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Mulheres Pioneiras

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  A   posição   de   mulheres   artistas   dentro   da   história   das   vanguardas   do   século   XX   é   quase   invisível.

  Além   disso,   abordagens   modernistas   da   história   da   arte   tornam   difícil   para   nós   compreender   sua   real   emergência   e   seu   gradual   reconhecimento  profissional  como  artistas  na  virada  do  século.     Movendo-­‐se   ao   lado   de   outros   grupos,   como   o   Cubismo,   Dadaísmo,   Abstracionismo   e   Surrealismo,   mulheres   artistas   da   primeira   metade   do   século   XX   eram   singulares,   freqüentemente   trabalhavam   isoladas,   favorecendo   uma   posição   retraída,   e   seu   trabalho   era   descrito   de   forma   condescendente   pelos   críticos  como  “arte  feminina”.    Campos  artísticos  que  tem  sido  sua  prerrogativa   desde   o   período   clássico,   como   retratos   de   mulheres   e   crianças,   pinturas   de   naturezas   mortas   de   flores   e   artes   aplicadas   (miniaturas,   bordado,   pintura   sobre   porcelana),   no   entanto,   continuaram   a   se   desenvolver   e   expandir.   Mesmo   depois   de   uma   história   de   repetida   procura   por   autonomia   e   o   questionamento   da   identidade,   assim   como   da   divergência   irônica   e   acusatória,   essas   tradições   continuaram  contaminando  suas  práticas  artísticas.     É   nesse   ambiente   complexo,   rico   e   contraditório   que   muitas   posições   e   características  da  arte  contemporânea  tomaram  forma  –  performance,  trabalhos   biográficos,  instalações  têxteis...  –  em  decorrência,  sem  dúvida,    do  legado  dessas   mulheres  pioneiras.     “Liberdade   intelectual   depende   de   coisas   materiais.   Poesia   depende   de   liberdade  intelectual.  E  mulheres  sempre  foram  pobres,  não  apenas  por  duzentos   anos,   mas   desde   o   inicio   dos   tempos.   Mulheres   tem   tido   menos   liberdade   intelectual   que   os   filhos   de   escravos   atenienses.   As   mulheres,   então,   não   tiveram   quase  nenhuma  chance  de  escrever  poesia.”  2     Seguindo   as   observações   de   Virgínia   Woolf,   não   podemos   ignorar   as   adversidades   sociais   e   materiais   com   que   se   deparam   as   raras   mulheres   que   iniciaram  careiras  artísticas  no  final  do  século  XIX.     A   carreira   de   Suzanne   Valadon   é   característica   a   esse   respeito.   Filha   de   criados,   ela   ganhou   independência   financeira   e   entrou   no   mundo   da   arte   posando   como   modelo   para   Puvis   de   Chavannes,   Renoir   e   Toulouse-­‐Lautrec.   Autodidata,   ela   aprendeu   observando   artistas   em   seus   estúdios   e   depois   desenhando   em   casa.   Foi   apenas   depois   de   se   casar   com   um   homem   rico   em   1896,   que   Suzanne   Valadon   pode   desfrutar   de   um   espaço   próprio,   “um   quarto   todo  seu”3,  um  estúdio  na  rua  Cortot,  em  Paris,  que  possibilitou  a  ela  dominar  a   pintura   e,   como   resultado,   a   exibir   em   salões,   a   vender   em   galerias   e   a   ser   considerada   uma   artista   na   sociedade.   O   estúdio   também   é   um   fator   crucial   de   acordo   com   a   artista   estadunidense   Joan   Mitchell,   que   em   uma   data   muito   posterior   afirmou:   “Eu   tive   a   minha   vida   toda   o   sentimento   mais   ou   menos   verdadeiro   de   ser   invadida   por   outros,   e   meu   estúdio   era   considerado   um   território   de   todo   mundo.   Era   porque   aquele   era   o   território   de   uma   mulher   e                                                                                                                   1  Tradução  de  Tauana  Macedo  do  texto  “Pioneering  Woman”  de  Cécile  Debray,   traduzido  do  Francês  para  o  Inglês  por  Emily  Butler,  publicado  no  catálogo  da   exposição  “Women  artists:  Elles@centrepompidou”.       2  Virginia  Woolf.  A  Room  of  one’s  own.  [1929],  London:  Penguin  books,  2004,  p.   125.     3  Tradução  portuguesa  do  livro  “A  Room  of  one’s  own”.  

