Arte efímero

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Liberación de 1001 globos azules, «escultura aerostática» de Yves Klein. Reconstrucción realizada en 2007 en la Plaza Georges-Pompidou de París, en celebración del cincuentenario del evento realizado por Klein en 1957. Se denomina arte efímeronota 1 a toda aquella expresión artística concebida bajo un concepto de fugacidad en el tiempo, de no permanencia como objeto artístico material y conservable. Por su carácter perecedero y transitorio, el arte efímero no deja una obra perdurable, o si la deja —como sería el caso de la moda— ya no es representativa del momento en que fue creada. En estas expresiones es decisivo el criterio del gusto social, que es el que marca las tendencias, para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación, así como de la crítica de arte.1 Independientemente de que cualquier expresión artística pueda ser o no perdurable en el tiempo, y que muchas obras concebidas bajo criterios de durabilidad puedan desaparecer en un breve lapso de tiempo por cualquier circunstancia indeterminada, el arte efímero tiene en su génesis un componente de transitoriedad, de objeto o expresión fugaz en el tiempo. Es un arte pasajero, momentáneo, concebido para su consunción instantánea. Partiendo de este presupuesto, se denominan artes efímeras a aquellas cuya naturaleza es la de no perdurar en el tiempo, o bien aquellas que cambian y fluctúan constantemente. Dentro de ese género pueden considerarse artes efímeras a expresiones como la moda, la peluquería, la perfumería, la gastronomía y la pirotecnia, así como diversas manifestaciones de arte corporal como el tatuaje y el piercing. También entrarían dentro del concepto de arte efímero las diversas modalidades englobadas en el llamado arte de acción, como el happening, la performance, el environment y la instalación, o bien del denominado arte conceptual, como el body-art y el land-art, así como otras expresiones de cultura popular, como el grafiti. Por último, dentro de la arquitectura también hay una tipología de construcciones que se suelen expresar como arquitectura efímera, ya que son concebidas como edificaciones transitorias que cumplen una función restringida a un plazo de tiempo.2

Índice
1 Fundamentos del arte efímero 2 Arquitectura 3 Elementos naturales o 3.1 Jardinería o 3.2 Agua o 3.3 Fuego: la pirotecnia o 3.4 Aerostación 4 El cuerpo humano o 4.1 Peluquería o 4.2 Maquillaje o 4.3 Tatuaje o 4.4 Piercing 5 Moda 6 Perfumería 7 Gastronomía 8 Arte urbano: el grafiti 9 Arte de acción 10 Arte conceptual o 10.1 Body-art o 10.2 Land-art 11 Nuevas tecnologías o 11.1 Arte nocturno: el neón o 11.2 Vídeo o 11.3 Láser o 11.4 Informática o 11.5 Sonido 12 Véase también 13 Referencias 14 Enlaces externos

Fundamentos del arte efímero

The Umbrella Project (1991), instalación artística de Christo, Ibaraki (Japón). El carácter efímero de ciertas expresiones artísticas es ante todo un concepto subjetivo supeditado a la propia definición del arte, término controvertido y abierto a múltiples significados, que han ido oscilando y evolucionando con el tiempo y el espacio geográfico, ya que no en todas las épocas y todos los lugares se ha entendido lo mismo con el vocablo «arte». El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Sin embargo, la definición de arte es abierta, subjetiva, discutible, no existe un acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas. En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales cunas de la civilización occidental y primera cultura que reflexionó sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de «destreza». En el siglo II Galeno dividió el arte en artes liberales y artes vulgares, según si tenían un origen intelectual o manual. Entre las liberales se encontraban: la gramática, la retórica y la dialéctica —que formaban el trivium—, y la aritmética, la geometría, la astronomía y la música —que formaban el quadrivium—; las vulgares incluían la arquitectura, la escultura y la pintura, pero también otras actividades que hoy se consideran artesanía.3 En el siglo XVI empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no sólo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que durante el Renacimiento adquirió el nombre de arti del disegno (artes del diseño), por cuanto comprendían que esta actividad —el diseñar— era la principal en la génesis de las obras de arte.4 Más adelante se consideraron actividades artísticas expresiones como la música, la poesía y la danza, y en 1746 Charles Batteux estableció en Las bellas artes reducidas a un único principio la concepción actual de bellas artes, término que hizo fortuna y ha llegado hasta nuestros días.5 Sin embargo, los intentos de establecer unos criterios básicos sobre qué expresiones pueden ser consideradas arte y cuales no han sido un tanto infructuosos, produciendo en cierta forma el efecto contrario y acentuando aún más la indefinición del arte, que hoy día es un concepto abierto e interpretable, donde caben muchas fórmulas y concepciones, si bien se suele aceptar un mínimo denominador común basado en cualidades estéticas y expresivas, así como un componente de creatividad. Actualmente, a la clasificación tradicional de artes han sido

pierde su significación conceptual. la cinematografía. y que suponen expresiones genuinas de los pueblos y culturas que se han sucedido en el tiempo. que comenzó a ser valorada por sus cualidades intrínsecas. encargados de la conservación y difusión del arte. supuso una primera barrera entre la clasificación de ciertas expresiones como arte y no de otras. como documentos de épocas que perduran en el recuerdo. el carácter coleccionable de ciertos objetos. más que lo efímero» (Las Estaciones). el cristianismo —del que emanó toda la estética medieval—. los videojuegos. «entretenimiento» y términos similares. de espacio y tiempo. y Goethe llegó a afirmar que sólo lo efímero es bello: «¿Por qué yo soy efímera. rechazaba la belleza física como algo pasajero. La desvalorización de lo efímero arranca con Platón. el teatro. denominadas frecuentemente de forma peyorativa como «moda».añadidas por ciertos críticos e historiadores expresiones como la fotografía. el motivo por el que fue creada. el ser humano ha tenido siempre afán por coleccionar y guardar estos objetos por sus cualidades únicas e irrepetibles.. Los románticos valoraban «lo que jamás se verá dos veces». la animación. ya que la única belleza inmutable era la de Dios. para el que las cosas bellas no eran perdurables. entre la obra y su consumidor.6 Un aspecto esencial en la génesis del arte es su componente social. Los museos y academias de arte. Una obra de arte responde a criterios sociales y culturales. Aun así. la interrelación entre artista y espectador. De igual manera.7 Desde antaño se ha especulado con la artisticidad de las expresiones efímeras. y aún existe cierta discrepancia sobre otro tipo de actividades de carácter expresivo. ya que lo único eterno es la «idea de lo bello». etc. de si el carácter efímero del arte y la belleza puede devaluar estos conceptos.8 . la televisión. desde el siglo XIX empezó un cambio de actitud respecto a la belleza efímera. dice Zeus. el cómic. aunque perdure como objeto físico. se encargaron igualmente de patrocinar y preponderar unas expresiones artísticas frente a otras. la moda. frente a otros de consunción más rápida. la publicidad. fuera de los cuales. otros objetos o creaciones de diverso signo fueron relegados al olvido tras haber cumplido su función momentánea. Precisamente. Sin embargo. o como mucho quedaron en el recuerdo a través de testimonios escritos o documentos que diesen fe de su existencia. y así como cuadros y esculturas entraron sin problema en estas instituciones. oh Zeus? dice la Belleza / Yo no hago bello. «adorno».

de la manifestación espontánea. En ese contexto. la mecánica cuántica. el artista es tan sólo un artífice que establece las condiciones para que la obra siga su propio destino. de raíz kantiana. las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto. el arte de acción y conceptual. La estética contemporánea ha presentado una gran diversidad de tendencias. Aunque diversas manifestaciones que puedan ser consideradas como arte efímero han existido desde los inicios de la expresividad artística del ser humano —incluso podría considerarse como algo inherente a una cierta concepción del arte—. Aunque se construyó con el propósito de ser perecedera.9 En el siglo XX movimientos como el futurismo exaltaron el carácter efímero del arte. En una sociedad más materialista. etc.La Torre Eiffel. que pierde universalidad. Así cobró especial relevancia el concepto de moda. La velocidad de consumo desgasta la obra de arte. encuentra gusto en la conciencia social de placer (cultura de masas). no al intelecto. en paralelo con la atomización de estilos producida en el arte del siglo XX. De este modo. expresar sus sentimientos. Hay una revalorización del arte activo. Es un arte que destaca por su instantaneidad. 1914). cambia simultáneamente: así como el arte clásico se sustentaba sobre una metafísica de ideas inmutables. más consumista. Tanto la estética como el arte actuales reflejan ideas culturales y filosóficas que se fueron gestando en el cambio de siglo XIX-XX. como el mecanicismo y la desvalorización del tiempo y la belleza. el actual. Por otro lado. haciendo oscilar el gusto. en muchos casos contradictorias: la superación de las ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a conceptos más subjetivos e individuales. ya que la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. llegando a convertirse en un símbolo de la capital francesa. las nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función. evolucionando y transformándose con el tiempo en paralelo a la percepción que el espectador tiene de ellas. predominando los gustos personales. efímera. Incluso el arquitecto visionario Antonio Sant'Elia preconizó construir casas que «duraran menos que los arquitectos» (Manifiesto de la arquitectura futurista. llegando a escribir Marinetti que «nada me parece más bajo y mezquino que pensar en la inmortalidad al crear una obra de arte» (El Futurismo. de la acción. el actual de concepto. partiendo del movimiento romántico y cristalizando en la obra de autores como Kierkegaard y Nietzsche.8 El arte contemporáneo está íntimamente ligado a la sociedad. 1911). necesita poco tiempo de percepción. El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas: la subjetividad del tiempo (Bergson). el arte se dirige a los sentidos. suponen una ruptura con la tradición y un rechazo de la belleza clásica.10 . ha sido en el siglo XX cuando estas formas de expresión han adquirido un gran auge. el arte efímero. del arte no comercial. donde el artista ya no intenta reflejar la realidad. El arte actual tiene oscilaciones continuas del gusto. sino su mundo interior. debido a su éxito se decidió conservarla. Surgió así una nueva sensibilidad por la cual las obras de arte adquirieron una autonomía propia. Todos estos factores produjeron la génesis de las nuevas tendencias del arte contemporáneo: el arte abstracto. obra de Alexandre Gustave Eiffel para la Exposición Universal de París de 1889. la teoría del psicoanálisis de Freud. la relatividad de Einstein. a la evolución de los conceptos sociales.

conviene recordar que la percepción de lo efímero no se aprecia por igual en el arte occidental que en otros ámbitos y otras culturas. por ejemplo. sino la percepción sensorial de la comida y el sentido estético que otorgan a cualquier acto.11 Arquitectura . Incluso a la hora de comer. representada igualmente en los objetos que le envuelven. Así. Para los japoneses. en la ceremonia del té los japoneses valoran la calma y la tranquilidad de ese estado de contemplación que consiguen con un sencillo ritual. Uno de los países donde más se valora el carácter fugaz y momentáneo de la vida y sus representaciones culturales es Japón: el arte tiene en la cultura japonesa un gran sentido introspectivo y de interrelación entre el ser humano y la naturaleza. los japoneses acuden a parques y jardines a observar la belleza de los cerezos en flor. de igual manera que no en todas las civilizaciones existe un mismo concepto sobre el arte. no importa la cantidad de alimentos o su presentación. basado en elementos simples y en una armonía proveniente de un espacio asimétrico e inacabado. desde el más ornado y enfático hasta el más simple y cotidiano. cualidades a su vez que son fiel reflejo de su concepto de la belleza. la paz y la armonía están asociadas a la calidez y la comodidad. Esto se pone de manifiesto en el valor otorgado a la imperfección. Por último.En la Fiesta del Hanami. al sentido emocional que el japonés establece con su entorno. al carácter efímero de las cosas.

sus peinados. confiriendo al espacio urbano una fisonomía particular y característica de cada época y lugar. que fluctúan con el tiempo a través de la moda y los estilos artísticos. monumentos y expresiones de poder y riqueza. sus maquillajes. el espacio. de proyectar espacios y volúmenes con una finalidad utilitaria. En su proyección tiene un valor primordial la ordenación del espacio. Dicha relación tiene un carácter multidisciplinar. oficios religiosos. ya que son muchos los elementos artísticos que intervienen en la percepción del espacio. por cuanto es percibido de forma intelectualizada y artística. Una de las características de esta cualidad de relación es la efimeridad. Artículo principal: Arquitectura efímera La arquitectura es el arte y técnica de construir edificios. con una serie de espacios y edificios públicos destinados a diversas finalidades. se transmuta. o de carácter civil o religioso. con sus vestidos. al ser utilizado en actos y celebraciones públicas. el espacio adquiere una dimensión cultural. etc. Este carácter estético puede otorgar al espacio un componente efímero. construido para la Gran Exposición de 1851 en Londres.12 Uno de los ejes vertebradores del espacio para la sociedad humana es la ciudad. rituales. eventos políticos. Cada uno de estos ámbitos se traduce en distintas celebraciones y rituales. o elementos naturales como jardines y fuentes) hasta la propia presencia del ser humano que habita el entorno. adquiere un nuevo sentido. principalmente la vivienda. actos oficiales. cada elemento está interrelacionado con otro. desde la arquitectura y sus elementos auxiliares o complementarios (como la pintura y la escultura. el intercambio comercial o el culto religioso. desde el más íntimo —como receptáculo de viviendas individuales— hasta el más interrelacionado. sus perfumes. al ser modificado por el ser humano. mercados. tanto a nivel constructivo como urbanístico. ya que la combinación de factores que intervienen en la percepción estética del espacio es en todo momento única e irrepetible. Así pues. espectáculos. Por tanto. ligada al desarrollo material de la humanidad. planificando la ubicación del edificio a construir conforme al entorno que le rodea. El espacio urbano es un arte de relación. todo interviene en conferir un carácter particular a cualquier espacio. una nueva percepción. pero también diversas construcciones de signo social. es el conjunto el que marca una tendencia o estilo por el que ese espacio es reconocido. y no conservable .The Crystal Palace. fiestas. al tiempo que cobra una significación estética. obra de Joseph Paxton. como la administración política. que cumple la función de un macroespacio que articula la vida social en todos sus sentidos. como expresión de unos valores socioculturales inherentes a cada pueblo y cultura. tanto natural como social.

También existen espacios privados pero diseñados para la asistencia de un público general. suegra de Luis XV de Francia. que confiere a ese espacio unas particularidades únicas y diferenciadas de otro tipo de espacios. como pueden ser templos. la recreación de un ambiente determinado. los cantos litúrgicos. circos.14 Ceremonia funeraria en honor de Catalina Opalińska. los lugares públicos de diversión y esparcimiento. rituales o eventos públicos que implican una escenificación. estadios de fútbol. por el humo del incienso quemado. como la ausencia de ventanas. En estos espacios se desarrollan fiestas.o coleccionable como el resto de obras artísticas conservadas en los museos —factor que ha relegado sin duda las artes efímeras a un segundo plano en la materialista civilización occidental—. plazas de toros. una catedral tiene una significación religiosa que trasciende la simple arquitectura del edificio.13 Dentro del espacio urbano se pueden distinguir tres ámbitos principales: el espacio público. y demás elementos que aíslan del exterior y hacen concentrar al público en la mercancía ofrecida. que presentan unas características particulares encaminadas a incitar al cliente al consumo. propio de lugares de uso público pero acotados a una zona o construcción concreta. Por ejemplo. teatros. Un importante factor a la hora de considerar el espacio estético es el ocio. celebrada en 1747 en la Catedral de Notre Dame de París. la temperatura controlada. la música de fondo. etc. el privado y un tercero intermedio. un ambiente de recogimiento y meditación propiciado por la luz filtrada de las vidrieras y por la velas votivas. donde se liberan las tensiones originadas en el trabajo y los quehaceres cotidianos. Desde la especialización del trabajo con el surgimiento . la iluminación constante. con una ornamentación particular. como unos grandes almacenes. etc. el espacio «restringido».

la religión o las armas. y el ocio se ha generalizado en todos los estamentos sociales. V. o en fastos relacionados con reyes y emperadores. así como palacios y jardines.). 196 y ss. especialmente la poca calidad de los materiales (madera. las salas de cine. pese a ser realizadas pensando en su durabilidad. en ceremonias políticas y religiosas o celebraciones de carácter lúdico. bodas reales o visitas del monarca a diversas ciudades: existen varios testimonios al respecto.16 El esplendor de la arquitectura efímera se produjo en la Edad Moderna. Para estos estamentos sociales se desarrolló todo un conjunto de actividades y creaciones relacionas con el placer. el arco en el Pont Nôtre-Dame para la entrada de Carlos IX en París en 1571. erigidos para cualquier acto como celebraciones militares. estas barreras se han diluido. que fuera del horario laboral pueden disfrutar de numerosos espacios lúdicos. desde centros lúdicos y de recreo (termas. mientras que el resto del pueblo hacía las tareas más pesadas. en el Renacimiento y —especialmente— el Barroco. épocas de consolidación de la monarquía absoluta. había un pórtico con un peristilo y techo abovedado. etc. En la actualidad. cuando los monarcas europeos buscaban elevar su figura sobre la de sus súbditos. el arco para la entrada del príncipe Felipe (futuro Felipe II de España) en Gante en 1549. etc. tanto la arquitectura egipcia como la griega y romana destacan por su monumentalidad y el afán duradero de sus construcciones. relatado por Ateneo: «cuatro de las columnas tenían forma de palmeras. presentan una breve caducidad debido a diversos factores. Así. mientras que las que estaban en el centro parecían tirsos. los bares y discotecas. recurriendo a todo tipo de actos propagandísticos y enaltecedores de su poder. De la arquitectura antigua existen pocos documentos de realizaciones pensadas con una duración efímera. adobe). comidas y bebidas. el arco de triunfo de Maximiliano I diseñado por Durero en 1513.de la agricultura. perfumes. joyas. salvo los espacios entre las columnas. Por fuera de las columnas. determinadas clases sociales se han visto privilegiadas con actividades menos físicas y agotantes. como la política. más bien al contrario. el pabellón estaba rodeado con cortinas purpúreas. existe un valioso testimonio de un pabellón levantado por Ptolomeo II de Egipto para celebrar un banquete.17 . adornados con pieles de extraordinaria variedad y belleza» (Deipnosophistae. y todo tipo de fastos para el disfrute personal. si bien hay que distinguir entre las construcciones concebidas para un uso temporal y las que. que ponían de manifiesto la magnificencia de su gobierno. en tres lados. en culturas que no habrían desarrollado suficientemente sistemas sólidos de construcción. Uno de los recursos más frecuentes fueron los arcos de triunfo.15 La efimeridad ha sido una constante en la historia de la arquitectura. especialmente las religiosas. Las construcciones efímeras se dieron especialmente en ceremonias públicas y celebración de victorias militares. donde podía colocarse el séquito de los invitados. los estadios de fútbol. Por dentro. hasta vestidos. como el arco triunfal en la Porte SaintDenis para la entrada de Enrique II en París en 1549. salas de espectáculo). el arco triunfal para la entrada de Carlos V en Brujas en 1515. que despreciaba el trabajo físico como propio de plebeyos. En el pasado se relacionó estas actividades superiores con la nobleza. apareciendo nuevas tipologías como el gimnasio.

