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arte social
UN ARTE VIVO

creatividad, arte y cultura

Año 1- Número 5-Edición 1- Buenos Aires-Argentina-Coleccionable

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Equipo CRAC!
Directora Kenia Fx keniafx@cracmagazine.com Vice Directora María Luz Diez maludiez@cracmagazine.com Producción Comercial y Prensa: Alicia Giubitsch alicia@cracmagazine.com Jorge Garnica Natividad Marón Álvaro Mazzino Emanuel Pellegrino Cecilia Bendinger Norma Soto Santiago Nitto Agustin Goin Santiago Alonso

SUMARIO
6 Nuestra Tapa 8 ARTE SOCIAL, Un Arte Vivo 16 ARGENTINA: Arte en acción 22 Sobre Juanito Laguna 24 Los Artistas del Pueblo 28 ¿Arte Social? ¿Qué cosa? 36 Cuento: Retrato, por Jorge Garnica. 38 Grabado, arte para las masas. 44 Arquitectura Social, desafío del SXXI 46 BANKSY, entre el misterio y la fama. 52 Entrevista: Alfredo Segatori, muralis ta. 58 Muralismo Mexicano. 60 El espacio nos espera aquí. 64 Sin Pan y sin Trabajo, Ernesto de la Cárcova. 66 Literatura Social: ¿Todo arte es político? 70 Cándido Portinari. 72 XUL SOLAR, Arte Social 74 El arte mueve a un barrio entero. 76 Una imágen vale más que mil palabras. 78 ¿Creativiqué? Técnicas para acrecentar la creatividad.

Colaboradores en este número: José Humberto Valderrama, Damián Masotta, Javier Camacho, Carolina Diez, Brenda Galan, Fernando Beresñak, Lucrecia Lázzaro, Pablo Stanisci.

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Ph: Lewis Hine, Obreros en la construcción del Empire State

editorial
Mientras estábamos preparando el número de Arte Social, Para un conocedor de la historia del arte, es muy obvio. muchos preguntaban: ¿Qué es el Arte Social? Pero para otros no, y en el trabajo de dar esa respuesta surgía la satisfacción de saber que CRAC! está, poco a poco, pasito a pasito, yendo por el camino correcto, cumpliendo con su misión. Les ofrecemos ahora la explicación de lo que es el Arte Social, cómo se manifiesta, sus diferentes exponentes a través de la historia, y cómo va cobrando fuerza a medida que crece. Porque está vivo. Los invitamos a recorrerlo, a degustar cada uno de los artículos de excelente calidad, y ampliar cada vez más sus visión dentro de la Creatividad, el Arte y la Cultura… visión CRAC! “Véndame un cacho de su alma al precio de la baratija. Total, ¿qué sabe usted de cobrar, pobre gaucho acostumbrado a caminar, si arrojaría toda la sangre en la banquina por un minuto de facilidad?” Don Hugo Donato.

Kenia Fx Directora

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grabador. Sus obras se caracterizan por la oposición al gobierno de la época Luis Felipe I de Orleans. Ese gran gesto simboliza fuerza. Sus litografías y grabados se destacan por su fuerte sarcasmo pero dejando en evidencia ciertos matices y líneas trabajadas sutilmente enfocándose en los rostros. Millet. Costa Azul. dibujante y escultor. La sátira fue una herramienta fundamental para representar en sus ilustraciones una fuerte crítica social y política. Ha publicado en revistas y periódicos como La Silhouette (1828).Crac! Magazine NUESTRA TAPA HONORÉ DAUMIER Nacido en Marsella Provenza. las expresiones y los gestos de cada personaje lo cual les da una fuerte personalidad y una increíble representación de las emociones humanas.Don Quijote y Sancho Panza (1868) Por último cabe destacar a “El Levantamiento”. Aquí él captura la emoción del momento y el sentimiento de la gente. Alpes. Algunas de sus pinturas más reconocidas son: . 6 . “Le caricature” (1835).Gargantúa (1832) . Rousseau fueron tomados como referentes para generar su estilo. Tuvo como maestros a Alexandre Lenoir en dibujo y a Zephirin Belliard en el área litográfica. Andrea Toledo Dibujante. obra inspirada por la Revolución Francesa de 1848. ilustrador. Corot. pintor. Grandes pintores como Delacroix. “Le Charivari (periódico humorístico-político) dirigido por Charles Philipon. Francia en 1808 se destacó en diferentes áreas del arte como caricaturista.La República (1848) . No deja de lado la expresión de la prominente figura representada por el hombre vestido de blanco quien es el punto de atención central por su fuerte dirección y sus colores claros distinguiéndose del resto del fondo. El impresionismo ha caracterizado su ultima etapa de vida. Finalmente el autor deja claramente el concepto de su simpatía por la causa de la revolución. determinación y una voluntad de lucha.

Crac! Magazine El levantamiento. 1860. Gargantúa La República. Honoré Daumier. 7 .

Crac! Magazine NOTA de tapa arte social Un Arte Vivo 8 .

por un lado. no se refiere a un movimiento concreto. Existen tantas definiciones de “arte” como cantidad de artistas y momentos históricos. expone sus críticas y denuncias a la sociedad de su tiempo. no es hasta el Realismo cuando el arte se alía explícitamente con las clases bajas. o Los desastres de la guerra. mismo año en que aparece el Manifiesto Comunista. intentaremos hacer un recorrido histórico a través de las distintas tendencias y artistas que transitan por esta búsqueda. impone temas de la sencillez de la clase media. generalmente asociado a una línea política y utópica. donde dignifica la otra cara de la vida de la aristocracia. Al no ser un grupo de artistas en particular o un movimiento en sí. con su serie de Bufones. un arte social. el arte social no se encasilla en una época específica. lo que se llama “el arte por el arte”. ese es mi objetivo “ Gustave Courbet. Las posturas más extremas son. Sin embargo. las ideas socialistas y los grupos de izquierda. Lo que en este número denominamos “arte social” entonces. en la creación artística enmarcada en la sensibilidad social e ideológica de un grupo. sino también un hombre. Serie “Los desastres de la Guerra”. es decir en si el arte debe tener un sentido más allá de sí mismo o no. Por mucho tiempo este debate se centró en la finalidad del arte. una rama esteticista del arte.por ser un movimiento clave en la unión del arte y la política. sino más bien a una postura que sostiene que el arte debe tener un objetivo social. las ideas y el aspecto de mi época. Comenzamos este recorrido en el realismo -surgido en Francia a mediados del siglo XIX. o Chardin. De forma más obvia y consciente Goya. El artista se vuelve un actor fundamental para despertar conciencia social sobre las duras consecuencias de la industrialización. y por otro lado. que. Sin embargo. 1812-1815 incluso Velázquez. donde expone toda la crueldad y la miseria que esta conlleva.Crac! Magazine nota de tapa l “Ser capaz de plasmar las costumbres. ser no sólo un pintor. Tal es el caso de Vermeer y su pintura intimista y moralizante en el siglo XVII. que se contrapone al esteticismo puro. según mi apreciación. como se ve en sus series de grabados Los Caprichos donde hay una clara crítica a la Iglesia y a la Inquisición. hacer un arte vivo. sin buscar estrictamente un cambio social. en una palabra. Gustave Courbet fue el principal representante del 9 . Se considera el año de surgimiento de este movimiento en 1848. que busca a través de sí transformar la realidad. Para ello tomaremos distintos focos desde el arte realista del siglo XIX hasta movimientos de intervención urbana o arte callejero en la actualidad. “El arte por el arte es la filosofía de los bien alimentados” decía el arquitecto Frank Lloyd Wright. o “Esto es peor” Francisco Goya y Lucientes. Sin embargo. desde fines del siglo XVIII. existen obras anteriores a este período que ya esbozan un interés social y abren el camino a este movimiento.

como el futurismo. que exaltan la expresión y el color desde un interés decorativista. Van Gogh no deja de lado su concepción del arte como agente de transformación social. más cercano en este sentido a lo que fue el Realismo. a su vez. de 1876. en particular en la Comuna de París de 1871. la luz y el color. en la denominada Época Negra. encara la crítica social sobre todo en sus primeras obras. Rompieron así con las pautas académicas e introdujeron la idea que cualquier tema es digno del arte. Se centra por el contrario en los fenómenos ópticos – con la aparición de la fotografía -. si bien no tiene una postura política marcada. A diferencia de los fauvistas franceses. no tiene un interés político y no busca en absoluto una crisis social. como se ve claramente en su obra emblemática La bebedora de ajenjo. el dadaísmo y el surrealismo. como se ve en Comedores de patata. Daumier desde la caricatura social. Millet y Breton desde la idealización del trabajo campesino. muestran un quiebre con el positivismo. y el belga James Ensor. como claro exponente del auge del positivismo y el empirismo. antecediendo a las vanguardias. dejando a un lado los temas sublimes en pos de lo cotidiano. no sólo desde una búsqueda plástica. y otros tuvieron una tendencia más constructiva. Dos grandes antecedentes de este movimiento son el artista noruego Edvard Munch. Ciertos grupos vanguardistas buscaron el cambio de la sociedad a través de la destrucción. que marcó la superación de lo clásico y lo romántico. Paradójicamente el Realismo señala el camino al Impresionismo. Si bien sus obras posteriores retoman el color y el interés por la forma. Courbet desde su objetividad cruda. dentro de este movimiento destacamos a Edgar Degas como una excepción. en 1948 levanté la bandera del realismo. Serán las Vanguardias de principios del siglo XX quienes retomen de manera más fuerte un proyecto de revolución enmarcados en movimientos concretos. y que él describió: “Renegando del ideal falso y convencional. Sin embargo. porque. sino también con el interés en denunciar y polemizar con la “belle epoque”. Vincent Van Gogh. que plasma como nadie el sufrimiento del ser humano. que con humor negro realiza una fuerte autocrítica a la burguesía. 1849 Realismo y estuvo completamente involucrado en la política del momento. los artistas realistas se volcaron a la reflexión de la realidad. realiza una denuncia social mostrando la contracara de la “belle epoque”. los expresionistas lo hacen. la única capaz de colocar al arte al servicio del hombre”. como la Bauhaus o el neoplasticismo. que. que hereda la apertura del tema en las obras pero la lleva a lo banal. En lo que al arte social se refiere el Expresionismo es una vanguardia fundamental. Es clara su influencia en la obra de Toulouse-Lautrec. Picapedreros. Persiguen desde diferentes ópticas la utopía de un “arte total”. Ya en 1847 anunció su programa “Realismo Integral”. Esta tendencia de la obra de Degas es retomada más adelante por los artistas pos impresionistas. de 1885.Crac! Magazine NOTA de tapa Gustave Courbet. es decir. que también pone en evidencia el trasfondo de la sociedad. la sátira política y los medios gráficos. 10 . especialmente la vida en los prostíbulos.

Peter Bürger. Los más revolucionarios fueron Otto Dix. En muchos de estos casos las reflexiones denuncian el feminismo -como es el caso de Ana Mendieta. La Segunda Guerra marca un quiebre en el pensamiento utópico propio de las vanguardias. Es en los años ’60 también cuando nace.buscan con sus producciones cambiar la realidad. como a la tradicional y burguesa figuración. tras la conmoción de la guerra. reivindicando la técnica popular de la xilografía. asociado a las clases trabajadoras no intelectuales que. volviéndolos simples “obreros” de la imagen. el arte conceptual. piezas metamecánicas2 .Crac! Magazine En 1905 surge el grupo “El Puente”. La desmaterialización del arte que este conceptualismo implica desemboca a su vez en diferentes movimientos que se orientan. surge la Vanguardia Rusa. Más allá de las etiquetas. Otros artistas utilizan su propio cuerpo para expresarse a través del body art y las performances3 . Achille Funi. “El Jinete Azul”. con Vladimir Tatlin a la cabeza. Leonardo Dudreville. y ella se refería al “trabajo redentor del fascismo”. rechazando tanto al lirismo de la abstracción. Ubaldo Oppi y Mario Sironi. Esto favoreció al Realismo Socialista. un crítico mordaz de la sociedad de la época. La bebedora de ajenjo. Dentro de los artistas que formaron parte del movimiento se encuentran Anselmo Bucci. El constructivismo plantea un arte al servicio del pueblo para lograr la culminación del ideal socialista. movimiento que entre 1909 y 1916 realiza un ataque manifiesto al país de la posguerra. cuyas obras van desde la sátira a la crudeza. Los llaman así porque sus artistas buscan una vez más alejarse del esteticismo burgués del arte para insertarlo a la praxis vital. abre las puertas para nuevas tendencias.fue la cabeza de este colectivo. reforzada especialmente por Stalin. con los movimientos que algunos historiadores denominan “neovanguardias”. contribuyendo a crear la imagen del gobierno bolchevique. Basándose en los adelantos tecnológicos y científicos concibe una nueva base para la creación pictórica. con un manifiesto escrito por Pierre Restany1 . y no con la fría inteligencia”. al igual que lo intentaron previamente las vanguardias históricas. Desde 1914. O las obras de Tinguely. Si bien es un arte mucho más volcado sobre sí mismo. Estos movimientos fueron rechazados por una rama del Partido Comunista. Surgen el land art. a diferencia de “El Puente”. estos grupos surgidos en los años ’60 -década de enorme movilización social. el diseño y la arquitectura. pero que. Ésta convierte al artista en un agente al servicio de los ideales de la revolución. sin embargo. La línea de interés social del arte como denuncia continúa en Alemania de la mano de La Nueva Objetividad. en plena época revolucionaria. Un ejemplo de esto es la obra de Arman Hogar dulce hogar donde. desde distintos puntos de vista. Dian Emilio Malerba. presidido por Kandinsky. el arte ambiental y el Bio Art. surge otro grupo expresionista en Munich. con esta perspectiva que mencionamos de un arte volcado sobre sí. Con una estética abstracta y funcional conjuga el arte. surgieron también grupos de artistas que los respaldaron. entre 1905 y 1918. a la ambigüedad de la tecnología como medio de cura y muerte. donde propone un nuevo enfoque perceptivo de lo real.1876 11 . Con elementos muy característicos del Pop pero con una “estética del desperdicio”. Con el auge de los movimientos políticos considerados de extrema derecha. Pietro Marussig. Margherita Sarfatti – controvertido personaje por haber sido amante del Duce . El sueño de cambiar el mundo y romper con el orden pre-establecido se abandona. El más extremo en este movimiento fue sin duda Ernst Ludwig Kirchner. tiene una búsqueda más orientada a la belleza espiritual desde un punto de vista individualista. que sólo consideraba como tema la política y los trabajadores. que generan conciencia sobre el espacio natural y la ecología. él cuelga máscaras de gas. que satirizan la producción sin sentido de la sociedad industrial avanzada. el Nuevo Realismo Francés. con un apoyo manifiesto a las políticas de Benito Mussolini. quien decía de su obra: “Estos cuadros están creados con sangre y con nervios. a la carrera armamentista y a la amenaza de guerra nuclear. polemizan sobre la sociedad de su época. y George Grosz. En 1911. En paralelo a estos movimientos alemanes. Rebec- nota de tapa Edgar Degas. por ejemplo. las obras de este Nuevo Realismo realizan una dura crítica a la sociedad: a la producción excesiva del consumismo. y no se retoma prácticamente hasta los años ’60. y además teniendo en cuenta que ya están integradas en la “institución arte”. así como Warhol exponía latas de sopa. que surge en 1922. no considera a estas manifestaciones como vanguardistas porque entiende que no pueden postular la misma intención de ruptura anti-artística conociendo el fracaso de los movimientos de vanguardia histórica. En esta década surge. Buscan en sus obras retornar a la esencia del arte italiano del Renacimiento. busca un arte para la construcción. técnicas y expresiones que favorecen una concepción del arte como medio social. por considerar subjetivistas los principios del arte moderno. a cambiar los estereotipos sociales. Carlos Carrá. Tal es el caso del Novecento Italiano.

