Introduccin

En este trabajo conoceremos la Historia de la Musica a travez de

los tiempos, y de su evolucion e importancia en nuestra
sociedad.
Viajaremos desde Oriente, pasando por la India y Europa
conociendo las distintas epocas de la musica clasica, opera y
compositores mas famosos...
Conoceremos desde el simple sonido del tambor ms
prehistorico hasta la musica con sintetizador mas avanzado de
nuestra epoca...

HISTORIA DE LA MUSICA
La prehistoria y las civilizaciones antiguas
Hace mas o menos 51 mil aos o mas nuestros antepasados inventaron la
musica. Los hombres primitivos tenian preocupaciones. Como no conocian la
agricultura tenian que buscar sin cesar el alimento, mientras se defendian
contra sus semejantes o contra los animales feroces. Eran a la vez cazadores
y cazados, lo que les obligaba a desplazamientos continuos.
Un buen dia el hombre descubre que puede imponer su voluntad a la
naturaleza. Algunos animales buscan su compaa y aprenden a obedecerle;
algunos vegetales comestibles se pueden plantar y de esta forma
multiplicarse.
Entonces unas tribus nomades descubren los encantos de la vida sedentaria.
Se afincan en valles fertiles o fundan pueblos y luego ciudades. Estamos
entre los aos 10 mil y 5 mil ac.
Los pobladores de algunos valles; Tigris y Eufrates, Nilo, Rio Amarillo...
fueron los primeros en muchas cosas: metales, carros de ruedas, escrituras,
artitmetica y musica.
Verdarera musica como hoy la entendemos.
Varias regiones fueron destruidas por cataclismos naturales, los libros
antiquisimos hablan de ello, es El Diluvio del que habla La Biblia. Quizas se
trate de inundaciones catastroficas provocadas por los grandes rios pero no
por eso menos devastadoras. Ciudades enteras fueron destruidas con sus
habitantes y sus tesoros. En cambio se han encontrado instrumentos de
musica, escritos, esculturas de la epoca que siguio al Diluvio, etc.
Los que escaparon del Diluvio entre el Tigris y el Eufrates tocaban la flauta
de plata, el arpa, la lira, el tambor o el laud.

La musica en Egipto

En Egipto, tierra de las piramides y la esfinge, la musica es un misterio. Se

admite su influencia sobre la cultura musical griega y la existencia de
indicios sobre instrumentos conservados. Se deduce que los egipcios poseian
instrumentos de cuerda viento y percusion ya que se encontraron en algunas
tumbas faraonicas figuras de flautas.
Empleaban el movimiento de la mano, para indicar la ondulcaion melodica
marcaban el ritmo con palmadas, cistros platillos y tambores. Tambien para
indicar la marcha de la melodia se valian de movimientos de las manos.

La musica se la asignaba con una doble posibilidad, por un lado la capacidad

de motivar en el hombre una sensacion (gozo y alegria) y por otro lado el de
crear sensaciones de naturaleza mistica y magica.

La musica en la antigedad consistio en la extereorizacion de los

sentimientos del hombre a travez del sonido de su propia voz.
Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo
del hombre que podian producir sonidos.
Los diferentes instrumentos musicales primitivos estan clasificados en:
Autofonos: Aquellos que producen sonidos por medio de la materia con
la que estan construidos.
Membranofonos: Serie de instrumentos mas sencillos que los
construidos por el hombre, por ejemplo tambores hechos con una
membrana tirante sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o
una verdadera y autentica caja de resonancia.
Cordonofonos: De cuerda, por ejemplo el arpa.
Aerofobos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una
columna de aire.
Uno de los primeros instrumentos fue la flauta, construida con un hueso con
agujeros.

La musica en Grecia
Los griegos componian musica sobre la base de tipos de musica ya
consagrados o sea: no creaban musica.
Solian agregarle un determinado esquema musical a diferentes poesias o
alteraban su ritmo dando nacimiento a otras obras musicales.
Tenian generos melodicos muy variados:
Prosodia: canto entonado cuando la procesion se dirigia al templo.
Hipoquerma: melodia asociada a movimientos corporales propios de
danzas griegas.
Ditirambo: cancion en honor de Dionisio o Baco (Dios del Vino)
Pean: himno en homenaje a Apolo.
Treno: canto funebre y doliente creado por Linos.
Elegia: carcter triste.
Himeneo y Apitalemio: carcter alegre para el casamiento.
Sobre la base de estos generos se elaboro toda la musica lirica en Grecia,
pero se fueron introduciendo otros generos liricos como:
Dafneforicas: entonados por portadores de laurel.
Oscoforicas: entonados por quienes llevaban una rama de vid.
Tipodeforicas: entonadas por 2 personas que cargaban tripodes.
El sistema musical se nutrio de los principios de Pitagoras.
Los antiguos griegos dividian el marco melodico en 2 cuartas. En las celebres
fiestas nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y
cantaban ditirambos.
En las representaciones teatrales el coro era un personaje importante en las
tragedias griegas.

La musica en Roma
Roma conquisto militarmente a Grecia pero el vigor y el esplendor de la
civilizacion griega domino al nuevo imperio. Las artes, las ciencias, la
filosofia pasaron a integrar el pensamiento romano.
La tragedia y la musica griega se afincaron en la peninsula desarrollandose a
la manera romana, tomando caracteristicas que en muchas oportunidades
desvirtuaron el significado estetico que la musica habia alcanzado entre los
griegos.
En Roma tuvieron gran auge las fiestas musicales consistentes en brillantes
cortejos formados por centenares de musicos y coros inmensos que recorrian
la ciudad.
De todos los ambitos del Imperio acudian a Roma los musicos virtuosos,
verdaderos showmen a quienes interesaba brindar un espectaculo lleno de
excentricidades. Habia celebres artistas que se hacian pagar muy bien y que
llevaban una vida de lujo. Entre los mas famosos sobresalieron los griegos
como Terpnos, gran citarista y maestro de Neron, Polon, etc.
En los teatros romanos edificados a la manera griega se comenzo a
reperesentar comedias, siendo los principales autores Plauto y Terencio.