tendencia que tuvo su máxima expresión en la fiesta. Pero igual de fastuosas eran las celebraciones de la monarquía y la aristocracia. la música. el teatro. el 6 de abril de 1904. obra de Enric Sagnier i Villavecchia. Arquitectos como Bernini o Pietro da Cortona. relacionado con el memento mori. o las coronaciones reales y demás actos lúdicos o ceremoniales. Así. que buscaba con la pompa y el boato mostrar su superioridad sobre las iglesias protestantes. que se convertía en un espectáculo de carácter casi catártico. la danza. la celebración lúdica. iluminaciones y demás elementos. bodas. la pirotecnia. jubileos. donde cobraba especial relevancia el elemento ilusorio. o de las celebraciones y actos solemnes. artificioso y recargado del arte de este tiempo traslucía un sentido vital transitorio. con eventos como coronaciones. que a menudo les servían como campo de pruebas para futuras realizaciones más serias: así. en escenarios donde se mezclaba la realidad y la ilusión. con motivo de la visita del rey a Barcelona. la atenuación de la frontera entre realidad y fantasía. Durante el Barroco. coreografías. funerales. defunciones. el baldaquino . donde se elaboraban grandes montajes que aglutinaban arquitectura y decorados para proporcionar una magnificencia elocuente a cualquier celebración. se convertían en teatros de la vida. los nacimientos. diseñando estructuras. bodas y nacimientos reales. desde la arquitectura y las artes plásticas hasta la poesía. canonizaciones. el valor efímero de las riquezas frente a la inevitabilidad de la muerte. cualquier acontecimiento que permitiese al monarca desplegar su poder para admirar al pueblo. juegos de agua. Este sentimiento llevó a valorar de forma vitalista la fugacidad del instante. visitas de embajadores.18 El arte barroco buscaba la creación de una realidad alternativa a través de la ficción y la ilusión. a disfrutar de los leves momentos de esparcimiento que otorga la vida. en paralelo al género pictórico de las vanitas. a través de actos como misas solemnes. donde edificios como iglesias o palacios. Las fiestas barrocas suponían una conjugación de todas las artes. o bien un barrio o una ciudad entera. donde los sentidos se subvertían al engaño y el artificio. arreglos florales. Especial protagonismo tuvo la Iglesia contrarreformista.Arco de Triunfo en honor de Alfonso XIII. o Alonso Cano y Sebastián Herrera Barnuevo en España. el carácter ornamental. aportaron su talento a tales eventos. procesiones o investiduras papales. etc. recurriendo al escorzo y la perspectiva ilusionista. actos religiosos. se revestían de una pompa y una artificiosidad de carácter escenográfico.

para la canonización de Santa Isabel de Portugal sirvió a Bernini para su futuro diseño del baldaquino de San Pedro. En la Edad Contemporánea es de destacar el fenómeno de las exposiciones universales. de André Waterkeyn. La primera exposición universal tuvo lugar en Londres en 1851. ferias de muestras realizadas en ciudades de todo el mundo que mostraban los adelantos científicos. la de Barcelona de 1929. la de Bruselas de 1958. como la construcción con hormigón. tecnológicos y culturales a la población. famosa por el Space Needle. o el importante desarrollo del interiorismo propiciado especialmente por el modernismo. la de Sevilla de 1992. que legó un parque temático (Isla Mágica) y diversos edificios de oficinas y desarrollo tecnológico (Cartuja 93). que deparó el Atomium. siendo famosa por el Crystal Palace diseñado por Joseph Paxton. hierro y vidrio. que dejó el Oceanário. con el Pabellón de Estados Unidos en forma de cúpula geodésica.19 Pabellón de la Compañía Trasatlántica. obra de Buckminster Fuller. como la de París de 1889. o la de Lisboa de 1998. que pese a conservarse fue destruido por un incendio en 1937. convirtiéndose en un banco de pruebas y de promoción de la obra de numerosos arquitectos. Sin embargo. En estas exposiciones se realizaron los primeros experimentos sobre nuevas tipologías y materiales característicos de la arquitectura contemporánea. que dejó el Pabellón de Alemania de Ludwig Mies van der Rohe.20 . la de Montreal de 1967. y que se convertían en auténticos espectáculos de masas y en grandes escaparates publicitarios para empresas o países que promocionaban sus productos. que eran edificios o estructuras concebidos de forma efímera para durar tan sólo el tiempo que durase la exposición. cuando se construyó la Torre Eiffel. muchas de estas construcciones fueron conservadas debido a su éxito o a la originalidad de su diseño. la de Seattle de 1962. A partir de entonces y hasta ahora se han sucedido numerosas exposiciones. muchas de las cuales han revelado grandes realizaciones arquitectónicas. y el quarantore (teatro sacro de los jesuitas) de Carlo Rainaldi fue una maqueta de la iglesia de Santa Maria in Campitelli. obra de Antoni Gaudí para la Exposición Universal de Barcelona de 1888. un gran palacio de cristal con estructura de hierro. Estas exposiciones se realizaban en recintos donde cada país o empresa edificaba un pabellón para promocionarse.

cabría mencionar el auge desde mediados del siglo XX de la arquitectura en hielo. palacios y demás estructuras concebidas por lo general para uso público y con carácter lúdico o cultural. artistas y estudiantes de varias disciplinas. Suecia. construido en 1990 de forma provisional y mantenido gracias al éxito de la iniciativa. así como de su ordenación en el espacio. donde han empezado a proliferar diversas tipologías de edificaciones en hielo como hoteles. Entre otras edificaciones realizadas en hielo conviene destacar el Hotel de hielo de Jukkasjärvi. estableciendo un contorno de apariencia estética donde la . la vivienda típica de los esquimales. siendo redecorado cada año con la participación de diversos arquitectos. Artículo principal: Jardinería La jardinería es el arte del cuidado y reproducción de las plantas.Hotel de hielo de Jukkasjärvi. especialmente en los países nórdicos —como es lógico dado las especiales circunstancias climáticas que requieren este tipo de construcciones—. museos. en el palacio de Versalles. Por último. Elementos naturales Jardinería Naranjal. Estas construcciones se basan en estructuras tradicionales como el iglú. en Suecia. pero han evolucionado incorporando todos los adelantos teóricos y técnicos de la arquitectura moderna.

23 . madera). aristocrática o popular según su creador. por cuanto incurren en él luces. Esta idea de una búsqueda ideal de la belleza.22 En Japón. ruidos. flores). Este concepto queda perfectamente reflejado en el jardín japonés. la cual queda reflejada en el movimiento y el paso ritual del tiempo. el devenir en el tiempo (naru). con un gran vacío (mar) que se llena con objetos (islas). que llega a un grado tal de trascendencia donde el jardín es una visión del cosmos. árboles. tiene para el ser humano un fuerte valor simbólico. etc. reflejo del ambiente que le rodea y del que forma parte indisoluble. comunica. que denota destreza. por lo se encuentra en continua transformación y evolución. vivencias. costumbre extendida en todos los ámbitos sociales. así como el talento demostrado en la perfecta ejecución de los ritos. es característica de la innata sensibilidad japonesa para la belleza. de un estado de contemplación donde se unen el pensamiento y el mundo de los sentidos. Según el budismo zen. El espacio ajardinado. pudiendo reflejar una concepción sacra. áulica. así como un empeño espiritual de búsqueda de la perfección. Una consideración especial a la hora de concebir el jardín es que está constituido por elementos vivos (plantas. como la costumbre de hacer fogatas en San Juan (solsticio de verano) o de adornar abetos en Navidad (solsticio de invierno). circunstancia a tener en cuenta a la hora de planificar un jardín. olores. está sujeto a una serie de parámetros sociales y estéticos inherentes a cada pueblo y cada época. tiene una especial significación el arte de los arreglos florales (kadō o ikebana). que como cualquier artista trasluce en su obra su particular visión del mundo. Muchas religiones tienen entre sus ritos la costumbre de hacer ofrendas florales. y donde la vegetación es evocadora del paso del tiempo. y queda patente en la fiesta del Hanami. Un jardín expresa. plasmados en arena y rocas. como la naturaleza en general. y origen de muchos ritos ancestrales y cultos a la fertilidad. Desde antaño la naturaleza ha sido fuente de veneración. algunos de ellos que aún perduran. como creación humana. elementos atmosféricos. relacionado con la vida y los dones que nos proporciona (fruta.naturaleza se ve transformada por la acción ordenadora del ser humano. donde no importa el resultado. provoca emociones. basada en la contemplación de los cerezos en flor.21 El jardín. cualquier labor cotidiana trasciende su esencia material para significar una manifestación espiritual. Es una sensación multisensorial. colores. sino el proceso evolutivo. presente en ceremonias como la boda o el velatorio.

recibiendo la influencia de los jardines orientales. dispuestos en terrazas al modo de los zigurats sumerios. cuya sombra permitía crear espacios de descanso y refresco.24 El arte de la jardinería tuvo sus inicios en el neolítico. siendo recomendable un estudio exhaustivo de las plantas más idóneas para cada terreno. gracias al desarrollo de la agricultura. en torno a santuarios donde se celebraban ritos de fecundidad. como se constata en la excavaciones arqueológicas de Tell el-Amarna. En las antiguas civilizaciones (Egipto. C. En Roma. El trabajo de la jardinería se especializó. que retiene la humedad y contiene gran cantidad de materia orgánica. y el arcilloso. encargado de la concepción tanto material como intelectual y estética del jardín. los jardines o vergeles tenían una disposición geométrica. hay que tener especial consideración con el agua y las técnicas de irrigación. de fácil drenación. poda. y renovación de las especies. Junto a los campos labrados y los huertos de los que dependía su subsistencia. teniendo cuidado de mantener el equilibrio natural de la zona. El más idóneo es el suelo vegetal. como se detalla en el papiro Rhind o en los relieves del palacio de Senaquerib y de la sinagoga de Cafarnaúm. en forma de lagos. En la meditación zen. Por lo general. Mesopotamia) está documentada la presencia de jardines. C. la casa prototípica romana. Los primeros jardines fueron seguramente de carácter religioso. abonado. y se caracterizaban por el uso abundante de agua. que cobró por primera vez una función ornamental. con estanques donde crecían flores acuáticas como el papiro y el loto. que combina las mejores características de suelos como el arenoso. El origen del jardín parece que se encuentra en la aclimatación de la palmera. una de las siete maravillas del mundo antiguo. Un factor determinante es el clima: las áreas lluviosas favorecen suelos ácidos. generalmente alrededor de la casa. Para la jardinería es esencial el estudio del terreno para considerar los cultivos más adecuados para su correcto crecimiento. la labor cotidiana es una manifestación espiritual.25 En Grecia el jardín tenía un carácter sagrado. mandados construir por Nabucodonosor II en el siglo VI a. aunque también había jardines sagrados. de las que dependerá el correcto mantenimiento del jardín.. Por último. aunque no han llegado testimonios de que fuesen concebidos bajo alguna planimetría especial. pudiendo muchas veces servir de motivo ornamental. Descollaron entonces los jardines colgantes de Babilonia. que tuvo lugar en Mesopotamia hacia el 3000 a. y las secas los alcalinos. supuso para el ser humano la adecuación de un lugar de solaz y reposo. control de plagas y enfermedades. donde era habitual un pórtico de entrada ornamentado con esculturas. sino por su reflejo en la pintura griega de paisaje. la escenificación de un pequeño espacio de recogimiento estético. su función pasó a ser laica y ornamental.Jardín de Kenroku-en..26 . Estos factores pueden ser corregidos con abonos y fertilizantes. que daba acceso a un jardín de vegetación mediterránea. situándose por lo general en torno a los templos. En Egipto. fuentes y estanques. surgiendo la figura del topiario o paisajista. pudiendo resumirse en riego. Las técnicas relacionadas con la jardinería están basadas en las diversas necesidades que requiere el cuidado del jardín. El segundo elemento a considerar es la vegetación. así como de los griegos no por sus modelos reales. que será la materia primordial que dará forma y vida al jardín. reflejada en el movimiento y el paso ritual del tiempo. el jardín estaba vinculado a la domus. cuando el ser humano abandonó la vida itinerante de cazador-recolector y se volvió sedentario. escarda.

donde en el claustro se solía situar un jardín y un pozo de agua. Esta tipología se dio también en el Imperio Mogol de la India. perviviendo principalmente en los recintos monásticos. El jardín laico era de pequeñas proporciones. con ejemplos notables como Fatehpur Sīkrī y el Taj Mahal. simbolizando los cuatro ríos del Paraíso. que describe el parque de 120 hectáreas construido por Cosroes II en Firuzabad.28 Jardín del Château d'Ambleville. como en los jardines de Medina Azahara. como los construidos por Tamerlán en Samarcanda. con una gran alberca para irrigación. Francia. elemento que sería recreado con asiduidad por el jardín islámico. cisnes o pavos reales. como en la villa imperial de Marrakech y el Estanque de los Aglabitas en Cairuán. de la Alhambra de Granada y del Alcázar de Sevilla. alrededor de una fuente o estanque. Por iniciativa de San Bernardo de Claraval surgió el llamado hortus conclusus. anteponiendo el pragmatismo a la estética. en torno al año 750. Los abásidas construyeron grandes parques con jardines y pabellones de recreo en Bagdad y Samarra. que valoraba sobremanera el espacio estético proporcionado por el jardín. otorgando una especial importancia a los árboles frutales. evocador del Paraíso terrenal. Esta planimetría pasó a la España musulmana. como leones y leopardos. y del que han llegado relatos como el de Jenofonte del parque de Sardes construido por Ciro. convirtiéndose algunas veces en pequeños zoológicos que podían albergar animales más exóticos. El jardín islámico fue heredero del jardín persa. y servía de lugar de recogimiento para los monjes. Posteriormente surgió el agdal. estructurado generalmente a partir del huerto. mezcla de jardín y huerto.27 En la Edad Media el jardín doméstico cayó en desuso. dividido en cuatro zonas separadas por dos ejes perpendiculares. con planimetría de chahar bagh («jardín cuádruple»). o del Libro de los reyes de Ferdousí. con bancos de piedra para sentarse.La jardinería tuvo un gran desarrollo en la cultura islámica. como en el Jardín de la Reina del Palacio Real Menor de Barcelona. En el siglo XV destacaron los jardines mongoles. En algunos jardines de palacios reales surgió la costumbre de alojar animales como patos. de forma geométrica y rodeados de muros. un tipo de jardín donde se cultivaban árboles frutales y plantas medicinales. . del que hay testimonios que lo sitúan con anterioridad incluso al jardín egipcio.

en consonancia con los conceptos románticos de lo sublime y lo pintoresco. de William Chambers). regiones con una orografía accidentada y grandes desniveles de terreno. en paralelo al impulso otorgado a todas las artes en esta época. esquema que pasaría a ser típico del jardín italiano. pérgolas. arcos triunfales. de Antoni Gaudí. como en los Jardines de Versalles. interviniendo únicamente en una serie de detalles ornamentales. príncipes y altos cargos de la Iglesia. o Kew Gardens. combinando árboles perennes con otros caducifolios. En Francia era costumbre subdividir el jardín en diversas zonas especializadas (jardín geométrico. El gusto barroco por la teatralidad y la artificiosidad conllevó la construcción de diversos elementos accesorios al jardín.En el Renacimiento la jardinería cobró un nuevo vigor. de Forestier y Nicolau Maria Rubió i Tudurí. una construcción de grandes ventanales destinada a proteger en invierno naranjos y otras plantas de origen meridional. donde destacan por su magnificencia los jardines franceses.30 Entre el siglo XVIII y el XIX se impuso el jardín inglés. que combinaba elementos clásicos con una cierta influencia del jardín islámico. que frente al geometrismo del italiano y el francés defendía una mayor naturalidad en su composición. Los muros de cerramiento se sustituyeron por canalizaciones de agua o por grandes setos o grupos de árboles como cedros y cipreses. como templetes o pérgolas. Surgió la orangerie. diseñados por Bernini. lo que favoreció la apertura de jardines botánicos dedicados al estudio y catalogación de las plantas. Se puso de moda entonces el jardín mediterráneo. principalmente gracias al mecenazgo de nobles. caracterizado por mayores zonas de césped y un nuevo detalle ornamental. proyectados por Bramante en 1503. Se otorgó una especial importancia a la obra hidráulica. con exponentes como los jardines de Schönbrunn (Viena). En esta época comenzó la costumbre de recortar los setos. Los primeros ejemplos surgieron en Florencia y Roma. lo que originó el efectuar estudios previos de índole arquitectónica para planificar la estructura del jardín. como en el Parque de María Luisa de Sevilla. como los de los castillos de Amboise. En el siglo XIX tuvo un gran auge el urbanismo. con diseños racionales donde cobró preferencia el gusto por la forma geométrica. Charlottenburg (Berlín). en aspectos como la decoración escultórica o la presencia de templetes. de John Nash.29 Durante el Barroco la jardinería estuvo muy vinculada a la arquitectura. Estos diseños pasaron al resto de Europa. con estanques y fuentes de gran complejidad. teatros al aire libre. o el Parque Güell de Barcelona. de Jean-Claude Nicolas Forestier. como islas y grutas artificiales. el parterre. silvestre). con la adecuación de zonas verdes dentro de las ciudades. También hay que resaltar la llegada de nuevas especies gracias al descubrimiento de América. a las que se accede por amplias escalinatas y que están rodeadas de balaustradas. El jardín renacentista se inspira en el romano. medicinal. como en Regent's Park. apareciendo los primeros jardines en forma de laberinto. el de Montjuïc de Barcelona. Un ejemplo de ello son los Jardines del Belvedere en Roma. originando la arquitectura paisajística. ninfeos y estanques. cuyo paradigma fue el jardín francés. o incluso la colocación de ruinas —naturales o artificiales—. Se buscaba la variedad cromática. menageries de animales exóticos. etc. como los de la Villa de Este en Tivoli. el cual resolvió los desniveles con un sistema de terrazas. En el . así como la construcción de canales que permitían el paseo en barca. La Granja (Segovia) y Petrodvorets (San Petersburgo). Chambord y Villandry. El modelo de Versalles fue copiado por las grandes cortes monárquicas europeas. Gracias al colonialismo se introdujeron especies exóticas provenientes de lugares como China y la India. diseñados por André Le Nôtre.

diseñados por Isamu Noguchi. como la alimentación. etc. termas.31 Agua Fuente Mágica de Montjuïc (Barcelona). desde sus orígenes ha formado parte de su visión cosmogónica del mundo. el agua se ha convertido a menudo en un factor estético presente en diversas facetas de la creatividad humana. el transporte. ante la observación del oleaje marino. la obtención de energía. siendo uno de los principales factores modeladores del relieve terrestre. la higiene. de un estado de trascendencia. la persona que observa siente la evocación del paso del tiempo. El agua tiene cualidades visuales y sonoras. y dadas sus múltiples propiedades tanto sensoriales como expresivas y formales. ollas y demás objetos de menaje. la irrigación de campos de donde se obtienen alimentos. Para su manipulación y conservación se han creado toda una serie de objetos y construcciones. adquiriendo una dimensión temporal que no tiene otro tipo de materias. El agua es un elemento indispensable para la vida.32 El agua. como los Jardines Billy Rose de Jerusalén. como el Stanley Park de Vancouver y el Central Park de Nueva York. desde vasos. con extensos bosques y grandes lagos. El agua está presente en la vida cotidiana en múltiples aspectos. acueductos. tomando elementos de las diversas tradiciones que se han sucedido en jardinería a lo largo del tiempo. así como las propiedades reflectoras de la superficie del agua inciden en su percepción visual. de las ondas de un estanque o un surtidor de agua. Las últimas décadas se han caracterizado por el eclecticismo. es un elemento que se adapta al entorno y transcurre por él. obra de Carles Buïgas. estando presente en sus ritos y siendo personificada en deidades.siglo XX surgió —principalmente en Norteamérica y los países del norte de Europa— el wild-landscape. tiene como principal característica el movimiento. como fluido. pozos. tendencia que buscaba respetar al máximo la naturaleza. Así. El movimiento del agua tiene en el ser humano un efecto sugestivo. La naturaleza del agua . siendo la luz uno de los principales factores en su incidencia con el medio líquido. fuentes o estanques. fascinante. y forma parte de la naturaleza tanto en estado líquido como sólido y gaseoso. hasta puentes. Al ser un bien indispensable para el ser humano. al ser un elemento de una presencia constante en la vida del individuo.

