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Title – Name

Marrakech

Biennale

5

1

WHERE ARE WE NOW? Marrakech Biennale 5

Editors: Hicham Khalidi, Amanda Sarroff, Natasha Hoare

Published on the occasion of WHERE ARE WE NOW? Marrakech Biennale 5 February 26 - March 31, 2014

Translation: Celine Curiol, Imane Nidae, Matthew Cunning- ham, Ayoub El Mouzaine, Mohamed Elkhadiri, Heba Zohni, Sophie Halart, Abdelkader Loukili, Paul Robion, Sarah Abdu Abdallah, Julia Langbein, Youna Kwak, Jesse Kirkwood, Farid Zahi, Alexander Toledano, Chloé Tuot Proofreaders: Aya Nabih, Chloé Tuot, Tara Cunningham

Design: Rowan McCuskey

Printing and binding: ORO Grafisch Project Management Paper: Cheap local Turkish papers Typefaces: Futura, Sabon, Adobe Arabic

Every reasonable attempt has been made to identify owners of copyright. Errors or omissions will be corrected in subsequent editions.

Published by Jap Sam Books in cooperation with Marrakech Biennale 5

This book was made possible with generous lead support from MMP+

©2014 Marrakech Biennale, Jap Sam Books, the editors, au- thors, artists, and photographers. No part of this publication may be reproduced or reprinted or utilized in any form without express permission in writing from the publishers or copyright holders except in the context of reviews.

Marrakech Biennale Derb Moullay Abdullah Ben Hezzian Bab El Ksour, Marrakech www.marrakechbiennale.org

Jap Sam Books, Heijningen www.japsambooks.nl

ISBN 978-94-90322-46-5

Title – Name

WHERE

ARE

WE

NOW

?

Jap Sam Books, Heijningen www.japsambooks.nl ISBN 978-94-90322-46-5 Title – Name WHERE ARE WE NOW ? 3

3

Title – Name Under the Royal Patronage from his Majesty The King Mohammed VI 5

Title – Name

Under the Royal Patronage from his Majesty The King Mohammed VI

5

Sous le Haut Patronage de Sa Majesté le Roi Mohammed VI

Where Are We Now?

– André Azoulay Counselor to H.M. the King Mohammed VI

6

The Marrakech Biennale has become an indelible part of Morocco’s vibrant cultural legacy. Its programming con- nects local and international audiences to new ideas and artistic visions from Morocco and abroad. The title of the fifth edition WHERE ARE WE NOW? speaks to Morocco’s current dynamism and to the promise of its future.

Où sommes-nous maintenant?

– André Azoulay Conseiller auprès de Sa Majesté le Roi Mohammed VI

La Biennale de Marrakech constitue aujourd’hui une part essentielle du patrimoine culturel marocain. A travers sa programmation, elle per- met à un public local et in- ternational de se rencontrer autour de débats d’idées et de visions artistiques puisant leurs sources au Maroc et à l’étranger. Comme l’atteste le titre de cette cinquième édi- tion OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ?, le dyna- misme actuel du Maroc s’ins- crit aussi bien dans le présent que dans ses perspectives d’avenir.

7

Marrakech Biennale 5 Participants / Participants

8

Visual Arts & Sound / Arts Visuels & Sonores

Curator / Commissaire Hicham Khalidi

Artists / Artistes Adriana Lara Agnes Meyer-Brandis Anne Verhoijsen Asim Waqif Burak Arikan Can & Asli Altay Cevdet Erek Charif Benhelima Éric Van Hove Gabriel Lester Ghita Khamlichi Hamid el Kanbouhi Hamza Halloubi Hassaan Kahn & Ibtesam Gazder Hiba Khamlichi Hicham Benohoud Iman Issa Jelili Atiku JG Thirlwell Kader Attia Katarina Zdjelar Katinka Bock Keren Cytter Khaled Sabsabi Lili Reynaud-Dewar Max Boufathal Mohamed Arejdal Mounira Al Solh Mustapha Akrim Pamela Rosenkranz Patrick Wokmeni Randa Maroufi

Saâdane Afif Sandra Niessen Saout Radio (Younes Ba- ba-Ali & Anna Raimondo) Saud Mahjoub Shezad Dawood Tala Madani Wafae Ahalouch el Keriasti Walid Raad Yassine Balbzioui Younes Rahmoun Zaynab Khamlichi

freq_out 10:

Anna Ceeh BJ Nilsen Brandon LaBelle Carl Michael von Hausswolff Christine Ödlund Franz Pomassi Jacob Kirkegaard JG Thirlwell KamarStudios Kent Tankred leif e. boman Leif Elggren Maia Urstad Mike Harding Petteri Nisunen Tommi Grönlund

Cinema And Video / Cinéma & Vidéo

Curator / Commissaire Jamal Abdennassar

Artists / Artistes Amir Rouani Hassan Darsi Hicham Ayouch Ismael El Iraki Mohamed El Baz Mohammed Laouli Soukeina Hachem Yacout Kabbaj Yasmine Hajji Youssef Ouchra

With a Carte Blanche to / Avec une Carte Blanche à la Cinémathèque de Tanger

Singing Maps and Underlying Melodies:

Curator / Commissaire Clara Meister, with / avec S.T.I.F.F. and / et KamarStudios

Literature / Littérature

Curator / Commissaire Driss Ksikes

Artists / Artistes Aïcha El Beloui Ali Essafi Asmae Lmrabet Ghaleb Bencheikh Hamza Boulaïz Imane Zerouali Jaouad Essounani Latefa Ahrrare Michael Willis Mohamed Sghir Janjar Mounia Bennani-Chraïbi Mounir Bensalah Olfa Youssef Raja El Mouatarif Saïd Bouftass Sanae El Aji Simohammed Fettaka Sophia Hadi Taïeb Belghazi

Performing Arts / Arts Vivants

Curator / Commissaire Khalid Tamer

Artists / Artistes Collectif “Les Scotcheurs Éclairés” Philippe Allard & M’Barek Bouhchichi Sandrine Dole

9

10

Table of Contents

I

01

19

71

Foreword I – Vanessa Branson

Introduction

Visual & Sound Arts

Literature

III

02

– Expanding Access to Contemporary Culture in North Africa – Alya Sebti

20

– Writing on the Wall – Kaelen Wilson-Goldie

72

– The Expansion of the Realm of Literature – Driss Ksikes

Foreword II – Amine Kabbaj

24

– Where Are We Now? Identity as Fiction – Hicham Khalidi

76

V

10

Artist Biographies

Preface – Simon Njami

Marrakech:

A Historical Overview – Hamid Triki

34

 

Artist Biographies

14

Exhibition Venues

83

91

105

127

Performing Arts

Cinema & Video

Parallel Projects

Afterword – Karim El Achak

84

92

Presenting Artwork in Public Spaces – Khalid Tamer

Reinventing the

134

Boundaries of

Images

Organization

 

– Jamal

Acknowledgments

86

Abdennassar

MMP+

Artist Biographies

94

Artist Biographies

102 – Carte Blanche at the Cinémathèque de Tanger – Malika Chaghal

Table de matières

II

01

19

71

Avant-propos I – Vanessa Branson

Introduction

Arts Visuels & Sonores

Littérature

03

– Accroître l’accès à la culture contemporaine en Afrique du Nord – Alya Sebti

21

73

– L’extension du domaine de la littérature – Driss Ksikes

IV

Avant-propos II – Amine Kabbaj

– Ecrire sur les murs – Kaelen Wilson-Goldie

VI

25

– Où sommes-nous maintenant ? Identité comme fiction – Hicham Khalidi

76

11

Biographies des

Préface – Simon Njami

Marrakech:

artistes

Aperçu historique – Hamid Triki

 

15

35

Lieux d’expositions

Biographies des

artistes

83

91

105

127

Arts Vivants

Cinéma & Vidéo

Projets Parallèles

Postface – Karim El Achak

85

– Présentation des œuvres au sein des espaces publics

93

– Ré-inventer les territoires de l’image – Jamal Abdennassar

134

Organisation

– Khalid Tamer

Remerciements

 

MMP+

86

95

Biographies des

Biographies des

artistes

artistes

103 – Carte Blanche à la Cinémathèque de Tanger – Malika Chaghal

11

Foreword I

– Vanessa Branson, President and Founder

The Marrakech Biennale was born ten years ago as a response to world events. Western governments seemed to be painting the entire

area of North Africa and the Middle East with the same broad brush of distrust and para- noia. There was an increasing need to find

a platform to debate ideas and ideologies.

What better way to do this than through the arts?

Through the arts, you can discuss contentious issues without causing offense; you can play around with concepts, change your mind, develop a critical language, and hone your debating skills. Engaging in contemporary culture indicates that a country celebrates free

I thinking and is confident in its future.

The process of producing all the artworks in Marrakech, with the artists engaged directly with students from the university and utilizing the skills of local artisans and technicians, means that the local audience is engaged and curious even before the international public gets to see the work. We knew we were get- ting something right when one commentator described the Biennale as the “Davos of the art world.”

The Biennale is not simply about discussing

parallels and differences among cultures but about connecting different art forms. We revel

in contributors who move seamlessly from a

filmmaking panel to picking up a ukulele on cabaret night. We understand the contribution that each festival goer makes, not only in sup- porting the event by purchasing a ticket, but by being there to challenge participants and by spreading the word once they leave.

This is a personal opinion, but artists really are special people! It never ceases to amaze me how they see the world through a prism differ- ent from us mortals. They have an extrasenso- ry system that is open to hidden stimuli, and the ingenuity to transform this into something tangible for us to marvel at.

Until now Marrakech had virtually no arts in- frastructure. The city, with its rich soup of an- cient traditions, beautiful light, exotic sounds and smells, and astonishing number of skilful artisans full of enthusiasm and ingenuity, is an exciting, if at times challenging, environment for an artist. The Biennale spotlight and its ensuing press interest lend the town a crea- tive surge. Artist residencies are opening, the Marrakech Museum for Photography & Visual Arts (MMP+) was recently inaugurated, and a number of good galleries and arts organiza- tions are looking at spaces to open next year.

The Marrakech Biennale is the longest-running arts festival in the Maghreb. From its humble beginnings back in 2005, it has grown into an organic beast, alive with energy and enthusi- asm. They say that, in Morocco, “anything is possible but nothing is certain.” This has been our mantra. Anything is possible, and who knows what direction the Biennale will take. One thing that is certain is that it is always going to be unexpected.

Avant-propos I

– Vanessa Branson, Présidente et Fondatrice

La Biennale de Marrakech est née il y a dix ans, en réaction à certains événements mondiaux. Les gouvernements occidentaux semblaient alors donner à toute la zone de l’Afrique du nord et du Moyen-Orient un portrait uni- forme, entaché par la méfiance et la paranoïa. Il devenait alors vraiment nécessaire de trou- ver une plateforme pour qu’idées et idéologies soient débattues. Le meilleur moyen de le faire n’était-il pas de passer par l’art ?

L’art nous permet de discuter des questions controversées sans offenser personne, il nous permet de jouer avec les concepts, de changer d’avis, de développer un discours critique et d’affûter nos argumentaires. En prenant part à la culture contemporaine, un pays montre qu’il rend hommage à la libre-pensée et qu’il a confiance en son avenir.

Grâce au processus de production de toutes les œuvres d’art à Marrakech, qui passe par une collaboration directe des artistes avec les étu- diants universitaires et l’utilisation par ceux-ci des talents des artisans et techniciens locaux, le public marocain est sollicité et curieux bien avant que les visiteurs internationaux ne voient ces œuvres. Nous savions d’ailleurs que nous avions réussi quelque chose lorsqu’un commentateur décrivit la Biennale comme le « Davos du monde de l’art ».

La Biennale n’est pas simplement l’occasion de discuter des parallèles et des différences entre cultures, mais aussi de créer des passerelles entre différentes formes d’art. Nous adorons que l’un de nos collaborateurs puisse, sans ef- fort apparent, contribuer à une table ronde sur le cinéma avant de s’emparer d’un ukulele pour jouer lors d’une soirée cabaret. Nous compre- nons la contribution qu’apporte chaque par- ticipant, non seulement en soutenant l’événe- ment par l’achat d’un billet, mais aussi en étant

présent pour interroger les artistes et, plus tard, en parlant de la manifestation autour de lui.

Il s’agit d’un point de vue personnel, mais les artistes sont vraiment des gens uniques ! Je ne cesse d’être fascinée par la manière dont ils voient le monde, à travers un prisme bien diffé- rent du nôtre, mortels. Ils possèdent un système extrasensoriel qui réagit à des stimuli cachés et le génie de transformer ceci en une chose tan- gible que nous puissions admirer.

Jusqu’à aujourd’hui, Marrakech ne possédait presque aucune infrastructure dédiée à l’art. La ville, avec son riche mélange de traditions ancestrales, sa lumière magnifique, ses sons et odeurs exotiques, et sa quantité impression- nante d’excellents artisans pleins d’enthou- siasme et d’ingéniosité, constitue un environne- ment stimulant, bien que parfois difficile, pour un artiste. L’éclairage de la Biennale et l’intérêt qu’elle suscite auprès des médias provoquent dans l’endroit un sursaut de créativité. Les ré- sidences d’artistes sont en train d’être ouvertes, le Marrakech Museum for Photography & Vi- sual Arts (MMP+) a été récemment inauguré et un certain nombre de galeries et de centres d’art recherchent des locaux en vue d’une ou- verture l’an prochain.

De tous les festivals des arts du Maghreb, la Biennale de Marrakech est celui qui a duré le plus longtemps. Ayant débuté de façon très modeste en 2005, il a grandi pour devenir une créature bien vivante, gonflée d’énergie et d’en- thousiasme. Au Maroc, on dit ceci : « Tout est possible mais rien n’est sûr. » Nous en avons fait notre devise. Tout est possible, et qui sait quelle direction prendra la Biennale. Une chose est sûre toutefois, c’est qu’elle sera toujours inattendue.

II

III

Foreword II

– Amine Kabbaj, Vice President

Avant-propos II

– Amine Kabbaj, Vice-président

WHERE ARE WE NOW? This is the theme and

The fourth edition of the Marrakech Biennale—

OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ? Tel

Oui, la Biennale de Marrakech est de retour

Pour cette 5 ème édition, nous avons bénéficié

so beneficial to the city of Marrakech and to

est le thème et le leitmotiv de la 5 ème édition de

très

tôt du haut patronage de Sa Majesté le Roi

leitmotif of Marrakech Biennale 5, held from February 26 to March 31, 2014.

Yes, the Marrakech Biennale is back, to pro- vide unforgettable experiences through exhi- bitions, performances, and screenings, con- ceived under the direction of Hicham Khalidi

the art world in our country— made it possible to achieve international standing and look for- ward to a long future. The four previous edi- tions were made possible thanks in large part to Vanessa Branson’s determination, will, and faith in art, as well as to Marrakech’s ability to

la Biennale de Marrakech qui se tient du 26 février au 31 mars 2014.

pour vous faire vivre des moments inoubliables grâce aux expositions, performances et pro-

Mohammed VI, ce qui a donné une visibilité à notre événement et aidé à lever des fonds au- près des organismes nationaux et internatio- naux.

La 4 ème édition de la Biennale de Marrakech

for Visual & Sound Arts, Jamal Abdennassar

host the events.

jections conçues par Hicham Khalidi pour les

a

permis d’atteindre un rayonnement inter-

for Cinema & Video, Driss Ksikes for Litera-

Arts Visuels & Sonores, par Jamal Abdennas-

national et de prétendre à la pérennisation de

ture, Khalid Tamer for Performing Arts, and with the participation of Karim El Achak for

Vanessa Branson, along with all the people who have helped and supported her over the

sar pour le Cinéma & Vidéo, par Driss Ksikes pour la Littérature, par Khalid Tamer pour les

cette manifestation bénéfique à la ville de Mar- rakech et au monde de l’art dans notre pays.

Architecture.

past ten years, will ensure that Marrakech Bi-

Arts Vivants, et avec la participation de Karim

Les

quatre éditions précédentes ont pu se tenir

ennale 5 is a fitting culmination of all the tire-

El Achak pour l’Architecture.

en grande partie grâce à la détermination de Vanessa Branson, à sa volonté et à sa foi en

I wish to pay tribute to Vanessa Branson, who launched this exceptional event ten years ago

and has supported it financially. I would like to thank Alya Sebti for her important work as artistic director, Stefan Holwe, our managing director, and Alia Radman, our director of op-

less hard work invested, reflecting the efforts of everyone involved.

This initiative was born of a desire for open- ness, in order to promote encounters and ex- changes between cultures. Today, it is a means

Je tiens à rendre hommage à Vanessa Bran- son qui a lancé à Marrakech, il y a dix ans, cet événement exceptionnel et qui l’a soutenu financièrement. Je remercie Alya Sebti pour son important travail à la direction artistique,

l’art ainsi qu’à la capacité de la ville de Mar- rakech de les accueillir.

Vanessa Branson, de même que toutes les per- sonnes qui l’ont aidée et soutenue durant ces

erations.

of rising up against displays of hatred and in-

Stefan Holwe, notre directeur général, et Alia

dix

dernières années, feront en sorte que la

tolerance between cultures and civilizations.

Radman, qui est chargée de la direction des

5

ème édition de la Biennale de Marrakech soit

Organizing an event like this is not easy given the resources at our disposal. The Marrakech

That this event takes place in Marrakech and in Morocco is not trivial. These have always

opérations.

l’aboutissement d’un travail intense, sans re- lâche, à l’image des efforts de tous.

Biennale should and will become a Moroccan event financed in part by Moroccan govern-

been places where the East, Africa, and the West meet, and it is important for this to be

Organiser un tel événement n’est pas chose fa- cile étant donné les moyens à notre disposition.

Cette initiative est née d’un désir et d’une volon-

ment agencies, by private, domestic, and in-

preserved.

La Biennale de Marrakech veut et doit devenir

d’ouverture afin de favoriser les rencontres

ternational institutions and sponsors, as well

un évènement marocain financé en partie par

et

les échanges entre cultures. Aujourd’hui, elle

as by organizations that have a general affili-

I

am very honored to have been appointed to

les instances gouvernementales marocaines,

apparaît comme un moyen de s’élever contre

ation with art.

lead this exciting venture with our team and

par les institutions et mécènes privés nationaux

les

manifestations de haine et d’intolérance

I

hope that, together, we will be equal to the

et internationaux ainsi que par les organismes

entre les cultures et les civilisations. Qu’elle

The Marrakech Biennale intends to occupy a

task.

affiliés à l’art en général.

se

déroule à Marrakech et au Maroc n’est pas

prominent place in the network of international

anodin : ces endroits ont toujours été un carre-

biennials, from Buenos Aires in Argentina to

La Biennale de Marrakech veut aussi occuper

four

entre l’Orient, l’Afrique et l’Occident et il

Gwangju in South Korea, from North America to Europe to the Middle East.

une place de choix dans le concert des bien- nales internationales, de Buenos Aires en Ar-

est important de préserver ceci.

gentine à Gwangju en Corée en passant par les

Je

suis très honoré d’avoir été désigné pour diri-

From an early stage of this fifth edition, we

biennales nord-américaines, européennes et du

ger cette aventure passionnante auprès de notre

benefitted from the high patronage of His Maj-

Moyen-Orient.

équipe et espère que nous serons, ensemble, à

esty the King Mohammed VI. This has given our event visibility and helped us raise funds from national and international organizations.

la

hauteur de la tâche.

IV

V

Preface

A Permanent Heterochrony – Simon Njami

It already begins to ring out through our inter- pretation of a simple pitcher; then as the a pri- ori latent theme of all the plastic arts, though it is really central to all the magic of music; then, finally, in the ultimate self-encounter, in the comprehended darkness of the lived moment, as this one thing leaps up and hears itself in the inconstruable, absolute question, the prob- lem of the We in itself. 1 – Ernst Bloch

Every exhibition is addressed to someone. To

“Time remains the same because the past is a previous future and a recent present, the present is an impending past and a recent future, and finally, the future is a present and even past to come. This is to say that each dimen- sion of time is treated or intended as something other than itself--which is to say, in short, because there is at the core of time a gaze … .” 2

a

receiver whom we commonly call a public

This gaze at the core of time is what forges the

or audience. And the difficulty of conceiving this event, called an exhibition or biennial, is that the public is anonymous and vague, an

invisible entity. Still, we would be wrong to confuse invisibility with a kind of non-existence that would give total de facto power to the exhibition’s director. For the latter, although struggling with his own ideas, must subject himself to at least one obligation: to envi- sion the “absolute question” that Ernst Bloch evoked, and to consider the watchword “We” as a starting point for all projects intended for

intimate relationship that each of us maintains with history or with current events. And it is this special gaze that helps us in our attempt to respond to a few questions, which are not exhaustive: Whom are we targeting? What public do we want to address when we con- ceive of exhibitions outside of spaces intended for this purpose? How can we make contem- porary art accessible, including in countries where infrastructure is lacking? 2

a

public. How then to negotiate the very idea

This is the challenge that Marrakech Biennale 5 intends to meet, by engaging with two es-

of

a public?

sential concepts at the center of this millenni-

The question inevitably takes us back to the question of time, since the notion of public that we constantly evoke is fluid, shifting, and sometimes intangible. By interrogating the present, we refer to the past, while being en- tirely preoccupied by the future, as Maurice Merleau-Ponty explains:

um’s self-questioning: time and community. By posing this seemingly simple but obviously complex question, “Where are we now?” this Biennale invites us on an ontological quest. No future is imaginable, as Merleau-Ponty writes, if it does not weave itself into time’s weft, in a permanent heterochrony.

1 Ernst Bloch, The Spirit of Utopia, Trans. Anthony A. Nassar (Stanford: Stanford University Press, 2000) 3.

2 Maurice Merleau-Ponty, Phenomenology of Perception, Trans. Donald A. Landes (New York:

Routledge, 2012) 445.

Préface

Une hétérochronie permanente – Simon Njami

[L]eur chant se fait entendre déjà déchiffré sur les flancs d’un simple pichet, déchiffré comme le thème latent a priori de tout art « plastique » et le thème central de toute magie de la mu- sique, déchiffré enfin dans la dernière rencontre possible de soi-même, dans l’obscurité élucidée de l’instant vécu tel qu’il s’ouvre d’un coup et se perçoit lui-même dans la question incons- tructible, la question absolue, le problème en soi du Nous. 1 – Ernst Bloch

Toute exposition s’adresse à quelqu’un. À un récepteur que nous appelons communé- ment public ou audience. Et la difficulté de la conception de cet événement que nous nom- mons exposition ou biennale provient du fait que le public est une entité anonyme et floue, invisible. Mais nous aurions tort de confondre cette invisibilité avec une inexistence qui don- nerait de fait les pleins pouvoirs au commis- saire de l’exposition. Ce dernier, au moment où il se débat avec ses idées, doit se soumettre au moins à une obligation, celle d’envisager la « question absolue » qu’évoquait Ernst Bloch. Et considérer ce mot d’ordre comme point de départ de tout projet destiné à un public. Com- ment, dès lors, négocier avec l’idée même de public ?

Cette question nous renvoie inévitablement à celle du temps puisque cette notion que nous évoquons sans cesse est fluide et mouvante, parfois intangible. En interrogeant le temps présent, nous nous référons au passé tout en étant entièrement préoccupés par l’avenir, comme l’explique Merleau-Ponty :

« Le temps demeure le même parce que le passé est un ancien avenir et un pré- sent récent, le présent un passé prochain et un avenir récent, l’avenir enfin un présent et même un passé à venir, c’est- à-dire parce que chaque dimension du temps est traitée ou visée comme autre chose qu’elle-même, c’est-à-dire, enfin, parce que il y a au cœur du temps un

regard (

).

» 2

Ce regard au cœur du temps est ce qui forge le rapport intime que nous entretenons chacun avec l’Histoire ou l’actualité. Et c’est ce même regard particulier qui nous aide dans notre tentative de répondre à ces quelques questions dont je ne dresse pas la liste exhaustive : Qui visons-nous ? À quel public voulons-nous nous adresser lorsque nous concevons des exposi- tions en dehors des lieux destinés à cet effet ? Comment pouvons-nous rendre l’art contem- porain accessible, y compris dans les pays où les infrastructures manquent ?

C’est ce défi que la 5 ème édition de la Marrakech Biennale se propose de relever, en s’intéressant à deux concepts essentiels sur lesquels notre millénaire s’interroge : le temps et la collecti- vité. En posant cette question simple en appa- rence, mais dont la complexité n’échappera à personne, « Ou sommes-nous maintenant ? », cette Biennale nous invite à une quête ontolo- gique. Aucun avenir n’est envisageable, comme l’écrit Merleau-Ponty, s’il ne s’inscrit pas dans la trame du temps, en une hétérochronie per- manente.

1 Ernst Bloch, The Spirit of Utopia, Trans. Anthony A. Nassar (Stanford: Stanford University Press, 2000) 3.

2 Maurice Merleau-Ponty, Phenomenology of Perception, Trans. Donald A. Landes (New York:

Routledge, 2012) 445.

VI

18

Introduction

Expanding Access to Contemporary Culture in North Africa

– Alya Sebti

Marrakech:

A Historical Overview

– Hamid Triki

Exhibition

Venues

Introduction

Accroître l’accès à la culture contemporaine en Afrique du Nord

– Alya Sebti

Marrakech:

Aperçu

historique

– Hamid Triki

Lieux

d’expositions

01

Introduction –

Expanding Access to Contemporary Culture in North Africa

– Alya Sebti, Artistic Director

The ideal concept behind a Biennale is two-fold: culturally re- lated to the local traditions of the exhibition site but open to international exchanges. – Hou Hanru

For centuries Marrakech has been an intellectual and political crossroad of North Africa. Its “plural and porous roots,” as

described by the philosopher Edouard Glissant, are nurtured by its sundry cultural influences stretching south across Sub-Sa- haran Africa, east by way of the Middle East and Asia, north through Europe, and west to the Americas. Yet Morocco, and more extensively North Africa, has reached a critical juncture:

the region’s complex socio-political landscape is merging with

a widespread urge to democratize access to culture. We are

witness to a new momentum, and it is urgent both to question

the circumstances and to invite a broader audience to take part

in a constructive dialogue of aesthetics.

The Marrakech Biennale was founded to address challeng- ing socio-political debates through the lens of the arts. It aims to create a trilingual artistic platform in French, English, and Arabic that leverages the work of Morocco’s contemporary cultural scene by stimulating conversations between local and international artists, writers, filmmakers, musicians, and chore- ographers. After ten years this festival has become not only a “critical site of experimentation in exhibition making,” it has extended “the parameters of the exhibition form to incorporate more discursive, conversational, and geo-political discussions.”

WHERE ARE WE NOW? seeks to bolster the biennial’s role as

an invaluable contributor to cultural and social transformation

in Morocco today. This “unstable institution,” as Carlos Basual-

do defines biennials, “does not completely belong to the system and it can give rise to subversive possibilities.” The Marrakech Biennale’s strength lies in its instability: it is an open laboratory,

revealing interstices and creating hyphens.

