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Índice Historia del cine ................................ ................................ ................................ ....................... 4 Primeros pasos del cinematógrafo................................ ................................ ........................ 5 Hollywood y el Star System................................ ................................ ................................ .. 5 Cine mudo................................ ................................ ................................ ............................ 6 El cine mudo europeo ................................ ................................ ................................ .......... 7 La creación del lenguaje cinematográfico ................................ ................................ ................. 8 Corrientes cinematográficas ................................ ................................ ................................ . 8 El cine sonoro ................................ ................................ ................................ ................. 10 Los géneros cinematográficos................................ ................................ ......................... 12 Distribución de las películas [editar] ................................ ................................ ............... 14 Cine latinoamericano ................................ ................................ ................................ ............. 15 ORÍGENES................................ ................................ ................................ ........................... 15 Los primeros experimentos ................................ ................................ ................................ 15 Thomas Alva Edison................................ ................................ ................................ ............ 16 Los hermanos Lumière ................................ ................................ ................................ ....... 17 Cine latinoamericano ................................ ................................ ................................ ......... 18 Cine Argentina................................ ................................ ................................ .................... 18 Cine Brasil ................................ ................................ ................................ .......................... 18 Cine Colombia ................................ ................................ ................................ .................... 19 Cine Cuba ................................ ................................ ................................ ........................... 20 Cine pre-revolucionario [editar] ................................ ................................ ...................... 21 Cine México ................................ ................................ ................................ ....................... 23 Cine Perú................................ ................................ ................................ ............................ 26 Cine Venezuela ................................ ................................ ................................ ................... 26 Cine Ecuatoriano ................................ ................................ ................................ ................ 27 Películas ecuatorianas ................................ ................................ ................................ .... 28 Cineastas ecuatorianos ................................ ................................ ................................ .. 29 Películas latinas................................ ................................ ................................ ...................... 30 La ciudad y los perros - Francisco Lombardi (Perú)................................ .............................. 30 Los olvidados - Luis Buñel (México)................................ ................................ ..................... 30 La historia oficial - Luis Puenzo (argentina) ................................ ................................ ......... 31 El ángel exterminador - Luis Buñel (México) ................................ ................................ ....... 31 Frida, naturaleza viva - Paul Leduc (México) ................................ ................................ ....... 31

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Tangos, el exilio de Gardel - Fernando Solanas (Argentina)................................ ................. 31 El chacal de Nahueltoro - Miguel Littin (Chile) ................................ ................................ .... 32 Memorias del subdesarrollo - Tomás Alea (Cuba) ................................ ............................... 32 Hombre mirando al Sudeste - Eliseo Subiela (Argentina)................................ ..................... 32 La hora de los hornos - Octavio Getino y Fernando Solanas (Argentina).............................. 32 Lucía - Humberto Solás (Cuba)................................ ................................ ............................ 33 Dios y el diablo en la tierra del sol - Glauber Rocha (Brasil) ................................ ................. 33 Vidas secas - Nelson Pereira dos Santos (Brasil)................................ ................................ .. 34 Crónicas -Sebastián Cordero (Ecuador) ................................ ................................ .............. 34 Now! - Santiago Alvarez (Cuba) ................................ ................................ .......................... 34

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Historia del cine

El c e fue oficialme e inaugurado como es ec culo en París el 28 de diciembre de 1895 Desde entonces ha e erimentado una serie de cambios en varios sentidos Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematógrafo mudo de los hermanos Lumière, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematográficos y cinematografías nacionales.
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La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua. Existieron antecedentes en la cámara oscura, o el taumatropo. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del XIX. Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el kinetoscopio creado en su laboratorio por William Dickson, el cual, sin embargo, sólo permitía funciones muy limitadas. Inspirándose en éste, los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo. La primera presentación fue en el ya mencionado 28 de diciembre de 1895, y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerda para la anécdota aquella en la que un tren parecía abalanzarse sobre los espectadores, ante lo cual éstos reaccionaron con un instintivo pavor.

Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator (ver cine mudo). Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficción, históricas o de época); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro. También en la época se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la creación de las franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.

En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el inglés, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos. Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, 

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multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de México, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del planeta. La mayor parte de los estudios fundados en aquella temprana época (Fox, Universal, Paramount) controlados por (Darryl F. Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn, etcétera), y miraban al cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor, se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox (de la antigua Fox) y Metro-Goldwyn-Mayer (unión de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis B. Mayer) Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción fílmica. Así, no sólo financiaban las películas, sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por s us contratos. Esto marcó la aparición del star-system, el sistema de estrellas, en el cual las estrellas del cine eran promocionadas en serie, igual que cualquier otro producto comercial. Sólo Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra esto, pudiendo hacerlo por su gran éxito comercial, y la salida que encontraron fue sólo crear un nuevo estudio para ellos solos: United Artists. Se habla así, de la producción hollywoodense entre las décadas de 1910 y 1950, como de cine de productor, donde contaba más el peso del productor que conseguía el financiamiento, que el director encargado de plasmar una visión artística.

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Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era. 

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Mientras tanto, el cine seguía otros caminos en Europa. Allí, el sentido del negocio se basó en el monopolio del celuloide. Surgieron grandes empresas cinematográficas que, con Francia a la cabeza, dominaron el mercado mundial hasta la Gran Guerra, en que su hegemonía fue reemplazada por la de la industria estadounidense. Hasta 1914, Europa, con productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films, dominaron los mercados internacionales. Así, el cine cómico francés, con André Deed y Max Linder o el colossal italiano, con grandes escenografías y participación de extras, en películas como Quo vadis? (1912) o Cabiria (1914) fueron la escuela donde aprendieron Charles Chaplin y el cine cómico norteamericano o David W. Griffith que asumió los presupuestos del peplum en Judith de Betulia o Intolerancia. Más tarde Europa sufrió una patente decadencia debido a la Primera Guerra Mundial, que marcó la pérdida de la preponderancia internacional de su cine. Aun así, tras la guerra, se crearon obras maestras que iban a crear escuela. El movimiento más importante en estos años fue el Expresionismo, cuyo punto de partida suele fijarse con la película El gabinete del doctor Caligari (1919), y cuya estética extraña y alienada respondía a los miedos de la Europa de postguerra, seguida después por Nosferatu, el vampiro (1922). También, en paralelo al movimiento surrealista en pintura y literatura, surgió un cine surrealista, cuyo exponente más célebre es Un perro andaluz.

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La creaci n del len uaje cine ato rá ico
En esos años, la t ni a de contar una historia en i enes sufri una gran evoluci n. Los pri eros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utili aba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron t cnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utili arla en ángulo picado, contrapicado), pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de losfilmes históricos rodados en Italia en la década de los años diez (Quo vadi o Cabi ia).
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Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con El naci i nto de una nación e Intolerancia, cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En laUnión Soviética, otro tanto realiza Sergéi Eisenstein, con películas claves como El acorazado Potemkin u Octubre, entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montaje de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.
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Corrientes cine ato rá icas
El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. En algunos casos, supone la ruptura con los estilos anteriores, sobre todo del cine clásico de Hollywood, y en otros casos suponen un desarrollo de los estilos predecesores. El cine de Vanguardia, supone una ruptura en la narrativa del cine convencional. Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX. Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos
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tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos; y recurren a cuestiones relativas a la modernidad. En cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En primer lugar, se encuentra el cine impresionista, representado por Abel Gance y René Clair. En segundo lugar está el cine surrealista francés y el cine abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.
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Impresionismo- Este estilo valora el naturalismo, el estilo directo, e ir más allá de los esquemas melodramáticos. El cine impresionista fue llamado así porque los autores pretendían que la narración representara la conciencia de los protagonistas, en otras palabras, su interior. Otorgan importancia a la emoción y a la narración psicológica, la expresión de sentimientos y los estados de ánimo de los personajes. Destacan en este ámbito los siguientes autores: Herni Ghomette, Marcel L'Herbier, Germanie Dulac y Jean Epstein. Una de las películas más representativas del movimiento es La Rueda (1922) de Abel Gance. Surrealista- Combina la imagen, con la búsqueda de sensaciones y la expresión de sentimientos. Predominan imágenes absurdas que rompen con la lógica temporal. El surrealismo se presenta como un medio de liberación del espíritu y una revolución que ataca al orden lógico, estético y moral. Así mismo, ataca los pilares de la sociedad burguesa y sus valores incuestionados. Se trata de hacer valer el lado oscuro de la vida, como el azar, lo esotérico y lo onírico, de forma que la real idad se define por el sueño libre y por la imaginación del subconsciente. Las dos películas de referencia del cine surrealista son Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), ambas dirigidas por Luis Buñuel, en colaboración con el pintor surrealista catalán, Salvador Dalí. Cine expresionista alemán -(1905) Grupo de producciones en contraste con el impresionismo en pintura, en el que prima la expresión subjetiva sobre la representación objetiva de la realidad. Es el cine que se realiza en la Alemania de Weimar. Se aprecia la expresión de sentimientos y la emoción por encima de la representación de la imparcialidad; para ello se utilizaba la deformación de las cosas, el mundo interior, la angustia y las alucinaciones del artista. Destaca la película El Gabinete del Doctor Caligari (1919).