Asimismo. de Frank Lloyd Wright. Afrodita. el agua ha tenido para el ser humano una connotación sobrenatural. Por otro lado. gracias sobre todo a su propiedad erosiva.33 Desde la prehistoria. por lo que a menudo se ha identificado con el viaje de la vida. En numerosas religiones también es costumbre hacer abluciones purificadoras antes de orar o de acceder a espacios de culto. Esta relación queda ejemplificada también en las fuentes antropomorfas.puede percibirse de diversas formas. El agua se ha relacionado igualmente con el cuerpo humano. cuyo fin es la muerte. fluir. el carácter móvil del agua hace que sugiera un viaje. Moisés separando las aguas del Mar Rojo. espiritual. brotar o precipitarse. pese a su origen natural. el agua . Pensilvania. originando auténticas «obras de arte de la naturaleza» que. Indra. un recipiente de vida. el ser humano contempla como si fuese una realización artificial. Orfeo. Juan Bautista bautizando en el río Jordán. Una de las principales propiedades del agua es su función como elemento transformador del paisaje. factores que influyen en la velocidad y presión del agua. Aquiles). los griegos tenían numerosas divinidades acuáticas. los géiseres del Parque de Yellowstone. Bear Run. leche) sobre el cuerpo. siendo corriente en numerosas culturas el simbolismo de la mujer identificada con un vaso. etc. desde Poseidón hasta las oceánides. las náyades. descubriendo en la acción de la naturaleza unas obras de singular belleza: las cataratas del Niágara o del Iguazú. como se constata en la ceremonia del bautismo. En la Biblia hay numerosos pasajes relacionados con el agua. como elemento purificador y generador de vida. las nereidas y los tritones. y en ceremonias consistentes en verter agua u otros líquidos (vino. o animales mitológicos como las sirenas. son observadas por el ser humano como objetos artísticos. el Salto Ángel. El agua ha estado presente en muchos mitos y leyendas relacionadas con divinidades (Osiris. o las cuevas del Drach. como el Diluvio Universal. a los que otorga un tipo de percepción de carácter estético. siendo las principales el estado en reposo.34 Casa de la Cascada (1939).

estructurando los edificios conforme a su situación en la naturaleza. como en el complejo de los Jameos del Agua (1965-1968). generalmente junto a ríos. centrales hidráulicas). recogida en depósitos. como se denota en el Palacio Querini Stampalia en Venecia (1961-1963) o el cementerio de San Vito d'Asolo (1970-1972). como la Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright. Durante el Renacimiento se produjeron numerosos avances teóricos y prácticos. Otra cultura que supo sacar el máximo partido a todo lo relacionado con el agua fue la islámica. que la duplica y magnifica. por cuanto es un elemento indispensable para la subsistencia. estanques y surtidores. gracias a los estudios de Leonardo Da Vinci. especialmente en sus jardines con estanques y canales que personifican los cuatro ríos del Paraíso. como en el Pabellón de Alemania de la Exposición Internacional de Barcelona (1929). Estos conceptos se materializaron en el jardín señorial renacentista.condiciona el hábitat humano. Otro arquitecto que ha usado el agua como parte integrante de sus diseños ha sido Carlo Scarpa.36 . opinando que el ser humano actúa sobre la naturaleza transformándola. siendo parte resaltante del propio edificio. y que aprovechan todos los recursos derivados del agua.35 El agua ha tenido una gran relación con la arquitectura. presas. tanto los visuales como los sonoros y ambientales. o el refugio de Muratsalo de Alvar Aalto. termas). Leonardo fue autor de un Tratado del agua. que acometió grandes obras de ingeniería y arquitectura civil buscando el máximo confort para sus ciudadanos. el agua ha sido considerada un elemento más de la composición arquitectónica. en Bear Run (Pensilvania). por lo que desde su sedentarización en el período neolítico el ser humano ha buscado asentamientos con una constante provisión de agua. concebidos muchas veces como elementos alegóricos de exaltación de la clase dominante. destacando los reflejos de arquitectura en el agua. donde el agua jugaba un importante papel en forma de fuentes. de Ludwig Mies van der Rohe. César Manrique concibió una arquitectura orgánica adaptada a la isla de Lanzarote. que es la que puede permitirse este tipo de lujos. Una de las primeras civilizaciones que aprovechó al máximo las propiedades del agua fue Roma. fuentes o lagos. tanto en canalizaciones de riego como suministro a las ciudades (acueductos). diseñados no sólo como lugares físicos sino como espacios lúdicos y de celebración efímera. donde el agua cumple una función tanto práctica como simbólica y religiosa. pues en su forma de lluvia también influye en la forma que deben tener. así como en canalizaciones para su evacuación y. Aparte de las construcciones concebidas en un entorno acuífero. especialmente en el terreno de la hidrostática y la hidrodinámica. donde vivía. el agua puede estar presente de forma ornamental en numerosas construcciones. En tiempos más recientes. imitándola y dominándola. como parte integrante del paisaje. El agua condiciona en muchos casos la construcción de edificios y viviendas. poniendo especial atención en aspectos como las formaciones marinas y las aguas subterráneas. Galileo Galilei y Simon Stevin. lugares de higiene (baños. eventualmente. construido sobre un lago. en su relación con los transportes (puentes) o su aprovechamiento como energía (diques.

en Junín. Argentina. obra de Carles Buïgas. pasando a ser la materia escultórica de obras concebidas expresamente para este medio. costumbre que pasó al resto de países. las «fuentes escultóricas cinéticas» de Naum Gabo (como la del Hospital de Santo Tomás en Londres). color y música (añadida a finales de los años 1980). o la obra de Gyula Kosice. En las ciudades italianas se construyeron grandes grupos escultóricos para decorar fuentes. entre los siglos XIX y XX. Con la introducción de la electricidad a nivel urbano. especialmente en los jardines señoriales. siendo uno de los ejemplos más notables la Fuente Mágica de Montjuïc en Barcelona. diseñada por Isamu Noguchi. donde suelen celebrarse espectáculos piromusicales en las fiestas de la Mercè y todos los fines de semana del año se ponen en marcha en un recital de agua. o la de los Animales en Villa di Castello. la luz. como la Fuente de Neptuno en Florencia o la de Piazza Navona en Roma. en el Embassy Center de Buenos Aires. Otro arte relacionado con el agua es la escultura. También cabe mencionar la reciente introducción de la tecnología informática para el control de las fuentes. especialmente por lo que se refiere a fuentes y surtidores. que en su inauguración en 1929 asombró al público por su fantástico juego de luces y surtidores de agua. como en la gruta del Mugnone en Pratolino. luz. La ornamentación de las fuentes comenzó de forma asidua en el Renacimiento. donde se recreaban numerosas figuras de inspiración mitológica o alegórica. el agua ha tenido una especial relación con el arte cinético. aún hoy es una obra emblemática de la capital catalana. como en Vibración del espectro del agua (1962-1963). como se percibe en las fuentes de los Jardines de Versalles. como la Memorial Fountain de Detroit. En relación con las últimas tendencias artísticas.Fuente del Milenio con la obra Tríada. uno de los artistas más interesados en otorgar movimiento a la escultura a través del agua. del artista Gyula Kosice. las fuentes cobraron un elemento añadido. o de los Reales Sitios españoles. siendo frecuente además la presencia de grutas artificiales donde se solían ubicar autómatas accionados de forma hidráulica.37 Fuego: la pirotecnia . como el Ballet de los surtidores de agua de Alexander Calder (para la Feria Internacional de Nueva York de 1938). Lenguaje cifrado del agua (1963) o Hidromural móvil. gracias a sus propiedades maleables y de movimiento natural.

Yahvé mostrado a Moisés como zarza ardiente). Aún hoy en día se siguen realizando ritos relacionados con el fuego. dios del sol y el fuego. por su vistosidad y su naturaleza a la vez material y etérea. según la creencia popular el fuego espanta a los demonios y los malos espíritus. hoy día la pirotecnia se asocia generalmente con celebraciones y actos festivos. Por otro lado. que robó el fuego a los dioses para darlo a los hombres. como las fallas. al tiempo que su función práctica como fuente de calor y para cocinar alimentos lo ha convertido en un elemento esencial en la vida humana. cuyo humo se considera un mediador entre el mundo terrenal y el sobrenatural. realizado mediante la obtención y dominio del fuego con procesos químicos («fuegos artificiales»). desde las visuales hasta las auditivas y olfativas. Artículo principal: Pirotecnia La pirotecnia es el «arte del fuego» (del griego πσρός.38 El fuego ha sido desde antaño uno de los elementos que más ha atraído al ser humano. como las hogueras de san Juan en el solsticio de verano.Espectáculo pirotécnico. Utilizada tanto en el terreno civil como el militar. al tiempo que su carácter temporal lo convierte en un evento de marcada efimeridad. «arte»). El espectáculo pirotécnico presenta múltiples variantes sensitivas. donde el fuego es un medio de expresión que manifiesta —como la pintura— unos valores cromáticos. creencia que está en el origen de numerosos festivales ígnicos. y τέτνη. Prometeo. «fuego». y muchas divinidades y personajes mitológicos están relacionados con el fuego (Mitra. Desde la prehistoria se ha asociado el fuego con la magia y con multitud de rituales y celebraciones. o la costumbre de encender velas en las iglesias o de quemar incienso. desarrollado en el espacio adquiriendo un carácter tridimensional —como la escultura—. los disparos .

en cambio. dextrina. sin la necesidad de ornamentos adicionales. Entre los diversos productos pirotécnicos pueden destacarse el petardo. gran trueno. subida de chispas. azúcar. debiéndose extremar el manejo de los productos pirotécnicos por parte de un personal cualificado. los volcanes o fuentes. La base de un fuego de artificio es la pólvora. hierro y acero. el mixto garibaldi. etc. sulfatos. la bengala. en época contemporánea la pirotecnia ha tendido hacia la abstracción y la expresión cinética y gestual. etc. el chupinazo de las fiestas de San Fermín. truenos y cabelleras. color. como limaduras de zinc. Algunos productos sirven para dar color. carmín. polen de pino. estrellas chinescas. las de cal. acuáticos. como fiel reflejo de una época donde se valora más la expresividad del artista que no la realización material de la obra de arte. verde. Así pues. el cohete.39 La pirotecnia es un arte temporal. el borracho. o las de cobre. pero actualmente los productos pirotécnicos llevan numerosas sustancias adicionales. humo y sonido que crean una atmósfera especial que embriaga y seduce al espectador por sus cualidades intrínsecas. etc. En la actualidad.de los trabucaires en las fiestas populares catalanas. el trueno. la traca. estos pueden tener subdivisiones. Los fuegos artificiales se pueden agrupar según su función en infantiles. el buscapiés. la carcasa. mitología en el Renacimiento. mica. como las otras artes ha tenido una evolución estética paralela a las formas culturales vigentes en cada período histórico: durante la Edad Media y la Moderna su concepción ha sido básicamente figurativa. exaltación áulica en el Barroco). azul. por lo que es esencial el dominio de esta materia para su correcta confección. en el espectáculo pirotécnico se valora más la pureza del fuego de artificio que no la elaboración de unas determinadas formas. fijos o aéreos. de silbidos. culebrilla. los fuegos japoneses. trueno y cola. o bien en productores de ruido. alcohol. antimonio. resina. la rueda.40 Los fuegos artificiales están basados en combinaciones químicas. la lectura de una poesía o la contemplación de un espectáculo escénico. luz o color. cobre. pero generalmente son combinaciones de varios de estos factores. cloruros. que se genera y consume en un breve lapso de tiempo. en una conjunción de luz. cloratos. el triquitraque.41 . requiriendo una percepción instantánea similar a la audición de la música. basada en la iconografía del extracto cultural imperante en cada momento (religión en el Medievo. como las sales de estronciana. latón. fosfatos. almidones. las de sosa. sulfuros. etc. nitratos. goma arábiga. fluoruros. roncadores. lluvia de oro o plata. que proporcionan color rojo. estaño. A su vez. paracaídas. féculas. la bombeta. especialmente los cohetes: de estrellas. especialmente la pólvora negra fina conocida como pulsier.

uniéndose a la escenografía y otras artes del espectáculo. desde la despertà (disparos de cohetes por la mañana). La pirotecnia tiene su origen en el descubrimiento de la pólvora. a través de la cultura islámica. como en los espectáculos piromusicales. bombas y luces de colores. cuando diversos experimentos alquímicos dieron por resultado un material ígneo compuesto de carbón vegetal. También progresó técnica y artísticamente. donde los fuegos artificiales eran parte primordial de sus grandes festejos cortesanos. Pronto se desarrollaron las posibilidades de este compuesto. salitre (nitrato de potasio) y sulfuro. escudos. Los castillos de fuegos artificiales fueron construidos con formas cada vez más complejas. siendo un elemento esencial en cualquier fiesta popular. con efectos cada vez más sofisticados de formas y colores. especialmente en la Francia de los Luises. El Barroco fue una de las épocas de mayor esplendor de los espectáculos pirotécnicos. pasando por la mascletà (tracas y humos de colores durante el día) hasta la cremà (quema de las fallas por la noche). que dio un gran desarrollo a este producto. personajes. en combinaciones de gran fantasía y derroche de medios. como arquitecturas. la poesía y el baile. verdaderos castillos de . donde se realiza un baile de diablos cargados con cohetes y tracas. realizado en China hacia el siglo IX (dinastía Tang). Otra famosa fiesta es la Patum de Berga. en fiestas religiosas (como las procesiones y misterios) o eventos cívicos y ceremonias reales. y de España se expandió el gusto por los fuegos artificiales al resto de Europa. Muchas fiestas populares españolas provienen de los tiempos de la ocupación islámica. Al fuego se añadieron entonces los juegos de agua. fuentes. confeccionados con una caña de bambú rellena de nitrato y atada a una flecha. de aplicación tanto civil como militar. desarrollando cohetes. confeccionados con betún y vitriolo. en solitario o en combinación con otras artes. tracas. Entre el siglo XVI y el XVII se publicaron los primeros tratados dedicados a la pirotecnia. Una de las fiestas donde más presente está el fuego son las fallas de Valencia. en representaciones donde se aunaban los fuegos artificiales con la música. y ya en el siglo XI hay constancia de los primeros cohetes. etc. La pólvora llegó a Occidente hacia el siglo XII. y surgieron los primeros cohetes que derramaban estrellas y serpentinas. Durante el Renacimiento la pirotecnia adquirió el valor de espectáculo popular y colectivo que tiene hoy en día. como Pyrotechnia de Vannuzzio Biringuccio (1558) y Tratado de artillería de Diego Usano (1612). En los siglos XIX y XX la pirotecnia ha avanzado técnicamente.Falla ardiendo la noche del 19 de marzo.