Mulheres  Pioneiras1  

  também   revela   um   sentido   de   violência   e   sofrimento.   incluindo  dezoito  chapas  produzidas  entre  1895  e  1910.  em  seu  estúdio.   Foi   provavelmente   um   desses   retratos   crus   de   um   ambiente   visto   por   detrás   das   portas   fechadas.  uma  técnica  perfeitamente  adaptada  para  a  prática  da  linha  dos   desenhos   de   Valadon.   assim   como   seu   próprio   auto-­‐retrato.   Suzanne   Valadon   desenhava   constantemente   a   figura   arredondada   do   filho.   que   trabalhou   em   Paris   a   partir   de   1912.   também   se   interessava   por   pintar   a   infância   como   uma   metáfora   para   a   inocência   ou   uma   época   perdida.   Sua   paleta   de   pastel.todos  achava  normal  dividi-­‐lo?    Ainda  sim  é  um  lugar  muito  pessoal  para  mim  e  é   de  fato  o  único.  “Le  territoire  de  Joan  Mitchell”.   que   raramente   estavam   abertas   para   mulheres.”  4   No   enclausurado   apartamento   que   divide   com   sua   mãe   e   filho.   esgotava   na   intimidade   de   sua   casa   variações   de   nus.  Essa  composição  pode  ser  lida   no   contexto   do   Cubismo   pós-­‐guerra.   O   conjunto   dos   trabalhos   em   água-­‐forte   de   Valadon   foi   editado   em   1932   em   um   volume   luxuoso   com   prefácio   de   Claude   Roger-­‐Marx.   também   atua   como   mártir   –   múltiplas   leituras   que   mascaram   uma   forma   de   auto-­‐ retrato.   representado   com   linhas   precisas.   Ele   fala   de   suas   “formidáveis   pinturas   de   flores”.   trazem   uma   leveza   quase   infantil   para   a   representação   e.  em  outras  palavras  até   ela   se   dedicar   à   pintura.   era   quase   uma  anã.     Maria   Blanchard.   no   entanto.   e   mesmo   Severini.   O   trabalho   cubista   “Sois   Sage   or   Joanne   D’Arc”   [ao   lado]   abre   o   estilo   para   múltiplas   leituras.   de   quem   um   bom   comportamento   é   esperado.  Maria  Blanchard.   que   chamaram   a   atenção   de   Degas   em   1895.  o  pé  do  garotinho  brincando  na   água.  Artistes  et  ateliers.  auxiliados  por  seu  galerista  Léonce  Rosenberg.   uma   pintora   espanhola   próxima   a   Juan   Gris.   encenando   posturas   quase   familiares   embora   cuidadosamente  estudadas  –  a  curva  da  coluna.                                                                                                                           4  Catherine  Lawless.   aquele   de   Gris.  1990)   .   Modelos   profissionais   só   poderiam   ser   encontrados   em   academias.   o   rosto   enrugado   e   cansado   da   mãe.   Como  resultado.  em  sua   própria  prensa.  e  a  preciosa  apresentação   de   estênceis   de   flores.   Valadon.   Uma   pequena   menina   com   um   bambolê.   Braque.   Sua   representação   de   crianças   nuas   parecendo   pequenos   animais   não   se   adequou   às   expectativas   desse   tradicional   gênero   feminino.   ocasionalmente   algumas   crianças   da   vizinhança.   rosas  e  azuis.   acostumada   a   posar   nua   para   grandes   pintores.  (Nîmes:  Jaqueline   Chambon.  acometida  por   uma   enfermidade   espinhal.  ele  apresentou-­‐lhe  a  gravura  em  cobre.

