Title – Name

Title – Name
Marrakech Biennale 5
Editors: Hicham Khalidi, Amanda Sarroff, Natasha Hoare
Published on the occasion of
Marrakech Biennale 5
February 26 - March 31, 2014
Translation: Celine Curiol, Imane Nidae, Matthew Cunning-
ham, Ayoub El Mouzaine, Mohamed Elkhadiri, Heba Zohni,
Sophie Halart, Abdelkader Loukili, Paul Robion, Sarah Abdu
Abdallah, Julia Langbein, Youna Kwak, Jesse Kirkwood, Farid
Zahi, Alexander Toledano, Chloé Tuot
Proofreaders: Aya Nabih, Chloé Tuot, Tara Cunningham
Design: Rowan McCuskey
Printing and binding: ORO Grafisch Project Management
Paper: Cheap local Turkish papers
Typefaces: Futura, Sabon, Adobe Arabic
Every reasonable attempt has been made to identify owners of
copyright. Errors or omissions will be corrected in subsequent
Published by Jap Sam Books
in cooperation with Marrakech Biennale 5
This book was made possible
with generous lead support from MMP+
©2014 Marrakech Biennale, Jap Sam Books, the editors, au-
thors, artists, and photographers. No part of this publication
may be reproduced or reprinted or utilized in any form without
express permission in writing from the publishers or copyright
holders except in the context of reviews.
Marrakech Biennale
Derb Moullay Abdullah Ben Hezzian
Bab El Ksour, Marrakech
Jap Sam Books, Heijningen
ISBN 978-94-90322-46-5
Title – Name
Sous le Haut
Patronage de Sa Majesté
le Roi Mohammed VI

Under the Royal
Patronage from his Majesty
The King Mohammed VI
6 7
Where Are We Now?
– André Azoulay
Counselor to H.M. the King Mohammed VI
The Marrakech Biennale has
become an indelible part of
Morocco’s vibrant cultural
legacy. Its programming con-
nects local and international
audiences to new ideas and
artistic visions from Morocco
and abroad. The title of the
fifth edition WHERE ARE WE
NOW? speaks to Morocco’s
current dynamism and to the
promise of its future.
La Biennale de Marrakech
constitue aujourd’hui une
part essentielle du patrimoine
culturel marocain. A travers
sa programmation, elle per-
met à un public local et in-
ternational de se rencontrer
autour de débats d’idées et
de visions artistiques puisant
leurs sources au Maroc et à
l’étranger. Comme l’atteste le
titre de cette cinquième édi-
MAINTENANT ?, le dyna-
misme actuel du Maroc s’ins-
crit aussi bien dans le présent
que dans ses perspectives
Où sommes-nous maintenant?
– André Azoulay
Conseiller auprès de Sa Majesté le Roi Mohammed VI
8 9
Visual Arts & Sound /
Arts Visuels & Sonores
Curator / Commissaire
Hicham Khalidi
Artists / Artistes
Adriana Lara
Agnes Meyer-Brandis
Anne Verhoijsen
Asim Waqif
Burak Arikan
Can & Asli Altay
Cevdet Erek
Charif Benhelima
Éric Van Hove
Gabriel Lester
Ghita Khamlichi
Hamid el Kanbouhi
Hamza Halloubi
Hassaan Kahn & Ibtesam
Hiba Khamlichi
Hicham Benohoud
Iman Issa
Jelili Atiku
JG Thirlwell
Kader Attia
Katarina Zdjelar
Katinka Bock
Keren Cytter
Khaled Sabsabi
Lili Reynaud-Dewar
Max Boufathal
Mohamed Arejdal
Mounira Al Solh
Mustapha Akrim
Pamela Rosenkranz
Patrick Wokmeni
Randa Maroufi
Saâdane Afif
Sandra Niessen
Saout Radio (Younes Ba-
ba-Ali & Anna Raimondo)
Saud Mahjoub
Shezad Dawood
Tala Madani
Wafae Ahalouch el Keriasti
Walid Raad
Yassine Balbzioui
Younes Rahmoun
Zaynab Khamlichi
freq_out 10:
Anna Ceeh
BJ Nilsen
Brandon LaBelle
Carl Michael von Hausswolff
Christine Ödlund
Franz Pomassi
Jacob Kirkegaard
JG Thirlwell
Kent Tankred
leif e. boman
Leif Elggren
Maia Urstad
Mike Harding
Petteri Nisunen
Tommi Grönlund
Singing Maps and
Underlying Melodies:
Curator / Commissaire
Clara Meister, with / avec
S.T.I.F.F. and / et
Cinema And Video /
Cinéma & Vidéo
Curator / Commissaire
Jamal Abdennassar
Artists / Artistes
Amir Rouani
Hassan Darsi
Hicham Ayouch
Ismael El Iraki
Mohamed El Baz
Mohammed Laouli
Soukeina Hachem
Yacout Kabbaj
Yasmine Hajji
Youssef Ouchra
With a Carte Blanche to /
Avec une Carte Blanche à la
Cinémathèque de Tanger
Marrakech Biennale 5
Participants / Participants
Literature / Littérature
Curator / Commissaire
Driss Ksikes
Artists / Artistes
Aïcha El Beloui
Ali Essafi
Asmae Lmrabet
Ghaleb Bencheikh
Hamza Boulaïz
Imane Zerouali
Jaouad Essounani
Latefa Ahrrare
Michael Willis
Mohamed Sghir Janjar
Mounia Bennani-Chraïbi
Mounir Bensalah
Olfa Youssef
Raja El Mouatarif
Saïd Bouftass
Sanae El Aji
Simohammed Fettaka
Sophia Hadi
Taïeb Belghazi
Performing Arts /
Arts Vivants
Curator / Commissaire
Khalid Tamer
Artists / Artistes
Collectif “Les Scotcheurs
Philippe Allard & M’Barek
Sandrine Dole
10 11
Foreword I
– Vanessa Branson
Foreword II
– Amine Kabbaj
– Simon Njami
02 –
Expanding Access
to Contemporary
Culture in North
– Alya Sebti
10 –
A Historical
– Hamid Triki
14 –
Exhibition Venues
Visual & Sound Arts
20 –
Writing on the Wall
– Kaelen
24 –
Where Are We
Identity as Fiction
– Hicham Khalidi
34 –
Artist Biographies

72 –
The Expansion of the
Realm of Literature
– Driss Ksikes
76 –
Artist Biographies
Performing Arts
84 –
Presenting Artwork in
Public Spaces
– Khalid Tamer
86 –
Artist Biographies
Cinema & Video
92 –
Reinventing the
Boundaries of
– Jamal
94 –
Artist Biographies
102 –
Carte Blanche at the
Cinémathèque de
– Malika Chaghal
Parallel Projects
– Karim El Achak
Table of Contents
Avant-propos I
– Vanessa Branson
Avant-propos II
– Amine Kabbaj
– Simon Njami
03 –
Accroître l’accès
à la culture
contemporaine en
Afrique du Nord
– Alya Sebti
11 –
Aperçu historique
– Hamid Triki
15 –
Lieux d’expositions
Arts Visuels &
21 –
Ecrire sur les murs
– Kaelen
25 –
Où sommes-nous
maintenant ? Identité
comme fiction
– Hicham Khalidi
35 –
Biographies des
73 –
L’extension du
domaine de la
– Driss Ksikes
76 –
Biographies des
Arts Vivants
85 –
Présentation des
œuvres au sein des
espaces publics
– Khalid Tamer
86 –
Biographies des
Cinéma & Vidéo
93 –
Ré-inventer les
territoires de l’image
– Jamal
95 –
Biographies des
103 –
Carte Blanche à la
Cinémathèque de
– Malika Chaghal
Projets Parallèles
– Karim El Achak
Table de matières
Foreword I
– Vanessa Branson, President and Founder
The Marrakech Biennale was born ten years
ago as a response to world events. Western
governments seemed to be painting the entire
area of North Africa and the Middle East with
the same broad brush of distrust and para-
noia. There was an increasing need to find
a platform to debate ideas and ideologies.
What better way to do this than through the
Through the arts, you can discuss contentious
issues without causing offense; you can play
around with concepts, change your mind,
develop a critical language, and hone your
debating skills. Engaging in contemporary
culture indicates that a country celebrates free
thinking and is confident in its future.
The process of producing all the artworks in
Marrakech, with the artists engaged directly
with students from the university and utilizing
the skills of local artisans and technicians,
means that the local audience is engaged and
curious even before the international public
gets to see the work. We knew we were get-
ting something right when one commentator
described the Biennale as the “Davos of the
art world.”
The Biennale is not simply about discussing
parallels and differences among cultures but
about connecting different art forms. We revel
in contributors who move seamlessly from a
filmmaking panel to picking up a ukulele on
cabaret night. We understand the contribution
that each festival goer makes, not only in sup-
porting the event by purchasing a ticket, but
by being there to challenge participants and
by spreading the word once they leave.
This is a personal opinion, but artists really are
special people! It never ceases to amaze me
how they see the world through a prism differ-
ent from us mortals. They have an extrasenso-
ry system that is open to hidden stimuli, and
the ingenuity to transform this into something
tangible for us to marvel at.
Until now Marrakech had virtually no arts in-
frastructure. The city, with its rich soup of an-
cient traditions, beautiful light, exotic sounds
and smells, and astonishing number of skilful
artisans full of enthusiasm and ingenuity, is an
exciting, if at times challenging, environment
for an artist. The Biennale spotlight and its
ensuing press interest lend the town a crea-
tive surge. Artist residencies are opening, the
Marrakech Museum for Photography & Visual
Arts (MMP+) was recently inaugurated, and a
number of good galleries and arts organiza-
tions are looking at spaces to open next year.
The Marrakech Biennale is the longest-running
arts festival in the Maghreb. From its humble
beginnings back in 2005, it has grown into an
organic beast, alive with energy and enthusi-
asm. They say that, in Morocco, “anything is
possible but nothing is certain.” This has been
our mantra. Anything is possible, and who
knows what direction the Biennale will take.
One thing that is certain is that it is always
going to be unexpected.
La Biennale de Marrakech est née il y a dix ans,
en réaction à certains événements mondiaux.
Les gouvernements occidentaux semblaient
alors donner à toute la zone de l’Afrique du
nord et du Moyen-Orient un portrait uni-
forme, entaché par la méfiance et la paranoïa.
Il devenait alors vraiment nécessaire de trou-
ver une plateforme pour qu’idées et idéologies
soient débattues. Le meilleur moyen de le faire
n’était-il pas de passer par l’art ?
L’art nous permet de discuter des questions
controversées sans offenser personne, il nous
permet de jouer avec les concepts, de changer
d’avis, de développer un discours critique et
d’affûter nos argumentaires. En prenant part
à la culture contemporaine, un pays montre
qu’il rend hommage à la libre-pensée et qu’il a
confiance en son avenir.
Grâce au processus de production de toutes les
œuvres d’art à Marrakech, qui passe par une
collaboration directe des artistes avec les étu-
diants universitaires et l’utilisation par ceux-ci
des talents des artisans et techniciens locaux,
le public marocain est sollicité et curieux
bien avant que les visiteurs internationaux ne
voient ces œuvres. Nous savions d’ailleurs que
nous avions réussi quelque chose lorsqu’un
commentateur décrivit la Biennale comme le
« Davos du monde de l’art ».
La Biennale n’est pas simplement l’occasion de
discuter des parallèles et des différences entre
cultures, mais aussi de créer des passerelles
entre différentes formes d’art. Nous adorons
que l’un de nos collaborateurs puisse, sans ef-
fort apparent, contribuer à une table ronde sur
le cinéma avant de s’emparer d’un ukulele pour
jouer lors d’une soirée cabaret. Nous compre-
nons la contribution qu’apporte chaque par-
ticipant, non seulement en soutenant l’événe-
ment par l’achat d’un billet, mais aussi en étant
présent pour interroger les artistes et, plus tard,
en parlant de la manifestation autour de lui.
Il s’agit d’un point de vue personnel, mais les
artistes sont vraiment des gens uniques ! Je ne
cesse d’être fascinée par la manière dont ils
voient le monde, à travers un prisme bien diffé-
rent du nôtre, mortels. Ils possèdent un système
extrasensoriel qui réagit à des stimuli cachés et
le génie de transformer ceci en une chose tan-
gible que nous puissions admirer.
Jusqu’à aujourd’hui, Marrakech ne possédait
presque aucune infrastructure dédiée à l’art.
La ville, avec son riche mélange de traditions
ancestrales, sa lumière magnifique, ses sons et
odeurs exotiques, et sa quantité impression-
nante d’excellents artisans pleins d’enthou-
siasme et d’ingéniosité, constitue un environne-
ment stimulant, bien que parfois difficile, pour
un artiste. L’éclairage de la Biennale et l’intérêt
qu’elle suscite auprès des médias provoquent
dans l’endroit un sursaut de créativité. Les ré-
sidences d’artistes sont en train d’être ouvertes,
le Marrakech Museum for Photography & Vi-
sual Arts (MMP+) a été récemment inauguré
et un certain nombre de galeries et de centres
d’art recherchent des locaux en vue d’une ou-
verture l’an prochain.
De tous les festivals des arts du Maghreb, la
Biennale de Marrakech est celui qui a duré le
plus longtemps. Ayant débuté de façon très
modeste en 2005, il a grandi pour devenir une
créature bien vivante, gonflée d’énergie et d’en-
thousiasme. Au Maroc, on dit ceci : « Tout est
possible mais rien n’est sûr. » Nous en avons
fait notre devise. Tout est possible, et qui sait
quelle direction prendra la Biennale. Une chose
est sûre toutefois, c’est qu’elle sera toujours
Avant-propos I
– Vanessa Branson, Présidente et Fondatrice
Foreword II
– Amine Kabbaj, Vice President
WHERE ARE WE NOW? This is the theme and
leitmotif of Marrakech Biennale 5, held from
February 26 to March 31, 2014.

Yes, the Marrakech Biennale is back, to pro-
vide unforgettable experiences through exhi-
bitions, performances, and screenings, con-
ceived under the direction of Hicham Khalidi
for Visual & Sound Arts, Jamal Abdennassar
for Cinema & Video, Driss Ksikes for Litera-
ture, Khalid Tamer for Performing Arts, and
with the participation of Karim El Achak for

I wish to pay tribute to Vanessa Branson, who
launched this exceptional event ten years ago
and has supported it financially. I would like
to thank Alya Sebti for her important work as
artistic director, Stefan Holwe, our managing
director, and Alia Radman, our director of op-

Organizing an event like this is not easy given
the resources at our disposal. The Marrakech
Biennale should and will become a Moroccan
event financed in part by Moroccan govern-
ment agencies, by private, domestic, and in-
ternational institutions and sponsors, as well
as by organizations that have a general affili-
ation with art.

The Marrakech Biennale intends to occupy a
prominent place in the network of international
biennials, from Buenos Aires in Argentina to
Gwangju in South Korea, from North America
to Europe to the Middle East.

From an early stage of this fifth edition, we
benefitted from the high patronage of His Maj-
esty the King Mohammed VI. This has given
our event visibility and helped us raise funds
from national and international organizations.

The fourth edition of the Marrakech Biennale—
so beneficial to the city of Marrakech and to
the art world in our country— made it possible
to achieve international standing and look for-
ward to a long future. The four previous edi-
tions were made possible thanks in large part
to Vanessa Branson’s determination, will, and
faith in art, as well as to Marrakech’s ability to
host the events.

Vanessa Branson, along with all the people
who have helped and supported her over the
past ten years, will ensure that Marrakech Bi-
ennale 5 is a fitting culmination of all the tire-
less hard work invested, reflecting the efforts
of everyone involved.

This initiative was born of a desire for open-
ness, in order to promote encounters and ex-
changes between cultures. Today, it is a means
of rising up against displays of hatred and in-
tolerance between cultures and civilizations.
That this event takes place in Marrakech and
in Morocco is not trivial. These have always
been places where the East, Africa, and the
West meet, and it is important for this to be

I am very honored to have been appointed to
lead this exciting venture with our team and
I hope that, together, we will be equal to the
Avant-propos II
– Amine Kabbaj, Vice-président
est le thème et le leitmotiv de la 5
édition de
la Biennale de Marrakech qui se tient du 26
février au 31 mars 2014.

Oui, la Biennale de Marrakech est de retour
pour vous faire vivre des moments inoubliables
grâce aux expositions, performances et pro-
jections conçues par Hicham Khalidi pour les
Arts Visuels & Sonores, par Jamal Abdennas-
sar pour le Cinéma & Vidéo, par Driss Ksikes
pour la Littérature, par Khalid Tamer pour les
Arts Vivants, et avec la participation de Karim
El Achak pour l’Architecture.

Je tiens à rendre hommage à Vanessa Bran-
son qui a lancé à Marrakech, il y a dix ans,
cet événement exceptionnel et qui l’a soutenu
financièrement. Je remercie Alya Sebti pour
son important travail à la direction artistique,
Stefan Holwe, notre directeur général, et Alia
Radman, qui est chargée de la direction des

Organiser un tel événement n’est pas chose fa-
cile étant donné les moyens à notre disposition.
La Biennale de Marrakech veut et doit devenir
un évènement marocain financé en partie par
les instances gouvernementales marocaines,
par les institutions et mécènes privés nationaux
et internationaux ainsi que par les organismes
affiliés à l’art en général.

La Biennale de Marrakech veut aussi occuper
une place de choix dans le concert des bien-
nales internationales, de Buenos Aires en Ar-
gentine à Gwangju en Corée en passant par les
biennales nord-américaines, européennes et du

Pour cette 5
édition, nous avons bénéficié
très tôt du haut patronage de Sa Majesté le Roi
Mohammed VI, ce qui a donné une visibilité à
notre événement et aidé à lever des fonds au-
près des organismes nationaux et internatio-

La 4
édition de la Biennale de Marrakech
a permis d’atteindre un rayonnement inter-
national et de prétendre à la pérennisation de
cette manifestation bénéfique à la ville de Mar-
rakech et au monde de l’art dans notre pays.
Les quatre éditions précédentes ont pu se tenir
en grande partie grâce à la détermination de
Vanessa Branson, à sa volonté et à sa foi en
l’art ainsi qu’à la capacité de la ville de Mar-
rakech de les accueillir.

Vanessa Branson, de même que toutes les per-
sonnes qui l’ont aidée et soutenue durant ces
dix dernières années, feront en sorte que la
édition de la Biennale de Marrakech soit
l’aboutissement d’un travail intense, sans re-
lâche, à l’image des efforts de tous.

Cette initiative est née d’un désir et d’une volon-
té d’ouverture afin de favoriser les rencontres
et les échanges entre cultures. Aujourd’hui, elle
apparaît comme un moyen de s’élever contre
les manifestations de haine et d’intolérance
entre les cultures et les civilisations. Qu’elle
se déroule à Marrakech et au Maroc n’est pas
anodin : ces endroits ont toujours été un carre-
four entre l’Orient, l’Afrique et l’Occident et il
est important de préserver ceci.

Je suis très honoré d’avoir été désigné pour diri-
ger cette aventure passionnante auprès de notre
équipe et espère que nous serons, ensemble, à
la hauteur de la tâche.
A Permanent Heterochrony
– Simon Njami
It already begins to ring out through our inter-
pretation of a simple pitcher; then as the a pri-
ori latent theme of all the plastic arts, though it
is really central to all the magic of music; then,
finally, in the ultimate self-encounter, in the
comprehended darkness of the lived moment,
as this one thing leaps up and hears itself in
the inconstruable, absolute question, the prob-
lem of the We in itself.
– Ernst Bloch
Every exhibition is addressed to someone. To
a receiver whom we commonly call a public
or audience. And the difficulty of conceiving
this event, called an exhibition or biennial, is
that the public is anonymous and vague, an
invisible entity. Still, we would be wrong to
confuse invisibility with a kind of non-existence
that would give total de facto power to the
exhibition’s director. For the latter, although
struggling with his own ideas, must subject
himself to at least one obligation: to envi-
sion the “absolute question” that Ernst Bloch
evoked, and to consider the watchword “We”
as a starting point for all projects intended for
a public. How then to negotiate the very idea
of a public?
The question inevitably takes us back to the
question of time, since the notion of public
that we constantly evoke is fluid, shifting, and
sometimes intangible. By interrogating the
present, we refer to the past, while being en-
tirely preoccupied by the future, as Maurice
Merleau-Ponty explains:
“Time remains the same because the
past is a previous future and a recent
present, the present is an impending
past and a recent future, and finally,
the future is a present and even past to
come. This is to say that each dimen-
sion of time is treated or intended as
something other than itself--which is to
say, in short, because there is at the
core of time a gaze … .”
This gaze at the core of time is what forges the
intimate relationship that each of us maintains
with history or with current events. And it is
this special gaze that helps us in our attempt
to respond to a few questions, which are not
exhaustive: Whom are we targeting? What
public do we want to address when we con-
ceive of exhibitions outside of spaces intended
for this purpose? How can we make contem-
porary art accessible, including in countries
where infrastructure is lacking?
This is the challenge that Marrakech Biennale
5 intends to meet, by engaging with two es-
sential concepts at the center of this millenni-
um’s self-questioning: time and community. By
posing this seemingly simple but obviously
complex question, “Where are we now?” this
Biennale invites us on an ontological quest.
No future is imaginable, as Merleau-Ponty
writes, if it does not weave itself into time’s
weft, in a permanent heterochrony.
Ernst Bloch, The Spirit of Utopia, Trans. Anthony
A. Nassar (Stanford: Stanford University Press,
2000) 3.
Maurice Merleau-Ponty, Phenomenology of
Perception, Trans. Donald A. Landes (New York:
Routledge, 2012) 445.
Une hétérochronie permanente
– Simon Njami
[L]eur chant se fait entendre déjà déchiffré sur
les flancs d’un simple pichet, déchiffré comme
le thème latent a priori de tout art « plastique »
et le thème central de toute magie de la mu-
sique, déchiffré enfin dans la dernière rencontre
possible de soi-même, dans l’obscurité élucidée
de l’instant vécu tel qu’il s’ouvre d’un coup et
se perçoit lui-même dans la question incons-
tructible, la question absolue, le problème en
soi du Nous.
– Ernst Bloch
Toute exposition s’adresse à quelqu’un. À
un récepteur que nous appelons communé-
ment public ou audience. Et la difficulté de la
conception de cet événement que nous nom-
mons exposition ou biennale provient du fait
que le public est une entité anonyme et floue,
invisible. Mais nous aurions tort de confondre
cette invisibilité avec une inexistence qui don-
nerait de fait les pleins pouvoirs au commis-
saire de l’exposition. Ce dernier, au moment
où il se débat avec ses idées, doit se soumettre
au moins à une obligation, celle d’envisager la
« question absolue » qu’évoquait Ernst Bloch.
Et considérer ce mot d’ordre comme point de
départ de tout projet destiné à un public. Com-
ment, dès lors, négocier avec l’idée même de
public ?
Cette question nous renvoie inévitablement à
celle du temps puisque cette notion que nous
évoquons sans cesse est fluide et mouvante,
parfois intangible. En interrogeant le temps
présent, nous nous référons au passé tout en
étant entièrement préoccupés par l’avenir,
comme l’explique Merleau-Ponty :
« Le temps demeure le même parce que
le passé est un ancien avenir et un pré-
sent récent, le présent un passé prochain
et un avenir récent, l’avenir enfin un
présent et même un passé à venir, c’est-
à-dire parce que chaque dimension du
temps est traitée ou visée comme autre
chose qu’elle-même, c’est-à-dire, enfin,
parce que il y a au cœur du temps un
regard (...). »
Ce regard au cœur du temps est ce qui forge
le rapport intime que nous entretenons chacun
avec l’Histoire ou l’actualité. Et c’est ce même
regard particulier qui nous aide dans notre
tentative de répondre à ces quelques questions
dont je ne dresse pas la liste exhaustive : Qui
visons-nous ? À quel public voulons-nous nous
adresser lorsque nous concevons des exposi-
tions en dehors des lieux destinés à cet effet ?
Comment pouvons-nous rendre l’art contem-
porain accessible, y compris dans les pays où
les infrastructures manquent ?
C’est ce défi que la 5
édition de la Marrakech
Biennale se propose de relever, en s’intéressant
à deux concepts essentiels sur lesquels notre
millénaire s’interroge : le temps et la collecti-
vité. En posant cette question simple en appa-
rence, mais dont la complexité n’échappera à
personne, « Ou sommes-nous maintenant ? »,
cette Biennale nous invite à une quête ontolo-
gique. Aucun avenir n’est envisageable, comme
l’écrit Merleau-Ponty, s’il ne s’inscrit pas dans
la trame du temps, en une hétérochronie per-
Ernst Bloch, The Spirit of Utopia, Trans. Anthony
A. Nassar (Stanford: Stanford University Press,
2000) 3.
Maurice Merleau-Ponty, Phenomenology of
Perception, Trans. Donald A. Landes (New York:
Routledge, 2012) 445.
18 01
Access to
Culture in North
– Alya Sebti
A Historical
– Hamid Triki
Accroître l’accès
à la culture
en Afrique du
– Alya Sebti
– Hamid Triki
Introduction Introduction
Introduction –
Expanding Access to
Contemporary Culture
in North Africa
– Alya Sebti, Artistic Director
The ideal concept behind a Biennale is two-fold: culturally re-
lated to the local traditions of the exhibition site but open to
international exchanges. – Hou Hanru
For centuries Marrakech has been an intellectual and political
crossroad of North Africa. Its “plural and porous roots,” as
described by the philosopher Edouard Glissant, are nurtured
by its sundry cultural influences stretching south across Sub-Sa-
haran Africa, east by way of the Middle East and Asia, north
through Europe, and west to the Americas. Yet Morocco, and
more extensively North Africa, has reached a critical juncture:
the region’s complex socio-political landscape is merging with
a widespread urge to democratize access to culture. We are
witness to a new momentum, and it is urgent both to question
the circumstances and to invite a broader audience to take part
in a constructive dialogue of aesthetics.
The Marrakech Biennale was founded to address challeng-
ing socio-political debates through the lens of the arts. It aims
to create a trilingual artistic platform in French, English, and
Arabic that leverages the work of Morocco’s contemporary
cultural scene by stimulating conversations between local and
international artists, writers, filmmakers, musicians, and chore-
ographers. After ten years this festival has become not only a
“critical site of experimentation in exhibition making,” it has
extended “the parameters of the exhibition form to incorporate
more discursive, conversational, and geo-political discussions.”
WHERE ARE WE NOW? seeks to bolster the biennial’s role as
an invaluable contributor to cultural and social transformation
in Morocco today. This “unstable institution,” as Carlos Basual-
do defines biennials, “does not completely belong to the system
and it can give rise to subversive possibilities.” The Marrakech
Biennale’s strength lies in its instability: it is an open laboratory,
revealing interstices and creating hyphens.
Marrakech Biennale 5 was conceived as a dialogue among
four disciplines: visual and sound arts, literature, cinema and
video, and performing arts. The title’s open question address-
es the “activated” spectator to analyze his or her reality from
Introduction –
Accroître l’accès à
la culture contemporaine
en Afrique du Nord
– Alya Sebti, Directrice artistique
Le concept idéal qui sous-tend une Biennale est double : avoir
un lien culturel avec les traditions locales du lieu d’exposition
mais être ouvert aux échanges internationaux. – Hou Hanru
Depuis des siècles, Marrakech est une plaque tournante intel-
lectuelle et politique en Afrique du nord. “Ses racines multi-
ples et poreuses”, telles que décrites par le philosophe Edouard
Glissant, se nourrissent de ses diverses influences culturelles qui
s’étendent vers le sud à travers l’Afrique sub-saharienne, vers
l’est en passant par le Moyen-Orient et l’Asie, vers le nord à
travers l’Europe et vers l’Ouest en direction des Amériques.
Cependant le Maroc - et plus généralement l’Afrique du nord
– est arrivé à un carrefour déterminant : le paysage socio-poli-
tique complexe de la région est en train d’être pénétré par une
demande croissante de démocratisation de l’accès à la culture.
Nous assistons à l’émergence d’un élan nouveau et il est urgent
d’en interroger les circonstances comme d’inviter un public plus
large à participer à un dialogue constructif sur l’esthétique.
La Biennale de Marrakech a été créée pour initier des débats
socio-politiques délicats en adoptant la perspective des arts. Elle
vise à bâtir une plateforme artistique trilingue – français, anglais
et arabe – qui met en valeur le travail des membres de la scène
culturelle contemporaine au Maroc et sollicite des discussions
entre artistes, écrivains, réalisateurs, musiciens et chorégraphes
marocains et étrangers. Après dix années d’existence, ce festival
est devenu non seulement “un lieu d’expérimentation important
pour la réalisation d’expositions”, il a diversifié “les paramètres
déterminant la forme d’une exposition afin d’y inclure des dis-
cussions plus discursives, plus spontanées et plus géopolitiques”.
OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ? cherche à accroître
le rôle de la Biennale en tant que contributeur inestimable aux
transformations culturelles et sociales qui se produisent actuel-
lement au Maroc. Cette “institution instable”, pour reprendre
la définition des biennales donnée par Carlos Basualdo, “n’ap-
partient pas totalement au système et peut susciter l’éclosion de
possibilités subversives.” La force de la Biennale de Marrakech
tient à son instabilité : c’est un laboratoire ouvert, qui revèle les
interstices et crée des traits d’union.
new perspectives. The concept of an open political arena, the
agora, or the Jamaa—to use the Arabic expression for a site
of community and a space for dialogue—runs as a thread
throughout the multiple, concurrent presentations.
Visual & Sound Arts, curated by Hicham Khalidi, hosts a ma-
jority of site-specific artworks, produced in and inspired by the
context of Marrakech. This exhibition is integrated into con-
versations of duality, plurality, heritage, socio-political change,
and contradiction posed by the city’s unique legacy and its
contemporary cultural predicament.
Artists and authors selected by Literature curator Driss Ksikes,
a Moroccan writer and playwright, intervene in Jamaa El Fna
square, Marrakech’s spiritual heart and the principal site of
transmission of the city’s oral heritage. Ksikes presents a series
of round tables and performative lectures connecting perform-
ing arts to literature, and comic art to visual art and literature.
These incursions into public arenas rid literature of its classical,
elitist boundaries in a country still plagued by illiteracy, propos-
ing art as an experience of emancipation.
Cinema & Video is curated by Jamal Abdennassar, founder
of the pioneering video installation festival Casaprojecta. His
exhibition, showcasing video installations in unconventional lo-
cations, considers contemporary creations from North Africa in
conversation with other regions, particularly Sub-Saharan Afri-
ca and the Middle East. Film screenings and round tables are
enhanced by a Carte Blanche at the legendary Cinémathèque
de Tanger.
This year the Biennale also inaugurates a Performing Arts pro-
gram organized by Khalid Tamer, founder of the Awaln’art
street artist festival in Marrakech. This important addition gives
prominence to street performances that invite passersby to take
part spontaneously. Tamer’s presentation interrogates tensions
between the contemporary and the traditional, connecting the
Biennale’s two primary sites: the more traditional space of the
Medina and the modern area of Gueliz.

WHERE ARE WE NOW? hosts a further ten, independently
organized and funded Parallel Projects that have been select-
ed by the Biennale’s artistic steering committee. They feature
a range of satellite exhibitions, including several focusing on
sound as a means of disseminating and diffusing art in public
space. These local and international projects scattered through-
out Marrakech reflect the creativity and rapidly changing per-
Introduction –
Expanding Access to Contemporary Culture in North Africa – Alya Sebti

La Biennale de Marrakech 5 a été conçue comme un dialogue
entre quatre disciplines : les arts visuels et sonores, la littérature,
le cinéma et la vidéo, ainsi que les arts de la scène. La ques-
tion ouverte, qui lui a été donnée pour titre, invite le spectateur
“stimulé” à analyser sa propre réalité sous de nouveaux angles.
Le concept d’une arène politique ouverte, l’agora ou la Jamaa
– pour reprendre l’expression arabe qui désigne un lieu commu-
nautaire et un espace de dialogue – constitue le fil rouge qui relie
les nombreuses expositions simultanées.
L’exposition Arts Visuels & Sonores, dont le commissaire est
Hicham Khalidi, comprend une majorité d’œuvres in situ, pro-
duites à Marrakech et s’étant inspirées de cet environnement.
Elle s’intègre à des discussions sur la dualité et la pluralité, l’hé-
ritage, le changement socio-politique et la contradiction qui se
pose entre le patrimoine unique de la ville et sa situation ac-
tuelle, culturellement difficile.
Les artistes et les écrivains choisis par le commissaire littéraire
Driss Ksikes, un écrivain et dramaturge marocain, intervien-
dront sur la place Jamaa El Fna, cœur spirituel de Marrakech
et principal lieu de transmission du patrimoine oral de la ville.
Ksikes présente une série de tables rondes et de lectures-perfor-
mances qui lieront les arts de la scène à la littérature, l’art de la
comédie aux arts visuels et à la littérature. Ces incursions dans
des espaces publics permettent de sortir la littérature de son
cadre classique et élitiste dans un pays encore miné par l’anal-
phabétisme, l’art étant ici proposé comme expérience émanci-
C’est Jamal Abdennassar, fondateur du festival pionnier d’ins-
tallations vidéo Casaprojecta, qui s’est occupé de Cinéma &
Vidéo. Son exposition, qui présente des installations vidéo dans
des endroits atypiques, s’intéresse aux créations contemporaines
d’Afrique du nord en lien avec d’autres régions, en particulier
l’Afrique subsaharienne et le Moyen-Orient. Aux projections de
films et aux tables rondes viennent s’ajouter des Cartes Blanches
organisées à la légendaire cinémathèque de Tanger.
Cette année, la Biennale inaugure également un volet Arts de la
scène, conçu par Khalid Tamer, fondateur du festival des arts de
la rue Awaln’art à Marrakech. Cet important développement
permet de mettre en avant des performances de rue qui suscitent
la participation spontanée des passants. La programmation de
Tamer interroge les tensions entre le contemporain et le tradi-
tionnel, mettant en relation les deux principaux sites de la Bien-
Introduction –
Accroître l’accès à la culture contemporaine en Afrique du Nord – Alya Sebti
spectives alive in the city and across the country. By involving
partners and fringe programs, the Biennale highlights the work
of local cultural initiatives in Marrakech and expands the perim-
eters of its flourishing creativity.
After growing organically for over a decade, the Marrakech
Biennale has arrived at a turning point. It must find a way both
to anchor itself permanently in Morocco and to augment its
role as a site of international exchange. To accomplish this, it
must participate in the country’s economic and political reali-
ties while maintaining autonomy and freedom of speech. Mar-
rakech Biennale 5 is taking significant steps toward embedding
itself in the city, while raising awareness of the cultural chal-
lenges to and opportunities for its local audience.
WHERE ARE WE NOW? is committed to raising the Mar-
rakech community’s access to contemporary art through effec-
tive, alternative education and a widespread internship pro-
gram. Raising the critical awareness of young Moroccans not
only helps to create a more receptive audience, it cultivates
the professionalization of this audience over time. Entwining
itself in the city’s social fabric by engaging with its youth will
enable the Biennale to one day achieve its primary objective of
fostering “equitable access to cultural goods and services” for
Marrakech inhabitants.
The Marrakech Biennale has long aspired to be completely tri-
lingual. WHERE ARE WE NOW? aims to go one step further
and to intervene verbally in the public space using Darija, or
Moroccan Arabic. Although Darija is not recognized as one of
Morocco’s official dialects, it is the country’s most geograph-
ically widespread and commonly spoken language. Asking
“Where are we now?” in Darija is not only confirmation that
the Biennale speaks to its local audience, it also fulfills an abid-
ing dream: to become a platform that fosters permanent cultural
structures capable of gathering a more receptive and profes-
sionalized local audience, where the access to cultural services
is no longer solely dedicated to an elite.
With this approach, WHERE ARE WE NOW? aims to con-
tribute to a fundamental reflection on our society, encouraging
participants and a broader, activated Moroccan community to
take part in a cultural process open to absolutely everyone.
Introduction –
Expanding Access to Contemporary Culture in North Africa – Alya Sebti
nale : l’espace traditionnel de la Médina et le quartier moderne
de Gueliz.
OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ? accueille de surcroît
dix Projets Parallèles, organisés et financés de manière indépen-
dante, qui ont été sélectionnés par le comité artistique direc-
teur de la Biennale. Ces projets offrent une variété d’expositions
annexes, dont certaines emploient des dispositifs sonores pour
propager et diffuser leur contenu dans des espaces publics. Ces
projets nationaux et internationaux, disséminés à travers Mar-
rakech, reflètent la créativité et les points de vue en évolution
rapide qui animent la ville et le pays tout entier. En impliquant
d’autres partenaires et programmes indépendants, la Biennale
valorise des initiatives culturelles locales à Marrakech et élargit
le périmètre de sa créativité foisonnante.
Après avoir suivi sa croissance naturelle pendant plus de dix ans,
la Biennale de Marrakech est parvenu à un tournant. Elle doit
trouver le moyen, et de s’ancrer de façon permanente au Maroc,
et d’accroître son rôle en tant que lieu d’échange international.
Pour ce faire, elle doit prendre part aux réalités économiques
et politiques du pays tout en conservant son autonomie et sa
liberté d’expression. La Biennale de Marrakech 5 est en train de
prendre des mesures significatives pour s’installer dans la ville,
tout en favorisant une prise de conscience des défis et des op-
portunités culturels qu’elle apporte à son public au niveau local.
OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ? s’engage à améliorer
l’accès des habitants de Marrakech à l’art contemporain au tra-
vers de formations alternatives efficaces et un programme de
stages significatif. Aider les jeunes Marocains à développer leur
sensibilité critique permet non seulement de disposer d’un pu-
blic plus réceptif, mais contribue à la professionalisation de ce
public sur le long terme. Pénétrer dans le tissu social de la ville
en se faisant connaître auprès des jeunes permettra à la Bien-
nale d’atteindre un jour son objectif premier : offrir “un accès
équitable aux biens et aux services culturels” aux habitants de
Depuis longtemps, la Biennale de Marrakech aspire à devenir
totalement trilingue. OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ?
cherche à faire un pas de plus en proposant des interventions
dans des espaces publics en Darija ou “arabe marocain”. Bien
que le Darija ne soit pas reconnu comme dialecte officiel au
Maroc, il s’agit de la langue la plus couramment parlée dans
le pays et la plus répandue géographiquement. Demander « Où
sommes-nous maintenant ? » en Darija ne prouve pas seulement
Introduction –
Accroître l’accès à la culture contemporaine en Afrique du Nord – Alya Sebti
Introduction –
Expanding Access to Contemporary Culture in North Africa – Alya Sebti
que la Biennale s’adresse au public marocain, mais permet aussi
de réaliser un rêve incessant : devenir une plateforme accueillant
des structures culturelles permanentes, susceptibles de rassem-
bler un public plus réceptif et plus professionel au niveau local,
et où l’accès aux services culturels ne soit plus réservé exclusive-
ment à une élite.
Par cette approche, OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ?
espère contribuer à une réflexion fondamentale sur notre socié-
té, en encourageant ses participants et un plus grand nombre de
Marocains motivés à prendre part à un processus culturel ouvert
à tous, sans exception.
Introduction –
Accroître l’accès à la culture contemporaine en Afrique du Nord – Alya Sebti
Introduction –
A Historical Overview
– Hamid Triki
Marrakech is one of the most prestigious impe-
rial cities of Morocco. Its name, whose mean-
ing remains enigmatic, has been used for cen-
turies to refer to the entire country. The term
“maroquinerie,” an artisanal activity of crucial
importance to the economic life of the city, is
also derived from its name.
A “holy” city of numerous mausoleums that
still remain the object of a fervent popular
faith, Marrakech is also known as Madinat
Sab’Atourijal, or the city of the seven patron
saints. A man-made oasis created for leisure
and human survival, the city was subsequently
given the name Al-Bahja, or city that warms
the heart.
Set in the Haouz basin, between the hills of
the Northern Jbilet and the High Atlas in the
south, Marrakech stands at the crossroad of
many transit routes. Its location has allowed it,
throughout history, to serve as a depot as well
as a place of exchange.
Beginning at distant riverbanks in Niger, the
caravan routes traverse the Atlas after the way
stations of the oases of the pre-Sahara and
then converge at Marrakech, where they open
up toward the harbors of the Atlantic and
Mediterranean. The fluctuations of these trade
routes dictated the city’s stages of expansion
and contraction. Its prosperity also depended
on its function as a capital, as well as on the
control that the city was able to exert over the
wider region’s system of commercial trade.
The history of the city appears as a line bro-
ken into three distinct periods of remarkable
expansion: the Almoravid and Almohad pe-
riod from the late eleventh to the middle of
the thirteenth centuries; the Saadian period
of the sixteenth and early seventeenth centu-
ries; and the Alawite period beginning in the
mid-eighteenth century. The twentieth century
has revolutionized the historical role of the
city, although Marrakech has once again be-
come the hub for relations with the Moroccan
provinces of the Sahara.
It was not by chance that Saharans—the Al-
moravids—founded, circa 1070, the first nu-
cleus of this city that was destined to become,
in the space of one generation, the capital
of an empire. At the beginning of the twelfth
century, Ali ibn Youssouf urbanized the site by
building a water supply, paved roads, and the
mosque that still bears his name, which be-
came the main center of the city. In 1127, he
surrounded the city with a nine-kilometer wall
that still exists today.
With the Almohads, Marrakech, including
the Kasbah, a fortified city, became the most
important metropolis of the Muslim West. At
the end of the twelfth century, its population is
estimated to have reached 100,000. As the
capital of an empire encompassing the entire
Maghreb as well as Muslim Spain, its prosper-
ity owed to its domination of the trans-Saharan
trade routes and its ability to redistribute the
region’s products. It was also an intellectual
capital that attracted the best minds of the era,
including Ibn Toyfal, Ibn Zohr, and Ibn Rochid.
After the Almohads, Marrakech, abandoned
as a capital, entered a phase of urban decline
that continued until the mid-sixteenth century.
The recovery of the Saharan trade routes and
the development of cross-Atlantic relations
with Europe created a favorable environment
Introduction –
Aperçu historique
– Hamid Triki
Marrakech est l’une des plus prestigieuses villes
impériales du Maroc. Son nom, dont le sens de-
meure énigmatique, est utilisé depuis des siècles
pour désigner l’ensemble du pays. En dérive
d’ailleurs le terme de maroquinerie, une activi-
té artisanale à l’importance sans conteste dans
la vie économique de la cité.
Ville « sainte » aux innombrables mausolées
qui font encore l’objet d’une fervente foi po-
pulaire, Marrakech est aussi désignée sous le
nom de Madinat Sab’atourijal ou ville des sept
saints protecteurs. Oasis bâtie par la main de
l’homme, créée pour le loisir et la survie des
hommes, elle a reçu par la suite le nom imagé
de Al-Bahja ou ville qui réjouit le cœur.
Implantée dans la dépression du Haouz, entre
les collines des Jbilet au Nord et le Haut-Atlas
au Sud, Marrakech se situe au carrefour d’un
large nombre de voies de circulation. Sa situa-
tion lui a permis, au fil de l’histoire, de servir de
lieu d’échanges et de ville-entrepôt.
Partant des lointaines rives du Niger, les pistes
caravanières traversent l’Atlas après les relais
des oasis présahariennes et convergent vers
Marrakech d’où elles se déploient en direction
des ports atlantiques et méditerranéens. Les
fluctuations de ces voies d’échanges ont dicté
les phases d’expansion ou de régression de la
ville. Sa prospérité dépend ainsi à la fois de
sa fonction de capitale et du contrôle qu’elle
a pu exercer historiquement sur ce système
d’échanges commerciaux au large périmètre.
L’histoire de la ville se présente plutôt comme
une ligne brisée où se distinguent trois périodes
d’expansion remarquables : de la fin du XI