El ser humano ha tenido desde antaño el sueño de volar. Roger Bacon describió varios artefactos voladores en su Opus Majus. Konrad Kyeser ideó un cometa-globo en forma de dragón en su obra Bellifortis (1405). el 21 de noviembre de 1783. Joseph Priestley. desembocando en la Revolución Industrial.. que aprovecharon los recientes experimentos realizados con el hidrógeno.fuego en forma humana. una comparsa itinerante que junto a diversos personajes. tomando vuelo en el Bois de Boulogne (París). Todos estos intentos fueron infructuosos hasta el siglo XVIII. existiendo en Cannes un galardón (la Vestal de Oro) que se otorga cada cinco años al mejor espectáculo pirotécnico. y diseñó diversos aparatos de vuelo. C. En Cataluña es también habitual el correfoc. gigantes y cabezudos. Artículo principal: Aerostato La aerostación es la navegación aérea mediante aparatos menos pesados que el aire. y Tiberio Cavallo. donde gracias al impulso de la Ilustración la ciencia avanzó a pasos agigantados. de los hermanos Montgolfier. que confirmó las teorías de Cavendish y Black mediante diversos experimentos. generalmente de dos tipos: de aire caliente (globo aerostático) y de gas (dirigible). A nivel mundial se realizan numerosos concursos y certámenes de fuegos artificiales. El primer globo aerostático que se elevó del suelo con éxito (el 21 de noviembre de 1783) fue diseñado por los hermanos Montgolfier. Muchos científicos y pensadores investigaron la posibilidad de sustentar al hombre en el aire: Arquitas de Tarento construyó un modelo-ave hacia el 350 a. anhelo que no pudo realizarse hasta el desarrollo de la tecnología adecuada en la era moderna. que descubrió el hidrógeno. un elemento más ligero que el aire. que descubrió un sistema de obtención del hidrógeno. Fueron entonces determinantes investigaciones como las de Henry Cavendish.42 Aerostación El primer globo aerostático.43 . Leonardo Da Vinci estudió entre 1486 y 1515 el vuelo de las aves. algunos cercanos al actual helicóptero y el paracaídas. Joseph Black. Francesco da Lana inventó en 1670 una nave suspendida de cuatro esferas de cobre donde se había hecho el vacío. incluye un dragón que echa fuego por la boca. autor de una teoría de elevación de los cuerpos ligeros mediante hidrógeno.

o bien lanzarse con paracaídas desde el propio globo. de 1800 a 1850 se produjo su consolidación. como atracción principal o como complemento de otras celebraciones. en convivencia con otro tipo de espectáculos como actuaciones circenses y ecuestres. como el construido por Giffard para la Exposición Universal de París de 1878. junto a la vistosidad y colorido de los elementos que integran un aerostato. Así. Desde 1946 el globo aerostático ha perdido un poco su carácter espectacular. hasta las nuevas investigaciones con aparatos más pesados que el aire realizadas por los hermanos Wright. y Lhomond creó por las mismas fechas diversos globos con forma de figuras humanas. pantomimas. como puesto de observación. También es frecuente la presencia de otros elementos. A partir de entonces todas las investigaciones realizadas sobre la navegación aérea se sustentaron en el vuelo con aparatos más ligeros que el aire. caramelos. prestidigitación.44 Desde el surgimiento de la aerostación se ha utilizado habitualmente esta técnica para celebraciones y espectáculos públicos.Los experimentos de los hermanos Montgolfier. pirotecnia. y con preferencia por el aire caliente. estampas. aunque este sistema tenía el impedimento de la maniobrabilidad y direccionalidad del aparato. como poesías. así como de Jacques-Alexandre-César Charles y los hermanos Charles y Noël Robert. anillas gimnásticas. figuras de animales. que volaba con gas —con el riesgo añadido de su alta inflamabilidad—. El globo cautivo fue utilizado originalmente con fines militares. y ha pasado más a usarse relacionado con el aspecto deportivo. Los globos no tripulados tienen también un carácter marcadamente festivo. sustituyendo a veces la cesta por otros elementos (carruajes. con un sistema de lastres para equilibrar la altura. dado el carácter estético del vuelo de un globo o una conjunción de ellos. que se corrigió con el invento del dirigible en el siglo XIX. siendo entonces muy frecuente en ferias y parques de atracciones. incluso un cañón que era disparado desde las alturas). compaginado con una explotación comercial derivada del alto coste de estos aparatos. En el aerostato libre y tripulado se dan tres etapas: de 1784 a 1800 fue el nacimiento de esta técnica. o bien en recintos abiertos como circos. liberación de palomas. dentro del primero existen el globo libre y el cautivo. efectos de iluminación. etc. pero pronto pasó al terreno civil con el mismo propósito. y en el segundo las diferencias se dan por el material. trapecios. cuyo primer vuelo con éxito se efectuó en 1903. para acentuar su carácter de exhibición: Testu-Brissy sustituyó en 1797 la cesta del globo por un caballo. En el siglo XIX se construyeron globos cautivos que podían albergar hasta cuarenta personas y elevarse a 600 metros de altura. sentaron las bases de la aerostación prácticamente hasta hoy en día. que la gente pudiera elevarse a cierta altura para observar el horizonte.45 Se distinguen en el espectáculo aerostático dos variantes: el tripulado y el no tripulado. el espectáculo aerostático pasó a ser parte integrante de múltiples fiestas y celebraciones al aire libre. juguetes. Su técnica se basaba en elevar un aerostato con un globo esférico de tela (seda impermeabilizada con caucho) hinchado con aire caliente o hidrógeno. teatros al aire libre y plazas de toros. con un vuelo tradicional con cesta y utilizando preferentemente el hidrógeno. A finales del siglo XVIII empezaron a producirse pequeñas variaciones en el globo aerostático encaminadas a embellecerlo o darle diversas formas. o bien lanzar desde el globo objetos al público. principalmente papel y caucho. Los de papel derivan del método ideado por los hermanos Montgolfier. y de 1850 a 1946 se dio una evolución hacia una mayor libertad y fantasía. generalmente en parques y jardines. acrobacia y números musicales o de humor. . banderas. como flores.

suponen una seña distintiva de un determinado grupo social o etnia. y de goma elástica o caucho desde 1870. ya que a menudo el peinado. siendo un elemento festivo presente en muchas celebraciones de forma individual o junto a otros elementos. o incluso de las diversas edades del ser humano. animales). convertidos muchas veces en auténticos juguetes para los niños. Los globos de caucho provienen de la técnica de Jacques Charles. y elaborados de forma artesanal desde 1878.siendo en principio de confección casera. siendo en principio de vitela. También pueden adoptar numerosas formas y colores. La diferencia . Ya en 1789 fueron utilizados en la ceremonia de coronación de Carlos IV de España. siendo desde entonces elementos característicos de cualquier celebración. Llamados a menudo «aerostatos de salón». los globos son imprescindibles hoy día en cualquier evento infantil. a la vez que en muchas sociedades también cumple un papel distintivo de los dos sexos. La diferenciación sexual es una de las más marcadas. y así como las mujeres suelen dar más importancia al cuidado y ornamentación de su cabello. reflejo de su cultura y su personalidad. pudiendo significar tanto un estilo personal como social. junto con el vestido y otros factores. y usado también en meteorología y otras actividades. Artículo principal: Peinado El peinado ha sido a lo largo de la historia uno de los principales rasgos definitorios del ser humano. en sus dos variantes: esférica («forma de pera») o «forma grotesca» (personajes. En espectáculos aéreos suelen usarse en grandes cantidades. los hombres — especialmente desde el siglo XIX— suelen ser más prácticos y sencillos.46 El cuerpo humano Peluquería La actriz Lauren Bacall con peinado ondulado. siendo liberados al unísono para conseguir el efecto deseado.

La tecnología del peinado ha evolucionado desde el simple peine hasta toda una serie de instrumentos para efectuar las múltiples técnicas utilizadas actualmente. peine con púa de hierro. en la juventud. con tres variedades: mechas. Para dar forma. por zonas. suavizante) o para darle forma (laca. época de rebeldía e inconformismo. gomina). la «técnica más tiempo» valora más la observación previa al corte. campeche. por lo que es conveniente establecer una serie de parámetros para favorecer una impresión de conjunto. en relación con las facciones se siguen una serie de recomendaciones: las modernas o exóticas (labios gruesos. La química también ha evolucionado desde los productos naturales hasta los sintéticos. Para el teñido. por último. índigo. con pocos golpes de tijera para cada posición de la cabeza. para las aniñadas es conveniente el pelo corto o recogido. resorcina). para cabellos rizados y con permanente. la «técnica horizontal» parte de líneas horizontales de cabello. paraminofenol. por ejemplo. con utensilios cada vez más específicos. azafrán). y con diversas formas de corte como el vertical. pero a día de hoy una de las más marcadas es la preferencia del hombre por el pelo corto. para dar volumen. siendo más marcada igualmente en la mujer que en el hombre.entre hombre y mujer ha ido evolucionando con el tiempo. hechos aceptados u ocultados según la persona. el abatido. nuez de agalla. con peinados sencillos de larga durabilidad. Así. para no dar una imagen anticuada. y han ido evolucionando con el tiempo. hecho que se refleja en el peinado. En la infancia predominan elementos como los flequillos. un utensilio como el peine se ido diversificando según su función: peine batidor. empleado para el brushing. a coletas o gradual. destacando las particiones del cabello o los remolinos para considerar la globalidad del peinado.49 Las técnicas empleadas en peluquería son de diversa índole. el «sistema directo» es rápido y sencillo. así como su encanecimiento. cepillo esqueleto. Para el corte. Por ejemplo. para las clásicas (perfil griego) se recomienda un peinado moderno. ruibarbo. Por ejemplo. cepillo térmico. limpiarlo (champú. y de la mujer por el largo. la «técnica plumada» (corte pluma y degrafilado pluma) se realiza con una tijera dentada. o por las diversas particularidades de peinados de las llamadas «tribus urbanas». las trenzas y las coletas. a la coloración tradicional se añadió a mediados del siglo XX el coup de soleil. pudiendo hacerse de menos a más (con lo que se consiguen movimientos en degradado) o de más a menos (para melenas o cabellos cortos de capas enteras). sales de plomo) y tinturas orgánicas de síntesis (parafenilendiamina. La diferencia generacional también es perceptible en numerosas sociedades.48 Para la peluquería son esenciales factores como los utensilios de peinado y los productos químicos para teñir el cabello (tintes). para dar volumen a cabellos degradados. y en relación con el cuello y la cara. para cabellos lisos. con predilección por el pelo muy largo o muy corto.47 El peinado guarda una estrecha relación con el resto del cuerpo. para hacer separaciones en el pelo. los productos para coloración se dividen en tres tipos: de origen vegetal (alheña. barridos y degradados. paratomilendiamina. pómulos salidos) admiten prácticamente cualquier peinado. en la vejez es determinante el factor de la caída del cabello. especialmente en la proporción entre el cabello y la altura. camomila. que dulcifique el rostro. de sales metálicas (nitrato de plata. las . para las grandes (rasgos duros) es recomendable un peinado sencillo. a contrapelo. es cuando se acentúa la personalidad del individuo. en la madurez se tiende a la serenidad. peine africano.

ya que su posición estaba por encima del hombre corriente. Hipócrates. sus cabellos y sus vestidos». preferentemente caobas y rojizos. especialmente de rubio. Se conocen algunos peinados prehistóricos gracias principalmente a figuras escultóricas. y perfeccionando las técnicas de tinte de cabello. de cabellos trenzados y envueltos en una redecilla. a menudo ceñido con una venda. «cascada sobre la oreja». proceso consistente en rizar el cabello con rulos. que cuidaban y calentaban las tenacillas. surgiendo diversas profesiones encaminadas a un determinado aspecto del cuidado del cabello: cosmetas. los hombres se dejaban el pelo hasta el hombro. cinofles.54 . ocupadas del teñido. y junto al pelo se arreglaban la barba y las uñas. nobles y sacerdotes. dedicadas a dar los últimos retoques. tanto en hombres como mujeres. En Roma el oficio de la peluquería empezó a especializarse. especializadas en ondular el cabello y colocar crepé u otros postizos. galones o flores. dar forma a las puntas o movimiento a los cabellos largos. «sin piernas». como hueso. confeccionado con diversos materiales. que desde un simple postizo con el tiempo fueron ganando complejidad. y el peinado tiene un carácter eminentemente humano. convirtiéndose en tocados que podían incluir joyas u otros adornos.52 En Grecia también se otorgó mucha importancia a la peluquería. principalmente el faraón. Había un gran gusto por el teñido del cabello. cuenta en uno de sus tratados instrucciones para el cuidado y conservación del pelo. madera. anillas o moldes. Los hombres solían llevar el pelo rizado. en Nigeria tienen tal cantidad de peinados que les ponen nombre: «gas de sol». calamistas. el padre de la medicina.51 En Egipto el peinado traslucía la posición social. marcado. como relata Ramon Llull: «vemos como las mujeres de mala vida y los hombres vanagloriosos pintan sus caras. C. especialmente de rubio. para alisar el cabello. surgió el uso de pelucas. y hacia el siglo V a. y ambos sexos solían utilizar sombreros.53 En la Edad Media el peinado tenía un fuerte componente de diferenciación social. siendo también frecuente teñirse el pelo.principales técnicas son: permanente. etc. «perro agachado». Muchos de estos peinados son aún perceptibles en pueblos primitivos: en Sudán las mujeres casadas se distinguen de las solteras por peinarse con trenzas. Los egipcios desarrollaron enormemente las técnicas de peluquería. en Senegal las mujeres se confeccionan un peinado llamado gossi. siendo los inventores de la permanente —que realizaban con barro—. mientras que las mujeres llevaban el pelo más largo y peinado en moños o cintas trenzadas. sujeto con una cinta en la frente. Las mujeres llevaban gran cantidad de bucles y trenzas. brushing. y eran frecuentes los tocados con orfebrería. Por lo general. en Melanesia se peinan en forma de torre y se tiñen el cabello de ocre rojizo. encargadas del peinado. técnica basada en la aplicación del cepillo con secador. como el célebre gorro frigio. con trenzas de pita negra. «cesto de ropa sucia». cinerarias. concha.50 Desde la prehistoria uno de los hallazgos arqueológicos comunes a todos los pueblos de la Tierra es el de un instrumento como el peine. psecas. comenzaron a rasurarse la barba. un proceso químico que actúa sobre la elasticidad del cabello. Paralelamente. y comenzó la costumbre de rasurarse la cabeza. a través de un producto rizador y otro neutralizador. como la Venus de Brassempouy.

y de un peso y una altura tales. y unido a los avances tecnológicos. au Beaudeau d'Amour. cintas y muselinas.María Antonieta portando una peluca con un peinado bouffant y un sombrero. llamada coup de vent («golpe de viento»). Desde el siglo XVI los peinados. pero era más poderoso el afán de destacar y hacer ostentación social. como el agua oxigenada en 1867 y el primer colorante sintético en 1883. En 1772 existían en Francia 3 744 tipos de peinado. à la Reine Marie Antoinette. van ganando en complejidad. En esta época apareció el primer peluquero de señoras. que durante el siglo XVIII fueron el principal peinado especialmente de la aristocracia y la alta burguesía. con sofisticadas estructuras de rizos. con los cabellos divididos por una raya central y recogidos en un moño. a veces hasta medio cráneo. Champagne. la peluquería sufrió una profunda transformación y un gran auge en cuanto a establecimientos y productos dedicados al cuidado del cabello. como era habitual en la emperatriz Eugenia de Montijo. qu'ès aco. así como de la frente. que sentó las bases de la actual peluquería. los rollos y los sombreros. desde el reinado de Luis XIII de Francia se ponen de moda las pelucas. con nombres como à la Belle-Poule. los bonetes. los peinados incluían un tocado. volviendo el pelo corto a nivel masculino (à la Brutus). etc. especialmente los femeninos. à la Sultane. así como el despegue económico y su consecuente grado de ostentación social. A mediados del siglo XIX se puso de moda el peinado à l'Agnès Sorel (por la amante de Carlos VII de Francia).56 . Por lo general. las cofias o albanegas. Continuó el gusto por el teñido. à la Turque. encajes. A menudo eran peinados tan sofisticados y artificiosos. Se puso de moda la depilación de las cejas. otro nombre importante fue Legros. que dificultaban los movimientos y resultaban incómodos. En cambio. Con el Renacimiento y su cultura más humanista y propensa a la expresión estética. siendo nuevamente el rubio el color preferido. Algunas mujeres también empezaron a llevar el pelo corto (à la Titus). o una ligera melena de apariencia despeinada. autor de Art de la coiffure des Dames. con cinco tipos principales: las tocas. empolvadas de blanco y con numerosos rizos.55 Tras la Revolución Francesa el peinado retornó a una cierta austeridad. El siglo XIX vio igualmente numerosos adelantos científicos.

rock. convirtiéndose muchos de ellos en auténticos gurús de la moda. Jamal Hammadi. las crestas de los punkies o las rastas de los reggae. así como elementos influyentes como el cine. que designa tanto la aplicación de pintura sobre la piel como la utilización de cosméticos. La aplicación del maquillaje requiere un diseño previo. Desde la Segunda Guerra Mundial los establecimientos de peluquería han crecido en número de forma exponencial. llamado garçonne. denominada coup de soleil («golpe de sol»). parte de una nueva imagen femenina conocida como flapper. Con los movimientos de emancipación de la mujer.57 Maquillaje Maquillaje étnico. Han creado tendencia peluqueros como: Luis Llongueras. aunque ambas actividades pueden ser realizadas . En los años 1940 surgió una nueva técnica de coloración. en los años 1920 se puso de moda el pelo corto femenino. cada uno con un peinado característico. heavy. También han tenido relevancia desde los años 1960 los movimientos juveniles. realizado por un visagista. encaminada al aclarado natural mediante la acción del sol. efectuada por el maquillador o esteticista. la música y el fenómeno fan. como en tantos otros terrenos del arte y la estética. el oficio de peluquero ha ido ganando prestigio y glamour. George Westmore. dedicados muchas veces no ya sólo al peinado. El vocablo procede del término francés maquillage. la melena de los heavies. sino a tratamientos estéticos integrales. techno. reggae. Frank Bongiovi. con fines estéticos o rituales. skinhead). como el tupé de los rockers.En el siglo XX. la peluquería se ha visto envuelta en una rápida sucesión de modas y estilos. siendo factores esenciales en su desarrollo el auge de los medios de comunicación y la publicidad. Teddy Charles. etc. punk. como los hippies y las diversas tendencias surgidas en torno a la música (pop. así como su ejecución. Artículo principal: Maquillaje El maquillaje es la ornamentación del cuerpo mediante sustancias colorantes. Por otro lado.