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Junto a estos movimientos ligados a las vanguardias históricas de principios del siglo XX existen otras manifestaciones cinematográficas, entre las que cabe destacar:
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Cine Ojo- (Años 20) Teoría cinematográfica creada por e l documentalista soviético Dziga Vertov. Las características principales son la objetividad, el rechazo al guión y a la puesta de escena, y la utilización de la cámara como ojo humano.

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Cinéma Pur- (Años 20) Corriente francesa, que se centra en los elementos puros del arte cinematográfico, como la forma, el movimiento, el campo visual y el ritmo. Neorrealismo italiano - (Años 40) Movimiento de cine cuyas características fundamentales son la trama ambientada en sectores desfavorecidos, rodaje en exteriores y a ctores no profesionales. El objetivo de este estilo es representar la situación moral y económica de la Italia de posguerra. Underground estadounidense- (Años 40) Cine artesanal, no necesariamente narrativo con autoconciencia artística, y opuesto al cine clásico de Hollywood. Cinéma verité- (Años 50) Aparece en Francia paralelamente a la Nouvelle Vague. Tiene una tendencia documentalista y busca captar la vida tal como es. Nouvelle Vague- (Años 50) Corriente francesa crítica frente a lo establecido, y cuya máxima aspiración es la libertad de expresión y técnica. Free Cinema- (Años 50) Movimiento británico que implanta una estética realista en la ficción y en el documental. Además, retrata historias cotidianas y está comprometido con la realidad social de la época. Blaxploitation - (Años 70) Cine estadounidense cuyo tema protagonista es la comunidad afroamericana y en el que es recurrente el uso de bandas sonoras de conocidos artistas de la época. Nuevo cine alemán (Neuer Deutscher Film)- (Años 70) La industria alemana crea su propio star-system, en el que utiliza largos travellings que favorece a la improvisación de los actores y simplifica el montaje. Además, tiene cierto carácter documental, al est ilo naturalista francés. New Queer Cinema- (Años 80) Cine independiente norteamericano caracterizado por su aproximación a la cultura homosexual. Dogma 95- (Año 1995) Movimiento fílmico cuya meta es producir películas simples, sin modificaciones en la post -producción y poniendo énfasis en el desarrollo dramático. Cine posmoderno - (años 80) Basado en el eclecticismo y mezcla las características de diferentes estilos ya creados.

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El ci e sonoro

El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían preocu pado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimien to de la cámara.

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Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla. Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la misma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposición Universal de París de 1902. En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. Pero el invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm, creado por el ingeniero Lee de Forhest, quien resolvió los problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la misma película. No obstante, por falta de financiación el invento se postergó hasta 1925, año en que la compañía Western Electric apostó por él. En 1927, los estudios Warner Bros se encontraban en una situación financiera delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido. Se incorporó por primera vez en una producción comercial titulada Don Juan (1926) de Alan Crosland, así como en otra de sus películas, Old San Francisco (1927). En ésta incorporó por primera vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo la película sonora más exitosa fue El cantante de jazz (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto to dos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado. La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una películ a que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia " (1952). Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como Tiempos modernos" (1936). Sin embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador". Así mismo, Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov publicaron un manifiesto en 1928 manifestando su negativa al cine sonoro. El cine sonoro hizo desaparecer la función que cumplía el conjunto musical al acompañar el visionado del cine mudo. El silencio cobra importancia como nuevo elemento dramático desco nocido por el cine mudo. Se introduce el concepto de banda sonora.

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Los géneros cinem ogr ficos

La industrialización del cine hizo nacer también las llamadas convenciones de género, y por ende, los géneros cinematográficos propiamente tales. El primer cine era documental: escenas de obreros saliendo de las fábricas y cosas así. Pero el cine documental en cuanto tal, recién vino a nacer en 1922, con el filme Nanook el esquimal. Aunque nunca demasiado popular, de tarde en tarde se rodarían algunos clásicos, como por ejemplo El mundo sumergido, de Jacques Cousteau. El cine histórico y bíblico, por su parte, caminarían de la mano, en la búsqueda de la espectacularidad. Desde antiguo se habían rodado películas sobre la vida de Cristo (por ejemplo, Del pesebre a la cruz (1912). Sin embargo, el cineasta que le dio verdadera carta de naturaleza al cine histórico o bíblico fue Cecil B. DeMille, con hitos como Los diez mandamientos (versión original de 1923 y remake de 1956), Rey de reyes (1927) o Cleopatra (1934). Otro clásico de época es Lo que el viento se llevó, estrenada tras varias peripecias en 1939. En la década de 1930 surgen también, estrechamente hermanados, el cine de gángsters y el cine negro. Hitos claves del cine gangsteril fueron el Scarface de 1932 o Hampa dorada, y un director clave fue Howard Hawks. Su éxito se explica por la dosis de crítica social que dichos filmes envolvían, sobre la situación posterior a la Gran Depresión de 1929. Además, fueron campo de experimentos formales con la iluminación, con fuerte influencia de los cineastas europeos herederos del Expresionismo, muchos de los cuales habían llegado a Hollywood huyendo del Tercer Reich, por ese entonces ascendente. Quizás el actor más asociado con el género es Humphrey Bogart, con clásicos como Casablanca, El halcón maltés o El sueño eterno. El cine fantástico y de ciencia ficción había también experimentado su propio desarrollo, paralelo a un elemento que le era indispensable: el desarrollo de los efectos especiales. Ya Méliès había diseñado una curiosa fanta sía llamada De la Tierra a la Luna, vagamente basada en la novela de Julio Verne. La gran película del cine mudo de ciencia ficción fue Metrópolis, de Fritz Lang (1927), la cual marcó estéticamente a muchos cineastas posteriores, pero que en su tiempo fue un fracaso de taquilla, costoso para los cánones de la época, y que por lo tanto, relegó a la ciencia ficción fí lmica al plano de mero entretenimiento, sin mayor trascendencia intelectual, estigma que pesaría sobre el género hasta 2001: Odisea del espacio (1968). En la década de 1930, coincidiendo con la Gran Depresión y el Nazismo, se puso de moda el cine de terror, con clásicos como Dracula (con Béla Lugosi, dirigida por Tod Browning, en 1931), o El doctor Frankenstein de James Whale, con Boris Karloff (1931). Con éstos y otros filmes, los Estudios Universal crearon la imagen moderna de los clásicos monstruos de la literatura de terror.