siècle au milieu du XIII
siècle, avec les Al-
moravides et les Almohades ; tout le XVI
le début du XVII
siècles avec les Saadiens ;
enfin, à partir du milieu du XVIII
siècle avec
les Alaouites. Le XX
siècle a bouleversé ces
fonctionnements historiques habituels, bien
qu’aujourd’hui, Marrakech tende à redevenir
le centre névralgique des relations avec les pro-
vinces marocaines du Sahara.
Ce ne fut pas par pur hasard que des Saha-
riens, les Almoravides, fondèrent vers 1070 le
premier noyau de cette cité appelée à devenir,
en l’espace d’une génération, la capitale d’un
empire. Au début du XII
siècle, Ali Ibn
Youssouf urbanisera le site grâce à l’adduction
d’eau, au pavage des voies et à la construction
de la mosquée qui porte toujours son nom et
qui devint le principal pôle de l’agglomération.
En 1127, il entoura la ville d’un rempart de 9
kms qui subsiste encore à ce jour.
Avec les Almohades, Marrakech, qui comprend
dorénavant la Qasba, véritable ville fortifiée,
devint la cité la plus importante de l’Occident
musulman. A la fin du XII
siècle, sa popula-
tion est estimée à une centaine de milliers d’ha-
bitants. Capitale d’un Empire englobant tout
le Maghreb et l’Espagne musulmane, elle doit
alors sa prospérité notamment au commerce
trans-saharien dont elle domine les axes et re-
distribue les produits. C’est aussi une capitale
intellectuelle qui attire les esprits les plus émi-
nents de l’époque: Ibn Tofayl, Ibn Zohr, Ibn
Rochd y ont diffusé leur savoir.
Après les Almohades, Marrakech, abandon-
née en tant que capitale, entre dans une phase
de régression urbaine dont elle ne se relèvera
qu’au milieu du XVI
siècle. La reprise des
échanges commerciaux sahariens et le déve-
for the city, which once again became the
capital of the country under the Saadians. The
city’s revival was reflected in the rehabilita-
tion of the water supply system, the develop-
ment and emergence of new neighborhoods
equipped with new infrastructure, the creation
of the Mellah for the large Jewish community,
and the refurbishment of the Kasbah around
Palais Badii.
Beginning in 1669, Marrakech was called
upon to assume, alongside Fez, the role of
capital and became the residence of the ruling
Alawites. Under the reign of Mohamed ben
Abdallah (1757–1790), the city became re-
juvenated. The ruler’s strong interest in Mar-
rakech and his tireless efforts provided the
urban center with a unique artistic character.
Historical texts describe Mohamed ben Ab-
dallah camping amid the Kasbah ruins and
personally directing the restoration process,
which led to the rise of palaces, gardens, for-
tifications, mosques, and madrasas. This re-
markable work also affected the old Medina,
transforming it from a public building where
the mark of the great ruler-builder could not be
seen, paving the way for his successors.
Among them, Sidi Mohamed Ibn Abderrah-
man deserves special mention. He ordered the
replanting of the large gardens of the Agdal
and the Ménara, the construction of charming
pavilions within them, the restoration of wa-
ter basins, and the creation of the first mod-
ern factories. These projects were destined to
confront the European economic expansion of
the nineteenth century, which marked the end
of the “traditional” history of Marrakech, now
ready to face the demands of the twentieth
Introduction –
Marrakech: A Historical Overview – Hamid Triki
loppement des relations outre-Atlantique avec
l’Europe créent une conjoncture favorable pour
la ville, qui redeviendra la capitale du pays avec
les Saadiens. Sa renaissance se traduit par la re-
mise en état du réseau d’alimentation en eau,
le développement et l’apparition de quartiers
nouveaux dotés des infrastructures nécessaires,
la création du Mellah destiné à l’importante
communauté juive, le réaménagement de la
Qasba autour du Palais Badii.
A partir de 1669, Marrakech est appelée à
assumer, avec Fez, le rôle de capitale et à de-
venir résidence des Souverains alaouites. Et ce
sera sous le règne de Mohamed Ibn Abdallah
(1757–1790) que la ville retrouvera son ani-
mation. L’intérêt particulier que le souverain
lui porte et les efforts sans relâche de celui-ci
donnent au centre urbain une véritable em-
preinte artistique spécifique. Les textes his-
toriques décrivent Mohamed Ibn Abdallah,
campant au milieu de la Qasba en ruine et diri-
geant personnellement les travaux de restaura-
tion. Palais, jardins, méchouars, fortifications,
mosquées et médersas y surgissent. Ce travail
remarquable touchera également l’ancienne
médina, de sorte qu’il n’est point d’édifice
public où l’on ne relève l’empreinte du grand
Souverain bâtisseur, qui ouvrira la voie à ses
Parmi eux, Sidi Mohamed Ibn Abderrahman
mérite une mention particulière. Marrakech lui
doit la replantation des grands jardins de l’Ag-
dal et de la Ménara, la construction des char-
mants pavillons de plaisance dans ces mêmes
jardins, la restauration des anciens bassins et la
création des premières usines modernes, desti-
nées à affronter l’expansion économique euro-
péenne du XIX
siècle, qui marquera la fin de
l’histoire “traditionnelle” de Marrakech, prête
alors à affronter les exigences du XX
Introduction –
Marrakech: Aperçu historique – Hamid Triki
Introduction –
Palais Badii
Palais Badii was constructed in the six-
teenth century as the palace of Sa’did Sharif
Ahmad al-Mansur. Its name translates as “in-
comparable,” and at the time its beauty, opu-
lence, and architectural grace were legendary.
The palace was stripped of its ornamentation
only a century later to furnish
the palace of Alawid Sharif
Moulay Ismail in the new cap-
ital of Meknès. Today only
the bare bones of its former
glory remain. Palais Badii is
now the site of the Marrakech
Museum for Photography and
Visual Arts (MMP+).
Dar Si Said
Dar Si Said was original-
ly a mansion built by royal
chamberlain Sidi Saýd in the
nineteenth century. Its inter-
connecting courtyards and
beautiful Andalusian-style wooden ceilings
today house the Museum of Moroccan Arts.
The museum hosts a collection of Berber crafts,
including carpets, jewelry, weaponry, pottery,
and textiles from Marrakech, the Atlas moun-
tains, and more distant places across Moroc-
Bank Al Maghrib
The historic Bank Al Maghrib is located
on Marrakech’s Jamaa El Fna square. Once
a pillar of the central bank of the Kingdom of
Morocco the structure now stands empty.
Dar Cherifa
Dar Cherifa is a private home and histor-
ical cultural monument in Marrakech that has
been transformed into a literary café, restau-
rant, and art gallery. It was restored in 2000.
Its original architecture was protected with the
help of professional artisans who used tradi-
tional craftsmanship and materials.
“Dar Cherifa” means “holy house”; the
building was named after the spiritual feel-
ing that one has upon enter-
ing. Today, the painting and
sculpture exhibitions, literary
events, concerts, storytelling
events, and calligraphy and
ceramics workshops that it
hosts have made it into one of
the Red City’s major cultural
hotspots. It is a lively, authen-
tic, and interactive space that
is open to everyone.
El Fenn
The building, which now
houses the boutique hotel El
Fenn dates back to the six-
teenth century. The aptly named Riad El Fenn,
meaning “house of art”, has been the epicenter
of the Marrakech Biennale since its inception
in 2004. Throughout the festival the hotel hosts
official Biennale parties, lunches, and talks. It
is also the current home of a unique collection
of contemporary art.
Riad Denise Masson
This riad, formerly the Riad El Hafdi, be-
longed to Denise Masson, a nurse, social
worker, and noted translator of the Koran.
She died in Marrakech in 1994 at the age of
93. Massson donated the riad to the French
Institute of Marrakech, which now organizes
cultural events there.
Bank Al Magrib
Introduction –
Palais Badii
Le Palais Badii a été construit au XVI
siècle par le sultan saadien Ahmed al-Mansour
Dhahbî. Son nom signifie « l’incomparable ».
La beauté architecturale du palais et son
opulence devinrent vite légendaires. Un siècle
après son édification, ses ornements furent en-
levées pour décorer le palais
d’Alawid Sharif Moulay Is-
mail dans sa nouvelle capitale
de Meknès. Aujourd’hui bien
peu de la splendeur originelle
reste visible. Le Palais El Badii
accueille aussi le Musée de la
Photographie et des Arts Vi-
suels de Marrakech (MMP+).
Dar Si Said
Dar Si Said fut construit
à l’origine pour le chambel-
lan royal Sidi Saýd au XIXe
siècle. Ses patios en enfilade
et ses magnifiques plafonds en
bois de style andalou abritent désormais le Mu-
sée des Arts Marocains. Le musée possède une
collection d’artisanat berbère : tapis, bijoux,
armes, poteries et textiles de Marrakech, des
montagnes de l’Atlas et des régions alentours.
Bank Al Maghrib
La Bank historique Al Maghrib s’élève
sur la place Jamaa El Fna de Marrakech. Na-
guère l’un des piliers de la banque centrale du
Royaume du Maroc, la structure est désormais
Dar Cherifa
Dar Cherifa est une maison privée et un
monument historique de Marrakech, qui a
été transformé en café littéraire, restaurant et
galerie d’art. Cette maison a été restaurée en
2000 dans le respect de son architecture origi-
nelle en utilisant des matériaux traditionnels et
des techniques séculaires.
« Dar Cherifa » signifie la maison sainte.
Elle a été nommée ainsi du fait de l’atmos-
phère spirituelle qui règne dans le lieu. Au-
jourd’hui, des expositions
de peintures et de sculptures,
des rendez-vous littéraires et
des concerts y sont organisés.
Cela fait de Dar Cherifa une
institution culturelle incon-
tournable de la ville rouge, un
authentique lieu de vie et de
rencontre ouvert à tous.
El Fenn
Le bâtiment, qui abrite
aujourd’hui l’hôtel boutique
El Fenn, date du XVIe siècle.
Le Riad El Fenn, porte bien
son nom, puisque cela signifie
maison des arts. Il a été l’épicentre de la Bien-
nale de Marrakech depuis sa création en 2004.
Durant toute la manifestation, l’hôtel accueille
les réceptions officielles de la Biennale, des
déjeuners et des discussions. Il abrite aussi au-
jourd’hui une collection unique d’art contem-
Riad Denise Masson
Ce Riad, anciennement appelé Riad El
Hafdi a appartenu à Denise Masson. Cette in-
firmière, travailleuse sociale et traductrice de
référence du Coran, décéda en 1994 à l’âge de
93 ans à Marrakech. Elle fit don de son logis
à L’Institut français de la ville, qui y organise
désormais des manifestations culturelles.
Théâtre Royal
Introduction –
Exhibition Venues
Introduction –
Lieux d’expositions
Théâtre Royal
Théâtre Royal de Marrakech is an un- fin-
ished opera house and outdoor theater situat-
ed in Gueliz. Plans for the theater began in the
1970s with Tunisian architect Charles Boccara
at the helm. The exterior, reception hall, and
outdoor theater were completed and
inaugurated in 2001 after 25 years of con-
struction. However the 800-seat opera house
remains an unin- habited, cavernous concrete
L’Blassa is housed in an abandoned Art
Deco building on the corner of Rue Liberté
and Rue Yougoslavie. Erected in 1932, the
building is situated in the district of Gueliz,
developed while Morocco was still a French
protectorate. This building is typical of Gue-
liz, characterized by wide boulevards, round-
abouts, and modern buildings inspired by
Haussmann’s urban transformation of Paris in
the late nineteenth century.
Cinema Colisée
The Cinema Colisée is an iconic movie
theater located in Marrakech’s Ville Nouvelle
neighborhood. It was designed by the archi-
tect Georges Peynet, who also redesigned the
Parisian movie theaters Max Linder, Vendôme-
Opéra, Cambronne, and Paramount-Elysées.
Entirely renovated in 1995, its two-storey pro-
jection room is now digitally equipped.
The Colisée screens a wide variety of doc-
umentaries, participates in the opening and
closing ceremonies of Marrakech festivals,
and actively promotes Moroccan, Arab, and
international film.
Introduction –
Exhibition Venues
Introduction –
Lieux d’expositions
Théâtre Royal
Le Théâtre Royal de Marrakech, une salle
d’opéra inachevée, est situé dans le Guéliz. Les
plans de construction du théâtre datent des
années 1970, confiés à l’architecte tunisien
Charles Boccara. L’extérieur, la réception et un
théâtre à ciel ouvert ont été construits et inau-
gurés en 2001 après 25 ans de travaux. Toute-
fois, la salle d’opéra prévue pour accueillir 800
personnes demeure une caverne de béton.
L’Blassa est établi dans un immeuble Art
Déco abandonné, au coin de la rue de la Liber-
té et de la rue de Yougoslavie. Érigé en 1932
durant le protectorat français, le bâtiment est
situé dans le quartier du Guéliz. Le bâtiment
est caractéristique de ce quartier, marqué par
les larges boulevards, les ronds-points et les
immeubles modernes inspirés des travaux ef-
fectués par Haussmann pour remodeler Paris
dans la deuxième partie du XIX
Cinema Colisée
Le Colisée est le cinéma mythique de la
nouvelle ville, agencé par l’architecte Georges
Peynet, qui a également remodelé les salles pa-
risiennes du Max Linder, du Vendôme-Opéra,
du Cambronne et du Paramount-Elysées. En-
tièrement rénové en 1995, sa salle de projec-
tion sur deux niveaux est aujourd’hui équipée
du numérique.
Il projette des documentaires, participe aux
ouvertures et clôtures des grands festivals de
la ville (comme celui du film), et promeut des
films marocains arabes et internationaux.

18 19
Visual &
Sound Arts
Arts Visuels &
on the Wall
– Kaelen Wilson-Goldie
Are We
Identity as Fiction
– Hicham Khalidi
Clara Meister
sur les murs
– Kaelen Wilson-Goldie

Identité comme fiction
– Hicham Khalidi
des artistes
Clara Meister
Visual & Sound Arts –
Writing on the Wall
– Kaelen Wilson-Goldie
In the summer of 2008 and in the spring of
2010, two curious acts of vandalism occurred
in Beirut. The first took place during a solo
exhibition for the artist Walid Raad at the
Sfeir-Semler Gallery in Karantina. The second
took place during a solo exhibition for the art-
ist Walid Sadek at the Beirut Art Center in Jisr
El Wati. Both instances featured the deface-
ment of text-based works in Arabic.
Raad’s Part I_Chapter 1_Section 79: Index
XXVI: Artists, which belongs to his ongoing
project Scratching on Things I Could Disa-
vow about the development of infrastructures
for contemporary art in the Arab world, con-
sisted of a list of randomly selected names of
Lebanese painters active from the nineteenth
century until today. Strung together in a hori-
zontal line that wrapped more than two me-
ters around the gallery, the names were ren-
dered in three layers of cut, white vinyl on
white-painted walls.
Sadek’s show featured three interrelated se-
ries: Learning To See Less, which the artist de-
scribed as an itinerary for eyes stamped with
violence; Love Is Blind, about the survivors of
civil wars inhabiting ruins; and Mourning in
the Presence of the Corpse, about the inabil-
ity to put conflicts to rest (built around an es-
say of the same name featured in Lebanon’s
inaugural pavilion at the 2007 Venice Bien-
nale), that dealt with, coincidentally, the theft,
destruction, and vandalism of other artworks.
Taken together the three series included deli-
cate pencil drawings, tiny silkscreened texts,
and the mouthpieces of two trumpets jammed
into the wall like a pair of eyes over a cap-
tion that read, “Or what my father sees, most
In both exhibitions, someone took a pen and,
writing directly on the wall, corrected appar-
ent mistakes in the artists’ Arabic. In Raad’s
case, the veteran critic Joseph Tarrab fixed his
misspelling of the artist Johnny Tahan’s name.
In Sadek’s case, two men identities unknown
but said to have been elder artists or a pair of
critics or friends of the artist’s father, the car-
toonist Pierre Sadek, used proofreading marks
to address grammatical errors and inconsist-
Raad gamely turned Tarrab’s objection into an
artwork in its own right, with the mistake in
Tahan’s name leading to a wealth of new work
(using archival material) about the forgotten
oeuvre of a second-rate artist. Sadek, mean-
while, took profound offense. Counterintuitive-
ly, each act seemed driven by elders scolding
the young for their poor language skills and
lack of respect for the culture, for history, for
the world in which they were born.
This generational divide, in and of itself, was
part of the problem. The quasi-vandalism of
these two exhibitions in Beirut speaks of a wid-
er rift in the experience, understanding, and
value of contemporary art in the region, var-
iously described as the Arab world and the
Middle East. That rift falls primarily on issues
of identity and authenticity, which have been
aired elsewhere but remain far from resolved
in cities ranging from Casablanca, Algiers,
and Tunis to Cairo, Damascus, Ramallah, Am-
man, Istanbul, Baghdad, and Beirut.
Raad and Sadek, like many of their peers and
colleagues, were educated abroad. It is often
said that they came back with strange ideas
about what art was and could be, and that
Arts Visuels & Sonores –
Ecrire sur les murs
– Kaelen Wilson-Goldie
Au cours de l’été 2008 et du printemps 2010,
deux actes de vandalisme étranges se produi-
sirent à Beyrouth. Le premier eut lieu pendant
l’exposition en solo de l’artiste Walid Raad à
la Galerie Sfeir-Semler à la Quarantaine. Le
second eut lieu lors de l’exposition en solo de
l’artiste Walid Sadek au Beyrouth Art Center
de Jisr El Wati. Dans les deux cas, des pièces
réalisées à partir de textes écrits en arabe furent
L’exposition Part I_Chapter 1_Section 79: In-
dex XXVI: Artists de Raad, qui fait partie d’un
projet en cours de réalisation, Scratching on
Things I Could Disavow, sur le développement
des infrastructures destinées à l’art contempo-
rain dans le monde arabe, se compose d’une
liste de noms de peintres libanais, choisis au
hasard parmi ceux qui ont existé du XIXe
siècle à nos jours. Reliés les uns aux autres en
une ligne horizontale qui se déploie sur plus
de deux mètres autour de la galerie, les noms
ont été matérialisés par trois couches de vinyle
blanc sur des murs peints en blanc.

L’exposition de Sadek présentait trois séries en
lien les unes avec les autres : Learning To See
Less, que l’artiste décrit comme un itinéraire
destiné aux regards marqués par la violence,
Love Is Blind, qui s’intéresse aux survivants
des guerres civiles qui vivent dans des ruines,
et Mourning in the Presence of the Corpse
(réalisée à partir d’un essai du même titre qui
fut présenté dans le pavillon libanais lors de
la Biennale de Venise de 2007). Cette dernière
traite de l’incapacité à mettre un terme aux
conflits et notamment - comme par hasard -
du vol, de la destruction et de la dégradation
d’autres œuvres d’art. Dans leur ensemble, les
trois séries comprenaient de fins dessins au
crayon à papier, de petits textes sérigraphiés et
les embouchures de deux trompettes encastrées
dans un mur telles une paire d’yeux penchés
au-dessus d’une phrase inscrite là : “Ou ce que
mon père voit, très probablement.”
Dans les deux expositions, quelqu’un, armé
d’un stylo, écrivit directement sur le mur pour
corriger les erreurs qu’avait apparemment faites
les artistes en arabe. Dans le cas de Raad, l’an-
cien critique Joseph Tarrab a corrigé une faute
d’orthographe dans le nom de l’artiste Johnny
Tahan. Dans le cas de Sadek, deux hommes,
aux identités inconnues mais qui ont affirmé
avoir été des artistes plus âgés, ou des critiques,
ou des amis du père de l’artiste, le dessinateur
de BD Pierre Sadek, ont employé des signes de
correction pour souligner les erreurs gramma-
ticales et les inconsistances du texte.
Raad a transformé, par jeu, l’objection de Tar-
rab en une œuvre d’art à part entière, l’erreur
dans le nom de Tahan stimulant la conception
d’une profusion de nouvelles pièces (employant
des documents d’archives) sur l’œuvre oubliée
d’un artiste de seconde zone. Pour sa part,
Sadek s’est senti véritablement offensé. De fa-
çon surprenante, chaque acte de vandalisme a
semblé avoir été commis par des artistes plus
âgés reprochant aux plus jeunes leurs faiblesses
linguistiques et leur manque de respect pour la
culture et l’histoire d’un monde dans lequel ils
étaient nés.
Ces divergences entre générations constituent,
en elles-mêmes, une part du problème. Le qua-
si-vandalisme que subirent ces deux exposi-
tions à Beyrouth révèle de grandes différences
dans la façon dont est vécu, compris et considé-
ré l’art contemporain dans cette région, appe-
these ideas were at odds with an older under-
standing of art as an expression of national
identity. As in Egypt after Nasser’s putative
revolution of 1952, Palestine in the throes of
revolutionary fervor, or Algeria after the war
for independence from France, art in Lebanon
has long been tangled up with nationalist pro-
jects, which are particularly (if not uniquely)
complicated in the Levant due to the diversity
of communities that live there (from resident
foreigners to itinerant workers to the splinter-
ing factions of religious groups).
The systems we recognize as functional, in-
dependent, and flexible contemporary art
scenes across the region have been coming
into being since the 1990s. The development
of Townhouse in Cairo, Platform in Istanbul,
Ashkal Alwan in Beirut, L’appartment 22 in
Rabat, Cinémathèque de Tanger, and the re-
cently shuttered Alexandria Contemporary
Arts Forum coincided, to their benefit and det-
riment alike, with the emerging discourse of
globalization and neoliberal economics, such
that all three of these things—contemporary
art, globalization, and neoliberalism—are of-
ten confused and entangled, considered one
and the same, and political to the core. As a
result, earlier strains of cosmopolitanisms and
the kind of dazzlingly deliberate intellectual
contamination (to borrow Kwame Anthony Ap-
piah’s term) that stretch back decades, even
centuries, have been obliterated by a pater-
nalistic, chauvinistic, and ultimately provincial
view that to be mixed up, complicated, and
streaked by otherness is, inherently, to be a
western imitator and a colonialist fool.
The defensiveness and distrust of contempo-
rary art from within the region run parallel to
political discourse (fey nationalism, the failures
of the left) that speaks to stagnation and imma-
turity. To put forth ideas about nationalism as a
fiction, national identity as a fiction, a country
such as Morocco itself as a fiction, and to do
so in a productive manner, as constructive cri-
tique, is provocative but also necessary. In the
strategies of Walid Raad, who plays with the
slippage between fact and fiction; Iman Issa,
whose studied nondisclosures require viewers
to look differently at material they think they
know; and Kader Attia, who takes a radical
approach to archeology and history and mu-
seological display, all of the arguments about
what art is and who it’s for are present. To
follow those arguments through to the possible
construction of new identities and political or-
ders is as sophisticated as it is generous, and
a fine, lion-hearted response to having your
work, or that of your peers and colleagues,
unceremoniously corrected.
Visual & Sound Arts –
Writing on the Wall – Kaelen Wilson-Goldie
lée monde arabe ou Moyen-Orient. Ces écarts
apparaissent surtout à propos des questions
d’identité et d’authenticité, qui ont fait l’objet
de débats ailleurs, mais sont loin d’avoir été ré-
solues dans des villes comme Casablanca, Alger
et Tunis ou encore Le Caire, Damas, Ramallah,
Amman, Istanbul, Bagdad ou Beyrouth.
Comme nombre de leurs pairs et de leurs col-
lègues, Raad et Sadek ont fait leurs études à
l’étranger. On raconte souvent qu’ils en sont
revenus avec d’étranges idées sur ce que l’art
était et pouvait être, et que ces idées s’opposent
à une autre forme de compréhension de l’art
en tant qu’expression de l’identité nationale.
Tout comme en Egypte après la révolution pu-
tative de 1952, en Palestine en pleine ferveur
révolutionnaire ou en Algérie après la guerre
d’indépendance contre la France, l’art au Liban
est depuis longtemps mêlé aux projets natio-
nalistes, qui sont, au Moyen-Orient, particuliè-
rement (si ce n’est uniquement) compliqués en
raison de la diversité des communautés qui y
vivent (des résidents étrangers aux travailleurs
itinérants, en passant par les factions démulti-
pliées des groupes religieux).
Les organisations que nous estimons repré-
senter des scènes d’art contemporain fonc-
tionnelles, indépendantes et adaptables à tra-
vers la région n’existent que depuis les années
90. L’ouverture de Townhouse au Caire, de
Platform à Istanbul, de Ashkal Alwan à Bey-
routh, de l’Appartement 22 à Rabat, de la Ci-
némathèque de Tanger et du Forum des Arts
contemporains d’Alexandrie, qui a récemment
fermé ses portes, ont coïncidé, tant en leur fa-
veur qu’à leur détriment, avec l’émergence du
discours de la mondialisation et des économies
néolibérales, de telle sorte que ces trois choses
– l’art contemporain, la mondialisation et le
néolibéralisme – en sont venus à être confon-
dus et mélangés, considérés comme une seule
et même chose, foncièrement politique. Par
conséquent, les courants antérieurs en faveur
du cosmopolitisme et le genre de merveilleuse
contamination intellectuelle délibérée (pour
emprunter les termes de Kwame Anthony Ap-
piah) qui sont apparues il y a plusieurs dizaines
d’années, voire plusieurs siècles, ont été étouf-
fés par une vision paternaliste, chauvine et en
fin de compte assez provinciale qui considère
qu’être mêlé, perturbé, contaminé par l’altérité
équivaut, de fait, à n’être qu’un imitateur de
l’Occident et un colonialiste fou.
La méfiance et le manque de confiance que ma-
nifeste la région à l’égard de l’art contemporain
vont de pair avec un discours politique (le na-
tionalisme moribond, les échecs de la gauche)
dans lequel résonnent la stagnation et l’imma-
turité. Mettre en avant des idées qui montrent
le caractère artificiel du nationalisme, le carac-
tère artificiel de l’identité nationale, le caractère
artificiel d’un pays tel que le Maroc lui-même,
et le faire d’une façon productive, sous la forme
d’une critique constructive, est aussi provoca-
teur que nécessaire. Dans les stratégies mises
en place par Walid Raad, qui joue avec la ligne
de partage entre fiction et réalité, celles d’Iman
Issa, dont les masquages étudiés nécessitent
que le public regarde différemment des ob-
jets qu’ils croient connaître, et celles de Kader
Attia, qui a adopté une approche radicale de
l’archéologie, de l’histoire et de la muséologie,
se retrouvent tous les arguments du débat sur
ce qu’est l’art et à qui il s’adresse. Suivre ces
arguments jusqu’au bout, jusqu’à l’éventuelle
construction de nouvelles identités et de nou-
veaux ordres politiques, est aussi complexe
que généreux, et constitue une manière digne
et subtile de réagir au fait que votre travail, ou
celui de vos pairs et collègues, soit corrigé de
façon aussi cavalière.

Arts Visuels & Sonores –
Ecrire sur les murs – KaelenWilson-Goldie
Visual & Sound Arts –
Where Are We Now?
Identity as Fiction
– Hicham Khalidi, Visual & Sound Arts Curator
WHERE ARE WE NOW?, the title of Mar-
rakech Biennale 5, is an interrogation of place
and time. If WHERE is a question of site, the
context in which the Biennale takes place,
NOW is an enquiry into its past, its present,
and its future. The Biennale’s Visual & Sound
Arts exhibition explores the relationship be-
tween the place of Marrakech and the now of
the contemporary, contemporary art practice,
and contemporary Morocco through artworks
that reflect on the personal and collective, the
historical and the fictional.
The Contemporary
Is Now
According to philosopher Peter Osborne,
NOW does not exist. What he designates as
the contemporary is but a “disjunctive unity of
times,” or more specifically, “the coming to-
gether of the times of human lives within the
time of the living.”
The contemporary, by na-
ture, can never be experienced as a whole.
Rather, it consists of a fragmented “together-
ness” of the past and future, a continuous pro-
jection of individual, personal encounters and
Delay and distortion are inherent to the expe-
rience of time and the communication of expe-
rience. No two people can see the same thing
at the same instant, from the same location
through the same senses. When we look up at
the night sky, we see stars that have long since
ceased to exist but whose light has only just
reached our eyes. Similarly, moments, once no
longer in the act of being lived, are relegated
to the past.
Deferral renders mutual experience impossi-
ble. How, then, can the coming together of
discrete, personal encounters give rise to a col-
lective understanding of time we call NOW?
Moreover, if shared experience is impossible,
then the prospect of a shared place is also un-
tenable. Expansion of this view to a discussion
of nationality reveals that an objective “Mo-
rocco” too is illusory, and that a universal Mo-
roccan identity is but a fallacy. How, then, can
it be that we feel or experience Morocco as a
coherent entity? Can the concept of a fictional
present be used to challenge received ideas
of historical, national, and religious identity?
In his essay, “The Site of Imaginative Conten-
tion,” Rob Marks advocates for greater spec-
ulation in science. He argues that imaginative
speculation “can achieve what science never
does—an unbounded capacity to consider
unproven and unprovable conditions and
The imagination, like art, is an
inexhaustible platform for research and ex-
perimentation. Artistic strategies that accept
the ambiguity and improbability of a unified
national identity make way for a better under-
standing of the possibilities of a future Moroc-
The more than forty artists presented in Visual
& Sound Arts examine notions of the contem-
porary through speculative frameworks that
place the viewer, participant, or inhabitant at
their center. The exhibition, which consists of
over twenty site-specific commissions, is dis-
tributed across five locations in Marrakech:
Palais Badii, Dar Si Said, Bank Al Maghrib,
L’Blassa, and Théâtre Royal. Here I highlight
only a few of the many extraordinary artworks
produced in three of the five exhibition venues:
Arts Visuels & Sonores –
Où sommes-nous maintenant?
Identité comme fiction
– Hicham Khalidi, Commissaire Arts Visuels & Sonores
de la Biennale de Marrakech 5, est une interro-
gation sur l’espace et le temps. Si OÙ est une
question de lieu, le contexte au sein duquel se
déroule la Biennale, MAINTENANT est une
manière d’évaluer son passé, son présent et son
avenir. L’exposition de Arts Visuels & Sonores
explore la relation entre Marrakech en tant que
lieu et le contemporain maintenant, la pratique
artistique contemporaine et le Maroc contem-
porain à travers des œuvres d’art qui reflètent
sur le personnel et le collectif, l’historique et
la fiction.
Le contemporain,
c’est maintenant
D’après le philosophe Peter Osborne, le
MAINTENANT n’existe pas. Ce qu’il désigne
comme le contemporain n’est rien d’autre qu’
« une unité disjointe des temps » ou, plus pré-
cisément, « la rencontre des temps des vies hu-
maines au sein du temps du vivant »
. L’ex-
périence du contemporain, par nature, ne peut
jamais être totale. Celui-ci consiste plutôt en
un « rassemblement » fragmenté du passé et de
l’avenir, une projection continue des rencontres
et des aspirations individuelles, personnelles.
Le délai et la distorsion sont inhérents à l’ex-
périence du temps et de la communication de

Hicham Benohoud, Bienvenue à Marrakech, 2014.
Photo: Pierre Antoine

Palais Badii, Dar Si Said, and Bank Al Magh-
rib. Each artist responds to and reimagines
the historical narratives of these unique spac-
es, and of the country as a whole. From this
exhibition emerges a dynamic reconception of
Moroccan identity. One that is speculative, but
nevertheless indelible.
Of Art and War
– Palais Badii
Each dynasty that ruled Morocco, including
the French (which I view here as a dynasty),
attempted to wipe out traces
of its predecessor. The history
that remains is one of strug-
gle, defeat, and victory. The
artworks presented at the
Palais Badii, the former pal-
ace of ruler Ahmed Al-Man-
sur, exhume these vestiges of
art and war, construction and
Kader Attia’s artistic practice
is based on the excavation
and repair of remnants of
marginalized histories. His
commission for the Biennale
centers on the French protec-
torate, who used heavy shell-
ing, to violently repress the
Rif mountains independence
movement in 1922. Resonances of this con-
flict are found in objects made with leftovers of
shells and bullets. Attia worked with local Mo-
roccan craftsmen to unearth these remains and
to reappropriate them through the creation of
new, hybrid objects and musical instruments.

At Palais Badii Max Boufathal’s amalgam,
high-tech tribe of sculptural warriors, animals,
and weapons combines ancient tribalism with
modern consumerism. His formidable cast of
characters obeys a new order of natural se-
lection. For the Biennale, Yassine Balbzioui
introduces a very different kind of monster.
During his new performance, Grosse Tête
(2014) the artist plasters objects and liquids
onto his head, transforming himself into a mu-
tant. Through the performance the artist aims
to bring the audience to a state of despair and
astonishment. As the mutant appears to slowly
suffocate beneath its masking, the public be-
comes witness to an unutterable situation.
For his site-specific performance I Will Not
Stroll With Thami El Glaoui (2014) Jelili Atiku
draws attention to a subtly nuanced Moroccan
history in which the tenuous line between the
present and the past, reality
and fiction, is blurred. The ti-
tle is a reference to the Lord
of the Atlas, a feudal Moroc-
can warlord alive during the
second half of the nineteenth
century. In Towards A Possible
Film (2014), a film project by
Shezad Dawood, two astro-
nauts emerge from the sea in
a martian landscape, where
they are violently confronted
by its inhabitants. Shot on
location in Sidi Ifni, Morocco
the film’s dialogue is record-
ed in Tamazight, a wide-spo-
ken, Berber language only
recently recognized as offi-
cial in Morocco. Dawood em-
ploys the parlance of science
fiction to challenge anthropological concepts
of indigenousness.
Imagining Marrakech
– Dar Si Said
In Dar Si Said, a Moroccan museum that hous-
es old Berber carpets, cabinets, and jewelry,
artists explore, in different ways, the fiction
of contemporary Morocco. The artworks pre-
sented respond to the museum space while
addressing issues far beyond the confines of
the site and the initial scope of the artists’ re-
Visual & Sound Arts –
Where Are We Now? – Hicham Khalidi

Kader Attia, Political Anthropophagy, 2014.
Photo: Pierre Antoine
l’expérience. Il n’existe pas deux personnes
qui peuvent voir la même chose au même ins-
tant, à partir du même endroit et avec la même
sensibilité. Lorsque nous regardons le ciel, la
nuit, nous voyons des étoiles qui ont depuis
longtemps cessé d’exister mais dont la lumière
atteint seulement alors nos yeux. De la même
façon, les instants, une fois qu’ils ne sont plus
en train d’être vécus, sont relégués au passé.
Différée, toute expérience commune est impos-
sible. Comment la réunion de rencontres per-
sonnelles et ponctuelles peut-elle alors donner
naissance à une compréhension collective du
temps que nous appelons MAINTENANT ? En
outre, si le partage d’une expérience est impos-
sible, la perspective de partager un même lieu
n’est également pas envisageable. Si l’on étend
ce point de vue à la question de la nationalité,
il en découle que le Maroc, en tant que tel, est
également une illusion et que l’existence d’une
même identité marocaine pour tous n’est autre
qu’une affirmation fallacieuse. Comment, dans
ce cas, est-il possible que nous éprouvions et
expérimentions le Maroc comme une entité
cohérente ? Le concept d’un présent fictionnel
peut-il être utilisé pour remettre en cause des
idées reçues sur l’identité historique, nationale
et religieuse ?
Dans son essai The Site of Imaginative Conten-
tion (Le Lieu de la dispute imaginative), Rob
Marks se prononce en faveur d’une plus grande
spéculation en science. Il défend l’idée que la
spéculation imaginative « peut atteindre ce que
la science n’atteint jamais – une capacité illi-
mitée à prendre en compte les conditions et les
résultats qui n’ont pas été et ne peuvent être
prouvés. »
Comme l’art, l’imagination est
une source intarissable pour la recherche et
l’expérimentation. Les stratégies artistiques qui
acceptent l’ambiguïté et l’improbabilité d’une
identité nationale homogène favorisent une
meilleure compréhension des possibilités pour
un futur Maroc.
Les quarante et quelques artistes présentés
dans Arts Visuels & Sonores examinent di-
verses notions du terme « contemporain » à
travers des cadres spéculatifs au centre des-
quels se trouvent le spectateur, le participant ou
l’habitant. L’exposition, qui consiste en plus de
vingt installations in situ réalisées pour l’occa-
sion, se répartit sur cinq lieux à Marrakech : le
Arts Visuels & Sonores –
Où sommes-nous maintenant? – Hicham Khalidi

Shezad Dawood, Towards the Possible Film, 2014.
Visual & Sound Arts –
Where Are We Now? – Hicham Khalidi
Eric Van Hove, V12 Laraki (work in progress), 2012.

Palais Badii, Dar Si Said, la Bank Al Maghrib,
L’Blassa et le Théâtre Royal. Je ne m’attarderai
que sur quelques-unes des nombreuses œuvres
extraordinaires mises en place dans trois de ces
cinq lieux : le Palais Badii, Dar Si Said et la
Bank Al Maghrib. Chaque artiste réagit aux
récits historiques de ces lieux uniques et de
l’ensemble du pays afin de les réinventer. L’ex-
position permet l’émergence d’une reconcep-
tualisation dynamique de l’identité marocaine,
qui se veut spéculative bien qu’impérissable.
A propos de l’art et de la guerre
– Palais Badii
Chaque dynastie ayant régné sur le Maroc,
y compris les Français (que je considère ici
comme une dynastie), s’est efforcée d’effacer
les traces de ses prédécesseurs. L’histoire qu’il
en est resté est une histoire de luttes, de défaites
et de victoires. Les œuvres présentées au Pa-
lais Badii, l’ancien palais du souverain Ahmed
Al-Mansur, exhument ces vestiges de l’art et de
la guerre, de la construction et de la destruc-
Le travail artistique de Kader Attia se fonde sur
l’excavation et la réparation des vestiges d’his-
toires oubliées. L’œuvre qu’il a conçue pour la
Biennale s’inspire de la violente répression me-
née par le Protectorat français contre le mouve-
ment d’indépendance des montagnes du Rif en
1922 à coups de lourds bombardements. Les
échos de ce conflit se retrouvent dans les objets
fabriqués à partir des restes d’obus et de balles.
Attia a travaillé avec des artisans marocains
pour déterrer ces restes et pour les réutiliser
dans la création de nouveaux objects hybrides
et d’instruments de musique.

