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Consejos Manejo de Videos

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1- El guión

Primero Ud. tiene una idea. Cuando desea elaborar su idea en forma de ficción, ya la puede resumir en pocas líneas. Ésa es la sinopsis. Para Ud. este paso ya será casi un libreto, un guión. Ahora es posible que Ud. no sepa cuál es la función de un guión. Bueno, si Ud. desea hacer una película junto con otras personas – miembros del equipo de la película, actores o actrices – podrá utilizar este texto básico para despertar su interés en su propuesta. También podrá editar el guión junto con ellos. Los actores también se respaldarán en el guión. Ud. está de acuerdo que hace falta un guión para crear una historia pero es imposible utilizarlo para un reportaje porque no se puede proporcionar todo. A continuación verá que sí es posible. Antes de salir de vacaciones, Ud. se informará sobre su destino. Cuando desea hacer un reportaje, puede decidir de antemano lo que desea mostrar de su viaje (la arquitectura, las costumbres, la flora y la fauna, el folclore,…). Si toma esas decisiones por adelantado, le ayudarán a escoger sus imágenes en su destino. Es mejor tratar un tema limitado por completo que pasar rápidamente por un tema amplio. Antes de construir la historia… Como todo tiene un final, por lo tanto también tiene un comienzo. Cada acción empieza en algún momento y termina en otro, o bien se trata de un viaje, un fin de semana en la playa o una historia inventada de la A a la Z. Ud. decide cómo empieza la historia. Como ejemplo, tomaremos un viaje a las montañas. Puede empezar con las preparaciones y la carga del equipaje o con la salida del carro en su casa o con la llegada al chalet en el que pasará sus vacaciones. Dependiendo de su inspiración, su estilo, la fuerza de una escena en particular o la importancia que da a ella, su historia empezará más pronto o más tarde. Lo mismo aplica para el final de su historia. No está obligado a contarnos todo lo que pasó en el camino de regreso hasta su llegada a casa, a menos que tenga una buena razón para hacerlo. El uso de la elipse, la omisión es muy importante. Con una elipse se pone una parte de la acción entre paréntesis. Si Ud. no tiene una buena razón para mostrarnos la carga del equipaje o la salida o el itinerario, puede utilizar perfectamente una elipse. Por ejemplo, primero déjenos ver una escena en la agencia de viajes: Ud. pide información y empieza a soñar con cumbres nevadas. Su historia continúa inmediatamente con su llegada a las cumbres nevadas. Sus espectadores comprenderán inmediatamente la elipse; saben que tuvo que reservar y hacer las maletas, que tuvo que manejar hasta allá,… Para cada historia debe encontrar un motivo que le lleva desde el principio hasta el final, un motivo básico que aparece en toda la historia. Este motivo básico le ayuda al espectador a seguir su historia. Puede ser un personaje que seguimos en sus traslados o un animal. También puede ser un elemento puramente visual que sirve como punto de referencia, por ejemplo un mapa de carreteras en la que seguimos el itinerario. El motivo básico también puede ser un punto de vista original. Imagínese que sigue un recorrido como si su gato o perro lo hubiera experimentado; aquí no solamente hay un vínculo entre las diferentes escenas, también hay un punto de vista original, especialmente si graba desde la altura del “ojo” del animal y nos deja ver todo “desde abajo”. Ahora veremos los principios generales del guión, especialmente su elaboración. Elaborar un guión

Un guión siempre tiene un inicio, una confrontación y un final. Cada parte responde a una necesidad lógica. PRIMERA PARTE: 1. La introducción: Al contar una historia, primero Ud. debe indicar el lugar de la acción y presentar los personajes más importantes. Por ejemplo: un joven y su novia. 2. La creación de una acción: Debe pasar algo para iniciar la acción. Por ejemplo: unos criminales secuestran a la novia de nuestro héroe. SEGUNDA PARTE: LA CONFRONTACIÓN La acción empieza (la investigación, la búsqueda). La historia continúa hasta que se produzca un hecho importante (el descubrimiento de una huella…). Por ejemplo: nuestro joven se convierte en detective. Después de haber seguido unas cuantas pistas falsas, llega a conocer la dirección donde se encuentra su novia. TERCERA PARTE: EL DESENLACE Debido a este hecho, la acción toma un giro diferente y lleva al desenlace. CUARTA PARTE: LA CONCLUSIÓN Es la parte final. Todo ha vuelta a la normalidad. Algunos consejos:
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Utilice una estructura similar como mencionada aquí arriba. Utilice los medios que tiene para crear un mínimo de tensión. Cuando le deja esperar un ratito al espectador, Ud. le motivará para conocer el resto. Es el principio que se utiliza para el final de los episodios de una telenovela.

Nadie puede saber que su héroe tiene un carro rojo si no lo muestra al subir o bajar del carro. Por lo tanto debe tener cuidado con las cosas de que solamente Ud. y sus más cercanos conocidos están al tanto; cada otro espectador no las entenderá a menos que Ud. las explique en su historia.

Subdividir un guión… Una de las etapas del guión, en preparación al rodaje en sí, es el plan de rodaje. Aquí se trata de dividir la historia (su historia de ficción o reportaje) en pequeñas partes por medio de los elementos del lenguaje y en vista de la composición en la que la convertirá durante la edición final. Puede ser

que todavía no entienda al 100% lo que queremos decir porque todavía no conoce todos los conceptos. Ud. encontrará más información acerca de los elementos de la película- y el lenguaje del vídeo seguirá en esta serie.