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Posiblemente la cúspide de las posibilidades del cine de la época, en términos de lenguaje cinematográfico, haya sido alcanzada por el filme Ciudadano Kane , de Orson Welles, en 1941. Película polémica en su época, ha sido reconocida en retrospectiva como uno de los grandes hitos fílmicos de todos los tiempos, y sumó todos los experimentos conceptuales de la época, cerrando caminos y abriendo otros, razón por la cual figura regularmente como una de las mejores películas de todos los tiempos, en listados y reseñas críticas.
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Siendo el cine el único multimedia de la época, y estando su producción bien controlada por los grandes estudios, se desarrolló todo un mecanismo de producción industrial de películas. Así, se programaba no la exhibición de una película pura, sino de verdaderos rotativos que ofrecían, por el mismo precio, una serial y dos películas. A la película principal se sumaba una de menor costo, y producción barata y apresurada, que por su condic ión de relleno, pasó a ser llamada serie B. Posteriormente la serie B evolucionaría hasta ser un género por derecho propio, pero en aquel tiempo, iba adosada al cine normal. Las llamadas seriales dominicales eran historias dirigidas al público infantil o juvenil, y que por ende, ofrecían histor ias de vaqueros, de aventuras o de ciencia ficción. Constaban de una docena de capítulos, de algunos minutos de extensión cada uno, y terminaban en cliffhangers que obligaban al espectador a acudir al cine el domingo siguiente, para saber cómo el protagonista saldría del peligro de muerte. Historias dominicales de matinée como por ejemplo Flash Gordon contra el universo no sólo le dieron carta de naturaleza en el cine a personajes por entonces recientes como Flash Gordon, Superman o Batman, sino que son la evidente fuente de inspiración para hitos fílmicos posteriores como Star Wars o Indiana Jones. En la época comenzó también la relación entre el negocio del cine y el de la música. Personajes tan disímiles como Mario Lanza, Frank Sinatra, Marlene Dietrich, Jorge Negrete o Carmen Miranda, por mencionar unos pocos ejemplos casi al azar, desarrollaron carreras paralelas como cantantes y actores, con éxito variable según la época y el país.

Cine l tinoamericano
Se denomina cine latinoamericano al conjunto de producciones cinematográficas de los artistas, productores y técnicos de América Latina. Buena parte de esta producción está concentrada en cuatro países: Argentina, Brasil, México y Cuba, aunque otros países como Chile, Colombia y Perú han tenido periodos intermitentes de auge de sus cinematografías. Existen festivales y entidades dedicadas especialmente a la promoción del cine latinoamericano, como el Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse , Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana o la Fundación del Nuevo Cine Latinoamerica no, con los antecedentes históricos de los festivales de Pesaro y sobre todo del Festival de Cine de Viña del Mar en 1967 y 1969.
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ORÍGENES
El cine se desarrolló desde el punto de vista científico antes de que sus posibilidades artísticas o comerciales fueran conocidas y exploradas. Uno de los primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine fueron las observaciones de Peter Mark Roget, secretario de la Real Sociedad de Londres, que en 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de Persistencia de la visión en lo que afecta a los objetos en movimiento, en el que establecía que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja de tenerlas delante. Este descubrimiento estimuló a varios científicos a investigar para demostrar el principio.

Los primeros experimentos
Angloestadounidense Eadweard Muybridge empleó una batería de 24 cámaras para grabar el ciclo de movimientos del galope de un caballo. Un paso relevante hacia el desarrollo de la primera cámara de imágenes en movimiento fue el que dio el fisiólogo francés Étienne Jules Marey, cuyo cronofotógrafo portátil (una especie de fusil fotográfico) movía una única banda que permitía obtener doce imágenes en una placa giratoria que completaba su revolución en un segundo. Sin embargo, su tira de película consistía en un papel mojado en aceite que se doblaba y se desgarraba con facilidad. Hacia 1889, los inventores estadounidens es Hannibal Goodwin y George Eastman desarrollaron más tiras de emulsión fotográfica de alta velocidad (que necesitaban poco tiempo para impresionarse) montadas en un celuloide resistente: su innovación eliminó un obstáculo esencial en la experimentación con las imágenes en movimiento.

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r s d s pr c p d s rr c gr s c b c d g r y c s y d sr s v ds c sr y ck r b r r c rc d s r g (Nuev ersey) que se c vr en el lug r d nde realizaba sus experimentos sobre imágenes en movimiento y el primer estudio de cine del mundo. Edison está considerado por algunos como el diseñador de la primera máquina de cine, el kinetoscopio, pero en realidad ni fue él el inventor ni el invento era propiamente una cámara de cine. Su ayudante, William K. L. Dickson fue quien hizo en realidad casi todo el trabajo, diseñando el sistema de engranajes, todav a empleado en las cámaras actuales, que permite que la película corra dentro de la cámara, e incluso fue él quien por vez primera logr en 1889 una rudimentaria imagen con sonido. El kinetoscopio, patentado por Edison en 1891, tenía unos 15 metros de película en un bucle interminable que el espectador individual tenía que ver a través de una pantalla de aumento. El artefacto, que funcionaba depositando una moneda, no puede considerarse por tanto un espectáculo p blico, y qued como una curiosidad de salón que en 1894 se veía en Nueva York, y antes de finalizar ese año, en Londres, Berlín y París.

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Los experimentos sobre la proyección de imágenes en movimiento visibles para más de un espectador se estaban desarrollando simultáneamente en Estados nidos y en Europa; en Francia, a pesar de no contar con la gran infraestructura industrial de Edison, los hermanos Louis y Auguste Lumière llegaron al cinematógrafo, invento que era al tiempo cámara, copiadora y proyector, y que es el primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine, por lo que la fecha de su presentación p blica, el 28 de diciembre de 1895, y el nombre de los inventores son los que han quedado reconocidos universalmente como los iniciadores de la historia del cine. Los hermanos Lumière produjeron además una serie de cortometrajes con gran éxito, de género documental, en los que se mostraban diversos elementos en movimiento: obreros saliendo de una fábrica, olas rompiendo en la orilla del mar y un jardinero regando el césped. no de sus cortometrajes más efectistas para demostrar las posibilidades del nuevo invento fue el que mostraba a un tren correo avanzando hacia el espectador, lo que causaba gran impresión en el p blico asistente. El cine que se producía mientras en el estudio de Edison era más teatral: números circenses, bailarinas y actores dramáticos que actuaban para las cámaras. Pero para entonces el equipamiento elemental ya había sido estandarizado siguiendo el modelo del cinematógrafo de los hermanos Lumière, y las películas se comenzaron a comercializar a escala internacional.
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Cine latinoa ericano
Abarcan multitud de acontecimientos relacionados con el espectacular mundo del cine, directores infatigables e inaccesibles al desasosiego, una mezcla de inquietudes exteriorizadas y proyectadas a través de la pantalla. Así son los festivales de cine, certámenes que cada año reúnen a un conjunto de novísimas producciones y largometrajes de interés, ciudades impregnadas de un ambiente de película, reservadas a la inquietud y el inconformismo. San Sebastián, Valladolid, Sitges o Valencia son algunas de las muchas ciudades que durante algunos días acogen a directores emblemáticos, jóvenes estrellas, célebres producciones, todos comparten y conviven el espectacular escenario que tiene una excelente acogida entre los invitados internacionales y el público.
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Cine Ar entina
El cine de a A gentina, ha sido históricamente uno de los tres más desarrollados del cine latinoamericano, junto a los producidos en México y Brasil.[1] A lo largo del siglo XX la producción cinematográfica argentina, apoyada por el estado y avalada por el trabajo de una larga lista de directores y artistas, se convirtió en una de las principales del mundo en idioma castellano.
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Cine Brasil
El cine de B asil se inició durante el cambio de siglo XIX al XX, pero tomó un poco de tiempo antes de consolidarse como una forma popular de entretenimiento. La industria cinematográfica de Brasil ha pasado por períodos de auge y declive, un reflejo de su dependencia del financiamiento e incentivos estatales. n par de meses después de que se presentara el invento de los hermanos Lumière, tuvo lugar una exhibición cinematográfica en Río de Janeiro. En 1898, el italiano Alfonso Segreto supuestamente filmó la bahía de Guanabara desde el navío Brésil en su viaje de retorno a Europa, aunque algunos investigadores cuestionan la veracidad de este evento dado que no se ha preservado ninguna copia de la película. Segreto continuaría filmando documentales con su hermano, Paschoal Segreto.
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Durante la "belle -epoque" del cine brasileño, cuando las películas mudas en blanco y negro eran menos costosas de producir, la mayor parte del trabajo resultó del esfuerzo de individuos apasionados que deseaban tomar el riesgo por sí mismos, más que por empresas comerciales. Tampoco el Estado brindó mucha atención al cine, al no existir prácticamente legislación para el sector. Las salas de cine solo aumentaron en número en Río de Janeiro y Sao Paulo a comienzos del siglo XX, cuando la corriente eléctrica se hizo más segur a. Empresas extranjeras y películas cortas que documentaban eventos locales fueron las más comunes. Algunos de los primeros trabajos de ficción filmados en Brasil fueron las denominadas "películas posadas", reconstrucciones de crímenes que habían llegado a los titulares de la prensa recientemente. El primer éxito de este género es la película Os Estranguladores (1906) de Francisco Marzullo. También fueron populares las películas "cantadas", en las cuales los actores se escondían detrás del écran y se doblaban a sí mismo cantando durante la proyección. Durante los años 1920, la producción cinematográfica floreció en varias regione s del país: Recife, Campinas y Cataguases .