Marrakech Biennale 5 was conceived as a dialogue among four disciplines: visual and sound arts, literature, cinema and video, and performing arts. The title’s open question address- es the “activated” spectator to analyze his or her reality from

Introduction –

Accroître l’accès à la culture contemporaine en Afrique du Nord

– Alya Sebti, Directrice artistique

Le concept idéal qui sous-tend une Biennale est double : avoir un lien culturel avec les traditions locales du lieu d’exposition mais être ouvert aux échanges internationaux. – Hou Hanru

Depuis des siècles, Marrakech est une plaque tournante intel- lectuelle et politique en Afrique du nord. “Ses racines multi- ples et poreuses”, telles que décrites par le philosophe Edouard Glissant, se nourrissent de ses diverses influences culturelles qui s’étendent vers le sud à travers l’Afrique sub-saharienne, vers l’est en passant par le Moyen-Orient et l’Asie, vers le nord à travers l’Europe et vers l’Ouest en direction des Amériques. Cependant le Maroc - et plus généralement l’Afrique du nord – est arrivé à un carrefour déterminant : le paysage socio-poli- tique complexe de la région est en train d’être pénétré par une demande croissante de démocratisation de l’accès à la culture. Nous assistons à l’émergence d’un élan nouveau et il est urgent d’en interroger les circonstances comme d’inviter un public plus large à participer à un dialogue constructif sur l’esthétique.

03 03

La Biennale de Marrakech a été créée pour initier des débats socio-politiques délicats en adoptant la perspective des arts. Elle vise à bâtir une plateforme artistique trilingue – français, anglais et arabe – qui met en valeur le travail des membres de la scène culturelle contemporaine au Maroc et sollicite des discussions entre artistes, écrivains, réalisateurs, musiciens et chorégraphes marocains et étrangers. Après dix années d’existence, ce festival est devenu non seulement “un lieu d’expérimentation important pour la réalisation d’expositions”, il a diversifié “les paramètres déterminant la forme d’une exposition afin d’y inclure des dis- cussions plus discursives, plus spontanées et plus géopolitiques”.

OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ? cherche à accroître le rôle de la Biennale en tant que contributeur inestimable aux transformations culturelles et sociales qui se produisent actuel- lement au Maroc. Cette “institution instable”, pour reprendre la définition des biennales donnée par Carlos Basualdo, “n’ap- partient pas totalement au système et peut susciter l’éclosion de possibilités subversives.” La force de la Biennale de Marrakech tient à son instabilité : c’est un laboratoire ouvert, qui revèle les interstices et crée des traits d’union.

Introduction – Expanding Access to Contemporary Culture in North Africa – Alya Sebti

new perspectives. The concept of an open political arena, the agora, or the Jamaa—to use the Arabic expression for a site of community and a space for dialogue—runs as a thread throughout the multiple, concurrent presentations.

Visual & Sound Arts, curated by Hicham Khalidi, hosts a ma- jority of site-specific artworks, produced in and inspired by the context of Marrakech. This exhibition is integrated into con- versations of duality, plurality, heritage, socio-political change, and contradiction posed by the city’s unique legacy and its contemporary cultural predicament.

Artists and authors selected by Literature curator Driss Ksikes,

a Moroccan writer and playwright, intervene in Jamaa El Fna

square, Marrakech’s spiritual heart and the principal site of transmission of the city’s oral heritage. Ksikes presents a series of round tables and performative lectures connecting perform- ing arts to literature, and comic art to visual art and literature. These incursions into public arenas rid literature of its classical, elitist boundaries in a country still plagued by illiteracy, propos- ing art as an experience of emancipation.

Cinema & Video is curated by Jamal Abdennassar, founder of the pioneering video installation festival Casaprojecta. His exhibition, showcasing video installations in unconventional lo- cations, considers contemporary creations from North Africa in conversation with other regions, particularly Sub-Saharan Afri- ca and the Middle East. Film screenings and round tables are enhanced by a Carte Blanche at the legendary Cinémathèque de Tanger.

This year the Biennale also inaugurates a Performing Arts pro- gram organized by Khalid Tamer, founder of the Awaln’art street artist festival in Marrakech. This important addition gives prominence to street performances that invite passersby to take part spontaneously. Tamer’s presentation interrogates tensions between the contemporary and the traditional, connecting the Biennale’s two primary sites: the more traditional space of the Medina and the modern area of Gueliz.

WHERE ARE WE NOW? hosts a further ten, independently

organized and funded Parallel Projects that have been select- ed by the Biennale’s artistic steering committee. They feature

a range of satellite exhibitions, including several focusing on

sound as a means of disseminating and diffusing art in public space. These local and international projects scattered through- out Marrakech reflect the creativity and rapidly changing per-

Introduction – Accroître l’accès à la culture contemporaine en Afrique du Nord – Alya Sebti

La Biennale de Marrakech 5 a été conçue comme un dialogue entre quatre disciplines : les arts visuels et sonores, la littérature, le cinéma et la vidéo, ainsi que les arts de la scène. La ques- tion ouverte, qui lui a été donnée pour titre, invite le spectateur “stimulé” à analyser sa propre réalité sous de nouveaux angles. Le concept d’une arène politique ouverte, l’agora ou la Jamaa – pour reprendre l’expression arabe qui désigne un lieu commu- nautaire et un espace de dialogue – constitue le fil rouge qui relie les nombreuses expositions simultanées.

L’exposition Arts Visuels & Sonores, dont le commissaire est Hicham Khalidi, comprend une majorité d’œuvres in situ, pro- duites à Marrakech et s’étant inspirées de cet environnement. Elle s’intègre à des discussions sur la dualité et la pluralité, l’hé- ritage, le changement socio-politique et la contradiction qui se pose entre le patrimoine unique de la ville et sa situation ac- tuelle, culturellement difficile.

Les artistes et les écrivains choisis par le commissaire littéraire Driss Ksikes, un écrivain et dramaturge marocain, intervien- dront sur la place Jamaa El Fna, cœur spirituel de Marrakech et principal lieu de transmission du patrimoine oral de la ville. Ksikes présente une série de tables rondes et de lectures-perfor- mances qui lieront les arts de la scène à la littérature, l’art de la comédie aux arts visuels et à la littérature. Ces incursions dans des espaces publics permettent de sortir la littérature de son cadre classique et élitiste dans un pays encore miné par l’anal- phabétisme, l’art étant ici proposé comme expérience émanci- patrice.

05 05

C’est Jamal Abdennassar, fondateur du festival pionnier d’ins- tallations vidéo Casaprojecta, qui s’est occupé de Cinéma & Vidéo. Son exposition, qui présente des installations vidéo dans des endroits atypiques, s’intéresse aux créations contemporaines d’Afrique du nord en lien avec d’autres régions, en particulier l’Afrique subsaharienne et le Moyen-Orient. Aux projections de films et aux tables rondes viennent s’ajouter des Cartes Blanches organisées à la légendaire cinémathèque de Tanger.

Cette année, la Biennale inaugure également un volet Arts de la scène, conçu par Khalid Tamer, fondateur du festival des arts de la rue Awaln’art à Marrakech. Cet important développement permet de mettre en avant des performances de rue qui suscitent la participation spontanée des passants. La programmation de Tamer interroge les tensions entre le contemporain et le tradi- tionnel, mettant en relation les deux principaux sites de la Bien-

Introduction – Expanding Access to Contemporary Culture in North Africa – Alya Sebti

spectives alive in the city and across the country. By involving partners and fringe programs, the Biennale highlights the work of local cultural initiatives in Marrakech and expands the perim- eters of its flourishing creativity.

After growing organically for over a decade, the Marrakech Biennale has arrived at a turning point. It must find a way both to anchor itself permanently in Morocco and to augment its role as a site of international exchange. To accomplish this, it must participate in the country’s economic and political reali- ties while maintaining autonomy and freedom of speech. Mar- rakech Biennale 5 is taking significant steps toward embedding itself in the city, while raising awareness of the cultural chal- lenges to and opportunities for its local audience.

WHERE ARE WE NOW? is committed to raising the Mar- rakech community’s access to contemporary art through effec- tive, alternative education and a widespread internship pro- gram. Raising the critical awareness of young Moroccans not only helps to create a more receptive audience, it cultivates the professionalization of this audience over time. Entwining itself in the city’s social fabric by engaging with its youth will enable the Biennale to one day achieve its primary objective of fostering “equitable access to cultural goods and services” for Marrakech inhabitants.

The Marrakech Biennale has long aspired to be completely tri- lingual. WHERE ARE WE NOW? aims to go one step further and to intervene verbally in the public space using Darija, or Moroccan Arabic. Although Darija is not recognized as one of Morocco’s official dialects, it is the country’s most geograph- ically widespread and commonly spoken language. Asking “Where are we now?” in Darija is not only confirmation that the Biennale speaks to its local audience, it also fulfills an abid- ing dream: to become a platform that fosters permanent cultural structures capable of gathering a more receptive and profes- sionalized local audience, where the access to cultural services is no longer solely dedicated to an elite.

With this approach, WHERE ARE WE NOW? aims to con- tribute to a fundamental reflection on our society, encouraging participants and a broader, activated Moroccan community to take part in a cultural process open to absolutely everyone.

Introduction – Accroître l’accès à la culture contemporaine en Afrique du Nord – Alya Sebti

nale : l’espace traditionnel de la Médina et le quartier moderne de Gueliz.

OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ? accueille de surcroît

dix Projets Parallèles, organisés et financés de manière indépen-

dante, qui ont été sélectionnés par le comité artistique direc- teur de la Biennale. Ces projets offrent une variété d’expositions annexes, dont certaines emploient des dispositifs sonores pour propager et diffuser leur contenu dans des espaces publics. Ces projets nationaux et internationaux, disséminés à travers Mar- rakech, reflètent la créativité et les points de vue en évolution rapide qui animent la ville et le pays tout entier. En impliquant d’autres partenaires et programmes indépendants, la Biennale valorise des initiatives culturelles locales à Marrakech et élargit le périmètre de sa créativité foisonnante.

Après avoir suivi sa croissance naturelle pendant plus de dix ans, la Biennale de Marrakech est parvenu à un tournant. Elle doit trouver le moyen, et de s’ancrer de façon permanente au Maroc, et d’accroître son rôle en tant que lieu d’échange international. Pour ce faire, elle doit prendre part aux réalités économiques et politiques du pays tout en conservant son autonomie et sa liberté d’expression. La Biennale de Marrakech 5 est en train de prendre des mesures significatives pour s’installer dans la ville, tout en favorisant une prise de conscience des défis et des op- portunités culturels qu’elle apporte à son public au niveau local.

07 07

OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ? s’engage à améliorer l’accès des habitants de Marrakech à l’art contemporain au tra- vers de formations alternatives efficaces et un programme de

stages significatif. Aider les jeunes Marocains à développer leur sensibilité critique permet non seulement de disposer d’un pu-

blic plus réceptif, mais contribue à la professionalisation de ce

public sur le long terme. Pénétrer dans le tissu social de la ville en se faisant connaître auprès des jeunes permettra à la Bien- nale d’atteindre un jour son objectif premier : offrir “un accès équitable aux biens et aux services culturels” aux habitants de Marrakech.

Depuis longtemps, la Biennale de Marrakech aspire à devenir totalement trilingue. OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ? cherche à faire un pas de plus en proposant des interventions dans des espaces publics en Darija ou “arabe marocain”. Bien que le Darija ne soit pas reconnu comme dialecte officiel au Maroc, il s’agit de la langue la plus couramment parlée dans le pays et la plus répandue géographiquement. Demander « Où sommes-nous maintenant ? » en Darija ne prouve pas seulement

Introduction – Expanding Access to Contemporary Culture in North Africa – Alya Sebti

Introduction – Accroître l’accès à la culture contemporaine en Afrique du Nord – Alya Sebti

que la Biennale s’adresse au public marocain, mais permet aussi de réaliser un rêve incessant : devenir une plateforme accueillant des structures culturelles permanentes, susceptibles de rassem- bler un public plus réceptif et plus professionel au niveau local, et où l’accès aux services culturels ne soit plus réservé exclusive- ment à une élite.

Par cette approche, OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ? espère contribuer à une réflexion fondamentale sur notre socié- té, en encourageant ses participants et un plus grand nombre de Marocains motivés à prendre part à un processus culturel ouvert à tous, sans exception.

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Introduction –

Marrakech:

A Historical Overview

– Hamid Triki

Introduction –

Marrakech:

Aperçu historique

– Hamid Triki

Marrakech is one of the most prestigious impe- rial cities of Morocco. Its name, whose mean- ing remains enigmatic, has been used for cen- turies to refer to the entire country. The term “maroquinerie,” an artisanal activity of crucial

the thirteenth centuries; the Saadian period of the sixteenth and early seventeenth centu- ries; and the Alawite period beginning in the mid-eighteenth century. The twentieth century has revolutionized the historical role of the

Marrakech est l’une des plus prestigieuses villes impériales du Maroc. Son nom, dont le sens de- meure énigmatique, est utilisé depuis des siècles pour désigner l’ensemble du pays. En dérive d’ailleurs le terme de maroquinerie, une activi-

moravides et les Almohades ; tout le XVI ème et le début du XVII ème siècles avec les Saadiens ; enfin, à partir du milieu du XVIII ème siècle avec les Alaouites. Le XX ème siècle a bouleversé ces fonctionnements historiques habituels, bien

importance to the economic life of the city, is

city, although Marrakech has once again be-

artisanale à l’importance sans conteste dans

qu’aujourd’hui, Marrakech tende à redevenir

also derived from its name.

come the hub for relations with the Moroccan provinces of the Sahara.

la

vie économique de la cité.

le centre névralgique des relations avec les pro- vinces marocaines du Sahara.

A “holy” city of numerous mausoleums that

still remain the object of a fervent popular faith, Marrakech is also known as Madinat Sab’Atourijal, or the city of the seven patron saints. A man-made oasis created for leisure and human survival, the city was subsequently given the name Al-Bahja, or city that warms the heart.

Set in the Haouz basin, between the hills of the Northern Jbilet and the High Atlas in the

south, Marrakech stands at the crossroad of many transit routes. Its location has allowed it, throughout history, to serve as a depot as well

as a place of exchange.

Beginning at distant riverbanks in Niger, the caravan routes traverse the Atlas after the way stations of the oases of the pre-Sahara and then converge at Marrakech, where they open up toward the harbors of the Atlantic and Mediterranean. The fluctuations of these trade routes dictated the city’s stages of expansion and contraction. Its prosperity also depended on its function as a capital, as well as on the control that the city was able to exert over the wider region’s system of commercial trade.

The history of the city appears as a line bro- ken into three distinct periods of remarkable expansion: the Almoravid and Almohad pe- riod from the late eleventh to the middle of

It was not by chance that Saharans—the Al- moravids—founded, circa 1070, the first nu- cleus of this city that was destined to become, in the space of one generation, the capital of an empire. At the beginning of the twelfth century, Ali ibn Youssouf urbanized the site by building a water supply, paved roads, and the mosque that still bears his name, which be- came the main center of the city. In 1127, he surrounded the city with a nine-kilometer wall that still exists today.

With the Almohads, Marrakech, including the Kasbah, a fortified city, became the most important metropolis of the Muslim West. At the end of the twelfth century, its population is estimated to have reached 100,000. As the capital of an empire encompassing the entire Maghreb as well as Muslim Spain, its prosper- ity owed to its domination of the trans-Saharan trade routes and its ability to redistribute the region’s products. It was also an intellectual capital that attracted the best minds of the era, including Ibn Toyfal, Ibn Zohr, and Ibn Rochid.

After the Almohads, Marrakech, abandoned as a capital, entered a phase of urban decline that continued until the mid-sixteenth century. The recovery of the Saharan trade routes and the development of cross-Atlantic relations with Europe created a favorable environment

Ville « sainte » aux innombrables mausolées

qui font encore l’objet d’une fervente foi po- pulaire, Marrakech est aussi désignée sous le nom de Madinat Sab’atourijal ou ville des sept saints protecteurs. Oasis bâtie par la main de l’homme, créée pour le loisir et la survie des hommes, elle a reçu par la suite le nom imagé

de Al-Bahja ou ville qui réjouit le cœur.

Implantée dans la dépression du Haouz, entre les collines des Jbilet au Nord et le Haut-Atlas au Sud, Marrakech se situe au carrefour d’un large nombre de voies de circulation. Sa situa- tion lui a permis, au fil de l’histoire, de servir de lieu d’échanges et de ville-entrepôt.

Partant des lointaines rives du Niger, les pistes caravanières traversent l’Atlas après les relais des oasis présahariennes et convergent vers Marrakech d’où elles se déploient en direction des ports atlantiques et méditerranéens. Les fluctuations de ces voies d’échanges ont dicté les phases d’expansion ou de régression de la ville. Sa prospérité dépend ainsi à la fois de sa fonction de capitale et du contrôle qu’elle

a pu exercer historiquement sur ce système

d’échanges commerciaux au large périmètre.

L’histoire de la ville se présente plutôt comme une ligne brisée où se distinguent trois périodes d’expansion remarquables : de la fin du XI ème siècle au milieu du XIII ème siècle, avec les Al-

Ce ne fut pas par pur hasard que des Saha- riens, les Almoravides, fondèrent vers 1070 le premier noyau de cette cité appelée à devenir, en l’espace d’une génération, la capitale d’un empire. Au début du XII ème siècle, Ali Ibn Youssouf urbanisera le site grâce à l’adduction d’eau, au pavage des voies et à la construction de la mosquée qui porte toujours son nom et qui devint le principal pôle de l’agglomération. En 1127, il entoura la ville d’un rempart de 9 kms qui subsiste encore à ce jour.

Avec les Almohades, Marrakech, qui comprend dorénavant la Qasba, véritable ville fortifiée, devint la cité la plus importante de l’Occident musulman. A la fin du XII ème siècle, sa popula- tion est estimée à une centaine de milliers d’ha- bitants. Capitale d’un Empire englobant tout le Maghreb et l’Espagne musulmane, elle doit alors sa prospérité notamment au commerce trans-saharien dont elle domine les axes et re- distribue les produits. C’est aussi une capitale intellectuelle qui attire les esprits les plus émi- nents de l’époque: Ibn Tofayl, Ibn Zohr, Ibn Rochd y ont diffusé leur savoir.

Après les Almohades, Marrakech, abandon- née en tant que capitale, entre dans une phase de régression urbaine dont elle ne se relèvera qu’au milieu du XVI ème siècle. La reprise des échanges commerciaux sahariens et le déve-

11 11

Introduction – Marrakech: A Historical Overview – Hamid Triki

for the city, which once again became the capital of the country under the Saadians. The city’s revival was reflected in the rehabilita- tion of the water supply system, the develop- ment and emergence of new neighborhoods equipped with new infrastructure, the creation of the Mellah for the large Jewish community, and the refurbishment of the Kasbah around Palais Badii.

Beginning in 1669, Marrakech was called upon to assume, alongside Fez, the role of capital and became the residence of the ruling Alawites. Under the reign of Mohamed ben Abdallah (1757–1790), the city became re- juvenated. The ruler’s strong interest in Mar- rakech and his tireless efforts provided the urban center with a unique artistic character. Historical texts describe Mohamed ben Ab- dallah camping amid the Kasbah ruins and personally directing the restoration process, which led to the rise of palaces, gardens, for- tifications, mosques, and madrasas. This re- markable work also affected the old Medina, transforming it from a public building where the mark of the great ruler-builder could not be seen, paving the way for his successors.

Among them, Sidi Mohamed Ibn Abderrah- man deserves special mention. He ordered the replanting of the large gardens of the Agdal and the Ménara, the construction of charming pavilions within them, the restoration of wa- ter basins, and the creation of the first mod- ern factories. These projects were destined to confront the European economic expansion of the nineteenth century, which marked the end of the “traditional” history of Marrakech, now ready to face the demands of the twentieth century.

Introduction – Marrakech: Aperçu historique – Hamid Triki

loppement des relations outre-Atlantique avec l’Europe créent une conjoncture favorable pour

la ville, qui redeviendra la capitale du pays avec

les Saadiens. Sa renaissance se traduit par la re-

mise en état du réseau d’alimentation en eau,

le développement et l’apparition de quartiers

nouveaux dotés des infrastructures nécessaires,

la création du Mellah destiné à l’importante

communauté juive, le réaménagement de la Qasba autour du Palais Badii.

A partir de 1669, Marrakech est appelée à

assumer, avec Fez, le rôle de capitale et à de- venir résidence des Souverains alaouites. Et ce sera sous le règne de Mohamed Ibn Abdallah (1757–1790) que la ville retrouvera son ani- mation. L’intérêt particulier que le souverain lui porte et les efforts sans relâche de celui-ci donnent au centre urbain une véritable em- preinte artistique spécifique. Les textes his- toriques décrivent Mohamed Ibn Abdallah, campant au milieu de la Qasba en ruine et diri- geant personnellement les travaux de restaura- tion. Palais, jardins, méchouars, fortifications, mosquées et médersas y surgissent. Ce travail remarquable touchera également l’ancienne médina, de sorte qu’il n’est point d’édifice public où l’on ne relève l’empreinte du grand Souverain bâtisseur, qui ouvrira la voie à ses successeurs.

Parmi eux, Sidi Mohamed Ibn Abderrahman mérite une mention particulière. Marrakech lui doit la replantation des grands jardins de l’Ag- dal et de la Ménara, la construction des char- mants pavillons de plaisance dans ces mêmes jardins, la restauration des anciens bassins et la création des premières usines modernes, desti- nées à affronter l’expansion économique euro- péenne du XIX ème siècle, qui marquera la fin de l’histoire “traditionnelle” de Marrakech, prête alors à affronter les exigences du XX ème siècle.

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Introduction –

Exhibition

Venues

Palais Badii Palais Badii was constructed in the six- teenth century as the palace of Sa’did Sharif Ahmad al-Mansur. Its name translates as “in- comparable,” and at the time its beauty, opu- lence, and architectural grace were legendary. The palace was stripped of its ornamentation only a century later to furnish the palace of Alawid Sharif Moulay Ismail in the new cap- ital of Meknès. Today only the bare bones of its former glory remain. Palais Badii is now the site of the Marrakech Museum for Photography and Visual Arts (MMP+).

Dar Si Said Dar Si Said was original- ly a mansion built by royal chamberlain Sidi Saýd in the nineteenth century. Its inter-

connecting courtyards and beautiful Andalusian-style wooden ceilings today house the Museum of Moroccan Arts. The museum hosts a collection of Berber crafts, including carpets, jewelry, weaponry, pottery, and textiles from Marrakech, the Atlas moun- tains, and more distant places across Moroc- co.

been transformed into a literary café, restau- rant, and art gallery. It was restored in 2000. Its original architecture was protected with the help of professional artisans who used tradi- tional craftsmanship and materials. “Dar Cherifa” means “holy house”; the building was named after the spiritual feel- ing that one has upon enter- ing. Today, the painting and sculpture exhibitions, literary events, concerts, storytelling events, and calligraphy and ceramics workshops that it hosts have made it into one of the Red City’s major cultural hotspots. It is a lively, authen- tic, and interactive space that is open to everyone.

El Fenn The building, which now houses the boutique hotel El Fenn dates back to the six- teenth century. The aptly named Riad El Fenn, meaning “house of art”, has been the epicenter of the Marrakech Biennale since its inception in 2004. Throughout the festival the hotel hosts official Biennale parties, lunches, and talks. It is also the current home of a unique collection of contemporary art.

the current home of a unique collection of contemporary art. Bank Al Magrib Bank Al Maghrib
the current home of a unique collection of contemporary art. Bank Al Magrib Bank Al Maghrib

Bank Al Magrib

Bank Al Maghrib The historic Bank Al Maghrib is located on Marrakech’s Jamaa El Fna square. Once a pillar of the central bank of the Kingdom of Morocco the structure now stands empty.

Dar Cherifa Dar Cherifa is a private home and histor- ical cultural monument in Marrakech that has

Riad Denise Masson This riad, formerly the Riad El Hafdi, be- longed to Denise Masson, a nurse, social worker, and noted translator of the Koran. She died in Marrakech in 1994 at the age of 93. Massson donated the riad to the French Institute of Marrakech, which now organizes cultural events there.

Introduction –

Lieux

d’expositions

Palais Badii Le Palais Badii a été construit au XVI e siècle par le sultan saadien Ahmed al-Mansour Dhahbî. Son nom signifie « l’incomparable ». La beauté architecturale du palais et son opulence devinrent vite légendaires. Un siècle après son édification, ses ornements furent en- levées pour décorer le palais d’Alawid Sharif Moulay Is- mail dans sa nouvelle capitale de Meknès. Aujourd’hui bien peu de la splendeur originelle reste visible. Le Palais El Badii accueille aussi le Musée de la Photographie et des Arts Vi- suels de Marrakech (MMP+).

Dar Si Said Dar Si Said fut construit à l’origine pour le chambel- lan royal Sidi Saýd au XIXe siècle. Ses patios en enfilade

et ses magnifiques plafonds en bois de style andalou abritent désormais le Mu- sée des Arts Marocains. Le musée possède une collection d’artisanat berbère : tapis, bijoux, armes, poteries et textiles de Marrakech, des montagnes de l’Atlas et des régions alentours.

Bank Al Maghrib La Bank historique Al Maghrib s’élève sur la place Jamaa El Fna de Marrakech. Na- guère l’un des piliers de la banque centrale du Royaume du Maroc, la structure est désormais vide.

Dar Cherifa Dar Cherifa est une maison privée et un monument historique de Marrakech, qui a été transformé en café littéraire, restaurant et

galerie d’art. Cette maison a été restaurée en 2000 dans le respect de son architecture origi- nelle en utilisant des matériaux traditionnels et des techniques séculaires. « Dar Cherifa » signifie la maison sainte. Elle a été nommée ainsi du fait de l’atmos- phère spirituelle qui règne dans le lieu. Au- jourd’hui, des expositions de peintures et de sculptures, des rendez-vous littéraires et des concerts y sont organisés. Cela fait de Dar Cherifa une institution culturelle incon- tournable de la ville rouge, un authentique lieu de vie et de rencontre ouvert à tous.

El Fenn Le bâtiment, qui abrite aujourd’hui l’hôtel boutique El Fenn, date du XVIe siècle. Le Riad El Fenn, porte bien son nom, puisque cela signifie maison des arts. Il a été l’épicentre de la Bien- nale de Marrakech depuis sa création en 2004. Durant toute la manifestation, l’hôtel accueille les réceptions officielles de la Biennale, des déjeuners et des discussions. Il abrite aussi au- jourd’hui une collection unique d’art contem- porain.

Riad Denise Masson Ce Riad, anciennement appelé Riad El Hafdi a appartenu à Denise Masson. Cette in- firmière, travailleuse sociale et traductrice de référence du Coran, décéda en 1994 à l’âge de 93 ans à Marrakech. Elle fit don de son logis à L’Institut français de la ville, qui y organise désormais des manifestations culturelles.

