno con el desarrollo de la visión. pero podemos tirarnos dos años en las mismas series si son grandes. es el tamaño de una espalda grande. Es difícil probar diferentes maneras de hacer algo en el mismo cuadro sin que parezca inconsistente. usa Photoshop para aclarar cualquier detalle que sea difícil de leer. Ya que hemos trabajado sobre las cuestiones principales en formatos pequeños. Redefinamos “pequeño” como tatuable. querremos asegurarnos de que las proporciones están bien y es claramente legible. Cuando la proyección esté . hemos ganado el derecho de pasar a través de los grandes sin preocuparnos por nada. Para empezar una pintura al óleo. Cuando hemos hecho suficientes cuadros pequeños de un tema dado y nos sentimos cómodos con dicho tema. Cuando la base esté seca. sólo podremos ir hacia lo oscuro. si empezamos con un lienzo blanco. Este es un espacio creativo de éxtasis. aseguramos el lienzo a la pared con cinta de enmascarar gorda o sujetarlo en un caballete vertical resistente. 60x90 cms. Me gusta tintar mis lienzos con un gris cálido antes de encajar el diseño en ellos. ¿Por qué no. una vez yo me sentí así. 3. como conseguir la luminosidad correcta en cierta textura. Esto hace más fácil cubrir el lienzo con una sola pasada. ya que los detalles vagos son difíciles de ver a través de la mayoría de proyectores. He de admitirlo. pero sin todo el tiempo que requiere la grande. o incluso más pequeño. Pero en este momento he concluido firmemente que no es más díficil que cualquier otro medio. que podemos aprender lo mismo de una pintura pequeña como de una pintura grande. También es bueno poder ir arriba o abajo en la escala de valor mientras pintamos. El hecho es. como 4”x5” o más. Si basamos nuestra pintura en una referencia fotográfica. Si el cuadro es más grande de 8”x10”. los cuadros pequeños son lo mejor. y tiene muchas características buenas que hacen que su dominio valga la pena. así que si necesitamos probar un montón de variaciones de un tema. Entonces usamos un proyector y trazamos la imagen en el lienzo. Si necesitamos hacer un número dado de pinturas para resolver un problema en particular de nuestro trabajo. 20x25 cms. primero necesitamos un diseño. donde el proceso familiar que hemos afinado en los pequeños cuadros nos permite dejar de preguntarnos cosas y empezar a usar nuestra intuición. ya que no se dejará ver ningún puntito blanco desagradable entre las pinceladas. “pequeño” puede ser un lienzo de 60x90 cms. entonces cambiamos a piezas medianas y grandes del mismo tema. podemos hacer series enteras en pocas semanas si son pequeñas. Desde la escala del tatuaje. como 7’5x10 cms.3) Pintura al Óleo: Un Breve Tutorial Una de las primeras tentaciones que tenemos cuando escogemos el óleo es la de hacerlo a lo grande. si es necesario.He hablado con muchos colegas y no tienen problema con el acrílico. ya que la mano está más preparada para movimientos suaves a una escala más pequeña.

y 7 u 8 toallas de papel enrrolladas en un cilindro curvado como almohada para que descanse la mano. ya que parece que ensucia los óleos. pero de manera uniforme con un pincel amplio y plano. la foto de referencia.3. ya que me permite acercarme más. un pequeño trozo de madera (o incluso un lápiz) pegado como soporte para el lienzo. los lápices de color pueden borrarse de un lienzo imprimado con una goma de borrar blanda. pongo los fríos. Con un buen plan. normalmente me salto los medios tonos. una toalla de papel para limpiar y una hoja de papel de paleta para los colores. luego el naranja. esto me ha pasado realmente. Me gusta montar mi tabla de dibujo como en (Fig. si estamos usando una. Por ejemplo. cuando ponemos un amarillo fresco al lado de un púrpura fresco. los cuales ya están por el tinte del lienzo.A). A menudo uso un lápiz púrpura. Esto lubrica y diluye la pintura mientras pintamos. Aplicamos el óleo con moderación. con un par de trozos de cinta por detrás para prevenir que se deslice. Necesito mencionar aquí que los trapos empapados en aceite de lino pueden hacer combustión espontánea en recipientes cerrados. para no difuminar y aclarar demasiado el dibujo a lápiz. y luego los mezclamos entre sí. movemos el lienzo a un caballete o una tabla de dibujo. por la misma razón básica por la que empezamos con los colores claros en los lápices de colores. o menos. Me gusta cubrir el lienzo con aceite de lino claro antes de empezar la pintura. y pongo los tonos oscuros y las sombras. Para cuadros más grandes. pero si ponemos púrpura fresco al lado de amarillo fresco. no contaminaremos el color. pero cambiando algunos pequeños aspectos de nuestro acercamiento cada vez. el lienzo aceitoso se torna tan receptivo a la pintura del pincel que podemos controlarla con facilidad. el lienzo. podemos poner rojo. así que no tenemos que diluirla en la paleta y hacer un desastre. no hay ninguna fórmula a seguir. No es mala idea dejarlos secarse unas cuantas horas antes de tirarlos. sólo ponemos aceite en las zonas que vayamos a trabajar el mismo día. especialmente los colores claros. para que no se corra mientras pintamos. naranja y amarillo y luego mezclarlos. trazamos la imagen con un lápiz de color. en un cuadro ponemos el rojo Indio primero. Luego. podemos acabar cuadros en una sesión sin ensuciar colores. Prefiero la tabla de dibujo para pinturas de 20x25 cms. Si fuera necesario.centrada y enfocada. Despúes de que pongo las luces. Recomiendo hacer múltiples cuadros de temas similares. A partir de aquí. además de ser más cómodo en general. el amarillo se ensucia fácilmente. Cada uno revelará algo sobre lo que estamos haciendo y a dónde necesita ir. 3. Normalmente no uso lápices de grafito para esto. Como empezamos con un lienzo tintado. Normalmente empiezo con los colores claros. Podemos aplicar la pintura más suavemente y con gran sutileza y precisión usando este método. . luego secamos el exceso con una toalla de papel. Finalmente. usando un tubo de cartón con un círculo de cartón pegado abajo como guardapinceles. podemos subir o bajar de valor. Y sí. en el siguiente. que no se contaminan fácilmente con el púrpura. Manejamos la aplicación del óleo y el secado con cuidado. que se incorpora bien en las sombras de la pintura acabada. incluso si son mucho más claros que las sombras púrpura.

Entonces engalanamos las paredes con posters y recortes de revistas de imágenes que nos inspiren. . como hablamos en el capítulo 2. Monarch es una buena marca. Si ya hemos acabado la sesión y queremos acelerar el secado. Podemos dejarlo secar otra vez y repetir el proceso tantas veces como deseemos. necesitamos un espacio dedicado al arte en nuestra casa. si queremos. puede trabajar en nuestra contra. o posiblemente menos. un sitio donde podamos cerrar la puerta al mundo si lo necesitamos. teniendo en cuenta que sea una buena banda sonora para el arte que estamos intentando hacer – si se pelean entre ellas. y normalmente significa dejar de lado otra cosa en nuestra vida.3. nos ralentizará luego. Podemos trabajar en otros cuadros mientras. surfear por la red ocasionalmente y los videojuegos son también grandes consumidores de tiempo. pequeños redondos y grandes planos. añadiendo profundidad. El tema está en que. Liquin es ese medio para óleo que hablamos antes en la sección de lápices de colores. luminosidad y detalle. Si el tiempo de secado de los óleos es agonizantemente lento para ti. dependiendo del clima. Si usamos una foto de referencia. que no echaremos de menos las cosas que hemos cambiado por el arte. podemos intentar cargar nuestro pincel de poner el aceite en trementina (aguarrás) y frotar dicha zona del lienzo. Si trabajamos en caballete. puedes intentar usar Liquin. Cambiaremos el papel cuando esté muy cargado. muy versátil. pondremos una toalla de papel pegada arriba donde podamos fácilmente limpiar los pinceles sin romper nuestro ritmo. La música puede ser una buena idea. Queremos nuestros materiales organizados y disponibles. Cuando esté lo suficientemente seco. especialmente en su vida social. La mayoría de personas no están dispuestas a hacer grandes cambios. Prefiero pinceles de pelo sintético. Como gesto hacia nosotros mismos. incluyendo nuestra obra más reciente. podemos poner aceite otra vez y repetir el proceso. debería tener efectos reales de enfoque para traducirlos en pintura. tanto para los pequeños redondos como para los más grandes. a veces bastantes noches a la semana. podemos poner un ventilador apuntando al cuadro durante un par de días. Esto dará a nuestro cuadro más profundidad y dimensión. pero seca en tres o cuatro horas. más o menos como una tres apretada. si tenemos una búsqueda artística que nos mantiene inspirados. Usar un medio secundario no es tarea fácil. un estilete llamada Filbert. que es un pincel plano con esquinas ligeramente redondeadas. que puede ser justo lo que necesitamos. podemos dejar secar el lienzo durante una semana o dos – puede ser incluso más. vale la pena renunciar a cualquier cosa por ello – es decir. donde está la presión de los otros de “salir con los colegas” al strip club o lo que sea. si no. Tiene una consistencia y viabilidad similar al aceite de lino.Es bueno usar diferentes tamaños de pincel. una cinco suelta y diferentes tamaños de magnum. Si estamos poniendo aceite en el lienzo por segunda o tercera vez y notamos que el aceite no se pega a ciertos colores. esto debería resolver el problema. Exceso de televisión. Usamos pinceles de diferente tamaño para crear efectos de enfoque/desenfoque. Cuando sintamos que hemos hecho todo lo que podíamos.

Ningún artista es inmune a los contratiempos de hacer un proyecto de principio a fin.) ¿Cómo puede ayudarnos en nuestra manera de tatuar el trabajar en un medio secundario? 3. pronto habremos pasado ese punto y nos encaminaremos hacia la plenitud. Al sentirte de esta manera. dejando todos los baches detrás de nosotros. te encontrarás en un camino. y entonces hemos hecho algo que la ha alejado de eso. experimentaremos un “bache” más o menos a dos tercios del camino. la duda surgirá. Debemos tener en mente que con un pequeño empujón. sin darte cuenta. en términos de técnica? 4. crearás algo bonito. Tenemos que recordar por qué estamos haciendo el proyecto. Preguntas de Revisión de la Parte III 1. Porque descubriendo finalmente todo tipo de sorpresas. Me gustaría asegurarte que esto no significa nada. tenemos que recordarnos a nosotros mismos que es un estadio normal para cualquie proyecto que valga la pena. Antes de que pase mucho tiempo.) ¿Por qué querríamos empezar con los colores claros cuando pintamos al óleo? .) ¿Cualés son algunas de las cualidades del tatuaje que son raras en cualquier otro medio artístico? 2. pero debes ganártela abriéndote paso a través de las partes duras.) ¿Cuáles son las mayores diferencias entre el óleo y la pintura acrílica? 6. Con tus destrezas potenciadas de esta manera y dirigidas a una obra de arte. y el único antídoto es tener fe.) ¿Qué ventajas tiene trabajar en cuadros pequeños? 7. Si este sentimiento se instala. y sentirás tu impulso a medida que te mueves por él. Empezarás a ser capaz de diseñar proyectos para ti mismo que sabes que aplicarás todas tus destrezas a tus temas más interesantes.) ¿Cuáles son las razones para tintar un lienzo antes de empezar un cuadro? 8. por la experiencia. Puede que sintamos en este momento que la obra no se ve de la manera que habíamos visionado. es fácil desmotivarse y pensar en abandonar el proyecto. con poca experiencia en ningún medio.) ¿Qué medio es probablemente el más parecido a tatuar. Esta última fase del proyecto puede ser la más divertida. no tiene que llevarte décadas el empezar a saborear un trozo de lo que estás intentando conseguir. Puede que estés empezando en pequeño.) ¿Cuáles son algunas de las maneras de las que un tatuador puede hacer uso de un ordenador? 5. o que se veía muy bien hasta hacía poco. no para conseguir que la obra acabe en un museo de arte. Incluso con los proyectos pequeños. pero especialmente con los grandes.

flores. sombra y composición. lo cual puede ser difícil de hacer sin referencias a menos que hayamos acumulado una buena cantidad de experiencia.) ¿Qué ejemplo hay de un medio para óleo que seque rápido? ¿Y de uno que seque lento? ¿Conoces algún otro no mencionado en este libro? 10. Para empezar. a veces podemos hacer nuestro propio material de referencia. Francamente. animales. Hay libros disponibles de figuras posando. nos ofrece la oportunidad de ser más precisos en nuestros temas. Nuestra referencia puede consistir prácticamente en cualquier cosa. Cuando escogemos un tema que nos interesa. Trabajar con una referenca tiene muchos beneficios. casi cualquier tema que podamos imaginar. Podemos poner objetos en una mesa y trabajar mientras los miramos. excepto quizás los tatuajes de otro.) ¿Qué debemos hacer si parece que un proyecto empieza a ponerse difícil? Parte IV Trabajando con una Referencia 4. podemos poner a un modelo humano en la pose que elijamos. a menudo se les dice a los estudiantes que pongan un caballete en el museo de arte local y copien a algunos de los antiguos maestros. Si estamos trabajando en un nuevo tema y necesitamos saber más sobre él. Este puede ser un ejercicio muy útil. La única manera de evitar esto es encontrar un tema similar que ya haya hecho otro artista. Millones de imágenes libres de copyright están disponibles en Internet. desde efectos de fuego a flamencos. estamos limitados por nuestra propia experiencia. En la escuela de arte. y luego trabajar ya sea del natural o hacer una foto y trabajar con ella. nuestros primeros intentos de conquistarlo artísticamente están destinados a ser un poco caricaturescos y minimalistas. . Si el tema es uno que no podamos obtener de objetos cotidianos. un paso clave es trabajar con una referencia. proyectar luz sobre él para obtener una buena interacción entre la luz y la sombra. pero después de un tiempo esto no es muy satisfactorio. También podemos poner objetos en un cuidadoso equilibrio de luz.9. como los cuadros de bodegones. y luego fotografiarlo. concebidos específicamente para servir de referencia. pero definitivamente los estudiantes necesitan moverse para crear su propio estilo. como animales o figura humana.1) Viendo la Realidad Sin importar en qué medio estemos trabajando. sólo ha habido en la historia un puñado de artistas que hayan dominado la figura lo suficiente para usarla sin ninguna referencia y seguir engañándonos para no notar la diferencia (¡y ninguno ha cogido nunca una máquina de tatuar!). normalmente de esta manera estudiarán una variedad de estilos de diferentes artistas.

y el tema aún retendrá su identidad. A menos que estemos haciendo un retrato o algo por el estilo. pueden ser una gran fuente. Por último pero no menos importante. 4. tener buen material de referencia es una manera de expandir nuestro vocabulario. Hay incontables imágenes ya existentes disponibles. tenemos más control de la manera en que se verá en la piel. Diferentes primeros planos y fondos encontrados pueden mezclarse. Una referencia encontrada también puede ser cambiada o manipulada. no sólo familiarizándonos con los nuevos temas. queremos que toda la obra de arte nazca de nuestra propia imaginación. queremos usar las referencias para ganar más libertad. Para ver unos cuantos libros buenos de anatomía humana y webs con imágenes libres de copyright. Algunos temas simplemente no van a ser fáciles de encontrar en material existente. Cualquier tema donde tengamos la luz jugando sobre una superficie texturada y un potencial de efectos de sombra dinámica. creada sólo para él. sin embargo. muchas son gratuitas. damos a la pieza más de nuestra propia energía. entonces tenemos la libertad de interpretar el resto como queramos. sino enseñándonos nuevas e inesperadas cosas sobre los que ya conocemos. Idealmente queremos crear una obra de arte original que tenga sentido del realismo. no necesariamente una copia exacta. Incluso los libros que no se denominan específicamente como de referencias para artistas. para poder romperlas de manera apropiada. Incluso si los hay. . esto puede contribuir a nuestro control sobre el rango dinámico de la obra. luces y sombras. y algunas están disponibles por un módico precio. más versátiles nos volvemos. Incluso si ya tenemos una manera estilizada de dibujar el tema con la que estamos contentos. Una vez más. Porque cuando tenemos suficientes aspectos correctos del tema. sino tambíen con el enfoque y los efectos atmosféricos. es legal usar estas imágenes en un tatuaje. Usando nuestras propias referencias creadas. es útil usar una referencia donde instalemos nuestro tema en una situación de luz controlada y lo fotografiemos. láminas o ese tipo de cosas.Otro tipo de realismo con el que pueden ayudarnos las referencias no es sólo la anatomía o las proporciones correctas de la materia en cuestión. y apelar a nuestro juicio intuitivo sobre lo que puede quedar bien y qué es apropiado en un diseño para una parte del cuerpo dada. y le damos al cliente el placer saber que incluso la foto con la que estamos trabajando es original. mientras no publiques estos diseños como camisetas. llega ese día en la carrera de un artista que ya no se siente satisfecho de usar referencias encontradas. sino también dominar los efectos de luces y sombras que pueden dar a nuestra materia vida y dimensión.2) Encontrando o Creando Nuestras Referencias Una referencia encontrada simplemente puede hacer el trabajo para tatuajes de tamaño medio o cuadros pequeños. mirar una referencia ahora y siempre mejorará nuestro dominio. como las enciclopedias de vida salvaje o las revistas de culturismo. es bueno conocer las reglas. mira el Apéndice A. adaptarse y combinarse. Y cuanto más sabemos. como ya hablamos en el capítulo anterior. En una situación ideal. Esa foto puede ayudarnos no sólo con las proporciones. ya sea usando un ordenador o durante el proceso de dibujo. Durante este proceso necesitamos recordar que no debemos ser gobernados por nuestra referencia.

Cuando hacemos esto. 4. Simplemente componemos el tema a nuestro gusto. En este caso. mejor. pero no en ninguna medida en la que nosotros. que nos permiten apagar el flash. El tipo de objetivo que usemos depende de nuestro tema. En una consulta con el cliente hemos trabajado la idea básica del tatuaje y hemos decidido el emplazamiento en el cuerpo.B). sobra con un objetivo estándar. Casi todas las fotos de tatuajes de referencia de las que hablamos en este libro están tomadas con un objetivo estándar.D-4. La mayoría de cámaras se apañan bastante bien con la luz solar.E). que nos permite acercarnos mucho más. Si merodeamos por las tiendas. Así que para empezar. pobres tatuadores. un tema puede parecer mucho más emocionante a través de un objetivo macro.C). Primero. la composición. haciéndolo parecer plano. imaginemos que tenemos un tema hipotético que vamos a fotografiar – la calavera de un ciervo (Fig . no obstante. A menudo puede que nos encontremos a nosotros mismos descubriendo un nuevo acercamiento después de los dos primeros rollos. por definición.La clave para crear nuestras propias referencias es tener una buena cámara y habilidad básica para usarla. algunas usando el enfoque automático. el flash se cargará todo esto. y sería raro que necesitáramos un trípode. o luz solar directa. A veces. y hemos hecho un boceto (Fig. como en un día nublado o brumoso. Incluso si tenemos luces de color apuntando al tema y se ve dinámico y emocionante a través de la lente. es una de las claves básicas del diseño. cuanto menos inviertas en el trípode. baratos. Cuando usamos el flash de la cámara. .4. vayamos a notar nunca. iluminamos el tema uniformemente. obteniendo diferentes efectos de iluminación y variaciones en las relaciones figura/fondo. fueron hechos con fotos de referencia tomadas con un objetivo macro. Recomiendo disparar varias fotos cambiando ligeramente de ángulo. y las relaciones neg/pos. 4.2. El siguiente paso sería poner el tema en la posición correcta e iluminarlo para intentar capturar la esencia básica del boceto con nuestros objetivos actuales. Cuantás más elecciones tengamos. vamos a emplear un poco de tiempo en hablar sobre ello. sin embargo. La mayoría de cuadros. incluso 2 o 3 carretes. También necesitamos un trípode para estabilizar la cámara cuando hacemos fotos de exposición prolongada – y recuerda. para conseguir lo que deseamos. Para la mayoría. la cámara calcula una exposición mayor para asegurarnos que la foto no es demasiado oscura. y disparamos. que crea sombras más fuertes y tiene diferentes calidades en diferentes horas del día.A). No es una locura disparar el carrete entero. tenemos la elección de la luz ambiental. menos satisfactorio será – los trípodes baratos son.2. Por su importancia. También hemos tomado un registro de la parte del cuerpo del cliente (Fig.2. La iluminación que usemos cuando disparemos la foto es capital en describir las formas y crear la atmósfera. como cualquiera de las Canon Eos. deberíamos encontrar un objetivo estándar decente con capacidad macro – estos objetivos todoterreno comprometen un poco de su calidad en volverse más versátiles. y necesitemos salir corriendo a conseguir más película. podríamos fotografiarlo fuera con luz natural. 4. Podemos probar movernos alrededor del objeto. como en (Fig. enfocamos.2. Si buscamos una apariencia naturalista.2. y otras enfocando manualmente. necesitamos una buena cámara de 35mm.

una vez que tengamos las fotos en estos colores básicos. pero no el resto. Para conseguir el máximo control sobre nuestra iluminación. Es un control en el objetivo mismo. acercándonos tanto como podamos sin recortar la composición (Fig. Lo ideal sería una buena superficie de trabajo. pero los números generalmente van del 4 al 22. tendremos la exposición más corta pero la profundidad de campo más estrecha – esto es. normalmente en forma de anillo rotatorio con números. Cuando usamos dos fuentes diferentes de luz. o por ahí.2. siempre usaremos trípode. cuantas más variaciones de iluminación. el menor número de elementos saldrán enfocados (Fig. 4. 4. 4. pero son menos cómodos. mejor que dejar que se mezclen (Fig. Las luces intensas requieren menos exposición. Mientras miramos a través del objetivo. incluyendo los modelos baratos de garaje. pero requiere una exposición más larga. podemos usar luces halógenas.F). buscando la combinación más dinámica (Fig. Podemos controlar la profundidad de campo ajustando el f-stop.K).2. no debería importar. 4.G).A veces queremos una iluminación más dramática de la que podemos conseguir al aire libre. más o menos medio rollo por unidad. hemos optado por una simple combinación de azul y amarillo.H. necesitamos hacer este tipo de fotos en una situación controlada. incluso con buena luz.2. dependiendo del aspecto que busquemos. a menudo necesitamos a una persona sosteniéndolas y moviéndolas para conseguirlo. Cada objetivo es diferente. posiblemente en un libro o algo para levantarla.2. y .2. no nos confundiremos tan fácilmente cuando estemos intentando hacer el tatuaje.I. Si usamos el número más bajo. pero si tenemos un buen trípode. movemos las luces alrededor. También querremos al menos un metro y medio o dos metros de espacio delante de la mesa o mostrador para maniobrar con el trípode. es hora de revelar las fotos (o descargarlas. dependiendo de la cámara) mirarlas e ir estrechando el círculo hasta obtener nuestra preferida. Podemos usar lo que queramos como luces. ya sea en una habitación sin ventanas o de noche. clara y dramáticamente. He usado bombillas incandescentes normales incluyendo esas coloreadas para fiestas. Además. Después de disparar hasta que estemos contentos. 4. mientras tengamos cuidado de no quemarnos.L).2. A veces nos gustará un trozo de una foto. Ahora es el momento de quemar película como loco. tendremos muchos más elementos enfocados. 4. mejor. El siguiente paso es poner la calavera en la mesa.2. movemos la calavera hasta que esté compuesta de la misma manera que en el boceto. También uso habitualmente tubos fluorescentes de 18 pulgadas baratos de 6 $ enrollados en colores Reynolds Wrap.J). Una vez que consigamos esto. luego poner la cámara en el trípode y apuntar a la calavera. Usando el f-stop más alto. a la altura de un mostrador¸y acceso a electricidad. Para nuestro hipotético cráneo de ciervo. es bueno tener una zona distintiva de sombra entre los diferentes colores. Para una luz más intensa. podemos cambiar el color como queramos en Photoshop. De esta manera. ya que se ponen CALIENTES. Ya que estos colores son muy diferentes. He usado platos de vidrio de cobalto como filtros de color. Para estas fotos con númer alto de f-stop. oponerlos como fuentes de luz ayuda realmente a describir la forma. (Fig 4. hacen un azul más satisfactorio que el que obtenemos de los fluorescentes. A veces es útil tener un ayudante para esta parte. ya que no siempre es posible poner las luces justo donde queremos simplemente apuntalándolas.

A veces. lo que es mucho más difícil en el mundo 3D que en el papel. y es de lejos la más suave y fácil de trabajar. Por su textura y versatilidad. el plan era que mi cliente y yo colaboráramos en el modelo. tomamos un calco.O). hacemos un pequeño boceto de la idea del diseño. vamos al taller y construimos una caja para guarecer nuestro modelo. deberíamos tener una buen calco. Después de obtener el calco. pero mi propia experiencia es con plastilina. Hay muchas marcas de plastilina disponible. Pa. empezamos con esta manguera como esqueleto (Fig. o incluso en un desguace.2. Para un modelo grande. que construimos a escala real. Es mejor que la superficie del papel esté tan arrugada y aplastada como sea posible. Luego marcamos reglas a cada lado de la caja para que se correspondan con las reglas del calco y del boceto a tamaño entero. y a pesar de la multitud de marcas decentes de plastilina blanca. Entonces marcamos una regla a cada lado del diseño En este caso. podemos combinar estas partes en Photoshop. prefiero mangueras de refrigeración de cobre suave. ninguna tiene la cremosa y bonita textura de la Venus. En momentos así. Para modelos pequeños podemos usar alambre o limpiadores de pipas. luego transferimos el boceto al calco (Fig. Esta parte es mucho más fácil usando un ordenador. como hablaremos más adelante. 4. incluso un boceto relativamente simple puede ser suficiente para guiarnos.2. ya estaba habituado con este tipo de lenguaje gráfico. El cliente en cuestión. cada uno con una rigidez distinta. y hacemos la plantilla. Finalmente. Viene en un color gris verdoso. necesitamos una idea sólida de lo que vamos a hacer. prefiero la marca Venus (ver Apéndice A). nunca encontraremos lo que buscamos en ninguna tienda. el tatuador Don McDonald de Pittsburg. Antes de construir nada. redimensionamos la imagen para que coincide con la localización. Si construimos algo más grande de 5 cms necesitamos aguantar la plastilina para que no se caiga. haciendo apropiada la colaboración. Para algunos tipos de imagen. Prevendrá el tener que hacer decisiones importantes sobre la marcha.2. 4. sin embargo. aplastándolo y ajustándolo a la forma que queremos (Fig. y que aún parezca una única imagen consistente.la mayoría de otra. pero puede hacerse con una fotocopiadora o un proyector.N). El modelo puede ser de cualquier material maleable. y luego yo se lo tatuara. Esta caja sirve como soporte y protección para el modelo. ya que . Para los grandes. Si estamos haciendo el modelo para el diseño de un tatuaje. que es un tipo de masilla de modelar que permanece húmeda indefinidamente. y lo hace transportable. cada una con sus propiedades.M). y luego fotografiarlo. que vienen en muchos calibres diferentes. el cual es un diseño para la zona de la clavícula a la rodilla. podemos construir nuestro tema desde cero en forma de modelo. intentando poner cada parte del diseño lo mejor que podamos para cada parte del cuerpo. Para el modelo del que hablaremos en este capítulo.. luego lo engrosamos con papel de aluminio. es bueno usar una plastilina blanca a modo de efectos de iluminación. pero no esa parte – si queremos. En una sección posterior. hablaremos diferentes maneras de hacer plantillas que pueden ser útiles a la hora de traspasar una imagen fotográfica a la piel. en los bosques. 4.

Q. aplicamos una “piel” de plastilina de medio centímetro de grosor. Para aplicar dicha piel. Para esto usamos Kilz. podemos calentarla poniendo las tiras a la luz del sol.U.W). como ya hemos hablado en la sección anterior. 4. tenemos que asegurarnos de hacerlo en un área bien ventilada.2. 4. engranajes.2.T). incluyendo algunos primeros planos. 4.2. Entonces. pero me quedaría sin espacio si los guardara todos. mientras seguía permitiendo que iluminara libremente el modelo. Algo del detalle lo hacemos con la plastilina.aguantará mejor la plastilina. Después de acabar la piel.V. Cuando usamos cualquiera de estos productos. así que para la piel usamos plastilina reciclada de viejos modelos. ya que este tipo de calentamiento hará que la plastilina suelte vapores tóxicos. He guardado algunos de los que he hecho. cortamos la plastilina en tiras finas. Entonces instalamos el modelo y lo fotografiamos.2. sobre la que podemos construir detalle. creando un patrón claro y legible de luz y sombra azul en la pieza. sostuve una bombilla incandescente en mi mano de manera que evitara que diera directamente en el objetivo.2. 4. una imprimación-selladora blanca que se agarra a todo. 4.R. Ya que el modelo acabado estaba hecho de tantos materiales diferentes.S). y luego la ponemos sobre el papel de aluminio y unimos sus bordes para hacer una piel continua. Usamos diferentes grosores de tubos flexibles.2. así que normalmente reciclo la plastilina para el siguiente proyecto.2. Notarás que la piel de nuestro modelo está compuesta de plastilina de diferentes colores (Fig. . piezas de plástico. Disparamos al menos 3 carretes. 4. También acabamos usando pequeños detalles de otras fotos. Luego procedí a sostener la bombilla en numerosas posiciones mientras él tiraba fotos. Este proceso es más fácil si la plastilina está caliente. parte de un carburador y una pistola de rayos de juguete con el cañón cortado para darle a la obra detalle y carácter. Después de esto. como el queso. pusimos dos pequeñas unidades fluorescentes liadas en azul Saran para cada lado del modelo. lo pintamos con un blanco plano para hacerlo mejor de fotografiar (Fig.P). Intenté crear una buena iluminación para cada elemento del diseño. debemos asegurarnos de trabajar en un espacio muy bien ventilado. Si no la ocultara de la cámara de esta manera. Primero. ya que la plastilina puede ser reacia a adherirse al papel. Esto es porque estamos construyendo un modelo grande y queremos reservar la plastilina blanca para los detalles de la superficie. incluyendo a la plastilina de base aceite. mientras Don echaba las fotos. Esto puede llevar un poco de trabajo. 4.X). la bombilla blanquearía seriamente la imagen. Algunos trozos de plastilina en este modelo vienen de 4 o 5 proyectos diferentes. pero me di cuenta de que no es posible iluminar todo el modelo dinámicamente en una sola foto. 4. otra buena marca es BIN Imprimadora-Selladora. cualquier cosa para maximizar el efecto de iluminación en la imagen final (Fig. pero al final conseguiremos que se rinda.2. usamos la rama de debajo de una foto. la verdadera diversión comienza cuando empezamos a añadir detalles (Fig. 4.2. la rama del medio de otra y la zona de arriba de otra (Fig. mientras que la mayoría lo hacemos con piezas de ferretería o partes de un ciclomotor fallecido. o usar un calentador – si hacemos esto. Así que el cuadro final es una compilación de varias fotos.

hecho plantilla. Construí este modelo con Aaron Cain. en vez de combinar varias. Este es uno de mis primeros proyectos con modelo. es en realidad un vasto e inexplorado territorio.3) Haciendo un Tatuaje con un Modelo Trabajar con modelos no sólo puede expandir nuestro vocabulario y dar a nuestro trabajo más realismo. las imprimimos. cortamos la imagen en piezas más pequeñas. 4. La primera foto es de la pieza sin pintar. Aunque en principio es simple. que compartiré contigo aquí. la dimensión real de esta pieza no está comprometida.Cuando acabamos con el Photoshop. ¿Cómo usa exactamente un artista una cosa así para el diseño de un tatuaje? Muchos de nosotros hemos hecho retratos de fotos. podemos movernos a temas menos familiares.3. en la que un diseño es inevitablemente traducido a un dibujo de línea. De esta impresión a tamaño real hacemos una plantilla. creando una fuerte ilusión. lo que ciertamente es una práctica para este tipo de cosas. Ya que nuestra impresora sólo puede manejar un tamaño A3.4. incluso si parte de la foto es difícil de leer o no encontramos ni la cabeza ni los pies de nuestra plantilla. De esta manera.A) tenemos un rugoso modelo de una calavera biomecánica. aún podemos “imaginar” estas partes. Yo mismo hee probado unos cuantos métodos distintos. usando una técnica de la que hablaremos más adelante en el Capítulo 5. En (Fig. Una vez que tenemos un método a prueba de bombas para trabajar con modelos.C) está el tatuaje acabado. Una de las claves del éxito aquí es trabajar con un tema familiar.) Mi primer impulso aquí es trazar la impresión en papel de calco y traducirla a una serie de líneas. Este modelo en particular es mucho más simple que el primero del que hablamos. ya sea en papel o sobre la piel. al menos al principio. Este tipo de trabajos nos enseña a traducir una imagen a todo color o en escala de grises a una simple plantilla o calco. Incluso una zona de gran magnitud de luz o sombra en el sitio equivocado. lo iluminamos e hicimos la foto. el desguace de la moto. lo que potencialmente se puede hacer con la fotocopiadora (sin embargo usar el ordenador aquí nos ahorra algún problema.3. En (Fig . que nos llevó diez horas. los dos estamos bastante acostumbrados a este tema. Sólo usamos Photoshop para ponerla a tamaño del calco. así que dibujaba sobre mi experiencia previa. y las pegamos. luego la retraducimos a una imagen completa otra vez. 4. Debido a que todas las luces y sombras están en el sitio correcto. incluyendo el viaje a la ferretería. sino también nos presenta nuevos retos que afrontar. En (Fig. y luego retraducido hasta su estado final. dibujando lo que ya conocemos de ese tema. 4. este es un proceso bastante tedioso. y luego hacer una plantilla de este dibujo de línea.3. El resto es historia.B) le dimos al modelo con Kilz. imprimimos la imagen a tamaño real. El fotorrealismo es una . etc. mientras que el modelo de McDonald llevó tres días). juntamos fuerzas no sólo para crear una obra de arte híbrida única.3. Debido a la riqueza de detalle. y la ilusión puede fallar. Como en el modelo con Don McDonald. sino para hacerla rápido (este modelo nos llevó un día. Definitivamente hay una calidad diferente que si simplemente la hubiera dibujado de cabeza. pudimos coger una única foto del montón. y a pesar de que tiramos un carrete entero con pequeñas variaciones en la iluminación.