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Cine Colombia
El término cine de Colombia o cine colombiano se refiere, en un sentido amplio, a las producciones cinematográficas realizadas en Colombia o consideradas colombianas por otras razones. El cine colombiano, como cualquier cine nacional, es un proceso histórico con una dimensión industrial y artística. El cine colombiano no ha logrado ser rentable como industria a lo largo de su historia, lo que ha impedido que exista continuidad en la producción y en el empleo de realizadores y técnicos. Durante las primeras décadas del siglo XX existieron algunas compañías que intentaron mantener un nivel constante de producción pero la falta de apoyo económico y la fuerte competencia extranjera terminaron por malograr las iniciativas. En los años 1980 la recién creada Compañía de Fomento Cinematográfico (FOCINE) de carácter estatal, permitió que se realizaran algunas producciones. Sin embargo, la compañía tuvo que ser liquidada a principios de los años 1990. En la actualidad se vive una creciente actividad cinematográfica gracias a la Ley de Cine aprobada en el año 2003 que ha permitido que en el país renazcan las iniciativas alrededor de la actividad cinematográfica. La historia del cine en Colombia inic ia en 1897 cuando se registra la llegada del cinematógrafo al país. Solo dos años antes, el aparato de los Hermanos Lumière habría hecho su legendaria aparición pública en París y con la reciente euforia ocasionada alrede dor del mundo por la aparición del invento, muchos camarógrafos extranjeros se volcaron con sus cámaras en busca de nuevos paisajes por descubrir, de esta forma se conoce que algunos incursionaron en

territorio colombiano aquel año donde se realizaron exhi biciones inicialmente en la ciudad de Colón, por entonces todavía ciudad colombiana; de allí pasó a Barranquilla luego a Bucaramanga para llegar más tarde a la capital Bogotá donde en agosto de ese mismo año fue presentado en sociedad en el Teatro Municipal, que estaba localizado en la Carrera 8 y fue posteriormente demolido. 1 PEYDIXITA. Inicios

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Poco después de la introducción del cine al país se desata la Guerra de los Mil Días por lo que las primeras producciones tienen que esperar hasta el fin del conflicto civil para salir a la luz, en un principio las producciones cinematográficas del país se limitaban a capturar paisajes y momentos de la vida nacional y la exhibición de películas extranjeras era dominada por los Hermanos Di Doménico propietarios del Salón Olympia de Bogotá, quienes también producirían la primera película documental "El drama del quince de Octubre" que narra el asesinato del general Rafael Uribe Uribe desatando una gran polémica. 2

Cine Cuba
El Cine de Cuba o Cine cubano fue introducido a la isla a principios del siglo XX, con el inicio de la producción cinematográfica que produjo alrededor de 80 películas completas antes de la Revolución cubana en 1959. En su mayoría éstas películas trataban sobre melodramas. Después de la revolución, C uba entró al período conocido como "la época de oro del cine cubano".
Primeros años

Después de que los hermanos Auguste y Louis Lumière inventaran y popularizaran el cinematógrafo, se dedicaron a viajar por las principales ciudades y capitales del continente Americano. El 24 de enero de 1897, Gabriel Veyre llevó el primer cinematógrafo a La Habana desde México. La primera presentación se llevó a cabo en el Paseo del Prado #126, al lado del Teatro Tacón, hoy llamado el Gran Teatro de La Habana . Cuatro cortometrajes fueron mostrados: "Partida de cartas", "El tren", "El regador y el muchacho" y "El sombrero cómico". Las entradas costaron 50 centavos, 20 para niños y militares. Poco después, Veyre protagonizó el primer filme producido en la isla, llamado " imulacro de incendio", un documental sobre los bomberos de La Habana. En ésta primera fase de introducción, se car acterizaron ciertos sitios para el cine en Cuba: Panorama oler, alón de variedades o ilusiones ópticas , Paseo del Prado #118 y Vitascopio de Edison , entre otros. El Teatro Irioja
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(actualmente llamado Teatro Martí) fue de los primeros teatros en presentar películas como atracción. Los primeros teatros para cine fueron instalados por José A. Casasús, actor, productor y empresario. El primero llamado "Floradora" y que luego fue renombrado por "Alaska". El período compresendido entre los seis o siete años antes de la Segunda Guerra Mundial, el cine europeo y estadounidense se expandió a otras ciudades importantes de América Latina, con empresarios de Hollywood copando el mercado. El primer género que se produjo a gran escala fue el de revisión histórica. En Cuba, películas como "El Capitán Mambí" y "Libertadores o guerrilleros" (1914), de Enríque Díaz Quesada con el apoyo del General Mario García Menocal se destacan. Díaz Quesada adaptó a película una obra española del novelista Joaquín Dicenta en 1910, una tendencua de la época, que adaptaba obras literarias a películas, como también imitaciones a Charles Chaplin, comedias francesas y aventuras de vaqueros. El período de producción de películas mudas se extendió hasta 1937, cuando la primera película completa de ficción se produjo. Cine pre-revolucionario Antes de la Revolución cubana de 1959 el total de películas filmadas fue de aproximadamente 80 películas completas. Se destacaron, La Virgen de la Caridad protagonizada por Miguel S antos y Romance del Palmar por Ramón Peón. Muchos actores cubanos también hicieron presencia en México y Argentina. Músicos como Ernesto Lecuona, Bola de Nieve o Rita Montaner también actuaron o participaron en la banda sonora de películas de de diferentes países. Cabe destacar el Cineclub de la Habana fundado por Germán Puig y Rica rdo Vigón en 1948 y que luego, en 1951 tomaría el nombre de Cinemateca de Cuba. Cine post-revolución En los primeros días de 1959, el gobierno de Fidel Castro creó un departamento cinematográfico dentro de la Dirección de Cultura del Ejército Rebelde , la cual produjo documental como "Esta tierra nuestra" de Tomás Gutiérrez Alea, y "La Vivienda" de Julio García Espinosa. Éste departamento fue el antecesor de lo que se convertiría en el ICAIC (Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos), fundado en marzo de 1959, como resultado de la primera ley de cultura. Al perído comprendido entre 1959 y 1969, muchos críticos cinematográficos lo bautizaron como la época de oro del cine cubano, generalmente por la producción de Lucía (1969) por Humberto Solás y Memorias del subdesarrollo (1968) por Tomás Gutiérrez Alea. Éstos dos directores son por lo general