Cuando hace una película, Ud. no muestra todo y no guarda todo lo que ha grabado. El guión es un documento en el que todas las tomas a grabar son puestas en papel junto con la posición de la cámara y los movimientos de la cámara para cada toma. Cuando hay diálogos o una acción interpretada por los actores, el guión analiza esta acción y describe el juego de los actores,… Tal vez pueda entender la importancia de un guión de la siguiente manera. Si su película se desarrolla por ejemplo en diferentes entornos, se beneficiará del hecho de que está trabajando en un entorno específico para grabar todas las escenas de la película que se desarrollan en ese lugar, antes de seguir trabajando en otro entorno. Ud. graba las imágenes en una secuencia práctica porque sabe que después puede montar las imágenes en la secuencia que pide la historia. … y reconstruir El papel de la edición consiste en:
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eliminar todas las imágenes inútiles: recortar sus “prisas”, su materia prima, todas las imágenes que ha grabado. poner las imágenes en una secuencia determinada de acuerdo a su historia. dar todo eso la longitud adecuada para que su historia obtenga ritmo.

Si elabora un guión antes del rodaje, después siempre sabrá exactamente qué puede esperar y no olvidará imágenes. Un guión no solamente es útil (y hasta imprescindible) para las historias de ficción, también es útil para los reportajes. Imagínese que desea filmar un desfile de carnaval. Partimos del hecho de que éste va desde la calle principal hacia el mercado. Va a tener que tomar ciertas decisiones que tendrá que seguir respetando; hablaremos de eso en la parte sobre la continuidad de la dirección. Una vez que Ud. llegue al lugar de la acción, decidirá en qué dirección principal grabará las imágenes en el mercado. Sería bueno que la parte más interesante del entorno se encuentre en segundo plano, por ejemplo: el municipio y la tribuna oficial. Al escoger su enfoque, debe tomar en cuenta la dirección de la que viene la calle y la posición del sol. Ud. podría verse obstaculizado por el sol cuando graba en la dirección del municipio. En ese caso puede cambiar la dirección principal de sus tomas, lo que tendrá efecto en su guión y todas las tomas posteriores. Cuando Ud. hace reportajes, debe respetar ciertas posiciones. Por estas razones, cada periodista profesional primero evalúa las posibilidades de un lugar y en su mente hace un guión. Al inicio de su reportaje él determina además, como con cada historia, los lugares de la acción, la decoración y los protagonistas. Los amateurs que graban sus recuerdos sin plan de rodaje, mezclan todo tipo de información en una sola imagen. Muestran por ejemplo una catedral y al mismo tiempo un personaje posando en el atrio. El resultado: o graban desde lejos y ya no podemos ver ciertos personajes porque son demasiados pequeños, o van continuamente del personaje a la arquitectura y viceversa. En estos casos es mejor cortar: empezamos con la totalidad del entorno en una visión amplia y luego damos más detalles mediante imágenes de más cerca.

Por otro lado debe mostrar los personajes por separado para que se los pueda ver realmente en detalle. Todo el tiempo que se graba al personaje en el mismo lugar y en la misma luz, el espectador sabe que el personaje se encuentra en el entorno. En mente situará al personaje en el entorno reconstruyendo la entera escena por medio de fragmentos. Lo que aplica al tiempo también se aplica al espacio. Por lo tanto, tenemos que jugar con esas imágenes individuales y con sus interrelaciones. Por eso, para poder subdividir y contar una historia, es importante conocer los elementos del lenguaje del vídeo. Y eso vemos en el siguiente capitulo.

2. – El lenguaje del vídeo (parte 1)
El plano cinematográfico El plano cinematográfico, también llamada toma, es la unidad básica del lenguaje del vídeo. Un plano cinematográfico es una grabación en una única toma, desde el momento que Ud. enciende la camera (“¡Acción!”) hasta el momento en que detiene la grabación (“¡Corte!). Naturalmente Ud. todavía tiene la opción de acortar un plano cinematográfico durante la edición. La escena Cuando uno junta varias tomas para contar algo, se llama esta colección de tomas que muestran una unidad de lugar dentro la acción, una escena. Por ejemplo: la escena en el vestíbulo, la escena en la escalera, la escena en el dormitorio. La secuencia Una secuencia es el conjunto de escenas que muestran una unidad de acción. Se trata de una serie de escenas que se desarrollan en diferentes lugares pero que están conectadas por el mismo contenido dramático. Por ejemplo: una secuencia de persecución con una escena en un banco, una escena en los techos y una escena en el carro. Los tamaños de grabación Como vamos a subdividir la historia, mostramos las cosas situándolas, dándolas más o menos importancia, encuadrándolas de más lejos o más cerca. Así que jugaremos con diferentes tamaños de grabación y sus significados. A continuación, se los nombramos desde la toma más abierta hasta la más cerrada.

EL PLANO GENERAL EXTREMO O PLANO PANORÁMICO Esta toma muestra el paisaje, localiza los lugares donde tiene lugar la acción. El entorno predomina. El plano general extremo se utiliza frecuentemente como toma inicial.