  Valentine   e   Jean   Hugi.   mas   na   periferia   do   movimento..   Ela   chama   seu   relacionamento   de                                                                                                                   5  Pintura  de  Pablo  Picasso  feita  em  1907.   um   trabalho   que   provavelmente  foi  inspirado  em  fotografias  de  crianças.   Vieira   da   Silva   e   Árpád   Szenes.  Frida  Kahlo  e  Diego   Rivera.   “Une   réunion   a   la   campagne”.  Sonia  e  Robert  Delaunay.”  6   Foi   inegavelmente   graças   ao   apoio   de   Apollinaire   que   Marie   Laurencin   pôde.   junto   de   seu   parceiro  Apollinaire.   O   casamento   oferecia   independência  da  família  em  uma  época  em  que  o  celibato  não  era  aceitável  para   mulheres:   Sônia   Delaunay   arrumou   um   casamento   de   fachada   com   Wilhelm   Uhde  e  Marie  Laurencin  se  casou  com  um  homossexual.  frequentemente  socializava  com  o  grupo  de  Picasso.   Picasso   pintou   “La   Fillete   au   Cerceau”. Universidade  da  Califórnia)   6  Guillaume  Apollinaire.   Marie  Laurencin.   Diálogo   entre   trabalhos   acontecem   mais   freqüentemente   do   que   gostariam   de   admitir.   Joan   Mitchell   e   Jean-­‐Paul   Riopelle.  ela  usa  novamente  a   ponte   Passy   como   um   motivo.   acompanhar   os   Cubistas   durante   seus   lendários   anos   no   Bateau-­‐ Lavoir.  de  acordo  com  estimativas  contemporâneas.   Alice  Halicka  e  Maecoussis.   mais   uma   musa  que  uma  pintora.    O  fundo  é  simplificado.   Então.  pintado  dois   anos  antes..  Imprensa  da       .  quem   conheceu   em   seu   estúdio   em   Bateau-­‐Lavoir.  que  ele  descreve  como  sendo  ‘serpentino:   “Ela  [a  arte  de  Laurencin]  possui  analogias  com  a  dança  e  é.  1913.     Sua  representação  de  rostos  como  máscaras.  água-­‐forte.   feito   em   homenagem   a   Henri   Rousseau.   que   em   retribuição   pintou  um  grande  retrato  de  Apollinaire  como  um  poeta  inspirado  por  sua  musa.  Todavia.  The  Cubist  Painters.  Sophie  Taeuber-­‐Arp  e  Hans  Arp.   mais   tarde   chamado   de   “Apollinaire   et   sés   amis”   (1909).   que   ela   tinha   anteriormente   colocado   no   auto-­‐ retrato  em  água-­‐forte    “Le  Pont  de  Passy”  (1908.   é   visto   de   forma   bem   convincente   por   José   Pierre   ecoando   “   Les   Demoiselles   d’Avignon”.  a  distinta  expressão  frontal   de   algumas   de   suas   figuras   e   o   tamanho   de   sua   composição   são   repetidas   referências  à  obra-­‐prima  de  Picasso.   e   eu   desenho   do   rosto   de   Apollinaire   é   retrospectivo   a   “La   Muse   inspirant   le   poete”   (1909)   por   Rousseau.   Ela   atendeu   a   um   banquete.   Por   exemplo.  é  interessante   compará-­‐lo  com  a  pintura  de  Maria  Blanchard  com  o  mesmo  tema.     Muitas  mulheres  artistas  dividiram  suas  vidas  com  outro  artista  –  Suzane   Valadon  e  André  Utter.  Natalia  Goncharova  e  Mikhail  Larionov.  Ele  adiciona.  Biblioteca  Nacional   da   França).Em   1919.   um   dos   maiores   e   mais   impressionantes   trabalhos   de   Marie   Laurencin.   conhecido   como   Le   Douanier.  Dorothea  Tanning  e  Marx  Ernst.   5   Marie   Laurencin.  na  língua  da  pintura.  Hanna  Höch  testemunha  isso  em  várias  ocasiões   ao   mencionar   acontecimentos   Dada   em   Berlin.  que  provavelmente  revela  uma  real  influência.   Ela   não   estava   no   coração.   Helen   Frankenthaler   e   Robert   Motherwell.   uma  enumeração  rítmica  infinitamente  graciosa.   