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catalogados como los dos mejores directores que ha tenido Cuba. La película Memorias del subdesarrollo fue seleccionada entre las 100 mejores películas de todos los tiempos por la Federación Internacional de Clubes de Cine, pero probablemente la más notabl e de la última década del siglo XX fue la película Fresa y Chocolate (1993) por Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío. Trata sobre intolerancia y presenta la amistad entre un homosexual y un joven revolucionario militante de la Unión de Jóvenes Comunistas . Fue la primera película cubana nominada a los Premios Óscar. Otra rama del cine cubano es el de documentales y cortometrajes. El documental Now (1965) de Santiago Álvarez es considerado por algunos críticos como el primer video clip en la historia. El documental combina una canción con una sesión ininterrumpida de imágenes que muestran discriminación racial en los Estados Unidos. Los dibujos animados cubanos se iniciaron en 1974, con el filme Elpidio Valdés, un personaje que representa a un guerrero mambí batallando por la independencia cubana de la ocupación española en el Siglo XIX. Fue popularizada entre los niños cubanos. Otra filme de animación destacado fue Vampiros en La Habana (1983), también de Juan Padrón. Otro ícono del cine cubano fue el Noticiero ICAIC Latinoamericano, dirigido por Alfredo Guevara, actual presidente de la ICAIC. Años después fue dirigido por el director Santiago Álvarez y el mexicano Rodolfo Espino, productor de documentales. Otro evento importante es el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano , el cual se celebra cada año en La Habana desde 1979, de los más importantes en América Latina. La Escuela Internacional de Cine, Televisión y Video de San Antonio de los Baños localizada en San Antonio de los Baños en inmediaciones de La Habana, financiada por la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano y Gabriel García Márquez, fue creada también para que estudiantes latinoamericanos fueran a Cuba a estudiar dirección, libretismo, fotografía y edición. El ICAIC también contiene la Cinemateca de Cuba e inició el programa de Cinemóviles, que lleva el cine a regiones apartadas de las urbes. El ICAIC ayudó a promocionar el Grupo de Experimentación Sonora , entre 1969 y 1977, el cual influenció y patrocinó la música de Cuba, en especial la Nueva Trova. Figuras como Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y Leo Brouwer, fueron algunos de los artistas que se participaron en el programa. Post-Guerra Fría Algunas películas del siglo XXI son extremadamente llamativas y profundas. Viva Cuba, por ejemplo, es la primera película infantil cubana, donde se va mucho más allá de una aventura de dos niños, hasta la política y las relaciones en el hogar. La Edad de la Peseta, fue otro filme de gran repercusión donde se narra una historia en la sociedad cubana a fines de 1958.

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En octubre de 2008 se estrena Kangamba, una producción dramática y bélica de gran envergadura, que rememora las acciones de las tropas cubanas que colaboraron en Angola en esa decisiva batalla.

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Cine México
El Cine Mexicano es el cine propio de México, desarrollado desde 1896, es uno de los más desarrollados de Latinoamérica junto a los de Brasil y Argentina. La primera película mexicana fue "El Presidente de la Re pública Paseando a Caballo en el Bosque de Chapultepec" (1896) y la primera película sonora fue Santa (1931), de Antonio Moreno utilizando un sistema sonoro inventado por el ingeniero mexicano Joselito Rodríguez y basada en la novela del escritor, también mexicano, Federico Gamboa La Época de Oro (1936-1957) Según algunos historiadores y críticos de cine, los verdaderos "años dorados" del cine mexicano corresponderían al periodo coincidente con la Segunda Guerra Mundial que va de 1939 a 1945, sin embargo, años antes de que iniciara esta, el cine mexicano ya había alcanzado un gran nivel técnico y artístico y tenía un mercado bien establecido, tanto dentro como fuera del país, por lo que la Segunda Guerra Mundial, simplem ente vino a incrementar la producción y expander el mercado ya establecido lo que no le quita su lugar como un elemento extremadamente importante para poder mantener el nivel de la industria mexicana en esos años. Con el apoyo norteamericano de la época pos-guerra, se dio un auge sin precedentes del cine nacional. Grandes estudios cinematográficos norteamericanos apoyaron de modo conjunto el desarrollo del cine nacional, por cuestiones estratégicas y por mantener un control sobre México, ya que era una época en la que la influencia comunista de la Unión Soviética se cernía sobre la posición estratégica mexicana y en todo el hemisferio latinoamericano, lo que se tradujo en una estrategia "mass media" sobre la escasamente educada e influenciable población mexi cana. Entonces, el inicio de la "Época de Oro" vendría con el estreno de la película "Allá en el Rancho Grande" que inauguraría el género de " comedia ranchera"´, género cultivado en México sin parangón en el resto de mundo, debido a la cultura e idiosincracia mexicanas. Y el final llegará con la muerte del actor y cantante Pedro Infante en 1957. El auge del cine mexicano favoreció el surgimiento de una nueva generación de directores: Emilio Fernández, Julio Bracho, Roberto Gavaldón e Ismael

Rodríguez, por mencionar a algunos. Para el público, sin embargo, fue más interesante la consolidación de un auténtico cuadro de estrellas nacionales. María Félix, Mario Moreno "Cantinflas", Pedro Armendáriz, Andrea Palma, Jorge Negrete, Sara García, Fernando y Andrés Soler , Joaquín Pardavé, Arturo de Córdova y Dolores del Río serían las figuras principales de u n "star system" sin precedentes en la historia del cine en español. En esos años, el cine mexicano abordó más temas y géneros que en ninguna otra época. Obras literarias, comedia, comedias rancheras, películas policíacas, comedias musicales y melodramas, formaron parte del inventario cinematográfico mexicano de aquellos años. Y también en la recta final de este periodo se inauguraría otro género que podría considerarse nacional y que al igual que la comedia ranchera, no tuvo rivales fuera de México, que fue el género de luchas o películas de Lucha Libre . Después de este periodo la producción nacional no ha vuelto a tener un nivel de producción y calidad combinados tan rentable, próspero y fructífero. La producción mexicana dominaba las salas de cine de todos los países de habla hispana, desde Centroamérica hasta Argentina y España, pasando por todo Sudamérica. En estos años, factores políticos influyeron enormemente en el desarrollo del cine mexicano. Uno de ellos fue la postura del gobierno mexicano ante la guerra. En 1942, tras el hundimiento de barcos petroleros mexicanos supuestamente por submarinos alemanes, el presidente Manuel Ávila Camacho declaró la guerra a las potencias del Eje, Alemania, Italia y Japón. Esta postura oficial nos colocó enmedio del conflicto, de parte de los Aliados. La decisión de Ávila Camacho salvó, colateralmente, a nuestro cine de la extinción. La guerra había causado una disminuci ón en la producción de muchos bienes de consumo, el cine incluido. Los materiales con que se fabricaban las películas y el equipo de cine se consideraban importantes para la fabricación de armamento (la celulosa, por ejemplo). Esto racionó la producción cinematográfica norteamericana, además de que el cine europeo sufría porque la guerra se desarrollaba en su terreno. En 1942, la industria de cine mexicano no era la única importante en españo l. Argentina y España poseían ya un lugar dentro del cine de habla hispana. Ambos países se declararon neutrales durante el conflicto y España acababa de salir de su propia Guerra Civil. Sin embargo, en la práctica, las dos naciones mantuvieron vínculos más que ligeros con Alemania e Italia. La decisión de alinearse con los Aliados trajo para México un estatus de nación favorecida. El cine mexicano nunca tuvo problemas para obtener el suministro básico de película virgen, dinero para la producción y refacci ones necesarias para el equipo. España y Argentina nunca tuvieron un apoyo semejante por

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parte de Alemania o Italia, y el curso de la guerra marcó también el curso de las cinematografís de estos países. En el panorama nacional, la situación de guerra tambi én benefició al cine mexicano porque se produjo una disminución de la competencia extranjera. Aunque Estados Unidos se mantuvo como líder de la producción cinematográfica mundial, muchos de los filmes realizados en ese país entre 1940 y 1945 reflejaban un interés por los temas de guerra, ajenos al gusto mexicano. La escasa producción europea tampoco representó una competencia considerable.