EL PLANO GENERAL Vemos el lugar en que se desarrolla la acción, las posiciones de los personajes, los personajes mismos. Se les presenta de cuerpo entero. Si el énfasis está claramente en el personaje (central) y menos en el entorno, también hablamos de un “plano completo” o “plano entero”.

EL PLANO AMERICANO Se recorta el personaje por la rodilla. En esta toma podemos ver claramente a los personajes y podemos seguir la acción de cerca. EL PLANO MEDIO Los personajes son presentados desde la cintura. Una toma muy frecuentemente utilizada ya que involucra automáticamente al espectador en lo que está pasando. Un plano medio representa más o menos lo que nosotros mismos veríamos si actuáramos en la acción. EL PLANO MEDIO CORTO O PLANO DE BUSTO

También llamado “primer plano de hombros a cabeza”. El centro de la toma es el rostro de los personajes por encima del pecho. Ahora podemos seguir sus miradas variables, los sutiles cambios en su expresión facial. El espectador se identifica bastante con el personaje. EL PRIMER PLANO Muestra una parte del cuerpo como la cabeza, una mano, los pies u otro objeto. Con un primer plano el énfasis está en los detalles. Muchas veces indica algo. EL PLANO DETALLE Se centra aún más en los detalles que el primer plano.

NL Long Shot Medium long shot Medium shot Borstshot Close-up Detailshot

SPAANS Plano general Plano Americano Plano medio Plano medio corto Primer plano Plano detalle

Durante la grabación o la edición Ud. permitirá que las tomas continúen cierto tiempo dependiendo de su tamaño. Un plano general dura en realidad más tiempo que un plano medio corto ya que contiene mas información. Las tomas más abiertas son por lo general más largas, los primeros planos son más cortos. Naturalmente uno puede dejar continuar un primer plano por inusualmente

mucho tiempo para obtener un efecto específico. En la película y el vídeo uno puede romper las reglas cuando uno tiene una buena razón para hacerlo. Los ángulos de cámara Un sinónimo para los ángulos de grabación. Cuando Ud. asiste a una escena, no siempre se encuentra justo enfrente de la escena y tampoco está siempre parado o tiene la mirada horizontal. En una ceremonia de aviación o cuando visita un antiguo palacio, Ud. dirige su mirada hacia arriba, hacia el cielo o el techo. Cuando ve desde su balcón cómo los barcos de pesca se hacen a la mar o cuando ve pasar un desfile, Ud. mira hacia abajo. En esta serie llamamos estos ángulos de visualización, ángulos de cámara. El ángulo de grabación normal es cuando uno mira horizontalmente, al nivel del ojo. Cuando no mira horizontalmente, Ud. mira hacia arriba o hacia abajo. Cuando graba hacia arriba o hacia arriba, Ud. crea un efecto específico que dramáticamente puede ser interesante dado que la imagen adquiere un significado adicional. EL PLANO PICADO Hablamos del plano picado cuando la cámara se encuentra en una posición más alta que el sujeto. El plano picado se destaca más o menos dependiendo de que uno mira recto o en mayor o menor medida oblicuamente hacia abajo. Un plano picado domina al personaje, lo aplasta. El personaje parece pequeño, dominado por la vida. Por ejemplo: un juez que mira a un delincuente desde su silla.

EL PLANO CONTRAPICADO Hablamos del plano contrapicado cuando la cámara se encuentra en una posición más baja que el sujeto. En el plano contrapicado un personaje parece presumido, vanidoso, superior.

Estos ángulos de grabación son completamente natural en ciertas situaciones sin que den un significado psicológico a la acción. Es completamente normal que Ud. mira hacia abajo a un grupo de ciclistas que suben la ladera cuando se encuentra en un camino en las montañas. Si graba eso, Ud. dará una impresión de empeño y esfuerzo. Si graba a un alpinista desde abajo que está

colgado con una cuerda a un acantilado, Ud. utilizará un ángulo de visión completamente natural. Pero ese ángulo todavía da una ligereza y una superioridad a su sujeto en todos los sentidos. Juegue con estos ángulos de grabación para dar más fuerza y expresión a sus imágenes. El agua de una cascada parece más salvaje cuando pone su cámara en el piso, ligeramente dirigida hacia arriba. ¡Pero tenga cuidado! Una acumulación excesiva de ángulos de grabación originales y deseados hace que pierdan su expresividad y que se hagan aburridos. Los movimientos de cámara Su cámara es como una prolongación de su mirada. Sus ojos se pueden mover pero su cabeza también. Su cabeza se puede girar y moverse hacia arriba y hacia abajo. Lo mismo sucede con el rodaje: Ud. puede hacer que su cámara haga estos movimientos. Obviamente debe haber una u otra razón para hacer esos movimientos de cámara , por ejemplo porque Ud. quiere dejar explorar un espacio o seguir un personaje. El movimiento de cámara más evidente es: LA PANORÁMICA HORIZONTAL y VERTICAL Ud. mueve su cámara como si moviera su cabeza horizontalmente o verticalmente, de derecha a izquierda (HORIZONTAL) o de arriba hacia abajo (VERTICAL) o viceversa.