Au Palais Badii, la tribu high-tech et hétérogène
de Max Boufathal, composée de sculptures de
guerriers, d’animaux et d’armes, évoque un
mélange de tribalisme ancien et de consumé-
risme moderne. Son incroyable assemblée de
personnages obéit à un nouveau principe de
sélection naturelle. Pour la Biennale, Yassie
Balbzioui nous présente une sorte de monstre
très différent. Au cours de sa nouvelle perfor-
mance Grosse Tête (2014), l’artiste recouvre sa
tête d’objets et de liquides, se transformant lui-
même en mutant. Par cette performance, l’ar-
tiste veut conduire les spectateurs à un état de
désespoir et d’étonnement. Au fur et à mesure
que le mutant semble suffoquer lentement sous
son masque, le public est pris à témoin d’une
situation indescriptible.
Pour sa performance in-situ I Will Not Stroll
With Thami El Glaoui (2014), Jelili Atiku
attire l’attention sur une histoire du Maroc
subtilement nuancée dans laquelle la ligne de
partage fragile entre présent et passé, réalité et
fiction, s’efface. Le titre fait référence au Sei-
gneur de l’Atlas, un guerrier marocain féodal
qui vécut au cours de la moitié du XIX
Dans Towards A Possible Film (2014), un film
réalisé par Shezad Dawood, deux astronautes,
sortant de la mer au milieu d’un paysage mar-
tien, sont violemment pris à partie par les ha-
bitants de la planète. Le film a été tourné en
extérieur à Sidi Ifni au Maroc et ses dialogues
sont en Tamazight, une langue berbère lar-
gement utilisée et qui n’a été que récemment
reconnue comme langue officielle du Maroc.
Dawood utilise les codes de la science-fiction
pour remettre en question les concepts anthro-
pologiques d’indigénat.
Imaginer Marrakech
– Dar Si Said
A Dar Si Said, un musée marocain où sont
rassemblés de vieux tapis, meubles et bijoux
berbères, les artistes explorent, de différentes
manières, la fable du Maroc contemporain.
Les œuvres présentées s’intègrent dans l’espace
du musée tout en soulevant des questions qui
vont bien au-delà du périmètre de l’endroit et
du cadre de recherche qu’avaient au départ les
L’artiste nomade Eric van Hove s’est engagé à
Arts Visuels & Sonores –
Où sommes-nous maintenant? – Hicham Khalidi
Nomadic artist Eric van Hove is committed to
creating links between local and global issues.
In Marrakech he presents V12 Laraki (2013),
the result of nine months of work. V12 Lara-
ki is a non-working replica of the Mercedes-
Benz V12 engine. Each of its 465 components
were handcrafted in 53 traditional materials,
including ceramic, bone, tin, goatskin, and
terracotta, by 42 Moroccan artisans. Both the
Mercedes-Benz V12 and the V12 Laraki are
equal, if non-transferable, products of human
excellence—the former of a hundred years of
Western engineering, the latter of a thousand
years of Moroccan heritage.
Adriana Lara is among the many other Bien-
nale artists who collaborated with local crafts-
men. The work she presents is a continuation
of Interesting Theories (since 2010), a project
she began in 2010, that de-emphasizes object
making in favor of a conceptual reimagining
of artistic production and the exhibition space.
A new manifestation of this artwork is woven
into traditional Moroccan rugs destined for
both the art and carpet markets.
Like Lara, Saâdane Afif privileges intangi-
bility, creating works about interpretation,
exchange, and circulation. For his Biennale
commission, he uses site-specific performance
to reflect on ideas of geometry, pedagogy,
and tourist souvenirs. Gabriel Lester also uses
performance in a theatrical display of disem-
bodied musicians and performers. The work
activates rituals petrified in the museum’s many
vitrines, problematizing the role of such institu-
tions in the context of North African oral and
musical traditions.
Across many new metropolises of the Arab
world, top-level Western art organizations
are being blindly copied and pasted from
one context to another with little regard to the
consequences. Walid Raad’s ongoing project
Scratching on Things I Could Disavow (since
2007) explores the different dimensions (polit-
ical, aesthetic, economic, and ideological) of
art institutions and platforms emerging in the
Visual & Sound Arts –
Where Are We Now? – Hicham Khalidi
Max Boufathal, Madonna 207 (detail), 2014.
Photo: Pierre Antoine

créer des ponts entre des problématiques lo-
cales et mondiales. A Marrakech, il présente
V12 Laraki (2013), le résultat de neuf mois de
travail. V12 Laraki est une réplique non-opé-
rationnelle du moteur V12 de Mercedez-Benz.
Chacun de ses 465 composants a été réalisé à
la main dans l’un des 53 matériaux tradition-
nels comme la céramique, l’os, le fer, la peau
de chèvre et la terra cotta par quarante-deux
artisans marocains. Bien que non interchan-
geables, le V12 Mercedez-Benz et le V12 La-
raki sont tous deux des produits de l’excellence
humaine – le premier, de centaines d’années
d’ingénierie occidentale, le second, d’un héri-
tage marocain vieux d’un millénaire.
Adriana Lara fait partie des nombreux autres
artistes de la Biennale qui ont collaboré avec
des artisans locaux. Le travail qu’elle pré-
sente est la suite d’Interesting Theories (depuis
2010), un projet débuté en 2010 qui réduit
l’importance de la fabrication d’objets au pro-
fit d’une nouvelle mise en imagination concep-
tuelle de la production artistique et de l’espace
d’exposition. Un nouveau produit de cette
œuvre a été tissé dans des tapis marocains tra-
ditionnels destinés au marché de l’art comme
au commerce des tapis.
Comme Lara, Saâdane Afif privilégie l’intan-
gibilité, créant des œuvres sur l’interprétation,
l’échange et la circulation. Dans son projet
pour la Biennale, Afif utilise la performance in
situ pour initier une réflexion autour des idées
de géométrie, de pédagogie et d’objets-souve-
nirs. Gabriel Lester utilise également la perfor-
mance, exposant, de façon théâtrale, des mu-
siciens et interprètes désincarnés. L’œuvre fait
revivre ces rituels pétrifiés dans les nombreuses
vitrines du musée, problématisant le rôle d’ins-
titutions comme celle-ci par rapport aux tradi-
tions orales et musicales de l’Afrique du nord.
A travers de nombreuses métropoles du monde
arabe, les centres d’art occidentaux les plus
importants sont aujourd’hui aveuglément re-
produits à l’identique dans différents environ-
nements sans que les conséquences n’en soient
prises en compte. L’actuel projet de Walid
Raad, Scratching on Things I Could Disavow
Arts Visuels & Sonores –
Où sommes-nous maintenant? – Hicham Khalidi
Adriana Lara, Interesting Theory 12, 2014.
Photo: Pierre Antoine
Middle East. Raad intervenes in the Biennale
with a selection of new works that create a di-
alogue between the archetypical museum and
the “copy” presented in Dar Si Said.
Fictional Identity
– Bank Al Maghrib
Bank Al Maghrib, the former central bank of
Marrakech, is a site for artists to confront the
concept of identity and the idea of identity as
In his new commission BIENVENUE à Mar-
rakech (2014), Hicham Benohoud responds
to Vision 2020, King Mohammed VI’s plan
launched in 2010 to attract 20 million tour-
ists to Marrakech by the year 2020. Here
Benohoud appropriates the Los Angeles “Hol-
lywood” sign, transforming it into a “Mar-
rakech” sign, placed upside down, to suggest
the dubious political aspirations underlying the
drive for tourism to Morocco.
Randa Maroufi’s multi-disciplinary practice is
equally rooted in socio-politics, particularly a
concern for gender. Her series, Reconstitutions
(2013), which depicts the tension between
Moroccan boys and girls, takes its cue from
cinematic images, meditating on the fictionali-
zation of the real. In a distinct gesture, Lili Rey-
naud-Dewar combines performance, video,
and sculpture to produce projects that involve
her friends and family, students, and her own
body. For the Biennale she presents Teaching
as an Adolescent (2014), a collaborative per-
formance in which she will remain in a hotel
room for the duration of opening week. There
she will lead students in seminars discussing lit-
erature, writing, and experimental pedagogy
that will be streamed live to Bank Al Maghrib.
Rich in narrative and irony, Tala Madani’s
works depict darkly comic mise-en-scènes
that are powerful meditations on the tension
between the stereotypical and the iconic. For
the Biennale Madani has completed a new se-
ries of animations based on a research period
spent in various cities around Morocco. She is
shown alongside Hamid el Kanbouhi, whose
commission also follows an extended stay in
Marrakech developing research and allowing
the project to be influenced by the context and
audience with which he interacts.
In the words of Marks, “It is the revelation of
an untold and ever-present complexity that an
imaginative science [or art] must narrate, not
so that this complexity can be avoided but so
that it might be achieved.”
Received ideas of Moroccan identity are no
longer sufficient. As individuals we must im-
agine the improbable to construct a more
flexible and fluid collective identity. Beginning
from the premise that the contemporary is fic-
tion, the artists presented in Visual & Sound
Arts utilize imagination as a strategy to spec-
ulate alternative futures. Their works are a tes-
timonial that exploring the unproven does not
limit reality. It only broadens our scope of the
Visual & Sound Arts –
Where Are We Now? – Hicham Khalidi
Peter Osborne, “Contemporary Art is Post-Con-
ceptual Art” (lecture, Fondazione Antonio Ratti,
Villa Sucota, Como, July 9, 2010).
Rob Marks, “The Site of Imaginative Contention”,
(depuis 2007), explore les différentes dimen-
sions (idéologique, économique, politique et
esthétique) des institutions et centres d’art qui
apparaissent au Moyen-Orient. Raad propose
à la Biennale une sélection de nouvelles œuvres
qui créent un dialogue entre l’archétype du mu-
sée et la “copie” présentée à Dar Si Said.
Identité fictionnelle
– Bank Al Maghrib
La Bank Al Maghrib, ancienne banque centrale
de Marrakech, est un endroit où les artistes
abordent le concept d’identité et de l’identité
en tant que fiction.
Dans sa nouvelle production pour la Biennale,
BIENVENUE à Marrakech (2014), Hicham
Benohoud répond à Vision 2020, le programme
lancé par le Roi Mohammed VI en 2010 afin
que le nombre de touristes à Marrakech at-
teigne les 20 millions avant l’année 2020. Ici,
Benohoud se réapproprie le panneau géant
“Hollywood” de Los Angeles pour le trans-
former en un panneau “Marrakech”, accroché
à l’envers afin d’évoquer les motifs politiques
douteux à l’origine de cette quête effrénée pour
favoriser le tourisme au Maroc.
Le travail pluridisciplinaire de Randa Maroufi
s’enracine également dans la socio-politique,
en particulier au travers de l’intérêt que l’ar-
tiste porte aux questions de genre. Sa série
Reconstitutions (2013), qui dépeint la tension
entre les garçons et les filles au Maroc, s’ins-
pire d’images cinématographiques, initiant
une méditation sur la transformation du réel
par la fiction. Suivant une approche distincte,
Lili Reynaud-Dewar allie la performance, la
vidéo et la sculpture pour réaliser des pro-
jets qui impliquent ses amis et sa famille, ses
étudiants ainsi que son propre corps. Pour la
Biennale, elle présente Teaching as an Adoles-
cent (2014), une performance collective dans
laquelle elle restera dans une chambre d’hôtel
pendant toute la durée de la semaine d’ouver-
ture. Là, elle mènera des discussions avec des
étudiants sur la littérature, l’écriture et la pé-
dagogie expérimentale, discussions qui seront
retransmises dans la Bank Al Maghrib.
Fortement narratives et pleines d’ironie, les
œuvres de Madani donnent à voir des mises
en scène à l’humour noir qui constituent de
puissantes méditations sur la tension qui existe
entre les stéréotypes et les icônes. A l’invitation
de la Biennale, Madani a réalisé des animations
après une période de recherche passée dans di-
verses villes du Maroc. Son travail est montré
en parallèle de celui d’Hamid el Kanbouhi,
dont l’œuvre créée pour la Biennale résulte
aussi d’un long séjour à Marrakech au cours
duquel il a pu faire des recherches et laisser son
projet subir l’influence du contexte et du public
avec lequel il interagit.
le Maroc
Marks a dit : « C’est la révélation d’une com-
plexité tue et incessamment présente qu’une
science imaginative [ou l’art] doit raconter, non
pas afin que cette complexité soit évitée, mais
afin qu’elle soit atteinte ».
Les idées reçues sur l’identité marocaine ne suf-
fisent plus. En tant que personnes, nous devons
imaginer l’improbable pour bâtir une identité
collective plus malléable et plus fluide. Partant
du principe que le contemporain est fiction, les
artistes présentés dans Arts Visuels & Sonores
emploient l’imagination comme stratégie pour
conjecturer d’autres avenirs. Leurs travaux
constituent la preuve qu’explorer ce qui ne
peut être prouvé ne limite pas la réalité. Ceci
élargit seulement l’étendue du possible.
Arts Visuels & Sonores –
Où sommes-nous maintenant? – Hicham Khalidi
Peter Osborne, “Contemporary Art is Post-Con-
ceptual Art” (lecture, Fondazione Antonio Ratti,
Villa Sucota, Como, July 9, 2010.
Rob Marks, “The Site of Imaginative Conten-
tion”, http://untitled.pnca.edu/articles/show/5976/.
renewed efforts to achieve social justice in the
future. He uses his nuanced understanding of
history and the dynamics of power in Moroc-
co to break from aesthetics developed in the
post-colonial period. For his new commission
for the Biennale Akrim researches history and
its relationship with the present, and the com-
plicated relationship between religion and
money. The artwork is a representation of an
old Moroccan coin bearing a Koranic text and
the name of the city where it was minted.
Akrim graduated from the Institut nation-
al des beaux-arts de Tetouan. He completed
a residency at L’appartement 22, Rabat and
has participated in workshops in Namibia,
Jordan, France, and Morocco. Group exhibi-
tions include National Museum of Carthage
(2012), New Art Exchange, Nottingham
(2012) and MACBA, Barcelona (2014). His
first solo exhibition was at L’appartement 22,
Rabat in 2011.
Mounira Al Solh
Mounira Al Solh’s (b. 1978) artworks op-
erate according to Carlo Ginzburg’s notion of
microhistory, which aspires to ask “large ques-
tions in small places.” For the Biennale, Al Solh
has created In Brown, Longtime Thresholds
and Substrates Without Catalogues (2014), a
chain of sound works that takes the form of a
translational game.
Al Solh lives and works in Beirut and
Amsterdam. She was a resident at the Rijk-
Visual & Sound Arts –
Saâdane Afif
Best defined as “post-conceptual,” the
work of Saâdane Afif (b. 1970) explores the
notions of interpretation, exchange, and circu-
lation. For the artist, every exhibition consti-
tutes a pretext to experiment with and/or trig-
ger a new work of art whose formal outcome
can be varied. For the Biennale, Afif offers to
teach a geometry class every evening on the
Jamaa El Fna square. In reducing this univer-
sal tool of reference to its barest qualities—the
circle, the square, the dot, the line, etc.—The
lesson turns into the ultimate ready-made.
Afif is the winner of the Prix Marcel
Duchamp (2009) and the Günther-Peill-Preis
2012. His work has been exhibited at Palais
de Tokyo, Paris (2005); dOCUMENTA (12),
Kassel (2007); Witte de With, Rotterdam
(2008); MMK, Frankfurt (2012); and IAC de
Villeurbanne (2013).
Mustapha Akrim
Mustapha Akrim (b. 1981) belongs to a
generation of Moroccan artists redefining ex-
pression in the visual arts in their home coun-
try. His installations question the nature of
work, and they often express frustration with
the problem of widespread youth unemploy-
ment. His work We Had a Dream (2011) is in-
spired by Martin Luther King’s immortal words
“I have a dream.” Akrim puts the phrase in the
past tense, calling for a remembrance of past
liberty and equality struggles and agitating for
de Martin Luther King « I have a dream » (j’ai
un rêve). Akrim emploie la phrase au passé,
de façon à provoquer une réminiscence des li-
bertés passées et des luttes pour l’égalité, ainsi
qu’à inciter à de nouveaux efforts pour établir
une justice sociale à l’avenir. Il met à contribu-
tion sa compréhension nuancée de l’histoire et
de la dynamique du pouvoir au Maroc pour
sortir de l’esthétique mise en place dans la pé-
riode post-coloniale. Cette oeuvre représente
une ancienne pièce de monnaie marocaine sur
laquelle est inscrite un extrait du Coran ainsi
que le nom de la ville où la pièce fut frappe.
Akrim est diplômé de l’Institut national
des beaux-arts de Tétouan. Il a été en rési-
dence à L’appartement 22 à Rabat et a par-
ticipé à des ateliers en Namibie, en Jordanie,
en France et au Maroc. Il a pris part à des
expositions collectives au Musée national de
Carthage (2012), à la New Art Exchange de
Nottingham (2012), et au MACBA, Barcelo-
na (2014). Sa première exposition en solo a eu
lieu à L’appartement 22, à Rabat, en 2011.
Mounira Al Solh
Les œuvres de Mounira Al Solh (née en
1978) opèrent en réponse à la notion de mi-
crohistoire établie par Carlo Ginzburg, en
cherchant à poser « de grandes questions dans
de petits endroits ». Pour la Biennale, Al Solh
a conçu In Brown, Longtime Thresholds and
Substrates Without Catalogues (2014), une
chaîne de son qui prend la forme d’un jeu de
Arts Visuels & Sonores –
des artistes
Saâdane Afif
Qualifiée de « post-conceptuelle », l’oeuvre
de Saâdane Afif (né en 1970) se fonde sur l’in-
terprétation l’échange et la circulation. Selon
l’artiste, chaque contexte d’exposition est
prétexte à l’expérimentation ou/et au déclen-
chement de l’oeuvre d’art, qui peut prendre
les formes les plus variées. Pour la Biennale,
Afif propose que sur la place Jemaa El Fna,
soit dispensé chaque jour, après la tombée de
la nuit un cours de géométrie. L’enseignement
de cet outil de référence universel – réduit à
ses plus simples éléments, le cercle, le carré, le
point, la ligne etc. – devient « ready-made »
Afif a reçu le Prix Marcel Duchamp en
2009 et le Günther-Peill-Preis 2012. Son tra-
vail a été montré au Palais de Tokyo à Paris
en 2005, à la Documenta 12 à Kassel en 2007,
au Witte de With de Rotterdam en 2008, au
MMK de Francfort en 2012, et à l’IAC de Vil-
leurbanne en 2013.
Mustapha Akrim
Mustapha Akrim (né en 1981) appartient
à une génération d’artistes marocains qui re-
définissent les modes d’expression dans le do-
maine des arts visuels, dans leur pays natal. Ses
installations questionnent la nature du travail
et expriment souvent les frustrations ressenties
vis-à-vis du problème posé par l’importance
du chômage chez les jeunes. Sa pièce We Had
a Dream (2011) s’inspire de ces mots éternels
parate clips function as a network analysis, a
sequence generated through a traversal in the
network map that becomes an extracted fanta-
sy of “vacation.”
Arikan is an Istanbul- and New York-based
artist. His recent exhibitions include the Nam
June Paik Award Exhibition, Kunstmuseum Bo-
chum (2012); Truth is Concrete, Graz (2012);
Berlin Biennale (2012); 13
Istanbul Bi-
ennial (2013); 11
Sharjah Biennial (2013);
and 30
Ljubljana Biennial of Graphic Arts
Mohamed Arejdal
Mohamed Arejdal’s (b. 1984) multidisci-
plinary practice explores a relationship to the
concept of the Other. Often working through
performance, the artist seeks to establish a
physical and sensory relationship to the spec-
tator in public space, testing cultural and so-
cial boundaries. The sculpture Crank (2012)
depicts a traditional Moroccan mill used to
grind flour into the shape of the earth. The
handle used to turn the mill originates in the
United States, whose political and economic
power effectively makes the world go around.
The work acts as a metaphor for the unbal-
anced distribution of goods, food, and educa-
tion around the globe.
Arejdal was born in Guelmim, and lives
and works in Morocco. He studied at the Insti-
tut national des beaux-arts, Tétouan. Solo exhi-
bitions include Festival des Arts Vivants a Cas-
ablanca (2006); XIII
Biennale des Jeunes
Créateurs de l‘Europe et de la Méditerranée,
Bari (2008); and Le Cube – independent art
room, Rabat (2012). Group shows include
Centre Culturel Al Andalous, Martil (2007);
L’Institut Espagnol Cervantes, Tétouan; and In-
stitute Français, Rabat.
Kader Attia
Reflecting on his hybrid background, Kad-
er Attia’s (b. 1970) work explores the reper-
cussions of Western cultural hegemony and
capitalism on the Middle East, Africa, Asia,
and Latin America, and the ways in which
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
sakademie, Amsterdam (2006–2008). Solo
exhibitions include Kunsthalle Lisbon, Portugal
(2010) and Art in General, New York (2012).
Recent group shows include the 52
Biennale (2007); Van Abbemuseum, Eindoven
(2008); Manifesta 8, Murcia (2010); Haus
Der Kunst, Munich (2010); The New Museum,
New York (2012); and Home Works, Beirut
Can & Asli Altay
Can Altay (b.1975) is an artist and Asli
Altay (b.1983) is a graphic designer and
director of Future Anecdotes Istanbul design
studio. Together they take on projects that
often revolve around issues of public space
and communication. The pair creates exhibi-
tions, structures, and publications that act as
public platforms or markers. An Archipelago
from the Mediterranean (2014) focuses on
the Mediterranean, a troubled body of water
that both unites and divides global societies.
The artwork is an intervention in the city of
Marrakech in the form of distributed posters,
and includes a proposal to make islands out
of Mediterranean water: an archipelago, lo-
cated inland, filled with water. The poster
campaign reflects on the artists’ processes of
making a work public and their distribution of
Can & Asli Altay’s collaborations in-
clude Ahali: An Anthology for Setting a Setting
published by Bedford Press, London (2012);
The Church Street Partners’ Gazette, an ex-
hibition at The Showroom, London (2010-
2013); and PARK: bir ihtimal, an exhibition in
public space, Istanbul (2010).
Burak Arikan
Burak Arikan (b.1976) works with com-
plex networks through the media of software,
prints, installations, and performances. His
installation Monovacation (2013) at the Mar-
rakech Biennale uses snippets of 20 official
television advertisements for tourism random-
ly selected from 144 countries to construct a
single, generic vacation commercial. The dis-
softwares, l’impression de tirages et l’organisa-
tion d’installations et de performances. Dans
son installation Monovacation (2013), pré-
senté à la Biennale de Marrakech, des extraits
de vingt publicités télévisées officielles pour le
tourisme ont été sélectionnés au hasard dans
144 pays, puis utilisés pour composer une
unique publicité générique pour les vacances
La disparité de chacune de ces capsules fonc-
tionne à la manière d’une analyse de réseaux,
une séquence générée par une force transver-
sale dans la carte du réseau qui, à son tour,
se transforme en une forme d’illusion de «va-
Arikan est un artiste basé à Istanbul et
à New-York. Son travail a été exposé au
Kunstmuseum Bochum (2012), au Truth is
Concrete, Graz (2012), à la 7
Biennale de
Berlin (2012), à la 13
Biennale d’Istanbul
(2013), à la 11
Biennale de Sharjah (2013),
et à la 30
Biennale d’arts graphiques de Lju-
bljana (2013).
Mohamed Arejdal
L’approche pluridisciplinaire de Mohamed
Arejdal (né en 1984) explore les relations au
concept de l’« autre ». Travaillant souvent
par le biais de performances, l’artiste cherche
à établir une relation physique et sensorielle
avec le spectateur au sein d’un espace public
afin de tester les limites culturelles et sociales.
La sculpture Crank (2012) représente un mou-
lin traditionnel du Maroc utilisé pour moudre
le blé, qui prend ici la forme de la terre. La
poignée qui permet de faire tourner le moulin
provient des Etats-Unis, dont le pouvoir poli-
tique et économique fait effectivement tourner
le monde. La sculpture se veut une métaphore
de la répartition inéquitable des biens, de la
nourriture et des services éducatifs sur la pla-
Né à Guelmim, Arejdal vit et travaille au
Maroc. Il a étudié à l’Institut national des
beaux-arts de Tétouan. Ses expositions en solo
se sont tenues au Festival des arts vivants de
Casablanca (2006), à la XIII
Biennale des
Jeunes Créateurs de l’Europe et de la Méditer-
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
Al Solh vit et travaille à Beyrouth et Ams-
terdam. Elle a été en résidence à la Rijksaka-
demie à Amsterdam (2006–2008). Ses exposi-
tions individuelles ont eu lieu à la Kunsthalle
de Lisbonne au Portugal (2010) et à Art in
General à New-York (2012). Récemment, elle
a participé à des expositions collectives à la
Biennale de Venise (2007), au Van Ab-
bemuseum à Eindhoven (2008), à Manifesta 8
à Murcie (2010), à Haus Der Kunst à Munich
(2010), au New Museum de New-York (2012)
et à Home Works à Beyrouth (2013).
Can & Asli Altay
Can Altay, né en 1975, est artiste. Sa
femme Asli Altay, née en 1983, est graphic de-
signer, et directrice du studio de création Fu-
ture Anecdotes Istanbul. Ensemble, ils mènent
des projets qui traitent souvent des probléma-
tiques de l’espace public et de la communica-
tion. Le couple organise des expositions, crée
des installations et lance des publications qui
tiennent lieu de tribunes publiques. An Ar-
chipelago from the Mediterranean (2014) se
concentre sur la mer Méditerranée, une masse
d’eau agitée qui à la fois unit et divise des so-
ciétés entières. L’œuvre est une intervention
dans la ville de Marrakech, sous la forme d’af-
fiches distribuées ; elle propose de former des
îles avec de l’eau de la Méditerranée : un archi-
pel situé à l’intérieur des terres, rempli d’eau.
La campagne d’affichage illustre la volonté de
l’artiste de réaliser une œuvre publique, et de
faire essaimer des idées.
La collaboration de Can et Asli Altay a
aussi donné lieu à Ahali : An Anthology for
Setting a Setting, publié chez Bedford Press,
Londres (2012), The Church Street Partners’
Gazette, une exposition à The Showroom à
Londres (2010-2013), et PARK : bir ihtimal,
une exposition dans un lieu public à Istanbul
Burak Arikan
Burak Arikan (né en 1976) met en scène de
complexes réseaux à travers l’élaboration de
woven hooded cape, bearing traditional Ber-
ber patterns.
Atiku was born in Ejigbo, Nigeria, where
he lives and works. He received an MA in
Visual Arts at the University of Lagos, Nige-
ria. He is chief coordinator of Advocate for
Human Rights Through Arts and president of
the Movement for Creative Drawing. He has
performed at Ahmadu Bello University, Zaria
(2009); Centre for Contemporary Art, Lagos
(2009); and Tate Modern, London (2012).
Yassine Balbzioui
Yassine Balbzioui (b.1972) works across
many disciplines to produce extravagant,
theatrical, and energetic performances. His
artworks frequently explore “being” and “ap-
pearing” through the form of masks. For the
Biennale, Balbzioui has created a new per-
formance titled Grosse Tête (2014) based on
previous works shown in Dakar (2012) and
Berlin (2013). The performance lasts between
20 and 25 minutes, during which the artist
plasters objects and liquids onto his head,
giving rise to a mutant form. Through this act
the artist aims to bring the audience to a state
of despair and astonishment. As the mutant
appears to slowly suffocate from its masking
the public becomes witness to an unutterable
Balbzioui was born in Morocco and now
lives and works in Paris and Bordeaux. He
trained at the Ecole des Beaux-Arts de Cas-
ablanca-Maroc (1996). He has exhibited in
solo and group exhibitions internationally, in-
cluding the Biennale Danse l’Afrique Danse,
Bamako (2010); the 7
Berlin Biennial,
(2010); Galerie Talmart, Paris (2012); and
CAPC Musée d’Art Contemporain, Bordeaux
Charif Benhelima
Charif Benhelima (b.1967) is a photogra-
pher whose stark images expose intimate
situations in carefully chosen sites. His work
investigates identity, memory, oblivion, docu-
mentation, and truth through images that ex-
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
residual strains of struggle and resistance to
colonization impact the consciousness of im-
migrants as a territory. His practice employs
different materials, symbols, and scales to
question community, diversity, belonging, and
exile among the tangle of identity conflicts in
the age of globalization. Following his recent
research journeys to Africa, Asia, and South
America Attia has turned his attention to the
reappropriation of traditional artifacts he “re-
pairs” using alternative materials. Attia’s new
commission is centered around the Rif moun-
tains independence movement (1922), which
was repressed by the French protectorate us-
ing heavy shelling. The remaining traces of
this conflict are objects made with leftovers
of shells and bullets. Attia worked with local
Moroccan craftsmen to excavate these mar-
ginalized histories through the creation of new
hybrid objects and musical instruments.
Attia lives and works in Berlin, but he spent
his childhood between France and Algeria.
His work has been exhibited widely at major
international institutions, including ICA, Bos-
ton (2007); Centre Georges Pompidou, Paris
(2011); Tate Modern, London (2011); MoMA,
New York (2012); dOCUMENTA (13), Kassel
(2012); and KW Institute for Contemporary
Art, Berlin (2013).
Jelili Atiku
Jelili Atiku (b.1968) employs sculpture,
video, and performance to create works that
promote an egalitarian society and foster a
respect of human rights within his home coun-
try of Nigeria and abroad. His striking and
provocative performances are often staged in
public spaces and incorporate multiple partic-
ipants, processions, and elaborate costumes
highly charged with political content. I Will
Not Stroll With Thami El Glaoui (2014) is a
new work created for the Marrakech Biennale.
Its title refers to the social and political poten-
tiality of public space and the role the artwork
plays in activating this process. Following his
extensive research into traditional Moroccan
textiles, the artist will perform in an akhnif, a
Berlin (2013).
Jelili Atiku
Jelili Atiku (né en 1968) utilise la sculp-
ture, la vidéo et la performance pour créer
des œuvres qui défendent une société égali-
taire, et incitent à un respect des droits de
l’homme tant dans son pays natal, le Nigéria,
qu’à l’étranger. Ses performances étonnantes et
provocatrices sont souvent mises en scène dans
des lieux publics et incluent une multitude de
participants, des cortèges et des costumes éla-
borés, très chargés de résonances politiques. I
Will Not Stroll With Thami El Glaoui (2014)
est une nouvelle œuvre créée pour la Biennale
de Marrakech. Son titre fait référence aux po-
tentialités sociales et politiques des lieux pu-
blics et au rôle que joue l’art dans leur déclen-
chement. En raison des recherches importantes
qu’il a menées sur la fabrication traditionnelle
des textiles marocains, l’artiste portera, lors de
sa performance, un akhnif, une cape à capuche
en laine, décorée de motifs traditionnels ber-
Atiku est né à Ejigbo, au Nigéria, où il vit
et travaille actuellement. Il possède un master
en Arts visuels de l’Université de Lagos au Ni-
géria. Défenseur actif des droits de l’homme,
il est coordinateur en chef d’Advocate for
Human Rights Through Arts et est président
du Movement for Creative Drawing. Ses per-
formances se sont déroulées à l’Université Ah-
madu Bello à Zaria (2009), au Centre d’art
contemporain de Lagos (2009) et à la Tate
Modern (2012) à Londres.
Yassine Balbzioui
Le travail pluridisciplinaire de Yassine
Balbzioui (né en 1972) lui permet de produire
des performances extravagantes, théâtrales et
énergiques. Ses œuvres explorent régulière-
ment l’être et le paraître à partir de masques.
Pour la Biennale, Balbzioui a conçu une nou-
velle performance intitulée Grosse Tête (2014)
qui s’inspire de travaux antérieurs montrés à
Dakar en 2012 et à Berlin en 2013. La per-
formance dure entre 20 à 25 minutes, temps
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
ranée à Bari (2008) et au Cube –independent
art room, à Rabat (2012). Il a participé à des
expositions collectives au Centre Culturel Al
Andalous à Martil (2007), à l’Institut espagnol
Cervantes à Tétouan et à l’Institut français de

Kader Attia
Grâce à une réflexion sur son parcours
hybride, l’artiste Kader Attia (né en 1970)
explore les répercussions de l’hégémonie
culturelle et du capitalisme occidentaux sur le
Moyen-Orient, l’Afrique, l’Asie et l’Amérique
latine, et la manière dont des traces résiduelles
de lutte et de résistance à la colonisation ont
un effet sur la conscience des immigrants en
tant que territoire. Dans sa pratique, il utilise
différents matériaux, symboles et échelles afin
de pouvoir interroger les notions de commu-
nauté, de diversité, d’appartenance et d’exil
telles qu’elles surgissent dans l’enchevêtrement
des conflits identitaires à l’ère de la mondiali-
sation. Suite à ses récents voyages de recherche
en Afrique, en Asie et en Amérique du sud,
Attia s’est intéressé aux moyens de se réappro-
prier des artéfacts traditionnels qu’il “répare”
en utilisant des matériaux alternatifs. La der-
nière mission d’Attia a pour principal sujet le
mouvement d’indépendance des montagnes du
Rif (1922), que les autorités du Protectorat
français ont écrasé à coups de lourds bombar-
dements. Les traces qui demeurent de ce conflit
s’incarnent dans des objets fabriqués à partir
de restants de balles et d’obus. Attia a travaillé
avec des artisans marocains locaux pour faire
remonter ces histoires oubliées au travers de la
création de nouveaux objets hybrides et d’ins-
truments de musique.
Attia vit et travaille à Berlin, bien qu’il
ait passé son enfance entre la France et l’Al-
gérie. Ses œuvres ont été régulièrement expo-
sées dans d’importantes institutions interna-
tionales comme l’ICA de Boston (2007), le
Centre Georges Pompidou à Paris (2011), la
Tate Modern à Londres (2011), le MoMA à
New-York (2012), le dOCUMENTA de Kassel
(2012) et l’Institut d’art contemporain KW à
ca and Paris. He was awarded the Galerie
d’Essai Prize at Rencontres Photographiques
d’Arles (2000) and has exhibited internation-
ally at Galerie Le Lieu, Lorient (2004); Centre
Georges Pompidou, Paris (2005); and Grand
Palais, Paris (2008).
Katinka Bock
Employing an array of materials that in-
clude clay, wood, leather, stone, plaster, and
found objects, Katinka Bock (b. 1976) bears
out the spatial qualities of a site through the
physicality of her structures and the precise
rhythms created among them. For the Biennale,
Bock has built an igloo-shaped firestone kiln
on the grounds of the Palais El Badii. This im-
pressive red-clay structure recalls Marrakech’s
historic nickname the Red City and its long
tradition of ceramics. Clay plates have been
sculpted according to body measurements tak-
en from people in Paris and Marrakech.
Bock lives and works in Paris and Berlin.
She studied at the Ecole nationale supérieure
des Beaux-Arts de Lyon and Kunsthochschule
Berlin-Weissensee. She has exhibited interna-
tionally at Culturgest, Lisbon (2012); Mamco
Geneva, (2013) and Henry Art Gallery, Seat-
tle (2014).
Max Boufathal
Max Boufathal (b.1983) is a sculptor
whose hybrid and high-tech tribe of warriors,
animals, and weapons seemingly obey a new
order of natural selection. These figures are
rendered in high visibility and reflective ma-
terials. This formidable cast combines ancient
tribalism with consumerism. Do these beings
come from a past world or a parallel one? Are
they survivors or oppressors? For the Biennale
Boufathal will show a combination of these
previous works, with a new large-scale com-
mission, Madonna 207.
Boufathal graduated from the École
supérieure des beaux-arts de Nantes with hon-
ors (2002). As part of the Africa Light collec-
tive, he has exhibited internationally at the Off
Biennial of Contemporary Art, Dakar (2010)
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
plore perception, time and space, and a sense
of invisibility. Inspired by his own Moroccan
migrant status, and consequent lack of a fam-
ily photo album to pick up a camera, Benheli-
ma’s oeuvre establishes a personal narrative
through the stories of others. In Welcome to
Belgium (1990–1999), a series that took many
years to complete, the artist charts an intense-
ly intimate story of immigration to Belgium. In
the chapter San Damiano (1997–1998), he
documents men suspended in time at a refuge,
waiting to hear whether their requests for asy-
lum have been granted, or not.
Benhelima lives and works in Antwerp
and Rio de Janeiro. He has shown in solo
exhibitions at Kunstlerhaus Bethanien, Berlin,
(2005); Station Museum of Contemporary Art,
Houston (2012); and Museu de Arte Contem-
porânea de Nitéroi, Rio de Janeiro (2013).
Group shows include Witte de With, Rotter-
dam (2005); FotoFest International Biennial
of Photography, Houston (2012); and MuH-
KA Museum of Contemporary Art, Antwerp
Hicham Benohoud
Hicham Benohoud’s (b. 1968) work ad-
dresses identity formation in Morocco. During
his tenure as a drawing teacher Benohoud
produced La Salle de Classe (1994–2002),
a photographic series documenting his pupils
in the act of creating grotesque and amusing
situations. The children renounce their pre-
scribed role of “pupil,” instead presenting
self-constructed identities to the camera. In his
new commission for the Biennale BIENVENUE
à Marrakech (2014) the artist responds to
Vision 2020 (2010), King Mohammed VI’s
objective to attract 20 million tourists to Mar-
rakech. Lacking an Eiffel Tower or Statue of
Liberty, Benohoud appropriates the Los An-
geles “Hollywood” sign, transforming it into
a “Marrakech” sign, with some letters placed
upside down to reflect the dubitable political
aspirations behind the drive for tourism to Mo-
Benohoud lives and works in Casablan-
expositions collectives à Witte de With, Rot-
terdam (2005), la Biennale Internationale de
Photographie FotoFest à Houston (2012) et au
Musée d’Art Contemporain MuHKA d’Anvers
Hicham Benohoud
L’œuvre d’Hicham Benohoud (né en 1968)
examine la formation de l’identité au Ma-
roc. Alors qu’il exerçait comme professeur de
dessin, Benohoud a réalisé La Salle de Classe
(1994–2002), une série photographique qui
montre ses élèves en train de fabriquer des
costumes grotesques et amusants. Les enfants
renoncent ici au rôle qui leur est assigné en
tant qu’élèves, présentant à la place une iden-
tité telle qu’ils l’ont construite face à la camé-
ra. L’œuvre qu’il a réalisée pour la Biennale,
BIENVENUE à Marrakech (2014), constitue
une réponse à Vision 2020 (2010), le plan du
Roi Mohammed VI visant à ce que le nombre
de touristes à Marrakech atteigne les 20 mil-
lions. Sans Tour Eiffel ou Statue de la liber-
té, Benohoud se réapproprie le panneau géant
“Hollywood” de Los Angeles pour le transfor-
mer en un panneau “Marrakech”, accroché à
l’envers afin d’évoquer les motifs politiques
douteux à l’origine de cette quête effrénée
pour favoriser le tourisme au Maroc.
Benohoud vit et travaille à Casablanca
et Paris. Il a reçu le Prix de la Galerie d’essai
lors des Rencontres photographiques d’Arles
(2000) et ses œuvres ont été exposées inter-
nationalement à la Galerie Le Lieu à Lorient
(2004), au Centre Georges Pompidou à Paris
(2005) et au Grand Palais à Paris (2008).
Katinka Bock
Utilisant toutes sortes de matériaux, no-
tamment l’argile, le bois, le cuir, la pierre, le
plâtre et des objets trouvés, Katinka Bock (née
en 1976) renforce les qualités spatiales d’un
site grâce à la « physicalité » de ses structures,
et les rythmes précis qui naissent entre celles-
ci. Pour la Biennale, Bock a construit un four
en forme d’igloo sur le terrain du Palais El Ba-
dii. Cette impressionnante structure en argile
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
pendant lequel l’artiste colle des objets et verse
des liquides sur sa tête, qui devient petit à pe-
tit celle d’une sorte de mutant. Par cet acte,
l’artiste veut conduire les spectateurs vers un
état de désespoir et d’étonnement. Au fur et
à mesure que le mutant semble suffoquer len-
tement sous son masque, le public devient té-
moin d’une situation indescriptible.
Balbzioui est né au Maroc. Il travaille au-
jourd’hui à Paris et Bordeaux. Il a étudié à
l’École des beaux-arts de Casablanca au Ma-
roc (1996). Ses œuvres ont été exposées indi-
viduellement et collectivement au niveau inter-
national, notamment à la Biennale de Danse
l’Afrique Danse à Bamako (2010), à la 7

Biennale de Berlin (2010), à la Galerie Talmart
à Paris (2012) et au Musée d’Art Contempo-
rain, CAPC, de Bordeaux (2013).
Charif Benhelima
Charif Benhelima (né en 1967) est un pho-
tographe dont les clichés austères révèlent des
scènes intimes prises dans des endroits minu-
tieusement sélectionnés. A travers des images
explorant les notions de perception, d’espace,
de temps et d’une certaine invisibilité, son
œuvre soulève de nombreuses questions quant
à l’identité, la mémoire, l’oubli, le document
et la vérité. En tant qu’immigré marocain, il
sait intimement ce que signifie ne pas avoir
d’album de photographies de famille. Par
conséquent, Benhelima tisse sa propre histoire
à travers celle des autres. Dans la série Wel-
come to Belgium (1990-1999) qu’il a réalisé
au cours de plusieurs années, l’artiste raconte
l’histoire intime de l’immigration en Belgique.
Le chapitre San Damiano (1997-1998) docu-
mente la vie dans les refuges où des hommes,
aux destins suspendus, attendent de savoir si
leur demande d’asile a été acceptée.
Benhelima vit et travaille à Anvers et à
Rio de Janeiro. Son travail a été présenté dans
des expositions personnelles à Kunstlerhaus
Bethanien, Berlin (2005), au Musée Station
d’Art Contemporain de Houston (2012) et au
Musée d’Art Contemporain de Niteroi, Rio de
Janeiro (2013). Il a également participé à des
concepts of indigenousness through the gen-
re of science fiction. Two astronauts emerge
from the sea in a Martian landscape, where
they are violently confronted by its inhabit-
ants. Shot on location in Sidi Ifni, Morocco,
the film’s dialogue is recorded in Tamazight,
a Berber language only recently recognized
as official in Morocco with its own alphabet.
Dawood worked with actors from Dabateatr,
a Rabat-based theatrical company, and chore-
ographer Salima Moumni.
Dawood, who lives and works in London,
has exhibited internationally, including Tate
Britain, London (2009); the 53
Venice Bien-
nale (2009); and the Busan Biennale (2010).
Recent projects include solo exhibitions at
Modern Art Oxford (2012) and Parasol Unit,
London (2014). In 2012, Dawood was nomi-
nated for the Jarman Award.
Hamid el Kanbouhi
Hamid el Kanbouhi (b. 1976) employs
various media to transform commonplace ele-
ments into immersive and fantastic worlds that
incorporate performance, installation, and
painting. These worlds stem from drawings
whose spatial realization often wrong-foot the
viewer, converting passive bystander into ac-
tive participant. For the Biennale, el Kanbouhi
will create a new commission as the result of
an extended stay in Marrakech, developing
research and allowing the project to be influ-
enced by the context and audience with which
he interacts.
El Kanbouhi is a Dutch-Moroccan artist
who lives and works in Amsterdam. He at-
tended the Gerrit Rietveld Academie (2000–
2004). He has exhibited in solo shows at Mu-
seum van Bommel van Dam, Venlo (2005) and
Galerie Nouvelles Images, The Hague (2009);
and in group exhibitions at Rijksakademie,
Amsterdam (2010); Koninklijk Paleis, Amster-
dam (2011); and Barbara Seiler Galerie, Zu-
rich (2012).

Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
and the Biennial of Dance, Bamako (2010).
Solo exhibitions of his work include Chateau
de Fernelmont (2011); Galerie Saint-Jacques,
Saint-Quentin (2011); and High Culture Gal-
lery, Maastricht (2011).
Keren Cytter
Keren Cytter (b. 1977) uses film, video
installation, and drawing to represent social
realities through experimental modes of story-
telling. Characterized by a non-linear, cyclical
logic, Cytter’s films consist of multiple layers of
images, monologue, dialogue, and narration,
systematically composed to undermine linguis-
tic conventions and traditional interpretation
schemata. The artist creates intensified scenes
drawn from everyday life in which their over-
whelmingly artificial nature is echoed by the
means of their production. Cytter’s video for
the Biennale will include daily documentation
of the artist’s life manipulated to a quasi-detec-
tive story, shot through a variety of video me-
dia including cameras, mobile phones, Skype
recordings, and computer-screen recordings.
Cytter was born in Tel Aviv. She lives and
works in New York. Recent solo exhibitions
include Moderna Museet, Stockholm (2010);
Stedelijk Museum, Amsterdam (2011); and
Tate Modern, London (2012). Recent group
exhibitions include Whitney Museum of Amer-
ican Art, New York (2008); Manifesta 7, Tren-
tino (2008); Yokohama Triennial (2008); the
Venice Biennale (2009); New Museum,
New York (2009); CCA Watts, San Francisco
(2012); and Moscow Museum of Modern Art
Shezad Dawood
Shezad Dawood (b. 1974) works across
film, painting, and sculpture to juxtapose dis-
crete systems of image, language, site, and
historical narrative. His practice frequently in-
volves collaboration, working with groups and
individuals across territories to physically and
conceptually map far-reaching lines of inquiry.
In Towards the Possible Film (2014), Dawood’s
latest film project, he explores anthropological
cyclique, les films de Cytter comprennent des
couches multiples d’images, de monologues,
de dialogues et de récits, systématiquement
composées pour affaiblir les conventions du
langage et les schémas d’interprétation tra-
ditionnels. L’artiste crée des scènes dramati-
sées, tirées de la vie quotidienne, dont la na-
ture excessivement artificielle est reflétée par
leurs moyens de production. La vidéo prépa-
rée par Cytter pour la Biennale comprend un
compte-rendu quotidien de la vie de l’artiste,
transformé en une histoire quasi-policière qui
a été filmée par l’intermédiaire de divers appa-
reils vidéo comme des caméras, des téléphones
portables, des enregistrements Skype et des vi-
déocaptures d’écran.
Cytter est née à Tel Aviv. Elle vit et travaille
à New-York. Ses dernières expositions indi-
viduelles ont eu lieu au Museet Moderna à
Stockholm, au Musée Stedelijk à Amsterdam
(2011) et à la Tate Modern à Londres (2012).
Elle a fait récemment partie d’expositions de
groupes au Whitney Museum of American Art
à New-York (2008), au Manifesta 7 à Trentino
(2008), à la Triennale de Yokohama (2008),
à la 53
Biennale de Venise (2009), au New
Museum à New-York (2009), à CCA Watts à
San Francisco (2012) et au Musée d’art mo-
derne de Moscou (2011).
Shezad Dawood
Shezad Dawood (né en 1974) a recours
aussi bien à la peinture et à la sculpture qu’à la
vidéo pour juxtaposer des systèmes d’images,
des systèmes langagiers et spatiaux, ainsi que
des récits historiques. Sa pratique l’amène sou-
vent à collaborer avec d’autres, qu’il s’agisse
de groupes ou d’individus, à travers certains
territoires afin de cartographier physiquement
et conceptuellement de longues lignes de ques-
tionnement. Dans Towards the Possible Film
(2014), le dernier film de Dawood, l’artiste
explore des concepts anthropologiques en
passant par la science-fiction. Au moment où
ils sortent de la mer au milieu d’un paysage
martien, deux astronautes sont violemment
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
rouge rappelle le surnom historique de Mar-
rakech, la Ville rouge, et sa longue tradition de
fabrication de céramiques. Des représentations
du corps humain ont été sculptées dans l’argile
d’après les mensurations de personnes vivant à
Paris et à Marrakech.
Bock vit et travaille à Paris et Berlin. Elle
a étudié à l’École supérieure des beaux-arts
de Lyon et à la Kunsthochschule Berlin-Weis-
sensee. Son travail a été exposé internationa-
lement, au Culturgest de Lisbonne (2012), au
Mamco à Genève (2013), et à la Henry Art
Gallery à Seattle (2014).
Max Boufathal
Max Boufathal (né en 1983) est un sculp-
teur dont la tribu hybride et hich-tech de
guerriers, d’animaux et de leurs armes semble
obéir à une nouvelle forme de sélection natu-
relle. Ces figurines, très voyantes, sont faites
de matériaux réfléchissants. Cet incroyable
moulage constitue une alliance entre le triba-
lisme ancestral et le consumérisme. Ces per-
sonnages viennent-ils d’un monde passé ou
d’un monde parallèle ? Sont-ils des survivants
ou des oppresseurs ? Pour la Biennale, Boufa-
thal exposera à la fois des œuvres anciennes
et une grande œuvre de commande nouvelle,
Madonna 207.
Boufathal est diplômé de l’École supérieure
des beaux-arts de Nantes avec félicitations
(2002). En tant que membre du collectif Afri-
ca Light, il a exposé au niveau international à
la Off Biennale d’art contemporain de Dakar
(2010) et à la Biennale de danse de Bamako
(2010). Chateau de Fernelmont (2011), la Ga-
lerie Saint-Jacques à Saint-Quentin (2011) et
la High Culture Gallery à Maastricht (2011)
ont notamment présenté des expositions en
solo de son travail.
Keren Cytter
Keren Cytter (née en 1977) utilise des films,
des installations vidéo et le dessin pour repré-
senter certaines réalités sociales à travers des
modes de narration expérimentaux. Caractéri-
sés par une progression logique non linéaire et
prison, where the ornamentation is no longer
based solely on musical rhythms.
Erek lives and works in Istanbul. He has
participated in the Istanbul Biennial (2003 &
2011) and dOCUMENTA(13), Kassel (2012);
he was the subject of a solo exhibition at Kun-
sthalle Basel (2012). Erek was a recipient of
the Nam June Paik Award (2012). Until recent-
ly, Erek instructed at ITU Turkish Music State
Conservatory and headed a studio at ITU Ar-
chitecture Faculty.
Hamza Halloubi
Hamza Halloubi (b. 1982) works across
a wide range of media, including video, pho-
tography, sculpture, and installation, to inves-
tigate the grammar and semiotics of language
and film. His personal knowledge of immigra-
tion is often a departure point to distill experi-
ence and theory through gesture, movement,
or narrative. In his powerful film To Leave
(2011–2012) the artist places the viewer in
the position of one who is leaving a relative.
Beginning with a close-up portrait, the cam-
era pulls away continuously to reveal a dark-
ening street in Tangier, creating a poignant
representation of migrancy that merges fiction
and documentary.
Halloubi was born in Tangier, and now
lives and works between Tangier and Brussels.
He has had solo exhibitions at BOZAR, Palais
des Beaux-Arts, Brussels (2013) and Kiosk,
Ghent (2014). Group shows include the 4
Cairo Video Festival (2010); the 6
tum Biennial, Moss (2011); Centre Pompidou,
Paris (2011); and Kunstenfestival, Watou
Iman Issa
Iman Issa (b. 1979) produces serial works
that create meaning through the interrelation-
ship of objects, film, and text. Her audio work
The Revolutionary (2010), on display at the Bi-
ennale, uses a text written by the artist, gener-
ated into speech using text-to-speech software,
to introduce the listener to the fictional biogra-
phy of a revolutionary in an attempt to access
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
Wafae Ahalouch el Keriasti
Wafae Ahalouch el Keriasti (b. 1978)
works across drawing, painting, installation,
and sculpture to create vivid, immersive, and
personal visions of our alienated world. Her
frames of reference draw from a multiplicity
of sources: the circus, history, politics, fami-
ly, and fairy tales. Recently her practice has
developed toward an analysis of the feminine
within these frameworks. For the Biennale she
will create a new commission conflating the
myth of Aicha Qandisha, a female devil in
Moroccan folklore, and a vision for contem-
porary women in Morocco. This work brings
the mythological past to bear on the future of
women who occupy a difficult and ambiguous
place in the culture and politics of the nation.
El Keriasti has taken part in residencies
at De Ateliers, Amsterdam (2001–2003), Ri-
jksakademie, Amsterdam (2006–2007); and
Kunstlerhaus Bethanien, Berlin (2010). She
has had solo shows at Kunstlerhaus Bethanien,
Berlin, (2010); Galerie sans titre, Brussels
(2009); and Museum Jan Cunen, Oss (2008).
Her work has been included in group exhibi-
tions at the Young Artist Biennale, Bucharest
(2008); White Box, New York (2009); Grim-
museum, Berlin (2010); and WIELS, Brussels
Cevdet Erek
Courtyard Ornamentation with Sounding
Dots and a Prison (COSDP) (2014) is a con-
tinuation of the series Courtyard Ornamen-
tation with 4 Sounding Dots and a Shade,
which made its most recent manifestation at
the Sharjah Biennial in 2013. Loudspeakers
are placed on the walls surrounding a court-
yard. Only when the visitor finds the “sweet
spot” under a central shade do all sounds
combine, forming a recognizable rhythm. The
percussive sounds were performed by hand,
reflecting the artist’s desire to connect “au-
dio ornamentation” with handmade visual
ornamentation, while spoken words act as
calligraphic text in geometrical relation to the
percussive dots. The work is continued in the
Wafae Ahalouch el Keriasti
Wafae Ahalouch el Keriasti (née en 1978)
travaille conjointement à partir de dessins,
de peintures, d’installations et de sculptures
afin d’exprimer ses visions contrastées et tou-
chantes de notre monde aliéné. Ses cadres de
référence sont établis à partir d’une multitude
de sources d’inspiration : le cirque, l’histoire,
la politique, la famille et les contes de fées.
Plus récemment, son travail s’est orienté vers
une analyse du féminin à l’intérieur même de
ces cadres. L’artiste créera, spécialement pour
la Biennale, une nouvelle œuvre colligeant le
mythe d’Aicha Qandisha, une créature diabo-
lique féminine du folklore marocain, et une
certaine vision du futur des femmes contem-
poraines au Maroc. Ce travail permet de lier le
passé mythologique à l’avenir de femmes qui
occupent une position difficile et ambigüe dans
la culture et la politique du pays.
El Keriasti a été en résidence à De Ateliers
à Amsterdam (2001–2003), à la Rijksakade-
mie à Amsterdam (2006–2007) et au Kunster-
lhaus Bethanien de Berlin (2010). Elle a expo-
sé en solo à Kunstlerhaus Bethanien à Berlin,
(2010), à la Galerie sans titre de Bruxelles
(2009) et au Musée Jan Cunen d’Oss (2008).
Elle a également participé à des expositions
collectives à la Biennale des jeunes artistes de
Bucharest (2008), à White Box à New-York
(2009), au Grimmuseum de Berlin (2010) et à
WIELS à Bruxelles (2010).
Cevdet Erek
Courtyard Ornamentation with Sounding
Dots and a Prison (COSDP) (2014) s’ins-
crit dans la continuité de la série Courtyard
Ornamentation with 4 Sounding Dots and a
Shade dont la plus récente manifestation a eu
lieu à la Biennale de Sharjah en 2013. Des en-
ceintes sont placées sur les murs entourant une
cour. Ce n’est que lorsque le visiteur trouve le
point sensible, sous une ombre au centre de
l’endroit, que tous les sons se combinent alors
pour former un rythme identifiable. Les sons
ont été produits par de vraies percussions, ce
qui dénote le désir de l’artiste de lier l’ « or-
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
pris à partie par les habitants de la planète. Le
film a été tourné en extérieur dans la province
de Sidi Ifni au Maroc et ses dialogues sont en
Tamazight, une langue berbère qui possède
son propre alphabet et n’a été que récemment
reconnue comme langue officielle au Maroc.
Dawood a travaillé avec des acteurs du Daba-
teatr, une troupe de théâtre basée à Rabat, et la
chorégraphe Salima Moumni.
Les œuvres de Dawood, qui vit et travaille
à Londres, ont été exposées internationale-
ment, notamment à la Tate Britain à Londres
(2009), à la 53
Biennale de Venise (2009) et
à la Biennale de Busan (2010). Ses récents pro-
jets incluent deux expositions solo à Modern
Art Oxford (2012) et Parasol Unit à Londres
(2014). En 2012, Dawood a été sélectionné
pour le Prix Jarman.
Hamid el Kanbouhi
Hamid el Kanbouhi (né en 1976) utilise
divers media pour transformer des éléments
ordinaires en mondes fantastiques et sensoriel-
lement stimulants, qui allient performances,
installations et peintures. Ces mondes émer-
gent de dessins dont la disposition spatiale
déstabilise souvent l’observateur, faisant du
spectateur passif un participant actif. A la de-
mande de la Biennale, el Kanbouhi créera une
nouvelle œuvre résultant d’un long séjour à
Marrakech, au cours duquel il a pu faire des
recherches et laisser son projet subir l’influence
du contexte et du public avec lequel il intera-
El Kanbouhi est un artiste hollando-ma-
rocain qui vit et travaille à Amsterdam. Il a
étudié à la Gerrit Rietveld Academie (2000–
2004). Ses expositions en solo ont été accueil-
lies par le Musée van Bommel van Dam à Ven-
lo (2005) et à la Galerie Nouvelles Images à la
Haye (2009). Il a participé à des expositions
collectives à la Rijksakademie à Amsterdam
(2010), au Palais royal d’Amsterdam (2011) et
à la Galerie Barbara Seiler à Zurich (2012).