preenchido   desde   de   1907   pela   grande   pintura   “Les   Demoiselles   d’Avignon”.  Berkley  (Los  Angeles.  em  referencia  à  palavra  usada  por  Rodin   sobre  os  trabalhos  de  Marie  Laurenci.       Estar  em  um  relacionamento  freqüentemente  facilitava  a  participação  das   mulheres  na  vida  da  vanguarda.  enquanto  defendia  uma  individualidade  que  ela  mais  tarde  desenvolveria   abertamente.   Apollinaire   pôde   colocar   a   pintura   de   Laurencin   entre   as   de   Picasso   e   Rousseau   em   sua   publicação   “Os   Pintores  Cubistas”  (1913).   levemente   embriagada   segundo   Fernande   Olivier   e   Gertude   Stein.  Hannah  Höch  e  Raoul  Hausmann.

 p.   a   torna   novamente   um   objeto   de   seu   desejo   como   mulher-­‐objeto.  p.   como   uma   beleza   convulsiva.  Breslau.  371.   que.   Alguns  grupos  de  vangarda  –   Dada.   No  ensaio  “Sobre  a  Revolução   Mundial”  .   dominação  masculina…     Em   “Portrait   de   Famille“   [à   cima]   (1954).   o   movimento   internacional   surrealista   trouxe   em  seu  despertar  muitas  mulheres  artistas  que  viram  nele  um  suporte  artístico  e   teórico  para  a  pesquisa  introspectiva  e  identitária.   Dorothea   Tanning   se   lembra   das   reuniões   do   grupo   Surrealista   com   André   Breton.   o   Surrealismo   colocava   a   mulher   no   centro   de   uma   glorificação   erótica   e   estética.  enquanto  seu  marido  estava   longe.   ela   coloca   recortes   de   olhos   e   um   queixo   sobre   uma   máscara   africana.   No   entanto.   O   uso   da   colagem   aqui   oferece                                                                                                                   7  Roul  Haussman.  e  um  desejo  de  desconstruir   os   valores   de   uma   opressiva   sociedade   burguesa   –   família.   Através   do   seu   uso   de   fotomontagens   Hannah   Höch   destaca   uma   identidade   difusa   e   fragmentada.  que  ela  experimentou  sua  fase   mais   intensa   e   criativa   como   pintora.  ela  pinta  um  pai  onipresente  e   sufocante.   Surrealismo   e   a   Vanguarda   Russa   –   expunham   a   liberação   sexual   no   contexto   de   uma   revolução  política  e  social.   da   família   e   seus   valores   degradantes.  “Zur  Weltrevolution”.  Alice   Halicka   revela   que   foi   durante   a   guerra.  citado  e   traduzido  em  ibid.  Em  suas  memórias.  Die  Erd.   e   uma   realidade   caótica   e   não   harmoniosa.  que  ela  assistia  em  silêncio  e   a  distância.   uma   mãe   dona   de   casa   que   aparece   esmagada.   trabalhando   ao   lado   de   uma   liberação   sexual   simultânea”7.   quase   psicótica.  a  pedido  dele.35.   e   a   criação   de   uma   comunidade   com   a   economia   comunista.   Em   sua   colagem   “Muter”   [ao   lado]   (1930).  no.   o   torso   revela   seios   pesados   e   cansados.   maternidade.   Dorothea   Tanning   utiliza   um   estilo   naturalista   que   é   de   alguma   forma   pervertida   pelo  seu  jogo  de  escala.  Raoul  Hausmann  pede  “a   supressão   dos   direitos   de   propriedade   dos   homens   sobre   as   mulheres.  12.   Em   contraste   com   a   “virilidade”   do   Futurismo.   paradoxalmente.sete   anos   com   Raoul   Hausmann   um   “difícil   e   triste   aprendizado”.  1919.   .  year  1.   e   uma   jovem   garota   que   parece   confusa.   com   o   mesmo   tamanho   que   o   cachorro.   atividade   que   foi   imediatamente   reduzida   com   a   chegada  do  marido.