Estos movimientos coinciden por ejemplo con la mirada que se desliza sobre un paisaje mientras sigue al horizonte o con la exploración de un edificio grande que se observa desde abajo hacia arriba.

Se puede utilizar la panorámica horizontal para explorar poco a poco un entorno o para seguir un objeto en movimiento. También se la puede utilizar para relacionar dos acciones en el espacio. Como todos los otros elementos del lenguaje del vídeo, la panorámica horizontal también puede dar significado, provocar interpretaciones psicológicas y crear un efecto dramático.

Ejemplos: una lenta panorámica horizontal sobre un paisaje de montaña puede poner el énfasis en lo impresionante del paisaje. Por otra parte, una lenta panorámica horizontal por las caras de personas hostiles que miran hacia nosotros, puede crear una tensión dramática. Todos esos refinamientos del lenguaje del vídeo le ayudarán bastante.

También se puede mezclar la panorámica horizontal con la vertical sin tener que seguir una línea perfectamente diagonal. Este movimiento le puede parecer obvio pero no es fácil lograr una buena panorámica horizontal. Muchas veces la cámara de los amateurs se mueve en todas las direcciones, sin una buena razón.

Es posible que uno salga de una exposición de vídeos de amateurs con una sensación que es la más parecida al mareo. Unos consejos:
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¿En verdad se necesita la panorámica horizontal o vertical que desea hacer? ¿Es justificada? ¿No puede mostrar lo mismo sin mover pero con la ayuda de varias tomas fijas de diversos tamaños? Su movimiento debe ser estable (a prueba de tambaleos) y continuo. Si no pone su cámara en un trípode, apóyese en una pared, un cierre, una columna,… Practique su movimiento por lo menos una vez antes de grabar la panorámica horizontal y decida de qué imagen hasta qué imagen desea grabar la panorámica horizontal o vertical y en qué dirección. Una panorámica horizontal o vertical irregular o “reentrante por un momento” es muy desagradable para el espectador. Haga una toma fija antes de hacer la panorámica horizontal o vertical y haga otra toma fija al final de la panorámica horizontal; eso le ayudará a realizar transiciones suaves durante la edición. Utilice lo más que pueda el movimiento de un personaje, un animal, un vehículo para justificar su panorámica horizontal o vertical. Asegúrese de que su panorámica horizontal empiece y termine suavemente para que el movimiento no sea muy notable y que no parezca artificial. Tome su tiempo para una panorámica horizontal o vertical, salvo cuando, por excepción, hace una panorámica horizontal muy rápida para crear un impacto.

EL TRAVELLING El travelling es un desplazamiento de la cámara durante la toma.

El travelling de avance El travelling de avance es un movimiento hacia adelante para acercarse a un sujeto que se hace cada vez más grande en la pantalla o para trasladarse como con el carro, con lo que se ve pasar el paisaje a ambos lados del eje óptico.

El travelling de retroceso Se trata de un movimiento hacia atrás. Por ejemplo: el retroceso de un tren.

El travelling lateral Mientras Ud. está moviéndose, está grabando lateralmente. Frecuentemente utilizado para seguir y mantener otro elemento en movimiento (un ciclista, un carro, un barco,…) constantemente en el enfoque.

También se puede ejecutar un travelling vertical. Por ejemplo: una grabación en un ascensor de cristal. El zoom También se lo llama “travelling óptico” pero en verdad no se trata de un movimiento de la cámara. Es una ilusión de travelling. Con un objetivo de focal variable – un objetivo zoom – Ud. puede obtener un efecto que parece al travelling de retroceso o de avance. Aplastando el botón del zoom Ud. cambia la posición de los objetivos en un objetivo zoom. De esa manera Ud. puede pasar por ejemplo del objetivo gran angular- al teleobjetivo, en otras palabras de una imagen muy amplia a una imagen muy detallada (o viceversa). A diferencia del travelling, una grabación con zoom deforma la imagen normal. Es bastante tentativo utilizar el objetivo zoom a cada rato. El zoom es bastante útil para determinar el encuadre sin cambiar la posición. Pero no lo utilice demasiado DURANTE el rodaje. Utilice tomas fijas.

Unos consejos:
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Al igual que con las panorámicas horizontales, Ud. puede justificar una toma con zoom siguiendo a un personaje o un elemento en movimiento, utilizando su movimiento. Asegúrese de que sus tomas con zoom empiecen y terminen de manera imperceptible. Ud. debe evitar un comienzo o final notable a menos que quiera obtener un efecto con eso. Evite acercar el zoom y luego alejar el zoom. Estos efectos de acercamiento y alejamiento no tienen ningún significado; además hacen que sus espectadores se mareen. Su cámara de video es ligera y útil. Ud. la puede utilizar para grabar sin trípode. Pero eso también implica riesgos para la estabilidad de la imagen. Asegúrese de que su cámara no se tambalee durante un movimiento. Muchos de los travellings que Ud. ve en el cine fueron hechos con una construcción de rieles o con la ayuda de una silla de ruedas. ¡A veces hasta se arrastra al camarógrafo sobre el piso con una alfombra! La imagen tiembla menos cuando utilice un ángulo de cámara amplio. Si Ud. acerca el zoom completamente es casi imposible grabar a mano, incluso cuando no respira… En este caso es mejor utilizar un trípode.

