Capturar y Retener la Atención del Espectador Sería difícil pensar en algún negocio mas competido que la TV.

El espectador promedio en los Estados Unidos puede escoger entre docenas de canales de TV. Cada año cientos de millones de dólares son invertidos tratando de crear programas de TV exitosos. Y cada año, por lo menos a nivel de cadenas, la mayoría de estos intentos fallan. Pero primero ¡Debes Obtener su Atención! El éxito de un programa de TV (y por lo tanto, probablemente tu propio éxito profesional) dependerá en gran medida de tu habilidad para capturar y retener efectivamente la atención de la audiencia. Y por supuesto, una vez que lo logres, más vale que tengas algo interesante que comunicar o rápidamente la audiencia se irá a otro lugar (ya sea sintonizando otro canal o simplemente ignorándote). Probablemente pienses "Yo no quiero preocuparme por eso, yo solo quiero hacer programas de TV que me gusten a mi." ¿Muy bien pero, quién va a pagar por ellos? ¿Muy bien pero, quién va a pagar por ellos? Realidad 101: Un Curso de Economía Requerido Las producciones de TV cuestan mucho dinero. Un millón de dólares por hora es adecuado para una cadena de producción. (N del T: en países latinoamericanos la cifra a veces llegas a cientos de miles, pero usualmente es menor) Antes de que alguien aporte esa cantidad de dinero ellos tienen que creer verdaderamente que habrá alguna clase de retorno por su inversión. Dependiendo del tipo de producción, esta retribución puede ser comunicar efectivamente un mensaje corporativo, lograr que las personas compren un producto o servicio, lograr que los espectadores comprendan una serie de conceptos, o, en el caso de la televisión comercial, generar plusvalía por la venta de productos. Dale al Blanco (Audiencia) Usamos el término de target audience para indicar el segmento específico de audiencia potencial al que estamos "apuntando." Los publicistas tiene ciertamente preferencias demográficas. Si estás vendiendo jeans de marca, por ejemplo, tu target audience serían adolecentes de buen nivel económico y muy probablemente no estarías interesado en patrocinar repeticiones de "Reportera del Crimen" (Murder, She Wrote), que apuntan a una audiencia más madura. Así que, sin importar que tipo de producción esté pensando hacer, debe comenzar con un claro entendimiento de las necesidades e intereses de su audiencia destino. Los publicistas gastan millones de dólares determinando las necesidades e intereses de grupos específicos de audiencia destino para sus productos. Por cierto, los principios para determinar las necesidades e intereses de su audiencia destino son también aplicables a algo tan simple como producir un video para su clase.

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Si el video fuese a ser solamente evaluado por un profesor, indudablemente tomaría una aproximación diferente a la realización de un video para la fiesta de graduación. En cada caso, conocer las necesidades de la audiencia destino es la clave del éxito.. Veamos unos cuantos asuntos relacionados con esto. Usando Técnicas de Captura de Audiencia Podemos darnos cuenta que las audiencias basicamente reaccionan emocionalmente al contenido de un programa. Aún una presentación educativa evoca--para bien o mal--una respuesta emotiva. Aunque las personas creen que estan siendo completamente lógicos al evaluar el programa, es su reacción emocional básica la que mas influye en su evaluación. ¿Que tipo de contenidos involucran emocionalmente a una audiencia en la producción? Primero, todos parecemos tener interés en otras personas; especialmente en "vivir vicariamente las experiencias" de otras personas. Estamos interesados en personas que protagonizan vidas interesantes (románticas, peligrosas, miserables o profundamente espirituales). Parte de este interés radica en obtener nuevas perspectivas y estar expuestos a nuevos puntos de vista, incluyendo aprender cosas nuevas. También disfrutamos de contenidos que refuerzen nuestras actitudes existentes, y tendemos a reacionar a ideas contrarias a nuestras creencias. Los productores deben tener cuidado de no presentar ideas radicalmente contrarias a creencias ampliamente arraigadas--aunque exista evidencia que avale puntos de vista alternativos. El truco es saber qué tan lejos puedes ir sin perturbar a la audiencia. Por citar un ejemplo extremo, algunos años atrás una estación de TV de la Costa Este de los Estados Unidos denunció a un jefe de policía local. Un reportero clandestino colocó una cámara en una lonchera y grabó al jefe de policía aceptando un soborno. Cuando el video fue transmitido hubo una reacción negativa contra la estación de TV. Aparentemente, el jefe de policía era popular en la comunidad y presentar la verdad de esta manera les resultó inquietante. Esta reacción emocional negativa de muchos espectadores fue seguida por intentos de justificar lógicamente sus sentimientos: difamación, un medio liberal contra la ley y el orden etc. Esta no fue la primera vez por supuesto que el mensajero fue culpado por el mensaje. La misma reacción negativa anti-media tuvo lugar con algunas personas cuando el Presidente estadounidense Richard Nixon se vió obligado a renunciar por actividades ilegales durante su mandato en la Casa Blanca. Quizas quiera alquilar la película "Todos los Hombres del Presidente" (All the President's Men) en video para ver cómo sucedió ésto. El film representa no solamente un importante momento en la historia de los Estados Unidos sino que además ilustra como dos tenaces reporteros hacen tambalear al Presidente de los Estados Unidos.

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Aunque revelar la verdad no sea siempre recibido con entusiasmo, sabemos que para que una democracia funcione los medios tienen la responsabilidad social de presentar la verdad aunque duela a algunas personas. De hecho, si los medios abandonaran su papel de "perro guardián", el futuro del sistema democrático estaría muy comprometido. Pero no hay que entender mal esto; muchas personas gustan de un buen escándalo--mientras no esté involucrado alguien allegado. Por ello funcionan tan bien todos esos tabloides amarillistas (publicaciones semanales en el puesto de revistas)--y también los programas de TV con este mismo estilo. La audiencia también prefiere cosas novedosas,y temas que generan apelan al interés. Indudablemente por esto el misterio, sexo, miedo, violencia y horror arrojan tan buenos resultados en taquilla. También explica por qué vemos tantas persecuciones de autos, explosiones y excesos en filmes y programas de TV. Estas cosas hacen fluir la adrenalina, nos involucran emocionalmente; en definitiva, atrapan nuestra atención. Esto por supuesto abre la posibilidad de explotación--presentando temas que apelan a la naturaleza humana que --¿cómo podemos decirlo?--no es del todo positiva. Algunas veces existe una línea muy delgada entre presentar ideas o historias con honestidad o enfatizar excesivamente elementos como el sexo y la violencia solo para procurar capturar audiencia. Pasando cierto límite la audiencia se sentirá explotada y manipulada y se resentirá. Y hay que recordar que bueno o malo el contenido de una producción arrastra la reputación de sus productores (e incluso de los patrocinadores). Con este marco general de programación referente a la audiencia en mente, podemos pasar a plasmar las ideas en papel: el guión. La Secuencia de Producción Para empezar debemos pensar en grande. Los siguientes 15 pasos cubren las etapas de producción involucradas en una producción ambiciosa. Una vez que obtenga una idea general del proceso, puedes ajustar las cosas de acuerdo a las dimensiones de la producción que tenga en mente. Identifique el Objetivo de la Producción 1. El paso más importante es el primero: identificar claramente las metas y objetivos de la producción. Si no hay un entendimiento claro de las metas y propósitos de una producción será imposible evaluar su éxito. (¿Como puede saber si ha llegado a algún lugar si no sabía hacia donde iba?) ¿Es el objetivo instruir, informar, entretener o posiblemente generar sentimientos de orgullo, o necesidades sociales, religiosas o políticas? Posiblemente, el propósito de la producción sea crear un deseo en la audiencia que los lleve a alguna acción.

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El paso siguiente es.La mayoría de las producciones por supuesto tienen más de una meta. Analice su Audiencia 2. Estas preferencias son también diferentes para partes diferentes de los Estados Unidos (Norte. en general. ¿La diferencia? Demografía. ¿Por qué es importante conocer estos asuntos? He aquí un ejemplo. ¿correcto?) Es hora de revisar esas notas de "Realidad para Principiantes" que dicen que si constantemente ofende las preferencias y costumbres de la audiencia. Pero ¿qué sucede si no está produciendo para distribución general? Al comprarse con la televisión de transmisión comercial. La gente que era mas apta para protestar no estaba frente al televisor y los que si lo vieron eran menos propensos a protestar. rural. Sabiendo que decenas de miles de mujeres mueren cada año por cáncer de seno.: Igualmente distintos países y regiones en América Latina tienen preferencias y realidades sociales distintas) Estas variantes regionales pueden en parte ser inferidas por diferencias en la programación local en diferentes partes del país--y algunas veces por los films y la programación que algunas estaciones locales se rehusan a transmitir. Basado en elementos como sexo. nivel educativo. del T. de inmediato hubo una reacción negativa. Pero aquí también las 4 . mientras más educación tenga una audiencia habrá menos rechazo a temáticas sexuales. Aunque el mensaje pasó tarde en la noche. Investigaciones demuestran que. zona urbana... (N. edad. los contenidos de un programa diferirán. La Demografía Determina La Aceptación de Algunos Contenidos. Sur. Al mismo tiempo. tiene diferentes requerimientos y expectativas. estrato socioeconómico. Tal vez usted quiera "decir las cosas como son" sin preocuparse si perturba a su audiencia. etc. etc. (Después de todo si ellos no pueden aceptar la realidad. En términos generales (aunque por supuesto existen muchas excepciones) cuando se trata de temas sexuales la gente que vive en zonas urbanas del Norte tienden a ser mas tolerantes que las personas que poseen un antecedente rural y viven en el Sur de los Estados Unidos. La educación esta también relacionada. la gerente de programación de una estación de TV en el sur de los Estados Unidos decide transmitir un mensaje de servicio público sobre el autoexámen de mama --un procedimiento que puede salvar numerosas vidas. identifícar y analizar su target o audiencia específica.). Curiosamente parece que esta relación se invierte cuando se trata de violencia. Trabajaremos sobre esto más tarde. la televisión institucional. ese es su problema. tendrá un futuro muy limitado en el campo de la producción de TV. estaciones comerciales transmitieron programas con desnudos frontales totales sin ninguna reacción apreciable. El mensaje tuvo que ser cancelado. que incluye el video corporativo y educativo.