o las consecuencias de las exigencias sociales – como es el caso de Carolee Scheemann o Jana Sterback y su postura frente a la anorexia. En la actualidad se destacan las intervenciones más lúdicas de Invader o de Eltono. 2 Obras escultóricas que adelantan el arte cinético 3 La revelación del cuerpo del artista tan radical que se dio en esta década está relacionada a los problemas de subjetividad y socialización propios del capitalismo tardío. Podríamos seguir extendiéndonos y profundizando en las diferentes expresiones de arte social casi infinitamente. acentuado por el surgimiento de la pintura en aerosol. en principio como una sistematización del graffiti infantil y la repetición de nombres y frases en la ciudad. que llevó a la explosión de esta nueva cultura de arte callejero. un arte vivo. 12 Otto Dix. Este tipo de arte callejero permite la difusión a modo de publicidad de guerrilla y la democratización de la cultura. Por otra parte. Comedores de patatas. La intensidad del fenómeno llevó a un desarrollo enorme. Este surge en los ’60 en Nueva York. Todas estas manifestaciones prueban que el arte no es sólo un lugar de escape de la realidad. Precursores de esto fueron los franceses Gérard Zlotykamien desde 1963. un espacio para la denuncia. aparecen las intervenciones urbanas.Crac! Magazine NOTA de tapa Vincent Van Gogh. conjugando la tradición artística con las distintas formas de cultura popular. sino que también puede ser un agente de cambio. Jugadores de cartas. . y Daniel Burren a partir de 1968. y domina casi por completo la producción de intervenciones urbanas a partir de los años ’80. otra nueva forma de expresión derivada del arte conceptual pero con una clara manifestación de acción política. Una pata fundamental dentro de las intervenciones urbanas es el graffiti. Se denominan “posgraffitis” a los juegos de artistas que dejan su huella en la ciudad desde un ícono o motivo reconocible. Referencias: 1 Ligado a la Argentina porque fue Juez en el Instituto Di Tella en 1964. María Luz Diez Licenciada en Historia del Arte Máster en Gestión Cultural. 1885 ca Horn o el grupo Guerrilla Girls. En este recorrido intentamos dar una visión general de distintos movimientos que desde diversas posturas se orientaron por un arte como medio de revolución y cambio. El sujeto se vuelve un objeto de consumo. entre otros. y el artista expresa esto transformando su cuerpo en un fetiche más. el debate y el pensamiento. En los ’70 se establecen los códigos del graffiti que se continúan hasta hoy. A través de una intervención transitoria o efímera el artista hace un planteo acerca de la sociedad y su entorno.

Crac! Magazine Arman. Hogar dulce Hogar.1960 13 .

Arm extensions.Crac! Magazine NOTA de tapa Rebecca Horn. 1968 14 .

Crac! Magazine nota de tapa Gerard Zlotykamien. Viva el Arte Urbano. 15 .

1968 . La familia obrera.Crac! Magazine 16 Oscar Bony.

Alfredo Guttero.Crac! Magazine Cuando en Europa las Vanguardias se ocupaban de romper con el arte como se concebía hasta el momento. Sin pan y sin trabajo. la difusión y la consagración en materia artística. provocando la admiración desde el punto de vista técnico. una vez en Buenos Aires se volcó más al retrato y al paisaje. La toitelle es un contenido común entre los artistas europeos. Sus exponentes principales fueron José Arato. El despertar de la criada. al cual adhiere Giudici en esta obra. además. nucleados a través de la revista Martín Fierro. Guillermo Hebecquer. En Italia en este momento predomina el anarquismo en el ambiente intelectual. Fue expuesta tanto en el Salón de París como en El Ateneo de Buenos Aires. conformado por artistas que desde las distintas disciplinas se centraban en el tema político-social. La generación del ’80 fue fundamental para poder llevar adelante estos adelantos esenciales para el campo artístico. Al igual que Giudici. su país natal. de 1884. Reinaldo Giudici y Ernesto de la Cárcova1 . Por un lado. pero la indignación en cuanto al tema. que pone en evidencia lo marginal y lo feo. que desató fuertes críticas y polémicas en su momento. de 1903. y el realismo con intención social. quien realizó por esos años su formación en Italia. no continuó por estos rubros. que desde tendencias muy diferentes representan la renovación del arte nacional. En segundo lugar. en 1892 El Ateneo donde se realiza el Salón anual. Eduardo Sívori. más próxima a los movimientos de entreguerra de la Vuelta al Orden. y que además aportaron con sus obras una mirada social del arte: Eduardo Sívori. reflejo de su pensamiento político. sin mayor interés en lo social. En el área de la plástica los artistas se volcaron a la técnica del grabado para lograr una mayor difusión. Conviven en los años ‘20 tres grupos. En 1876 nace la Sociedad Estímulo de Bellas Artes. 1886 17 . que representan la tendencia más ligada a la vanguardia internacional: Norah Borges. demuestra su tendencia social. Los artistas que formaron parte de esta renovación son los primeros modernos de nuestro país. de tendencia socialista. Se volcó junto a los artistas del Grupo Nexus al estilo posimpresionista. La preocupación de este grupo era principalmente la cuestión estética. Allí pintó una obra clave que refleja sus ideas socialistas: La sopa de los pobres. El artista en esta obra toma partido y realiza. Como dijimos previamente la Vanguardia llegó a Latinoamérica de forma tardía y sin las mismas intenciones de ruptura que en Europa. A su vuelta de Europa se incorporó al Centro Obrero Socialista. Adolfo Bioy Casares. Contracara de este movimiento es el Grupo de Boedo. en 1896 el Museo Nacional de Bellas Artes y en 1905 la Academia Nacional de Bellas Artes. en contraposición a la idealización propia del academicismo. sin embargo en este caso se trata de una criada. nos referiremos a Reinaldo Giudici. el grupo de Florida. entre otros artistas plásticos. En tercer lugar. Adolfo Bellocq. Oliverio Girondo entre los escritores. Entre este grupo vamos a destacar a tres artistas que fueron fundamentales para nuestra historia del arte. de 1893. en Argentina estábamos estrenando las instituciones que permiten hablar de un arte moderno. Fue además un gran difusor de la técnica del aguafuerte en el país. Destacaremos de Eduardo Sívori su obra El despertar de la criada de 1886. Jorge Luis Borges. una denuncia sobre la rudeza de las condiciones de trabajo2 . y difundían sus ideales a través de la revista Claridad. aunque leve. Realizó en ese año su obra emblemática. pero marcó un hito en la historia del arte con esta pieza A finales del siglo XIX . no podemos dejar de mencionar a Ernesto de la Cárcova. por la estrechez del mercado de arte local. Sin embargo. Pío Collivadino. Emilio Pettoruti. que sería la técnica privilegiada para el arte social. Xul Solar. dedicándose en mayor medida a la pintura del paisaje urbano. regresa a la Argentina uno de los artistas que sería un referente para los artistas del pueblo y los pintores de la Boca. Su obra La hora del almuerzo. dando un marco a la educación.

Eugenio Daneri. Miguel C. Álvaro Yunque y Roberto Arlt. Se centró en Tucumán por los problemas sufridos por los obreros y la profundidad 18 . percibe el doble de lo que gana en su oficio por permanecer en exhibición con su mujer y su hijo durante la muestra”. Entre ellos destacamos la obra de Lino Enea Spilimbergo. otras alternativas: el cuadro. pero llevado a la tela (sobre arpillera con pintura industrial). Espirilio Butte. aprovechando el interés que generaban los artistas de los ’60.” Ricardo Carpani y sus monumentales figuras de trabajadores. Sus obras Manifestación y Desocupados. Berni. se planteaba la diferencia entre arte puro y arte propaganda. etc4. son claros ejemplos de este arte social. Así lo demuestra la obra de Oscar Bony. Alfredo Lazzari y Benito Quinquela Martin –estuvieron muy influidos por el barrio y la inmigración italiana. conformado por Ricardo Carpani. Victorica. Juan Manuel Sánchez. Sus pintores . Revista Claridad El otro movimiento que vamos a destacar de estos años ’60 es el Grupo Espartaco. El arte revolucionario latinoamericano debe surgir. el Instituto Di Tella. que mezclaba lo cultural con lo político. Carlos Sessano. tuvieron su Manifiesto. conocidos en su conjunto como los Artistas del Pueblo. Para empezar. el afiche. como expresión monumental y pública. Juana Elena Diz y Pascual Di Bianco. Como grupo vanguardista. Mario Mollari. que trabajó junto a Siqueiros en Ejercicio Plástico . Las circunstancias nacionales e internacionales hacen de los años ’60 una década de efervescencia a nivel artístico y cultural. donde no sólo deslumbró el pop local. En esos años visitó Buenos Aires el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. sus grabados. que surge tras el fin del proyecto moderno.Crac! Magazine Abraham Vigo y Agustín Riganelli. en síntesis. Demetrio Urruchúa y Raquel Forner. y clausurada por el régimen de Onganía. en Argentina surgen numerosos grupos fundamentales para el arte político. publicado en abril de 1961.Víctor Cúnsolo. Una obra de concepción y realización colectiva y multidisciplinaria que se montó en las sedes de la “CGT de los Argentinos” de Rosario y Buenos Aires. son un reflejo del camino que siguieron con esta búsqueda. no puede ni debe estar desligado de la acción política y de la difusión militante y educadora de las obras en realización. presentada en el Di Tella en 1968. Desde una práctica de vanguardia. pero desde publicaciones socialistas se defiendía la postura política. Antonio Berni. a su vez. con un letrero que decía “Luis Ricardo Rodríguez. escribió sobre esto. De la pintura de caballete. entre otros. La tendencia social marcada por estos dos últimos grupos fue de algún modo continuada por los artistas del nuevo realismo. matricero de profesión. Elías Castelnuovo. es decir. sus obras realizadas con materiales de descarte. generando un debate sobre la militancia política a través del arte. Por último. En estos momentos. influido por el muralismo. como refleja en sus temas y técnicas: sus series con personajes como Ramona o Juanito Laguna. de 1968. el grabado. entre otros. La familia obrera. Juan Carlos Castagnino. Consistía en una presentación en vivo de una familia obrera sentada en una tarima. Fortunato Lacámera. se encuentran los Artistas de la Boca. En este recorrido por las manifestaciones de arte social en Argentina. Sus grabados acompañaron en muchos casos las obras de los escritores de este Grupo de Boedo como Leónidas Barletta. sino que también fue un ámbito propicio para el arte crítico. y más cercanos al Grupo de Boedo por sus raíces sociales. que concluye diciendo: “el arte. A lo largo de su trayectoria Berni demostrará su postura del arte como denuncia. Su obra es fundamental para el arte social en la Argentina. y si bien defendió a ultranza la necesidad de un arte para las masas y consideraba al mural como el “arte por excelencia de la sociedad socialista”. buscaron filtrar en los medios la información que se evitaba publicar. al arte. en la década de los ‘30. no podemos dejar de nombrar la experiencia de Tucumán Arde. como lujoso vicio solitario hay que pasar resueltamente al arte de masas. El pueblo que lo nutre deberá verlo en su vida cotidiana. Desde revistas más tradicionales como Crónica. centrando sus temas en el puerto y sus trabajadores. sostuvo.

Desocupados.Crac! Magazine Antonio Berni.1934 19 .

excepcional por ser el único trabajo mural de Siqueiros de un tema erótico. preocupado por la búsqueda estética. Otros. esta obra podía interpretarse como haciendo referencia también a la trata de blancas. ajeno a una postura frente a la realidad social. Unos sostienen la necesidad de un arte político. etc. es político. 4 Berni incluso realiza una crítica a Rivera por pintar para “baluartes de la burguesía” en Estados Unidos. y valga la redundancia.sostiene ideas y posturas. y defienden un arte vuelto sobre sí. 1968 de la pobreza. la explotación y la falta de información en la zona. Referencias: 1 Todas las obras mencionadas de estos artistas se encuentran expuestas en la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes. 20 . Castagnino y Lázaro. que en apariencia eran independientes. es arte social. También participaron Spilimbergo. ¿quién puede determinar qué es el arte más que la experiencia del propio espectador? Al final todo arte – incluso al evitarlo. entrevistas. Podríamos nombrar muchísimos artistas que desde distintos enfoques han intentado un cambio a partir del arte. María Luz Diez Máster en Gestión Cultural. y por lo tanto mero objeto decorativo. no arte. y otros muchos que siguen haciéndolo hoy. Lic. pero en la etapa final daban sentido y aumentaban la intensidad del mensaje: afiches. en cambio. Los primeros rechazan esto por ser superficial. viaje de artistas. en nuestro país el arte ha sido un gran medio para la denuncia. por lo tanto. que intente a través de sí mejorar la sociedad. 3 Mural realizado en la quinta de Natalio Botana. pintura de aerosol. Teniendo en cuenta la historia que nos precede y las realidades que se han vivido. Se realizaron diferentes acciones.Crac! Magazine Registo de Tucumán Arde. Hoy el mural se encuentra exhibido en el Museo del Bicentenario. El pequeño recorrido que realizamos permite darnos cuenta de la diversidad de estas prácticas y la intensidad que cobró el debate sobre el arte social o “arte por el arte” en nuestro país. Sin embargo. exponiendo su cuestionamiento al muralismo por ceder ante el capitalismo. la crítica y la concientización. 2 En ese momento. consideran esto propaganda. crear conciencia.

La hora del almuerzo. 1903 21 .Crac! Magazine Pio Collivadino.

