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Teorías de la Actuación

Peter Brook
Nace en Londres el 21 de marzo de 1925. Se gradúa allí en artes en Oxford. Entre 1947 y 1950 es
director de la Royal Opera House (es un teatro ubicado en Londres). Actualmente es director del
Centro Internacional de Investigación Teatral que funda en París en 1971. Lleva a escena sus
primeras obras teatrales con apenas 20 años.
“El teatro es un vínculo con el mundo exterior, situaciones que pasan en el mundo son vistas a
través de el teatro, el teatro nos trae la vida real a escena, a través de los actores que nos
muestran el mundo, el espectador puede ser conmovido por dichas situaciones. El teatro trata de
hacer presente lo ausente.”
Teatro
invisible: de lo que no somos conscientes./Teatro/espectador/cambio/mejor persona
Ritual/espíritu: lo invisible/ritual/persona/cambio/mejor persona
Peter Brook habla de el teatro como un lugar donde las personas se vuelven pensantes y
reflexionan sobre las diferentes situaciones que se muestran en escena, dichas situaciones son lo
invisible hecho visible mediante el arte de el teatro.[Salto de línea automático]La misa por ejemplo,
se ha vuelto tan monótona que la gente ya no se pregunta el por qué de esa ella, hace cada paso
al pie de la letra que ya no provoca un cambio en ellas, y no hay dudas, preguntas, experiencias ni
nada.
Cuando Brook nos habla del espacio vacío, se refiere a un espacio donde nada es material. Sin
embargo en este espacio existen energías invisibles. Energías que el actor mediante su entrega y
esfuerzo transforma en materia que se puede percibir. Hace presentes esas energías mediante su
interpretación. Nos hace conscientes de eso lo cual no somos conscientes.
Hablando de temas como “el espacio vacío” y “la puerta abierta” me doy cuenta por lo que dice el
autor y por lo que yo ya pensaba, que la sociedad en general piensa que “el teatro” (que es su
manera errónea de referirse a la actuación) es de lo más fácil del mundo, dan por hecho que no
requiere de un estudio ni un esfuerzo, que cualquiera lo puede hacer, cuando en verdad se
necesita de un entrenamiento intensivo, varias técnicas para las diferentes cosas de las que debe
preocuparse un actor y una dedicación de mas del 100 por ciento.
La puerta abierta, viene siendo esta oportunidad que damos primero que nada al actor para entrar
en la misma frecuencia con el resto del equipo ,al espectador con el actor y transmisores del
mensaje que se quiere comunicar ,produciendo o ayudando para lograr una atmósfera favorable y
permitir que entre en la convención con los creadores y provocando al intelecto ,a la imaginación y
a su capacidad de conmoción ,involucrarlo de modo tal, que también sea creador y se logren esos
momentos mágicos y deseados por todos donde todo esta en armonía. En pocas palabras, hace
referencia a la posibilidad que se le debe dar al espectador para entrar en la convención, que sea
parte de la ficción que el actor le ofrece.

