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Universidad de Chile
Lenguaje y Cultura
Profesor Hans Stange

“La Libertad Guiando al

Pueblo”
La mímesis y el problema de la
representación en el arte moderno

Integrantes
Freddy Aceituno Rubilar
Marcia Lizana Mansilla
Nicolás Pereira Rojas

Fecha
Miércoles 30 de Marzo de 2011
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Introducción

La mímesis, en conjunto con el problema de la representación, tiene diversas

perspectivas desde el punto de vista histórico. A lo largo de la historia de la humanidad, la
forma de representación predominante en el arte ha ido variando. Inicialmente, se
concebían obras cuyas representaciones (y a su vez, la mímesis) eran principalmente
figurativas, es decir, muestras cuyo objetivo era la reproducción lo más fidedigna posible
de la realidad. Muestra de ello son las pinturas rupestres. Con el paso del tiempo, ya en la
era cristiana, la forma en que son plasmadas las imágenes en el arte pictórico corresponde a
una figuración de modelo de mundo, en el que se señalan características implícitas de
acuerdo al mensaje que está contenido en el discurso visual. Esto puede verse
principalmente en obras de carácter religioso y épico, en que las que el entorno y las
imágenes, fuera de conseguir que la imagen sea ópticamente fiel al modelo. Ya a puertas de
la era moderna, tienden a aparecer obras en las cuales los artistas se apropian de las ideas u
objetos y crean sus representaciones en base a la imagen que conciben respecto al tema que
han de tratar. Esto aparece en contraposición a la mímesis clásica, que es una reproducción
fidedigna de la realidad. En nuestro caso, hemos seleccionado una pintura de la época
moderna con tal de analizar sus elementos constitutivos en base al contexto histórico y
social en que está inserta, y por consiguiente, conseguir abordar el tema de la problemática
de la representación de un punto de vista ideal.
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Análisis de la Obra

Título: La libertad guiando al pueblo

Autor: Eugene Delacroix

Técnica usada: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 2,6 m de alto por 3,25 m de ancho.

Contexto Histórico

Para comenzar, es necesario definir ciertos aspectos que envuelven al entorno en que
se creó el cuadro. Debemos concentrarnos en el autor y el contexto histórico y social en que
se desarrolla la gesta de la obra. Estamos en la Francia del siglo XIX, época marcada por
fuertes revoluciones que alteraron diversos aspectos sobre las estructuras sociales y
políticas del entonces reino. Más precisamente, nos enfocamos en la época de las
revoluciones, comprendida entre 1824 y 1848. Esta composición fue realizada el año 1830,
en el marco de la llamada “Revolución de Julio”, o “Las tres gloriosas”. En este proceso
histórico, las masas populares y de clase media se sublevaron en contra de la
administración autocrática a cargo de Carlos X, debido a la poca probabilidad de
aprobación que tenían las reformas que exigía el país; entendiéndose derechos tan básicos
como la libertad de expresión y de prensa (y por ende, la abolición de la censura), la
ampliación del voto censitario, y la extensión de la paridad en el parlamento, que hasta
aquel entonces era hereditaria. Todos estos factores incidieron para que en Julio de 1830, el
pueblo se volcase a las calles de París, alentado por la prensa nacional, para exigir la salida
del actual gobernante. Apoyados por la Guardia Nacional, consiguieron derrotar al ejército
real, consolidando así un nuevo gobierno liderado por Luis Felipe I. Como consecuencia de
esto, Carlos X se vio forzado al exilio, y se reformó la constitución para reestructurarla y
volverla más liberal.

Sobre el Autor

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, nacido el 26 de Abril de 1798, fue un pintor de

nacionalidad francesa, nacido en el seno de una familia de la alta burguesía. Hijo
(presuntamente) de Charles-Maurice de Talleyrand-Périgord (político y diplomático francés
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de la época), pero inscrito como hijo de Charles-François Delacroix de Contaut (también