Su obra favorita era un collage de Juanito Laguna. Invariablemente. temporalmente. era un simple trabajador que brindaba servicios transitorios a su empresa. un monstruo para la sociedad…”. Frente al cuadro. un militante comunista. un empresario textil que coleccionaba arte argentino. Solemne declamaba melancólico: “he aquí un niño pobre. Mois había estado de niño. lo que hoy en el ambiente de subastas se llama “firmas”.Crac! Magazine Sobre Juanito Laguna “Me siento seguro observando ese cuadro”. Enrique Policastro. ya que yo. Lo cierto es que todos los viernes nos encontrábamos al finalizar la jornada y me hacía de guía. y comenzaba su discurso. Juanito Pescando 1962. las había por todas partes. finalizábamos nuestra recorrida en su despacho. Juanito Laguna siempre ha sido el arquetipo del sin techo. por aquellos años. como si necesitara sentir su aroma. Cuando lo conocí. Miguel Diomede y muchos más. su voz se tornaba sentida y repetitiva. su colección de arte. En ese momento su creatividad se diluía. el desposeído. admirando su Juanito Laguna. La frase la escuché de boca de un coleccionista de arte. 22 . en 1972. en los cuartos destinados a los cadetes. Schurjin y Carpani. en un campo de concentración nazi en Dachaus junto a su padre. la misma ceremonia: tomaba su pipa. Con Juanito Laguna inauguré mi relación con Antonio Berni. el desterritorializado. íntegramente. Martín Malharro. acercaba su cabeza inclinándose reverencialmente y lo observaba de cerca por sobre sus lentes. tenía sus oficinas repletas de obras. Berni Me llevó años entender porqué calificaba de Monstruo a la imagen de un niño pobre. contándome pormenores de su colección. Nunca sabré qué motivó a Don Mois a hacerme conocer. Así supe de Stephen Koek Koek. en la sala de recepción. alguien “querible”. en los pasillos… Por aquellos años mi conocimiento de artes plásticas se reducía a tres apellidos: Castagnino. era agradable escucharlo. Don Mois Cheme. tanto como el mismo Mois.

ya que una vez asimilado se convierte en fetiche moralista que nos permite reconocernos del lado del bien.que representan estas obras viajan en embalajes especiales. zafreros descalzos. cubiertos de materiales que los protegen de oxidaciones. Las relecturas de Juanito Laguna son siempre asépticas. La sociedad. Allí lo caracterizado es la realidad monstruosa que habitan los niños pobres. premia y obtura toda posibilidad de efecto testimonial.Crac! Magazine Fue frente a la obra Juanito Laguna aprende a leer. Peones y custodios que velan por la seguridad de los inmortalizados en lienzos (sus familiares probablemente: cabecitas negras. golpes… Son trasladados de sótanos climatizados por “Juanitos supervivientes” contratados por empresas que los entrenan para cargar estas obras maestras del arte testimonial. Más tarde habrá una vernissage donde la gente de la cultura beberá champagne y se tomaran fotos exhibiendo su brillo personal. estetizantes. Acotamos aquello que fue devenir ético y lo conjuramos con didactismos. una excelencia plástica que lo elevó como artista. reacciones químicas. Jorge Garnica. Artista Plástico www. entrampando nuestra mirada en lo bello.jorgegarnica. rotosos habitantes de los bañados litoraleños…). También los discursos vertidos sobre la obra nos distancian de lo terrible que testimonia. que entendí de qué hablaba Don Mois. seguros de que los humildes permanecen en el coto adecuado.com Juanito Bañandose 1961 Berni 23 . Lo perverso es que la imagen dignificada en el museo hace irreal aquellas existencias miserables. llevan hasta los museos y centros culturales de todo el país las preciosas cargas. Antonio Berni supo transferir a ese documento que lo sobrevive. Los trozos de miseria –costosísimos. a través de sus instituciones. de exhibición permanente en el Museo Nacional de Bellas Artes. torna la realidad en hecho fantástico y logra mostrarnos como agradable lo que debiera ser intolerable. eclipsando lo siniestro que de ella emana. monstruosamente. tanto las complejas que surgen de los claustros académicos como las que parten de los gabinetes educativos.

astilleros. En medio de un espacio donde se buscaba en el paisaje pampeano y provincial y la representación de tipos y costumbres el anclaje del “ser argentino”.social comenzaron a vincularse en el desarrollo artístico de nuestro país. el trabajo. el grupo entendía que la clave de renovación en el arte estaba en considerarlo un trabajo. Abraham Vigo. por Adolfo Bellocq estética clara y comprensible. desde la concepción de que el arte servía como acción directa para mostrar y modificar la realidad. un grupo de artistas provenientes de las masas trabajadores encontraron una alternativa a esta solución instituida desde el ámbito académico. aprendieron la técnica del grabado con Pío Collivadino. lo cual los vinculó con los artistas del barrio. cuyo accionar entre 1915 y 1930 buscó la renovación de los lenguajes plásticos y cuestionó activamente los ámbitos de exhibición. Desde una Ilustración en El Matadero. debemos remontarnos en el tiempo al siglo XX y sus comienzos. mediante las obras. la mujer sostén de familia.Crac! Magazine Arte y política en Buenos Aires – 1915-1930 Si buscamos el momento en que el arte y la acción político . en su mayoría italianos. desde el campo del arte. la vida en el conventillo. La Boca era un barrio de conventillos. por otro su afiliación al anarquismo a nivel político. En dicha época se planteaba. frigoríficos y debates políticos. Habiéndose conocido compartiendo estudios en la Sociedad Estímulo Bellas Artes. las reuniones sindicales. primera edición. los desclasados. el arrabal porteño. Facio tenía su taller instalado en el barrio de La Boca. Adolfo Bellocq. Los artistas mencionados participaron activamente en este proceso de difusión ideológica a través de sus grabados (litografías. cuyas condiciones laborales y de vida eran paupérrimas. Guillermo Facio Hebequer. La conciencia de que la revolución social era la vía para superar dichas penurias se expandió gracias a la acción de los sindicalistas en las reuniones de trabajadores. legitimación y circulación del arte. podía 24 . e impulsar a la revolución social que modificaría el régimen del capitalismo. como Benito Quinquela Martín y Santiago Stagnaro. fueron los temas que representaron. Ámbito de inmigrantes. José Arato y Agustín Riganelli son quienes constituyen en grupo denominado “Los Artistas del Pueblo”. Las ideas anarquistas y socialistas traídas del Viejo Continente calaban hondo en los trabajadores. aguafuertes y aguatintas. Dos características sirven de punto de partida para la comprensión del arte y las acciones del grupo: por un lado la elección del grabado como técnica artística. quien influyó en el grupo con sus obras de temática citadina y de suburbios. representaron a la clase trabajadora. Siguiendo la línea anarquista ideológica. el debate entre pintura y escultura y conformación de la identidad nacional. cuyo actor era el artista trabajador quien. xilografías). a la cual pertenecían: el hombre trabajador.

Crac! Magazine Liberacion. 1953. Abraham Vigo. 25 .

la ilustración de periódicos de izquierda y la realización de escenografías para la puesta en escena de las obras del Teatro del Pueblo fueron los ámbitos propicios para el anclaje de estas ideas. luchas sindicales y conflictos sociales que seguirían su curso durante las siguientes décadas del siglo. Estas medidas constituyeron el núcleo de sus acciones directas contra los ámbitos de legitimación y exhibición oficiales. “Los Pensadores” y “Bandera Proletaria” son ejemplos de las mismas. Oliverio Girondo. El primero estaba vinculado con la Editorial Claridad y con intelectuales.Crac! Magazine transformar la realidad en la que vivía y concientizar a la sociedad. “Claridad”. el llamado Arte Moderno y su influencia en el campo artístico porteño. desde su lucha y sus condiciones de vida. Y no sólo actuaron desde las obras: formaron parte de la creación de la Sociedad de Artistas Pintores y Escultores (1917) y de la constitución del Salón de los Recusados (1914) y del Salón de Independientes (1918). como Jorge Luis Borges.ar/ Abraham Vigo Fin de jornada de la serie La Quema 1936 Aguafuerte 26 . el Salón Nacional y la Comisión Nacional de Bellas Artes. La dicotomía entre ambos polos se daba a nivel político y a nivel artístico siendo dos fuerzas que. plagado de contradicciones. entre otros. “La Montaña”. así como también sus obras supieron encontrarse entre los libros de Elías Castelnuovo y Leónidas Barletta. Las publicaciones periódicas cuyas páginas ilustraron eran de tirada amplia y circulaban entre los trabajadores. El oficio del grabado. lo cual hace del grupo un actor fundamental en el contexto de la época. editada entre 1924-1927. escritores y artistas de raigambre proletaria e ideología de izquierda. Natividad Marón http://natividadmaron. La vinculación entre el colectivo de artistas y la Editorial Claridad marcó la polémica que se dio en la época entre el Grupo de Boedo y el Grupo de Florida. El carácter político y social de los Artistas del Pueblo buscó renovar el campo artístico de nuestro país desde el pueblo mismo. agrupar a los artistas y posibilitar ámbitos de exposición a artistas que no entraban dentro del circuito instituido y legitimador. El Grupo de Florida supo estar conformado por las figuras relacionadas con la publicación “Martín Fierro”.blogspot. Emilio Pettoruti y Xul Solar.com. abogaron por la renovación de los lenguajes plásticos y supieron adentrarse en las discusiones acerca de la Modernidad. en el período. Dichos espacios alternativos buscaban ampliar el campo artístico. a saber la Academia Nacional de Bellas Artes. Evar Méndez.

Crac! Magazine 27 .

Decir Arte social es una redundancia como decir alimento que alimenta o rojo que rojea. A lo largo de la historia humana no parece ir por ahí el asunto del arte. Por más que le busquemos la vuelta si hay algo que el arte no ha hecho –al menos en forma directa.Crac! Magazine ¿arte Social?¿Qué cosa? Tenemos la costumbre muy occidental de buscarle a todo. un objetivo. las palabras.es modificar algo demasiado tangible o concreto de nuestra realidad humana diaria. como a muchos quizás nos gustaría en el fondo. Nunca los tendrá por su misma naturaleza. aquella masa de realidades humanas tan complicada de sintetizar pero que es un ir y venir dialogante de sentires. y relacionado siempre con las cosas que nos rodean. saberes y prácticas desprendidas de nuestro ser humano más profundo.. un sentido. no tiene objetivos ni límites demasiado claros. a riesgo de ser otra cosa. Y esto se aplica también al arte. gajes de la especie.techo a los que no lo tienen. ESO a lo que llamamos arte y dentro de lo cual seguramente cada uno meterá más o menos realidades. a todas las situaciones que generamos como humanos. El arte es social por que nace de una sociedad. pero esto sucede. Con esto me refiero a que nunca el arte ha provocado ninguna revolución social o ha paliado el hambre de los hambrientos ni le ha dado. Y si hay algo cierto es que los sentidos de las cosas y de las situaciones se van generando en el fluir de la vida y no son casi nunca demasiado preestablecidos ni tampoco y menos. quién sabe por qué necesidad armada a lo largo de nuestra historia cultural. vuelvo a insistir –directamente. con las formas. casi siempre demasiado pragmático. El arte. etc. un para qué. únicos. Afiche nazi 28 . los sonidos. es a la vez un modo de estar en el universo como lo que somos – esencialmente especiales y distintos a cualquier otra criatura viva-.

1924 es social porque es fruto de lo humano. que hayan participado en algún incendio conceptual de provincia que no llegó más allá de las narices intelectualoides del grupo artístico del momento. Pero si somos honestos no podemos decir que el arte generalmente no sea político. ni deseos profundos de modificar la realidad humana existente. nuestras mentes imaginativas irán corriendo a nuestros archivos mentales a sacar hacia adelante las imágenes de propaganda rusa. Pero el hecho es que en esta elección caprichosa que hacen historiadores del arte y especialistas con tendencia a la clasificación obsesiva y enciclopedista se habla entre tantas aberraciones de Arte Social o Arte Político. si es que puede. que no tenga intenciones revolucionarias.Crac! Magazine Alexander Rodchenko. años de psicoanálisis ya lo han probado. irán más atrás quizás a buscar reflejos de revoluciones varias o más acá y aquí tratando de encontrar artistas más o menos – comprometidos-. pero. expresaba su desacuerdo con la categoría de Homo Sapiens para nuestra especie. Fotomontaje. a lo mejor el asunto pase por pensar de qué manera y sin proponérselo el arte es político y. de qué maneras modifica los aspectos más relacionados con lo social de las personas. Nos movemos dentro de lógicas que requieren categorías gracias a nuestros padres griegos y uno no zafa de los padres. a los muralistas mexicanos. palabra muy de los setenta si la hay. Él decía: el homo sapiens es el hombre que sabe. Y este viejo científico jubilado se animaba a proponer otra necesaria categoría para distinguirnos: el 29 . Estamos de acuerdo que toda acción humana es una acción política por ser humana y el arte participa de eso. Quizás el asunto sea no pensar si el arte es político o social o qué arte cumple con esta idea y cuál no. al final solo queda aceptarlo y empezar desde ahí a pensar por uno mismo. En la película La Cueva de los Sueños Olvidados (Werner Hersog 2010) en algún momento del film uno de los científicos privilegiados por poder adentrarse en las maravillas descubiertas recientemente en las cuevas de Chauvet en Francia. ¿qué sabemos?: no sabemos nada. saber es reconocer la propia incapacidad para saber algo. ¡Cómo si se pudiera decir que hay un arte que lo es y otro arte que no lo es! Se nombrará a artistas de distintas épocas que reflejan de una u otra manera situaciones “sociales o políticas” determinadas. La realidad más profunda y sabia a la que puede llegar un ser humano es la de reconocer que nada sabe porque todo es demasiado para abarcarlo. yo creo que por lo general sí tiene esas intenciones y que muchos artistas han tratado de cambiar el mundo desde lo que hacen.

a recuerdos por olvidar. radical. ese olor penetrante a medida que nos involucramos y la picazón a la que de una u otra manera nos acostumbramos. el arte en alguno de sus pliegues/capas cebollísticas se hace snobismo puro. lo fascinante. etc. como así también es alivio de los suicidas. lo feliz. fuera o dentro de tal o cual política parece ser que el arte se inscribe en otras dimensiones. espíritu puede ser otra –si logramos reciclar sus significados. comunista. pensadores. político. únicos o de un solo escalón. ya que acercarse a comenzar a hacerlo en nuestro presente herido de superusos de palabras que se han gastado y que se han pegado a malas experiencias. no me vengan con que la vida es simple. pliegue tras pliegue diría algún filósofo francés –siempre hay algún filósofo francés que nos complica la vida y se pone de moda. derechista. como lo es el vocablo Espiritual. sobre todo cuando intentamos hablar de un mundo tan amplio como el suyo –arte=humanidad expandida. Lo complicado no quita lo atractivo. peronista. no puedo con eso. humilde y tímidamente. método de separación humana. conservador. no way. es botín de guerra. ofensa a los más pobres. a instituciones. La cebolla me alivia la comprensión. el arte es primo del sexo si vamos al caso. tiene demasiadas capas/relieves/transparencias para hacer que sus alcances sean puntuales. quizás egoísta. Todos los poderes saben y supieron que el arte penetra en las personas a niveles profundos porque en realidad de esas cuevas humanas proviene. en un incesante camino de ida y vuelta. además de ser expresión solitaria. y más aún en medios que escriben pero no piensan. Me quedó la sensación extrañada de escuchar a un científico que no tenía otra posibilidad de explicación de qué es el hombre que recurrir a una palabra tan ambigua y complicada. capricho de multinacionales. pero también me encanta la metáfora que sugiere y la posibilidad de entender más que la misma me ofrece. lo genial. Y eso es genial. por muchos motivos culinarios y de sabores y olores. el sexo es algo muy complicado y a todos nos encanta…. el arte es religioso y antirreligioso e interreligioso.Crac! Magazine hombre es el Homo Spiritualis. Pero hay que afrontarla e intentar descifrarla. claro. el arte es muuuuuuy complicado y al que no le guste que se dedique a otra cosa.para poder crear en algún momento otras que penetren más abajo y más adentro de la cebolla infinita. al igual que el término Arte. Capa tras capa. Las palabras nunca alcanzan para intentar decir algo. lo interesante. intelectuales. me distiende. y así lo han hecho. el arte es el hombre y por eso el arte es político. pero nunca es animal. más allá de sus mentores. las imágenes a las que recurra o las palabras que emplee. hay capas del más excelso éxtasis religioso y de las peores urdimbres asesinas. que abarca más de lo que podemos captar con nuestra mente categorizadora. Pero no hay nada que hacer la vida siempre se escurre y el arte que es manifestación de la vitalidad esencial humana siempre lo hace y se autodistingue. Y si asimilamos el arte con la vida. de muchas situaciones. Múltiples capas.. soy de escorpio.el arte es entre tantas cosas arte político y social. es social. Damián Masotta 30 . poético. Una explica al otro. Espiritual es hoy una palabra antipática entre artistas. nunca por las intenciones del artista que lo haga y menos por las temáticas que toque. Misterio y abismo quizás sean dos de las posibles para comenzar a intuir alcances. Más allá de los artistas. gobiernos y políticos de todos los colores y niveles han tratado de todas las maneras posibles de utilizarlo. es lo que el arte y la cebolla tienen en común para mí. es a la vez parte de las más bajas estafas comerciales. de los ideólogos. antisocial. me relaja. Pero recurrimos a las palabras que tenemos hasta crear nuevas que involucren más y mejor que éstas. la vida es muuuuy complicada. muchas transparencias. Me gusta la cebolla. con esto del arte. No soporto las explicaciones únicas ni las lecturas simples. quizás pueda ampliar nuestro horizonte de comprensión de qué hacemos y para qué. fue siempre y lo sigue siendo símbolo de poder y distinción. revolucionario. más o menos interesante.