teoría ni actores y obviamente. pídele que lo haga con un frasco en sus manos y que no debe derramar ni un solo liquido de ese frasco.Pide que a mitad de su trayectoria. Es por eso que el actor necesita de las técnicas que crea que le convienen más. se hace algo absurdo y poco creíble. para que durante el proceso pueda crear una ficción convincente y de buena calidad. la ficción y todo lo demás se vuelve mentira y el publico no se sentirá atraído y preferirá hacer otra cosa que prestar atención a lo que ve. pero como mencione antes. no existirían los actores. tal frasco se caiga de las manos formando todo un caos. por ejemplo un actor que tiene buena corporalidad pero una pésima dicción necesita una “técnica” y un “entrenamiento” para mejorar y probablemente también su volumen (por que no es lo mismo dicción que volumen). de una manera natural. voz y una buena gestualidad pero su cuerpo no sirve para nada. Otra cosa para la que se necesita una técnica es para crear un personaje. no habría tanto entrenamiento. luego. con esto quiero decir que esta técnica previene que el “actor” o “actriz” suba al escenario a recitar y decirnos de una manera bonita el texto de la obra. la mayoría de las veces son un tipo de actores que menciona el libro. que pueden expresar todo lo que quieran con dicción. todo esto para después ofrecérselo al público y se sientan atraídos a entrar en la convención. lógicamente seria algo absurdo. no existiría el teatro. los que “actúan de hombros para arriba”. lo que debe hacerse para tener un proceso favorable y que el producto sea el deseado. debe ser consiente que al subir a escena se cubre con el “caparazón” pero el publico no debe notarlo. aburrido y algo ofensivo tener que pagar por ello. he ahí el claro ejemplo que menciona Peter Brook en las primeras paginas de su libro: “pídele a una persona que suba a un escenario de un lado a otro de forma natural. ¿Por que pagar por algo que cualquiera pudiera hacer? Si cualquier persona pudiese hacer las cosas en escena de manera tan natural como lo hace en su vida diaria. El grave error de la mayoría de la gente. El aburrimiento. si esto no sucede. En el intento de alguien sin entrenamiento de querer hacer las cosas en un escenario. Imaginemos a una persona sin entrenamiento con todas estas preocupaciones en escena. por que si esto ocurre llega el peligroso aburrimiento. La astucia del aburrimiento Habla sobre lo fácil que es perder al público en una función y que debemos hacer para evitarlo según las experiencias del autor. probablemente lo hará de modo aceptable. . es ahí donde entra la sobreactuación y la ficción se convierte en mentira”. y es posible que lo haga aceptable . debe de crear un caparazón con el que se cubrirá. es pensar que por el simple hecho de representarse algo de la vida cotidiana es ya algo fácil y no son consientes del esfuerzo y del entrenamiento que el actor debió llevar previamente para que tal acción se vea orgánica sobre el escenario siendo el actor consiente que va dedicado hacia un publico que espera un producto de calidad y ha pagado por verlo. que puede tener una muy buena dicción pero no cuenta con un cuerpo preparado. el publico debe ver al personaje y no al actor interpretando a el personaje. O al revés. que pasa casi siempre cuando algo es sobreactuado. este caparazón es el “personaje”. Con lo de las “varias técnicas” me refiero a que se necesita un entrenamiento especifico para lo que quiere trabajar y mejorar el actor.Cuando esta ficción no se cree .se convierte en mentira. refiriéndose con esto a la consecuencia que sufre una puesta en escena cuando no logra esa calidad deseada y el espectador no se siente atraído por la historia que se ofrece. ( el enemigo mortal del teatro) y junto con el la distracción del publico y otras fatales consecuencias.

o si el actor se parece a tal persona que conocen. son la forma mas clara en la que el actor puede darse cuenta de que el publico no ha entrado en la convención y puede forzarse para recuperar su atención pero si la persona en escena no es un actor completo. como bien decía Stanislavski. Etc. y a esto solo le queda una opción si se pretende salvar la presentación la cual es atraer la atención del publico. Etc. (el cual iluminaba bastante) pero ya casi acabando el primer acto hubo un momento de silencio que desee que durara hasta el final pero cual fue mi decepción cuando después de poco la señora comenzó a roncar. lo que si se sabe es que no les interesa lo que ven o les interesa de una manera errónea. Otra señal y en mi opinión de las dos mas terribles. el peor enemigo de un actor: la tos acompañada del bostezo. para lo cual se cuanta con varios métodos para lograrlo. Brook compara al actor con un Pescador. optara por darse por vencido. solo al comenzar a leer me di cuenta de todas las señales que da el publico que demuestran su aburrimiento. Lo único que diferencia al pescador y al actor. me refiero a los murmullos o susurros. etc.