La Tragedia no tuvo mucha aceptacion su principal cultor fue Seneca. Entre

las obras del filosofo quedaron algunas como Medea, Las Troyanas y
Agamenon.
Los romanos utilizaron instrumentos de distintos pueblos de la antigedad.
Roma tuvo bajo su poder a pueblos enteros que a su vez aportaron sus
tradiciones al mundo romano.
Los instrumentos solistas mas importantes fueron: la lira, la citara, el aulos,
el oboe, el cerni, tambien los platillos y los timbales.
El pueblo romano se preocupo por la musica y el lenguaje, por ejemplo,
algunos oradores estaban acompaados por un flautista.

Desarrollo de la musica en el Lejano Oriente

La musica en China:
En China el emperador Shih Huang-Ti fue quien ordeno la destruccion de
todos los libros. Todo lo que se sabe del pasado de China se sabe por
leyendas o por la enseanza oral de los sabios que preservaron la antigua
cultura.
La musica en China atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese pais
anciosos de novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la musica, las
notas eran para los hombres ordinarios , la musica a los hombre sabios.
Linr-luen, de profesion sabio, invento la teoria musical china, una teoria tan
perfecta que ha servido hasta nuestros dias.
Creo la gama china, cortando caa de longitudes bien calculadas y soplando
en su interior.
Los chinos formaron la escala que los europeos llamaron cromatica,
descubierta por el maestro de musica de Hoan-Ti.
Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8
grupos: piedra, metal, seda, bambu, madera, cuero, calabaza y tierra.
Entre los instrumentos de viento estan las flautas de Pau, la flauta de bambu
con orificios, las flautas traversas y las trompetas. Entre los de cuerda
estaba el Kin, el Che, el Pi-pa.

La Musica en Japon
La teoria musical y los instrumentos utilizados en Japon eran provenientes de
Corea, que a su vez, los habia incorporado desde China. A pesar de esto el
refinamiento musical japones alcanzo un nivel superior al chino.
Los instrumentos favoritos japoneses eran: el koto, el Yamato-goto y el
Yamato-bue. En los casos de acompaamiento musical no acostumbraban a
hacer sonar simultaneamente la voz y el instrumento.
Existian diferentes generos musicales: el Bagaki para ceremonias del
emperador, el No para la musica de fondo en actos de teatro, el Ko-uta para
la musica folclorica y el Noga-uta para la musica seria.

La musica en la India
La India por su situacion geografica alejada de Europa no dio a conocer su
musica hasta despues de varios siglos. El carcter de la musica india se
encuentra mas cercana a la musica occidental que a la china y japonesa. Sus
rasgos principales son de origen mitologico, predomina el compas ternario y
la division cromatica de la escala.
Igual que en la China las notas de la escala tenian cierta relacion con los
individuos.
La teoria musical tenia como base la raga (forma melodica), el cual al
modificar sus ritmos permitia nuevos cantos. Las ragas representaban
colores, estados del alma, etc.
La musica vocal e instrumental de India tenia variadas aplicaciones, en la
religion, en palacios, entre gente humilde, etc.
Algunos de sus instrumentos fueron:
De arco: ravanastia, ravana y amurita.
De viento: flautas, oboes, cornamusas y trompetas.
De percusion: campanas, platillos, panderos y tambores.

La musica en Israel
La musica en Israel era un elemento inseparable del culto.
Pentateuco: el caso de Laban
Genesis: que cita instrumentos musicales.
Exodo: el canto oral.
Algunos instrumentos usados por el pueblo de Israel fueron:
Cuerdas: las lisas y citaras. Salterios de 13 cuerdas, arpa egipcia de 10
cuerdas, tambien llamada Arpa de David.
Viento: flauta simple, cueron de carnero.
Percusion: tambores, cimbolos, y castauelas.

La musica en la Edad Media

La musica en la edad media se divide en el Periodo Patristico (hasta el ao
840). En el Romantico (ao 840 hasta el ao 1250 en el siglo XII).
En el Gotico (1250 a fin de la edad media y 1453, fines del siglo XV).
En el Periodo Patristico aparecio la Era Cristiana y la Era Media, en esta
ultima la historia de la musica se encuentra intimamente ligada a la forma
en que se desarrollo la liturgia cristiana, ya que se consideraba a la musica el
vehiculo por medio del cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios.
Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron
enfrentar la existencia de textos y melodias profanas que trataron de
penetrar en los oficios religiosos.
Los personajes de la musica profana dedicados a la disposicion de esta
musica fueron:
Juglares: musicos ambulantes y plebeyos que divertian en fiestas y
castillos.

Los Trovadores: pertenecian a la nobleza y eran musicos y poetas que

inventaban rimas y ritmos.
Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proesas de sus
heroes valiendose del laud.
Los
ministeriles:
verdaderos
productores
musicales
que
administraban musica y formaban corporaciones o gremios dedicados
a brindar espectaculos musicales.

En el ao 374 a 397 San Ambrosio reunio aquellos signos que debian ser
aceptados en un credo antifonario naciendo asi el Canto Ambrosiano.
En el 540 al 604 San Gregorio Magno recopila himnos eliminando los que
tenian origen popular o pagano, dando nacimiento al Canto Gregoriano.
Desde su nacimiento la musica cristiana fue una oracion que se tenia que
cantar con devocion tal como lo decia San Pablo Cantando a Dios con
vuestro corazon, asi pues el texto es la razon de ser del canto gregoriano ya
que el que canta reza dos veces.
La melodia del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes:
El Silabico: cada nota representada por una silaba.
El Neumasico: una misma silaba corresponden a 2, 3 4 sonidos
diferentes.
Las Secuencias: intercalacion de un texto en las notas del aleluya.
El texto es el que da sentido a la melodia y no se puede concebir el canto
gregoriano sin texto, lo que quiere decir que al interpretar el canto
gregoriano, los cantantes han tenido que entender muy bien el sentido del
texto.
Esta musica se canta a capella sin acompaamiento instrumental, se canta al
unisono o lo que es lo mismo todos los cantores entonan la misma melodia.
A esta forma de canto se le llama Monodia. Se canta con ritmo libre.