La concentración de detalle dan enfoque a los huesos. (Fig .4. El rotulador amarillo da una buena base al proceso de freehand. definiendo lo que empezamos en amarillo. . también lo hacen las grandes sombras negras en los cuernos. creo que hice el proceso más difícil al traducir la imagen a una plantilla lineal. donde la imagen fotográfica es traducida a una plantilla lineal. usando pequeñas variaciones de iluminación para sacar la forma y el detalle. Otro método que he usado para transferir fotos de modelos a la piel es dibujarlos directamente. seguimos adelante y definimos algo de detalle. freehanding es a menudo la mejor manera de conseguir un buen encaje en el brazo. A pesar de que los resultados son buenos. Este término es posiblemente inapropiado aquí. Disparamos varias fotos desde numerosos ángulos. el tiempo de dibujo freehand es prácticamente igual que el tiempo de tatuaje (Fig. Nos encargamos de la manga en cuatro secciones básicas. donde se usa libremente.simple cuestión de fuerte impacto. hechas en siete sesiones. por muy tentador que sea. ya que queremos una relación clara de neg. lo que se conoce como “freehanding”. En cuatro de estas sesiones. El negro se concentra pesadamente en algunas zonas.3.3.D-4. 4. Mientras nos fijamos en la foto. Evitamos usar mucho negro en las costillas. Esto nos da una biblioteca de información con la que trabajar (Fig. usando discretamente líneas más delgadas donde se necesitan en algunas mangueras y cables.J-4. empezamos con un modelo (Fig. Luego dibujamos en naranja. luego pasada a la piel. Usar amarillo nos permite garabatear un poco sin ocasionar en el proceso problemas de turbidez más tarde. así que evitamos saturar de detalle.3. 4. mientras lo evitamos casi completamente en otras. intentando que encaje en el brazo lo mejor posible.L). que se difuminan gradualmente del negro al color del fondo. hasta llegar finalmente a los brillos.3. no tienen líneas (esas delgadas formas tribales de las que hablamos antes). usando sólo negro para las líneas periféricas y gris para el resto. Usamos un contorno periférico en la punta del cuerno para traerlo hacia delante más todavía.3. 4. con el pesado sombreado por debajo. Las sombras oscuras empujan las costillas hacia delante.3. En esta parte aún estamos trabajando proporciones y composición. considerando el tiempo que puede consumir este proceso. Cuando veamos que la zona entera está compuesta de la manera que queremos.I) construido a tamaño real alrededor de un esqueleto delgado de madera montado sobre una base resistente. dando a la obra una clara silueta general. Finalmente. así que seguimos adelante y damoos a las costillas y la cara una fuerte línea negra. en el fondo. mientras que el fondo se mantiene más suave y simple. Las costillas. sombreamos y coloreamos cuidadosamente las texturas.M). Para esta manga. sobre pos.H) muestra un proceso similar. Pero cuando a mangas se refiere. Empezamos dibujando con un Sharpie amarillo (que tiene dos grosores diferentes de punta). Usamos amarillo para encontrar la major fluidez y composición. los pocos brillos que usamos no son blanco verdadero. El blanco se reserva para las texturas del primer plano. sino claros bordes negros. incluso si esto significa alterar lo que vemos en las fotos. por otro lado.

mientras que los detalles ofrecen recompensa adicional al espectador. conduciéndolo probablemente al desastre. 4. hemos sombreado el diseño entero. En ese momento ya estaba muy familiarizado con el tema. hay suficiente imagen puesta para darnos un buen punto de comienzo la próxima vez que trabajemos esa zona (Fig. que resultaba que tenía libre. 4. mirando las fotos todo el tiempo e intentando mantener todo el realismo posible (Fig. 4.3. Durante el transcurso de esto. aproximadamente como queremos que se vea al final. y luego el cuadro (Fig. de casi tres metros de alto (Fig. Esto significa que necesitamos asegurarnos de que hemos pasado todo el diseño a la piel antes de que el rotulador se borre por completo. También usamos una tres para el átomo giratorio de arriba y en algunas concentraciones de detalle fino del tatuaje. Los colores oscuros y claros están concentrados de manera que dan a todo el brazo una clara silueta desde lejos. Una pizca de amarillo en la punta de las costillas también ayuda a empujarlas hacia delante lejos de los azules del fondo. Al final de la primera sesión. Las costillas. Podemos ir cambiando entre rotuladores.O). Una segunda pasada nos da la oportunidad de dar cuerpo a los colores claros y oscuros. como hacemos mientras tatuamos. Algunos tipos de imagen simplemente no están hechos para ser dibujados. aseguramos una claridad atractiva. Para la mayoría de este tatuaje. Date cuenta cómo todo el dibujo no es sólo líneas. hemos alterado la apariencia de las fotos de muchas maneras. Para hacer un gran cuadro. . Con esto en mente. También date cuenta de cómo parte del diseño se ha hecho con plantilla. concentrándolo en lo más profundo entre las capas del diseño.3. pasé cuatro meses construyendo un modelo grande en el garaje.3. 4. uno de mis clientes me preguntó si estaría interesado en tatuárselo. A los detalles individuales se les da menos valor de rango que a las formas más grandes. Podemos combinar plantilla y freehand en la medida que queramos.3. Los diseños de tatuaje dibujados se borrarán mucho más rápido que las plantillas hectográficas. dando más importancia a la fluidez y legibilidad del tatuaje que a lo bien que copiamos las fotos. creando un simple 3DF8. esto nos da la libertad y fluidez del freehand más la precisión y confianza de una plantilla. usamos primero una magnum. Evitamos el negro en la mayoría de grandes zonas.U). Estas costillas se curvan en una contrafluidez de los elementos que pasan detrás.3. 4.N).S). y finalizamos todo lo que necesite serlo. Intentar traducir esto a líneas mientras hacemos el freehand hubiera hecho que el dibujo fuera muy difícil de leer.sacamos un rotulador púrpura.3. hechos con una tres. acabé el modelo he hice las fotos (Fig. 4. También damos a estos elementos del fondo menos enfoque usando sólo la magnum y evitando colores brillantes o brillos. por otro lado.T). y afilados brillos blancos.P). para no hacer confusa la fluidez general (Fig. Para completar el tatuaje. y luego seguimos con una cinco suelta. tienen detalles precisos. y hacer uso del rango entero de estos rotuladores (Fig. Conociendo la fluidez en forma de curva en S del brazo y dando más prioridad a eso que a los detalles. 4.3. y preparado para tatuarlo. La imagen es una buena composición para un antebrazo.R).

Lo hacemos lo mejor que podemos para conseguir la mayoría de efectos de enfocadodesenfocado. clarificando formas hasta que sabemos que no habrá ningun misterio más adelante. haremos un par de ejercicios con Photoshop. Ya que es un tema conocido y tenemos una foto clara con la que trabajar. usando los diferentes tamaños de grupos de agujas para los diferentes niveles de enfoque.) ¿Por qué no nos interesa usar el flash de la cámara cuando hacemos fotos de referencia con efectos propios de iluminación? 4.2X). 4.W). Tengo más ejemplos de referencias fabricadas y diferentes técnicas de plantilla para mostraros. A pesar de que no tenemos más opción que simplificar mucho de su detalle. pero ya que se apoyan mucho en el uso del ordenador. Durante la mayor parte.Y). Dibujamos en esta impresión.) ¿Qué significa usar un número bajo de f-stop? ¿Cómo afectará esto a la foto? 5.) ¿Por qué debemos arrugar el papel de aluminio lo más posible? . empezamos con medios tonos para obtener la imagen básica. La pieza acabada es una versión bastante precisa del cuadro (Fig. vamos alrededor del brazo con un rotulador. cambiando algunos detalles mientras reforzamos otros.) ¿Qué material hace un buen esqueleto flexible para modelos de plastilina grandes? 7. luego nos movemos hacia los oscuros y el negro donde lo necesitamos. Algunas de las formas usan una plantilla lineal tradicional. me he dado cuenta de que es fácil usar demasiado negro si queremos establecer una base completa con él antes de pasar al color.95 cms. que afectarán a la apariencia de la obra entera? 3. ¿cuál es uno de los elementos más importantes. hacemos una plantilla (Fig.3. Cuando está acabado. no tenemos que temer perdernos. transformamos la imagen a blanco y negro y la imprimimos. primero calcamos el brazo y escaneamos el calco.V). pero toda la textura está trazada en zonas de positivo/negativo en la plantilla. probablemente es mejor si primero nos familiarizamos con Photoshop. 4. cambiamos algunas proporciones y movemos algunos tentáculos.) Cuando creamos un modelo de referencia. una cinco y la magnum varias veces durante el proceso inicial de pasar la plantilla a la piel.3. ya sea para tatuar o para otro medio? 2. Cuando está acabado. Preguntas de Revisión de la Parte IV 1. 4. 4. Este es un buen ejemplo de un tatuaje donde cambiamos entre una tres. En el próximo capítulo hablaremos de lo básico del ordenador. sólo lleva un par de intentos poner bien la plantilla (Fig. por lo tanto. somos capaces de. Entonces usamos Photoshop para redimensionarla y alterar el cuadro.3. Para que encaje. haciendo una plantilla a tamaño real.Para hacer que la imagen encaje en el antebrazo. y luego hablaremos de manera de usar estas herramientas del siglo 21 para expandir nuestro vocabulario. Ya que hemos hecho que el diseño encaje cuidadosamente usando el calco y la plantilla.) ¿Por qué la plastilina es genial para hacer modelos de referencia? 6.3. para conseguir el mejor encaje dentro de la plantilla (Fig. en tres sesiones.) ¿Cuáles son algunas buenas razones para trabajar con referencias.55x1. captar la esencia básica del original de 1.

8.) ¿Por qué a menudo debemos pintar nuestr modelo con un blanco plano antes de fotografiarlo? ¿Qué producto es bueno para esto? 9.) ¿Bajo qué circunstancias querremos sacar nuestra imagen de referencia final de diferentes fotos? 10.) ¿Por qué a veces la plantilla lineal tradicional es inadecuada para un intrincado diseño con sombreado? 11.) ¿Cuál es una buena razón para usar rotuladores de diferente color mientras hacemos freehand? ¿En qué orden los usamos? 12.) ¿Cuál es otro estilo de plantilla hectográfica aparte de la tradicional plantilla lineal? ¿Puedes pensar otras maneras de hacer esto?

Parte V
El Tatuaje Digital 5.1) Informática Básica para Tatuadores Hoy en día tenemos la capacidad añadida de la informática para hacer mucho más a nuestro gusto nuestras propias referencias y diseños. De hecho, podemos usarla para limpiar nuestras presentaciones y parecer más profesional en general. Cuando mi mujer y yo compramos nuestro primer ordenador en 1.999, esperábamos que fuera útil para hacer nuestros portafolios mejor y guardar nuestras imágenes para imprimirlas o usarlas en internet. Realmente no teníamos ni idea de cuánto podía potenciarnos artísticamente y expandir nuestros horizontes. Un equipo digital completo para un tatuador debería consistir en un ordenador básico (CPU, teclado, monitor, ratón), un escáner, una impresora, y buenos periféricos, como trackballs o tabletas gráficas. Hay máquinas baratas de nivel principiante disponibles de marcas como Hewlett-Packard o Gateway, con las que puedes escoger todo este equipo por unos 1000$. Si es todo lo que puedes afrontar, no pasa nada, puedes apañarte con eso. Pero si eres un tatuador en activo probablemente podrás permitirte algo más potente, y comprar un ordenador barato es parecido a usar máquinas de tatuar baratas – puede significar más trabajo o gastarte más dinero luego. La mayoría de artistas de cualquier técnica, incluido yo mismo, estamos a gusto con los ordenadores Macintosh por su “amistad” para con los artistas y sus potentes procesadores. El Mac más sencillo es el iMac, que puede costarte entre 1.200 a 1.500$, dependiendo de lo rápido y bien equipado que pueda estar el modelo en particular. La gama más alta de Mac puede costar unos 3.500$, y tienen unos 20 gigabytes de disco duro (suficiente para mil imágenes de 20x25 cms a 300 ppp) y 256 megabytes de RAM, lo que debería ser más que suficiente. Cada seis meses o así estos números aumentan, así que dependiendo de lo viejo que sea el libro cuando lo leas, estos números pueden estar muy detrás de lo que actualmente esté disponible por ese precio. (N. del T: efectivamente…) También necesitarás el escáner y la impresora, que las hay desde alrededor de 100 dólares en adelante. Un escáner de alta calidad tamaño estándar cuesta unos 300$; una buena impresora Epson más o menos lo mismo. Escáneres más grandes ya están desde

los mil pavos, y una impresora Epson de más tamaño ronda los 1.200$, pero si haces un gran volumen de trabajos a gran escala, puede merecer la pena. El iMac viene con su propio monitor, pero muchos de los Mac más rápidos no; un buen monitor puede costar varios cientos de dólares, y uno de tamaño grande (¡muy útil para artistas!) puede costar desde setecientos y subir hasta 1.300 $ o más. Como controlador, no recomiendo un ratón estándar, que puede ser duro para las manos y las muñecas y no ofrece suficiente control para un trabajo artístico de calidad. He tenido buenos resultados con una trackball, que te permite hacerlo todo con la punta de los dedos, no con el brazo entero. Kensington hace buenas trackballs – las mejores son las que tienen la bola más grande y pesada y cuatro botones. Podemos reprogramar fácilmente estos botones para que uno sea un click, el otro doble click, otro para arrastrar, y otro para Cursor Lento, lo que nos da un nivel de control mucho mayor. Ya que necesito dejar que mi mano derecha descanse lo máximo posible, me he enseñado a usar la trackball con la mano izquierda y me he dado cuenta que es sorprendentemente fácil. Al principio seguía pasándome la bola a la mano derecha para las operaciones más precisas, pero con sólo unas semanas de práctica me encontré a mi mismo prefiriendo la mano izquierda para todo lo relacionado con el ordenador. Otro buen tipo de controlador para artistas es una Tableta Gráfica, que funciona como una versión en grande de esos registradores electrónicos de firma que llevan los mensajeros de UPS. La tableta gráfica suele ser normalmente tamaño A5 y tienen un estilete sensible a la presión, parecido a un bolígrafo. El pad lee tus movimientos, y el estilete lee cuánta presión ejerces. Esta es una herramienta ideal para artistas gráficos, y cuestan desde 100 $ en adelante. Wacom tiene buenas tabletas para principiantes. Me he dado cuenta, sin embargo, que una tableta puede ser igual de dura para la muñeca que los lápices de colores, ya que tenemos que apretar en la superficie para que funcione. Por esta razón, he tratado de sustituirla por la trackball, que es más confortable a largo plazo. La mayoría de Macs vienen con una bandeja de CD o DVD para leer información de discos compactos. Estas bandejas no obstante no graban CDs, y probablemente necesitarás esta capacidad, tanto para almacenar archivos a largo plazo como para poder mandar discos a otra gente. Un CD tiene 650 megas, o unas 32 imágenes de 20x25 cms a 300 ppp (300 Puntos Por Pulgada, o PPP, es una resolución estandar de calidad). Mira cátalogos para precios; una buena grabadora de CD estará sobre los 350$, mientras que los discos vírgenes pueden comprarse por menos de un pavo cada uno. Conseguirás la mejor oferta en tu ordenador a través de catálogos, como Club Mac, Mac Warehouse o Mac Connection. Si consigues catálogos de varios sitios, puedes comparar precios – normalmente son muy competitivos. Puedes mirar en la red también, pero sólo si ya tienes un ordenador. Comprueba el Apéndice A para contactar con estos distribuidores. Los nuevos usuarios de ordenador a menudo se frustran con el proceso de instalación. Es fácil intimidarse o confundirse con la novedad y la complejidad. Simplemente recuerda que hay niños de 11 años por todo el mundo que pueden hacerlo por ti en una hora (¡aunque esto no va a hacer que te sientas menos frustrado!). El proceso de instalación es en realidad muy simple, especialmente si tienes un amigo o un miembro de tu familia que lo haya hecho antes. Ten presente que esta confusión es una fase corta

que experimentan todos los novatos, y rápidamente nos abrimos paso a través de los obstáculos y somos plenamente funcionales. Antes de que te des cuenta, estás respondiendo preguntas a un amigo que acaba de comprarse un ordenador; más importante aún, te das cuenta de cómo contestar tus propias preguntas. Hay incontables programas gráficos disponibles, cada uno con sus ventajas; una sola persona no puede aprenderlas todas en una vida. Para nosotros los tatuadores, el programa más importante que podemos aprender es Adobe Photoshop. Photoshop puede usarse como un programa para pintar, donde empezamos con un lienzo en blanco y añadimos color y formas con las múltiples herramientas disponibles. Pero su verdadera fuerza radica en su habilidad de importar imágenes ya existentes y manipularlas, que es lo que exploraremos aquí. Photoshop no es un programa barato; el paquete completo de la última versión te costará unos 600 $. Te aseguro que merece la pena. Sin embargo, muchos escáneres vienen con una versión reducida de Photoshop llamada Photoshop LE. Esta versión tiene la mayoría de características básicas de Photoshop, pero carece de muchos detalles. Podemos apañárnoslas con esta version durante los primeros ocho meses o así de tener el ordenador. Si tienes una versión registrada de Photoshop LE, puedes comprar una actualización, que te dará todas las características por mucho menos del precio del paquete entero. Como ya he dicho, puedes apañártelas sin éstas, pero a medida que ganas más experiencia, querrás más versatilidad. Photoshop tiene muchos filtros prefabricados para efectos texturales y de enfoque, pero puedes comprar filtros adicionales de varias compañías. Estos programas se llaman plug-ins, y expanden las capacidades de Photoshop. Generalmente, los plug-ins de otras compañías suelen ser más elegantes e imaginativos que los prefabricados. Kies Power Tools es líder en plug-ins para Photoshop; puedes verlo en la red. Instalar programas en el ordenador normalmente sólo es cuestión de insertar el CD con el programa y hacer doble click en el icono del disco que aparecerá en la pantalla. Se abrirá una carpeta con muchas cosas dentro, una de ellas llamada Instalador. Si hacemos doble click en este icono, seremos guiados a través de unas cuantas instrucciones muy simples, y luego se nos pedirá que reiniciemos el ordenador. Una vez que tengamos Photoshop y los drivers de nuestro escáner instalados, estamos listos para empezar a manipular imágenes. 5.2) Un Breve Tutorial de Photoshop Intentaré ser rápido aquí. Photoshop tiene muchas herramientas y menús, sólo hablaremos de las que más usamos en la preparación de diseños para tatuar o presentación de portafolio. Te animo a explorar los menús y herramientas para que veas lo que hay: un mundo entero por descubrir. Este capítulo será muy útil si ya tienes un ordenador, tienes Photoshop instalado y puedes experimentar con las características de las que vamos a hablar, probándolas a la vez que lees. Si no tienes un ordenador todavía , esta sección te resultará totalmente soporífera¸ y no te culpo si quieres pasar al siguiente capítulo.

2. dejando un poco de espacio. Esto puede ahorrar tiempo. Movemos los bordes de manera que encuadren una de nuestras dos fotos aproximadamente de la manera que queremos que salga la imagen. clickeando y arrastrando sus bordes. es lo suficientemente buena para ver la imagen en la pantalla. Una de las opciones será Preescanear o Vista Previa. Vamos al menú de Archivo y luego a Importar. querremos ajustarlas y escanearlas individualmente. un menú de opciones en la barra de arriba de la pantalla (Archivo. Cuando movemos las barras deslizantes delante y detrás. escogeremos 480. Esto traerá una imagen de 72 ppp del escáner a la pantalla. como la paleta de capas. Veremos una barra de herramientas a nuestra izquierda. con algunos drivers veremos una ventana de progreso que muestre el estado. mientras que la de la derecha debería estar en el borde derecho (Fig. Ventana. una barra inmediatamente debajo de esta con unas pocas opciones de herramientas en ella (en versiones 6. También habrá un rectángulo hecho de línea de puntos en la pantalla que podrás mover y cambiar su tamaño agarrando. Si nuestras fotos son todas muy parecidas en calidad. veremos que el contraste de la imagen en el escáner cambia.A). y escanearlas todas a la vez. Primero ponemos las fotos en el escáner y cerramos la tapa. Tiene que haber tres flechitas deslizantes debajo del gráfico.0 y superiores). He usado un driver llamado Silverfast (que viene con la mayoría de escáneres Epson) satisfactoriamente. vamos arriba de la pantalla y hacemos click en un botón que parece una pequeña hilera de montañas negras. Vista. pero si alguna de las fotos está más blanquecina o algo diferente de las otras. entraremos a un menú con muchas cosas. Idealmente. podemos ajustar la Compresión del Espacio del Color para un lote. Esto abrirá una ventana que muestra una hilera de montañas más grande. Este es un programa que viene con el escáner. Con Photoshop funcionando.Empezaremos haciendo una simple página para el portafolio con dos fotos. incluyendo el driver del escáner. Luego abrimos Photoshop. Cuando hemos seleccionado la zona deseada. que clickearemos primero. Cuando la tenemos como queremos. 5. Cuando el escaneado se ha . Imagen. Filtro. este rectángulo es para seleccionar la zona de escaneado que queremos. Con esta herramienta usada apropiadamente. como en brillo y contraste. pero no muy adecuada para imprimir. El proceso de escaneado puede llevar unos cuantos minutos. 72 ppp (puntos por pulgada) es la resolución de nuestro monitor. aparecerá una pantalla de créditos durante unos segundos mientras se abre el programa. Después de aceptar los cambios de color. la de la izquierda debería estar en el borde izquierdo de la hilera de montañas. hacemos click en OK. y muchas otras ventanas. ya que tenemos una herramienta más precisa de recorte en Photoshop para afinar. Selección. Hacemos click en el driver de nuestra elección. y luego desaparecerá. llamada Compresión del Espacio del Color. Editar. Ayuda). incluso una foto de baja calidad empezará a verse prometedora. y hace que éste se comunique con Photoshop. Habrá una barra deslizante para escoger la resolución del escaneado final. el próximo paso es escanear las fotos. luego esperamos unos segundos mientras se abre. para el portafolio. hacemos click en “escanear” o “escanear RGB”. Capa.

esperando que le hagamos algo. Hemos escaneado nuestras fotos a 480 ppp para que cuando las aumentemos a un tamaño mayor a 300 ppp sigan siendo nítidas. o hacerla diminuta en la pantalla. Para los portafolios. Debajo de la barra de herramientas a la izquierda de la pantalla hay dos cuadrados superpuestos. que es calidad foto. y seleccionando los archivos de foto. con una zona imprimible de 8”x10”. se cerrará el driver. Para la presentación del portafolio. Las reglas deben mostrar que el tamaño del rectángulo es de 8”x10”. El siguiente paso es recortar las imágenes. Ya que queremos negro. Un rectángulo negro saldrá en la pantalla. La lupa acerca la imagen pero deja el tamaño de la ventana igual. Si las imágenes no están completamente ocultas por el rectángulo negro. y volveremos a Photoshop con nuestra imagen en medio de la pantalla. Empezamos cerca de una de las esquinas. el otro es color de fondo. la resolución y el fondo. la reduce. no necesitamos escoger fondo. y la arrastramos diagonalmente hacia la esquina opuesta. Si hacemos click en cualquiera de estos recuadros. una cosa con dos líneas diagonales oscuras y algunos mangos saliendo de ella. Hay una herramienta cerca de la esquina izquierda de la barra de herramientas que parece un instrumento raro de redacción. y hemos puesto el color de fondo negro. Para nuestra hipotética página de 2 fotos. Luego. elegimos Color de Fondo. puede encontrarse haciendo click y manteniendo la herramienta de marquesina¸un rectángulo de línea de puntos en la esquina izquierda de la paleta de herramientas. Las imprimimos a 300 ppp. Si no había aún reglas con marcadas con pulgadas a lo largo de las partes de arriba e izquierda. si pulsamos Option mientras usamos esta herramienta. probablemente llamados “Sin título 1” y “Sin título 2”. y hacemos click en OK.. hacemos click y mantenemos apretado. Podemos hacerlas más grandes o más pequeñas en la pantalla manteniendo la tecla Apple y pulsando + o -. el primero significa color del primer plano. Primero seleccionamos la herramienta cortar. Esta es la herramienta de recorte. que se compensan muy bien con las fotos de tatuajes. podemos hacer zoom muy cerca. Las imágenes de las dos fotos que hemos escaneado estarán en la pantalla detrás del rectángulo negro. Entonces ponemos el tamaño a 8”x10” y la resolución a 300. Cualquiera que elijamos vendrá a primer plano y será el archivo activo. luego movemos el circulo alrededor del cuadrado para escoger el tono del color que queremos. y llamamos al archivo “página 1” y click OK. Esto cambia el tamaño de la vista sin cambiar el tamaño o resolución del archivo. podemos simplemente hacer click en las partes visibles para seleccionarlas. las páginas una hoja estándar 8 de 1/2x11 pulgadas. Esto abrirá un cuadro de diálogo donde escogeremos el tamaño. luego volvemos a la imagen. podemos acceder a ellas yendo al menú Ventana arriba de la pantalla. normalmente querremos blanco o negro. El siguiente paso es crear una página de 8”x10” para poner las fotos. En versiones viejas de Photoshop. entonces hacemos click en la barra de arcoiris para abrir un determinado color. vamos a Archivo > Nuevo. Si planeamos llenar la zona entera de 8”x10” con las fotos. un rectángulo aparecerá con 8 cuadrados en sus lados y esquinas. vamos a Ver > Mostrar Reglas.completado. usaremos negro. saldrá una paleta de color. Podemos coger .

Al haber dejado un espacio horizontal extra cuando estábamos cortando antes. Hacemos click en el archivo de 4 ¾” para hacerlo la ventana activa. Luego sumamos las anchuras totales de cabeza y vemos cuánto se acercan a 7 ¼” en total. Cuando tenemos el corte del límite donde queremos. cambiamos la resolución a 300. que llenará la anchura de la página dejando un borde de ¼” a cada lado y un hueco de ¼” entre las dos fotos. que muestra todos los movimientos que hemos hecho recientemente.cualquiera de estos cuadrados y moverlos dentro o fuera para ajustar el tamaño exacto y emplazamiento del recuadro. pero dejando un poco de espacio arriba y abajo. automáticamente duplicará también la anchura. Cuando hayamos cortado ambas. Al haberlos recortado más anchos de lo que los necesitábamos. no haya ningún riesgo de que sean demasiado delgadas. Para este ejercicio. así que las escalamos a 9 ½” de alto. hacemos doble click donde sea dentro de él y la imagen se cortará. Para que se sumen bien. queremos un borde de ¼” alrededor de las imágenes. Veremos dos . vamos a recortarlas un poco más pequeñas de lo que las quieras. descartando todo fuera del límite. haríamos lo contrario – podríamos cortar los límites de izquierda y derecha como quisiéramos. Cualquiera que pueda ser el ángulo del recuadro cuando seleccionamos el recorte. debería sumar más de 7 ¼”. Si cortamos y luego cambiamos de opinión. que sirve para lo mismo).0. hay dos cuadros en las Opciones de Paleta con una casilla y una X. automáticamente se enderezará a sí mismo en ángulos de 90 º. Deshacer es una característica muy útil. Si estuviéramos poniendo dos imágenes horizontales sobre otra en la página. No es algo que podamos hacer con una foto de papel. lo que suma 8 3/8”. un cuadro de diálogo aparecerá con “no cortar” como una de las opciones. Podemos hacer click para seleccionar cualquiera de estos movimientos como si fuera el último. cambiamos la altura a 9. Podemos mover el cursor también justo fuera del recuadro. clickamos en el icono para eso en la barra de herramientas. podemos ir a Edición/ Deshacer Corte. ya que vamos a hacer cosas que no nos gustan a nuestras fotos. en lugar de que se extienda hacia fuera como un caramelo.5. Para hacerlo. podemos deshacer muchos movimientos si queremos usando la Paleta Historia. es hora de escalarlas. comprobamos que la casilla de “Restringir proporciones” en la esquina de la izquierda esté marcada. vamos a Imagen > Tamaño de Imagen. sabemos que podemos perder esa cantidad sin cortar la imagen. Si decidimos que no queremos usar la herramienta cortar y todavía no hemos hecho doble click. queremos que sean 4” y 3 ¼” de ancho. (En Photosop 6. luego vamos a Imagen > Tamaño de lienzo. Si hacemos click y mantenemos apretado y arrastramos delante y atrás. Luego. También podemos deshacer apretando la tecla Apple y dándole a la Z. Justo encima de la resolución está la altura y la anchura en pulgadas. que sacará un cuadro de diálogo. Esto significa que si duplicamos la altura. Afinamos el ancho del corte después de hacer el dimensionado. En la versión completa de Photoshop. Esto es para que después de ponerles la altura correcta. se convertirá en una flecha curvada. y descartará todo lo que hemos hecho después de ese momento. Digamos que nuestros archivos imaginarios son 4 ¾” y 3 5/8” pulgadas de ancho. Para esta página hipotética. Primero. el recuadro se inclinará y girará.

Entonces. Cada capa puede ser trabajada separada de las otras capas. y cambiamos la altura a 4”. Esto coloca un archivo de la zona seleccionada en el Portapapeles. es más fácil trabajar en píxeles. si hacemos click a la izquierda. hacemos click en el rectángulo negro para hacerlo el archive seleccionado. podemos usar la lupa para hacer zoom en las esquinas de arriba de la página. Un cuadro de diálogo aparecerá. Dejamos la altura a 9 ½” pulgadas. . Cuando hemos escalado las imágenes al tamaño que queremos. también podemos usar el Tampón de Clonar para quitar suciedad de las fotos. el tampón pondrá la muestra ahí. habrá una casilla que podremos marcar que dice: “auto seleccionar capa”. Cuando sea que peguemos una imagen en un archivo de Photoshop. que es un banco de memoria temporal para poner imágenes y texto. podemos seleccionar una capa haciendo click en la propia imagen. Cuando movemos el tampón de goma a una zona dada de la imagen. probablemente en medio de la página. Usamos esta flecha para poner la imagen donde queremos de la página. si tenemos un fondo complejo en vez de un negro plano. Aparecerá una copia de nuestra imagen. El tampón toma una muestra de los colores y texturas de ese punto.pequeñas ranuras donde podemos escribir la altura y la anchura. y hacemos click en Editar > Copiar. Luego. vamos a Selección > Todo. Hacemos click en OK. mantendrá la parte izquierda de la imagen y cortará el trozo de la derecha. Por ejemplo. cuando sea que la herramienta mover esté activada. vamos a Editar > Copiar.pero a efectos de este diseño de página. si hacemos click en cualquiera de los recortes de foto de la página negra. Usamos esto para seleccionar desde qué lado cortar. Las reglas de arriba nos guiarán. Para este ejemplo. ya que sólo podemos activar una a la vez. Para esto. apretamos la tecla Opción y hacemos click. Si está marcada. Mientras estamos en la ventana de la primera imagen. etc. en el centro. Podemos hacer click podemos hacer click en esas maquetas para seleccionar en qué capa queremos trabajar. Esto mostrará pequeñas maquetas de cada capa. es hora de ponerlas en el rectángulo de 8”x10”. vamos a Ventana > Mostrar Capas. añadirá otra Capa a ese archivo. y haremos click en OK. y podemos moverla sin tener que ir a la Paleta de Capas. lo que nos da una Paleta de Capas. podemos seleccionar si queremos medirlo en pulgadas. vamos a la barra de opciones de herramienta encima de la pantalla mientras vamos a la herramienta Mover seleccionada. Repetimos el proceso con la otra imagen. ese recorte se convertirá en la capa activa. podemos mover una imagen pegada adelante y atrás encima del fondo sin borrar ninguna parte de dicho fondo. y poner las imágenes con gran precisión. píxeles. cuando movemos el tampón donde quiera que sea y hacemos click sin apretar Opción. usaremos pulgadas). Esta es la herramienta que parece un tampón de goma. en el caso de esta hipotética página. En el proceso de hacer las páginas de nuestros portafolios. Pondrá una línea de puntos alrededor de la imagen. Entonces hacemos click en Mover Herramienta¸ una flecha en la parte superior de la barra de peaje a la derecha de la Marquesina. Para navegar entre capas. Al final de la ventana hay una cosa que parece a tic-tac-toe board. la dejaremos donde está. (Para algunos tipos de trabajo. Luego. casi como si la imagen de encima fuera un trozo de papel en vez de algo pintado encima del fondo. También podemos usar la herramienta Mover para seleccionar capas. haciéndonos saber que el nuevo tamaño del lienzo es más pequeño que la imagen¸ y se producirá ese recorte.