…. son tantas y tan variadas que siendo consiente de ellas se deberían tomar como avisos discretos por parte del publico.Explica que es y como puede prevenírsele. ¿Por que el capitulo se llama pez dorado? Este capitulo habla sobre una analogía del espectador con el pez dorado. por ejemplo: Si alguien tose. digo esto por que un publico al que no le interesa lo que se le ofrece comienza “comunicarse” con el o los actores. queda aun una pequeña posibilidad de captar su atención. es que la suerte es quien decide en el caso del pescador si entre todos los peces grises. tronándose los dedos de la mano comentando con su compañero. el bostezo. el actor entrena y estudia para cimentar su trabajo y que sea tan fuerte y funcional como la red del pescador. cuando un espectador se mueve o prefiere ver su programa de mano o se rasca o lo que sea. A lo que quiero llegar comentando estas señales y contando mi experiencia es que es casi imposible no darse cuenta de la manera en que el publico recibe la historia que se le esta contando. todo esto acabo cuando lograron despertarla y de una manera medio discreta la sacaron de la sala. no es cuestión mas que de técnica y preparación. Así como el pescador prepara su red de manera paciente y con fuertes nudos. Y no solo estas señales si no muchas más son la manera en que el público te comunica “me aburro” o “esto no me interesa en lo absoluto”. yo lo veo como lenguaje tanto corporal como a base de sonidos. nunca se sabe si es que critican la obra en voz baja. esta también es otra manera de distracción o “comunicación con el actor”. en ese momento ni la señora ni sus hijas ni yo entramos en la convención. Otro ejemplo seria si un espectador no se queda quieto. atrapará el deseado “pez dorado” y en el actor . . o platican de alguna experiencia del día. es una manera de distraerse y espabilar su mente. pero resulta inútil si sigue viendo lo mismo y lo único que provoca es una sensación de incomodidad y también distracción para los demás a su alrededor. ósea que se esta moviendo constantemente en su butaca. En una experiencia personal como parte del publico sucedió que una señora sentada detrás mío que iba acompañada por sus 2 hijas no dejaba de hablar en murmullos o mirar su celular. pero cuando bosteza o tose es que se le a perdido para siempre o por lo menos hasta que termine la función. la cúspide del aburrimiento. no necesariamente es por que este enfermo o quiera aclarar su garganta. convirtiendo esa puesta en escena en un martirio para el y el resto de los presentes.

Observo que como los teóricos que he visto en teorías de la actuación. pero no en escena. . debemos tomar en cuenta cual es la función del verso en la obra. en el espacio vacío. Esto hará que el teatro sea actual y universal. que antes se pensaba que  era meramente para estetizar. ¿quien se encarga de enviar el mensaje a través del actor? el actor. en todo caso. considerando siempre que cosas le interesa ver al publico. asertivo y veraz. decía que el actor debe ser propositivo.desde el texto hasta la puesta en escena. ese pez puede ser desde uno no comestible hasta un pez dorado. Recuerdo que en el teatro tosco. que no es precisamente un teatro todo el tiempo. es el vehículo que usa el director para que proyecte una idea. El naturalismo y lo natural También se menciona la diferencia entre el naturalismo que son Fragmentos orgánicos y depurados dela vida cotidiana (lo que hay/debe haber en el escenario). Es responsabilidad tanto del actor como del director  lo mágico que resulte el espectáculo. aquí y ahora . Y lo natural que es lo que hacemos en la vida cotidiana para esta misma. es trabajo del actor conseguir es ultimo pez. el espectador no siempre responderá igual a los mensajes o estímulos que le mandemos. debemos adquirir la habilidad para hacer las cosas con la misma intención. todo el trabajo del actor. entonación y emoción precisos.Es esa red que se menciona Brook en el capitulo “el pez dorado”. Peter Brook coincide también  en que el teatro no debe basarse en la forma solamente. . Habla de los momentos mágicos y de transmitirlos aun que no sea por medio del   emisor principal. ahora lo debemos ver solo como una forma distinta de hablar. En el texto por ejemplo. pero si para tomar una postura y saber que es lo que debemos extraer de esas situaciones cotidianas y representarlas en un tiempo calculado. de que viven y su postura ante  X situación. es necesario producir una atmosfera que permita que se cree un fenómeno nuevo e interesante. en un espacio previsto: Una situación con un objetivo claro. Es importante que tanto actores como público entren en esta atmosfera. Esto no para hacer exacto lo que ellos. hacerlo como una “segunda naturaleza” sin que suene extraño vulgar o sin sentido. Para que todo este bien hecho. Para lograr esto. ¿Cuándo debe ser consiente el actor del público? El actor debe ser consciente del público. el verso. Aun preparando el terreno para el espectáculo. Todo en escena debe tener un porque.