à L’Institut français de la ville, qui y organise désormais des manifestations culturelles. Théâtre Royal 15
à L’Institut français de la ville, qui y organise désormais des manifestations culturelles. Théâtre Royal 15

Théâtre Royal

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Introduction –

Exhibition Venues

Théâtre Royal Théâtre Royal de Marrakech is an un- fin- ished opera house and outdoor theater situat- ed in Gueliz. Plans for the theater began in the 1970s with Tunisian architect Charles Boccara at the helm. The exterior, reception hall, and outdoor theater were completed and inaugurated in 2001 after 25 years of con- struction. However the 800-seat opera house remains an unin- habited, cavernous concrete edifice.

L’Blassa L’Blassa is housed in an abandoned Art Deco building on the corner of Rue Liberté and Rue Yougoslavie. Erected in 1932, the building is situated in the district of Gueliz, developed while Morocco was still a French protectorate. This building is typical of Gue- liz, characterized by wide boulevards, round- abouts, and modern buildings inspired by Haussmann’s urban transformation of Paris in the late nineteenth century.

Introduction –

Lieux d’expositions

Cinema Colisée The Cinema Colisée is an iconic movie theater located in Marrakech’s Ville Nouvelle neighborhood. It was designed by the archi- tect Georges Peynet, who also redesigned the Parisian movie theaters Max Linder, Vendôme- Opéra, Cambronne, and Paramount-Elysées. Entirely renovated in 1995, its two-storey pro- jection room is now digitally equipped. The Colisée screens a wide variety of doc- umentaries, participates in the opening and closing ceremonies of Marrakech festivals, and actively promotes Moroccan, Arab, and international film.

Introduction –

Exhibition Venues

Théâtre Royal Le Théâtre Royal de Marrakech, une salle d’opéra inachevée, est situé dans le Guéliz. Les plans de construction du théâtre datent des années 1970, confiés à l’architecte tunisien Charles Boccara. L’extérieur, la réception et un théâtre à ciel ouvert ont été construits et inau- gurés en 2001 après 25 ans de travaux. Toute- fois, la salle d’opéra prévue pour accueillir 800 personnes demeure une caverne de béton.

L’Blassa L’Blassa est établi dans un immeuble Art Déco abandonné, au coin de la rue de la Liber- té et de la rue de Yougoslavie. Érigé en 1932 durant le protectorat français, le bâtiment est situé dans le quartier du Guéliz. Le bâtiment est caractéristique de ce quartier, marqué par les larges boulevards, les ronds-points et les immeubles modernes inspirés des travaux ef- fectués par Haussmann pour remodeler Paris dans la deuxième partie du XIX e siècle.

Introduction –

Lieux d’expositions

Cinema Colisée Le Colisée est le cinéma mythique de la nouvelle ville, agencé par l’architecte Georges Peynet, qui a également remodelé les salles pa- risiennes du Max Linder, du Vendôme-Opéra, du Cambronne et du Paramount-Elysées. En- tièrement rénové en 1995, sa salle de projec- tion sur deux niveaux est aujourd’hui équipée du numérique. Il projette des documentaires, participe aux ouvertures et clôtures des grands festivals de la ville (comme celui du film), et promeut des films marocains arabes et internationaux.

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Visual & Sound Arts

Writing on the Wall

– Kaelen Wilson-Goldie

Where Are We Now?

Identity as Fiction – Hicham Khalidi

Artist

Biographies

Artists

+

freq–out

+

Clara Meister

Arts Visuels & Sonores

Ecrire sur les murs

– Kaelen Wilson-Goldie

sommes-nous

maintenant?

Identité comme fiction – Hicham Khalidi

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Biographies des artistes

Artistes

+

freq–out

+

Clara Meister

Visual & Sound Arts –

Writing on the Wall

– Kaelen Wilson-Goldie

In the summer of 2008 and in the spring of 2010, two curious acts of vandalism occurred in Beirut. The first took place during a solo exhibition for the artist Walid Raad at the Sfeir-Semler Gallery in Karantina. The second took place during a solo exhibition for the art- ist Walid Sadek at the Beirut Art Center in Jisr El Wati. Both instances featured the deface- ment of text-based works in Arabic.

Raad’s Part I_Chapter 1_Section 79: Index XXVI: Artists, which belongs to his ongoing project Scratching on Things I Could Disa- vow about the development of infrastructures for contemporary art in the Arab world, con- sisted of a list of randomly selected names of Lebanese painters active from the nineteenth century until today. Strung together in a hori- zontal line that wrapped more than two me- ters around the gallery, the names were ren- dered in three layers of cut, white vinyl on white-painted walls.

Sadek’s show featured three interrelated se- ries: Learning To See Less, which the artist de- scribed as an itinerary for eyes stamped with violence; Love Is Blind, about the survivors of civil wars inhabiting ruins; and Mourning in the Presence of the Corpse, about the inabil- ity to put conflicts to rest (built around an es- say of the same name featured in Lebanon’s inaugural pavilion at the 2007 Venice Bien- nale), that dealt with, coincidentally, the theft, destruction, and vandalism of other artworks. Taken together the three series included deli- cate pencil drawings, tiny silkscreened texts, and the mouthpieces of two trumpets jammed into the wall like a pair of eyes over a cap- tion that read, “Or what my father sees, most probably.”

In both exhibitions, someone took a pen and, writing directly on the wall, corrected appar- ent mistakes in the artists’ Arabic. In Raad’s case, the veteran critic Joseph Tarrab fixed his misspelling of the artist Johnny Tahan’s name. In Sadek’s case, two men identities unknown but said to have been elder artists or a pair of critics or friends of the artist’s father, the car- toonist Pierre Sadek, used proofreading marks to address grammatical errors and inconsist- encies.

Raad gamely turned Tarrab’s objection into an artwork in its own right, with the mistake in Tahan’s name leading to a wealth of new work (using archival material) about the forgotten oeuvre of a second-rate artist. Sadek, mean- while, took profound offense. Counterintuitive- ly, each act seemed driven by elders scolding the young for their poor language skills and lack of respect for the culture, for history, for the world in which they were born.

This generational divide, in and of itself, was part of the problem. The quasi-vandalism of these two exhibitions in Beirut speaks of a wid- er rift in the experience, understanding, and value of contemporary art in the region, var- iously described as the Arab world and the Middle East. That rift falls primarily on issues of identity and authenticity, which have been aired elsewhere but remain far from resolved in cities ranging from Casablanca, Algiers, and Tunis to Cairo, Damascus, Ramallah, Am- man, Istanbul, Baghdad, and Beirut.

Raad and Sadek, like many of their peers and colleagues, were educated abroad. It is often said that they came back with strange ideas about what art was and could be, and that

Arts Visuels & Sonores –

Ecrire sur les murs

– Kaelen Wilson-Goldie

Au cours de l’été 2008 et du printemps 2010, deux actes de vandalisme étranges se produi- sirent à Beyrouth. Le premier eut lieu pendant l’exposition en solo de l’artiste Walid Raad à la Galerie Sfeir-Semler à la Quarantaine. Le second eut lieu lors de l’exposition en solo de l’artiste Walid Sadek au Beyrouth Art Center de Jisr El Wati. Dans les deux cas, des pièces réalisées à partir de textes écrits en arabe furent endommagées.

L’exposition Part I_Chapter 1_Section 79: In- dex XXVI: Artists de Raad, qui fait partie d’un projet en cours de réalisation, Scratching on Things I Could Disavow, sur le développement des infrastructures destinées à l’art contempo- rain dans le monde arabe, se compose d’une liste de noms de peintres libanais, choisis au hasard parmi ceux qui ont existé du XIXe siècle à nos jours. Reliés les uns aux autres en une ligne horizontale qui se déploie sur plus de deux mètres autour de la galerie, les noms ont été matérialisés par trois couches de vinyle blanc sur des murs peints en blanc.

L’exposition de Sadek présentait trois séries en lien les unes avec les autres : Learning To See Less, que l’artiste décrit comme un itinéraire destiné aux regards marqués par la violence, Love Is Blind, qui s’intéresse aux survivants des guerres civiles qui vivent dans des ruines, et Mourning in the Presence of the Corpse (réalisée à partir d’un essai du même titre qui fut présenté dans le pavillon libanais lors de la Biennale de Venise de 2007). Cette dernière traite de l’incapacité à mettre un terme aux conflits et notamment - comme par hasard - du vol, de la destruction et de la dégradation d’autres œuvres d’art. Dans leur ensemble, les trois séries comprenaient de fins dessins au

crayon à papier, de petits textes sérigraphiés et les embouchures de deux trompettes encastrées dans un mur telles une paire d’yeux penchés au-dessus d’une phrase inscrite là : “Ou ce que mon père voit, très probablement.”

Dans les deux expositions, quelqu’un, armé d’un stylo, écrivit directement sur le mur pour corriger les erreurs qu’avait apparemment faites les artistes en arabe. Dans le cas de Raad, l’an- cien critique Joseph Tarrab a corrigé une faute d’orthographe dans le nom de l’artiste Johnny Tahan. Dans le cas de Sadek, deux hommes, aux identités inconnues mais qui ont affirmé avoir été des artistes plus âgés, ou des critiques, ou des amis du père de l’artiste, le dessinateur de BD Pierre Sadek, ont employé des signes de correction pour souligner les erreurs gramma- ticales et les inconsistances du texte.

Raad a transformé, par jeu, l’objection de Tar- rab en une œuvre d’art à part entière, l’erreur dans le nom de Tahan stimulant la conception d’une profusion de nouvelles pièces (employant des documents d’archives) sur l’œuvre oubliée d’un artiste de seconde zone. Pour sa part, Sadek s’est senti véritablement offensé. De fa- çon surprenante, chaque acte de vandalisme a semblé avoir été commis par des artistes plus âgés reprochant aux plus jeunes leurs faiblesses linguistiques et leur manque de respect pour la culture et l’histoire d’un monde dans lequel ils étaient nés.

Ces divergences entre générations constituent, en elles-mêmes, une part du problème. Le qua- si-vandalisme que subirent ces deux exposi- tions à Beyrouth révèle de grandes différences dans la façon dont est vécu, compris et considé- ré l’art contemporain dans cette région, appe-

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Visual & Sound Arts – Writing on the Wall – Kaelen Wilson-Goldie

these ideas were at odds with an older under- standing of art as an expression of national identity. As in Egypt after Nasser’s putative revolution of 1952, Palestine in the throes of revolutionary fervor, or Algeria after the war for independence from France, art in Lebanon has long been tangled up with nationalist pro- jects, which are particularly (if not uniquely) complicated in the Levant due to the diversity of communities that live there (from resident foreigners to itinerant workers to the splinter- ing factions of religious groups).

The systems we recognize as functional, in- dependent, and flexible contemporary art scenes across the region have been coming into being since the 1990s. The development of Townhouse in Cairo, Platform in Istanbul, Ashkal Alwan in Beirut, L’appartment 22 in Rabat, Cinémathèque de Tanger, and the re- cently shuttered Alexandria Contemporary Arts Forum coincided, to their benefit and det- riment alike, with the emerging discourse of globalization and neoliberal economics, such that all three of these things—contemporary art, globalization, and neoliberalism—are of- ten confused and entangled, considered one and the same, and political to the core. As a result, earlier strains of cosmopolitanisms and the kind of dazzlingly deliberate intellectual contamination (to borrow Kwame Anthony Ap- piah’s term) that stretch back decades, even centuries, have been obliterated by a pater- nalistic, chauvinistic, and ultimately provincial view that to be mixed up, complicated, and streaked by otherness is, inherently, to be a western imitator and a colonialist fool.

The defensiveness and distrust of contempo- rary art from within the region run parallel to political discourse (fey nationalism, the failures

of the left) that speaks to stagnation and imma-

turity. To put forth ideas about nationalism as a fiction, national identity as a fiction, a country

such as Morocco itself as a fiction, and to do so in a productive manner, as constructive cri- tique, is provocative but also necessary. In the strategies of Walid Raad, who plays with the slippage between fact and fiction; Iman Issa, whose studied nondisclosures require viewers to look differently at material they think they know; and Kader Attia, who takes a radical approach to archeology and history and mu- seological display, all of the arguments about what art is and who it’s for are present. To follow those arguments through to the possible construction of new identities and political or- ders is as sophisticated as it is generous, and

a fine, lion-hearted response to having your

work, or that of your peers and colleagues, unceremoniously corrected.

Arts Visuels & Sonores – Ecrire sur les murs – KaelenWilson-Goldie

lée monde arabe ou Moyen-Orient. Ces écarts apparaissent surtout à propos des questions d’identité et d’authenticité, qui ont fait l’objet de débats ailleurs, mais sont loin d’avoir été ré- solues dans des villes comme Casablanca, Alger et Tunis ou encore Le Caire, Damas, Ramallah, Amman, Istanbul, Bagdad ou Beyrouth.

Comme nombre de leurs pairs et de leurs col- lègues, Raad et Sadek ont fait leurs études à l’étranger. On raconte souvent qu’ils en sont revenus avec d’étranges idées sur ce que l’art était et pouvait être, et que ces idées s’opposent à une autre forme de compréhension de l’art en tant qu’expression de l’identité nationale. Tout comme en Egypte après la révolution pu- tative de 1952, en Palestine en pleine ferveur révolutionnaire ou en Algérie après la guerre d’indépendance contre la France, l’art au Liban est depuis longtemps mêlé aux projets natio- nalistes, qui sont, au Moyen-Orient, particuliè- rement (si ce n’est uniquement) compliqués en raison de la diversité des communautés qui y vivent (des résidents étrangers aux travailleurs itinérants, en passant par les factions démulti- pliées des groupes religieux).

Les organisations que nous estimons repré- senter des scènes d’art contemporain fonc- tionnelles, indépendantes et adaptables à tra- vers la région n’existent que depuis les années 90. L’ouverture de Townhouse au Caire, de Platform à Istanbul, de Ashkal Alwan à Bey- routh, de l’Appartement 22 à Rabat, de la Ci- némathèque de Tanger et du Forum des Arts contemporains d’Alexandrie, qui a récemment fermé ses portes, ont coïncidé, tant en leur fa- veur qu’à leur détriment, avec l’émergence du discours de la mondialisation et des économies néolibérales, de telle sorte que ces trois choses – l’art contemporain, la mondialisation et le néolibéralisme – en sont venus à être confon- dus et mélangés, considérés comme une seule et même chose, foncièrement politique. Par conséquent, les courants antérieurs en faveur du cosmopolitisme et le genre de merveilleuse

contamination intellectuelle délibérée (pour emprunter les termes de Kwame Anthony Ap- piah) qui sont apparues il y a plusieurs dizaines d’années, voire plusieurs siècles, ont été étouf- fés par une vision paternaliste, chauvine et en fin de compte assez provinciale qui considère qu’être mêlé, perturbé, contaminé par l’altérité équivaut, de fait, à n’être qu’un imitateur de l’Occident et un colonialiste fou.

La méfiance et le manque de confiance que ma- nifeste la région à l’égard de l’art contemporain vont de pair avec un discours politique (le na- tionalisme moribond, les échecs de la gauche) dans lequel résonnent la stagnation et l’imma- turité. Mettre en avant des idées qui montrent le caractère artificiel du nationalisme, le carac- tère artificiel de l’identité nationale, le caractère artificiel d’un pays tel que le Maroc lui-même, et le faire d’une façon productive, sous la forme d’une critique constructive, est aussi provoca- teur que nécessaire. Dans les stratégies mises en place par Walid Raad, qui joue avec la ligne de partage entre fiction et réalité, celles d’Iman Issa, dont les masquages étudiés nécessitent que le public regarde différemment des ob- jets qu’ils croient connaître, et celles de Kader Attia, qui a adopté une approche radicale de l’archéologie, de l’histoire et de la muséologie, se retrouvent tous les arguments du débat sur ce qu’est l’art et à qui il s’adresse. Suivre ces arguments jusqu’au bout, jusqu’à l’éventuelle construction de nouvelles identités et de nou- veaux ordres politiques, est aussi complexe que généreux, et constitue une manière digne et subtile de réagir au fait que votre travail, ou celui de vos pairs et collègues, soit corrigé de façon aussi cavalière.

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Visual & Sound Arts –

Where Are We Now?

Identity as Fiction – Hicham Khalidi, Visual & Sound Arts Curator

WHERE ARE WE NOW?, the title of Mar- rakech Biennale 5, is an interrogation of place and time. If WHERE is a question of site, the context in which the Biennale takes place, NOW is an enquiry into its past, its present, and its future. The Biennale’s Visual & Sound Arts exhibition explores the relationship be- tween the place of Marrakech and the now of the contemporary, contemporary art practice, and contemporary Morocco through artworks that reflect on the personal and collective, the historical and the fictional.

The Contemporary

Is Now

According to philosopher Peter Osborne, NOW does not exist. What he designates as the contemporary is but a “disjunctive unity of times,” or more specifically, “the coming to- gether of the times of human lives within the time of the living.” 1 The contemporary, by na- ture, can never be experienced as a whole. Rather, it consists of a fragmented “together- ness” of the past and future, a continuous pro- jection of individual, personal encounters and aspirations.

Delay and distortion are inherent to the expe- rience of time and the communication of expe- rience. No two people can see the same thing at the same instant, from the same location through the same senses. When we look up at the night sky, we see stars that have long since ceased to exist but whose light has only just reached our eyes. Similarly, moments, once no longer in the act of being lived, are relegated to the past.

Deferral renders mutual experience impossi- ble. How, then, can the coming together of discrete, personal encounters give rise to a col- lective understanding of time we call NOW? Moreover, if shared experience is impossible, then the prospect of a shared place is also un- tenable. Expansion of this view to a discussion of nationality reveals that an objective “Mo- rocco” too is illusory, and that a universal Mo- roccan identity is but a fallacy. How, then, can it be that we feel or experience Morocco as a coherent entity? Can the concept of a fictional present be used to challenge received ideas of historical, national, and religious identity?

In his essay, “The Site of Imaginative Conten- tion,” Rob Marks advocates for greater spec- ulation in science. He argues that imaginative speculation “can achieve what science never does—an unbounded capacity to consider unproven and unprovable conditions and outcomes.” 2 The imagination, like art, is an inexhaustible platform for research and ex- perimentation. Artistic strategies that accept the ambiguity and improbability of a unified national identity make way for a better under- standing of the possibilities of a future Moroc- co.

The more than forty artists presented in Visual & Sound Arts examine notions of the contem- porary through speculative frameworks that place the viewer, participant, or inhabitant at their center. The exhibition, which consists of over twenty site-specific commissions, is dis- tributed across five locations in Marrakech:

Palais Badii, Dar Si Said, Bank Al Maghrib, L’Blassa, and Théâtre Royal. Here I highlight only a few of the many extraordinary artworks produced in three of the five exhibition venues:

Arts Visuels & Sonores –

Où sommes-nous maintenant?

Identité comme fiction – Hicham Khalidi, Commissaire Arts Visuels & Sonores

OÙ SOMMES-NOUS MAINTENANT ?, titre de la Biennale de Marrakech 5, est une interro- gation sur l’espace et le temps. Si OÙ est une question de lieu, le contexte au sein duquel se déroule la Biennale, MAINTENANT est une

et le temps. Si OÙ est une question de lieu, le contexte au sein duquel se
et le temps. Si OÙ est une question de lieu, le contexte au sein duquel se

Le contemporain,

c’est maintenant

D’après le philosophe Peter Osborne, le MAINTENANT n’existe pas. Ce qu’il désigne

Osborne, le MAINTENANT n’existe pas. Ce qu’il désigne Hicham Benohoud, Bienvenue à Marrakech , 2014. Photo:

Hicham Benohoud, Bienvenue à Marrakech, 2014. Photo: Pierre Antoine

manière d’évaluer son passé, son présent et son avenir. L’exposition de Arts Visuels & Sonores explore la relation entre Marrakech en tant que lieu et le contemporain maintenant, la pratique artistique contemporaine et le Maroc contem- porain à travers des œuvres d’art qui reflètent sur le personnel et le collectif, l’historique et la fiction.

comme le contemporain n’est rien d’autre qu’ « une unité disjointe des temps » ou, plus pré- cisément, « la rencontre des temps des vies hu- maines au sein du temps du vivant » 1 . L’ex- périence du contemporain, par nature, ne peut jamais être totale. Celui-ci consiste plutôt en un « rassemblement » fragmenté du passé et de l’avenir, une projection continue des rencontres et des aspirations individuelles, personnelles.

Le délai et la distorsion sont inhérents à l’ex- périence du temps et de la communication de

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Visual & Sound Arts – Where Are We Now? – Hicham Khalidi

Palais Badii, Dar Si Said, and Bank Al Magh- rib. Each artist responds to and reimagines the historical narratives of these unique spac- es, and of the country as a whole. From this exhibition emerges a dynamic reconception of Moroccan identity. One that is speculative, but nevertheless indelible.

During his new performance, Grosse Tête (2014) the artist plasters objects and liquids onto his head, transforming himself into a mu- tant. Through the performance the artist aims to bring the audience to a state of despair and astonishment. As the mutant appears to slowly suffocate beneath its masking, the public be- comes witness to an unutterable situation.

Of Art and War – Palais Badii

Each dynasty that ruled Morocco, including the French (which I view here as a dynasty), attempted to wipe out traces of its predecessor. The history that remains is one of strug- gle, defeat, and victory. The artworks presented at the Palais Badii, the former pal- ace of ruler Ahmed Al-Man- sur, exhume these vestiges of art and war, construction and destruction.

For his site-specific performance I Will Not Stroll With Thami El Glaoui (2014) Jelili Atiku draws attention to a subtly nuanced Moroccan history in which the tenuous line between the present and the past, reality and fiction, is blurred. The ti- tle is a reference to the Lord

of the Atlas, a feudal Moroc-

can warlord alive during the second half of the nineteenth

century. In Towards A Possible Film (2014), a film project by Shezad Dawood, two astro- nauts emerge from the sea in

a martian landscape, where

they are violently confronted by its inhabitants. Shot on location in Sidi Ifni, Morocco the film’s dialogue is record- ed in Tamazight, a wide-spo- ken, Berber language only recently recognized as offi-

cial in Morocco. Dawood em- ploys the parlance of science fiction to challenge anthropological concepts of indigenousness.

to challenge anthropological concepts of indigenousness. Kader Attia, Political Anthropophagy , 2014. Photo: Pierre

Kader Attia, Political Anthropophagy, 2014.

Photo: Pierre Antoine

Kader Attia’s artistic practice is based on the excavation and repair of remnants of marginalized histories. His commission for the Biennale centers on the French protec- torate, who used heavy shell-

ing, to violently repress the Rif mountains independence movement in 1922. Resonances of this con- flict are found in objects made with leftovers of shells and bullets. Attia worked with local Mo- roccan craftsmen to unearth these remains and to reappropriate them through the creation of new, hybrid objects and musical instruments.

Imagining Marrakech – Dar Si Said

At Palais Badii Max Boufathal’s amalgam, high-tech tribe of sculptural warriors, animals, and weapons combines ancient tribalism with modern consumerism. His formidable cast of characters obeys a new order of natural se- lection. For the Biennale, Yassine Balbzioui introduces a very different kind of monster.

In Dar Si Said, a Moroccan museum that hous- es old Berber carpets, cabinets, and jewelry, artists explore, in different ways, the fiction of contemporary Morocco. The artworks pre- sented respond to the museum space while addressing issues far beyond the confines of the site and the initial scope of the artists’ re- search.

Arts Visuels & Sonores – Où sommes-nous maintenant? – Hicham Khalidi

l’expérience. Il n’existe pas deux personnes qui peuvent voir la même chose au même ins- tant, à partir du même endroit et avec la même sensibilité. Lorsque nous regardons le ciel, la nuit, nous voyons des étoiles qui ont depuis longtemps cessé d’exister mais dont la lumière atteint seulement alors nos yeux. De la même façon, les instants, une fois qu’ils ne sont plus en train d’être vécus, sont relégués au passé.

Différée, toute expérience commune est impos- sible. Comment la réunion de rencontres per- sonnelles et ponctuelles peut-elle alors donner

idées reçues sur l’identité historique, nationale et religieuse ?

Dans son essai The Site of Imaginative Conten- tion (Le Lieu de la dispute imaginative), Rob Marks se prononce en faveur d’une plus grande spéculation en science. Il défend l’idée que la spéculation imaginative « peut atteindre ce que la science n’atteint jamais – une capacité illi- mitée à prendre en compte les conditions et les résultats qui n’ont pas été et ne peuvent être prouvés. » 2 Comme l’art, l’imagination est une source intarissable pour la recherche et

est une source intarissable pour la recherche et Shezad Dawood, Towards the Possible Film , 2014.

Shezad Dawood, Towards the Possible Film, 2014.

naissance à une compréhension collective du temps que nous appelons MAINTENANT ? En outre, si le partage d’une expérience est impos- sible, la perspective de partager un même lieu n’est également pas envisageable. Si l’on étend ce point de vue à la question de la nationalité, il en découle que le Maroc, en tant que tel, est également une illusion et que l’existence d’une même identité marocaine pour tous n’est autre qu’une affirmation fallacieuse. Comment, dans ce cas, est-il possible que nous éprouvions et expérimentions le Maroc comme une entité cohérente ? Le concept d’un présent fictionnel peut-il être utilisé pour remettre en cause des

l’expérimentation. Les stratégies artistiques qui acceptent l’ambiguïté et l’improbabilité d’une identité nationale homogène favorisent une meilleure compréhension des possibilités pour un futur Maroc.

Les quarante et quelques artistes présentés dans Arts Visuels & Sonores examinent di- verses notions du terme « contemporain » à travers des cadres spéculatifs au centre des- quels se trouvent le spectateur, le participant ou l’habitant. L’exposition, qui consiste en plus de vingt installations in situ réalisées pour l’occa- sion, se répartit sur cinq lieux à Marrakech : le

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Visual & Sound Arts – Where Are We Now? – Hicham Khalidi

& Sound Arts – Where Are We Now? – Hicham Khalidi Eric Van Hove, V12 Laraki

Eric Van Hove, V12 Laraki (work in progress), 2012.

Arts Visuels & Sonores – Où sommes-nous maintenant? – Hicham Khalidi

Palais Badii, Dar Si Said, la Bank Al Maghrib, L’Blassa et le Théâtre Royal. Je ne m’attarderai que sur quelques-unes des nombreuses œuvres extraordinaires mises en place dans trois de ces cinq lieux : le Palais Badii, Dar Si Said et la Bank Al Maghrib. Chaque artiste réagit aux récits historiques de ces lieux uniques et de l’ensemble du pays afin de les réinventer. L’ex- position permet l’émergence d’une reconcep- tualisation dynamique de l’identité marocaine, qui se veut spéculative bien qu’impérissable.

Balbzioui nous présente une sorte de monstre très différent. Au cours de sa nouvelle perfor- mance Grosse Tête (2014), l’artiste recouvre sa tête d’objets et de liquides, se transformant lui- même en mutant. Par cette performance, l’ar- tiste veut conduire les spectateurs à un état de désespoir et d’étonnement. Au fur et à mesure que le mutant semble suffoquer lentement sous son masque, le public est pris à témoin d’une situation indescriptible.