58 Las técnicas de maquillaje dependen sobre todo de su función. En pueblos primitivos la pintura corporal se practicaba para ceremonias iniciáticas. tanto en sus rasgos físicos e identificativos. Judit. El maquillaje puede ser apenas perceptible o puede tener una gran vistosidad. técnica introducida recientemente por Fernand Aubry. y se basa en primer lugar en un diseño o visagisme. basado en el dibujo y el claroscuro. y se aplicaban carmín en las mejillas. y no sólo del rostro. los coloretes y los cosméticos labiales y oculares. pestañas. y una vez lista dar una base sobre el rostro. o diversos gustos y sentimientos.por una única persona. ya que la expresividad del rostro es primordial en la actuación teatral. y las excavaciones arqueológicas han sacado a la luz numerosos botes de preparados embellecedores. como de su personalidad. o el ambiente donde vive la persona a maquillar. así como el vestido del personaje. para pasar a pintar los labios y los ojos. mientras que preferían la piel blanca. siendo hoy en día su principal finalidad la estética individual. el carácter. El maquillaje teatral se diseña en función del personaje a representar.60 En Grecia las mujeres solían sombrear sus ojos de negro y azul. que consiste en adaptar el maquillaje a los rasgos faciales. etc. También hay que estudiar los rasgos faciales. párpados y cejas. especialmente de la mujer. o incluso factores sociales o culturales. y se aplica el colorete. en teatro muchas veces se requiere de un maquillaje corporal. Rut. en pasajes sobre Jezabel. desde los antiguos ritos de pueblos primitivos. que utiliza elementos postizos y requiere una concepción casi escultórica. pasando por la caracterización de diversos personajes en el teatro. rojo para las mejillas y carmín para los labios. considerando igualmente aspectos como la edad. Desde la antigüedad era común el uso de afeites. También hay que tener en cuenta la relación con el decorado y la iluminación. Para su ejecución. bálsamos y ungüentos para la belleza corporal. como se constata por un tocador de la XVIII dinastía conservado en el British Museum. luego se empolva. y era frecuente la aplicación nocturna de mascarillas de miga de pan amasada con leche. son determinantes los utensilios y materiales para maquillar.59 A lo largo de la historia el maquillaje ha cumplido diversas funciones. En Roma los hombres solían maquillarse casi tanto como las mujeres. El primero se dirige principalmente a la mujer. También hay que tener en cuenta que el maquillaje está sujeto a los dictámenes de la moda. y que se adapta a otras expresiones corporales como el peinado. Existen dos métodos de maquillaje teatral: el pictórico. religiosas o para la caza o la guerra. Las damas egipcias solían tener en cajitas diversos cosméticos. el vestido. En Egipto estaba muy extendido el uso de la cosmética. la profesión. pomadas. y en la Biblia hay varias referencias al maquillaje femenino. siendo los más habituales los polvos faciales. etc. pero también diversos dibujos o figuras de animales. principalmente blanco para el cutis. El método aplicativo se basa en primer lugar en limpiar la piel. hasta el simple embellecimiento corporal. así como el momento o celebración para el que se requiere el maquillaje. para lo cual ingerían grandes cantidades de comino. esponjas y cepillos para su aplicación. especialmente de antimonio. Las . así como pinceles. que usaban las egipcias para teñir los párpados y realzar las pestañas. así como el receptor del maquillaje puede ser pasivo o puede ser él mismo quien se lo realice. existiendo dos principales modalidades: maquillaje cotidiano y teatral. Sin embargo. Ester. generalmente con motivos geométricos. y el pictórico-plástico o tridimensional. reflejando en su esencia la personalidad del individuo.

aparecido en París en 1573. y se pintaban labios y mejillas de carmín. Brigitte Bardot los ojos perfilados de negro y los labios gruesos y desdibujados. Greta Garbo. la quina. y en mejillas y labios se usaba bermellón de granada. como Instructions pour les jeunes femmes. En el siglo XVII se extendió el uso del tocador. También aparecieron las primeras cremas para la conservación de la piel. En Oriente también ha existido una larga tradición en cuanto al maquillaje: en China utilizaban productos naturales como el polen. Desde los años 1960 se aceleran las tendencias de moda. y medios como el cine o las revistas de moda y belleza han servido para popularizar las diversas tendencias que se han sucedido en lo relativo al maquillaje: Gloria Swanson puso de moda las cejas muy depiladas y los ojos pintados de negro. una pasta de polvo de arroz y talco con unas gotas de benjuí. con gran influencia de la música y de las nuevas corrientes socio-culturales. que recuperó el maquillaje masculino.62 En el siglo XX el maquillaje llegó a altas cotas de sofisticación. donde se daban consejos de belleza y se consignaban diversas recetas para elaborar cosméticos. Aparecieron los primeros institutos de belleza. donde se guardaban los cosméticos y las damas efectuaban su maquillaje de forma cómoda y atenta. que debía tener una apariencia de porcelana. mientras que los labios se maquillaban en forma de corazón. con un aspecto algo mortuorio. También ha adquirido gran relevancia la publicidad.61 Durante la Edad Media era frecuente el uso en Occidente de cerusa para blanquear la cara. teniendo un gran auge la industria del cosmético. tendencia que también se produjo en el movimiento punk. así como el uso de belladona para agrandar los ojos. en especial el uso del colorete y de las pelucas empolvadas. En el siglo XIX estuvo de moda la piel pálida. el azafrán o el polvo de arroz. mientras que en las mejillas se aplicaban pigmentos blancos (albayalde) o rojos (arrébol). Con el Renacimiento surgieron los primeros tratados de belleza. era típica la aplicación de una capa blanca de polvo de arroz sobre la cara. efecto conseguido con la blanquette. donde es característico el uso del negro. en Japón. En esta época era típico en las mujeres depilarse la frente para ensancharla y reducir las cejas. teniendo para tal efecto numerosos tipos de pinceles que permiten diversas líneas y grosores para conseguir el efecto deseado. y surgió la moda de broncear la piel con baños de sol. siendo frecuente el beber vinagre y agua de comino para aclarar el cutis. como los hippies o el llamado gay power. y se pintaban los párpados con antimonio. diluidos en agua o aceite.damas usaban pestañas postizas. con cierta tendencia al afeamiento. El rostro se blanqueaba con azogue. así como empleaban con profusión la tinta china. sobre la que se realizaban diversas modalidades de maquillaje. El siglo XVIII produjo una gran exageración del maquillaje. las pestañas postizas y las cejas altas y dibujadas.63 Tatuaje .

el tatuaje puede ser permanente. que consiste en una serie de heridas que al cicatrizar forman un relieve en la piel.Ejemplo de tatuaje. La palabra «tatuaje» deriva del tahitiano tatawo. o bien espinas de pez. así como el maquillaje se sitúa sobre la piel (epidermis) el tatuaje se realiza bajo la piel (dermis). formando líneas o figuras que forman un dibujo. con cinco colores fundamentales: negro. hay que tener en cuenta el color de la piel: en el caso de los melanodermos. En la técnica del tatuaje los colorantes se colocan bajo la piel mediante cortes o punciones. siendo ambas técnicas de ornamentación del cuerpo humano. . hueso o concha. mientras que en la actualidad la mayoría son de acero. consistente en introducir un colorante bajo la piel a través de un instrumento puntiagudo que se introduce hasta la dermis mediante golpes de un martillo de pequeñas dimensiones. la escarificación. rojo. Cosido: lo utilizan los ostíacos. y llegó a Europa en el siglo XIX. marfil. cuya piel oscura dificulta la correcta visión del colorido. que puede realizar de dos mil a tres mil punciones por minuto. El tatuaje está muy ligado al maquillaje. marrón y amarillo. un pueblo de raza siberiana. que designaba la práctica de realizar dibujos en la piel. pudiendo elaborar un tatuaje en veinte minutos. Por otro lado. se efectúa otra técnica tatuística. Antiguamente. trazando el dibujo que se quiere efectuar.64 Existen diversas técnicas de tatuaje: Puntura: la más empleada en individuos de piel clara. Sin embargo. verde. Artículo principal: Tatuaje El tatuaje es una técnica artística que consiste en la representación de imágenes en el propio cuerpo humano. realizadas sobre la piel mediante diversos procedimientos. El colorante más empleado es la tinta china. pero así como el maquillaje tiene una vida más corta —apenas unas horas—. se usaban agujas de oro. y consiste en pasar bajo la piel una aguja o tendón embebido en colorante. puede pervivir durante toda la vida de una persona. Hoy en día se suele emplear la puntura mecánica.

65 El tatuaje se ha empleado a todo lo largo de la historia en prácticamente todo el mundo. siendo habitual en cualquier estamento social. o bien un símbolo de casta. quien 1862 se realizó un tatuaje en conmemoración de su visita a Tierra Santa. En esos casos. punkies. heavies o skinheads. Por cortes: es una técnica poco aconsejable. formando figuras en la piel mediante cicatrices. hollín. Sus orígenes pueden rastrearse hasta el neolítico. y por último de harina o diversas hierbas y raíces para evitar infecciones. colocar pólvora sobre la herida y prenderle fuego. En el siglo XX la práctica del tatuaje se ha popularizado. realizadas levantando la piel con una espina y cortándola con un cuchillo de forma rápida. hacia mediados del siglo XIX la moda del tatuaje llegó incluso a la aristocracia. siendo probablemente en un principio parte de ceremonias de iniciación del individuo en la vida del poblado. marcando el dibujo trazado previamente en el metal. especialmente en su relación con la delincuencia. 28).Escarificación: se emplea especialmente en individuos de piel oscura. como en el caso del príncipe Eduardo de Inglaterra (futuro Eduardo VII). También en el siglo XIX se realizaron numerosos estudios científicos y psicológicos sobre el tatuaje.66 La práctica del tatuaje se puso nuevamente de moda en el ámbito occidental en el siglo XIX. los antiguos aztecas o los caribes). gracias al contacto de marineros y exploradores con otras culturas. consiguiendo un método de tatuar más rápido e indoloro. ya que la población reclusa es uno de los círculos sociales más propenso a tatuarse. especialmente las del sur del Océano Pacífico. como rockers. Durante la Edad Media y la Edad Moderna el tatuaje fue prohibido por la Iglesia Católica —exceptuando casos como el de los cruzados. En Grecia y Roma se usaba principalmente en estamentos militares. de categoría social (como en Indonesia y Nueva Zelanda). y gracias a la costumbre de los egipcios de embalsamar cuerpos se ha conservado un tatuaje una sacerdotisa de Hathor. y muchas veces representaban un signo distintivo de determinada tribu (como en Nueva Guinea. y colorantes obtenidos de diversos materiales. o bien para marcar esclavos. En 1891. aunque ha proliferado sobre todo en las llamadas «tribus urbanas». polvo de carbón o ladrillo. mediante un metal al rojo vivo que es aplicado sobre la piel. cuyos tatuajes servían para identificarlos si caían muertos en batalla— ya que la Biblia prohibía esta práctica: «no os haréis incisiones en la carne por un muerto ni os haréis tatuajes sobre la piel» (Levítico 19. Si hasta entonces sólo se tatuaba a presos y esclavos. efectuada a menudo en prisiones. etc. En el Antiguo Egipto el tatuaje tenía un valor mágico y ceremonial.67 Piercing . Una técnica mixta de cortes y quemaduras es hacer incisiones con una cuchilla o alfiler. por lo general eran dibujos geométricos o abstractos. Por quemaduras: realizada antiguamente para marcar esclavos o presos. mediante navajas o cuchillas de afeitar. como humo de suela de goma quemada. el estadounidense Thomas Riley inventó la aguja eléctrica. tinta de bolígrafo. para posteriormente limpiar la sangre con una rama y cubrir la herida de aceite.

el peinado y demás factores determinantes de la imagen personal. Estas perforaciones son una forma de modificación corporal. Se suele emplear una aguja especial llamada cánula o catéter. y reflejan tanto valores culturales como religiosos o de otra índole. y una vez practicada la cavidad se procede a introducir el pendiente. y retrasa el proceso de cicatrización. Después de la perforación. zarcillos. Para realizar la perforación. por lo que suele estar más frecuente en estratos de población entre la adolescencia y la juventud. El material del pendiente suele ser de acero quirúrgico o titanio. ya que pueden ser transmisores de enfermedades como la hepatitis C. más variedad de colores y ser el más biocompatible con el ser humano. ya que los rayos ultravioletas no son beneficiosos para la desinfección de la piel y no favorecen la cicatrización. y se hace la incisión con la aguja. También se suele asociar al inconformismo o la rebeldía. En cambio. etc. así como no intercambiar elementos con otras personas. Otros materiales son el oro y el platino —más escasos por su coste— y la silicona plástica. como pendientes. el SIDA o el hepatocarcinoma. como la benzocaína. colgantes. sobre todo cuando se encuentra en zonas íntimas del cuerpo. junto al vestido. La piel debe estar limpia y desinfectada antes de perforarse. menos peso. que tiene la ventaja de tener una curación más rápida. y el practicante debe trabajar con guantes de tipo quirúrgico. que debe estar esterilizado. siendo recomendable usar algún tipo de anestesia local durante el proceso.Ejemplo de piercing. Los aros deben limpiarse bien . Para la colocación del piercing es fundamental extremar al máximo las medidas sanitarias y de higiene oportunas para evitar las infecciones. Se suele considerar como un elemento más de la moda. primero se marca el lugar a perforar. que puede ser desde hielo hasta pulverizaciones de líquidos. y a menudo se le otorga una vinculación con el erotismo. la plata facilita el riesgo de infecciones. rechazos o reacciones alérgicas. la persona no debe exponerse a baños de piscina o hidromasaje durante los dos primeros meses. Artículo principal: Piercing El piercing (en inglés «abertura. penetración») es una técnica que consiste en perforar la piel humana para colocar diversos objetos ornamentales. pudiendo formar parte de una determinada subcultura como elemento identificativo de una tribu urbana. ni exponerse al sol. recomendada esta última para perforados bucales. además de que se vuelve negra con el tiempo. aros. dilatadores.

68 Moda . pero en muchas culturas ancestrales el piercing tiene un valor social o cultural. y alargaban sus lóbulos llevando unos carretes metálicos de gran tamaño. o como señal distintiva del paso a la vida adulta. Sin embargo. Entre los sioux se practicaba un rito consistente en perforarse el pecho con garfios. la nariz y las orejas con las joyas más caras que podían permitirse. la lengua. el ombligo y los genitales. Un tipo de perforación muy particular era el practicado por las tribus mursi y masái. donde las mujeres deformaban su cavidad bucal con discos para aumentar de tamaño la boca. Las mujeres de Nueva Guinea se atravesaban con una espina de pez la nariz. las cejas. por ejemplo. Las partes del cuerpo que más se suelen perforar son las orejas. Su uso suele ser estético. que ha sido uno de los objetos de ornamentación personal más frecuentes desde la prehistoria. Los indios cashinawa se perforaban la nariz para insertarse plumas de colores que indicaban su rango y su madurez. la nariz. que señalaba el paso de niño a adulto. Los potok también llevaban en su boca un disco labial. como distinción de la pertenencia a una determinada tribu. los labios. Las mujeres tinglit se agujereaban su cuerpo como muestra del paso a la pubertad. dependiendo de la zona del cuerpo. mientras que los hombres llevaban en el tabique nasal dientes de pez. siendo a menudo obras de orfebrería y joyería de gran valor artístico y económico.durante el período de curación y con las manos lavadas con jabón neutro. los pezones. Los esquimales. práctica que se extendió al ámbito occidental en el siglo XX y es frecuente en la actualidad. En la historia occidental ha sido práctica habitual la perforación de las orejas a las mujeres para situar un pendiente. colgándose con cuerdas a un árbol hasta lacerar la piel. en otras culturas del mundo la perforación ornamental de la piel ha sido práctica habitual en ambos sexos. La cicatrización puede tardar entre cuatro y ocho semanas. como señal de distinción social. Los antiguos mayas se perforaban el labio. y no sólo en las orejas sino en diversas partes del cuerpo. y se atravesaban el tabique nasal con una hoja de árbol. para demostrar que estaban preparados para ser guerreros. y por tanto la aptitud para cazar y formar parte de las decisiones de la comunidad. junto a collares y anillos. empleaban un tipo de perforación llamada labret.

y se ha ido convirtiendo en un adorno más de la persona. bolsos. según Georg Simmel la moda es una «emulación de los grupos prestigiosos». de la confección de prendas según parámetros funcionales y estilísticos. que ha tenido que suplir con pieles de otros animales o.Diseño de moda de 1909. el ser humano ha ido perdiendo el pelo. Por lo general. por lo que influye poderosamente en la apreciación que esa persona tiene de sí misma. pero también psicológicos y estéticos. estimulando un proceso en que la moda se ve sujeta a una continua innovación y búsqueda de nuevas fórmulas para satisfacer una demanda cada vez más . para protegerse del frío y de las inclemencias del tiempo. cualquier persona desea agradar físicamente. así como en las relaciones con su entorno. El vestido otorga a la persona que lo lleva una determinada imagen. sujeto a los cánones de la moda y del devenir artístico de cada civilización. una forma de identificarse con las personas que te rodean y forman parte de tu grupo social. así como sociales —el vestido como reflejo de una determinada posición social—. la apreciación personal y subjetiva de un vestido por su estilo o propiedades sensitivas. Artículo principal: Diseño de modas La moda es el arte del vestido. zapatos. partiendo de esta primera necesidad. o bien destacarse como una persona triunfadora o poseedora de un determinado estatus social. Durante su evolución.69 La moda está sujeta a factores sociales y económicos. religiosos o sexistas —el vestido ha servido a menudo como objeto de diferenciación sexual—. por lo que éstas deben buscar nuevas vías de diferenciación. Sin embargo. siendo uno de sus valores determinantes el gusto. El vestido es una necesidad básica para el ser humano. Las clases inferiores socialmente tienden a emular a las superiores. con lana o productos vegetales como el lino y el algodón. cinturones. en el vestido intervienen factores climáticos y geográficos. con el tiempo el vestido ha adquirido un carácter estético por cuanto ha reflejado el gusto y el carácter de su portador. más tarde. gafas). guantes. convirtiéndose en un signo de pertenencia a una determinada categoría social. tanto en ropa como accesorios (sombreros. A nivel sociológico. Asimismo.

generalmente círculos. de color azul. Según Simmel. adornados con franjas de vivos colores y con pliegues y largos mechones de tela. que no se adaptan al cuerpo. la seda o el pelo de camello. Los asirios usaban túnicas de lana. azafrán y cártama para el color azafrán. Los persas usaban prendas de vivo colorido. las poliamidas y los vinilos. Estos hilos se van entrecruzando. siendo el lino su principal materia para confeccionar telas. tafetán. y popelín. La principal prenda femenina era la blusa. con tintes de origen animal o vegetal. El teñido se utiliza para dar color. zumaque para el amarillo. pero las ropas que utiliza son trozos de pequeñas dimensiones. el poliéster. En el neolítico el ser humano sabe ya hilar y tejer. sarga. El hilado comenzó siendo manual.71 La historia del vestido comienza con la aparición del Homo Sapiens. una pieza de lino que envolvía las caderas.70 El vestido ha estado marcado desde sus orígenes por una amplia variedad de materiales y técnicas que han influido en su evolución tanto práctica como estética. índigo y glasto para azul. el nylon. de tipo falda. el lino ha de ser vareado y peinado. una túnica ceñida al cuerpo. En Egipto ya se dan vestigios de prendas muy elaboradas. que tienden a ser más inmovilistas. hasta los pies las clases dirigentes. la cochinilla y el quermes para rojo. considerada de lujo. estrellas y flores. De aquí se obtienen distintos tipos de tejido según su calidad: tela. cuya largura dependía de la clase social. desenvuelta del capullo y bobinada. mecanizado desde la Edad Media con rueda y pedal. Durante el Imperio Nuevo apareció el calasiris. la seda. este proceso sólo se da en sociedades abiertas. rojo o azafrán para rangos más elevados. aunque aparecen ya los primeros dibujos ornamentales. vegetal o sintética: de origen animal son la lana. Los principales materiales para la elaboración de tejidos son de procedencia animal. combinando unos hilos paralelos y tirantes llamados «urdimbre» con otros perpendiculares a los anteriores llamados «trama». el cáñamo y el algodón. satén o raso para armadura de dos hilos. paño. los sumerios solían vestir con largos mantones de lana. que en principio se cubrió de pieles de los animales que cazaba. como la rubia o granza para el color rojo. El tejido se realiza en el telar. destacando el púrpura y el amarillo. También existen armaduras de fantasía como el damasco y el terciopelo. En Mesopotamia. una túnica larga y ceñida de distinto color según la posición social: blanca para las campesinas. palo (campeche y del Brasil) para azul oscuro. hasta las rodillas el pueblo llano. blanco o amarillo.exigente. La base de su indumentaria era el shenti. y sintéticos son el rayón. gualdo y catú para amarillo y marrón. Estos materiales deben pasar por diversos procedimientos antes de su utilización: la lana deber ser lavada y vareada. vareado y cardado. tejido de lana cardada. violeta y negro. A partir de aquí entran en funcionamiento las diversas técnicas empleadas para confeccionar las prendas.72 . vegetales son el lino. y adornados con dibujos de colores. la otra gran civilización del Próximo Oriente. no en las de castas o en las primitivas. y después se peinan para apretarlos y darles uniformidad. rosa y violeta. tela tejida en seda. el teñido y el tejido. tejido de lana o algodón peinado. en forma de cenefas. el algodón. para realizarse después con huso. sujeta con un cinturón. las principales de las cuales son el hilado.

