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COMENTARIOS ESCULTURAS GRIEGAS
1 DAMA DE AUXERRE 2 AURIGA DE DELFOS 3 DISCÓBOLO 4 DORÍFORO 5 FRISO DE LAS PANATENEAS 6 HERMES Y DIONISOS 7 MÉNADE 8 LAOCOONTE 9 VENUS DE CNIDO 10 VICTORIA DE SAMOTRACIA 11 RELIEVES DEL ALTAR DE PÉRGAMO

1. DAMA DE AUXERRE Una Koré o muchacha Mediados s VII a. C. (650 a. C.) Dentro de la Etapa arcaica (siglos VIII-VI a. C.) Museo del Louvre. Una reconstrucción policromada en Cambridge Técnica: bulto redondo, Piedra caliza. Originariamente policromada. Como en Egipto, sobre el bloque, el escultor trazaría antes un dibujo. - Poner otros ejemplos de korés. Hacer referencia a su evolución. Decir que también hay kourós - Significado o iconografía: ésta posiblemente un exvoto. Nombrar otros posibles significados de kores y kouros. - Contexto socio-histórico: Época arcaica: tensiones sociales. Colonización y contacto con otras culturas. Época de tiranos y legisladores. Expansión de mitos y festivales panhelénicos. Es una pequeña estatuilla de apenas 55cm, pero de una gran belleza. Se considera la primera obra de la estatuaria en piedra que se conserva completa. Pertenece a la escuela cretense, probablemente primer centro de esta actividad escultórica. Al parecer se trataba de una imagen votiva como se desprende de la posición de su mano derecha en actitud de exvoto y la izquierda pegada al cuerpo. En ella podemos apreciar todas las características formales que distinguen este tipo de esculturas femeninas, especialmente sus sentido de bloque cerrado y por tanto su rígida frontalidad. Se observa un trabajo de labra distinto entre la parte inferior, más rústica, y la parte superior con detallismos en el peplo, el paño de lana decorado con cenefas incisas y la ancha correa a la cintura. El pelo se trabaja con detenimiento, siguiendo la moda egipcia del “peinado de pisos” otorgando a la obra un mayor naturalismo que resulta acentuado por el trabajo de los pechos. Por el contrario, el rostro sigue todavía sin fijar la expresión, que con su forma triangular tiende a la idealización geométrica. Llama la atención su sonrisa arcaica o eginética, un tanto forzada y falsa; la desproporción (mano-antebrazo, o los pies) de las distintas partes del cuerpo, así como los ojos grandes y almendrados carentes de expresividad. El faldellín que cubre de la cintura a los pies, tiene una sencilla decoración geométrica de líneas rectas horizontales y verticales que contrasta con las líneas curvas de la parte superior (cabello, senos y brazos). En resumen, estamos ante una de las piezas más características de este período arcaico del arte griego en el que se perfilan algunas de las características que definirán toda la estatuaria posterior (el antropocentrismo de

8 m de altura. identificando la perfección geométrica de la esfera. rompen la simetría y el hieratismo tradicional. En cuanto al trabajo escultórico propiamente dicho presenta dos partes claramente diferenciadas a lo largo del chitón. Los festivales panhelénicos. por el equipo necesario e incluso la formación previa que no todo el mundo se podía costear. dado su trabajo manual. pero que demuestran la tendencia general al mayor dinamismo. se consideran artesanos. como en este caso de carreras de cuádrigas. 2-EL AURIGA DE DELFOS ¿Pitágoras de Región? Primer tercio del s V a. Consideración de escultores. Así los ojos son de cristal y los labios recubiertos con láminas de plata. al no existir conexión entre la acción real y la expresión. (474 a. VIII a. pues están tratados con gran minuciosidad y alternan los ritmos verticales y horizontales. En todos hay competiciones atléticas. la búsqueda de una canon de proporcionalidad)..2 su escultura. Esta esfericidad del cráneo va a ser una constante en la escultura de los siglos posteriores (Policleto “clásico pleno” segunda mitad del siglo V). Contexto. Aun con todo.C. Menos prestigio que músicos o poetas. ya desde el s. su carácter ( ver Ecir). el sentido del bloque que prevalece en la composición. están muy extendidos por todas las polis. de algunas polis) encarga