alto. etc…La calidad esta en el detalle que encontremos al trabajar. con su rigidez. El Teatro: ·         INESPERADO ·         NO CONVENCIONAL ·         ENTRETENIDO ·         CONVIERTE EL PASADO Y EL FUTURO EN PRESENTE No hay secretos “La confianza entre actor y director . se puede saber si esto ocurre en los ensayos. pero nunca debemos hacer cualquier cosa. Las ideas en el proceso irán cambiando según sea necesario. se puede lograr promedio de una técnica . Los elementos que se necesitan son conciencia corporal. bien parecido. No se trata de que todo actor sea delgado. Uno puede hacer de todo. con el director o con un critico por ejemplo. Esta habilidad . altura. El siguiente paso es alguien que observa la relación entre ellos. Es importante también que dentro de esta relación . emoción y pensamiento. entendemos que hay ocasiones en las que no es necesario hablar para transmitir algo.El teatro empieza con una persona que observa un objeto o tal vez a   otra. . incluso nada. El cuerpo del actor. pero si deben todos ser consientes de cada parte del cuerpo y en caso de no ser liviano. Ya tenemos punto de partida. el actor sepa transmitir lo que pasa en la escena incluso. que pueda trabajar con el peso que tiene.es la que permite que puedan trabajar juntos”. hay acción. Partiendo de esta premisa. etc…pues también los otros tipos de personas se necesitan para recrear. ¿Por que? Por que al momento de observar. debe estar educado.

Intoxicación. si la pequeña chispa de vida no se encuentra. si entretiene esta muy bien. no solo significa envenenar. Peter Brook nos habla incluso de la necesidad de comunicación entre los actores y el público. ¡lo lograste! Estos tres elementos son lo básico en el teatro. y como ese transmitir de información comienza con una intención interna. La representación por encima de la palabra escrita. ya que lo hará irreal y completamente fingido Este es un trabajo para un artista. ¿Dónde queda la acción? ¿Y la palabra? . También significa “dar un exceso de información manipulada con el fin de crear un estado de opinión propicio a ciertos fines”. Un teatro que obra por magia. Saturar sin decir. ese es el teatro inmortal. ya que aunque una obra sea larga o corta. sólo se cayó el agua. lo limpiaré” y en el teatro todo significa. de nuevo lo hará muy bien. lo segundo es que esa historia entretenga. el público estará esperando que algo más suceda con ese accidente. un buen teatro. se vuelve aburrido. Un teatro que obra por infección. no podrá hacerlo. pero si esa historia conmueve. esa chispa es la abstracción de la vida real Menciona Brook que el teatro no sólo es vida. ¿Qué es “la chispa de vida”? La chispa en el teatro dice Brook que “rara es la vez que se encuentra” y es que la chispa debe ser una chispa de vida y debe de estar en una puesta en escena. pídanle a una persona cualquiera que camine en un espacio de un lado a otro. Un teatro donde la representación se halla en lugar del texto. que nos olvidamos de tomarnos un respiro y revisar cada pequeñez que es tan maravillosa de apreciar. cualquier persona podrá hacerlo. podemos ver en el diccionario. Intoxicar con acciones. Brook menciona que se debe de hacer “que una vida inventada sea también una vida paralela que no pueda distinguirse de la real a ningún nivel” a lo que yo entiendo es que en la vida real (retomando el ejemplo del recipiente caído) lo hubiéramos tomado como un “oh. creo yo.[Salto de línea automático][Salto de línea automático]En el teatro lo primero que se debe de hacer es contar una historia. pero si le dicen que ahora camine con el recipiente pero que éste se le caiga y riegue todo el contenido. Acción.Los que forman parte del trabajo deben: ·         Inventar ·         Explorar ·         Probar ·         Discutir La exploración sirve también como un estimulo para los actores y una mejor comprensión dela obra. sin necesidad de palabras. vivimos la vida tan aprisa. La sociedad moderna se ha transformado en una de ideas expresadas en imágenes y no es raro que por consecuencia el teatro quiera obrar de la misma forma. menciona un ejemplo muy claro. porque en la vida real no le damos le tomaríamos tanta importancia a ese accidente. ahora pídanle que camine como si trajera un recipiente con agua. el teatro que trasciende. estimulo necesario para que el actor por si mismo encuentre su propio método para trabajar. por intoxicación. Habla Peter Brook sobre el teatro de Antonin Artaud.