 o  mistério  e  monstruosidade  do  parto…     Variações  na  anatomia  do  corpo.  criaram   seu   bebê   Kamienny   nesse   estilo.   alinhadas   com   a   posição   ímpar   da   vanguarda   russa   durante   as   décadas   de   1910   e   1920.   Nina   kogan.  As  Foices.  Eu  me  lembro   de   casamentos   camponeses   no   meu   país   onde   vestidos   vermelhos   e   verdes   eram   adornados  com  muitas  fitas  onduladas  na  dança.   mesmo   não   sendo   um   fenômeno   inteiramente   novo.  ou    os  desenhos  fantásticos  de  Marie  Laurencin.  de  acordo  com  a  memória  popular.  A  afirmação  das  raízes  culturais   da   artista.   especialmente  na  Rússia.   provavelmente   entraram   em   jogo.   na   cabeça   do   movimento   ao   lado   de   seu   parceiro   Mikhail   Larinov   ou   os   irmãos   Burliuk.   mas   também   Philomena.  seu  fardo  e   a  alienação  que  engendra.   Seguindo  os  passos  de  Goncharova.   e   uma   sociedade   baseada   no   sistema   matriarcal.   .   ou   “Maldoror”.  desde  os  nus  de  Valadon.  pintou  uma   garotinha   de   sua   vizinhança   durante   a   estadia   na   casa   de   verão   de   seu   tio   na   Finlândia.   Varvara   Stepanova.  1953).   Nomes   ilustres   que   dominavam   a   Rússia   de   tendência   Cubo-­‐futurista   freqüentemente   são     de   mulheres:   Alexandra   Exter.   sem   esquecer   aquelas   que   se   encontravam   em   exílio   –   Mariane   Von   Werefkin  em  Munique  e  Sonia  Delaunay  en  Paris.  da  Ucrânia.  por  exemplo   “Hermaphrodite”   (1955).   Suas   pinturas   atuavam   como   meio   para   analisar   sonhos   e   o   imaginário.   A   pequena   pintura   “the   frame”   (1938).   móveis   e   louças   de   barro   pintados.  As  cores  da  minha  infância.   pelos   monstros   inspirados   em   Lautréament   de   Judit   Reigl   (“Ils   ont   soif   insatiable   de   l’infini”.   oferecer   uma   narrativa   autobiográfica   simbólica   e   terapêutica   –   da   vida   amorosa   dela   e   Diego   Riveira   -­‐   e   expressar   o   sofrimento   corporal   causado   por   uma   fratura   na   coluna.   1950.   Olga   Rozanova.   que   foi   comprada   pelo   Estado   Francês   presumidamente  após  a  exposição  “Mexique”  organizada  por  Breton  em  1939  na   galeria   Renou   and   Colle.     A   busca   pela   identidade   está   no   centro   to   trabalho   da   pintora   mexicana   Frida   Kahlo.   ícones.   xilogravura   (lubky).   Frida   kahlo   coloca   sua   efígie   no   centro   da   composição   ornamental   de   uma   pintura  feita  cotrariamente  à  tradição  mexicana.  as  colagens  de   Remédios   Varo   (“Anatomy   lesson”.   Da  mesma  forma  que  Suzane  Valadon  que  encontrou  seus/suas  modelos   entre  pessoas  próximas.   a   costureira   que   trabalhava   para   a   família.  que  emerge  em  uma  auréola  colorida.  