La herramienta clonar es genial para arreglar imperfecciones en una foto. etc. Si hacemos click dentro del recuadro con el círculo negro. posiblemente con un borde suave y posiblemente con un número. donde podremos personalizar el tamaño del pincel. a la que podemos acceder yendo a la casilla del pincel a la izquierda de la barra de opciones de herramienta. La guardamos en una carpeta donde podamos encontrarla fácilmente. Ahí está. y Equilibrio de Color. Si hacemos click en esa flecha. y usamos un nombre de archivo que podamos recordar en caso de que tengamos que usar la característica Sherlock para encontrarlo. Simplemente debemos resistir la tentación de mejorar el tatuaje. el borrador.Seleccionamos el tamaño del tampón usando la Paleta de Pinceles. Si queremos que una imagen tenga más contraste. etc. Incluso aunque todo lo que hemos hecho es un diseño de página básico. Ambas obras son de uno de mis temas favoritos. luego hacer click en cualquier lugar de la imagen para esconder la paleta de pinceles. si tenemos una zona grande y oscura con un punto blanco no deseado en ella. donde podemos seleccionar cualquiera.3) Usando Photoshop en el Proceso de Diseño Ahora usaremos estas herramientas para crear una imagen personalizada compleja. y hace la reparación mucho más convincente que si simplemente hubiésemos usado el aerógrafo. Brillo/Contraste. usamos Opción > Click para seleccionar una parte de la zona oscura que sea el tono adecuado para el punto que queremos arreglar. las herramientas subexponer/sobreexponer y por supuesto el tampón de clonar. Mientras hacemos esto. obtendremos una paleta entera de pinceles. te insto a que experimentes con ellas. Con este enfoque rudimentario. Ventana / Mostras Pinceles. Otra característica indispensable de Photoshop es el menú Ajustes. Esto es mejor que usar simplemente el aerógrafo. la imagen en pantalla cambiará. le damos a OK para aplicar los cambios. luego lo estampamo encima de la imperfección. . Usamos estos pinceles con muchas herramientas: el aerógrafo. vamos a Capa/Acoplar Imagen. ya que una vez que guardemos un archivo así. que ocupa bastante menos memoria. sin embargo. Al lado habrá una flecha apuntando hacia abajo. Cuando ambas imágenes estén en posición y estés contento con el diseño. saldrá un cuadro de diálogo. la brocha. vamos a Imagen > Ajustes > Brillo/Contraste. nos hemos familiarizado con algunos de los menús esenciales y paleta y la Característica de Capas. el fondo original no continuará debajo de las fotos. Una ventana se abrirá con un par de barras deslizantes. la primera página de nuestro portafolio acabada. podemos proceder a cosas más emocionantes y complejas. ya que registra el grano de la película. que movemos delante y atrás para ajustar. No queremos hacer esto hasta que estemos seguro. Todas las características en el menú Ajustes son importantes. con características como Niveles. por ejemplo. que es una de las características más importantes de Photoshop. Cuando nos guste lo que vemos. o en las versiones viejas. Esto convierte toda la imagen en una sola capa. primero un cuadro y luego un tatuaje. la dureza. Tono/Saturación. será todo una imagen. En la casilla de pinceles habrá un círculo negro. 5. la textura de la piel.

click en “color de fondo”. enfoque.B). . que parece un ladrillo blanco en la barra de herramientas. el aerógrafo. lo guardamos y pasamos al orbe. …abre el mismo cuadro de diálogo que usamos para poner el tamaño de la página negra del portafolio. Ahora tenemos un archivo de 2 capas. y las limpiamos usando el Tampón de Clonar. tendremos un círculo que se mueve cuando movemos el ratón. y luego OK. El borde ligeramente suave del pincel es bueno para deslizarlo por el borde de la estrella sin comerte la rectitud de sus bordes. dureza 89%. 5. podemos ver cómo de grande es cada pincel cuando movemos el cursor por la imagen. así que solo usaremos un pincel pequeño para meternos en los pequeños huecos donde el pincel grande no llega. haciéndolo parecer como roca picada. Lo hacemos usando la herramienta Borrar. tipo y tema. usando una plantilla de un libro de hobbys para construir estrellas de papel. Entonces rodeamos el modelo con unidades fluorescentes azules y ponemos una bombilla amarilla en el centro (Fig. Tendremos un rectángulo negro. superficie. nos aseguramos que la opacidad sea del 100%. este círculo muestra el tamaño del pincel. El orbe aparecerá encima del negro. queremos un pincel grande con un borde ligeramente suave. simplemente vamos abajo.3.los Orbes Geométricos Brillantes en un Entorno Orgánico. el tampón de clonar o la herramienta Subexponer/Sobreexponer. Lo fotografiamos intentando tenerlo lo más iluminado posible. usaremos esto para borrar lo que no queramos de alrededor del orbe. Me he dado cuenta de que es más fácil obtener arcos limpios y bordes rectos usando un tamaño de pincel más grande. Podemos personalizar un pincel haciendo doble click en el recuadro de pinceles. así que elegimos 150 píxeles. hacemos click en Editar > Pegar. lo que dará a la luz variedad de superficies sobre las que jugar. Luego ajustamos los Niveles y el Tono > Saturación en el menú Imagen > Ajustes. La mancha oscura en el centro de la zona iluminada es un trozo de papel que hemos puesto ahí para evitar que la bombilla de directamente a la cámara y blanquee la foto. (párrafo perdido). si estamos usando el borrador. revelando la capa negra de debajo. construimos un modelo de papel de un orbe de cristal. llenando la ventana. color.3. Cuando estamos contentos con el entorno de plastilina. Luego. Primero. El tamaño del nuevo archivo será automáticamente el tamaño de cualquier contenido del portapapeles. Escogemos en la Paleta de Pinceles un tamaño de pincel que sea apropiado para el trabajo. así que no necesitamos cambiar el tamaño.A). es una oportunidad de maximizar el rango dinámico. Hacemos fotos en distintos ángulos para tener varias elecciones. en este caso de las mismas proporciones que la foto del orbe. pero añadiendo algunas puntas extra (Fig. Esto saca una ventana donde podemos cambiar el diámetro y la dureza. Finalmente. Entonces porcedemos a borrar todo el suelo de baldosas alrededor del orbe. 5. En las versiones más nuevas de Photoshop. Para el trabajo de borrar. Escaneamos las fotos por separado. para que de la impresión de ser la fuente de luz. construimos un entorno de plastilina en el que flote el orbe. Son un tipo de diseños que usan contrastes extremos de valor. En la Paleta de Opciones.

haciendo click en cada una. seleccionamos la herramienta Aerógrafo. Una vez que hayamos quitado todo el suelo. como la Herramienta Recortar. Cogiendo los cuadrados y moviendo los límites. . Me he dado cuenta de que es más difícil marcar encima de tonos oscuros. Vamos a Selección > Todo. ponemos el cursor en el punto de inicio y hacemos click una última vez. luego hacemos click en el recuador de Color de Fondo en la paleta de Herramientas y escogemos un amarillo pálido. y nos movemos a la siguiente esquina y luego a la siguiente.C). Luego. que pondrá un rectángulo con recuadros en las esquinas alrededor del orbe. de la misma manera que rotamos la herramienta recortar. Empezamos tintando el lienzo con un gris cálido al 35% de valor. dejando solo el orbe y su fondo negro. En las versiones más nuevas. escogemos un pincel grande blando y lo ponemos al 5%. luego proyectamos la imagen de referencia en él y la marcamos con un lápiz de color.5. revelando la materia y trayéndola a primer plano (Fig . Luego movemos el cursor a uno de los puntos de inicio. usando un pincel grande para los grandes efectos suaves y un pincel pequeño para esconder pequeños puntos ásperos en el trabajo de capas. saldrá una ventana con un par de opciones diferentes de lazo. volvemos a la foto del entorno de plastilina. ya que la característica Copiar sólo copia una capa a la vez.Otra manera de limpiar el fondo de una forma de bordes rectos como esta es usar el lazo poligonal. Hacemos click. y hacemos click en Editar > Pegar. y usamos la herramienta Mover para ponerla aproximadamente a donde pertenece. esta herramienta tiene su propio botón en la paleta de Herramientas. Como toque final. vamos a Editar > Transformación Libre. Hay do sitios donde se supone que la materia orgánica tiene que estar delante del orbe. Cuando acabamos con Transformación Libre haciendo doble click dentro de los límites de su caja. podemos ponerlo en el entorno de plastilina. Luego. que empezará la línea de puntos rotante. podemos cambiar el tamaño y las proporciones del orbe. Lo seleccionamos haciendo click en la herramienta de lazo y manteniendo apretado el botón. Editar > Borrar. El orbe aparecerá en medio de la imagen. en este caso 3 píxeles. También podemos rotar los recuadros. Esto pondrá el orbe en el portapapeles. para Deseleccionar. Cuando hemos vuelto al principio. vamos a Selección > Invertir. pero no el fondo negro. Esto completa la foto de referencia. en la Paleta de Opciones ponemos la pluma en la cantidad deseada. o coger cualquier cosa dentro del recuadro y moverlo todo. así que intento mantener este color al 40% de valor o menos para la mayoría de cuadros. seleccionamos un pincel pequeño para la Herramienta Borrar y cuidadosamente borramos las partes del orbe que se supone que tienen que pasar detrás de estas partes de materia orgánica. podemos poner el orbe justo donde queremos. Usando Transformación Libre. Para quitar la línea de puntos. El lazo poligonal es el que tiene los bordes rectos. Este cuadr es aproximadamente 60x75 cms.3. Luego. Finalmente. Editar > Copiar. Entonces añadimos cuidadosamente un brillo donde lo consideramos apropiado. apretamos la tecla Apple y le damos a la D.

E) tenemos un diseño que hemos escaneado de la portada trasera de una revista de ciencia. Puede ser más fácil construir este tipo de formas en un programa de modelado 3D como Bryce 3D. volvemos al archive negro. hacemos click en la imagen del orbe para activarla. 5.3. Esta nueva capa de arriba hace que el orbe aparezca como si estuviera dentro de la imagen de ciencias. En (Fig. Editar > Copiar.3. acaba siendo matemáticamente correcto de una manera que sería básicamente imposible usando métodos convencionales de dibujo. usamos el Tampón de Clonar y la Herramienta Aerógrafo para simplificarlo. vamos a Capa / Combinar hacia Abajo. 5. Esta imagen es puesta en primer lugar porque es la geometría correcta para encajar alrededor del orbe.F). esta vez fotografiado en un ángulo que encajará bien con la forma de la revista de ciencia. En Photoshop. la escaneamos. …para encajar entre ellos bien. y pegamos el calco ahí. usamo la Herramienta Mover para alinearlo exactamente con la capa de debajo de la misma imagen. construimos el entorno orgánico para poner el orbe dentro. de la misma manera que hizimos con el orbe en el capítulo anterior. y Editar > Pegar. ponemos aceite al lienzo y empezamos con los colores claros. Disparamos un puñado de variaciones en la posición del orbe. Después de escoger la mejor. Después de escanear la foto de este modelo. . Llevó más o menos un día entero de trabajo en el teclado para tener la imagen en este punto.3. quitando algunos detalles y suavizándolas. también escaneamos un calco del pecho del cliente. lo que mete las dos mitades en una capa sin aplanarlas y relegarlas a un segundo plano. Editar > Pegar. luego seguimos hacia abajo.D). Luego.Después de esto. Lo siguiente es una foto de nuestro amigo el orbe de papel. Cuando estamos contentos con el encaje. Luego. y el proyecto está acabado en menos de dos semanas (Fig. Editar > Copiar. 5. Seleccionar > Todo. Luego usamos la Paleta de Capas para iluminar la capa con la imagen de ciencia. haciendo un archivo nuevo con el fondo negro. Si fuera necesario. Usamos la herramienta Transformación Libre para posicionarla y reescalarla para que encaje bien en la imagen de ciencia. sólo para asegurarnos que una de ellas encajará bien. Entonces le damos un fondo negro y borramos alrededor. trabajando con un boceto y usando cable. del que todavía no estoy preparado para dar ningún consejo. no hay peleas mientras pintamos. vamos a Seleccionar > Todo. El orbe acabado (Fig.3. Con todo hecho usando el modelo. Luego hacemos click en la capa con el orbe de papel. de la misma manera que revelamos los trozos ocultos de materia orgánica en primer plano en el cuadro del capítulo anterior. 5. (media página perdida). Hay cinco puntos en el orbe que están cubiertos por esta capa superior que no deberían estarlo. le damos un fondo negro y borramos alrededor de ella (Fig. Copiamos este calco al portapapeles.G). Ahora hagamos un diseño complejo de un tatuaje usando estas herramientas. usamos el borrador para extrarlos. papel de aluminio y plastilina. pero eso es un nivel totalmente diferente de alfabetización informática.

5. . Usamos Editar > Transformación Libre para ponerlo al tamaño. planeamos usar esta imagen también para un cuadro. así que queremos que la composición funcione en un límite rectangular. seleccionamos la capa negra. Guardamos una copia del calco con la foto detrás. Mientras calcamos. no es necesario mover o ajustar la copia nueva de la rama en ninguna medida. y usamos el Borrador para revelar las partes de materia orgánica que deben estar delante. En el tatuaje. hacemos click en el ojo de la capa del orbe para hacerlo visible otra vez. hacemos líneas limpias en la plantilla para el orbe y las líneas periféricas de la materia orgánica. Esto es mucho mejor y más intuitivo que traducir el sombreado de estas texturas a un dibujo de línea. luego Editar > Pegat. lo escalamos y posicionamos con la Herramienta Transformación.6. 5. es más fácil trabajar en combinar el orbe y el fondo sin el calco ahí.3. y la calcamos con un bolígrafo de bola. como en (Fig. la seleccionamos y copiamos. Este método funciona bien para plantillas destinadas a partes relativamente planas del cuerpo. dejando un círculo para el pezón. Usando la Paleta de Capas. luego usamos la Herramienta Lazo para contornear cuidadosamente la forma de rama orgánica donde se superpone al ahora invisible orbe. Orgánicas.ZD). ángulo y posición correctos. 5.I). más o menos a mitad de tamaño y en un ángulo divertido. 2.3. Mantenemos la versión guardada con el calco arriba en la pantalla como guía para ver cuánta piel tenemos disponible. luego borramos la capa del calco seleccionando esa capa en la Paleta de Capas y yendo a Capa > Borrar Capa.J).ZC2. Cuando estamos contentos con esto. mientras tanto. y volvemos al archivo con el calco. Ya que el contorno del lazo aún está en su sitio. simplemente aterriza justo donde queremos. en lugar de líneas para representar las texturas (Fig. es más difícil de usar en la parte de arriba del hombro y sitios como ese. ponemos la impresión sobre una hoja de papel hectográfico en una superficie dura. pero limpias y consistentes. Simplemente imprimimos la imagen a tamaño real en papel de escribir ligero. hacemos líneas sangrantes para los rayos y el humo. y luego reconstruirlo otra vez. La imagen acabada está ahora lista para ser tatuada (Fig. y vamos a Editar > Copiar.3. La foto del modelo aparecerá ahí. luego ponemos las líneas periféricas negras con una cinco suelta. no solo dentro de la forma de un pecho. Luego vamos a Editar > Copiar. Entonces copiamos y pegamos el orbe. hacemos doble click dentro del límite del cuadro para aplicar la transformación (Fig. Otra manera de hacer esto es esconder la capa del orbe haciendo click en el icono del ojo pequeño a la izquierda de la previsualización en la paleta de Capas.Luego usamos el borrador para eliminar todas las zonas del calco donde irá el tatuaje. sino asegurándonos de conseguir bordes concisos. por debajo del calco. delineamos el orbe con rosa Starbrite usando una tres. Seleccionamos la capa del orbe. Es más.6. construyendo mientras avanzando sin hacer una primera pasada general. pero al no ser el papel de escribir tan delgado como el papel de calco o el papel de plantilla. Luego vamos al archivo de la foto del modelo. pero garabateamos en zonas de pos/neg. El méotod que usamos para hacer una plantilla de esta imagen es quizás el método más directo de lejos de los métodos que hemos explorado.H).

Quitando estas sutiles diferencias. Empezamos con esta sutileza en la primera sesión. 5. usándolo solo en pequeños punteados de detalle encima del amarillo y el verde en la materia orgánica (Fig. podemos construir un modelo de plastilina de un dragón enrollándose alrededor de una bombilla y fotografiarlo. ¿Manía? Demasiado pronto para decirlo. 2. También reservamos el blanco verdadero para el orbe.Para las texturas. excepto que esta vez dejamos piel sin tatuar en los rayos. por ejemplo.3. especialmente el orbe. empezando con los amarillos anaranjados claros y cuidadosamente trabajando hasta los rojos. enfoque y sombras más creíbles es un buen tema para probar estos métodos.8. Reservamos el rojo y naranja primarios para el orbe. usando magentas como color más cálido de fondo. Con la plantilla metida. Coloreamos el fondo usando una estrategia similar al fondo de (Fig. y luego reemplazar esa luz en Photoshop por un pájaro brillante… Tienes la idea. Por ejemplo. rellenamos el resto de azules medios y claros.L). más legible será el tatuaje. continuamente tenemos en cuenta la importancia de dar a la obra zonas grandes y claras de claroscuro para su correcta legibilidad. luego volvemos a la cinco para definir los azules oscuros y llevándolos hacia el negro en sitios clave. y luego sustituimos la bombilla en Photoshop por un loto que recortamos de otra foto tomada por nosotros. más o menos el tamaño real del tatuaje (Fig. Acabamos haciendo un cuadro de 20x25 cms esta imagen. luego cambiamos de verde oscuro a verde lima. pero nos percatamos que necesitaba más contraste. empezamos con una magnum usando azules medios y luego oscuros. La obra de la que vamos a hablar ahora. Sólo después de dos sesiones hemos llevado los rojos a su mayor oscuridad. mientras seguimos respetando la necesidad de una cierta cantidad de detalle. algún sitio que cree la interacción luz/sombra más dinámica. Exageramos el valor de alguno de los detalles de la imagen de referencia en pos de la claridad. Sin embargo no desanimo a nadie a hacer cosas geométricas molonas. parece que podemos usar relaciones más delicadas en un cuadro que en un tatuaje. O podemos fotografiar un Bonsai mientras tenemos una bombilla en algún lugar dentro del árbol. Algunos aspectos de esta imagen.B). pero no sin antes empezar desde un valor más claro que el que queremos. Después de esto. Estos métodos pueden usarse fácilmente en temas más convencionales. son más sutiles en el cuadro que en el tatuaje. luego ajustamos el Tono > Saturación y el Brillo > Contraste para hacer que el loto parezca la fuente de luz. 5. Cualquier tema del que nos podamos beneficiar teniendo una iluminación. textura.K). empleando aproximadamente 10 horas en cada uno. Cuanto más equilibradas estén estas cosas. lo hicimos muy parecido a como lo hicimos en la piel.3. A lo largo de este proceso. tiene un uso muy diferente del ordenador. cambiando entre máquinas mientras avanzamos. Hay muchas otras maneras aparte de estas con las que podemos usar Photoshop para ayudar a nuestro porceso de diseño. . podemos tomarnos nuestro tiempo poniendo los diferentes valores de colores cálidos en el orbe.

primero amarillo.3. Imprimimos muchas copias de 20x25 cms. y usamos la característica Rellenar para rellenarlas de negro (Fig. y haciendo click en cualquier sitio dentro del contorno. asegurándonos de que la opacidad está al 100%. por lo que el proceso de diseño está influenciado por generaciones de experiencia en diseño tribal. la apariencia que estamos buscando es más futurista. de acuerdo con .La idea del diseño con la que estamos trabajando es un par de mangas enteras. algunos de los cuales ya vienen predeterminados.S). usando la perfección del tablero de dibujo como una oportunidad para hacer cada progresión de las puntas regular y uniforme.N-5. Necesitamos una manera de explorar fácilmente muchas opciones de composición. pégandola suavemente y quitándola.3. calcamos la manga en varias secciones. así que empezamos fotografiando sus brazos desnudos (Fig. Los diseños tribales siempre se han fundamentado en gran medida en el diseño y la fluidez. 5. Esto se puede hacer de dos maneras distintas. 5. El primer plano de estas mangas es un diseño tribal. calcamos el diseño del brazo. permitiéndonos ser espontáneos y sueltos (Fig. incluyendo los cortes y pliegues hechos para envolver el hombro y otras zonas. Si el contorno es limpio y continuo y no tiene huecos. Luego. Me sorprendió ver cómo de distinto parece el bisel que si lo hiciera yo usando sólo mi imaginación. Una manga siempre es un reto de composición. Mejor que intentar definir exactamente cada detalle del diseño. o pegando una hoja de papel de contacto claro sobre él.3. Después de pasar nuestro calco en bruto a un tablero de dibujo. y otros están disponibles a través de otras compañías de software. Cuando tenemos un diseño esencial.3. Para hacer el proceso más fácil.U).T). simplemente lo pegamos a un trozo de papel blanco y tendremos todo el dibujo trazado delante de nosotros. biselado en lugar de negro sólido para darle más dimensión. 5. Entonces escaneamos estas nuevas versiones. Este es un proceso de todo un día.3. poniendo la tolerancia a 25 en la Paleta de Opciones. Nos aseguramos de dejar unas cuantas zonas grandes para el fondo de manera que tengamos suficiente espacio para meter los elementos caleidoscópicos. ya sea poniendo papel de calco sobre el el dibujo a rotulador y calcarlo. Una vez que tenemos el diseño en negro exactamente como queremos. 5. y un fondo caleidoscópico generado por ordenador. El papel de contacto cogerá una impresión muy ajustada del dibujo a rotulador. luego naranja y después púrpura (Fig.M). la Varita Mágica sólo seleccionará el interior del diseño. y hacemos click en OK. Sin embargo. luego dibujamos en las copias con boli. ponemos una hoja de papel de calco sobre ellos y hacemos nuevas y precisas versiones. vamos a Editar > Rellenar. aplicamos el Filtro de Bisel. manteniendo la pista de en qué posición está el brazo cada vez que calcamos una parte. cada una es una imagen especular exacta de la otra. programamos tres días seguidos y empleamos todo el primer día en dibujar sobre él con rotulador. Hacemos esto haciendo click en la Herramienta Varita Mágica. que requiere un montón de borrar y redibujar. y cada curva suave y lo más perfecta posible de que somos capaces. en su lugar buscamos una buena fluidez y llevar a cabo nuestra estrategia básica. Cuando estamos satisfechos con la composición.

la de la mano.V). después de limpiar la mayoría del dibujo a rotulador del brazo. para poder ponerla aquí en futuras ediciones). Usamos Photoshop para Copiar una foto del brazo con el dibujo a rotulador y la Pegamos en un fondo transparente. El día 3 ponemos la plantilla al otro brazo. Al día siguiente. Usando Imagen > Modo > Escala de grises quitamos todo el color. usando negro para el contorno y lavados de gris para los detalles de bisel. hacemos click en la piruleta negra. Ya que las plantillas muestran el lugar exacto de los brillos clave. Seleccionamos un pincel grande y con los bordes suaves y lo movemos sobre las zonas donde queramos oscurecer el diseño. empezamos a experimentar con diferentes fondos. Entonces usamos las herramientas Subexponer/Sobreexponer para sacar contraste en las partes del diseño que se ven grises.Z). Después de 8 horas. poniendo plantilla y borrando. y hacemos click en OK (Fig. Luego usamos el borrador para quitar todo lo que hay entre tribales (Fig.3.3. Para nuestra sorpresa.W). y esperamos a que salga la mano para poder seleccionarla. exposición 15%. nos aseguramos de marcas su posición con los lavados de gris. 5. para esto. Entonces imprimimos copias a tamaño real en blanco y negro del diseño biselado y los ponemos en la máquina de plantillas. queremos que haya un claro contraste blanco-negro para la máquina de plantillas. abriendo a un nuevo vocabulario de biseles. Estos filtros ofrecen maneras totalmente nuevas de manejar este trabajo. La . conviritendo la imagen a blanco y negro. mantenemos apretado el botón. Contorneamos todo con una tres apretada.ZB). 5. la plantilla coincide lo suficiente para nuestro gusto. requiere muchas comprobaciones y comparaciones. pero lo suficientemente intrincado para crear un efecto vibrante (Fig. dibujamos las conexiones entre los trozos de plantilla y ajustamos cualquier zona que lo necesite con rotulador Sharpie (Fig. Después de imprimir y copiar en ambas direcciones. 5.3. la máquina de plantillas es simplemente incapaz de leer este tipo de impresiones de inyección de tinta (si alguien descubre una impresora barata que las máquinas de plantillas puedan leer. tenemos todo el negro en su sitio (Fig. La plantilla digital hizo esta semejanza posible.3.3. Cuando estamos contentos con las posiciones básicas. no sale nada. 5. Con la Herramienta Sobreexponer seleccionada. estamos preparados para empezar el tatuaje. Esto es un proceso largo. Después de aplicar un filtro de Brillo al tribal. 5.ZA). usando el primer brazo como guía. Las herramientas Subexponer/Sobreexponer están cerca de la esquina derecha de la barra de herramientas y parecen o una piruleta negra o una mano con el pulgar y el índice curvados en el signo de OK. me gustaría saberlo. Usamos la Herramienta Sobreexponer. Después de 2 sesiones en cada brazo. El que escogemos es geométrico y claramente legible. vamos a la Paleta de Opciones y la ponemos en Sombras.X5. Y es realmente fácil de hacer.mi vieja fórmula probada y comprobada. usando la imagen residual del rotulador como guía.3. El siguiente paso es diseñar el fondo. simplemente elegimos la afilación del bisel y el ángulo de la fuente de luz. Si no vemos la mano por ningún lado. Parece ser que primero hay que hacer fotocopias de las impresiones. ponemos las plantillas.

) ¿Cuáles son algunas maneras de borrar alrededor de una imagen para crear capas transparentes? ¿Puedes pensar alguna que no se haya dicho aquí? 14.Herramienta Sobreexponer hará estas zonas del diseño más oscuras sin oscurecer las zonas claras.ZD). ¿qué capa debería ser seleccionada en la paleta de Capas? 15. con lo que metemos el diseño en la piel sin usar líneas. Desde ahora. lo fotocopiamos y lo ponemos en la máquina de plantillas.) ¿Cuá es una buena herramienta para posicionar. blanco. como el bisel y el diseño caleidoscópico. rellenando cada pequeño diamante antes de que se vaya la plantilla. Lo único que falta es tatuarlo. Lo rellenamos haciendo pequeños movimientos de garabateos. 5.) ¿Qué hace el tampón de clonar? 12. Entonces ponemos los magentas oscuros. la Herramienta Subexponer hará lo mismo para los brillos. la plantilla digital hace estas nuevas técnicas posibles. rosas claros. no ha sido tocado por manos humanas. (página perdida) 10. luego patinamos cuidadosamente a lo largo de los bordes. hacer un tatuaje es sólo una cuestión de elaborar estos pasos.) Si vamos a usar el aerógrafo en un área donde dos capas se superponen y queremos que el aerógrafo sea visible en amas. que curaron hace meses.3.ZC) es una representación muy precisa del diseño.) ¿Qué menú usamos para ajustar el color y el contraste de una imagen? 13. Esta foto lo muestra curado. reescalar y rotar una imagen seleccionada? ¿Dónde encontramos esta herramienta? 17. ¿qué dos maneras hay de manejar esta situación? 16.) Si tenemos una imagen que va a superponerse a partes de una segunda imagen. (Fig. En este caso. A pesar de que en último lugar acaba siendo trazado a mano en la piel.3.) ¿Cuál es la diferencia entre tamaño de imagen y tamaño de lienzo? 11. La plantilla resultante.) ¿Cómo hacemos una capa invisible sin borrarla? ¿Cómo la hacemos visible otra vez? ¿Puedes pensar algún escenario donde pueda ser una característica útil? 18. Empezamos usando la tres para rellenar las zonas con plantilla con rosa Starbrite. mientras que al mismo tiempo se le superponen otras partes de esta segunda imagen. Cuando el diseño de caleidoscopio se ha reducido a un simple diseño pos/neg.) ¿Cómo podemos convertir una imagen digital en una plantilla? ¿Cómo nos aseguramos de que está al tamaño correcto? . 5. El ordenador nos abre una exploración de vocabularios totalmente nuevos. el diseño no es claramente algo que pudiera haber sido hecho usando procesos de dibujo tradicionales. y otros colores para acercarlo tanto como podamos al diseño por ordenador (Fig. muchos de los efectos del tatuaje son diseñados directamente en en el ordenador.hasta el momento. con una fresca capa de azules y blancos sobre las zonas de tribal negro.

Comúnmente. También puede que pregunte si queremos alisar las capas. a lo que responderes OK también. o HectoMáquina para abreviar. 5. y aguantará lo suficiente para que podamos meterla en la piel. En capítulos anteriores hemos tocado un par de métodos de freehanding plantillas. pero incluso éstos necesitan ser colocados correctamente. sin embargo no hemos detallado las especificaciones.Parte VI Técnica de Tatuaje 6.W) y (Fig. que se leerá muy bien después de pasar por la hectomáquina (Fig. vamos a Imagen > Modo > Mapa de bits. ya sean líneas. Esta parte es un paso crítico entre el diseño acabado y un buen tatuaje. para imágenes en blanco y negro.ZC) hicimos plantillas pos/neg. Esto no es muy difícil cuando hacemos pequeños tatuajes de flash. Aquellos de nosotros que hemos trabajado en tiendas de la calle no tenemos dudas en usar la unidad estándar de transferencia térmica. Un cuadro de diálogo preguntará la resolución de salida. ya que no podemos hacer un medio tono de una imagen con varias capas. Un tatuador que conozco dice que ha hecho algunos retratos de esta manera. Incluso podemos usar un filtro de Photoshop para crear un medio tono de la imagen. La mayoría del papel hecto es de 8 ½”x11”.A). para ayudar a hacerlas más reproducibles usando una fotocopiadora. o ambas. Luego vamos a Imagen > Modo > Escala de grises.3. ¡e hizo el trabajo tan fácil que casi se sentía como si estuviera haciendo trampa! Las fotos en blanco y negro de este libro están todas hechas con patrones de medio tono. se usa para diseños pequeños y medianos con líneas simples dibujadas preparadas para correr por encima de ellas con la máquina. las zonas degradadas tenderán a agruparse y verse mal.3. 6. En (Fig. conteniendo toda la información necesaria de la forma más simple y legible posible. Una imagen hecha con medio tono tiende a mantener sus degradados mucho mejor. Luego. 4. aunque lo he visto en rojo. Normalmente es violeta oscuro. El Método debería ser puesto a Pantalla . como la fotografía de un periódico. le damos a OK.1. lo que volverá la imagen en blanco y negro. cuando metemos una imagen con gradaciones suaves a través de una fotocopiadora o una hectomáquina. que quita todo el color y optimiza los campos de gris. cualquier imagen legible puede ser pasada a plantilla. Hacemos esto primero escalando nuestra imagen al tamaño que queramos a 300 ppp. Básicamente. La transferencia del diseño es un arte en sí misma. sin embargo es posible conseguir de 8 ½”x14”. Un cuadro de diálogo saldrá preguntando si queremos descartar el color.1) Transferencia de Diseño: Plantilla y Freehanding No tiene mucha utilidad crear el diseño perfecto si no podemos ponerlo en la piel de la manera adecuada. Una buena plantilla o diseño freehand encajará en el cuerpo bien. Hay varias maneras de hacer plantillas hectográficas. que debería ser 300 ppp. Normalmente. zonas de sombra.

Después de aceptar esto saldrá otro cuadro de diálogo. Es mejor calcar con una superficie dura debajo.J). simplemente movemos la hoja de debajo del dibujo conforme vamos avanzando. En lugar de borrar. Se me enseñó a usar Speed Stick. Muchos tatuadores usan Speed Stick (N. El calco a mano puede ser también un buen paso final en un dibujo. Aplicamos las plantillas hectográficas poniendo una pegajosa película de alcohol en la piel parapegar temporalmente el lado hectográfico del papel a la piel. la pegamos. 5. Si el dibujo es más grande que la hoja de papel hectográfico.3. lo que es un derroche.dependiendo de tu impresora y de tu hectomáquina. pero normalmente obtenemos una plantilla de mejor calidad si la hacemos a mano. ponemos una hoja nueva de papel de calco sobre las capas anteriores. que no se pega bien a la piel al contrario que el papel de plantilla o el papel de calco delgado. Una plantilla de gran tamaño puede ser hecha uniendo cuidadosamente un puñado de hojas hectográficas de 8 ½”x14” juntas. cuando lo quitemos tendremos una plantilla definida y duradera. . Una es que no es muy higiénico. refinándolo cada vez más.Medio tono. por la flexibilidad del papel de escribir. También podemos crear plantillas calcándolas a mano. podemos ver más claramente como se verá el tono medio cuando lo imprimamos. sin embargo. como un cristal. aunque puede que tengas que jugar con la exposición en la máquina para sacarla bien. el tono medio parecerá gris e indistinto debido a las limitaciones del monitor. Recuerda que cuando haces esto en un ordenador. lo que hace una pantalla más fina). Podemos modificarla con nuestro propio lenguaje para una legibilidad fácil mientras trabajamos. como hicimos en (Fig. y recalcamos el diseño. a menos que seamos muy buenos en quitar el exceso y mantenerlas secas. Pero mis mayores problemas con Speed Stick es que sigue estropeando las plantillas de papel. y me gané miradas raras cuando iba a la dorguería y compraba una docena a la vez. Las plantillas de Speed Stick también tienden a emborronarse con el tiempo. Si lo hemos hecho bien. La imagen final será más o menos ideal para meterla a una hectomáquina. pero tiene unas cuantas desventajas por las que he dejado de usarlo desde hace 7 u 8 años. ponemos una hoja de papel hectográfico debajo y lo calcamos todo con un boli o un portaminas. esto no es una opción cuando metemos una imagen de Photoshop en blanco y negro en una hectomáquina. Speed Stick consigue hacer una plantilla duradera. ponemos el ángulo a 45. Esto requiera menor presión de la mano y permite mayor sutileza. También es cuestionable si ayuda a la curación el poner estos químicos adicionales bajo la piel. a menos que usemos uno sólo una vez. podrás usar un número mayor. Esto hace más fácil crear una plantilla basada en las texturas y sombras naturales de una imagen de referencia. Este método está limitado. haciéndolo solo apropiado para partes planas del cuerpo. También podemos calcar a mano una impresión de inyección de tinta. del T: desodorante en barra) o productos desodorantes similares para aplicar las plantillas. la forma en Diamante y la frecuencia a 30 (siéntete libre de experimentar con este número. haciendo los refinamientos finales del proceso. Los diseños para zonas grandes como las costillas a menudo necesitan ser dibujados y redibujados varias veces para coger la fluidez. Cuando llegamos al punto de que todo está hecho y sólo necesita una limpieza final. Apretando la tecla Apple y el signo menos (-) para hacer la imagen más pequeña en la pantalla. Este es un buen sistema para hacer diseños que son demasiado grandes para la hectomáquina.

la pegamos firmemente en el sitio con los trozos de cinta. pero normalmente solo apropiada para obras pequeñas. y frotamos. la pegamos de manera que se balancee como una puerta con bisagras (Fig. y pegarla con la esperanza de que esté en la posición correcta por pura suerte. debería encajar bastante bien. Si hemos hecho los deberes y hemos dibujado la pieza usando un calco y posiblemente una foto de la parte del cuerpo. cualquiera que haya estado al final de este proceso se puede imaginar lo difícil que es no mirar. Arrancamos varios trozos de 10 cms de cinta adhesiva o esparadrapo y los pegamos en algún sitio en el que estén disponibles. hmedeciendo más o menos un cuarto (Fig.1. esto puede ser un gran inconveniente. y terminaremos poniendo en riesgo el propio tatuaje.B). 6. Entonces doblamos una toalla de papel en cuartos y ponemos algo de jabón en la esquina. Empezamos con el afeitado de la zona. mantener la plantilla encima del sitio. no podremos probar sitios sin dejar imágenes fantasma en sitios que no queremos de la piel.Lo que pasa es que la primera vez que aplicamos la plantilla.1.D). (Fig. Una plantilla de una vez siempre es lo mejor. Normalmente no conseguiremos la posición exacta de esta manera ni siquiera tras 4 o 5 intentos. Recomiendo pegar la plantilla con cinta en el sitio con la piel seca. dándole un poco de tiempo para que seque completamente. 6. Ya que la mayoría de diseños grandes necesitan unos cuantos intentos para ponerlos bien. 6. Entonces limpiamos la zona con alcohol isopropílico. Entonces sostenemos la plantilla delante de la parte del cuerpo en cuestión. como si estuviera esperando al autobús. y luego pegarla con jabón. Cuidadosamente . Tenemos la opción de untar una película de jabón en la zona general. Una mezcla de 30% jabón. y luego cortando entre elementos del diseño donde quiera que esto nos pueda dar mayor flexibilidad (Fig. Mientras se seca. Pero si tenemos que borrar y ponerla otra vez. que ya usábamos en el hogar para otra cosas. Antes de pegar la plantilla. 6. Esto no es un problema si se pone en el sitio correcto a la primera.1. Una vez que encontramos una posición con la que estemos contentos.1.C). incluyendo los alrededores. preparamos la plantilla cortando todos los trozos sobrantes de papel.E). Hay que acostumbrarse a advertirles de antemano que volver la cabeza en mitad del proceso puede causar que la plantilla se emborrone. Para una plantilla a la primera. Hacemos esto con nuestro cliente en una posición neutral. el papel se cubre de desodorante. Esto lo hace fácilmente accesible. Un colega tatuador me recomendó usar Jabón Dr Bronner’s Peppermint Soap. ya que la vamos a tirar o a ofrecérsela al cliente para su álbum personal. Dependiendo del tamaño y la posición de la plantilla podemos hacer esto en una o dos veces. sólo para asegurarnos de que nada se interpone en el camino. como la barbilla de nuestro cliente. Ponemos el jabón diluido en un bote estrujable autocalvable. primero necesitamos tener la posición correcta. 70% agua parece funcionar bien.

humedecemos la zona de la piel con el jabón (Fig. 6.1.F), intentando hacerlo lo más uniforme y pegajoso posible sin que hayan charcos, que emborronarían la plantilla. Cuando estamos contentos con la película de jabón, cuidadosamente ponemos la plantilla con las manos abiertas, allanándola en dirección opuesta a las bisagras de cinta (Fig. 6.1.G). Antes de quitarla, comprobamos los extremos del diseño para asegurarnos de que se han pegado bien. A veces, con diseños más grandes, estas zonas pueden haberse secado a la hora de pegar esa parte de la plantilla, incluso aunque pensemos que hay jabón suficiente. Si esto pasa, cuidadosamente despegamos esa parte de la plantilla hasta que llegamos a la zona donde sí se ha transferido bien. Entonces aplicamos jabón generosamente a la piel y volvemos a pegar el extremo. Para diseños más grandes o complejos, hacemos plantillas en dos tiempos (o tres o cuatro). Con el cliente en la posición Autobús, pegamos la plantilla de manera que podamos doblar un lado de la plantilla cada vez, como si hubiera una bisagra en el medio (Fig. 6.1.H). Queremos pegarlo de manera que se doble lo más fácilmente; en algunos casos esto será atravesando la parte del cuerpo, y en otros arriba y debajo. Entonces doblamos la mitad de la plantilla hacia abajo y humedecemos la zona con jabón (Fig. 6.1.I). Después de poner este lado (Fig. 6.1.J), quitamos los trozos de tinta. Si la plantilla estuviera en papel rígido, movemos los trozos de cinta encima de la mitad que ya hemos puesto, pegándolos firmemente (Fig. 6.1.K). Puede que necesites cinta nueva. Entonces doblamos hacia arriba la otra mitad de papel hasta el punto de que veamos más o menos medio centímetro de la plantilla que ya hemos puesto. El siguiente paso es humedecer la piel para la otra mitad de la plantilla, teniendo cuidado de no emborronar la franja de medio centímetro a la que ponemos gentilmente encima un poco de jabón (Fig. 6.1.L). Finalmente, pegamos la segunda mitad (Fig. 6.1.M). Después de retirar la plantilla, lo primero comprobamos su posición en el cuerpo, luego miramos alrededor para asegurarnos de que está todo bien. Si necesitamos moverla o volverla a hacer por alguna razón, la limpiamos con alcohol; probamos aplicando un poco y dejando que se asiente durante unos momentos antes de limpiarlo. Esta corta pausa le da tiempo para que se disuelva. Si en su mayoría estamos contentos, la definimos con rotuladores Sharpie, oscureciendo las partes que estén muy claras y acabando lo que no se haya transferido, comprobando el dibujo para segurarnos de que está bien. A veces combinamos plantillas hectográficas con dibujos a rotulador, para obtener las ventajas de ambos métodos. Freehanding es un término que ha sido glorificado hasta cierto punto, no siempre con los mejores resultados. Los tatuadores inexpertos ven una obra impresionante en una revista con la palabra “freehand” debajo de ella, y entonces empiezan a hacer “freehand” sobre los clientes sólo para poder ponerlo en su tarjeta de presentación. Es una palabra molona y suena impresionante, pero si lo hacemos bien, el freehand puede ser tanto trabajo, si no más, que una plantilla hectográfica.