Notacion Gregorianas:
Notas simples

Virga
Inclinatum

Punctum Quadratum

Neumas Simples

Punctum

Pes (podatus)

Clivis

Torculus

Porrectus

Climacus

Scandicus

Salicus

Neumas compuestos
Se forman por la unin de neumas simples por una sola slaba
Flexus: cuando se complementan con notas descendentes

Resupini: cuando se complementan con notas ascendentes

Praepunctis o subpunctis segn contengan notas antes o despus:

Praepunctis
Subpunctis

ALTURA DE LOS SONIDOS

La altura de los sonidos viene indicada por la colocacin de las notas al
tetragrama con la posibilidad de utilizar lneas adicionales inferiores y
superiores.

Las claves utilizadas son de Do (C) y FA (F) que pueden estar en 2. 3. o 4.

lnea.

Clave de DO (C)

Clave de FA (F)

La extensin posible de los sonidos es:

SIGNOS DE PAUSA.
Los signos de pausa, originados por la estructura del texto, son:

a) Lnea divisoria mnima, que separa los incisos o partes menores en que se
divide el texto; no implica respiracin.
b) Lnea divisoria menor, que separa los miembros de la frase. No son ms
que incisos de ms amplitud. Casi siempre implica respiracin.
c) Lnea divisoria mayor que separa les frases: Equivale a un silencio con una
durada de nota simple y obliga a respirar.
d) Lnea divisoria doble, que indica ms sentido conclusivo o tambin final de
la composicin, equivale a silencio de nota simple, a veces un poco ms
prolongado.

OTROS SIGNOS
E1 guin es un signo que va al final de cada tetragrama, para indicar que
nota es la inicial.

El si bemol

El canto gregoriano es msica modal, se utilizan varias escalas o modos de

sonidos muy particulares, sirven para despertar diferentes sentimientos
como: alegra, tristeza, serenidad, etc. Esto es consecuencia de la colocacin
de los semitonos dentro de las escalas.
Guido DArezzo dijo: El primero es grave, el segundo es triste, el
tercero mstico, el cuarto armonioso, el quinto alegre, el sexto devoto,
el sptimo anglico, y el octavo perfecto.
Adn de Fulda los comenta: El primer modo se presta a todo
sentimiento, el segundo es apto para las cosas tristes, el tercero es
vehemente, el cuarto tiene efectos tiernos, el quinto conviene a los
alegres, el sexto a los que tengan piedad, el sptimo pertenece a la
juventud y el octavo a la sabidura.
Juan de Espinosa, autor del siglo XVI, comenta: El I es alegre y muy
hbil para suavizar pasiones de animo...; grave y llorn es el II, muy
apropiado para provocar lagrimas...; el III es muy eficaz para incitar la
ira...; mientras que el IV coge toda la alegra y incita a gozar de las
cosas...; el V causa alegra y placer a los que estn tristes...; llorica y
piadoso es el VI...; placer y tristeza se renen en el alegre VIII...

LOS MODOS GREGORIANOS

La nica escala diatnica que se utiliza en el Canto Gregoriano, es:

No todas las melodas cogen toda la extensin: algunas se mantienen en la

octava inferior (de La a La), otras en la central de (Mi a Mi) y otras en la
superior (de Sol a La). En cada una estas octavas, los SEMITONOS a ms o
menos distancia de la nota final, con lo cual tenemos un elemento
fundamental para entender los Modos.
Para los Greco-romanos, la octava que conocemos hoy en da no exista. Eran
ms bien dos tetracordos separados:
Do, re, mi, fa
sol, la, si, do.
El Tetracordo es considerado como la base modal, el primer elemento
completo o ncleo generador de toda la meloda.
Las escalas tienen una quinta central a partir de la nota tnica, llamada
tambin final, ms tres sonidos, que pueden estar en la parte superior, y en
este caso se llaman modos autnticos (agudos), o en la parte inferior, y
entonces se llaman modos plagales (o graves).

El nombre de los modos son:

Existe una tnica en la cual, si bien no siempre comienza la meloda,

normalmente acaba y descansa. Las tnicas pueden ser: Re, Mi, Fa y Sol. A
ms a ms en cada modo hay una nota Dominante, llamada as porque la
meloda se mueve sobre ella con relativa frecuencia, les dominante son:
MODO

DOMINANT
RE
E

II

III

IV

VI

VII

VIII

FA

SI-DO

LA

DO

LA

RE

DO

La meloda es silbica si a cada slaba del texto le corresponde un sonido y es

melismtica cuando a una slaba le corresponde varios sonidos.
Hay melismas que contienen ms de 50 sonidos por slaba. El texto es en
latn, lengua del Imperio romano y extendida por Europa, los textos se cogen
de los salmos, del Antiguo Testamento, de los Evangelios y otros eran de
inspiracin propia, generalmente, annima.
El canto gregoriano est escrito sobre tetragramas, es decir sobre 4 lneas,
las notas se denominan punto cuadrado (punctum) o virga si aparecen solos,
o neumas si aparecen agrupados.

EL ESCENARIO DEL CANTO GREGORIANO

El canto gregoriano naci para ser interpretado dentro de la Liturgia de la
Iglesia, la Liturgia es su escenario natural.