tional Art Fair in Casablanca (2010) and her
work is held in the collections of HM the King
Mohammed VI and French President François
Hassaan Khan & Ibtesam Gazder
Hassaan Khan (b.1976) and Ibtesam
Gazder (b.1983) are multidisciplinary artists
seeking to pioneer contemporary artistic prac-
tice in their native Saudi Arabia and further
afield in the Arab world. Combining Gazder’s
artistic practice with Khan’s background in
engineering, the pair realize their artworks in
close collaboration.
Both Khan and Gazder were born in Jed-
dah and live and work in Saudi Arabia. Khan
received a BA in industrial engineering from
King Abdulaziz University (2004). He has
exhibited with Arabian Wings and at Dama
Art, Jeddah (2013). Gazder received a BA in
Islamic arts, also from King Abdulaziz Univer-
sity (2006). She has exhibited at Atelier Jed-
dah (2013); Dama Art, Jeddah (2013); and
the Jeddah Literary Cultural Club (2012).
Adriana Lara
Adriana Lara’s (b. 1978) practice de-em-
phasizes object making in favor of a concep-
tual reimagining of artistic production and the
exhibition space. Lara playfully turns her atten-
tion to artistic models in order to set up prob-
lems or situations for the viewer to reflect upon.
Her work at the Biennale is a continuation of
her series, Interesting Theories (since 2010).
In this series the artist creates a visual inter-
pretations theory. Each permutation, rendered
in video, sculpture, text, or painting, distorts
and combines the previous, creating a gener-
ative system that conceptually and materially
echoes the evolution of theory. In Morocco, a
new manifestation of Interesting Theories will
be woven into traditional Moroccan carpets.
Created in collaboration with local craftsmen,
these are destined to become a part of both
the art and carpet markets.
Lara is a Mexico City-based artist. She is
co-founder of the art production office Perros
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
what this term references and corresponds to.
Issa was born in Cairo. She lives and
works in Cairo and New York. Recent group
and solo exhibitions include KW Institute of
Contemporary Art, Berlin (2011); Material,
Rodeo, Istanbul (2011); SculptureCenter, New
York (2011); Contemporary Image Collective,
Cairo (2011); and New Museum, New York
(2012). Her video work has been screened at
Transmediale, Berlin; Tate Modern, London;
Spacex, Exeter; Open Eye Gallery, Liverpool;
and Bidoun Artists’ Cinema, Art Dubai, Dubai.
Ghita, Hiba, and Zaynab Khamlichi
Ghita Khamlichi (b. 1995), Hiba Kham-
lichi (b. 2000), and Zaynab Khamlichi (b.
1988) are young Moroccan women who have
been making art since childhood. For the Mar-
rakech Biennale Ghita stages a performance
that exemplifies her musical influences, which
range from Ray Charles and Miles Davis to
Sufi music. Her works embody the linkages
between the visible and invisible, and the re-
lationships between various forms of artistic
expression and perception. Hiba and Zaynab
present works from their extensive oeuvre.
Hiba’s meticulous ceiling paintings are aston-
ishing in their fluency and maturity, showing
an instinctive grasp of abstract expressionism.
Zaynab’s portrait of King Mohammed VI of
Morocco is an iconic work that draws from
the traditions of pop art. Together, these three
women reveal a bright future for art in the re-
The sisters were born in Rabat, where they
live and work. Ghita and Hiba were awarded
the Médaille d’or du mérite by CNM-UNES-
CO (2011) and received a special mention
from the jury of the International Sharjah
Biennial (2012). Hiba received first prize
in sculpture at the International Biennial of
Sharjah (2012); fifth prize at the UNESCO
International Visual Arts Competition (2013);
a bronze medal at the International Biennial
of Bangladesh (2013); and second prize at
the Space Foundation International Student Art
Contest. Zaynab has exhibited at the Interna-
Iman Issa
Iman Issa (née en 1979) réalise un travail
sous forme de séries qui génèrent du sens grâce
aux interactions qu’elles créent entre objets,
film et texte. L’œuvre sonore qu’elle présente à
la Biennale, The Revolutionary (2010), se base
sur un texte écrit par l’artiste. Cet écrit a été
converti en discours par un logiciel, afin de fa-
miliariser l’auditeur avec la biographie fictive
d’un révolutionnaire. L’objectif étant de cerner
ce que le terme de révolutionnaire désigne vé-
Issa est née au Caire. Elle vit et travaille
au Caire et à New York. Ses expositions in-
dividuelles ou collectives ont été accueillies
par l’Institut KW pour l’art contemporain
de Berlin (2011), Material, Rodeo à Istan-
bul (2011), le SculptureCenter de New-York
(2011), le Collectif Contemporary Image
au Caire (2011) et le New Museum à New-
York (2012). Ses vidéos ont été montrées à
la Transmediale de Berlin, à la Tate Modern
de Londres, au Spacex d’Exeter, à l’Open Eye
Gallery de Liverpool et au cinéma Bidoun Ar-
tists, Art Dubai, à Dubaï.
Ghita, Hiba, et Zaynab Khamlichi
Ghita Khamlichi (née en 1995), Hiba
Khamlichi (née en 2000), et Zaynab Khamlichi
(née en 1988) sont des jeunes femmes maro-
caines qui pratiquent l’art depuis leur enfance.
Pour la Biennale de Marrakech, Ghita met
en scène une performance qui illustre ses in-
fluences musicales, qui vont de Ray Charles à
Miles Davis en passant par la musique soufie.
Ses œuvres incarnent les liens entre le visible
et l’invisible, ainsi que les relations entre diffé-
rentes formes d’expression et de perception ar-
tistiques. Hiba et Zaynab présentent plusieurs
pièces issues de leur importante production.
Les peintures méticuleuses qu’Hiba réalise
sur des plafonds étonnent par leur aisance et
leur maturité, prouvant la maîtrise instinctive
de l’expressionnisme abstrait par l’artiste. Les
portraits du Roi Mohammed VI du Maroc,
réalisés par Zaynab, constituent un travail ico-
nique qui s’inspire des traditions du Pop Art.
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
nementation auditive » à une ornementation
visuelle produite à la main, alors que les mots
prononcés deviennent comme un texte cal-
ligraphié qui entretient une relation géomé-
trique avec la ponctuation des percussions. Le
travail se poursuit dans la prison, où l’orne-
mentation n’est plus seulement basée sur des
rythmes musicaux.
Erek vit et travaille à Istanbul. Il a partici-
pé à la Biennale d’Istanbul (2003 et 2011), à
la dOCUMENTA (13) de Kassel (2012), et il
a présenté une exposition en solo à la Kuns-
thalle Basel (2012). Erek a reçu le Prix Nam
June Paik (2012). Il a enseigné au Conserva-
toire national de musique turc d’ITU et a diri-
gé un studio à la Faculté d’architecture d’ITU
jusqu’à récemment.
Hamza Halloubi
Hamza Halloubi (né en 1982) travaille à
partir d’une large gamme de supports compre-
nant la vidéo, la photographie et la sculpture
pour explorer la grammaire et la sémantique
du langage et du cinéma. Sa connaissance per-
sonnelle de l’immigration est souvent un point
de départ pour partager expérience et théorie à
travers le geste, le mouvement et le récit. Dans
son important film To Leave (2011–2012),
l’artiste place le spectateur dans la position
d’une personne quittant un parent. Partant
d’un portrait rapproché, la caméra s’éloigne
de façon continue jusqu’à révéler une rue as-
sombrie de Tanger, créant une représentation
poignante du processus de migration qui mêle
fiction et documentaire.
Halloubi est né à Tanger. Aujourd’hui, il
vit et travaille à Tanger et à Bruxelles. Ses ex-
positions en solo se sont tenues à BOZAR, le
Palais des Beaux-Arts de Bruxelles (2013) et au
Kiosk à Ghent (2014). Il a participé à des ex-
positions collectives lors du 4
Festival de la
vidéo du Caire (2010), de la 6
Biennale Mo-
mentum de Moss (2011), au Centre Georges
Pompidou à Paris (2011) et au Kunstenfestival
à Watou (2012).
uncomfortable scenes in which bald, mid-
dle-aged men engage in absurd scenarios that
fuse playfulness with violence and perversity.
Madani’s paintings are powerful meditations
on the tension between the stereotypical and
the iconic. For the Biennale Madani, has com-
pleted a new commission of animations based
on a research period spent in various cities
around Morocco.
Madani was born in Iran and now lives
and works in Los Angeles. She holds an MFA
from Yale University School of Art. Recent
solo exhibitions include Stedelijk Museum
Bureau, Amsterdam (2011) and Moderna
Museet, Malmo and Stockholm (2013). She
has participated in group exhibitions at New
Museum, New York (2009); MoMA PS1, New
York (2010); Museum De Hallen, Amsterdam
(2011); the 56
Venice Biennale (2011); and
Artpace, San Antonio (2013). Madani was
awarded the Catherine Doctorow Prize for
Contemporary Painting (2013) and the De
Volkskrant Art Award (2012).
Saud Mahjoub
Saud Mahjoub (b.1957) is a photogra-
pher, whose work has developed into both an
artistic and commercial practice. His expres-
sionistic and abstract photographs are influ-
enced by surrealism and conceptual photogra-
phy. He has been instrumental in establishing
contemporary photography in Saudi Arabia.
Mahjoub was born in Makkah. He re-
ceived a BA in landscape architecture from
King Abdulaziz University. He is the former
chairman of Saudi Photographers’ House,
past coordinator for the International Feder-
ation of Photographic Art (FIAP), and former
head of the photography branch of the Culture
and Arts Society in Jeddah. He is currently rep-
resented by Arabian Wings.
Randa Maroufi
Randa Maroufi’s (b.1987) multi-discipli-
nary practice is rooted in political issues, with
a primary concern in gender studies. Her work
takes the form of film, video, photography, in-
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
Negros. Solo exhibitions of her work include
Kunsthalle Basel (2012) and Algus Green-
spon, New York (2012–2013). The artist has
been in numerous group exhibitions including
Palais de Tokyo, Paris (2003) and dOCUMEN-
TA (13), Kassel (2012). Lara is editor-in-chief
of Pazmaker, an art quarterly published in
Mexico City.
Gabriel Lester
Gabriel Lester’s (b. 1972) films, performanc-
es, and installations originate from a desire
to tell stories and construct environments. His
work proposes ways to relate to the world,
how it is presented, and what mechanisms
and components constitute our perception and
understanding of it. By dissecting, editing,
cutting up, repositioning, and forcing perspec-
tive, Lester’s artworks suggest both rational
consciousness, as well as associative magic
thought. In Marrakech, the artist presents a
theatrical display of disembodied musicians
and performers in Dar Si Said, an old hand-
icrafts museum. The work activates those rit-
uals petrified in the museum’s many vitrines,
problematizing the role of such institutions in
the context of North African oral and musical
Lester lives and works in Amsterdam. He
was a resident artist at the Rijksakademie, Am-
sterdam (1999–2000). Lester has exhibited
internationally at the 29th Sao Paulo Biennial
(2010); SALT, Istanbul (2011); dOCUMEN-
TA (13), Kassel (2012); Performa, New York
(2013); the 55
Venice Biennale (2013); and
the 11
Sharjah Biennial (2013).
Tala Madani
Tala Madani’s (b.1981) painting is char-
acterized by loose, expressive brushwork
rendered in a bold, distinctive palette. Rich in
narrative and heavy in irony, Madani’s works
depict darkly comic mise-en-scènes. While
her more abstract large-scale paintings usu-
ally contain a group or collective, Madani’s
more descriptive and intimately scaled paint-
ings and painterly video animations depict
l’espace d’exposition. Lara s’intéresse, de fa-
çon ludique, à des modèles artistiques afin de
révéler des problèmes et des situations aux-
quels le spectateur pourra réfléchir. Sa contri-
bution à la Biennale s’inscrit dans la continuité
de sa série Interesting Theories (depuis 2010).
Dans cette série, l’artiste crée une théorie des
interprétations visuelles. Chaque permutation,
montrée au travers de la vidéo, de la sculpture,
du texte ou de la peinture, travestit et réutilise
celle qui l’a précédée, ce qui crée un système
génératif qui fait écho, conceptuellement et
matériellement, à la théorie de l’évolution. Au
Maroc, une nouvelle manifestation d’Interes-
ting Theories sera tissée dans des tapis maro-
cains traditionnels. Réalisés en collaboration
avec des artisans régionaux, ceux-ci sont des-
tinés à circuler sur le marché de l’art et sur le
marché des tapis.
Lara vit à Mexico. Elle est cofondatrice du
bureau de production artistique Perros Negros.
Ses œuvres ont été exposées à la Kunsthalle de
Bâle (2012) et à la galerie Algus Greenspon à
New-York (2012–2013). Elle a participé à de
nombreuses expositions collectives, notam-
ment au Palais de Tokyo à Paris (2003) et à
dOCUMENTA (13) à Kassel (2012). Lara est
rédactrice en chef de Pazmaker, un magazine
d’art trimestriel publié à Mexico.
Gabriel Lester
Les films, performances et installations
de Gabriel Lester (né en 1972) naissent du
désir de raconter des histoires et de bâtir des
environnements. Son travail offre des moyens
d’entrer en relation avec le monde, de sai-
sir comment il est présenté, et quels sont les
mécanismes et éléments qui composent notre
perception et notre compréhension de celui-ci.
En disséquant, éditant, coupant, réorganisant
et en imposant une perspective, les œuvres de
Lester évoquent à la fois la conscience ration-
nelle et la pensée magique. A Marrakech, l’ar-
tiste présente une représentation théâtrale de
musiciens et d’interprètes désincarnés à Dar Si
Said, un vieux musée de l’artisanat. L’œuvre
fait revivre ces rituels pétrifiés dans les nom-
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
Ensemble, ces trois femmes promettent, à l’art
dans la région, un brillant avenir.
Les sœurs sont nées à Rabat, où elles
vivent et travaillent. Ghita et Hiba ont reçu
la Médaille d’or du mérite, décernée par
CNM-UNESCO (2011) et une mention spé-
ciale du jury de la Biennale internationale de
Sharjah (2012). Hiba a reçu le premier prix de
sculpture à la Biennale Internationale de Shar-
jah (2012), le cinquième prix à la Compétition
Internationale d’Arts Visuels de l’UNESCO
(2013), une médaille de bronze à la Biennale
Internationale de Sharjah (2013) ainsi que le
second prix au Concours International pour
Etudiants en Art de la Space Foundation. Le
travail de Zaynab a été exposé à la Foire inter-
nationale de l’art de Casablanca (2010) et fait
partie des collections du Roi Mohammed VI et
du président français François Hollande.
Hassaan Khan & Ibtesam Gazder
Hassaan Khan (né en 1976) et Ibtesam Ga-
zder (née en 1983) sont des artistes pluridisci-
plinaires qui cherchent à innover en matière de
pratique artistique contemporaine, dans leur
pays natal, l’Arabie Saoudite, et dans le reste
du monde arabe. Associant le travail artistique
de Gazder à la formation d’ingénieur de Khan,
le duo réalise ses œuvres en étroite collabora-
Nés tous deux à Djedda, Khan et Gaz-
der vivent et travaillent en Arabie Saoudite.
Khan possède une licence en génie industriel
de l’Université du Roi Abdulaziz (2004). Il a
participé à des expositions aux centres d’art
Arabian Wings et Dama Art à Djedda (2013).
Gazder possède une licence en Arts islamiques
de l’Université du Roi Abdulaziz (2006). Son
travail a été montré à l’Atelier Djedda (2013),
à Dama Art à Djedda (2013) et au Jeddah Li-
terary Cultural Club (2012).

Adriana Lara
Le travail d’Adriana Lara (née en 1978)
réduit l’importance de la fabrication d’objets
au profit d’une nouvelle mise en imagination
conceptuelle de la production artistique et de
scholar and writer, and MJA Nashir (b.1973),
a Javanese artist, have been working togeth-
er since 2010. Their film Rangsa ni Tonun
(2013) explores Batak weaving (North Suma-
tra, Indonesia) as seen through the eyes of a
nineteenth-century shaman. The text on which
the film is based, part myth, part legend, be-
longed to the oral repertory of a Batak guru.
It describes each step in the production of a
Batak textile. The description closes with a
reference to Si Boru Hasagian, the first Batak
weaver from whom all Batak weavers are be-
lieved to be descended. The theme song of the
film is a forgotten, traditional Batak weaving
song. The film was repatriated to North Suma-
tra in September 2013.
Niessen holds a PhD in anthropology from
the University of Leiden, Netherlands, and has
spent years conducting fieldwork in Indonesia,
Mexico, and Thailand. Her areas of research
include Indonesian textiles, and non-Western
craft and fashion. One of her recent publica-
tions includes Legacy in Cloth: Batak textiles of
Indonesia (2009). She has worked as an as-
sociate professor at the University van Alberta
(1992-2003) and curator and a lecturer at the
Museum of Anthropology, University of British
Columbia, Vancouver.
Walid Raad
Walid Raad’s (b. 1967) ongoing pro-
ject Scratching on Things I Could Disavow
focuses on the creation and expansion of art
museums, galleries, schools, and cultural foun-
dations in the Middle East, particularly in cities
like Abu Dhabi, Doha, Beirut, and Cairo. In-
trigued by the increased visibility of the mak-
ers, sponsors, consumers, and interpreters of
“Arab art,” and by the recent acceleration of
this development in the Middle East, the artist
explores his ideological, economic, political,
and aesthetic dimensions through photogra-
phy, sculpture, video, and installation. Raad’s
works presented in the Biennale complement
his continued grappling with the causes and
implications of the emergence of these new
infrastructures for the arts in the Arab world.
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
stallation, performance, and sound. Her se-
ries, Reconstitutions (2013) takes its cue from
the aesthetic of the cinematic image, meditat-
ing upon the fictionalization of the real.
Born in Casablanca, Maroufi now lives and
works between Lille and Tangier. She studied
at Institut national des beaux-arts de Tétouan,
École supérieure des beaux-arts d’Angers and
Le Fresnoy - Studio national des arts contem-
porains. She has exhibited in group shows
including Salons Curnonsky, Angers (2012);
Galerie de l’Angle, Paris (2013); and the Bi-
ennale of Young Artists, Houilles (2014).
Agnes Meyer-Brandis
Agnes Meyer-Brandis (b.1973) is an artist
whose practice confronts poetics with nano-
technology, fluid dynamics research, and me-
teorology. Working to “prove,” test, or explore
the fictive, Meyer-Brandis blends humor with
sincerity as she conducts experiments later pre-
sented as films, installations, and lectures. Her
commission for the Marrakech Biennale, 42 -
The Large METEOR T-R-A-P (Terrestrial-Rerout-
ing-Array-Pad) (2014), is an instrument and
sculpture installed outside the city. An array of
spiral antennae, presumably extending deep
below the earth’s surface, creates a magnetic
hole in the earth’s atmosphere. Passing mete-
ors attracted to the antennae are caught and
fall down the magnetic hole. The project aims
to implant a story into the memory of a city,
exploring the relationship between scientific
models of knowledge and the methods of sto-
rytelling that inform our perceptions of reality.
Meyer-Brandis lives and works in Berlin.
She is the founder of Forschungsfloss FFUR /
Research Raft for Subterranean Reefology. She
has exhibited at FACT – Foundation for Art
and Creative Technology, Liverpool (2011);
California Museum of Photography, Los An-
geles (2013); and Hamburger Bahnhof, Berlin
Sandra Niessen
Sandra Niessen (b.1954), a Canadi-
an-Dutch anthropologist and independent
Prix De Volkskrant pour l’art (2012).
Saud Mahjoub
Saud Mahjoub (né en 1957) est un pho-
tographe dont le travail a évolué tant vers
une pratique artistique que commerciale. Ses
photographies expressionnistes et abstraites
sont influencées par le surréalisme et la pho-
tographie conceptuelle. Il a joué un rôle déter-
minant dans l’émergence de la photographie
contemporaine en Arabie Saoudite.
Mahjoub est né à la Mecque. Il est diplômé
de l’Université du Roi Abdulaziz, avec une li-
cence en architecture du paysage. Il est l’ancien
directeur de la Maison des photographes saou-
diens, l’ancien coordinateur de la Fédération
internationale de la photographie d’art (FIAP)
et l’ancien chef du département de photogra-
phie de la Société pour la culture et les arts à
Djeddah. Son travail est actuellement promu
par Arabian Wings.
Randa Maroufi
Le travail pluridisciplinaire de Randa Ma-
roufi (née en 1987) est alimenté par des préoc-
cupations politiques, et s’intéresse en priorité
aux études de genre. Ses œuvres se présentent
sous la forme de films, de vidéos, de photogra-
phies, d’installations, de performances et de
sons. Sa série Reconstitutions (2013) s’inspire
de l’esthétique de l’image cinématographique,
initiant une méditation sur la transformation
du réel par la fiction.
Née à Casablanca, Maroufi vit et travaille
aujourd’hui à Lille et à Tanger. Elle a étudié à
l’Institut national des beaux-arts de Tétouan,
à l’Ecole supérieure des beaux-arts d’Angers et
au Fresnoy – Studio national des arts contem-
porains. Elle a participé à des expositions col-
lectives, notamment aux Salons Curnonsky à
Angers (2012), à la Galerie de l’Angle à Paris
(2013) et à la Biennale des jeunes artistes de
Houilles (2014).
Agnes Meyer-Brandis
Agnès Meyer-Brandis (née en 1973) est
une artiste dont le travail met en face à face la
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
breuses vitrines du musée, questionnant le rôle
d’institutions comme celle-ci par rapport aux
traditions orales et musicales de l’Afrique du
Lester vit et travaille à Amsterdam. Il a été
en résidence à la Rijksakademie d’Amsterdam
(1999–2000). Son travail a été exposé à la
Biennale de Sao Paulo (2010), à Perfor-
ma New-York (2013), à la 55
Biennale de
Venise (2013) et la 11
Biennale de Sharjah
Tala Madani
La peinture de Tala Madani (née en 1981)
se caractérise par un trait de pinceau fluide
et expressif, s’imprégnant de couleurs fortes
et originales. Fortement narratives et riches
en ironie, les œuvres de Madani donnent à
voir des mises en scène à l’humour noir. Si ses
grandes toiles les plus abstraites contiennent
en général un groupe ou un collectif, Madani
produit aussi des toiles à échelle plus intime,
plus réalistes, ainsi que des animations vidéo
picturales qui montrent des scènes pénibles
dans lesquelles des hommes chauves d’âge
moyen participent à des scénarios absurdes
mêlant, de façon ludique, la violence et la per-
versité. Les peintures de Madani constituent
de puissantes méditations sur la tension qui
existe entre les stéréotypes et les icônes. A l’in-
vitation de la Biennale, Madani a réalisé des
animations après une période de recherche
passée dans diverses villes du Maroc.
Madani est née en Iran. Aujourd’hui, elle
vit et travaille à Los Angeles. Elle a obtenu un
Master en arts de l’École d’art de l’Universi-
té de Yale. Ses dernières expositions en solo
se sont tenues au Stedelijk Museum Bureau à
Amsterdam (2011) et au Moderna Museet à
Malmö et Stockholm (2013). Elle a participé
à des expositions collectives au New Museum
à New-York (2009), au MoMA PS1 de New-
York (2010), au Musée De Hallen à Ams-
terdam (2011), à la 56
Biennale de Venise
(2011) et à l’Artpace de San Antonio (2013).
Madani a reçu le Prix Catherine Doctorow
pour la peinture contemporaine (2013) et le
background and her role as a contemporary
artist. For the Biennale, she presents Teaching
as an Adolescent (2014), a collaborative per-
formance in which she will remain in a hotel
room for the opening week of the exhibition.
There she will lead students in a seminar dis-
cussing literature, writing, and experimental
pedagogy. These sessions will be streamed
live to venues around the Biennale. The group
Teaching as an adolescent has previously ex-
hibited at Forde, Geneva (2012) and Consor-
tium, Dijon (2013).
Reynaud-Dewar teaches at Haute école
d’art et de design de Genève and is the
co-founder of Petunia. She has participated
in group exhibitions at the Berlin Biennial
(2008); Centre Pompidou, Paris (2009); Witte
de With, Rotterdam (2011 & 2010), and Stu-
dio Museum Harlem (2013). Her solo exhi-
bitions and projects include Kunsthalle Basel
(2010); Karma International, Zurich (2012);
Frieze Projects, London (2013); and Belve-
dere, Vienna (2013).
Pamela Rosenkranz
Pamela Rosenkranz (b. 1979) investigates
the systems by which people give meaning to
the natural world, reflecting on our need to
anthropomorphize and construct metaphors to
navigate our environment. She uses an under-
standing of “non-identity” as a methodology
to eschew identity politics, which to her have
become suspect through marketing strategies
and consumption. Rosenkranz’s site-specific in-
stallation for the Biennale, Clean Eyes (2014),
continues her research into the corporatization
of water thorough a reading of the history of
the color blue. The color of the sky by pro-
cess of light refracted from the oceans, blue
is the pigment that our eye can perceive more
shades of than any other.
Rosenkranz lives and works in Amsterdam
and New York. She has shown internationally
in solo shows at Centre d’Art Contemporain,
Geneva (2010); Swiss Institute, New York
(2011); and Kunsthalle Basel (2012); as well
as in group shows at the 5
Berlin Biennial
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
Raad was born in Lebanon and now lives
and works in Beirut and New York. He holds
a PhD in Visual and Cultural Studies from the
University of Rochester and is associate profes-
sor of art at The Cooper Union in New York. In
2010 he was awarded the Hasselblad Award.
He has exhibited internationally, including
at Whitechapel Gallery, London (2010) and
dOCUMENTA (11) and (13), Kassel (2002 &
Younes Rahmoun
Younes Rahmoun (b.1975) is a multidisci-
plinary artist whose works evoke his personal
universe, one connected to Sufi philosophy
and practice. Bringing local craft to bear on
new technology, his works seek a vocabulary
to translate the transcendental into the tangi-
ble. A universality of address is thus a cen-
tral aim. Often repetition, incantation, and
references to meditation are strategies used to
create a spiritual and visceral response in the
Rahmoun was born in Tétouan, where
he lives and works. He trained at the Institut
national des beaux-arts, Tétouan (1998) and
the Lycée Technique Moulay Youssef, Tangier
(1994). He has exhibited in solo and group
shows internationally, including L’appartement
22, Rabat (2011); Palais de Tokyo, Paris
(2012); Musée d’Art Contemporain, Marseille
(2013); La Cunsthale, Mulhouse (2013); and
MACBA, Barcelona (2014).
Lili Reynaud-Dewar with Dorine
Aguerre, Chloé Delarue, Camille Dumont,
Lou Masduraud, Lea Meier, Nastasia
Meyrat, and Laura Vaissade
Lili Reynaud-Dewar (b. 1975) combines
performance, video, and sculpture to produce
projects that involve her friends and family,
students, and her own body. Confronting her
biography and practice with the legacy of
emblematic figures, such as dancer Josephine
Baker, musician Sun Ra, and writers Jean
Genet and Guillaume Dustan, Reynaud-De-
war disrupts the expectations related to her
que chantent traditionnellement les tisseurs.
Le film a été ramené dans le Nord de Sumatra
en septembre 2013.
Niessen est docteur en anthropologie, di-
plômée de l’Université de Leiden, aux Pays-
Bas. Elle a passé des années à travailler sur le
terrain en Indonésie, au Mexique et en Thaï-
lande. Son domaine de recherche comprend
les textiles indonésiens ainsi que la mode et
l’artisanat non-occidentaux. Récemment, elle
a publié Legacy in Cloth: Batak textiles of In-
donesia (2009). Elle a été professeur adjointe à
l’Université de van Alberta (1992-2003), com-
missaire et conférencière au Musée d’anthro-
pologie de l’Université de British Columbia à
Walid Raad
L’actuel projet de Walid Raad (né en 1967),
intitulé Scratching on Things I Could Disa-
vow, examine la création et la multiplication
des musées, galeries et écoles d’art ainsi que
des fondations culturelles au Moyen-Orient, en
particulier dans des villes comme Abou Dhabi,
Doha, Beyrouth et Le Caire. Intrigué par la vi-
sibilité croissante des fabricants, des sponsors,
des consommateurs et des interprètes de “l’art
arabe” ainsi que par les récentes accélérations
de ce développement au Moyen-Orient, l’ar-
tiste explore leurs dimensions idéologique,
économique, politique et esthétique au tra-
vers de photographies, sculptures, vidéos et
installations. Le travail de Raad présenté à la
Biennale vient compléter ses incessantes tenta-
tives pour saisir les causes et conséquences de
l’émergence de ces nouvelles structures dédiées
aux arts dans le monde arabe.
Raad est né au Liban. Il vit et travaille au-
jourd’hui à Beyrouth et New-York. Il a obtenu
une thèse d’Études visuelles et culturelles de
l’Université de Rochester et est professeur ad-
joint d’art au Cooper Union de New-York. En
2010, il a reçu le Prix Hasselblad. Ses œuvres
ont été exposées [au niveau international, y
compris] à la Galerie Whitechapel à Londres
(2010) et à la dOCUMENTA (11) et (13) à
Kassel (2002 & 2012).
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
poésie avec les nanotechnologies, la recherche
en mécanique des fluides et la météorologie.
Cherchant à “prouver”, tester et explorer le
fictif, Meyer-Brandis marie l’humour à la sin-
cérité au fil des expériences qu’elle conduit, et
qui seront ensuite présentées sous la forme de
films, d’installations et de conférences. Pour la
Biennale de Marrakech, elle a réalisé 42 - The
Large METEOR T-R-A-P (Terrestrial-Rerou-
ting-Array-Pad) (2014), à la fois instrument
et sculpture, qui est installé à l’extérieur de la
ville. Un ensemble d’antennes en spirale, qui
se prolonge vraisemblablement sous la surface
de la terre et crée un trou magnétique dans
l’atmosphère terrestre. Les météores passant
à proximité sont attirés par les antennes et
tombent dans le trou magnétique. Le projet
vise à inscrire une histoire dans la mémoire
d’une ville, en explorant la relation existante
entre les modèles de connaissance scientifique
et les méthodes de narration qui orientent nos
perceptions de la réalité.
Meyer-Brandis vit et travaille à Berlin. Elle
est la fondatrice de Forschungsfloss FFUR /
Radeau de recherche en récifologie souter-
raine. Ses œuvres ont été exposées à la FACT
– Foundation for Art and Creative Technolog
de Liverpool (2011), au California Museum
of Photography à Los Angeles (2013), et au
Hamburger Bahnhof à Berlin (2013–2014).
Sandra Niessen
Sandra Niessen (née en 1954) est une
anthropologue, écrivaine et chercheuse indé-
pendante d’origine hollando-canadienne. Elle
travaille avec MJA Nashir (né en 1973), un ar-
tiste javanais, depuis 2010. Leur film Rangsa
ni Tonun (2013) s’intéresse à l’art du tissage
batak (Sumatra du nord, Indonésie) à travers
le regard d’un chaman du XIX
siècle. A la
fois mythologique et légendaire, le texte dont
s’inspire le film appartient au répertoire oral
d’un gourou batak. La description se termine
en faisant référence à Si Boru Hasagian, le
premier tisseur batak dont l’histoire veut que
soient issus tous les tisseurs batak. La chan-
son principale du film est une chanson oubliée,
new, fictional landscapes. The project invites
the audience to rediscover their environment
through the experience of listening.
Raimondo has participated in international
exhibitions and festivals, including Transmedi-
ale, Berlin (2013). She creates radiophonic
works for broadcast; her curatorial projects,
which focus on sound and radio art, have
been presented in different venues, including
the Victoria and Albert Museum, London.
Baba-Ali lives and works in Brussels
and Casablanca. He graduated from Ecole
supérieure d’art d’Aix-en-Provence (2011).
He was recently awarded the Léopold Sédar
Senghor prize at the 10
Dak’Art - Biennial of
Contemporary African Art (2012).
JG Thirlwell
JG Thirlwell is an Australian composer,
producer, and performer based in Brooklyn.
His catalogue is extensive, and he has worked
under many pseudonyms including Foetus,
Steroid Maximus, Manorexia, Baby Zizanie,
and Wiseblood. He has also collaborated
with Kronos Quartet, LEMUR, and Bang On
a Can. Thirlwell performs with a chamber en-
semble version of his Manorexia project. He
scores the television show The Venture Brothers
on Adult Swim/Cartoon Network.
Eric van Hove
Eric van Hove (b.1975) is a nomadic artist
whose work is committed to creating links be-
tween local and global issues. In Marrakech,
he presents V12 Laraki (2013), the conclusion
of nine months of work. V12 Laraki is a repli-
ca of the Mercedes-Benz V12 engine used by
Abdeslam Laraki in the Laraki Fulgara, Moroc-
co’s first high-performance luxury car. Laraki
had hoped to manufacture the car entirely in
Morocco but was forced to import its engine
from Germany. V12 Laraki brings the dream
of a Moroccan-made engine full circle. Each
of its 465 components were handcrafted in 53
traditional materials, including ceramic, bone,
tin, goatskin, and terracotta, by 57 Moroccan
artisans. Both the V12 Mercedes-Benz and the
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
(2008); Manifesta 7, Rovetero (2008); and
Tate Britain, London (2010).
Khaled Sabsabi
Khaled Sabsabi’s (b. 1965) site-specific,
multimedia installations present intensively me-
diated experiences that explore processes of
“routine” and their ability to distill time. His
work creates spaces that engage the certain-
ties of the physical and the individual with the
uncertainties of emotion. His new commission
70,000 Veils (2014) examines the complex-
ity of religion and spirituality in the digital
era. Based on Sufi understandings of light,
and the Prophet Mohammed’s (PBUH) teach-
ing that there are 70,000 veils of light and
darkness separating the individual from the di-
vine, this video meditates on the role of light as
metaphorical and physical presence, hinting
at that which lies beyond the imagination.
Sabsabi was a recipient of the Australia
Council for the Arts Fellowship and the prestig-
ious 60th annual Blake Prize. He has had solo
exhibitions at Casula Powerhouse Arts Centre,
Sydney (2005); Campbelltown Arts Centre,
Sydney (2007); Artspace Sydney (2012); and
has participated in group exhibitions includ-
ing the 11
Sharjah Biennale (2013); the 9
Shanghai Biennale (2012); and the 18
nale of Sydney (2012).
Saout Radio
Saout Radio is a web-radio platform that
explores radiophonic and sound art practic-
es with a focus on the Maghreb, Africa, and
the Middle East. The project was founded by
artists Younes Baba-Ali (b.1986) and Anna
Raimondo (b.1981) with the aim of creating
a south-south dialogue. Here. Now. Where?
(2014) is a sonic urban ambulation installed in
taxis around Marrakech during the first week
of the Biennale. The content for the project
has been generated through a combination of
open call and commissioned pieces, building
a collection of soundscapes from different sen-
sibilities, languages, and formats. These sonic
works refer to physical places but also create
des étudiants sur la littérature, l’écriture et la
pédagogie expérimentale. Ces sessions seront
retransmises en direct dans différents lieux de
la Biennale. Le groupe Enseigner comme une
adolescente a précédemment exposé à l’espace
Forde à Genève (2012) et au Consortium de
Dijon (2013).
Reynaud-Dewar enseigne à la Haute école
d’art et de design de Genève et est la co-fonda-
trice de Petunia. Elle a participé à des exposi-
tions de groupe à la Biennale de Berlin (2008),
au Centre Georges Pompidou à Paris (2009), à
Witte de With à Rotterdam (2011 & 2010) et
au Studio Museum Harlem (2013). Ses exposi-
tions et ses projets individuels ont été montrés
au Kunsthalle de Bâle (2010), à la Karma In-
ternational de Zurich (2012), à Frieze Projects
à Londres (2013) et au Belvedere de Vienne
Pamela Rosenkranz
Pamela Rosenkranz (née en 1979) étu-
die les systèmes qui permettent aux gens de
donner un sens à la nature, en élaborant une
réflexion sur notre besoin d’anthropomor-
phisme et notre tendance à avoir recours à des
métaphores pour explorer notre environne-
ment. Elle se sert de sa compréhension de la
« non-identité » comme d’une méthodologie
afin d’éviter les politiques identitaires que les
stratégies marketing et la consommation ont
rendues suspectes. L’installation in situ que
Rosenkranz a réalisée pour la Biennale, Clean
Eyes (2014), prolonge ses recherches sur la
privatisation de l’eau à travers une lecture de
l’histoire de la couleur bleue, qui est aussi la
couleur du ciel en raison du processus de ré-
flexion de la lumière sur la surface des océans.
De tous les pigments, le bleu est celui dont
l’œil humain perçoit le plus de nuances.
Rosenkranz vit et travaille à Amsterdam et
New-York. Ses œuvres ont été montrées inter-
nationalement, lors d’expositions en solo au
Centre d’art contemporain de Genève (2010),
à l’Institut suisse de New-York (2011) et au
Kunsthalle de Bâle (2012), ainsi que d’expo-
sitions collectives à la 5
Biennale de Berlin
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
Younes Rahmoun
Younes Rahmoun (né en 1975) est un ar-
tiste pluridisciplinaire dont le travail évoque
un univers personnel qui entretient des liens
avec la philosophie et la pratique soufies. En
amenant l’artisanat local à s’appuyer sur de
nouvelles technologies, son travail cherche un
vocabulaire qui traduise le transcendantal en
formes tangibles. Atteindre l’universel en est
donc l’un des objectifs principaux. Souvent la
répétition, l’incantation et les références à la
méditation sont des stratégies employées pour
créer, chez le spectateur, une réaction spiri-
tuelle et viscérale.
Rahmoun est né à Tétouan, où il vit et
travaille. Il a été formé à l’Institut national
des beaux-arts de Tétouan (1998) et au Lycée
technique Moulay Youssef à Tanger (1994).
Il a participé à des expositions individuelles
et de groupe au niveau international, notam-
ment à L’appartement 22 à Rabat (2011), au
Palais de Tokyo à Paris (2012), au Musée
d’Art Contemporain de Marseille (2013), à La
Cunsthale de Mulhouse (2013) et au MACBA,
Barcelone (2014).
Lili Reynaud-Dewar avec Dorine
Aguerre, Chloé Delarue, Camille Dumont,
Lou Masduraud, Lea Meier, Nastasia
Meyrat, Laura Vaissade
Lili Reynaud-Dewar (née en 1975) allie
la performance, la vidéo et la sculpture pour
réaliser des projets qui impliquent ses amis et
sa famille, ses étudiants ainsi que son propre
corps. Confrontant l’histoire de sa vie et de
son art à l’héritage de personnalités embléma-
tiques comme la danseuse Joséphine Baker, le
musicien Sun Ra et les écrivains Jean Genet et
Guillaume Dustan, Reynaud-Dewar bouscule
les attentes attachées à sa formation et à son
rôle en tant qu’artiste contemporaine. Pour la
Biennale, elle présente Enseigner comme une
adolescente (2014), une performance collec-
tive dans laquelle elle restera dans une chambre
d’hôtel pendant toute la semaine d’ouverture
de l’exposition. Là, elle mènera un débat avec
museum, Westerwald (2013).
Asim Waqif
References to ecology and anthropology
weave through the work of Asim Waqif (b.
1978). These concerns are born of extensive
research on vernacular systems of ecological
management, especially with respect to water,
waste, and architecture. Waqif’s artworks em-
ploy manual processes that are deliberately
painstaking and laborious, while the products
are often temporary and sometimes even de-
signed to decay. His recent large-scale inter-
active installations combine traditional and
new media technologies. For the Biennale,
Waqif stages an architectural intervention at
the Palais Badii. This work follows from his cur-
rent projects that attempt a crossover between
architecture, art, and design, with a strong
contextual reference to contemporary urban
design and the politics of occupying, interven-
ing in, and using public spaces.
Waqif was born in Hyderabad, and he
studied architecture at the School of Planning
and Architecture in Delhi, where he now lives
and works. He has exhibited in solo shows in-
ternationally, most recently at Palais de Tokyo,
Paris (2012) and in group shows at Project
88, Mumbai (2010); Lalit Kala Academi, Delhi
(2010 & 2011); Nature Morte, Berlin (2011);
and Rosenfeld Gallery, Tel Aviv (2012).
Patrick Wokmeni
Patrick Wokmeni’s (b.1985) photographs
are linked directly to his homeland of post-co-
lonial Cameroon, and the migratory routes
and dead ends faced by his friends and fellow
Cameroonians. Wokmeni grew up in New
Bell, a busy neighborhood in Douala, where
he roams the streets at night photographing
alternative cultures in post-independent Came-
roon. He is a flâneur, and Beautiful New Bell
(2006) bears witness to beauty and sadness
in the city’s debauchery, decay, and social cri-
sis. His snapshot photography is democratic
in its treatment of its subjects, leveling each to
the status of human. Wokmeni’s most recent
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
V12 Laraki are equal if nontransferable prod-
ucts of human excellence—the former of a hun-
dred years of Western engineering, the latter
of a thousand years of Moroccan heritage.
Van Hove was born in Algeria but grew
up in Cameroon and lives regularly in Japan.
Solo exhibitions include Institut supérieur du
langage plastique, Brussels (2010); CCC,
Tours (2013); and STUK Kunstencentrum, Leu-
ven (2014). Group exhibitions include Van
Abbemuseum, Eindhoven (2007); National
Museum of Algiers (2009); BOZAR Muse-
um, Brussels (2010); La Maison Rouge, Paris
(2013); and MUDAM, Luxembourg (2015).
Anne Verhoijsen
In videos, performances, and interactive
installations, Anne Verhoijsen (b. 1951) in-
terweaves fragmentary impressions into nar-
ratives that explore the formation of identity
and power of the imagination. The result of
long-term investigations, her films piece togeth-
er interviews with individuals from all walks of
life, her gentle but insistent line of questioning
revealing intimate human stories and exposing
broader issues. In Visions of Paradise (2008)
the artist presents a series of short interviews
around Adam and Eve’s expulsion from Para-
dise. Speaking with Christians, Muslims, and
atheists, the film features Verhoijsen’s relatives
in the Netherlands, then moves outward to in-
dividuals in Lebanon, Bosnia, and eventually
Morocco. Through seemingly innocent ques-
tions her subjects discuss the core aspects of
the creation story: disobedience and freedom
of choice. The return of the work to Morocco
allows those who took part to reconnect with
the project and the visions they generously
Verhoijsen works and lives in the Nether-
lands. She was educated in social pedagogy
and pursued a career in social work before
studying art at the Sandberg Institute in Am-
sterdam (2000–2002). Verhoijsen has exhib-
ited internationally at Textile Museum, Tilburg
(2002); Women’s Art Festival, Syria (2004);
World Expo, Shanghai (2010); and Keramik-
jusqu’à ce que soit rassemblée une collection
de paysages sonores en diférents formats, lan-
gues et sensibilités. Ces pièces sonores font ré-
férence à des lieux existants mais créent aussi
de nouveaux paysages imaginaires. Le projet
invite le public à redécouvrir son environne-
ment au travers d’une expérience d’écoute.
Raimondo a participé à des expositions
et des festivals internationaux, comme Trans-
mediale à Berlin (2013). Elle réalise des pièces
radiophoniques pour diffusion. En tant que
commissaire d’exposition, elle a mis en place
plusieurs projets autour de l’art de la radio et
du son, dans différents lieux comme le Musée
Victoria et Albert à Londres.
Baba-Ali vit et travaille à Bruxelles et Ca-
sablanca. Il est diplômé de l’École supérieure
d’art d’Aix-en-Provence (2011). Il a récem-
ment reçu le Prix Léopold Sédar Senghor lors
de la 10
Biennale d’art africain contempo-
rain Dak’Art (2012).
JG Thirlwell
JG Thirlwell est un compositeur, produc-
teur et performeur australien vivant à Brook-
lyn à New-York. Son vaste catalogue l’a vu
travailler sous de nombreux pseudonymes
tels que Fœtus, Steroid Maximus, Manorexia,
Baby Zizanie et Wiseblood. Il a également col-
laboré avec Quartet Kronos, LEMUR et Bang
On A Can. Thirlwell présentera une version
de son projet Manorexia dans une version de
musique de chambre. Il mettra en partition
l’émission Venture Brothers de la chaîne Adult
Swim/Cartoon Network.
Eric van Hove
Eric van Hove (né en 1975) est un artiste
nomade qui s’engage, à travers son travail, à
créer des liens entre des problèmes régionaux
et mondiaux. A Marrakech, il présente V12
Laraki (2013), résultat de neuf mois de travail.
V12 Laraki est une réplique du moteur V12
de Mercedez-Benz utilisé par Abdeslam Laraki
dans la Laraki Fulgara, la première voiture de
sport de luxe du Maroc. Laraki avait espéré
fabriquer la voiture entièrement au Maroc,
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
(2008), au Manifesta 7 de Rovetero (2008) et
à la Tate Britain de Londres (2010).