Sonia  Delaunay.”.   incluindo   o   contexto   revolucionário   do   país   em   1905.  que  havia  deixado  a   Rússia   em   1908.  a  jovem  Sofia  Terk.   bordado.   1935).   extrai   sua   inspiração   do   imaginário   popular.”        As   mulheres   tiveram   um   grande   papel   na   reavaliação   da   arte   popular   ou   artes   menores.     Sua   obra   é   permeada   de   auto-­‐retratos.  futura  Sonia  Delaunay.   Natalia   Goncharova.   Nadejda   Udaltsova.   Diversos   fatores.   ela   contrasta   uma   cultura   erudita  ocidental  com  a  cultura  eslava  ou  talento  popular:  “o  Cubismo  não  é  uma   coisa   ruim   em   si.   reproduz   o   formato   de   uma   pintura   comemorativa.     O   Neo-­‐primitivismo   na   arte   russa   durante   a   década   de   1910   estava   situada   em   um   contexto   revolucionário   semelhante.múltiplas  leituras:  a  dimensão  ancestral  e  primitiva  da  maternidade.   faz   referência   a   suas   raízes   ucranianas   ao   descrever   sua   arte:   “Sou  atraída  pela  cor  pura.   Ljubov   Popova.   e   sua   referência   a   cultura   e   arte   popular   conferem   uma   dimensão   mágica   à   representação   de   seu   próprio   rosto.   eles   são   vendidos   em   nossos   mercados   de   bonecas  de  madeira  e  são  surpreendentemente  bonitos.   todos   põem   em   questão   de   forma   indireta   o   fator   da   identidade  social  e  sexual.   em   voga   no   México   pós-­‐revolucionário.

  no   qual   ela   clama   pela   necessidade   de   independência   econômica   das   mulheres.   autora  de  “Penseés  d’une  amazone”  (1920).   o   ultimo   terço  de  sua  vida  era  todo  seu  e  foi  dedicado  inteiramente  à  pintura:  “Eu  tive  três   vidas:  uma  para  Robert.   um   ensaio   que   lida   com   mulheres   e   a   escrita.   poema-­‐utensílios   em   colaboração   com   Tristan   Tzara.   outras   vezes   uma   mulher.  Aos  trinta  e  dois   anos   de   idade   Sonia   Delaunay   foi   arruinada   financeiramente   logo   após   a   revolução  de  1927.  uma  para  meu  filho  e  meus  netos.em   composições   violentamente   coloridas   e   em   desenhos   grosseiros.  de  Lesbos.  Gertrude   Stein   se   compara.   contraste   simultâneo   de   cor   e   design   em   áreas   que   vieram   a   ser   inspiradoras:   design   de   texto   e   livros.  Ambas   mulheres  expressam  uma  espontaneidade  confiante    e  uma  excepcional  energia   criativa   por   sua   produção   artística.   algumas   vezes   um   homem.   Abstração  na  pintura  oferece  sem  dúvidas  meios  para  superar  a  diferença   sexual   entre   homens   e   mulheres.   Essas   trocas   estavam   conectadas   à   uma   nova   atitude   em   relação   ao   corpo   levada   adiante   pelas   mulheres   –   além   de   pioneiras   como   Loïle   Fuller   ou   Isadora   Duncan.   