La Misa.
1.La Misa: En la celebracin de la Eucarista hay dos grupos principales de
piezas:
a) El ordinario: Est formado para textos que se repiten en todas las
Misas.
- Kyrie Eleison
- Gloria in excelsis Deo
- Credo
- Santo y Benedictus
- Agnus Dei
b) El Propio: Est formado por piezas que se cantan segn el tiempo
litrgico o segn la fiesta que se celebra.
- Introito: canto de entrada para iniciar la celebracin
- Gradual o Aleluya o Tracto: despus de las lecturas
- Ofertorio para acompaar la procesin de las ofrendas
-

Comunin

La Polifonia.
Hacia finales del siglo IX y principios del X se procucen 2 hechos de gran
trascendencia desde el punto de vista musical nacidos para dar mas riqueza
al canto gregoriano:
Los primeros indicios de polifonia.
Los tropos y las secuencias.
La polifonia era una nueva tecnica musical resultante del cruzamiento de
varias voces, segn reglas y esquemas armonicos. La musica polifonica tuvo
origen en el canto gregoriano, o sea que el tema de un canto liturgico se
tomaba como base superponiendole otro nuevo.
El Organum: forma mas antigua de la polifonia que se conoce y tiene
por base la superposicion de voces a distancia de cuartas o quintas.
El Discantus: las voces o melodias realizaban movimientos contrarios
en lugar de movimientos directos.
El Conductus: con su aparicion los compositores tienen una mayor
libertan en su creacion, sin sujetarse a la melodia base.
El Gymel: las voces o melodias se movian en distancia de terceras
solamente comenzando y concluyendo en el unison.
El Faux-bordon: procedimiento musical en el cual las voces se
disponian en intervalos de tercera y sexta.
Con la aparicion del conductus y con los organums de perotin ue ya tienen
cuatro voces, se habren caminos a nuevas combinaciones de polifonia
medieval hasta culminar en la forma del Motete. La palabra Motete deriva
del frances Mot (texto).
La voz principal es el tenor y se va renovando con las otras voces con
variantes y diversos desarrollos.
Es condicion escencial del motete que sus voces canten simultaneamente al
menos dos letras.
Aunque nacio de la liturgia poco a poco se va aliando cada vez mas con los
razgos melodicos de las canciones de los trovadores, marcando asi la primera
aparicion de un arte polifonico profano lleno de vida.
La lengua empleada en el motete era el latin para el teros y otras dos voces
en frances.

La musica en el Renacimiento

El termino Renacimiento no es muy adecuado para la musica ya que no hay

ninguna rutura con la etapa anterior si no una evolucion estilistica; es mas
bien un termino cronologico que nos sirve para hablar de la musica de los
siglos XV y XVI.
El espiritu del renacimiento nace en Francia y se extiende hacia Italia. A
partir de la primera mitad del siglo XV se olvida el espiritu feudal. Los
pintores descubren la perspectiva, los arquitectos dejan que entre la luz en
las casa, y se construyen calles y plazas como si estuvieran pensadas por los
poetas y musicos.
Los artistas del renacimiento trabajan para ser perfectos en su ciencia.
Pero que renace?, lo que se pretende renacer es la civilizacion antigua
despues de un largo periodo de barbarie tambien llamado edad media.
El hombre vuelve a mirarse a si mismo, a la naturaleza que lo envuelve y a
buscar las fuentes de la cultura clasica.
Los centros de produccion artistica ya no son los monasterios si no los
circulos artisticos, las cameratas, alrededor de las cortes de los nobles que
se convierten en los grandes centros de las artes.
La imprenta existia desde hace medio siglo pero todavia no se habia
conseguido imprimir musica de buena calidad para poderla comercializar.
Va a ser durante el ao 1501 cuando se va a publicar por primera vez una
coleccin de 94 obras polifonicas. Esta etapa va a ser muy importante en la
historia de la musica.
En Italia, Francia y los Paises Bajos, se publican numerosos libros de musica.
Unos de los primeros musicos del renacimiento fue Guillaume Duffay,
despues de l, el siguiente gran genio de la musica es Josquin des Prs. Su

importancia musical a travez de los siglos es tan solo comparable con la de

Mozart.

La musica que se publica es la de Josquin y la de sus contemporaneos,

tambien sus canciones. No son canciones como las de hoy dia, si no
canciones polifonicas y algunas tan complejas como las misas.
Como no todo el mundo es capaz de interpretar esta musica y como a la
mayoria de los aficionados les gustaria tocar esta musica, ellos solos, se
publican arreglos para laud, o para una sola voz acompaada de laud.

Laud
Gracias a la musica impresa el
siglo XVI es la epoca de la
historia en la que ha habido mas numero de buenos musicos aficionados. En
las clases acomodadas, que desgraciadamente son las unicas que pueden
comprar estos bonitos y caros libros, la musica forma parte obligatoria de la
cultura general. Todo el mundo sabe cantar o tocar uno o dos instrumentos y