 

A propos de l’art et de la guerre – Palais Badii

Pour sa performance in-situ I Will Not Stroll With Thami El Glaoui (2014), Jelili Atiku attire l’attention sur une histoire du Maroc

Imaginer Marrakech

Chaque dynastie ayant régné sur le Maroc,

subtilement nuancée dans laquelle la ligne de partage fragile entre présent et passé, réalité et

y

compris les Français (que je considère ici

fiction, s’efface. Le titre fait référence au Sei-

comme une dynastie), s’est efforcée d’effacer

gneur de l’Atlas, un guerrier marocain féodal

les traces de ses prédécesseurs. L’histoire qu’il

qui vécut au cours de la moitié du XIX e siècle.

en

est resté est une histoire de luttes, de défaites

Dans Towards A Possible Film (2014), un film

et

de victoires. Les œuvres présentées au Pa-

réalisé par Shezad Dawood, deux astronautes,

lais Badii, l’ancien palais du souverain Ahmed

sortant de la mer au milieu d’un paysage mar-

Al-Mansur, exhument ces vestiges de l’art et de

tien, sont violemment pris à partie par les ha-

la

guerre, de la construction et de la destruc-

bitants de la planète. Le film a été tourné en

tion.

extérieur à Sidi Ifni au Maroc et ses dialogues

Le travail artistique de Kader Attia se fonde sur l’excavation et la réparation des vestiges d’his- toires oubliées. L’œuvre qu’il a conçue pour la Biennale s’inspire de la violente répression me- née par le Protectorat français contre le mouve- ment d’indépendance des montagnes du Rif en 1922 à coups de lourds bombardements. Les échos de ce conflit se retrouvent dans les objets

fabriqués à partir des restes d’obus et de balles.

sont en Tamazight, une langue berbère lar- gement utilisée et qui n’a été que récemment reconnue comme langue officielle du Maroc. Dawood utilise les codes de la science-fiction pour remettre en question les concepts anthro- pologiques d’indigénat.

– Dar Si Said

Attia a travaillé avec des artisans marocains pour déterrer ces restes et pour les réutiliser

A

Dar Si Said, un musée marocain où sont

dans la création de nouveaux objects hybrides

rassemblés de vieux tapis, meubles et bijoux

et d’instruments de musique.

Au Palais Badii, la tribu high-tech et hétérogène de Max Boufathal, composée de sculptures de guerriers, d’animaux et d’armes, évoque un mélange de tribalisme ancien et de consumé- risme moderne. Son incroyable assemblée de personnages obéit à un nouveau principe de sélection naturelle. Pour la Biennale, Yassie

berbères, les artistes explorent, de différentes manières, la fable du Maroc contemporain. Les œuvres présentées s’intègrent dans l’espace du musée tout en soulevant des questions qui vont bien au-delà du périmètre de l’endroit et

du cadre de recherche qu’avaient au départ les

artistes.

L’artiste nomade Eric van Hove s’est engagé à

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Visual & Sound Arts – Where Are We Now? – Hicham Khalidi

Nomadic artist Eric van Hove is committed to creating links between local and global issues.

In Marrakech he presents V12 Laraki (2013),

the result of nine months of work. V12 Lara- ki is a non-working replica of the Mercedes- Benz V12 engine. Each of its 465 components were handcrafted in 53 traditional materials, including ceramic, bone, tin, goatskin, and terracotta, by 42 Moroccan artisans. Both the Mercedes-Benz V12 and the V12 Laraki are equal, if non-transferable, products of human excellence—the former of a hundred years of

both the art and carpet markets.

Like Lara, Saâdane Afif privileges intangi- bility, creating works about interpretation, exchange, and circulation. For his Biennale commission, he uses site-specific performance to reflect on ideas of geometry, pedagogy, and tourist souvenirs. Gabriel Lester also uses performance in a theatrical display of disem- bodied musicians and performers. The work activates rituals petrified in the museum’s many vitrines, problematizing the role of such institu-

many vitrines, problematizing the role of such institu- Max Boufathal, Madonna 207 (detail), 2014. Photo: Pierre

Max Boufathal, Madonna 207 (detail), 2014. Photo: Pierre Antoine

Western engineering, the latter of a thousand years of Moroccan heritage.

Adriana Lara is among the many other Bien- nale artists who collaborated with local crafts- men. The work she presents is a continuation

of Interesting Theories (since 2010), a project

she began in 2010, that de-emphasizes object making in favor of a conceptual reimagining

of artistic production and the exhibition space.

A new manifestation of this artwork is woven

into traditional Moroccan rugs destined for

tions in the context of North African oral and musical traditions.

Across many new metropolises of the Arab world, top-level Western art organizations are being blindly copied and pasted from one context to another with little regard to the consequences. Walid Raad’s ongoing project Scratching on Things I Could Disavow (since 2007) explores the different dimensions (polit- ical, aesthetic, economic, and ideological) of art institutions and platforms emerging in the

Arts Visuels & Sonores – Où sommes-nous maintenant? – Hicham Khalidi

créer des ponts entre des problématiques lo- cales et mondiales. A Marrakech, il présente V12 Laraki (2013), le résultat de neuf mois de travail. V12 Laraki est une réplique non-opé- rationnelle du moteur V12 de Mercedez-Benz. Chacun de ses 465 composants a été réalisé à la main dans l’un des 53 matériaux tradition- nels comme la céramique, l’os, le fer, la peau de chèvre et la terra cotta par quarante-deux artisans marocains. Bien que non interchan- geables, le V12 Mercedez-Benz et le V12 La- raki sont tous deux des produits de l’excellence

œuvre a été tissé dans des tapis marocains tra- ditionnels destinés au marché de l’art comme au commerce des tapis. Comme Lara, Saâdane Afif privilégie l’intan- gibilité, créant des œuvres sur l’interprétation, l’échange et la circulation. Dans son projet pour la Biennale, Afif utilise la performance in situ pour initier une réflexion autour des idées de géométrie, de pédagogie et d’objets-souve- nirs. Gabriel Lester utilise également la perfor- mance, exposant, de façon théâtrale, des mu- siciens et interprètes désincarnés. L’œuvre fait

mu- siciens et interprètes désincarnés. L’œuvre fait Adriana Lara, Interesting Theory 12 , 2014. Photo: Pierre

Adriana Lara, Interesting Theory 12, 2014. Photo: Pierre Antoine

humaine – le premier, de centaines d’années d’ingénierie occidentale, le second, d’un héri- tage marocain vieux d’un millénaire. Adriana Lara fait partie des nombreux autres artistes de la Biennale qui ont collaboré avec des artisans locaux. Le travail qu’elle pré- sente est la suite d’Interesting Theories (depuis 2010), un projet débuté en 2010 qui réduit l’importance de la fabrication d’objets au pro- fit d’une nouvelle mise en imagination concep- tuelle de la production artistique et de l’espace d’exposition. Un nouveau produit de cette

revivre ces rituels pétrifiés dans les nombreuses vitrines du musée, problématisant le rôle d’ins- titutions comme celle-ci par rapport aux tradi- tions orales et musicales de l’Afrique du nord.

A travers de nombreuses métropoles du monde arabe, les centres d’art occidentaux les plus importants sont aujourd’hui aveuglément re- produits à l’identique dans différents environ- nements sans que les conséquences n’en soient prises en compte. L’actuel projet de Walid Raad, Scratching on Things I Could Disavow

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Visual & Sound Arts – Where Are We Now? – Hicham Khalidi

Middle East. Raad intervenes in the Biennale with a selection of new works that create a di- alogue between the archetypical museum and the “copy” presented in Dar Si Said.

Fictional Identity – Bank Al Maghrib

Bank Al Maghrib, the former central bank of Marrakech, is a site for artists to confront the concept of identity and the idea of identity as fiction.

In his new commission BIENVENUE à Mar- rakech (2014), Hicham Benohoud responds to Vision 2020, King Mohammed VI’s plan launched in 2010 to attract 20 million tour- ists to Marrakech by the year 2020. Here Benohoud appropriates the Los Angeles “Hol- lywood” sign, transforming it into a “Mar- rakech” sign, placed upside down, to suggest the dubious political aspirations underlying the drive for tourism to Morocco.

Randa Maroufi’s multi-disciplinary practice is equally rooted in socio-politics, particularly a concern for gender. Her series, Reconstitutions (2013), which depicts the tension between Moroccan boys and girls, takes its cue from cinematic images, meditating on the fictionali- zation of the real. In a distinct gesture, Lili Rey- naud-Dewar combines performance, video, and sculpture to produce projects that involve her friends and family, students, and her own body. For the Biennale she presents Teaching as an Adolescent (2014), a collaborative per- formance in which she will remain in a hotel room for the duration of opening week. There she will lead students in seminars discussing lit- erature, writing, and experimental pedagogy that will be streamed live to Bank Al Maghrib.

1 Peter Osborne, “Contemporary Art is Post-Con- ceptual Art” (lecture, Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota, Como, July 9, 2010).

Rich in narrative and irony, Tala Madani’s works depict darkly comic mise-en-scènes that are powerful meditations on the tension between the stereotypical and the iconic. For the Biennale Madani has completed a new se- ries of animations based on a research period spent in various cities around Morocco. She is shown alongside Hamid el Kanbouhi, whose commission also follows an extended stay in Marrakech developing research and allowing the project to be influenced by the context and audience with which he interacts.

Speculating

Morocco

In the words of Marks, “It is the revelation of an untold and ever-present complexity that an imaginative science [or art] must narrate, not so that this complexity can be avoided but so that it might be achieved.” 3

Received ideas of Moroccan identity are no longer sufficient. As individuals we must im- agine the improbable to construct a more flexible and fluid collective identity. Beginning from the premise that the contemporary is fic- tion, the artists presented in Visual & Sound Arts utilize imagination as a strategy to spec- ulate alternative futures. Their works are a tes- timonial that exploring the unproven does not limit reality. It only broadens our scope of the possible.

2 Rob Marks, “The Site of Imaginative Contention”,

http://untitled.pnca.edu/articles/show/5976/.

3 Ibid.

Arts Visuels & Sonores – Où sommes-nous maintenant? – Hicham Khalidi

(depuis 2007), explore les différentes dimen- sions (idéologique, économique, politique et esthétique) des institutions et centres d’art qui apparaissent au Moyen-Orient. Raad propose

à la Biennale une sélection de nouvelles œuvres

qui créent un dialogue entre l’archétype du mu- sée et la “copie” présentée à Dar Si Said.

cent (2014), une performance collective dans laquelle elle restera dans une chambre d’hôtel pendant toute la durée de la semaine d’ouver- ture. Là, elle mènera des discussions avec des étudiants sur la littérature, l’écriture et la pé- dagogie expérimentale, discussions qui seront retransmises dans la Bank Al Maghrib.

Identité fictionnelle – Bank Al Maghrib

La Bank Al Maghrib, ancienne banque centrale de Marrakech, est un endroit où les artistes abordent le concept d’identité et de l’identité en tant que fiction.

Dans sa nouvelle production pour la Biennale, BIENVENUE à Marrakech (2014), Hicham Benohoud répond à Vision 2020, le programme lancé par le Roi Mohammed VI en 2010 afin

que le nombre de touristes à Marrakech at- teigne les 20 millions avant l’année 2020. Ici, Benohoud se réapproprie le panneau géant “Hollywood” de Los Angeles pour le trans- former en un panneau “Marrakech”, accroché

le panneau géant “Hollywood” de Los Angeles pour le trans- former en un panneau “Marrakech”, accroché

Fortement narratives et pleines d’ironie, les œuvres de Madani donnent à voir des mises en scène à l’humour noir qui constituent de puissantes méditations sur la tension qui existe entre les stéréotypes et les icônes. A l’invitation de la Biennale, Madani a réalisé des animations après une période de recherche passée dans di- verses villes du Maroc. Son travail est montré en parallèle de celui d’Hamid el Kanbouhi, dont l’œuvre créée pour la Biennale résulte aussi d’un long séjour à Marrakech au cours duquel il a pu faire des recherches et laisser son projet subir l’influence du contexte et du public avec lequel il interagit.

des recherches et laisser son projet subir l’influence du contexte et du public avec lequel il
des recherches et laisser son projet subir l’influence du contexte et du public avec lequel il

Réinventer

le Maroc

à l’envers afin d’évoquer les motifs politiques

douteux à l’origine de cette quête effrénée pour favoriser le tourisme au Maroc.

Le travail pluridisciplinaire de Randa Maroufi s’enracine également dans la socio-politique, en particulier au travers de l’intérêt que l’ar- tiste porte aux questions de genre. Sa série Reconstitutions (2013), qui dépeint la tension entre les garçons et les filles au Maroc, s’ins- pire d’images cinématographiques, initiant une méditation sur la transformation du réel par la fiction. Suivant une approche distincte, Lili Reynaud-Dewar allie la performance, la vidéo et la sculpture pour réaliser des pro- jets qui impliquent ses amis et sa famille, ses étudiants ainsi que son propre corps. Pour la Biennale, elle présente Teaching as an Adoles-

1 Peter Osborne, “Contemporary Art is Post-Con- ceptual Art” (lecture, Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota, Como, July 9, 2010.

Marks a dit : « C’est la révélation d’une com- plexité tue et incessamment présente qu’une science imaginative [ou l’art] doit raconter, non pas afin que cette complexité soit évitée, mais afin qu’elle soit atteinte ». 3

Les idées reçues sur l’identité marocaine ne suf- fisent plus. En tant que personnes, nous devons imaginer l’improbable pour bâtir une identité collective plus malléable et plus fluide. Partant du principe que le contemporain est fiction, les artistes présentés dans Arts Visuels & Sonores emploient l’imagination comme stratégie pour conjecturer d’autres avenirs. Leurs travaux constituent la preuve qu’explorer ce qui ne peut être prouvé ne limite pas la réalité. Ceci élargit seulement l’étendue du possible.

2 Rob Marks, “The Site of Imaginative Conten- tion”, http://untitled.pnca.edu/articles/show/5976/.

3

Ibid.

33 33

Visual & Sound Arts –

Artist

Biographies

Saâdane Afif Best defined as “post-conceptual,” the work of Saâdane Afif (b. 1970) explores the notions of interpretation, exchange, and circu- lation. For the artist, every exhibition consti- tutes a pretext to experiment with and/or trig- ger a new work of art whose formal outcome can be varied. For the Biennale, Afif offers to teach a geometry class every evening on the Jamaa El Fna square. In reducing this univer- sal tool of reference to its barest qualities—the circle, the square, the dot, the line, etc.—The lesson turns into the ultimate ready-made. Afif is the winner of the Prix Marcel Duchamp (2009) and the Günther-Peill-Preis 2012. His work has been exhibited at Palais de Tokyo, Paris (2005); dOCUMENTA (12), Kassel (2007); Witte de With, Rotterdam (2008); MMK, Frankfurt (2012); and IAC de Villeurbanne (2013).

Mustapha Akrim Mustapha Akrim (b. 1981) belongs to a generation of Moroccan artists redefining ex- pression in the visual arts in their home coun- try. His installations question the nature of work, and they often express frustration with the problem of widespread youth unemploy- ment. His work We Had a Dream (2011) is in- spired by Martin Luther King’s immortal words “I have a dream.” Akrim puts the phrase in the past tense, calling for a remembrance of past liberty and equality struggles and agitating for

renewed efforts to achieve social justice in the future. He uses his nuanced understanding of history and the dynamics of power in Moroc- co to break from aesthetics developed in the post-colonial period. For his new commission for the Biennale Akrim researches history and its relationship with the present, and the com- plicated relationship between religion and money. The artwork is a representation of an old Moroccan coin bearing a Koranic text and the name of the city where it was minted. Akrim graduated from the Institut nation-

al des beaux-arts de Tetouan. He completed

a residency at L’appartement 22, Rabat and

has participated in workshops in Namibia, Jordan, France, and Morocco. Group exhibi- tions include National Museum of Carthage (2012), New Art Exchange, Nottingham (2012) and MACBA, Barcelona (2014). His first solo exhibition was at L’appartement 22, Rabat in 2011.

Mounira Al Solh Mounira Al Solh’s (b. 1978) artworks op- erate according to Carlo Ginzburg’s notion of microhistory, which aspires to ask “large ques- tions in small places.” For the Biennale, Al Solh has created In Brown, Longtime Thresholds and Substrates Without Catalogues (2014), a chain of sound works that takes the form of a translational game. Al Solh lives and works in Beirut and Amsterdam. She was a resident at the Rijk-

Arts Visuels & Sonores –

Biographies des artistes

Saâdane Afif Qualifiée de « post-conceptuelle », l’oeuvre de Saâdane Afif (né en 1970) se fonde sur l’in- terprétation l’échange et la circulation. Selon l’artiste, chaque contexte d’exposition est prétexte à l’expérimentation ou/et au déclen- chement de l’oeuvre d’art, qui peut prendre les formes les plus variées. Pour la Biennale, Afif propose que sur la place Jemaa El Fna, soit dispensé chaque jour, après la tombée de la nuit un cours de géométrie. L’enseignement de cet outil de référence universel – réduit à ses plus simples éléments, le cercle, le carré, le point, la ligne etc. – devient « ready-made » ultime. Afif a reçu le Prix Marcel Duchamp en 2009 et le Günther-Peill-Preis 2012. Son tra- vail a été montré au Palais de Tokyo à Paris en 2005, à la Documenta 12 à Kassel en 2007, au Witte de With de Rotterdam en 2008, au MMK de Francfort en 2012, et à l’IAC de Vil- leurbanne en 2013.

Mustapha Akrim Mustapha Akrim (né en 1981) appartient à une génération d’artistes marocains qui re- définissent les modes d’expression dans le do- maine des arts visuels, dans leur pays natal. Ses installations questionnent la nature du travail et expriment souvent les frustrations ressenties vis-à-vis du problème posé par l’importance du chômage chez les jeunes. Sa pièce We Had a Dream (2011) s’inspire de ces mots éternels

de Martin Luther King « I have a dream » (j’ai un rêve). Akrim emploie la phrase au passé, de façon à provoquer une réminiscence des li- bertés passées et des luttes pour l’égalité, ainsi qu’à inciter à de nouveaux efforts pour établir une justice sociale à l’avenir. Il met à contribu- tion sa compréhension nuancée de l’histoire et de la dynamique du pouvoir au Maroc pour sortir de l’esthétique mise en place dans la pé- riode post-coloniale. Cette oeuvre représente une ancienne pièce de monnaie marocaine sur laquelle est inscrite un extrait du Coran ainsi que le nom de la ville où la pièce fut frappe. Akrim est diplômé de l’Institut national des beaux-arts de Tétouan. Il a été en rési- dence à L’appartement 22 à Rabat et a par- ticipé à des ateliers en Namibie, en Jordanie, en France et au Maroc. Il a pris part à des expositions collectives au Musée national de Carthage (2012), à la New Art Exchange de Nottingham (2012), et au MACBA, Barcelo- na (2014). Sa première exposition en solo a eu lieu à L’appartement 22, à Rabat, en 2011.

Mounira Al Solh Les œuvres de Mounira Al Solh (née en 1978) opèrent en réponse à la notion de mi- crohistoire établie par Carlo Ginzburg, en cherchant à poser « de grandes questions dans de petits endroits ». Pour la Biennale, Al Solh a conçu In Brown, Longtime Thresholds and Substrates Without Catalogues (2014), une chaîne de son qui prend la forme d’un jeu de

35 35

Visual & Sound Arts – Artist Biographies

sakademie, Amsterdam (2006–2008). Solo exhibitions include Kunsthalle Lisbon, Portugal (2010) and Art in General, New York (2012). Recent group shows include the 52 nd Venice Biennale (2007); Van Abbemuseum, Eindoven (2008); Manifesta 8, Murcia (2010); Haus Der Kunst, Munich (2010); The New Museum, New York (2012); and Home Works, Beirut

(2013).

Can & Asli Altay Can Altay (b.1975) is an artist and Asli Altay (b.1983) is a graphic designer and director of Future Anecdotes Istanbul design studio. Together they take on projects that often revolve around issues of public space and communication. The pair creates exhibi- tions, structures, and publications that act as public platforms or markers. An Archipelago from the Mediterranean (2014) focuses on the Mediterranean, a troubled body of water that both unites and divides global societies. The artwork is an intervention in the city of Marrakech in the form of distributed posters, and includes a proposal to make islands out of Mediterranean water: an archipelago, lo- cated inland, filled with water. The poster campaign reflects on the artists’ processes of making a work public and their distribution of ideas. Can & Asli Altay’s collaborations in- clude Ahali: An Anthology for Setting a Setting published by Bedford Press, London (2012); The Church Street Partners’ Gazette, an ex- hibition at The Showroom, London (2010- 2013); and PARK: bir ihtimal, an exhibition in public space, Istanbul (2010).

Burak Arikan Burak Arikan (b.1976) works with com- plex networks through the media of software, prints, installations, and performances. His installation Monovacation (2013) at the Mar- rakech Biennale uses snippets of 20 official television advertisements for tourism random- ly selected from 144 countries to construct a single, generic vacation commercial. The dis-

parate clips function as a network analysis, a sequence generated through a traversal in the network map that becomes an extracted fanta- sy of “vacation.” Arikan is an Istanbul- and New York-based artist. His recent exhibitions include the Nam June Paik Award Exhibition, Kunstmuseum Bo- chum (2012); Truth is Concrete, Graz (2012); 7 th Berlin Biennale (2012); 13 th Istanbul Bi- ennial (2013); 11 th Sharjah Biennial (2013); and 30 th Ljubljana Biennial of Graphic Arts

(2013).

Mohamed Arejdal Mohamed Arejdal’s (b. 1984) multidisci- plinary practice explores a relationship to the concept of the Other. Often working through performance, the artist seeks to establish a physical and sensory relationship to the spec- tator in public space, testing cultural and so- cial boundaries. The sculpture Crank (2012) depicts a traditional Moroccan mill used to grind flour into the shape of the earth. The handle used to turn the mill originates in the United States, whose political and economic power effectively makes the world go around. The work acts as a metaphor for the unbal- anced distribution of goods, food, and educa- tion around the globe. Arejdal was born in Guelmim, and lives and works in Morocco. He studied at the Insti- tut national des beaux-arts, Tétouan. Solo exhi- bitions include Festival des Arts Vivants a Cas- ablanca (2006); XIII ème Biennale des Jeunes Créateurs de l‘Europe et de la Méditerranée, Bari (2008); and Le Cube – independent art room, Rabat (2012). Group shows include Centre Culturel Al Andalous, Martil (2007); L’Institut Espagnol Cervantes, Tétouan; and In- stitute Français, Rabat.

Kader Attia Reflecting on his hybrid background, Kad- er Attia’s (b. 1970) work explores the reper- cussions of Western cultural hegemony and capitalism on the Middle East, Africa, Asia, and Latin America, and the ways in which

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

transcription. Al Solh vit et travaille à Beyrouth et Ams- terdam. Elle a été en résidence à la Rijksaka- demie à Amsterdam (2006–2008). Ses exposi- tions individuelles ont eu lieu à la Kunsthalle de Lisbonne au Portugal (2010) et à Art in General à New-York (2012). Récemment, elle

a participé à des expositions collectives à la

52 ème Biennale de Venise (2007), au Van Ab-

bemuseum à Eindhoven (2008), à Manifesta 8

à Murcie (2010), à Haus Der Kunst à Munich (2010), au New Museum de New-York (2012)

et à Home Works à Beyrouth (2013).

Can & Asli Altay Can Altay, né en 1975, est artiste. Sa femme Asli Altay, née en 1983, est graphic de- signer, et directrice du studio de création Fu- ture Anecdotes Istanbul. Ensemble, ils mènent des projets qui traitent souvent des probléma- tiques de l’espace public et de la communica- tion. Le couple organise des expositions, crée des installations et lance des publications qui tiennent lieu de tribunes publiques. An Ar- chipelago from the Mediterranean (2014) se concentre sur la mer Méditerranée, une masse d’eau agitée qui à la fois unit et divise des so- ciétés entières. L’œuvre est une intervention dans la ville de Marrakech, sous la forme d’af- fiches distribuées ; elle propose de former des îles avec de l’eau de la Méditerranée : un archi- pel situé à l’intérieur des terres, rempli d’eau. La campagne d’affichage illustre la volonté de l’artiste de réaliser une œuvre publique, et de faire essaimer des idées. La collaboration de Can et Asli Altay a aussi donné lieu à Ahali : An Anthology for Setting a Setting, publié chez Bedford Press, Londres (2012), The Church Street Partners’ Gazette, une exposition à The Showroom à Londres (2010-2013), et PARK : bir ihtimal, une exposition dans un lieu public à Istanbul

(2010).

Burak Arikan Burak Arikan (né en 1976) met en scène de complexes réseaux à travers l’élaboration de

softwares, l’impression de tirages et l’organisa- tion d’installations et de performances. Dans son installation Monovacation (2013), pré- senté à la Biennale de Marrakech, des extraits de vingt publicités télévisées officielles pour le tourisme ont été sélectionnés au hasard dans 144 pays, puis utilisés pour composer une unique publicité générique pour les vacances La disparité de chacune de ces capsules fonc- tionne à la manière d’une analyse de réseaux, une séquence générée par une force transver- sale dans la carte du réseau qui, à son tour, se transforme en une forme d’illusion de «va- cances». Arikan est un artiste basé à Istanbul et

à New-York. Son travail a été exposé au Kunstmuseum Bochum (2012), au Truth is Concrete, Graz (2012), à la 7 ème Biennale de Berlin (2012), à la 13 ème Biennale d’Istanbul (2013), à la 11 ème Biennale de Sharjah (2013), et à la 30 ème Biennale d’arts graphiques de Lju- bljana (2013).

Mohamed Arejdal L’approche pluridisciplinaire de Mohamed Arejdal (né en 1984) explore les relations au concept de l’« autre ». Travaillant souvent par le biais de performances, l’artiste cherche

à établir une relation physique et sensorielle

avec le spectateur au sein d’un espace public afin de tester les limites culturelles et sociales. La sculpture Crank (2012) représente un mou- lin traditionnel du Maroc utilisé pour moudre le blé, qui prend ici la forme de la terre. La poignée qui permet de faire tourner le moulin provient des Etats-Unis, dont le pouvoir poli- tique et économique fait effectivement tourner le monde. La sculpture se veut une métaphore de la répartition inéquitable des biens, de la nourriture et des services éducatifs sur la pla- nète. Né à Guelmim, Arejdal vit et travaille au Maroc. Il a étudié à l’Institut national des beaux-arts de Tétouan. Ses expositions en solo se sont tenues au Festival des arts vivants de Casablanca (2006), à la XIII ème Biennale des Jeunes Créateurs de l’Europe et de la Méditer-

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

residual strains of struggle and resistance to colonization impact the consciousness of im- migrants as a territory. His practice employs different materials, symbols, and scales to question community, diversity, belonging, and exile among the tangle of identity conflicts in the age of globalization. Following his recent research journeys to Africa, Asia, and South America Attia has turned his attention to the reappropriation of traditional artifacts he “re- pairs” using alternative materials. Attia’s new commission is centered around the Rif moun- tains independence movement (1922), which was repressed by the French protectorate us- ing heavy shelling. The remaining traces of this conflict are objects made with leftovers of shells and bullets. Attia worked with local Moroccan craftsmen to excavate these mar- ginalized histories through the creation of new hybrid objects and musical instruments. Attia lives and works in Berlin, but he spent his childhood between France and Algeria. His work has been exhibited widely at major international institutions, including ICA, Bos- ton (2007); Centre Georges Pompidou, Paris (2011); Tate Modern, London (2011); MoMA, New York (2012); dOCUMENTA (13), Kassel (2012); and KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2013).