as   coreografias   da   artista   Sophie   Tauber-­‐Arp   vem   à   mente.   assim   como   páginas     selecionadas   do   “journal   d’Helen”   [diário   de   Helen]   de   Helen   Hessel.  uma  menor  para  mim.  mas  proveu  as  necessidade  de  sua  família  tornando-­‐se  uma   renomada  designer  de  moda  e  interiores.                                                                                                                   8  Referência  à  poetisa  grega  Sapho.  de  quem  Sapphic  Salão  (Salão  Sáfico8)   afundou  na  história.   Esses   trabalhos   se   aproximam     das   pinturas   de   Goncharova   como   “Les   Lutteurs”   (1909-­‐1910)  ou  Le  “Portrait  de  Larionov  ET  de  son  ordonnance”  (1911).  Após  a  morte  de  Robert  Delaunay  em  1941.  É  surpreendente  ver  como.   e   traz   o   debate   para   um   outro   nível.   Sonia   devotou-­‐se   essencialmente   à   grandes   composições   abstratas.   A   Homossexualidade   feminina   é   declarada   mais   abertamente   e   muitas   mulheres   se   vestem   como   homens  numa  tentativa  de  se  tornarem  neutras  em  termos  de  gênero.   na   época   da   invenção   de   Blaise   Cendrars   do   livro   simultâneo   “La   Prose   Du   Treanssibérian   et   de   La   petit   Jehanne   de   France”   (1913).   como   o   “Ballets   Russes”   de   Diaghilev.   A   primeira   exposição   solo   de   Goncharova.   mas   também   cenários   e   figurino   para   espetáculos   de  Balé  e  teatro…   Trocas   entre   dança.   teatro   e   as   artes   plásticas   eram   extremamente   intensas   e   inovadoras   durante   a   década   de   20.   Romaine   Brooks.    a  era  das  melindrosas  os  anos  20  e   30   são   um   marco   para   o   debate   de   identidade   sexual.   realizada  em  Moscow  em  1913.  representou-­‐se  através  de  dois  auto-­‐retratos.   ela   desenvolveu   sua   própria   pesquisa   sobre   abstração.   Virginia   Woolf   publica   “Um   teto   todo   seu”   (1929).  vestidos-­‐poemas  inspirados  no  famoso  poema  de  Cendrars  “Sur  le  robe   elle   a   un   corps”.   Phillipe   Soupault.   para   longe   daquele  sobre  a  identidade  sexual.   Vicente   Huidobro.   ou   mesmo   as   memórias   de   Sonia   Delaunay   em   defesa   do   naturismo…   Liberação  da  cor.   à   Picasso   e   se   considera   igual   a   sua   genialidade.   que   era   parceira   de   Natalie   Clifford   Barney.  um  mostrando   uma   romântica   jovem   com   seus   cabelos   ao   vento   em   dialogo   implícito   com   a   poetisa   Gabriele   D’Annunzio.  incluiu  mais  de  700  trabalhos.     .   Em   sua   novela   “Orlando”   (1928)   ela   apresenta   um   herói   com   um   duplo   gênero.  liberação  do  corpo.   e   no   outro   usando   um   chapéu   alto   e   um   terno   masculino  preto.  através  do   uso   de   artes   aplicadas.   através   de   sua   escrita.