esta obra para conmemorar su victoria. con la técnica de la cera perdida.. C. la búsqueda del canon resulta infructuosa. En el rostro no hay sentimientos de alegría o excitación tras la carrera que perturbe su ethos. Un tirano (gobernantes ricos. Bulto redondo en bronce. que en realidad ocupa casi toda la pieza: la mitad superior está mucho más cuidad en su trabajo con una sucesión de pliegues todavía demasiado rectilíneos y paralelos. Se mantiene así una cierta rigidez en el conjunto. sobre todo en torno a los grandes santuarios como Olimpia y Delfos. pero sin terminar de concretarse hasta el punto de que muchos de esos aspectos quedan todavía en suspenso (la expresión no está captada. transmisor de una sensación de calma y serenidad que está ya en la línea de armonía idealizada que caracterizará la escultura clásica. y sobre todo el brazo proyectado hacia adelante. pero nos queda parte de la imagen del cochero. El carro y el propio tirano se perdieron. . la expresión sigue profundizando en la idealización. si bien la cabeza mínimamente ladeada. Por el contrario. con un peinado que se ajusta a la forma esférica y sencilla del cráneo y una diadema realza su belleza. la mitad inferior está trabajada con menor detalle. buscando una compensación compositiva. soldaduras. ahora más patente si cabe.). Perfectamente pulido. en toda la figura. Su autoría nos es desconocida aunque se barajan diferentes nombres como Sotades o Pitágoras de Región.C. No se aprecian uniones. Habría que destacar la riqueza de los materiales empleados en la ornamentación. A pesar de ello se trata de un semblante amable. es decir. el auriga sostiene las riendas con una mano y gira la cabeza hacia el lado contrario. por la cabeza. con la necesaria perfección del hombre que ha de estar dirigido por la razón. El Auriga es lo que queda de un monumento encargado por el tirano Polyzalos de Gela para conmemorar su victoria en una carrera de cuádrigas en Delfos. También el cabello se trabaja con naturalismo. porque estaría originalmente oculta por el propio carro del grupo escultórico (nos evoca un fuste estriado de orden dórico). su idealización. Compositivamente.) Periodo Clásico (estilo severo o preclásico) Museo de Delfos Técnica: 1. Muchas de ellas están reservadas a hombres muy ricos. etc.

Altura: 1. C. Consideración del escultor. que murió cuando arrojaba el disco. Esta es copia romana en mármol. la polis con más esplendor cultural y artístico. Contexto. cerca de Atenas). Así mismo podría ya subrayar el equilibrio emocional del clasicismo.C.-EL DORÍFORO Polícleto.) Periodo Clásico (estilo clásico pleno) Contexto: mediados del V.C. con quien posiblemente trabaja en el Partenón. Gran broncista. para lanzarlo inmediatamente. El árbol fue añadido en las copias en mármol para una mejor sujeción. además fue teórico por lo que su prestigio entre coetáneos también mayor.-EL DISCÓBOLO. si bien en este caso.Atenas de Pericles. Mediados s V a.. a la cual ayuda. de las varias que hay (una en bronce conservada en Munich) de la original de Mirón en bronce. C. 4. Sin duda su obra más conocida y de mayor complejidad compositiva. V a. Representa en esta obra. en espiral. (. activo entre el 470-440 a. el material original (bronce) y la acción de la luz “resbalando” sobre él. A pesar de todo. C.3 3. A su vez esto multiplica los puntos de vista y además consigue transmitir una sensación de instantaneidad. después de las guerras médicas. aunque los músculos resultan un tanto planos. Ello obliga a una composición arriesgada. exige varios puntos de vista. Coetáneo de Polícleto y Fidias. Gombrich habla de su “postura egipcia con el tronco de frente y piernas de perfil”. la Atenas democrática de Pericles. 