La posición fija de la cámara ¿Por qué no hablamos primero de esta parte, tal vez hubiera sido más lógico, no? ¡No lo crea! Ahora Ud. ya ha visto todos estos movimientos de cámara, todas esas combinaciones atractivas y útiles que, no obstante, son fáciles de abusar. Un buen cineasta no deja saltar sus imágenes en todas las direcciones pero sabe utilizar la posición fija de la cámara. ¡Sus sujetos se mueven! Aprenda a hacer tomas fijas en las que los objetos y las personas se mueven (el follaje, los ríos, los ciclistas,…). Deje que los niños jueguen tranquilamente. Aprenda a respetar la vida de las cosas y la gente que está grabando sin querer intervenir a cada rato con – a menudo movimientos inadecuados - de la cámara. La posición fija de la cámara es un tema muy importante. Como ejercicio, la próxima vez que graba, podría preguntarse por qué un determinado movimiento de la cámara sería mejor que una posición fija de la cámara. Pregúntese si el movimiento es justificado.

3 El lenguaje del vídeo (parte 2)
La clasificación de la imagen Algunos autores dividen la pantalla en franjas horizontales o verticales y nos enseñan que tenemos que respetar esta clasificación: o dejamos poco “cielo” en la parte superior o todo lo contrario, dejamos poco “suelo” en la parte inferior.

En realidad el objetivo es obtener relaciones armoniosas entre los componentes principales de la imagen. Estos autores le dicen que tiene que respetar la misma clasificación en lo vertical, colocando un elemento vertical en primer plano o segundo plano, en un lugar que garantiza un resultado armonioso.

Ahora tal vez se pregunte cuáles son esas relaciones. Bueno, hay diferentes opiniones acerca de eso. Algunos dividen la pantalla verticalmente y horizontalmente en tres partes iguales.

Otros prefieren las relaciones que corresponden más bien a un cuarto de la altura o la anchura o las relaciones de las cuales las franjas exteriores son aún más estrechas.

Todos los autores también tienen una teoría sobre las fortalezas de la imagen. Para los defensores del sistema de tercios son ubicadas de la siguiente manera:

Pero los defensores del sistema de cuartos ven las fortalezas de la siguiente manera:

Ud. puede ver inmediatamente que las fortalezas de la imagen se encuentran en las intersecciones de las buenas divisiones, tanto en la altura como en la anchura. Por lo tanto olvidaremos los autores de este tipo de teorías. En este dominio se puede pretender todo y lo contrario. Eso depende de su sensibilidad específica. Pues es ésa que hace sus imágenes personales y únicas. Sin embargo, podemos darle unos consejos:
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Utilice el entero espacio de la pantalla, no ponga su personaje o grupo de personajes sistemáticamente en el centro de la imagen. Divida los elementos de su imagen (el personaje, el árbol, el campanario,…) armónicamente sobre toda la imagen.

Para añadir más profundidad a la imagen, Ud. puede utilizar los primeros planos ofrecidos por el entorno. Un primer plano oscuro proporciona un buen contraste con una escena “más ligera” en segundo plano. Escoja una silueta claramente definida, por ejemplo un árbol, un

estatua, un enrejado de hierro fundido… un personaje.

Hay otro elemento que determina la sensibilidad de sus imágenes y encuadros: la distancia focal del objetivo que utiliza. Un objetivo gran angular (o un objetivo zoom en gran angular, lo que corresponde a una distancia focal corta) mejorará las perspectivas de su imagen, especialmente si graba desde un plano picado o contrapicado. Con un objetivo gran angular Ud. puede crear una sensación de espacio o acentuar la velocidad de un objeto en movimiento. Pero aún así también debería tener cuidado aquí: a veces los objetivos gran angular causan deformaciones, especialmente si graba un personaje demasiado cerca o cuando encuadra al personaje al borde de la imagen; su cara se deformará y se alargará. Un teleobjetivo (o un zoom en la posición “tele”, la distancia focal más larga posible) hace todo lo contrario: la perspectiva se comprime, los segundos planos se desarman. Por eso le recomendamos que siempre escoja el ángulo correcto de la cámara cambiando de lugar en vez de utilizar el zoom y quedarse en el mismo lugar. El sonido Existen sonidos que nos dejan ver su fuente en la pantalla (un personaje que habla, una puerta que se cierra, las pezuñas de un caballo,…). Ellos acompañan la imagen que Ud. graba de una manera completamente natural. Estamos hablando de los sonidos “on”. También existen sonidos que no nos dejan ver la fuente en la pantalla. Ésos se llaman los sonidos “off”. Asegúrese de que los sonidos “off”, especialmente los sonidos ambientales, no sean más fuertes que los sonidos justificados por la imagen. Por ejemplo: espere hasta el avión o el tren que pasa, ha avanzado un poco más. Pero obviamente eso no siempre es posible. Para que estos sonidos “invisibles” queden mejor en su toma, Ud. los puede justificar con un truco. Cuando Ud. le muestra al espectador el reflejo de un camión que pasa por un escaparate durante una escena en la calle, él automáticamente aceptará el sonido de ese camión. Cuando Ud. está grabando en alguna parte, está físicamente sumergido en el ambiente sonoro de ese lugar. Su espectador solamente ve y experimenta lo que sobra eso en la pantalla. Cada sonido cuya fuente no es visible, funciona molestoso, a menos que Ud. haya mostrado previamente la fuente de sonido en un plano general del entorno donde tiene lugar la acción. Increíble pero cierto: algunos cineastas aficionados juegan el director de cine mientras están grabando a su familia. Mientras la cámara está grabando, gritan – a veces con muchos gestos – toda clase de indicaciones. El resultado no es muy bueno. En voz en off se escucha toda clase de direcciones de escena del papá cineasta; el pequeño no siempre tiene tantas ganas para escuchar al papá, los nervios son visiblemente y audiblemente puestos a prueba…