Una mujer con un quitón (izquierda) y dos mujeres con un himatión sobre un quitón (derecha). En Grecia se usaba el lino, la lana y el algodón, y más tarde la seda —proveniente de Oriente—, con prendas de piezas rectangulares ribeteadas por los cuatro lados, sin costura ni dobladillo, acompañadas de fíbulas y cinturones. El vestido más antiguo era la exomis, una tela rectangular sujeta al hombro izquierdo, anudada bajo el brazo derecho y ceñida por un cinturón. Los campesinos llevaban pieles curtidas o vestidos gruesos de lana, con un gorro de cuero llamado kyné. Las clases más favorecidas portaban vestidos de lino o lana fina, llamados quitón, cubiertos por un manto denominado himatión. Las mujeres llevaban una túnica larga llamada peplo, y también usaban himatión, plegado de otra forma. En Roma se usaba igualmente la lana, el lino y la seda, a veces entremezclados. La prenda más antigua era el subligaculum, un taparrabos alrededor de los riñones. En época republicana surgió la subúcula, una túnica que podía ser de dos tipos: dalmática, con mangas, o colobium, sin mangas. Encima llevaban una toga, una capa semielíptica drapeada según la ocupación: estrecha para los filósofos, ceñida para los guerreros, con una banda púrpura para sacerdotes y magistrados, púrpura con bordados de oro para altos dignatarios. El vestido femenino se componía de taparrabos y strophium —antecedente del sujetador—, sobre el que iban dos túnicas, la subúcula, larga hasta los pies y sin mangas, y el supparum, túnica corta semejante al quitón griego, que podía sustituirse por la stola, túnica de mangas cortas, o la palla, un paño rectangular sujeto al hombro por fíbulas. Encima podían llevar un manto llamado pallium, que colocado sobre la cabeza significaba viudez.73 Los pueblos germánicos que acabaron con el Imperio Romano introdujeron la práctica de coser la ropa, y usaban prendas de lana, generalmente una túnica corta de mangas largas, unos calzones largos o pantalones —que adoptaron los soldados romanos tras la conquista de la Galia— y un sayo sobre los hombros. En la Edad Media el material más utilizado fue la lana, siendo muy apreciados los paños de Frisia; el lino fino —llamado cainsil— se usaba para camisas y calzas. Por lo general, el hombre llevaba dos túnicas: una fina de hilo a modo de camisa, llamada brial, y otra de lana más larga, de mangas estrechas y ceñida con un cinturón de cuero; además, llevaba calzones y una capa. La mujer también llevaba dos túnicas, la camisia, interior de mangas estrechas, y la estola, larga hasta los pies y de mangas anchas; encima podían llevar una capa, un manto o una clámide, y era común el uso de un velo que cubría la cabeza. En el Medievo también fue corriente el uso de guantes,

de hilo para el verano y de piel para el invierno. Desde el siglo XII aumentó el uso de la seda, así como del algodón, que tenía su principal centro de producción en Italia. En el siglo XIII apareció el vellux (terciopelo), y aumentó la elaboración de peletería. En el siglo XIV se acortaron los calzones, que pasan a llamarse calzas altas, y sobre la camisa se llevaba un jubón, prenda ajustada al cuerpo que cubría desde los hombros hasta la cintura.74 En el Renacimiento surgió el concepto de moda tal como lo entendemos hoy día, introduciéndose nuevos géneros y adquiriendo la costura un alto grado de profesionalización. En la Italia renacentista aparecieron los trajes más ricos y espectaculares de la historia, de vivos colores y formas imaginativas y originales, otorgando gran relevancia a las mangas, a los pliegues y a las caídas de tela de forma vertical, con finos bordados y rica pasamanería. En el siglo XVI el calzón corto era a modo de bombacho, y continuó usándose el jubón, junto a capas de diverso tipo y adornos como la gorguera, tela de encajes fruncidos que cubría el cuello. En el atuendo femenino apareció el corsé, que ceñía la cintura, sobre una falda en forma de campana llamada crinolina, hecha de tela y crin de caballo, y reforzada con aros metálicos. En el siglo XVII predominaron las formas sobrias, austeras, por influencia religiosa, siendo el paño el material más utilizado, y la seda sólo al alcance de las clases elevadas. El jubón se transformó en chaqueta, con el cuello de volantes de encaje almidonados, y el calzón se alargó y quedó por debajo de unas altas botas. En Francia, la corte de Luis XIV favoreció la alta costura, empezando a dictar la evolución de la moda a nivel europeo. Apareció entonces la corbata, en un principio en forma de lazo, anudada al cuello; también apareció la casaca, una larga chaqueta ajustada con forma acampanada en su parte inferior.75

La actriz Norma Talmadge, prototipo del estilo flapper, de moda en los años 1920. En el siglo XVIII el atuendo era similar al del siglo anterior, con camisas de mangas anchas con corbata y chaqueta, y calzones hasta las rodillas y medias. La casaca se estrechó hasta el punto de no poder abrocharse, apareciendo el frac. En el traje femenino se dio el «estilo Watteau», con faldas muy voluminosas sobre crinolina, con grandes drapeados en forma de pliegues y cola hasta el suelo. La Revolución Francesa supuso una mayor uniformización

en la forma de vestir, con casacas cortas y pantalones largos para el hombre, y corpiños, faldas redondas y chal de tela para la mujer. El liderazgo de la moda pasó a Inglaterra, donde el hombre vestía casaca con cuello ancho y vuelto, calzón hasta la rodilla y sombrero de copa; la mujer abandonó el corsé y la crinolina y se inspiró en la Antigua Grecia, con vestidos largos ajustados con una cinta bajo el pecho. En el siglo XIX la vestimenta era prácticamente la del hombre «moderno»: el frac se fue acortando y anchando, tomando la forma de la actual chaqueta; el pantalón era amplio por arriba y se fue estrechando hasta el tobillo, apareciendo la raya por delante y por detrás; la capa se sustituyó por abrigos de corte recto. En la mujer el talle se bajó a la cintura, con mangas anchas y hombreras, y faldas anchas de amplio vuelo y pasamanería. En este siglo apareció la figura del modisto como creador de tendencias, así como la modelo para el pase de ropas. También apareció el género de punto, y se inventó la máquina de coser.76 En el siglo XX la moda masculina continuó siendo de ascendencia inglesa, mientras que la femenina estuvo marcada por la costura francesa. En general, la indumentaria se ha ido simplificando, cobrando mayor relevancia el carácter práctico y utilitario de las prendas, así como su aspecto deportivo y urbano. En moda femenina, las faldas se acortaron, apareciendo la minifalda, y empezaron a usar pantalones como los hombres, surgiendo la moda «unisex». Hacia mediados de siglo los dictámenes de la moda pasaron a Estados Unidos, que impuso un tipo de moda juvenil, práctica y deportiva, ejemplificada en el bluejean o pantalón vaquero. En los últimos años ha cobrado un gran auge el prêt-à-porter, el diseño de moda a precios económicos y al alcance de cualquier estamento social, por su producción en serie. En las últimas décadas también han proliferado los movimientos alternativos, la moda de las llamadas «tribus urbanas», que buscan diferenciarse del resto de la población con gustos comunes en música, ropa y elementos estéticos alternativos. Entre los más afamados modistos destacan: Coco Chanel, Cristóbal Balenciaga, Christian Dior, Manuel Pertegaz, Yves Saint Laurent, Giorgio Armani, Paco Rabanne, Gianni Versace, Karl Lagerfeld, Calvin Klein, Jean Paul Gaultier, etc.77

Perfumería

Uno de los principios del perfume es la combinación de diversos olores y sustancias. aunque en la actualidad se obtienen olores sintéticos partiendo de productos químicos.Chanel Nº5. el olfato es una fuente de intensas sensaciones. un sentido poco desarrollado en el ser humano y generalmente considerado el de menor importancia: según Jules Cloquet. y es una importante fuente de información para el ser humano sobre su entorno.78 Sin embargo. especialmente las flores. en la tuberosa se halla antranilato de metilo. También es primordial en muchos casos el uso . de suscitar deseos y emociones. en el perfume de narciso se encuentra el paracresol. el castóreo y la civeta. «la visión y la audición son necesarias al estado social. igualmente. cuya combinación da un número de posibilidades casi infinitas. quizá el perfume más famoso de la historia. y desde antaño los perfumistas se dieron cuenta de que incluso algunos olores desagradables. la olfacción no da lugar más que a sensaciones materiales y no establece ninguna relación intelectual entre el hombre y sus semejantes». Artículo principal: Perfumería La perfumería es el arte de confeccionar perfumes. un olor muy desagradable por sí solo. líquidos aromáticos que se utilizan para producir un buen olor corporal. pueden dar resultados sorprendentes: en la esencia de jazmín es indispensable el indol. un olor casi insoportable en estado puro. presente en los deshechos digestivos del ser humano. son base indispensable de numerosos perfumes. combinados con otros agradables. El olfato humano puede captar unas cincuenta sensaciones olfativas primarias. La sensibilidad olfativa es superior incluso a la gustativa. como el almizcle. el ámbar. ciertos aromas de origen animal. y su capacidad de permanecer en la memoria lleva en numerosas ocasiones a experimentar recuerdos agradables o desagradables.79 La perfumería tiene su esencia en productos naturales. La base de la perfumería se encuentra en el olfato.

apareció en 1889 con Jicky de Guerlain. verde. basada en aldehídos grasos. de vida media y que proporcionan su personalidad al perfume. insecticidas. generalmente esencias hesperidadas o cítricas (limón.de aldehídos grasos. de vida más prolongada. benjuí. el jazmín o la gardenia. aldehídos. la madera. bergamota. salicilato o cumarina. de olor nauseabundo pero que combinados con esencias florales producen notas de gran intensidad. o bien materias sintéticas como metiliononas. con fondo animal (ámbar. limón. existiendo tonos más intensos e inmediatos y otros más sutiles y persistentes. jabones y champús. surgió en 1945 con Vent Vert de Balmain. naranja. salvia o artemisa. popularizada desde 1917 con Chypre de Coty. como los cosméticos.). ésteres frutales o cetonas. desodorantes y similares. un aroma tradicionalmente masculino. Estos productos.83 . vetiver. junto con lociones de afeitado. el citronelol o el alcoholfeniletílico. como en el famoso Chanel Nº5. ésteres o almizcles artificiales. civeta) y avainillado. la combinación de olores armónicos e inarmónicos produce equilibrios de gran perfección tonal. aromática. La vida de un perfume se traduce en la llamada «melodía olfativa». etc. una de las más antiguas y aplicada a perfumería masculina. basada en productos como tomillo. y oriental. aunque la perfumería se extiende a numerosos productos de elaboración industrial. el ámbar y el musgo de encina. neroli o petitgrain. notas de cuerpo o modificadores. los detergentes y suavizantes. basada en olores cítricos como naranja. que es la más elaborada. aldehídica. por lo general esencias florales o productos sintéticos como el hidroxicitronelal. chipre. retomada recientemente después de haber sido abandonada en los años 1920. floral. almizcle. fougère. lavanda. o en alcohol de 80-85° un «eau de cologne». de tonalidades pesadas y dulces. el ámbar o el almizcle. y las notas de fondo o fijadores. es la familia con mayor número de perfumes. y una de las que goza de más popularidad. fundamentada en materias como el musgo. especiadas o balsámicas (tales como sándalo. canela. etc. de donde procede la «eau de cologne». combinados con lavanda. el tiempo que tardan en evaporarse. Así. basadas en esencias amaderadas. punto de partida de la producción perfumística. que proporcionan redondez y armonía. es decir. salicilatos. pachuli. tolú. pero si se diluyen en alcohol de 96° se obtiene un «extracto» (entre 10 y 20 %) o un «eau de parfum» —también llamado «eau de toilette»— (entre 7 y 10 %). también generalmente de uso masculino. geranio. como aceites de ricino o coco. compuesta de tres partes: notas de cabeza o salida. dirigido a un público joven y deportista. lavanda.82 Los perfumes se agrupan en diversas familias olfativas según sus notas dominantes: cítrica. cuero-amaderada. basada en flores como la rosa. cumarina. constituyen la «perfumería alcohólica». destinada a una clientela femenina. bergamota).80 En la vida de un perfume es esencial la volatilidad de sus componentes. ambientadores. que son las que producen el primer impacto al abrir el frasco de perfume.81 Estas esencias son concentrados de perfume. vainillina. así como las eaux fraîches y las eaux florales. siendo base esencial de este equilibrio la dosificación de ingredientes. derivada de aromas como la bergamota. clavo.

84 El desarrollo técnico de la perfumería se acrecentó en la cultura islámica con el uso del alambique desde el siglo X. y tanto en la Roma Imperial como en el Imperio Bizantino las cortes derrochaban perfumes de forma fastuosa. siendo Venecia uno de los primeros centros en distribución de esencias aromáticas gracias a su comercio con Oriente. el Génesis. El desarrollo histórico de la perfumería es paralelo a la mayoría de actividades relacionadas con la esteticidad del cuerpo humano. de cuya sangre decían había brotado la anémona. que permitió destilar perfumes más sofisticados. En el siglo XVIII surgieron algunas de las principales firmas de perfumería. instalándose en la ciudad de Grasse.Elaboración de perfume en el Antiguo Egipto (Louvre). En Tiro y Sidón se celebraba la muerte y resurrección de Adonis. en la tumba de Tutankhamon se hallaron diversos recipientes que al ser abiertos exhalaron perfume de nardo del Himalaya. perfumes como el incienso y la mirra. Existen referencias de un perfume llamado kyphi o kephri compuesto de dieciséis aromas. En el Renacimiento se acrecentó el uso del perfume. joyas. etc. gracias a su herencia islámica y a la importación de materias primas de América. peinados. En Gran Bretaña también floreció la industria perfumera. siendo famosos los jardines de Babilonia con sus numerosas flores aromáticas. con una fiesta de flores y perfumes. centro que se trasladó a Lisboa tras el descubrimiento de América. . la principal corporación de perfumistas a nivel mundial. usado en Heliópolis en las ofrendas al dios Ra. Lubin. con el uso del alcohol como diluyente. En Grecia y Roma también se usó con frecuencia el perfume tanto a nivel personal como en actos religiosos. cosméticos y aceites corporales tanto para uso cotidiano como para ritos religiosos y ceremonias funerarias. como Houbigant. que fueron dos de los regalos traídos por los Reyes Magos al niño Jesús. Los egipcios fueron uno de los primeros pueblos en utilizar con asiduidad perfumes. En la Biblia se cita ya desde su primer libro. elaborado con ámbar y almizcle. el perfume preferido por los árabes. desde Siria hasta Persia. Francia pasó a ser el principal centro de producción perfumística. En el templo de Edfú se conserva una pintura mural que narra la extracción de perfume del lirio blanco. España también fue en esta época un importante centro de producción y distribución de perfumes. influyendo en gran medida en la apreciación de la perfumería en países como Francia e Inglaterra. como vestidos. El perfume fue también muy apreciado en Oriente. Igualmente. Avicena describe en una de sus obras la técnica de destilación del agua de rosas. Piva y Guerlain. adornos. en el sur del país. Posteriormente.

convirtiendo la comida en un rito social que trasciende el mero acto físico de deglutir para convertirse en un momento de comunión familiar. la presentación de los alimentos y la decoración de la mesa.85 Gastronomía Esferificación de té verde. cucharas. que han ido evolucionando y adquiriendo cada vez mayor sofisticación. Las diversas tendencias gastronómicas son debidas sobre todo a variantes regionales. hecho remarcado por diversas religiones con el acto de bendecir la mesa. un menorquín establecido en Inglaterra. y es frecuente que modistos famosos comercialicen sus propios perfumes. o la manufactura de materiales como el bronce y el hierro. La perfumería actual está muy relacionada con la moda. el mayor fabricante mundial de esencias de lavanda. Desde el siglo XIX empezaron a sintetizarse productos químicos en perfumería. destacando los nombres de Juan Florís.potenciada con el inicio de la Revolución Industrial. y los diversos utensilios destinados a favorecer la ingesta de alimentos. autor del perfume Red Rose. Ivoire. cuchillos. En 1925 apareció Chanel Nº5. con perfumes como L'Origan. con un claro componente práctico en cuanto la alimentación es indispensable para el ser humano. pero con una gran faceta de creatividad derivada de la combinación de alimentos y de la innovación en cuanto a la creación de nuevas recetas. etc. hecho que supuso una revolución en el sector. First. Scandal. etc. Desde los años 1970 ha descollado la perfumería estadounidense. Inventos como la cerámica. plato innovador de Ferran Adrià. tenedores) han tenido una especial evolución acorde con criterios estéticos. en paralelo a los diversos períodos de la historia del arte. Rumeur. los utensilios y accesorios de cocina (platos. Chypre y Crêpe de Chine. vasos. Artículo principal: Gastronomía La gastronomía es el arte de la cocina. pudiendo . Opium. que abrió una línea de perfumes con alto contenido de aldehídos grasos. En el acto de comer hay que tener en cuenta factores como el espacio destinado a tal efecto. de Ernest Beaux. que en muchos casos ha superado la mera practicidad del objeto para convertirse en piezas artísticas transmisoras de un determinado estilo. siendo François Coty uno de los principales innovadores en este terreno. con aromas como Charlie. como Arpège. ya que cada país tiene su propio sello distintivo. En especial. revolucionaron la cocina. y William Yardley.

transformándose en una experiencia estética donde intervienen diversos sentidos. Lo temporal es igual a lo espiritual. ya que hay alimentos que favorecen o perjudican el sueño. La comida tiene también un componente cultural. lo pequeño a lo grande.86 El acto de comer trasciende para el ser humano el mero componente físico. la comida se convierte en un ritual que cobra una dimensión social.89 . siendo el acto de comer una íntima forma de relación para el ser humano. despojada de ornamentación. y los actos reflejan siempre un pensamiento. que completará la imaginación. Otro papel decisivo lo juegan factores como la imaginación y la memoria. Es característica la ausencia de simetría. por la concepción zen de que tiene más importancia la búsqueda de perfección que la propia perfección. como en el dormir. de enjuiciamiento. Por ejemplo. en la ceremonia del té japonesa se sintetiza de forma magistral la relación entre la vida. el arte y la belleza.crear toda una serie de utensilios para las diversas necesidades requeridas en la confección de alimentos y su posterior ingesta. según la región o la población que la perciba. El comer causa placer. construcción efímera debida a un impulso poético. lo temporal con lo espiritual. o de apreciar ciertos gustos o sabores. que son los que permiten innovar y experimentar con los alimentos. la concepción integral del hombre con la naturaleza. y siempre se deja algo inacabado. Igualmente provoca en el ser humano un estado de reflexión. ya que un plato bien presentado puede parecer más apetecible que uno presentado de forma rudimentaria. donde se da culto a lo imperfecto. Este concepto queda igualmente reflejado en la sala del té (sukiya). ya que después de comer se entra en la valoración de la calidad de los alimentos o de la originalidad de su combinación o su forma de prepararlos. Su simplicidad relaciona las cosas pequeñas con el orden cósmico: la vida es una expresión. y transmitirlos en el tiempo permitiendo su reproducción.88 En la ceremonia del té japonesa se relacionan las cosas pequeñas con el orden cósmico. por cuanto la multiplicidad de gastronomías en todos los ámbitos geográficos provoca una distinta manera de percibir la comida. ya que representa la adoración de lo bello en oposición a la vulgaridad de la existencia cotidiana.87 A menudo. desde el gusto y el olfato hasta la visión de la propia comida. e influye en nuestra fisiología en muchos otros ámbitos. La belleza sólo puede descubrirla quien mentalmente completa lo incompleto.