2.) Periodo Clásico (estilo severo o primer clasicismo Mirón de Eleuteras (Beocia. contrapesada con las líneas quebradas de brazos y piernas. al igual que en el Auriga. que acentúa el dinamismo de la obra. como ideal simbólico en sí mismo y no como representación de exvotos o divinidades.5m. dada su postura. Técnica original de Mirón: fundición de bronce. V a. Mirón sorprende a la atleta cuando la mano derecha impulsa el disco hacia atrás. La disposición de la figura es muy atrevida. (Copia en mármol. quien encarga muchas obras de arte. (450 a.. C. admirado por sus contemporáneos. a. de la original en bronce) Mirón. cera perdida. Mediados del s.Representa a un joven atleta que lleva la pesada lanza heroica “ dory” . Bulto redondo que. . Hay más de treinta copias en mármol del original en bronce (cera perdida) de Polícleto. si bien podemos encontrar en esta pieza una de las primeras obras que se esfuerza en una representación del hombre. y su hijo esculpieron multitud de estatuas de atletas vencedores. C. tal vez al héroe Hyakinthos. curvilínea.12m. reconstrucción de la Acrópolis. se aprecia la inconexión entre la acción representada y su expresión facial. Mediados del s. la obra aún está en el umbral del clasicismo: busca la perfección de la anatomía y casi lo consigue. Sintetiza el tiempo y el movimiento en un instante de la acción. que resulta paradójico en un momento de máximo esfuerzo físico. 450 a. Mucha demanda de artistas.

El Doríforo es un joven lancero. de perímetro y una altura de 1. esférica (figura perfecta en la parte más noble del hombre). etc. Su actividad se centró en su ciudad de Argos durante su primera juventud aunque acude a la ciudad de Atenas justo en el momento de mayor actividad artística con la reconstrucción de la Acrópolis. (el 440 a. escultura.-FRISO DE LAS PANATHENEAS Mediados S V a. naciendo desde entonces una fuerte rivalidad entre ambos escultores. ya anciano. en el Peloponeso ( a la que el autor pertenece). imitando el friso corrido de los templos jónicos) .) Periodo Clásico (estilo clásico pleno) Autor: Fidias (y posiblemente discípulos de su taller) Otras obras: crisoelefantinas de Atenea y Zeus. Relieves originariamente en el friso sobre el muro exterior de la cella del Partenón . Atenas de Pericles. Destaca en su composición el perfecto equilibrio que consigue el contraposto. de tal manera que el cabello se adapta a ella perfectamente gracias a su particular peinado. un tanto femenina. donde se subraya con todo énfasis ese ideal de belleza basado en el cuerpo humano perfecto y armónico. Aun así es Fidias quien prácticamente monopoliza el mecenazgo público. Atenea Lemnia.). bello joven atleta atándose las cintas a la cabeza.De unos 200 m.05 m (es la primera vez que en templos dóricos se adorna el friso interior. “el Canon”. La cara se divide en tres segmentos correspondientes a la frente. No sabemos mucho más de él. en el que el autor plasma sus minuciosos estudios de la proporcionalidad del cuero humano y su idea de que la belleza se encuentra en la propia armonía “symmetría) de ese mismo cuerpo. Amazona herida y toda la decoración monumental del Partenón. tal vez Aquiles. por lo que se data su actividad entre el 450 y el 420 a. el cuerpo ha perdido robustez masculina y ha ganado en gracia. escultura clásica plena (450-400 a. Atenea Promachos. Contexto: arte griego. Otra obra posterior de Polícleto es el Diadumeno. ya que a su enorme importancia artística hay que añadir sus aportaciones a la evolución de la escultura y a su labor teorizante como podemos comprobar en su obra “Kanon” (la norma). 5.C. entre el estatismo que requiere su ideal de armonía física y espiritual (equilibrio psicológico) y el dinamismo propio de cualquier escultura que pretende llenar el espacio circundante y multiplicar sus puntos de vista. Policleto personaliza de un modo ejemplar la importancia de los broncistas de la escuela de Argos.C. donde. 