político francés). Desde pequeño fue incentivado en el arte por su tío, Henri-François
Riesener. Comenzó a frecuentar museos y galerías de arte en París, y posteriormente realizó
un viaje a Inglaterra. Expuso su primera obra en 1819, decorando la sala de la
administración de M. Lottin de Saint-Germain (extender biografía). Luego de ello, publicó
diversas obras que conllevaron la madurez de su obra. Participó activamente en los
movimientos revolucionarios de 1830. Al respecto, existe una frase que escribió en una
carta a su hermano, que dice “Si no puedo luchar por la patria, al menos, pintaré por ella”.
Esta cita refleja a la perfección el espíritu idealista que caracterizaba a Delacroix y sus
obras, a las cuales imponía su particular sello. En 1857 pasó a formar parte de la Academia
de Bellas Artes, y ya entre 1859 y 1861 culmina sus obras, falleciendo el 13 de Agosto de
1863 acompañado sólo por su ayudante Jenny le Guillou.

Composición y perspectiva

Antes de tratar cada componente de la obra, es necesario hacer ciertas observaciones

respecto al carácter general de la pintura. Si prestamos atención al costado derecho, un
escenario muy similar (si no es el mismo) a la Bastilla se deja entrever; símbolo de la
libertad francesa y la rememorada batalla que allí se libró durante la revolución en Francia.
Su presencia en la obra es determinante a la hora de ejemplificar la lucha por ideales que se
está dando en la escena. Los colores utilizados en el fondo corresponden, de una forma muy
sublime a la bandera franca. Podemos notar cómo los suaves tonos azules del extremo
superior derecho mutan en la iluminación predominantemente blanca del centro, que está
tras la mujer con la bandera alzada, y más hacia la izquierda, el fondo, además de hacerse
un tanto más oscuro (punto que analizaremos más adelante), la tonalidad se torna hacia una
gama de colores más cálidos, entiéndase, rojizo. En lo que refiere a la constitución principal
del cuadro, la línea del horizonte no aparece bien definida, aunque puede percibirse la
perspectiva gracias a:

La muchedumbre tras la mujer, aparece ante la vista un tanto difusa. Éstos, aparecen
retratados no tan minuciosamente como los personajes que aparecen en el centro de la obra.
Además, la gama de colores usados en el sector ya mencionado del cuadro tienen muy poco
contraste con el color gris, tendiéndose a confundirse con el humo presente en el área
superior izquierdo de la obra. Podría decirse que lo que el autor busca es otorgar un toque
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de homogeneidad al pueblo en ese sector de la composición, para representar de manera fiel

el que todos formaban parte de las revoluciones de 1830. Otro posible motivo para utilizar
este recurso, es querer resaltar a los objetivos presentes en el centro de la obra.

Elementos muy acentuados como la mujer que porta la bandera de Francia, el hombre
que aparece tendido a sus pies implorando, al parecer, clemencia; el joven armado que se
encuentra a la derecha de la mujer (desde la perspectiva del observador) y los tres hombres
que están al lado izquierdo de la misma. A diferencia de la muchedumbre a la que hemos
referido con anterioridad, los personajes mencionados sobresalen respecto de las demás
figuras, sea esto por detalles de iluminación o por la utilización de colores más acentuados.
Además, existen ciertos detalles que se muestran más marcados tanto en sus rostros como
en sus vestimentas.

El cuadro presenta una clara distribución geométrica de los elementos, que están
diseminados de forma triangular en el lienzo. Los objetos, forman una pirámide imaginaria
en la que la cúspide de esta se halla en el brazo alzado de la mujer, y cuya base
correspondería a los cuerpos de quienes han muerto en la batalla.

Colores y luces

La obra en general, presenta una utilización recurrente de tonos opacos y grises.

También hay colores pálidos aunque claros, como el de la piel de la dama, y además, hay
zonas donde es posible vislumbrar colores más fuertes, como en la bandera francesa o las
prendas de algunos personajes.

La luz, pese a mostrar una distribución forzada y poco realista, posee una relación
entre la cantidad de brillo y su posible importancia en el discurso. Por un lado, tenemos a la
dama, que es el personaje más “brillante” en relación a los demás. La luz que llega a ella,
tiene su origen en el lado inferior izquierdo. Esto hace que tenga un enorme contraste entre
el lado izquierdo iluminado y su contraparte opaca. Curiosamente, la bandera luce muy
clara en comparación con el rifle que porta la mujer, que prácticamente está entre las
sombras. Esta misma luz resalta el busto de la mujer, que se notan bastante voluminosos y
redondeados.
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En el aspecto cromático, esta mujer posee los colores más vivos (a pesar que en la
obra, en general se usan tonos grises y opacos). Por un lado, está la bandera francesa, que
tiene los tonos rojos y azules primarios bien contrastados con el fondo. Esta el vestido
amarillo, tono que tiene poco contraste con el blanco; por ende, se destaca más en relación
al resto. Lo extraño, es que sus pezones no se notan, ya que el rosado utilizado tiene poco
contraste con la piel de ella. Otra curiosidad es que el gorro café tiene poco contraste con el
pelo.