Desarrolle un Argumento o Propuesta de Programa 5 . políticas. por lo menos que sean nuevos. De cualquier forma los pierde. influencias morales. locaciones y audiencias. Pregúntese. El próximo paso es. Para ello tendrá que hacerse más preguntas. los costos de producción podrán ser amortizados en el tiempo presentando el programa a otras audiencias.características demográficas como edad. sexo y educación influencian el formato y contenido de producción. espirituales o de relaciones públicas. Analice producciones similares hechas en el pasado. una producción que atrae un gran porcentaje de este grupo de edad será más valiosa que una producción que posee una mayor audiencia general. educación. Digamos que un anunciante tiene un producto diseñado para gente joven--zapatos atléticos o jeans. ¡está en problemas! Considere la Recuperación de la Inversión En la televisión comercial la "ganancia sobre inversión" es generalmente en forma de aumento de ventas y beneficios. El precio de una producción para un anunciante o asegurador tiene estar realacionado con el costo proyectado de realización y presentación de la misma. Pero puede aparecer como beneficios derivados del programa. necesidades y expectativas de la audiencia. debe tomar en consideración la diferencia de épocas. determinar para el productor o patrocinador el costo total de la producción. Primero. Por ejemplo subestimar la educación o experiencia e inadvertidamente "hablar por debajo de" el nivel de una audiencia puede insultarlos. ¿Cual es el nivel probable de audiencia? Debe tomar en cuenta si acaso será una presentación única o si mas bien. Generalmente. (Los estilos de producción cambian rápidamente. queremos dejar claro que podemos justificar el costo de producción en términos de cierta ganancia en relación a la inversión. En este caso. mientras mayor la audiencia mas rentable la producción para clientes y patrocinadores. En la televisión institucional el productor y el escritor también deben tener cuidado con las experiencias. Aunque vamos a hablar de los costos de producción mas adelante. Sobrestimar la educación o experiencia y hablar por encima de todos es también negativo. ¿En qué difiere su propuesta de los éxitos o fracasos anteriormente realizados? ¿Por qué funcionaron y por qué no? Por supuesto. Obviamente. Analice Producciones Similares 3.) Determine el Valor Básico de su Producción 4. Si va a cometer errores. pero con un menor porcentaje de gente joven. Si el costo excede los ingresos. por ejemplo. el cliente o anunciante requiere de una retribución para su inversión. Pero los números no lo dicen todo.

música. necesitamos verificar que otros programas están siendo programados para este segmento. El producto de todo ello es una versión del guión más o menos aceptable para todos. (¡Margaret. El siguiente paso es organizar una plan tentativo.. ritmo. son solucionados y son consideradas ideas alternativas. una serie de conferencias de historia o conferencias de guión toman lugar mientras el escrito es examinado por algunas de las personas clave.Edgar Hoover por ejemplo. Durante estas sesiones. El paso siguiente es. Durante el proceso de revisión. etc. Si el director ya ha sido elegido (paso #7). problemas con subgrupos étnicos y religiosos. el personal clave incluye el gerente de producción. En algunos casos alguna escena puede estar siendo modificada en el mismo momento de su grabación. Cuando no se planifica cuidadosamente puede no llegarse a una importante fecha límite. En esta etapa el personal faltante es integrado a la producción. Además del productor y el guionista. ésta versión probablemente no será la definitiva.5. Una vez que la propuesta o argumento es aprobado. él o ella deberá ser parte de estas deliberaciones. Seleccione el Personal de Producción 7. asuntos como el perfil de la audiencia. Generalmente el día límite de transmisión o de distribución determinara el plan de producción (la tabla de tiempos escrita que lista el tiempo destinado para cada paso desde el inicio hasta el final de producción). un storyboard puede ser necesario. Usualmente en la producción de films cada nueva versión es elaborada en un papel de color diferente para que el elenco y el personal no se confunda con versiones anteriores. se requiere un guión completo. Es una especie de "comic" con detalles de producción. escribirlo todo. Si el guión ha sido creado para alguien que prefiere la TV de los 60's. (No veríamos un episodio de "Guardianes de la Bahía" (Baywatch) en la pantalla durante un documental de J. sonido. estas siguiendo las páginas rosas y estamos en amarillo ahora!!) Dependiendo del tipo de producción. Existen varios pasos que cimentarán la estructura entre la propuesta inicial al guión final de producción. etc. Un storyboard consiste en dibujos de las escenas clave con los diálogos correspondientes. Si es una producción institucional. No obstante. despierta. y puede incluso llegar perderse la producción. Desarrolle un plan de Producción 6. efectos. los objetivos de producción serán revisados y refinados y se tomarán dsecisiones acerca de la manera mas efectiva de presentar las ideas.) La primer versión del guión es casi siempre la primera de muchas revisiones. (Recuerde que estamos hablando de una producción de envergadura. Como recordará ya vimos los argumentos y propuestas de programa en un módulo anterior. director y en general los miembros 6 .) Es en este punto que la investigación restante es comisionada.

el marcado final y los ensayos generales con vestuario pueden llevarse a cabo. que incluye el equipo técnico generalmente es contratado o asignado más adelante. En esta etapa pueden llevarse a cabo acuerdos sobre el personal técnico clave y las facilidades de producción. es probablemente porque ya habían sido seleccionados previamente en la preproducción. Una vez que se toman las decisiones. muebles. los contratos son negociados y firmados. cámaras.del equipo creativo. énfasis y las marcas básicas (posiciónes en el set. El paso siguiente consiste. Seleccione las Locaciones 8. el talento puede empezar lecturas del guión con el director para estabelecer. El escenógrafo revisará el guión. etc. En una producción de envergadura un cordinador de locación o gerente de locación es contratado para encontrar y coordinar el uso de las locaciones sugeridas en el guión. probablemente realice una investigación y entonces discutirá sus ideas con el director. los espectadores prefieren la autenticidad de locaciones reales. se pueden llevar a cabo audiciones en esta etapa como parte del proceso de casting (selección de las personas para los diferentes roles). Seleccione el Personal de Producción Restante 10. Aunque los sets todavía no hyan sido terminados. cambiar letreros. Dependiendo del tipo de producción. etc. (Si tiene la suerte de poder contar con actores conocidos. El 7 . vestuario y los sets. si la producción no es realizada en estudio. Algunos espacios pueden necesitar pintura o deben ser re-decorados. Estas comisiones existen en las grandes ciudades de Estados Unidos (y en muchos países) y proveen información sobre los derechos de utilización y las personas que necesitan ser contactadas. Muchas ciudades que desean fomentar la producción de películas y TV poseen oficinas (Film Commissions) que ponen a disposición fotografías y videos de locaciones selectas en el área. ritmo. El paso siguiente consiste en tomar algunas decisiones sobre el talento. El personal general. Aunque puede ser mucho más fácil grabar en un estudio de TV. Los ensayos son programados desde las primeras lecturas (dry run) hasta los ensayos generales con vestuario (dress rehearsal). presentará bocetos de los sets para una aprobación antes de comenzar con la construcción. la selección del vestuario puede comenzar. en decidir las principaleslocaciones. A menudo es necesario hacer cambios en los sets en locación.) Una vez que los sets son terminados. actores. Seleccione el Talento.) Una vez que el talento o actores son contratados. Toma las decisiones sobre las necesidades y el personal restante de producción. Una vez que se llegue a un acuerdo. Vestuario y Escenografía 9. especialmente en producciones dramáticas.

transporte, abastecimiento o catering (por medio de camiones de alimentos y bebidas) y hospedaje en locación (para estadías nocturnas) debe también ser negociado. Si existen sindicatos involucrados, sus contratos deben cubrir una descripción del trabajo y responsabilidades específicas del personal. Las horas de trabajo incluyendo incrementos graduales de pago por horas extras deben ser también acordados. Además, usualmente los sindicatos fijan un estándar mínimo de calidad de transporte, alimentos y hospedaje. Obtenga Permisos, Seguros y Acreditaciones 11. En las grandes ciudades y muchos países no es posible solamente llegar en la locación deseada y comenzar a grabar. Deberá obtener permisos de acceso, licencias, fianzas o garantías y pólizas de seguro. A excepción de noticias y segmentos documentales muy cortos, los permisos son invariablemente requeridos. Muchas locaciones interiores semi-públicas, como centros comerciales exigen también permisos de grabación. Dependiendo de la naturaleza de la producción, pólizas de riesgo locativo y daños a la propiedad de terceros, así como fianzas de fiel cumplimiento pueden ser necesarias en caso de que ocurran accidentes directa o indirectamente atribuibles a la producción. En algunas locaciones la oficina burocrática encargada limitará la producción exterior a ciertas áreas y horarios específicos. Si existe una escena en la calle y el tráfico puede ser afectado, será necesario solicitar acuerdos para asistencia policíaca especial. Para completar la dicha, usted deberá de hacerse de una amplia variedad de permisos y licencias. Estas varían desde permisos para usar música pre-grabada hasta reservación de tiempo de satélite. Si la acreditación no puede ser obtenida, deben considerarse rápidamente algunas alternativas. Seleccione Insercopmes de Video, Imágenes Fijas y Gráficos 12. Según el progreso de la producción, las inserciones del programa pueden ser seleccionadas y grabadas por una segunda unidad de trabajo. Durante esta fase pueden llevarse acuerdos para grabar y adquirir los derechos de uso de videos pre-existentes, imágenes fijas y gráficos. Muchas veces es posible ubicar y adquirir material existente de films o videotecas en varias servicios especializados, que ahorra costos de producción o permite obtener una toma (histórica por ejemplo) imposible de obtener por otros medios. Si el material necesario no está disponible o no cubre las expectativas de producción, una segunda unidad de debe ser configurada para producir los segmentos necesarios. El trabajo de la segunda unidad es una producción hecha separadamente de la locación principal y con un equipo de producción separado. Generalmente no incluye el talento principal en cámara. Si alguna parte de una producción dramática requiere de un edificio específico, por ejemplo una segunda unidad puede grabar los exteriores necesarios en Chicago, mientras que las tomas interiores (Que supuestamente se llevan a cabo en un edificio de Chicago) son realmente grabadas en Los Angeles (donde viven los actores).

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Las decisiones sobre la música son tomadas en esta etapa. La licencias de uso y pagos por derechos de autor son acordados para los elementos musicales y visuales. (Estas cuestiones serán discutidas más a detalle más adelante.) Los Ensayos y la Grabación 13. Dependiendo del tipo de producción, el ensayo puede llevarse a cabo minutos o días antes de la grabación. Las producciones grabadas en caliente (sin parar a excepción de problemas mayores) deben ser completamente ensayadas antes de comenzar. Esto incluye lecturas, ensayos de cámara y uno o más ensayos generales con vestuario. Las producciones al estilo cinematográfico con una sola cámara, son grabadas escena por escena. Los ensayos generalmente se llevan a cabo poco antes de grabar la escena. La Fase de Edición 14. Completadas las tomas, las cintas deben ser revisadas por el productor, el director y el editor quienes toman decisiones sobre la edición. Para producciones de cierto calibre esto se hace tradicionalmente en dos fases. Primero se lleva a cabo una edición en off-line, usando copias de las cintas originales. Las decisiones tomadas durante la edición en off son usualmente editadas en una copia con código de tiempo correspondiente a las tomas originales. Usando estas cintas editadas y una bitácora de edición (lista de decisiones de edición) como guía, el productor puede continuar en la edición en línea (On-Line), donde es usado equipo mas sofisticado (y costoso) para crear el master editado, que es la versión final de la producción. Durante esta fase de edición On-line se llevan a cabo todos los ajustes necesarios de sonido, balance de color y efectos especiales. A medida de que se incrementa el uso de sistemas no-lineales digitales de alta calidad (será discutido posteriormente), la necesidad de efectuar ediciones en off-line para posteriormente editar On-Line está siendo superada, o al menos será una opción. En virtud de que la edición es un importante paso creativo, la desarrollaremos en detalle más adelante.

Seguimiento de la Post-producción 15. Aunque la mayoría del personal de producción habrá concluido su trabajo una vez que producción esté en esta fase todavía hay mucho que hacer en el seguimiento de la producción. Cuentas fnales son pagadas, estados financieros cerrados, y el éxito o fracaso de la producción es determinado. En las transmisiones de televisión, existen ratings; en la televisión institucional puede haber pruebas, evaluaciones o simplemente retroalimentación del espectador para ser considerados.