480 a. y delicadeza. C. y en última instancia del Hombre en sentido abstracto y absoluto. que como señala el título es una recopilación de su concepto de la escultura. Como ejemplo de su actividad teórica realiza el Doríforo. en este caso basado en un canon de proporcionalidad de siete veces el tamaño de la cabeza. perfectamente. C. vieja fórmula ya iniciada en el Efebo de Critio h. y por ello Policleto debe conformarse con encargos particulares. En comparación con el Doríforo. la izquierda inicia el movimiento potencial: contraposto y movimiento potencial. se le supone diez años más joven que Mirón. C. que no obstante se convierte en una idealización del cuero humano. de su belleza. el de la nariz y el de la boca. como tal. La cabeza es. obra que servirá de modelo a la mayoría de escultores contemporáneos y posteriores. que identificaron al Doríforo como al libro. sostiene el peso. Al llegar las guerras del Peloponeso marcha de Atenas para regresar a su ciudad natal.4 Pierna derecha. El Doríforo es además un perfecto estudio anatómico. plenamente apoyada. realizó una ingente obra escultórica como es el caso de la crisoelefantina de la disa Hera y la decoración del “ Hereo de Argos” (templo dedicado a la diosa).

de la culminación del clasicismo. sin rigidez. quizá ante la crisis y la decadencia . El dios mensajero hace un alto en la ruta y ofrece al niño sediento un racimo de uvas (perdido hoy. Otras obras del autor. que todos los años. sensualidad y ambigüedad sexual (tanto por las curvas como por el acabado). La obra representa a Hermes en el acto de transportar a Dionisos niño. el tratamiento riguroso de la psicología individualizada de los personajes. para dar sensación de profundidad. de anatomías en diferentes posturas. que según la mitología. sólo algunos fragmentos. IV . desde el Olimpo hasta la mansión de las ninfas. aumenta la sensualidad. Análisis estilístico en Ecir pág 182. dinamiza las figuras. El conjunto expresa esa humanidad que se solicita de los dioses. en el tratamiento que realiza de sus paños dando principio a la técnica de los “paños mojados” con los cuales acentúa el juego de la luz. Actualmente. 6. al tratamiento demasiado ampuloso y realista del cabello. las polis helenas entraron en crisis. Gran perfección.5 Material y técnica. Finalmente subrayamos el movimiento y el realismo en el tratamiento anatómico de los caballos. prefieren dioses próximos y que garanticen la resurrección tras la muerte.C. que se aleja. armoniosas.13m.) Periodo Clásico (estilo del clasicismo tardío o postclasicismo).. Fue hijo del también escultor Cefisódoto el Viejo del hereda un tratamiento más suave de la talla y una tendencia hacia el realismo (menor idealización). héroes de las tribus del Ática y a los dioses y diosas olímpicos. Fidias es por tanto máximo exponente. C. En la procesión se representan juegos y deportes. Hay familiaridad y cercanía con lo divino . originalmente con policromía en el fondo. encontrada en el Heraion de Olimpia en 1887. en la mano derecha). une a todas bajo su poder. a mediados del s IV. por ejemplo. Algunos autores defienden que si la obra es praxiteliana debe ser de su última etapa. encargadas de su crianza. . En el s. Mármol. especialmente.Cuerpo vivo. Existen no obstante algunas dudas respecto a su autoría. Así el grupo adquiere esa humanidad característica en las representaciones praxitelianas de los dioses. definitivamente de la inexpresividad anterior. S IV (330 a. Filipo. ascienden a la Acrópolis en procesión para revestir a la estatua de Atenea con el peplo que cuatro muchachas (las arréforas) de la aristocracia urbana habían bordado para la diosa. Acabado lustroso con barniz de cera. La Venus (Afrodita) de Cnido y Apolo Sauróctono Técnica: Mármol. Museo Arqueológico de Olimpia. significado: la procesión en las fiestas de Atenea. Nace en Atenas alrededor del 400 a.-HERMES CON DIONISOS NIÑO. el equilibrio. la elegancia. la mayoría de los relieves están en el Museo Británico de Londres. será descuartizado por los gigantes para luego resucitar. 2. Dionisos. jinetes y carros. Uno de los pocos ejemplos originales de la escultura clásica. amable.404). y entre el 380 y 330 realiza sus obras en bronce y sobre todo en mármol. Sin duda una de sus obras más famosas y conocidas es el Hermes de Olimpia o Hermes con Dionisos niño que es una de las pocas piezas originales que se conservan de la escultura antigua. La dulzura de los adolescentes praxitelianos seducirá a los artistas helenísticos. rey de Macedonia. La sensualidad del desnudo se acentúa con la abundancia del manto sobre el árbol. a veces mezclados. En esta obra queda patente todo el genio de Fidias destacando las impecables composiciones. en su lugar originario Tema. Siguiendo esta misma línea debemos la perfecta ejecución de toda la obra. se hace muy popular. junto con Polícleto. Tampoco sabemos demasiado de un magnífico escultor como fue Praxíteles. Contexto: Tras las Guerras del Peloponeso (431. los fieles . atendiendo. precisión y maestría técnica en bajorrelieves y mediorrelieves. PRAXÍTELES. y especialmente cada cuatro.