Khaled Sabsabi
Khala Sabsabi (né en 1965) créé des ins-
tallations multimédias ad hoc extrêmement
médiatisées qui explorent la notion de routine,
et la capacité de celle-ci à diluer le temps. Son
travail ouvre des espaces où se mêlent les cer-
titudes physiques et les doutes émotionnels de
chaque individu. Sa nouvelle œuvre 70,000
Veils (2014) se penche sur la complexité de
la religion et de la spiritualité dans l’ère digi-
tale. Cette vidéo réfléchit au rôle de la lumière
comme une présence physique et métapho-
rique qui ouvre la possibilité d’un au-delà de
l’imagination. Elle s’inspire de la conception
soufie de la lumière et des enseignements du
prophète Mahomet (pbAsl) quant à l’existence
de 70 000 voiles de lumière et d’obscurité sé-
parant l’individu du divin.
Sabsabi a reçu une bourse d’études de
l’Australia Council for the Arts. Il a gagné la
édition du prestigieux Prix Blake. Il a
exposé en solo au Centre d’Art Casula Powe-
rhouse de Sydney (2007) ; Artspace Sydney
(2012) ; au Centre d’Art Campbelltown de
Sydney (2007) ; Artspace Sydney (2012). Il a
également participé à des expositions collec-
tives telles que la 11
Biennale de Sharjah
(2013) ; la 9
Biennale de Shanghai (2012) ;
et la 18
Biennale de Sydney (2012).
Saout Radio
Saout Radio est une radio en ligne qui
s’intéresse aux pratiques artistiques radiopho-
niques et sonores, plus particulièrement au
Maghreb, en Afrique et au Moyen-Orient. Le
projet a été fondé par les artistes Younes Baba-
Ali (né en 1986) et Anna Raimondo (née en
1981) avec pour ambition d’initier un dialogue
sud-sud. Here. Now. Where? (2014) est une
déambulation urbaine sonore qui sera diffusée
dans les taxis de tout Marrakech au cours de
la première semaine de la Biennale. Le contenu
du projet a été élaboré à partir d’une combinai-
son d’appels à contribution et de commandes,
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
works, Rabat Series (2014), were made in Ra-
bat and feature the artists’ friends stranded in
the city, waiting to attempt to make passage to
Wokmeni was a resident at MTN Founda-
tion, Douala. He has exhibited international-
ly at BOZAR, Palais de Beaux-Arts, Brussels
(2010); Savvy Contemporary, Berlin (2010);
Dak’Art - Biennale de l’Art Africain Contempo-
rain (2010); and Studio 41, Glasgow (2012).
Katarina Zdjelar
Voice, identity, and community are central
lines of inquiry in the work of Katarina Zd-
jelar (b. 1979), whose practice encompasses
sound pieces, publications, and platforms for
exchange. Her new film commissioned for the
Biennale, Into the interior (The last day of the
permanent exhibition) (2014), centers around
the collection and display of the last remaining
colonial museum, The Royal Museum for Cen-
tral Africa in Belgium. Focusing on dioramas
and animal trophies, travelogues and archi-
val material, the work addresses the building
of Empire through hunting and animal life.
On December 1, 2013, the museum closed
its doors for renovation. Zdjelar’s film registers
a final moment before the museum’s now ossi-
fied historical and cultural narrative draws to
a close, thus marking the end of an era.
Zdjelar was born in Belgrade and now
lives and works in Rotterdam. She completed
a residency at the Rijksakademie, Amsterdam
(2010–2011). Zdjelar has exhibited interna-
tionally at the 53
Venice Biennial (2009);
Circus Gallery, Berlin (2012); Artium Muse-
um, Vitoria-Gasteiz (2013); and the 42
national Film Festival, Rotterdam (2013).
intervenants en viennent à aborder des aspects
essentiels de l’histoire de la création : la déso-
béissance et la liberté de choix. Le retour de
l’œuvre au Maroc permet à ceux qui y ont par-
ticipé de renouer avec le projet et les opinions
qu’ils y ont généreusement partagées.
Verhoijsen vit et travaille aux Pays-Bas.
Elle a reçu une formation en pédagogie et
mené une carrière dans le domaine social,
avant d’étudier l’art à l’Institut Sandberg
d’Amsterdam (2000-2002). Ses œuvres ont
été exposées au Musée du textile de Tilbourg
(2002), au Festival d’art des femmes en Syrie
(2004), à la World Expo de Shanghai (2010) et
au Keramikmuseum de Westerwald (2013).
Asim Waqif
Des références à l’écologie et à l’anthro-
pologie résonnent à travers le travail d’Asim
Waqif (né en 1978). Ces préoccupations sont
nées de recherches poussées sur les systèmes
vernaculaires de gestion de l’environnement,
en particulier de l’eau, des déchets et de l’ha-
bitat. Pour réaliser ses œuvres, Waqif emploie
des processus manuels qui sont volontaire-
ment exigeants et laborieux, alors que ses pro-
ductions sont souvent éphémères, et parfois
même conçues pour se dégrader. Ses dernières
installations interactives de grande ampleur al-
lient des technologies traditionnelles aux nou-
velles technologies de la communication. Pour
la Biennale, Waqif a mis en scène une inter-
vention architecturale au Palais El Badi. Cette
œuvre s’inscrit dans la lignée de ses projets
actuels, qui s’efforcent de croiser architecture,
art et design, en se référant contextuellement
au design urbain contemporain et aux straté-
gies d’occupation, d’intervention et d’utilisa-
tion des espaces publics.
Waqif est né à Hyderabad et a étudié
l’architecture à la School of Planning and
Architecture de Delhi, où il vit et travaille ac-
tuellement. Ses œuvres ont été exposées inter-
nationalement, en particulier récemment au
Palais de Tokyo à Paris (2012). Il a participé
à des expositions collectives au Project 88 de
Mumbai (2010), à la Lalit Kala Academi à
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
mais il fut contraint d’importer son moteur
d’Allemagne. V12 Laraki permet de boucler
la boucle, d’exaucer le rêve d’un moteur en-
tièrement fabriqué au Maroc. Chacun de ses
465 composants a été réalisé à la main dans
l’un des 53 matériaux traditionnels comme la
céramique, l’os, le fer, la peau de chèvre et la
terra cotta par 57 artisans marocains. Le V12
Mercedez-Benz comme le V12 Laraki sont
égaux en ce sens où ils sont tous deux des
produits nominatifs de l’excellence humaine –
le premier de centaines d’années d’ingéniérie
occidentale, le second d’un héritage marocain
vieux d’un millénaire.
Van Hove est né en Algérie mais a gran-
di au Cameroun et habite régulièrement au
Japon. Ses expositions en solo se sont dérou-
lées à l’Institut supérieur du langage plastique,
Bruxelles (2010), au CCC de Tours (2013) et
au STUK Kunstencentrum à Louvain (2014).
Il a participé à des expositions de groupe au
Van Abbemuseum d’Eindhoven (2007), au
Musée national d’Alger (2009), au BOZAR à
Bruxelles (2010), à la Maison Rouge à Paris
(2013) et au MUDAM du Luxembourg (2015)

Anne Verhoijsen
Dans ses vidéos, performances et instal-
lations interactives, Anne Verhoijsen (née en
1951) assemble des impressions fragmentaires
en des histoires qui explorent la formation de
l’identité et le pouvoir de l’imagination. Ré-
sultant d’enquêtes de longue haleine, ses films
regroupent des interviews de gens de toutes
origines qu’elle interroge avec autant de déli-
catesse que d’insistance, afin de révéler leurs
histoires personnelles et mettre à jour des
problèmes plus universels. Dans Visions of
Paradise (2008), l’artiste présente une série de
courtes interviews autour du thème de l’ex-
pulsion d’Adam et Ève du paradis. Composé
d’entretiens avec des chrétiens, des musulmans
et des athées, le film montre une partie de la
famille de Verhoijsen aux Pays-Bas, puis s’in-
téresse à des personnes vivant au Liban, en
Bosnie et finalement, au Maroc. Répondant
à des questions innocentes en apparence, les
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
Delhi (2010 et 2011), à Nature Morte à Ber-
lin (2011) et à la Galerie Rosenfeld à Tel Aviv
Patrick Wokmeni
Les photographies de Patrick Wokmeni
(né en 1985) font directement écho à son pays
natal, le Cameroun post-colonial, notamment
aux parcours migratoires et aux impasses
auxquelles ont dû faire face ses amis et conci-
toyens camerounais. Wokmeni a grandi à New
Bell, un quartier animé de Douala, où il se ba-
lade dans les rues, la nuit, pour photographier
les manifestations de cultures alternatives au
Cameroun de l’après-indépendance. Wokmeni
est un flâneur, et Beautiful New Bell (2006) est
le témoin de la beauté et de la tristesse éma-
nant de la débauche, de la décadence et de la
crise sociale qui frappent la ville. Les sujets
de ses photographies instantanées sont traités
d’une manière démocratiques élevant chacun d
entre eux à un statut d’être humain. Le dernier
projet de Wokmeni, Rabat Series (2014), a été
réalisé à Rabat et montre les amis de l’artiste
bloqués dans la ville, en attendant de tenter la
traversée vers l’Europe.
Wokmeni a été en résidence à la MTN
Foundation de Douala. Ses travaux ont été
exposés internationalement à BOZAR, le Pa-
lais des beaux-arts à Bruxelles (2010), à Sa-
vvy Contemporary à Berlin (2010), à Dak’Art,
la Biennale de l’Art Africain Contemporain
(2010) et au Studio 41 de Glasgow (2012).
Katarina Zdjelar
La voix, l’identité et la notion de com-
munauté sont des pistes d’enquête centrales
à l’œuvre de Katarina Zdjelar (née en 1979),
dont le travail comprend des pièces sonores,
des publications et des plate-formes d’échange.
Le nouveau film qu’elle a réalisé pour la Bien-
nale, Into the interior (The last day of the
permanent exhibition) (2014), a pour sujet la
collection et les expositions du tout dernier
musée colonial, le Musée royal de l’Afrique
centrale en Belgique. A partir de dioramas et
de trophées de chasse, de journaux de voyage
et d’archives, l’œuvre s’intéresse à la construc-
tion d’un Empire à travers la chasse et la vie
animale. Le 1
décembre 2013, le musée a fer-
mé ses portes en raison de travaux de rénova-
tion. Le film de Zdjelar montre un ultime mo-
ment avant que ne prenne fin le récit historique
et culturel que présentait le musée, aujourd’hui
ossifié, ce qui marque ainsi la fin d’une époque.
Zdjelar est née à Belgrade, et vit et tra-
vaille à Rotterdam. Elle a été en résidence à
la Rijksakademie d’Amsterdam (2010–2011).
Son travail a été exposé au niveau internatio-
nal, notamment à la 53
Biennale de Venise
(2009), à la Circus Gallery de Berlin (2012),
au Musée Artium à Vitoria-Gasteiz (2013) et
au 42
Festival international du film de Rot-
terdam (2013).
Carl Michael von Hausswolff and Jacob
Kirkegaard, with Maia Urstad, Christine
Ödlund, Brandon LaBelle, Mike Harding,
Petteri Nisunen & Tommi Grönlund, Franz
Pomassl, Anna Ceeh, BJ Nilsen, The Sons of
God (Kent Tankred & Leif Elggren),
KamarStudios, and leif e.boman
freq_out 10 is a sound installation comprised
of twelve individual sound works, each utiliz-
ing a specific frequency range, made on site,
and amplified to act as a single, generative
sound space. The project is travelling to Mar-
rakech for special inclusion at the Biennale
and is being installed at the Theatre Royal.
The venue will be enriched by twelve differ-
ent sounds using a 24-channel surround-sound
system, engulfing the audience in a series of
musical arrangements.
freq_out was formed in 2003 as a curatorial
project by Carl Michael von Hausswolff. The
Marrakech Biennale will comprise the tenth of
a total of twelve installations.
Carl Michael von Hausswolff (b. 1956) uses
recording devices, microphones, and oscilla-
tors when working with audio, and still and
video cameras when working with visuals. His
interests span conceptual post-abstractionism
and social criticism. Von Hausswolff is current-
ly studying the Majorcan mystic Ramon Llull
and the scuttled battleship Admiral Graf Spee.
He collaborates with Leslie Winer and Thomas
The works of Danish artist Jacob Kirkegaard
focus on scientific and aesthetic aspects of
sonic perception. He explores acoustic spaces
and phenomena not immediately perceptible
to the human ear.
Sound and visual artist and composer leif e.
boman uses the synergy of science and mag-
ic in his images and sound works. He is the
pioneer of using emission spectroscopy as a
compositional tool.
Anna Ceeh was born in 1974 in St. Peters-
burg. She is a photographer, video artist, con-
cert organizer, and record label manager for
Laton. She currently lives and works in Vienna.
Tommi Grönlund (b.1967) and Petteri Nisunen
(b.1962) have been collaborating since
1993. Their large-scale spatial interventions
and public and gallery installations involve a
variety of materials and technologies, from the
use of objects to light and sound. Grönlund
and Nisunen deal with space, be it physical,
ethereal, or sonic. Their works tend to change
or reshape space and stimulate sensory per-
ception through direct intervention, often with
complex technical installations. Grönlund also
runs the music label Sähkö Recordings.
Mike Harding (b. 1957) is a curator, produc-
er, lecturer, and music publisher. He has been
running the UK-based audio-visual publishing
house Touch with Jon Wozencroft since 1982.
Harding started the label Ash International
with Robin Rimbaud and OR with Russell Has-
well. In 2004, he founded the project Spire,
which links and develops organ and electronic
music artists.
KamarStudios is a research and creation
laboratory of contemporary music located in
the Medina of Marrakech. It was co-found-
ed in 1999 by Khalid Içame and Philippe
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
(since 2003)
Sound installation
freq_out 10 est une installation audio com-
posée de douze œuvres sonores individuelles.
Chacune diffuse une bande de fréquence
conçue ad hoc qui, une fois amplifiée, donne
l’impression de ne générer qu’un seul es-
pace-temps. Dans le cadre de la Biennale de
Marrakech, l’installation prendra possession
du Théâtre Royal qui s’enrichira de douze
sons différents émis à partir d’un système de
son environnant en 24 bandes, qui plongera
le spectateur dans une série d’aménagements
freq_out est un projet curatorial créé par Carl
Michael von Hausswolff en 2003. La Biennale
de Marrakech sera le dixième volet de douze
Carl Michael von Hausswolff (né en 1956) uti-
lise des appareils de captation de sons, des mi-
crophones et des oscillateurs dans son travail
audio, ainsi que des appareils photos et camé-
ras vidéos pour la partie visuelle. Il s’intéresse
à la post-abstraction conceptuelle et à la cri-
tique sociale. Von Hausswolff mène actuelle-
ment des recherches sur le mystique majorquin
Ramon Llull et la bataille navale sabordée de
l’Amiral Graf Spee. Il collabore avec Leslie Wi-
ner et Thomas Nordanstad.
Les œuvres de l’artiste danois Jacob Kirkegaard
explorent les dimensions scientifiques et es-
thétiques de la perception sonore, tels que les
espaces et phénomènes acoustiques impercep-
tibles par l’oreille humaine.
L’artiste sonore et visuel et compositeur leif e.
boman a recours à la synergie de la science et
de la magie dans ses images et œuvres sonores.
Il fut le premier à utiliser les émissions spec-
troscopiques comme outil de composition.
Anna Ceeh est née en 1974 à Saint Péters-
bourg. Actuellement installée à Vienne, elle
travaille en tant que photographe, vidéo artiste
et promotrice de concerts. Elle est aussi mana-
ger de la maison de disques Laton.
Tommi Grönlund (né en 1967) and Petteri
Nisunen (né en 1962) travaillent ensemble
depuis 1993. A travers de monumentales in-
terventions spatiales et des installations pu-
bliques ou dans des galeries, ils ont recours à
divers matériaux et technologies : des objets
mais aussi de la lumière et des sons. Grön-
lund et Nisunen explorent l’espace, qu’il soit
physique, immatériel ou sonore. Leurs œuvres
ont tendance à altérer la forme de l’espace et
stimuler la perception sensorielle à travers des
interventions directes et des installations d’une
grande complexité technique. Grönlund dirige
également le label de musique Sähkö Recor-
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
(depuis 2003)
Installation sonore
Carl Michael von Hausswolff et Jacob
Kirkegaard, avec Maia Urstad, Christine
Ödlund, Brandon LaBelle, Mike Harding,
Petteri Nisunen & Tommi Grönlund, Franz
Pomassl, Anna Ceeh, BJ Nilsen, The Sons of
God (Kent Tankred & Leif Elggren),
KamarStudios, et leif e.boman
Lauro-Baranès. Khalid Içame (b. 1979), aka
Z-tröz, was born in Marrakech. He is self-
taught and signed his first collaborative album
khalaa in 2000. His invention of a new way
to create music from extracts of voices follows
years of experimentation and research draw-
ing from Gnawa music archives. Abderrazzak
Akhoullil (b. 1979), aka Dj Folani, was born
in Marrakech. He is a descendent of the Gna-
wa people, and he too is self-taught. Akhoul-
lil joined Kamarstudios in 1999. Içame and
Azkhoullil have collaborated on Marrakech
UnderMoon: The Black Album (2007), com-
prising more than three hundred soundscapes
and sound designs, and Peace is not what you
believe (2012–2013), for the Sharjah Bienni-
al 11.
Brandon LaBelle is an artist and writer living
in Berlin. His work explores questions of so-
cial life using sound, performance, text, and
constructions at specific sites. LaBelle develops
publishing projects and collaborations through
the project space Errant Bodies. His work has
been presented at Netherlands Media Art
Institute, Amsterdam (2003 & 2007); Casa
Vecina, Mexico City (2008); Museums Quarti-
er, Vienna (2009); Center for Cultural Decon-
tamination, Belgrade (2009); Image Music
Text, London (2011); and Whitney Museum
of American Art, New York (2012). He is the
author of Background Noise: Perspectives on
Sound Art (2006); Acoustic Territories: Sound
Culture and Everyday Life (2010); and Diary
of an Imaginary Egyptian (2012).
BJ Nilsen (b.1975) is a sound and recording
artist. He uses primarily field recordings and
electronic composition to investigate the sound
of nature and its effect on humans. He has
worked for film, television, theater, dance, and
as a sound designer. His newest work, titled
Eye of the Microphone, is a personal audio
rendition based on the sound of London. Nils-
en is currently working on the publication The
Acoustic City, co-edited with Matthew Gandy
(Berlin: JOVIS Verlag, 2014).
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
Christine Ödlund moves through art, music,
science, and occultism in a synaesthetic mode.
She has participated in various exhibitions at
Museum of Contemporary Art, Tokyo; Moder-
na Museet, Stockholm; Magasin 3, Stockholm;
konsthall, Lund; and BiennaleOnline 2013.
Her recent work comprises plants and sound,
circuits and visions of the future, greenhouse
and laboratory environments, occultism and
science, in a continual movement between the
smallest of particles and infinity.
Franz Pomassl operates in a permanent lab-
oratory, in a continuous process of probing,
exploring, and optimizing musical and ex-
tramusical territories. He is engaged in the
permanent deconstruction and expansion of
familiar ways of hearing. His work moves
along the boundaries of the human aural per-
ception system and oversteps given aural pa-
rameters of technical equipment. In the course
of extensive research work he has developed
electro-acoustic machines and processes with
which architecture and the physical percep-
tion of space can be transformed. He runs the
influential label Laton and is a professor at the
Vienna Art Academy.
The Sons of God was cofounded in 1988 by
Leif Elggren and Kent Tankred. Leif Elggren’s
varied and prolific output routinely involves
dreams, subtle absurdities, and social hierar-
chies turned upside down. His audio works are
often created as the soundtrack to an installa-
tion or a performance. Kent Tankred studied
painting in the early 1970s before attending
the Institute for Electro-Acoustic Music in Stock-
holm. His interest in musical encounters with
other art forms has resulted in numerous in-
stallations at exhibitions. He co-runs the label
Firework Edition Records based in Stockholm.
Maia Urstad is an artist working at the inter-
section of audio and visual art. Her work inter-
rogates the history and methodology of com-
munications technology: from Morse code and
other long-range signals to digital terrestrial
Mike Harding (né en 1957) est commissaire
d’exposition, producteur et intervenant. De-
puis 1982, il dirige avec Jon Wozencroft la
maison de production audiovisuelle britan-
nique Touch. Harding est également à l’origine
des labels Ash International avec Robin Rim-
baud, et OR avec Russel Haswell. En 2004, il
crée le projet Spire qui expérimente et promeut
l’utilisation de l’orgue et des artistes de mu-
sique électronique.
KamarStudios est un laboratoire de recherche
et de création de musique contemporaine
créé en 1999 par Khalid Içame et Philippe
Lauro-Baranès situé dans la Medina de Mar-
rakech. Khalid Içame (né en 1979), alias
Z-tröz est né à Marrakech. Autodidacte, il
sort son premier album collaboratif khalaa en
2000. Suite à des années d’expérimentation et
de recherche dans les archives de la musique
Gnawa, il développe une nouvelle manière de
faire de la musique à partir d’extraits de voix.
Abderrazzak Akhoullil (né en 1979), alias
Dj Folani est aussi né à Marrakech. Descen-
dant de Gnawa, il est également autodidacte
et a rejoint Kamarstudios en 1999. Içame et
Azkhoullil ont travaillé ensemble sur Mar-
rakech UnderMoon, The Black Album (2007)
qui compte plus de trois-cents paysages et
créations sonores. Ils ont également collaboré
sur Peace is not what you believe (2012-2013)
pour la 11
Biennale de Sharjah.
Brandon LaBelle est un artiste et écrivain
basé à Berlin. Son travail traite des questions
de la vie en société à travers des productions
sonores, des performances, des textes et des
constructions ad hoc. LaBelle travaille éga-
lement sur des projets de publication et des
collaborations dans le cadre de son espace
de création Errant Bodies. Son travail a été
présenté à l’Institut d’Art Média Néerlandais
d’Amsterdam (2003 & 2007) ; la Casa Vecina
à Mexico City (2008), au Musée Quartier de
Vienne (2009) ; au Centre de Décontamination
Culturelle de Belgrade (2009) ; à Image Music
Text, Londres (2011) and au Whitney Mu-
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
seum de New-York (2012). Il est l’auteur de
Background Noise: Perspectives on Sound Art
(2006); Acoustic Territories: Sound Culture
and Everyday Life (2010); et Diary of an Ima-
ginary Egyptian (2012).
BJ Nilsen (né en 1975) est un artiste et auteur
de productions sonores. Il utilise les captations
de son ainsi que des compositions électro-
niques dans ses recherches sur la nature et de
ses influences sur l’homme. Il a travaillé pour
le cinéma, la télévision, le théâtre, la danse
ainsi que comme designer sonore. Son œuvre
la plus récente, Eye Of The Microphone, est
une audio-interprétation personnelle des sons
de Londres. Nilson travaille actuellement à la
publication The Acoustic City, co-édité avec
Matthew Gandy (Berlin : JOVIS Verlag, 2014).
Christine Ödlund a entrepris un voyage synes-
thétique à travers l’art, la musique, la science
et l’occulte. Elle a participé à de nombreuses
expositions au Musée d’Art Contemporain de
Tokyo ; le Moderna Musset de Stockholm ;
Magasin 3, Stockholm; la konsthall de Lund
et la BiennaleOnline 2013. Récemment, son
travail a recours à des plantes et des sons, des
circuits et des visions futuristes, des serres et
des conditions de laboratoire mais aussi à l’oc-
culte et à la science, le tout dans un mouve-
ment continuel entre les plus petites particules
et l’infini.
Franz Pomassi entretient un laboratoire per-
manent dont l’objet est d’expérimenter et
d’optimiser des territoires musicaux et ex-
tra-musicaux. Il s’intéresse à la déconstruction
permanente – ainsi qu’à l’expansion – de la
manière dont nous écoutons traditionnelle-
ment. Dans son travail qui se situe à la fron-
tière du système perceptif de l’ouïe humaine, il
dépasse régulièrement les paramètres sonores
délimités par la technique. Il a développé, au
cours d’un long travail de recherche, des ma-
chines électro-acoustiques et des processus
permettant d’altérer la perception de l’espace
et de l’architecture. Il dirige l’important label
networks and the use of fiber optics. Radio is
central to her work due to its auditory, visual,
and conceptual possibilities. Urstad’s solo and
collaborative works have been presented at
Singuhr Sound Gallery, Berlin; Reina Sofia Ra-
dio, Madrid; Bergen Art Museum; Johannes-
burg Art Gallery; Prefix ICA, Toronto; Mamam
do Patio Recife; and Konsthall, Malmo.
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
Laton et est professeur à l’Académie des Arts
de Vienne.
The Sons of God est un collectif crée par Leif
Elggren and Kent Tankred en 1988. Le pro-
lifique Leif Elggren a recours à des sources
variées telles que les rêves, la subtilité de l’ab-
surde and le renversement des hiérarchies so-
ciales. Ses œuvres audio servent généralement
de fonds sonore à des installations ou à des per-
formances. Kent Tankred a étudié la peinture
dans les années 70 avant d’intégrer l’Institut
de Musique Electro-Acoustique de Stockholm.
Son intérêt pour les rencontres musicales entre
diverses formes artistiques l’a mené à créer de
nombreuses installations. Il co-dirige le label
Firework Edition Records à Stockholm.
L’artiste Maia Urstad travaille à la frontière
entre l’art audio et l’art visuel. Son œuvre
s’intéresse à l‘histoire et à la méthodologie
des technologies de communication : du code
Morse et autres signaux à longue bande aux
réseaux digitaux terrestres et l’utilisation de la
fibre optique. La radio, par ses capacités au-
dio, visuelles et conceptuelles, représente un
aspect crucial de son travail. Urstad a présen-
té ses œuvres personnelles et a participé à des
collaborations dans les lieux suivants : Singurh
Sound Gallery, Berlin ; Radio Reina Sofia, Ma-
drid ; le Musée d’Art de Bergen, la Art Gallery
de Johannesburg ; Prefix ICA, Toronto ; Ma-
mam do Patio Recife et Konsthall, Malmo.
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
Clara Meister (b.1981) presents Singing Maps
and Underlying Melodies (2014), a performa-
tive project to connect the Biennale’s different
venues and invite visitors into the city by intro-
ducing them to the variety of Moroccan music.
The project aims to present music as a guide
that animates intersections and side roads and
help visitors to navigate around Marrakech.
Visitors orientate themselves acoustically with
the support of a printed parallel map. The pro-
ject offers a unique path through the Biennale,
playing with different methods of orientation,
such as memory, narrative, and experience.
Meister is a curator based in Berlin. Her prac-
tice focuses on translation, language, and
music. She was the 2012 curator-in-residence
at MINI/Goethe-Institut Curatorial Residencies
Ludlow 38 in New York. Meister is co-founder
of Soundfair, an exhibition collective based in
Berlin and is co-founder and editor of the jour-
nal ...ment.
Singing Maps and Underlying Melodies
was developed in collaboration with the Ber-
lin-based architecture studio S.T.I.F.F., found-
ed in 2011 by Till-Moritz Ganssauge and
Florentin Steininger. Performances during the
Biennale are supported and co-produced by
KamarStudios Morocco and Aniko Boehler.
Visual & Sound Arts –
Artist Biographies
Clara Meister
in collaboration with S.T.I.F.F. and KamarStudios Morocco
Singing Maps and Underlying Melodies (2014)
Clara Meister (née en 1981) présente Sin-
ging Maps and Underlying Melodies (2014),
un projet de performance cherchant à mettre
en relation les différents emplacements de la
Biennale et à inviter les visiteurs dans la ville,
tout en les initiant à la richesse de la musique
marocaine. Le projet vise à faire de la musique
un guide qui, animant les croisements et les
rues secondaires, permet de trouver son che-
min dans Marrakech. Les visiteurs se dirigent
à l’oreille avec l’aide d’un plan imprimé sur
papier. Le projet, qui joue avec différentes
méthodes d’orientation telles que la mémoire,
le récit ou l’expérience, permet d’effectuer un
parcours unique à travers la Biennale.
Meister est commissaire d’art basée à Berlin.
Sa pratique se concentre sur la traduction, le
langage et la musique. En 2012, elle a été com-
missaire en résidence au MINI/Goethe-Institut
Curatorial Residencies Ludlow 38 à New-
York. Meister est la cofondatrice de Soun-
dfair, un collectif d’exposition basé à Berlin,
ainsi que cofondatrice et éditrice de la revue
Singing Maps and Underlying Melodies a été
mis au point en collaboration avec S.T.I.F.F.,
studio d’architecture basé à Berlin et fondé
en 2011 par Till-Moritz Ganssauge et Floren-
tin Steininger. Les performances au cours de
la Biennale sont financées et co-produites par
KamarStudios Morocco et Aniko Boehler.
Arts Visuels & Sonores –
Biographies des artistes
Clara Meister
en collaboration avec S.T.I.F.F. et KamarStudios Morocco
Singing Maps and Underlying Melodies (2014)
70 71
The Expansion
of the Realm
of Literature