tambien desifrar la musica. Cuando sus amigos vienen a cenar se les invita a
formar parte de la orquesta familiar.
Los pobres compositores no se hacen ricos y la musica no es un objeto que se
venda como si fuera un cuadro. El salario anual del musico mas grande ni
siquiera iguala el precio de una obra de un pintor ilustre.
A pesar de esto algunos musicos se hacen famosos gracias a la edicion de su
musica, este es el caso de Clement Janequin, director del coro de la catedral
dAngers, quien se dio a conocer por sus numerosas canciones francesas.
Algunas son faciles y bonitas como canciones populares y otras son
verdaderas escenas animadas a cuatro o cinco voces por ejemplo La
Guerre.
Durante la segunda mitad del siglo XVI los italianos dominaban el mundo
artistico. El Madrigal era sinonimo de cancion a Francia. Es musica de
camara, tan solo para unos cuantos cantores e instrumentistas, todos
sentados alrededor de una mesa. No es musica coral.
El mas grande de los compositores italianos es sin lugar a dudas Claudio
Monteverdi. Su genio sobrepasa todos los modelos y hace brillar la polifonia.
Va a ser al mismo tiempo el mejor compositor tradicional y el mejor
compositor de vanguardia de su tiempo.
Los ultimos libros de Madrigales que compuso son fascinantes, algunos son
cantatas y escenas de opera.
Con el siglo XVI la musica polifonica llega a su cima, con una inaudita
complejidad y perfecta armonia. No obstante a fuerza de ir ligando las voces
ya no se entienden las palabras. Los poetas de la musica tienen la impresin
de cansarse para nada.
Algunos compositores como Josquin des Pres, Orlando de Lassus, Giovanni
Palestrina, Tomas Luis de Victoria escribieron misas y motetes que son la
culminacion del arte del Renacimiento
Johann Sebastian Bach (1685-1750), fue un musico aleman, quien fue como
todos los musicos de su tiempo, logado a los principes de las pequeas
cortes alemanas. Bach no pudo imponerse como compositor ya que se le
consideraba un virtuoso del organo.
Las bases de su tecnica musical se hallan en el aprovechamiento de todos los
logros anteriores, y especialmente en el enriquecimiento de la antigua
polifonia: la fuga llega a su punto culminante.

La musica en el Romanticismo
La palabra Romantico comenzo a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En
los ultimos aos del siglo XVII, comienza como una reaccion contra el
clasisismo.
Dentro de los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente
acepta si no alienta la sobreposicion de extremos opuestos: amor a la
soledad del individuo y a la vez amor al projimo; un disfrute de lo exotico
junto a una nostalgia por lo familiar; una aficion a lo novedoso y al desarrollo
junto con ansia por el pasado.
El romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede
limitarse a solo un periodo de la historia. Por una parte, la nueva sociedad
del siglo XIX, hija de las ideas de la revolucion francesa, desea liberarse del
pasado y, asi, conseguir un arte que exprese el comportamiento y las ideas
de su tiempo.
A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo,
cada vez mas, de la literatura en la musica: en Alemania los poemas de
Wolfgang Von Goethe y Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert,
Schumann, Brahms, etc, para producir una de las manifestaciones musicalespoeticas mas importantes de todos los tiempos, el Lied Aleman. Asimismo
escritores franceses y britanicos fueron los inspiradores de diversas obras de
Beethoven, Berlioz, Verdi y otros.
El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la
acentuacion de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llego
a venerarse a la cancion popular como expresion espontanea del alma
naicional.
Tambien aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del
colorido sonoro, lo que permitira enriquecer el vocabulario musical con los
medios que transformaran y ampliaran el arte sinfonico de los tiempos
modernos.
El siglo XIX sera el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifonicas,
sonoras y de virtuosismo extraordinario.

El Lied
Los razgos romanticos comenzaron a aparecer en el Lied Aleman hacia fines
del siglo XVIII. Se desarrolla un tipo nuevo de cancion, la balada (poemas
largos que alternaban la narracion y el dialogo con historias llenas de
aventuras). La influencia de la balada tuvo por efecto la expansin del
concepto de Lied, tanto en su forma como la amplitud y fuerza de su
contenido emocional. La parte de piano se elevo de simple acompaamiento
a una posicion de acompaante de la voz. Hacia comienzos del siglo XIX el
lied, se habia convertido en un vehiculo apropiado para el maximo
despliegue de facultades de cualquier compositor.
El caso de Franz Peter Schubert (1797-1828), es unico en la historia de la
musica. Antes de cumplir los 20 aos ya habia escrito 8 operas y 4 misas. Su
produccion es enorme: se le conocen 1270 obras compuestas: 9 sinfonias, 22
sonatas para piano, unas 35 obras de camara, 6 misas, 17 obras del genero
operistico y mas de 600 Lieder.
Ludwig Von Beethoven(1770-1827), compositor aleman, de gran importancia
en la musica. Su carcter arisco e independiente le hacia vivir replegado en
si mismo su pesimismo se refleja en el testamento de Heiligenstadt,
Beethoven escribio musica instrumental, vocal y para el teatro, entre sus
obras mas destacadas se encuentran la Sinfonia nro 3 llamada Heroica, la
nro 6 llamada Pastoral, La misa Solemnis y otras muchas obras, hasta un
total aproximado de 260. Con Beethoven la musica deja de ser una diversion
aristocratica y se dirige al conjunto de la humanidad.
Robert Schumann (1810-1856), este compositor aleman fue uno de los
maximos exponentes del movimiento musical romantico del siglo XIX.
Una lesion en la mano derecha desbarato su carrera como concertista de
piano. Se dedico entonces a la composicion y a escribir sobre musica.
La musica para piano de Schumann, aunque dista de ser facil de ejecutar,
jamas trata de impresionar al oyente mediante su bravura. Su musica
encarna mas plenamente que la de cualquier otro compositor, las
profundidades, contradicciones y tenciones del espiritu romantico. Sus obras
para pianoson colecciones de piezas cortas en las que una pequea idea
deriva en la creacion de toda la obra a travez de una sencilla organizacin;
ejemplo de estos son: Mariposas, Escenas de Nios y Album para la
juventud.
Federico Chopin (1810-1849), compositor y pianista polaco, considerado
como uno de los mas grandes compositores de musica para piano. Comenzo a
estudiar piano a los 4 aos. Tambien fue precoz como compositor, donde
destaco con sus piezas cortas tales como: Mazurkas y Polonesas.
Chopin, a cada pieza, por corta que fuera, le dedicaba extrema atencion,
asegurandose de que cada nota tuviera una funcion y significado especificos.