Crac! Magazine Ai Wei Wei 31 .

Manifestación. 1934 32 .Crac! Magazine Propaganda Nazi familiar Propaganda Nazi Antonio Berni.

Crac! Magazine Lissitzky. 1919 33 . Golpea a los blancos con la cuña Roja.

Alfredo Segatori. 34 .Crac! Magazine Palermo Center Loft av. Juan B Justo y guatemala.

facebook. También fue celebre la obra que colgó en el Tate Modern de Londres. en la que aparecía pintado un cazador de la Edad de Piedra empujando un carrito de supermercado. Óleo sobre lienzo". Banksy critica así desde adentro las instituciones y su paranoia. La pintura fue acompañada por una tarjeta que decía: "Bansky 1975. De 2003. Crimewatch Reino Unido ha arruinado el campo para todos nosotros. La imagen consistía en una escena rural con un stencil imitando una cinta policial encima. que según el artista fomentan el miedo para domesticar a la población. Banksy colgó en pleno Museo Británico una piedra.Crac! Magazine ¿Sabías qué? Banksy se introdujo disfrazado en el Museo Británico.com/valderramarte 35 . adulterando la exposición para colgar una de sus obras de manera clandestina Como una crítica a la paranoia de los gobiernos que ven inseguridad en todos lados. Jorge Humberto Valderrama http://www.

El hombre comenzó a cantar. vestido con pantalón y remera deportiva. Esperaba el llamado de su hijo para ir al destino que. completo. En su sueño las mujeres bonitas del pueblo lo agasajaban y él las retribuía con guiños galantes. de un pintor llamado Berni. Tarde. y que lo recibía el Padre Augusto. pero su voz era agradable. se observaba con su sonrisa joven. riendo-. después de medianoche. llevaba en andas la pesada virgen morena hasta el cerro. -El viaje va a ser largo. quizá por el vaivén del vagón o por su falta de destreza con el instrumento.Crac! Magazine CUENTO Retrato por Jorge Garnica Desde el patio. a algunos de sus vecinos. La mayoría de los pasajeros dejaron monedas en la gorra azul y amarilla que llevaba el chico. ya de chico anduve en estos asuntos. Llegaron a la estación central y se despidieron de los extranjeros. “Te espero en el andén”. Todas. se acompañaba mal con la guitarra. riendo. pero sé bien como cargar con estas cosas. seguido por un sinfín de promesantes. hasta deshilacharse en matorrales y plantaciones. ella caminaba a su lado y su pañuelo era azul. De tanto en tanto se divisaban en el horizonte algunas cuchillas. -Pienso lo mismo -dijo Carabajal. Blanca que iba a la par. en su sueño. dos hombres de traje entraron al bar de la estación y preguntaron por “los de la empresa de transporte”. Carabajal se durmió sobre el hombro de su hijo. su novia de infancia. breve. Carabajal sudaba con su carga y las mujeres se acercaban para mitigar su fatiga. tanto. Pronto las sierras fueron montañas y el atardecer se recortó rojizo. Cuando retomaron el viaje continuaron conversando. y le dio un billete. susurrándole palabras de aliento al oído. Sólo una era distinta: Blanca. -No deberían darte nada por bostero -bromeó alguien. un hombre gordo acompañado por un chico descalzo. veía la imagen inclinarse peligrosamente hacia su cuerpo. Artista Plástico www. Juan les contó que hacía años que no volvía a su provincia y que desde la muerte de su esposa ya nada le interesaba de allí. para terminar abruptamente en noche cerrada.com 36 . les había asignado.dijo su hijo al subir.les aseguró. se vio vestido de blanco como cuando era niño y colaboraba en las misas. aguantaba a la virgen sobre mis espaldas en las festividades”. Las horas pasaban y nadie llegaba a buscarlos. todas tenían pañuelos inmaculados en sus manos y gruesas trenzas sobre sus pechos. pero otro era el nombre que ella pronunciaba… Despertó sobresaltado. Carabajal escuchó el ring tone que remedaba un sonido de otros tiempos. se parecían. voy a dormir un poco . Juan con su hijo caminó por el andén para acomodar sus huesos. a Juan le pareció reconocer en aquellos cuadros. Padre e hijo coincidieron: sus ocasionales acompañantes. Solo. Lentamente la fisonomía del paisaje fue variando. diciendo: ¡Soy Juan! A mediodía el tren se detuvo en un apeadero. escuchó… Una hora más tarde se encontraron en la estación de trenes. Cuando llegaron al museo. y vendedores ambulantes invadieron las ventanillas. las construcciones de cemento comenzaron a ser escazas y las casillas de madera y chapa fueron dominando el paisaje. Agotado.jorgegarnica. que solito. “De arte nada entiendo . Carabajal asintió con un gesto y se distrajo con un mendigo. la empresa en la que trabajaban. limpiaba su frente. Jorge Garnica. secándole la frente con pañuelos perfumados en agua florida. sólo volvía porque su jefe le tenía confianza y le había encargado una tarea en el museo de Bellas Artes. Soñó que volvía a su pueblo natal. Unos turistas extranjeros se acercaron y les hicieron algunas preguntas. no pronunciaban la palabra “amigo” correctamente. Era el responsable de contratar gente en el lugar para el desmontaje y traslado de la exposición a otra ciudad.

muralista. 37 .Crac! Magazine El Tren | Alfredo Segatori.

Max Beckmann. Tal vez uno de los que inicio la tarea de vincular al grabado con el aspecto social. Las imágenes de algunos gráficos alemanes como Käthe Kollwitz. Por ésta característica el grabado se convierte en una las técnicas favoritas. la idea del grabado como arte comprometido o de denuncia social ha constituido una herramienta eficaz para grandes artistas a lo largo de la historia. entre los artistas que se dedican al arte político o social. Esto se debe a que su propia naturaleza es ser fácilmente reproducible. junto con la pintura mural. fue Francisco de Goya. o del mexicano José Guadalupe Posada forman parte de la idea del grabado como vehículo para la difusión del discurso social o comprometido en distintos momentos del siglo XX. A partir del efecto movilizador que se puede desprender de la circulación seriada de obras. Claro que el arte del grabado.Crac! Magazine Grabado. con una composición. Otto Dix o George Grosz. El enfoque del grabado en su estrecha vinculación con la difusión de contenidos sociales y políticos es posiblemente uno de los aspectos más reconocidos de su propia tradición. formando las bases de lo que numerosos artistas realizarían años después. Arte para las mas El grabado o arte impreso es una de las técnicas que mejor difunde una obra entre un gran público. el artista puede sacar la cantidad de copias que desee. a lo largo de los años. basadas generalmente en cuestionamientos o en oposición hacia un tema especifico. Algunos artistas. A partir de una matriz. como el inglés Aubrey Beardsley o el alemán Albrech Durero. dedicaron gran parte de su obra grabada a la ilustración de libros o de relatos mitológicos y bíblicos. multiplicable. también se hace presente con otras finalidades además del cumplimiento de una labor social. y luego difundirlas. el pintor concluyó una de sus grandes series de 38 . Hacia 1799. haciendo que su mensaje tome un carácter público.

Capricho 43. En esta serie aparecen ya algunos personajes extraños. un total de ochenta y dos aguafuertes que constituyen una crítica feroz de la sociedad civil y religiosa de la época. titulada Los caprichos. Para poder comprender más a fondo este arte. y el grabado en plano.Crac! Magazine sas grabados. el grabado en hueco. 39 . he aquí una pequeña reseña de las técnicas utilizadas en la creación de las obras. El arte del grabado se puede dividir en tres grupos diferentes: el grabado en relieve. a manera de simbolismos. acabarán protagonizando obras posteriores del artista español. las cuales se han ido perfeccionando con el correr del tiempo y los avances prácticos a nivel productivo. Goya. macabros y hasta deformes que.

quedando en blanco las partes del papel que queden en contacto con las zonas no vaciadas. tal vez la técnica más sencilla de realizar. se introduce la plancha de metal en una solución de agua y ácido. En este grupo entra. un agujero en la superficie de la plancha. y dejando la superficie de la plancha al aire. En el grabado en hueco. La plancha se protege espolvoreando sobre su superficie polvo muy fino. Una vez levantado el barniz con la forma del dibujo. El diseño se realiza en una plancha de madera. Se entinta la forma en relieve y quedarán en blanco los huecos. que actúa corroyendo la plancha en las zonas donde se ha retirado el barniz. El texto o la imagen que compone la obra finalizada se talla a mano con una gubia o buril y se utiliza habitualmente una sola matriz para cada página. Ya que han surgido muchos otros sistemas de impresión que hacen que la obtención de textos e imágenes sea óptima y con matrices de impresión mucho más duraderos y que proporcionan impresos de mayor calidad. de modo que la parte que queda en el plano superior se corresponde con el dibujo. de resina de colofonia. Al realizar la matriz de grabado se debe tener en cuenta que hay que vaciar lo que se quiera que quede en blanco y que la imagen que se talla es la inversa de la se que reproducirá al estampar. por ejemplo. La plancha 40 . que será más profundo cuanto mayor sea el tiempo que actúe el ácido. una técnica que generalmente es empleada en combinación con otras y se utiliza para conseguir tonos planos y texturas. de modo que las partes oscuras de la imagen correspondan a las marcas realizadas por el artista. la imagen se consigue arañando una matriz metálica. por otra parte. generalmente por medios mecánicos o químicos. el aguafuerte proceso por el cual la matriz se protege en su totalidad con un barniz compuesto. donde se extenderá la tinta. se levanta con un punzón u otro utensilio capaz de retirar el barniz. Además podría nombrarse al aguatinta. generando así. Cuando está seco.Crac! Magazine En el grabado en relieve la imagen se consigue retirando material de la plancha o matriz con distintas herramientas. Actualmente el único uso que se le sigue dando a la xilografía es meramente artístico. el proceso es similar al del aguafuerte. siguiendo el dibujo que se quiera realizar. A continuación se calienta la plancha hasta que el polvo de colofonia se cristaliza y se queda adherido a la superficie de la matriz. Dentro de este grupo puede nombrarse a la xilografía.

En las técnicas manuales la formación de la matriz consiste en la adhesión de las tintas grasas sobre el papel litográfico. La técnica litográfica se basa en el desvío recíproco entre sustancias hidrofóbicas e hidrofílicas. Una vez la piedra humedecida. cuya técnica más utilizada es la litografía. Para este tipo de impresión se utiliza una piedra caliza pulimentada sobre la que se dibuja la imagen a imprimir. para publicidad o simplemente como expresión. como lo fue Goya. Para cada color debe usarse una piedra distinta y el papel tendrá que pasar por la prensa de imprimir tantas veces como tintas se empleen. sino más bien. mayores concentraciones de ácido y mayores tiempos de exposición al mismo. Aunque también. significan que más cantidad de tinta se alojará en el grabado. grandes artistas se consagraron en la producción artística del grabado. aún quedan artistas que hacen del grabado un medio para expresar criticas o pensamientos a través de imágenes y palabras que. que componía una marcada ideología social y popular. la tinta de impresión solo queda retenida en las zonas dibujadas previamente. con una materia grasa. retoman la esencia de los grabadores de mitad de siglo XX y recuerdan el sentimiento característico de personajes típicos. Durante la segunda mitad del siglo XX. Santiago Nitto Artista Plástico 41 . Con estas tintas se efectúa el dibujo que se trata de reproducir. para ilustración de libros. bien sea con lápiz o pincel. Es un procedimiento de impresión que hoy está casi en desuso. que excava alrededor de los granos de resina.Crac! Magazine así preparada se introduce en la solución de ácido. Actualmente el grabado se utiliza con fines menos vinculados a lo social. pero de manera invertida. Y por ultimo está el grabado en plano. a manera de ejercicio plástico en escuelas de arte. promoviendo las técnicas a la vez que expresaban una manera de pensar mediante sus obras. con la excepción de los fines artísticos (como la obtención y duplicación de obras). esto quiere decir que el agua rechaza o acepta las tintas grasas. el cual queda fijado mediante una solución de ácido nítrico y goma arábiga. Tal es el caso de artistas argentinos como Antonio Berni o Carlos Alonso. de alguna forma. Al igual que en la técnica del aguafuerte.