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El Guión-- Elemento Clave en la Producción Después de haber dado un vistazo al proceso de producción podemos pasar a analizar el elemento clave en el proceso de producción: el guión. Existen programas semi-escritos y shows completamente escritos (no precisamente una larga lista para memorizar). En la primer categoría se encuentran las entrevistas, discusiones, programas de participación, de variedad y espectáculos. El guión para shows semi-escritos se asemeja a un esquema básico que contiene únicamente los segmentos del programa y los tiempos indicados para cada uno. Aunque los guiones para shows semi-escritos pueden ser comparativamente fáciles de escribir, este tipo de programas ponen presión al director y al talento para predecir cómo van a suceder las cosas--y tratar de realizarlo "al vuelo" para que funcione. En contraste, los guiones para programas completamente escritos contienen al audio y video completo para cada segundo. En el programa completamente escrito el contenido general, el balance, el ritmo y los tiempos pueden ser determinados antes de que comience la producción. Las sorpresas desagradables son minimizadas (nótese que no dijimos eliminadas). De lo Concreto a lo Abstracto Los documentales y noticias muy impactantes deben ser razonablemente concretas; esto quiere decir que la información debe (idealmente) ser presentada tan claramente que la posibilidad de una mala interpretación quede eliminada. Mientras más capaz sea de presentar sus ideas con claridad, tendrá mayor éxito. Un guión de noticias será un poco diferente en su aproximación y estructura a un guión para un reportaje especial, comentarios más comunes, videos musicales o una producciones dramáticas. En los últimos casos es preferible no ser tan concreto-- dando espacio para la interpretación personal. Veamos algunos ejemplos. Un video instruccional sobre cómo utilizar un programa de software debe ser lo más concreto posible. Dada la naturaleza de las computadoras y sus programas, la información debe ser presentada en una forma clara paso a paso. Aunque el material debe ser presentado de manera creativa, interesante y divertida, la efectividad de este tipo de producción radica en que la audiencia reciba la una idea clara del procedimiento. El objetivo es fácil de evaluar. Si la mayoría de las personas que vieron el video puede utilizar el programa, se alcanzó el objetivo, si no, no se tuvo éxito. En contraste, podemos hablar de un programa de Jazzercise o de moda actual. Tomando en cuenta el hecho innegable de que la audiencia ha visto grandes cantidades de segmentos de televisión sobre moda, el primer reto se convierte en cómo abordar el tema de una manera fresca y creativa, que llame la atención.

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y la sensación de bienestar que tiene trae un cuerpo sano. 11 . asegúrese de presentar la información de forma que mantengan la atención y el interés de la audiencia. debemos ponerle especial atención. Su objetivo es comunicar algo acerca del sentir que implica el ejercicio. Por lo menos estamos obteniendo información directamente de la fuente.A diferencia de los paquetes de software o los equipos estéreo. A medida que desarrolle las escena del perfil de producción (o guión) en su imaginación. Queremos crear una respuesta emocional. Recuerde. La manera más común de organizar los contenidos en el guión es una secuencia lógica lineal -especialmente cuando la información debe ser presentada paso a paso. la credibilidad y autenticidad derivada de obtener la información directamente de una fuente veraz es muchas veces mejor que tener un narrador presente dando la misma información. Dando Vida a una Entrevista Nos guste o no. si pierde la atención de su audiencia. Simplemente se apela al ego y a las emociones. la moda no se vende en base a especificaciones técnicas. Una vez que se establece la intención y el enfoque de la producción y que se precisan las características de la audiencia. encontrará algunos puntos débiles que hacen decaer la atención del espectador. entonces los elementos del programa pueden ser seleccionados y ordenados. Aunque a menudo es recomendable abandonar la estructura lineal-. las entrevistas son el pilar de muchas o casi todas las producciones no dramáticas. presentando las ideas en una forma fresca y creativa y usando variedad auditiva y visual. logrando que se involucren en los acontecimientos. firme y delgado.porque puede resultar predecible y aburrida. Pero haga lo que haga. Es allí que deberá concentrar su esfuerzo y hacer cambios. El perfil de la producción del que hemos estado hablando puede ser útil para organizar y visualizar los elementos de producción. Así que al producir el programa de modas no estamos interesados en comunicar hechos sino en generar sensaciones emocionantes sobre moda actual. el producto de todo el esfuerzo se ve seriamente comprometido. En algunas producciones el uso de técnicas como el flashback (regreso en el tiempo momentáneo) o las historias paralelas (dos o mas historias ocurriendo paralelamente) dan variedad y aumentan el interés en el programa. Esto se logra apelando a sus emociones. Aunque las "cabezas parlantes" pueden ser demasiado aburridas. Un ejemplo sería el video instruccional para computadoras ya citado. y por la dificultad que existe para hacer una entrevista interesante. una noticia "suave" o un programa de "jazzercise" no se centra en los hechos sino en la acción. Igualmente. Por ello.

Utilizando estos números.Audio y video pueden ser insertados en un programa basados en la entrevista. las entrevistas deben ser aprovechadas en segmentos cortos. La mayoría de los procesadores de palabra permiten tener dos o más ventanas en pantalla. Si los puntos de entrada y salida de las tomas necesarias están especificados con código de tiempo en el guión. mantenemos el sonido mientras cortamos a imágenes relativas al tema (material de apoyo o roll-B) se aumenta interés y ritmo. Tome en cuenta que una vez que hemos visto como se ve alguien en cámara. Los guionistas que prefieren un método sistemático. A menos que la persona entrevistada a cámara sea un orador excepcional o que los eventos sean altamente dramáticos. las posibilidades de error y malos entendimientos son prácticamente eliminadas. que marcan puntos exactos en el video. Alternar los cassettes de grabación entre la entrevista y el roll-B en una manera coherente (incluso esclarecedora) durante la edición es una aspecto clave del proceso. Hablaremos más del código de tiempo en la sección de edición. puede especificarse en el guión las imágenes necesarias con absoluta precisión. minutos. El roll-B (material de apoyo) consiste de tomas a personas. Esto es especialmente valioso si las entrevistas son largas y numerosas y necesitan ser desglosadas y reorganizadas. Estos segmentos pueden ser condensados. Esto no es sólo difícil. Igualmente se puede cambiar a nuevos testimonios en otras locaciones que agregan variedad a la misma. objetos o lugares referentes a la entrevista básica (llamada también roll-A). comienzan por obtener una transcripción de la entrevista capturada en una computadora (generalmente con referencias del código de tiempo). y anexan información visual que puede ser de ayuda para la comprensión del tema discutido. muy poco podemos ganar manteniendo la misma imagen mientras la persona continúa hablando. sino que aumenta el margen de error y mala interpretación durante la edición--especialmente cuando es otro quien edita. En esos casos mantenga sus opciones abiertas y prepárese para reaccionar rápidamente. Estas tomas son editadas sobre la entrevista básica. Cuando se planifica una entrevista se debe planificar también las tomas secundarias para complementar la discusión. es un número de ocho dígitos que identifica exactamente las horas. puede buscar de frases o palabras con ayuda del procesador de palabras y así localizar instantáneamente segmentos de la entrevista. mientras toman notas sobre las tomas y códigos de tiempo cuando preparan sus guiones basados en entrevistas. Si en vez de ello. Muchas veces es imposible saber qué material adicional hay que grabar hasta haber realizado la entrevista. El código de tiempo o "time code". Una vez en la computadora. reorganizados y ensamblados en pantalla en procura de un flujo más lógico e interesante. Utilizando esta ventaja la transcripción de la entrevista puede ser revisada en una ventana 12 . Muchos escritores experimentados (con buena memoria) solicitan solamente leer la entrevista e ir revisando la grabación de las tomas secundarias. a veces llamado código SMPTE/EBU. segundos y cuadros en una secuencia de video.

Una guía completa para escribir los diferentes tipos de guiones usados en la televisión está más allá de este curso. Lineamientos para la Elaboración de Guiones ¿Puede un constructor hacer una casa o una oficina sin entender los planos del arquitecto? No es probable. ni siquiera segmentos largos de ritmo acelerado. (Escenas de cinco a diez segundos están más cercanas a la norma. 13 . Cuando es necesario explicar o ampliar puntos y establecer conexiones entre segmentos. Generalmente. Entonces el proceso se convierte simplemente en cortar y pegar texto de una ventana a otra. ¿Cual será la mejor técnica para ilustrar un punto necesario: un narrador. De la misma manera los guionistas deben ser capaces de visualizar las escenas mientras elaboran el guión. Ambos pueden fatigar a la audiencia.mientras el guión es redactado en la otra. una secuencia animada. A excepción de montajes cortos de ritmo rápido. Mientras más comprenda acerca de un elemento de producción--en este caso el guión--mayor es su oportunidad de tener éxito. Pero al mismo tiempo esta es una de esas áreas en que "saber es poder". Las referencias de código de tiempos deben usarse también para las grabaciones necesarias de las tomas de apoyo. De manera inversa. la narración debe ser escrita por el guionista. un segmento corto de alguna entrevista. pueden solamente escribirse los códigos de entrada y salida que se requieren. De la misma manera el personal clave de producción debe comprender los conceptos básicos del guión antes de tratar de llevarlo a la realización. Y para dejar una impresión positiva en la audiencia la producción debe tener un final impactante. un locutor leerá estos textos sobre el roll-B. una gráfica o una imagen fija? A medida que se van conjugando los elementos. Al elaborar el guión debe estar alerta para encontrar la forma más efectiva de comunicar las ideas. el contenido emocional y el estilo de presentación. En el medio se debe conservar el interés variando el ritmo. Si el código de tiempo esta además asociado con los segmentos de video. Se dice que los grandes compositores pueden escuchar cada instrumento en su cabeza mientras escriben su música. solo una escena llena de acción intensa será capaz de retener a la audiencia por más de un minuto. Para lograr y retener la atención una producción debe capturar a la audiencia rápidamente. los segmentos de cada escena deben durar por lo menos tres segundos. piensa en usted mismo como espectador y trate de visualizar exactamente lo que estaría pasando en cada momento.) Lo más importante de una producción son el principio y el final. Algunas veces la mejor manera de hacer esto es haciéndose preguntas a si mismo. Para obtener un ritmo adecuado es recomendable evitar segmentos largos y lentos.

o peor. El éxito.. Tome en cuenta que escribir para un medio electrónico es diferente a escribir para un medio impreso. la única manera de convertirse en un buen escritor es escribiendo. Aprende a escribir. descorazonarse o rendirse a la frustración--es exactamente igual a la lista de escritores exitosos. uno de mis estudiantes de producción de TV estaba comiendo en un restaurante en Miami cuando vió a David Brinkley. Aprende a escribir. Brinkley. si no que además tendrá una buena base para comenzar a escribir uno.. En este sentido las fallas iniciales. un lector puede volver a leer una frase." Aunque puede aprender los principios básicos de escritura aquí o en un buen libro sobre el tema. "Perdone. no se desanime si en un principio no gana un premio de la Academia o el Pulitzer. el espectador se distrae por algún tiempo tratando de entender que fue lo que se dijo. ¿Qué consejo podría darme para asegurar el éxito?" Mr. Los más exitosos guionistas pasaron años redactando antes de lograr "hacerlo bien" ? o al menos lo suficientemente como bien para comenzar a ganar dinero por su trabajo. Brinkley y se presento a sí mismo como un aspirante al mundo del periodismo televisivo. El estudiante audazmente fue hacia Mr." Hace muchos años. son pre-requisitos para lograr el éxito. Si una frase no es comprendida en una producción de TV. ponderó la pregunta por un momento y replicó. no son fallas del todo. Brinkley. comiendo en una mesa cercana. subtítulos e itálicas y negritas guían al lector. uno de los mas experimentados y respetados corresponsales de todos los tiempos. bajó su tenedor. Así que aquí vamos. 14 . Con la palabra escrita asuntos como la división de capítulos. (un genio certificado) es 10 por ciento inspiración y 90 por ciento transpiración. el sentido se pierde. Escribiendo mucho. Por ejemplo. Aquellos que escriben para impresos tienen algunas ventajas que sus colegas en radio y TV no tienen. Así que. párrafos.Al completar este módulo no solamente conocerá todos los elementos estructurales importantes del guión. Solo piense que la lista de profesionales que pasaron años tratando de hacerlo bien--sin perder la esperanza. según el relato. "Mr. Brinkley. "Tres cosas: Aprende a escribir. Mr. Las cosas son diferentes cuando se escribe para el oído. (Recuerde que el camino más transitado hacia la producción es a través de la escritura). parafraseando las palabras de Albert Einstein. Y. Y la gramática de los signos de expresión pueden indicar su significado. Pero primero debemos conocer los principios básicos.