en Latinoamérica. cuya predilección es un factor cultural que depende de diversas circunstancias.90 En cuanto a la elaboración de alimentos. Los romanos practicaron la avicultura y la piscicultura. pero alrededor de los siglos III y II a. En el Antiguo Egipto se inventaron procedimientos para elaborar pan con levadura. siendo los griegos los primeros en dar primacía al cerdo. el gusto por el chile procede de cuando la población menos favorecida lo tomaba para resarcir la falta de alimentos. y fueron los creadores de los recetarios y la literatura gastronómica. fue en la Antigua Grecia donde se sentaron las bases de la gastronomía como ciencia. que valoró mucho el pescado y el marisco. Otro paso de suma importancia fue la agricultura. C. siendo famosos los fastuosos banquetes que organizaban los ricos y nobles romanos. al tiempo de que servía para matar parásitos. salado. por la sensación de hartazgo que produce. los alimentos se pueden preparar de distinta manera según el elemento utilizado para su elaboración: asado con fuego. También eran bases fundamentales de su cocina el pan y el vino. legumbres y cereales. Igualmente. Muchos gustos regionales por diversos sabores tienen un origen histórico determinado: el gusto por el salazón en los países mediterráneos viene de cuando se conservaban los alimentos en sal. así como vino y cerveza. que resultan así más fáciles de comer y más digestibles. y les gustaba la mezcla de dulce y salado. con gran influencia de la cocina griega. y más agradables en cuanto a una temperatura adecuada para el cuerpo. con aceite de oliva y cocida sobre leña.C. Solían cocinar con especias y hierbas aromáticas. y según el escritor Ateneo en el siglo II a. así como la elaboración de embutidos. los griegos despreciaron el pescado como comida de pobres. que interfiere en el sabor: el cuerpo reconoce cuatro sabores principales: dulce. La cocina griega se difundió por todo el Mediterráneo. Hace 400 000 años está ya documentada la cocción de los alimentos por parte del hombre de Pekín. la domesticación de animales y el surgimiento de la ganadería propiciaron otra gran fuente de alimentos. siendo la base de la actual cocina occidental. el etnólogo Claude Lévi-Strauss estableció en El origen de las maneras de mesa tres estados básicos de presentación de los alimentos: crudo. hasta entonces no muy valorado. y se usaba mucho en guisados. hervido con agua o ahumado con aire. prácticamente las mismas de hoy en día. de más fácil alcance que la dependencia de la caza y la pesca.92 Como en tantos otros terrenos. basada en vegetales. También dieron mucha importancia a la presentación de la comida y al ceremonial del acto de comer. Igualmente.91 La historia de la cocina se inicia cuando el ser humano empieza a utilizar el fuego para preparar los alimentos. y perfeccionaron las técnicas relacionadas con el vino y el aceite. existían 72 clases diferentes de pan en Grecia. a la riqueza de la época imperial. creando excedentes para épocas de escasez. que permitió al ser humano planificar su fuente de recursos alimenticios. En Grecia se inventó la cazuela mediterránea de pescado. En principio. podrido y cocido. y sin duda parten de entonces las primeras combinaciones de alimentos.Un componente destacado en la gastronomía es la química del alimento. pasando posteriormente a la cocina romana. existieron numerosos tratadistas que estudiaron el arte de la cocina. donde se importaban numerosos alimentos de países extranjeros. El vino lo tomaban mezclado con agua y aromatizado. como Lúculo y Marco . ácido y amargo.93 En la Antigua Roma la cocina evolucionó de la frugalidad de la época republicana. También se consumía todo tipo de carnes. se revalorizó. En paralelo.

etc. que gracias a su comercio con Oriente favoreció la importación de todo tipo de especias: pimienta. el mango. Herederas de la cocina griega y romana fueron la bizantina y la árabe: de la primera destacó su repostería. la patata. El cultivo de las artes culinarias en Francia fue favorecido por los Borbones. el cacahuete. Le Viandier. escrito por el cocinero de Ricardo II de Inglaterra. 1432. el tomate. Un factor determinante para una nueva gastronomía fue el descubrimiento de América. la granada y la berenjena. aunada a la rica tradición grecorromana. azafrán. especialmente por Luis XIV. del francés Guillaume Tirel. mientras que la mayoría de la población solía pasar hambre. así como la elaboración de quesos y el gusto por los rellenos y la carne picada. muy valorado en el Renacimiento. Destacó la cocina veneciana. el aguacate. La cocina árabe influyó en buena medida en la gastronomía medieval. la vainilla. obra anónima editada en Alemania. nuez moscada. junto las derivadas de Persia y el Oriente. de donde llegaron nuevos alimentos como el maíz. mostaza. desarrollándose en gran medida la literatura gastronómica. canela. la caña de azúcar. Bajo el mismo hay una vasija para recoger los jugos y reutilizarlos para salsas. apodado Taillevent. el pimiento. autor del célebre recetario Apitii Celii de Re Coquinaria libri decem. los frijoles. clavo. del catalán Robert de Nola. mientras que en España (al-Andalus) desarrolló nuevos productos agrícolas. llegando la gastronomía a altas cotas de refinamiento y sofisticación. estas delicias culinarias estaban reservadas a la aristocracia. y Libre del Coch. Ilustración del Decamerón. Entre los tratados . en el Medievo fue muy valorada la gastronomía. En el Barroco empezó a destacar la gastronomía francesa. Daz Buch von guter Spise.94 Ave asándose en un espetón.Gavio Apicio. etc. como el arroz. la segunda recogió todas las influencias anteriores. la piña. A pesar de las épocas de intensa hambruna. el tabaco. el cacao.95 En el Renacimiento se revitalizó la cultura clásica. sin embargo. con tratados como The forme of Cury. monarca de gran paladar. que adquirió unas elevadas cotas de calidad de las que aún goza hoy día. Flandes.

etc. favorecida por el avance de los medios de transporte y el auge del turismo. que conllevó el retorno a una cocina natural y sencilla. así como la tendencia a la comida rápida (con productos como hamburguesas y frankfurts) y los preparados para microondas. efectuada por personas anónimas con el objetivo de expresar ideas. hecho que marcó el punto de arranque de la nouvelle cuisine. se extendió el uso de la conserva de alimentos (proceso favorecido por la Revolución Industrial). reivindicativos) hasta la expresión artística por parte de aficionados al arte o el cómic. y especialmente con el mundo del hip-hop. siendo un acervo común de todos los estamentos sociales. sino en obras de investigación y divulgación. de teoría y ensayo. En ese sentido. y no sólo los privilegiados. Karlos Arguiñano. Ferran Adrià. Santi Santamaría. Artículo principal: Grafiti El grafitinota 2 es un tipo de inscripción realizada en paredes de edificios. Juan María Arzak. bizcochería y conservería (1611). denunciatorios. que aúna la tradición y la sencillez con los nuevos adelantos y un cierto afán de innovación y experimentación. o Le Grand Dictionnaire de Cuisine de Alexandre Dumas (1873). pastelería.97 Como cocineros de relevancia se podría citar a: Auguste Escoffier. vinculado . emociones o mensajes de todo tipo. En sentido inverso. que han favorecido el surgimiento de nuevos productos que destacan sus cualidades nutricionales. con publicaciones como la Guía Michelin. y proliferó la literatura gastronómica. titulado Arte de cocina. Paul Bocuse. Surgieron los restaurantes. Donato de Santis.96 La Revolución Francesa marcó un punto de inflexión en la gastronomía europea.gastronómicos de la época conviene resaltar el del español Francisco Martínez Montiño. obscenos. Se consideran como grafiti desde las pintadas hechas con todo tipo de fines (vandálicos. siendo esa su forma de comunicarse con el mundo.98 Arte urbano: el grafiti Espacio reservado para grafiti legal en el Fórum Universal de las Culturas 2004. Barcelona. Heston Blumenthal. pudiendo ser en forma escrita o en imágenes. que se extendió a nivel popular. como la Fisiología del gusto de Brillat-Savarin (1826). ha surgido una nueva preocupación por los alimentos sanos y equilibrados. o simplemente jóvenes que muestran así su expresividad. no ya en simples recetarios. Joël Robuchon. También hay que destacar la revalorización de la cocina regional. En el siglo XX ha tenido una especial relevancia la industria conservera y la elaboración de alimentos precocinados. Dentro del grafiti existen diversos géneros: art graffiti. también apareció entonces la crítica gastronómica. se suele asociar a menudo con las llamadas «tribus urbanas».

que lo usaban como una forma de protesta y reivindicación de sus derechos. de dos colores. y el pegado de carteles y pegatinas. y luego por todo Estados Unidos. existiendo numerosas evidencias en hallazgos arqueológicos. donde un joven apodado Cornbread empezó a realizar unas firmas (tags) para llamar la atención de una chica. dibujos y caricaturas. En la Segunda Guerra Mundial se hizo famoso el lema Kilroy Was Here («Kilroy estuvo aquí»). throw-up. Desde antaño ha sido habitual escribir el nombre propio. entre ellos el castellano. Inicialmente. donde al parecer era una práctica habitual. o bien insultos. especialmente en Pompeya y Herculano. El grafiti moderno comenzó en los años 1960 en Filadelfia. En 1888 se atribuyó a Jack el Destripador una inscripción realizada con sangre en el escenario de uno de sus asesinatos. Iniciado por jóvenes afroamericanos.con la música hip-hop de los años 1970 y 1980.99 El neologismo se popularizó y pasó al inglés coloquial al usarse en periódicos neoyorquinos en los años 1970. para pasar posteriormente a nivel mundial. Desde finales de los años 1980 y en los años 1990 se fueron adoptando nuevas técnicas como la aplicación de aerosol con plantillas. Con el tiempo la costumbre se extendió y fue recogida por la prensa. y por influencia de la cultura estadounidense el término se popularizó en otros idiomas. o piece. Arte de acción . el movimiento fue la fórmula de expresión de las minorías estadounidenses. declaraciones de amor. el término solía usarse para las inscripciones antiguas halladas en excavaciones arqueológicas. Fue el arqueólogo italiano Raffaele Garrucci quien divulgó el término en medios académicos internacionales a mediados del siglo XIX. de tres colores). slogan o «grafiti público». inscripciones de los lavabos públicos. de un color. iniciando un efecto de imitación que pasó de Filadelfia a Nueva York. generalmente de contenido político y social. en una modalidad llamada post-graffiti o arte callejero (street art). latrinalia o «grafiti privado». existiendo numerosas muestras sobre todo de la Antigua Roma. donde se conservaron gracias a la ceniza volcánica. que decía The Juwes are not The men That Will be Blamed for nothing («los judíos no son los hombres que serán culpados sin motivo»). realizado por un soldado en diversos escenarios bélicos. donde el nombre del artista se escribe de diversas formas (tag. La costumbre de pintar o escribir en las paredes es tan antigua como la invención de la escritura.

así como la intervención del cuerpo humano (por lo que está ligado con el body-art) y el uso de nuevas tecnologías. aunque por lo general no hay un espacio ni un tiempo determinados. uno de los presupuestos que habían sustentado la formulación del arte en su acepción tradicional. para cuya percepción el espectador debía moverse. para romper el estatismo del teatro tradicional. el teatro. no tiene comienzo ni final estructurados. que es imprevisible. por lo que es un arte espontáneo e irrepetible. por ejemplo. Se puede realizar tanto en espacios cerrados como al aire libre. Artículo principal: Arte de acción Se denomina arte de acción (action art o life art) a un grupo variado de técnicas o estilos artísticos que hacen énfasis en el acto creador del artista. en montajes artísticos como el collage y el assemblage. la performance es una acción similar en cierta forma al happening. que destacaban el aspecto tridimensional de la obra. El término fue creado por Allan Kaprow. es también cinematográfica.102 Por su parte. que no tiene por qué ser una obra material. musical. viendo los cuadros con linternas.Performance en la Avenida Reforma de la Ciudad de México. pero su naturaleza no es exclusivamente “pictórica”. erótica. Se podría decir que el arte de acción nació en los años 1920 con el dadaísmo y el surrealismo. en la acción. quien desde su escuela en el Black Mountain College de Carolina del Norte creó en los años 1950 una serie de theater events («acontecimientos teatrales») donde se compaginaba la música con la poesía. existe un guion previo con unos parámetros mínimos fijados por el autor. El happening es una forma de creación artística donde el autor colabora con el público para la confección de la obra. por lo que los artistas empezaron a valorar cada vez más el ambiente (environment) que rodea a la obra. social-dramática.101 Entre las múltiples formas de expresión del arte de acción figuran el happening. que señaló la interrelación entre el artista y el espectador en el momento de la creación artística. especialmente el vídeo. la performance. a veces una acción puede tener varios escenarios. Suelen intervenir la música y los diálogos (o monólogos). se sustituyó por el concepto de lo efímero. Así.100 Según Amalia Martínez Muñoz. y puede dividirse en varios momentos inconexos. depende de la libre participación e improvisación del espectador. Aunque pueda parecer que está todo dejado al azar. poética. En la acción artística es primordial el tiempo. por lo que tiene un cierto componente teatral. psicoquímica». en aspectos como el espacio y la luz. La intervención del espectador fue cada vez más primordial en la creación artística. y cuando éste pasó a tener un rol activo y no ya pasivo surgió el arte de acción. política. enteramente efímero. desarrollados al azar dentro de un contexto . al partir del cual interviene la espontaneidad del medio y las personas. el mensaje. alucinatoria. Poco a poco se dio mayor relevancia a la intervención del espectador. pero donde se valora más el carácter teatral y gestual de la acción.103 Uno de los pioneros de la acción artística fue John Cage. o incluso la intervención de otros sentidos además de la vista. el environment y la instalación. la interrelación entre artista y espectador. «el valor de lo inmutable. mientras quemaba granos de café para añadir el olfato al evento. teatral. el happening no es una mera improvisación. sino que se valora el acto creador. el baile y otros elementos escénicos. Marcel Duchamp hizo una exposición en una galería a oscuras. más adecuado a una sociedad en perpetuo cambio». Según Jean-Jacques Lebel el happening «es un arte plástico.

Emmett Williams y otros. En Estados Unidos tenían muy presente el ejemplo del action painting. Entre sus miembros destacan: Jirō Yoshihara. destacando el aspecto vital. Dick Higgins. En 1959 Kaprow realizó el primer happening en la Reuben Gallery de Nueva York. así como inspiró a movimientos como el E. Shozo Shimamoto y Katsuō Shiraga. con un gran sentimiento de crispación y agresividad latente.T. Para los miembros de Fluxus la vida puede experimentarse como arte. Los artistas de Gutai asimilaron la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de acciones cargadas de ironía. realizado en París. George Brecht. Posteriormente el arte de acción estuvo representado por dos grupos de artistas: Gutai. Daniel Spoerri. Fluxus nació en 1961.104 El primer happening en Europa fue El teatro está en la calle (1958). Yoko Ono. seguido de Cityrama (1961). teatro y demás disciplinas.predeterminado. la interrelación entre arte. (Experimentos de Arte y Tecnología) y el Judson Dance Theater. titulado 18 happenings en 6 partes. Joseph Beuys. música. como su Salto al vacío (1960).A. significando en el acto de volar el desligamiento de la actividad creadora del mundo comercial de las galerías de arte. desde los neodadaístas norteamericanos y los nuevos realistas franceses hasta artistas minimalistas y conceptuales. Nam June Paik. fructificó en una serie de artistas que desarrollaron este tipo de acciones entre los años 1950 y 1960. En Europa otro pionero fue Yves Klein. activo. agrupando a una serie de artistas de diversa procedencia. en la Bienal de Venecia de 2009. Wolf Vostell.105 Instalación del grupo Gutai. y Fluxus. surgido en Japón. Desde entonces la acción artística fue una práctica corriente de numerosos artistas de muy diverso signo. y otorgan igual relevancia a la música y . de corte internacional. artífice de diversos eventos realizados en paralelo a su obra material. donde el propio artista se lanzaba desde un muro de dos metros de altura. la pintura gestual del expresionismo abstracto norteamericano. de este tipo de representaciones. uno de cuyos máximos exponentes fue Jackson Pollock. Así pues. como Allan Kaprow. Sadamasa Motonaga. artista francés adscrito al Nuevo Realismo. Jim Dine y Claes Oldenburg. Red Grooms. como George Maciunas (que ideó el nombre del grupo). ambos de Wolf Vostell.

láser y otros elementos visuales. el SIDA. el beat art. Uno de sus pioneros fue nuevamente Marcel Duchamp. al tiempo que criticaban el mercantilismo del arte. También incorporó las nuevas tecnologías. el sexismo. Maciunas manifestó en 1965 que pretendía «demostrar que cualquier cosa puede ser arte y cualquiera puede hacerlo». La instalación se desarrolló en los años 1960 en paralelo a la obra de artistas de acción como Allan Kaprow y Jim Dine. el arte povera. el arte cinético. participando de la idea de que cualquiera puede ser artista. creándose incluso un museo específico para este medio. contestada en 1960 por Arman con Lo lleno. como en la obra de Laurie Anderson. el sound art y el videoarte. la homofobia. y numerosas galerías y museos han recogido instalaciones en sus exposiciones temporales. añadiendo un componente reivindicativo a sus acciones. como el racismo.106 La acción siguió desarrollándose entre los años 1960 y 1970. Claes Oldenburg y Tom Wesselmann. artistas funk como Edward Kienholz o pop como George Segal. Mona Hatoum. el music-hall. También recogió numerosas influencias. buscaban la participación del espectador. donde vendió el espacio vacío de la sala. donde llenó una galería de arte con cuerda enlazando los paneles que contenían los cuadros de la exposición. desde el neodadaísmo y el Nuevo Realismo hasta el letrismo. desde el teatro y el cine hasta el circo. asumiendo muchas veces reivindicaciones políticas y sociales. pudiendo tener incluso un componente de acción como escenario de happenings o performances. así como se relacionó estrechamente con el bodyart. Barbara Kruger y Claude Simard. como en la obra de Vito Acconci y Carolee Schneemann.107 Por su parte. También recibió numerosas influencias y se abrió a un amplio abanico de actividades culturales. una galería llena de basura. con la exposición El vacío realizada en 1958 por Yves Klein. el Museum of Installation de Londres en 1990. la guerra. que ejemplificaron en su eslogan «hazlo tú mismo». Desde entonces se ha desarrollado como un medio de gran efectismo para el espectador. el funk art y la Internacional situacionista. el ecologismo.la poesía que el chiste y el vodevil. la instalación artística es una mezcla entre la obra de arte como objeto — generalmente en forma de assemblage— y el environment o espacio envolvente. en espectáculos multimedia que incluían vídeos. También asumieron un claro compromiso político. el cabaret. Robert Gober. quien en 1942 realizó un montaje en el seno de la Exposición Surrealista de Nueva York titulado Milla de cuerda. al tiempo que asumen diversas influencias.108 Arte conceptual . la pantomima y el rock'n'roll. como el minimalismo. Entre los artistas dedicados a este medio destacan: Maurizio Cattelan. Otro precedente se encuentra en el Nuevo Realismo francés. Igualmente. etc.