Jelili Atiku Jelili Atiku (b.1968) employs sculpture, video, and performance to create works that promote an egalitarian society and foster a respect of human rights within his home coun- try of Nigeria and abroad. His striking and provocative performances are often staged in public spaces and incorporate multiple partic- ipants, processions, and elaborate costumes highly charged with political content. I Will Not Stroll With Thami El Glaoui (2014) is a new work created for the Marrakech Biennale. Its title refers to the social and political poten- tiality of public space and the role the artwork plays in activating this process. Following his extensive research into traditional Moroccan textiles, the artist will perform in an akhnif, a

woven hooded cape, bearing traditional Ber- ber patterns. Atiku was born in Ejigbo, Nigeria, where he lives and works. He received an MA in Visual Arts at the University of Lagos, Nige- ria. He is chief coordinator of Advocate for Human Rights Through Arts and president of the Movement for Creative Drawing. He has performed at Ahmadu Bello University, Zaria (2009); Centre for Contemporary Art, Lagos (2009); and Tate Modern, London (2012).

Yassine Balbzioui Yassine Balbzioui (b.1972) works across many disciplines to produce extravagant, theatrical, and energetic performances. His artworks frequently explore “being” and “ap- pearing” through the form of masks. For the Biennale, Balbzioui has created a new per- formance titled Grosse Tête (2014) based on previous works shown in Dakar (2012) and Berlin (2013). The performance lasts between 20 and 25 minutes, during which the artist plasters objects and liquids onto his head, giving rise to a mutant form. Through this act the artist aims to bring the audience to a state of despair and astonishment. As the mutant appears to slowly suffocate from its masking the public becomes witness to an unutterable situation. Balbzioui was born in Morocco and now lives and works in Paris and Bordeaux. He trained at the Ecole des Beaux-Arts de Cas- ablanca-Maroc (1996). He has exhibited in solo and group exhibitions internationally, in- cluding the Biennale Danse l’Afrique Danse, Bamako (2010); the 7 th Berlin Biennial, (2010); Galerie Talmart, Paris (2012); and CAPC Musée d’Art Contemporain, Bordeaux

(2013).

Charif Benhelima Charif Benhelima (b.1967) is a photogra- pher whose stark images expose intimate situations in carefully chosen sites. His work investigates identity, memory, oblivion, docu- mentation, and truth through images that ex-

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

ranée à Bari (2008) et au Cube –independent art room, à Rabat (2012). Il a participé à des expositions collectives au Centre Culturel Al Andalous à Martil (2007), à l’Institut espagnol Cervantes à Tétouan et à l’Institut français de Rabat.

Kader Attia Grâce à une réflexion sur son parcours hybride, l’artiste Kader Attia (né en 1970) explore les répercussions de l’hégémonie culturelle et du capitalisme occidentaux sur le Moyen-Orient, l’Afrique, l’Asie et l’Amérique latine, et la manière dont des traces résiduelles de lutte et de résistance à la colonisation ont un effet sur la conscience des immigrants en tant que territoire. Dans sa pratique, il utilise différents matériaux, symboles et échelles afin de pouvoir interroger les notions de commu- nauté, de diversité, d’appartenance et d’exil telles qu’elles surgissent dans l’enchevêtrement des conflits identitaires à l’ère de la mondiali- sation. Suite à ses récents voyages de recherche en Afrique, en Asie et en Amérique du sud, Attia s’est intéressé aux moyens de se réappro- prier des artéfacts traditionnels qu’il “répare” en utilisant des matériaux alternatifs. La der- nière mission d’Attia a pour principal sujet le mouvement d’indépendance des montagnes du Rif (1922), que les autorités du Protectorat français ont écrasé à coups de lourds bombar- dements. Les traces qui demeurent de ce conflit s’incarnent dans des objets fabriqués à partir de restants de balles et d’obus. Attia a travaillé avec des artisans marocains locaux pour faire remonter ces histoires oubliées au travers de la création de nouveaux objets hybrides et d’ins- truments de musique. Attia vit et travaille à Berlin, bien qu’il ait passé son enfance entre la France et l’Al- gérie. Ses œuvres ont été régulièrement expo- sées dans d’importantes institutions interna- tionales comme l’ICA de Boston (2007), le Centre Georges Pompidou à Paris (2011), la Tate Modern à Londres (2011), le MoMA à New-York (2012), le dOCUMENTA de Kassel (2012) et l’Institut d’art contemporain KW à

Berlin (2013).

Jelili Atiku Jelili Atiku (né en 1968) utilise la sculp- ture, la vidéo et la performance pour créer des œuvres qui défendent une société égali- taire, et incitent à un respect des droits de l’homme tant dans son pays natal, le Nigéria, qu’à l’étranger. Ses performances étonnantes et provocatrices sont souvent mises en scène dans des lieux publics et incluent une multitude de participants, des cortèges et des costumes éla- borés, très chargés de résonances politiques. I Will Not Stroll With Thami El Glaoui (2014) est une nouvelle œuvre créée pour la Biennale de Marrakech. Son titre fait référence aux po- tentialités sociales et politiques des lieux pu- blics et au rôle que joue l’art dans leur déclen- chement. En raison des recherches importantes qu’il a menées sur la fabrication traditionnelle des textiles marocains, l’artiste portera, lors de sa performance, un akhnif, une cape à capuche en laine, décorée de motifs traditionnels ber- bères. Atiku est né à Ejigbo, au Nigéria, où il vit et travaille actuellement. Il possède un master en Arts visuels de l’Université de Lagos au Ni- géria. Défenseur actif des droits de l’homme, il est coordinateur en chef d’Advocate for Human Rights Through Arts et est président du Movement for Creative Drawing. Ses per- formances se sont déroulées à l’Université Ah- madu Bello à Zaria (2009), au Centre d’art contemporain de Lagos (2009) et à la Tate Modern (2012) à Londres.

Yassine Balbzioui Le travail pluridisciplinaire de Yassine Balbzioui (né en 1972) lui permet de produire des performances extravagantes, théâtrales et énergiques. Ses œuvres explorent régulière- ment l’être et le paraître à partir de masques. Pour la Biennale, Balbzioui a conçu une nou- velle performance intitulée Grosse Tête (2014) qui s’inspire de travaux antérieurs montrés à Dakar en 2012 et à Berlin en 2013. La per- formance dure entre 20 à 25 minutes, temps

39 39

Visual & Sound Arts – Artist Biographies

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

plore perception, time and space, and a sense of invisibility. Inspired by his own Moroccan migrant status, and consequent lack of a fam- ily photo album to pick up a camera, Benheli-

years to complete, the artist charts an intense-

ca and Paris. He was awarded the Galerie d’Essai Prize at Rencontres Photographiques d’Arles (2000) and has exhibited internation- ally at Galerie Le Lieu, Lorient (2004); Centre

pendant lequel l’artiste colle des objets et verse des liquides sur sa tête, qui devient petit à pe- tit celle d’une sorte de mutant. Par cet acte, l’artiste veut conduire les spectateurs vers un

expositions collectives à Witte de With, Rot- terdam (2005), la Biennale Internationale de Photographie FotoFest à Houston (2012) et au Musée d’Art Contemporain MuHKA d’Anvers

ma’s oeuvre establishes a personal narrative

Georges Pompidou, Paris (2005); and Grand

état de désespoir et d’étonnement. Au fur et

(2013).

through the stories of others. In Welcome to

Palais, Paris (2008).

à

mesure que le mutant semble suffoquer len-

Belgium (1990–1999), a series that took many

Katinka Bock

tement sous son masque, le public devient té- moin d’une situation indescriptible.

l’Afrique Danse à Bamako (2010), à la 7 ème

Hicham Benohoud L’œuvre d’Hicham Benohoud (né en 1968)

ly

intimate story of immigration to Belgium. In

Employing an array of materials that in-

Balbzioui est né au Maroc. Il travaille au-

examine la formation de l’identité au Ma-

the chapter San Damiano (1997–1998), he

(2013).

clude clay, wood, leather, stone, plaster, and

jourd’hui à Paris et Bordeaux. Il a étudié à

roc.

Alors qu’il exerçait comme professeur de

documents men suspended in time at a refuge, waiting to hear whether their requests for asy- lum have been granted, or not. Benhelima lives and works in Antwerp and Rio de Janeiro. He has shown in solo exhibitions at Kunstlerhaus Bethanien, Berlin, (2005); Station Museum of Contemporary Art,

found objects, Katinka Bock (b. 1976) bears out the spatial qualities of a site through the physicality of her structures and the precise rhythms created among them. For the Biennale, Bock has built an igloo-shaped firestone kiln on the grounds of the Palais El Badii. This im- pressive red-clay structure recalls Marrakech’s

à

l’École des beaux-arts de Casablanca au Ma- roc (1996). Ses œuvres ont été exposées indi- viduellement et collectivement au niveau inter- national, notamment à la Biennale de Danse

Biennale de Berlin (2010), à la Galerie Talmart

dessin, Benohoud a réalisé La Salle de Classe (1994–2002), une série photographique qui montre ses élèves en train de fabriquer des costumes grotesques et amusants. Les enfants renoncent ici au rôle qui leur est assigné en

tant qu’élèves, présentant à la place une iden- tité telle qu’ils l’ont construite face à la camé-

Houston (2012); and Museu de Arte Contem-

historic nickname the Red City and its long

Paris (2012) et au Musée d’Art Contempo- rain, CAPC, de Bordeaux (2013).

ra.

L’œuvre qu’il a réalisée pour la Biennale,

porânea de Nitéroi, Rio de Janeiro (2013). Group shows include Witte de With, Rotter-

tradition of ceramics. Clay plates have been sculpted according to body measurements tak-

Charif Benhelima

BIENVENUE à Marrakech (2014), constitue une réponse à Vision 2020 (2010), le plan du

Katinka Bock

dam (2005); FotoFest International Biennial of Photography, Houston (2012); and MuH- KA Museum of Contemporary Art, Antwerp

en from people in Paris and Marrakech. Bock lives and works in Paris and Berlin. She studied at the Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de Lyon and Kunsthochschule

Charif Benhelima (né en 1967) est un pho- tographe dont les clichés austères révèlent des scènes intimes prises dans des endroits minu- tieusement sélectionnés. A travers des images

Roi Mohammed VI visant à ce que le nombre de touristes à Marrakech atteigne les 20 mil- lions. Sans Tour Eiffel ou Statue de la liber- té, Benohoud se réapproprie le panneau géant

Hicham Benohoud

Hicham Benohoud’s (b. 1968) work ad-

a

photographic series documenting his pupils

Berlin-Weissensee. She has exhibited interna- tionally at Culturgest, Lisbon (2012); Mamco Geneva, (2013) and Henry Art Gallery, Seat-

explorant les notions de perception, d’espace, de temps et d’une certaine invisibilité, son œuvre soulève de nombreuses questions quant

“Hollywood” de Los Angeles pour le transfor- mer en un panneau “Marrakech”, accroché à l’envers afin d’évoquer les motifs politiques

dresses identity formation in Morocco. During

tle (2014).

à

l’identité, la mémoire, l’oubli, le document

douteux à l’origine de cette quête effrénée

his tenure as a drawing teacher Benohoud produced La Salle de Classe (1994–2002),

Max Boufathal Max Boufathal (b.1983) is a sculptor

et la vérité. En tant qu’immigré marocain, il sait intimement ce que signifie ne pas avoir d’album de photographies de famille. Par

pour favoriser le tourisme au Maroc. Benohoud vit et travaille à Casablanca et Paris. Il a reçu le Prix de la Galerie d’essai

in

the act of creating grotesque and amusing

whose hybrid and high-tech tribe of warriors,

conséquent, Benhelima tisse sa propre histoire

lors des Rencontres photographiques d’Arles

 

animals, and weapons seemingly obey a new

à

travers celle des autres. Dans la série Wel-

(2000) et ses œuvres ont été exposées inter-

situations. The children renounce their pre- scribed role of “pupil,” instead presenting

self-constructed identities to the camera. In his new commission for the Biennale BIENVENUE à Marrakech (2014) the artist responds to Vision 2020 (2010), King Mohammed VI’s objective to attract 20 million tourists to Mar- rakech. Lacking an Eiffel Tower or Statue of Liberty, Benohoud appropriates the Los An- geles “Hollywood” sign, transforming it into

order of natural selection. These figures are rendered in high visibility and reflective ma- terials. This formidable cast combines ancient tribalism with consumerism. Do these beings come from a past world or a parallel one? Are they survivors or oppressors? For the Biennale Boufathal will show a combination of these previous works, with a new large-scale com- mission, Madonna 207.

come to Belgium (1990-1999) qu’il a réalisé au cours de plusieurs années, l’artiste raconte l’histoire intime de l’immigration en Belgique. Le chapitre San Damiano (1997-1998) docu- mente la vie dans les refuges où des hommes, aux destins suspendus, attendent de savoir si leur demande d’asile a été acceptée. Benhelima vit et travaille à Anvers et à Rio de Janeiro. Son travail a été présenté dans

nationalement à la Galerie Le Lieu à Lorient (2004), au Centre Georges Pompidou à Paris (2005) et au Grand Palais à Paris (2008).

Utilisant toutes sortes de matériaux, no- tamment l’argile, le bois, le cuir, la pierre, le plâtre et des objets trouvés, Katinka Bock (née

“Marrakech” sign, with some letters placed

upside down to reflect the dubitable political aspirations behind the drive for tourism to Mo- rocco.

a

Boufathal graduated from the École supérieure des beaux-arts de Nantes with hon- ors (2002). As part of the Africa Light collec- tive, he has exhibited internationally at the Off

des expositions personnelles à Kunstlerhaus Bethanien, Berlin (2005), au Musée Station d’Art Contemporain de Houston (2012) et au Musée d’Art Contemporain de Niteroi, Rio de

en 1976) renforce les qualités spatiales d’un site grâce à la « physicalité » de ses structures, et les rythmes précis qui naissent entre celles- ci. Pour la Biennale, Bock a construit un four en forme d’igloo sur le terrain du Palais El Ba-

Benohoud lives and works in Casablan-

Biennial of Contemporary Art, Dakar (2010)

Janeiro (2013). Il a également participé à des

dii.

Cette impressionnante structure en argile

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

and the Biennial of Dance, Bamako (2010). Solo exhibitions of his work include Chateau de Fernelmont (2011); Galerie Saint-Jacques, Saint-Quentin (2011); and High Culture Gal- lery, Maastricht (2011).

Keren Cytter Keren Cytter (b. 1977) uses film, video installation, and drawing to represent social realities through experimental modes of story- telling. Characterized by a non-linear, cyclical logic, Cytter’s films consist of multiple layers of images, monologue, dialogue, and narration, systematically composed to undermine linguis- tic conventions and traditional interpretation schemata. The artist creates intensified scenes drawn from everyday life in which their over- whelmingly artificial nature is echoed by the means of their production. Cytter’s video for the Biennale will include daily documentation of the artist’s life manipulated to a quasi-detec- tive story, shot through a variety of video me- dia including cameras, mobile phones, Skype recordings, and computer-screen recordings. Cytter was born in Tel Aviv. She lives and works in New York. Recent solo exhibitions include Moderna Museet, Stockholm (2010); Stedelijk Museum, Amsterdam (2011); and Tate Modern, London (2012). Recent group exhibitions include Whitney Museum of Amer- ican Art, New York (2008); Manifesta 7, Tren- tino (2008); Yokohama Triennial (2008); the 53 rd Venice Biennale (2009); New Museum, New York (2009); CCA Watts, San Francisco (2012); and Moscow Museum of Modern Art

(2011).

Shezad Dawood Shezad Dawood (b. 1974) works across film, painting, and sculpture to juxtapose dis- crete systems of image, language, site, and historical narrative. His practice frequently in- volves collaboration, working with groups and individuals across territories to physically and conceptually map far-reaching lines of inquiry. In Towards the Possible Film (2014), Dawood’s latest film project, he explores anthropological

concepts of indigenousness through the gen- re of science fiction. Two astronauts emerge from the sea in a Martian landscape, where

they are violently confronted by its inhabit- ants. Shot on location in Sidi Ifni, Morocco, the film’s dialogue is recorded in Tamazight,

a Berber language only recently recognized

as official in Morocco with its own alphabet.

Dawood worked with actors from Dabateatr,

a Rabat-based theatrical company, and chore-

ographer Salima Moumni. Dawood, who lives and works in London, has exhibited internationally, including Tate Britain, London (2009); the 53 rd Venice Bien- nale (2009); and the Busan Biennale (2010). Recent projects include solo exhibitions at Modern Art Oxford (2012) and Parasol Unit, London (2014). In 2012, Dawood was nomi- nated for the Jarman Award.

Hamid el Kanbouhi Hamid el Kanbouhi (b. 1976) employs various media to transform commonplace ele- ments into immersive and fantastic worlds that incorporate performance, installation, and painting. These worlds stem from drawings whose spatial realization often wrong-foot the viewer, converting passive bystander into ac- tive participant. For the Biennale, el Kanbouhi will create a new commission as the result of an extended stay in Marrakech, developing research and allowing the project to be influ- enced by the context and audience with which he interacts. El Kanbouhi is a Dutch-Moroccan artist who lives and works in Amsterdam. He at- tended the Gerrit Rietveld Academie (2000– 2004). He has exhibited in solo shows at Mu- seum van Bommel van Dam, Venlo (2005) and Galerie Nouvelles Images, The Hague (2009); and in group exhibitions at Rijksakademie, Amsterdam (2010); Koninklijk Paleis, Amster- dam (2011); and Barbara Seiler Galerie, Zu- rich (2012).

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

rouge rappelle le surnom historique de Mar- rakech, la Ville rouge, et sa longue tradition de fabrication de céramiques. Des représentations du corps humain ont été sculptées dans l’argile d’après les mensurations de personnes vivant à Paris et à Marrakech. Bock vit et travaille à Paris et Berlin. Elle

a étudié à l’École supérieure des beaux-arts de Lyon et à la Kunsthochschule Berlin-Weis- sensee. Son travail a été exposé internationa- lement, au Culturgest de Lisbonne (2012), au Mamco à Genève (2013), et à la Henry Art Gallery à Seattle (2014).

Max Boufathal Max Boufathal (né en 1983) est un sculp- teur dont la tribu hybride et hich-tech de guerriers, d’animaux et de leurs armes semble

obéir à une nouvelle forme de sélection natu- relle. Ces figurines, très voyantes, sont faites de matériaux réfléchissants. Cet incroyable moulage constitue une alliance entre le triba- lisme ancestral et le consumérisme. Ces per- sonnages viennent-ils d’un monde passé ou d’un monde parallèle ? Sont-ils des survivants ou des oppresseurs ? Pour la Biennale, Boufa- thal exposera à la fois des œuvres anciennes

et une grande œuvre de commande nouvelle,

Madonna 207. Boufathal est diplômé de l’École supérieure des beaux-arts de Nantes avec félicitations

(2002). En tant que membre du collectif Afri- ca Light, il a exposé au niveau international à

la Off Biennale d’art contemporain de Dakar

(2010) et à la Biennale de danse de Bamako

(2010). Chateau de Fernelmont (2011), la Ga- lerie Saint-Jacques à Saint-Quentin (2011) et

la High Culture Gallery à Maastricht (2011)

ont notamment présenté des expositions en

solo de son travail.

Keren Cytter Keren Cytter (née en 1977) utilise des films, des installations vidéo et le dessin pour repré- senter certaines réalités sociales à travers des modes de narration expérimentaux. Caractéri- sés par une progression logique non linéaire et

cyclique, les films de Cytter comprennent des couches multiples d’images, de monologues, de dialogues et de récits, systématiquement composées pour affaiblir les conventions du

langage et les schémas d’interprétation tra- ditionnels. L’artiste crée des scènes dramati- sées, tirées de la vie quotidienne, dont la na- ture excessivement artificielle est reflétée par leurs moyens de production. La vidéo prépa- rée par Cytter pour la Biennale comprend un compte-rendu quotidien de la vie de l’artiste, transformé en une histoire quasi-policière qui

a été filmée par l’intermédiaire de divers appa-

reils vidéo comme des caméras, des téléphones portables, des enregistrements Skype et des vi- déocaptures d’écran.

Cytter est née à Tel Aviv. Elle vit et travaille

à New-York. Ses dernières expositions indi-

viduelles ont eu lieu au Museet Moderna à

Stockholm, au Musée Stedelijk à Amsterdam

(2011) et à la Tate Modern à Londres (2012). Elle a fait récemment partie d’expositions de groupes au Whitney Museum of American Art

à New-York (2008), au Manifesta 7 à Trentino

(2008), à la Triennale de Yokohama (2008),

à la 53 ème Biennale de Venise (2009), au New Museum à New-York (2009), à CCA Watts à San Francisco (2012) et au Musée d’art mo- derne de Moscou (2011).

Shezad Dawood Shezad Dawood (né en 1974) a recours aussi bien à la peinture et à la sculpture qu’à la vidéo pour juxtaposer des systèmes d’images, des systèmes langagiers et spatiaux, ainsi que des récits historiques. Sa pratique l’amène sou- vent à collaborer avec d’autres, qu’il s’agisse de groupes ou d’individus, à travers certains territoires afin de cartographier physiquement et conceptuellement de longues lignes de ques- tionnement. Dans Towards the Possible Film (2014), le dernier film de Dawood, l’artiste explore des concepts anthropologiques en passant par la science-fiction. Au moment où ils sortent de la mer au milieu d’un paysage martien, deux astronautes sont violemment

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

Wafae Ahalouch el Keriasti Wafae Ahalouch el Keriasti (b. 1978) works across drawing, painting, installation, and sculpture to create vivid, immersive, and personal visions of our alienated world. Her frames of reference draw from a multiplicity of sources: the circus, history, politics, fami- ly, and fairy tales. Recently her practice has developed toward an analysis of the feminine within these frameworks. For the Biennale she will create a new commission conflating the myth of Aicha Qandisha, a female devil in Moroccan folklore, and a vision for contem- porary women in Morocco. This work brings the mythological past to bear on the future of women who occupy a difficult and ambiguous place in the culture and politics of the nation. El Keriasti has taken part in residencies at De Ateliers, Amsterdam (2001–2003), Ri- jksakademie, Amsterdam (2006–2007); and Kunstlerhaus Bethanien, Berlin (2010). She has had solo shows at Kunstlerhaus Bethanien, Berlin, (2010); Galerie sans titre, Brussels (2009); and Museum Jan Cunen, Oss (2008). Her work has been included in group exhibi- tions at the Young Artist Biennale, Bucharest (2008); White Box, New York (2009); Grim- museum, Berlin (2010); and WIELS, Brussels

(2010).

Cevdet Erek Courtyard Ornamentation with Sounding Dots and a Prison (COSDP) (2014) is a con- tinuation of the series Courtyard Ornamen- tation with 4 Sounding Dots and a Shade, which made its most recent manifestation at the Sharjah Biennial in 2013. Loudspeakers are placed on the walls surrounding a court- yard. Only when the visitor finds the “sweet spot” under a central shade do all sounds combine, forming a recognizable rhythm. The percussive sounds were performed by hand, reflecting the artist’s desire to connect “au- dio ornamentation” with handmade visual ornamentation, while spoken words act as calligraphic text in geometrical relation to the percussive dots. The work is continued in the

prison, where the ornamentation is no longer based solely on musical rhythms. Erek lives and works in Istanbul. He has participated in the Istanbul Biennial (2003 & 2011) and dOCUMENTA(13), Kassel (2012); he was the subject of a solo exhibition at Kun- sthalle Basel (2012). Erek was a recipient of the Nam June Paik Award (2012). Until recent- ly, Erek instructed at ITU Turkish Music State Conservatory and headed a studio at ITU Ar- chitecture Faculty.

Hamza Halloubi Hamza Halloubi (b. 1982) works across a wide range of media, including video, pho- tography, sculpture, and installation, to inves- tigate the grammar and semiotics of language and film. His personal knowledge of immigra- tion is often a departure point to distill experi- ence and theory through gesture, movement, or narrative. In his powerful film To Leave (2011–2012) the artist places the viewer in the position of one who is leaving a relative. Beginning with a close-up portrait, the cam- era pulls away continuously to reveal a dark- ening street in Tangier, creating a poignant representation of migrancy that merges fiction and documentary. Halloubi was born in Tangier, and now lives and works between Tangier and Brussels. He has had solo exhibitions at BOZAR, Palais des Beaux-Arts, Brussels (2013) and Kiosk, Ghent (2014). Group shows include the 4 th Cairo Video Festival (2010); the 6 th Momen- tum Biennial, Moss (2011); Centre Pompidou, Paris (2011); and Kunstenfestival, Watou

(2012).

Iman Issa Iman Issa (b. 1979) produces serial works that create meaning through the interrelation- ship of objects, film, and text. Her audio work The Revolutionary (2010), on display at the Bi- ennale, uses a text written by the artist, gener- ated into speech using text-to-speech software, to introduce the listener to the fictional biogra- phy of a revolutionary in an attempt to access

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

pris à partie par les habitants de la planète. Le film a été tourné en extérieur dans la province de Sidi Ifni au Maroc et ses dialogues sont en Tamazight, une langue berbère qui possède son propre alphabet et n’a été que récemment reconnue comme langue officielle au Maroc.

Dawood a travaillé avec des acteurs du Daba- teatr, une troupe de théâtre basée à Rabat, et la chorégraphe Salima Moumni. Les œuvres de Dawood, qui vit et travaille à Londres, ont été exposées internationale- ment, notamment à la Tate Britain à Londres (2009), à la 53 ème Biennale de Venise (2009) et

à la Biennale de Busan (2010). Ses récents pro- jets incluent deux expositions solo à Modern Art Oxford (2012) et Parasol Unit à Londres (2014). En 2012, Dawood a été sélectionné pour le Prix Jarman.

Hamid el Kanbouhi Hamid el Kanbouhi (né en 1976) utilise divers media pour transformer des éléments ordinaires en mondes fantastiques et sensoriel- lement stimulants, qui allient performances, installations et peintures. Ces mondes émer- gent de dessins dont la disposition spatiale déstabilise souvent l’observateur, faisant du spectateur passif un participant actif. A la de- mande de la Biennale, el Kanbouhi créera une nouvelle œuvre résultant d’un long séjour à Marrakech, au cours duquel il a pu faire des recherches et laisser son projet subir l’influence du contexte et du public avec lequel il intera- git.