Cerca de la dama, se encuentra el hombre que la mira. Su rostro no se nota mucho, ya

que hay mucha sombra sobre este, pero si están bien definidas sus ropas. El color azul
primario de su camisa le da cierto rango de importancia y de carga simbólica.

Por otra parte, está el chico de las pistolas. Parece como si la dama de la libertad le
interrumpiera el trayecto de la luz hacia él. Al estar entre las sombras, hay ciertos
elementos que parecen borrosos como su ojo izquierdo que se confunde con la enorme
sombra que hay en uno de los costados de su rostro. A pesar de esa aparente desventaja,
tiene un enorme contraste con el humo blanco del fondo, detalle que favorece la pose de sus
brazos.

De ahí están los tres hombres que están a la izquierda de la dama, sin contar al
hombre de la camisa azul. A pesar que hay detalles que se pueden reconocer como hombres
y no como manchas, los tonos usados y la fuerte sombra, dan la sensación de estar poco
relacionado con la figura de la libertad. Uno de los hombres, el burgués con la escopeta,
posee una pequeña en su rostro y en sus manos. Algo similar pasa con el hombre de la
espada; el problema, es que su tez morena hace que su ropa se ilumine más que su cara. El
sujeto que está vivo y tendido en el suelo, prácticamente está en las sombras; lo único que
lo hace destacar es su gestualidad.

Están los dos cadáveres que poseen más luz y colores vivos que la gente viva (sin
contar a la mujer de la bandera). Esas luces no tienen el mismo origen que el foco que
posee la dama de la libertad. Hay un tercer muerto, que casi no tiene luz y tiende a
confundirse con el suelo, salvo por su mano y un detalle de la ropa de colores que son más
brillosos.
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De ahí tenemos un cielo azul despejado que es “opacado” por el humo. Este último,
es blanco en el área izquierda de la pintura y tiende oscurecerse hacia el gris y/o al café en
la derecha de la obra.

El edificio de la derecha, de tonos amarillentos y sombras grises y muy pesadas, se

nota iluminado por un posible sol despejado.

Mímesis en la obra

Uno de los elementos más complejos al momento de analizar el concepto de mimesis

presente en “La Libertad guiando al pueblo” es la mujer de la bandera, por ser un elemento
alegórico que podría generar confusiones a la hora de establecer cuan verosímil es la obra
en relación al hecho histórico. Pero esto no implica que la obra no sea mimética, ya que la
imitación también se aplica a las ideas y a alegoría (Tatarkiewicz, W.,2002, Hdsi, pg. 307).
Además, al ser una obra del siglo XIX, estamos frente a una mimesis del tipo moderno:

“Las obras de arte imitan la realidad, pero expresan también las ideas y experiencias del artista. Por
consiguiente, pueden seleccionar la realidad e incluso transformarla…Zucaro afirmó que el objeto de
la pintura no es tanto el diseño interno sino el <<interno>>, o <<el concepto que se ha formado en
nuestra mente>>”(Tatarkiewicz, W.,2002, Hdsi, pg. 312)

Bozal plantea la ventaja del uso de los símbolos que representan valores:

“…El símbolo sirve, así, para reforzar la articulación del horizonte de figuras propio de una
sensibilidad colectiva o epocal. Pero lo propio del arte es, precisamente, lo contrario: su capacidad
de innovar o de renovar esa sensibilidad…de alterar la sensibilidad establecida o/y rutinaria y obligar
a una mirada nueva sobre los objetos-figuras reconocidos.” (Bozal, V, 1996, Hietac, pg 43)