Crac! Magazine Corrido de los cuatro zapatistas fusilados .José Guadalupe Posadas 42 .

y con la cara engrasada por el inclemente goteo de aceite que emanaba del motor de un camión de basura.facebook. el gran Bansky sigue con sus célebres sténcil. tuvo la gran idea de usar plantillas para sus trabajos. http://www. De un letrero que estaba pintado con plantillas en el tanque del vehículo. Durante una hora. cambiar de táctica o dejarlo. Banksy. algunos ya íconos de esta época. y así evadir rápidamente el acoso de la policía.Crac! Magazine ¿Sabías qué? Escondido debajo de un camión de basura. Banksy reflexionó y decidió que tenía que tardar menos tiempo en pintar. o su obra ícono del activista tirando un ramillete de flores cual bomba molotov. Desde entonces. surgió la idea de agilizar su trabajo con sténcil.com/valderramarte 43 . como su Lenin en patines. Jorge Humberto Valderrama. evadiendo una persecución policíaca el maestro del graffiti.

llama la atención que arquitectos modernos lo hayan ignorado por tanto tiempo. estonia. que interpreta una forma de vida. Para Sharp no cabe duda que Steiner había abierto una puerta para aquellos arquitectos que no solo se satisfacen por la tecnología. de formas y fuerzas balanceadas. suecos. con espacios de recuperación psicofísica. La intención de Steiner fue la de traer amor y armonía a la humanidad. la tecnología computarizada. el intento se hizo para desarrollar esta cualidad viva más lejos aún. establecer una armonía de las fuerzas de interacción gravitatoria y de presentar un balance de las formas cóncavas y convexas. * La posibilidad que las obras de arte hablen por sí solas en un lenguaje propio. los costos de producción o en un espacio diseñado para el hombre desde una mirada sanadora. técnicos. las formas arquitectónicas son orgánicas y se expresan y metamorfosean de la misma manera que una planta o que la vida animal. hasta que de hecho hemos trasladado lo que en estilos anteriores fue simplemente estático y simétrico en algo orgánico…. filósofos. transformando este edificio en arquitectura social. ecológica. Con fondos suizos. en esta era póstuma a Ronchamp2. tuvieron una meta en común. El Goetheanum es un ejemplo de edificio que responde a una filosofía. Sin embargo existe un edificio. En Dornach. Su fin fue la de imbuir formas con vida.no formas orgánicas de imitación de la naturaleza. arquitectos.Crac! Magazine arquitectura socia Desafío del siglo xxI El desafío para el siglo 21 -para las sociedades con un cierto nivel de civilización. alemanes. * El interior del edificio funcione como el negativo vivo de las palabras dichas y los actos realizados en el edificio. * Recarga de energía al experimentar vibrar en estos espacios. No me cabe duda que se deberá reconocer la contribución de la obra de Steiner a la arquitectura del Expresionismo. poco que responda a lo humano y a sus sentidos. 19101923. a la vida social y esto se ve reflejado en las formas de la arquitectura del Goethenum. artística.esto es. * Asombro al sentir las formas orgánicas. plástica. orgánica.. checoslovacos. especialmente rusos y alemanes. italianos. en los mismos principios creativos de la naturaleza. se hizo el intento de penetrar dentro de lo orgánico. técnicas nuevas de reciclaje y pensamientos sociales? Hoy en día la mayoría de las construcciones edilicias pueden ser explicadas en un lenguaje económico y técnico. noruegos. norteamericanos. ¿Lo lograremos? La esencia de la pregunta surge de los principios en que se basará la arquitectura de este siglo. Observando este edificio objetivamente. un pensamiento. 44 . belgas. la industrialización de los elementos.es lograr una arquitectura social con una completa. franceses. ingenieros de la época. ¿Se regirá por la economía de la construcción. Honolulu se construyó el actual Goetheanum en hormigón. Steiner dictó cinco conferencias en 1914 Ways to a New Style in Architecture en las que delinea el sistema de estructura y ornamentación del primer Goetheanum construido y que fue trágicamente incendiado en el año nuevo de 1922: una arquitectura escultórica en madera toda trabajada por artistas. finlandeses. en formas que sólo ocurren en criaturas vivas…. nueva y compleja relación del espacio arquitectónico con los propios seres humanos y su entorno. Para llegar a este resultado ciertos factores se cumplimentaron: * Una comunidad de individuos que comprometidos en un pensamiento filosófico artístico y por virtud de sus esfuerzos. particularmente desde el revival del interés por el trabajo de Gaudi1 a principios de 1950s que produjo tanto entusiasmo por este tipo de formas plásticas y escultura monolítica. dinamarqueses.motivada espacialmente con la naturaleza. polacos. en Suiza llamado Goetheanum o Escuela de Ciencia Espiritual que fue construido desde un principio filosófico. Para Steiner como para Gaudí.

verde. London. existió un grupo de arquitectos. en Moreno. Los diseños de Caveri se plasman en algunas obras significativas. está cargado de eros y sensación de seno materno. Si el espacio interior de esta capilla. en Reconquista. Los motivos y colores de éstas evocan las experiencias del alma en su paso a la cognición en imágenes. inspirados en Gaudí. Provincia de Buenos Aires (1965) y la Casa de Ejercicios Espirituales Jacarandá. retoma en código quizás más refinado. Quizás su ópera culminante fue el Seminario Multirreligioso Irenaika Ville con su nueva capilla de Fátima (Maschwitz. Un sentimiento teatral en las columnas de gris concreto que se ensanchan en la base que soporta los arcos. teoría social planteada por Steiner. en clave pampeana. observa las formas básicas arquitecturales balanceadas por las fuerzas de carga y soporte. Arquitecta Cecilia Bendinger. Un sentido expectante y festivo en el grupo de 9 ventanas. 4 Jorge Ramos. nos remite a las cúpulas y linternas de Guarini y Borromini. todo plásticamente concebido en 3D. verde para las fuerzas que otorgan medida. el espíritu de Trujui4. En Argentina. elementos ejecutados con un rico juego de tensiones a medida que las formas asumen cualidades de escultura. azul. GA 286. el exterior aparenta un perezoso torbellino ascendente que. 45 . 2011. 1963. esta “imperfección” que escapa al canon. Rojo. que en lugar de concluir continúan indefinidamente en el espacio. la percepción y la voluntad. violeta y rosa-damasco. Referencias: 1 Gaudí 2 Rudolf Steiner and the way to a new style in architecture. rosa-damasco para la evolución de los estados de conciencia. número y peso. La escalera se desliza a lo largo de un corredor de protección. llamados Comunidad Tierra dirigidos por Claudio Caveri. Estos motivos fueron tallados en vidrio de colores con carburo de silicio triturado para producir todo tipo de luces y sombras.Edificio Goetheanum Crac! Magazine al La experiencia del visitante al caminar por el Goetheanum. Esta inconclusión. con su piel tersa y luz dorada. 20002002). luces y sombras en las formas de éstos. The Architectural Association Journal. 1914. como la iglesia Santa María Madre. Puntos de concentración en las formas tripartitas de puertas y ventanas como en la tri-formación social. al ser conducido por el axis de simetría es un fluir dinámico. Provincia de Santa Fe (1968). azul para ejemplificar el pensamiento. Dennis Sharp 3 Conferencia dictada por Rudolf Steiner. “Claudio Caveri en su Tierra” (1928-2011) nota reproducida en Clarín 27 de septiembre. con ideas similares. violeta para los efectos morales de nuestras acciones. rojo para las fuerzas que forma la cabeza humana.

Tanto es así que muchas de sus obras son vendidas por sumas irrisorias. Muchos lo llaman el “Robín Hood” del arte. aunque nadie sabe su identidad. han contribuido de alguna manera a romper con las miradas críticas hacia el graffiti. para comenzar a ver el Street Art como una disciplina interesante para expresar temas de gran repercusión social. la política y la moralidad. porque pinta para los pobres. ya que las pinturas las realiza clandestinamente. Banksy también logró popularidad después de haber colgado sin autorización algunas de sus obras en museos a los que ingresaba disfrazado. pero haciendo foco principal en Londres.Crac! Magazine Referente del Street Art Banksy Sus trabajos son conocidos mundialmente. entre otros. en Comunicación Social 46 . estas obras se caracterizan por la ironía y la crítica a la sociedad. de los medios de comunicación. con el tiempo fue variando sus recursos. Cabe mencionar que el Street Art es una actividad artística que consiste en la realización de obras visuales en los espacios públicos como paredes de las grandes ciudades. Muchos lo llaman el “Robín Hood” del arte. Además. Si bien inicialmente sus graffitis eran considerados como actos vandálicos. se cree que es oriundo de Bristol. Tanto es así que llegó a vender un mural de dos monos riéndose de los humanos por la suma de 300. y luego fue expandiendo sus pintadas por varias ciudades del mundo. En sus representaciones utiliza la sátira y la ironía para promover otras miradas respecto del sistema capitalista. días antes de que los colonos judíos comenzaran su retirada. entre el Banksy es el apodo con el que se conoce a uno de los principales exponentes del arte visual callejero. ya que pinta para los pobres pero sus obras son compradas por los ricos. inteligente y satírico. mientras que trabaja para galerías o para grandes firmas publicitarias. motivo por el cual ha recibido críticas de otros artistas que cuestionan el uso que el autor hace del discurso anticapitalista.000 euros. han logrado un amplio reconocimiento en el mundo. una ciudad de Inglaterra. donde se usan otros materiales y técnicas como plantillas. Sus obras. Tratan temas de relevancia social buscando promover una nueva forma de entender el entorno social. Durante el 2005 realizó nueve pinturas sobre el Muro de Cisjordania. pero sus obras son compradas por los ricos. Lucrecia Lázzaro Lic. Si bien Banksy comenzó empleando la técnica del spray aplicado a la pared. En general. Es allí donde inició su obra entre 1992 y 1994. lo cual resulta una de las razones para no dar a conocer su identidad. este tipo de arte ha ido logrando aceptación y reconocimiento en la sociedad. Actualmente realiza plantillas con cartones que coloca en la pared y luego rocía con pinturas para automóviles. vagones de trenes o subtes. Sus métodos son rápidos y directos. que inicialmente era relacionado con actos vandálicos. Aunque nadie sabe su verdadera identidad. carteles y stencils. Muchos lo llaman el “postgraffiti” o “neograffiti” por considerarlo una evolución de dicho género. de fuerte contenido social.

Crac! Magazine l misterio y la fama 47 .

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com/valderramarte . sin dejar por ello de denunciar que esa dignidad es violada por la guerra. pero hay quienes dicen que son demasiado bellas y que lo suyo es "voyeurismo sentimental” .¿Sabías qué? El brasileño Sebastião Salgado era economista pero se apasionó por la fotografía con una cámara que tomó prestada de su mujer. Jorge Humberto Valderrama http://www. y documenta en su obra el trabajo de las personas en los países menos desarrollados o en situación de pobreza. Sus fotos muestran las tragedias del mundo. la pobreza y la injusticia. Sus imágenes son testimonio de la dignidad fundamental de todos los seres humanos. Hoy es tal vez el fotógrafo más conocido del mundo.facebook.

andi-caricaturas.blogspot.ar .com.Crac! Magazine ARTISTAS CRAC!: ANDREA TOLEDO 50 Podés ver más caricaturas de Andi en: www.

Crac! Magazine 51 .

voy mutando. Tengo trabajos en la línea del grotesco hasta lo abstracto.El proceso de creación de tus murales. Me acuerdo de viajar e investigar un poco por San Pablo. ¿llega a ser una labor difícil.. En relación a la social. y estas ahí. pero las cosas se puedan contar y mostrar de muchas formas. laburar espejos urbanos. como con los chicos de Casa Cuna. Me gusta ir experimentando. cosa que no podían creer. en el caso del Pintor Gris. también con chicos cartoneros.Crac! Magazine Muralistas argentinos entrevista ENTREVISTA SEGATORI tarea de mucho peso. desde el momento en que te llega la inspiración hasta que la firmas. esto no significa dejar de retratar a un linyera que duerme en la calle. a pesar de la pasión y el entusiasmo? Y. etc. luchando contra la pared. Les comenté que en Argentina no había ninguna pintada de graffiti. sentimental y anímico.Antes que nada.Tus obras son espléndidas y de un impacto visual importante.Tus trabajos contienen. con el Hospital Borda. es más evidente. . me encontraba haciendo escenografías y ambientaciones. . donde voy viendo distintas temáticas y formas de trabajo. después volvieron a su país y cada uno siguió su camino. felicitaciones por tus trabajos y muchisimas gracias por tomarte el tiempo para responder a nuestras preguntas. que casualmente hoy son de los más reconocidos a nivel mundial. etc. puede ser de un día a un mes. Trato que el personaje retratado se sienta representado y contento con la obra. habitualmente realizo talleres con distintos grupos. hicimos algunas performances en la playa. No todos son días primaverales. armé la Fundación . Me parece que una de las funciones mas importantes del arte en el espacio público es generar un momento de alegría y descompresión. en los cuales pintamos en recitales de Pedro Aznar. Los Cafre. y muchas veces me gusta trabajar en la temática del grotesco de la realidad. Binho y Tinho. pintar un mural es un trabajo mental y físico. para la marca Motor Oil y distintos eventos. una critica directa en algunos casos. performance. como Os Gemeos. ¿el muralismo para vos es una manera de expresar tu opinión sobre lo que se vive en ésta sociedad? ¿Sentís que se cumple tu objetivo? Creo que mi caso es una visión más. una divina mezcla entre retrato real y caricatura abstracta podría decirse. . A veces no puedo ir todos los día a pintar.En promedio. por haberlos fotografiado junto a la obra. las paredes externas del Hospital Borda y Moyano (con la Rock and Pop). Me interesaba lo referente al arte alternativo. ¿Podrías contarnos cuales fueron tus primeros acercamientos al mundo del arte mural? A principios de los ´90. nos fuimos a Pinamar. ya que pintaban por separado y no se conocían personalmente. Lo que te mueve es la energía que te vuelve de la gente y todo el entorno personal. con la comunidad sorda. Tuve la oportunidad de viajar a la Bienal de San Pablo y conocer a unos chicos que en ese momento estaban comenzando con el graffiti y estaban muy relacionados con la movida hip-hop. Para romper el hielo. lo creativo y lo original. tienen referencias en personajes reales. parece ser una 52 . no me quedo con una imágen definida. . y a aprovecho ir los fines de semana. Me interesa ir proponiéndome desafíos en relación a lo artístico y seguir explorando. Permanecieron dos meses de verano. si. siempre lo hice de manera independiente. pero siempre con respeto y alegría. Speto. En este sentido. ¿De donde surge tu estética?. ¿Tomó mucho tiempo adoptarla? No trabajo sobre una cuestión definida. trabajo generalmente en serie. La mayoría de los personajes que he retratado en la ciudad. hay días de frío y lluvia o excesivo calor. Me gusta lo experimental. Fue una linda experiencia. contactarlos y reunirlos a ellos por primera vez allá. en su mayoría. una fuerte carga social. Depende del tamaño del mural. ¿Cuánto tardas en crear una obra?. con un estilo concreto. y accedieron a venir a mi casa. y con el objetivo de llevar el arte al espacio público.

es la que tengo más desarrollada. y desde un comienzo me interesó aplicarlo a ideas de imágenes en la ciudad. interculturales y solidarias. También estoy por comenzar un taller de técnica mixta. se encuentra en el área de artes plásticas. por lo que se puede apreciar. Taller Chicos Cartoneros Taller: arte x borda 2 53 . Uno tiene ideas dando vueltas constantemente en la cabeza. Tiene como objetivo realizar acciones interdisciplinarias. ¿El graffiti tiene algún tipo de influencia en tu arte? Si. el curso se denomina Aerosol Urbano. adaptas la obra al lugar? Generalmente voy buscando paredes y me trato de inspirar en ellas y en el entorno. aprovecho para comentarte que actualmente estoy dictando un taller de murales con aerosol en el Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA). . todo lo contrario. . de la cual soy su presidente. Empecé a utilizar el aerosol después de ver en los ´90 imágenes de graffiti.Crac! Magazine entrevista TALLER AEROSOL URBANO 2 CLASE 1 Cultural Andén 2222. pero la pared tiene mucho que ver en el desarrollo de la idea. surge del graffiti. Realizo dos por año.Las locaciones.A diferencia de otros muralistas. posiblemente los días jueves. como las que se utilizan para otro movimiento de expresión artístico-social. la técnica de aerosol a mano alzada. ¿Son elegidos a propósito. en el Mercado de las Pulgas. La técnica free-hand (mano alzada). con una visión particular. los lugares en donde realizas tus murales. quizás mas porteña y no hip-hop. pensaba cómo sería posible hacer esas letras con aerosol? Los trazos finitos. etc.. van de la mano con el mensaje que querés transmitir? ¿O. trabajas mucho con pinturas en aerosol. son bimestrales y el próximo comienza el 29 de septiembre.