La mayoría de diseños freehand se beneficiarán de tener preparado primero un dibujo del diseño en un cuaderno de bocetos. Si es posible, hacemos los dibujos con una foto de la parte del cuerpo del cliente, o con el cliente justo en frente de nosotros. De esta manera nos aseugramos de hacer un boceto que encaje correctamente. Si no tenemos ninguna foto disponible, podemos intentar dibujar la parte del cuerpo, y luego ver como fluirá el diseño dentro de esa parte (Fig. 6.1.N). Lo ideal sería hacer bocetos en impresiones de fotos de la parte del cuerpo, como hicimos en (Fig. 5.3.N-5.3.S). Con nuestros bocetos preparados y el cliente afeitado y frotado con alcohol, empezamos el encaje con un Sharpie amarillo; como hicimos en (Fig. 4.3.N). Es bueno hacer esto con el cliente en la posición Autobús. Ya que el proceso de freehand llevará un rato, posiblemente horas, es mejor marcar solo la fluidez básica con el cliente de pie, luego dejarlo relajarse en una posición confortable mientras nos tomamos nuestro tiempo rellenando con naranja, verde, púrpura, negro –tantas fases de valor como necesitemos. Normalmente con amarillo, naranja y púrpura será suficiente. Cuando necesitemos borrar, usamos alcohol, como hicimos con las plantillas hectográficas. Si necesitamos editar pequeñas partes, podemos doblar una toalla de papel en cuartos, enrrollarla en el dedo, humedecerla con alcohol y usarla como un borrador. Continúo fantaseando con plantillas de inyección de tinta a todo color no tóxicas y solubles en alcohol, pero de momento, la combinación de plantilla hectográfica y freehand parece dar la libertad y precisión para hacer cualquier tipo e diseño. Hay sin duda incontables características de Photoshop para hacer mejores y mejores plantillas de imágenes en blanco y negro. Y por supuesto, siempre podemos evolucionar con el uso de rotuladores en la piel. No hay motivos para no considerar la parte de transferencia de diseños en el proceso del tatuaje no sólo esencial, sino una forma de arte con derechos propios.

6.2) Grupos de Agujas Igual que los pinceles que un pintor escoge para sus proyectos, los tipos de agujas que usemos determinarán muchas calidades de nuestro trabajo como la nitidez, la suavidad y la riqueza. Tenemos la opción de preparar cuantas máquinas queramos, y algunos tatuadores usan hasta cinco o seis grupos de agujas diferentes en un proyecto dado. Este enfoque le dará a la pieza más variedad de textura, calidad de superficie y detalle. El enfoque tradicional es usar dos disposiciones, la “de línea” y la “sombreadora”. Usando una cinco suelta y una magnum siete, podemos conseguir mucho de lo que hemos estado hablando, como líneas sangrantes, líneas grises, construir bordes y sombrear y colorear en diferentes escalas de forma y detalle. Algunas piezas, sin embargo, pueden beneficiarse de tener también una escala más pequeña de detalle, o líneas grises más finas. Estas piezas normalmente necesitan una tres, una cinco y una magnum siete. Normalmente, estos son los únicos grupos de agujas que uso. Me he dado cuenta de que más elecciones simplemente complican el proceso, y que estas tres disposiciones

pueden hacer el trabajo de la mayoría de otros grupos. Está decisión la hice después de probar tanto únicas, como planas y grandes redondas. No obstante, ocasionalmente rompo esta tendencia; habituarse demasiado a algo puede crear limitaciones innecesarias, especialmente considerando la gran variedad de elecciones que tenemos. La única (Fig. 6.2.A) es uno de los tipos de aguja más difíciles con los que trabajar. Si no están bien hechas, usadas en el tubo adecuado y con la tensión de goma correcta, es difícil que hagan algo. Una única aguja es propensa a rechazos y más que cualquier otro grupo de agujas. Es un grupo de agujas con el que realmente necesitas un montón de experiencia para tener buenos resultados; por consiguiente, hay muy pocos artistas buenos que usen una sola aguja. Un grupo de tres agujas (Fig. 6.2.B) normalmente hará el trabajo de una sola, si están lo suficientemente apretadas y la elasticidad es lo suficientemente buena. Podemos apretar bastante una tres, teniendo en cuenta que queremos hacer tres agujeros, no sólo uno malo. Yo tengo tres apretados y tres abiertos, dependiendo de la escala de la pieza que esté haciendo. Una línea de tres agujas es de lejos más confiable que una de una sola, y cuando se hacen con un lavado de gris, pueden servir para el mismo propósito que la línea de una aguja. He visto artistas que usan grupos de cuatro agujas (Fig. 6.2.C), lo cual supongo que será un buen intermedio entre tres y cinco. Creo que las tres y las cinco son lo suficientemente parecida como para echar de menos las cuatro, pero no me cabe duda de que si las tuviera, disfrutaría usándolas y mi trabajo se vería diferente de alguna manera sutil por ello. La cinco redonda es un grupo de agujas fundamental e importante (Fig. 6.2.D). Una pieza de tamaño medio puede ser fácilmente delineada, sombreada, detallada y coloreada sólo con este grupo. Una cinco apretada hará pequeños detalles, pero pondrá menos tinta por golpe que una cinco suelta. Este grupo puede ser usado para líneas o bordes afilados, con movimientos en forma de óvalo juntos y repetitivos o movimientos cortos de patinaje, o puede ser usada para gradaciones suaves y plumajes, usando óvalos ligeros , grandes y sueltos. Cualquier número impar de agujas de cinco para arriba puede meterse en una magnum. Una magnum es un grupo plano, con dos filas de agujas, una fila superior con un número de agujas pequeñas e iguales y una fila inferior con un número mayor e impar de agujas. Hay dos tipos de magnum: mágnums apiladas y mágnums dispersas. Una mágnum apilada son dos grupos soldados uno encima de otro, para que haya poco espacio (Fig. 6.2.E). Personalmente no tengo experiencia con mágnums apiladas, así que no puedo decir nada útil sobre ello excepto que tendrás que hacer más trabajo que con las mágnums dispersas. Sospecho que deben ser duras para la piel. Una mágnum dispersa empiezan como un grupo plano con un número impar de agujas (5, 7, 9, 11, etc) juntos en el extremo romo, pero con la soldadura sólo a un cuarto de pulgada o menos. Entonces metemos una hoja de afeitar y la movemos adelante y atrás entre las soldaduras, haciendo dos filas (Fig. 6.2.F). Podemos variar la separación de estas filas empujando más el borde o acercando de nuevo los puntos. Cuando tenemos la separación deseada, Trazamos la soldadura hasta alrededor de ¼” detrás de las puntas,

Algunos tatuadores solo trabajan con la mágnum y la usan para todas las partes del proceso de tatuaje. podría impedir el flujo de tinta. . No tan ajustada como para atascarse en el tubo.2. mientras permite gran flexibilidad. usa una siete. las mágnum dispersas parecen ser el mejor término medio entre rigidez y soltura.2. Estos tíos encuentran que esta disposición es más parecida a un pincel. Si alguna vez trabajas sólo con un solo tipo de mágnum. y ser capaz a la vez de moverse por campos grandes y uniformes en poco tiempo. Pero cuando están bien. Las vemos especialmente en el tatuaje francés. a pesar de que hubiera sido reacio a usarlas para hacer líneas o bordes precisos. también deberemos usar una siete. Las mágnums más grandes (Fig. Esto mantendrá el grupo de agujas rígido y fiable a la vez que permite acción capilar total de la tinta. Una mágnum de cinco (Fig. Cualquier medida menor a un cuarto de pulgada. pero creo que deberíamos tener un espectro entero de tamaños. A algunos tatuadores les gusta hacer alguna o todas sus mágnum mucho más flexibles. podemos conseguir tanta precisión con las mágnum como la que conseguiríamos con una tres apretada. densidad y suavidad. Esto es bastante para mantener las puntas aproximadamente en una formación mágnum. es bueno llevar la soldadura sobre ¼” – 3/8” de las puntas. Es una herramienta realmente versátil. También puede ser usada para líneas de diferentes grosores. sin embargo. Esto es totalmente manía mía. Para la mayoría de grupos de agujas. Esto nos dará un uso fácil de todo el rango focal y el rango de tamaño de detalle. Es importante usar tubos que encajen con las mágnum de manera relativamente ajustada. lo cual puede significar tener máquinas adicionales en nuestro arsenal. 6. Puede meterse en zonas muy pequeñas. Es muy difícil conseguir algo de precisión cuando el tubo es demasiado ancho. o para detallar zonas pequeñas de una pieza grande. precisión y la habilidad real para manejarlas. aunque una mágnum de siete puede ser usada para todo tipo de campos suaves y grandes degradados. Es posible que un tatuaje parezca plano si abusamos mucho de las mágnums grandes. así que solo suben la soldadura la mitad. consiguiendo buena definición a la vez que cubrición sólida y diferentes niveles de enfoque. y son especialmente buenas para atmósferas. 6.para fijarlas de esta manera. También es posible que una pieza parezca muy lineal si nos apoyamos demasiado en grupos pequeños en una pieza grande. Una mágnum grande requerirá más tensión de resorte y más potencia que una mágnum más pequeña. esto quiere decir que si usamos una cinco y una once. He usado cinco redondas hechas de esta manera para colorear y me han gustado bastante. Una mágnum de siete (Fig. ¿Manía? ¿Disminuirá esto la cantidad de presión posible? Difícil de decir. Tiene una apariencia y un tacto mejor que la cinco redonda. Bajo mi experiencia.I) cubrirán más área y posiblemente harán más fácil crear gradaciones suaves y efectos de humo.G) es ideal para conseguir variedad de efectos de color en formas pequeñas.H) parece ser el tamaño más versátil de mágnum.2. 6. pero lo suficiente para que no haya espacio para que vaya de lado a lado.

2. Esto las hace menos apropiadas para líneas nítidas que construirlas con un grupo más pequeño.N) con poco éxito. Ni siquiera puedo imaginarme cómo se hacen estos tipos de agujas. No entraré en detalle sobre los grupos de agujas exóticos. de manera que la cara inferior del tubo esté perpendicular a la piel.M). Esto puede causar herida en la piel.L) para sombrear y colorear. puede ser más difícil conseguir gradaciones suavesy campos regulares con las grandes redondas. 6. como la mágnum apilada.2.Hacemos esto inclinando la máquina y golpeando la piel en ángulo (Fig. ocho y catorce redondas. aunque con un poco menos de precisión. Desafortunadamente. Pero me pareció que.2. con las agujas apuntando hacia delante en la dirección que nos movemos. Esto se debe en parte a que las grandes redondas están puestas muy juntas. Es común en todos los tatuajes hechos con planas tener todo tipo de pequeñas marcas cuadradas sembradas por todas las gradaciones. Cuando empecé se me enseñó a tatuar usando grupos de 6 planas (6. He notado esta diferencia incluso entre cinco redondas y siete redondas. es como si cortara para meter el color. 6. y queremos reservar lo más posible nuestra energía durante el proceso del tatuaje. 6. comparado con una mágnum. Sin embargo. Podemos entonces inclinarla noventa grados. Me he dado cuenta de que. 6. una redonda grande necesita más tensión y energía que una cinco redonda. es fácil crear campos desiguales de color o incluso dañar la piel de alguien con una redonda grande. Una plana puede ser abierta con una cuchilla en una disposición en la que los agujeros estén más separados (Fig. las grandes redondas crean bordes más suaves.J). y piensa que las mágnums son difíciles de usar. así que no puedo pretender decir algo útil sobre ellos aparte de que. que ya empiezan a hacerse muy suaves en los bordes. como los once de punta hueca o grupos de cincuenta en bala o mágnums con las esquinas redondas. Debido a que la plana es casi como una pequeña cuchilla. el hecho es que la mayoría de excelentes tatuadores con los que estoy familiarizado usan mágnums para la mayoría de sus proyectos.2. flexibilidad y nitidez que con una tres o una cinco. Supongo que todo es cuestión de a qué estemos acostumbrados. En algún lugar hay alguien que hace trabajos fantásticos usando redondas grandes. (Fig. casi como si usaras un spray. las agujas de las esquinas acaban entrando en la piel de manera ladeada. Podemos crear líneas de esta manera.K). cuando cualquier grupo de agujas es abierto de esta manera. Como una mágnum multi-aguja grande. en general. . cortando grandes aberturas en lugar de pequeños agujeros redondos. A pesar de que no es muy diferente a una mágnum de 7 en términos de cuántos agujeros estamos haciendo. hay una enorme diferencia en la manera de manejar una y otra. Hacer un buen trabajo de color con redondas grandes es obviamente posible. requieren más trabajo. convirtiéndose en un grupo mejor para poner color.2. Por ello. haciendo que se vea desigual. También he usado redondas grandes (Fig. y las agujas en el centro del grupo están obligadas a ir sobre la piel que ya ha sido golpeada por las otras filas de agujas. ya que hay algunos tatuadores de primera categoría usando siete.

se sintieron cómodos con ello. así que una nueve parecía lo más adecuado. Algo así como casarte con tu novia del instituto. y este tatuaje no va en la dirección a la que estoy acostumbrado . pero cuanta más lucha técnica eliminemos. es incluso fácil ser complaciente con los escollos de nuestros hábitos. Es fácil sentirse cómodo con cualquier cosa que veamos que hace el trabajo. necesitamos probarlo en varias máquinas bajo diferentes circunstancias. Puede que también necesitemos una cantidad diferente de tensión en el resorte. Cuando probamos un grupo de agujas nevo. No obstante. No es que esté haciendo apología del camino fácil. ya que aceptar estos escollos puede parecer más fácil que aprender maneras totalmente nuevas de hacer las cosas. Cuando conducimos una aguja dentro de la piel. . no estamos haciendo simplemente un agujero. la mayoría simplemente encharcará la superficie. pero ciertamente no estaba haciendo que las cosas fueran más rápido. como el sombreado en grises. La mano fluirá de manera diferente con una mágnum grande que con una siete.La realidad es que hay gente haciendo trabajos bonitos usando todo tipo de agujas. De manera muy inesperada. también estamos añadiendo color. nadie se divorciará de nosotros por probar diferentes agujas. alrededor de la tercera hora de trabajo.¡debe ser el grupo de agujas nuevo!”. Es fácil despreciar algo si no nos funciona desde un principio. creando fricción contra la aguja. Lo que afectará más que cualquiera de estos factores. y trabajaron sobre eso. Era una pieza grande con grandes campos de color. esto es algo de lo que nos percatamos sólo tras tener una cierta cantidad de experiencia. Grupos de agujas nuevos requieren ritmos nuevos. intenta visualizar una aguja percutiendo contra la piel a cámara lenta. La piel se separa alrededor de la punta y se extiende para admitir la aguja que se acerca. sin embargo. y empecé a expermientar de verdad los beneficios de usar una mágnum de nueve. o bobinas más grandes o pequeñas. intentando cerrarse. encontraron algo adecuado cerca del comienzo de su carrera. se que puedo tatuar. Si somos pacientes mientras probamos algo nuevo. todo encajó. El nuevo descubirmiento puede hacer posibles nuevos efectos. “Hey. sin embargo. más o menos gomas. para bien o para mal. Para comprender mejor la relación entre las agujas y la piel. más nos podremos concentrar en lo artístico. Esto me pasó cuando probé una mágnum de nueve por primera vez. Muchos de ellos han llegado a su elección después de experimentar con muchos grupos de agujas diferentes y han desarrollado su preferencia. o podría hacer que el tatuaje sea más rápido y fácil. Sentimos esto cuando hacemos los pequeños óvalos al colorear. La piel es elástica. puede que descubramos algo interesante. campos de color o brillos blancos muy definidos. Es totalmente natural decirnos a nosotros mismos. es nuestro propio ritmo. sin embargo. Seguí jugueteando con el voltaje e intentando compensarlo con la manera en que me movía. Pero fue una lucha desde el comienzo. y el agujero tira hacia dentro de sí mismo. no es que no pudiera. Muchos. Esta tirantez limitará cuánto pigmento entra en la piel.

Las puntas de las agujas pueden marcar una gran diferencia en la manera en que el color entra como color en sí mismo. “Cuanto más pequeño. Las agujas de carbono requieren un extra de cuidado. he tenido una suerte excelente con agujas de punta de carbono. hoy por hoy. Cuando sacamos las agujas sin agrupar de sus envoltorios. aceite mineral. Al contrario que las agujas inoxidables. Esto puede ser útil y apropiado en algunos casos. mejor” podría ser una máxima fácil de asumir. sin importar si planeamos o no meterlas en el autoclave enseguida. incluso si está bañada. Básicamente. pero aquí no puedo hablar desde mi experiencia personal. es una de cada veinticinco. verás si la punta está mal cuando la mires a través de una lupa. recomendaría de todo corazón que hicieras tus mágnums con ellas. lo cual es normal. No descartaría esto como superstición. incluyéndome a mi mismo. y ha habido cierto grado de romanticismo sobre los afileres super finos de entomólogo. Si esto te parece una serie de complicaciones añadidas. debemos usar pinzas. pero al principio era más. Ambos tipos están disponibles para los tatuadores y ambos meten el color. Parece que la mayoría de tatuadores prefieren agujas del calibre 00 para la mayoría de casos. Dos tipos de punta populares son las puntas cónicas y las puntas rectas (Fig. En mi caso. La mayoría de agujas de carbono dejarán una pequeña mancha marrón en el papel si las limpias con alcohol. como para lavados de gris super finos o trabajos con una sola aguja. puedo asegurarte que en realidad merece mucho la pena. ya que la grasa de nuestros dedos pueden oxidar el resto del contenido del paquete si no las usamos todas inmediatamente. La diferencia entre las agujas de carbono y las inoxidables es como la noche y el día. El calibre de la aguja también hará una gran diferencia. cualquier cosa que aísle el metal del aire. no puede oxidarse. si llega. pero la mayoría de artistas parece que prefieren las rectas. pero el veredicto aún está por determinar. Podemos usar muchos agentes diferentes para esto: Vaselina. haciéndolas super útiles para meter cantidades enormes de pigmento.2. Esto me incluye a mi y a casi todos los que conozco. cuando hemos acabado de montarlas. 6. Mi parte conservadora es cauta con las agujas de carbono en grupos con los que haría líneas. incluso aceite de cocinar. Es normal que de vez en cuando una aguja de carbono se estropee. ya que pueden crear reventones más fácilmente. Para colorear. tenemos que bañar las puntas para prevenir la oxidación.O). Eso . así que tenemos que manejarlas más cuidadosamente. Hay una guía rápida de distribuidores de agujas en el Apéndice A. glicerina. o “alfileres de bicho”. Imagina cortar un pedazo de pan con un cuchillo mojado en mantequilla caliente. ya que muchas personas han tenido experiencias similares. la mantequilla se quedará en su mayoría encima de la corteza. He tenido cinco redondas hechas con ambos tipos de agujas. es fácil visualizar cómo esto significará menos color penetrando en la piel. Debemos bañar las agujas en cuanto acabemos de usarlas. si el oxígeno no puede alcanzarlo. Sin embargo. se pueden oxidar. No obstante. Aparentemente la cresta donde termina el eje recto y comienza lo redondo ayuda a empujar el color dentro. Estas agujas tienen más textura en las puntas que las planas inoxidables. Entonces.

También me di cuenta que las máquinas hechas de mejores partes y materiales permanecen calibradas mejor y aguantan el desgaste mejor que las máquinas baratas. se moverá de manera muy diferente si está seca. aún estamos en la franja entre 200 y 325$. El color volaba dentro y curaba más rico y brillante. ¿no? Otra ventaja de usar agujas de carbono es que son mucho más fáciles de soldar juntas que las inoxidables. 6. pero les hace ganar enteros.3) Calibrado de la Máquina No todas las máquinas de tatuar son creadas igual.3. especialmente considerando todos los demás costes que conlleva el empezar. cambiar los resortes y todo eso. no queremos que nada comprometa lo que estamos haciendo. Es verdad que un buen tatuador puede apañarse con casi cualquier máquina hasta el punto en que trabajará lo suficientemente bien para que puedan tatuar con ella. Lo pillas. Queremos máquinas buenas. algunos fabricantes incluso tienen kits baratos para este propósito. Pero en última instancia. ¡La diferencia era como la noche y el día! Mis líneas. Suumergimos la aguja en agua para lubricarla dentro del tubo. que sean caballos de batalla fiables con las que siempre podamos contar. Después del primer año y medio más o menos de trabajar con estas máquinas de nivel medio. Así es como empecé yo. Tiene sentido empezar de esta manera. Pero el caso sigue siendo que los materiales de que están hechos los armazones y las bobinas marcarán una gran diferencia en el rendimiento. probablemente por 125-150$ cada una. desarmarlas y volverlas a armar. y es probablemente como empiezan la mayoría de tatuadores (sin contar los experimentos con máquinas de motor de cassette. ahora oía y sentía un suave y seguro ronrroneo. Lo suyo es hacer esto con un tubo y una aguja en su sitio. 6. Una pequeña ventaja. Sostenemos nuestra máquina hacia atrás. Ahora imagina hacer lo mismo. empezaron a ser frescas y oscuras a la primera pasada. Donde estaba acostumbrado a un zumbido ligero y estentóreo. y algunas máquinas comerciales no sólo están hechas de materiales baratos.A). empecé a comprar algunas máquinas mejores. Es bueno trastear con máquinas viejas. como se muestra en (Fig. Y. Si estás aprendiendo con alguien expermientado. si no que además están mal construidas. pero con una lima circular empapada en mantequilla en vez de un cuchillo. que siempre habían curado muy claras. Está bien tener máquinas baratas sólo para jugar con ellas. seguro que tiene todo tipo de máquinas viejas por ahí que pueda dejarte con la intención de expermientar. Parte de convertirse en tatuador consiste en sentir el rabo de la barra de las bobinas para el tipo adecuado de zumbido.son lasinoxidablse. etc). lo mejor de todo. . No hay razón para no encontrar alguna manera de conseguir que esas máquinas ronrroneen. cuando se trata de aplicar nuestro arte a la piel. Es una suposición bastante natural empezar un aprendizaje de tatuador con un par de máquinas de nivel medio.

Con algo de experiencia.B). un tubo y un vaso de agua para evaluarlas. ponemos tensión adicional. Esto incluye un golpeo largo y presión suave en el resorte. tendremos una manera fiable de evaluar cómo está funcionando una máquina. la máquina se ralentizará lo mismo que se ralentizaría si la aguja estuviese golpeando la piel.D). y luego apretamos el tornillo de cierre. Si la máquina está funcionando bien y usamos la cantidad justa de presión. normalmente con la máquina funcionando a poco voltaje. Con la punta de nuestro pulgar. por lo general. haciendo una “bofetada” más potente. aprenderemos a encontrar el zumbido mágico que preferimos. 6. La fuerza del rabo golpeando nuestro pulgar repetidamente debería ser mucho mayor que la presión que ejerzamos en la barra de la aguja. Podemos aprender más sobre el calibrado de máquinas yendo a las mejores convenciones de tatuaje y apuntándonos a talleres de construcción y calibración de máquinas con algunos de los mejores constructores de máquinas del mundo. En el Capítulo 2.Con la máquina en marcha. Cuando estamos en las convenciones visitando representantes de empresas de máquinas en su habitación de hotel y comprobando su mercancía. Creo que se debe usar la mínima cantidad de tensión en el resorte posible. Esto nos permite trabajar una zona más tiempo. y ajustarlo moviendo la punta hacia dentro o hacia fuera. Lo abrimos más o menos el grosor de un dólar de níquel. Sosteniendo la prensa sujeta tubos. añadiendo y quitando anillos O de goma y ese tipo de cosas. o poniendo más color para conseguir una apariencia más pictórica. empleándolo en hacer una línea perfecta. con el rabo golpeando y rebotando hacia dentro en cada golpe (Fig. Lo ideal sería que la parte posterior del resorte tuviera suficiente tensión para que el resorte delantero toque apenas el punto de contacto. Esto permite que las bobinas empujen la barra de las bobinas hacia abajo con un mínimo de carga acumulada para crear un golpe más rápido y suave. Ajustamos el golpeo ampliando el hueco entre el resorte y la punta. tan ligeramente que apenas lo ralenticemos. siendo esto . En su lugar. 6. minimizamos la amortiguación de la vibración de la máquina con la mano. lo que requiere más energía para empujar la barra de las bobinas hacia abajo. Esta es una buena manera de sostener la máquina mientras la calibramos o ajustamos el voltaje. no siempre tendremos una aguja. (Fig.C). Nos da más control sobre cómo entra el color con el menor trauma posible para la piel. aflojando el tornillo de bloqueo y girando la punta del tornillo a la izquierda.3. cogeremos la máquina por la prensa sujeta tubos y sentiremos el rabo con el pulgar de nuestra otra mano (Fig.6 hablamos un poco sobre calibrar la máquina para que funcione de manera que podamos trabajar con ella como si fuera un lápiz. 6. Para grupos de agujas más grandes.3. notamos la suavida y la fuerza del golpe.3. ponemos la yema del dedo pulgar ligeramente en la barra de la aguja. jugando con el voltaje. Si siempre sostenemos las máquinas de la misma manera y usamos la misma cantidad de presión en la barra de las bobinas con el pulgar cuando las calibramos o ajustamos.

yo usaría cuatro gomas. normalmente más gomas necesitaremos montadas en la parte de atrás del tubo. Podemos añadir tensión a un resorte. Las gomas deberían estar ligeramente espaciadas una de la otra en la barra de la aguja. etcétera. Aun así. Y si alguna vez simplemente queremos acelerar por una zona grande. y vemos si necesita más. tenemos que procurar usar tan pocas gomas como podamos. y de nuestra técnica. ya que demasiadas gomas harán que la máquina trabaje más duro.4. Normalmente necesitamos dos o más gomas para evitar que las agujas se balanceen. Al mismo tiempo.3.E).realmente útil cuando construimos líneas. Para añadir tensión a la parte posterior del resorte. Si están enrredadas (Fig. Me he dado cuenta de que normalmente dos gomas son suficientes cuando uso una tres. puesta de manera que no interfiera con los movimientos del resorte frontal. Tres se ponen en el sitio normal. mira el Apéndice A). Luego vamos a la parte superior. podemos encontrar la tensión correcta sin tener que doblar el resorte hacia delante y hacia atrás. si es así. y por consiguiente cuanto más voltaje usemos. pero en realidad no podemos restarle. El resto depende de nosotros. 6. añadiendo suavemente pequeñas cantidades de tensión. La mayoría de las mejores máquinas vendrán calibradas muy parecido a lo que he descrito (Para referencias y recomendaciones de máquinas. nos daremos cuenta de cuántas gomas necesitamos para cada trabajo. tres suele ser suficiente. causando que se rompa el resorte.3. 6. Sin mucho de prueba y error. siempre podemos subir el voltaje. (Fig. Con una mágnum de siete. mientras la cuarta se deja en reserva detrás del tornillo de contacto.4) Gomas La suavidad con la que funcionen nuestras máquinas también puede ser afectada por las gomas. dos gomas normalmente funcionan. se crea un sutil pliegue que deteriora rápidamente la fuerza del metal cuando enchufamos la máquina.F). Si empiezo a tatuar y las agujas se mueven. 6. puedo poner esa goma en el sitio sin tener que parar. normalmente en una Micky Sharpz Microdial ligera. restándonos suavidad. ponemos la barra de nuevo en su sitio. desenchufar. 6. quitar la bolsa de la máquina. luego lo giramos hacia fuera. sujetando la barra de la aguja. primero aflojamos el tornillo o perno Allen que lo sujeta. Si doblamos el metal hacia un lado y luego hacia el otro. lejos del punto de contacto (Fig. Cuando uso una cinco. Cada vez. Cuanto más grande sea el grupo de agujas. Al añadir tensión poco a poco y comprobándolo cada vez. Con un poco de prueba y error. es bueno jugar cuidadosamente con nuestras máquinas para ver qué pueden hacer. Incluso un cuarto de vuelta en el tornillo de contacto puede significar la diferencia entre bueno y perfecto. esto ralentizará la máquina o hará que funcione irregularmente. También resulta útil tenerlas ligeramente inclinadas hacia el tornillo de . repetimos la operación. apretando el tornillo. Cuando calibramos una mágnum. Hago lo mismo cuando calibro una cinco. deberíamos ser capaces de entender qué significa “perfecto”. pero a veces necesito tres. pero hay veces que necesito cuatro. y mantener nuestras máquinas relativamente cerca a eso.A). pero con una goma menos.

Si nuestro estiramiento es bueno. no podemos estar realmente seguros de lo que está haciendo la aguja. asegurándonos de que no están enrredadas y dándoles ese ligero ángulo.B). aún necesito permanecer constantemente alerta del estado de mi estiramiento. que parece darle al golpeo de la máquina un poco de presión extra. Pero esto no es simplemente una cuestión de buen-estiramiento-significa-buen-tatuaje. permitiéndonos monitorizar la calidad del golpeo de la aguja. seremos capaces de sentir la vibración de la aguja mientras golpea la piel. aunque en parte es verdad. pensamos para nosotros. Esto hace que ocasionalmente sea necesario “pellizcarlas”. Cállate. más sentiremos la vibración. así que incorporamos el estiramiento a nuestros hábitos de trabajo.5) El Estiramiento Durante nuestros aprendizaje. el estiramiento es una parte tan importante e integral del proceso de tatuaje que. El tema del estiramiento puede parecer un inconveniente.4.contacto (Fig. es bueno usar bolsas anchas y flexibles. 6. Una de las características más importantes del proceso de estiramiento está en el hecho de que la mano con la que estiramos puede sentir la vibración de la aguja golpeando la piel. y no podemos esperar a que el jefe decida que sabemos lo que estamos haciendo y nos deje en paz para así poder coger la máquina y ponernos al tajo. Si no estamos sintiendo la vibración. o puede estar clavándose hasta el hueso. ni siquiera me molestaría en escribir este capítulo. A veces pensaremos que estamos estirando bien pero no sentimos la vibración. incluso después de doce años tatuando. mal-estiramiento-significa-tatuaje-desastroso. Estoy Intentando Tatuar. Sin embargo. desarrollamos suficiente nuestro sentido del estiramiento para poder salir adelante. y podemos concentrarnos de pleno en el trabajo. tenemos que escuchar a la persona que nos esté enseñando regañarnos una y otra vez por la manera en que estiramos. Esto puede hacer que pasemos de las gomas. ya que las bolsas rígidas que a menudo se comercializan para cubrir las máquinas de tatuar hacen que sea muy difícil hacer algo con las gomas. Luego. las gomas son una de las cosas menos emocionantes del proceso del tatuaje. y por ende en el resultado final del tatuaje. Admitámoslo. Normalmente notamos la considerable diferencia entre intentar trabajar sin un buen estiramiento y tatuar haciéndolo. pero pueden tener un gran impacto en cómo funciona la máquina. A veces las gomas se juntarán durante el transcurso de un tatuaje. Cuanto más estiremos. dejamos de tener que pensar en ello. En la mayoría de casos. como de rápido lo hace. esto es una señal de que debemos reposicionar la mano y probar a estirar de manera diferente. Esta es una de las claves más importantes para tener control sobre la técnica. Lo que sentimos con la mano con la que tatuamos está demasiado alejado de la penetración . cómo de fuerte o blando. Si este fuera el caso. Puede estar rebotando. 6. Para que esto sea más cómodo.