 Eu   realmente  não  tinha  esse  tempo.   mas   também   Clement   Greenberg.   geralmente   faziam   referência   às   mulheres   artistas   por   seu   sobrenome.   Um   ponto   de   virada   significante   e   digno   de   nota   era   quando   o   criticismo   tendia   a   omitir   a   diferença.   Além  disso.    Essas  mulheres  artistas.   quadrados   em   movimento   ou   por   toda   parte.   sem   mencionar   seu   primeiro   nome.Não  tenho  arrependimentos  por  não  ter  me  preocupado  mais  comigo  mesma.   boulevard   Saint-­Michel”   (1913)   e   “Étude   de   foule.  nos   trabalhos   “Études   de   lumiére.   métodos   que   trazem   à   mente   a   espontaneidade   de   Natalia   Goncharova   ou   as   investigações   de   Sonia   Delaunay.   que   estava   determinada   a   fender   a   “emoção”   de   uma   paisagem.   com   todo   o   respeito.  além  do  assunto   da  diferença.  Grace  hartingan  ou   Elaine   de   Kooning   –   foram   classificadas   como   fazendo   parte   da   “segunda   geração”   de   acordo   com   a   fórmula   de   Meyer   Schapiro.   e.  Esses  trabalhos  são  organizados  em  padrões  variados  de  cor.   seguindo   a   redescoberta  em  1955  em  Nova  Iorque  do  último  trabalho  de  Monet.  em  primeiro  lugar.   mas   também   no   de   Philip   Guston   e   outros.   a   resposta   de   Dorothea   Tanning  em  1982  ao  pedido  de  inclusão  em  uma  exposição  de  mulheres  artistas   demonstra   de   outra   forma.   transcrições  furtivas  e  rapidamente  sensuais.   Se   o   gesto   na   pintura   americana   representa   uma   ação   ética   ou   existencial.   Para   concluir   com   uma   informação   à   parte.   eu   não   posso   conscientemente   participar   de   uma   exposição   que   trata   apenas   de   uma   metade  dos  seres  humanos  (mulheres)  enquanto  exclui  outra  metade  (homens).  um  homem”.  lembrando  os  trabalhos  iniciais  de   Shirley   Jaffe   ou   Helen   Frankenthaler   que   queria   “desenhar   com   cor   e   forma   a   memória  totalmente  abstrata   de  paisagens”...   As  representações  coloridas  pelas  últimas  das  paisagens  urbanas  noturnas.   pareceria.   De   fato.  artistas.     ele   toma   uma   forma   incomum  de  sensualidade  e  lirismo.   Seu   trabalho   era   freqüentemente   organizado   em   áreas   de   cores   vibrantes.   são   evidência   de   seu   desenvolvimento   na   linguagem  abstrata.  as  grandes   telas   “Nymphéas”.   é   acima   de   tudo.     É   reconhecido   que   não   foi   por   acidente   que   a   maioria   das   mulheres   artistas   dentro   do   movimento   Expressionismo   Abstrato   ou   a   New   York   School   [Escola  de  Nova  Iorque]  –  Helen  Frankenthaler.   Especialmente   nesses   tempos   em   que   a   impostura   está   experimentando   um   renascimento   e   uma   mulher   pode   acabar  por  ser.  são  agora  finalmente  consideradas.   boulevard   Saint-­Michel”   (1913).   que   pode   ser   vista   como   implicitamente   masculina.  Joan  Mitchell.   com   um   educado   e   irônico   senso   de   exasperação.   o   sinal   de   um   novo   quadro   artístico.   um   desejo   de   mover   além   da   pergunta:   “Realmente.   um   que  integra  ambos  homens  e  mulheres.”     Artistas   trabalhando   imediatamente   depois   da   Segunda   Guerra   Mundial   –   a   Escola   de   Paris   ou   os   Expressionistas   Abstratos   Americanos   -­‐     exploraram   a   abstração   através   do   gesto   e   livre   uso   da   cor.   resultaram   em   serem   rotuladas   como   “Impressionismo   Abstrato”.     .  mas  acima  de  todos  os  trabalhos  de   grandes   painéis   de   Joan   Mitchel.   A   própria   Joan   Mitchell   lembra   que   eles   estavam   todos   pintando   ao   mesmo   tempo   e   que   a   noção   de   segunda   geração   englobava   uma   série   de   pessoas   muito   diferentes.   Irving   Sandler.  suponha  que  eu  não  fosse  realmente  uma  mulher?  Me  parece  que  um   projeto   como   o   seu   exige   um   exame   médico.   uma   forma   de   “sofrimento   pintado”   –   que   em   trabalhos   de   precursores   como   Pollock   ou   De   Kooning   é   contaminado   por   uma   forma   de   selvageria   e   brutalidade   primária   mal   dissimuladas   –   nos   trabalhos   dessas   artistas.   Neutralidade.

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