El Kanbouhi est un artiste hollando-ma- rocain qui vit et travaille à Amsterdam. Il a

étudié à la Gerrit Rietveld Academie (2000– 2004). Ses expositions en solo ont été accueil- lies par le Musée van Bommel van Dam à Ven- lo (2005) et à la Galerie Nouvelles Images à la Haye (2009). Il a participé à des expositions collectives à la Rijksakademie à Amsterdam (2010), au Palais royal d’Amsterdam (2011) et

à la Galerie Barbara Seiler à Zurich (2012).

Wafae Ahalouch el Keriasti Wafae Ahalouch el Keriasti (née en 1978) travaille conjointement à partir de dessins, de peintures, d’installations et de sculptures afin d’exprimer ses visions contrastées et tou- chantes de notre monde aliéné. Ses cadres de référence sont établis à partir d’une multitude de sources d’inspiration : le cirque, l’histoire, la politique, la famille et les contes de fées. Plus récemment, son travail s’est orienté vers une analyse du féminin à l’intérieur même de ces cadres. L’artiste créera, spécialement pour la Biennale, une nouvelle œuvre colligeant le mythe d’Aicha Qandisha, une créature diabo- lique féminine du folklore marocain, et une certaine vision du futur des femmes contem- poraines au Maroc. Ce travail permet de lier le passé mythologique à l’avenir de femmes qui occupent une position difficile et ambigüe dans la culture et la politique du pays. El Keriasti a été en résidence à De Ateliers à Amsterdam (2001–2003), à la Rijksakade- mie à Amsterdam (2006–2007) et au Kunster- lhaus Bethanien de Berlin (2010). Elle a expo- sé en solo à Kunstlerhaus Bethanien à Berlin, (2010), à la Galerie sans titre de Bruxelles (2009) et au Musée Jan Cunen d’Oss (2008). Elle a également participé à des expositions collectives à la Biennale des jeunes artistes de Bucharest (2008), à White Box à New-York (2009), au Grimmuseum de Berlin (2010) et à WIELS à Bruxelles (2010).

Cevdet Erek Courtyard Ornamentation with Sounding Dots and a Prison (COSDP) (2014) s’ins- crit dans la continuité de la série Courtyard Ornamentation with 4 Sounding Dots and a Shade dont la plus récente manifestation a eu lieu à la Biennale de Sharjah en 2013. Des en- ceintes sont placées sur les murs entourant une cour. Ce n’est que lorsque le visiteur trouve le point sensible, sous une ombre au centre de l’endroit, que tous les sons se combinent alors pour former un rythme identifiable. Les sons ont été produits par de vraies percussions, ce qui dénote le désir de l’artiste de lier l’ « or-

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

what this term references and corresponds to. Issa was born in Cairo. She lives and works in Cairo and New York. Recent group and solo exhibitions include KW Institute of Contemporary Art, Berlin (2011); Material, Rodeo, Istanbul (2011); SculptureCenter, New York (2011); Contemporary Image Collective, Cairo (2011); and New Museum, New York (2012). Her video work has been screened at Transmediale, Berlin; Tate Modern, London; Spacex, Exeter; Open Eye Gallery, Liverpool; and Bidoun Artists’ Cinema, Art Dubai, Dubai.

Ghita, Hiba, and Zaynab Khamlichi Ghita Khamlichi (b. 1995), Hiba Kham- lichi (b. 2000), and Zaynab Khamlichi (b. 1988) are young Moroccan women who have been making art since childhood. For the Mar- rakech Biennale Ghita stages a performance that exemplifies her musical influences, which range from Ray Charles and Miles Davis to Sufi music. Her works embody the linkages between the visible and invisible, and the re- lationships between various forms of artistic expression and perception. Hiba and Zaynab present works from their extensive oeuvre. Hiba’s meticulous ceiling paintings are aston- ishing in their fluency and maturity, showing an instinctive grasp of abstract expressionism. Zaynab’s portrait of King Mohammed VI of Morocco is an iconic work that draws from the traditions of pop art. Together, these three women reveal a bright future for art in the re- gion. The sisters were born in Rabat, where they live and work. Ghita and Hiba were awarded the Médaille d’or du mérite by CNM-UNES- CO (2011) and received a special mention from the jury of the International Sharjah Biennial (2012). Hiba received first prize in sculpture at the International Biennial of Sharjah (2012); fifth prize at the UNESCO International Visual Arts Competition (2013); a bronze medal at the International Biennial of Bangladesh (2013); and second prize at the Space Foundation International Student Art Contest. Zaynab has exhibited at the Interna-

tional Art Fair in Casablanca (2010) and her work is held in the collections of HM the King Mohammed VI and French President François Hollande.

Hassaan Khan & Ibtesam Gazder Hassaan Khan (b.1976) and Ibtesam Gazder (b.1983) are multidisciplinary artists seeking to pioneer contemporary artistic prac- tice in their native Saudi Arabia and further afield in the Arab world. Combining Gazder’s artistic practice with Khan’s background in engineering, the pair realize their artworks in close collaboration. Both Khan and Gazder were born in Jed- dah and live and work in Saudi Arabia. Khan received a BA in industrial engineering from King Abdulaziz University (2004). He has exhibited with Arabian Wings and at Dama Art, Jeddah (2013). Gazder received a BA in Islamic arts, also from King Abdulaziz Univer- sity (2006). She has exhibited at Atelier Jed- dah (2013); Dama Art, Jeddah (2013); and the Jeddah Literary Cultural Club (2012).

Adriana Lara Adriana Lara’s (b. 1978) practice de-em- phasizes object making in favor of a concep- tual reimagining of artistic production and the exhibition space. Lara playfully turns her atten- tion to artistic models in order to set up prob- lems or situations for the viewer to reflect upon. Her work at the Biennale is a continuation of her series, Interesting Theories (since 2010). In this series the artist creates a visual inter- pretations theory. Each permutation, rendered in video, sculpture, text, or painting, distorts and combines the previous, creating a gener- ative system that conceptually and materially echoes the evolution of theory. In Morocco, a new manifestation of Interesting Theories will be woven into traditional Moroccan carpets. Created in collaboration with local craftsmen, these are destined to become a part of both the art and carpet markets. Lara is a Mexico City-based artist. She is co-founder of the art production office Perros

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

nementation auditive » à une ornementation visuelle produite à la main, alors que les mots prononcés deviennent comme un texte cal- ligraphié qui entretient une relation géomé- trique avec la ponctuation des percussions. Le travail se poursuit dans la prison, où l’orne- mentation n’est plus seulement basée sur des rythmes musicaux.

Erek vit et travaille à Istanbul. Il a partici- pé à la Biennale d’Istanbul (2003 et 2011), à la dOCUMENTA (13) de Kassel (2012), et il

a présenté une exposition en solo à la Kuns-

thalle Basel (2012). Erek a reçu le Prix Nam June Paik (2012). Il a enseigné au Conserva- toire national de musique turc d’ITU et a diri- gé un studio à la Faculté d’architecture d’ITU jusqu’à récemment.

Hamza Halloubi Hamza Halloubi (né en 1982) travaille à partir d’une large gamme de supports compre- nant la vidéo, la photographie et la sculpture pour explorer la grammaire et la sémantique du langage et du cinéma. Sa connaissance per- sonnelle de l’immigration est souvent un point de départ pour partager expérience et théorie à travers le geste, le mouvement et le récit. Dans son important film To Leave (2011–2012), l’artiste place le spectateur dans la position d’une personne quittant un parent. Partant d’un portrait rapproché, la caméra s’éloigne de façon continue jusqu’à révéler une rue as- sombrie de Tanger, créant une représentation poignante du processus de migration qui mêle fiction et documentaire. Halloubi est né à Tanger. Aujourd’hui, il vit et travaille à Tanger et à Bruxelles. Ses ex- positions en solo se sont tenues à BOZAR, le

Palais des Beaux-Arts de Bruxelles (2013) et au Kiosk à Ghent (2014). Il a participé à des ex- positions collectives lors du 4 ème Festival de la vidéo du Caire (2010), de la 6 ème Biennale Mo- mentum de Moss (2011), au Centre Georges Pompidou à Paris (2011) et au Kunstenfestival

à Watou (2012).

Iman Issa Iman Issa (née en 1979) réalise un travail sous forme de séries qui génèrent du sens grâce aux interactions qu’elles créent entre objets, film et texte. L’œuvre sonore qu’elle présente à la Biennale, The Revolutionary (2010), se base sur un texte écrit par l’artiste. Cet écrit a été converti en discours par un logiciel, afin de fa- miliariser l’auditeur avec la biographie fictive d’un révolutionnaire. L’objectif étant de cerner ce que le terme de révolutionnaire désigne vé- ritablement. Issa est née au Caire. Elle vit et travaille au Caire et à New York. Ses expositions in- dividuelles ou collectives ont été accueillies par l’Institut KW pour l’art contemporain de Berlin (2011), Material, Rodeo à Istan- bul (2011), le SculptureCenter de New-York (2011), le Collectif Contemporary Image au Caire (2011) et le New Museum à New- York (2012). Ses vidéos ont été montrées à la Transmediale de Berlin, à la Tate Modern de Londres, au Spacex d’Exeter, à l’Open Eye Gallery de Liverpool et au cinéma Bidoun Ar- tists, Art Dubai, à Dubaï.

Ghita, Hiba, et Zaynab Khamlichi Ghita Khamlichi (née en 1995), Hiba Khamlichi (née en 2000), et Zaynab Khamlichi (née en 1988) sont des jeunes femmes maro- caines qui pratiquent l’art depuis leur enfance. Pour la Biennale de Marrakech, Ghita met en scène une performance qui illustre ses in- fluences musicales, qui vont de Ray Charles à Miles Davis en passant par la musique soufie. Ses œuvres incarnent les liens entre le visible et l’invisible, ainsi que les relations entre diffé- rentes formes d’expression et de perception ar- tistiques. Hiba et Zaynab présentent plusieurs pièces issues de leur importante production. Les peintures méticuleuses qu’Hiba réalise sur des plafonds étonnent par leur aisance et leur maturité, prouvant la maîtrise instinctive de l’expressionnisme abstrait par l’artiste. Les portraits du Roi Mohammed VI du Maroc, réalisés par Zaynab, constituent un travail ico- nique qui s’inspire des traditions du Pop Art.

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

Negros. Solo exhibitions of her work include Kunsthalle Basel (2012) and Algus Green- spon, New York (2012–2013). The artist has been in numerous group exhibitions including Palais de Tokyo, Paris (2003) and dOCUMEN- TA (13), Kassel (2012). Lara is editor-in-chief of Pazmaker, an art quarterly published in Mexico City.

Gabriel Lester Gabriel Lester’s (b. 1972) films, performanc- es, and installations originate from a desire to tell stories and construct environments. His work proposes ways to relate to the world, how it is presented, and what mechanisms and components constitute our perception and understanding of it. By dissecting, editing, cutting up, repositioning, and forcing perspec- tive, Lester’s artworks suggest both rational consciousness, as well as associative magic thought. In Marrakech, the artist presents a theatrical display of disembodied musicians and performers in Dar Si Said, an old hand- icrafts museum. The work activates those rit- uals petrified in the museum’s many vitrines, problematizing the role of such institutions in the context of North African oral and musical traditions. Lester lives and works in Amsterdam. He was a resident artist at the Rijksakademie, Am- sterdam (1999–2000). Lester has exhibited internationally at the 29th Sao Paulo Biennial (2010); SALT, Istanbul (2011); dOCUMEN- TA (13), Kassel (2012); Performa, New York (2013); the 55 th Venice Biennale (2013); and the 11 th Sharjah Biennial (2013).

Tala Madani Tala Madani’s (b.1981) painting is char- acterized by loose, expressive brushwork rendered in a bold, distinctive palette. Rich in narrative and heavy in irony, Madani’s works depict darkly comic mise-en-scènes. While her more abstract large-scale paintings usu- ally contain a group or collective, Madani’s more descriptive and intimately scaled paint- ings and painterly video animations depict

uncomfortable scenes in which bald, mid- dle-aged men engage in absurd scenarios that fuse playfulness with violence and perversity. Madani’s paintings are powerful meditations on the tension between the stereotypical and the iconic. For the Biennale Madani, has com- pleted a new commission of animations based on a research period spent in various cities around Morocco. Madani was born in Iran and now lives and works in Los Angeles. She holds an MFA from Yale University School of Art. Recent solo exhibitions include Stedelijk Museum Bureau, Amsterdam (2011) and Moderna Museet, Malmo and Stockholm (2013). She has participated in group exhibitions at New Museum, New York (2009); MoMA PS1, New York (2010); Museum De Hallen, Amsterdam (2011); the 56 th Venice Biennale (2011); and Artpace, San Antonio (2013). Madani was awarded the Catherine Doctorow Prize for Contemporary Painting (2013) and the De Volkskrant Art Award (2012).

Saud Mahjoub Saud Mahjoub (b.1957) is a photogra- pher, whose work has developed into both an artistic and commercial practice. His expres- sionistic and abstract photographs are influ- enced by surrealism and conceptual photogra- phy. He has been instrumental in establishing contemporary photography in Saudi Arabia. Mahjoub was born in Makkah. He re- ceived a BA in landscape architecture from King Abdulaziz University. He is the former chairman of Saudi Photographers’ House, past coordinator for the International Feder- ation of Photographic Art (FIAP), and former head of the photography branch of the Culture and Arts Society in Jeddah. He is currently rep- resented by Arabian Wings.

Randa Maroufi Randa Maroufi’s (b.1987) multi-discipli- nary practice is rooted in political issues, with a primary concern in gender studies. Her work takes the form of film, video, photography, in-

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

Ensemble, ces trois femmes promettent, à l’art dans la région, un brillant avenir. Les sœurs sont nées à Rabat, où elles vivent et travaillent. Ghita et Hiba ont reçu la Médaille d’or du mérite, décernée par CNM-UNESCO (2011) et une mention spé- ciale du jury de la Biennale internationale de Sharjah (2012). Hiba a reçu le premier prix de sculpture à la Biennale Internationale de Shar- jah (2012), le cinquième prix à la Compétition Internationale d’Arts Visuels de l’UNESCO (2013), une médaille de bronze à la Biennale Internationale de Sharjah (2013) ainsi que le second prix au Concours International pour Etudiants en Art de la Space Foundation. Le travail de Zaynab a été exposé à la Foire inter- nationale de l’art de Casablanca (2010) et fait partie des collections du Roi Mohammed VI et du président français François Hollande.

Hassaan Khan & Ibtesam Gazder Hassaan Khan (né en 1976) et Ibtesam Ga- zder (née en 1983) sont des artistes pluridisci- plinaires qui cherchent à innover en matière de pratique artistique contemporaine, dans leur pays natal, l’Arabie Saoudite, et dans le reste du monde arabe. Associant le travail artistique de Gazder à la formation d’ingénieur de Khan, le duo réalise ses œuvres en étroite collabora- tion. Nés tous deux à Djedda, Khan et Gaz- der vivent et travaillent en Arabie Saoudite. Khan possède une licence en génie industriel de l’Université du Roi Abdulaziz (2004). Il a participé à des expositions aux centres d’art Arabian Wings et Dama Art à Djedda (2013). Gazder possède une licence en Arts islamiques de l’Université du Roi Abdulaziz (2006). Son travail a été montré à l’Atelier Djedda (2013), à Dama Art à Djedda (2013) et au Jeddah Li- terary Cultural Club (2012).

Adriana Lara Le travail d’Adriana Lara (née en 1978) réduit l’importance de la fabrication d’objets au profit d’une nouvelle mise en imagination conceptuelle de la production artistique et de

l’espace d’exposition. Lara s’intéresse, de fa- çon ludique, à des modèles artistiques afin de révéler des problèmes et des situations aux- quels le spectateur pourra réfléchir. Sa contri- bution à la Biennale s’inscrit dans la continuité de sa série Interesting Theories (depuis 2010). Dans cette série, l’artiste crée une théorie des interprétations visuelles. Chaque permutation, montrée au travers de la vidéo, de la sculpture, du texte ou de la peinture, travestit et réutilise celle qui l’a précédée, ce qui crée un système génératif qui fait écho, conceptuellement et matériellement, à la théorie de l’évolution. Au Maroc, une nouvelle manifestation d’Interes- ting Theories sera tissée dans des tapis maro- cains traditionnels. Réalisés en collaboration avec des artisans régionaux, ceux-ci sont des- tinés à circuler sur le marché de l’art et sur le marché des tapis. Lara vit à Mexico. Elle est cofondatrice du bureau de production artistique Perros Negros. Ses œuvres ont été exposées à la Kunsthalle de Bâle (2012) et à la galerie Algus Greenspon à New-York (2012–2013). Elle a participé à de nombreuses expositions collectives, notam- ment au Palais de Tokyo à Paris (2003) et à dOCUMENTA (13) à Kassel (2012). Lara est rédactrice en chef de Pazmaker, un magazine d’art trimestriel publié à Mexico.

Gabriel Lester Les films, performances et installations de Gabriel Lester (né en 1972) naissent du désir de raconter des histoires et de bâtir des environnements. Son travail offre des moyens d’entrer en relation avec le monde, de sai- sir comment il est présenté, et quels sont les mécanismes et éléments qui composent notre perception et notre compréhension de celui-ci. En disséquant, éditant, coupant, réorganisant et en imposant une perspective, les œuvres de Lester évoquent à la fois la conscience ration- nelle et la pensée magique. A Marrakech, l’ar- tiste présente une représentation théâtrale de musiciens et d’interprètes désincarnés à Dar Si Said, un vieux musée de l’artisanat. L’œuvre fait revivre ces rituels pétrifiés dans les nom-

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

stallation, performance, and sound. Her se- ries, Reconstitutions (2013) takes its cue from the aesthetic of the cinematic image, meditat- ing upon the fictionalization of the real. Born in Casablanca, Maroufi now lives and works between Lille and Tangier. She studied at Institut national des beaux-arts de Tétouan, École supérieure des beaux-arts d’Angers and Le Fresnoy - Studio national des arts contem- porains. She has exhibited in group shows including Salons Curnonsky, Angers (2012); Galerie de l’Angle, Paris (2013); and the Bi- ennale of Young Artists, Houilles (2014).

Agnes Meyer-Brandis Agnes Meyer-Brandis (b.1973) is an artist whose practice confronts poetics with nano- technology, fluid dynamics research, and me- teorology. Working to “prove,” test, or explore the fictive, Meyer-Brandis blends humor with sincerity as she conducts experiments later pre- sented as films, installations, and lectures. Her commission for the Marrakech Biennale, 42 - The Large METEOR T-R-A-P (Terrestrial-Rerout- ing-Array-Pad) (2014), is an instrument and sculpture installed outside the city. An array of spiral antennae, presumably extending deep below the earth’s surface, creates a magnetic hole in the earth’s atmosphere. Passing mete- ors attracted to the antennae are caught and fall down the magnetic hole. The project aims to implant a story into the memory of a city, exploring the relationship between scientific models of knowledge and the methods of sto- rytelling that inform our perceptions of reality. Meyer-Brandis lives and works in Berlin. She is the founder of Forschungsfloss FFUR / Research Raft for Subterranean Reefology. She has exhibited at FACT – Foundation for Art and Creative Technology, Liverpool (2011); California Museum of Photography, Los An- geles (2013); and Hamburger Bahnhof, Berlin

(2013–2014).

Sandra Niessen

Sandra

Niessen

(b.1954),

an-Dutch

anthropologist

and

Canadi-

independent

a

scholar and writer, and MJA Nashir (b.1973),

a Javanese artist, have been working togeth-

er since 2010. Their film Rangsa ni Tonun (2013) explores Batak weaving (North Suma- tra, Indonesia) as seen through the eyes of a nineteenth-century shaman. The text on which

the film is based, part myth, part legend, be- longed to the oral repertory of a Batak guru.

It describes each step in the production of a

Batak textile. The description closes with a reference to Si Boru Hasagian, the first Batak weaver from whom all Batak weavers are be- lieved to be descended. The theme song of the film is a forgotten, traditional Batak weaving song. The film was repatriated to North Suma- tra in September 2013. Niessen holds a PhD in anthropology from the University of Leiden, Netherlands, and has spent years conducting fieldwork in Indonesia, Mexico, and Thailand. Her areas of research include Indonesian textiles, and non-Western craft and fashion. One of her recent publica- tions includes Legacy in Cloth: Batak textiles of Indonesia (2009). She has worked as an as- sociate professor at the University van Alberta (1992-2003) and curator and a lecturer at the Museum of Anthropology, University of British Columbia, Vancouver.

Walid Raad Walid Raad’s (b. 1967) ongoing pro- ject Scratching on Things I Could Disavow focuses on the creation and expansion of art museums, galleries, schools, and cultural foun- dations in the Middle East, particularly in cities like Abu Dhabi, Doha, Beirut, and Cairo. In- trigued by the increased visibility of the mak- ers, sponsors, consumers, and interpreters of “Arab art,” and by the recent acceleration of this development in the Middle East, the artist explores his ideological, economic, political, and aesthetic dimensions through photogra- phy, sculpture, video, and installation. Raad’s works presented in the Biennale complement his continued grappling with the causes and implications of the emergence of these new infrastructures for the arts in the Arab world.

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

breuses vitrines du musée, questionnant le rôle d’institutions comme celle-ci par rapport aux traditions orales et musicales de l’Afrique du nord. Lester vit et travaille à Amsterdam. Il a été en résidence à la Rijksakademie d’Amsterdam (1999–2000). Son travail a été exposé à la 29 ème Biennale de Sao Paulo (2010), à Perfor- ma New-York (2013), à la 55 ème Biennale de Venise (2013) et la 11 ème Biennale de Sharjah

(2013).

Tala Madani La peinture de Tala Madani (née en 1981) se caractérise par un trait de pinceau fluide et expressif, s’imprégnant de couleurs fortes et originales. Fortement narratives et riches en ironie, les œuvres de Madani donnent à voir des mises en scène à l’humour noir. Si ses grandes toiles les plus abstraites contiennent en général un groupe ou un collectif, Madani produit aussi des toiles à échelle plus intime, plus réalistes, ainsi que des animations vidéo picturales qui montrent des scènes pénibles dans lesquelles des hommes chauves d’âge moyen participent à des scénarios absurdes mêlant, de façon ludique, la violence et la per- versité. Les peintures de Madani constituent

de puissantes méditations sur la tension qui existe entre les stéréotypes et les icônes. A l’in- vitation de la Biennale, Madani a réalisé des animations après une période de recherche passée dans diverses villes du Maroc. Madani est née en Iran. Aujourd’hui, elle vit et travaille à Los Angeles. Elle a obtenu un Master en arts de l’École d’art de l’Universi- té de Yale. Ses dernières expositions en solo se sont tenues au Stedelijk Museum Bureau à Amsterdam (2011) et au Moderna Museet à Malmö et Stockholm (2013). Elle a participé

à des expositions collectives au New Museum

à New-York (2009), au MoMA PS1 de New-

York (2010), au Musée De Hallen à Ams- terdam (2011), à la 56 ème Biennale de Venise (2011) et à l’Artpace de San Antonio (2013). Madani a reçu le Prix Catherine Doctorow pour la peinture contemporaine (2013) et le

Prix De Volkskrant pour l’art (2012).

Saud Mahjoub Saud Mahjoub (né en 1957) est un pho- tographe dont le travail a évolué tant vers une pratique artistique que commerciale. Ses photographies expressionnistes et abstraites sont influencées par le surréalisme et la pho- tographie conceptuelle. Il a joué un rôle déter- minant dans l’émergence de la photographie contemporaine en Arabie Saoudite. Mahjoub est né à la Mecque. Il est diplômé de l’Université du Roi Abdulaziz, avec une li- cence en architecture du paysage. Il est l’ancien directeur de la Maison des photographes saou- diens, l’ancien coordinateur de la Fédération internationale de la photographie d’art (FIAP) et l’ancien chef du département de photogra- phie de la Société pour la culture et les arts à Djeddah. Son travail est actuellement promu par Arabian Wings.

Randa Maroufi Le travail pluridisciplinaire de Randa Ma- roufi (née en 1987) est alimenté par des préoc- cupations politiques, et s’intéresse en priorité aux études de genre. Ses œuvres se présentent sous la forme de films, de vidéos, de photogra- phies, d’installations, de performances et de sons. Sa série Reconstitutions (2013) s’inspire de l’esthétique de l’image cinématographique, initiant une méditation sur la transformation du réel par la fiction. Née à Casablanca, Maroufi vit et travaille aujourd’hui à Lille et à Tanger. Elle a étudié à l’Institut national des beaux-arts de Tétouan, à l’Ecole supérieure des beaux-arts d’Angers et au Fresnoy – Studio national des arts contem- porains. Elle a participé à des expositions col- lectives, notamment aux Salons Curnonsky à Angers (2012), à la Galerie de l’Angle à Paris (2013) et à la Biennale des jeunes artistes de Houilles (2014).

Agnes Meyer-Brandis Agnès Meyer-Brandis (née en 1973) est une artiste dont le travail met en face à face la

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

Raad was born in Lebanon and now lives and works in Beirut and New York. He holds a PhD in Visual and Cultural Studies from the University of Rochester and is associate profes- sor of art at The Cooper Union in New York. In 2010 he was awarded the Hasselblad Award. He has exhibited internationally, including at Whitechapel Gallery, London (2010) and dOCUMENTA (11) and (13), Kassel (2002 &

2012).

Younes Rahmoun Younes Rahmoun (b.1975) is a multidisci- plinary artist whose works evoke his personal universe, one connected to Sufi philosophy and practice. Bringing local craft to bear on new technology, his works seek a vocabulary to translate the transcendental into the tangi- ble. A universality of address is thus a cen- tral aim. Often repetition, incantation, and references to meditation are strategies used to create a spiritual and visceral response in the viewer. Rahmoun was born in Tétouan, where he lives and works. He trained at the Institut national des beaux-arts, Tétouan (1998) and the Lycée Technique Moulay Youssef, Tangier (1994). He has exhibited in solo and group shows internationally, including L’appartement 22, Rabat (2011); Palais de Tokyo, Paris (2012); Musée d’Art Contemporain, Marseille (2013); La Cunsthale, Mulhouse (2013); and MACBA, Barcelona (2014).

Lili Reynaud-Dewar with Dorine Aguerre, Chloé Delarue, Camille Dumont, Lou Masduraud, Lea Meier, Nastasia Meyrat, and Laura Vaissade Lili Reynaud-Dewar (b. 1975) combines performance, video, and sculpture to produce projects that involve her friends and family, students, and her own body. Confronting her biography and practice with the legacy of emblematic figures, such as dancer Josephine Baker, musician Sun Ra, and writers Jean Genet and Guillaume Dustan, Reynaud-De- war disrupts the expectations related to her

background and her role as a contemporary artist. For the Biennale, she presents Teaching as an Adolescent (2014), a collaborative per- formance in which she will remain in a hotel room for the opening week of the exhibition. There she will lead students in a seminar dis- cussing literature, writing, and experimental pedagogy. These sessions will be streamed live to venues around the Biennale. The group Teaching as an adolescent has previously ex- hibited at Forde, Geneva (2012) and Consor- tium, Dijon (2013). Reynaud-Dewar teaches at Haute école d’art et de design de Genève and is the co-founder of Petunia. She has participated in group exhibitions at the Berlin Biennial (2008); Centre Pompidou, Paris (2009); Witte de With, Rotterdam (2011 & 2010), and Stu- dio Museum Harlem (2013). Her solo exhi- bitions and projects include Kunsthalle Basel (2010); Karma International, Zurich (2012); Frieze Projects, London (2013); and Belve- dere, Vienna (2013).