Pero si los ponemos a horcajadas en una silla y los inclinamos hacia delante. lo que significa que necesitamos ajustar y reestirar constantemente conforme avanzamos el tatuaje. Entonces suplementamos esto con el estiramiento de tres puntos. Este método no sólo dolerá al cliente y le creará moratones. ligeramente más cerca del punto que vamos a tatuar de lo que queremos.real de la aguja como para apoyarnos en eso. dificultando nuestro trabajo. Es posible que tengamos que apoyarnos en alguien para conseguir un buen estiramiento en la parte posterior del tríceps o ciertas partes del abdomen y los muslos. lo cual siempre compromete la calidad del estiramiento. Segundo.C). cómo curará. los dedos y el talón palma de la mano con la que estamos tatuando (Fig. a lo único que prestamos atención es a la vibración que sentimos con la mano con la que estiramos. añadiendo tensión a toda la zona. 6. necesitamos sentirlo con la mano con la que estiramos. podemos solucionar este problema poniendo al cliente en una posición mejor. De cualquier manera. ¿cómo es un buen estiramiento? Empezaremos eliminando los malos estiramientos. No importa lo expermientados que seamos. hagamos lo posible para evitar el anticuado método “Puño de Hierro” amorata-miembros. pero especialmente con algunos tíos pesados puede ser útil que nos echen una mano. cómo de nítidas serán nuestras líneas y todo eso. La posición en la que esté nuestro cliente puede puede marcar una gran diferencia en el estiramiento. intentemos evitar el método de la fuerza bruta mientras sea posible. Entonces tiramos con el talón de la mano hacia fuera. Puede que creamos que lo mejor sea tumbarlos boca abajo en una camilla de masaje para trabajar en esta zona.5.A). ni siquiera nos damos cuenta de que lo estamos haciendo. veremos que la plantilla casi duplica su tamaño. ponemos el talón de la mano con la que tatuamos firmemente en la piel. Cuando un estiramiento de tres puntos no es ni posible ni adecuado. 6. Por ejemplo.5. Necesitar una tercera mano es raro. Luego. estirando la piel en una tercera dirección (Fig.B). cuando ponemos la mano detrás de la extremidad y tiramos con el pulgar y los dedos (Fig. cuánto dolerá. nunca podemos permitirnos el lujo de dar por supuesto el estiramiento. sino que el estiramiento es inconsistente. Esto nos dará un punto bien estirado del tamaño de un dólar de plata. si estamos haciendo un pecho. Por supuesto podemos trabajar en esa posición. y en algunos casos es preferible. lo que nos da una buen tensión en la piel (Fig. y empezamos a estirar. Esto afectará a lo rápido que podamos trabajar.5. Para empezar. esto hace que la piel en esa zona se comprima. Este método estirará la zona mejor y más uniformemente que la mayoría de otros métodos. 6. intentamos adquirir un buen hábito de reposicionamiento y reestiramiento rápido y eficiente. 6.D). Lo ideal es un estiramiento de tres puntos. podemos suplementarlo ya sea posicionando mejor al cliente o haciendo que nos ayuden con el estiramiento. pero en realidad. . Un buen ejemplo de esto es la parte baja de la espalda. Después de un rato. podemos hacer que estiren desde el final de un pectoral.5. Esto nos da una idea de cuánto puede ayudar esto al estiramiento. Hacemos esto poniendo poniendo primero el pulgar y los dedos donde queremos. Hacemos esto tirando hacia fuera de la zona que estamos trabajando en tres direcciones usando el pulgar. pero en la mayoría de casos. En lugar de buscar maneras de estirar un área grande.

no obstante. Tenemos que asegurarnos que el toalla de papel está limpio y seco. Esto puede que sea más incómodo para los clientes. Podemos tener un buen estiramiento incluso en las partes más rebeldes del cuerpo si usamos la posición correcta tanto para nuestros clientes como para nosotros.5. si no empeoraría la situación. ya que un papel arrugado tenderá a borrar partes de la plantilla. Podría adentrarme tanto en detalles maniáticos del Estiramiento Perfecto que todos caeríais dormidos. Esto estira toda la zona. También debemos asegurarnos de que está doblado por la mitad o en cuartos. Hemos demostrado que el proceso de cambiar entre máquinas a placer ayuda a obtener una variedad de efectos distintos. Normalmente es bueno tener una capa muy ligera de vaselina en todo el tatuaje. Podemos evitar esto poniendo un toalla de papel sobre la zona.6) Detallando y Suavizando Ya hemos entrado un poco en detalle sobre usar una cinco redonda y otros grupos de agujas pequeños para algo más que simplemente hacer líneas. 6. Me gustaría aprovechar esta oportunidad para elaborar un poco más este tema.G).5.6. En el tipo más básico de tatuaje. y luego acabamos el tatuaje con un grupo de agujas más grande para sombrear y colorear. Lo más importante.A) ya que esto es prferible a salirse de la línea con el sombreado. Si ponemos atención a la vibración. un reposabrazos con una almohada es genial para ayudarlos a relajarse (Fig. generalmente es una situación que desafiará nuestro estiramiento. Esto incluso puede ayudarnos a tener un mejor agarre. Podemos hacer esto más fácil para nosotros haciendo que cruze el brazo sobre su pecho y que se agarren el otro hombro (Fig. pero no pueden pretender que agarremos firmemente nada si se nos resbala de las manos. así que usamos cantidades más generosas en las zonas donde estamos tatuando y en cualquier color claro cercano que queramos proteger. Muy aburrido. pero superimportante. 6. Lo podemos hacer aún más fácil si primero nos aseguramos de que no hay vaselina esparcida por las zonas que estamos intentado apretar para estirar.5.Una manera cómoda de poner a los clientes es usar una silla alta (para poder alcanzar la parte baja de la espalda sin sentarnos en el suelo) y darles una caja o algo así para que pongan los pies. no es precisamente un tema que la mayoría de tatuadores considere emocionante. haremos mejores tatuajes. Tres o cuatro páginas es suficiente. Si somos conscientes del estiramiento que hacemos. casi seca. 6. 6.E). excepto para las partes con plantilla que aún no hayamos alcanzado. 6. A veces el estiramiento comprometerá el buen estado de partes de la plantilla o el dibujo a mano alzada. empezamos con una “delineadora” para el contorno. Esta posición puede ser muy cómoda para períodos relativamente largos. es nuestra habilidad de sentir las agujas con la mano con la que estiramos. Todo el mundo lo sabe. . y luego estirando con el papel (Fig. podemos controlar como entra el color. si lo hacemos bien.F). Esto es una norma tan aceptada que la mayoría de diseños sofisticados aún se siguen tatuando de esta manera. Si estamos trabajando la parte de atrás del tríceps de alguien cerca de la axila. A veces. es normal ver una franja irregular de piel entre el contorno y donde empieza el sombreado (Fig. En este tipo de piezas.

puedo rozar toda la plantilla. Esto puede ser un trabajo difícil y meticuloso para hacerlo con una mágnum. Con colores fríos oscuros.) Con la mágnum. es un buen método todo-terreno para un tatuaje a todo color. defino bordes y curvas. y muchos tatuadores se lo saltan. Esta fase puede ser una de las partes más divertidas de un tatuaje. No sólo una tres o una cinco redonda rellenarán el hueco más fácilmente. 7. ni siquiera debemos preocuparnos de que se manchen. y hago algo de detalle con negro y fríos medios y oscuros. uso el blanco para textura y detalle. Enjuago muy bien. Esta es la alternancia de máquinas que suelo usar. especialmente los cálidos. si no que nos permite definir y suavizar el borde de la línea. Esta vez. 2. pongo el amarillo y los brillos blancos grandes. trabajando con la máquina en ángulo y haciéndolo lo mejor posible para no cortar las zonas que ya hemos rellenado en negro. rozo los grandes brillos blancos hechos antes con la mágnum. y luego trabajo en pequeñas zonas hasta completarla.Si nos calmamos y nos tomamos nuestro tiempo. si la mayoría de la pieza no tiene líneas grises o de sangre. bosquejamos sombras negras y algo de color como azules y púrpuras oscuros y medios. Acabado. y usarlo para rellenar ese hueco. construyo las líneas donde quiero más peso de línea. también trabajamos el detalle.) Vuelvo a la mágnum. defino los brillos blancos.) Vuelvo a la cinco. no sólo rellenamos los huecos que no queremos entre las líneas y las zonas sombreadas. asegurándome de que queden saturados y uniformes. a menudo sigo un itinerario parecido a esto: 1. Sin embargo. Yo cambio entre máquinas muchas veces en el transcurso de un tatuaje para sacar el máximo partido a cada tipo de máquina. bosquejamos todos los colores medios y claros. 3. Casi todo. 6. Si estoy haciendo una pieza a todo color con una cinco redonda y una mágnum de siete.) Con la cinco redonda. Simplemente es una herramienta mejor para el trabajo que un grupo más grande. Si es una pieza más grande. uso el grupo de agujas redondo para ponerlo fuertemente contra los bordes y en los detalles.) Vuelvo a la cinco redonda. 4. Suelo poner un poquito de color antes de pasarle por encima el negro. ajustamos las curvas y refinamos todo lo que necesite ser refinado. podemos rellenar esta franja usando mágnums. bosquejamos el contorno y los bordes del diseño. Refuerzo el amarillo. 5. sólo lleva un poco más de tiempo cambiar a un grupo de agujas más pequeño. cada vez pasando por los pasos de 2 al 7. excepto el amarillo puro y el blanco. . defino y detallo los colores medios y claros. saturando las zonas demasiado pequeñas como para trabajarlas con un grupo grande. Durante esta fase del tatuaje. y no lleva mucho tiempo.) Vuelvo a la mágnum.) Cambio otra vez a la cinco.

y definimos los brillos blancos con la cinco (Fig.6.6. podemos definir y oscurecer todos los bordes. por ejemplo). Básicamente. Si queremos un borde claro y nítido en una zona que primeros hemos contorneado y luego bosquejamos con una mágnum. Las imperfecciones normales en la línea también son visibles. empezamos moviéndonos a lo largo de este hueco en pequeños óvalos superpuestos (Fig.Esto puede alternar de máquinas un montón de veces. usamos óvalos superpuestos grandes para combinar el borde agudo y denso de la zona antes coloreada con la mágnum (Fig. en (Fig.6. y cómo podríamos darlo por bueno si quisiéramos. podemos conseguir cualquier efecto que queramos. Cuando empezamos a trabajar (por ejemplo. lo mismo para la mágnum y la Máquina 3. La mayoría del proceso de detalle está basado en esos movimientos de la mano como si tuviéramos un lápiz de los que hablábamos antes. en lugar de coger el reóstato y encontrar lentamente el voltaje adecuado.B). queriendo crear bordes suaves. si vamos a tener un humo en espacio negativo pasando por delante de un diseño. Esto puede llevar unos 20 minutos más o menos.D). 6. 6. Durante este proceso. en (Fig. hemos detallado la pieza con la cinco.I).6. Esto nos ahorra un montón de trabajo y alentará más libertad en lo que a intercambiar máquinas se refiere.F). Ahora. Milagrosamente. Puedes ver claramente aquel hueco irregular del que hablábamos antes. y ajustamos el voltaje en consecuencia. la fuente se pondrá como quiera que estuviera cuando usamos esa configuración por última vez. Este proceso se repite con los colores oscuros y medios (Fig.E). 6. ponemos los amarillos y los blancos. 6. 6. primero hacemos la fluidez básica del humo con líneas de sangre.C). bosquejando la línea con una tres) tenemos la fuente puesta en Máquina 1.6. 6. Esto se da especialmente con el humo y los efectos atmosféricos. patinamos a lo largo del borde exterior con toques cortos y suaves para hacerlo lo más limpio posible y refinar cualquier curva que lo necesite (Fig.6. el diseño se ha dibujado con un rotulador Sharpie. tiene una “memoria” para tres máquinas.6. Usamos estos movimientos para refinar líneas y bordes. Luego. Finalmente. 6. Usando estos mismos movimientos. Normalmente. Cuando cambiamos a la cinco. Un tercer grupo de agujas o más pueden complicar el proceso más todavía (disfruto usando una tres para rematar los brillos lancos después de hacerlos con grupos más grandes. 6. hemos bosquejado las líneas básicas con una cinco y hemos sombreado en negro con una mágnum. primero tenemos que rellenar el hueco entre el sombreado y la sombra (Fig. lo ponemos en Máquina 2 antes de ajustar el voltaje.6. A veces desearemos lo opuesto a definido. cambiamos a Máquina 1.6. si volvemos a la tres. 6. Finalmente. este tipo de fuentes tendrán un interruptor con tres posibles ajustes para la Máquina 1.6. como hicimos en el Capítulo 2. Normalmente.6. perfeccionar las curvas. La apariencia resultante es limpia y suave. y luego añadir profundidad a los detalles orgánicos texturados. Usando una cinco redonda.6. luego . Luego. Podemos facilitarnos aún más la tarea si usamos una fuente de alimentación con tres ajustes diferentes (mira el Apéndice A).G).J. para la Máquina 2 y para la Máquina 3. Luego.H).K). 6. Este método es muy parecido a las técnicas de detalle del Capítulo 2. En (Fig. primero usando amarillo y luego un color más oscuro.

7) Indicadores de Confort La comodidad del cliente no es algo que se trate a menudo en un aprendizaje básico de tatuaje. Esta es una buena oportunidad para usar el color para reforzar el movimiento del espacio negativo y hacerlo fluido. Si dejamos el color suave y lo difuminamos a medida que nos acercamos a la línea de sangre. que podría hacer que el humo pareciera “recortado”. Si pueden relajarse. utilizando un color suave y atmosférico como lavanda o azul pizarra. 6. la posición del cuerpo puede convertirse en un factor muy importante. . Incluso si no nos importa su sufrimiento y sólo queremos que estén quietos para poder trabajar. En el día a día de un estudio. dejando que fluya la piel en blanco. Este color debería ser sólo un pelín más oscuro que el tono de la piel. En una situación ideal. usamos un color más rico. Por lo tanto. haciendo que estén agitados e inquietos. en una posición en la que podamos trabajar en una buena postura. 6. Cuando hacemos trabajos personalizados grandes. Usando poco voltaje y movimientos sueltos y ligeros.M). Si alguien que estemos tatuando está muy incómodo. Si usamos nuestro equipamiento para tatuar de la misma manera que los pinceles. para hacer una transición entre el color claro y el fondo. el cliente se sienta y se ajusta de manera cómoda y permanecerá así el tiempo que haga falta. podremos trabajar más eficientemente y concentrarnos más en lo que estamos haciendo. puede agravar el dolor de la aguja. Cuando hacemos tatuajes rápidos. sin embargo. el humo parecerá más suave y transparente que si ponemos el color justo contra la línea. el dolor de la aguja es más que suficiente para mantener la mente de nuestros clientes alejada de su posición ligeramente incómoda. podemos mejorar la suavidad del efecto cepillando la zona con líneas de sangre con óvalos grandes y sueltos. A veces los suaves efectos de gradación son lo suficientemente delicados o específicos que resulta útil usar una cinco redonda para otra pasada rápida cuando acabamos con la magnum.ponemos el color del fondo contra esta línea. Vamos alternando entre los colores medios y claros para hacer una gradación entre el fondo y el espacio negativo lo más suave posible (Fig. Luego. tampoco la nuestra.6. Si empezamos dejando que el sombreado y el color se pierdan a medida que nos acercamos a la línea de sangre. puede que sea pedir demasiado para alguien que está lo suficientemente incómodo. podemos hacer que nuestro trabajo parezca pintado en la piel. podemos afinar cualquier aspecto que queramos de las gradaciones. La cinco puede hacer efectos muy delicados. si la calibramos de manera suave y usamos los toques justos. la mayoría de los tatuajes se hacen antes de que la comodidad del cliente se convierta en algo a tener en cuenta. como un púrpura medio. Las técnicas de detallado y sombreado son muy similares a los movimientos de mano y las técnicas que usamos cuando pintamos.

Normalmente. Podemos conseguirlo fácilmente con un buen flexo con cuerpo de brazo y un gancho (Fig. lo que nos da mucha más flexibilidad (Fig. 6. para que el cliente pueda apoyar la cabeza y relajarse completamente. podemos comprar bombillas de espectro entero que crean una satisfactoria luz natural.A). y toda una serie de diferentes reposabrazos. lo que me hizo reacio a usarlo otra vez. especialmente en posiciones en las que el cliente está tumbado (Fig. en las que un ángulo de 45 grados es preferible. especialmente para piezas en la parte baja de la espalda y el pecho. Con suerte alguien por ahí venderá buenos reposabrazos.D).7. haciendo que las cosas parezcan planas. y son muy pesadas de mover. he trabajado poco con sillas de peluquero. Algunos flexos vienen con una pesada base. Este dispositivo me ha hecho las cosas más fáciles. usando una mesa que construí de acuerdo con la fórmula anticuada de tienda de tatuajes. pero su peso e inflexibilidad siempre me han disuadido de comprar una. Sirven para casi cualquier posición del cuerpo y son flexibles y reajustables. el tipo que lo hizo ya no está en el negocio. Algunos fabricantes venden lámparas que tienen un cuello flexible de serpiente en lugar del tradicional cuello articulado. uno para el antebrazo y otro para el brazo. El mejor tipo de iluminación nos dará mucha luz con pocas sombras. 6. Algunas posiciones del brazo se trabajan mejor con dos reposabrazos. necesitamos una buena iluminación. para trabajos en los que es más cómodo estar tumbado. éste se engancha al borde de una mesa o se mete en un agujero previsto para ello.B). Casi siempre he usado una combinación de sillas de oficina. 6. mientras que las bombillas compactas fluorescentes que se enroscan dentro de las tomas de corriente estándar son a menudo demasiado blancas. Tengo tres reposabrazos disponibles para cualquier eventualidad. dándonos flexibilidad.7. Lo único que no dan es un reposacabezas. Admito que son geniales para la comodidad. camillas de masaje.7. reposapiés. pero duran . Las bombillas estándar incandescentes afectan a cómo vemos el color. sillas de peluquero. a la vez que no cegamos al cliente. “slantboards”. 6. hacédmelo saber y lo pondré en la próxima edición de este libro. haciéndolo todo más amarillo. Personalmente. 6. Estas bombillas son más caras.Tenemos muchos tipos diferentes de sillas y camillas para el tema de la posición del cliente. reposabrazos y camillas de masaje para casi todos los trabajos.7.E). Incluso un tipo se cayó una vez. lo que es útil en convenciones donde las mesas normalmente no están bien habilitadas para los ganchos. Desafortunadamente. reposapiernas. Mi favorito tenía un trozo de chapa de hacer de 12”x6”x1” como base– haría falta una explosión nuclear para tumbar eso. Una vez que los tenemos posicionados correctamente. y le pegamos una almohada (Fig. A veces usamos uno de los reposabrazos para esto.7. algunas con hueco para la cabeza. pero requería más esfuerzo por parte del cliente. pero totalmente inapropiadas para otras. que pueden ser muy cómodas para algunas posiciones. taburetes y mesa/silla/cosas para el acomodamiento del cuerpo complejas multi ajustables del ejército suizo. He usado durante un tiempo “slantboards” en la era de estudio callejero de mi carrera. sillas corrientes de oficina. Los mejores reposabrazos tienen bases pesadas y son ajustables no sólo en altura si no también en ángulo (Fig. que pueden subirse y bajarse.C). En algunas tiendas y en distribuidores online de productos para la salud como Real Goods.

Una de las más importantes es nuestro manejo de ellos. Hay muchas otras pequeñas cosas que hacemos que pueden afectar a la comodidad del cliente. En su lugar. o que estamos impacientes de tener que trabajar en ellos. es difícil que se relajen si les parece que estuvieran a punto de ser interrogados. Lo creáis o no. 6. A pesar de que la lubricación puede hacer la parte del cuerpo resbalosa y difícil de trabajr. las manchas de tinta derramada que son una parte normal del proceso se limpiarán de una sola pasada suave con el papel en vez de tener que restregarlo dolorosamente. tiene tantos beneficios que estos pequeños inconvenientes son insignificantes en comparación. Con una fina capa de lubricación.F). pero a algunos se les ha enseñado a trabajar sin lubricación. Probablemente uno de los aspectos más grandes y potencialmente dolorosos del manejo del cliente es el proceso de limpieza. puede afectar hasta a los aspectos más minúsculos de lo que estemos haciendo. Durante el resto del tiempo. Esto evitará que los charquitos de tinta que salen de la punta del tubo se hundan tanto en los poros de la piel que sea difícil limpiarlos. queremos la suficiente para formar una barrera entre el aire y la piel. No es muy agradable que te arrastren un papel arrugado por carne viva.mucho tiempo y mejorarán la calidad de nuestro trabajo al ayudarnos a ver el color como realmente es. Siempre querremos tener una fina capa en la zona en la que estemos trabajando. Es normal oírles decir “Hacia el final. Este pequeño detalle aporta bastante a su comodidad general. podemos hacer algo para remediarlo. Afortunadamente. tenemos que usar vaselina o ungüento “A&D” para lubricar. es algo es muy básico.7. necesita ser manejado como porcelana fina. no nos pasará esto si la aplicamos sólo donde necesitemos. Podemos aprovechar la campana de la lámpara para dirigir la luz lejos de los ojos de nuestro cliente. cuando limpias es peor que cuando tatúas”. A la mayoría de nosotros nos han enseñado esto en nuestro aprendizaje. especialmente después de haber agujereado suficiente. Esto no sólo los hará estar físicamente más comodos. . Todas estas especificaciones sobre la luz y la posición pueden parecer muy básicas. Tenemos que posicionar la lámpara de manera que esté justo encima de donde estemos trabajando. Tan básico que si lo comprometemos de alguna manera. Esto es una señal clara de que de verdad nos “sumergimos” en el trabajo. el único pigmento que quedará será el que repartamos con la aguja. para no cegarlo. he conocido a un par de estos tipos pobres y confundidos. incluso si todo lo demás está perfecto. No tanta como para que vayamos recogiendo grumos con la punta del tubo. Si la manera en la que sostenemos su parte del cuerpo es desigual y abrupta puede parecer como que tenemos prisa. para que nuestras manos no proyecten sombras (Fig. Con una posición e iluminación óptimas. Bueno. También previene que los colores claros que ya tengamos puestos se manchen. sino que les hará sentirse más importantes. Para empezar. Su cuerpo. realmente podemos concentrarnos en nuestro trabajo. incluso a veces olvidando hasta que estamos trabajando sobre una persona. Esto hará casi imposible que se sientan cómodos.

En su lugar. Si cortamos demasiado. No siempre podemos lubricarlo todo. pero si podemos hacerlo en zonas en las que aún no estamos trabajando y que no necesitamos agarrar para estirarlas. sino que también evitará que se hagan costras y se vuelva difícil de limpiar. y entonces limpiar. . esa parte del papel se vuelve inutilizable. 6. Si intentamos pasarlo otra vez. Una vez que hemos hecho la primera pasada. humedecerla. Este problema puede ser rápida y fácilmente resuelto cortando el final de la boquilla con unas tijeras (Fig. La doblamos en vez de arrugarla. Es comúnmente conocido que algunas partes duelen más que otras. correosa y acolchada. Esto es más que una razón en sí misma. ya que un papel arrugado tiene demasiados picos y hendiduras para penetrar en la piel. lo arrastramos ligeramente por la zona con un movimiento suave y gentil. a menudo el spray es frío y repentino. Normalmente no uso jabón cuando limpio. El jabón hace que el color salga un poco más fácil. Cuanto más cortes. reintroducimos toda la suciedad que acabamos de limpiar. sin embargo. y era muy reacio a usarlos. o tiramos el papel (si ya está muy saturado) o podemos volver a doblarla para sacar una zona nueva limpia. ya que se vuelve difícil de estirar.Los tatuajes frescos parecen picar menos cuando hay una capa de lubricación sobre ellos.7. más fácilmente sale el agua. Una sola pasada debería ser suficiente para recoger la mayoría del color perdido. podemos pasar por algunas zonas que son insoportables y otras que apenas se sienten. En un tatuaje pequeño. pero puede picar y dejar una película que luego seca. más o menos entre ¼ y 1/3 del papel (Fig. como cuando dejamos el bote en la mesa. La limpieza se hace mejor con una toalla de papel húmeda. Un papel suele durar entre 3 y 4 de estos ciclos.T han declarado que son más limpios de usar. Usar un bote en spray en alguien es algo no siemplre agradable para ellos. y hace que se estremezcan y se alejen.P. El picor extra que da el jabón puede ser una de esas cosas que se amontonan para hacer una sesión incómoda. les ahorramos este sufrimiento. ya que la mayoría están demasiado nerviosos e intimidados como para hablar en aras de su comodidad. Si en su lugar usamos los botes estrujables. tenemos más control sobre cómo la parte húmeda se desliza por la piel que si estuviera rodeada de papel seco. la parte más externa está más gastada. lo que todos agradecemos. limpia y doblada. Estos botes se han vuelto muy populares recientemente debido a que organizaciones como la A. Muchos otros artistas habían tenido mi misma experiencia. El beneficio que no esperaba. El deltoides es un buen ejemplo de esto. Luego usamos nuestro bote estrujable autoclavable para empapar una esquina. Me he dado cuenta que un toalla de papel limpio y húmedo es más que adecuado casi todo el tiempo.H). dándonos un cuadrado de aproximadamente 5” de lado.7. Cuando empecé a usar los botes Nalgene autoclavables. Con el papel preparado. No es común que los clientes lo pidan. llegó a salirme una ampolla de apretarlos. Esto no sólo hará la zona más confortable. mientras que la frontal está terriblemente cerca de la axila y la parte superior pasa por una pequeña protuberancia del hueso que puede dificultar realmente las cosas. sin embargo. Humedeciendo una esquina en lugar del centro. 6. el agua empezará a salir en ocasiones que no queramos.G). es más gruesa. Probablemente es mejor doblar el papel en cuartos. es otro factor de comodidad.

Normalmente. Una vez que el cliente se acostumbra a que estemos trabajando en esa pequeña zona. lo cual es una de las cosas más temidas por un cliente. empezamos tatuando las partes menos dolorosas y dejamos que se acostumbren antes de ir a los puntos más dolorosos. se ha acabado la sesión. Este es el mejor momento para acabar esas zonas tiernas. pero no en la última pulgada o muy cercano a la zona que vayamos a trabajar. El proceso entero acaba siendo más simple y directo de esta manera. en vez de repetirlo en cada zona. les es más fácil aguantar. En algunas piezas. acabando cada zona antes de pasar a la siguiente. De esta manera. trabajar una zona hasta completarla y luego movernos a la siguiente puede acarrear un inaceptable riesgo de manchar los amarillos y blancos. ya que ponemos cada color por todo el diseño antes de enjuagar y cambiar al siguiente. considerando todo el diseño como uno en lugar de concentrarnos en pequeñas zonas a la vez que conseguimos que se sigan leyendo como una sola. sin embargo. dejando una zona el tiempo sufciente para que empiece a curar antes de volver a ella. ya no les queda tolerancia al dolor. Esto hace que desaparezca el riesgo de mancharlos. Podemos llevar esto un paso más allá. especialmente en sitios por los que no hayamos pasado en varias horas. Podemos evitar esto acabando todo menos los amarillos y blancos en cada sesión. e incluso posiblemente alguien se adormezca. podemos trabajar el tatuaje por zonas. puede doler bastante si vamos paseando la aguja de esa manera. no tendremos zonas vulnerables de color claro cerca de zonas que aún no hemos empezado siquiera el sombreado negro. De esta manera. luego imaginar cuántos descansos haremos durante este tiempo. cuando hemos acabado con los colores oscuros de la siguiente sección y estamos haciendo los blancos y amarillos. Lo mejor es abordarlos cuanto antes y acabarlos. ya que no estamos intentando hacer daño a nuestros clientes deliberadamente. Entonces. Una vez que tenemos la plantilla básica dentro de la piel. Si pensamos que haremos tres descansos. Si evitamos estos puntos porque el cliente se estremece cada vez que nos aproximamos a ellos. y luego ir por toda la pieza haciendo los brillos. Hacemos cada proceso sólo una vez. entonces antes de que nos demos cuenta. y nos hemos dejado todos esos puntos difíciles. hacemos los brillos de esta sección. haciéndolo todo excepto los blancos y amarillos. pero esa inyección de color puede ser muy dolorosa. Hacemos menos enjuagando y cambiando de colores. Podemos pensar de manera más concreta. no acabamos volviendo a una zona en carne viva después del descanso. . Realmente es más ventajoso trabajar todo el tatuaje a la vez. En una pieza grande. entonces dividimos la pieza en cuatro partes básicas y trabajamos cada una hasta completarla. Podemos acabar apresurándonos a terminar este paso. Una buena manera de decidir cuantas zonas tenemos que trabajar hasta completarlo es estimar cuánto tiempo va a llevar la pieza. Podemos trabajar cada zona hasta completarla. habrá un momento en el que su tolerancia al dolor está en su apogeo y parece que lo aguantan mejor. Entonces. Cuando un cliente se sienta para una sesión grande. Existe un punto intermedio.

Podemos mejorar mucho en lo que a comodidad se refiere posicionándonos nosotros y nuestros clientes de la manera correcta. nos darán propina y volverán para más tatuajes. gráficos locos de ordenador o incluso animación japonesa. Si el material en cuestion es de interés para el cliente. pegatinas de holograma. cosas enmarcadas que hayamos obtenido de amigos. esto puede ser aburrido al poco tiempo. puede ser bueno tener un par de paredes cercanas con algún tipo de “caramelo visual” en el que puedan distraerse. rollo puños-volando-pistolas-disparando-cosasexplotando-por doquier tienden a hacer que los clientes estén inquietos si duran demasiado. No digo necesariamente que tengamos que escuchar a Yanni si nuestro cliente es un fan de Yanni. espejos…Tu decides. tendrá mucho que ver en cómo se sienten durante el tatuaje. Esto puede ser dibujos o cuadros nuestros. impresiones de cuadros. Otros no pueden verlo. Me he dado cuenta. y anhelan algún tipo de entretenimiento para ayudarse a olvidar el dolor. este proceso es lo más interesante que está pasando en la habitación. Podemos poner vídeos de fractales. Si las paredes están decoradas con caras lascivas e imágenes desagradable. y luego poner la música que queramos sobre eso. sin embargo. sin embargo. Aunque queramos mantener nuestro espacio de trabajo limpio y ordenado. postales coloridas. que las películas con mucha acción.también acabamos estos pequeños puntos de la primera zona en la que reservamos los colores más claros. y el tiempo voló. He tatuado unas pocas veces con buenas películas puestas y coloridos gráficos de ordenador. Para el cliente. Parece que a la gente realmente le gusta esta combinación. pero deberíamos considerar ponerle otra cosa que no sea Slayer. Cuando estamos trabajando. Esto es. Para la persona que está tatuando. Creo que la combinación de todas esas explosiones y la aguja hacen un cóctel bastante molesto. Algunos disfrutan mirando. a menos que la atmósfera de trabajo propicie la distracción y sea desagradable. ensamblajes de cosas interesantes. es normal sumergirnos tanto en lo que estamos haciendo que dejemos de notar la habitación que nos rodea. A algunos tatuadores les gusta trabajar con una televisión o un VCR enchufado. A menudo me sorprendo de lo ignorantes que son algunos tatuadores con los gustos musicales de sus clientes. pero inevitablemente acaban con el cuello. esto puede estropear la experiencia. A veces les gustará la idea de tener una distracción visual pero tendrán problemas para mantener la concentración en un punto. esto puede ser suficiente distracción para hacer que casi olviden que están siendo tatuados. pero recuerda que en lo que fijen la mirada será una gran parte de su experiencia mientras son tatuados. mientras el entorno cree una hechizo bajo el que sea placentero estar. A menos que estés especializado en este tipo de imaginería. y pot supuesto trabajando las zonas estratégicamente. Siempre habrá algún arreglo. con el que ambas partes se puedan sentir cómodas. Depende de nosotros decidir cuánto queremos inmiscuirnos en este aspecto de su comodidad. . Si nuestr cliente ve que tomamos en consideración sus necesidades. manejándolos suavemente y limpiando dulcemente. Vídeos musicales o vídeos de tatuaje también pueden servir. Estas medidas suman mucho para una experiencia de tatuaje muy cómoda para ambas partes.

La manera más básica y accesible de enfrentarse a un tatuaje es el ibuprofeno. asi que al principio es mejor usarlo moderadamente. pero diré que este tipo de medicinas. dependiendo del humor y el nivel de energía que busquemos. también es una expresión de nuestra energía artística personal. así que no puedo recetar medicamentos legalmente. No soy médico. y se han dado cuenta que es más fácil relajarse y dejarse llevar sin tener al tío llorica en las ondas de aire. Lo que de verdad no recomendaría es conseguir estas pastillas en la calle. Algunos incluso soportarán dolor extra por no tomar la medicación después del tratamiento. pueden tratar muy bien el dolor a la vez que no afectan a la salud de ninguna manera mesurable. porque podrías morir? Pues es verdad. tanto en forma de pastillas y geles tópicos anestésicos. En las memorias de nuestros clientes. cuando se usan cuidadosamente y con moderación. Entre ellos figuran tanto medicamentos de venta libre y con receta. mira el Apéndice B. Ningún debate sobre la comodidad del cliente estaría completo sin mencionar las sustancias farmacéuticas que un cliente puede usar para calmar el dolor. Podemos seguir con otros 200 o 400 mg cada par de horas. De hecho. esta parte de la experiencia puede durar tanto como el tatuaje. Esta sustancia reduce la hinchazón y calma en parte la irritación. La atmósfera que ecogemos no es sólo por la comodidad y la conveniencia. ocurrió recientemente una fatalidad en una convención cuando un coleccionista consiguió pasar a través de un doloroso tatuaje en . dependiendo del peso corporal. Supongo que tiene que ver con que ya tengo suficientes cosas en mi cabeza. Una dosis efectiva para tatuarse es 600-1000 miligramos. Si no podemos conseguirlas del médico o de alguien cercano. Algunos clientes míos han aguantado milagrosamente largas sesiones sólo con ibuprofeno. sino de que sean testigos de una instalación de música e imágenes que puede ser una forma de arte en sí misma. ¿Alguna vez has oído esa leyenda urbana de no mezclar pastillas y alcohol. por supuesto. Muchos clientes de tatuadores están muy abiertos a la música instrumental. pero definitivamente he descubierto (Y muchos otros tatuadores que conozco también lo están dscubriendo) que hay un montón de buena música por ahí que no tiene palabras. simplemente no merece la pena. Ocasionalmente he tenido clientes que les han pedido a sus médicos una pequeña prescripción específicamente para el propósio de ser tatuados. y un tatuaje es verdaramente una forma legitimada de dolor. para poder tenerlas a la hora de tatuarse. Para algunas sugerencias musicales. No hay ninguna ley que impida pedirlo. me he dado cuenta de que cada vez me he vuelto menos y menos paciente con la música con letra. Algunos dicen que les da dolor de estómago.Durante los últimos cinco o seis años. Algunos clientes tendrán algún tipo de opiáceo para paliar el dolor conseguido por una cita con el dentista o un brazo roto. Esto puede ir desde intrincadas composiciones de guitarra a pasiajes sonoros de ambiente expansivo a atronante y rítmica música dance. ¿por qué querría tener a un tío llorándome sobre sus problemas de amor o sus problemas con la sociedad cuando estoy intentando concentrarme? Esto es un tema de opinión personal. Es una oportunidad no sólo de conseguir que el cliente se relaje.

Después de dejar . y podemos usarlo de la manera que usamos el agua en el toalla de papel. Entonces la piel estará casi totalmente dormida durante una media hora. Simplemente no despertó al día siguiente. Si rompemos la piel usando un gel pre-anestésico y luego cambiamos a este otro tipo de producto. No es broma. pero como estamos hablando de drogas. o si simplemente queremos ponerla rápidamente sobre una zona grande para hacer suficientes agujeros para poder pasar a otro tipo de agentes anestésicos. Alguna de estas sustancias. los tatuadores han probado con diferentes tipos de cremas anestésicas de lidocaína o xylocaína. Prácticamente sienten como si alguien hubiese puesto una gruesa capa sobre su piel y estuviera tatuando la tela. la zona quedará casi completamente dormida. Si trabajamos una zona lo suficiente y aplicamos esto. creo que era importante hablar de ello. La gente a veces remarca que el dolor vuelve con ganas de venganza. la base de glicerina rellena los poros y suaviza la piel de manera rara. No menciono esta triste historia en el libro por diversión. no en todo el tatuaje. Además. Es un cóctel de tetracaína-epinefrina-lidocaína suspendido en glicerina. que puede encontrarse casi en cualquier farmacia. dan una pequeña sensación de alivio¸ que puede ser todo lo necesario para que un cliente pase por la última parte más dolorosa de un tatuaje. están pensadas para preanestesiar la zona. como la Prepcaína o Ela-Max. Hacemos esto aplicando una generosa capa sobre la zona y cubriéndola después con papel de film durante una hora más o menos. Un producto famoso es el Bactine. dejamos que se absorba durante unos minutos y luego lo quitamos. y luego lo celebró demasiado. no ha habido informaciones de que afecte al curado. hay una pega. debemos usarlos el mínimo posible. Uno de los productos anestésicos más famosos en el mercado se llama Sustaine. Algunas personas buscarán excusas para usar sustancias extravagantes. Recientemente. aunque no lo creas. Parece que si usamos suficiente. Sitios como la axila o el hueco del codo quedan tan entumecidos que la gente empieza a reírse. Tiene concsistencia acuosa. incluso se piensa que no hacen que se vaya el dolor. Por supuesto. impidiendo el flujo de sangre. Otras sustancias son útiles en zonas donde ya hayamos roto la piel. Esto puede ser bueno en el momento. haciéndola como fría y gelatinosa.el pie por la gracia de su bote de pastillas. Si tenemos que poner una plantilla compleja sobre una zona que previamente hemos anestesiado. sólo en zonas que vayamos a trabajar. pero parece que afecta de alguna manera al curado. en teoría podríamos hacer un tatuaje totalmente indoloro. volviendo a la normalidad después de una hora o así. y poco a poco irá recobrando sensación. y es nuestra responsabilidad no facilitárselo mientras estemos tatuando. La epinefrina hace que los capilares se congelen y constriñan. y hasta ahora. la zona queda absolutamente insensible. Esto puede ayudar en una zona pequeña. Para conseguir el máximo de nuestros geles anestésicos. en el mercado del tatuaje han aparecido una serie de nuevos productos que son un poco más efectivos. Sustaine dura unas dos horas y puede volverse a aplicar. puede que la mayor parte del efecto pase durante el proceso de colocación de la plantilla. Estos compuestos tienen un éxito limitado. Durante años. que yo sepa.