La persona que graba tiene que asegurarse de que la cámara se mantenga estable, que no tambalee mucho. Cuando Ud. habla durante el rodaje, prestará automáticamente menos atención a la estabilidad de sus tomas. Es importante que sea muy discreto y que establezca las actividades y expresiones espontáneas de los “actores”, eso parece mucho más natural.

4 – Proporcionar la edición
Ya hablamos sobre el plan de rodaje. Si Ud. lo desea o no, si ha elaborado un plan de rodaje perfecto o no, seguramente ha hecho tomas sucesivas de diferentes longitudes. El propósito de la división en tomas y la edición posterior es dar una secuencia lógica y natural a sus imágenes. Cuando alguien mira una película bien editada ni siquiera se da cuenta de los “cortes” y las transiciones entre los diferentes tamaños de grabación. Lo que ve en la pantalla se ha convertido en su realidad. La mejor manera de lograr ese resultado consiste en proporcionar, ya desde el plan de rodaje y durante la grabación, lo que tendrá que hacer durante la edición para que todo se agrupe con fluidez. Cuando se habla de la edición, se habla en primer lugar sobre la continuidad y por lo tanto también sobre las transiciones. La acción está dividida en tomas con diferentes tamaños de grabación y ángulos de cámara: por eso el creador de películas no siempre toma la misma posición ante su sujeto o sus personajes. Algunas reglas simples nos muestran qué actitud debemos tener hacia nuestros personajes y en qué dirección ellos deben moverse con el fin de garantizar la continuidad. La continuidad de dirección Si Ud. graba un personaje u otro elemento en movimiento, incluso si lo sigue u “acompaña” por una panorámica horizontal o un travelling, el elemento se moverá sobre la pantalla en una dirección más o menos pronunciada. Puede aparecer del segundo plano y hacerse cada vez más grande en la pantalla o puede entrar en la imagen por un lado y moverse al otro. En casi todos los casos el elemento en movimiento se irá de forma más o menos pronunciado de izquierda a derecha o de derecha a izquierda. Para garantizar la continuidad de dirección, Ud. tiene que asegurarse de que sus elementos en movimiento mantengan la misma dirección en las tomas sucesivas.

Su elemento en movimiento se mueve en una dirección, un eje de movimiento. Si Ud. lo graba mientras se mueve por ejemplo de izquierda a derecha, entonces su cámara siempre deberá estar al mismo lado de ese eje. En los bocetos aquí arriba el atleta siempre corre de izquierda a derecha. 1. Corre hacia nosotros desde lejos. 2. Nos pasa. 3. Corre de nosotros en la dirección del segundo plano. El siguiente esquema le muestra las posiciones de la cámara con respecto al eje de movimiento para estas 3 tomas.

Indudablemente todas las posiciones intermedias también son adecuadas , siempre y cuando se queda al mismo lado del eje de movimiento. Cada una de estas tomas puede ser grabada en otro entorno. Ud. puede agrupar estas tomas como si se tratara de un solo movimiento continuo. ¿Qué sucede cuando si pasa el eje de movimiento? El espectador tendrá la impresión de que su corredor dio la vuelta o que se trata de otro corredor que viene de la otra dirección.

Imagínese una persecución de dos carros. El carro de la policía y el carro de los criminales debe seguir manejando en la misma dirección en la pantalla: en este ejemplo siempre entran de la izquierda en la pantalla y se van por la derecha.

Si por equivocación se invirtiera la dirección del carro de la policía, el espectador podría pensar que el carro dio la vuelta.

Si Ud. quiere cambiar la dirección de los elementos en movimiento, deberá mostrárnoslo. Primero Ud. puede mostrar una toma en el eje de movimiento (desde un ángulo neutro) – graba por ejemplo un carro que viene directamente hacia la cámara o lo graba desde otro carro que también está en el eje de movimiento. O bien puede grabar la curva para dejar claro que se produce un cambio de dirección. El siguiente esquema le muestra las tomas para grabar de manera clara y comprensible una determinada ruta. Tomamos como ejemplo un carro que va hacia arriba en una montaña por un camino sinuoso. Ud. graba este carro en movimiento en varias tomas, desde la cima de otra montaña.

Si graba las tomas 1, 2 y 3 y si muestra la una tras la otra, Ud. dará la impresión de que el carro da dos veces la vuelta. Ud. debe insertar las tomas 1A y 2A para garantizar la continuidad de dirección.