Pamela Rosenkranz Pamela Rosenkranz (b. 1979) investigates the systems by which people give meaning to the natural world, reflecting on our need to anthropomorphize and construct metaphors to navigate our environment. She uses an under- standing of “non-identity” as a methodology to eschew identity politics, which to her have become suspect through marketing strategies and consumption. Rosenkranz’s site-specific in- stallation for the Biennale, Clean Eyes (2014), continues her research into the corporatization of water thorough a reading of the history of the color blue. The color of the sky by pro- cess of light refracted from the oceans, blue is the pigment that our eye can perceive more shades of than any other. Rosenkranz lives and works in Amsterdam and New York. She has shown internationally in solo shows at Centre d’Art Contemporain, Geneva (2010); Swiss Institute, New York (2011); and Kunsthalle Basel (2012); as well as in group shows at the 5 th Berlin Biennial

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

poésie avec les nanotechnologies, la recherche en mécanique des fluides et la météorologie. Cherchant à “prouver”, tester et explorer le fictif, Meyer-Brandis marie l’humour à la sin- cérité au fil des expériences qu’elle conduit, et qui seront ensuite présentées sous la forme de films, d’installations et de conférences. Pour la Biennale de Marrakech, elle a réalisé 42 - The Large METEOR T-R-A-P (Terrestrial-Rerou- ting-Array-Pad) (2014), à la fois instrument et sculpture, qui est installé à l’extérieur de la ville. Un ensemble d’antennes en spirale, qui se prolonge vraisemblablement sous la surface de la terre et crée un trou magnétique dans l’atmosphère terrestre. Les météores passant à proximité sont attirés par les antennes et tombent dans le trou magnétique. Le projet vise à inscrire une histoire dans la mémoire d’une ville, en explorant la relation existante entre les modèles de connaissance scientifique et les méthodes de narration qui orientent nos perceptions de la réalité. Meyer-Brandis vit et travaille à Berlin. Elle est la fondatrice de Forschungsfloss FFUR / Radeau de recherche en récifologie souter- raine. Ses œuvres ont été exposées à la FACT – Foundation for Art and Creative Technolog de Liverpool (2011), au California Museum of Photography à Los Angeles (2013), et au Hamburger Bahnhof à Berlin (2013–2014).

Sandra Niessen Sandra Niessen (née en 1954) est une anthropologue, écrivaine et chercheuse indé- pendante d’origine hollando-canadienne. Elle travaille avec MJA Nashir (né en 1973), un ar- tiste javanais, depuis 2010. Leur film Rangsa ni Tonun (2013) s’intéresse à l’art du tissage batak (Sumatra du nord, Indonésie) à travers le regard d’un chaman du XIX e siècle. A la fois mythologique et légendaire, le texte dont s’inspire le film appartient au répertoire oral d’un gourou batak. La description se termine en faisant référence à Si Boru Hasagian, le premier tisseur batak dont l’histoire veut que soient issus tous les tisseurs batak. La chan- son principale du film est une chanson oubliée,

que chantent traditionnellement les tisseurs. Le film a été ramené dans le Nord de Sumatra en septembre 2013. Niessen est docteur en anthropologie, di- plômée de l’Université de Leiden, aux Pays- Bas. Elle a passé des années à travailler sur le terrain en Indonésie, au Mexique et en Thaï- lande. Son domaine de recherche comprend les textiles indonésiens ainsi que la mode et l’artisanat non-occidentaux. Récemment, elle a publié Legacy in Cloth: Batak textiles of In- donesia (2009). Elle a été professeur adjointe à l’Université de van Alberta (1992-2003), com- missaire et conférencière au Musée d’anthro- pologie de l’Université de British Columbia à Vancouver.

Walid Raad L’actuel projet de Walid Raad (né en 1967), intitulé Scratching on Things I Could Disa- vow, examine la création et la multiplication des musées, galeries et écoles d’art ainsi que des fondations culturelles au Moyen-Orient, en particulier dans des villes comme Abou Dhabi, Doha, Beyrouth et Le Caire. Intrigué par la vi- sibilité croissante des fabricants, des sponsors, des consommateurs et des interprètes de “l’art arabe” ainsi que par les récentes accélérations de ce développement au Moyen-Orient, l’ar- tiste explore leurs dimensions idéologique, économique, politique et esthétique au tra- vers de photographies, sculptures, vidéos et installations. Le travail de Raad présenté à la Biennale vient compléter ses incessantes tenta- tives pour saisir les causes et conséquences de l’émergence de ces nouvelles structures dédiées aux arts dans le monde arabe. Raad est né au Liban. Il vit et travaille au- jourd’hui à Beyrouth et New-York. Il a obtenu une thèse d’Études visuelles et culturelles de l’Université de Rochester et est professeur ad- joint d’art au Cooper Union de New-York. En 2010, il a reçu le Prix Hasselblad. Ses œuvres ont été exposées [au niveau international, y compris] à la Galerie Whitechapel à Londres (2010) et à la dOCUMENTA (11) et (13) à Kassel (2002 & 2012).

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

(2008); Manifesta 7, Rovetero (2008); and Tate Britain, London (2010).

Khaled Sabsabi Khaled Sabsabi’s (b. 1965) site-specific, multimedia installations present intensively me- diated experiences that explore processes of “routine” and their ability to distill time. His work creates spaces that engage the certain- ties of the physical and the individual with the uncertainties of emotion. His new commission 70,000 Veils (2014) examines the complex- ity of religion and spirituality in the digital era. Based on Sufi understandings of light, and the Prophet Mohammed’s (PBUH) teach- ing that there are 70,000 veils of light and

darkness separating the individual from the di- vine, this video meditates on the role of light as metaphorical and physical presence, hinting

at that which lies beyond the imagination.

Sabsabi was a recipient of the Australia Council for the Arts Fellowship and the prestig- ious 60th annual Blake Prize. He has had solo exhibitions at Casula Powerhouse Arts Centre, Sydney (2005); Campbelltown Arts Centre, Sydney (2007); Artspace Sydney (2012); and has participated in group exhibitions includ- ing the 11 th Sharjah Biennale (2013); the 9 th Shanghai Biennale (2012); and the 18 th Bien- nale of Sydney (2012).

Saout Radio Saout Radio is a web-radio platform that

explores radiophonic and sound art practic- es with a focus on the Maghreb, Africa, and the Middle East. The project was founded by artists Younes Baba-Ali (b.1986) and Anna Raimondo (b.1981) with the aim of creating

a south-south dialogue. Here. Now. Where?

(2014) is a sonic urban ambulation installed in

taxis around Marrakech during the first week of the Biennale. The content for the project has been generated through a combination of open call and commissioned pieces, building

a collection of soundscapes from different sen-

sibilities, languages, and formats. These sonic

works refer to physical places but also create

new, fictional landscapes. The project invites the audience to rediscover their environment through the experience of listening. Raimondo has participated in international exhibitions and festivals, including Transmedi- ale, Berlin (2013). She creates radiophonic works for broadcast; her curatorial projects, which focus on sound and radio art, have been presented in different venues, including the Victoria and Albert Museum, London. Baba-Ali lives and works in Brussels and Casablanca. He graduated from Ecole supérieure d’art d’Aix-en-Provence (2011). He was recently awarded the Léopold Sédar Senghor prize at the 10 th Dak’Art - Biennial of Contemporary African Art (2012).

JG Thirlwell JG Thirlwell is an Australian composer, producer, and performer based in Brooklyn. His catalogue is extensive, and he has worked under many pseudonyms including Foetus, Steroid Maximus, Manorexia, Baby Zizanie, and Wiseblood. He has also collaborated with Kronos Quartet, LEMUR, and Bang On

a Can. Thirlwell performs with a chamber en-

semble version of his Manorexia project. He scores the television show The Venture Brothers on Adult Swim/Cartoon Network.

Eric van Hove Eric van Hove (b.1975) is a nomadic artist whose work is committed to creating links be- tween local and global issues. In Marrakech,

he presents V12 Laraki (2013), the conclusion of nine months of work. V12 Laraki is a repli- ca of the Mercedes-Benz V12 engine used by Abdeslam Laraki in the Laraki Fulgara, Moroc- co’s first high-performance luxury car. Laraki had hoped to manufacture the car entirely in Morocco but was forced to import its engine from Germany. V12 Laraki brings the dream of a Moroccan-made engine full circle. Each

of its 465 components were handcrafted in 53

traditional materials, including ceramic, bone, tin, goatskin, and terracotta, by 57 Moroccan artisans. Both the V12 Mercedes-Benz and the

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

Younes Rahmoun Younes Rahmoun (né en 1975) est un ar- tiste pluridisciplinaire dont le travail évoque un univers personnel qui entretient des liens avec la philosophie et la pratique soufies. En amenant l’artisanat local à s’appuyer sur de nouvelles technologies, son travail cherche un vocabulaire qui traduise le transcendantal en formes tangibles. Atteindre l’universel en est donc l’un des objectifs principaux. Souvent la répétition, l’incantation et les références à la méditation sont des stratégies employées pour créer, chez le spectateur, une réaction spiri- tuelle et viscérale. Rahmoun est né à Tétouan, où il vit et travaille. Il a été formé à l’Institut national des beaux-arts de Tétouan (1998) et au Lycée technique Moulay Youssef à Tanger (1994). Il a participé à des expositions individuelles et de groupe au niveau international, notam- ment à L’appartement 22 à Rabat (2011), au Palais de Tokyo à Paris (2012), au Musée d’Art Contemporain de Marseille (2013), à La Cunsthale de Mulhouse (2013) et au MACBA, Barcelone (2014).

Lili Reynaud-Dewar avec Dorine Aguerre, Chloé Delarue, Camille Dumont, Lou Masduraud, Lea Meier, Nastasia Meyrat, Laura Vaissade Lili Reynaud-Dewar (née en 1975) allie la performance, la vidéo et la sculpture pour réaliser des projets qui impliquent ses amis et sa famille, ses étudiants ainsi que son propre corps. Confrontant l’histoire de sa vie et de son art à l’héritage de personnalités embléma- tiques comme la danseuse Joséphine Baker, le musicien Sun Ra et les écrivains Jean Genet et Guillaume Dustan, Reynaud-Dewar bouscule les attentes attachées à sa formation et à son rôle en tant qu’artiste contemporaine. Pour la Biennale, elle présente Enseigner comme une adolescente (2014), une performance collec- tive dans laquelle elle restera dans une chambre d’hôtel pendant toute la semaine d’ouverture de l’exposition. Là, elle mènera un débat avec

des étudiants sur la littérature, l’écriture et la pédagogie expérimentale. Ces sessions seront retransmises en direct dans différents lieux de la Biennale. Le groupe Enseigner comme une adolescente a précédemment exposé à l’espace Forde à Genève (2012) et au Consortium de Dijon (2013). Reynaud-Dewar enseigne à la Haute école d’art et de design de Genève et est la co-fonda- trice de Petunia. Elle a participé à des exposi- tions de groupe à la Biennale de Berlin (2008), au Centre Georges Pompidou à Paris (2009), à Witte de With à Rotterdam (2011 & 2010) et au Studio Museum Harlem (2013). Ses exposi- tions et ses projets individuels ont été montrés au Kunsthalle de Bâle (2010), à la Karma In- ternational de Zurich (2012), à Frieze Projects

à Londres (2013) et au Belvedere de Vienne

(2013).

Pamela Rosenkranz Pamela Rosenkranz (née en 1979) étu- die les systèmes qui permettent aux gens de donner un sens à la nature, en élaborant une réflexion sur notre besoin d’anthropomor- phisme et notre tendance à avoir recours à des métaphores pour explorer notre environne- ment. Elle se sert de sa compréhension de la

« non-identité » comme d’une méthodologie afin d’éviter les politiques identitaires que les stratégies marketing et la consommation ont rendues suspectes. L’installation in situ que Rosenkranz a réalisée pour la Biennale, Clean Eyes (2014), prolonge ses recherches sur la privatisation de l’eau à travers une lecture de l’histoire de la couleur bleue, qui est aussi la couleur du ciel en raison du processus de ré- flexion de la lumière sur la surface des océans. De tous les pigments, le bleu est celui dont l’œil humain perçoit le plus de nuances. Rosenkranz vit et travaille à Amsterdam et New-York. Ses œuvres ont été montrées inter- nationalement, lors d’expositions en solo au Centre d’art contemporain de Genève (2010),

à l’Institut suisse de New-York (2011) et au

Kunsthalle de Bâle (2012), ainsi que d’expo- sitions collectives à la 5 ème Biennale de Berlin

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

V12 Laraki are equal if nontransferable prod- ucts of human excellence—the former of a hun- dred years of Western engineering, the latter of a thousand years of Moroccan heritage. Van Hove was born in Algeria but grew up in Cameroon and lives regularly in Japan. Solo exhibitions include Institut supérieur du langage plastique, Brussels (2010); CCC, Tours (2013); and STUK Kunstencentrum, Leu- ven (2014). Group exhibitions include Van Abbemuseum, Eindhoven (2007); National Museum of Algiers (2009); BOZAR Muse- um, Brussels (2010); La Maison Rouge, Paris (2013); and MUDAM, Luxembourg (2015).

Anne Verhoijsen In videos, performances, and interactive installations, Anne Verhoijsen (b. 1951) in- terweaves fragmentary impressions into nar- ratives that explore the formation of identity and power of the imagination. The result of long-term investigations, her films piece togeth- er interviews with individuals from all walks of life, her gentle but insistent line of questioning revealing intimate human stories and exposing broader issues. In Visions of Paradise (2008) the artist presents a series of short interviews around Adam and Eve’s expulsion from Para- dise. Speaking with Christians, Muslims, and atheists, the film features Verhoijsen’s relatives in the Netherlands, then moves outward to in- dividuals in Lebanon, Bosnia, and eventually Morocco. Through seemingly innocent ques- tions her subjects discuss the core aspects of the creation story: disobedience and freedom of choice. The return of the work to Morocco allows those who took part to reconnect with the project and the visions they generously shared. Verhoijsen works and lives in the Nether- lands. She was educated in social pedagogy and pursued a career in social work before studying art at the Sandberg Institute in Am- sterdam (2000–2002). Verhoijsen has exhib- ited internationally at Textile Museum, Tilburg (2002); Women’s Art Festival, Syria (2004); World Expo, Shanghai (2010); and Keramik-

museum, Westerwald (2013).

Asim Waqif References to ecology and anthropology weave through the work of Asim Waqif (b. 1978). These concerns are born of extensive research on vernacular systems of ecological management, especially with respect to water, waste, and architecture. Waqif’s artworks em- ploy manual processes that are deliberately painstaking and laborious, while the products are often temporary and sometimes even de- signed to decay. His recent large-scale inter- active installations combine traditional and new media technologies. For the Biennale, Waqif stages an architectural intervention at the Palais Badii. This work follows from his cur- rent projects that attempt a crossover between architecture, art, and design, with a strong contextual reference to contemporary urban design and the politics of occupying, interven- ing in, and using public spaces. Waqif was born in Hyderabad, and he studied architecture at the School of Planning and Architecture in Delhi, where he now lives and works. He has exhibited in solo shows in- ternationally, most recently at Palais de Tokyo, Paris (2012) and in group shows at Project 88, Mumbai (2010); Lalit Kala Academi, Delhi (2010 & 2011); Nature Morte, Berlin (2011); and Rosenfeld Gallery, Tel Aviv (2012).

Patrick Wokmeni Patrick Wokmeni’s (b.1985) photographs are linked directly to his homeland of post-co- lonial Cameroon, and the migratory routes and dead ends faced by his friends and fellow Cameroonians. Wokmeni grew up in New Bell, a busy neighborhood in Douala, where he roams the streets at night photographing alternative cultures in post-independent Came- roon. He is a flâneur, and Beautiful New Bell (2006) bears witness to beauty and sadness in the city’s debauchery, decay, and social cri- sis. His snapshot photography is democratic in its treatment of its subjects, leveling each to the status of human. Wokmeni’s most recent

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

(2008), au Manifesta 7 de Rovetero (2008) et à la Tate Britain de Londres (2010).

Khaled Sabsabi Khala Sabsabi (né en 1965) créé des ins- tallations multimédias ad hoc extrêmement médiatisées qui explorent la notion de routine, et la capacité de celle-ci à diluer le temps. Son travail ouvre des espaces où se mêlent les cer- titudes physiques et les doutes émotionnels de chaque individu. Sa nouvelle œuvre 70,000 Veils (2014) se penche sur la complexité de la religion et de la spiritualité dans l’ère digi- tale. Cette vidéo réfléchit au rôle de la lumière comme une présence physique et métapho- rique qui ouvre la possibilité d’un au-delà de l’imagination. Elle s’inspire de la conception soufie de la lumière et des enseignements du prophète Mahomet (pbAsl) quant à l’existence de 70 000 voiles de lumière et d’obscurité sé- parant l’individu du divin. Sabsabi a reçu une bourse d’études de l’Australia Council for the Arts. Il a gagné la 60 ème édition du prestigieux Prix Blake. Il a exposé en solo au Centre d’Art Casula Powe- rhouse de Sydney (2007) ; Artspace Sydney (2012) ; au Centre d’Art Campbelltown de Sydney (2007) ; Artspace Sydney (2012). Il a également participé à des expositions collec- tives telles que la 11 ème Biennale de Sharjah (2013) ; la 9 ème Biennale de Shanghai (2012) ; et la 18 ème Biennale de Sydney (2012).

Saout Radio Saout Radio est une radio en ligne qui s’intéresse aux pratiques artistiques radiopho- niques et sonores, plus particulièrement au Maghreb, en Afrique et au Moyen-Orient. Le projet a été fondé par les artistes Younes Baba- Ali (né en 1986) et Anna Raimondo (née en 1981) avec pour ambition d’initier un dialogue sud-sud. Here. Now. Where? (2014) est une déambulation urbaine sonore qui sera diffusée dans les taxis de tout Marrakech au cours de la première semaine de la Biennale. Le contenu du projet a été élaboré à partir d’une combinai- son d’appels à contribution et de commandes,

jusqu’à ce que soit rassemblée une collection de paysages sonores en diférents formats, lan- gues et sensibilités. Ces pièces sonores font ré- férence à des lieux existants mais créent aussi de nouveaux paysages imaginaires. Le projet invite le public à redécouvrir son environne- ment au travers d’une expérience d’écoute. Raimondo a participé à des expositions et des festivals internationaux, comme Trans- mediale à Berlin (2013). Elle réalise des pièces radiophoniques pour diffusion. En tant que commissaire d’exposition, elle a mis en place plusieurs projets autour de l’art de la radio et du son, dans différents lieux comme le Musée Victoria et Albert à Londres. Baba-Ali vit et travaille à Bruxelles et Ca- sablanca. Il est diplômé de l’École supérieure d’art d’Aix-en-Provence (2011). Il a récem- ment reçu le Prix Léopold Sédar Senghor lors de la 10 ème Biennale d’art africain contempo- rain Dak’Art (2012).

JG Thirlwell JG Thirlwell est un compositeur, produc- teur et performeur australien vivant à Brook- lyn à New-York. Son vaste catalogue l’a vu travailler sous de nombreux pseudonymes tels que Fœtus, Steroid Maximus, Manorexia, Baby Zizanie et Wiseblood. Il a également col- laboré avec Quartet Kronos, LEMUR et Bang On A Can. Thirlwell présentera une version de son projet Manorexia dans une version de musique de chambre. Il mettra en partition l’émission Venture Brothers de la chaîne Adult Swim/Cartoon Network.

Eric van Hove Eric van Hove (né en 1975) est un artiste nomade qui s’engage, à travers son travail, à créer des liens entre des problèmes régionaux et mondiaux. A Marrakech, il présente V12 Laraki (2013), résultat de neuf mois de travail. V12 Laraki est une réplique du moteur V12 de Mercedez-Benz utilisé par Abdeslam Laraki dans la Laraki Fulgara, la première voiture de sport de luxe du Maroc. Laraki avait espéré fabriquer la voiture entièrement au Maroc,

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

works, Rabat Series (2014), were made in Ra- bat and feature the artists’ friends stranded in the city, waiting to attempt to make passage to Europe. Wokmeni was a resident at MTN Founda- tion, Douala. He has exhibited international- ly at BOZAR, Palais de Beaux-Arts, Brussels (2010); Savvy Contemporary, Berlin (2010); Dak’Art - Biennale de l’Art Africain Contempo- rain (2010); and Studio 41, Glasgow (2012).

Katarina Zdjelar Voice, identity, and community are central lines of inquiry in the work of Katarina Zd- jelar (b. 1979), whose practice encompasses sound pieces, publications, and platforms for exchange. Her new film commissioned for the Biennale, Into the interior (The last day of the permanent exhibition) (2014), centers around the collection and display of the last remaining colonial museum, The Royal Museum for Cen- tral Africa in Belgium. Focusing on dioramas and animal trophies, travelogues and archi- val material, the work addresses the building of Empire through hunting and animal life.

On December 1, 2013, the museum closed its doors for renovation. Zdjelar’s film registers

a final moment before the museum’s now ossi-

fied historical and cultural narrative draws to

a close, thus marking the end of an era. Zdjelar was born in Belgrade and now

lives and works in Rotterdam. She completed

a residency at the Rijksakademie, Amsterdam

(2010–2011). Zdjelar has exhibited interna- tionally at the 53 rd Venice Biennial (2009); Circus Gallery, Berlin (2012); Artium Muse- um, Vitoria-Gasteiz (2013); and the 42 nd Inter- national Film Festival, Rotterdam (2013).

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

mais il fut contraint d’importer son moteur d’Allemagne. V12 Laraki permet de boucler

la boucle, d’exaucer le rêve d’un moteur en-

tièrement fabriqué au Maroc. Chacun de ses 465 composants a été réalisé à la main dans

l’un des 53 matériaux traditionnels comme la céramique, l’os, le fer, la peau de chèvre et la terra cotta par 57 artisans marocains. Le V12 Mercedez-Benz comme le V12 Laraki sont égaux en ce sens où ils sont tous deux des produits nominatifs de l’excellence humaine –

le premier de centaines d’années d’ingéniérie

occidentale, le second d’un héritage marocain vieux d’un millénaire. Van Hove est né en Algérie mais a gran-

di au Cameroun et habite régulièrement au

Japon. Ses expositions en solo se sont dérou- lées à l’Institut supérieur du langage plastique, Bruxelles (2010), au CCC de Tours (2013) et

au STUK Kunstencentrum à Louvain (2014).

Il a participé à des expositions de groupe au

Van Abbemuseum d’Eindhoven (2007), au Musée national d’Alger (2009), au BOZAR à Bruxelles (2010), à la Maison Rouge à Paris (2013) et au MUDAM du Luxembourg (2015)

Anne Verhoijsen Dans ses vidéos, performances et instal- lations interactives, Anne Verhoijsen (née en 1951) assemble des impressions fragmentaires

en des histoires qui explorent la formation de

l’identité et le pouvoir de l’imagination. Ré- sultant d’enquêtes de longue haleine, ses films regroupent des interviews de gens de toutes origines qu’elle interroge avec autant de déli- catesse que d’insistance, afin de révéler leurs histoires personnelles et mettre à jour des problèmes plus universels. Dans Visions of

Paradise (2008), l’artiste présente une série de courtes interviews autour du thème de l’ex- pulsion d’Adam et Ève du paradis. Composé d’entretiens avec des chrétiens, des musulmans

et des athées, le film montre une partie de la

famille de Verhoijsen aux Pays-Bas, puis s’in- téresse à des personnes vivant au Liban, en

Bosnie et finalement, au Maroc. Répondant à des questions innocentes en apparence, les

intervenants en viennent à aborder des aspects essentiels de l’histoire de la création : la déso- béissance et la liberté de choix. Le retour de l’œuvre au Maroc permet à ceux qui y ont par- ticipé de renouer avec le projet et les opinions qu’ils y ont généreusement partagées. Verhoijsen vit et travaille aux Pays-Bas. Elle a reçu une formation en pédagogie et mené une carrière dans le domaine social, avant d’étudier l’art à l’Institut Sandberg d’Amsterdam (2000-2002). Ses œuvres ont été exposées au Musée du textile de Tilbourg (2002), au Festival d’art des femmes en Syrie (2004), à la World Expo de Shanghai (2010) et au Keramikmuseum de Westerwald (2013).

Asim Waqif Des références à l’écologie et à l’anthro- pologie résonnent à travers le travail d’Asim Waqif (né en 1978). Ces préoccupations sont nées de recherches poussées sur les systèmes vernaculaires de gestion de l’environnement, en particulier de l’eau, des déchets et de l’ha- bitat. Pour réaliser ses œuvres, Waqif emploie des processus manuels qui sont volontaire- ment exigeants et laborieux, alors que ses pro- ductions sont souvent éphémères, et parfois même conçues pour se dégrader. Ses dernières installations interactives de grande ampleur al- lient des technologies traditionnelles aux nou- velles technologies de la communication. Pour la Biennale, Waqif a mis en scène une inter- vention architecturale au Palais El Badi. Cette œuvre s’inscrit dans la lignée de ses projets actuels, qui s’efforcent de croiser architecture, art et design, en se référant contextuellement au design urbain contemporain et aux straté- gies d’occupation, d’intervention et d’utilisa- tion des espaces publics. Waqif est né à Hyderabad et a étudié l’architecture à la School of Planning and Architecture de Delhi, où il vit et travaille ac- tuellement. Ses œuvres ont été exposées inter- nationalement, en particulier récemment au Palais de Tokyo à Paris (2012). Il a participé à des expositions collectives au Project 88 de Mumbai (2010), à la Lalit Kala Academi à

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

Delhi (2010 et 2011), à Nature Morte à Ber- lin (2011) et à la Galerie Rosenfeld à Tel Aviv

(2012).

Patrick Wokmeni Les photographies de Patrick Wokmeni (né en 1985) font directement écho à son pays natal, le Cameroun post-colonial, notamment aux parcours migratoires et aux impasses auxquelles ont dû faire face ses amis et conci- toyens camerounais. Wokmeni a grandi à New Bell, un quartier animé de Douala, où il se ba- lade dans les rues, la nuit, pour photographier les manifestations de cultures alternatives au Cameroun de l’après-indépendance. Wokmeni est un flâneur, et Beautiful New Bell (2006) est le témoin de la beauté et de la tristesse éma- nant de la débauche, de la décadence et de la crise sociale qui frappent la ville. Les sujets de ses photographies instantanées sont traités d’une manière démocratiques élevant chacun d entre eux à un statut d’être humain. Le dernier projet de Wokmeni, Rabat Series (2014), a été réalisé à Rabat et montre les amis de l’artiste bloqués dans la ville, en attendant de tenter la traversée vers l’Europe. Wokmeni a été en résidence à la MTN Foundation de Douala. Ses travaux ont été exposés internationalement à BOZAR, le Pa- lais des beaux-arts à Bruxelles (2010), à Sa- vvy Contemporary à Berlin (2010), à Dak’Art, la Biennale de l’Art Africain Contemporain (2010) et au Studio 41 de Glasgow (2012).