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l terminar la guerra

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, el cine mexicano gozó del prestigio que había alcanzado durante unos años más. Sin embargo, el repunte del cine norteamericano y la aparición de la televisión representaron una seria amenaza para una cinematografía que ya daba señales de cansancio. En 1946 asumió la presidencia el veracruzano Miguel Alemán Valdés. La llegada al poder de Alemán representó un cambio importante dentro de las estructuras del poder político en México. Alemán era el primer civil que llegaba a la presidencia desde 1932. Entre 1946 y 1950 ocurrieron cosas importantes dentro del cine nacional: Emilio Fernández consolidó su fama mundial al obtener distintos premios internacionales, el director español Luis Buñuel inició la etapa mexicana de su filmografía y Pedro Infante se conv irtió en el actor más popular de nuestro país. A pesar de ello, el cine mexicano comenzó a manifestar síntomas de no estar del todo bien. Para preservar el ritmo de trabajo alcanzado durante la guerra, las compañías productoras decidieron abaratar los cost os de producción de las películas. De esta manera proliferaron los llamados "churros": películas de bajo presupuesto, filmadas en poco tiempo y de mala calidad en general. Bajo el gobierno de Alemán se decretó la Ley de la Industria Cinematográfica. En ella se dejaba a la Secretaría de Gobernación, por conducto de la Dirección General de Cinematografía, el estudio y resolución de los problemas relativos al cine. Esta decisión -que con el tiempo afectaría negativamente al desarrollo de nuestro cine- fue tomada por la necesidad de controlar al monopolio de la exhibición cinematográfica que existía en esos años. Para 1949, la exhibición de películas en la República Mexicana estaba casi totalmente controlada por un grupo encabezado por el norteamericano William Jenkins. Al pasar el control del cine a la Secretaría de Gobernación, Alemán intentó desmantelar el monopolio, al mismo tiempo que dio el primer paso para la burocratización del cine, un lastre que la industria ha venido arrastrando hasta nuestros días.

La imagen cinematográfica del sexenio de Miguel Alemán está constituida por la rumbera y el arrabal. Más de cien películas con esos temas se filmaron durante su período de gobierno. El género de las rumberas, y el cine que mostraba la vida en los barrios pob res de la ciudad, reflejaban el fenómeno de la creciente urbanización del país. La población de la ciudad de México había aumentado entre 1940 y 1950 más que en toda su historia. Por otra parte, el cine de rumberas representaba una opción atractiva para un a industria cinematográfica ansiosa de encontrar la manera de filmar más por menos dinero. Casi todos estos filmes contaban, con algunas variantes, la misma historia: una chica humilde de provincia llegaba a la ciudad, era "devorada" por la maldad imperant e en la urbe, y quedaba condenada a bailar en el cabaret hasta encontrar la redención .

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Cine Perú
El cine peruano es la producción cinematográfica realizada en el Perú. La primera función de un filme (usando el cinematógrafo de los hermanos Lumière) se realizó en febrero del año 1897, en la Confitería Jardín Estrasburgo (hoy Club de la Unión ), en Lima, Perú. Un mes antes, se había proyectado imágenes en movimiento con el aparato llamado vitascopio inventado por Thomas Alva Edison. El público que presenció en un inicio, las proyecciones del vitascopio y del cinematógrafo fue de la aristocracia y las imágenes que observaron eran de paisajes de otros países (en 1899 se toman las primeras imágenes del Perú). Poco a poco las funciones fueron llegando a los sectores sociales más bajos, a través de exhibidores ambulantes que adquirían los aparatos y los llevaban a varios lugares recorriendo el país, generando el hábito y necesidad en el público que pagaba por ve r las funciones, y haciendo así su negocio. Esto fue debido a que el cine traía estímulos venidos de lejos, convirtiéndose en una forma de poner al alcance de la gente paisajes geográficos y humanos que la falta de medios de transporte negaban (solo habían rutas ferroviarias del siglo XIX, aún no se empezaba la construcción de redes de caminos esto se daría en la década de 1920).

Cine Venezuela

Las primeras películas realizadas en Venezuela fueron Célebre Especialista sacando muelas en el Gran Hotel Europa , y Muchachos Bañándose en la laguna

de Maracaibo, ambas estrenadas el 28 de enero de 1897 en el Teatro Baralt de Maracaibo, y cuya realización generalmente es atribuida al realizador Manuel Trujillo Durán.1 En este mismo año, otros pioneros del cine como Ricardo Rouffet y Carlos Ruiz Chapellín realizan algunos cortometrajes en la ciudad de Caracas. Sería en 1916 cuando Enrique Zimmerman realiza la primera película larga de ficción de la cual se tiene registro: La Dama de las Cayenas o Pasión y Muerte de Margarita Gutiérrez. Ocho años después, en 1924, se filma La Trepadora, adaptación de la novela homónima de Rómulo Gallegos. Hacia finales de los años 20, la actividad cinematográfica repunta cuando el Presidente Juan Vicente Gómez instala los Laboratorios Nacionales del Ministerio de Obras Públicas en la ciudad de Maracay. Igualmente, en Barquisimeto, Amábilis Cordero funda los Estudios Cinematográficos Lara. Con la salida de diversos noticieros y revistas, el cine nacional comienza a verse regularmente en las pantallas del país.

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Si bien en 1934 se hicieron algunos intentos de sonido con la película La Venus de Nácar, no sería hasta 1938 con el estreno del cortometraje Taboga que se puede hablar verdaderamente de cine sonoro en Venezuela. Igualmente se rueda el primer largometraje sonoro en el país: El Rompimiento, de A.M. Gómez. A finales de la década de los treinta, Rómulo Gallegos crea los Estudios Ávila en la ciudad de Caracas, y a principios de los años 40, Guillermo Villegas Blanco constituye formalmente la empresa Bolívar Films, la cual comienza a realizar alianzas estratégicas con el mexicano Rodolfo Espino y el argentino Lino Veluvirretti, para producir largometrajes dentro de un esquema industrial. Tal vez su película más conocida La Balandra Isabel llegó esta tarde , de Carlos Hugo Christensen, llegó a ganar el premio a mejor fotografía en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de Cannes en el año 1951. En el año 1959, la película documental Araya de Margot Benacerraf logra el Premio de la Crítica en el Festival de Cannes (compartido con Hiroshima, Mon Amour de Alain Resnais), el mayor reconocimiento obtenido por una película venezolana hasta el momento. La misma Benacerraf sería nombrada directora de la Cinemateca Nacional de Venezuela en 1966.

Cine Ecuatoriano
El cine ecuatoriano es un milenar arte de este país que por ser considerado tan exclusivo y original, ya sea tanto en contenido como en su forma de expresión,

es conocido en su totalidad solamente por algún nerd vago emparentado con algún burócrata que le permite tener acceso al archivo de la cinemateca nacional, en donde se encuentran las pocas y mal conservadas películas sobrantes de los incendios y cuartelazos que afectaron al país.

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Películas ecuatorianas Ratas, Ratones y Rateros

El guión de esta película tuvo su inspiración original en el famoso video de Jaime Nebot [1] en el congreso ecuatoriano y en el día a día de nues tros políticos y burócratas. El primer borrador ambientaba toda la historia en el Congreso Nacional, y el personaje de Ángel sería interpretado por el diputado socialista Victor Granda. Sucede que, en un lapsus de sobriedad en el que no había consumido té de hongos, Sebastián Cordero se dá cuenta de que para destacarse como cineasta internacional no podría repetir la fra casada fórmula de crear historias con personajes que tuvieran algo de dinero, dado que el cine latinoamericano solamente es interesante para el primer mundo en la medida en que retrate situaciones de violencia, pobreza y marginalidad. (A excepción, obviamente del cine argentino, pero ellos ya son considerados un país europeo en sus delirios gauchos .) Así, el personaje socialista de farc frac con pipa y tabaco inglés se transformaría en el marginal roldosista del guasmo con chancletas y cigarrillos "líder" que estafa a dios y todo el mundo, adaptándose así perfectamente al estereotipo del anti-héroe que tanto agrada en Cannes y que le rindió reconocimiento internacional a Cordero.
¿Qué tan Lejos?