La continuidad de movimiento

Cuando Ud. monta las tomas de un objeto en movimiento sucesivamente, Ud. debe tomar en cuenta la dinámica del movimiento como el espectador la percibe. El espectador que sigue un elemento en movimiento con su mirada, completa al mismo tiempo ese movimiento. Cuando leemos de izquierda a derecha – lo que sigue también se aplica a la dirección invertida - nuestro ojo no va hasta el final de la línea pero ya regresamos más bien al comienzo de la siguiente. Lo mismo sucede cuando miramos una pantalla: al momento que un elemento en movimiento alcanza el borde de la pantalla, ya estamos mirando al lado opuesto para ver el resto del movimiento. Por eso, cuando muestra tomas sucesivas de un elemento que se mueve de izquierda a derecha, Ud. simplemente puede omitir su desaparición de la pantalla a la izquierda, tanto como el comienzo de su entrada a la derecha. Si Ud. mostrara todo, el espectador lo experimentaría como una interrupción, un tipo de parada. Además, si Ud. deja desaparecer el elemento en movimiento por completo y si lo muestra de nuevo en la siguiente imagen, la pantalla parecerá demasiado tiempo vacío y el ritmo de la película será demasiado lento. El principio es similar cuando Ud. graba un mismo recorrido desde diferentes posiciones de la cámara y con lo que el entorno proporciona claros puntos de referencia. Tal vez piensa que debe agrupar las tomas del elemento en movimiento para que se muestre el recorrido entero. Eso realmente no tiene sentido; aquí también debe hacer un pequeño salto en el espacio, insertar una elipse con las transiciones entre las tomas. Si no lo hace, el espectador pensará que el elemento en movimiento se ha deteriorado cada vez un poco y que recorre los últimos metros de nuevo. El siguiente esquema lo aclarará:

La continuidad de la dirección de la mirada Dividimos y escogemos, para cada acción y cada personaje, un ángulo de cámara y el tamaño de grabación ideal; por lo tanto estamos obligados a desmontar las cosas que tenemos que montar de nuevo después. Si grabamos por ejemplo varias personas alrededor de una mesa, primero las mostramos en un plano general, cada uno en su lugar. A continuación, grabamos esas personas en tomas cada vez “mas pequeñas”, por lo tanto debemos identificarlas claramente. Como el espectador ha almacenado su posición alrededor de la mesa en su mente, tenemos que ver que esa posición no cambie. La gente al lado izquierdo se queda a la izquierda en la pantalla y mira a la derecha. La gente que estaba al lado derecho en la pantalla, se queda a la derecha y mira a la izquierda. ¿Bastante lógico, no?

No se puede mostrar un personaje de frente y al mismo tiempo el paisaje que ve. Para solucionar ese problema, Ud. puede mostrar el personaje en su primera toma y luego grabar lo que él ve,

teniendo en cuenta la posición, la dirección y el tamaño de grabación que concuerda con su mirada. Esta toma llamamos una toma subjetiva porque muestra lo que el personaje ve.

La toma y la contratoma También llamada “la imagen y la contraimagen”. Una de las aplicaciones más evidentes de “mirar fuera de la imagen” encontramos con una confrontación entre dos personas que tenemos que mostrar a su vez de frente, por ejemplo cuando toman la palabra. Entonces mostramos la persona que habla casi como el oyente lo percibe. Sin embargo, también queremos mantener el oyente en la imagen. La solución es la toma y la contratoma.

Un ejemplo: Ud. debe grabar 2 personas que están frente a frente (A y B).

A y B están conectados por un eje imaginario. No las quiere grabar todo el tiempo juntos en perfil, quiere grabar su mirada mientras están hablando o escuchando. Eso hace cambiando la posición de la cámara. Primero se encuentra enfrente A, con la espalda de B en primer plano, luego graba a B con la espalda de A en primer plano.

Aquí tampoco puede ponerse al otro lado del eje de AB cuando cambia de posición. Si lo hace de todos modos, Ud. cambia A y B de lugar y hace que sus espectadores se confundan desesperadamente. En otras palabras, no pueda “sobrepasar el eje”. A continuación se muestra el mal ejemplo:

En el ejemplo se muestran A y B en planos medios cortos donde aparecen juntos. Mientras el personaje que está más cerca se pone enfrente de nosotros, podemos mantener el personaje en primer plano ligeramente borroso. En ciertas tomas es posible omitir por completo el personaje que vemos de espaldas. En ese caso la dirección de la mirada del personaje que grabamos debe mantenerse perfectamente para que el espectador mantenga la impresión de que ve el personaje fuera de la imagen.

En todo caso, Ud. debe encuadrar el personaje ligeramente a la izquierda o a la derecha dependiendo de su posición conocida en la imagen, incluso cuando lo graba solo. Eso se llama dar espacio de visualización a los personajes.