Aunque estas formas de redacción son incongruentes con la escritura formal--y tu profesor de Castellano no siempre las aceptaría--las variaciones ejemplificadas van en pos de la claridad en la narración escrita. tal y como son usadas en una conversación normal. Las primeras 27 páginas son especialmente relevantes en esta discusión. Pero. las reglas de puntuación algunas veces no son respetadas. especialmente comas. cuando queremos decir "cerca". También es válido apoyarse en los signos de puntuación. en un esfuerzo para comunicar información más rápida y claramente. En el aire queremos saber desde el principio "quién está diciendo" eso. En el estilo para el aire necesita evitar oraciones subordinadas. Si la oración es muy compleja o toma mucho tiempo descifrarla. cuando escuchamos algo que se ha dicho. publicaciones como USA Today han adoptado un estilo mas cercano al estilo que llamamos "al aire". No se dice "en este momento" cuando se quiere decir "ahora". aún y cuando sea gramaticalmente incorrecto. Comas y puntos suspensivos son comúnmente usados para designar pausas. Para lograr comprender una oración debemos retener las primeras palabras en la memoria mientras vamos sumando las subsecuentes? hasta que la oración es terminada. No se dice "muy cerca". Pero. Probablemente una de las mejores referencias en claridad de escritura y simplicidad (en idioma Inglés) es un pequeño libro de 70 paginas de Struck & White escrito en 1959 llamado Elements of Style (Elementos de Estilo). La voz activa es preferible que la voz pasiva. simplemente se confunden. Correlación Entre Audio y Video Ya que la audiencia está acostumbrada a relacionar lo que ve en TV con lo que escucha-generalmente en forma de diálogo o narración--los lineamientos básicos para relacionar audio y video deben ser tomados en cuenta. Comenzamos por notar que la prensa escrita y el aire tienen muchas diferencias ? y es. los verbos y sustantivos se usan en vez de los adjetivos. concisas y directas. para indicar pausas en la locución. El Estilo para "el aire" Los guiones de video son escritos en lo que se conoce como el estilo para "el aire". 15 .) La atribución aparece al inicio de la oración ("De acuerdo con el Cirujano General?") en lugar de colocarla al final. Esto quiere decir que los guiones de video usan oraciones cortas. Las palabras innecesarias son desechadas. el significado se pierde o se confunde. la información es captada palabra por palabra. Cuando leemos vemos las palabras en grupos o patrones de construcción.Como la narración debe ser llevada en un estilo más coloquial. A menudo no se escriben oraciones completas? sino mas bien. La forma en la que percibimos la información verbal también complica las cosas. (Sólo recuerde para qué y para quién está redactando cuando esté frente al teclado. lo cual es común en la redacción para prensa escrita. Esto nos ayuda a comprender el significado. y las palabras específicas se eligen sobre los términos genéricos. Si ven algo y escuchan otra cosa.

16 . permita a los espectadores saber hacia dónde se diriges. Exceso de Información Con mas de 100 canales de TV disponibles en algunas áreas y millones de páginas de información disponibles en Internet ?por mencionar solo dos fuentes de información--uno de los mas grandes problemas que tenemos hoy en día es el exceso de información. perdido y frustrado--y simplemente cambiará a otro canal. El mejor método de presentar información esencial en una producción instruccional es anunciar al espectador que algo importante viene a continuación.Aunque su intención sea lograr que el audio y el video tengan relación. finalmente. En la producción de TV su objetivo debe ser no solo aminorar la carga de información sino llegar a la audiencia para comunicar claramente la información seleccionada en una manera clara y entretenida.. Establezca el ritmo de la presentación de acuerdo a la habilidad del público objetivo para asimilar la información. Y. Plantee una estructura lógica adecuada. aquí están siete reglas generales que debería recordar cuando escriba para televisión. La fórmula ideal es que el diálogo o narración tengan relación y complementen lo que se está en el video. o la información no es adecuadamente presentada. Si se va muy rápido. tiene ideas preconcebidas. Aburrido No solamente importa cuanta información se quiere comunicar. ilústrelo. y y y y y y y Asuma un estilo conversacional usando oraciones cortas y un estilo coloquial. esto es molesto. sino además el ritmo de presentación. Perdido vs. Dé a la audiencia la oportunidad de asimilar un concepto antes de pasar al siguiente. Aunque el radio-drama debe obviar esto para dar una pista a la audiencia sobre lo que no pueden ver. Si uno puede ver claramente lo que esta pasando en la pantalla. Se necesita dar al espectador una oportunidad para procesar cada idea antes seguir al próximo punto. Luego presentar la información lo mas claramente posible. En resumen. muy lento y se aburrirán. etc. Solo podemos retener cierta cantidad de información. el espectador se sentirá confundido. expláyese en el. haga que se preocupen por la gente y la temática de la producción. ¿Que estas sacando del armario?") pero esto es muy raro en la TV. Algunas de estas se aplican a producciones instructivas. Llegue a su audiencia por la ruta emocional. reforzar el punto a través de la repetición o con un par de ilustraciones. No intente dar demasiada información en un solo programa. que obstaculizan el proceso de comunicación. Después de presentar un punto importante. evite el método "Juan corre" donde el audio afirma lo obvio. Si el guión contiene muchos datos. se pierde la audiencia. otras en realizaciones dramáticas y otras más en ambas. qué puntos son conceptos claves y cuándo va a cambiar el tema. Hay que recordar que el público promedio está sujeto a distracciones internas y externas. ("Emma.

también llamado Long Shot. Una anotación del script puede decir "zoom in hasta close-up de John". Este tipo de encuadres dan a la audiencia una orientación básica de la ubicación de una escena--quien está parado dónde. o "zoom out muestra que John no está solo". un fade-in es lo opuesto. simplemente porque los detalles importantes no son fáciles de reconocer. Los Cortes son transiciones instantáneas de una fuente de video a otra. que se aplican tanto a audio como a video. Aunque el video se ha alejado de la gramática establecida por el cine. Y. Fade-ins y fade-outs usualmente señalan un cambio o división importante en la producción. pueden ser usados como recordatorios o para actualizar los cambios en la escena. por supuesto. Primero. o plano de establecimiento son designaciones para un plano general (PG) o un plano largo (PL) . que es una versión óptica del dolly logra un efecto parecido. El cine y la HDTV/DTV no tienen este problema. Los Planos Abiertos pueden ser mantenidos apenas durante el tiempo necesario para orientar a la audiencia sobre la relación de los elementos escénicos. están aquellos que describen los movimientos de cámara. Cuando un movimiento lateral es necesario se utiliza el término truck. Después. Puesto en términos gramaticales. Términos y Abreviaturas del Guión Un número de términos y abreviaturas son utilizados en la elaboración de un guión. Un zoom. el video y el cine no poseen una gramática estandarizada (por ejemplo convenciones o estructuras). Tradicionalmente. a diferencia de la escritura. (Pero. Los Fade-ins y fade-outs. cover shot. "usualmente" es un término diferente a "siempre"). Por la resolución relativamente baja del sistema NTSC de televisión estas son visualmente débiles.--para entonces pasar a encuadres más cercanos. Un fade-out consiste en una transición de dos o tres segundos desde la señal hacia el negro o el silencio. Cuando la cámara completa se mueve aproximándose o alejándose del sujeto se denomina como dolly. las tomas pueden asemejar oraciones donde cada una es una afirmación visual. Después tenemos términos que describen los diferentes encuadres. como un paso de tiempo. pueden asemejar el comienzo o el final de los capítulos de un libro. En producciones dramáticas las disolvencias lentas (donde dos fuentes de video se sobreponen momentáneamente durante la transición de una a otra) usualmente señalan un cambio en tiempo o espacio.Video Gramática Hay quienes opinan que. los teleplays (dramas para televisión) y los screenplays (drama para cine) comienzan con un fade in y cierran con un fade out. plano master. etc. aún en esta era MTV podemos usar varias técnicas clásicas para dar forma a nuestras producciones. 17 .

En una persona el MCU (medium close-up) es un encuadre recortado entre los hombros y la cintura. Un perfecto CU es lo mas adecuado para entrevistas.En la columna de video de los guiones para video es comúnmente usada la abreviatura LS. ángulo inverso indica un cambio de casi 180 grados en la posición de la cámara. El XCU muestra solamente los ojos y la boca de un individuo. Incluyendo una aérea. El cambio de expresiones faciales. Aplicado a personas este tipo de toma debe usarse para causar impacto dramático. o VLS. un picado. pueden ser usadas. Los Close Ups o Primeros Planos (PP)son también comúnmente usados para insertar encuadres de objetos cuando es necesario mostrar detalles importantes. Adicionalmente. en guiones dramáticos términos como la cámara encuentra indica que la cámara se mueve en una porción particular de la escena. 18 . a nivel de ojo o un contrapicado. Normalmente se utiliza una cámara en mano que se mueve mientras camina o corre mientras sigue a un personaje. Cuando se aplica al talento el MS o Plano Medio (PM)es normalmente una toma de la cintura para arriba. Los XCUs son close-ups extremos también conocidos como Primerísimo Primer Plano o PPP. Ocasionalmente las abreviaciones XLS. para extreme long shot. Aplicado a personas . esta es una toma desde el límite de sus cabezas a sus pies. una amplia variedad de guiones actuales de televisión y cine están disponibles en Internet para su estudio. causando que las líneas horizontales corran transversalmente. Un canted shot o Dutch angle es girado de 25 a 45 grados hacia un lado. Los encuadres de cámara subjetiva pueden aumentar drama y frenesí a las escenas de persecución. la cámara sigue indica que la cámara se mueve con una persona u objeto. que son importantes para comprender una conversación pueden ser vistas fácilmente. Adicionalmente a estos términos básicos del guión. El two-shot o three-shot (también 2-S y 3-S) designa un encuadre de dos o tres personas en una escena. Los ángulos de cámara también son acotados algunas veces en los guiones. En el caso de objetos un XCU es a menudo necesario para revelar sus detalles. Aunque el guionista suele indicar encuadres y ángulos de cámara en el guión. El término toma subjetiva indica que la audiencia (la cámara) verá lo que los personajes ven. Aún así. Las designaciones de tomas que encontrarás en los guiones incluyen: Plano Medio Largo o MLS-medium long shot o FS (full shot). esta es un área dejada al mejor juicio del director. y "el encuadre se amplia" señala un zoom o dolly back. para very long shot. existe un número de abreviaturas usadas en la elaboración de guiones.