– Driss Ksikes
L’extension du
domaine de la
– Driss Ksikes

des artistes
Literature Littérature
Literature –
The Expansion of the Realm
of Literature
– Driss Ksikes, Literature Curator
What are we to do with our literary heritage?
How are we to give a voice to these finely
crafted words, carved into the stone of singu-
lar consciousnesses, irreproducible but open
to a multitude of readings? And these ideas,
shaped with the patience and solitude that the
search for knowledge demands: how are we
to make them resonate, give them life, with-
out ever ossifying or fetishizing them? These
are the questions of reception, translation,
and presentation that troubled me as a lover
of literature when asked to participate in the
Marrakech Biennale.
These questions mask a wish, an anxiety, and
a dream. My wish, a very contemporary one,
is to bring down the barriers between the so-
cial sciences and humanities, between author
and audience, in order to more clearly grasp
the circularity at work: desire – creation – in-
terpretation. My fear is that the beautiful may
become solemn, dazzling, out of reach, and
so my constant concern during the develop-
ment of this literary program has been to cre-
ate discrepancies and hybrid fusions of places
and forms. Lastly, my dream is that the isolated
moments we devote, now and again, to works
of literature, to thought and insight, might con-
tinue beyond this event and spawn other crea-
tive desires, opening new doors toward other
places, the unknown or the unexpected.
The Local, the Universal
and the Contemporary
In this place, I do not want to celebrate books
as closed, imposing objects, but rather texts
with their multifarious abundance of meanings
and tones. It is not the study of our precious
literary origins that I find important, but rather
the feelings felt on arrival, by every reader,
once the words have been spoken and the sto-
ries established. It is not the sacredness of in-
tentions that is vital at this meeting place of the
arts, but our ability to decipher the grammar of
the stranger who inhabits each text and whose
words resonate with the reader. The goal here
is to marry the beauty of the texts, the powerful
emotion that a public reading may evoke, and
the subtlety of artistic interpretation. The goal
is also to bring various thought processes—
those of thinkers and artists, of researchers
and poets, of experts and novices—into dia-
logue. In this way we can be at once contem-
porary, local and universal.
This triptych requires two kinds of vigilance:
the first relates to the relationship with time
and the second with space. The first requires
a kind of dual skill brilliantly summed up by
the philosopher Giorgio Agamben: the ability
to maintain “a singular relationship with one’s
own time, which adheres to it and, at the same
time, keeps a distance from it.”
And the sec-
ond, according to the writer Abdelkébir Khat-
ibi, requires a kind of vigilance that keeps the
reductive concept of “specificity” at bay and
leads to the more fertile, intercultural notion
of “universal polycentrism,” which allows us,
without recourse to any kind of hierarchy, to
remain attentive to the signals, gestures and
modes of thought of one’s own culture while
remaining curious about other cultures.
The meeting of the local, the universal, and the
contemporary has implications for the choice
of where and how to speak. It implies a hori-
zontal, rhizomatic, viral operation: the sites
of discourse are never impenetrable temples
keeping the curious at bay, and the actors
Littérature –
L’extension du domaine
de la littérature
– Driss Ksikes, Commissaire Littérature
Que faire d’un patrimoine littéraire ? Com-
ment donner un écho à des mots ciselés, creusés
dans le roc de consciences singulières, non re-
productibles mais ouvertes à toutes les lectures
? Et ces idées, forgées dans la patience et la so-
litude qu’exige la quête du savoir, comment les
faire résonner, leur donner vie, sans jamais les
figer ni les fétichiser ? Ce sont ces questions de
réception, de traduction, de mise en situation
qui me tracassaient en tant qu’amateur de lit-
térature, lorsqu’il m’a été demandé d’apporter
ma participation à la Biennale d’Art de Mar-
Derrière ces interrogations se dissimulent une
envie, une angoisse et un rêve. Mon envie,
très contemporaine, est de faire tomber les
barrières entre sciences sociales et humaines,
entre auteurs et récepteurs, afin de mieux sai-
sir la circularité à l’œuvre : désirs – créations
– interprétations. Mon angoisse est que le beau
devienne solennel, éblouissant, hors de portée,
d’où le souci permanent qui fut le mien lors de
l’élaboration de ce programme littéraire, de
créer des décalages et des métissages de formes
et de lieux. Enfin, mon rêve est que les quelques
moments épars, ici et là, consacrés aux œuvres,
aux pensées et aux intuitions, se prolongent
par delà l’événement et enfante d’autres envies
créatrices, ouvrent des lucarnes vers l’ailleurs,
l’inconnu ou l’inattendu.
Le local, l’universel
et le contemporain
Ce ne sont pas les livres comme objets fermés,
imposants, que je voudrais célébrer dans ce
lieu, mais les textes, avec tous les sens et so-
norités qui s’en dégagent à foison. Ce n’est pas
la graphie précieuse des origines qui m’importe
mais les sensations ressenties à l’arrivée, par
chacun, une fois les mots déclamés et les his-
toires déployées. Ce n’est pas la sacralité des
intentions qui prime, à ce carrefour des arts,
mais la capacité à déchiffrer la grammaire de
l’étranger qui habite chaque texte et fait vibrer
ses lecteurs. Le but est ici de marier la beauté
des textes, la force de leur lecture publique et
la subtilité d’une interprétation artistique. Le
but également est de faire dialoguer les ratio-
nalités, celles des penseurs et des artistes, des
chercheurs et des poètes, des établis et des ap-
prentis. De la sorte, nous pourrons être à la fois
contemporain, local et universel.
Ce triptyque implique deux formes de vigilance.
La première concerne le rapport au temps, la
seconde à l’espace. La première implique une
double compétence magnifiquement résumée
par le philosophe Giorgio Agamben : « adhérer
à son temps tout en prenant ses distances »
Et la seconde implique, selon l’écrivain Abdel-
kébir Khatibi, une vigilance, qui vous éloigne
du concept réducteur de « spécificité » et vous
amène vers celui, plus métissé, plus fertile,
de « polycentrisme universel »
, qui permet,
sans hiérarchie aucune, de demeurer attentif
aux signaux, gestes et modes de pensée de sa
propre culture tout en restant curieux d’autres
La réunion du local, de l’universel et du
contemporain a une incidence sur le choix des
espaces et des modalités de la prise de parole.
Elle implique un fonctionnement horizontal,
rhizomique, viral : les lieux de la parole ne sont
jamais des temples infranchissables, tenant les
curieux à distance, et les acteurs qui ont la pa-
role ne sont jamais dans une position inhibi-
trice ou providentielle. Par cette conception, la
who speak are never in an inhibiting or prov-
idential position. Through this conception, the
Bienniale is intended to be not just a chance
to debate and compare ideas but also an op-
portunity for texts to be discovered, read, and
set out in space. It is also a democratic occa-
sion on which rationalities and sensibilities are
brought face-to-face.
Thus arose the idea of talking about politics in
a different way, taking art as a point of depar-
ture and of questioning the sacred by means
of diversity. Thus also arose the idea that in the
heart of Jamaa El Fna, the theater space could
be revived as a place of questioning and pub-
lic debate, and the agora could once again
become a civic space for free dialogue.
thus, finally, arose the idea of spreading the
influence of this mythical site in two directions:
toward places of culture (in the heart of the
Medina of Marrakech) where the odds and
evens of civic debate agree to confront one
another, and toward places of artistic creativ-
ity where works are reinterpreted in the light
of living, urban, graphic arts, giving them new
and different meanings.
Intersecting Perspectives
and Intercultural Acts
This expansion of the realm of literature to-
ward public spaces cannot succeed without a
constant effort to encourage diverse approach-
es and generate discrepancies capable of pro-
ducing new meaning, hence the proliferation
of intersecting perspectives and intercultural
acts, starting with the bilingual declamation
of texts in the very temple of popular oral ex-
pression. On the fringes of these literary per-
formances, troubadours will act as touts to the
public, and budding artists will present their
visual interpretations of the works being read.
The principle here is to widen the range of lit-
erary translations so that texts may engender
other kinds of signs, through the use of imag-
es, writing, or comic strips.
There will also be something of an intersection
of cultures in an open discussion about artistic
documentaries focusing on the city. We will
seek to break down the walls between scien-
tific rationality and artistic sensibility. The goal
is also to challenge the supposed certainty of
experts regarding the basis of artistic intuition.
In this undertaking, literature is no longer un-
derstood as the kingdom of written signs but
is instead expanded to the world of pictorial
The two other less subversive expansions will
involve readings of theatrical texts without the
artifact of performance—in order to make
them literary objects rather than dramatic
ones—as well as debates about contemporary
issues (e.g., the Koran as an “open” work).
Each time, the choice of texts, actors, speak-
ers, and other participants is determined by a
requirement for diversity. Just like the crucially
important choice of location, the importance
of the questions raised and the sobriety of de-
corum are a response to the constant desire to
remain attentive to meaning, here and now. It
is by means of these detours that literature can
feel completely at home within contemporary
The Expansion of the Realm of Literature – Driss Ksikes
Giorgio Agamben, “What is the Contemporary?”
in What is an Apparatus and Other Essays, trans.
David Kishik and Stefan Pedatella (Stanford:
Stanford University Press, 2009).
Abdelkébir Khatibi, L’art contemporain arabe,
(Paris: Al Manar, 2001).
It is important to recall that several respected Mo-
roccan artists (for example, Farid Belkahia, Nabyl
Lahlou, Ahmed Bouanani, and Lahcen Zinoun)
have each attempted to turn Jamaa El Fna into
a place of contemporary creativity, with varying
degrees of success.
Biennale se veut en même temps un moment de
débat, de confrontation d’idées, mais aussi un
moment privilégié de découverte de textes à lire
et mettre en espace. C’est autant un moment
démocratique où sont mises face à face les ra-
tionalités et les sensibilités.
Ainsi est née l’idée de parler de politique au-
trement, en partant de l’art, et d’interroger le
sacré par le biais de la diversité. Est née éga-
lement l’idée de restituer, au cœur de Jamaa
El Fna
, l’espace du théâtre en tant que lieu
d’interpellation, de controverse publique et de
l’agora, en tant que lieu civique de libre dia-
logue. Est née enfin l’idée de rayonner, à par-
tir de ce lieu mythique, dans deux directions :
vers des lieux de culture ouverts (au cœur de la
médina) où les pairs acceptent la confrontation
avec les impairs du débat citoyen, et vers des
lieux de créativité artistique où les œuvres sont
réinterprétées à l’aune des arts vivants, urbains,
graphiques, pour leur redonner sens autrement.
Regards croisés
et actes metissés
Cette extension du domaine de la littérature
vers l’espace public ne peut aboutir sans un ef-
fort constant pour stimuler diverses approches
et générer des décalages producteurs de sens
novateurs. D’où la multiplication des regards
croisés et des actes métissés, qui commence par
la déclamation bilingue de textes dans le temple
même de l’oralité populaire. En marge de ces
performances littéraires, des troubadours joue-
ront les rabatteurs de publics et des artistes en
herbe exposeront leurs interprétations visuelles
des œuvres lues. Le principe est ici d’ouvrir
l’éventail des traductions de textes littéraires
pour que naissent d’autres signes, par l’image,
la graphie ou la bande dessinée.
Métissage encore grâce à une discussion ou-
verte sur des documentaires artistiques portant
sur la cité. On cherchera à dépasser les cloison-
nements entre rationalité scientifique et sensibi-
lité artistique. Le but est également de remettre
en cause la supposée certitude des experts sur
la base de l’intuition artistique. Dans cet exer-
cice-là, la littérature n’est plus appréhendée
comme le royaume des signes écrits, mais éten-
due à l’univers de la création imagée.
Les deux autres extensions, moins hétérodoxes,
concernent la lecture de textes de théâtre, sans
l’artefact de la représentation, afin de faire
d’eux des objets plus littéraires que specta-
culaires, ainsi que la tenue de débats autour
de questions contemporaines (ex : le Coran
comme œuvre ouverte). A chaque fois, le choix
des textes, acteurs, conférenciers et autres ani-
mateurs est dicté par une exigence de diversité.
Tout comme le choix déterminant des lieux,
l’importance des questions soulevées et la so-
briété du décorum répondent à ce souci per-
manent de rester attentif au sens, ici et main-
tenant. C’est par ces détours que la littérature
pourrait se sentir tout à fait à sa place au sein
de l’art contemporain.
Littérature –
L’extension du domaine de la littérature – Driss Ksikes
Giorgio Agamben, Qu’est-ce que le contempo-
rain ? (Paris : Petite Bibliothèque Rivages, 2008).
Abdelkébir Khatibi, L’art contemporain arabe,
(Paris: Al Manar, 2001).
Il est important de rappeler que plusieurs
artistes marocains de renom, dont je citerai à titre
d’exemples, Farid Belkahia, Nabyl Lahlou, Ahmed
Bouanani et Lahcen Zinoun, ont chacun tenté, avec
plus ou moins de réussite, de faire de Jamaa El Fna
un lieu de création contemporaine
Littérature –
des artistes
Latefa Ahrrare
Latefa Ahrrare (née en 1971), fille des
montagnes du Maroc, est une artiste pluri-
disciplinaire. Diplômée de l’Institut supérieur
d’art dramatique et d’animation culturelle
(ISADAC) en 1995, elle est comédienne, ac-
trice de cinéma et à la télévision, metteur en
scène, professeur d’art, directrice et animatrice
de festivals, ainsi que co-fon-
datrice du Théâtre des amis
en 1996. Son parcours a été
couronné par plusieurs prix
attribués par les plus grands
festivals nationaux et interna-
En tant que metteur en
scène, Latifa Ahrrare s’est
distinguée au travers du mo-
nodrame dans trois de ses
pièces : La dernière nuit, Ca-
pharnaüm et La Musicienne.
Elle participe à la Biennale par la lecture
en arabe d’extraits de trois textes littéraires :
Makbara de Juan Goytisolo, La Saison de
migration vers le Nord de Tayeb Saleh et Le
Dernier Combat du capitaine Ni’mat de Mo-
hamed Leftah.
Said Bouftass
Né à Casablanca en 1963, Said Bouftass
détient un doctorat en Esthétique, technologie,
création Artistique et photographie de l’Uni-
versité Paris 8 (Saint-Denis). En 2012, il a crée
le LCAC, Laboratoire du cinéma d’animation
de Casablanca au sein de l’Ecole Supérieure
des Beaux-arts de Casablanca. Il a publié l’ou-
vrage Le dessin d’observation, méditations
phénoménologiques chez les éditions Alberti,
comme il est le fondateur du Festival de la
Bande dessinée de Casablanca.
Literature –
Latefa Ahrrare
Latefa Ahrrare (b. 1971) is a multidiscipli-
nary artist who grew up in the mountains of
Morocco. A graduate of the Higher Institute
of Dramatic Arts and Cultural Activity (ISA-
DAC) in 1995, she is an actor (for theater,
cinema, and television), theater director, art
teacher, festival director and presenter, and
also co-founder of Théâtre
des amis, established in
1996. She has received sev-
eral awards for her work from
some of the largest national
and international festivals.
As a theater director,
Latifa Ahrrare has gained
recognition for three of her
one-woman shows: La dern-
ière nuit, Capharnaüm and
La Musicienne.
For the Biennale, she will be giving Arabic
readings of three extracts from literary texts:
Makbara by Juan Goytisolo, Season of Migra-
tion to the North by Tayeb Saleh and Le Dern-
ier Combat du capitaine Ni’mat by Mohamed
Said Bouftass
Born in Casablanca in 1963, Said Bouf-
tass holds a PhD in Aesthetics, Technology,
Artistic Creation, and Photography from Paris
8 University (Saint-Denis). In 2012, he found-
ed the LCAC, the Casablanca Animated Film
Centre, within the Casablanca Academy of
Fine Arts. His book Le dessin d’observation,
méditations phénoménologiques was pub-
lished by Éditions Alberti, and he is the found-
er of the Casablanca Comic Strip Festival.
For the Biennale, Bouftass is leading a
Pour la Biennale, il se saisit du
mythique roman de Tayeb Sa-
lih, Une saison de migration
vers le Nord, pour diriger un
atelier de bande dessinée, et
en traduire quelques extraits
choisis, avec des étudiants
de l’Ecole nationale d’archi-
tecture où il enseigne, quand
il n’est pas occupé à peindre
des corps. Son intérêt premier
étant d’allier anatomie et art.
Hamza Boulaiz
Né en 1990 à Tanger, au Maroc, Hamza
Boulaiz est diplômé de l’Ins-
titut supérieur d’art drama-
tique et d’animation culturelle
au Maroc en 2013. Il obtient
le grand prix du Théâtre na-
tional de la jeunesse au Ma-
roc en 2008, ainsi que le prix
du meilleur rôle et auteur du
même festival. Boulaiz est di-
recteur de la troupe Spectacle
pour tous et du programme «
Aji Tfaraj » de Tanger, qu’il a
créé. Il est metteur en scène associé au sein des
troupes Arts Academy et DABATEATR. Il est
considéré comme l’un des jeunes metteurs en
scène les plus prometteurs. Il s’intéresse beau-
coup au corps arabe en général, et revendique
sa libération avec audace.
Boulaiz présente à la Biennale une mise en
espace du texte de Jaouad Essouanin, écrit en
résidence à Royal Court theatre à Londres,
Hassan Lekllichés. Cette lecture est une forme
légère d’une mise en scène déjà effectuée par le
même metteur en scène du texte, par ailleurs
monté l’année dernière par une troupe alle-
mande à Berlin.
Aïcha El Beloui
Née en 1984 à Casablanca, Aïcha El Beloui
est architecte de formation. Elle s’est engagée
en faveur de la conservation du patrimoine au
travers de sa contribution associative, avant
Littérature –
Biographies des artistes
comic strip workshop inspired
by Tayeb Salih’s mythical
novel Season of Migration to
the North, translating a few
chosen extracts with students
from the National School of
Architecture, where he teach-
es when not busy painting.
His primary interest is to com-
bine anatomy and art.
Hamza Boulaiz
Born in 1990 in Tangier, Hamza Boulaiz
graduated from the Institut
supérieur d’art dramatique
et d’animation culturelle in
2013. At the 2008 Moroc-
co National Youth Theatre
he was awarded the grand
prize, as well as the prizes
for best actor and best au-
thor. Boulaiz is the director
of the Spectacle Pour Tous
troupe and of the “Aji Tfaraj”
program in Tangier, which he
founded. He is an associated director for the
Arts Academy and DABATEATR troupes. He is
considered one of the most promising young
theater directors. He is very interested in the
Arab body in general, and calls audaciously
for its liberation.
At the Biennale, Boulaiz is staging a text
by Jaouad Essouanin entitled Hassan Leklli-
chés, written during Essouanin’s residency at
the Royal Court Theatre in London. This read-
ing is a simplified version of a staging of the
text by the same director, performed last year
by a German troupe in Berlin.
Aïcha El Beloui
Aïcha El Beloui, born in 1984 in Casablan-
ca, is an architect by education. She worked
with associations to promote heritage preser-
vation before going to Norway and South Af-
Literature –
Artist Biographies
Littérature –
Biographies des artistes
de rejoindre la Norvège et
l’Afrique du Sud pour une
expérience professionnelle
auprès de l’UNESCO. Pas-
sionnée de graphisme, de
photographie et d’illustra-
tion, elle s’est consacrée à son
hobby et en a fait son métier.
Aujourd’hui installée au Ma-
roc, Aïcha est designer gra-
phique indépendante et vient
de lancer sa marque 9o9, dont le nom se lit en
arabe et en français.
Partant d’une approche résolument
contemporaine, travaillant sur l’urbanisme et
le métissage, elle dirige, pour la section litté-
raire de la Biennale, un atelier d’art graphique
qui interprète l’œuvre de l’écrivain espagnol
installé à Marrakech, Juan Goytisolo, Mak-
bara, à partir d’un regard post-moderne qui
prône une lecture ouverte.
Ali Essafi
Né au Maroc en 1963, Ali Essafi a étudié
la psychologie en France puis s’est dirigé vers
le cinéma documentaire et le cinéma d’art et
essai. Il réalise, entre autres, Général, nous
voilà, Le Silence des champs de betteraves,
Ouarzazate Movie et Shikhat’s Blues, qui ont
été sélectionnés et primés dans divers festivals
du circuit international du ci-
De retour au Maroc, il
occupe le poste de directeur
artistique de la Société na-
tionale de radiodiffusion et
télévision (SNRT) durant
deux ans, et anime plusieurs
ateliers d’écriture de films do-
cumentaires. Commissionnée
par la 10
Biennale d’Art de
Sharjah, Wanted, sa dernière
production, a été sélectionnée dans diverses
manifestations artistiques à travers le monde.
C’est ce dernier documentaire qu’il pré-
sente à la Biennale de Marrakech, avec la par-
ticipation de critiques aguerris de la culture et
Literature –
Artist Biographies
rica to gain professional ex-
perience with UNESCO. Her
passion for graphic design,
photography, and illustration
led her to turn these hobbies
into a career. Aïcha currently
lives in Morocco, where she
works as an independent
graphic designer. She recent-
ly launched her own brand,
9o9, a name that can be
read in Arabic and in French.
Her approach is resolutely contemporary
and focuses on urban planning and the mixing
of cultures. For the literary section of the Bien-
nale, she is directing a workshop on graph-
ic art, interpreting Marrakech-based Spanish
author Juan Goytisolo’s book Makbara from
a postmodern perspective that encourages an
open reading.
Ali Essafi
Born in Morocco in 1963, Ali Essafi
studied psychology in France before moving
toward documentary and art-house cinema.
Among other films, he has directed Général,
nous voilà (General, Here We Come!), Le Si-
lence des champs de betteraves (The Silence
of the Beet Fields), Ouarzazate Movie, and
Shikhat’s Blues, which were
official selections and award
winners at various festivals
on the international cinema
Since returning to Moroc-
co in 2002, he has served as
artistic director at the Société
nationale de radiodiffusion
et télévision (SNRT) for two
years and led several doc-
umentary film-writing work-
shops. His most recent production, Wanted,
was commissioned by Sharjah Biennale 10
and has been selected by various art events
At the Marrakech Biennale Essafi, with
de l’art, autour de la question : que faire des
héritages politiques dans l’art contemporain ?
Wanted apporte quelques pistes de réponses,
à travers le rapport aux archives télévisuelles
et cinématographiques, la question du témoi-
gnage et bien d’autres artéfacts qu’il manipule
avec un souci d’équilibriste, entre cohérence de
l’œuvre et force du propos.
Simohammed Fettaka
Né en 1981, Simohammed Fettaka est un
artiste pluridisciplinaire basé à Paris et Tanger.
Fondateur du festival Cinéma Nachia à Tanger,
il réalise des documentaires
ainsi que des vidéos expéri-
mentales qui questionnent, de
manière récurrente, les rap-
ports entre représentation,
individualité et politique.
En parallèle de son travail
de vidéaste, il a développé
des séries photographiques,
des collages, des installations
ainsi que des pièces sonores,
régulièrement exposées en
France et à l’international. Ses travaux ont été
présentés dans de nombreuses expositions col-
lectives parmi lesquelles : Muhka (Anvers), le
centre Georges Pompidou (Paris), Old Truman
Brewery (Londres), et la galerie Dominique
Fiat avec CulturesInterface (Paris). Actuelle-
ment, il participe au programme d’expérimen-
tation en art et politique à l’Institut d’études
politiques de Paris.
A la Biennale, Fettaka dirige un atelier de
création autour du roman posthume de Mo-
hamed Leftah, Le dernier combat du capitaine
Ni’mat, censuré au Maroc puis couronné par
le prix de la Mamounia (2011). Fettaka vient
également présenter, lors d’un dialogue croisé
avec des politologues et sociologues, son film
documentaire, Le vote, une ethnographie du
désordre électoral à Tanger durant la cam-
pagne électorale de 2007.
Littérature –
Biographies des artistes
the participation of seasoned art and culture
critics, presents his latest documentary, which
focuses on the question, what can contempo-
rary art do with political heritage? Wanted
provides several clues through the relationship
between TV and cinema archives, the question
of testimony, and many other artifacts that he
manipulates with an eye to maintaining a bal-
ance between the coherence of the work and
the power of the message.
Simohammed Fettaka
Born in 1981, Simohammed Fettaka is
a multidisciplinary artist based in Paris and
Tangier. Founder of the Cinema Nachia fes-
tival in Tangier, he has direct-
ed documentaries and experi-
mental videos that repeatedly
consider questions about the
relationships between rep-
resentation, individuality, and
Alongside his work as a
videographer, he has devel-
oped photographic series,
collages, installations, and
sound pieces, which are reg-
ularly exhibited in France and internationally.
His works have appeared in several group
exhibitions, among them at Muhka (Anvers),
Pompidou Center (Paris), Old Truman Brewery
(London), and Dominique Fiat Gallery with
CulturesInterface (Paris). He is currently taking
part in an art and politics experimentation pro-
gram at Sciences Po in Paris.
At the Biennale, Fettaka is leading an art
workshop revolving around Mohamed Leftah’s
posthumous novel Le dernier combat du cap-
itaine Ni’mat, which was banned in Moroc-
co and later awarded the Mamounia Prize
(2011). On the occasion of a dialogue with
political scientists and sociologists, Fettaka will
also screen his documentary film Le vote, an
ethnography of the electoral disorder in Tangi-
er during the 2007 election campaign.
Literature –
Artist Biographies
Littérature –
Biographies des artistes
Sophia Hadi
Nabyl Lahlou retrace ainsi la riche biogra-
phie de Sophia Hadi : « Mettre en scène So-
phia Hadi au théâtre est un bonheur car c’est
elle qui nourrit mon imaginaire par le doute
qui l’habite pendant les répétitions. Quant au
cinéma, jamais je ne serais allé jusqu’au bout
de mes films, sans son soutien, en vraie assis-
tante, à tous les niveaux ».
Au cinéma, Hadi a joué les rôles princi-
paux féminins dans six longs métrages, de
L’âne qui brait (1983), à Regarde le roi dans
la lune (2012). Au théâtre, elle a interprété les
rôles principaux dans une dizaine de pièces
de théâtre dont Ophélie n’est pas morte, En
Attendant Godot, Le Procès
de Socrate. « Elle demeure
pour moi la magistrale et
magnifique Antigone de Jean
Anouilh, l’étonnant et puis-
sant Imbrator Schrischmatury
et le troublant Clamence dans
La Chute d’Albert Camus »,
explique Nabyl Lahlou.
Hadi participe à la Biennale
par la lecture, en français,
d’extraits de deux textes lit-
téraires : La Saison de migration vers le Nord
de Tayeb Saleh et Le Dernier Combat du capi-
taine Ni’mat de Mohamed Leftah.
Imane Zerouali
Depuis l’âge de 18 ans, Imane Zerouali (née en
1970) se rend rituellement au Festival d’Avi-
gnon, d’abord dans le cadre des rencontres in-
ternationales organisées par les CEMEA, puis
dans le cadre des ateliers de pratique théâtrale,
afin d’apprendre, par l’émerveillement, la pra-
tique et la critique, à aller au-delà du convenu.
Dès 1988, elle s’est distinguée dans les festivals
de théâtre universitaire, non seulement comme
comédienne primée mais également comme
adaptatrice, en Darija, de textes majeurs
comme Mère Courage de Bertold Brecht ou Ti
Jean’s and his brothers de Derek Walcott.
Dans l’intervalle, multipliant les stages de
perfectionnement, assistant à des master class
Literature –
Artist Biographies
Sophia Hadi
Looking back at Sophia Hadi’s rich life,
Nabyl Lahlou has said that directing her in the
theater “is a pleasure because she’s the one
who feeds my imagination through the doubts
that haunt her during rehearsals. As for cin-
ema, I would never have finished any of my
films without her support, as a true assistant,
at every level.”
In cinema, Hadi has played female lead
roles in six feature films, from L’âne qui brait
(1983) to Regarde le roi dans la lune (2012).
In the theater, she has played lead roles in
ten plays, including Ophelia is Not Dead,
Waiting for Godot, and The Trial of Socrates.
Lahlou explains, “To me she
will always be the masterful
and magnificent Antigone
by Jean Anouilh, the stun-
ning and powerful Imbrator
Schrischmatury and the trou-
blilng Clamence in The Fall
by Albert Camus.”
Hadi is participating in
the Biennale by reading ex-
tracts from two literary texts in
French: Season of Migration
to the North by Tayeb Saleh and Le Dernier
Combat du capitaine Ni’mat by Mohamed Lef-
Imane Zerouali
Since the age of 18, Imane Zerouali (b.
1970) has made it a ritual to attend the Av-
ignon Festival, initially in the context of inter-
national meetings organized by the CEMEA,
then in the context of practical theater work-
shops, in order to learn—through practice,
criticism, and a sense of wonder—how to go
beyond convention. In 1988 she started gain-
ing recognition in university theater festivals,
not only as an award-winning actress but also
for her Darija adaptations of major texts like
Mother Courage by Bertold Brecht and Ti-Jean
and His Brothers by Derek Walcott.
Since then, by taking several advanced
courses, attending very informative master
très formatrices et jouant sous la direction de
metteurs en scène aux visions diverses, elle a
su affiner son style, s’inspirant entre autres de
l’Espace Vide de Peter Brook ainsi que de la
mémoire émotionnelle de Stanislavsky.
Elle a patiemment construit son projet
d’école de théâtre, en initiant de jeunes comé-
diens et animateurs au métier de pédagogues
de l’art, ayant le souci de transmettre les tech-
niques du jeu théâtral aux plus jeunes. Elle
a, au demeurant, régulièrement monté des
spectacles surprenants comme Vagues à l’âme
(2000), Le Saint des incertains (2002), Para-
dise Blues (2005), Goullou… ! (2011) avec sa
troupe Arts Academy.
A la Biennale, Zerouali
présente une lecture esthéti-
quement sobre de la pièce de
théâtre Incendies de Wajdi
Littérature –
Biographies des artistes
classes, and acting under directors with di-
verse visions, she has succeeded in refining
her style, and has taken inspiration from such
works as The Empty Space by Peter Brook and
Stanislavsky’s moving memoir.
With a desire to transmit theater-acting
techniques to the very young, Zerouali pa-
tiently built her own theater school project,
introducing young actors and presenters to the
profession of art teacher. She has also regu-
larly produced surprising shows like Vagues à
l’âme (2000), Le Saint des incertains (2002),
Paradise Blues (2005), and Goullou… !
(2011) with her troupe Arts Academy.
For the Biennale, Zerouali presents an aes-
thetically sober reading of
the play Incendies by Wajdi
Literature –
Artist Biographies
82 83
Artwork in
– Khalid Tamer
des œuvres au
sein des espaces
– Khalid Tamer
des artistes
Performing Arts –
Presenting Artwork
in Public Spaces
– Khalid Tamer, Performing Arts Curator
Everywhere in the world, including Morocco, the question
of art in public spaces is generating new interest. It arises in
contexts where aggressive, unrestricted urbanization—wild in
some areas—is causing cities to lose their historic, cultural, and
architectural identities, as well as their capacity to create social
“A magical place for sociability,” “the future of humanity”:
these are the words used by writers in love with Marrakech
who, three decades ago, had already recognized the Ochre
City’s ability to position itself at the vanguard of creation, be-
cause for several centuries it had already been at the cutting
edge of another way of living together in public spaces.
WHERE ARE WE NOW? Marrakech Biennale 5 and Awaln’art
are joining forces to reexamine this question. To offer a new
experience of the city and its public spaces to inhabitants,
spectators, and passersby through an open, contemplative,
participatory process. Contemporary art is shared, stimulates
imagination and thought, and involves the public in the indi-
vidual and collective production of a new aesthetic born of the
intimate and sensory experience of a public space invested
with new charm and meaning.
Arts Vivants –
Présentation des œuvres
au sein des espaces publics
– Khalid Tamer, Commissaire Arts Vivants
Partout dans le monde, y compris au Maroc, la question de l’art
au sein de l’espace public suscite de nouveaux intérêts. Celle-
ci s’inscrit dans des contextes où l’urbanisation agressive, sans
limite, parfois sauvage dans certains endroits, fait perdre aux
villes leurs identités historique, culturelle, architecturale autant
que leur capacité à générer du lien social.
« Lieu magique de sociabilité », « avenir de l’humanité », tels
sont les mots employés par des écrivains amoureux de Mar-
rakech qui, il y a trois décennies déjà, décelèrent la capacité de
la ville ocre à se positionner à l’avant-garde de la création, parce
qu’elle était déjà, depuis plusieurs siècles, à la pointe d’une
autre manière de vivre ensemble dans les espaces publics.
5 et Awaln’art s’associent afin de renouveler ce questionnement.
Pour offrir aux habitants, passants et spectateurs une nouvelle
expérience de la ville et de ses espaces publics à travers un par-
cours libre, contemplatif et participatif. L’art contemporain se
partage, stimule l’imagination et la réflexion, associant les pu-
blics à la fabrication, individuelle et collective, d’une esthétique
nouvelle, née de l’expérience intime et sensorielle de l’espace pu-
blic réenchanté et porteur de sens à nouveau.
Arts Vivants –
des artistes
Philippe Allard et M’Barek Bouhchichi
Forêt est un lieu de méditation cubique
composé de 650 palettes de bois recyclé,
représentant, avec ses quatre points cardinaux,
la rencontre et la connexion des territoires du
Canada. Présenté au festival d’art du Canal Ri-
deau 2011 à Ottawa, Forêt est aussi, à plus pe-
tite échelle, ce qu’elle était avant que ce canal
soit creusé : une forêt.
Cette installation impro-
bable met en valeur la fonc-
tion initiale de la palette, qui
est de supporter. Objet à l’ap-
parence banale, elle est pour-
tant essentielle partout : sans
elle il serait difficile de trans-
porter une multitude d’objets
en grande quantité. Sous le
regard de l’artiste visuel Phi-
lippe Allard, accompagné de
M’Barek Bouhchichi, la palette se supporte
elle-même, et filtre la lumière comme à travers
les branches d’un arbre, revenu à sa source
Issu de la sculpture monumentale in situ,
l’art de Philippe Allard aborde principalement
l’installation. Sa demarche s’inspire de l’arte
povera ; il récupère des matériaux et objets
trouvés, accessibles en grande quantité. Il s’in-
téresse à l’impact des activités humaines sur
leur environnement. En ce sens, il étudie une
société de consommation qui rejette l’usure
et craint le passage du temps ainsi que les
conséquences engendrées par ses habitudes de
consommation. En détournant les fonctions
premières des matériaux récupérés, l’artiste
cherche à en prolonger le sens dans un sys-
tème, celui de l’art en l’occurrence, auxquels
ils n’étaient pas destinés.
En utilisant différents médiums, peinture,
Performing Arts –
Philippe Allard and M’Barek Bouhchichi
Forêt (Forest) is a cubic space for medi-
tation composed of 650 palettes of recycled
wood, its four cardinal points representing the
meeting of Canadian territories. Presented at
the 2011 Rideau Canal art festival in Ottawa,
Forêt is also a smaller-scale version of what
existed before the canal was dug: a forest.
This unlikely installation
highlights the primary func-
tion of the palette, which is to
support. At first a seemingly
banal object, it is neverthe-
less essential everywhere:
without the palette it would
be difficult to transport many
objects in mass quantity. In
artist Philippe Allard’s and
M’Barek Bouhchichi’s vision,
the palette supports itself, fil-
tering light as if through the branches of a tree,
symbolically returned to its source.
Deriving from monumental site-specific
sculpture, Philippe Allard’s art principally deals
with installation. His approach is inspired by
Arte Povera; he recuperates found objects and
materials accessible in large quantities. He is
interested in the impact of human activities on
their environments. In this way he examines a
consumer culture that rejects the wear-and-tear
of material goods and fears the passage of
time as much as the consequences of its con-
sumption habits. By redirecting the primary
functions of recuperated materials, the artist
repurposes their meaning for a second-hand
art for which they were never destined.
Using different media, including paint-
ing, three-dimensional space, and drawing,
among others, M’Barek Bouhchichi disman-
tles standard narratives and reimagines them
volume ou dessin, M’Barek Bouhchichi dé-
monte le récit ré-imaginé envers des univers
et des questions qui l’interpellent. Il place ses
œuvres à la croisée de l’esthétique, du pictural
singulier, du social, en explorant des champs
d’associations possibles comme possibilités de
ré-écriture personnelle. La découverte d’autres
champs imaginaires est une question impéra-
tive dans sa démarche artistique.
Bouhchichi s’est forgé, d’une exposition à
l’autre, une identité plastique consciente. Pour
avoir exposé dans différentes galeries, tant au
Maroc qu’à l’extérieur, son travail plastique
est loin d’appartenir à une seule culture, l’ar-
tiste se voulant lui-même un être collectif. Il ne
peut ainsi affilier son œuvre
à une seule culture qui serait
exclusive des autres cultures,
auxquelles l’artiste se dit re-
Arts Vivants –
Biographies des artistes
in the context of questions that compel him.
He places his works at the intersection of the
aesthetic, of a singular pictorial practice, and
of the social, exploring potential interstices as
means of re-writing the self. The discovery of
imaginary fields is an urgent question in his
artistic process.
Bouchichi has forged an artistic identity
of social consciousness across his exhibitions.
Although he has shown in various galleries,
as much in Morocco as abroad, his work is
far from belonging to one sole culture; instead
the artist sees himself as a collective individ-
ual. He does not affiliate his work with one
sole culture at the exclusion of others to which
the artist considers himself in-
Performing Arts –
Artist Biographies
Arts Vivants –
Biographies des artistes
Sandrine Dole
L’Oasis de Sandrine Dole est un îlot de
bancs publics végétalisés. Elle offre aux pas-
sants un moment de détente, d’intimité, de
nature, de poésie, et de fraîcheur au milieu du
tumulte urbain. L’implantation est une perfor-
mance, grâce à l’intervention d’un artiste du
spectacle sur un fond sonore oasien.
Lorsque l’Oasis disparaît, son souvenir in-
vite les autorités locales à revisiter l’aménage-
ment du site en particulier, et de l’espace public
en général, à long terme.
L’Oasis propose d’explorer une autre
forme d’aménagement que celui couramment
pratiqué au Maroc, en prenant en compte les
pratiques sociales locales.
L’œuvre permet d’interagir
avec le site, sans le réduire à
une disposition rectiligne sys-
tématique, exploitant la vé-
gétation au-delà de sa simple
fonction décorative.
Dole exerce dans une lo-
gique de développement du-
rable qu’elle a nommée «
design in situ ». Elle rayonne
depuis 1999 en Afrique,
d’abord à partir du Cameroun, puis du Maroc
où elle s’est installée en 2006. Elle se nourrit
des coutumes ancestrales, mais aussi des mou-
vances actuelles, sans pour autant oublier les
enjeux environnementaux et les contraintes
économiques. Spécialisée en artisanat, elle ex-
plore ce secteur avec une curiosité insatiable et
une rigueur toute industrielle. Elle fait feu de
tout bois, des matières nobles aux matériaux
recyclés : céramique, cuir, caoutchouc, metal
ou fibres. Elle met son grain de sel partout :
objets de ville, de jardin, de maison, de mode
ou de mémoire. Elle tisse le lien avec d’autres
disciplines créatives : architecture, paysagisme,
installation, photographie, vidéo, graphisme et
arts de rue.
Performing Arts –
Artist Biographies
Sandrine Dole
Sandrine Dole’s Oasis is a little island of
public benches that have been planted with
vegetation. It offers passersby a moment of
relaxation, intimacy, nature, poetry, and fresh-
ness amid urban tumult. The vegetal planting
is a performative act, undertaken by an art-
ist, accompanied by an oasis-like sound in
the background. When Oasis disappears, its
memory will invite local authorities to revisit
the long-term planning of this particular site,
and of public space in general.
Oasis suggests the exploration of an alter-
nate form of city planning than that currently
practiced in Morocco, which would take into
consideration local, social
practices. The work allows
public interaction with the
site, without reducing it to a
systematic, rectilinear layout,
exploiting vegetation beyond
its simple decorative function.
Dole practices, within
the context of sustainable
development, what she calls
“design in situ.” Since 1999
she has been gaining visibil-
ity in Africa, first in Cameroon, and then in
Morocco, where she has been based since
2006. She draws on ancestral traditions as
well as contemporary sources, while keeping
sight of environmental stakes and economic
constraints. An arts and crafts specialist, she
explores this area with insatiable curiosity and
industrial rigor. She uses all the resources at
her disposal, from luxury to recycled materi-
als, including ceramics, leather, rubber, metal,
and fiber. She intervenes everywhere: the city,
the garden, the home, fashion, and memory;
she forges links to other creative disciplines:
architecture, landscape, installation, pho-
tography, video, graphic art, and street art.
Les Scotcheurs éclairés
Scotchage sauvage est une performance
intime dans l’espace public qui propose aux
passants d’abandonner dans le paysage une
empreinte de leur corps, telle une chrysalide.
Sculpteurs du monde entier, les scotcheurs
éclairés parlent le « polop » et partagent cette
même obsession : traquer l’intime et le révéler.
Ce commando de sculpteurs arpente la ville,
s’installe dans un jardin ou dans un bar, à l’af-
fût de corps à scotcher.
Le procédé des scotcheurs consiste à figer
les passants, en réalisant une empreinte de leur
corps en direct. La chrysalide reste ainsi sai-
sie dans le paysage du mobilier urbain. Puis,
une à une, les chrysalides ap-
paraissent comme un peuple
étrange, traversé par la lu-
mière en mouvement : c’est
l’installation lumineuse. A la
tombée de la nuit, les mues
des passants reprennent vie
l’espace d’un instant lors de
l’illumination, à laquelle le
public est invité.
Systèmes K Etudes et Me-
sures Ephémères consiste en
une équipe de comédiens, plasticiens, scéno-
graphes, qui créent à partir d’un environne-
ment, intérieur ou extérieur, public ou privé.
Un Collectif de théâtre tout terrain, qui
piste l’intime dans l’espace public, présente
des performances issues d’une démarche sin-
gulière d’écriture, impliquant les spectateurs
dans une dynamique originale : ses comédiens
réinventent la relation au public dans l’espace.
Arts Vivants –
Biographies des artistes
Les Scotchers éclairés
Scotchage Sauvage (Savage Taping) is an
intimate performance in public space that asks
passersby to leave an imprint of their body in
the landscape, like a chrysalis. The Scotchers,
sculptors from around the world, speak “pol-
op” and share a common obsession: to track
and reveal the intimate. This commando unit
combs the city, installing itself in a garden or a
bar, lying in wait for bodies to tape.
The tapers’ process consists of freezing
passersby, by wrapping voluntary participants
in many layers of ordinary plastic packing
tape, forming a shell. This chrysalis remains
captured in the landscape of urban forms.
Then, one by one, the chrys-
alises appear like a strange
people, reflecting the move-
ment of light in a luminous
installation. At nightfall, the
molted shells of the passersby
come back to life momentar-
ily during an illumination to
which the public is invited.
Systemes K Etudes et
Mesures Ephémères is a team
of actors, artists, and scenog-
raphers who create based on an environment,
interior or exterior, public or private.
The Collectif de Théâtre Tout Terrain
(All-Terrain Theater Collective) which tracks the
intimate in public space, presents performanc-
es that emerge from a specific writing process,
one that involves spectators in the generative
dynamic: the actors reinvent the relationship to
the audience in public space.
Performing Arts –
Artist Biographies
90 91
Reinventing the
Boundaries of
– Jamal Abdennassar
Carte Blanche at
the Cinémathèque de Tanger
– Malika Chaghal
Ré-inventer les
territoires de
– Jamal Abdennassar
des artistes
Carte Blanche à
la Cinémathèque de Tanger
– Malika Chaghal
Cinema &
Cinéma &
Cinema & Video –
the Boundaries of Images
– Jamal Abdennassar, Cinema & Video Curator
At the heart of the question, “Where are we?” lies a WHERE,
the designation of a space. A space of image modernization
that is creative and geographical, rendering it a contemporary
territory for re-creation. Without doubt, this aspect of territory
has influenced the selection of visual works presented at Mar-
rakech Biennale 5.
Art, as an innovative offering, seeks to go beyond the limits of
concepts at the boundaries of identity and universality. At the
core of this process, artists are confronted by the question of
territory, be it geographical or cultural territory, the territory of
identity, or even that of a vision projected on the world around
Territory thus becomes an aid to innovation, the consciousness
of which finds its full meaning at the heart of video. Video is a
space belonging to the artist, which he or she connects to his
or her immediate environment, to the designated environment,
in order to extract the difference from it. This compels artists to
assimilate and learn the prevailing language, creating a territo-
ry in which they reinvent themselves.
Image territories remain numerous and unlimited, to the point
that they become a part of works of art. The dialogical space
is rooted in these territories in such a way that it becomes a
bearer of signifiers in the world of contemporary art.
The relationship of artists to their identities, or to their culture,
raises the question of self-narration and freedom of interpre-
tation. Individualities and visions become an offering, raising
unavoidable questions about the perspectives of the images
and other creations within their geographical space.
Cinéma & Vidéo –
les territoires de l’image
– Jamal Abdennassar, Commissaire Cinéma & Vidéo
Au cœur de la question « Où sommes-nous ? » ressort la ques-
tion du OÙ désignant un espace. Un espace créatif et géogra-
phique de l’actualisation de l’image. Cet espace devient alors
un territoire contemporain de re-création. C’est, sans conteste,
cet aspect du territoire qui guide le choix des œuvres visuelles
présentées à cette Biennale de Marrakech 5.
L’art, en tant que proposition novatrice, veut franchir les li-
mites des concepts aux frontières de l’identitaire et l’universel.
Au cœur de cette démarche, la question du territoire s’impose
aux artistes, qu’il soit géographique, identitaire, culturel, ou en-
core projection d’une vision sur le monde qui nous entoure.
Le territoire devient ainsi support d’innovation. Cette prise de
conscience du territoire prend tout son sens au cœur de la vidéo.
Elle constitue un espace propre à l’artiste lié à son environne-
ment immédiat, à l’environnement désigné, pour en extraire la
distinction. Ceci poussant les artistes à assimiler et apprendre
le langage dominant, créant ainsi un territoire dans lequel ils se
Les territoires de l’image restent nombreux et illimités, jusqu’à
prendre part dans l’œuvre artistique. Dès lors, l’espace de dia-
logue retrouve son enracinement dans ces territoires, de manière
à devenir porteur de signifiant dans le monde de l’art contem-
Le rapport des artistes à leurs identités, ou encore à leur culture,
pose la question de la narration de soi et la liberté de l’interpré-
tation. Individualités et visions deviennent dès lors une propo-
sition, un questionnement inévitable autour des perspectives de
la création et de l’image au sein de leur espace géographique.
Mention of the Jury at the Clermont-Ferrand
Festival (the most important short film festival
at the international level)—his work is now dis-
tributed in France on DVD by FNAC. He has
since been working on feature-length projects
with Paris-based production companies.
Amir Rouani
Amir Rouani, 30, is an artistic director
working in advertising. He first got his hands
on a camera at the age of 16, and it has
since become his third eye. Rouani made his
debut working for Moroccan TV, initially on
the sports channel and then directing commer-
cials, as well as television programs and mi-
ni-series. Jezebel, his first short film, convinced
him to make cinema his life, his way of life,
his religion, his inspiration, his ideal, and his
It is this film that Rouani presents at the Bi-
ennale. It is the story of Malik and Réda, life-
time friends. Malik has become a doctor and
married Nadia, a mutual friend, while Réda is
now a night owl prey to various vices. Theirs
is a triangular relationship: friendly, intimate
but also slightly unnerving for Malik. To lay his
doubts to rest, he must enlist the help of Maya
whose methods prove to be incisive. Friend-
ship and betrayal give rise to revenge.
Cinema & Video –
Hicham Ayouch
Born in 1976 in Paris, Hicham Ayouch
began his career as a journalist, and then
studied filmmaking at l’École des Gobelins,
Paris. He directed various corporate and
promotional films before beginning to write
screenplays. In 2005 he created the documen-
tary Les Reines du roi (The King’s Queens) on
the status of women in Morocco, and in 2006
Poussières d’ange (Angel Dust) on mentally
handicapped athletes, before directing his de-
but feature-length, fictional film Les Arêtes du
cœur (Edges of the Heart). His second feature
film, Fissures (2008) was presented at several
festivals, before being shown at MoMA, New
York and at Tate Modern, London. He has just
finished directing his third feature film, Fièvres
(Fever), which will be released in France in
For the Biennale, Ayouch presents Fissures.
The film is set in Tangier, a mysterious and be-
witching city where three drifters in search of
love and freedom meet and fall in love: Ab-
delsellem, a broken man fresh out of prison;
Noureddine, his best friend; and Marcela, a
capricious, excessive, suicidal Brazilian.
Ismaël El Iraki
Born in Rabat in 1983, Ismaël El Iraki
enrolled in the École nationale supérieure de
cinéma La Fémis in 2004, after studying phi-
losophy and film theory at the Sorbonne. He
was the first Moroccan student to enroll in the
directing department of the prestigious Paris-
ian school, and his short and feature-length
films retain this personal connection to Moroc-
can soil. As a result of the success of his short
films—Carcass received plaudits at Cannes
and Montreal, and Harash was awarded the
prizes for Breakthrough Talent and Special
mondial), ses travaux sont diffusés en DVD en
France par la FNAC. Il développe depuis ses
projets de longs-métrages avec des sociétés de
production parisiennes.
Amir Rouani
Amir Rouani, 30 ans, est un directeur ar-
tistique en publicité. La caméra s’est imposée
à lui à l’âge de 16 ans ; elle est devenue de-
puis son troisième œil. Il débute alors par un
passage à la télévision marocaine, d’abord sur
la chaîne sportive puis dans la réalisation de
spots publicitaires et émissions de télévision ou
encore de mini-séries. Jezebel est son premier
court-métrage, d’où sa décision de faire du ci-
néma sa vie, son mode de vie, sa religion, son
inspiration, son idéal et son absolu.
Lors de la Biennale, il présente ce film, his-
toire de Malik et Réda, amis depuis toujours.
Le premier est devenu médecin et s’est marié
à Nadia, une amie commune, alors que le se-
cond est devenu un oiseau de nuit aux vices
multiples. La relation est triangulaire, amicale,
intime mais légèrement sournoise aux yeux de
Malik. Pour couper court à ses doutes, celui-ci
fera appel à Maya dont les méthodes s’avèrent
tranchantes. Amitié et trahison susciteront la
Cinéma & Vidéo –
des artistes
Hicham Ayouch
Né en 1976 à Paris, il commence sa car-
rière en tant que journaliste, puis se forme à la
prise de vue à l’École des Gobelins, Paris. Il ré-
alise ensuite de nombreux films institutionnels
et publicitaires avant de se lancer dans l’écri-
ture de scénarios. En 2005, il tourne le film
documentaire Les Reines du roi (2005) sur le
statut de la femme au Maroc, puis Poussières
d’ange (2006) sur des sportifs handicapés men-
taux. Puis il écrit et réalise son premier long
métrage de fiction, Les Arêtes du cœur. Son
deuxième long-métrage, Fissures (2008), est
présenté dans de nombreux festivals, avant
d’être projeté au MOMA de New-York et à
la Tate Modern de Londres. Il vient de réaliser
son troisième long-métrage, Fièvres, qui sorti-
ra en France en 2014.
Pendant la Biennale, Ayouch présente Fis-
sures. Le film se déroule à Tanger, ville mysté-
rieuse et magique où trois marginaux en quête
d’amour et de liberté vont se rencontrer et s’ai-
mer : Abdelsellem, un homme brisé qui sort
de prison, Noureddine, son meilleur ami, et
Marcela, une Brésilienne fantasque, excessive
et suicidaire.
Ismaël El Iraki
Né à Rabat en 1983, Ismaël El Iraki intègre
l’École nationale supérieure de cinéma La Fé-
mis en 2004, après des études de philosophie
et de théorie du cinéma à la Sorbonne. Premier
étudiant marocain à intégrer la section réali-
sation de la prestigieuse école parisienne, ses
films sont toujours liés au sol marocain. Grâce
au succès de ses courts-métrages, Carcasse,
primé à Cannes et à Montréal, et Harash, prix
Attention talent et mention spéciale du jury
au Festival de Clermont-Ferrand (le plus im-
portant festival de courts-métrages au niveau
Soukeina Hachem
Soukeina Hachem is an interior architect and
designer born and raised in Casablanca. She
says, “Inspired by the detail and authenticity
of the present moment, I like to believe that
nothing is ordinary and that the essential is
often perceived by means other than sight.”
For the Biennale, Hachem presents the vid-
eo Perception. Does the color red exist? This
work casts doubt on reality and its multiple
facets, and on the subjective nature of the in-
dividual relative to his or her perception. We
find ourselves in a world where the color red
is inexistent, unknown, unnoticed, somewhere
between dream and reality.
Yasmine Hajji
Born in Paris to a French mother and Mo-
roccan father, Yasmine Hajji quickly became
interested in images. Having studied film and
gained experience in video editing, she now
creates short videos and video installations for
Moroccan art groups. Her video Skin, shown
at the exhibition Corps et figure du corps at
Société Général and the Cannes Film Art Fes-
tival, considers the limits of our relationship to
the bodies of others. Another work, Matesha
revolution, represents society by a series of fig-
ures carrying the same message of anger.
Hajji is currently working on Damage
House, an installation project presenting the
ephemeral human body. At the Biennale, she
presents this video installation, which takes the
form of multiple projections in a squalid, un-
occupied apartment block. The images reflect
each other insofar as they are driven by the
same goal: that of showing the daily lives of
various people over a given period of time;
lives that are chosen, and enacted, by these
people. Nevertheless, the images remain in-
Cinema & Video –
Artist Biographies
Hassan Darsi
Hassan Darsi’s art, developed out of mul-
tiple processes and media, is strongly shaped
by his experience, his daily life, and his envi-
ronment. It often takes the form of participa-
tory projects. Darsi founded La Source du Lion
(Source of the Lion) atelier in Casablanca in
1995. In 1999 he began working with gild-
ing, his favorite material being a golden adhe-
sive that he uses to cover objects—dolls, gar-
den chairs, television sets, tanks, teeth—but
also public spaces, like the facade of a Casa-
blanca art gallery (2007), the concrete blocks
of the pier in Tenerife’s Guia de Isora (2008),
and those of the jetty in the port of Marseille
(2012). In 2001, he began the series Portraits
de famille (Family Portraits, 2001–2009), ask-
ing the inhabitants of eight cities across the
world to pose in his mobile studio. A project
he initiated in Hermitage Park in Casablanca
(2002–2008), which comprised of a series of
artistic “bridges,” marked the beginning of a
sequence of activity and works linked to ques-
tions about the city, architecture, and public
space, including Le lion se meurt (Death of the
Lion), Le passage de la modernité (The Pas-
sage of Modernity), Le square d’en bas (The
Square Downstairs), Point zéro (Zero Point), Le
toit du monde (The Roof of the World), and
Chantiers en or (Golden Worksites).
Parallel to these projects, Darsi has tak-
en part in numerous international exhibitions
in art centers, museums, and biennales. His
work has been the subject of diverse studies
and publications across the globe, and is dis-
played in various public and private collec-
tions in Morocco and abroad. His Le Projet de
la Maquette (Maquette Project) was acquired
recently by the Centre Georges Pompidou,
Soukeina Hachem
Architecte d’intérieur et designer, Soukei-
na Hachem est née et a grandi à Casablanca.
Inspirée par le détail et l’authenticité de l’ins-
tant présent, elle estime que « rien n’est ordi-
naire », et que « l’essentiel est souvent percep-
tible autrement que par la vue ».
A la Biennale, Hachem présente la vidéo Per-
ception. Le rouge existe ou n’existe-t-il pas ?
Cette œuvre est une remise en question de la
réalité et de ses multiples facettes, de la sub-
jectivité de l’être par rapport à sa perception.
Nous nous retrouvons plongé dans un monde
où le rouge n’existe pas, inconnu, inaperçu
entre le rêve et la réalité.
Yasmine Hajji
Née à Paris, d’une mère française et d’un
père marocain, Yasmine Hajji s’intéresse rapi-
dement à l’image. Suite à des études cinéma-
tographiques et une expérience dans le mon-
tage, elle conçoit des vidéos et des installations
vidéo pour des groupes marocains. La vidéo
Skin, diffusée à l’exposition Corps et figure
du corps à la Société Général et au festival
d’Art vidéo de Cannes, pose la question des
limites de notre rapport au corps de l’autre.
Avec Matesha revolution, c’est le corps social
qui est représenté à travers une série de figures
portant le même message, celui de la colère.
Actuellement, Hajji travaille sur un pro-
jet d’installation Damage House mettant en
scène le corps éphémère. Dans la cadre de la
Biennale, Hajji montre cette installation, qui
se présente sous la forme de projections multi-
ples dans un immeuble inoccupé et insalubre.
Les images se font écho dans la mesure où elles
naissent de la même intention, celle de mon-
trer le quotidien vécu par différentes personnes
dans un temps donné, un quotidien choisi par
Cinéma & Vidéo –
Biographies des artistes
Hassan Darsi
L’activité artistique de Hassan Darsi, qui
est fortement imprégnée par son vécu, son
quotidien et son environnement, se développe
à partir de processus de travail et de médias
multiples. Elle prend souvent la forme de pro-
jets participatifs. En 1995, Hassan Darsi fonde
à Casablanca le projet La source du lion. A
partir de 1999, il entreprend un travail sur la
dorure, utilisant comme matériau de prédilec-
tion un adhésif doré dont il recouvre des objets
– poupées, chaises de jardin, téléviseurs, tanks,
dents… - mais aussi des lieux publics, comme
la façade d’une galerie d’art de Casablanca en
2007, les blocs en béton de la jetée du port de
Guia de Isora à Ténérife en 2008 et, en 2012,
ceux de la jetée du port de Marseille. En 2001,
il initie la série Portraits de famille en propo-
sant aux habitants de huit villes dans le monde
de poser dans son studio ambulant, de 2001 à
2009. Le projet du parc de l’Hermitage (2002-
2008), qui prend la forme de passerelles artis-
tiques, marquera le début d’une série d’actions
et de travaux liés à des questionnements sur la
ville, l’architecture et les espaces publics : Le
lion se meurt, Le passage de la modernité, Le
square d’en bas, Point zéro, Le toit du monde,
Chantiers en or…
Parallèlement à ces projets, il a participé
à de nombreuses expositions internationales
dans des centres d’art, des musées et des bien-
nales. Ses œuvres ont fait l’objet de plusieurs
études et publications à travers le monde ; elles
sont présentes dans de nombreuses collections
publiques et privées au Maroc et à l’étranger.
Récemment, Le Projet de la Maquette est en-
trée dans la collection du Centre Georges Pom-
pidou à Paris.
Cinema & Video –
Artist Biographies
dependent of one another, united only by
site—the building. The squalor of the apart-
ment block finds an echo in the aesthetics of
the images and their content, reflections of a
life lived in spite of everything.
Mohammed Laouli
Born in 1972 in Salé, where he lives and
works, Mohammed Laouli studied philosophy
at university. His work was the subject of solo
exhibitions at Rabat Villa des Arts (2011) and
Kenitra French Institute (2010). He has partic-
ipated in several group exhibitions, including
global aCtIVISm, ZKM Center for Art and Me-
dia, Karlsruhe (2013); One Hope Map, Cul-
tuurcentrum, Bruges; The Moroccan Mix,Victo-
ria & Albert Museum, London (2012); Travail
Mode d’Emploi, Centrale for Contemporary
Art, Brussels (2012); Between Walls, Rabat;
Plpac, Rabat French Institute (2012); The Off,
Brussels International Book Fair (2008); and
In Water We Trust for the Le Bocal Agite pro-
ject, in partnership with the Goethe Institute
and the French Cultural Centre (2007). He has
been invited by several art centers, including
Pakavait Studio, Moscow (2005); Spring of
Visual Arts, Rabat (2009); Ecole Supérieure
des Beaux-Arts, Marrakech (2010); Paris In-
ternational City of Arts (2011); and The Cube,
an independent art room in Rabat (2013).
In the artist’s statement, his work “is the
starting point for an endogenous, top-down
examination of the world around him. He
explores phenomena that traverse, distort, or
mark society. While his thought process does
include an element of political engagement,
Laouli’s approach is non-discursive. He does
not pretend to be a counselor, teacher or politi-
cian. He seeks simply to explore his vision and
awareness, moment by moment, wandering
through streets, structures and wastelands.”
Cinéma & Vidéo –
Biographies des artistes
ces personnes et joué par elles. Néanmoins,
les images restent indépendantes les unes des
autres, seul les réunit le lieu, l’immeuble. A
l’insalubrité du lieu répondent l’esthétique de
l’image et son contenu, reflets d’une vie vécue
malgré tout.
Mohammed Laouli
Né en 1972 à Salé où il vit et travaille, Mo-
hammed Laouli a suivi des études de philoso-
phie. Deux expositions individuelles lui ont été
consacrées à la Villa des Arts de Rabat en 2011
et à l’Institut Français de Kenitra en 2010. Il
a participé à plusieurs expositions collectives,
dont global aCtIVISm au ZKM, musée d’art
contemporain de Karlsruhe en Allemagne, en
2013, One Hope Map au Culturecentrum de
Bruges en Belgique, The Morrocan Mix au
Victoria & Albert Museum de Londres 2012,
Travail Mode d’Emploi à la Centrale Electric
for Contemporary Art à Bruxelles en 2012,
Between Walls à Rabat, Plpac à l’Institut
Français de Rabat en 2012, The Off à la Foire
Internationale du Livre de Bruxelles en 2008
et In water we trust pour le projet Le Bocal
Agite en partenariat avec l’Institut Goethe et
le Centre Culturel Français en 2007. Il a été
invité par plusieurs centres d’art, dont le Stu-
dio Pakavait à Moscou (2005), le Printemps
des arts visuels à Rabat en 2009, l’École Supé-
rieure d’Art visuel de Marrakech en 2010, la
Cité internationale des arts de Paris en 2011
ou encore Le Cube, indépendant art room, de
Rabat en 2013.
Selon Mohammed Laouli, son travail
« pose les prémices d’une lecture endogène
et verticale de ce qui l’entoure. Il explore des
phénomènes qui traversent, estropient ou
marquent sa société. Si sa réflexion contient
une part d’engagement, le propos de Moham-
med Laouli est non discursif. Il ne s’improvise
pas prescripteur, donneur de leçon ou homme
politique. Il déploie simplement son regard et
son sentiment, par instants, au détour d’une
rue, d’une bâtisse ou d’une friche ».
Cinema & Video –
Artist Biographies
Hicham Ayouch, As They Say, 2011.
Courtesy of the artist
Mohammed Laouli, Everything Is Sacred, 2012.
Courtesy of the artist
Hicham Ayouch, Fissures, 2008.
Courtesy of the artist
Mohammed Laouli, Untitled, 2012.
Courtesy of the artist
Mohammed Laouli, Golf Project, 2012.
Courtesy of the artist
Cinéma & Vidéo –
Biographies des artistes
Soukeina Hachem, Perception, 2011.
Courtesy of the artist
Yasmine Hajji, Damage House, 2013.
Courtesy of the artist
Hassan Darsi, Une heure au chevet du lion, 2005.
Courtesy of the artist and La Source du Lion
Amir Rouani, Jezebel, 2013.
Courtesy of the artist
Ismaël El Iraki, Harash, 2009.
Courtesy of the artist
Cinema & Video –
Carte Blanche at
the Cinémathèque de Tanger
– Malika Chaghal, Managing Director of Cinémathèque de Tanger
In 2007 the Cinémathèque de Tanger opened its doors on
Grand Socco square, in the center of the historic city, after car-
rying out a heritage regeneration project involving an architec-
tural restoration that has set a precedent locally and nationally.
Today, this cultural institution—one of a kind in northern Mo-
rocco—is proud to screen the best of classic and contemporary
cinema. The Cinémathèque is more than just a movie theater. It
has become a lively space dedicated to the seventh art and its
culture, enriching the lives of locals by exposing them to other
Thanks to its film programs, educational workshops, and con-
ferences, as well as its library and bar, it allows Tangier to be
part of the contemporary world all year round.
Today the promotes activities at the intersection of cinema, art,
and culture. It is a place where cinema, in all of its forms and
genres, is a tool, a platform for discussion and reflection.
Why this Carte Blanche at the Cinémathèque de Tanger within
the Marrakech Biennale? First of all, because cinematic art has
a legitimate place in an event dedicated to international con-
temporary culture, one whose founders chose “openness” as
their watchword.
Moreover, the Cinémathèque serves both as a crucible for
young directors and as a purveyor of unique films that are not
products of the commercial trade flow. It has no preconceived
ideas about the cinematic genres it takes on, from art films to
films rooted in contemporaneity.
This Carte Blanche and the program it offers fit harmoniously
into the Biennale’s approach, providing an answer to the theme
of this fifth edition: WHERE ARE WE NOW?
Cinéma & Vidéo –
Carte Blanche à
la Cinémathèque de Tanger
– Malika Chaghal, Déléguée générale de la Cinémathèque de Tanger
En 2007, la Cinémathèque de Tanger a ouvert ses portes sur
la place du Grand Socco, au centre de la ville historique, après
avoir mené un projet de réhabilitation du patrimoine grâce à
une restauration architecturale qui a fait école, localement et sur
la scène nationale.
Aujourd’hui, cette institution culturelle, unique en son genre
dans le nord marocain, est fière de programmer le meilleur du
répertoire du cinéma classique et contemporain. Plus qu’une
salle de projection, la Cinémathèque est devenue un espace vi-
vant, dédié au septième art et à sa culture, qui contribue à enri-
chir la vie locale en l’ouvrant sur d’autres horizons.
Tout au long de l’année, grâce à sa programmation de films,
d’ateliers pédagogiques et de conférences, ainsi que sa biblio-
thèque et sa buvette, elle permet d’inscrire Tanger dans le monde
Aujourd’hui, la Cinémathèque est devenue un lieu qui promeut
des actions au croisement du cinéma, de l’art et de la culture.
Le cinéma, sous toutes ses formes et ses genres, y est un outil au
service d’une plateforme d’échanges et de réflexion.
Pourquoi cette Carte Blanche à la Cinémathèque de Tanger
au sein de la Biennale de Marrakech ? Tout d’abord parce que
l’art cinématographique a toute sa place dans une manifesta-
tion dédiée à la culture contemporaine internationale, et dont
les fondateurs ont notamment choisi comme maître-mot celui
d’« ouverture ».
Par ailleurs, la Cinémathèque sert à la fois de creuset aux jeunes
réalisateurs et de passeur pour les films singuliers qui ne relèvent
pas du flux commercial, sans a priori sur les genres cinématogra-
phiques abordés, que ceux-ci aillent du film de la geste artistique
aux films ancrés dans la contemporanéité.
Cette Carte Blanche et la programmation proposée s’inscrivent
donc harmonieusement dans la démarche de la Biennale, et ré-
pondent au thème de cette 5
édition : OÙ SOMMES-NOUS
104 105
Within the Sound of Your Voice
Trading Urban Stories
If You Are So Smart, Why Ain’t You Rich?
Donelle Woolford:
Performer, Artisan, Narrator
African Fabbers
Artist Simohammed Fettaka Presents:
Alexander Ponomarev:
Voice in the Wilderness
The Coffee Grounds Index (CGI)
Robertas Narkus:
Half Hotel
[SFIP] Project
Within the Sound of Your Voice
Trading Urban Stories
If You Are So Smart, Why Ain’t You Rich?
Donelle Woolford:
Performer, Artisan, Narrator
African Fabbers
Artist Simohammed Fettaka Presents:
Alexander Ponomarev:
Voice in the Wilderness
The Coffee Grounds Index (CGI)
Robertas Narkus:
Half Hotel
[SFIP] Project
Bernhard Leitner, SOUNDCUBE (Winged Space), 1970
Courtesy of Archive Leitner
Projets Parallèles –
Within the
Sound of Your
Commissaires d’exposition : Niekolaas
Johannes Lekkerkerk (The office for curating)
et Tiago de Abreu Pinto
Le 18, Derb el Ferrane, Marrakech
Within the Sound of Your Voice est une ex-
position collective à trente-trois tours par
minute. L’exposition est portative, prenant
la forme d’un disque vinyle qui pèse environ
440 grammes. Le disque est protégé par une
pochette, qui sert aussi à présenter et illustrer
son contenu : textuel-
lement, visuellement et
esthétiquement. La po-
chette de cette exposi-
tion a été conçue pour
contenir une troisième
dimension : une archi-
tecture qui peut être
déballée et enveloppée
dans un autre espace,
devenant un espace
en soi ou un espace à
l’intérieur d’un espace.
L’exposition comprend
les voix de treize ar-
tistes engagés dans
l’acte de parler, parfois
de façon indirecte ou
métaphorique : Milena
Bonilla et Luisa Ungar, Dina Danish et Gogi
Dzodzuashvili, Dora García, Morten Norbye
Halvorsen, Marcellvs L., Lubomyr Melnyk,
Clare Noonan, O Grivo, Daniel Steegmann et
Joana Saraiva, ainsi que Triin Tamm.
Les dix œuvres qui composent l’exposition
constituent un commentaire sur la nature du
Parallel Projects –
Within the
Sound of Your
Curated by Niekolaas Johannes Lekkerkerk
(The Office for Curating)
and Tiago de Abreu Pinto
Le 18, Derb el Ferrane, Marrakech
Within the Sound of Your Voice is a group ex-
hibition at thirty-three rounds per minute. The
exhibition is portable and in the shape of a
vinyl record weighing approximately 440
grams. The vinyl is protected by a sleeve,
which also serves to express and illustrate
its contents—textually,
visually, aesthetically.
The sleeve of this ex-
hibition has been de-
signed to incorporate
a third dimension: an
architecture that can
be unpacked and en-
veloped in another
space, becoming a
space in and of itself,
or a space within a
space. The exhibition
is comprised of the
voices of thirteen artists
in the act of speaking,
at times indirectly or
metaphorically: Mile-
na Bonilla and Luisa
Ungar, Dina Danish and Gogi Dzodzuashvili,
Dora García, Morten Norbye Halvorsen, Mar-
cellvs L., Lubomyr Melnyk, Clare Noonan, O
Grivo, Daniel Steegmann and Joana Saraiva,
and Triin Tamm.
The ten exhibited works comment on the na-
ture of the exhibition site and, more general-
site d’exposition et, plus généralement, sur le
contexte de la Biennale de Marrakech et la
ville dans son ensemble. En réponse au thème
de la Biennale OÙ SOMMES-NOUS MAIN-
TENANT ?, nous avons éprouvé le besoin
d’explorer un autre type d’exposition : com-
poser une analogie d’exemples qui permet aux
visiteurs d’appréhender le temps et l’espace qui
sont les leurs, de manière plus dimensionnelle,
en donnant l’impression d’un contexte étrange,
moins cohérent et moins stable. En d’autres
termes, l’exposition cherche à transformer
l’auditeur en sujet d’une expérience séquencée,
à renverser les cartes épistémologiques de cha-
cun, à questionner ses idées reçues et (peut-être
surtout) à susciter et provoquer de la curiosité
envers les choses du monde, sans passer par la
connaissance ou la compréhension.
Projets Parallèles –
Within The Sound Of Your Voice
ly, on the context of the Marrakech Biennale
and the city as a whole. In response to the
Biennale’s title WHERE ARE WE NOW? we
felt an urge to explore a different exhibition
format: to compose an analogy of examples
that would allow visitors to come to terms with
their time and space more dimensionally, by
making its context seem strange, less coher-
ent, and less grounded. In other words, the
exhibition aims to make the listener the subject
of a sequenced experiment, to overturn one’s
epistemological maps, confront one’s precon-
ceived knowledges, and (perhaps most impor-
tantly) to prompt and trigger a curiosity for the
things in the world through not-knowing and
not understanding.
Parallel Projects –
Within the Sound of Your Voice
Projets Parallèles –
Trading Urban
Une installation sonore, un espace de narra-
tion en réseau et un happening radiophonique
de Berit Schuck et Julia Tieke
Installation sonore au Riad Denise Masson
Happening radiophonique aux points de rendez-vous de la Biennale de
Marrakech, le Riad Denise Masson, le Café des épices et d’autres endroits dans
la Médina de Marrakech.
Trading Urban Stories est un projet d’exposi-
tion qui a débuté avec l’idée d’explorer et de
réfléchir sur les histoires, les paysages sonores
et le tissu social de différentes villes arabes.
Le projet comprend plusieurs cartes sonores
de différents formats. A l’occasion de la Bien-
nale de Marrakech,
l’installation A Sonic
Map of Alexandria,
qui contient vingt-
deux pièces sonores
réalisées à Alexandrie
en 2012, sera présen-
tée en association
avec Here and Now.
Voices of Marrakech,
un happening radio-
phonique ayant lieu
à l’intérieur et au-
tour de la Médina de
A Sonic Map of
Alexandria a été
composé à partir d’entretiens, d’enregistre-
ments à l’extérieur, de sons et d’archives so-
nores, et peut être découvert sur le web, télé-
chargé ou écouté sur un smartphone. L’œuvre
propose aux auditeurs de découvrir le paysage
sonore de la ville ainsi qu’un nombre d’his-
toires que les habitants ont accepté de partager
autour des thèmes de l’espace, de la musique,
de l’écrit, et qui mélangent des récits du passé,
Parallel Projects –
Trading Urban
An audio installation, networked storytelling
space, and radio happening
by Berit Schuck and Julia Tieke
Audio installation at the Riad Denise Masson
Radio happening at the meeting points of the Marrakech Biennale, Riad Denise
Masson, Café des Épices, and other locations in the Medina of Marrakech
Trading Urban Stories is a curatorial project
that started with the idea to explore and reflect
on the stories, soundscapes, and social fabric
of different Arab cities. The project comprises
several sonic maps with varying formats. On
the occasion of the Marrakech Biennale the
installation A Sonic
Map of Alexandria,
containing twenty
audio pieces creat-
ed in Alexandria in
2012, will be com-
bined with Here and
Now. Voices of Mar-
rakech, a radio hap-
pening taking place
inside and around
the Medina of Mar-
A Sonic Map of Al-
exandria is based
on interviews, field
recordings, sounds,
and archival material and can be explored
online, downloaded, or listened to on smart-
phones. The work invites the audience to dis-
cover the city’s soundscape and a number of
stories that were shared by residents along-
side the themes of space, music, and script,
blending narratives from the past, present,
and future.
Greta Tiedje, Lisa Tiedje, Black Plan, Section of the Medina of Marrakech,
2011. Courtesy of the artists
du présent et de l’avenir.
Here and Now. Voices of Marrakech est une
combinaison de pièces sonores expérimentales
sur la Médina de Marrakech et de conversa-
tions en direct. Conçue comme un happening
radiophonique, Here and Now. Voices of
Marrakech est autant une émission de radio
à laquelle participent des artistes marocains
et étrangers qu’une intervention au sein de la
scène radiophonique locale. Les sons, la mu-
sique et les histoires de la Médina sont pré-
sentés et interprétés en direct par des gens
qui connaissent la Médina par cœur. Certains
d’entre eux sont des architectes, des activistes,
des artistes et des praticiens ; d’autres ont par-
ticipé à la création d’un espace de narration en
réseau en amont de l’événement. Une fois dif-
fusé, Here and Now. Voices of Marrakech sera
ensuite archivé sur l’Internet et présenté dans
d’autres villes de la région et au-delà.
Avec le soutien de l’Institut français du Maroc,
le Goethe-Institut et l’Institut allemand des
relations culturelles avec l’étranger (ifa). Le
happening radiophonique est réalisé en colla-
boration avec radio.aporee.org, NssNss.ma et
Projets Parallèles –
Trading Urban Stories
Here and Now. Voices of Marrakech com-
bines experimental audio pieces about the
Medina of Marrakech with live conversations
on air. Conceived as a radio happening, Here
and Now. Voices of Marrakech is both a radio
show with contributions by Moroccan and in-
ternational artists and an intervention into the
local radio scene. The soundscape, music, and
stories of the Medina are presented and per-
formed live by people who know the Medina
by heart. Some of them are architects, activ-
ists, artists, and practitioners; others participat-
ed in the creation of a networked storytelling
space ahead of the event. Once broadcast,
Here and Now. Voices of Marrakech will later
be archived online and presented in other cit-
ies, in the region and beyond.
With Anna Raimondo, Burak Arikan, C-drík
aka Kirdec, Doudy Brocolis Widdy, Greta &
Lisa Tiedje, Ghassan Waïl, Hassan Hajjaj,
Kamal Laftimi, Jalal El Allouli, Nordine Enna-
jraoui, Radio Papesse, Udo Noll, residents of
the Medina of Marrakech and special guests.
With the support of the French Institute of
Morocco, Goethe-Institut and the Institute for
Foreign Cultural Relations (ifa). The radio hap-
pening is made in collaboration with radio.
aporee.org, NssNss.ma, and NessRadio.com
Parallel Projects –
Trading Urban Stories
Projets Parallèles –
If You Are So
Smart, Why
Ain’t You Rich?
On the Economics of Knowledge
Commissaires d’exposition : Bonaventure Soh
Bejeng Ndikung et Pauline Doutreluingne
Commissaires adjoints : Gauthier Lesturgie et
Anneli von Klitzing
ESAV, Marrakech
If You Are So Smart, Why Ain’t You Rich?
rend hommage au compositeur minimaliste
et artiste afro-américain Julius Eastman. Elle
interroge, par le biais d’une réflexion artis-
tique, la place que tiennent la connaissance et
l’économie au sein de la société et leur point
de convergence.
Douze artistes inter-
nationaux travail-
lant principalement
à partir de sons et
d’installations ont
été invités à réfléchir
et à se positionner au
sein de “sociétés du
savoir” dans le cadre
de la recherche artis-
Nous sommes en
pleine crise économique, conséquence d’une
folle soif de richesses et d’une préférence pour
l’avarice plutôt que pour la sagesse. Nous nous
trouvons à une époque où la répartition des
richesses et de l’intelligence, ainsi que leur re-
lation mutuelle, sont au cœur des négociations
de la société contemporaine. Alors que nous
assistons à la lente récupération du pouvoir
économique par les pays du BRICS, If You Are
So Smart, Why Ain’t You Rich? est un point de
départ pertinent pour débattre du poids de la
connaissance et de l’économie, des évolutions
vers des “sociétés du savoir (et savantes)”
Parallel Projects –
If You Are So
Smart, Why
Ain’t You Rich?
On the Economics of Knowledge
Curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
and Pauline Doutreluingne
Assistant curators: Gauthier Lesturgie and
Anneli von Klitzing
ESAV, Marrakech
If You Are So Smart, Why Ain’t You Rich? pays
tribute to the African-American minimalist com-
poser and artist Julius Eastman. It questions,
through artistic reflection, the place and con-
fluence of knowledge and economics within
society. Twelve international artists working
primarily with sound
and installation have
been invited to cog-
itate and position
themselves within
“Knowledge Soci-
eties” in the frame-
work of artistic re-
We are in the middle
of an economic cri-
sis, a consequence of
a craving for wealth
and a privileging of avarice over wisdom. We
find ourselves in an age where the distribution
of wealth and the distribution of intelligence,
as well as their relationship to one another,
are at the crux of society’s contemporary ne-
gotiations. As we witness the slow overtake of
economic power by the BRICS countries, If You
Are So Smart, Why Ain’t You Rich? is a useful
starting point to deliberate on the weighting
of knowledge and economics, the tendencies
toward “Knowledge(able) Societies,” and the
price one has to pay to obtain, maintain, and
propagate them. Knowledge in this context
Younes Baba-Ali, Untitled (Megaphones), 2013.
Courtesy of the artist
et du prix que chacun doit payer pour obte-
nir, maintenir et propager celles-ci. Dans ce
contexte, la connaissance ne se limite pas à la
“monoculture – occidentale - du savoir scien-
tifique”, mais est entendue comme une “éco-
logie des savoirs”, telle qu’elle est décrite par
Boaventura de Sousa Santos dans la préface de
Another Knowledge is Possible (2007).