Eugène Delacroix tiene influencia del neoclasicismo al rescatar los valores clásicos;
para ser exacto, de la diosa Atenea (o Minerva en la mitología romana): la guerra, la
civilización, la sabiduría, la estrategia, artes, la justicia, y la habilidad. (Atenea, Wikipedia
en español). Estos valores están muy relacionados con el espíritu revolucionario francés,
ideas sintetizadas en la mujer de la obra. Pero su aporte innovador fue la manera en
representar este símbolo: mujer robusta y típica de la época, sin accesorios de complejos
relieves como los que poseía Atenea; en vez de la típica divinidad que es superior y aislado
al resto de las personas, es una líder que no se aleja de su gente. Y con la bandera francesa,
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símbolo literal del nacionalismo, lo utiliza como medio para guiar a las personas a seguir
con la lucha. En resumen: un símbolo más terrenal que divino.

Interpretación discursiva

Como toda obra moderna (contemporánea más bien, previo a las vanguardias) el
artista impregna un discurso implícito en su obra de arte, y es misión del observador
interpretar este mensaje, según el contexto histórico e ideológico de la época.

En el caso de esta obra de Delacroix, conociendo el marco teórico explicado

previamente en este documento, uno de los aspectos más llamativos es la imagen de la
mujer con la bandera francesa y un rifle clásico de la época (1830) en sus manos, esta mujer
es quien encarna a la libertad (de ahí el nombre de esta obra), y es en esta parte de la
representación donde se marca uno de los aspectos de análisis principales del cuadro, que
es la especie de pirámide que forman desde abajo hacia arriba, los cadáveres, La Libertad y
la bandera. En lo más bajo de la pirámide vemos los cuerpos que ha cobrado la revolución
siendo pisoteados por los insurgentes. Esto sumado a la sensación de avance que tienen los
mismo personajes, y la sensación de movimiento que imprime el autor en estos hombres, da
un mensaje al observador de lo que significa la revolución: “O te unes, o te pasa por
encima”, como sucede a los soldados que yacen muertos como simbolismo de la caída de
las fuerzas militares ante el pueblo, y con esto, la caída del Carlos X.

Más arriba esta la ya mencionada Libertad, encarnada por esta mujer de torso
descubierto que encabeza esta afrenta revolucionaria. En teoría, podríamos decir que esta es
la imagen principal de la obra, aunque no hay que desestimar los personajes que están a su
alrededor y que son totalmente visibles, a diferencia de los insurgentes de más atrás que son
casi imposibles de distinguir por el difuminado de la obra. Los dos hombres y el niño
encarnan la participación de todos los sectores sociales en la revolución; tanto el burgués,
como el hombre más pobre, e incluso un niño (sin olvidar a la mujer a la cabeza). Todos
participan en esta batalla en contra de la tiranía de Carlos X. Especial mención hay que
hacer en el burgués con su sombrero de copa, ya que según se sabe, Delacroix quiso
encarnarse a sí mismo en este personaje, aunque él no participó directamente en este
movimiento. A través de este hombre quiso manifestar que él sí era parte de esta lucha, que
apoyaba todos sus ideales y que por eso pintaba esta obra. Antes de ir al final de esta
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pirámide, destacar el gorro frigio que usa La Libertad, de origen persa, que posterior a esta
revolución pasaría a ser emblema de varias repúblicas (incluyendo la francesa, se le llama
Marianne y encarnó a la republica liberal francesa).

En la cúspide de la pirámide se encuentra un elemento considerado muy importante

ya que marca el pensamiento del autor y la intencionalidad de esta obra: la bandera de
Francia. El hecho de que este sea el elemento más alto de la pirámide, sumado al uso
continuo de los colores de la bandera de su nación manifiestan el fuerte sentimiento
nacionalista que no es ajeno al artista del romanticismo. Todo lo contrario, y que es el
sentimiento que lo motiva a apoyar esta causa, como dijimos antes, no participando de la
revuelta en sí, sino a través de esta obra, incluso aunque en las imágenes disponibles en
Internet de esta obra no se puede apreciar, según la clásica búsqueda del estudiante,
personas decían que en las manchas de sangre que se ven en algunos de los personajes se
pueden apreciar tenues líneas con los colores rojo, azul y blanco; demostrando el fuerte
nacionalismo que llevaba dentro y su mensaje de que sangre francesa podría ser derramada
pero valía la pena en nombre de la libertad. En este punto nos gustaría volver un poco a lo
dicho antes, cuando analizamos los personajes que podíamos ver en la pirámide, que es el
moribundo arrodillado a los pies de La Libertad. Citado ahora porque es en él en quien se
encarna perfectamente este sentimiento: en sus vestimentas se aprecian los colores ya
mencionados de la bandera francesa y mira a La Libertad con un sentimiento de que aunque
el cayó en esta batalla, vale la pena si es en nombre de la libertad de Francia.