Es imposible saber de antemano cómo las distintas tomas se relacionarán entre sí. Por lo tanto es posible que tengamos problemas para realizar la transición entre dos tomas: los formatos de grabación o los ángulos de cámara son un poco demasiados similares, los movimientos se contradicen entre sí, hay direcciones opuestas, en pocas palabras: lo contrario de todo lo que hemos visto aquí. Por eso los profesionales proporcionan tomas intermedias o “inserts”. Son tomas neutras, a menudo de un objeto, un detalle o un personaje inmóvil en plano general o en plano medio corto. Por lo general estas tomas son útiles. Se las puede insertar entre otras brevemente durante la edición para que la historia se desarrolle con más fluidez. Graba por lo tanto también unos detalles de las escenas que está grabando. Por ejemplo: durante un picnic con amigos, Ud. graba con una posición fija de la cámara, la carne en la barbacoa, la bandeja con los cócteles multicolores, el sol que brilla a través del follaje…

5 – La edición de vídeo
La edición de sus imágenes consta de varias etapas. El primer paso es la recogida inevitable de las partes fracasadas, las tomas caóticas, desagradables. Indique el comienzo y el final de las tomas demasiadas largas. Si ha trabajado con actores, indique cuál es la mejor versión de cada toma. Tome un lápiz y un papel y anote todo lo que desea guardar. También anote en qué secuencia quiere montar las tomas. Marque por ejemplo la toma intermedia, eso le puede ayudar con una transición “difícil”. Intente ver todas las tomas y recordar el contenido. Durante el montaje de ciertas tomas, verá que el final de una toma no siempre se ajusta bien al comienzo de la siguiente. Por otra parte es bien posible que pueda hacer una transición sin problemas cuando deja empezar la segunda toma un poco más tarde. Tiene que almacenar los movimientos, los gestos, los tamaños de grabación, ciertas miradas,… en su memoria para que pueda juntar sus tomas “cortando” cada toma en el punto en el que mejor se ajusta a la otra. Una palabra sobre el ritmo. El ritmo se determina principalmente por el cambio de los tamaños de grabación y las longitudes de la toma. Por lo general una toma inicial con mucha información (un plano general) se queda más tiempo en la pantalla que una toma en la que solamente vemos una cosa (por ejemplo un primer plano). Se puede dar ritmo a la edición haciendo juegos de magia con tomas más largas y cortas y jugando con el cambio o la evolución de los tamaños de grabación. No hay nada más desagradable que una edición en la que todas las tomas tienen el mismo tamaño de grabación – por lo general se trata de planos generales – y aproximadamente la misma duración. ¡“Cortar” es una de las actividades principales de un cineasta! Durante la edición Ud. tiene que jugar con las imágenes. Es importante pensar bien durante la grabación en lo que desea hacer en la edición porque de esa manera la mitad del trabajo ya está hecha. Otro consejo: no utilice tantos cláxones y silbatos especiales ofrecidos por un programa de software de edición de vídeos. No hay necesidad para una transición especial entre cada imagen. Además, eso puede causar inconvenientes. El espectador prestará más atención a las transiciones y al contenido de su imagen. Utilice simplemente transiciones fuertes o tal vez una transición suave para un efecto específico que quiere lograr. Un consejo final: ¡sea breve! Cuando graba, se deja llevar muchas veces por la acción. A veces eso resulta en cintas de vídeo sin fin en las que, aunque parezca extraño, no pasa nada. Escoja bien pensado sus imágenes durante la grabación. Muchos familiares se sienten irritados al ver su vídeo de dos horas de su viaje de 3 días en Londres. Una película de quince minutos diría lo mismo.

6 – Una cámara de vídeo creativa
Hasta ahora solamente hemos hablado sobre dos usos extremos de la cámara: el simple registro de sus recuerdos y el rodaje de una historia o película. Con un poco de imaginación Ud. encontrará otras aplicaciones con las que puede utilizar su cámara. Este instrumento puede ayudarle en su vida profesional,… y le dará mucha diversión. Algunos ejemplos:

La tarjeta de visita: Cuando Ud. trabaja independientemente, es dueño de una pequeña empresa, es arquitecto, diseñador de moda,… puede crear un vídeo de presentación en el que presenta sus productos, diseños o realizaciones a clientes potenciales. Lo muestra en su escaparate, su estudio, su peluquería, su oficina,… La libreta de notas Cuando tiene que hacer valoraciones para su profesión, su cámara se convierte en una libreta de notas ideal. Ud. puede grabar los locales, los objetos, los muebles,… de los que tiene que hacer una descripción mientras los describe. El vídeo como espejo ¿Es Ud. el capitán de un equipo deportivo o un deportista individual? La grabación de un partido, una demostración de deporte de nadadores o gimnastas puede ser bastante útil para corregir los errores técnicos. Todos los entrenadores de fútbol estudian las tácticas de sus oponentes gracias al vídeo. Los cantantes, humoristas, actores, magos,… también utilizan el vídeo para afinar el próximo espectáculo. ¿Se ha visto a Ud. mismo mientras toma la palabra en una reunión? ¿Mientras duerme? ¿Mientras se enoja? ¿Mientras se divierte bastante? La primicia Una imagen o un mensaje único, exclusivo. Seguramente ha visto fotos o películas de aficionados sobre acontecimientos extraordinarios. Si Ud. es el único o el primero que muestra una determinada noticia, eso le puede aportar mucho dinero. No hace falta decir que siempre debe tener su cámara a la mano y que ésa debe estar lista para la acción. Esto no significa que tiene que esperar una catástrofe. Los bloopers Durante la grabación suceden seguramente equivocaciones, errores, accidentes,… que son divertidos: tanto el director de cine como los actores no siempre pueden contener la risa. Guarde estos bloopers cuidadosamente y móntelos sucesivamente para verlos con la familia.

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