19 . Esto es especialmente cierto en programas de televisión que. La voz indicada en el guión es de una persona que no aparece a cámara. Y tome en cuenta que ninguna compañía productora .. Esto indica que la voz. ¿Cómo Lo Hacemos? En primer lugar. MIC o MIKE se refiera a micrófono.¡esa que seguro lo hará famoso!-. efectos que alteran la realidad y son creados en el proceso de producción. mientras mejor comprenda este capítulo. Aún si no le interesa producir.) LOC-se refiere a locutor. Aunque usted tenga una gran idea para un guión . Estos pueden ser de audio (audio FX) o video. SFX o F/X se refiere a efectos especiales. También puede referirse a una narración escuchada a un nivel mayor que la fuente de música o sonido ambiental. Así que lo primero que tendrá que enfrentar es el cálculo de cuánto va a costar producir esa obra maestra. música o sonido ambiental se origina en la pista de audio de un video. se quedará tan solo como. POV-punto de vista. SOF-sonido-en-film (sound on film). los gastos pueden ser divididos en categorías. Los guiones dramáticos comúnmente anotan que una toma será vista desde el punto de vista de un actor en particular. OS toma sobre el hombro (over shoulder). VTR-videotape (video tape recorder). Presupuesto de Producción Desafortunadamente.a menos que pueda conseguir el dinero para producir. como hemos afirmado pueden llegar a costar más de un millón de dólares la hora. (También es designado como O/S y X/S shots.por lo menos ninguna que espera mantenerse en el negocio por algún tiempo ? se comprometerá a realizar una producción sin saber cuánto puede costar. OSV-voz fuera de pantalla o voz en Off.y y y y y y y y y y y y EXT e INT son designaciones comúnmente usadas en guiones cinematográficos para indicar locaciones exteriores e interiores. per se. ¿Para que perder tiempo pensado en grandes que tienen pocas posibilidades de ser producidas?. VO (voz encima o voice over) se refiere a una narración sobre una fuente de video. El encuadre muestra la parte trasera de la cabeza y hombro de una persona. KEY-La sobreposición electrónica de títulos y créditos sobre un fondo de video.una gran idea.. mayores serán sus oportunidades de éxito. Es usual pensar en los costos distribuidos en dos grandes áreas: sobre-la-línea y bajola-línea. El proceso de calcular esto se denomina presupuesto de producción. SOT-sonido-en-cinta (sound on tape). y especialmente para producciones complejas. Con esta descripción básica podemos pasar a algunas consideraciones "de fondo". las cosas buenas de la vida no son siempre gratis.

costos de pre-producción 2. operadores de VTR. estudio e instalaciones y edición) El personal técnico (personal de estudio. Existen varias razones. Rentar vs. servicios de oficina. etc. renta de equipo 7. Comprar Equipo Una de las categorías es la renta de equipo. costos de talento 11. Es posible gastar $70. operadores de audio. Los elementos bajo-la-línea se dividen a su vez en dos grandes categorías: y Los elementos físicos (sets.Sobre-la-Línea/Bajo-la-línea Aunque la "línea" mencionada puede ser a veces algo borrosa.000 en una buena cámara de CCD's. Primero. edición on-line y off-line 13. costos de renta de estudio (si aplica) 4. cintas de video y audio 8. transporte. gráficas. música. investigación y seguimiento 15. suministros y gastos varios Muchas de estas categorías serán desechadas para producciones menores. tienden a obsoletizarse rápidamente. e inmediatamente ver el efecto en el cálculo total. costos de estadía en locación (si aplica) 6. Si lo hace. director. exploración de locación/gastos de viaje (si aplica) 3. podrá ajustar gastos de acuerdo a las necesidades durante la producción. el equipo de producción. equipo de producción. costos de personal de producción 9. Un ejemplo de las categorías en una producción mayor serían: 1. 12. los gastos sobre-la-línea generalmente se refieren a los elementos de realización y producción: Talento. contingencias. personal de ingeniería. honorarios del equipo creativo: productor. y Para financiar certeramente una producción es necesario ir más allá de las designaciones sobre-lalínea y bajo-la-línea y dividir la producción por lo menos en 15 categorías. etc. maquillaje. escritor etc. seguros. estructuras. permisos de grabación. y labores generales. 10. Usualmente es más económico rentar equipo que comprarlo. especialmente cámaras y grabadoras. materiales. sets y costos de construcción de set 5. publicidad y promoción 14. Si además se agrega una fórmula en la hoja de cálculo para generar un gran total. vestuario. Con la ayuda de una hoja de cálculo u otros software se pueden listar estas categorías y obtener el costo proyectado en cada área. guión. 20 . debería ser capaz de amortizar el costo después de pocos años de uso.

Algunas veces este lapso de tiempo excede la utilidad práctica del equipo. Aunque la cámara pueda mantenerse y funcionar bien. la deducción de costos de renta de equipo ha representado para algunas personas un camino rápido y simple (y mejor en muchos casos) para la deducción de impuestos. Si el equipo fuese rentado. en cinco o mas años.000 al año.000. este debe ser depreciado (descontado del impuesto generado) durante un número de años. cuando un equipo es rentado. Si el equipo se descompone durante la producción. costo por espectador y costo vs. Costo Por Minuto El costo por minuto es relativamente fácil de determinar. cuando el equipo es rentado existe una gran oportunidad de obtener equipo que se ajustará a las necesidades específicas de producción. tal vez necesite justificarlo. comparada con los modelos recientes estará indudablemente obsoleta. la mayoría de las compañías arrendadoras lo remplazarán en un par de horas sin costo adicional. Métodos Para Atribuír Costos Una vez que el costo de una producción ha sido calculado.000 el costo por minuto será de $4. puede existir la presión de tener que usarlo. Una vez que el equipo es adquirido. Cuando se adquiere un equipo. Existen tres bases para medir la efectividad de costos: costo por minuto. Hi8 o S-VHS. ya sea en términos de resultados esperados o efectividad de costos (generalmente comparado con los métodos de otras producciones). Esto quiere decir que la compañía puede verse en la necesidad de vender el equipo usado para recuperar algo de su inversión inicial. muchos centros de producción probablemente lo usarían. Esto quiere decir que la compañía arrendadora puede recuperar la inversión inicial mas rápidamente.000 de contado y utilizarla por cinco años. Aún para el consumidor de equipo mas comercial. mas los gastos de mantenimiento y reparación. haciendo posible la actualización constante del equipo con nuevos modelos. Finalmente. 21 . rentar usualmente tiene una ventajas de deducción impositiva. En segundo lugar. la compañía de alquiler es la responsable del mantenimiento. Los gastos de alquiler pueden ser inmediatamente deducidos de impuestos como parte de los gastos de producción. Incluso puede ser difícil conseguir repuestos para su reparación. el costo anual sería de unos $14. si una producción de 30 minutos costó $120. Además. el costo de renta (que puede ser de solo $50 al día) puede tener sentido si solamente va a ser usado durante algunos días. Aunque las reglas que gobiernan los impuestos sobre ingresos regularmente cambian. reparaciones y actualizaciones del equipo y no la compañía productora. Usualmente las escuelas obtienen equipo usado gracias a esto. como DVC. ya que el equipo usado representa deducciones de impuestos.Si tiene la posibilidad de pagar por una cámara de $70. aunque a veces otros modelos puedan convenir a necesidades especificas de la producción. beneficios medidos. Por ejemplo. simplemente se divide el costo final de producción por la duración del producto terminado.

¿Qué pasaría si además agregáramos anuncios en periódicos y radio.000 y gastamos $100. el CPM. En las bases del costo por espectador esto se convierte en solo cinco centavos por persona. tendríamos que cuestionarnos si el anuncio fue una buena inversión. la mayoría de los anuncios son transmitidos mas de una vez.000 paquetes fue $100. puede ser prácticamente imposible establecer la influencia de un anuncio de servicio público particular de otras fuentes de información que el público regularmente encuentra sobre estos temas. en el campo de la publicidad. simplemente se divide el costo total de producción por la audiencia actual o anticipada. Para ello debemos comparar los costos de producción contra los resultados esperados. Como hemos notado.000 paquetes de afeitadoras después de transmitir un comercial de 60 segundos.000 con cada transmisión. el principal interesado en estas cuestiones. entonces obtendremos una ganancia de $90. Si nuestra ganancia de 300. además de otras consideraciones arriba de la línea como financiamiento.000 paquetes de navajas de rasurar cada vez que transmitimos el comercial. Costo por resultados medidos La última categoría. una vez producidos. El productor es. por supuesto.000 produciendo y transmitiendo el comercial. por lo menos hasta que la gente se canse de ver nuestro comercial. elaboran encuestas antes y después para medir los cambios de comportamiento en el público en asuntos como esos. La "retribución" en otros tipos de producciones puede ser aún más compleja de determinar. Calcular el retorno sobre nuestra inversión no es siempre fácil. 22 . Esto significa que el costo de futuras transmisiones es únicamente la compra de tiempo de transmisión. Pero entonces se hace difícil determinar la efectividad de costos de cada medio. y además colocásemos grandes desplegados a color de navajas de rasurar en los puntos de venta? Para determinar el efecto de la publicidad en las ganancias deberíamos tomar todos los costos en conjunto. Si 100.Costo Por Espectador El Costo por espectador es también relativamente simple de calcular. o costo por millar es una medida común. puede ser prácticamente imposible establecer la influencia de un anuncio de servicio público particular de otras fuentes de información que el público regularmente encuentra sobre estos temas.000 personas ven un programa que cuesta producirlo $5. mantener limpios el aire y el agua o de abrocharse el cinturón de seguridad? Aún si se elaboran encuestas antes y después para medir los cambios de comportamiento en el público en asuntos como esos. En la televisión comercial podemos vender 300. selección de actores principales o talento. Por supuesto que. Si el costo de tiempo de TV fue $10.000 y vendimos 300. ¿Cómo cuantificar el retorno de inversión de un anuncio de servicio publico creado para convencer a los espectadores que dejen de fumar.000. el CPM será de $50. es la mas difícil de determinar. coordinar la publicidad y guiar el proyecto en general. costo por resultados medidos.

La única distancia que realmente cambia en estas fotos es la distancia entre el sujeto (la mujer) y la cámara. el lente debe estar situado a mayor distancia (la segunda fotografía). el paso siguiente es reconocer algunas de las herramientas que estaremos usando en el proceso de producción. otros tres elementos son afectados: y y y la distancia aparente entre los objetos en la escena el tamaño relativo de los objetos a distancias diferentes la velocidad aparente de movimiento de los objetos acercándose o alejándose de la cámara Distancia Comprimida Un lente de gran distancia focal (lente largo) enfocando un sujeto a gran distancia parece comprimir o reducir la distancia aparente entre los objetos frente al lente. Lentes: Distancia. Para esto necesitamos empezar con los conceptos básicos del medio mismo. para mantener el mismo tamaño de la imagen en la pantalla con un telefoto. Hay que recordar resultan de los lentes en la posición de distancia focal. De igual manera. sino que técnicamente las alteraciones espaciales que grandes angulares y telefotos (o lentes zoom usados gran angular o telefoto) no son una función de la de la distancia entre el sujeto y la cámara. Con la mayoría de los asuntos de pre-producción cubiertos. Cuando se usa un gran angular debemos estar mucho más cerca del sujeto para llenar la pantalla (la primera fotografía arriba).Mas allá de este punto. Velocidad y Cambios de Perspectiva Variar la distancia focal de un zoom afecta algo mas que el tamaño de la imagen en la cámara (en el target de la cámara o CCD). La mujer permaneció exactamente en el mismo lugar en cada fotografía pero el fondo parece estar mucho más cerca de ella en una de las imágenes (aunque ni la mujer ni la fuente se hayan movido). 23 . el director toma el control todos los detalles de producción y postproducción. Para compensar esto (y mantener el mismo tamaño de la mujer en cada fotografía) fueron usados lentes de diferente distancia focal. Además. Fíjese en las dos fotografías de abajo. El dibujo de arriba ilustra esta relación.