Algunos incluso recomiendan poner una pequeña cantidad en las tintas. estaba muy entusiasmado y las usaba en cada tatuaje. no es normal tener una curación mala después de usar Sustaine. Debo decir. no lo uso en clientes extranjeros u otra gente con la que no podré contactar otra vez para hacer un retoque. Sugeriría. Por esto. Cuando digo mala. Pero si puedo pasar sin ello.) ¿Bajo qué circunstancias hacemos una plantilla de una sola aplicación? ¿Y de dos aplicaciones? 4. Puede que consigamos efectos anestésicos sin las desventajas de la glicerina o la epinefrina. y ese tipo de cosas. limpiar a fondo. que incluso tomando estas precauciones. Quizá debamos repetir una tercera vez. coger otro trapo nuevo. podemos hacer lo imposible por nuestros clientes. que podríamos usar un pequeño bote en spray para aplicar esta sustancia sobre piel ya abierta. Sin embargo pueden ser muy útiles para esos sitios dolorosos o sesiones prolongadas. podemos mantener los efectos secundarios de estos productos al mínimo. tenemos que asegurarnos que la hemos limpiado muy bien antes de poder seguir tatuando. evito el uso de estos productos y dejo que los procesos naturales del cuerpo manejen el dolor. no obstante. pues.que se absorba durante unos minutos.) ¿Por qué usamos cinta cuando aplicamos una plantilla? 5. Cuando empecé a tener acceso a estas sustancias. y siempre me gusta tener un bote de gel anestésico a mano sólo por si acaso. limpiar otra vez. Después de todo. pero no queremos estropearlos. Ahora que ha pasado la novedad. me refiero a costras gruesas del tamaño de una gallete de avena. sin embargo. Ya sabes. No todos los tatuajes necesitan de anestesia. me he vuelto más conservador sobre su uso.) ¿Cuál es la diferencia entre una mágnum apilada y una mágnum dispersa? ¿Por qué la mágnum dispersa posiblemente es mejor? . a fondo. especialmente en vista de varios informes de mala curación. ¿no? Preguntas de Repaso Parte VI 1.) ¿Cuál es la principal desventaja de usar una plantilla hecha con papel de impresora? ¿Cuáles son algunas de sus ventajas? 3. rezumando agujeros y trincheras. Varias compañías están comercializando soluciones anestésicas que básicamente son lidocaína y alcohol. aunque los efectos durarían mucho menos que con Sustaine.) ¿Qué ventaja tiene usar jabón en vez de desodorante en barra (Speed Stick) para aplicar plantillas? 6. Si hacemos esto. aunque no puedo dar buenas razones para ello. Tiendo a sospechar de este procedimiento. Esto requiere un trapo fresco y húmedo. tirar el trapo.) ¿Qué diferencia hay entre una plana y una mágnum? ¿Qué es lo que hace que la mágnum sea preferible? 7.) ¿Cuál sería una buena razón para trazar a mano una plantilla? 2.

) ¿Cómo hacemos un estiramiento de tres puntos? 15.8. y por qué? 11.) ¿Qué pasa cuando las gomas están enrredadas.) ¿Cuáles son algunas de las ventajas de usar botes estrujables en vez de botes en spray? 26.) ¿Cuándo querremos suavizar un borde? ¿Cómo lo hacemos? 21.) ¿Cómo se hacen las mágnums dispersas? 9.) ¿Cuáles son algunas ventajas y desventajas de usar una silla de peluquero? ¿Y de una silla de oficina? 22.) ¿Qué parte de la máquina tenemos que sentir cuando debemos juzgar cómo funciona? ¿Cómo sostenemos la máquina cuando hacemos esto.) ¿Cuáles son las ventajas de ir cambiado de máquina varias veces durante el transcurso de un tatuaje? 19.) ¿Cómo podemos hacerlo para cambiar más fácilmente entre máquinas? 18.) ¿Qué tipos de lámparas son buenos para usar? ¿Qué tipo de bombillas? ¿Conoces otros? 24.) ¿Qué sentimos con la mano con la que estiramos? ¿Por qué es esto tan importante? 14.) ¿Cómo podemos proteger la plantilla cuando tenemos que poner nuestros dedos grasientos encima de ella para conseguir un buen estiramiento? 17.) ¿Cómo añadimos tensión a un resorte? ¿Por qué no queremos sustraer tensión? 12.) ¿Qué parte del proceso de un tatuaje es a menudo la más dolorosa? ¿Qué podemos hacer con esto? 25.) ¿Cuáles son algunas de las ventajas de trabajar pequeñas zonas de un diseño hasta completarlas? ¿Cuáles son las ventajas de trabajar una pieza como un todo? 27.) ¿Cuáles son algunas maneras de suplementar el estiramiento? 16.) ¿Por qué queremos emplear más tiempo detallando un tatuaje cuando podríamos pasar sin hacerlo? 20. en lugar de estar bien ordenadas? 13.) ¿Puedes pensar maneras de mejorar la disposición de tu estudio para mejor comodidad e iluminación? 23.) ¿Qué otras maneras puedes pensar para que un cliente esté más cómodo? .) ¿Cuál es la principal ventaja de usar agujas de carbono? ¿Y algunas desventajas? 10.

. podremos hacer que funcione como tatuaje. Puede que surjan preguntas. qué calibraciones usamos.) ¿Cuáles son algunas de las ventajas y desventajas de usar geles anestésicos de uso tópico? 31. si podemos hacer que se vea bien como dibujo de lápices de colores. Sin importar lo sofisticado que pueda ser nuestro diseño. En pos de la simplicidad. relaciones pos/neg. qué tipo de plantilla. como el contraste. nada puede compararse a trabajar en tus diseños con lápices de colores. pero también podemos juntarnos con otros tatuadores locales cuyo trabajo admiremos. Si realmente queremos mejorar el aspecto de nuestro trabajo.) ¿Cuál es un buen agente antiinflamatorio de venta libre? 30. así que te animo a que veas a otros artistas experimentados todo lo que puedas. Nada puede compararse a mirar de verdad. Incluso con un proyecto desafiante usando una foto de referencia. veamos cómo los aplicamos en algunas situaciones prácticas. Creo que cualquier cosa que dibujemos con lápices de colores.) ¿Cómo podemos minimizar los efectos negativos de estos medicamentos de uso tópico? Parte VII Procesos Ahora que ya hemos hablado en detalle de todos estos puntos. y puede que la persona que está trabajando esté preparada para contestarlas. podremos hacer que se vea al menos igual de bien en la piel. Intentaremos tocar todos los puntos principales del diseño. Esa interpretación a lápiz es como una prueba de la habilidad de nuestras manos de expresar la visión. y luego exploraremos algunas piezas chulas en color. no podemos obtener mucho mirando fotos estáticas y leyendo descripciones escritas. Las convenciones son un buen sitio para esto.28. y encontrar tiempo para dejarnos caer y mirar. Por supuesto.) ¿Es éticamente permisible dejar que un cliente tome medicamentos con receta para un tatuaje? 29. y el orden básico de los pasos. pero incluso simplemente mirando el proceso lo suficiente normalmente responderá nuestras preguntas. y tener una idea de cómo llevarlo a cabo. sabremos que podemos tatuarlo. incluyendo tanto imaginería abstracta como figurativa. prioridad y reservas. si primero hacemos una interpretación con lápices de colores. el rango dinámico. También incidiremos en cómo manejamos cada pieza técnicamente. No puedo enfatizar lo suficiente cuánto podemos ganar si pasamos tiempo dibujando. empezaremos con una pieza en negro y gris.

con todo esto en mente. Un artista de este nivel puede que simplemente no tenga tiempo de hacer interpretaciones con lápices de colores de cada diseño. 7. conocen el tema lo suficientemente bien como para que una interpretación a lápiz sea innecesaria. ¿Alguna vez has recorrido dos tercios en el camino hacia un tatuaje y de repente te has dado cuenta de que deberías haber manejado cierto detalle de manera muy diferente a la que lo has hecho? Bueno. Para los diseños más complejos. adentrémonos en el estudio y hagamos unos tatuajes. Cuando las hacemos más pequeñas. puede que probemos un nuevo acercamiento o posibilidad de trabajar con un tema desconocido. y luego hacer bocetos de color en esas copias. Algunos diseños complejos requerirán un poco de borrado y sombreado diferente antes de llegar a la mejor solución al problema. imágenes para camisetas. e incluso visiones personales que esperaban poder tatuar en alguien algún día. Una manera simple de hacer esto es hacer copias del dibujo de línea a una escala reducida. A menudo.Muchos tatuadores famosos experimentados simplemente dibujarán el diseño como un sencillo dibujo de línea para poder hacer la plantilla. si no hubieras hecho primero el estudio de valor. es bueno que nos preparemos. la mayoría de los mejores de estos artistas han tenido un período anterior en sus carreras donde hicieron docenas o incluso cientos de bocetos con lápices de color de diseños de tatuajes. Esto consiste en un boceto simple sombreado a lápiz en una de la copias reducidad del dibujo de línea.1) Un Diseño en Negro y Gris . porque ya tienen un plan claro. puede que incluso nos sintamos tentados de hacer unas cuantas variaciones en el esquema de color. este tipo de estudios evitarán estas pequeñas catástrofes. podemos pasar sin tanto trabajo preliminar antes de tatuar. Debido a que trabajamos con un lápiz normal de fácil borrado. A veces. Casi inevitablemente. un estudio de valor es información más que suficiente para empezar el tatuaje (¡no es que esté desalentándoos de hacer dibujos a color!) De cualquier manera. el segundo o tercer estudio de color estará mejor gráficamente que el primero. fliers promocionales. Con un buen estudio de valor. Una vez que tenemos una idea más clara de lo que hacemos. sin embargo. además. cada vez que borras es un grave error que podrías haber cometido haciendo el tatuaje. es bueno hacer un estudio de valor antes de ir al estudio de color. podemos probar muchas pequeñas variaciones en las relaciones pos/neg de un diseño. En momentos como éste. tendremos todas las relaciones pos/neg establecidas y podremos imaginar fácilmente el color. Debido a que podemos hacer estos estudios rápidamente. ya que es demasiado pequeña como para que nos perdamos en detalles. Es durante este período de dibujo intensivo en el que el artista establecerá el núcleo de su estilo e identificarán a dónde quieren llegar con él. no sólo acabamos antes si no que tendemos a usar una lógica positivo/negativo más clara y general que la que haríamos si el dibujo fuera más grande. Y recuerda. Sin embargo.

una cinco redonda y una mágnum de siete. lo que nos ayuda en caso de un diseño complejo como este asignando clara prioridad a la corona. También reforzamos los bordes alrededor de las manos y sombreamos un poco con toques suaves. trabajamos algunos de los detalles más pequeños de la corona con negro. y algo de detalle en la corona. Así nos aseguramos que el agua que hemos usado para hacer las líneas de sangre no diluirá el negro que estamos a punto de poner. Podemos hacer toda esta zona con una cinco. y luego la línea periférica de la corona. 7. 7. y difuminamos este sombreado a un tono más claro gradualmente mientras nos acercamos a las manos. Además.B). La hacemos gruesa y clara. Con la cinco. los rayos que irradian desde la punta de la corona (Fig.1. Después de hacer esto. enchufamos un poco la máquina. Cambiando a la mágnum. y a continuación. luego usamos pequeñas cantidades de sombra alrededor del destello en el mediopara distinguirlo más. 7. montamos una tres.Para esta primera pieza. lo cual puede darnos una línea fantasma no deseada cuando la pieza esté curada. Mezclamos el sombreado alrededor de las manos fácilmente dentro del pequeño trozo de sombra que empezamos con la cinco. la limpiamos. Trabajando de línea de sangre a línea gris a negro puro. sin crear una zona oscura innecesariamente grande. Ya que el diseño tiene mucha variedad de detalle y cierta necesidad de precisión. la volvemos a meter otra vez en negro puro y la activamos otra vez. la activamos un momento para asegurarnos de que está seca. hacemos líneas de sangre para el destello debajo de la corona. bosquejamos el contorno de las manos. luego la sumergimos en negro puro. Entonces cambiamos a la cinco y construimos la línea periférica de la corona. Finalmente. Entonces cambiamos a la tres y detallamos el sombreado en el patrón de girasol. También refinamos las manos y añadimos una textura de luz punteada en el humo. podemos acabar . pero usando el negro más y más conforme nos acercamos a la parte de debajo de la corona (Fig. pero la tres hace los detalles de las manos más nítidos y nos permite más precisión cuando refinamos las curvas y los puntos en el patrón de girasol. cuando nos enfrentamos a una zona pequeña como esta.C). es más fácil asegurarse que no hay nada de pigmento en el tubo cuando hacemos líneas de sangre. Si estamos intentando usar un grupo de agujas más grande en una zona pequeña. Poniendo lo más oscuro justo debajo del borde de la corona. usando en su mayoría lavados de gris al 60% o menos.1. sin oscurecer demasiado detrás.1. hacemos líneas de sangre para los remolinos de humo en espacio negativo que salen de las manos y envuelven la corona. algo de detalle en las manos. hacemos líneas grises para el patrón en forma de girasol detrás de este destello. Entonces limpiamos la punta del tubo en un trozo seco de toalla de papel. Cambiamos a la tres. usar la tres no nos llevará necesariamente más tiempo que hacerlo con la cinco. para una gradación limpia desde el borde exterior. levantamos ese borde. Hacemos la sombra más oscura inmediatamente debajo del borde de la corona. dándole dimensión. usamos negro y el rango entero de lavados de gris para sombrear las manos y el diseño en forma de girasol (Fig.A). empezamos con un pequeño dibujo sombreado en el bloc de esbozos seguido de un dibujo de línea a tamaño natural y una plantilla del mismo.

y a veces es bueno jugar a juegos de “gratificación atrasada” con nosotros mismos. así tenemos más cosas que nos den ganas de seguir. 7. pero reservamos el negro puro para sitios estratégicos (Fig. usando sobre todo grises por debajo del 40%. sobre pos. oscureciendo hasta el 60% en sitios concretos (Fig. que tiene con el fondo. Empezamos la corona con la mágnum. Si parece perfecto cuando está fresco. dejamos un pequeño hueco en el sombreado.D). en parte para intentar optimizar la relación neg.1. trazando en bucle para crear los bordes difuminados del humo.E). en (Fig. nos movemos a la parte de arriba del tatuaje y cambiamos a la mágnum. aplicamos el blanco. 7. las manos y los destellos. usándolo solo en sitios clave de las manos y nada en el humo o el patrónde girasol. Entonces volvemos a la cinco y detallamos las sombras proyectadas.1. Este tipo de patrón radial normalmente se vería bien con brillos blancos en este punto. Donde las bandas de sombra reflejada pasan por encima de cualquiera de las filigranas curvas en la corona. Eso quiere decir que queremos que parezca muy oscuro cuando está fresco. Usamos lavados ligeros por debajo del 40%. pero en este caso cancelaría el blanco en los destellos y la corona. Acabado todo el negro y gris de esta zona. Como todos los diseños con lavados de grises. 7. luego seguimos con la cinco para refinar estos brillos grandes y dar detalles brillantes a los reflejos y los collares de cuentas. como un camión de mudanzas dentro de un estrecho callejón. figurándonos que se verá bien cuando esté asentado.F). y aprender a compensarlo. podemos tener una mejor idea de cómo afectará exactamente el proceso de curado a nuestro trabajo. pero hace una gran diferencia. dándole más curvatura (Fig.1. haciendo parecer que la filigrana está grabada en la corona. Con la tres. necesitamos saber que la pieza se aclarará y suavizará entre un 30% y un 40% en el proceso de curación. Aprender el grado justo de sobrecompensación es cuestión de experiencia. Reservamos la corona para lo último. Ya que tenemos muchos elementos diferentes que intentamos mantener separados.1.empleando más tiempo intentando maniobrar con eso en los espacios pequeños. probablemente se verá demasiado claro cuando esté curado. 7. Este proceso sólo lleva un momento. luego trazos en bucle más pequeños para rellenar las zonas intermedias.H). . podemos ayudar a este proceso tomando fotos de nuestro trabajo recién acabado y recién curado siempre que sea posible.G).1. Viendo estas fotos una al lado de la otra. 7. Finalmente. Entonces cambiamos a la cinco y usamos estos mismos valores de lavado para reforzar los bordes de los rayos y traerlos delante del humo (Fig. reservamos el blanco sólo para la corona. podemos movernos de manera rápida y confiada sin preocuparnos de pasar por encima de una línea o hacer un punto afilado demasiado redondo y difuso. concentrándonos en reforzar la apariencia levantada de los adornos curvados aclarando estos pequeños puntos en el sombreado. Trabajamos grandes zonas de blanco con la mágnum en la corona y el destello de arriba. pero oscureciendo mucho más en los bordes de fuera. y en parte porque es lo más divertido del tatuaje. Durante la etapa de detallado usamos casi todo el rango de grises.

Una vez más usamos nuestro trío de máquinas de tres-cinco-mágnum de siete. lo que ayuda a evitar que los colores complementarios se mezclen directamente. ponemos los azules oscuros. conseguiremos un marrón oscuro donde el naranja y el azul se superponen . visibilidad y posicionamiento cómodo. construimos la línea periférica del cohete y le damos un peso uniforme. el cual sigue siendo bonito y brillante.2. obtenemos un rico color salmón. .2) Una Pieza Simple a Color Nuestra próxima pieza es un tatuaje relativamente simple a color. Esto es porque cualquier color que sea diametralmente opuesto a otro en el círculo cromático (colores complementarios) se cancelarán entre sí y crearán un marrón o un gris. trabajando ahora los magentas de las ventanas. Observa como hemos dejado un estrecho hueco en el color a lo largo de cada junta. Como en la pieza en negro y gris. Luego.2. Luego. llevado a cabo en una convención en unas 3 horas y media. obtenemos un lavanda o púrpura. 7. 7. El negro de estas líneas será el único negro de toda la pieza.C).2.2. 7. 7. Aún con la cinco. ponemos los púrpuras medios y oscuros. En el círculo cromático. líneas grises para las estrellas en el fondo y usamos negro para las rejillas de ventilación y otros pequeños detalles. refinando las curvas conforme avanzamos (Fig.A). que luego se difumina hacia un naranja. Observa como hay un indicio de borde desigual de piel entre el contorno y el fondo azul. el rosa o incluso una mezcla rosa-magenta. Luego. ausencia de pelo. Aún con la mágnum. cambiamos a la tres. Entonces enjuagamos el azul y continuamos con la mágnum. Está en la parte de dentro del antebrazo. luego se lleva a un dibujo a tamaño natural y se hace la plantilla. un color de transición es cualquiera que se encuentre entre los dos colores complementarios. es un buen color de transición entre colores fríos y colores cálidos. El magenta. que es un gran sitio para trabajar por su palidez. trabajando con la mágnum.D). Si hacemos un fondo azul o púrpura y lo diluimos en un brillo naranja en todo el color del primer plano. En ningún lugar nos encontramos con marrones no deseados. Hacemos todos los detalles con la tres. el cuerpo. medios y claros del fondo.B). creando un efecto metálico brillante (Fig. cambiando entre los tres valores de azul de nuestra paleta (Fig. las llamas en rojo. y alrededor del fuego (Fig 7. y los reflejos de la ventana de ojo de buey en púrpura.E). éste empieza con un pequeño dibujo sombreado en el bloc de esbozo. El púrpura se difumina hacia un rosa eléctrico. Podemos evitar este problema usando un color de transición entre ellos. hacemos la línea periférica en negro. Estas juntas son un buen ejemplo de cómo podemos usar líneas de contorno para mostrar la forma de un objeto. Cuando el azul se mezcla con el rosa. construimos las cosas puntiagudas en forma de aleta y los anillos que las rodean. usando la cinco. Empezamos bosquejando el contorno y pasando toda la plantilla a la piel (Fig.7.2. Donde se superponen el naranja y el rosa.

2. Por otro lado. no usamos azul. Continuando con la mágnum. El azul y el rojo se mezclan creando un púrpura. de la misma manera que hemos reservado el blanco (junto con muchos otros colores) para el primer plano.F). Usamos más rojo en el casco de la nave. sólo le damos 25 puntos. y entonces llevamos la corona roja alrededor de las llamas justo contra las líneas rojas. menos rango de valor que el cohete (65 puntos. Esto hace un total de 100. La fase de detalle. aunque sólo lleva unos quince o veinte minutos en total. Suavizando las curvas metálicas de color y haciendo las juntas más legibles. a la vez que muy probablemente mejoramos la longevidad de la pieza. limpiando y detallando las curvas conforme avanzamos. considerando los contornos negros y los brillos blancos. sino también un parte importante de la fluidez y legibilidad de la pieza. definiendo las pequeñas chispas neg. casi no tiene rango de color (unos 10 puntos). más los 100 puntos del valor de contraste. total 250. sobre pos. ponemos nuestros rojos primarios (Fig. 7. el fondo. 7. suavizamos los efectos de color metálico en el casco y reforzamos los huecos de color en las juntas. El rango casi entero de colores en el cohete le da un rango de color de unos 75. si contamos los tonos de la piel) y mucha menos nitidez. . separando el fondo y el primer plano por 150 puntos en la escala del rango dinámico. 7. 7.I).2. fortalecemos la pieza entera. a menudo crean un púrpura ligeramente marrón.G). Porque a través del casco de la nave de la nave hay un buen rango de color del púrpura al magenta al rojo al naranja al amarillo al blanco. Con los pequeños detalles y las rejillas de ventilación hechos con la tres.2. Con el detalle hecho. Aún con la mágnum. detallamos el color de los reflejos en el ojo de buey. Esto ayuda a una buena gradación en las llamas y continúa el espectro de color en el casco de púrpura a magenta a rojo. volvemos a la mágnum y ponemos el naranja medio y oscuro (Fig. rellenamos el amarillo de las llamas y el casco y ponemos un par de largos y suaves brillos blancos curvados a lo largo de los bordes metálicos de la nave (Fig. y haciendo las diferentes capas de las llamas distintas de las otras. En su lugar. Ponemos rojo contra todas las líneas rojas de las llamas. continuando la transición del púrpura al magenta al rojo. teóricamente. Dejamos las estrellas del fondo del color de la piel. Traemos los azules oscuros y medios del fondo hasta las gruesas líneas periféricas y contra las estrellas de línea gris. debido a la borrosa irregularidad – incluso contando las estrellas. acaba siendo no sólo una de las fases más divertidas de este tatuaje. le podemos dar otros 75 puntos por nitidez. pero normalmente no es un púrpura muy vívido en el caso de los pigmentos rojos cálidos y brillantes de tatuaje y los azules vívidos. escondiendo las líneas y creando capas de llamas negativas sobre positivo. Lo hemos reservado sólo para el fondo.2. y ahora a naranja. Nuestro siguiente paso es cambiar a la cinco redonda y empezar a detallar (Fig. usamos el magenta para hacer que esta transición sea más brillante y colorida.En este caso. dándole al blanco de la nave mucha más prioridad.H). usamos el magenta como color de transición entre el fondo azul y el borde rojo de la llama.

del caballito.3) El Caballito de Mar En el siguiente tatuaje.3. Seguimos fácilmente la plantilla sombreada mientras ponemos la primera pasada de azules medios. estamos tratando con un espacio extraño en la pantorrilla y el tobillo. ponemos la cola en espiral del caballito de mar justo en el tobillo. También ponemos un poco de azul a lo largo de las líneas de sangre para los espacios negativos de agua que pasan por delante del caballito. También aprovechamos para hacer el sombreado negro de los ojos. iguales y superpuestos. 7. construimos la línea periférica hasta darle un peso consistente y definimos los detalles de la cara (Fig.A).3. cambiamos a la cinco y empezamos a detallar (Fig. Detallamos el color del fondo detrás de la línea periférica del caballito y las burbujas. usando rojo oscuro. Antes de cambiar a la cinco.B). Ambos son colores Starbrite ligeros. donde parte de la curva se superpone al caballito. En este caso. 7.G). Trabajamos lentamente y saturamos todo el cuerpo. También definimos los detalles de la cara y las aletas. aclaramos. esto evita que tengamos el pigmento seco después. verde oscuro y magenta. pero con algunas diferencias. donde hay un montón de anatomía protuberante con la que tenemos que lidiar. Para aprovechar esto. mezclándolo con los naranjas y verdes. usando movimientos en forma de óvalos pequeños. empezamos con un estudio en el bloc de esbozos y luego un dibujo a tamaño natural. Lo siguiente es poner todos los azules del fondo (Fig. Nota cómo las crestas describen la forma del caballito de la misma manera que lo hacían en el cohete. 7. hacemos líneas grises para los detalles interiores y las crestas con la tres. vamos a usar muchas de las mismas ideas que hemos tocado en el tatuaje del cohete. empujándolo dentro de la pierna y dándole a todo el entorno mayor sensación espacial. en este caso rosas y verdes lima (Fig. azul medio. Luego. fáciles de usar. Volviendo a la mágnum. son otro ejemplo de líneas de contorno. hemos sombreado el fondo acuoso en la plantilla. 7. sobre pos. luego cambiamos a la cinco redonda y hacemos la línea periférica (Fig.C).D). sobre pos. Usamos el rosa y una mezcla hecha por nosotros de magenta medio para afilar y definir las crestas del cuerpo. Aún con la cinco. 7. luego coloreamos los ojos.3. Usamos un fondo de curva S azul y con espacios negativos. haciendo que sobresalga e incorporando la protuberancia del hueso en el diseño. haciendo que sea más fácil leer la clara relación neg. Usamos todo el rango de azules para ello. cuando necesitemos la máquina otra vez. Aún con la mágnum. enjuagamos y empezamos a poner el amarillo (Fig.3. Acabamos de trabajar el amarillo por la mayoría del primer plano. hacemos lavados de azul sin prisa y ponemos los cálidos medios en el caballito.E). Con la plantilla puesta.3.7. cambiando entre azul claro. Este es un buen hábito que deberíamos coger. concentrando los azules más oscuros cerca del caballito para potenciar la relación neg. este proceso sólo lleva unos minutos. púrpura. Para este tatuaje. . azul oscuro y agua para conseguir todo el rango de valores y una gran sensación de delicadeza. sin embargo. Esta vez. 7.3.

más algunos detalles en la pala. Esto hace que la pieza parezca más brillante en general. dando a la pieza más dimensión. y en cualquier lugar del primer plano al que le pueda venir bien. 7. los reflejos en las burbujas. Construimos y definimos las líneas . Hay cierto número de diferentes elementos interactuantes los cuales juntos deben tener un sentido. pero las únicas concentraciones de blanco puro están en los ojos. su rango dinámico está sobre 275. dominando la menor cantidad de prioridad. tienen el mayor valor de contraste. con los ojos siendo lo más importante. cambiamos a la cinco y procedemos a poner amarillo en todas las curvas cerradas y rincones que la mágnum no puede alcanzar fácilmente. Entonces procedemos con la cinco.4) Una Escena Compleja: El Cajón de Arena A pesar de que la siguiente pieza no es más grande que el caballito de mar. sino que rompe la monotonía del gran campo de azul. que hace un total de cómo mucho 100. Esto es todavía mucho más que el agua desenfocada y monocromática. Empezamos poniéndolo en las partes salientes de cada cresta. Los brillos en la cara son particularmente divertidos. enjuagamos a fondo y empezamos con los brillos blancos (Fig. No sólo la hace más dinámica y aumenta el tono dramático.3. pero la nitidez es bastante inferior a la de los ojos. a pesar de ser un importante elemento del diseño. El cuerpo tiene sólo un poco menos de rango de color y contraste. ya que no es tan recta y cuadrada como una perspectiva más directa. las crestas de la espalda. que ilumina cada objeto en la escena: el niño. con un primer plano. tenemos un orden descendente de rango dinámico. el cubo y la camiseta. Finalmente. incluyendo estos tres factores. esto no sólo parece un reflejo colorido del caballito en la burbujas. y se vienen fácilmente hacia delante. Entonces añadimos amarillo y naranja en los bordes de las burbujas que encaran al caballito. 7. el cajón de arena. También tienen un contraste de color bastante fuerte. el cubo y la pala. luego no tenemos que hacerlas a ojo. también la hace más fácil de tatuar y que encaje mejor en el brazo. haciendo los ojos y las mucosas de las venas de las mejillas brillantes. pide un método totalmente diferente: es una escena. Hemos escogido una perspectiva dramática para esta pieza. las flores y el pelo con la tres. También ponemos blanco a lo largo de las espinas de las aletas. poniéndolas en la plantilla. Todas las características de los ojos son tan nítidas como pueden ser.H). y el agua. En la plantilla incluimos muchas de las sombras básicas. y tiene un fondo atmosférico con una fuerte fuente de luz. la arena. Hay muchos brillos blancos en la pieza. y no curarán como un blanco puro. usando una gama del púrpura al naranja. haciendo un total de 225. Ya que los ojos también tienen las mayores concentraciones de negro de toda la pieza. contorneando las formas más grandes del niño y el cajón de arena. Estos brillos se mezclan con el amarillo ya existente. plano medio y fondo. las colinas y las nubes.Cuando estamos satisfechos con la saturación del amarillo con la mágnum. Empezamos bosquejando la hierba. Así. Las venas brillantes y texturadas alrededor les dan atención adicional.

Este último paso es el más rápido y el más divertido.4.4. haciendo que sea lo que más destaca. el cubo y el cajón de arena. También usamos blanco para colorear el sol. acentuar la pala. la cual tiene que sobresalir de . 7. sobre pos. el cubo y el cajón de arena. 7. 7. En combinación con la gruesa línea periférica. y definir la parte de debajo de algunas nubes clave.D). dándoles menos contraste para que se queden detrás. cambiamos a la siete mágnum y sombreamos los negros en las sombras de la figura. Usamos esta mezcla también en zonas de la arena y el cajón.E).A). Siguiendo con la mágnum. Luego. empezando por el rosa como color de transición del púrpura. Enjuagamos y empezamos a detallar con color.4. Entonces cambiamos a la cinco redonda y detallamos el negro en el pelo y la ropa del niño. luego mojamos blanco y trabajamos la cara y los brazos del niño con la mezcla de blanco/amarillo. el cubo y el cajón de arena (Fig. pero marca una gran diferencia en la apariencia final de la pieza. Le damos a la cabeza mucho más rango de valor que la zona detrás de ella. y acabamos los brillos a lo largo de la parte delantera de la cara y el cuerpo del niño. (Fig. También ponemos amarillo en la cima de las colinas que encaran la puesta de sol. Parte del lenguaje de este diseño está en cómo todo apunta hacia el sol: los rayos de luz. También añadimos una sombra negra debajo del cajón de arena.4. Observa también cómo la línea de prioridad alrededor de la cara del niño hacen que destaque claramente del cielo y de las ligeras líneas de 3 agujas de las distantes colinas con hierba. En menos de cinco minutos de digno trabajo. Esta es una manera de unificar los elementos del diseño y prevenir que se vuelva un caos.4. Reservamos el negro puro y el blanco puro para los objetos del primer plano.F). Volviendo a la mágnum. Observa cómo las sombras del niño y el cubo “suben” hacia arriba conforme pasan de de la superficie de la arena al borde del cajón. Esto incluye el verde de las colinas y los púrpuras de las nubes del cielo. También exageramos el peso de la línea en la esquina más cercana del cajón de arena como una manera de enfatizar su perspectiva. le damos la mayor prioridad. enjuagamos a fondo. usando toda la gama de verdes y construyendo los degradados. ponemos todos los colores medios y fríos (Fig. 7. La camiseta. haciendo que se superponga claramente al cielo púrpura. luego definimos las sombras entre las briznas de hierba del primer plano (Fig.periféricas importantes (Fig. dándole al borde superior del cajón de arena una clara relación neg. procedemos a poner los colores cálidos de la puesta de sol. luego las colinas. La cantidad de “subida” muestra la diferencia de altura entre la arena y el borde.B). También usamos ocres amarillos y marrones para desarrollar el pelo del niño y la piel y darle color a la arena.. particularmente el niño.C). difuminando hacia verde claro a medida que nos acercamos al punto donde estará la puesta de sol.4. primero en el niño. 7. pero no usamos negro en las colinas del fondo. la iluminación de las nubes. 7. Volvemos a la cinco. La luz y la sombra del chico están alternadas en un ritmo claro y legible de pos/neg/pos. las sombras en el cajón de arena y la mirada del niño. estos brillos hacen que todo tenga coherencia. luego el naranja y el amarillo (Fig.

haciendo que parezca brillante y dándole dimensión y solidez. . haciendo algunas dinámica con el valor. Como ya hablamos antes. empezamos el diseño con un pequeño estudio sombreado en el bloc de esbozos. El grueso borde de luz a lo largo de su cara y brazos muestran de qué dirección viene la luz del sol. y construimos desde ahí. Esto nos ayuda a dibujar un diseño que encaje mejor en la parte del cuerpo. las grandes zonas sombreadas de colores fríos en la cabeza. usando nuestro pequeño boceto en miniatura como guía. tanto las del fondo como las de primer plano. volvemos a concentrarnos en el orbe. 7. 7. un sólido compuesto por doce pentágonos (Fig. mostrando un espacio interior y uno exterior. como un cubo o una pirámide. contraste de textura y contraste de tema. intentando que la proporción sea precisa. Al ser mejor dibujar diseños de geometría compleja en circunstancias más controladas. contraste de color. no añadimos detalle al orbe y nos concentramos en que la forma orgánica encaje bien. cambiamos a un dibujo a tamaño natural. Entonces hacemos un mandala usando el método básico Copo de Nieve (mira el Apéndice C) o empezamos con una forma gométrica básica.numerosos objetos del fondo. y el orbe se pondrá en un sitio central donde pueda iluminar el diseño de manera óptima. como ya hablamos en capítulos anteriores. Empezamos calcando el círculo tosco que hemos hecho en el dibujo en una hoja de calco separada. este es un tema gráficamente fuerte en el que se use el rango dinámico de muchas formas: valor de contraste. También tenemos la opción de crear la forma de luz con el ordenador. Colgamos la forma de luz donde pueda dominar el centro del diseño mientras una forma delgada en primer plano pase por delante de ella. que no siempre estarán disponibles. dibujamos un círculo tosco donde irá el orbe. En este caso. rápidamente bocetamos la forma del brazo.A). Con estas líneas puestas. el ambiente orgánico se dispondrá para sacar el máximo partido de la parte del cuerpo. Hacemos el boceto con el cliente de pie sujetándose el brazo hacia arriba. Como siempre. Este diseño está basado en un dodecaedro. Con este tipo de diseños de tatuaje. lo orgánico sigue un movimiento dinámico 3DF8 de curva en forma de S. sino también la única zona significativa de negro puro de todo el diseño.5) Un Tatuaje Abstracto Complejo Volvamos a uno de mis temas favoritos. Esto nos da el tamaño correcto con el que trabajar. el cliente se relaja y trabajamos un satisfactorio estudio a escala menor. enfocado y desenfocado. Cuando llevamos hecho un 75%. las “Formas de luz” geométricas flotantes en un entorno orgánico. Con el boceto del brazo completo. la espalda y los pantalones contrastan con el borde iluminado. se le ha dado no sólo el rango dinámico entero de color/contraste. Cuando sentimos que hemos respondido todas las dudas básicas sobre la composición. y es lo siguiente mejor a usar una cámara digital y una impresora. usando un calco exacto para que encaje bien. Empezamos el dibujo a tamaño natural bocetando las curvas en forma de S básicas de la forma orgánica.5.