Escopas es un escultor nacido en la isla de Paros hacia el 380 a. que trabaja primordialmente en mármol. Su posición con una mano sobre el pubis transmite esa sensación. 2. El tratamiento gestual. PRAXÍTELES. mantiene un brazo levantado en ángulo. donde cautivó por su indudable belleza como. como puede observarse en el tratamiento de los detalles como. Contexto: lo mismo que con Praxíteles. Aplicar datos de Praxíteles que hay en el comentario de Hermes.C. Es el triunfo de la euritmia frente a la simetría clásica.C. insistiendo en su atractivo erótico. S IV a. Por último resulta igualmente significativa la textura del mármol que. Después de la Guerras del Peloponeso. está idealizado como es habitual. Se trata de una de las piezas más conocidas de su autor. También danzante en ritos en honor de Dionisos. con que se recubrían las esculturas de la época. La obra escandalizó a los habitantes de la isla de Cos que la habían encargado. difícil de encontrar en copias posteriores. aunque para algunos está señalando la fuente de su poder. Tal vez su obra más grandiosa fuera la decoración del . A la vista de esta imagen es evidente que algo ha cambiado en la estatuaria griega respecto al momento del clasicismo pleno: las figuras se han estilizado.46 m de altura. sólo contrarrestada por la actitud espontánea del niño. Hay además una tendencia creciente al naturalismo. (primera mitad) Periodo Clásico (estilo del clasicismo tardío o postclasicismo Copia romana en mármol de un original de Scopas. etc. otorgándole esa gracia “charis” que hizo tan humanas y reales las esculturas de su autor. es de una singular inocencia. con grado de pulimentado y difuminado. por lo que la rechazaron. que nunca corta la silueta frontal de la estatua (no hay escorzo). en el original presentaría el habitual pulimentado de su autor y el complemento de la “gánosis” o barniz de cera. poco exageradas. más que por la desnudez de la mujer. incitan a la máxima sensualidad. no olvidemos que Afrodita es la diosa de la belleza y del amor. S IV (370 a. se han refinado y sobre todo han acentuado su cadencia y su sensación de movimiento haciéndolas más elegantes. porque en este caso las curvas praxitelianas. Contexto: Escultura griega de la primera mitad del siglo IV. así puede apreciarse en la actitud: postura recatada.6 Debemos resaltar su magnífica textura. 0. hasta adquirir trazos curvilíneos en forma de “S”. 7. pero cargado de una media sonrisa igualmente ingenua que hace la pieza tan atractiva.-MÉNADE SCOPAS. e imponen además un ritmo suave y delicado a la composición. ingenua.-VENUS (AFRODITA) DE CNIDO. Quizá escandalizó a sus contemporáneos. C. Está en Dresde (Alemania) Phatos y torsión que anuncian el helenismo. Son las famosas “curvas praxitelianas”.) Periodo Clásico (estilo del clasicismo tardío o postclasicismo) Copia romana en mármol. yendo asía a parar a Cnido. razón por la cual aparece desnuda y depositando suavemente sus prendas sobre un jarrón. Desde el punto de vista compositivo hay que insistir en un elemento característico de la obra de Praxíteles. que acentúan la sensación de dinamismo. La expresión eso sí. mantiene cierta sensación de distante lejanía. También contribuye a esa belleza la composición. 8. por representar a una diosa como a cualquier mortal. Como también es habitual en todas sus obras.15m Museos Vaticanos. Afrodita se representa en el momento de disfrutar de su baño ritual. decadencia política de Atenas a favor de las polis septentrionales como Macedonia. el contrabalanceo acusado de sus contraposto. por ejemplo el rostro o el cabello..