Resaltando finalmente los últimos dos entes que parecen interesantes en la imagen,
primero uno de los cadáveres que se encuentra desnudo del cinto hacia abajo, parece
demostrar la falta de hombría de quienes se oponen a la revolución y de cómo serán
aplastados por la misma representada en los pantalones, o más bien en la carencia de estos,
elemento representativo típico de masculinidad por esos años. Y el segundo ente sería el
Notre Dame, o según muchos, La Bastilla, que se aprecia en el espectro de ciudad a la
derecha de la obra, para manifestar, según la primera perspectiva la opinión que tenía la
iglesia del conflicto, ya que había sido gran apoyo para la restauración borbónica; y según
la segunda, evocar a este pasaje histórico como fue la toma de La Bastilla durante la
Revolución Francesa, hito ícono de la historia por la lucha para conseguir la libertad.
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Terminados de analizar los personaje en sí, quisiéramos hacer una pausa especial para
analizar el torso desnudo de La Libertad, que por cierto causó gran revuelo en la época, ya
que en esto el autor manifiesta su concepto de belleza, a través de la figura femenina (a
pesar de lo extraño que pareciera ver a una mujer liderando una afrenta revolucionaria en la
época), cosa que exacerba al exhibir los senos de esta mujer como mayor símbolo de
belleza que él quería implantar en esta representación de la libertad.

Para concluir se procederá a destacar dos aspectos en la técnica del artista dentro de la
obra. Primero, el efecto de difuminado que utiliza el autor para representar el humo
provocado por la contienda, el polvo, y las balas, cubre el campo hasta el cielo apenas
dejándonos distinguir a los revolucionarios de más atrás. Esto también sirve para destacar
por sobre los demás a los personajes que ya hemos nombrado. En segundo y último punto,
destacar el efecto lumínico presente en la obra. La iluminación que presentan los personajes
frontales no concuerda con la realidad. Se pierde el afán realista presente en las vestimentas
y en el armamento de la obra y se retorna al afán romanticista de magnificar los
sentimientos importantes para el autor, en especial La Libertad, la bandera, y el pueblo
armado.

En conclusión, en esta obra Delacroix quiso manifestar su apoyo a la revolución y su

fuerte sentimiento nacionalista impregnado en esta imagen de la libertad encabezando al
pueblo francés armado que lograría derrocar al tirano Carlos X. Este sentimiento llevaría a
la corona sucesora, Luis Felipe de Orleans, a adquirir esta obra (aunque terminó siendo sólo
temporal) como emblema de la revolución de 1830.
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Bibliografía

1. Maurice Sérullaz (1989). « Biographie de Delacroix; Collection: L'Histoire de l'art ».

París: Fayard.
2. F. Rossi-Landi (1992). “El lenguaje”. En: R. Williams, ed. Historia de la comunicación.
Barcelona: Bosch. Tm. I. pp. 47-102.
3. Aristóteles (1963). Poética. Santiago: U. Arcis. Edición electrónica de
www.philosophia.cl
4. V. Bozal (1987). “Representación y sujeto”. En: Mimesis. Las imágenes y las cosas.
Madrid: Visor. pp. 19-61.
5. Homero (c. -750). Iliada. Canto XVIII. Edición electrónica de www.iliada.com.mx
6. Halliwell, S. (2002). The aisthetics of mimesis. New Jersey: Priceton University Press.
7. Tatarkiewicz, W. (2002). Historia de seis ideas: arte, belleza, forma, creatividad,
mímesis, experiencia estética. Madrid: Tecnos.
8. Bozal, V., ed. (1996). Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas
contemporáneas (2ª ed. 2000). Madrid: Visor. 2 vols.