Dirigida por la trigésima novena asistente del director de "Proof of Life", Tania Hermida, cuya experiencia cinematográfica se desta ca por haberle servido un vaso de agua evian a Meg Ryan durante el rodaje de la película hollywoodense en Quito. Es una producción que habla sobre... nada realmente. Básicamente, una española ilusa con el tercer mundo en su visita a Quito se junta con una adolescente histérica emo izquierdista del sur para un viaje a Cuenca que se malogra gracias a la rutina habitual de huelgas y bloqueos en las vías Ecuatorianas. Al llegar a esta ciudad, y cuando se espera que se desarrolle apropiadamente el resto del argumento propuesto, la trama toma un giro inesperado con... ¡los créditos!, arruinando así su diversión de final de semana en el cine y despertando un ímpetu frenético de pedir que le devuelvan la plata de la entrada.
Crónicas

Tras haber ganado el Premio de Sundance, Sebastián Cordero se encontraba listo para retomar su actividad rutinaria co mo dueño de un videoclub en la capital cuando recibió una llamada del chicano actor John Leguizamo, quien le

propuso una joint -venture para filmar el proyecto ganador del festival. Así, ambos se asocian y desarrollan conjuntamente un guión que solo lo enti enden a perfección los cubanos radicados en Miami, así como otras especies que adoptan el spanglish como lengua nativa. Trata sobre la historia de un periodista corrupto que viaja al Ecuador para cubrir la historia de un violador de criaturas, y aporta como moraleja que los periodistas son violadores de criaturas y vice-versa, básicamente.
Cineastas ecuatorianos

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Sebastián Cordero

nació en la ciudad de Quito, Ecuador, en el año de 1972. Se interesó por primera vez en el cine al ver Los cazadores del arca perdida cuando tenía sólo 9 años. A los 18 años empezó sus estudios de cine y guión en la University of Southern California . Inmediatamente después de su graduación regresa al Ecuador con la idea de hacer cine en un país que prácticamente carece de esta industria. Su primera película, Ratas, ratones, rateros (1999), lo llevó al Festival de cine de Venecia, apareciendo después en festivales como el de Toronto, San Sebastián y en el de Cine Independiente de Buenos Aires, siendo reconocido con premios y honores en festivales como el de Huelva y el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana Su segundo largometraje, Crónicas, fue reconocido con el Sundance/NHK International Filmmakers Award, y en el año 2004 apareció por primera vez en el Festival de Cannes en la sección "Una Cierta Mirada", y fue nominado al "Gran Premio del Jurado" en el Festival de Cine de Sundance . Filmará su tercer largometraje en España en 2008. Se trata de una adaptación de la novela Rabia del escritor argentino Sergio Bizzio .

AUGUSTO SAN MIGUEL REESE

PRECURSOR DEL CINE NACIONAL.- Nació en Guayaquil en 1.906. Hijo legítimo del Dr. Manuel Cirilo San Miguel Sánchez, abogado que escribía en los periódicos La Reacción y El Tiempo de Guayaquil bajo el pseudónimo de M. M. tuvo su domicilio y estudio en una casa propia ubicada en Aguirre y Chimborazo; y de Rebeca Reese Berry, blanca, bajita y de ojos azules, heredera de las haciendas La Saiba al sur de Guayaquil y La Palma y La Victoria frente a Samborondón, naturales de Cuenca y Guayaquil, respecti vamente( 1)

Películas latinas
La ciudad y los perros - Francisco Lombardi (Perú)
La ciudad y los perros es una novela del escritor peruano Mario Vargas Llosa. Fue publicada en 1962, galardonada con el Premio Biblioteca Breve y el Premio de la Crítica. Esta obra se adentra en un colegio militar de Lima, Perú, donde los chicos internos reciben formación escolar y disciplina militar. En ella se narran las diferentes historias de unos muchachos que descubren y aprenden a convivir con una forma militar de vida alienante que no les permite desarrollarse como personas, y donde se les somete y humilla. No obstante, a través de este sistema, algunos encontrarán la fortaleza necesaria para asumir sus retos. Desde dentro del colegio militar veremos los anh elos, ilusiones, desvelos y miserias de los internos, conoceremos los códigos por los que se guían, así como las leyes que rigen el colegio. Vargas Llosa critica la forma de vida y cultura castrenses, donde se potencian valores determinados (agresividad, v alentía, hombría, sexualidad...) que mutilan el desarrollo personal de los muchachos de este internado. Con gran profusión de personajes, las vidas de estos se van entrecruzando, hasta tejer el tapiz de la obra.

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Los ol idados - Luis Buñel (México)
Los olvidados es una película mexicana de 1950 escrita y dirigida por Luis Buñuel, que obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes y que ha sido nombrada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Los olvidados cuenta una historia trágica y realista sobre la vida de unos niños en un ba rrio marginal de la Ciudad de México. Esta película es la obra más relevante desde que Buñuel comenzó su etapa mexicana. Tras el éxito comercial que le proporcionó El gran Calavera, el productor Óscar Dancigers le propuso que dirigiese una nueva película sobre los niños pobres de México. La película se sitúa en la línea del neorrealismo italiano, al que Buñuel aporta su toque surrealista como se puede observar en la secuencia del sueño de Pedro, la obsesión por las gallinas o el huevo lanzado hacia la cámara.
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La historia oficial - Luis Puenzo (argentina)
La Historia Oficial es una película argentina, protagonizada por Norma Aleandro y Héctor Alterio. Se estrenó el 3 de abril de 1985 y fue ganadora de muchos premios nacionales e internacionales, entre ellos el Óscar y el Globo de Oro, ambos a la "mejor película de habla no inglesa". Una profesora (Norma Aleandro) toma conciencia de lo ocurrido unos años atrás durante la dictadura militar autodenominada Proceso de Reorganización Nacional. El regreso de una amiga exiliada (Chunchuna Villafañe ), el descubrimiento de los turbios manejos de su esposo (Hé ctor Alterio) y la aparición de una Abuela de Plaza de Mayo (Chela Ruiz) son una bisagra en su vida, que la llevan a tomar conciencia política y a descubrir que su hija (Analía Castro) puede ser en realidad hija de desaparecidos.

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El ángel exterminador - Luis Buñel (México)

El ángel exterminador es una película de Luis Buñuel producida en México por Gustavo Alatriste y protagonizada por Silvia Pinal (esposa del productor), Enrique Rambal y Claudio Brook, aunque se trata de una obra coral. Fue realizada tras el éxito internaci onal de Viridiana, también producida por Gustavo Alatriste e interpretada por Silvia Pinal. La película franco-española de 1972 El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie) aborda temas similares.

Frida, naturaleza viva - Paul Leduc (México)
Basada en la vida de la pintora mexicana Frida Kahlo. Narrada de una forma poética y rica en imágenes, muestra pasajes de la vida de esta mujer desde su infancia hasta su muerte, pasando por su relación con su padre Guillermo Kahlo, su marido Diego Rivera, el exiliado ruso León Trotsky, el pintor David Alfaro Siqueiros, sus relaciones bisexuales, su intimidad, la relación con su hermana Cristina, entre otros momentos destacados de la pintora latinoamericana más famosa y cotizada del mundo.

Tangos, el exilio de Gardel - Fernando Solanas (Argentina)
El exilio de Gardel (Tangos) es una película argentina-francesa estrenada el 20 de marzo de 1986, dirigida por Fernando Solanas y protagonizada por Marie Laforêt, Miguel Ángel Solá y Philippe Leotard.

Musical de tango que muestra detalles de la vida de un grupo de argentinos tratando de sobrevivir en su exilio en París, durante la dictadura argentina llamada Proceso de Reorganización Nacional (1976-1983).