instantáneo. y se documentan con vídeos. más analítica. más dramática. el sexo. en especial en relación con la violencia. el arte conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso mental de la creación artística. Un pionero en ese sentido fue Marcel Duchamp. afirmando que el arte está en la idea. sino en el proceso generativo o formativo que conduce a la obra.109 Body-art Artículo principal: Body art El body-art utiliza el cuerpo humano como medio de expresión artística. El propio Duchamp expresó entonces que estaba «más interesado en las ideas que en el producto final». pero en el terreno de la efimeridad destacan el body-art y el land-art. Surgido a finales de los años 1960 y desarrollado en los 1970. este movimiento tocó diversos temas relacionados con el cuerpo. Para estos artistas. el componente vital. como el «arte conceptual lingüístico» o el arte povera. trivializándolo para denunciar su reducción a un simple objeto usado con fines mercantilistas. el arte no se encuentra en la obra. no en el objeto.Ejemplo de body-art. Tras el despojamiento matérico del minimalismo. Artículo principal: Arte conceptual El arte conceptual (también llamado project art o idea art) surgió a mediados de los años 1960 como un conjunto de manifestaciones artísticas que incidían en la idea del arte más que en su realización material. el exhibicionismo o la resistencia corporal a determinados fenómenos físicos. El arte conceptual incluye diversas tendencias. donde se valora más la acción. valorando más la percepción y la relación con el espectador. que tiende más a tratar el cuerpo . Se evidencian dos líneas principales: la estadounidense. quien con su Fuente de 1917 (un inodoro presentado como si fuese una escultura) ya pretendía reflexionar sobre la función del arte. y la europea.

situando la modelo delante de la tela y pulverizando pintura. o según el movimiento. con lo que quedaba marcada su silueta. dejando partes del cuerpo en blanco. dejando la huella de su cuerpo pintada en la tela. que experimentó con el bronceado. «arte de la tierra») es una tendencia que utiliza la naturaleza como soporte artístico. Youri Messen-Jaschin se centró en el body painting. que en 1958 empezó sus «antropometrías». contraponiendo el retorno a la naturaleza frente al arte urbano del pop-art de moda en el momento. notas o dibujos. el tiempo y la vida. en veladas con música y degustando un aperitivo. en autorretratos de estilo kitsch. considerada la obra más importante de Robert Smithson. autor de un Autorretrato como fuente (1966). ya que a veces hacía girar a las modelos sobre la tela. Gilbert and George.111 Entre los principales artistas de esta tendencia destacan: Dennis Oppenheim. vídeo). una escultura earthwork construida en 1970 (fotografía de 2005). embadurnada de pintura. en que se colocó él mismo detrás de un marco pictórico. escultura. incidiendo en su propio cuerpo.objetualmente y tocar temas como el travestismo. Artículo principal: Land Art El land-art (o earth art. pintura. que constituyen una reflexión sobre el cuerpo. Urs Lüthi empleaba diversos medios (fotografía. recubriendo integralmente cuerpos desnudos con colores psicodélicos y biológicos. Bruce Nauman. el grupo Wiener Aktionisten (Günther Brus. con una fuerte carga irónica. es decir. En su génesis figura un fuerte componente de reivindicación ecológica. en diversas improntas que variaban según la posición del cuerpo. también realizaba «antropometrías en negativo».110 Uno de los pioneros de esta tendencia fue nuevamente Yves Klein. en una era de intensa industrialización y de destrucción de los recursos vitales del planeta. así como la relación con los otros. explorando su propio cuerpo. por la escenificación que Klein confería a estas realizaciones.112 Land-art Spiral Jetty. se acostaba sobre un lienzo. Stuart Brisley se hacía manchas en el cuerpo. Surgió a finales de los años 1960. imitando la sangre. el tatuaje o el dolor. Vinculado principalmente a la cultura . Otto Mühl. documentando los resultados mediante fotografías. donde una modelo desnuda —que él llamaba sus «pinceles vivientes»—. desarrolladas a menudo en galerías ante el público. Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler) realizaban automutilaciones. Estas experiencias estaban a medio camino entre el body-art y el happening. famosos por ejercer de «esculturas vivientes». En ocasiones.

habituales en las tormentas de verano de la zona. Desde velas y antorchas. 1980-1983). Arte nocturno: el neón Desde antaño el ser humano ha buscado fuentes de luz alternativas al sol. Sydney. arquitecturas o monumentos de grandes dimensiones. y la obra de Christo y su compañera Jeanne-Claude. con la intención de poner en evidencia el anonimato de los objetos en la sociedad consumista. enfatizándolos con el aire de misterio y sorpresa que presenta un objeto envuelto (Costa cubierta. Robert Smithson. especialmente por lo concerniente al uso de la geometría para las realizaciones de este estilo. con figuras como Robert Morris. Biscayne Bay. 1969. Su punto de partida fue la exposición Obras de la Tierra. Por lo general. Especialmente significativo fue el descubrimiento de la bombilla en 1879 por Thomas Edison. Christo. También estuvo vinculado al minimalismo. organizada en la Dwan Gallery de Nueva York en 1968. característica por el embalaje de paisajes. uno de los hitos urbanos de Nueva York. montañas o praderas. Colorado.anglosajona.113 Entre las principales realizaciones del land-art se encuentran: Spiral Jetty de Robert Smithson (1970). donde la naturaleza se encuentra inalterada y el artista disfruta de la soledad necesaria para efectuar su trabajo. Islas rodeadas. un malecón en espiral de piedras negras de basalto y tierra enrojecida por las algas. Cortina del valle. Rifle. la luz artificial se ha convertido con el tiempo en un elemento habitual en la vida del hombre moderno. un conjunto de 400 varas de acero situadas en un campo desértico de Nuevo México. que atraen los rayos. costa de los condados de Sonoma y Marin. Cerca corredera. Miami. 1972-1976. siendo el primero . como desiertos. especialmente para la iluminación nocturna. Sol LeWitt. 1970-1972. indispensable en la vida moderna de las ciudades. que presentaba fotografías de obras earthwork («trabajo de la tierra») de diversos artistas. que permitió el alumbrado nocturno de los centros urbanos. California. El rayo en el campo de Walter de Maria (1977). en el Gran Lago Salado de Utah. pasando por el alumbrado de gas y llegando hasta la electricidad. Richard Serra y Dennis Oppenheim. Walter de Maria. que ha permitido prolongar su actividad diaria y crear ambientes nocturnos. las obras se realizan en lugares remotos. Little Bay.114 Nuevas tecnologías Carteles luminosos en Times Square. pudiéndose considerar la vertiente natural de ese movimiento. se desarrolló en Estados Unidos y el Reino Unido.

de dibujos. convirtiéndola en un gran espacio estético donde la combinación de luces y colores. la tecnología era un medio para denunciar la pérdida de valores inherente a la nueva sociedad . donde las luces de neón enfatizan el carácter lúdico de esta ciudad. una nueva forma de comunicación y de creación artística. Georges Claude y Karl von Linde perfeccionaron en 1907 el proceso de fabricación de los tubos de neón.117 El videoarte surgió en 1965 con la aparición de la primera cámara de video portátil (la Portapak de Sony). William Ramsay y Morris Travers aislaron el neón en 1897.Nueva York en 1882. siendo el videoarte uno de los nuevos procesos artísticos que más ha crecido en los últimos tiempos. La iluminación nocturna y las luces de neón han cambiado la fisonomía de la ciudad. etc. Tony Oursler. Exponentes de esta modalidad son Nam June Paik. así como su variado colorido. siendo un potente reclamo para el espectador. La multiplicidad de formas que puede adoptar el tubo de neón. Nikola Tesla consiguió luz en 1892 bombardeando gases con corriente alterna de alta tensión. sino el mensaje inherente a la imagen filmada. letras y formas diversas. de apreciación artística del espacio que lo envuelve. Para estos artistas. generalmente en el marco de instalaciones o performances—. En esta modalidad destaca no sólo su componente físico —la emisión de imágenes. generan en el espectador una respuesta admirativa. fue determinante en el desarrollo de la iluminación nocturna la luz de neón. creando espacio y ambiente. El videoarte ha tenido una constante evolución desde sus inicios hasta nuestros días: la primera generación de videoartistas (liderada por Paik) asimilaron el lenguaje televisivo — caracterizado por la espontaneidad y un componente lúdico en cuanto medio de entretenimiento— transformándolo en una crítica a la simplificación de un medio potencialmente tan expresivo e idóneo para la difusión de la cultura. dedicada al juego y la diversión.116 Vídeo El vídeo es una técnica que consiste en la captación de imágenes mediante un aparato basado en la tecnología óptica y su almacenamiento en una cinta magnética. Bill Viola. Dan Sandin. proveniente de un tubo con dos electrodos lleno de gas neón que se ilumina por el paso de la corriente eléctrica. Un claro ejemplo es Las Vegas. ha generado una nueva forma de expresión artística. Desde entonces incluso la arquitectura se adaptó a la luz eléctrica. y desde entonces se difundió por todo el mundo. empezando porque su fácil manejo permite la utilización individual y amateur de este medio. de posibilidades ilimitadas y gran efecto estético. En el terreno del arte la imagen de vídeo tiene ilimitadas posibilidades. con el que rellenaron tubos de Geissler. especialmente para uso comercial y publicitario. Así. Aunque está ligado a la cinematografía. En 1912 se instaló el primer anuncio de neón en una barbería de Montmartre (París). al ocio nocturno. para posteriormente ser reproducido en una pantalla de televisión. Este invento fue el resultado de un largo proceso de experimentación por parte de varios investigadores: Heinrich Geissler creó en 1856 un tubo de vidrio cerrado dentro del cual produjo luz con corriente alterna. fusionando el mundo de la comunicación con la cultura popular. y lograron producir luces de diversos colores. que permitía nuevas posibilidades en el diseño de interiores.115 Posteriormente. tiene unas especificidades propias. el vídeo ha trascendido su inicial carácter meramente técnico para convertirse en un lenguaje expresivo.

que tendrían un eco posterior en numerosas producciones televisivas y en vídeos musicales. El láser tiene múltiples aplicaciones. El desarrollo de esta técnica artística fue paralelo al de los nuevos adelantos tecnológicos: Dan Sandin fue uno de los principales introductores de los efectos especiales. aprovechando los nuevos adelantos —especialmente la tecnología digital— para explorar nuevos campos de creatividad en el mundo de la imagen. que emite haces de luz de fase y amplitud controladas. ya que la luz ha sido siempre uno de los más potentes factores estéticos para el ser humano. que explora la emotividad humana en campos tan diversos —y a veces contrapuestos— como el humor y el miedo. en la que las cuerdas son sustituidas por rayos láser. Desde los años 1980 y durante los años 1990 el medio videoartístico se fue sofisticando. Los fundamentos teóricos para su descubrimiento fueron formulados por Einstein en 1917.118 Poco a poco el videoarte entró en los circuitos del arte convencional. Por último. El láser es un dispositivo amplificador de luz por emisión estimulada de radiación. hecho que Paik sintetizó en su famosa frase «ridiculizo la tecnología». que permitía numerosos efectos de posproducción. con creaciones cada vez más elaboradas que requerían un complejo trabajo de posproducción. titulada La televisión como medio creativo.119 Láser El músico francés Jean Michel Jarre empleando el instrumento musical conocido como Arpa láser. En los años 1970 y 1980 el videoarte fue uno de los medios preferidos por numerosos artistas por su versatilidad y su rico lenguaje expresivo. desde los años 1990 y en la primera década del nuevo milenio el videoarte se acercó al mundo de la informática. pero no se desarrolló en la práctica hasta 1960 gracias a Theodore Maiman. caracterizada por sus grandes instalaciones centradas a menudo en temas tan trascendentales como el nacimiento o la muerte.del consumo y de los medios de comunicación de masas. dadas sus cualidades visuales y su . Woody y Steina Vasulka introdujeron el articulador digital de imagen. desde las telecomunicaciones y la holografía hasta la medicina. e igualmente ha adquirido un valor artístico al ser utilizado como medio de expresión. por lo que atrajo especialmente a colectivos como el feminista o los de reivindicación racial o de identidad sexual. y ya en 1969 la Galería Howard Wise de Nueva York dedicó una exposición a este medio. siendo de destacar en ese contexto la obra de Tony Oursler. como en la obra de Bill Viola.

así como locales de ocio como discotecas. ya que diversos haces de luces generan volumen.120 Informática Escena realizada utilizando técnicas digitales. no asequibles al profano en la materia. creando por sustracción una imagen virtual del objeto. incidiendo la luz difractada y la reflejada en la placa holográfica. así como las múltiples variantes ópticas derivadas de su capacidad de filtrado y coloración. En arte se utiliza básicamente en dos terrenos: la holografía láser y la animación láser. dada la alta potencia luminosa de la radiación y su manipulabilidad de espesor y direccionalidad. En esta modalidad. . El láser emite una luz homogénea e inmutable. indisoluble en un medio que genera formas en el espacio. el diseño y el proceso mental de la creación artística están supeditados a los conocimientos necesarios para plasmar el concepto ideado en un lenguaje adaptado al medio informático. que luego restituye la imagen iluminando el holograma con el mismo tipo de luz. Estas características permiten su aplicación en grandes espacios. que está ausente en fotografía. El desarrollo de la informática ha generado nuevas formas de creación artística. para cuyo funcionamiento hacen falta una serie de conocimientos específicos. Así. por lo que en su concepción debe tenerse muy en cuenta la relación con el espacio que lo envuelve. Por su parte. Esto se consigue con la interacción de las ondas originadas por una fuente luminosa y las reflejadas en un objeto determinado. La holografía se basa en la reproducción de una imagen incorporando el fenómeno de la difracción. dado que abre un número ilimitado de posibilidades en el terreno del diseño gráfico.naturaleza etérea e inasible. por lo que ésta es bidimensional y el láser permite la reproducción tridimensional de una imagen. la animación láser se usa preferentemente en espectáculos luminosos. Igualmente hay que apreciar en su percepción el factor temporal. Otra característica que lo diferencia de otros medios artísticos basados en la tecnología es la tridimensionalidad. por lo que el uso del láser es habitual en grandes eventos y espectáculos públicos. al incidir el láser sobre el objeto éste se refleja en la placa. En este campo la herramienta primordial es el computador. por lo que sus cualidades intrínsecas y predecibles permiten su manipulación y su concepción basada en un diseño previo. rompiendo las clásicas distinciones entre los diversos géneros del conocimiento humano establecidos desde la Ilustración. en el computer art se conjugan ciencia y arte.

La creación es virtual. como Radiodifusión (1959). a menudo en combinación con el vídeo y. ya que incluso una imagen real debe ser digitalizada para poder ser tratada informáticamente. en la informática esa relación se pierde. Un ordenador no puede trabajar sobre la realidad. que por su rapidez de difusión a nivel mundial ha permitido la interacción de numerosos artistas de todas partes del mundo. Otro precedente fue el artista pop Robert Rauschenberg. más adelante. sino que las genera. con la opción en numerosas ocasiones de que el público participe en la creación artística. Esto provoca que cualquier proceso informático sea autogenerado. celebrada en la galería Cordier & Ekstrom de Nueva York en 1964. la performance. tanto a nivel de artistas consolidados como de artistas sin formación y amateurs. Uno de los pioneros en la experimentación con el sonido fue John Cage en los años 1950.art. y que cualquier diseño gráfico sea producto de un proceso mental traducido a un lenguaje informático. y ésta responde a las características específicas de esos soportes. con sus botones de sintonización en la parte delantera del cuadro.Así como en otros procedimientos técnicos —como la fotografía y el cine— hay una relación entre el soporte y la obra. en el que anunciaba en Internet varios números de teléfono de una estación ferroviaria de Londres para que la gente llamara y estableciera comunicaciones entre personas al azar. basada en una serie de procesos de computarización donde el diseño tiene un carácter unitario. con obras de Rauschenberg. a través de la experimentación en sus composiciones musicales de la combinación entre sonidos y ruidos. arte web o net. sin necesidad de intermediarios.122 Véase también: Arte digital Sonido Otro de los terrenos de experimentación del arte en las últimas décadas del siglo XX ha sido el sonido. que generó una nueva forma de creación artística conocida como sound art o audio art. que incluyó el sonido en muchas de sus instalaciones y obras tridimensionales. El aspecto más relevante de esta modalidad es el contacto inmediato entre artista y espectador. La creciente utilización del sonido en el arte tuvo un primer reconocimiento en la exposición Para los ojos y los oídos. el ensamblaje o el arte cinético. Así. donde instaló tres radios detrás de un lienzo. con la informática. y desde los años 1990 ha sido de los sectores artísticos que más ha crecido. y que provoca que se diluya la determinación de la autoría artística. en una búsqueda por integrar este medio en las artes visuales.121 Uno de los medios que más ha favorecido la creación artística con tecnología informática ha sido Internet. artistas como Olia Lialina. como arte interactivo. cuando se integró el sonido de forma frecuente en diversos medios artísticos como la instalación. Esta modalidad ha recibido numerosos nombres. como el proyecto King's-Cross Phone-In de Bunting. tuvo su apogeo en los 1990. ya que el ordenador no reproduce las formas. Iniciado en los años 1960. desarrollado sobre un conjunto integrado de tratamiento de datos. Jean . Jake Tilson y Heath Bunting han sido los responsables de numerosas iniciativas de arte en la red que han tenido una rápida difusión internacional. algunas de ellas con planteamientos que trascendían el medio informático y conectaban con la vida real en un conjunto multidisciplinar cercano a la performance. Billy Klüver.

cada vez más ligado a la imagen en las nuevas creaciones multimedia de los artistas experimentales. con artistas como Laurie Anderson. Cabe destacar en estos primeros años la usual colaboración entre artistas y músicos.124 . Lee Ranaldo. esta modalidad se ha enriquecido con las nuevas tecnologías. organizada en la Hayward Gallery de Londres. puso de manifiesto el creciente interés de los nuevos artistas por el sonido.Tinguely o Vassilakis Takis. la exposición Estampido sónico: el arte del sonido.123 El principal desarrollo de esta modalidad artística se produjo entre los años 1970 y 1990. Brian Eno y Robin Rimbaud (apodado Scanner). e inclusive con ingenieros de sonido en numerosas ocasiones. y ha proliferado sobre todo gracias a Internet. Desde entonces. El año 2000.