Musica de Camaraca
Felix Mendelssohn (1809-1847), este musico demostro ser un genio precoz, a
los 16 aos Mendelssohn produjo sus primeras obras: el rondo capricioso
para piano y el octeto para doble cuarteto de cuerda, al ao siguiente,

Sueo de una Noche de Verano. La obra que contiene su famosa marcha

nupcial la compuso 17 aos despues.
Como pianista y director realizo giras por Europa, sobre todo por Inglaterra.
Trabajo como director musical.
Cesar Franck (1822-1890), compositor y organista nacido en Belgica, donde
estudio en el conservatorio, para pasar luego al de Paris, donde realizo toda
su carrera musical.
Su obra se caracteriza por el uso de las formas clasicas, entre ellas la
sinfonia y las sonatas. Franck fue el fundador de la musica de camara
francesa moderna y su principal obra en este terreno, es la muy conocida
sonata para violin en La mayor.

El poema Sinfonico
Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor de origen hungaro, fue el
precursor del recital para piano, tal como lo entendemos hoy, en el que un
solo artista toca una velada completa. Recorrio Europa en gira de conciertos
y consiguio una fama sin precedentes. Fue director musical, maestro,
compositor, incluso llego a estudiar teologia.
El nombre de poema sinfonico es significativo: estas obras son sinfonicas,
pero Liszt no las denomino sinfonias, quizas por que son breves y no estan
divididas en movimientos separados en un orden convencional.
Sus mas conocidos poemas sinfonicos son: Orfeo, y Hamlet.
Su obra maestra, la sinfonia de Fausto, consta de 3 movimientos, con un
final para tenor solista y coro masculino.

La Sinfonia
Johannes Brahms (1833-1897), compositor de origen aleman, cuyas obras
combinan lo mejor de los estilos clasico y romantico. Brahms era especialista
en el piano. Su principal interes como compositor comenzo por concentrarse
en el piano.
El enfocaba la composicion de una sinfonia con gran cuidado y reflexion. Sus
sinfonias son clasicas en varios aspectos, estan expuestas de 4 movimientos.
Las sinfonias son romanticas en su lenguaje armonico y en su sonoridad
orquestal, plena y multicolor.
Hector Berlioz (1803-1869), compositor frances, quien a lo largo de su vida
hizo varias giras por Europa y Gran Bretaa, como director de orquesta. Fue
maestro de toda una generacion de musicos y se convirtio en el primer
director de orquesta virtuoso.
Berlioz enriquecio la musica romantica con nuevos recursos de armonia,
timbre, expresion y forma.

La opera en el siglo XIX

Francia

La Grand Opera
A partir de 1820, nacio un nuevo tipo de opera, destinado a atraer a los
publicos relativamente incultos que llenaban los teatros en busca de
emociones y entretenimiento. Los rasgos fundamentales de La Grand Opera
quedan delineados asi:
Argunmento historico no aulico: con fuertes vetas romanticopopulares.
Trama policentrica: variedad de situaciones, e incluso de estilos.
Grandiosidad orquestal y coral.
Duracion de la opera de 5 actos.
Costumbre de acabar el penultimo acto con un falso final feliz.
Concluir el ultimo con el final tragico.
La Opera Comique
Este tipo de opera, siguio su curso en Francia durante el periodo romantico,
la diferencia entre la gran opera y la opera comique fue que la segunda
utilizaba el dialogo hablado en lugar del recitativo, y en que era menos
ambiciosa: exigia menor numero de cantantes instrumentistas, y estaba
escrito en un lenguaje musical mas sencillo.
La Opera Lirica
La opera lirica, era el tipo romantico de la opera comica. Su atractivo
principal se ejerce a travez de la melodia, su tema es el drama o las
fantasias romanticas.
George Bizet (1838-1875), fue un compositor frances muy conocido por sus
operas. Una de las mas famosas es Carmen. Esta opera ejemplifica un
rasgo que recorre todo el periodo romantico, el del exotismo.

Italia
A pesar de la enorme repercusion de Beethoven en la musica instrumental,
durante los primeros aos del siglo XIX, es la opera italiana la que domina
Europa. La distincion entre opera seria y opera buffa se mantuvo con
bastante claridad hasta muy entrado el nuevo siglo.
Dentro de este ambiente, la figura mas resaltante es la de Giaccomo Rossini
(1792-1868).
Su fama crecio por toda europa. En su musica se fusionan la expresion lirica
y la necesidad dramatica, con melodias cristalinas, una instrumentacion
orquestal llena de colorido y un ritmo contagioso.
Rossini utilizo el bel canto para crear melodias alegres de gran brillantes y
emotividad. Algunas de sus operas mas famosa son: El Barbero de Sevilla,
La Cenerentola, etc.

Uno de los compositores italianos mas prolificos del segundo cuarto del siglo
fue Gaetano Donizzeti (1797-1848). En general sus operas comicas resisten
mejor que las serias, las pruebas del tiempo. El carcter rudo, primitivo e
impulsivo de su musica, se adapta muy bien a la reprensentacion de
situaciones crusdas y melodramaticas, pero sus obras resultan frustradas
con harta frecuencia por la monotonia de su armonia, su ritmo y su
orquestacion.
Dentro del mismo genero, surgio en Italia otro gigante que llevo a la opera a
una nueva cuspide: Giuseppe Verdi (1813-1901). Su trayectoria constituye
practicamente la historia de la musica italiana, en la primera fase de su vida
musical, se manifiesta el don de Verdi para producir melodias conmovedoras
y crear situaciones tragicas y heroicas. En su segundo periodo produjo 2
operas de importancia: Macbeth y Luisa Miller.
En su tercera fase se traslada a Paris, donde compone gran cantidad de
operas. Con Aida, cierra esta tercera fase de creatividad. Con la famosa
Otello abre su cuarta y ultima fase.
Verdi transformo la opera italiana y actualmente sus operas se encuentran
entre las mas representadas en todo el mundo.

