La peste de Atenas. Michael Sweerts.1652.

Sus obras muestran la vida cotidiana con realismo pero
también con un cierto tenebrismo que ilustra con luces y
sombras. Encontramos una Atenas sumida en el caos. La
población desorientada, enferma, aturdida y
lamentándose. La mayor parte yace en el suelo. Los que aún pueden sostenerse
en pie intentan protegerse de ser contagiados mientras que los más valientes
ayudan a los desahuciados. Mirando el cuadro podemos hacernos una idea de la
confusión y el desorden que vivió la ciudad.

Los filisteos golpeados por la peste.
Nicolas Poussin. 1630. Museo del Louvre.
Esta obra, comenzada a fines de 1630 y terminada en
febrero o marzo de 1631, posee una historia muy
curiosa. Conocida también como "Los filisteos golpeados por la peste" o "El
milagro del Arca", fue comprada por un curioso personaje, Fabrizio Valguarnera.
Con él tuvo lugar una curiosa operación de blanqueo de dinero, en la que
involuntariamente se vio envuelto Poussin. Valguarnera era un aventurero
siciliano que, con la ayuda de un cómplice portugués, robaba diamantes en
España para traficar con ellos. Para "blanquearlos", los cambiaba por cuadros de
diversos autores napolitanos y romanos. A fines de 1630 visitó el estudio del
pintor francés y viendo inacabado el lienzo, le animó a terminarlo. Sin embargo,
Valguarnera fue descubierto, iniciándose un juicio en el que Poussin hubo de
declarar. El siciliano murió al año siguiente en prisión, en condiciones oscuras,
posiblemente envenenado. Posteriormente, el cuadro fue vendido por mil
escudos, cantidad nada despreciable. El tema procede del Antiguo Testamento, y
parece una elección personal del artista. El asunto, tomado de Samuel, narra
cómo, tras una batalla en que los israelitas son derrotados, el Arca de la Alianza
es trasladado a la ciudad filistea de Asdod o Azoth. Los filisteos introducen el Arca
en el templo del dios Dagón, junto a la estatua de la deidad. A la mañana
siguiente, encontraron la estatua caída en tierra, fragmentada, sin cabeza ni
manos. Yahvé envió entonces una gran peste a los habitantes de Asdod, y luego
a otras ciudades filisteas, que duró siete meses, hasta que fue devuelto a los
israelitas. La representación de la peste, en un marco de arquitectura clásica,
influida por Rafael, está tomada de la descripción que de la peste que asoló Milán
en 1630 realizó Manzoni. En una profunda perspectiva, la acción se sitúa en la
intersección de una larga calle, vista de frente, y el templo de Dagón, a la
izquierda. La multitud ya no se agolpa ni solapa de forma confusa, sino que se
distribuye en varios grupos coordinados. Como es frecuente en él, los personajes
del primer plano se articulan al estilo de los frisos romanos, en horizontal, a la
1

Fue uno de los pintores que mejor supo captar y representar los acontecimientos que se produjeron en Nápoles a lo largo el siglo XVII. Es quizá. En esta ocasión. De este modo. siempre hay un lugar para la esperanza. en donde se puede advertir la leyenda “ERIS IN PESTE PATRONUS” (eres el patrón de la peste). sostenido por un ángel. es el momento en el que San Roque es elegido para llevar a cabo la misión de proporcionar a los enfermos la ayuda espiritual que necesitan. consigue recrear una atmósfera de desolación. el vínculo entre el movimiento físico y el gesto. En el caso de 2 . La obra recoge fielmente los miedos y las angustias de la población. como intercesores y auxiliadores de los enfermos. 1657. una sombría reflexión sobre el destino de quienes se enfrentan a Dios. los apestados contemplan la escena. Aquellas personas que permanecen sanas tratan de ayudar a los enfermos. Las figuras de los santos. tal y como se ve en la parte superior de la composición. Este último aspecto será un elemento muy recurrido por los pintores italianos de esta época en este tipo de representaciones. Santa Isabel de Hungría curando a los tiñosos. la figura de San Roque vuelve a ser representada como el protector de una epidemia que afecta la población. por un lado. Museo de San Martino. como el hombre del centro del cuadro que da agua. Nápoles. En la parte inferior. No obstante. Muchos tienen ropajes cubriendo sus narices y bocas ya que se pensaba entonces que los cuerpos eran contagiosos. en el propósito de Poussin. Esta separación de personajes le permite estudiar detenidamente cada uno de los gestos y emociones: es el concepto de los "affetti". mientras que otros tratan de quitar los cadáveres que se encuentran apilados sobre las calles. Domenico Gargiulo. 1626. con la figura de la divinidad que intercederá en favor de la población para el cese de la epidemia. Colección Thyssen-Bornemisza.misma altura. casi diabólica. no sin transmitir esa sensación de desesperación y dolor tan característica de otras representaciones. y la emoción interna y la actitud mental por otra. La plaza del mercado de Nápoles durante la peste . gozaron de gran popularidad. de pánico y muerte. el santo es custodiado por la figura de Jesucristo que le señala a un pergamino. Peter Paul Rubens. y a pesar de la catástrofe. Madrid.