energías. impresiones. Hablando de teatro o representación lo invisible seria aquello de lo que no somos conscientes. una posibilidad de salvación. el teatro de lo invisible hecho visible. Pero ¿Dónde queda la palabra escrita? ¿Dónde están las imágenes que brindaban los autores isabelinos mediante sus palabras? ¿Son insuficientes las imágenes literarias de los autores modernos? Pienso que el teatro que Artaud proponía era uno de transmitir y en la actualidad y lo que diferencia a nuestro teatro y el teatro “Clásico” es la forma en que se transmite. En mi opinión lo primero que debe hacerse es asegurarse que el producto conseguido es de calidad. por supuesto. Entre el actor y el público existe una relación similar entre la de un sacerdote y un fiel. no sabemos ya en donde buscar. ¿Qué es eso invisible? Hablando de rituales vudú. Conclusiones de libro “la puerta abierta” Autor: peter brook . ocupa un lugar claramente definido en la comunidad y responde a una necesidad que las iglesias ya no pueden satisfacer. Traer lo ausente y hacerlo presente. pero hay que ser cuidadosos cuando seleccionamos que cosas cambiar por que a veces nos clavamos en la idea de que el error esta en la forma. para poder dejar esa “puerta abierta” por la que se les invita a entrar a la ficción y así poder entretener. El teatro es un vínculo con el mundo exterior. debemos hacerlos. Acciones que nos hacen visible aquello que es invisible. El acto de interpretar es un acto de sacrificio. El teatro es un vehiculo. situaciones que pasan en el mundo son vistas a través del teatro. La forma en que se hace visible lo invisible. a través de los actores que nos muestran el mundo. lo invisible son los dioses y los espíritus. Hemos optado por un teatro de acciones e imágenes escénicas que van más allá de la palabra. Regresemos a la palabra. que al fin y al cabo esa es una de las finalidades del teatro. el teatro nos trae la vida real a escena. Este teatro es sagrado porque su objetivo es sagrado. que sea una historia bien contada y capte por completo la atención del público. pero como no indagamos. La actividad del actor y la del espectador son llevadas por la misma desesperada necesidad. creía en un teatro de necesidad. que no es lo suficientemente llamativa para atraer al publico. Debemos recuperar lo sagrado del teatro y si es necesario hacer cambios. un medio de autoestudio. este sacrificio es un presente del actor al público. Las acciones son indispensables. dice Brook. El actor tiene en sí mismo su campo de trabajo. El teatro sagrado. Sucesos. El teatro trata de hacer presente lo ausente.Artaud. Cosas que suceden en el mundo pero no nos afectan de forma directa. Estos sucesos se transforman en concientes mediante las capacidades de los de aquellos que están en escena. . como hace Brook. El espectador tiene la necesidad de ver lo invisible y el actor la necesidad de transmitir y hacer presente eso que es invisible. el espectador puede ser conmovido por dichas situaciones.