Katarina Zdjelar La voix, l’identité et la notion de com- munauté sont des pistes d’enquête centrales à l’œuvre de Katarina Zdjelar (née en 1979), dont le travail comprend des pièces sonores, des publications et des plate-formes d’échange. Le nouveau film qu’elle a réalisé pour la Bien- nale, Into the interior (The last day of the permanent exhibition) (2014), a pour sujet la collection et les expositions du tout dernier musée colonial, le Musée royal de l’Afrique centrale en Belgique. A partir de dioramas et de trophées de chasse, de journaux de voyage et d’archives, l’œuvre s’intéresse à la construc- tion d’un Empire à travers la chasse et la vie animale. Le 1 er décembre 2013, le musée a fer- mé ses portes en raison de travaux de rénova- tion. Le film de Zdjelar montre un ultime mo- ment avant que ne prenne fin le récit historique et culturel que présentait le musée, aujourd’hui ossifié, ce qui marque ainsi la fin d’une époque. Zdjelar est née à Belgrade, et vit et tra- vaille à Rotterdam. Elle a été en résidence à la Rijksakademie d’Amsterdam (2010–2011). Son travail a été exposé au niveau internatio- nal, notamment à la 53 ème Biennale de Venise (2009), à la Circus Gallery de Berlin (2012), au Musée Artium à Vitoria-Gasteiz (2013) et au 42 ème Festival international du film de Rot- terdam (2013).

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

freq_out

(since 2003)

Sound installation

Carl Michael von Hausswolff and Jacob Kirkegaard, with Maia Urstad, Christine Ödlund, Brandon LaBelle, Mike Harding, Petteri Nisunen & Tommi Grönlund, Franz Pomassl, Anna Ceeh, BJ Nilsen, The Sons of God (Kent Tankred & Leif Elggren), KamarStudios, and leif e.boman

freq_out 10 is a sound installation comprised of twelve individual sound works, each utiliz- ing a specific frequency range, made on site, and amplified to act as a single, generative sound space. The project is travelling to Mar- rakech for special inclusion at the Biennale and is being installed at the Theatre Royal. The venue will be enriched by twelve differ- ent sounds using a 24-channel surround-sound system, engulfing the audience in a series of musical arrangements.

freq_out was formed in 2003 as a curatorial project by Carl Michael von Hausswolff. The Marrakech Biennale will comprise the tenth of a total of twelve installations.

Carl Michael von Hausswolff (b. 1956) uses recording devices, microphones, and oscilla- tors when working with audio, and still and video cameras when working with visuals. His interests span conceptual post-abstractionism and social criticism. Von Hausswolff is current- ly studying the Majorcan mystic Ramon Llull and the scuttled battleship Admiral Graf Spee. He collaborates with Leslie Winer and Thomas Nordanstad.

The works of Danish artist Jacob Kirkegaard focus on scientific and aesthetic aspects of sonic perception. He explores acoustic spaces and phenomena not immediately perceptible

to the human ear.

Sound and visual artist and composer leif e. boman uses the synergy of science and mag- ic in his images and sound works. He is the pioneer of using emission spectroscopy as a compositional tool.

Anna Ceeh was born in 1974 in St. Peters- burg. She is a photographer, video artist, con- cert organizer, and record label manager for Laton. She currently lives and works in Vienna.

Tommi Grönlund (b.1967) and Petteri Nisunen (b.1962) have been collaborating since 1993. Their large-scale spatial interventions and public and gallery installations involve a variety of materials and technologies, from the use of objects to light and sound. Grönlund and Nisunen deal with space, be it physical, ethereal, or sonic. Their works tend to change or reshape space and stimulate sensory per- ception through direct intervention, often with complex technical installations. Grönlund also runs the music label Sähkö Recordings.

Mike Harding (b. 1957) is a curator, produc- er, lecturer, and music publisher. He has been running the UK-based audio-visual publishing house Touch with Jon Wozencroft since 1982. Harding started the label Ash International with Robin Rimbaud and OR with Russell Has- well. In 2004, he founded the project Spire, which links and develops organ and electronic music artists.

KamarStudios is a research and creation laboratory of contemporary music located in the Medina of Marrakech. It was co-found- ed in 1999 by Khalid Içame and Philippe

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

freq_out

(depuis 2003)

Installation sonore

Carl Michael von Hausswolff et Jacob Kirkegaard, avec Maia Urstad, Christine Ödlund, Brandon LaBelle, Mike Harding, Petteri Nisunen & Tommi Grönlund, Franz Pomassl, Anna Ceeh, BJ Nilsen, The Sons of God (Kent Tankred & Leif Elggren), KamarStudios, et leif e.boman

freq_out 10 est une installation audio com- posée de douze œuvres sonores individuelles. Chacune diffuse une bande de fréquence conçue ad hoc qui, une fois amplifiée, donne l’impression de ne générer qu’un seul es- pace-temps. Dans le cadre de la Biennale de Marrakech, l’installation prendra possession du Théâtre Royal qui s’enrichira de douze sons différents émis à partir d’un système de son environnant en 24 bandes, qui plongera le spectateur dans une série d’aménagements musicaux.

freq_out est un projet curatorial créé par Carl Michael von Hausswolff en 2003. La Biennale de Marrakech sera le dixième volet de douze installations.

Carl Michael von Hausswolff (né en 1956) uti- lise des appareils de captation de sons, des mi- crophones et des oscillateurs dans son travail audio, ainsi que des appareils photos et camé- ras vidéos pour la partie visuelle. Il s’intéresse à la post-abstraction conceptuelle et à la cri- tique sociale. Von Hausswolff mène actuelle- ment des recherches sur le mystique majorquin Ramon Llull et la bataille navale sabordée de l’Amiral Graf Spee. Il collabore avec Leslie Wi- ner et Thomas Nordanstad.

Les œuvres de l’artiste danois Jacob Kirkegaard explorent les dimensions scientifiques et es-

thétiques de la perception sonore, tels que les espaces et phénomènes acoustiques impercep- tibles par l’oreille humaine.

L’artiste sonore et visuel et compositeur leif e. boman a recours à la synergie de la science et de la magie dans ses images et œuvres sonores. Il fut le premier à utiliser les émissions spec- troscopiques comme outil de composition.

Anna Ceeh est née en 1974 à Saint Péters- bourg. Actuellement installée à Vienne, elle travaille en tant que photographe, vidéo artiste et promotrice de concerts. Elle est aussi mana- ger de la maison de disques Laton.

Tommi Grönlund (né en 1967) and Petteri Nisunen (né en 1962) travaillent ensemble depuis 1993. A travers de monumentales in- terventions spatiales et des installations pu- bliques ou dans des galeries, ils ont recours à divers matériaux et technologies : des objets mais aussi de la lumière et des sons. Grön- lund et Nisunen explorent l’espace, qu’il soit physique, immatériel ou sonore. Leurs œuvres ont tendance à altérer la forme de l’espace et stimuler la perception sensorielle à travers des interventions directes et des installations d’une grande complexité technique. Grönlund dirige également le label de musique Sähkö Recor- dings.

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

Lauro-Baranès. Khalid Içame (b. 1979), aka Z-tröz, was born in Marrakech. He is self- taught and signed his first collaborative album khalaa in 2000. His invention of a new way to create music from extracts of voices follows years of experimentation and research draw- ing from Gnawa music archives. Abderrazzak Akhoullil (b. 1979), aka Dj Folani, was born in Marrakech. He is a descendent of the Gna- wa people, and he too is self-taught. Akhoul- lil joined Kamarstudios in 1999. Içame and Azkhoullil have collaborated on Marrakech UnderMoon: The Black Album (2007), com- prising more than three hundred soundscapes and sound designs, and Peace is not what you believe (2012–2013), for the Sharjah Bienni- al 11.

Brandon LaBelle is an artist and writer living in Berlin. His work explores questions of so- cial life using sound, performance, text, and constructions at specific sites. LaBelle develops publishing projects and collaborations through the project space Errant Bodies. His work has been presented at Netherlands Media Art Institute, Amsterdam (2003 & 2007); Casa Vecina, Mexico City (2008); Museums Quarti- er, Vienna (2009); Center for Cultural Decon- tamination, Belgrade (2009); Image Music Text, London (2011); and Whitney Museum of American Art, New York (2012). He is the author of Background Noise: Perspectives on Sound Art (2006); Acoustic Territories: Sound Culture and Everyday Life (2010); and Diary of an Imaginary Egyptian (2012).

BJ Nilsen (b.1975) is a sound and recording artist. He uses primarily field recordings and electronic composition to investigate the sound of nature and its effect on humans. He has worked for film, television, theater, dance, and as a sound designer. His newest work, titled Eye of the Microphone, is a personal audio rendition based on the sound of London. Nils- en is currently working on the publication The Acoustic City, co-edited with Matthew Gandy (Berlin: JOVIS Verlag, 2014).

Christine Ödlund moves through art, music, science, and occultism in a synaesthetic mode. She has participated in various exhibitions at Museum of Contemporary Art, Tokyo; Moder- na Museet, Stockholm; Magasin 3, Stockholm; konsthall, Lund; and BiennaleOnline 2013. Her recent work comprises plants and sound, circuits and visions of the future, greenhouse and laboratory environments, occultism and science, in a continual movement between the smallest of particles and infinity.

Franz Pomassl operates in a permanent lab- oratory, in a continuous process of probing, exploring, and optimizing musical and ex- tramusical territories. He is engaged in the permanent deconstruction and expansion of familiar ways of hearing. His work moves along the boundaries of the human aural per- ception system and oversteps given aural pa- rameters of technical equipment. In the course of extensive research work he has developed electro-acoustic machines and processes with which architecture and the physical percep- tion of space can be transformed. He runs the influential label Laton and is a professor at the Vienna Art Academy.

The Sons of God was cofounded in 1988 by Leif Elggren and Kent Tankred. Leif Elggren’s varied and prolific output routinely involves dreams, subtle absurdities, and social hierar- chies turned upside down. His audio works are often created as the soundtrack to an installa- tion or a performance. Kent Tankred studied painting in the early 1970s before attending the Institute for Electro-Acoustic Music in Stock- holm. His interest in musical encounters with other art forms has resulted in numerous in- stallations at exhibitions. He co-runs the label Firework Edition Records based in Stockholm.

Maia Urstad is an artist working at the inter- section of audio and visual art. Her work inter- rogates the history and methodology of com- munications technology: from Morse code and other long-range signals to digital terrestrial

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

Mike Harding (né en 1957) est commissaire d’exposition, producteur et intervenant. De- puis 1982, il dirige avec Jon Wozencroft la maison de production audiovisuelle britan- nique Touch. Harding est également à l’origine des labels Ash International avec Robin Rim- baud, et OR avec Russel Haswell. En 2004, il crée le projet Spire qui expérimente et promeut l’utilisation de l’orgue et des artistes de mu- sique électronique.

KamarStudios est un laboratoire de recherche et de création de musique contemporaine créé en 1999 par Khalid Içame et Philippe Lauro-Baranès situé dans la Medina de Mar- rakech. Khalid Içame (né en 1979), alias Z-tröz est né à Marrakech. Autodidacte, il sort son premier album collaboratif khalaa en 2000. Suite à des années d’expérimentation et de recherche dans les archives de la musique Gnawa, il développe une nouvelle manière de faire de la musique à partir d’extraits de voix. Abderrazzak Akhoullil (né en 1979), alias Dj Folani est aussi né à Marrakech. Descen- dant de Gnawa, il est également autodidacte et a rejoint Kamarstudios en 1999. Içame et Azkhoullil ont travaillé ensemble sur Mar- rakech UnderMoon, The Black Album (2007) qui compte plus de trois-cents paysages et créations sonores. Ils ont également collaboré sur Peace is not what you believe (2012-2013) pour la 11 ème Biennale de Sharjah.

Brandon LaBelle est un artiste et écrivain basé à Berlin. Son travail traite des questions de la vie en société à travers des productions sonores, des performances, des textes et des constructions ad hoc. LaBelle travaille éga- lement sur des projets de publication et des collaborations dans le cadre de son espace de création Errant Bodies. Son travail a été présenté à l’Institut d’Art Média Néerlandais d’Amsterdam (2003 & 2007) ; la Casa Vecina à Mexico City (2008), au Musée Quartier de Vienne (2009) ; au Centre de Décontamination Culturelle de Belgrade (2009) ; à Image Music Text, Londres (2011) and au Whitney Mu-

seum de New-York (2012). Il est l’auteur de Background Noise: Perspectives on Sound Art (2006); Acoustic Territories: Sound Culture and Everyday Life (2010); et Diary of an Ima- ginary Egyptian (2012).

BJ Nilsen (né en 1975) est un artiste et auteur de productions sonores. Il utilise les captations de son ainsi que des compositions électro- niques dans ses recherches sur la nature et de ses influences sur l’homme. Il a travaillé pour le cinéma, la télévision, le théâtre, la danse ainsi que comme designer sonore. Son œuvre la plus récente, Eye Of The Microphone, est une audio-interprétation personnelle des sons de Londres. Nilson travaille actuellement à la publication The Acoustic City, co-édité avec Matthew Gandy (Berlin : JOVIS Verlag, 2014).

Christine Ödlund a entrepris un voyage synes- thétique à travers l’art, la musique, la science et l’occulte. Elle a participé à de nombreuses expositions au Musée d’Art Contemporain de Tokyo ; le Moderna Musset de Stockholm ; Magasin 3, Stockholm; la konsthall de Lund et la BiennaleOnline 2013. Récemment, son travail a recours à des plantes et des sons, des circuits et des visions futuristes, des serres et des conditions de laboratoire mais aussi à l’oc- culte et à la science, le tout dans un mouve- ment continuel entre les plus petites particules et l’infini.

Franz Pomassi entretient un laboratoire per- manent dont l’objet est d’expérimenter et d’optimiser des territoires musicaux et ex- tra-musicaux. Il s’intéresse à la déconstruction permanente – ainsi qu’à l’expansion – de la manière dont nous écoutons traditionnelle- ment. Dans son travail qui se situe à la fron- tière du système perceptif de l’ouïe humaine, il dépasse régulièrement les paramètres sonores délimités par la technique. Il a développé, au cours d’un long travail de recherche, des ma- chines électro-acoustiques et des processus permettant d’altérer la perception de l’espace et de l’architecture. Il dirige l’important label

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

networks and the use of fiber optics. Radio is central to her work due to its auditory, visual, and conceptual possibilities. Urstad’s solo and collaborative works have been presented at Singuhr Sound Gallery, Berlin; Reina Sofia Ra- dio, Madrid; Bergen Art Museum; Johannes- burg Art Gallery; Prefix ICA, Toronto; Mamam do Patio Recife; and Konsthall, Malmo.

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

Laton et est professeur à l’Académie des Arts de Vienne.

The Sons of God est un collectif crée par Leif Elggren and Kent Tankred en 1988. Le pro- lifique Leif Elggren a recours à des sources variées telles que les rêves, la subtilité de l’ab- surde and le renversement des hiérarchies so- ciales. Ses œuvres audio servent généralement de fonds sonore à des installations ou à des per- formances. Kent Tankred a étudié la peinture dans les années 70 avant d’intégrer l’Institut de Musique Electro-Acoustique de Stockholm. Son intérêt pour les rencontres musicales entre diverses formes artistiques l’a mené à créer de nombreuses installations. Il co-dirige le label Firework Edition Records à Stockholm.

L’artiste Maia Urstad travaille à la frontière entre l’art audio et l’art visuel. Son œuvre s’intéresse à l‘histoire et à la méthodologie des technologies de communication : du code Morse et autres signaux à longue bande aux réseaux digitaux terrestres et l’utilisation de la fibre optique. La radio, par ses capacités au- dio, visuelles et conceptuelles, représente un aspect crucial de son travail. Urstad a présen- té ses œuvres personnelles et a participé à des collaborations dans les lieux suivants : Singurh Sound Gallery, Berlin ; Radio Reina Sofia, Ma- drid ; le Musée d’Art de Bergen, la Art Gallery de Johannesburg ; Prefix ICA, Toronto ; Ma- mam do Patio Recife et Konsthall, Malmo.

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Visual & Sound Arts – Artist Biographies

Clara Meister

in collaboration with S.T.I.F.F. and KamarStudios Morocco

Singing Maps and Underlying Melodies (2014)

Clara Meister (b.1981) presents Singing Maps and Underlying Melodies (2014), a performa- tive project to connect the Biennale’s different venues and invite visitors into the city by intro- ducing them to the variety of Moroccan music. The project aims to present music as a guide that animates intersections and side roads and help visitors to navigate around Marrakech. Visitors orientate themselves acoustically with the support of a printed parallel map. The pro- ject offers a unique path through the Biennale, playing with different methods of orientation, such as memory, narrative, and experience.

Meister is a curator based in Berlin. Her prac- tice focuses on translation, language, and music. She was the 2012 curator-in-residence at MINI/Goethe-Institut Curatorial Residencies Ludlow 38 in New York. Meister is co-founder of Soundfair, an exhibition collective based in

Berlin and is co-founder and editor of the jour-

nal

ment.

Singing Maps and Underlying Melodies was developed in collaboration with the Ber- lin-based architecture studio S.T.I.F.F., found- ed in 2011 by Till-Moritz Ganssauge and Florentin Steininger. Performances during the Biennale are supported and co-produced by KamarStudios Morocco and Aniko Boehler.

Arts Visuels & Sonores – Biographies des artistes

Clara Meister

en collaboration avec S.T.I.F.F. et KamarStudios Morocco

Singing Maps and Underlying Melodies (2014)

Clara Meister (née en 1981) présente Sin- ging Maps and Underlying Melodies (2014), un projet de performance cherchant à mettre en relation les différents emplacements de la Biennale et à inviter les visiteurs dans la ville, tout en les initiant à la richesse de la musique marocaine. Le projet vise à faire de la musique un guide qui, animant les croisements et les rues secondaires, permet de trouver son che- min dans Marrakech. Les visiteurs se dirigent à l’oreille avec l’aide d’un plan imprimé sur papier. Le projet, qui joue avec différentes méthodes d’orientation telles que la mémoire, le récit ou l’expérience, permet d’effectuer un parcours unique à travers la Biennale.

Meister est commissaire d’art basée à Berlin. Sa pratique se concentre sur la traduction, le langage et la musique. En 2012, elle a été com- missaire en résidence au MINI/Goethe-Institut Curatorial Residencies Ludlow 38 à New- York. Meister est la cofondatrice de Soun- dfair, un collectif d’exposition basé à Berlin, ainsi que cofondatrice et éditrice de la revue …ment.

Singing Maps and Underlying Melodies a été mis au point en collaboration avec S.T.I.F.F., studio d’architecture basé à Berlin et fondé en 2011 par Till-Moritz Ganssauge et Floren- tin Steininger. Les performances au cours de la Biennale sont financées et co-produites par KamarStudios Morocco et Aniko Boehler.

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Literature

The Expansion of the Realm of Literature

– Driss Ksikes

Artist

Biographies

Littérature

L’extension du domaine de la littérature

– Driss Ksikes

Biographies des artistes

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Literature –

The Expansion of the Realm of Literature

– Driss Ksikes, Literature Curator

Littérature –

L’extension du domaine de la littérature

– Driss Ksikes, Commissaire Littérature

What are we to do with our literary heritage? How are we to give a voice to these finely crafted words, carved into the stone of singu- lar consciousnesses, irreproducible but open to a multitude of readings? And these ideas, shaped with the patience and solitude that the search for knowledge demands: how are we

These questions mask a wish, an anxiety, and

the feelings felt on arrival, by every reader, once the words have been spoken and the sto- ries established. It is not the sacredness of in- tentions that is vital at this meeting place of the arts, but our ability to decipher the grammar of the stranger who inhabits each text and whose words resonate with the reader. The goal here

Que faire d’un patrimoine littéraire ? Com- ment donner un écho à des mots ciselés, creusés dans le roc de consciences singulières, non re- productibles mais ouvertes à toutes les lectures ? Et ces idées, forgées dans la patience et la so- litude qu’exige la quête du savoir, comment les faire résonner, leur donner vie, sans jamais les

Derrière ces interrogations se dissimulent une

mais les sensations ressenties à l’arrivée, par chacun, une fois les mots déclamés et les his- toires déployées. Ce n’est pas la sacralité des intentions qui prime, à ce carrefour des arts, mais la capacité à déchiffrer la grammaire de l’étranger qui habite chaque texte et fait vibrer ses lecteurs. Le but est ici de marier la beauté

to make them resonate, give them life, with-

is

to marry the beauty of the texts, the powerful

figer ni les fétichiser ? Ce sont ces questions de

des textes, la force de leur lecture publique et

out ever ossifying or fetishizing them? These

emotion that a public reading may evoke, and

réception, de traduction, de mise en situation

la subtilité d’une interprétation artistique. Le

are the questions of reception, translation,

the subtlety of artistic interpretation. The goal

qui me tracassaient en tant qu’amateur de lit-

but également est de faire dialoguer les ratio-

and presentation that troubled me as a lover

is

also to bring various thought processes—

térature, lorsqu’il m’a été demandé d’apporter

nalités, celles des penseurs et des artistes, des

of literature when asked to participate in the

those of thinkers and artists, of researchers

ma participation à la Biennale d’Art de Mar-

chercheurs et des poètes, des établis et des ap-

Marrakech Biennale.

and poets, of experts and novices—into dia- logue. In this way we can be at once contem- porary, local and universal.

rakech.

prentis. De la sorte, nous pourrons être à la fois contemporain, local et universel.

a

dream. My wish, a very contemporary one,

envie, une angoisse et un rêve. Mon envie,

Ce triptyque implique deux formes de vigilance.

is

to bring down the barriers between the so-

This triptych requires two kinds of vigilance:

très contemporaine, est de faire tomber les

La première concerne le rapport au temps, la

cial sciences and humanities, between author and audience, in order to more clearly grasp

the first relates to the relationship with time and the second with space. The first requires

barrières entre sciences sociales et humaines, entre auteurs et récepteurs, afin de mieux sai-

seconde à l’espace. La première implique une double compétence magnifiquement résumée

the circularity at work: desire – creation – in-

a

kind of dual skill brilliantly summed up by

sir la circularité à l’œuvre : désirs – créations

par le philosophe Giorgio Agamben : « adhérer

terpretation. My fear is that the beautiful may

the philosopher Giorgio Agamben: the ability

– interprétations. Mon angoisse est que le beau

à son temps tout en prenant ses distances » 1 .

become solemn, dazzling, out of reach, and so my constant concern during the develop- ment of this literary program has been to cre- ate discrepancies and hybrid fusions of places and forms. Lastly, my dream is that the isolated moments we devote, now and again, to works of literature, to thought and insight, might con- tinue beyond this event and spawn other crea- tive desires, opening new doors toward other places, the unknown or the unexpected.

maintain “a singular relationship with one’s

own time, which adheres to it and, at the same time, keeps a distance from it.” 1 And the sec- ond, according to the writer Abdelkébir Khat- ibi, requires a kind of vigilance that keeps the reductive concept of “specificity” at bay and leads to the more fertile, intercultural notion of “universal polycentrism,” which allows us, without recourse to any kind of hierarchy, to remain attentive to the signals, gestures and modes of thought of one’s own culture while

to

devienne solennel, éblouissant, hors de portée, d’où le souci permanent qui fut le mien lors de l’élaboration de ce programme littéraire, de créer des décalages et des métissages de formes et de lieux. Enfin, mon rêve est que les quelques moments épars, ici et là, consacrés aux œuvres, aux pensées et aux intuitions, se prolongent par delà l’événement et enfante d’autres envies créatrices, ouvrent des lucarnes vers l’ailleurs, l’inconnu ou l’inattendu.

Et la seconde implique, selon l’écrivain Abdel- kébir Khatibi, une vigilance, qui vous éloigne du concept réducteur de « spécificité » et vous amène vers celui, plus métissé, plus fertile, de « polycentrisme universel » 2 , qui permet, sans hiérarchie aucune, de demeurer attentif aux signaux, gestes et modes de pensée de sa propre culture tout en restant curieux d’autres cultures.

 

The Local, the Universal and the Contemporary

remaining curious about other cultures. 2

Le local, l’universel et le contemporain

La réunion du local, de l’universel et du contemporain a une incidence sur le choix des espaces et des modalités de la prise de parole.

In

this place, I do not want to celebrate books

The meeting of the local, the universal, and the contemporary has implications for the choice

Ce ne sont pas les livres comme objets fermés,

Elle implique un fonctionnement horizontal, rhizomique, viral : les lieux de la parole ne sont

as closed, imposing objects, but rather texts

of

where and how to speak. It implies a hori-

imposants, que je voudrais célébrer dans ce

jamais des temples infranchissables, tenant les

with their multifarious abundance of meanings

zontal, rhizomatic, viral operation: the sites

lieu, mais les textes, avec tous les sens et so-

curieux à distance, et les acteurs qui ont la pa-

and tones. It is not the study of our precious literary origins that I find important, but rather

of discourse are never impenetrable temples keeping the curious at bay, and the actors

norités qui s’en dégagent à foison. Ce n’est pas la graphie précieuse des origines qui m’importe

role ne sont jamais dans une position inhibi- trice ou providentielle. Par cette conception, la

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Literature The Expansion of the Realm of Literature – Driss Ksikes

who speak are never in an inhibiting or prov- idential position. Through this conception, the Bienniale is intended to be not just a chance to debate and compare ideas but also an op- portunity for texts to be discovered, read, and set out in space. It is also a democratic occa- sion on which rationalities and sensibilities are brought face-to-face.

Thus arose the idea of talking about politics in a different way, taking art as a point of depar- ture and of questioning the sacred by means of diversity. Thus also arose the idea that in the heart of Jamaa El Fna, the theater space could be revived as a place of questioning and pub- lic debate, and the agora could once again become a civic space for free dialogue. 3 And thus, finally, arose the idea of spreading the influence of this mythical site in two directions:

toward places of culture (in the heart of the Medina of Marrakech) where the odds and evens of civic debate agree to confront one another, and toward places of artistic creativ- ity where works are reinterpreted in the light of living, urban, graphic arts, giving them new and different meanings.

Intersecting Perspectives and Intercultural Acts

This expansion of the realm of literature to- ward public spaces cannot succeed without a constant effort to encourage diverse approach- es and generate discrepancies capable of pro- ducing new meaning, hence the proliferation of intersecting perspectives and intercultural acts, starting with the bilingual declamation of texts in the very temple of popular oral ex-