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El chacal de Nahueltoro - Miguel Littin (Chile)
El Chacal de Nahueltoro es una película chilena de 1969, escrita y dirigida por Miguel Littín. Basada en hechos reales, es un recreación de un impactante crimen, hito de la crónica roja o policial de Chile de mediados de la década de 1960, cuando un campesino llamado Jorge del Carmen Valenzuela Torres fue apresado por el asesinato múltiple de una mu jer campesina y sus cinco hijos, en la localidad de Nahueltoro (San Carlos). Por la brutalidad del crimen cometido fue apodado El Chacal. Galardonada con el premio OCIC Award 1970 en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

Memorias del subdesarrollo - Tomás Alea (Cuba)
Memorias del Subdesarrollo es un largometraje cubano. Fue dirigida por Tomás Gutiérrez Alea, y está basada en la novela de Edmundo Desnoes. Es, posiblemente, la obra más conocida a nivel mundial de Gutiérrez Alea. La película obtuvo varios premios en festivales internacionales.

Hombre mirando al Sudeste - Eliseo Subiela (Argentina)
En un manicomio aparece un día Rantés (Hugo oto), un sujeto que asegura ser un enviado de otro planeta que ha venido a investigar la estupidez humana , pero el doctor Julio Denis (Lorenzo Quinteros) es escéptico respecto a este relato y piensa igual que las personas de la época, que es simplemente un convicto que huye de la ley. A lo largo de las sesiones de tratamiento, en las que el paciente se mantiene firme en sus declaraciones, el médico comienz a a dudar, pero sabe que si acepta su versión quedará él por loco.


La hora de los hornos - Octavio Getino y Fernando Solanas (Argentina)
La Hora de los Hornos, es un film argentino realizado en 1968 por los cineastas Fernando "Pino" Solanas y Octavio Geti no, integrantes en ese entonces del Grupo de Cine Liberación.

Este film está dividido en tres partes: "Neocolonialismo y violencia"; "Acto para la liberación", dividido a su vez en dos grandes momentos "Crónica del peronismo (1945-1955)" y "Crónica de la resistencia (1955-1966)"; "Violencia y liberación".

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Lucía - Humberto Solás (Cuba)
Lucía fue considerada por la crítica mundial como una de las diez películas más importantes de la historia del cine Iberoamericano, así como también una de las diez películas antológicas del cine del Tercer Mundo. Su filmografía se caracteriza por la plasmación de un humanismo que se ocupa en la búsqueda de la identidad nacional y latinoamericana en función de los ideales de paz, armonía y justicia social, como se hace patent e en Cecilia (1982), Amada (1983), Un hombre de éxito (1985) y El siglo de las luces (1991), todas caracterizadas por su procedencia literaria o por el empeño en poner en escena el pretérito. La estética de Solás se apoya en el legado clásico del neorreal ismo italiano, Serguei Eisenstein, y Orson Welles, y lo intertextualiza con la influencia de las figuras clave de la cultura cubana.

Dios y el diablo en la tierra del sol - Glauber Rocha (Brasil)
He contado una historia, sea verdad o imaginación, espero que hayas aprendido la lección" dice la canción que a ratos salpica la narración de este film, aludiendo a la base histórica del relato, pero también a la mitificación popular en la llamada en Brasil 'literatura de cordel'. Mientras que otro párrafo de la canción, "La tierra pertenece al hombre, no a Dios ni al diablo", resume el planteamiento de la historia. La película pinta la miseria del norte de Brasil, el 'sertão', un curioso paisaje desértico donde se encuentra el Monte Santo. Manoel y Rosa es un m atrimonio pobre, aplastado por los poderosos. Precisamente el abuso de un terrateniente, empuja a Manoel a matarle. Tal acción le convierte en fugitivo con Rosa, y ambos engrosarán primero las filas de Sebastião, un iluminado santón y fanático, que arrastra tras de sí a un buen grupo de miserables, que encuentra consuelo en sus soflamas, oraciones y penitencias, aunque también empuje a tropelías intolerables, como el sacrificio de un bebé; y luego las de Corisco, jefe

de una banda de cangaçeiros, forajidos que se enfrentan al orden establecido con violencia de todo tipo. Anda detrás de estos dos 'revolucionarios' Antonio das Mortes, un mercenario contratado por las fuerzas bien pensantes para restaurar el orden.

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Vidas secas - Nelson Pereira dos Santos (Brasil)
La historia inicia en 1940, con una familia pobre del sertão del nordeste brasileño, en busca de un lugar para sobrevivir. Exhaustos, la cabeza de familia, Fabiano y su mujer, Victoria, junto con sus dos hijos y la perra, Baleia, encuentran una casa y pasan la noche en ella, ya que estaba aparentemente abandonada. Inesperadamente, llega el dueño de la hacienda y amenza a la familia con expulsarla del lugar. Fabiano le implora que le dé trabajo y terminan por quedarse en la hacienda. Un año después, Fabiano ya era el vaquero de la hacienda y cuidaba a los animales; pero no recibía el salario suficiente por todo el trabajo arduo que realizaba. Fabiano y su familia, de camino a la ciudad, van a una fiesta regional y, Fabiano, invitado por un soldado, va a jugar con unos apostadores, arriesgando todo su salario y, en el momento en el que se da cuenta de que estaba perdiendo, salió y fue abordado por el soldado, surgiendo, así, una discusión entre ellos. El soldado llama a la policía y Fabiano es detenido, acusándolo injustamente y siendo agredido

Crónicas -Sebastián Cordero (Ecuador)

Manolo Bonilla, presentador estrella de un programa de noticias sensacionalistas de Miami, viaja junto con su equipo a una pequeña ciudad ecuatoriana para cubrir la historia de u n asesino en serie de niños, el "Monstruo de Babahoyo". La muerte accidental de un niño lleva a los habitantes de la ciudad al borde de linchar a Vinicio Cepeda, un humilde vendedor ambulante. Sin embargo, la intervención de Manolo salva la vida del hombre . Vinicio es encarcelado por homicidio involuntario y ofrece a Manolo información sobre el "Monstruo" a cambio de que Manolo emita un reportaje sobre su injusto encarcelamiento. Manolo acepta, atraído por el lado oscuro que intuye en Vinicio, y pronto empieza a saltarse las reglas, decidido a ser el héroe que, sin ayuda de nadie, detenga al asesino.

Now! - Santiago Alvarez (Cuba)

Santiago Álvarez Román (18 de marzo de 1919 - 20 de mayo de 1998) fue un cineasta cubano. Escribió y dirigió varios documentales sobre la cultura cubana y estadounidense, en forma de propaganda. Algunas de sus obras más conocidas son el corto Now (1964), sobre la discriminación racial, es considerado por especialistas como el antecedente del videoclip a ctual. LBJ (1968) y 79 Primaveras (1969) analiza las principales figuras de la Guerra de Vietnam (Lyndon B. Johnson y Ho Chi Minh respectivamente). En 1968, colaboró con Octavio Getino y Fernando E. Solanas en el documental La Hora de los hornos, sobre los efectos del imperialismo en Sudamérica. Fundador y director del Noticiero ICAIC Latinoamericano, su obra se destacó por la presencia activa del periodismo, el reflejo de importantes sucesos históricos como la invasión mercenaria a Cuba en 1961, el genial uso del montaje y el empleo de la banda sonora como parte indisoluble de l a acción dramática. Defendía la importancia del periodismo cinematográfico como enriquecedor del documental y afirmaba: "Yo informo de acontecimientos a partir de ideas que tengo sobre esos acontecimientos". Por su labor como cineasta recibió más de 80 pri meros premios en festivales internacionales y concursos nacionales. Tiene a su haber algunos documentales de corte fascista como los que realizó durante el Éxodo de Mariel. Fue nombrado miembro de la Academia de Artes de la República Democrática Alemana y maestro perenne de la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños. Fue asesor del Ministro de Cultura de Cuba, Presidente de la Federación Nacional de Cine -clubes y hasta 1986, fue miembro de la Asamblea Nacional del Poder Popular .

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