además de formación . C). tan característico de su autor. y abandona el idealismo clásico. Los artistas trabajan en escuelas y muchos. La propia temática contribuye a romper el concepto clásico de perfecta armonía.. el arte llega a tal perfección que en obras como ésta. sacerdote troyano.7 Mausoleo de Halicarnaso hacia el 350 a.Según una leyenda troyana tal como Virgilio (poeta latino del s.). aparece semidesnuda y enloquecida por el vino y el baile. Las ciudades de los reinos helenísticos. atacan a sus hijos y a él que va a socorrerlos. II a. aparte de esta nueva composición del cuerpo.-LAOCOONTE Y SUS HIJOS Helenismo . Roma. el dolor y la desesperada resistencia en el sacerdote. C. De hecho. porque el impacto de la cultura griega sobre los romanos será tal que se siguen realizando obras helenísticas contemporáneas con el arte romano. donde sobresaldrán los espacios dedicados al ocio ( teatros. efectivamente. ya no sólo por el nuevo desarrollo del sentido del movimiento y la ruptura de los ejes armónicos de la composición. con ese gran dominio. alguno de cuyos restos se pueden admirar todavía en el Museo Británico (cabeza de Mausolo). Pérgamo en Asia Menor.C. Contexto. temblorosa) en la muchacha se acentúa gracias al trabajo muy profundo de los paños que crea violentos contrastes de luz y sombra. sino por una nueva concepción expresiva: ese “pathos”. incluso durante el dominio de ésta. separación del imperio en reinos. Los troyanos lo interpretaron como un castigo divino. C. Además se opone a entrar en Troya el caballo que los griegos. Mármol. de un efectismo muy expresionista... Prueba de la complejidad compositiva de esta Ménade es que Escopas la concibió para ser vista de lado (no hay frontalismo). Y. distorsionando toda su anatomía. ese caballo fue la perdición de Troya. “trance”). En el Helenismo. La diferencia frente a la etapa de pleno clasicismo resulta patente. 9. en un frenesí que la contorsiona. posiblemente. comercial. Plásticamente. así como el vigor de los movimientos. conocen gran desarrollo . Se pone de moda el coleccionismo de obras de arte. pero que siguieron manteniendo una cultura griega hasta la llegada de Roma. Las bibliotecas y museos tendrán también importancia como centros del saber Los principales clientes del arte serán las monarquías helenísticas y la rica burguesía comercial. que exalta el sentimiento. Laocoonte se dispone a sacrificar un toro cuando dos enormes serpientes surgieron del mar.C ( 50 d. los escultores saben representar a la perfección y con gran intensidad emotiva. cultural y ordenado desarrollo urbano con planificación. iconografía. simulando levantar el asedio contra Troya. Atenodoro y Polidoro en el s. I ) la describe en La Eneida: Laocoonte. Antioquía en Siria . la impotencia y el desvalimiento en los hijos.. Técnica: mármol en una sola pieza. entraron el caballo. desde donde el sentido del movimiento agitado se manifiesta con mayor viveza y el cuerpo transmite un mayor grado de sensualidad. Rodas. arrebatadas por la ebriedad y la danza. gimnasios. Todo lo cual es prueba de la evolución de la estatuaria hacia formas de mayor expresividad y originalidad compositiva.Tras la muerte de Alejandro(323 a. a partir de un grupo de bronce del s.Escuela de Rodas. tal como presagiaba el sacerdote de Apolo. I d. han dejado en la playa. Esta ménade “furiosa” o Ménade “bailando” representa a este tipo de “bacantes” (mujeres adeptas a los ritos dionisíacos. sobre todo Alejandría . Impresionante maestría y dominio técnico Tema. estadios). Museos Vaticanos. Adaptado por los escultores de Rodas: Hagesandro. la sensación trémula (estremecida. víctima inocente. ha cometido sacrilegio al unirse a su esposa en el templo de Apolo.