Santiago Nitto 54 . y por hacer un aporte tan importante al mundo y a la sociedad Argentina.¡Seguro que así será! Muchísimas gracias Alfredo. ¿Cómo te sentís como muralista ante este tipo de situaciones? Si bien está la idea de que el arte urbano es efímero.Crac! Magazine entrevista . Pienso que los murales deberían ser cuidados más.Si. Esperamos que si… Me gustaría encontrarme a los 99 años de pie. . sino con las decisiones políticas que los dirigen. para averiguar más detalles sobre los talleres. Mi problema no está en ellos. que fueron tapados con publicidad política. con ganas y arriba de un andamio. por tu tiempo para esta entrevisa. ya que tienen los medios. le llegue a poner una mano de aceite cocino en la pared para que no pegue la cal (lo cual dio buen resultado jeje!) hasta que desistieron. me encuentro que le habían pasado una mano de cal. euforia y alegría al mismo tiempo. en mi caso tengo conciencia que una pared no dura eternamente. pero al fin y al cabo siempre está. estoy totalmente en contra de las pintadas políticas. en esto estamos totalmente de acuerdo!! Y de cierre… La inspiración va y viene. y si hace falta restaurar el mural mientras se pueda. ¿Qué efecto te causa a vos contemplar la obra una vez terminada? Es una mezcla de alivio. ¿Que opinás sobre los “atentados” a los trabajos que suelen aparecer? Como.¡Muy bueno! Seguramente se podrán poner en contacto con vos. que son trabajadores. En una oportunidad me encontré con los muchachos que venían tapando este mural. no solo sobre murales. bien es sabido que el arte mural tiende a ser efímero pero. hable con ellos y llegamos a un acuerdo. por ejemplo. Es la sensación de “Pude vencer a la pared”. ¿Estás conforme con tu vida como artista? ¿Pensas seguir creando arte y aportar al medio los frutos de tu inspiración?. vía email. pero trato de que se mantenga lo máximo posible.¡Claro! Pero bueno. lo limpié dos o tres veces. . He tenido la experiencia de limpiar uno de mis murales que al terminarlo. para una pintada política. sino en la calle. . Después de todo el esfuerzo que lleva la realización de los murales. el caso reciente de los murales de Martin Ron en Palermo. Creo que los partidos políticos deben pagar su publicidad en los espacios destinados a publicidad.

Crac! Magazine entrevista Luis Alberto Lustrabotas. Mitre 1800 LINYERA (Honduras y Juan B Justo) 55 .

Crac! Magazine entrevista 56 En la Mesa de los Muralistas Mexicanos (METRO INSURGENTES MEXICO DF) Alfredo Segatori .

Crac! Magazine entrevista 57 .

Fue un movimiento crucial que denota el reconocimiento por parte del Estado mexicano de la importancia del arte como instrumento político. Estos artistas se valieron de los muros de edificios públicos para expresarse. que influiría no sólo en México. a diferencia de los otros dos. se interesa por incorporar a los valores prehispánicos la fuerza de la pintura moderna y la invocación plástica (introdujo nuevas técnicas y materiales como el uso de pintura de automóviles o pistola de aire). donde el muralismo sigue siendo una expresión fundamental del arte. Si bien el muralismo fue criticado desde diferentes puntos –por negar al arte moderno usando recursos propios del arte moderno. José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Empapados de la tradición precolombina y colonial. e impone con fuerza el tema de la Revolución. apunta en mayor medida a la lucha de clases y a la explotación del hombre en el mundo moderno.Crac! Magazine MURALISMO MEXICANO "La cultura engendra progreso y sin ella no cabe exigir de los pueblos ninguna conducta moral. Los principales representantes de este movimiento fueron Diego Rivera. toma una concepción del indigenismo llevado a la idealización. con fuertes ideas marxistas. sumada a las prácticas populares. en pos de obras monumentales para unificar al pueblo mexicano. en Historia del Arte Máster en gestión cultural 58 . Rivera. o por “venderse” al capitalismo aceptando encargos de Estados Unidos. Siguiendo el programa indigenista y de educación social a través del arte. imponen un arte opuesto al academicismo reinante." José Vasconcelos. sino también en el resto de Latinoamérica y el mundo. que exaltaba la cultura mexicana. e impulsado por la filosofía y política de José Vasconcelos – filósofo y primer secretario de Educación Pública – surge el Muralismo Mexicano. Impusieron el sentimiento nacionalista redescubriendo las técnicas del fresco y la encáustica. Orozco. en cambio. como arma revolucionaria y educativa. Tras la Revolución Mexicana de 1910. María Luz Diez Lic. este grupo de artistas rechaza la pintura de caballete y el arte intelectual. Siqueiros. entre otras –es indiscutible su valor en cuanto arte político y social. por su parte.

Palacio Nacional. El mercado Tlatelolco 59 .Crac! Magazine Diego Rivera.

se dice a sí misma en algún anuncio publicitario. aceita.vayamos a morir. Si en cada pequeñísima obra se encuentra ineludiblemente visible la muerte como imagen última.capta. decide. la muerte nos espera transparente. la filosofía y el artista.Crac! Magazine “Celeste es una grieta que ilumina el aire” 60 Por lo menos desde mediados de siglo XX. con su perspectiva instrumentalista. y es justamente esa fantasmagórica presencia lo que permite. a veces ciegas. fundamenta y acciona cada quehacer durante nuestra vida. Y. la civilización occidental pareció asumir que esta historia que somos. estamos orientados irremediablemente hacia la muerte. en alguna librería que quizás también exista la racionalidad poética. si toda nuestra existencia está determinada por un gran “para que…”. en el final de cada cadena pragmática. con esperanzas desganadas. en cada momento. en el final de su cadena de los “para que…”. Desde abrir la canilla del agua para ducharnos hasta la decisión diaria de no acudir al suicidio. horizonte. y así sucesivamente.porqué somos seres que en el aquí y en el ahora. tener presente a la muerte como punto final y a su vez eje fundamental del quehacer cotidiano. pero ya nadie discutirá no sólo la existencia -o la fuerte presencia. de este carácter pragmático en el cual parecemos estar situados como hábitat primero. cansada y con una sonrisa burlona. entonces todo pragmatismo no puede evitar.sino más bien la ineludible vigilia de la dimensión pragmática en cada uno de los instantes fotográficos que nuestra función cerebral –retina mediante. que esta vida que llevamos se encuentra apresada en las garras de un pragmatismo que todo lo barniza con su visión funcionalista. . entonces entendemos –mediante una vía un tanto vulgar. que a su vez remite a otros “para qué…”. Si se asume esta postura. No es sólo porque efectivamente -biológicamente. sino porque lo sabemos y tenemos presente esta “sabiduría” a cada instante. y otras impostadas. quizás el amor.

la filosofía y el arte. sino que solemos encontrarnos en un laberinto al momento de buscarla. Su función es bien específica: los espacios de ilusión insertos “denuncian como más ilusoria todavía todo el espacio real”. constituiría el objetivo último del ser humano? ¿Por qué no cambiar nuestro fundamento ético-político epocal hacia una transformación del mundo en un hábitat más interesante? Ser un mundo interesante. algunas consideraciones al respecto… Se sabe. En cambio -aunque tampoco de manera sencilla. Aunque no sea exactamente una heterotopía. pero en un modo tal que suspenden. ¿podrían soportar la vida que llevan? Si no estuvieran sólidamente apoyados en la certeza de que hay un fin. no sólo parece improbable alcanzar la felicidad. En ese sentido. De hecho. complejamente atractivo. y no lo interesante. el Street Art crea espacios que logran denunciar la pretendida pureza de estos espacios reales en los que vivimos. neutralizan o invierten el conjunto de las relaciones que se encuentran por ellos designados. tal y como Michel Foucault las ha definido.sí podemos hacer del mundo y de nosotros mismos seres más interesantes. hay algo de denuncia en estas intervenciones artísticas y públicas que se recogen bajo el nombre –aún un tanto impreciso. quizás no cambie el mundo pero sí lo vuelve más interesante que antes y esto. apenas 61 . Y esas esferas son. Insertándose por algunos intersticios. La realidad del espacio que nos atraviesa no es el reflejo de una estructura original inquebrantable (y en esto consiste justamente la crítica). casi interior. He aquí la gran cuestión. y no necesariamente un mundo feliz. entre otras. le decía a su revuelta audiencia una sentencia certera y terriblemente hermosa: “Hacen bien en creer que van a morir. Permítasenos. sí existen esferas a las que podemos recurrir para volverlo. hayan tenido la fortuna de disfrutar de esa sonrisa. reflejados o reverberados”. Ahora bien. Aquél no es necesariamente esto que vemos a diario y que hemos aprendido a diferenciar y determinar casi de una vez y para siempre. al menos. si frente a semejante problemática nos disponemos en lo sucesivo a escribir sobre algo aparentemente tan banal como podría pensarse que es el Street Art. con la tonalidad teatral que lo caracterizaba en sus clases. Quizás les haya pasado. Si no lo creyeran así. veremos. lector. ello se debe a que creemos que tiene aquí su pertinencia. el Street Art logra su cometido. El espacio no responde a una lógica necesaria. por supuesto. no es poco… Recurramos a una antigua pregunta -que hace un tiempo también retomó Slavoj Zizek-: ¿es tan claro que la felicidad sea el “destino” del hombre? ¿Por qué la felicidad. sí es posible aplicarles uno de sus principios y decir que tienen “la curiosa propiedad de estar en relación con todos los otros emplazamientos. y aún cuando no sea posible transformar “nuestro” espacio cotidiano de forma radical. ¿acaso podrían soportar esta historia?”. Eso les da fuerzas.de Street Art.Crac! Magazine Jacques Lacan.

la muerte ha estado presente de una forma peculiar para nosotros los seres humanos. que no se limita a contemplar lo que las cosas son… ¿Lo que las cosas son? ¿Las cosas son? Y si son. cada stencil y cada una de las diversas formas en las que interviene este peculiar arte. Hemos visto que la fuerte unidimensionalidad en la que vivimos y nos manejamos pragmáticamente. Aquellas sonrisas que estos artistas. que antes “nada decía”. en el instrumentalismo. sin embargo.(como sucede en algunas películas de Woody Allen cuando logra retorcerlo todo. creemos no estar muy errados al pensar que seguramente no sabría responder a semejantes interrogantes. cuando estruja con tanta sutileza eso que llamamos “sentido de la vida” que le extrae sus últimos jugos de sabiduría. nos roban no parecen responder más que al goce que despierta el hecho de que esa porción del mundo.a estas cuestiones. ¿cómo son? Estas preguntas rasguñan el firmamento de nuestro espacio con cada pincelada. sumergidos desde siempre en el pragmatismo. pobre y común. cómo respondería él –o el Street Art. Y si alguien le preguntara a un artista de esta especie. pero sí que su trabajo parte de la premisa de que el espacio y las cosas no son necesariamente así como estamos acostumbrados a concebirlas… Y también que sí hay algo de lo cual está seguro: hay una forma artística que puede transformar el mundo en un lugar más interesante… Al comienzo pudimos comprender el modo en que. ahora haya devenido interesante. regalándonoslas. nos arroja hacia la muerte a una velocidad jamás imaginada. al comprender la complejidad artística de un stencil –que.Crac! Magazine garabateada sobre el rostro. tal y como Banksy -por mencionar al más reconocidojuega a poner regiones de las ciudades patas para arriba). tan rápida. El Street Art parece despertar la parte “sana” de esa soberbia impostura que no puede aceptar el orden de las cosas. nada tiene de humorístico. como lo es el escaso tiempo que nos llevaría enunciar las tres o cuatro frases que justifiquen tal o cual acción antes de enfrentarnos con la certeza de que en el próximo 62 .

no que el mundo puede ser mejor. nos grita en la calle. sobre una pieza de cemento. también nos recuerda que existen modos diversos de habitar y recorrer este tiempo. Es ésta última la gran angustia contemporánea. cuando nos perdemos entre las calles. puede apaciguar la marcha y así calmar o acallar el murmullo de la muerte. es porque jugando con los múltiples espacios que nos atraviesan. Si consideramos que el Street Art. incluso hoy. teniendo también él su esfera pragmática. artista y gran amigo Mg. símbolos y otros trozos de mundo. pero sí que resulta ser mucho más rico en complejidad de lo que sus aburridas figuras muestran. Sin embargo. el puro pragmatismo es un tubo espacial homogéneo y resbaladizo que nos arroja y enfrenta –algunas veces más concientes que otras. cambia el ritmo cardíaco. mientras caminamos. difícil sería discutirlo. apenas iniciado el siglo XXI. inesperados momentos. Fernando Beresñak (Instituto de Investigaciones Gino Germani) 63 . Lo interesante nos detiene. En cualquier pedazo de mundo es posible encontrar una intervención que. Y por ello es importante comprender la función (justamente no sólo pragmática) que el Street Art tiene cuando nos invade con sus múltiples espacios (es cierto. A mi hermano Guillermo. para el momento en que por fin arribe esa eventual suposición. que puede ser más interesante. entrecruzando a aquél con colores. algunos más interesantes que otros) en medio de ese aparente espacio homogéneo y universal en el que habitamos. El espacio nos espera aquí. Quedamos absortos por la rica potencialidad que repentinamente se hizo presente en una pared. vayamos a estar muertos.Crac! Magazine “para …” imaginario ya tendríamos que considerar la posibilidad de que. en los que estos entrecruzamientos espaciales que llevan adelante los artistas logran detenernos.cara a cara con la muerte. imágenes. nos hacen notar que la gran higiénica unidad espacial esconde potencialidades más complejas. El pragmatismo es una parte de nuestras vidas. puede igualmente detener esa infinita velocidad. Hay ocasiones. Y el Street Art nos invita a conocer su multiplicidad.