7. nos saltamos la primera pasada rápida y hacemos las líneas usando pequeños óvalos superpuestos.5. . Cambiando a la mágnum de siete. La plantilla resultante es una combinación de líneas y zonas sombreadas. y calcamos el orbe en el dibujo. Lo hacemos más oscuro donde la forma orgánica pasa por delante del orbe brillante. 7. Luego. y luego por una máquina hectográfica. No usamos mucho negro. añadiendo ídem al negro y a los colores oscuros. Con esto hecho.5. pasamos por todas las zonas sombreadas indicadas en la plantilla (Fig. Comprobamos si el orbe necesita ser más pequeño o más grande. 7. lo ponemos debajo del dibujo principal donde tenemos el tosco círculo. borramos y ajustamos la composición del primer plano usando alcohol y rotuladores Sharpie. dando el máximo contraste ahí. ya que aún estamos desarrollando las formas con gamas enteras de azules y verdes. Entonces añadimos rayos de luz irradiando del orbe.E). manteniéndolas desenfocadas para que se vayan hacia atrás. También hacemos rápidamente líneas de sangre para los rayos. Al ser orgánica.5. borramos el círculo. El primer paso para hacer el tatuaje es encender la cinco redonda y poner las pesadas líneas de prioridad de la masa en primer plano (Fig.D). fácil de leer. mostrando todas las relaciones básicas pos/neg. asegurándonos de que las líneas son nítidas y claras. dejando sin hacer las partes que vayan a estar detrás de la masa orgánica en primer plano.C). cambiamos a la tres y delineamos el orbe con rosa Starbrite. Nuestro siguiente paso es cambiar a la mágnum y añadir todos los fríos oscuros y medios en la forma orgánica (Fig.5. En la parte de abajo y en otras zonas donde la plantilla no encaja óptimamente. especialmente de la punta. afinamos el dibujo. Seguimos con una pasada rápida para detallar con la cinco redonda. manteniendo el voltaje bajo (Fig.F). añadimos un sombreado simpre pos/neg a las formas orgánicas usando un lápiz de grafito oscuro y romo.Cuando estamos contentos con el orbe. asegurándonos de que todo está uniforme y oscuro. de la masa orgánica (Fig. volvemos y rozamos los bordes como necesitemos. También usamos rosa para definir y suavizar los bordes de los rayos de luz.B). Usamos magenta como color de transición de los púrpuras oscuros del fondo al brillo alrededor de la forma de luz. Entonces lo pegamos con cinta en su sitio debajo del dibujo principal. 7. para incrementar el sentido de luminosidad. y lo reducimos o expandimos lo necesario usando cualquier tecnología que tengamos a mano. Entonces ponemos el dibujo en la copiadora. y poniendo rosa contra los bordes exteriores de la forma de luz. ajustando las formas orgánicas de la manera que necesitemos para acomodar la forma de luz mejor. Cuando hemos acabado con el sombreado negro. Cuando hemos acabado.5. construyéndolas conforme avanzamos. 7. usando agua para hacer gradaciones suaves. Hacemos algunas formas del fondo sólo con la mágnum. trayendo los azules claros hacia los bordes de debajo de las formas en primer plano.

Si lo hacemos bien. y hace más fácil conseguir que los brillos sean afilados y definidos. Entonces enjuagamos a fondo.I). lo más probable es que aún tengamos libertad de acción para hacer esta pasada final con amarillo. enjuagamos a fondo. Hora de más detalle. esta vez usando amarillo. añadiendo sentido de textura y haciéndola más brillante en general. ya que son las características más prominentes de la forma. nos da un gran control y precisión. añadiendo pequeños puntitos blancos aquí y allá para darle más textura y enfocarlo. luego añadimos pequeños toques de rojo a lo largo de cualquier borde que necesite más énfasis. 7. 7.H).5. cambiamos al blanco. . Volviendo a la mágnum. Disfruto especialmente usando la tres para los brillos blancos.Volviendo a la mágnum. También lo usamos para incrementar la saturación de amarillo en el orbe. La usamos en el orbe para llevar los brillos que empezamos con la cinco justo contra los bordes interiores de las intrincadas formas de las que está hecho el orbe. Intentamos mantener el rango de valor del orbe al 65% o menos. y acabamos los brillos blancos de la forma de luz (Fig. azules y verdes para la masa orgánica.5. También hemos reservado toda la gama de rojos y naranjas para el orbe y los negros. añadimos verde amarillento brillante y amarillos a las formas orgánicas. ya que están mezclados con el amarillo de debajo. esto nos permite reservar el blanco puro para el orbe. enjuagando para asegurarnos que ponemos blanco puro y siguiendo con los brillos blancos del orbe. trabajando despacio y consiguiendo tanta saturación como podamos. el cual es necesario para mostrar la relación fuente de luz/objeto iluminado. Ponemos especial atención a asegurarnos de que las puntas son consistentes las unas contra las otras. Cuando estamos contentos con los brillos blancos.5. Luego. Esto más que compensa el hecho de que ambos elementos compartan el amarillo. luego metemos un poco de sombra naranja en las facetas del orbe (Fig. llegando a los puntos difíciles que no pudimos alcanzar con la mágnum. el espectador no notará ninguna pequeña inconsistencia en las partes interiores de la forma. Continuamos con la cinco redonda. enjuagamos el blanco del tubo y continuamos con la tres.J). esta vez con la tres. 7. Usamos naranja claro y medio para definir los bordes de las facetas de la forma de luz. Hacemos que la máquina vaya suave. 7. cambiamos a la tres.5. cambiamos a la cinco y ponemos amarillo por toda la forma orgánica. ponemos todo el amarillo Starbrite en el orbe (Fig. y vamos por las regiones amarillas de la masa orgánica.G). Finalmente. haciéndolos lo más brillantes posible sin agujerear demasiado. Usamos la cinco para las zonas más grandes de blanco. Pasamos rápidamente por los amarillos del orbe. concentrándonos en cada punto para conseguir la mejor saturación que podamos mientras dejamos dejamos algunos puntos vacíos para brillos blancos. Estos brillos no serán blanco puro. Ya que cada pasada que hemos hecho en el proceso del tatuaje ha sido buena y ligera. especialmente el borde exterior (Fig.

) ¿Encaja bien en el cuerpo? ¿Tiene una buena fluidez? 2. La mayoría de estas cosas pasan más o menos automáticamente mientras aprendemos a crear buenos diseños de tatuaje. mientras que las siguientes tres horas nos dan la oportunidad de hacer los verdes y naranjas más ricos. como en este!) Esto también puede ser porque el amarillo ha podido sangrar durante unos minutos. usado suficientes reservas. una segunda pasada rápida parece avivar el amarillo.) ¿Las zonas detalladas están equilibradas por zonas abiertas y suaves? 5. y nos preguntamos: 1. 7. sin auténtico riesgo de manchar el blanco. es bueno que ocasionalmente demos marcha atrás y comprobemos lo que estamos haciendo. refinar la estructura de la forma de luz y hacer otra pasada sobre los amarillos y los blancos. o una plantilla con gradaciones o zonas pos/neg. Vemos el diseño parcialmente terminado en nuestra mesa de dibujo.) ¿Qué medios voy a usar para hacer una plantilla de la pieza? ¿Debería ser una plantilla toda de línea. sin embargo.) ¿Están claras todas las relaciones pos/neg? 7.) ¿Cómo se separa el diseño de la piel virgen a su alrededor? ¿Parecerá atractivo desde lejos? 8. cálido y frío. y cuáles la menor? ¿Qué herramientas gráficas estoy usando para establecer este orden de prioridad? 3. mientras diseñamos un tatuaje.) ¿Cómo y dónde usaré líneas. Así. y de qué peso? ¿Qué haré con líneas grises y líneas de sangre? 9. en realidad no ponemos una lista pegada cerca para asegurarnos de que hemos abordado las relaciones pos/neg.6) Lista Mental Mientras trabajamos. todos los aspectos del rango dinámico. enfocado y desenfocado? 4. pero me he dado cuenta que el amarillo tiende a parecer más brillante si le damos una segunda pasada.) ¿Hay suficientes zonas grandes y abiertas de luz y sombra para que la pieza se lea claramente desde lejos? 6.) ¿Qué objetos tienen la mayor prioridad. Este tatuaje se hizo en dos sesiones.) ¿Estoy creando un equilibrio entre luz y sombra. Esta pasada adicional es una verdadera ventaja que añade vida extra a la pieza. llevando un total de ocho horas. En la primera sesión de cinco horas podría decirse que la pieza está acabada. lo que facilita ver calvas e inconsistencias en el color. mientras hacíamos los brillos blancos. Esto puede ser porque la primera pasada de amarillo acaba apagándose un poco por la neutralidad del blanco (¡especialmente en diseños donde el blanco se degrada hacia el amarillo. Al mismo tiempo. etcétera. después de hacer los brillos blancos.Esto es pura superstición. en parte o entera? . sería más apropiada para parte o todo el trabajo? ¿Debería la pieza ser dibujada sobre la piel. De todos modos. no queremos que estas preocupaciones pasen a un segundo plano y se olviden.

. ¿ayudará una rápida sumergida en el vaso de enjuagar? ¿Qué hay del voltaje – está correcto? ¿He sentido últimamente la barra de las bobinas? Si funciona mal.) Y lo más importante. 1.) ¿Me estoy ajustando al plan? ¿Es la ejecución parecida a la idea? Si hago cambios sobre la marcha. antes incluso de tocar la piel? Una vez que estamos tatuando la pieza. De vez en cuando.) ¿Fluye bien la tinta del tubo? Si no.10. y entonces nos preguntamos estas cuestiones. Estos son sólo modelos de preguntas. si nos habituamos a preguntarnos ocasionalmente a nosotros mismos y asegurarnos de que estamos usando todas nuestras habilidades.) ¿Estoy usando reservas donde es necesario? ¿Qué he elegido de antemano para reservarlo para el primer plano? ¿Qué hay del fondo? 7.) ¿Cómo está funcionando mi máquina? Si se está empantanando.) ¿Me estoy asegurando de abordar las formas más grandes de la pieza. Puede que ya tengas ideas de preguntas que no se han mencionado aquí. y de no perderme en detalles que puedan confundir o esconder estas formas? 4.) ¿Cómo es mi estiramiento? 10. tenemos diferentes conjuntos de preguntas que hacernos a nosotros mismos.) ¿Cómo es mi estiramiento? ¿Puedo sentir el golpeo de la aguja con la mano con la que estiro? 2. para prevenir costras? ¿Hay zonas cercanas de colores claros protegidas con lubricante para que no se manchen? 5. y a hacer los mejores tatuajes que seas capaz.) ¿Cómo es mi estiramiento? 6. disponemos de muchas más opciones de sacar consistentemente el mejor trabajo del que seamos capaces. podemos estar al tanto de todo y hacer un tatuaje mejor.) ¿Cómo es mi visibilidad? ¿La aguja se ve lo suficiente? ¿Está pulverizando la máquina? ¿Está mi mano proyectando sombra sobre la pieza? 3. Con tiempo. si simplemente hacemos marcha atrás mentalmente y miramos la pieza entera.) ¿Estoy usando una fina capa de lubricante en la zona en la que estoy trabajando? ¿Están otras zonas de la pieza que he acabado de momento lubricadas. o pegados a la barra de la aguja? 9. desarrolarás tu propia lista mental que evitará que te metas en problemas. ¿son para mejor? Ya sea en la parte de diseño del proceso o en la de ejecución. ¿tengo un plan completo. ¿puede que las gomas necesiten algún retoque? 8. te ayudará a encontrar la manera más eficiente de hacer las cosas. ¿está la punta del tubo atascada? ¿Podría haber pegotes atascados entre las agujas. de principio a fin.

¿qué precaución podemos tomar para asegurarnos de que el negro no se diluye con el agua que esté en la punta del tubo? 3.) Cuando cambiamos de lavados de grises a negro puro. He estado alentando un apartado de preguntas y respuestas por internet.hyperspacestudios.com. Y no seas tímido – todos estamos muy interesados en oír también tus preguntas.) ¿Cuáles son algunas maneras de reforzar la relación pos/neg entre un objeto en primer plano y el fondo? ¿Cómo abordamos esto técnicamente? 7.Preguntas de Revisión de la Parte VII 1. www.) ¿Cómo podemos usar la calidad de la línea para hacer que parte de una forma parezca venirse hacia el primer plano? 9.) ¿Cuál es un buen acercamiento para diseñar un tatuaje en una parte irregular y huesuda del cuerpo? 8.) ¿Cómo podemos compensar el degradado natural que ocurre con el proceso de curación. Esta sección incluye unos pocos ejemplos de preguntas y respuestas. por favor siéntete libre de imprimirla e incluirla como parte de este libro.) ¿Qué maneras hay de usar el rango dinámico a nuestro favor en una escena compleja? 10. especialmente en los lavados de grises? 4.) Si usamos una gama entera de colores en una forma en primer plano. Si ves algo especialmente interesante o información pertinente en la web.) ¿Cuál es una buena estrategia de dibujo para incorporar algo complejo a un dibujo más grande? ¿Puedes pensar en otras? Parte VIII Preguntas Frecuentes Este libro existe por el mero hecho de la demanda.) ¿Cuál es la ventaja de hacer un estudio de valor antes de hacer un estudio de color? ¿En qué tipo de situaciones de tatuaje puede ser esto de más ayuda? 2. .) ¿Cuál es un buen color de transición entre el púrpura y el naranja? ¿Y entre el rosa y el verde? 5. y planeo poner un sitio de debates en nuestra web. ¿cuánta gama deberíamos usar en el fondo? ¿Cómo podemos determinar que colores usar para el fondo? 6.

El caso es que mis fotos no siempre salen bien – simplemente uso las que salen bien. Las fotos en el exterior con la luz del día son siempre lo mejor. He hecho un montón de tatuajes de los que nunca he podido sacar una buena foto. Luego. aunque siempre hago unas cuantas esa noche. recomiendo aprender Adobe Photoshop. que es una de las herramientas de manipulación de imágenes más genial jamás creada. Ah. pero no siempre es posible. para algunas piezas grandes. casi se me olvida – uso una Canon Rebel…cualquiera de la serie Canon Eos son buenas cámaras todoterreno. por añadidura. uso un carrete entero. Fotos Siempre paso el peor rato intentando sacar buenas fotos de mi trabajo. e intento usar sólo luz ambiente mientras enfoco y compongo la foto. todas desde ángulos ligeramente diferentes o con variaciones de luz y composición. así que uso un flash amortiguado con una tela que a veces parece funcionar. Si tus fotos son decentes pero a lo mejor un poco oscuras o claras. Creo que el problema es mi cámara vieja y siento curiosidad por saber qué tipo de cámara usas tú. Esto da la mayor luz ambiental posible sin tener que pelearse con los brillos de la luz directa. Mientras resistamos la tentación de mejorar el tatuaje. Normalmente disparo algunas sin y otras con un trozo de papel quirúrgico pegado al flash. esta zona parecerá casi negra en la foto. Si disparas las suficientes. ya que tus fotos siempre parecen estar muy bien. La iluminación del estudio no parece prestarse a la fotografía. sí. detrás del tatuaje. sólo por si les surge algo y no pueden venir. . R. También me aseguro de que la pieza esté bien y seca. Cuando acabo una pieza por la noche. Cuando está nublado deberías conseguir buenos resultados si el sol está detrás de ti y una zona oscura. pon a tu cliente a la sombra de un edificio. me aseguro de que no hay luces reflejadas en el tatuaje. puedes usar la herramienta Equilibrio de Color para ajustar la foto si está demasiado amarilla o demasiado azul.P. no hay nada malo en mejorar las fotos. Mucho tiene que ver la iluminación. con el tatuaje fuera del alcance de la luz solar directa. Parte del secreto está en hacer un montón. a veces incluso con dos trozos para cubrir bien todo. También uso Fuji 200 speed film. lo que también reduce el brillo. como la sombra de una puerta. Si es un día soleado. lo que causaría un deslumbramiento. y para piezas pequeñas normalmente hago 10 o 12 fotos. aunque las que hagas en la sombra normalmente son más claras. Si tengo que hacer las fotos dentro. tendrás más oportunidades de sacar una buena. intento que el cliente vuelva al día siguiente cuando hay luz. también. dispara unas cuantas fotos con luz directa. Las fotos en el exterior al día siguiente son lo mejor después de las fotos cuando está curado. En Photoshop hay una herramienta llamada Niveles (también conocida como Compresión de Espacio de Color) que lleva los oscuros y claros hasta donde tu quieras sin alterar el color.

y definitivamente soportan la prueba del tiempo. Aún uso Unique para el 75% de lo que hago – ahora puedo ver trabajos de hace 11 años que hice con estos colores. fuera con la luz del sol. Muchos artistas usan estos colores con . Para cada rollo. Esto es difícil de usar con el flash. todas con la pertinente información en la tarjeta que esté en la misma foto. Entonces puedes hacer una marca más permanente con esmalte en la lente y el filtro. prueba cada f-stop. Si enrrollas un trozo de cinta de enmascarar alrededor del exterior de la lente y haces 36 marcas. ya que no ves el brillo del flash mientras miras a través de la cámara. Usar una Cámara Manual He estado haciendo fotos horribles. Sin embargo. Tengo tubos fluorescentes encima y apago todas las luces extras que apunten hacia el cliente. para que cuando uses el flash. Cuando tengas las fotos reveladas. Cualquier otra recomendación me sería de gran ayuda… R. Pueden conseguirse en el 817-276-9222. Cada foto. Si miras a través de la cámara a algo con un montón de brillo y lentamente vas rotando el filtro polarizado. Debido a que tu cámara es manual. P. Esto permite hacerlo sin bloquear nada de la luz deseada.P. Me estoy quedando sin algunos colores y estoy preguntando a unos cuantos artistas cuyo trabajo respeto qué colores prefieren. Tengo una Pentax K-1000 manual. tendrás una variedad de fotos con diferentes calidades.com). verás en el rollo revelado exactamente en qué marca estaba el filtro cuando conseguiste los mejores resultados. sólo aquella que produce el brillo. así que está información esté en la copia de la foto. y varias velocidades de obturación para cada f-stop. Puedes hacer otro experimento disparando un rollo de película de exposición de 36 a un tatuaje en una zona propensa a los brillos como el hombro. ¿Dónde pones el indicador del medidor de luz? ¿En medio de la zona “óptima” o abajo del todo para dejar pasar toda la luz?. sólo aparece un instante. esto no me ha impedido jugar con colores Starbrite (papillon@hwave. Pigmentos Uso el negro de Talenz y mayoritariamente Unique para el color. Prueba a fotografiar un tatuaje de alguien con quien trabajes – esto es con propósitos de experimentación. Otra cosa que puede ayudar es un filtro polarizado. He perdido muchas por “quemaduras del flash”… Los dos trozos de papel pegados dan resultado reduciendo la luz. He tenido la mejor suerte recientemente. habrá un punto en el que el brillo se apagará casi del todo. rota el filtro otros 10 grados. sabrás exactamente hacia dónde girarlo. te sugeriría que hicieras un rápido experimento. A. pero aún veo que el color podría ser un poco más rico. Supongo que estoy intentando averiguar si todavía no han salido colores que sean tan buenos si no mejores que los Unique. He mezclado la suerte con mis fotos. y fuera un día nublado. Intenta disparar un rollo de película diferente para cada una de las diferentes situaciones de iluminación con las que hagas las fotos – dentro con el flash. no la documentación de una pieza que nunca volverás a ver. Esto es un objeto barato (entre 10 y 20 dólares) que se acopla delante de la lente. usando una cámara casi automática. y luego sostienes una tarjeta en cada foto con el número de esa marca. Escribe esta información en una tarjeta que sostengas cerca del tatuaje que estés fotografiando.

¿esto es posible? He hecho todos mis sombreados y coloreados con redondas. permitiendo múltiples pasadas sin causar herida. ya que la capa de agujas es muy delgada. 11 y 14 redondas para colorear y sombrear. . 5 y 7 para línea y 7. esencialmente una cinco plana y una cuatro plana montadas una encima de la otra. no puedo garantizar su longevidad – sólo el tiempo puede hacer eso. Estos colores son más finos en consistencia que los Unique (parecidos al negro) y pueden usarse mejor para trabajo de línea o de detalle. el verde lima. No tengo muchos conocimientos de cómo usar planas o mágnums. ya que las agujas están dispuestas en línea recta. Quizás la tensión del resorte era muy alta y el voltaje estaba al máximo. R. es más fácil causar daño con ella. ya que parece que crean un buen punto intermedio entre redondas y planas. el rojo y el ocre amarillo. Las planas también tienen sus inconvenientes. Por ello. puede ser difícil conseguir campos sólidos o gradaciones suaves con redondas grandes. Sin embargo. También es difícil meter negro sólido o color con las planas. Vengo prefiriendo las mágnums para sombrear y colorear. El amarillo es particularmente espectacular. P. Debido a que la mágnum apilada está mas densamente comprimida. el naranja. superponiendo movimientos de pincel hacia delante y cualquier otro movimiento que queramos. incluyendo líneas gordas. lo que hace más fácil controlar la entrada del color.excelentes resultados. Las básicas que uso yo son 3. La masticación que experimentaste en esos tempranos tatuajes tiene que ver con el hecho de que tenías poca experiencia por aquel entonces. Te recomendaría darles otra oportunidad. La superposición es una parte importante. He oído de gente que hace líneas con mágnums ligeramente inclinadas para conseguir líneas extra gruesas. queremos trabajar con óvalos superpuestos. ya que las agujas en el núcleo del grupo siempre pasan por zonas por las que la agujas de fuera del grupo ya han pasado. Usando una mágnum dispersa. Grupos de Agujas Sólo quería preguntar sobre el uso de diferentes agujas. al contrario que una mágnum apilada.¡sería como masticar! Aprendí eso cuando hice mis primeras piezas. Otros tiene problemas. como mencionas. básicamente una siete plana con una cuchilla metida entre las puntas antes de hacer la soldadura. casi como una pequeña cuchilla. ¿Estás contento de cómo se ve el color cuando usas redondas? Algunos artistas trabajan muy bien con ellas. Puede ser fácil dejar accidentalmente todo tipo de pequeñas marcas en zonas que se supone que deben quedar suaves. Prueba también el rosa chicle. Me refiero a las mágnums abiertas. Una mágnum es una herramienta versátil que puede ser usada para casi cualquier tipo de trabajo. así que dejé de usarlas y me pasé a las redondas. Tienen la ventaja añadida de tener las agujas más separadas que una redonda o una plana. ¿Las mágnums y las planas empujan mejor la tinta? ¿Las planas son mejores para sombrear sólo o para colorear también? ¿Cada vez que use una plana o una mágnum debo proceder con movimientos de pincel hacia delante? Se que no puedo hacer pequeños círculos .

Así que desde mi punto de vista no cortan la piel cuando delineas. Naturalmente. Entonces leí en un catálogo de suministros de tatuaje en el que podías comprar agujas ya hechas que usaban puntas cónicas largas sólo para las líneas. Sobre el sombreado. He probado a hacer líneas con otras agujas del mismo tamaño. A mis ojos. colorear…para todo. o el resultado será mejor con el paso de los años cuando el tatuaje envejece. parece que la que destroza la piel es la que tiene una punta normal. Puntas de Aguja Tengo una pregunta sobre agujas. Ya que ponen el color más fácil y más rápido que las agujas cónicas inoxidables. Nunca he notado nada así. no lo entiendo. con las que me he sentido como si tuviera que trabajar más duro para que la tinta penetre en la piel. no tengo que usar mucho voltaje y desde mi punto de vista entran en la piel mejor que las de punta normal. encuentro más fácil. ahí no he podido encontrar ninguna diferencia significativa.P. hacer un tribal sólido con puntas cónicas largas. son muy difíciles de apretar. He usado durante mucho tiempo agujas con una larga punta cónica (12/13) para todo. No tengo que usar mucho voltaje ni nada por el estilo. no tienes que pasar por la piel tantas veces. más tensión hay). Lo he encontrado muy difícil comparado a las puntas cónicas largas. Este incremento en la energía es lo que hace a este tipo de agujas más efectivo para poner color. Primero de todo. . una punta más obtusa necesita un poquito más de energía y posiblemente un pequeño incremento de tensión en el resorte. y el curado suele ser mejor. En lo que respecta a lo demás (color. Parece que puedes obtener los mismos resultados sin importar el tipo de agujas que uses. per con una punta “normal”. Así que. Igual que con la línea. fáciles de soldar y el procedimiento de apretarlas es fácil. Es mucho más fácil hacer un negro sólido que con una punta normal. ¿qué me he perdido? ¿Puedes conseguir mejor resultado cuando usas puntas estándar para colorear y sombrear comparado con las puntas cónicas largas. tiene mejores cualidades para empujar la tinta que las puntas cónicas. y mi pregunta es por qué. sombreado). que están ligeramente texturadas y son muy buenas para poner el pigmento debajo de la piel. para evitar que se oxiden. delinear. La experiencia común es que la punta normal. que no sólo es más obtusa sino que también tiene un borde donde termina la punta y la parte recta de la vara empieza. y cuando la he usado he necesitado mucho más voltaje para conseguir una buena línea. debes sumergirlas en aceite mineral en cuanto acabes de soldarlas a la barra. Al no ser inoxidables. para línea simplemente son perfectas desde mi punto de vista. y entran en la piel realmente fácil. o…? R. y para colorear y sombrear nunca usan agujas con punta cónica larga. pero sólo si la tensión de tu resorte ya es muy poca (puedes sentir la tensión empujando la barra de las bobinas hacia las bobinas – cuanto más rígida sea. He oído que cuando usas agujas con punta cónica larga puedes cortar la piel como un cuchillo. por ejemplo. Entiendo que las de punta normal son más o menos un estándar entre los tatuadores para sombrear y colorear. Puedes llevar esto un paso más allá usando agujas con punta de carbono. sombrear.

con circulitos pequeños como se me enseñó. Cualquier nueva herramienta te parecerá rara al principio. sin calvas. no estoy muy seguro de tratar la piel más agresivamente. agujas. También uso una aguja para sombras plana de 13 y doble fila. Intento no martillear la piel muy duro y encontrar un punto medio en el que la tinta entre bien y fácil sin causar mucho sangrado. A veces veo a un artista trabajando y veo una buena cantidad de sangre y de gotitas de sangre y la superficie de la piel parece un poco pegajosa. tensión del resorte. sólo por nombrar unas cuantas. Todo tiene un precio. Las máquinas Micky Sharpz son sólidas todoterreno y muy seguras. y que ese desvanecimiento es casi inevitable debido a la negligencia. P. Asegúrate de . puede que tengas más suerte con las agujas cónicas inoxidables. Las líneas hechas con este tipo de agujas son menos propensas a reventar que las hechas con agujas de carbono. intenta dar a cada una de esa cosas una oportunidad de que te demuestre de qué puede ser capaz. movimientos de la mano. y con impresionantes degradados que van de un color a otro. Tengo una máquina Micky Sharpz Iron T-Dial. puede que sean más propensas a separarse. haciendo difícil sacar lo máximo de los puntos fuertes de esa herramienta. Sin embargo. y si los movimientos de tu mano se superponen en círculos o hacia delante y atrás uno encima del otro. más tinta dentro. pero parece que tiene menos problemas con el desvanecimiento que yo. Estoy intentando meter la tinta a fondo. 7 abajo. Color Desvanecido El principal motivo de preocupación en mi manera de tatuar es una tendencia de los colores a desvanecerse muy pronto después de curados. Es difícil describir objetivamente lo que pasa. suaves. Por otro lado. Si vas a probar cosas diferentes. al ser consciente de que los cuidados post-tatuaje de la mayoría de clientes son malos. Estoy usando tintas Starbrite de Dermagraphics porque hay artistas cuyo trabajo admiro que dicen que las usan. e iguales. Estas agujas meten menos color. pigmentos. R. Esto probablemente depende más del tipo de grupo de agujas. si está muy apretado o no. 6 arriba. Dice que trata la piel muy agresivamente. altamente recomendada. pero lo intentaré.Para línea y sombreados grises suaves. Ningún tipo de aguja es necesariamente más propenso a cortar la piel que otro. ¿Qué hacen estos tíos que yo no hago? Los colores se ven ricos. lentamente. Parece como si el trabajo hubiese sido hecho con un aerógrafo en vez de con una máquina de tatuar. lo que te da más control sobre los degradados. o cuánto voltaje se usa. Los colores sólidos y las gradaciones suaves son una combinación de muchos elementos trabajando juntos – máquinas. me preocupa dejar cicatriz o que la piel cure con muchas costras. Cada vez que pruebes una nueva aguja o grupo de agujas. pero si el hueco es demasiado estrecho o la tensión del resorte está mal no harán el trabajo. lo mismo. Mirar fotos de tatuajes en las revistas nacionales es inspirador y un poco desalentador. cantidad de voltaje usado y el estiramiento. úsalos en unos cuantos tatuajes para que se asienten antes de juzgar. mi lógica es más agujas.

lo que ayuda a crear transiciones más suaves. ya que hace difícil crear sutiles efectos y puede causar una curación difícil. No es necesario triturar la piel. pero no hasta el punto de que se atasque. y puede que tengan mejor opacidad por las grandes partículas de pigmento que tienen. Estos colores son más parecidos a usar pintura al óleo. usando lápices de colores (prueba . como Unique (817-276-9222). Si la aguja puede moverse de lado a lado.com La teoría de que más agujas significa más color dentro suena genial. y mueve una cuchilla entre las puntas de las agujas. las agujas no penetrarán bien y la calidad del color se verá afectada. para conseguir buenos colores intermedios. creando suaves gradaciones. ya que sus puntas texturadas empujan mejor el color que las inoxidables. Las agujas con punta de carbono también son útiles. y si haces un buen estiramiento de 3 puntos (pulgar. trabaja el color hasta que la piel tenga una buena saturación aterciopelada. trabaja a un ritmo regular. Entonces pones una soldadura a un cuarto de pulgada de las puntas. dedo y talón de la mano con la que tatúas). Recomiendo usar mágnums dispersas en vez de mágnums apiladas. perderás precisión. Las puntas de estas agujas deben ser protegidas con aceite mineral o vaselina en cuanto acabes de soldarlas. Deberías sentir el golpeo de las agujas con los dedos que estiran. dando buena visibilidad. Con un poco de práctica. y debería curar suavemente. La ventaja de usar una mágnum dispersa es que puedes trabajar una zona varias veces con diferentes degradados de un color. pero no necesariamente ayuda. Esto es muy fácil si hay muchas agujas que sobresalen. y luego quita la cuchilla. Usa buenos tubos de mágnum con un biselado de 45 grados. cuando haces una 7 plana. Puede que disfrutes haciendo tus colores más ricos con un pigmento más espeso y opaco. incluso de diferentes marcas. Puedes sumergir la máquina entre diferentes tintas. Recomiendo tubos Papillon. tenemos pocas probabilidades de conseguir un campo homogéneo de color en cada zona antes de que la piel llegue a su límite. El método brutal en realidad no ayuda a la apariencia del tatuaje. podrás controlar la cantidad de separación entre las dos capas. papillon@hwave. si no. Cuando las agujas están puestas muy juntas las unas de las otras. no estás estirando lo suficiente. simplemente yendo más lento y encontrando el ritmo adecuado. Asegúrate de que la punta del tubo encaja con la anchura de la mágnum cómodamente. También puedes saturar fácilmente la piel con un color de una pasada si quieres un campo sólido. con un hueco del tamaño de cinco centavos y la suficiente tensión para empujar el resorte frontal contra el tornillo de contacto. Recomiendo que practiques el coloreado y los degradados haciendo dibujos de tatuajes ya sea en papel de calco o en una mesa de ilustración.que tu máquina está calibrada convenientemente para llevar una mágnum. Si saturamos dulcemente. la pieza curará fácilmente. especialmente después del curado. Esto nos retrasará especialmente si intentamos conseguir gradaciones como de aerógrafo. suéldalas al final de la barra. Aminora. y se perderá menos color.

los Berol Prismacolor). Los movimientos de la mano que usas con los lápices de colores son muy parecidos a los que usas con la máquina de tatuar. Esto te ayudará a crear una apariencia suave, que es igual de importante que una buena saturación. Incluso con mucha experiencia, es natural que algo del color se pierda. Recuerda que muchos de los trabajos que ves publicados aún no están curados. Muchos de los trabajos curados más grandes están hechos en varias sesiones, lo que le da al artista la oportunidad de trabajar cada zona las veces que sean necesarias para conseguir que se vean bien. Con algo de práctica, podrás crear gradaciones suaves y campos homogéneos a la primera. Pero la perfección ya es harina de otro costal. A. Curación ¿Cuál es la mejor manera de curar un tatuaje? Yo recomiendo usar el producto llamado “Tattoo Goo” porque parece acelerar positivamente la velocidad de curación y retiene mejor el color. Su ingrediente principal es el aceite de oliva. ¿Alguna vez has oído de alguien que use aceite de oliva viejo para curar un tatuaje? Tengo curiosidad, pero titubeo al tener que probarlo o recomendralo. Por otro lado me gusta ofrecer una alternative barata y efectiva a los productos con base de petróleo (A&D, Bacitracin, etc.) El rumor dice que estos ungüentos contrastados también pueden estar drenando también el color de la piel curada. R. Bajo mi experiencia, cuanto menos intervengamos en un tatuaje, mejor curará. El cuerpo está bien preparado de manera natural en la curación y puede hacerlo sin ninguna ayuda de nuestra parte. Desde siempre se ha recomendado usar un ungüento antibiótico para la curación. Mucha gente parece inclinada a embadurnarse literalmente, lo que sin duda saca color, y crea una superficie pegajosa para que se adhieran los agentes extraños, negando en gran medida sus efectos mata-bacterias. Los antibióticos solo son realmente necesarios cuando hay riesgo de infección. Si limpias el tatuaje a fondo con un jabón suave un par de veces al día hasta que forma una ligera capa de costra, no debería ser muy propenso a la infección. Si está en una zona donde cae el sudor, como el estómago, la nuca o el tobillo, puede ser bueno usar un antibiótico como Betadine H para la curación. Este ungüento tiene base de colesterol en vez de petróleo, haciendo que sea menos pegajoso y que tenga una buena consistencia en general. Aplícalo en capas muy finas y quita todos los excesos. Si la ropa se pega, es que hay demasiado. Si no usas crema antibiótica y el tatuaje necesita hidratación, prueba algo realmente benigno como la manteca de cacao 100% pura. La Tattoo Goo también puede ser buena – no tengo experiencia con ella, pero he oído cosas buenas. Al parecer viene en una pequeña lata redonda, haciéndolo más fácil de llevar y haciendo que el cliente esté más dispuesto a llevarlo y usarlo. P. Zonas sensibles Me preguntaba si tienes alguna buena idea de cómo manejar la piel en las zonas más sensibles, por ejemplo dentro de la articulación del codo/antebrazo, el hombro justo arriba del pliegue cutáneo de la axila, la nuca/parte superiro de la columna…¿sabes lo que quiero decir? R. Este tipo de zonas pueden ser especialmente difíciles en tatuajes que se extienden por varios tipo de piel, donde parte de la pieza está en piel dura y parte en piel delicada. Lo

que hay que hacer en casos así es delinear toda la pieza, asegurándonos de bajar el voltaje cuando trabajamos zonas sensibles, y entonces trabajar la pieza hasta completar o casi completarla por secciones, empezando por las zonas tiernas (para quitárnoslas de encima). Tienes que tener tus máquinas funcionando lo más ligeramente posible en estas zonas. Ya que la piel es más delgada y blanda, necesita menor voltaje para poner el color. También es fácil hacer una cicatriz o que revienten las líneas y bordes. Empieza con las máquinas funcionando muy lento, y añade voltaje gradualmente hasta que meta el color. De esta manera, no hay riesgo de triturar la piel demasiado. Trabaja con las máquinas haciendo suaves y ligeros óvalos superpuestos, ya que es mejor para la piel y menos irritante para el cliente. Es muy poco voltaje para trabajar en las zonas más duras de la piel. Por eso quieres trabajar estas zonas por separado, ya que la cantidad correcta de energía para las partes más duras será demasiada para las partes tiernas, y viceversa. Es bueno el evitar tener que tocar el voltaje constantemente. Es más, las zonas tiernas se soportarán mejor a largo plazo si las trabajas al principio de la sesión. Más que en cualquier otro tipo de piel, necesitas asegurarte de que las agujas no entran en la piel demasiado inclinadas. El ángulo entre la piel y el tubo debería ser como mínimo de cuarenta y cinco grados. Si es menos, corres el riesgo de cortar esa delicada piel. Asegúrate de usar una fina capa de vaselina en la zona que vayas a trabajar, lo que hace más fácil limpiar el exceso de pigmento sin tener que refregar la piel, lo que más tarde puede ser muy irritante. Cuando las zonas sensibles están acabadas y vas a trabajar al lado de ellas en zonas más duras, pon bastante vaselina en la zona acabada para protegerla de gotas perdidas de pigmento, las cuales luego tendrán que ser dolorosamente refregadas. Incluso puedes cubrirlas con una toalla de papel mientras trabajas cerca, eliminando la necesidad de tener que limpiar casi completamente. P. Trabajando con Blanco Me he dado cuenta de que cada vez que trabajo con blanco, sin importar el tipo de aguja que uso, dejo un punto gris en el tapón de tinta cada vez que mojo. Pongo el blanco cuidadosamente, pero normalmente suele curar un poco apagado, no como los destelleantes brillos que veo en las revistas. ¿Cómo puedo hacer para que mis brillos parezcan brillantes y afilados?