la distancia entre los letreros fue altamente comprimida haciéndolos aparecer como si estuvieran prácticamente uno al lado del otro (mucha publicidad atiborrada). incrementa (incluso exagera) la velocidad aparente de los objetos que se aproximan o alejan de la cámara. por supuesto. El fotógrafo contratado para demostrar que los avisos exteriores estaban muy cercanos entre sí se emplazó a gran distancia de los letreros y usó lentes muy largos. Dustin Hoffman corría desesperadamente por la calle hacia la iglesia para tratar de detener una boda. parecía que apenas lograba moverse -. De igual manera. Cambios en la Velocidad Aparente de los Objetos Además de afectar la distancia aparente entre los objetos. 24 .que nunca lograría llegar a la iglesia a tiempo. emplazarse cercano al sujeto con un lente gran angular. cada fotógrafo seleccionó el mismo grupo de vallas para ilustrar el caso. En una de las escenas finales de la famosa película. Un lente con una distancia focal muy larga fue usado para denotar lo que el personaje estaba sintiendo: aunque corría lo más rápido que podía.Adivinando Entre Vallas Un caso fue presentado en la corte hace varios años por un grupo en oposición a la construcción de mas vallas gigantes publicitarias en una carretera interestatal de Estados Unidos. el juez solicitó que fueran presentadas fotografías como evidencia. si logró entender lo sucedido en nuestros primeros ejemplos. Ambas partes emplearon fotógrafos que sabían el efecto de la distancia entre sujeto y cámara en las relaciones espaciales. Esto hecho se utiliza con frecuencia en películas. Coincidentemente. Por supuesto. Los publicistas alegaban en su defensa que los anuncios ya colocados estaban a suficiente distancia para permitir la colocación de otros nuevos (sin dar una apariencia atiborrada). los cambios en la distancia entre cámara y sujeto aunados con los cambios de distancia focal también influencian la velocidad aparente de los objetos aproximándose o alejándose de la cámara. Ya que la autopista en cuestión estaba alejada del juzgado. Al alejarse del sujeto y utilizar un lente de distancia focal larga (o un lente zoom usado a su máxima distancia focal) la velocidad aparente de los objetos en aproximación o alejándose de la cámara queda reducida (más lenta). El fotógrafo que representó a los publicistas se emplazó a corta distancia del primer aviso publicitario y usó un lente gran angular que logró hacer aparecer los letreros "a millas entre sí" (¡no se veían atiborrados aquí!) Observando la drástica diferencia entre los fotógrafos (y probablemente creyendo que "la cámara nunca miente") se dice que el juez asumió que alguna clase de fraude se estaba llevando a cabo y descartó la evidencia fotográfica. esta no es una gran sorpresa. "El Graduado".

(Como si estuviéramos mirando con un lente largo). Pero. Una buena regla ha sido establecida por los fotógrafos.) A menos que este tipo de distorsión sea la deseada. ¿Qué es Normal? En lo referente al comportamiento humano los psicólogos han debatido esta cuestión por décadas. u observando el tráfico en movimiento en una carretera lejana. con la segunda. se obtiene una distorsión aun mayor (fotografía a la izquierda. Una distancia corta entre sujeto y cámara. (Compara la primera fotografía de arriba tomada con un lente gran angular. Cambios de Perspectiva El uso de lentes angulares combinados con una distancia limitada entre el sujeto y la cámara crea también otro tipo de distorsión en la perspectiva. El edificio también aparentará estar inclinado hacia atrás. habrá que retirarse del objeto y utilizar lentes normales o telefotos. Aquí tenemos otro ejemplo. Note la convergencia de las líneas en la fotografía del mezclador de video a la derecha. Si estuviera parado en la cumbre de una colina distante observando alguien corriendo alrededor de una pista. las líneas paralelas que dibujan los lados del edificio convergen hacia la parte superior del encuadre. un lente de 45 a 50mm es considerado normal porque esta es aproximadamente la distancia diagonal de una esquina del film a la otra. Usando la misma aproximación una distancia normal para una video cámara puede ser definida como la distancia existente entre una esquina del área del target a la esquina contraria. Si el videógrafo usa un lente de distancia focal corta para tomar un edificio alto desde el nivel de la calle. diera la impresión de que apenas se mueve. si nos situamos cerca de la pista o la carretera (usando nuestra perspectiva visual angular) la persona o el auto parecerá avanzar a gran velocidad.Piense en esto por un momento y podrá visualizar fácilmente el efecto. haciendo el edificio parecer mucho más delgado en la punta. En una cámara de 35mm por ejemplo. lo normal en términos de una "distancia focal normal" es comparativamente fácil de determinar. tomada con un lente de distancia focal normal. 25 . En cuanto a lentes.) Cuando se utiliza un lente angular extremo. aunada a un lente angular provoca que los elementos cercanos se vean mucho mas separados que los del fondo de la fotografía. Este tipo de "distorsión" puede ser virtualmente eliminada moviendo la cámara hacia atrás y usando lentes de distancia focal mayor.

11. y el detalle en las zonas obscuras de la imagen se perderá. Como la pupila de un ojo que automáticamente se ajusta a los niveles variables de luz. Los números de f-stop altos significan que muy poca luz está siendo transmitida por el lente.0. La velocidad de un lente es definida como la cantidad máxima de luz que un lente deja pasar a través de él. En la intensa luz solar la pupila se contrae en un esfuerzo por evitar sobrecargar los conos y bastones sensibles a la luz en el fondo de nuestros ojos. 8. entonces el uso de un lente de 20mm en esa cámara proveerá un ángulo normal de visión bajo condiciones normales. los lentes de una cámara poseen un diafragma que controla la cantidad de luz que puede pasar a través del lente. la cantidad de luz que incide en el blanco fotosensible de una cámara de TV debe ser cuidadosamente controlada con la ayuda de un diafragma en medio del lente.Si la distancia diagonal de un target de video cámara es de 20mm. 5. con muy poco contraste.4. Diafragma y técnicas de enfoque creativo Los gatos y los búhos pueden ver en la penumbra mejor que los humanos. 1. en parte porque los lentes en sus ojos permiten mayor entrada de luz. mientras más pequeño el número de fstop más luz transmite el lente. A continuación se ilustra esta relación. ciertos puntos específicos de este rango son marcados de acuerdo a los grados de transmisión de luz. 16. Ojalá pudiéramos determinar el comportamiento humano así de fácil. Estos puntos son llamados pasos f (f-stops). y la imagen quedará sobre-expuesta y lavada.8. Contrariamente a lo que asumiríamos en primera instancia. Todos sabemos que bajo condiciones limitadas de iluminación el iris (pupila) de nuestros ojos se abre casi completamente para permitir una mayor entrada de luz.0. En la misma forma. Aunque el diafragma puede ser ajustado desde una pequeña apertura hasta su máxima amplitud total. 2. Podemos decir que la "velocidad" de los lentes en sus ojos es mayor que la "velocidad" de los nuestros. Demasiada luz. 22 <=== mas luz menos luz==> 26 . 2.6. 4.

Por el contrario. Fondos brillantes. la luz es reducida en un 50 por ciento. En cámaras profesionales los f-stops son visibles en el barril del lente. Aún así. por ejemplo). Estos son puntos medios entre los f-stops completos. pero un par de cosas más complican esta labor. en las que este modo automático no proveerá la mejor imagen de video. Dicho de otra manera. Las cámaras con control automático de exposición pueden representar una ventaja en situaciones como noticias (donde no hay tiempo para ajustar adecuadamente la cámara). Las cámaras con control automático de exposición usan un pequeño motor eléctrico que abre y cierra automáticamente el diafragma de acuerdo a las variaciones de las condiciones de iluminación. el conocimiento sobre el iris de la cámara y como afecta cuestiones como la exposición y la profundidad de campo son importantes para el control de la imagen (y la calidad). f/1. 27 .2. ello representa un incremento del 100 por ciento en la luz que pasa por el lente. Los lentes rápidos son costosos porque contienen grandes cantidades de cristal. Por ejemplo f/1. Este problema se deja ver en videos amateur y en los trabajos de los estudiantes novatos de video.5 y f/4. elementos que son difíciles de diseñar y construir. Una vez que el rango de f-stops ha sido comprendido (y memorizado). luces y ventanas en una escena normalmente resultan en una imagen oscura (sub-expuesta) y color atenuado cuando se usa el control automático de exposición. Cierto. resulta obvio en qué dirección debemos ajustar el diafragma para compensar una imagen demasiado clara u obscura. f/3. Enfocando el lente Podría parecer que enfocar un lente es el simple proceso de tan solo "ver las cosas claras". En el dibujo demostrado arriba. En muchas cámaras comerciales no aparecen los números. Cuando una apertura del diafragma es aumentada en un stop (de f/22 a f/16 en el dibujo de arriba. por ejemplo). La figura a la derecha compara una serie de stops. cuando se abre un stop (punto) se duplica la luz. Hemos afirmado que la velocidad de un lente es igual a su f-stop máximo (máxima apertura).5. y algunas veces en el viewfinder (visor) de la cámara.4 sería la velocidad del lente representado.Ocasionalmente no encontramos algunos de estos números demarcados en el lente. cuando se cierra un stop (punto) se divide la luz que pasa por el lente a la mitad. y en algunos lentes representan la máxima apertura (velocidad) del lente. si cerramos el diafragma (de f/16 a f/22.

para alcanzar la posición macro en muchos lentes se aprieta un botón o palanca en el barril que permite a los lentes del zoom viajar mas allá del punto normal de su ajuste. una porción de un dibujo o fotografía puede lograrse para llenar la pantalla de TV. (los no profesionales terminan cambiando una imagen ligeramente borrosa en una completamente fuera de foco cuando al intentar ajustar el control lo giran en la dirección incorrecta. Ya que los errores de enfoque serán mas obvios en este punto. (con algunos lentes el sujeto puede incluso estar a "cero distancia". una flor. Los profesionales saben hacia que lado girar el control de enfoque para mantener al sujeto en movimiento en enfoque perfecto.Debemos deducir de la discusión anterior que un zoom debe ser enfocado después de aplicarlo en un acercamiento total (usando la máxima distancia focal). Los videógrafos a menudo se olvidan de la capacidad de macro. Ya que los errores de enfoque serán más obvios en este punto. una huella. será recomendable enfocar en el reflejo de luz en un ojo. Ajuste de lentes macro La mayoría de los lentes zoom poseen una posición de macro que permite lograr el enfoque definido en un objeto a unas cuantas pulgadas o incluso milímetros del lente. Debido a estos problemas. Por ejemplo. donde el reenfocar constantemente representaría un problema mayor. generalmente es apagado y reservado para historias de rápida acción. Muchos lentes innovadores son llamados lentes de enfoque continuo. Estos son lentes de enfoque interno que pueden ser ajustados continua y suavemente del infinito a un par de pulgadas sin tener que manipularlos manualmente hacia el modo macro. 28 . inevitablemente cuando haga un acercamiento posterior la imagen saldrá de foco (debido a que el error de enfoque que no fue notable antes repentinamente será magnificado). Debido a que la profundidad de campo se extiende solo unos cuantos milímetros en este rango tan cercano el enfoque es extremadamente crítico. Si el dispositivo está presente en una cámara. Si la escena contiene a una persona. Una vez enfocado. Debemos deducir de la discusión anterior que un zoom debe ser enfocado después de aplicarlo en un acercamiento total (usando la máxima distancia focal). es decir. Existen dos razones para ésto: los ojos de las personas son normalmente el primer elemento que vemos en una escena. pero ésta ofrece muchas posibilidades dramáticas. el auto-foco no ha sido ampliamente aceptado por videógrafos profesionales. Si no efectúa un zoom in y enfoca. en contacto con el elemento frontal del lente. el enfoque será más fácil y más preciso. y este pequeño punto brillante es fácil de enfocar. el enfoque será más facil y más preciso. Una persona puede moverse rápidamente fuera de los limites de profundidad de campo a menos que el lente pueda ser rápidamente enfocado.) La técnica del enfoque en seguimiento es usada para sutilmente re-enfocar la cámara adecuándose al sujeto en movimiento. El uso de un trípode o montura de cámara es obligado en el uso de macros. Foco en Seguimiento En la producción de video usualmente trabajamos con sujetos en movimiento. el lente puede ser retraído a cualquier distancia focal necesaria.) Aunque los lentes varían. y trata de enfocar mientras mantiene una toma abierta.