de los personajes: sus posturas retorcidas hasta el paroxismo (arrebato). Se trata de una obra original. Helenismo escultórico. Lo cual. El Laocoonte fue descubierto en Roma en 1506. y el efectismo gestual del propio Laocoonte. Niké se posa sobre el barco victorioso. la tremenda fuerza expresiva de unos tratamientos anatómicos “explosivos” por su vigor. Sensación que se agrava por la disposición diagonal de todo el conjunto. primer maestro de las “telas mojadas”. C. en última instancia. La diferencia con Fidias. Autor: ¿Pithocritos? Original en mármol. Eso no impide que precisamente sea la composición de todo el conjunto la que otorgue uno de sus mayores méritos a la obra: los tres personajes están perfectamente interrelacionados y entrelazados por la línea sinuosa y trepidante de la serpiente.C. ese mismo año se le añadió a la figura del sacerdote un brazo de cera. ojos. La obra es de una gran espectacularidad dramática. El grupo escultórico describe un pasaje de la Eneida de Virgilio (descrito anteriormente). La pieza procedente del Santuario de Cabiros en Samotracia y puede considerarse una de las obras de la corriente “barroca” que se desarrolla en Rodas. Precedente Victoria de Paionios (clasicismo pleno) Contexto: Grecia postclásica. barroquización plena de la expresión del dolor. ya en el siglo XVIII. con sus vestimentas sacudidas hacia atrás. No obstante. Tanto es así que podemos hablar de un tratamiento distinto del Laocconte respecto de sus hijos. Es decir una corriente cacaterizada por la grandiosidad de las imágenes y su ampulosidad formal. La impresionante musculatura. Gran virtuosismo técnico en el tratamiento de los paños. En este efectismo dramático tiene mucho que ver la disposición teatral. es que ahora los paños son muy abundantes y dinámicos creando contrastes de luz y sombra tan típicos del helenismo. realizada en bronce. retuerce el eje de la composición (varias perspectivas). etc. boca. C. ficticia. Representa a la Victoria como si estuviera posándose erguida sobre la proa de un barco. que acentúa sus fuerza expresiva al irrumpir la luz y la tensión de os cuerpos del centro hacia fuera. (190 a. adelantando una pierna a la otra y disponiendo sus alas hacia atrás. Museo del Louvre Técnica. si bien en realidad la pieza se apoyaba sobre una proa de piedra..45 m. antónimo de centrífuga). con violentos contrastes de luz y sombra. Con sus agudos contrastes de luz en pelo. realizada por tres artistas de la misma familia. lo que permite un juego muy dinámico de los paños. contemporáneo del descubrimiento de la pieza en quien esta escultura influiría decisivamente para inclinarlo hacia su característica “terribilitá”. se hicieron dos copias de la pieza poco después de descubierta. trasparentes y pegados al cuerpo. desaforada en el caso del Laocoonte. y que la destinan ya a la ciudad de Roma. . hicieron mella en un escultor Miguel ángel.) Helenismo: Escuela de Rodas. hasta el punto de considerarla expresión universal del dolor. unido al juego violento de sus ropajes. el brazo se copió en terracota y poco más tarde en mármol. Probablemente se tratara de una copia o de una adaptación de una pieza similar anterior del siglo II a. así como para el tratamiento corporal de sus representaciones pictóricas y escultóricas. erigida en la concha superior de una fuente que conmemoraba la victoria naval de los rodenses contra Antíoco III de Siria. Más adelante. trasluciendo la vigorosa anatomía femenina.-VICTORIA DE SAMOTRACIA s II a. que siguen dentro de esquemas clásicos de mayor idealización y refinamiento. 2. Su canon es igualmente novedoso aunque sólo sea por sus enormes dimensiones. 10. poco afortunado porque rompía la estructura compositiva original.8 técnica tiene formación literaria y filosófica. creando a su vez una composición centrípeta (hacia el centro. Una de las actividades de las escuelas será copiar obras de arte más antiguas que demandan museos y particulares. pertenecientes a la Escuela de Rodas. Escultura exenta. La obra pierde además todo estatismo por medio de sus postura. y su rostro.