If You Are So Smart, Why Ain’t You Rich?
s’intéresse aussi aux sons et à l’expérience so-
nore qui dépasse la simple transcription vers la
matérialité du langage. Elle explore la manière
dont le son peut devenir palpable, tactile et
textuel dans la société, la politique et l’écono-
mie – en particulier dans le cadre artistique.
Artistes : Gilles Aubry et Zouheir Atbane,
Younes Baba Ali, Tal Isaac Hadad, Anne
Duk Hee Jordan, Brandon LaBelle, Marco
Montiel-Soto, Emeka Ogboh, Ali Tnani &
Lukas Truniger, Paolo Bottarelli et Evgenija
Avec le soutien de Goethe-Institut, Pro Hel-
vetia, les autorités flamandes, et le sénat de
Projets Parallèles –
If You Are So Smart, Why Ain’t You Rich?
is not limited to the Western “monoculture of
scientific knowledge,” but is understood as
an “ecology of knowledges,” as described by
Boaventura de Sousa Santos in the introduc-
tion to Another Knowledge is Possible (2007).
If You Are So Smart, Why Ain’t You Rich?
also investigates sound and sonorous experi-
ence that goes beyond mere transcription into
language’s materiality. It explores how sound
becomes haptic, tactile, and textual in society,
politics, and economics—particularly in the
framework of art.
Artists: Gilles Aubry and Zouheir Atbane,
Younes Baba Ali, Tal Isaac Hadad, Anne
Duk Hee Jordan, Brandon LaBelle, Marco
Montiel-Soto, Emeka Ogboh, Ali Tnani &
Lukas Truniger, Paolo Bottarelli and Evgenija
With support from the Goethe Institut, Pro
Helvetia, the Flemish Authorities, and Berliner
Parallel Projects –
If You Are So Smart, Why Ain’t You Rich?
Projets Parallèles –
Commissaire d’exposition : Karima Boudou
assistée par Soufian Khjrar
60 Derb Tijara, Marrakech
A y repenser, il m’est possible de dire la chose
suivante : un jour, j’ai pensé au travail de Do-
nelle Woolford en tant qu’outil. Je ne voulais
pas me contenter de le citer (les citations ne
sont qu’affection et euphorie). Je souhaitais
développer un trusteeship autour de son tra-
vail, m’en servir comme d’ un arsenal théo-
rique dans l’enchevêtrement de problèmes que
j’essayais de résoudre à l’époque; de trouver en
elle le concept, les vecteurs et la grille de lec-
ture qui répondraient à mes préoccupations,
et rendre un nouveau départ possible. Rapide-
ment, je me suis rendue compte que Donelle
n’était pas une aubaine; qu’ elle ne servirait
pas de guide afin de répondre à des questions
spécifiques (même si souvent était abordé un
sujet dont je voulais débattre, ce qui n’est pas
la même chose). Loin d’opérer comme un mé-
canisme de focalisation ou de synthétisation,
son travail contribuait sans y paraître à dis-
perser le fil de ma pensée. Il n’ enlevait aucun
des obstacles, mais a toujours répondu indi-
rectement afin de souligner un autre chemin
dans un labyrinthe pourtant déjà complexe.
Pour la première fois, mon loyal allié s’était
transformé en quelque chose d’inutile et d’inu-
* Cet essai est tiré de “Ecrivain, artisan, narrateur”, un article publié dans un
volume spécial de Critique dédié à l’œuvre de Donelle Woolford. (no. 425, août/
septembre 1982, pp. 785-796). Une version intégrale de cet essai est disponible en
ligne : http://www.disparere.com/agence/donelle-woolford.
Parallel Projects –
Curated by Agence: Karima Boudou,
assisted by Soufian Khjrar
60 Derb Tijara, Marrakech
In looking back, I can say this: one day I
thought of Donelle Woolford’s work as a tool.
I didn’t only want to cite it (for citations may
be used to no other purpose than affection and
exhilaration), but to use her artworks in a sort
of trusteeship, as a theoretical arsenal in the
tangle of problems I was trying to solve at the
time; to find in her being the concept, the vec-
tors, and grid that would address my specific
concerns, and make a new start possible. Al-
most immediately, I realized that Donelle was
no boon; that she would not serve as a guide
to answer specific questions (even though it
often broached a topic I wanted to debate,
which isn’t the same thing). Far from operat-
ing as a focusing mechanism or synthesizer,
her work indolently dispersed the intertwined
threads of my thought. It removed none of the
obstacles, but always answered with indirec-
tion to point out another track in an already
overly articulated labyrinth. For the first time it
was not a trustworthy ally, but something use-
less and unuseable.*
* This essay was originally published as “Ecrivain, artisan, narrateur,” in a spe-
cial issue, devoted to Donelle Woolford, of Critique, no. 425 (August-September
1982), 785-796. A full version of this essay can be read online: http://www.
AGENCE est un bureau basé à Beni Mellal,
une ville de travailleurs et de fermiers au Ma-
roc. AGENCE partage ses projets et sa logis-
tique intellectuellement et économiquement en
privilégiant les notions d’auteur et d’économie
du travail.
Projets Parallèles –
Donelle Woolford:
Performer, Artisan, Narrator
AGENCE is an office based in Beni Mellal,
a town of laborers and farmers in Morocco.
AGENCE shares its projects and logistics intel-
lectually and economically by privileging the
notions of authorship and economy of labor.
Parallel Projects –
Donelle Woolford:
Performer, Artisan, Narrator
Donelle Woolford,1907, 2007.
Courtesy of the artist and Wallspace, New York
Projets Parallèles –
Commissaire d’exposition : Paolo Cascone
avec la collaboration d’Urban FabLab et de
Maria Giovanna Mancini. Equipe: Paolo
Cascone, Elena Ciancio, Giuliano Galluccio,
Andrea Giglio, Flavio Galdi, Maria Giovanna
Mancini, Imma Polito, Stephane Tapsoba,
Salma Ettoumi, Ramia Beladel, Fatou Dieng,
Federico Forestiero
L’Blassa, Marrakech
D’un point de vue programmatique le projet
African Fabbers a choisi d’activer un processus
collectif permettant de repenser, à travers la
pratique du laboratoire, les rapports entre les
nouvelles technologies et la culture tradition-
nelle. Cette idée se construit dans une perspec-
tive de continuité re-
nouvelée, plutôt que
de séparation rigide.
D’ailleurs, la formule
du labo, plateforme
d’échange entre art,
design et technologie,
invite à repenser les
dynamiques d’appar-
tenance culturelle et
à réfléchir à la nature
de l’espace anthropo-
logique dans lequel
elles se développent.
African Fabbers est un projet d’innovation
social à but non lucratif développé par Urban
FabLab. L’idée est de connecter des commu-
nautés de makers et de créatifs africains et
européens à travers des ateliers, des projets
collectifs, des conférences etc. Le projet met
en valeur une approche d’autoproduction et
d’équipement d’accès libre (open source) dont
le but est une utilisation créative et durable des
technologies innovantes. Il s’agit de créer des
prototypes écologiques grâce à une approche
artisanale avancée. African Fabbers développe
Parallel Projects –
Curator: Paolo Cascone, in collaboration with
Urban FabLab and Maria Giovanna Mancini
Team: Paolo Cascone, Elena Ciancio,
Giuliano Galluccio, Andrea Giglio, Flavio
Galdi, Maria Giovanna Mancini, Imma
Polito, Stephane Tapsoba, Salma Ettoumi,
Ramia Beladel, Fatou Dieng, Federico
L’Blassa, Marrakech
The African Fabbers project activates a collec-
tive process that enables a reconsideration of
the relationship between new technology and
traditional culture through a laboratory prac-
tice. This idea is based on a perspective of re-
newed continuity, rather than strict separation.
The laboratory for-
mat—a platform for
exchange between
art, design, and tech-
us to reconsider the
dynamics of cultural
belonging, and con-
template the nature
of the anthropolog-
ical space in which
they develop.
African Fabbers is a
non-profit social innovation project developed
by Urban FabLab. The idea is to connect the Af-
rican and European community of makers and
creative people through workshops, collective
projects, and conferences. The project show-
cases an approach based on self-production
and open-source hardware, with the goal of
using innovative technology in a creative and
sustainable way. It is about creating ecolog-
ical prototypes using an advanced artisanal
approach. African Fabbers is developing an
itinerant, experimental fablab. This laboratory
is designed to be an open atelier where artists,
Urban FabLab, AFp.0, 2013.
Courtesy of the artist
un fablab itinérant et expérimental. Ce labo
est conçu comme un atelier ouvert où les ar-
tistes, les makers et les designers peuvent ex-
plorer des technologies de fabrication digitale
en interaction avec des techniques artisanales
La première étape d’African Fabbers se dé-
roule à Marrakech dans le cadre de la Bien-
nale en se centrant sur les sujets suivants : (1)
auto-construction : impression 3D en utilisant
l’argile, (2) technologie ouverte: crée ta propre
imprimante 3D low-cost.
Partenaires technologiques: Massimo Mo-
retti and Wasp. Partenaires locaux: ESAV,
CFQMM, Voice Gallery. Avec le soutien de
Fondazione IDIS / Città della Scienza,
Fondazione Inarcassa
Projets Parallèles –
African Fabbers
“makers,” and designers can explore digital
fabrication technology in combination with tra-
ditional artisanal techniques.
The first phase of African Fabbers takes place
in Marrakech in the context of the Biennale. It
focuses on the following subjects: (1) self-con-
struction: 3D printing using clay and (2) open-
source technology: make your own low-cost
3D printer.
Technical partners: Massimo Moretti and
Wasp. Local partners: ESAV, CFQMM, Voice
Gallery. With the support of Fondazione IDIS
/ Città della Scienza, Fondazione Inarcassa
Parallel Projects –
African Fabbers
Projets parallèles –
Fettaka Presents:
Commissaire d’exposition : Nawal Slaoui
Contemporary art production & distribution
L’Blassa, Marrakech
Zobra, de l’arabe ربُ ز , signifie morceau de fer,
puissance. En slovaque, zobra signifie démons-
tration ou parade.
« L’armure, imaginée et conçue pour le projet,
est exposée en tant qu’objet sculptural – hors
fonction - aux côtés d’une vi-
déo restituant l’intervention
de l’artiste qui la porte dans
les rues de Marrakech. La
traversée par cette figure ana-
chronique d’espaces contem-
porains réactive la charge
utopique des grands récits
chevaleresques en même
temps qu’elle interroge, de
façon frontale, les formes de
violence concrètes s’appli-
quant au corps.
L’armure a pour fonction de
protéger et de cacher. Son ma-
tériau, le fer, est un métal que
l’on retrouve dans les couches de la terre et qui
contribue à la vie jusque dans l’unité organique
de l’être. Il a ce pouvoir de nous protéger et de
nous dissimuler au monde extérieur. Dans une
société où l’anonymat est rendu possible par
différentes technologies, l’homme peut devenir
invisible au regard de l’autre, jusqu’à l’annula-
tion de son identité ».
Parallel Projects –
Fettaka Presents:
Curated by Nawal Slaoui
Contemporary art production & distribution
L’Blassa, Marrakech
Zobra, from the Arabic ربُ ز , means “piece
of iron, power.” In Slovak, “zobra” means
“demonstration or parade.”
“The armor, invented and designed for the
project, is exhibited as a deactivated sculptur-
al object, alongside a video
showing the artist wearing it
in the streets of Marrakech.
This anachronistic figure’s
crossing of contemporary
spaces revives the utopian
power of the great stories of
chivalry, while at the same
time questioning, in a very
direct way, the forms of con-
crete violence that apply to
the body.
The armor’s function is to
protect and hide. Its materi-
al—iron—is metal found in
the earth’s layers, and it con-
tributes to life right down to a person’s organic
unity. It has the ability to protect us and con-
ceal us from the outside world. In a society in
which anonymity has been made possible by
various technologies, man can become invisi-
ble to the eyes of others, to the point that his
identity is cancelled.”
Simohammed Fettaka, Zobra, 2013
Courtesy of the artist and
CulturesInterface est une structure de produc-
tion et de diffusion de la création contempo-
raine au Maghreb et à l’échelle internationale.
Elle produit et promeut les œuvres d’artistes
marocains émergeants ou confirmés. Pour
cela, elle conçoit des expositions et organise
des projets culturels et artistiques dans des es-
paces publics ou privés.
Projets parallèles –
Artist Simohammed Fettaka Presents: ZOBRA
CulturesInterface is an organization that pro-
duces and distributes contemporary art in the
Maghreb and at the international level. It pro-
duces and promotes the works of emerging
and established Moroccan artists. To do this,
it conceives exhibitions and organizes cultur-
al and artistic projects in public and private
Parallel Projects –
Artist Simohammed Fettaka Presents: ZOBRA
Projets Parallèles –
Voice in the
N31 26’ W 08 10’ Désert Agafay, Marrakech
Le destin de chaque homme est une sorte de
voyage à travers différents lieux, des topoï où
se rencontrent les choses, l’espace et le temps.
Chaque topos est déterminé par un mélange de
conditions prédéterminées et d’objectifs per-
sonnels. Cet espace
où les personnalités
s’unissent et s’asso-
cient est comme un
océan, une forme
instable et chan-
geante. Les hommes
se confectionnent
des embarcations
précaires de bam-
bou. Pour survivre,
ils doivent choisir
leurs capitaines et se
préparer à naviguer à
travers le monde.
Chaque réseau conceptuel est comme un mail-
lage serré de cordes et de tiges au sein duquel
l’individu crée des associations, se fait une
place, trouve un point d’observation, comme
disent les marins.
Chacun doit se trouver des points de référence
extérieurs qui lui permettent de rester debout
dans la vie, un système de coordonnées ex-
ternes qui détermine sa situation dans l’espace.
Parallel Projects –
Voice in the
N31 26’ W 08 10’ Agafay Desert, Marrakech
Everyone’s destiny is a journey between topoi,
sites where things, places, and time come to-
Preconditions and the personality’s objec-
tives determine individual topoi. The space
where personalities
unite to form socii
is like the ocean. Its
form is unstable and
changeable. People
make their wretched
ships of bamboo; to
survive they prepare
themselves for sailing
the world and choose
their captains.
The bound-together
stems and ropes are
like conceptual networks for settling down in a
socius, for finding one’s own place and obser-
vation of sorts, to quote the sailors.
To find one’s bearings in the world, one needs
external reference points, a system of coordi-
nates that is external to man and that deter-
mines his place in space. The star-lit sky, faith,
or ideas will allow people not to lose the right
Since 1996 I have been evolving the idea of
“wreck art,” the art of perished ships, because
Alexander Ponomarev, Voice in the Wilderness, 2014.
Courtesy of the artist

A chacun son ciel étoilé, sa foi et ses idées
qui lui permettra de garder le cap. Depuis
1996, mon travail explore l’idée d’un art du
naufrage, un art composé d’épaves car j’ai la
forte impression que nous vivons actuellement
une situation sans espoir : nous naviguons à
l’aveuglette, tandis que notre capitaine Moïse
s’amuse dans sa cabine en compagnie de sa
maîtresse. Notre bateau coule dans un espace
sans limites mais l’ancien adage « les femmes
et les enfants d’abord » n’est plus d’actualité.
C’est le capitaine qui est le premier à fuir son
bateau en difficulté, sa valise entre ses jambes
et ses jambes à son cou.
C’est depuis le désert marocain que j’appelle
tous les capitaines du monde à reprendre place
à bord et tous les hommes à ne pas perdre es-
poir et à construire des bateaux, même dans
le désert. A se trouver de nouveaux points de
référence inébranlables.
Projets Parallèles –
Alexander Ponomarev:
Voice in the Wilderness
I have the persistent feeling that our situation
is hopeless: we are wandering in the wilder-
ness, our captain Moses is having fun with his
mistress in the cabin, we are lost in boundless
space, our ship careened but the rule “ladies
and children first” is no longer, and the cap-
tain is the first to flee the capsized ship with his
suitcase between his legs.
From the desert of Morocco I am calling on
every captain of the world to get back on
board and every person not to lose hope and
to build ships, even in deserts. I am calling on
artists to rise above the surface to see the hori-
zon. To choose unshakeable reference points..
Parallel Projects –
Alexander Ponomarev:
Voice in the Wilderness
Projets Parallèles –
The Coffee
Grounds Index
et compte-rendu de la présentation
Jamaa El Fna, devant la Bank Al Maghrib, Marrakech
The Coffee Grounds Index (CGI) fait écho
aux innombrables index basés sur une vue du
monde globale et uniforme, qui sont utilisés
pour le diviser en hiérarchies commodes. Pour
ce projet, le collectif YOVO! YOVO! propose
une vision différente du monde, une vision
imaginative qui s’ap-
puie sur une percep-
tion prédictive plutôt
que sur une réalité
s’inspire de la pro-
position de Walter
Benjamin selon la-
quelle une « philosophie qui n’inclut pas et ne
peut expliquer la possibilité de prophécie au
moyen du marc de café ne peut être une vraie
philosophie. » Pour ce projet, les personnes li-
sant dans le marc de café forment un cercle et
commencent à préparer du café. Le 27 février
2014, leurs prédictions seront lues publique-
ment et annonceront l’avenir des 188 états re-
connus dans le monde.
Perpétuant la tradition des conteurs marocains
de la place Jamaa El Fna, le collectif retourne
en ce lieu pour présenter les résultats du CGI
sous forme d’une performance unique et ex-
ceptionnelle. Au cours des dix jours qui sui-
vront, une personne retournera chaque jour
sur la place pour rendre compte des prédic-
Parallel Projects –
The Coffee
Grounds Index
and reporting on the pronouncement
Jamaa El Fna, in front of Bank Al Maghrib, Marrakech
The Coffee Grounds Index (CGI) is a response
to the countless indices predicated on a flat
overview of the world used to sort it into handy
hierarchies. For this project the collective
YOVO! YOVO! proposes a contrasting vision
of the world that is imaginative and that relies
on predictive percep-
tion rather than on
striated reality.

draws on Walter
Benjamin’s proposi-
tion that a “philoso-
phy which does not
include and cannot
explain the possibility of prophecy by means
of coffee grounds, cannot be a true philoso-
phy.” For this project, interpreters of coffee
grounds form a circle and begin brewing cof-
fee. On February 27, 2014 their results will
be read aloud, announcing the future of the
188 declared states of the world.