Es una imagen de la muerte menos idealizada por la religión. que pretende cambiar un destino impuesto. éstos muestran la típica actitud de dolor e invalidez que los apestados. La presencia de los bubones. no conocían con exactitud la sintomatología de la enfermedad y preferían focalizar los estragos que la infección producía en el dolor y sufrimiento de los afectados El triunfo de la muerte. No hay defensa posible. a la orilla hay una casa. hay que tener presente que la infección estaba producida por la bacteria Yersinia pestis y uno de los cuadros clínicos más característicos es la formación de abscesos en los ganglios. y la Muerte avanza con batallones de esqueletos. anodino y arrasado. posiblemente porque los pintores. e incluso cazándolos con perros esqueléticos. Por todas partes son atacados los desamparados hombres. Ésta será una de las características de la representaciones de las plagas durante el siglo XVII. El paisaje. Se alzan mástiles coronados por ruedas. principalmente localizados a nivel inguinal o axilar.la peste. La visión de la muerte es mucho más tétrica que la del Bosco. a los que se encargaban cuadros de esta temática. Brueghel no utiliza el cielo y el infierno de los cristianos. al fondo un mar plagado de naufragios. que sin duda formarán después el ejército de los muertos. de forma que es frecuente que permanezca tumbado o tendido sobre el suelo. y a pesar de no observarse ningún bubón en las axilas o ingles de los aquejados por la infección. El Todo Poderoso. Es una panorámica de la muerte: vemos el cielo oscurecido por el humo de las ciudades ardiendo. colgándolos. Se caracteriza porque en ella está ausente Dios. los esqueletos matan de muy variadas maneras: cortando gargantas. abultamientos también conocidos como bubones. ahogándolos. Hay una cruz. especialmente a nivel inguinal. nos habla de la pequeñez. los cortejos de santos y de ángeles en el cielo. A la izquierda se conduce una tétrica carreta con calaveras. Sobre 3 . No obstante. Museo del Prado. solitaria e impotente en el centro de la pintura. aterrorizados huyen o intentan en vano luchar. alrededor de la cual se agrupa un ejército de muertos. crueldad y falta de sentido común del hombre. sus cadáveres se balancean. un esqueleto a caballo destruye personas con su guadaña. sus escudos son tapas de ataúdes y conducen a la gente a un ataúd que es un túnel decorado con cruces. Pieter Brueghel. picotas en las que se ajusticia a criminales. Detrás un tribunal de la muerte presidido por el símbolo de la cruz contempla impasible la hecatombe. produce un dolor tan intenso que el paciente tiende a mantener inmovilizado el miembro afectado. 1562.

Esta tabla del Prado recuerda a las obras de El Bosco.ellos. desde las relaciones dentro de una misma familia. políticas y económicas.. las múltiples escenas. hasta las estructuras sociales. muerto en brazos de su madre. pintado hacia el año 1562. en el extremo inferior izquierdo. se intenta esconder debajo. Es un óleo sobre tabla. los cementerios llenos y las calles atestadas de pestilentes cadáveres. Detrás de la mujer un esqueleto imita al tocador de laúd. 4 . Como ciudadano y artista del momento. Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid. Algunos cadáveres han sido ya amortajados y uno de ellos yace en un ataúd con ruedas. soldados y hasta nobles e incluso reyes. La peste negra en Italia en 1348. Una pareja de enamorados permanecen absortos ignorando lo que les rodea. yace el rey. según una ilustración de Marcello.La influencia del Bosco se deja ver en la amplitud del cuadro. hubo de enfrentarse a la sublevación de los Países Bajos. Al frente. un perro olisquea la cara de un niño. tan violentas que podían llegar a aniquilar poblaciones casi en su totalidad. Un caballero hace ademán de desenvainar la espada. turbulenta. vestido de su capa con vueltas de armiño y con el cetro en la mano. Los teatros se encontraban vacíos. intentando defenderse de lo irremediable. Años en los que la ciencia sufrió un avance vertiginoso. Mide 117 cm de alto y 162 cm de ancho. Campesinos. Como es natural en un cuadro pesimista los colores son sombríos. A esto se añadía. la vida cambiaba en todos sus aspectos radicalmente. además. la mirada de Brueghel muestra este periodo turbulento desde una óptica en la que se mezcla lo urbano y lo rural. La visión de Brueghel no carece de humor sardónico. A su lado una mesa puesta con manjares. la religión católica perdió su posición dominante y el poder político -ejercido por el estado español-. pintadas con gran detalle. un periodo de tránsito entre la Edad Media y los comienzos de la Edad Moderna que sufrió el azote de sucesivas plagas y epidemias. sin duda. el dominio de las guerras continuas por motivos de religión o poder y la transformación social que se produjo a raíz de la explotación del Nuevo Mundo. también caída. El «Triunfo de la Muerte» es otra de las obras bien conocidas de Brueghel. La época en la que vivió el pintor fue. unos esqueletos tocan una campana avisando del fin del mundo. en las que se va representando las distintas formas en que la Muerte derrota a la vida. Cuando la epidemia golpeaba una ciudad. en su aspecto satírico y moralizante. y un juglar con jubón ajedrezado. Un poco más hacia el centro del primer plano. como puede verse en la parte inferior derecha del cuadro. la clase más pudiente y el pueblo raso. todos atrapados por la muerte.

el Emperador. dado el poder igualatorio de la muerte.XV. etc. como el Papa. la Muerte va llamando a bailar a diversos personajes. el Obispo.Toledo. al tiempo que les recuerda que los goces mundanos tienen su fin y que todos han de morir. por un lado. 5 . Se conserva en unmanuscrito de la Biblioteca de El Escorial. con independencia de su edad o su posición social. el Sacristán. una intención satírica al hacer que todos caigan muertos. Todos caen en sus brazos.. el Labrador. Presenta. La "Danza de la Muerte" castellana es de principios del siglo XV.Manuscrito del s. una intención religiosa: recordar que los goces del mundo son perecederos y que hay que estar preparado para morir cristianamente. Biblioteca de El Escorial. por otro lado.

Related Interests