R. Básicamente no hay nada mejor para eso que un tubo perfectamente limpio. Incluso un tubo que se acaba de sacar del envoltorio, que fue enjuagado, limpiado en un ultrasonidos, fregado y autoclavado tendrá una pequeña cantidad de pigmento residual. Normalmente esto no nos afecta, ya que es tan poco que los colores con los que trabajamos normalmente lo vencen. Pero el blanco es otra historia. El blanco en realidad no es un color, sino un pigmento neutral sin color. Es mayormente translúcido, con la opacidad suficiente para aclarar la piel un tono o dos. Si hay aunque

sea la cantidad más remota de pigmento residual en el tubo, la delicada translucidad se verá visiblemente manchada, e incluso la más ligera mancha apagará el efecto de los brillos. Una vez que ponemos blanco manchado en la piel, incluso hacer una sesión después con blanco perfectamente limpio sólo tendrá un efecto parcial en el brillo. Mientras trabajamos con blanco, cada vez que mojamos el punto gris se volverá a veces más oscuro, y cuanto más tiempo trabajemos con este pigmento, más manchado saldrá el blanco. Para evitar esto, enjuagamos en agua limpia frecuentemente y a fondo. Me gusta trabajar con dos vasos de enjuague; uno de ellos para el pre-enjuague, el otro es el de enjuague posterior. Usando este sistema, después de 4 o 5 horas, el vaso de preenjuague estará de color marrón oscuro mientras que el otro aún estará relativamente limpio. Cuando estás listo para usar el blanco, si no tienes un vaso de enjuague de agua limpia o casi limpia, tómate un pequeño descanso y consigue uno. Enjuaga el tubo a fondo con la máquina funcionando, seca la mayor parte del agua en un trozo seco de una toalla de papel, y luego mójalo en tinta blanca. Saca la punta del tubo del tapón de tinta, enciende un poco la máquina, y vuelve a mojar. La máquina probablemente se ralentizará un poco por el grosor del pigmento, y a veces tendrás que subir un poco el voltaje para compensar. Sigue con la faena y trabaja durante un rato. No trabajes hasta que el tubo esté vacío, ya que lo último que salga de pigmento blanco saldrá manchado. Cuando estés listo para mojar otra vez, enjuaga primero. Esto lavará el blanco manchado que quede en la punta del tubo antes de sumergirlo en blanco limpio. Tambén evitará que la máquina se atasque por el grosor del pigmento. Luego, seca la punta del tubo y sumérgela en tinta, enchufa la máquina un poco, vuelve a mojar, y procede a trabajar. Repite el proceso cada vez. Trabaja, enjuaga, seca, moja, trabaja, enjuaga, seca, moja. El enjuagado en cada ciclo asegura que el blanco será lo más puro posible, con el añadido de ayudar a que la máquina funcione suavemente. Esto a veces también es buena idea con el amarillo o el naranja claro, especialmente si es justo después de haber trabajado un color oscuro con el mismo tubo. A algunos artistas les gusta usar un blanco de consistencia más fina, que es más fácil de poner. A mi parte conservadora le asusta que estas pequeñas partículas tengan menos opacidad y reflectividad que las partículas más grandes de los colores Unique y muchos otros pigmentos tradicionales de polvo de escamas, aunque no hay pruebas de ello. No importa lo limpio que esté el pigmento, el blanco no será tan efectivo si no lo planeas adecuadamente. Úsalo estratégicamente, no por todo el tatuaje, lo que tiende a cancelarlo. Los brillos con bordes nítidos tienden a parecer más brillantes que los de bordes suaves. Las zonas de colores oscuros o medios de alrededor harán que parezca más nítido y lo harán brillar, mientras que ponerlo en una zona de colores claros puede que lo haga menos efectivo. P. Lavados de Grises Ya que estás de humor para contestar preguntas, ¿cuál dirías tú que es la mejor proporción tinta/agua para los lavados de grises?

con el negro puro a la derecha del todo. Si escoges éstas. ya que empujan menos pigmento y permiten más control. y luego los lleno con agua. Durante muchos años he usado negro Talenz (inkguana. por ejemplo.R. por lo que se convertirá en una mezcla del 51%. normalmente lleno uno hasta la mitad. parecen idénticos en el tapón. normalmente mezclo los tonos en los tapones para cada tatuaje. luego pequeños detalles de varios valores. Entonces podemos mojar aquí y allá cuanto queramos para conseguir el efecto que necesitemos. Si lo hiciera más frecuentemente. Para evitar confundirse. La gama de varios lavados en los tapones de tinta es un proceso más conveniente e intuitivo. podemos movernos a una zona más oscura del diseño o podemos mojar en el vaso de enjuague o en un tapón más claro para crear un valor más claro en la punta del tubo. conseguiremos un valor aproximado del 75% en la punta del tubo. Brian Everett y Tom Renshaw es un buen ejemplo de el uso completo de la gama de valor. Algunos parece que prefieren bug pin magnums para los lavados de grises. Después de todo. Si empezamos a tatuar y el lavado parece un poco oscuro. Parecen durar bien. Cuanta más agua añadas. Al mismo tiempo. También tengo a mano un vaso de enjuague con agua limpia. 25%. luego mojamos en el del 50% y volvemos a enchufarla. otro al 50%. Los lavados de gris normalmente se ven mejor si usamos toda la gama de contrastes. El trabajo de Filip Leu en blanco y negro a menudo incorpora grandes áreas de largos degradados del negro a la piel virgen. y así hasta el lavado más claro a la izquierda del todo. Todo depende del efecto que busques. El trabajo de retrato de artistas como Jack Rudy. más claro será el lavado. Puede que te encuentres con que una mágnum de nueve of bug pins encaja en un tubo que normalmente se usa para una mágnum de siete. Si mojamos en el negro puro. lo que es una buena estrategia para diferenciar el fondo del primer plano. necesitarás una punta de tubo estrecha. usando cada tono entre medias. 10% y 5%. Ya que rara vez me piden un trabajo con lavados de grises. y todo lo que está entre esto. En teoría podemos conseguir esto sólo con negro y un vaso de enjuague. grises tan claros que apenas se ven. enchufamos la máquina. Podemos conseguir la gama entera de grises mojando entre tapones. pero este procedimiento diluirá el negro del tapón y limitará nuestra libertad de acción. Puede que también te encuentres con que una máquina que normalmente es ideal para llevar una mágnum de siete es perfecta para una bug pin nine mag. dejaremos un poco de negro en el tapón del 50%. ya que estos pins tienen menos diámetro y se hacen para mágnums pequeñas. el siguiente valor más oscuro a su izquierda. En el tapón. lavados de grises y color con sombreado negro (incluso he ido mojando Talenz con pigmentos de colores para conseguir colores quebrados). mezclaría botes de diferentes fuerzas: uno que fuera 100% negro. pongo unas 10 gotas en otro y sólo dos en un tercero. ya que estas agujas más . siempre es bueno poner los tapones de tinta en el mismo orden. para el negro puro. incluyendo zonas de negro sólido. como el tiempo ha atestiguado.com) con mucho éxito.

Pueden conseguirse en el 817-2769222. Redondo Beach CA. para las mágnums. Esta compañía no vende grupos de agujas prefabricados. Fui formado en la escuela de odio-las-máquinas-dealuminio. eso ha cambiado. ya que no he probado todo lo que hay disponible. . También puedes llamar a Micky Sharpz Manufacturing en Inglaterra al 011-44-121-449-3799. PO Box 1414. fax 310-3740152. Agujas: Durante muchos años he usado agujas de la Colonial Needle Company. te ralentizarán enormemente a la hora de poner color. Ph# 310-567-8439. Sin embargo. pero debido a esta máquina. incluyendo diferentes tamaños de agarres cónicos. sin embargo. Las que más recomiendo son las Microdial para llevar una tres y las estilo Paul Rogers para las mágnum. La mía está calibrada para llevar una cinco redonda o una mágnum de cinco. Venden tubos de muy buena calidad. estos son los productos que he encontrado que han mejorado la facilidad y calidad de mi tatuaje. Está máquina viene en cobre. Recientemente me he quedado muy impresionado por la máquina Eclipse de Jason Guy de Next Generation Tattoo Machines.pequeñas y suaves producen menos resistencia. Para las tres y cinco redondas uso las John James Serpentine #12 inoxidables de barra larga. no como parte de un trato de ventas. El tubo y la punta son también de gran calidad. Esta combinación parecer hacer colores brillantes fáciles de aplicar cuya longevidad puedo garantizar personalmente. Hay máquinas razonablemente bien de precio entre los 200 y 300 dólares. No puedo decir que estos sean necesariamente los mejores productos a la venta. que son una mezcla homogénea de pigmentos de polvo de escamas grande y pequeñas partículas de colores acrílicos.com. Los tubos redondos requieren bisel. Por ahora. 860-745-9270. 90278. por supuesto. Mis favoritos recientemente son de Papillon Studio Supply y Mfg. Apéndice A Algunas Marcas Me gustaría empezar diciendo que esta sección del libro no ha sido solicitada. Tubos: Un buen tubo es tan importante como una buena máquina. Pigmentos: Durante la mayoría de mi carrera he usado colores Unique. Recomiendo los tres tipos. En los Estados Unidos puedes conseguirlas en RJM tattoo machines. las Hemming Phoenix #12 estándar cónicas de carbono. Máquinas: Durante cerca de una década he usado regularmente Micy Sharpz como mis máquinas cotidianas. También puedes contactar con él en el 909-243-6507.com. Su web es mickeysharpzusa. 118 Pearl St. ngtattoomachines. Enfield CT 06082. estoy seguro de que esta sección se expandirá y cambiará en futuras ediciones.com. y que nombro estos productos y la información de contacto para tu conveniencia. Estoy realmente impresionado con sus agarres gordos cónicos. papillon@hwave. acero o aluminio de aviones.

com. Estoy muy impresionado con los colores que he probado. Drawing the Living Figure de Joseph Sheppard muestra muchas poses diferentes. aunque su longevidad no ha sido comprobada a fondo. 520-750-1595. Precision Tattoo Supply. como barras de bobinas con formas divertidas. Los colores Starbrite pueden comprarse a través de Papillon. Drawing Dynamic Hands. Lanoka Harbor. Para el negro. Eikon ha llevado a cabo algunos experimentos interesantes con cosas como puntas de agujas y barras de bobinas. 248-852-1320. Esto incluye modelos que tienen varios interruptores para más de una disposición. Estas fuentes son muy respetadas y usadas por muchos artistas de renombre.Algunos colores nuevos son incluso más brillantes y emocionantes.com. Unos de los más populares son los colores Starbrite. 9.rr.com. luckys@tampabay. Dynamic Light & Shade. 629 Rt. Hogarth fue realmente un gran artista y profesor (Watson Guptill Press). inkguana. o la línea Intenze Products.com. Está en proceso de probar diferentes grosores y combinaciones de color y pidiendo su opinión a los artistas que los usan. Unit7. incluyendo escorzos (Barnes & Noble). Los tatuadores que están acostumbrados a trabajar con pigmentos más gruesos puede que necesiten aprender un nuevo ritmo para poder meter estos colores suavemente. precisiontattoo.com. Dermagraphics también vende buenas agujas prefabricadas. que son de consistencia acuosa y realmente vuelan dentro de la piel. y Eikon Deivce. 201-7977858. Apéndice B Sombreando un Objeto Facetado . 800-427-8198. como Dynamic Anatomy. eagle1tattoo. Mario Barth ha estado vendiendo recientemente una prometedora línea de pigmentos llamada Intenze colors. Anatomy for the Artist de Jeno Barcsay acerca esta materia a un punto de vista artístico. Han publicado informaciones de estos experimentos y venden algunos productos únicos como resultado. Puedes contactar con él en starlightattoo. Algunas buenas referencias de libros para buscar son: cualqiera de Brune Hogarth. dermagraphics. todos de gran utilidad. grueso y autoritario. Grey’s AnatomyGrey’s Anatomy es el clásico libro de referencia de anatomía. 201-888-4343. (página perdida). enseñando las partes del cuerpo en diferentes posiciones.com. (727)531-7709.com. face-body. Prepcaine y otros productos anestésicos están disponibles a través de Face&Body Proffesionals. Definitivamente merece la pena echar un vistazo. o Dermagraphics. NJ 08743-800-809-8282. uso Talenz Drawing Ink. eikondevice. Sustaine. Unos cuantos negocios de suministros generales para tatuaje son Lucky’s Supplies.com. citado anteriormente en este apéndice. 415-884-4654. Pregunta a ambos distribuidores para mejores precios y disponibilidad. y Dynamic Wrinkles & Drapery. Un buen fabricante de fuentes de alimentación es Frank Bianco de Eagle 1 Tattoo Equipment. ha hecho muchos más aparte de estos.

y menos sombras (Fig. B6) tiene tres niveles distintos: (1) una cara plana. A fin de hacer que las relaciones entre las facetas de cristal contiguas sean claras. debemos considerar la inclinación de la fuente de luz (Fig. La única relación pos/pos. Esto es especialmente cierto en el caso de los objetos facetados. esa faceta tendrá una relación neg. Así. B7). B8) así como su rotación (Fig. cuando la fuente de luz da en el borde de la gema (Fig. B12. B11). que está más inclinado y alejado de la cara plana (Fig. B3). . con sólo tres lados visibles en cualquier momento (Fig. B13). es fácil imaginar que en la parte superior incidirá la mayor luz. la iluminación y la sombra del objeto son simuladas usando un proceso llamado trazado de rayos. Para tener en cuenta la iluminación en los 3 niveles. de cada borde. B9) y ajustamos la rotación de manera que incida sobre dos facetas por igual. el segundo nivel acaba teniendo la faceta más iluminada (Fig. Si hacemos la lfuente de luz suave y ambiental. sobre pos. Si la inclinación es más cercana al punto de vista del espectador. en el que una fuente de luz es generada matemáticamente y proyectada sobre el objeto. o neg/neg que permitimos sería en el caso de que la luz incidiera en dos facetas contiguas por igual. Empecemos con un cubo básico. con todas sus facetas vecinas. creando una convincente ilusión de luz y sombra. B1). la relación de los planos de sombra cambia (Fig. Si ajustamos la inclinación y la rotación de manera que la luz bañe un número de facetas por igual. si hacemos la fuente más nítida y más concentrada. B18). La gema en (Fig. En un punto del trayecto desde la parte superior derecha a la inferior derecha la luz incidirá en la parte superior y el lado derecho por igual. B5). y el lado izquierdo el que menos (Fig. En todos los casos en los que hay una faceta con la mayor luz. B10) la faceta más iluminada estará en el nivel 3 (Fig. Ahora veamos un objeto facetado más complejo. de manera que el punto de vista del espectador sea la fuente de luz. como en (Fig. B17). B4). Otro factor con el que podemos trabajar es la nitidez de la fuente de luz. Si traemos la inclinación y la rotación justo al centro. con suaves gradaciones que apoyan esa línea blanca sin hacer que las facetas vecinas sean muy oscuras (Fig. acabaremos con unas cuantas líneas blancas convergiendo en un punto blanco (Fig. Si esta misma fuente de luz se mueve hacia abajo y a la derecha hasta un punto donde de más luz en el lado derecho que en la parte superior. usamos sutiles gradaciones en cada faceta que ayuden a clarificar las relaciones pos/neg. en la parte derecha un poco menos. obtendremos esa línea blanca entre ellas igual que hicimos en (Fig. Si la fuente de luz está en la parte de arriba a la derecha del cubo. (2) un nivel intermedio inclinado. B4). creando un delgado brillo a lo largo del borde entre los dos planos (Fig. la faceta plana es la más iluminada y el resto de facetas están sombreadas igual y simétricamente (Fig. B16). B9). tendremos menos facetas iluminadas y más sombra (Fig.Cuando usamos el ordenador para crear objetos sólidos en un espacio virtual. B15). B14). que están hechos de planos simples dispuestos en relaciones claramente comprensibles entre ellos. Por otro lado. acabaremos con más luz dando en las facetas. Podemos usar este mismo proceso con nuestro cerebro para simular luz y sombra en objetos simples. o que dos facetas estén de espaldas a la fuente de luz por igual. y (3) un tercer nivel. B2). como en (Fig. B4). Si traemos la inclinación de vuelta al borde de la forma como en (Fig.

recomiendo hacer un estudio de valor con un lápiz borrable antes de tatuar cosas así. con estas tres variaciones con las que jugar. lo que los hace especialmente apropiados para ciertos tipos de tatuaje. Mientras haces este estudio. mira la luz que se ve detrás de tus párpados cerrados a medida que la fuente de luz se mueve alrededor. Para este propósito. Este tipo de mandala puede ser dibujado fácilmente sin un ordenador. lo cual es un gran efecto para el tatuaje. primero suave. Apéndice C Creando un Mandala Geométrico Un mandala es una imagen contemplativa usada en muchas culturas y prácticas espirituales. los mandalas pueden ser muy impactantes visualmente. B19). la rotación y la nitidez moviéndose por todas las diferentes combinaciones de estas variables. y dale al borde de esa faceta una relación neg. o cualquier tipo de centro energético. cambia el color y la intensidad. con el pliegue pasando lo más cerca posible del centro del círculo. marcando fuerte los pliegues cada vez. Las mismas variables de iluminación se aplican en caso de un objeto más complejo (Fig. Este tipo de imagen generalmente tiene un sentimiento muy positivo y edificante asociado a ella. el centro del universo. a nivel lingüístico. ya sea un objeto arquitectónico o uno abstracto (Fig. los tipos de mandalas de los que hablaremos aquí no derivan de ningún lenguaje cultural específico. podemos crear un convincente sentido de solidez y dimensionalidad. hasta que tengamos una cuña estrecha de un deciseisavo de la circunferencia del círculo. normalmente el resto de imaginería está diseñada para conducir al espectador hacia el centro. visualiza esta gema simple en tu mente con la inclinación. Empezamos cogiendo una hoja de papel de calco ligeramente más grande que el tamaño de mandala que queramos.Ahora. considera las relaciones entre cada objeto contiguo. el centro representa el entendimiento divino. Siguiente. como el que está en el fondo de (Fig. Su distintiva simetría central puede añadir mucha potencia y luz a una composición. Rota el objeto en el espacio virtual de tu imaginación como rotarías un objeto real en tus manos. pregúntate a ti mismo qué faceta está más encarada hacia la luz. B20). luego gradualmente más nítido. luego usamos un compás para establecer el borde exterior del copo de nieve. Si consideramos esto cuidadosamente a través de todo el objeto. C1). con respecto a la otra faceta. especialmente al principio. Debido a que el proceso de sombrear un objeto facetado correctamente a veces requiere un poco de prueba y error. y en su lugar son elegidos por su poder visual y su tatuabilidad. Entonces lo doblamos por la mitad tres veces más. doblamos la hoja por la mitad. El tipo más básico de mandala del que vamos a hablar es el mandala copo de nieve. . tienes fácilmente la habilidad de crear una visualización cristalina de este objeto simple facetado. sobre pos. Tu cerebro tiene la capacidad de cálculo de mil millones de procesadores Pentium. Gráficamente hablando. mira los patrones de luz y sombra cambiar en la superficie del objeto. Normalmente consiste en un campo de imaginería redondo o simétrico con algún tipo de centro. centelleando ocasionalmente cuando una faceta capta la fuente de luz momentáneamente.

5.3. excepto con menos pasos. Después de desdoblarlo. o simetría cuatrilateral. Este proceso es muy parecido al que úsabamos de niños para hacer copos de nieve simples en papel. podemos crear uno de cuatro vías. C3). Después de dibujar el diseño en esta sección. para resolver el ángulo que necesitamos. Entonces doblamos el dibujo sobre sí mismo. C8). alineando cuidadosamente el centro del dibujo donde estaba la punta del compás. Con el dibujo de línea acabado. y luego lo calcamos otra vez. Una disposición de líneas que pueden parecer decepcionantemente simples en la cuña pueden muy bien parecer deslumbrantemente intrincadas cuando se multiplican a sí mismas dieciséis veces. Usando este método del papel doblado. despegamos el pequeño dibujo. que obtenemos cortando trozos de papel con tijeras. La principal diferencia es la exigencia de mucha más precisión al doblar. aplanamos nuestra cuña plegada lo más a fondo posible. Luego. una repetición final nos da un mandala acabado (Fig. Ahora tenemos un octavo de nuestro mandala acabado (Fig. . es un poco difícil crear tipos de simetría que no sean múltiplos de cuatro (ocho vías. le damos la vuelta. Básicamente. Entonces la pegamos en su sitio encima de nuestro dibujo en forma de cuña. puntas y curvas. es posible desarrollar un lenguaje único para esto. C6). Lleva mucho menos tiempo hacer esto que calcar el pequeño dibujo en forma de cuña dieciséis veces. cogemos el número 360. el proceso es esencialmente el mismo que el del mandala de ocho vías. Después de calcarlo cuidadosamente. Para crear una simetría de seis vías. delineamos cuidadosamente con el calco que acabamos de hacer en la hoja más grande. manteniéndolos consistentes durante todo el proceso (Fig. acabamos con medio diseño.ZB). C7). Experimentando con combinaciones aleatorias de planos. como en (Fig. Repitiendo esto otra vez. Estos filtros pueden ser aplicados a cualquier imagen con emocionante resultado. C4). dieciséis vías. Los mandalas de copo de nieve de los que acabamos de hablar tienen ocho vías. la cuña debe ser de 18 grados en el centro. lo dividimos por el número de puntas que queremos. etc). tenemos que averiguar cómo sombrear los planos y ángulos de la imagen. empezamos haciendo una cuña de 30 grados en su punto central. tendremos un cuarto acabado (Fig. asegurándonos de mantener su proporción lo más aproximada posible (Fig. y lo volvemos a calcar. y el hecho de que estamos creando un dibujo de línea en vez de un simple diseño pos/neg. C5). usando un transportador para hacerla precisa. En el Capítulo 5. como se muestra en (Fig. doblándolo a lo largo del borde del octavo acabado. Debido a que las cuñas más anchas de la simetría cuatrilateral nos dan más espacio para jugar que la simetría octilateral. Para una simetría de diez vías. Con este calco en forma de cuña.3 hablamos de usar filtros de Photoshop para crear un mandala. suavizando los pliegues hasta el punto de que la hoja quede plana en la mesa. y luego dividimos el resultado final por dos. C2).El siguiente paso es poner esta cuña en un papel de calco y calcar la forma de la cuña. esto nos permite ordenar los planos del dibujo en forma de cuña de manera que creemos ilusión de profundidad y dimensión. o simetría octilateral. Si doblamos el papel en ocho en vez de en dieciséis. dibujamos entonces un dieciseisavo del mandala (Fig.

Ya que el mandala va en una parte del cuerpo asimétrica. y luego multiplicarlos en un programa como Terrazo. Podemos crear mandalas angulares facetados tridimensionales. Debido a que esta imagen contiene ángulos facetados con luz sobre ellos. C13. se le pidió al programa una simetría de seis vías. C14). y optimizar las zonas pos/neg. lo que nos da la opción de diferente número de puntas y estilos de simetría. es posible dar a nuestros mandalas solidez y dimensión extra (Fig. C9) tenemos un cuadro mío. acercándolo a un punto de vista pos/neg. C11) se lleva a cabo primero delineando el marco en primer plano antes de poner el mandala. luego escalamos la imagen del mandala a un tamaño apropiado para el hueco del marco antes de meterlo en la máquina hectográfica. Podemos ajustar el tamaño del triángulo. la cinco redonda y la mágnum de siete.En (Fig. Lo hace en tiempo real. Las diferentes posibilidades son infinitas. Este triángulo representa el dibujo en forma de cuña que hicimos usando el método del copo de nieve. haciendo que la imagen sea fácil de convertir en plantilla. C10). como hicimos con el papel (Fig. Usando Photoshop. entonces usamos el método de la plantilla de una sola aplicación para poner la plantilla del mandala. entonces lo multiplica seis veces. como el que hicimos usando el método del copo de nieve. como este ejemplo de arquitectura árabe (Fig. el programa automáticamente duplica la imagen en forma de cuña. escogido por su tatuabilidad. como la Gótica. especialmente después del laborioso proceso del método del copo de nieve. Este programa nos permite arrastrar un triángulo alrededor de la imagen principal. He elegido esta imagen para aplicarle el filtro porque tiene parones interesantemente fuertes de oscuro y claro. tienen la opción de usar un programa de modelado 3D para crear ejemplos de elementos arquitectónicos mucho más exóticos. En este caso. diferentes planos sobre los que juega la luz. Usamos Terrazo. El tatuaje acabado (Fig. lo que puede ser un arreglo muy atractivo. primero dibujamos un marco en primer plano que encaje con la fluidez del brazo. usando las herramientas Subexponer y Sobreexponer. invirtiendo mucho tiempo con el negro sin preocuparnos de borrar el mandala o manchar peligrosamente el delicado trabajo de color que usamos para hacer el mandala. Esto nos permite construir cuidadosamente las líneas. creando un mandala en una ventana de previsualización. vamos a Imagen>Modo para hacer una imagen en escala de grises. C4). pero debemos rotar la imagen principal por separado para inclinar el triángulo. en vez de un punto de vista lineal. C12). Este proceso puede ser muy emocionante. con equilibrio de detalle en la suavidad. y un equilibrio dinámico de texturas ásperas contrastadas contra zonas suaves. Para los especialmente doctos en informática. Entonces trabajamos el mandala cuidadosamente con la tres. Cuando estamos satisfechos con las líneas y el sombreado negro del primer plano. (Fig. permitiéndonos explorar miles y miles de combinaciones en cuestión de minutos. nos tomamos un descanso de diez minutos para permitir que estas zonas dejen de sangrar. usando este tipo de filtros de Photoshop en fotos de elementos arquitectónicos facetados. . aunque no tiene ningún tipo de configuración principal – puede ser necesario reunir un número de filtros de Photoshop para tener acceso a todas las opciones que necesitemos. Maya o Art Deco. El mandala final que hemos escogido es uno claro y legible. tocar los Niveles. Este método puede ser usado en todo tipo de arquitecturas.

mucha de ella es también generada electrónicamente. lo que puede distraer de la persona que está siendo tatuada. a menudo en conjunción con instrumentos reales. sino también qué queremos y cómo nos gustaría sentirnos. las bandas de rock que han decidido renunciar al tío llorón son pocas y distantes entre sí. eso sólo perpetuará ese sentimiento. y simplemente calcar la sección de arquitectura en la cuña. No quiero ofender a los fans del rock and roll. El ordenador nos permite explorar más posibilidades diferentes. Apéndice D Una Breve Lista de Música Incluyo esta información con la intención optimista de abrir unas cuantas puertas. Creo que la música que escogemos no solo dice quiénes somos y cómo nos sentimos. Ozric Tentacles y Gone son buenos ejemplos de bandas sin cantante. así que la he dividido en tres secciones: melosa. y luego darle la vuelta y calcarla manualmente. Alguna de la música libre de letra más accesible para ofrecer a una clientela rockera es la que se hace con la instrumentación rockera tradicional. Con esto en mente. Desafortunadamente. Si estamos frustrados con la vida y escuchamos música sobre estar frustrado. algunas veces con sintetizadores electrónicos. No toda la buena música creativa es necesariamente apropiada para el ambiente de un estudio de tatuajes. con guitarras y eso. he remarcado algunas selecciones en negrita las cuales pienso que son buena música para un estudio. Esto hace una categoría más grande.Para aquellos sin ordenador. porque el “tío llorón” está ahí sólo para decirnos cómo SE siente y qué piensa ÉL. En la categoría melosa: . Casi todo lo citado aquí no tiene letras. moderada y rápida. Tortoise. simplemente estoy ofreciendo algunas alternativas. Debe recompensar la atención sin demandarla. Esto no tiene ningún impacto en cuánta calidad pienso que tiene cada selección. lo que puede hacer que estén incómodos. o una mezcla entre ambas cosas. no hay razón para no usar el método del copo de nieve. lo que puede limitar nuestras mentes. Mucha de mi música creativa favorita está en la categoría de ambiental. alguna simplemente es demasiado tranquila y melosa para sobrevivir al zumbido de la máquina. juntada de manera inteligente de sonidos de bits sampleados. alguna es demasiado variada y se pasea por todo el lugar estilísticamente. La buena música creativa es la que hace que nos relajemos sin dormirnos o que nos da energía sin hacernos entrar en cólera. y el “tío llorón” siempre demanda atención. y alguna está simplemente demasiado alejada del cliente medio. pero el método del calco a mano puede permitir potencialmente más sutileza y control.

Caroline Records/ Excursions in Ambience (Esta es una serie de cinco o seis discos. Big Men Cry y Live At The Windsor Building. Fountains of Paradise y Amrita. Halcyon Days. Disfruto poniendo este material rápido cuando pinto. Orbus Terratum. Recomendaría especialmente Orblivion. System Seven también se columpia entre estas dos categorías. su música es muy creativa e inesperada. pero recomendaría especialmente Last Train to Lhasa. y Law and Auder Records/ Further East: Westercisms. Para empezar. Por . tiende un poco hacia el sonido comercial. Planet Dog Records/ Feed Your Head. Su música tiende a tener más variedad que la mayoría de bandas electrónicas. Adventures Beyond The Ultraworld y Pomme Fritz. UFOrb. Live 1993. hago ejercicio o tatúo a gente con gustos similares. En la categoría de Alta Energía: Mucho de esto es casi demasiado para tus clientes medios. Algunos de mis favoritos son Lifeforms. Twisted Records/ Eclipse: A Journey of Permanence and Impermanence. prueba Suspended Memories Forgotten Gods. En la categoría media: Uno de mis grupos más favoritos de todos los tiempos para tatuar es The Orb. algunos más orientados hacia el ritmo. Aquí hay algunas que puedes mirar: Hypnotic Records/ The Door of Perception. Mucha música electrónica está disponible en compilaciones. mi favorito es un disco doble titulado 777: Fire and Water. Banco de Gaia hacen música muy poderosa y edificante. Brian Eno siempre ha sido un importante pionero en la música ambiental. ISDN y Dead Cities. todos buenos). Aunque su último CD. Caverns of Sirens. Tiene docenas de discos disponibles. las cuales son unas excelentes series. Algunas cosas suyas son Cataloque of Desires. sigue siendo bueno. Future Sound of London son un grupo de electrónica experimental con raíces en el punk rock. diré que mi mujer y yo hemos hecho algunas portadas para Steve). Body Electric. Sad World 1&2. Light Fantastic. Me gusta describir su música cómo “organic tribal”. Parte de su material se mueve entre la categoría melosa y la media. Air 1&2. Igizeh. The Fax Label tienen montones de buena música ambiental.Steve Roach – una mezcla de instrumentos de percusión y sintetizadores electrónicos. Dreaming: A Retrospective. Su material parece encajar muy bien con el ambiente de tatuaje. y cualquiera de la serie Dark Side Of The Moog. como FSOL. son principalmente artistas del collage con el sonido. Vine Bak & Spore (como nota al margen. Ontario. Escúchalo en steveroach.com. Loop Guru. algunos muy abiertos y tranquilos. The Serpent’s Lair. Dos selecciones que recomendaría son Ambient 4/On Land The Shutov Assembly.

Moonshine Records/ HardDesertTrance. Hanky (N. del T: el señor Mojón…)). Cuando se trata de sinfonías y otras piezas instrumentales complejas. prueba también la Sinfonía nº 4 (RCA records. ocasionalmente estallando en una trascendencia brillante. pensada y potente. rápido y sin ninguna de esas melodías “happy&gay” que asociamos con el tecno cheezy. como Goa Spaceship 101 o su disco doble Goa Mix. escucha todo lo que haya hecho Chronos – tienen buen gusto en sus selecciones. luego lento. Philip Glass es un brillante compositor conceptual moderno. y cualquiera de Astral Projection. esta pieza es oscura. probablemente te guste más GoaCore. Debido a que este tipo de música generalmente no tiene un ritmo constante. A veces estoy de un humor totalmente diferente y me apetece escuchar música clásica. primero rápido. mientras que otros no. También recomiendo todos los cuartetos de cuerda de Shostakovich. Otro compositor contemporáneo que merece la pena escuchar es Arvo Part. y ha escrito algunos cuartetos geniales – escucha The Chronos Quartet Performs Philip Glass. Mi favorita es Itaipu. la versión y el director pueden ser muy importantes. A algunas personas que les gusta el trash metal les encanta Goa. dirigida por Leanord Bernstien) y la nº 15 (Erato Records. reminiscentes de la guitarra eléctrica. y si te gusta la música de piano. Mi compositor favorito de lejos es Dimitri Shostakovich. Si te gusta. GoaCore es una categoría entera de hard techno. puedes juzgar por ti mismo lo bien que encajaría en un estudio de tatuaje. Algunos de vosotros puede que lo recordéis siendo parodiado en un episodio de Navidad de South Park (en el que sale Mr. No dejes que esto te engañe. no he puesto nada en negrita. Como la mayoría de su música. dirigida por Kurt Sanderling). También hizo un disco muy bueno de solos de piano contemplativos. intento evitar ponerla cuando estoy tatuando. Si alguien está interesado en otras sugerencias musicales. la nº 7(Deutsche Grammaphon records. adelante y escribidme un mail: guy@hyperspacestudios. El tipo de sonidos que usan son gruesos y profundos. sus Preludios y Fugas. o tiene alguna que hacerme. ya que algunos directores realmente entienden la pieza en cuestión. si te inclinas a esuchar música electrónica rápida.ello. Si te gusta alguno de estos.com . Early Music es un fantástico disco suyo. Mi elección personal es Te Deum. fuerte y luego silenciosa. He atravesado períodos en los que he explorado la música clásica intensivamente y me he dado cuenta de que en medio de la música clásica mainstream y comercial hay una pequeña selección de música más intensa que realmente me inspira. Hypnotic Records lleva un montón de su material. Una buena pieza con la que empezar es la Sinfonía nº 10 (intenta encontrar la versión de London Records con Lutoslawski’s Musique Funebre). Su material es muy rabioso e intenso. que es una pieza coral y orquestal. Otras recomendaciones de electrónica rápida: Euromedia Records/ Tantrance (disco doble). parte de su material es realmente bueno. dirigida por Leonard Slatkin). En realidad.

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