las flores se perderían en la confusión de los elementos del fondo. La transición entre nitidez y fuera de foco es gradual. todos los lentes a un f-stop específico tendrán aproximadamente la misma profundidad de campo. la profundidad de campo se extiende aproximadamente 1/3 del área en frente del punto de enfoque y 2/3 detrás de él. solo los objetos de esa distancia exacta estarán nítidos. Por lo tanto. A excepción de los primerísimos primeros planos. Consideremos esta escena. sin importar la distancia focal. Teóricamente. o que necesitan ser escondidas o perder énfasis. es únicamente una relación aparente.8. Esto varía de acuerdo al medio. asegurarse de que algunas cosas estén en foco y otras no. y la profundidad de campo a f/5. Pasos F y la profundidad de campo Mientras mayor el número de f-stop (apertura del iris más pequeña) mayor será la profundidad de campo.6. ¿Como se controla el área de enfoque de una escena? Profundidad de campo La profundidad de campo está definida como el rango de distancia al frente de la cámara que está nítidamente enfocado. las áreas al frente y detrás del punto de enfoque pueden estar aceptablemente nítidas. los límites de nitidez se alcanzan cuando los detalles se hacen difíciles de distinguir (borrosos). Si el fondo estuviera definido en foco. Este es un método efectivo de dirigir la atención a elementos importantes en la escena y alejarla de cosas que puedan causar distracción. la profundidad de campo de un lente usado a f/11 será mayor que la del mismo lente usado a f/5. si un lente es enfocado a una distancia específica. Lo que es aceptablemente nítido en la televisión estándar NTSC será mucho menos que aceptable para HDTV/DTV.Una de las herramientas creativas importantes para un videógrafo o un cineasta es el enfoque. Mientras que el tamaño de una imagen sea mantenido en el target. 29 . En el último caso la claridad superior del medio revelará mas fácilmente problemas de nitidez. En realidad. y los objetos al frente y detrás de ese punto se encontrarán borrosos en varios grados. Una imagen no se convierte repentinamente en inaceptablemente borrosa en un punto específico al frente o detrás del punto de enfoque. El término aceptablemente nítidas es subjetivo. Esta figura ilustra este rango.6 será mejor que a f/2. Profundidad de campo y distancia focal Aunque la profundidad de campo parece también estar relacionada con la distancia focal de los lentes. En términos prácticos.

La imagen más pequeña (comprimida) creada por el lente angular simplemente oculta mejor la falta de nitidez. Primero vemos a la mujer (en foco) durmiendo. son una buena elección cuando el enfoque preciso representa un problema. el camarógrafo cambia el enfoque para variar la atención del espec.La razón por la que un lente angular aparenta tener mejor profundidad de campo que un telefoto es que. La fotografía de las flores arriba (con el agua fuera de foco detrás de ellas) es un ejemplo del enfoque selectivo. por comparación. y son atraídos a las áreas que están nítidamente enfocadas. Cuando ella contesta el teléfono y comienza a hablar. Fíjese cómo el enfoque variable es usado en esta serie de fotografías. Con un telefoto o un lente zoom usado en su posición de telefoto. porque algunos libros de texto las explican mal. al acercarnos perdemos la ventaja de la nitidez disfrazada que nos motivó a utilizar el lente angular en primer lugar. Esto puede representar tanto un problema mayor como una herramienta creativa en una buena composición. Para una discusión completa acerca de los mitos sobre los lentes haz click aquí. Esta técnica es ampliamente usada en películas y asociada con el llamado "aspecto cinematográfico" que muchas personas encuentran agradable. 30 . el tamaño de la imagen en el target de la cámara es mucho más pequeño. el enfoque tiene que ser mucho mas preciso.especialmente si el lente es usado a su máxima abertura (número pequeño de paso f). (Nuestros ojos tienden a evitar áreas de la imagen que no están claras. Esto significa. Cuando suena el teléfono. cuando el zoom se encuentra aplicado por completo (a su máxima distancia focal) el área de nitidez aceptable puede ser menor a una pulgada -. sin duda.tador de una parte a otra de la escena. el enfoque cambia al mismo (arriba).en parte. En el último caso se puede forzar al espectador a concentrarse en un objeto o área específica de la escena. Foco Selectivo El término de foco selectivo es usado para describir el proceso en el que limitando la profundidad de campo de manera intencional se desenfocan áreas de la imagen. encontraríamos que la profundidad de campo es exactamente la misma. el enfoque cambia (varía) de nuevo hacia ella para dejarla en foco. en cierto sentido que estamos tal y donde comenzamos. Por supuesto que cuando se usa un lente angular necesitamos emplazarnos mucho más cerca del sujeto en materia para mantener el mismo tamaño de imagen en relación a nuestra pantalla. Enfoque variable El enfoque variable es similar al foco selectivo.) Muchas de las cosas que hemos discutido hasta ahora son comúnmente confundidas -. Debido a que los lentes angulares (o lentes zoom usados en su posición angular) son buenos para ocultar la falta de nitidez. Si tuviéramos que ampliar una sección del área de la imagen fuera de la toma del lente angular y ponerla exactamente igual a la imagen creada por el telefoto. De hecho.

Lentes auto-foco Aunque los lentes auto-foco pueden ser de gran ayuda cuando se siguen sujetos en movimiento. finalmente. Esto cambiaría la composición de la escena de una forma que muchos considerarían indeseable. como mencionamos anteriormente. Por todas estas razones. pueden cambiar de un punto de enfoque a otro según sea necesario. Esto en ocasiones no es el caso . pero tan pronto como buscásemos el teléfono. En primer lugar. los videógrafos profesionales habitualmente apagan el autofoco -. La excepción a esto sería el sistema autofoco que trata de localizar el movimiento del ojo en el visor y ajusta el enfoque de acuerdo a esto. no será de utilidad. La mayoría de los sistemas auto-foco tienen también dificultad en lograr un enfoque preciso tomando a través de cristal. algunos cuadros se convierten en invalorables obras maestras y otros terminan en una feria dominical? Los críticos aseguran que las diferencias giran en torno a algo escurridizo llamado talento artístico 31 . Algunos videógrafos marcan temporalmente los puntos en el barril de sus lentes con un lápiz graso. el autofoco (que generalmente enfoca una pequeña área al centro de la imagen. La única excepción sería en una situación caótica donde no hay tiempo para tratar de mantener manualmente el enfoque en un sujeto en movimiento. Para lograr que funcione tendríamos que mover la cámara hacia arriba y abajo para que el área de auto-enfoque corresponda al área que requiere ser enfocada. Revisemos la secuencia del enfoque variable discutida arriba. el dispositivo de auto-foco generalmente asume que el área que se desea mantener nítidamente enfocada es el centro de la imagen.y confían en sus propias técnicas de enfoque. los dispositivos auto-foco (especialmente en luz baja) pueden mantenerse reajustando o buscando el enfoque mientras esté grabando -.Para usar esta técnica se necesita ensayar la variación del enfoque para que se pueda rotar manualmente el control del lente de un punto predeterminado a otro.cosa que puede distraer mucho. etc. Si estuviéramos mirando a la mujer. Ya que el área que se quiere mantener en foco no se encuentra en el centro del encuadre. la cámara cambiaría el punto de enfoque. Después de asegurar la cámara en un trípode. la cámara enfocaría ahí. Composición: planteamiento de la escena se ha preguntado alguna vez por qué con el tiempo. Muchos mecanismos de autoenfoque pueden ser engañados por sujetos "difíciles" como reflejos y áreas monocromáticas planas carentes de detalle.especialmente si se está tratando de lograr una composición interesante y creativa.si es que existe del todo en su cámara -. Y. mallas de alambre. Los sistemas de autofoco poseen otra desventaja. se pueden encontrar problemas a menos que se comprenda completamente esta función y sus (muchas) limitaciones.

Aunque el talento es difícil de definir. entonces su trabajo será digno de elogios y hasta ejemplar. la comprensión de la cámara. (No dice nada) Si una escena es llamativa. Pero aquéllos que no van más allá de esta comprensión elemental de las herramientas. El director dirige la atención Aunque usualmente asumimos que el término director se refiere a una persona que dirige al personal de producción. el lente etc. contenido Una escena puede estar bien expuesta. y cuando se es capaz de usar las herramientas para expresar ideas de forma impactante y hasta artística. Forma vs. movimientos bruscos de cámara. el vocablo tiene un significado más importante: dirigir la atención del televidente. al punto de que se conviertan en algo natural. pinceles y lienzo en este caso ? y se trata de usar el medio para crear una experiencia emotiva para el espectador. con un balance de color ideal. Sólo cuando domine las herramientas básicas. cosa que es esencial. En este sentido. Paradójicamente. la atención se desvía del contenido. dramática o llena de humor. bien iluminada. el director cambia de forma a contenido y se concentra en cómo utilizar las herramientas a su disposición para atraer la atención del espectador a los aspectos críticos del mensaje. bien sea por mal realizados u ostentosos. Tal vez lleguen a ser buenos técnicos. nunca llegarán a nada importante en este medio. En este rol. Cuando los elementos de producción llaman innecesariamente la atención sobre si mismos. En la producción de video. Al mismo tiempo. mientras mejor sea la producción menos notoria será para el público promedio. sabemos que va mucho más allá de la familiaridad con los elementos básicos de un medio ? pintura. el director es una suerte de guía para los telespectadores. En otras palabras. el mensaje de una producción es más importante que la excelencia técnica y los adornos llamativos. uno puede dejar pasar algunas deficiencias técnicas. y aun así estar completamente vacía de contenido emocional e impacto. en foco. los problemas técnicos evidentes ? mal sonido. Es fundamental. y tomas fuera de foco ? harán distraer la atención y el mensaje (contenido) no llegará a su destino. Esto nos lleva a la siguiente conclusión: El contenido es más importante que la forma. 32 .

es el de realzar. La utilización de un insert es tan sólo una manera de dirigir la atención hacia ese elemento. encontrarán. En términos generales. Realzando el mensaje Uno de los roles mas importantes de las herramientas de producción. o un entorno oscuro. ayudan a que la gente comprenda el viaje añadiendo información relevante en el camino. de un primer plano de algo relevante para la escena básica. Un buen ejemplo de ello es una introducción de ambientación donde el director nos da datos importantes sobre los personajes presentando primero sus moradas y alrededores. pero no esencial a la escena. la iluminación puede sugerir un ambiente festivo. ampliar o explicar mejor el mensaje. inmaculado y aireado penthouse adornado con un mobiliario y cuadros ultra modernos. Por ejemplo. En el resto de esta sección nos concentraremos en la definición más tradicional y literal del término. Esto se le conoce como un insert . que además pueden ? en una producción dramática ? aportar muchos datos sobre los personajes. Los buenos guías. y hasta macabro. 33 . que corta de la acción principal para traer a colación material relevante. Compare el plano del ejemplo con un plano de inicio en una producción dramática que panee a través de un brillante. Como veremos. El equivalente visual de ello es el cutaway o plano de recurso. "al mirar por el lado izquierdo del vehículo. el director podría cortar a una toma de un bebé durmiendo tranquilamente en su coche. nos alerta sobre peligro o prepara un ambiente romántico. cubriendo un desfile. La música es una herramienta de producción cuando ayuda a ambientarnos. todo lo que hemos expuesto puede ser incluido en el concepto de composición. Hay una máxima en cine y video: "Nunca digas lo que puedes mostrar" Una buena introducción de atmósfera puede "presentar" con detalle inimaginable la gente a la que estamos por ver. Un buen director hace igual. tenebroso. y realza detalles que de otra manera no serían aparentes.Inserts y cutaways En lugar de decir.." un buen director corta a un primer plano de lo que sea importante ver en ese preciso instante.. Igual ocurre con la escenografía y utilería. El insert forza a la teleaudiencia a mirar un aspecto particular de toda la escena.