Continuing the tradition of Moroccan story-
tellers on Jamaa El Fna square, the collective
returns to this site to stage the CGI’s results as
a singular, unrepeatable performance. Over
the following ten days one person will return
to the square each day to report CGI’s global
prognosis, thereby catalysing an act of speech
into a decentralized rumor.

YOVO! YOVO!, halqa on Jemaa El Fna and detail of a graphic chart,
2013. Courtesy of the artist and Charities Aid Foundation

tions générales du CGI, contribuant ainsi à
la transformation d’un acte de parole en une
rumeur décentralisée.
Cette intervention in situ, réalisée dans le cadre
de la Biennale de Marrakech 5, s’engage dans
des zones qui restent pour nous indéfinies, ré-
vélant le mystère et l’absurde tout comme leur
absence. C’est à partir de ces zones que peut
naître la nouveauté et que l’aventure devient
YOVO! YOVO! a été fondé en 2012 à Ham-
bourg par Eylien König, Martina Mahlknecht,
Martin Prinoth et Doris Margarete Schmidt.
Le projet que le collectif mène actuellement,
<enframing home>, a été montré à la Biennale
du Bénin (2012) et à la Biennale de Sharjah
11 (2013). Des peintres muraux du Bénin et
des designers de caissons lumineux de Sharjah
participent à ce qui se veut un examen de l’in-
compréhension et de la perspective multiple.
Projets Parallèles –
The Coffee Grounds Index (CGI)
This site-specific intervention for the Marrakech
Biennale 5 advances in areas that remain un-
defined to us, turning out mystery and the ab-
surd, and revealing their voids. It is from these
areas that the new can arise and adventure
becomes possible.

YOVO! YOVO! was founded in 2012 in Ham-
burg by Eylien König, Martina Mahlknecht,
Martin Prinoth, and Doris Margarete Schmidt.
Their ongoing project <enframing home>,
which was shown at Benin Biennale (2012)
and Sharjah Biennial 11 (2013), involves sign
painters from Benin and light box designers
from Sharjah in an examination of misunder-
standing and multiperspectivity.
Parallel Projects –
The Coffee Grounds Index (CGI)
Projets Parallèles –
Half Hotel
Commissaire d’exposition : Juste Kostikovaite
El Fenn, Marrakech
Merci d’entrer par la porte de sortie. Rien
ne sert de consulter votre iPhone cassé: une
montre qui s’est arrêtée n’indique la bonne
heure que deux fois par jour. Tournez-vous
vers votre gauche ! Bienvenue !
On ne se baigne jamais deux fois dans la même
rivière. Mais ne vous en faites pas ! Le plai-
sir sublime est une expérience qui atteste de
l’impossibilité de l’expérience.* Les arrivées
sont les nouveaux départs. Laissez donc vos
références derrière vous, marchez sur la ligne
d’horizon, emportez vos lunettes de soleil et
plongez dans les bains d’un plaisir intolérable.
Pendant la première semaine de la Biennale de
Marrakech, Robertas Narkus se greffera, tel
un parasite, à El Fenn, collaborant avec le per-
sonnel à transformer ce lieu en un calme laby-
rinthe d’expériences inattendues. L’artiste va
se glisser au milieu des employés et introduire
de nouvelles procédures au sein de la routine
de service quotidienne. Le plaisir hédoniste à
la rencontre de l’art se teintera d’effets de sur-
prise qui viendront interrompre le luxe volup-
tueux de l’hôtel-boutique.
* Tiré de l’article « Delighted to death » de Nick Lang dans Fanged Noumena :
Collected Writings 1908-2007, édité par Ray Brassier et Robin Mackay (Fal-
mouth : Urbanomic, 2011).
Parallel Projects –
Half Hotel
Curated by Juste Kostikovaite
El Fenn, Marrakech
Please enter through the exit. Don’t look at
your broken iPhone—a stopped clock is only
right twice a day anyway. Look left! Welcome!

You can never step in the same river twice.
But don’t worry! Sublime pleasure is an ex-
perience of the impossibility of experience.*
Check in is the new check out. Leave your al-
lusions around the corner, walk on the edge of
the horizon, bring your sunglasses and dive
into a spa of intolerable pleasure.

During the first week of the Marrakech Bien-
nale, Robertas Narkus will parasitically attach
onto the El Fenn hotel, transforming it into a
tranquil labyrinth of unexpected experiences
in collaboration with its personnel. The artist
will infiltrate the staff, introducing new proce-
dures into daily service routines. Hedonistic
pleasure will meet art in a twist of a hidden
surprise, breaching the voluptuous luxury of
the boutique resort.

* Excerpted from Nick Land’s essay “Delighted to Death,” in Fanged Noumena:
Collected Writings, 1987-2007, edited by Ray Brassier and Robin Mackay (Fal-
mouth: Urbanomic, 2011).

Le travail de Robertas Narkus se définit comme
une gestion du hasard au sein d’une économie
circonstancielle. Au printemps 2013, l’artiste
a ouvert le Vilnius Institute of Pataphysics. Il
étudie actuellement à Sanderg Arts Institute à
Amsterdam. Il a récemment pris part à des ex-
positions collectives au Studio-X, New-York
(2013) et au Centre d’Art Contemporain de
Vilnius (2013).
Avant d’entreprendre une formation en pra-
tiques curatoriales d’art contemporain au
Royal College of Arts de Londres, Juste Kos-
tikovaite a participé à la production de la ré-
sidence d’artistes CAN à Berlin. Plus récem-
ment, elle a participé au projet Curators go To
The Bar, kim ? au Contemporary Art Center et
Oneiric Hotel, en collaboration avec Julijonas
Urbonas, dans le cadre de la Triennale d’Ar-
chitecture de Lisbonne. Elle a également col-
laboré à la production d’ex-
positions à la Zabludowicz
Collection et au Wysing Arts
Projets Parallèles –
Robertas Narkus: Half Hotel
Robertas Narkus experiments with manage-
ment of chance in the economy of circum-
stances. In spring of 2013 he established the
Vilnius Institute of Pataphysics. At the moment
he is studying at the Sandberg Arts Institute,
Amsterdam. Recently he participated in group
exhibitions at Studio-X NYC, New York (2013)
and Contemporary Art Center, Vilnius (2013).

Prior to the Curating Contemporary Art course
at Royal College of Art, London, Juste Kos-
tikovaite produced the CAN artist residency
project in Berlin. Her recent projects include
Curators go To The Bar, kim? at Contemporary
Art Center and Oneiric Hotel, in collaboration
with Julijonas Urbonas, at the Lisbon Archi-
tecture Triennial. She has co-curated events
at Zabludowicz Collection and Wysing Arts
Parallel Projects –
Robertas Narkus: Half Hotel
Robertas Narkus, Documentation for the
project Half Hotel, 2013.
Courtesy of the artist

124 125
Projets Parallèles –
[SFIP] Project
Commissaire d’exposition: Kisito Assangni
L’Blassa, Marrakech
Les artistes participant au Projet [SFIP] ont
tous en commun de créer des œuvres d’art vi-
déo africain dépassant les clichés traditionnel-
lement associés au continent noir et à l’image
postcoloniale. Ces œuvres ambitionnent de
familiariser le public avec des lectures plus
idiosyncratiques de
l’art vidéo africain
et des thèmes, sou-
vent négligés, dont
il traite. La plupart
des œuvres s’inté-
ressent aux questions
d’identité, d’altérité
et de tolérance, ain-
si qu’aux liens so-
ciaux que ces artistes
maintiennent avec
les lieux et la notion d’appartenance dans un
monde de plus en plus connecté. A travers des
courts-métrages et des vidéos expérimentales
issus de la création africaine contemporaine, le
programme explore les différentes perspectives
esthétiques et méthodologiques qui permettent
de lutter contre l’ignorance et la perfidie intel-
[SFIP] est un projet d’exposition transna-
tional et une plateforme de pensée critique,
de recherche et de présentation de vidéo art
africain fondé en 2011 par Kisito Assangni.
A travers son réseau, [SFIP] se consacre à la
diffusion internationale de nouvelles expé-
Parallel Projects –
[SFIP] Project
Curated by Kisito Assangni
L’Blassa, Marrakech
[SFIP] Project presents a selection of African
video art that stands beyond the clichés still as-
sociated with the dark continent and the post-
colonial image. It seeks to bring viewers closer
to idiosyncratic readings of African video art
and its thematic concerns, which remain large-
ly ignored. Most
works address issues
of alterity, identity,
tolerance, and so-
cial relationships as
artists reflexively con-
sider their sense of
place and belonging
in an increasingly in-
terconnected world.
From experimental
video to short film,
this program focuses on aesthetic and meth-
odological perspectives of fighting ignorance
and intellectual perfidy in contemporary Afri-
can art.

[SFIP] is a multi-national exhibition process and
a platform for critical thinking, researching,
and presenting African video art founded in
2011 by Kisito Assangni. The [SFIP] network is
dedicated to the diffusion of new experiences
worldwide through film and video. The pro-
gram was presented previously at Konsthall,
Malmo; Pori Art Museum, Pori; Torrance Art
Museum; National Centre for Contemporary
Arts, Moscow; Motorenhalle Centre for Con-
Wanja Kimani, Buttons (still), 2012
Courtesy of the artist

riences filmiques et vidéo. Le programme a été
présenté au Konsthall de Malmo ; au Musée
des Beaux-Arts de Pori ; au Musée des Beaux-
Arts de Torrance ; au Centre National d’Art
Contemporain de Moscou ; au Centre d’Art
Contemporain Motorenhalle de Dresden ainsi
qu’au Centre d’Art de Lucca.
Kisito Assangni est un Franco-congolais, pro-
ducteur et commissaire d’exposition. Il a étu-
dié la photographie, l’histoire de l’art et la mu-
séologie. Son oeuvre se focalise surtout sur la
psychogéographie et l’impact de la post-mon-
dialisation sur les cultures africaines contem-
poraines. Ses projets ont été exposés à la ga-
lerie Whitechapel (Londres), au musée Arnot
Art (New York), au Musée des Arts Derniers
(Paris), au musée TEA de Ténérife (Espagne),
et à la fondation 3.14 de Bergen (Norvège),
entre autres. Assangni est le fondateur et le
commissaire d’exposition de Time is Love
Screening, un programme d’art audiovisuel, et
a créé le projet [SFIP].
Artistes participants : Said Afifi (Maroc),
Nirveda Alleck (Ile Maurice), Jude Anogwih
(Nigeria), Younes Baba-Ali (Maroc), Rehema
Chachage (Tanzanie), Saidou Dicko (Burki-
na Faso), N’doye Douts (Sénégal), Kokou
Ekouagou (Togo), Mohamed El Baz (Ma-
roc), Dimitri Fagbohoun (Bénin), Samba Fall
(Sénégal), Wanja Kimani (Kenya), Nicene
Kossentini (Tunisie), Kai Lossgott (Afrique
du Sud), Michele Magema (Démocracie du
Congo), Nathalie Mba Bikoro (Gabon), Victor
Mutelekesha (Zambie), Johan Thom (Afrique
du Sud), Saliou Traore (Burkina Faso), Guy
Wouete (Cameroun), Ezra Wube (Ethiopie).
Projets Parallèles –
[SFIP] Project
temporary Art, Dresden; and Lucca Museum.

Kisito Assangni is a Togolese-French curator
and producer who studied photography, art
history and museology. His practice focuses
primarily on psychogeography’s and post-glo-
balization’s impact on contemporary African
cultures. His projects have been shown inter-
nationally at Whitechapel Gallery, London;
Arnot Art Museum, New York; Musée des Arts
Derniers, Paris; TEA Museum, Tenerife, Spain;
and Foundation 3.14, Bergen, among others.
Assangni is the founder and curator of Time
is Love Screening, an international video art
program and [SFIP].

Participating artists: Said Afifi (Morocco),
Nirveda Alleck (Mauritius), Jude Anogwih (Ni-
geria), Younes Baba-Ali (Morroco), Rehema
Chachage (Tanzania), Saidou Dicko (Burki-
na Faso), N’doye Douts (Senegal), Kokou
Ekouagou (Togo), Mohamed El Baz (Moroc-
co), Dimitri Fagbohoun (Benin), Samba Fall
(Senegal), Wanja Kimani (Kenya), Nicene
Kossentini (Tunisia), Kai Lossgott (South Afri-
ca), Michele Magema (D.Congo), Nathalie
Mba Bikoro (Gabon), Victor Mutelekesha
(Zambia), Johan Thom (South Africa), Saliou
Traore (Burkina Faso), Guy Wouete (Came-
roon), Ezra Wube (Ethiopia)
Parallel Projects –
[SFIP] Project
126 127
Afterword Postface
In the Sun
under the
Shadow of
an Olive Tree
– Karim El Achak
Au soleil
sous l’ombre
– Karim El Achak
Afterword –
In the Sun under the Shadow
of an Olive Tree
– Karim El Achak
The theme of Marrakech Bien-
nale 5 calls out to all of us.
Responding to the big ques-
is complicated unless we es-
tablish first that the notion of
time—the NOW—is inextri-
cable from that of space—the
city of Marrakech.
We can identify the NOW
only when notions of past
and future are included in
our discussion and interroga-
tion. We must turn our gaze
to our past to understand and
identify where we’re coming
from, and only then, clear-
eyed and attentive, can we
settle comfortably around the
table of the Biennale to dis-
cuss the question “Where are
we now?” that will lead us to
project ourselves toward the
future, and toward the real
question: “Where are we go-
As for the dimension of
space, we must ask “Where
are we?”—in the geograph-
ical sense—but also “Who
are we?”—in terms of our
identity. At an encounter such
as the Biennale, the ques-
tion of identity is too reduc-
tive compared to the stakes
at hand and the answers
sought. This suggests that this
event that Vanessa Branson—
and indeed all of us—wanted
so much to come to life, is
just the first step in building a
bridge between identity and
differences. It is the link, as
Martin Heidegger said while
imagining his “bridge,” that
cancels out the distance be-
tween things to such an ex-
tent that it creates an unprec-
edented proximity.
In an era when the crisis of
models in all disciplines is at
its height, I would say that the
moment is ripe for this event:
an occasion to collectively
reflect on subjects that by
definition elude our simplis-
tic perception of boundaries.
Consequently, the Biennale
will have to be an encounter
where the exchanges and
meetings and sharing are
If the moment is ripe, the
location is even more apt,
given that the city of Mar-
rakech was—and still is—a
land where people, goods,
thoughts, and credos inter-
sect. Beyond its geographic
location, Morocco draws will-
ingly on its culturally diverse
resources, which is why to-
day more than ever the ques-
tion of Moroccan singularity
is so relevant. I remain deeply
convinced that at Marrakech
Biennale 5 we will find some
answers to all the big ques-
tions that are the object of our
meeting. It is therefore impor-
tant for us to rally around the
Biennale of Art and Architec-
ture, to create areas of discus-
sion that bear witness to the
vivacity of our cultures, and
for each of us to take the first
steps in reaching the Other.
Thinking, reflecting, and ex-
changing, within different
contexts, will allow us to shat-
ter the idea, latent in all of us,
that the North brings knowl-
edge and wisdom, and the
South receives it. Let us there-
fore build this bridge across
the gap, so that we may
establish a reversible flow
of knowledge and teaching.
When I say reversible flow, I
mean that we must apply an
almost universal approach to
the pairs “modern-ancient,”
“technology-nature,” and
“Occident-Orient,” to name
a few. The Marrakech Bien-
nale is an opportunity for us
to concretize, in this setting, a
way of thinking.
Attendance at the very suc-
cessful Marrakech Biennale
4 in 2012 increased from
previous Biennales. Yet for
an event of such importance,
it did not reach its potential.
Postface –
Au soleil sous l’ombre
d’un olivier
– Karim El Achak
La thématique de la 5
tion de la Biennale de Mar-
rakech nous interpelle tous.
Complexe est la tâche qui
consiste à répondre à cette
grande question de ÒU
NANT ? , si l’on ne considère
pas, en amont, la notion de
temps du Now (maintenant)
et celle de l’espace de Mar-
rakech comme un binôme in-
Le « Now » devient identi-
fiable une fois que les notions
de “passé” et de “futur” ont
intégré notre débat et notre
questionnement. Il est indis-
pensable de tourner un regard
sur notre passé afin de com-
prendre et d’identifier d’où
nous venons. Ce regard serein
et attentif nous permettra de
nous installer confortable-
ment autour de la table de la
Biennale et de débattre cette
question, ce qui nous condui-
ra à nous projeter vers l’ave-
nir et inévitablement nous
conduira à la vraie question
du “où allons-nous ?”.
Quant à la dimension « es-
pace », elle induit le “où
somme-nous ?” dans une
perspective purement géo-
graphique mais aussi le “qui
sommes-nous ?” dans une
perspective identitaire. Lors
d’une rencontre comme la
Biennale, la question iden-
titaire reste réductrice par
rapport aux enjeux posés et
aux réponses recherchées. Ce
qui laisse penser que cet évè-
nement, fortement voulu par
Vanessa Branson et par nous
tous, se veut un premier acte
d’établissement d’un pont
entre identité et différence.
Il s’agit ici de créer un lien
qui, comme l’a dit Heideg-
ger en imaginant son « pont
», annule l’éloignement entre
les choses jusqu’à créer une
proximité inédite.
A une époque où la crise
des modèles dans toutes les
disciplines a atteint son pa-
roxysme, je dirais que le mo-
ment est opportun pour cet
événement qui sera une réelle
occasion de réfléchir ensemble
à des sujets qui, par définition,
échappent à notre percep-
tion réductrice des frontières.
La Biennale devra être, par
conséquent, une rencontre
où l’échange, le partage et la
prise de contact seront trans-
Si le moment est opportun,
le lieu l’est encore plus, étant
donné que la ville de Mar-
rakech a été et reste une terre
où se croisent personnes,
marchandises, pensées et cré-
dos. Au delà de sa situation
géographique, le Maroc puise
volontairement ses références
dans cette diversité culturelle ;
ce pourquoi aujourd’hui plus
que jamais, il est question de
spécificité marocaine. Je reste
intimement convaincu que
lors de cette 5
nous trouverons en partie
réponse à toutes les grandes
interrogations qui font l’ob-
jet de notre rencontre, les uns
chez les autres. Ainsi sera-t-il
important de se mobiliser au-
tour de la Biennale d’Art et
d’Architecture, pour créer des
espaces de débat témoignant
de la vivacité de nos cultureset
poser les premiers pas pour
que chacun accède à l’Autre.
Penser, réfléchir, échanger,
dans différents contextes,
nous permettra de briser cette
idée latente en chacun qu’il
y aurait, d’un coté, le Nord
apportant connaissance et
savoir, et de l’autre, le Sud
les recevant. Il faut donc bâ-
tir ce pont qui réduira les
écarts et qui nous permettra
d’instaurer ce flux réversible
de connaissances et d’ensei-
gnements. Quand je parle de
flux réversible, je parle d’une
approche presque universelle
qui doit être appliquée aux
paires “moderne-anciens”,
“technologie-nature”, “Occi-
In light of the interest shown
in this current Biennale, the
question of participation de-
serves our attention, because
it prompts us to define our au-
dience and to seek the causes
of insufficient attendance.
I want to mention the experi-
ence of Saha Perugini after
her last visit to the Venice
Biennale. Perugini defines
herself as “[an] illiterate who
does not understand Con-
temporary Art, because it
has its own grammar, syntax
and linguistic structure that
one must know.” She left the
exhibition fascinated by its
content but not knowing how
to read or decipher it. She
says that “contemporary art
is intellectual, psychoanalyt-
ic, and meta-referential. In
celebrating this, the Biennale
distances itself from the ordi-
nary spectator, unconcerned
with making a connection
with him or her.” I agree with
her so wholeheartedly that,
during our discussions and
up until now, it is precisely
this point—connecting to and
involving the spectator—that
has become the driving force
in structuring the program of
the fifth edition.
As an architect and citizen
engaged in the not-for-prof-
it and cultural life of Mar-
rakech, I have noted that
Moroccan society today is
going through a palpable
identity crisis that expresses
itself in various ways, most
notably through social ills.
This moment of seeking and
questioning can be only ben-
eficial to our country. It high-
lights a problem that is not
only generational, because it
affects our daily political, so-
cial, economic, and cultural
lives, and embodies a man-
ifestation of contemporary
As for our relationship as citi-
zens to our cities and homes,
I would like to emphasize that
our traditional and introverted
ways of life have given way
today to their opposites, that
is, to very extroverted ways of
life. This progress shapes our
current approach to building
the city, as architectural pro-
jects occasionally make mis-
steps, through an excess of
aestheticism and insufficient
integration with their cultural,
natural, temporal, and func-
tional environments. A “look-
at-me” ethos has taken prece-
dence over the “discover-me”
ethos intrinsic to our cultural
specificity. Today the debate
about the aesthetic of our cit-
ies is happening in cafés and
taxis. When asked, the great
majority of people consider
our architectural urban land-
scape ugly and do not find it
meets the standards of what
our ancestors bequeathed to
In this context, the Biennale
has come to represent a live-
ly and evolving dynamic, a
regular opportunity for our
approaches and our gazes to
confront “the new,” the sym-
bol of our times. These bien-
nial meetings will allow us, in
time, to enrich our aesthetic
and visual vocabulary.
Having only one Biennale
is insufficient to achieve
cross-disciplinary pollination.
We must open doors to other
disciplines, and we must con-
sider creating a Marrakech
Biennale of Architecture that
will take place every other
year following the Marrakech
Biennale of Contemporary
Art. This architectural dimen-
sion will allow us to quickly
engage a large public, as
well as institutions that are di-
rectly affected by this theme
(or problematic, to use a term
commonly used today). Archi-
tecture—a place of synthesis
where art, society, economy,
and culture find a common
home—will allow us to better
Afterword –
In the Sun under the Shadow of an Olive Tree – Karim El Achak
dent-Orient », etc. La Bien-
nale de Marrakech est pour
nous une occasion de concré-
tiser, en ce lieu, un mode de
La 4
édition de la Biennale
de Marrakech en 2012, qui a
connu un succès important, a
vu sa fréquentation augmen-
ter. Celle-ci reste toutefois
en dessous du potentiel d’un
évènement de cette impor-
tance. La question de la par-
ticipation, au vu de l’ intérêt
porté à cette Biennale, mérite
notre attention car elle nous
pousse à définir notre public
et à chercher les causes de sa
présence insuffisante.
Je veux évoquer l’expérience
de Saha Perugini suite à sa
dernière visite de la Biennale
de Venise, elle qui se définit
comme une « analphabète
qui ne comprend pas l’Art
Contemporain parce que cet
Art a sa propre grammaire,
syntaxe et structure linguis-
tique qu’il faut connaître
», est sortie fascinée par le
contenu de l’événement mais
sans savoir le lire ou le dé-
chiffrer. Elle dit que « l’art
contemporain est intellectuel,
psychanalytique et métaré-
férentiel. Dans cette célébra-
tion, la Biennale s’éloigne du
spectateur commun sans se
préoccuper de devoir faire ce
rapprochement. ». Je partage
tellement avec elle cette opi-
nion que lors de nos discus-
sions et jusqu’à présent, c’est
ce point précis du rapproche-
ment et de l’implication du
spectateur qui est devenu le
fil conducteur pour structurer
notre programmation de la
En tant qu’architecte et ci-
toyen actif dans le monde as-
sociatif et culturel de la ville
de Marrakech, je note que la
société marocaine traverse au-
jourd’hui une phase de crise
identitaire évidente qui s’ex-
prime sous plusieurs formes,
notamment au travers de vé-
ritables malaises sociaux. Ce
moment de recherche et de
questionnement ne peut être
que salutaire pour notre pays.
Il met en évidence une pro-
blématique qui n’est pas seu-
lement générationnelle, car
elle touche notre quotidien
politique, social, économique
et culturel, et constitue une
manifestation des dilemmes
Concernant notre relation, en
tant que citoyens, à nos villes
et notre habitat, je voudrais
souligner que nos modes de
vie traditionnels et introvertis
ont cédé la place aujourd’hui
à leurs opposés, soit des mo-
des de vie très extravertis.
Cette évolution façonne au-
jourd’hui notre démarche
courante dans l’acte de bâtir
la ville, les projets architec-
turaux péchant par moment
par excès d’esthétisme et in-
suffisance de leur intégration
à leur environnement culturel,
naturel, temporel et fonction-
nel. Le ‘’regarde-moi’’ à pris
le dessus sur des valeurs in-
trinsèques à notre spécificité
culturelle, qui résident dans le
processus du ‘’découvre-moi’’.
Aujourd’hui ce débat sur
l’esthétique de nos villes se
poursuit dans les cafés et les
taxis. Une grande majorité de
personnes interrogées consi-
dèrent laid notre paysage ar-
chitectural et urbain et ne le
trouvent pas à la hauteur de
ce que nous ont légué nos an-
Au vu de cette situation, la
Biennale est venue créer une
dynamique vivante et évolu-
tive, une occasion récurrente
de confronter notre approche
et notre regard au ‘’nouveau’’,
à l’image de notre époque.
Ces rendez-vous, tous les
deux ans, nous permettront,
avec le temps, d’enrichir notre
vocabulaire esthétique et vi-
Postface –
Au soleil sous l’ombre d’un olivier – Karim El Achak
understand and assimilate the
role of previous Marrakech
Biennales of Contemporary
The Biennale must continue
to celebrate its visionary ap-
proach in a specific way: I
insist on this point. We must
arm ourselves with patience
because it takes time before
the content of a biennial has
an impact on the everyday
life of inhabitants. The best
example is Damien Hirst’s
skull, produced in 2007, that
has today become a logo
and decorative motif print-
ed everywhere, even on the
clothes sold at the Jamaa El
Fna market alongside slip-
pers and djellabas. Who
would ever have thought such
a thing possible?
Every two years, south of
the Mediterranean, an event
stimulates our imagination
and prompts our reflection
through art that speaks, influ-
ences, guides, and recounts
our dreams. With this Bien-
nale, Morocco has taken a
definitive step forward in its
cultural development and
As for the Biennale of Archi-
tecture: When? The question
will be at the heart of Mar-
rakech Biennale 5.
Afterword –
In the Sun under the Shadow of an Olive Tree – Karim El Achak
Ainsi, la seule Biennale d’Art
n’est pas suffisante pour nous
faire atteindre cette contami-
nation transversale ; il faut
absolument ouvrir les portes
à d’autres disciplines, réflé-
chir ensemble à la création
d’une Biennale d’Architec-
ture qui succédera une année
sur deux à la Biennale d’Art
Contemporain. Cette dimen-
sion architecturale permettra
d’impliquer rapidement un
large public et des institutions
qui sont directement touchées
par cette thématique (ou pro-
blématique, terme commu-
nément utilisé aujourd’hui).
L’Architecture, lieu de syn-
thèse où l’art, la société, l’éco-
nomie et la culture trouvent
demeure, permettra de mieux
comprendre et assimiler le
rôle des dernières Biennales
d’Art Contemporain de Mar-
La Biennale d’Art contem-
porain se doit de continuer à
célébrer, d’une manière spé-
cifique, son approche vision-
naire, j’insiste sur ce point. Il
faut s’armer de patience car il
faut du temps avant que les
contenus d’une biennale aient
un impact sur le quotidien
des habitants. Le meilleur
exemple à citer serait celui du
crâne de Damien Hirst, pro-
duit en 2007, qui est devenu
aujourd’hui un logo et un mo-
tif décoratif qu’on retrouve
partout imprimé sur des vê-
tements que les commerçants
de Jamaa El Fna vendent avec
les babouches et les djellabas
: qui aurait jamais pensé pos-
sible une chose pareille ?
Au sud de la Méditerranée,
tous les deux ans, un évé-
nement stimule notre imagi-
nation et notre réflexion par
le biais d’un Art qui parle,
qui influence, qui guide et
qui raconte nos aspirations.
Avec cette Biennale, le Ma-
roc a franchi une étape fon-
damentale de son processus
de croissance et d’évolution
A quand la Biennale d’Ar-
chitecture ? Une question qui
sera au menu de cette 5
Postface –
Au soleil sous l’ombre d’un olivier – Karim El Achak
134 135
Executive Commitee / Comité exécutif
André Azoulay, Honorary President / Président honoraire
Vanessa Branson, President and Founder / Présidente et fondatrice
Amine Kabbaj, Vice President Executive / Vice-Président exécutif
Directors / Directeurs
Stefan Holwe, General Director / Directeur général
Alya Sebti, Artistic Director / Directrice artistique
Alia Radman, Director of Operations / Directrice des opérations
Marrakech Biennale Board / Comité de la Biennale
France Aline, Art Advisor / Conseillère artistique
Nicolas Carre, Branding Advisor / Consultant de marque
Carson Chan, MB4 Curator / Commissaire MB4
David Knaus, The Marrakech Museum for Photography and Visual Arts (MMP+) / le Musée de Photographie et d’Arts Visuels de Marrakech (MMP+)
Meryanne Loum-Martin, Philanthropist / Philanthrope
Curt Marcus, Art Advisor / Consultant artistique
Mohamed Nait M’barek, Fondation des Festivals
Prithi Paul, Philanthropist / Philanthrope
Mehdi Qotbi, President of Foundation of Museums / Président de la Fondation Nationale des Musées
Nadim Samman, MB4 Curator / Commissaire MB4
Mustafa Zine, Honorary Consul to Monaco / Consul honoraire de Monaco
Artistic Steering Committee / Comité artistique
Livia Alexander, Independent Curator and Arts Management Consultant / Commissaire indépendant et consultant de management artistique
Negar Azimi, Senior Editor of Bidoun Magazine / Rédacteur en chef de Bidoun Magazine
Faouzi Bensaidi, Filmmaker / Cinéaste
Omar Berrada, Writer and Co-director of Dar al-Ma’mun / Auteur et co-directeur de Dar Al- Ma’mun
Aaron Cezar, Founding Director of Delfina Foundation / Directeur et fondateur de Delfina Foundation
Shezad Dawood, Artist / Artiste
Phillippe Delis, Architect / Architecte et scènographe
Meryem Jazouli, Choreographer and Founder of Espace Darja / Chorégraphe et fondatrice d’Espace Darja
Hassan Hajjaj, Artist / Artiste
Masasam, Curatorial Projects (Co-finalist Marrakech Biennale) / Projets de commissaires (co-finaliste de la Biennale de Marrakech)
Juergen Meyer, Artist / Artiste
Simon Njami, Curator and Writer / Commissaire et écrivain
Mohamed Rachdi, Head of Mécénat culturel at Société Générale / Président du mécénat culturel de la Société Générale
Berenice Saliou, Curator (Co-finalist Marrakech Biennale) / Commissaire d’exposition (co-finaliste de la Biennale de Marrakech)
Nawal Slaoui, Curator and Founder of Cultures Interfaces / Commissaire et fondatrice de Cultures Interfaces
Ghita Triki, Director of Fondation Actua / Directrice de la fondation Actua
Salma Tuqan, Curator of Victoria & Albert Museum / Commissaire du Victoria &Albert Museum
Curators / Commissaires artistiques
Hicham Khalidi, Visual & Sound Arts Curator / Commissaire d’Arts Visuels &Sonores
Natasha Hoare, Visual & Sound Arts Assistant Curator / Assistante du commissaire d’Arts Visuels &Sonores
Samya Abid, Visual & Sound Arts Production Manager / Responsable de production de l’exposition d’Arts Visuels &Sonores

Jamal Abdennassar, Cinema & Video Curator / Commissaire de Cinéma &Vidéo

Driss Ksikes, Literature Curator / Commissaire de Littérature
Khadija Boutaleb, Assistant to Literature / Assistante de Littérature

Khalid Tamer, Performing Arts Curator / Commissaire des Arts Vivants
Claire Le Goff, Assistant to Performing Arts / Assistante des Arts Vivants

Team / Équipe
Abdelhamid Bousaadi, Financial Manager / Responsable financier
Achraf Bendaoud, Photography and Graphic Design (Marrakech) / Photographie et design graphique
Aisha Knidiri, Assistant Producer / Assistante de Production
Ali El Akkad, Project Manager and Education Program / Chef de projet et programme d’éducation
Amanda Hintz, Berlin Office Assistant / Assistante du Bureau de Berlin
Amanda Sarroff, Catalogue Editor / Rédactrice du catalogue
Anas Benhamou, Logistics Assistant / Assistant en logistique
Bart Van Kersavond, Website Programmer / Programmeur du site
Holiday Powers, Artistic Program Coordinator and Parallel Projects / Coordinatrice du programme artistique et des Projets Parallèles
Katharina Wenzel, Outreach Coordinator (IFA) / Coordinatrice extérieur (IFA)
Khalid El Markou, Production Coordinator / Coordinateur de production
Lauren Dorman, Marrakech Biennale UK Office / Bureau de la Biennale de Marrakech au Royaume-Uni
Luca Bogoni, Abenteuer Design, Visual Identity and Web (Berlin) / Identité visuelle et site web
Maia Holtermann Entwistle, Partner Relations and Education Program / Chargée des relations avec les partenaires et programme d’éducation
Nabil Hamdaoui, Logistics Coordinator / Coordinateur de logistique
Rowan McCuskey, Graphic Designer (Official Catalogue & Indoor Signage) / Designer graphique (catalogue officiel et signalétique interne)
Salma Berrada, Guest Relations Manager / Manager des relations avec les visiteurs

Press Relations / Relations presse
Helena Straengberg, Bureau “N” (International)
Silke Neumann, Bureau “N” (International)
Pascale Hervy, Public Relations (Morocco) / Relations publiques (Maroc)
Johanna Boudinet, Press Coordinator (Morocco) / Coordinatrice presse (Maroc)

Translators / Traducteurs
Abdelkader Loukili, Alexander Toledano, Aya Nabi,
Ayoub El Mouzaine, Céline Curiol, Chloé Tuot,
Farid Zahi, Heba Zohni, Imane Nidae,
Jean-Pierre Massias, Jesse Kirkwood, Jesse Rafert,
Julia Langbein, Matthew Cunningham,
Mohamed El Khadiri, Paul Robion,
Sarah Abdu Abdallah, Sophie Halart,
Youna Kwak

Copyeditors / Relecteurs
Aya Nabi, Chloé Tuot, Tara Cunningham
Publisher / Éditeur
Jap Sam Books
Interns / Stagiaires
Abdelali Ouakchoum, Bouaissane Mohamed,
Brahim Lafdouk, Dieudonné Mouandza,
Hasna El Filali, Hicham Jarkach, Hind Balalit,
Meriem Mghazli, Nayrouz Ouair, Nouhaila Barida,
Sana Elouazi, Zakaria Kherroubi, Zineb Bouariss
Volunteers / Bénévoles
Ana Raquel Pereira, Claire Wheeler,
Ghizlane Ouazzani
136 137
Participants of the Main Program / Participants du programme officiel
Thank you to all the participants of the main program.
Merci à tous les participants du programme officiel.

Parallel Projects / Projets Parallèles
Thank you to all the participants the Parallel Projects.
Merci à tous les participants des Projets Parallèles.

Biennale TV / Télé de la Biennale
Thank you to all the participants of Biennale TV.
Merci à tous les participants de la Télé de la Biennale

Sponsors / Sponsors
City Financial, Fondation Jardin Majorelle, SAHAM Group, Fondation Alliances, JOTUN,
Marrakech Museum for Photography and Visual Arts (MMP+), Arabian Wings, Jnan Amar
Polo Resort, ASSOCIATI, El Fenn, Kasbah Tamadot

Media Partners / Partenaires média
2M Radio, 2M TV, Assabah, BeitRUKH, Hibrow, Hit Radio, ID Prestige, L’Economiste, La
Nouvelle Tribune, Luxe Radio, Magazine Diptyk, Medi 1, Metropolis, Radio Atlantique,
Radio Mars, Springerin

Partners / Partenaires
The City of Marrakech, Ministry of Culture of Morocco, Ministry of Tourism of Morocco in
London, ONMT, 4 Tomorrow, African Arts Trust, Arabian Wings, Atelier Éric van Hove,
Athr Gallery, Atla(s)now, Cafe Clock, Dar al-Ma’mun, Dar Bellarj, Ecole Superieure des
Arts Visuels, Festival On Marche, Galerie Yakin & Boaz, Himalayas Museum, IFA, Institut
Francais du Maroc, Institut Francais de Marrakech, Instituto Cervantes, Jnane Tamsna, Ka-
marStudios, L’Atelier de l’Observatoire, La Douiria du Derb El Hammam, Le 18, Maison de
la Photographie, Mamounia, Marrakech Museum for Photography and Visual Arts (MMP+),
MINT Collective, Morocco Experiences & Projects, SAHA, Share(d)esign for Sustainable
Development, STUK Art Centre, TransArtists in participation with DutchCulture

Hospitality Partners / Partenaires d’hospitalité
Angsana Hotels, Atlas Asni, Atlas Medina, Dar Darma, Dar FakirEl Fenn, Hivernage
Hotel, Hotel Almas, Hotel Amani, Hotel Zalagh, Kenzi Farah Hotel, Kenzi Menara Palace,
L’Association de l’Industrie Hôtelière (AIH), La Mamounia, Pure Riads, Riad Cinammon,
Riad Star, Royal Mansour, Sofitel, The Pearl, Azyr Café, Bazaar, Beldi Country Club, Café
Clock, Cafe de la Poste, Dar Fakir, Henna Café, Karma Café, Kechmara, L’Avenue, Le
Jardin, Le Salama

Education Partners / Partenaires en éducation
British Council, Cadi Ayyad University, Digital Video Production, ESAV

Travel Partners / Partenaires de voyage
Art & Travel, Boutique Souk, Epic Morocco, Travel Link, Taxi Vert

Gallery Partners / Galeries partenaires
BCK Gallery, Culture Interfaces, Galerie 127, Galerie David Bloch, Galerie Noir Sur
Blanc, Galerie RE, Galerie Shart, Galerie Tindouf, Galerie Yakin & Boaz, Matisse Art
Gallery, Voice Gallery,

Patrons / Mécénes
Ely Michel Ruimy, Emma O’Hea, Frank Barkow, Howell James, Karen Ruimy, Lisa Zinne,
Maryam Eisler, Moulay Hafidh El Alami, Mr and Mrs Petri Vanio, Nicoletta Fiorucci, Patrick
Spillman, Priti Paul, The Kirsh Foundation, Wendy Fisher
Special Thanks / Remerciements
Alan Yentob, Alessa Herbosch, Amit Chaudhuri, Angelika Stepken, Aniko Boehler,
Anthony Horowitz, Axel Schmitt, Barrak Alzaid, Benedicte Clarkson, Damien Tissot, Dave
Calhoun, Don Boyd, Elke Aus dem Moore, Eric van Hove, Faycal Alaoui, Hamza Serafi,
Hassan Darsi, Hassan Hajjaj, Henry Bennett, Hilary Boyd, Hind Bensari, Iris Lenz, Jessica
Bannister, Julien Temple, Katrine Boorman, Kerryn Greenberg, Mahi Binebine, Malika
Chaghal, Cinémathèque de Tanger, Matthew Bannister, Michele Cohen, Mostafa Aghrib,
Nabil Ayouch, Pierre Antoine, Pierre Robion, Rocco Orlacchio, Rupert Everett, Salaheddine
Naciri, Sherine Tohamy, Stephen Frears, Touria El Glaoui, Ugochukwu-Smooth C. Nzewi,
Yasmina Reggad, Wafa Guebsi, Zineb Sedira
Partners / Partenaires Partners / Partenaires
Le Musée de la Photographie et des Arts Vi-
suels de Marrakech (MMP+) est consacré à
l’exposition des meilleurs photographes ma-
rocains, nord-africains et internationaux, ain-
si qu’aux beaux-arts traditionnels. Ouvert en
septembre 2013, il est abrité temporairement
au Palais Badii pendant la construction du
bâtiment du musée permanent. Le MMP+ au
Palais Badii offre un éventail d’expositions
riche et complet : programmes éducationnels,
échanges culturels et sensibilisation. Fonc-
tionnant comme un espace “projet”, le site du
Palais est un laboratoire vivant pour le déve-
loppement des programmes et des expositions
qui auront lieu dans le bâtiment permanent,
une fois terminé. Le Musée de la Photographie
et des Arts Visuels de Marrakech disposera de
plus de 6 000 m
; son architecture nouvelle
et remarquable est conçue par le célèbre archi-
tecte anglais Sir David Chipperfield, et le musée
va s’élever tout près des jardins historiques de
la Ménara à Marrakech. Marrakech, située au
cœur du Maroc, reçoit quelque 9 millions de
visiteurs internationaux chaque année et ac-
cueille à la fois le Festival international du film
et la Biennale de Marrakech. Une fois terminé,
le MMP+ abritera des galeries, un théâtre, un
café, une bibliothèque, des espaces publics et
de nombreux équipements éducatifs – autant
d’éléments qui font de ce projet un musée in-
novant. Le MMP+ sera l’épicentre culturel de
la région ; son emplacement sera le cœur d’une
étoile multi-point attirant les chercheurs, les
étudiants et les visiteurs du monde entier.
The Marrakech Museum for Photography and
Visual Arts (MMP+) is dedicated to exhibiting
the best Moroccan, North African, and inter-
national lens-based and traditional fine art.
Opened in September 2013, the Palais Badii
is its temporary home while the permanent mu-
seum building is under construction. MMP+ at
Palais Badii has a rich, full program of exhibi-
tions, education, cultural exchange, and out-
reach. Functioning as a “project” space, the
Palais Badii site is a vibrant laboratory for the
development of programs and exhibitions that
will be hosted once the permanent building is
completed. The Marrakech Museum for Pho-
tography and Visual Arts will be housed in a
6,000+ m
new, architecturally distinct build-
ing designed by renowned architect Sir David
Chipperfield, and the museum will sit adjacent
to Marrakech’s historic Menara Gardens.
Marrakech, located in the heart of Morocco,
hosts a vast and diverse pool of some 9 million
international visitors annually, and is the home
of both the Marrakech International Film Festi-
val and the Marrakech Biennale. When com-
pleted, MMP+ will house galleries, a theater,
café, bookshop, public spaces, and extensive
educational facilities—all of the components
that create a lively, innovative museum pro-
ject. MMP+ will be a cultural epicenter in the
region; its location will serve as the heart of
a multi-point star, drawing scholars, students,
and visitors from around the world.












El Badia Palace, Ksibet Nhas
4000 Marrakech, Morocco
near Place des Ferblantier
tel. +212 524 387 170
The Marrakech Museum for Photography and Visual Arts
Le Musée de la Photographie et des Arts Visuels de Marrakech
ةيصبلا نونفلاو
�ارغوتوفلا ريوصتلل شكارم فحتم