Sin pan y sin trabajo acaparó la atención de la crítica y de toda la opinión pública. El nombre de la obra está inspirado en una frase utilizada durante la Revolución Francesa: el diario revolucionario Le Père Duchesne repetía en sus publicaciones el siguiente reclamo: “No son promesas lo que necesitamos. al igual que muchos de sus contemporáneos. en el seno de una familia adinerada. Este grupo también llevaba a cabo anualmente un Salón de Arte. no perdió contacto con los cambios sociales que experimentaba su país. conferencias y debates. Aunque viajó a Europa para perfeccionar su arte. un grupo de intelectuales que organizaban diversas actividades. y es por ello que contamos con registros de su afiliación al Partido Socialista. Pero para apreciar la pintura. De la Cárcova se apropió de la frase. Por ello. En el segundo Salón. De la Cárcova presentó su obra e inmediatamente se convirtió en un éxito. Sin embargo. con solo 27 años. para hacer énfasis en las carencias de los obreros. que terminó en Buenos Aires un año después. negando tanto el pan como el trabajo. los trabajadores parisinos asistían a las manifestaciones al grito de “pan y trabajo”. la mitad de los habitantes de la ciudad eran extranjeros. una de las peores crisis económicas del país. En Italia. no era ajeno a la realidad social de su país. comenzó a trabajar en su obra más conocida. tales como charlas. para mediados del siglo XIX. En torno a Rafael Obligado se fundó El Ateneo. es pan. y de inmediato”.Crac! Magazine Ernesto de la Cárcova nació en Buenos Aires a mediados del siglo XIX. A partir del crecimiento económico del país. Sin pan y sin trabajo. 64 . Españoles e italianos se asentaban en la Capital y sus alrededores y. es necesario entender la realidad que se vivía en ese momento en Buenos Aires. En 1890 estalla la Crisis del crecimiento. la ciudad experimentaba una fuerte corriente inmigratoria desde Europa.

Crac! Magazine A raíz de ella. en donde vemos un paisaje fabril con chimeneas sin humo. La pintura de De la Cárcova es interesante porque. no hace referencia a ideologías políticas. un movimiento que tomó fuerza décadas después. Dado que los extranjeros traían consigo las nuevas ideas políticas europeas como el socialismo y el anarquismo.com 65 . no explícitamente. Por lo menos. inútiles. Álvaro Mazzino Escritor deplatayexacto.wordpress. a pesar de ser considerada como un antecedente del arte social. Sobre ella. indignado. golpea la mesa con fuerza. podemos ver a su mujer que. la miseria y el desempleo. Sin pan y sin trabajo representa este período de transformación. sus herramientas de trabajo aparecen abandonadas. Los personajes se encuentran dentro de una habitación humilde y oscura. El hombre se asoma por la ventana. se generó un clima de tensión social que derivó en constantes manifestaciones y reclamos populares. trata de amamantar a su bebé. por primera vez. A la izquierda de la composición. el artista nos brinda una escena fundamentalmente íntima y personal. Una manifestación obrera es reprimida por la policía montada y el trabajador. En su lugar. Buenos Aires comenzó a experimentar fenómenos tales como la explotación de los trabajadores. mostrándonos la miseria de una familia obrera. estrechamente ligadas al movimiento obrero. flaca por el hambre.

. se torna política en lo que calla. lleva grabada una ideología política. …para quienes vemos en la literatura un instrumento de la liberación nacional y no una vanidad personal. encontramos textos de un alto contenido político. de modo solapado o explícito..Crac! Magazine LITERATURA Breve recorrido por la literatura social Argentina. el Martín Fierro de José Hernández. no nos es muy difícil y arriesgado concluir que toda obra arte. para centrarnos en la obra de un autor del siglo pasado: Roberto Arlt. entiendo a la política como el modo en que se desarrollan las relaciones entre los individuos de una sociedad. gatos. debe considerar que si dicha obra se hace pública. encontramos textos que son el producto del mestizaje que se desarrolló con la invasión europea y su política colonialista y genocida. Tucumán o La Rioja romances y coplas españolas anónimas. La pasividad y el silencio también son hechos políticos. Hernández Arregui Si reflexionamos sobre el hecho de que toda obra de arte es llevada a cabo por humanos y luego agregamos que dichos sujetos poseen algún tipo de ideología política. textos ya clásicos. El tema es extenso. su papá era prusiano y su mamá italiana. se vuelve política en el rol social que cumple dentro de una sociedad determinada: los efectos de una obra de arte son insospechados. pero también se han encontrado en la boca del pueblo de esos lugares coplas quichuas. que lo entierren no precisa. Hernández Arregui . aunque no sea explícitamente política. resultan dos hechos biográficos: el origen humilde y los problemas con la lengua que se hablaba en esa Buenos Aires de principios del siglo XX. otros se rebelan. J. vidalas. Hombres como Juan Alfonso Carrizo han recopilado en pueblitos de Jujuy. tienen algún tipo de intencionalidad política. dando una estructura a bagualas. Del hecho de que este porteño haya sido hijo de inmigrantes europeos. Por eso es necesario subrayar que una obra de arte. generalmente en los pueblitos más alejados de los centros urbanos. la forma poética que se ha vuelto más popular en nuestro país. Mansilla o el Juan Moreira de Eduardo Gutiérrez. Más allá de estas consideraciones.no hay literatura separada de la política. indirectos.J. Donde dichos individuos toman posiciones políticas sobre el modo en que se organizan dichas relaciones sociales: unos oprimen. otros callan. escondidos.J. Arlt 66 . Dentro del inmenso manantial poético-musical que constituyen los cancioneros del noroeste argentino y nos transportan a tradiciones antiquísimas de nuestra cultura. el Facundo de Sarmiento. unos aguantan. donde vivió y creó uno de los más grandes pintores sociales de nuestro país: Enrique Policastro. insondables. Nació en 1900 en el barrio de Flores. Es necesario agregar que dichas tradiciones populares perduran hasta la actualidad.. como el Matadero de Echeverría. Catamarca. Salta. J. si al lector le quedan dudas. como los siguientes: El pobre quiere y no puede gozar de su libertad. Dejaremos de lado a las grandes obras literarias del siglo XIX argentino. Y luego. sobretodo en Santiago del Estero. aplaudidos y defenestrados desde distintos enfoques. nos referiremos en este texto a algunas obras literarias creadas en nuestro país que. por eso elegiremos algunos casos paradigmáticos. En principio. Una excursión a los indios Ranqueles de Lucio V. etc. Y justamente en la copla. Siempre andan anconsejando que me aguante la pobreza: al que no carga la carga le parece que no pesa. explícitamente. chacareras. milongas. ya enterrado en vida está.

donde se pusieron varias de sus obras teatrales. Pero también fue secretario de Ricardo Güiraldes. Sí. no conversando continuamente de literatura. Crearemos nuestra literatura. opuesto al anterior. Alonso Licenciado en Letras. hoscos y desconfiados. y “que los eunucos bufen”. En sus dos novelas más importantes. Y en esa ciudad. Santiago J. sino escribiendo en orgullosa soledad libros que encierran la violencia de un “cross” a la mandíbula. tan dura como sus edificios. que Erdosain mira como una cosa que no está a su alcance pero que desea poseer. Dicho personaje quiere hacerse rico con algún invento genial. aparecen los anarquistas. en una rutina cruel y sin descanso. creado por Leónidas Barletta en los años 30. Los siete locos y Los lanzallamas. 67 . pederastas. El tema social atraviesa la obra de Arlt. cosa que también había deseado Roberto y en la cual siempre fracasó. por prepotencia de trabajo. un grupo de personajes marginados socialmente deambulan por una ciudad feroz donde habitan los seres más pobres. que pregonaba el arte político y el compromiso del artista con su realidad social. sádicos y todo un abanico de seres prostibularios que forman la fauna ciudadana de Buenos Aires. casi siempre. mas no sin antes dar a luz cosas tan increíbles como unas medias femeninas hechas con un material similar al caucho para que no se rompieran. fabricando bombas para destruir a un sistema que los oprime día tras día. están dirigidos a dar ese golpe (el batacazo) que lo saque de una situación social desesperada y terrible. Este escritor tan porteño y tan universal nos explicó qué opinaba sobre el arte en ese magnífico prólogo a Los lanzallamas. Pero también las niñas bien. que se cerraba sobre su alma inquieta con el peso de la hipocresía asesina de los poderosos. se decidió por lo social y se unió al Teatro del pueblo. un libro tras otro. cuya ideología era comunista. mientras camina muy atribulado por los designios más extravagantes que luchan en su mente pero que. sin contacto con la realidad política del momento. y que adhería al arte puro. donde escribe: “El futuro es nuestro. junto a cafishios.Crac! Magazine Roberto Arlt estuvo ligado a un movimiento artístico social de los años 20: el grupo Boedo. mentor del grupo Florida. Ahora sí debemos agregar que el problema social atraviesa la obra y también la vida de Arlt. ese hombre que tuvo que robar tiempo a su trabajo para escribir obras literarias geniales mientras la oficina le robaba “jirones de vida” día tras día. Pero Arlt.

año 2010. 68 . Santiago Alonso.Crac! Magazine Paisaje adentro. tinta china sobre papel.

A. también maestros señor sarmiento había árboles y mucho barro eso lo sabe un don pizarro había estatuas y mucha agua había frutas: mangos y paltas había.B. plata y diamante señor alcalde. somos cadáveres había vida. es dibujante.). diarios e investigaciones académicas. Ha realizado innumerables muestras y ha publicado en revistas. un nuevo mundo que ya era viejo. lenguajes muertos pueblos vencidos. 69 . nació en Buenos Aires en 1979. pintor.Crac! Magazine HABÍA AMÉRICAS ANTES DE AMÉRICA A los pueblos originarios había vida en esta América señor colombo. Es adscripto a Literatura Latinoamericana 1 B en la Facultad de Filosofía y Letras (U. había américas antes de América en este mundo. señor cortés había desiertos y ciertos pájaros yaguaretés había cuentos. ruinas que yacen mataban hombres como animales cantaban fuerte con sus tambores morían viejos. morían jóvenes somos semillas. que ya era grande sólo hubo muertes cuando llegaron ahora hay hombres con tradiciones que nunca han muerto y están alertas y crecen fuertes y crían bestias sobre los cráneos de sus traidores Bandera de los Pueblos Originarios de Argentina Santiago Julián Alonso. había hambre ciudades nacen. escritor y Licenciado en Letras (U.A. vencidos pueblos acostumbrados al exterminio nos acostumbran a ser sus niños colonizados había dioses. barrían cuerpos como en tu tierra. oro. como en tus puertos señor américo había reinos y las pirámides lenguajes vivos. don almirante había reyes.B.). caían sangres.

centrado en la figuración pero con influencias de lo abstracto. Este hecho no quita importancia a la genialidad del pintor. distintos: el del artista y el militante político. 70 .Crac! Magazine Cândido Portinari Las primeras décadas del siglo XX fueron testigos del nacimiento de numerosos artistas latinoamericanos. ahora imponían fuertes políticas proteccionistas. la crudeza de su producción sacaba a la luz la precariedad de las clases bajas brasileras. que desde sus respectivas realidades plasmaron en sus obras. Sao Paulo. con lo cual no se conseguían las divisas necesarias para mantener las importaciones de bienes de consumo. y sobre todo en las ciu- dades donde el aumento demográfico fue exponencial década a década. de los cuales el país era dependiente. en el caso de Brasil. con el control del mercado y nuevas políticas desarrollistas industrializadoras. Nació en Brodosqui. Los países latinoamericanos que centraban sus ingresos en la exportación de materias primas fueron los primeros en sentir el impacto de la crisis. ayudada por el ambiente de crisis. en el año 1903 dentro de una humilde familia de inmigrantes italianos. Su proyección internacional tuvo uno de los mayores logros cuando le fueron encargados cuatro murales que decorarían las paredes de la Sala de Lectura Hispánica de la Biblioteca del Congreso en Washington durante el año 1941. una presencia cada vez mayor del Estado en la economía. llevó al poder a Getulio Vargas. No es la historia de generales. no le permitía vender su producción de café (principal exportación). Uno debe tratar de imaginar las transformaciones que crisis tan grandes como estas podían causar en sociedades tan dependientes del mercado externo. sino como representación directa de las vivencias del pueblo llano. En medio de este complejo entramado social se encontraba Portinari. los obreros fabriles. del obrero. Como antes mencionamos. curas o conquistadores. inevitablemente traumáticas. Esta situación. cuando los países antes compradores. distintos grupos ejercían una creciente presión sobre las oligarquías terratenientes tradicionalmente en el poder. Dentro de esta tradición artística. migraciones internas. A los 15 años se mudaría a Rio de Janeiro para iniciar sus estudios en arte y sería donde vivirá toda su vida. pero de una forma atemporal. del campesino. como todo artista. La crisis económica mundial desatada con la caída de la Bolsa de Wall Street en 1929 dio inicio a una recesión y contracción del mercado como nunca antes se había conocido. Su vida como artista profesional se inició en 1928 cuando ganó su primer viaje al extranjero. donde luego de recorrer Europa regresa a Brasil en 1930 impregnado de las nuevas corrientes estéticas. sinceras imágenes de su entorno. las mujeres. un aumento en el tamaño de las ciudades y las. sino que nos da pistas sobre el origen de su obra. No desde una visión nostálgica o victimizada. lo cual conllevó a un crecimiento de la mano de obra. Con un estilo particular. Uno de los cambios vendrá de una fuerza industrializadora cada vez mayor. Pero en todos ellos una ausencia es notoria. aunque complementarios. Estos murales fueron diseñados por Portinari para relatar la historia de América Latina desde la llegada de los españoles y portugueses. revelándose. A partir de ese momento. trabajando. los niños y la devoción religiosa. Portinari. pero con la idea clara de utilizarlas para retratar la realidad cotidiana de su pueblo. modificarían para siempre la fisionomía del Brasil. Dentro del ámbito político. En donde podemos seguir su vida por dos caminos. Cândido Portinari fue un fiel ejemplo dentro de la cultura brasilera. no pudo escapar a la influencia del momento histórico. los protagonistas de sus pinturas y murales fueron los campesinos. la dura vida en las plantaciones de café o la enorme explotación del proletariado bajo estas nuevas políticas industrialistas. La Revolución en el año 1930. Eran escenas del pueblo luchando. sin importar su especialidad.

com/biografia/p/portinari Gowing. pero esto no le impidió sacar a relucir su descontento con las desigualdades sociales y económicas de su país en sus magistrales obras. Artista prolífico y sumamente original dentro de la corriente muralista latinoamericana del siglo XX. Vol.biografiasyvidas. Robert C. Historia Universal Siglo veintiuno. Historia Universal del Arte. Madrid: Siglo XXI. Gustavo y Helène. 1984.gov/rr/hispanic/sala/portinari Candido Portinari . Estuvo afiliado desde joven y hasta su muerte al Partido Comunista de Brasil. Murió en Rio de Ja- neiro en el año 1962 víctima del envenenamiento por los pigmentos de sus pinturas. Murals by Candido Portinari in the Hispanic Foundation of the Library of Congress..1941 71 . quizás sea interesante pasar al segundo Portinari.loc.El descubrimiento de la tierra. España: SARPE. el político. por medio del cual se presentó como candidato para diputado federal en las elecciones de 1934 y para senador en las de 1946. consciente de su realidad social y del lugar del artista como figura denunciante de las desigualdades.Crac! Magazine Es la historia de los marinos. el artista demuestra al mundo que la civilización americana fue conseguida sobre la base del trabajo y sufrimiento de millones de individuos. 1943. o en los paneles de Guerra y Paz del edificio de las Naciones Unidas en Nueva York en el año 1957. Lawrence. Washington. Esas figuras ocupan estas magníficas obras. Pablo Stanisci Historiador Referencias bibliográficas: Beyhaut. 1986. 23. 7. Vol. fue un retratista de su tiempo y su tierra. Smith. En ambos casos fue vencido. donde una vez más. mineros e indios. América Latina III. En este punto. Biografía de Cândido Portinari en http://www. esclavos. Ni siquiera cuando el dictador Getulio Vargas era quien le encargaba su mayores trabajos. De la independencia a la segunda guerra mundial. Se utilice la traducción ubicada en http://www. de los nunca reconocidos.