Alemania
Una de las caracteristicas del siglo XIX, fue la fuerte influencia mutua
ejercida entre la musica y la literatura, y puesto que Alemania era el pais en
que el romanticismo florecio con mayor intensidad, algunos de los
desarrollos y ramificaciones mas importantes de todo el movimiento se
exhiben en la opera alemana.
El compositor mas destacado de la opera alemana y una de las figuras mas
importante en la historia de la musica del siglo XIX fue Richard Wagner
(1813-1883). La importancia de este compositor es triple: llevo a su maximo
la opera romantica alemana; creo una forma nueva, el drama musical; y el
lenguaje armonico de sus ultimas obras llevo hasta el limite las tendencias
romanticas.
En Tristan und Isolde, el desarrolla un estilo orquestalmente mas rico,
melodicamente mas cromatico, y logra una tension armonica nunca antes
alcanzada en la musica.
La obra de Wagner afecto a toda la opera subsiguiente. Por encima de todo,
su musica se impuso por que, era capaz de sugerir, suscitar o crear en sus
oyentes un estado total de extasis.

Postromanticismo
Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las
ultimas etapas del romanticismo, y de la transformacion del lenguaje
romantico en el nuevo lenguaje musical. Este movimiento se produjo
principalmente en Alemania. Sin embargo dos fuerzas desafiaban la posicion
musical en Alemania. Una era el nacionalismo, y la otra era el surgimiento de
una nueva escuela de composicion en Francia. Los ultimos 30 aos del siglo

XIX fueron relativamente pacificos en Europa, el comienzo del siglo XX se

caracterizo por un creciente desasosiego social y un aumento de la tension
internacional (La Primera Guerra Mundial).
En el reino de la musica hubo tensiones e inquietudes similares, y durante
estos aos, concluyo el periodo clasico-romantico.
Uno de los rasgos caracteristicos de este periodo en Alemania fue una
resurreccion del interes por la opera sobre el cuento de hadas.
Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta aleman, y
uno de los orquestadores y polifonistas modernos mas excepcionales. Su
obra puede dividirse en 3 periodos: en el primero creo su Sonata para
violoncello y piano.
En el segundo periodo perfecciono el poema sinfonico y creo su famosa obra
Don Juan, al tercer periodo pertenecen sus operas Salome y Electra.

La Musica en el Siglo XX
Para comprender la musica en el siglo XX, es importante acercarse primero a
la del siglo XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta
corriente supone una autentica liberacion, se va a luchar por una musica mas
individual y personal, saliendose para ello de las normas establecidas, la

musica impresionista pretende destacar el impacto que provoca la obra al ser

escuchada. Se aplican nuevos acordes, colores y sonoridades. En esta musica
el sonido va a constituir el alma de la musica.
Claudde Debussy (1862-1918), genero ideas completamente nuevas en la
forma, la orquestacion y fue uno de los renovadores mas eficaces de la
historia de la musica en el mundo occidental.
A partir de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artistico
europeo, lo mismo en arte que en musica va a cambiar enormemente. Cada
musico tiende a crear su arte independiente, ademas los diversos estilos se
iran sucediendo a gran velocidad.
Igor Stravinsky (1882-1971), una de las figuras mas importantes del siglo XX.
Toco en su obra los aspectos mas variados, investigo en todos los aspectos
de la musica, se subio al carro del neoclasicismo donde trata de acomodar su
musica a la de la finales de barroco.
Si hay algo que caracteriza al sigloi XX es la ruptura con la tonalidad
Atonalismo. Esta regla consiste en crear una musica completamente
distinta, obviando las reglas que rigieron durante siglos de seirse a una
tonalidad. Primero se rompe con la armonia, luego con la melodia, el ritmo y
con todo lo establecido.
Bela Bartok (1881-1945), musico hungaro, es uno de los musicos que mas va
a influir en la musica del siglo XX. Bartok consigue unir la musica moderna
con la tradicional, creando un lenguaje nuevo.
Mientras tanto en Italia aparecen una serie de musicos que incorporan a su
musica, nuevos objetos sonoros: la incorporacion de ruidos. Esta corriente se
llamo Futurismo y afecto tanto a la musica como a la literatura y al arte. El
futurismo pone como punto de partida el ruido, no el sonido.
En Francia mientras tanto, surgio paralelamente el Bruitismo (del frances
Bruit, ruido), que parte de ese mismo punto.

La musica despues de la Primera Guerra Mundial

Despues de la 1ra Guerra Mundial, surge una nueva actitud que domina el
campo artistico en las siguientes dos decadas. Sus caracteristicas son la
claridad, la objetividad y el orden. Surge un deseo de evitar los excesos del
romanticismo tardio o postromanticismo.
Algunos de los mas importantes musicos de esta epoca fueron: el musico
ruso Stravinski y el musico aleman Schoenberg.
Entre los musicos ingleses con mas talento que surgio en la decada de los
30s se encontraba Britten, quien desarrollo su estilo, caracterizado por un
eclecticismo claro, con una tecnica muy segura y expresiva.
En Estados Unidos, los aos que siguieron a la 1ra Guerra Mundial, fueron
testigos de la aparicion de la primera generacion de compositores nacidos en
su pais, entre ellos se destacan Coppland, que recibe las influencias directas
del jazz y Vareze, que se intereso por introducir sonidos nuevos en sus
composiciones.

En America Latina, la musica estuvo influenciada por la tradicion cultural

europea.
Fue a finales del siglo XIX, cuando comienza a aparecer una musica
latinoamericana por si misma. Casi todos los compositores latinoamericanos
comenzaron como nacionalistas y poco a poco introdujeron en su musica las
influencias de la musica europea.
Entre sus maximos representantes estan Villalobos, Chavez, y Ginastera.