escamas. de unos 120 m. longitud por 2. corriendo. Mandado construir por el rey de Pérgamo Eumenes II para conmemorar las victorias de su padre Atalo I contra los bárbaros. Los desnudos con anatomía musculosa y elástica. Mármol . árboles. Lo mismo que el Laocoonte.) Helenismo. El mito es una alegoría de la victoria de la civilización.) : otros temas mitológicos sobre un fondo que representa paisaje de rocas.recibe un tratamiento individualizado y convincente. en Berlín. (180-160 A. donde las caras viven la tensión y el anhelo . todas las deidades. Bajo el pórtico: Friso interno (79m longitud por 1. Tecnica. un ambiente donde las telas se abultan. que trabajaron en los relieves. procedentes de distintas ciudades (Pérgamo.Actualmente en el Museo del Estado. consiguieron crear un estilo unitario. se disputan. con sus animales correspondientes. C. de composiciones entrelazadas. Todos los artistas. Todo típico del periodo helenístico. hijos de Urano y Gea.-RELIEVES DEL ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO. de pie. de los que hay firmas: Dionisades. y vive un gran esplendor cultural y artístico. . s II a.50 altura . quizá Rodas). fuerzas del desorden y de lo irracional. el dominio del universo con los dioses olímpicos. contra la barbarie. casi de bulto redondo. lo recorren altorrelieves. atacando. Distribuidos según sus ámbitos y esferas de acción. Tralles. se anudan y retuercen. La iconografía se interpretó siguiendo la Teogonía de Hesiodo: la monstruosa raza de los gigantes. Escuela de Pérgamo Varios artistas. de movimiento.9 11.C.57 m alt. Atenas. Originariamente en la acrópolis de Pérgamo. Estos los derrotaron bajo la dirección de Zeus y Atenea. piel. al principio de los tiempos. de la naturaleza organizada. de espaldas. todo tratado con movimientos más sosegados. mostrando figuras en todas las posturas: de rodillas. rechazan la acometida de los brutales y monstruosos hijos de la Tierra. donde cualquier calidad -telas. Pérgamo en el s. esquivando… Son ejemplo de expresividad. tumbados. rodeando a las soberanas figuras de Zeus y Atenea. lo que se suele llamar Segunda Escuela Pergaménica. unos cuarenta. arquitectura. Se termina con Atalo II. Orestes… Contexto. tanto en las posiciones de las figuras como en los ropajes ampulosos y movidos por la acción.-El friso del zócalo exterior. II consigue triunfos militares contra los gálatas. Hay más de cien figuras en este altar griego que muestran el esfuerzo y el dolor de la lucha durante los periodos de guerras de los reyes de Pérgamo (personalizados en los dioses griegos) contra sus enemigos (personalizados en los gigantes) El tamaño de las figuras son algo más grandes que el natural.

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