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xul solar
ARTE SOCIAL
ley que aclara el mundo haciéndolo comprensible en el Las formas en la obra de Xul Solar presentan encuentro con el otro por medio del amor. edificios vivos de pensamientos, esferas jaldes, yoguis en asana, serpientes verdes, prismas multicolores, Querida, ¿acaso no ves cómo todo lo que aparece cintas naranjas, signos, glifos, cristales vivos, letras ante nuestros ojos es sólo un reflejo, una sombra, de pensamientos, palacios, ciudades celestiales que de aquel que es invisible? Querida, ¿acaso no oyes corresponden a las descripciones de sus Relatos de los cómo el estruendo estridente del mundo es sólo un mundos superiores1 o las visiones notadas del I Ching eco engañoso de las armonías triunfantes? ¿O tal escritas en neo criollo. vez no sientes, querida, que sólo hay una cosa en el mundo: lo que un corazón confía a otro corazón en Me inunda todo de signos que le salen de la boca un saludo sin palabras? y no oigo, que completa el espacio mucho más que la gente: son coágulos de pensamientos que se Esta transformación individual permite el condensan cristalizan de a poco en cristales vivos encuentro con el otro, en el otro. En dicho proceso, los y más letras de pensamientos que se juntan y re obstáculos y resistencias, como fuerzas de gravedad, combinan, se derraman por el palacio y ciudad y se convierten en el estímulo de creación de la nueva cambian el cielo que perduran mucho. De tanta sopa forma social: el arte social. El artista, por el método de letra en que nado no entiendo sino solo yo del conocimiento de las energías implícitas en el pensar, tomo: que yo viva siempre en el cielo, lo que yo sentir y la voluntad logra liberarse de la forma de decida, yo lo cumple en obra, que yo imante gente energía, del nivel de consciencia anterior, cuya esencia nueva, ya todo asaz fluido, pero luego se aclara y es la memoria de las emociones que el alma ha grabado dice y me burla que sólo veo lo plástico, que debo de antiguas experiencias en su ilusión de percibir un devorar las letras y digerirlas, que recién cuando yo mundo objetivo y terminado que lo convirtió en un ser sea flor del cielo se me acercarán los nuevos2. egoísta, antisocial, aún cuando sus intenciones sean las mejores o las más morales. Rudolf Steiner, fundador de la antroposofía y gurú de Xul Solar, maestro de Wassily Kandinsky y Piet El arte social es al mismo tiempo individual y Mondrian, inspirador de Joseph Beuys, coincide en social puesto que al traspasar la barrera de la conciencia que la libertad del individuo se logra a partir del camino ordinaria que cierra al hombre sobre sí mismo, el ser meditativo-perceptivo por medio de la fuerza del humano puede unirse al mundo y a los demás seres desarrollo y atención de las energías pensamiento de la humanos, llegando a experimentar verdaderamente el imaginación, inspiración e intuición, y lo expresa así: significado del sentido del Yo Ajeno. El punto inicial para una nueva vida en el arte solo puede desarrollarse desde el mundo espiritual. Debemos convertirnos en artistas, no para desarrollar simbolismo o alegorías, pero emergiendo a través del conocimiento espiritual, más y más dentro del mundo espiritual. A partir de ese instante, el artista como todo hombre, puede liberarse del encierro en que se halla de la caja construida por los siete sentidos donde solo ve el mundo deformado y descolorado a semejanza de un mal espejo. Y así, Vladimir Soloviev postula la imaginación de una Ahora me animo y me lanzo floto volando hasta el castillo vivo que parece flotar anclado sin base en el abismo de luz rodeado de noche. Allí entro por la cálida puerta túnel. Los macizos muros son bloques de luz vivos, azul, rojo, róseo, verde, víride, violeta, naranja, jalde seudo color. Cada uno vive, palpita, respira. Las formas humanas que allí fluyen se adaptan o geometrizan llenando los bloques vivos o más bien estos son hombres de piedra, cristalino, diáfanos. No abarco ni entiendo tanto que hay, pero siento que soy bienvenido, que hay amor en el lugar. Son más que hombres, arden amor, sueñan vivaz4. En Buenos Aires, Argentina, Alejandro Xul Solar

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Foto de grupo de algunos de los asistentes a la demostración en honor de Ricardo Güiráldez, festejando el éxito de "Don Segundo Sombra", entre los que se encuentran Ricardo Güiraldes, Enrique González Tuñón, Leopoldo Marechal, Jorge Luis Borges, Xul Solar, Oliverio Girondo, Macedonio Fernández, Jacobo Fijman y Raul Scalabrini Ortiz.

formó parte de una generación con un gran interés en el avant-garde y participó del grupo del periódico Martín Fierro. Aunque su militancia fue breve, mantuvo una relación de gurú - maestro - amistad con Jorge Luis Borges, Evar Méndez, Victoria Ocampo, Leopoldo Marechal, Jorge Calvetti, y muchas otras figuras literarias y de la cultura. Compartió con ellos sus experiencias místicas, sus investigaciones en el plano de las leyes de la naturaleza, como nos cuenta Jorge Luis Borges en Laprida 1214: Por esa escalera he subido un número hoy secreto de veces; arriba me esperaba Xul Solar….y más adelante: Ni el dinero ni el éxito le importaban; vivía como Blake o como Swedenborg, en el mundo de los espíritus5. De esta manera Xul Solar dispuso la aparición del Arte Social en la Argentina, así como en el mundo germánico Wolfgang Goethe, desde su postulado “Si reconozco una relación conmigo mismo y con el mundo, a eso lo llamo yo verdad”6 preparó a Rudolf Steiner. Años más tarde Wassilly Kandinsky y Paul Klee lo reflejaron en el mundo del arte. Arkurator M.Cecilia G. Bendinger ceciliabendinger@hotmail.com http://coecos-dom.blogspot.com.ar/

Referencias: 1 Xul Solar, Relatos de los mundos superiores, traducción del neo criollo, Arkurator Ma. Cecilia G. Bendinger, Editor Arquitecta Patricia Nadler de Jenik. 2 Xul Solar, Relatos de los mundos superiores, traducción del neo criollo, Arkurator Ma.Cecilia G. Bendinger, Editor Arquitecta Patricia Nadler de Jenik. 3 Rudolf Steiner, conferencia dictada en 1923, GA 276 4 Xul Solar, Relatos de los mundos superiores, pág.82, Hexagrama47, 28 de octubre de 1926, op.cit. 5 Borges, Obras Completas; N°11,2011, editorial Sudamericana; Atlas (1984), Laprida 1214, pág.236. 6 Rudolf Steiner, Ensayos de Ética, editorial Rudolf Steiner SA, Madrid.

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En la calle Iriarte al 2165, se encuentra el Circuito Cultural Barracas (www.ccbarracas.com.ar), un centro creado por los vecinos que ofrece actividades comunitarias como talleres, teatro y música. Es un proyecto artístico que desde 1996 crea y produce, de manera colectiva, espectáculos e intervenciones teatrales que exhiben en su barrio. Más de 200 vecinos forman parte y ya son alrededor de 15.000 los espectadores anuales a sus shows. Este año, hasta junio se presentó “El loquero de Doña Cordelia”, una obra original con una puesta en escena de más de 30 actores, que introdujo al espectador a una peculiar pensión, donde se han ido alojando los locos del barrio que deciden “refundar” la Revolución de Mayo. En agosto se reestrenó “El casamiento de Anita y Mirko”. Ésta, más que una obra es una fiesta donde el espectador es un invitado más al casamiento. A este evento no le falta nada: video de los novios, vals, números musicales, cena, lanzamiento del ramo, torta. La obra se presenta los sábados y la entrada incluye comi-

da, bebida y la tradicional torta de casamiento. Con su nombre el Circuito expresa su forma de trabajo, que busca que sus proyectos “circulen” entre distintas realidades socio-económicas y culturales del barrio. Los beneficios que trajo a Barracas son infinitos. Se han incorporado a jóvenes y niños en situaciones de vulnerabilidad, se ha ido recuperando la identidad barrial y mejorando la comunicación. Los recursos de este centro provienen del cobro de entradas, donaciones, cuotas societarias y aportes de publicidad. También cuentan con subsidios del Ministerio de Desarrollo Social y de la Secretaría de Cultura de la Nación. Además de generar y crear producciones artísticas de gran calidad, lo que se fue construyendo con este proyecto es una apuesta de vida. La gente del Circuito está demostrando que se puede mejorar la realidad a través del arte y el trabajo comunitario, lo que hace a Barracas un ejemplo a seguir. Carolina Diez

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Representa y es testigo de movimientos sociales. Una fotografía. entre otras herramientas gráficas. precisamente a principios de 1900. El fotoperiodismo presta un valor testimonial en imágenes muy importante. aunque puede mejorar la estética con los objetos que puedan aparecer en la toma. simplemente debe mostrar la verdad. El fotoperiodismo ilustra y va más allá que ilustrar la nota con una imagen significativa que puede o no aportar a ella. y hacer una toma que sea reconocida y pueda mostrar una situación en particular. Brenda Galán Periodista. leer y no influir en la realidad para no modificarla. Lo reflejado no debe ser manipulado. La prensa diaria tiene poco de fotoperiodismo y esto se nota en la cantidad de imágenes que se encuentran en diarios o portales. En ese entonces no estaban dadas las condiciones para incluir las fotografías en los diarios o revistas. un video. además existían situaciones de censura por parte de los gobiernos o militares de turno. la realidad de una situación.Crac! Magazine Fotoperiodismo Actualmente estamos insertados en un mundo donde todo pasa por la inmediatez de los eventos. Su historia tiene que ver con sucesos históricos del mundo. 76 . Ser testigo y dejar un precedente en la historia. en pocos minutos. Es por esto que la labor del reportero gráfico debe indagar más allá. El fotógrafo debe captar. Por lo que más adelante. El fotoperiodismo tiene sus cimientos en épocas de guerras. Esa es la principal característica de este trabajo. La entrega debe ser completa. más bien se utilizaban dibujos o grabaciones. la expresión más deseada o propuesta de la escena a retratar para no manipular la misma. Lo importante de esta disciplina es su objetividad. la fotografía otorgaba otro tipo de credibilidad. debe saber observar. pueden ser plasmadas en diversos medios.

Con una selección de 270 fotografías elegidas entre 2900 enviadas desde todo el país. en plena clandestinidad por la última dictadura militar. como así también el retrato de pedido de justicia y un documental en su memoria. 77 . Brenda Galán Periodista. hasta naturaleza. El compromiso y el amor por la profesión continúan vigente 23 años después. En un espacio apartado se pudo ver fotografías tomadas por él mismo para la revista Noticias. Todos los espacios del segundo piso del Palais de Glace estuvieron decorados. la muestra anual con fotografías de los eventos más importantes de 2011. Dentro del Palacio Nacional de las Artes. se pudo conmemorar a José Luis Cabezas. por secciones. además. Las mismas van desde política. en el Palais de Glace. con las imágenes seleccionadas para la muestra. una tradición que aumenta la cantidad de participantes y concurrencia año tras año. deportes y vida cotidiana. en el marco del 15º aniversario de su asesinato. La muestra organizada por ARGRA comenzó en 1981.Crac! Magazine Fotoperiodismo argentino La Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina (ARGRA) realizó durante julio y agosto. arte y espectáculos.

no has buscado por caminos alternativos y seguramente es la solución que siempre se ha adoptado. muy sencillas. Pue- de que esa idea sea buena y puede que funcione.Crac! Magazine ¿CREATIVIQUÉ? Vamos a hacer una prueba… ¿Ves la cuadrícu- la que hay en esta página? Pues dime en 5 segundos cuantos cuadrados ves… ¿Preparado? YA! ¿Cuántos has contado? ¿16? Lo más probable es que esa haya sido tu respuesta y. lo mismo ocurre con tus ideas… Tienes un problema y te quedas con la primera solución que se te pasa por la cabeza. Te propongo varias acciones. Eso está muy bien. y alcanzar resultados sorprendentes. pero seguramente no será muy original porque no has ido más allá. aquella que te han enseñado que es la correcta cuando te dicen cómo se hacen las cosas. Échale un vistazo con un poco más de tiempo y verás que puedes encontrar hasta 30 cuadrados distintos (los 16 pequeños. posiblemente no los hayas contado todos sino que habrás realizado una operación matemática multiplicando 4x4. además. 78 . has resuelto el problema muy rápido pero… ¿Quieres quedarte con esa respuesta? “Lo Creativo” Hexagrama I .I-Ching | Tatuaje Ph: Javier Camacho. 4 de nueve pequeños cada uno y el exterior). 9 de cuatro cuadrados cada uno. Lo mismo ocurre en creatividad. para que las medidas que tomes a la hora de solucionar tus problemas vayan más allá de lo obvio y puedas generar ideas creativas para hacer las cosas de forma distinta.

sin una razón aparente. ya las ha relacionado e intuye que pueden funcionar. Escucha tu intuición de vez en cuando. Después. conviene tenerlas en cuenta porque aunque tu cerebro consciente no tenga todos los datos para analizarlas racionalmente. plantéate por qué la haces así. genera al menos 3 ideas para solucio nar ese problema. en el próximo número de CRAC! MAGAZINE te enseñaré una de las técnicas más potentes para tener ideas que lo cambian todo… Javier Camacho.com/creativador creativador@javiercamacho. Para un poco y piensa otras alternativas a la solución de siempre. Quizá haya otras formas de obtener el mismo resultado o uno mejor. Creativador.facebook.. de vez en cuando. No te quedes con lo primero que te pase por la cabeza. te parece que puede funcionar. si son 5 mejor. Autor de Inteligencia Creativa. aunque después no le hagas caso. o quizás ni siquiera compense seguir realizando esa acción o esa tarea. o por qué la haces.es 79 . Con 30 segundos basta. es una sensación. tu inconsciente ya las ha analizado. Esas intuiciones están basadas en datos que relaciona tu cerebro de forma inconsciente y.Crac! Magazine Cuando tengas un problema o quieras mejorar o crear algo. EDAF www. De vez en cuando. Ed.. valora dónde pueden llevarte y cuál se adapta mejor a lo que quieres conseguir. 30 segundos para cuestionarlas o mejorarlas. La intuición es esa solu- ción que. cuando vayas a realizar una tarea que haces a menudo o que te molesta hacer. De momento cuestiona tus decisiones.

ZAPATA (Colonia Balbuena Mexico DF) | Alfredo Segatori .

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