La Musica despues de la Segunda Guerra Mundial

Una de las caracteristicas de esta guerra fue la creacion de 2 bloques
internacionales y antagonicos, el comunismo sovietico frente al capitalismo
de EE.UU.
Este turbulento contexto historico, tendra gran repercucion en la actividad
artistica de la post-guerra; la mas inmediata la emigracion de muchos e
importantes musicos desde Europa a EE.UU. lo que convertira a este pais en
el centro de la musica y del arte occidental.
La musica experimenta un desarrollo muy rapido y si en la decada de los 50s
predominan solo 2 tendencias: el serialismo y la indeterminacion, en los 60,
surgen el minimalistmo, la musica textural, la etnica, la ambiental, etc...
Por fin una caracteristica importante del desarrollo cultural y musical a partir
de la segunda guerra mundial, sera la inexistencia de una estetica central,
ademas el desarrollo de estas culturas no comunes propisiara a un desarrollo
individualista y a la desconeccion total.
El espiritu composional de la post-guerra, supondra un gran aislamiento
entre el compositor y el publico. Ahora todo se basa en una secuencia de
proporciones melodicas, de duracion y soloridades.
La indeterminacion es uno de los desarrollos musicales mas significativos
que aparecen tras la segunda guerra mundial, y se basa en la utiliacion
intencionanda de la casualidad en la composicion y/o interpretacion. Muchos
de los musicos de esta corriente tenian la conviccion de que la musica
carecia de proposito, de esta forma podian crear estructuras musicales
lanzando por ejemplo monedas al aire, o utilizando las cartas de navegacion
de cualquier barco.

Desarrollo en la Tecnologia
Musica Electronica
La primera manifestacion de la musica asistida por medios electronicos es la
musica concreta. Esta musica parte del ruido o de los sonidos naturales, al
igual que el futurismo.
En 1952, se crea en Alemania el primer estudio exclusivo de musica
electronica. Esta musica esta exclusivamente creada con sonidos producidos
electronicamente y parte de lo que se llama tono sinusoidal, un sonido
puro, sin armonicos, que es fisicamente desagradable y que hay que elaborar
con aparatos muy complicados.

Entre las primeras obras puramente electronicas encontramos Study I y II del

compositor aleman Stockhaussen.
Sin embargo la musica electronica creo descontento en los compositores
desde el principio ya que aunque permitia un contro exacto y una presicion
absoluta sobre la obra, este resultaba pobre y parecia carecer de vida. Por
ello, muchos compositores unieron la musica concreta y la electronica, para
crearun genero que goza desde gran popularidad desde entonces y hasta hoy
en dia, la musica electroacustica.
El vertiginoso desarrollo de la tecnologia a partir de la 2da guerra mundial
traera como fruto la incorporacion de sintetizadores y a la musica creada por
computador o musica cibernetica.
En nuestros dias, el panorama musical mundial se caracteriza por un
pluralismo cultural y por la irrupcion de las culturas y musicas populares en
la vida diaria de todos.
El abismo entre compositor y publico es hoy mas acusado que nunca y la
musica culta parece haberse distanciado de los gustos y preferencias del
publico, mas interesados por las musicas mas populares y cercanas, tales
como el rock el pop, etc...
A pesar de todo esto no parece probable un cambio de la magnitud que la
musica viene experimentando a lo largo de todo el siglo XX.
Para que la musica cambie, parece que antes el mundo debe cambiar de
nuevo...

Indice
Introduccion
1.
2.
3.
4.

La
La
La
La

Prehistoria y las Civilizaciones Antiguas.

musica en Egipto.
musica en Grecia.
musica en Roma.

Desarrollo de la musica en el Lejano Oriente.

1. La musica en China.
2. La musica en Japon.
3. La musica en la India.
4. La musica en Israel.
La
1.
2.
3.

Musica en la Edad Media.

El Canto Ambrosiano.
El Canto Gregoriano.
La Polifonia.

La musica en el Renacimiento.
1. Johann Sebastian Bach.
La musica en el Romanticismo.
El Lied.
1. Franz Peter Schubert.
2. Ludwig Von Beethoven.
3. Robert Schumann.
4. Federico Chopin.
Musica de Camara
1. Felix Mendelssohn.
2. Cesar Franck.
El Poema Sinfonico.
1. Franz Liszt.
La Sinfonia.
1. Johannes Brahms.
2. Hector Berlioz.
La
1.

Opera en el Siglo XIX.

Francia.
La Grand Opera.
La Opera Comique.
La Opera Lirica.

2.

Italia
Giaccomo Rossini.
Gaetanno Donizzeti.
Giuseppe Verdi.

3. Alemania
Richard Wagner.
Postromanticismo.
Richard Strauss.
La

musica en el Siglo XX.

Claudde Debussy.
Igor Stravinsky.
Bela Bartok.

La Musica despues de la Primera Guerra Mundial.

La Musica despues de la Segunda Guerra Mundial.
Desarrollo de la tecnologia.
Musica electronica.
Opinion Personal.
Bibliografia.

Opinion Personal
En este trabajo, hemos aprendido sobre los origenes de la musica en
nuestra civilizacion, desde la prehistoria, pasando por los egipcios,
romanos, griegos, indios, la edad media, el renacimiento, etc... Ademas
conocimos instrumentos como los membranofonos (tambor), cuerda (lira)
viento (flauta), hasta lo mas avanzados de nuestros dias como lo son los
sintetizadores de musica electronica, tambien aprendimos sobre los
grandes maestros de la musica de todos los tiempos como Bach,
Stravinsky, Beethoven...

Bibliografia

Iniciacin Musical, O.S Bareilles. Editorial Kapeluz. Editado en

diciembre de1968.

Educacin Musical, de Gastn Mathias. Editorial: Sainte Claire. Editado

en marzo de 1979

Enciclopedia Multimedia Salvat ao 2000

Enciclopedia Encarta 2000.

Musica de Todos los Tiempos, Icarito.