Este cambio puede ser en una misma toma (incluyendo los movimientos de cámara o del talento) o concebirse en base a la secuencia de imágenes incluyendo creada a través de la edición. proponen un sentido e intención a dicha escena (una buena definición formal. Pero como la composición es en buena medida un arte. ¿no?). como los cuadros y las fotografías. pudiese ser determinada por un conjunto de leyes y con ello se haría rígida y predecible. En la siguiente sección continuaremos con algunos lineamientos específicos de composición. Si fuese una ciencia exacta. que al ser vistos como un todo. Los resultados hablan entonces por si mismos: trabajos sin fuerza. Lineamientos. La producción de televisión involucra la composición tanto estática como dinámica. Cuando la mayoría de la gente se sale de los lineamientos.Definiendo composición La composición puede ser definida como el arreglo pre-determinado de los elementos de un escena. al igual de los trabajos en cine y video de mayor efectividad de los últimos 50 años. 34 . (es un buen momento para tomarse la tarde y pasear por alguno de los museos de su localidad o alquilar una de esas películas que han merecido premios por su cinematografía). deben ser considerados más como lineamientos que como reglas rígidas. La composición dinámica va un paso más allá: toma en consideración el efecto temporal de cambio entre las imágenes. es quizá porque no tiene los conocimientos suficientes. es usualmente por alguien que comprende los lineamentos lo suficientemente bien como para entender el impacto que causará al trascenderlos. no reglas Aún cuando los principios de buena composición que han aparecido parecen bastante claros. La composición estática trata el contenido de la imágenes fijas. confusos y de apariencia amateur. La composición es un arte y no un ciencia. Pero cuando es así. vemos aparecer ciertos principios artísticos. estos lineamientos pueden ser rotos. Estudiando las obras pictóricas más duraderas y estéticamente placenteras de la historia . sin mucho margen para la creatividad.

En primer lugar. Si la información es presentada muy lentamente. En las mejores circunstancias disminuirá el ritmo de la producción. establezca sus objetivos y manténgalos claros en toda la producción. 35 . cortes mas rápidos. cambios emocionales más frecuentes y rápidos. esos dos ingredientes que siempre resultan un recurso para aumentar la liberación de adrenalina: episodios frecuentes de violencia (y la amenaza de ella) y sexo (o la posibilidad de ello). mantener a la audiencia) estos programas ahora tienen locaciones exóticas. Una buena excusa para que el público cambie de canal y encuentre algo más atrayente. Y con docenas de canales en el espectro. o a un nivel inferior a la audiencia. Para mantenerse competitivas (es decir. Así. El propósito de esa toma en el contexto general de la producción. "lento" se asocia comúnmente con "aburrido".Elementos de composición: parte I En la siguiente serie de módulos tocaremos 15 lineamientos de composición. considerarán otras opciones para utilizar su tiempo.. Sus objetivos de producción pueden ser cualquier cosa desde crear un tratado de mejoramiento espiritual hasta crear una experiencia de escapismo puro. que antes de rodar la cinta para cualquier toma. Los propuestas visuales no son distintas. hay quienes compiten por su audiencia. no es una razón legítima para incluir una escena en una producción.. Establezca claramente sus objetivos 1. no importa que tan preciosa sea la toma. o demasiado abstracta. la producción será percibida como aburrida. Poca gente comenzaría a escribir sin tener idea de lo que quieren decir. historias más audaces y veloces y. Compare las telenovelas ("soaps" en EEUU) de hace 5 años con las mismas producciones hoy. Empezemos con el más importante. la audiencia perderá el mensaje y quedará frustrada. directores y editores conocen la intención de cada una de sus escenas. productores. Lento = aburrido Y hablando de bajar el ritmo de las cosas. Los buenos guionistas.. confundirá al público con la noción de que esa toma tiene algún contenido relevante que deben recordar. en las peores. Podemos notar esto en series que se han transmitido desde hace años. La velocidad de presentación de ideas en los programas ha aumentado drásticamente en los últimos años. Si se presenta a un ritmo demasiado rápido. "No pude resistirme. De cualquier modo. era una toma tan bella".. debe haber esclarecido dos cosas en su mente: y y La razón específica de la toma.

se dice que esa toma tiene unidad. Escenas aparentemente aisladas de gente corriendo en medio del tráfico pesado. 36 . Cuando los elementos de un encuadre se combinan para soportar un planteamiento visual básico. puedo testificar que la mayoría de los proyectos de video que veo son demasiado largos. un buen editor podría reducir su duración a la mitad y. la mayoría va demasiado lento para mantener la atención de la audiencia actual. Hoy en día para mantener a una audiencia en un programa de televisión dramático hay que plantear numerosas tramas y sub-tramas intrincadamente relacionadas entre si. Esto nos trae a la mente a un célebre escritor que le envió a un colega una misiva con la disculpa: "Lamento lo largo de esta carta. Por ejemplo. Como televidentes. desde el punto de vista comercial la respuesta es NO. sino que además los haría pensar equivocadamente que ella tiene alguna relación con el personaje principal de la trama. es difícil que logre mantener la atención de apenas un puñado del público promedio.En las novelas. quien ha estado enseñando producción de televisión por varias décadas. no solo dejaría a la audiencia pensando cual es su rol en todo esto. Ahora los lectores suelen decir: "¡Suficiente. pero no tuve tiempo para acortarla" Busque el sentido de unidad 2. se hace evidente que los elementos en toma han sido acomodados para soporten la idea básica. los escritores solían utilizar muchas páginas describiendo la escena. Busque el sentido de unidad. Las tomas se mantienen mucho mas de lo necesario. parecieran ser importantes a la hora de establecer el carácter alterado de un personaje tratando de soportar la vida citadina. filas de gente atravesando pasadores. para los no expertos. Pero una toma de "una preciosa niñita con un lazo rojo en su cabello" parada sola. asumimos que cada segundo y cada cuadro está allí para hacer avanzar la trama y la idea central de la producción. Cuidadano Kane. Estableciendo estados emocionales Es al momento de presentar emociones cuando se hace patente la dificultad de determinar qué es relevante. al tiempo. Los guionistas de televisión solían estar satisfechos con una sola idea dramática por programa. Esa idea puede ser una sensación abstracta. Esto nos lleva a un lema importante: "Si dudas. hacerlos más efectivos e interesantes. sin importar cuanto tiempo trnascurra?" Desafortunadamente. Si un buen filme o una fotografía premiada se estudia. vaya al punto!" Como profesor universitario. no lo incluyas" Pero a menudo nos preguntamos "¿No es una buena producción siempre buena. y escaleras eléctricas llenas. De hecho. la mayoría de las películas clásicas son mas bien fastidiosas. considerada por muchos historiadores como la mejor película Estadounidense.

. la idea central. puede ser el personaje que habla. estos debilitan. la escenografía y las locaciones. Una escena puede. los elementos secundarios deberían ir en la misma dirección y soportar esa idea. como ." Aunque es una frase que se ve incoherente. cuadro extraño en la pared. No estamos sugiriendo que se elimine todo menos el centro de interés. por ejemplo. llamativo pisa libros de bronce sobre el escritorio. no distraer de ella. de hecho. explique o de alguna manera añada sentido a la idea. 37 . sets con colores tierra y mucha textura. o nos distraiga de. Pero si hay centros de interés en competencia en la misma escena. solo lo que de alguna manera no enfatice.. Componga alrededor de un sólo centro de interés 3. donde la audiencia pueden cambiar su atención de uno a otro evento. mujer que se mueve al fondo. sin sacarnos del centro de interés. quiera crear una ambientación con iluminación tenue (low key).Este concepto también se aplica a elementos como la luz. utilizar colores atenuados para dar cierta atmósfera a la producción. estar recargada de cosas y gente. perchero detrás de él. pregúntese ¿qué elemento principal de la escena comunica la idea fundamental? Comenzando con lo obvio. El tercer lineamiento se aplica a escenas individuales: componga las escenas en base a un único centro de interés.. el color. O puede ser algo más sutil y simbólico. sonido de motocicleta que pasa. un plano de situación de un individuo caminando por una sala de redacción. dividen y confunden la comprensión. por ejemplo. O tal vez. el vestuario. Pero cada elemento debería estar en su puesto. "Piense en cada toma como en un argumento" Un argumento bien escrito debe partir de una idea central eliminando todo lo que no enfatice. Varios centros de interés funcionan tal vez en los circos de tres pistas. Al decidir el uso de temas como estos usted puede crear una sensación o apariencia general que dará a su producción la unidad necesaria. Tal vez querrá. Antes de rodar la cinta. Considere esta "oración": Hombre habla por teléfono. algunos videógrafos crean argumentos visuales que incluyen elementos como estos que tienden a confundir. Cualquiera que sea.

El control de la luz tiene otras implicaciones importantes Donde hay luz El ojo es atraído por las zonas brillantes del cuadro. requiere de un esfuerzo especial al trabajar con las cámaras CCD ultrasensibles de la actualidad. Al sacar de foco los elementos en primer plano y los fondos. Foco selectivo al rescate Parte del "acabado de cine". porque obligaba a mantener la atención enfocada sobre el elemento principal de cada toma (sacando lo que estaba delante y detrás fuera de foco). debe sostener el planteamiento: "finca del siglo XVIII". Con ello la audiencia mantenía el interés en el centro de interés de la toma y en nada más. Cada uno de ellos. filtros de densidad neutra y luz controlada. Para lograr el efecto de foco selectivo hay que usar el obturador. Las primeras películas no eran muy sensibles a la luz y obligaban a trabajar con diafragmas relativamente abiertos para quedar bien expuestas. Este principio que ha funcionado tan bien para el cine es igualmente aplicable al video. El circuito de auto iris usualmente ajusta la exposición de manera que todo entra en foco. Recuerde que la audiencia tiene un tiempo limitado ? apenas unos segundos ? para comprender el contenido y significado de cada plano. la cámara no ve de la misma manera ? igual que el micrófono no selecciona lo que va a oír.Un plano abierto del interior de una finca del siglo XVII puede contener docenas de objetos. se centra en el foco selectivo que cubrimos en un módulo previo). que tanto gusta. (recuerde que una de las definiciones del "Director es aquel que dirige la atención") Tenga presente además que el ojo ve selectivamente y en tercera dimensión. Como se describe en los próximos módulos de iluminación las viseras pueden ser usadas para desestimar la importancia de ciertos elementos haciéndolos más oscuros. Así es que tiende a excluir lo que no es relevante de momento. los directores de fotografía tratan de mantener una profundidad de foco limitada exponiendo con poca luz. la audiencia perderá el sentido del mismo. Esto de alguna manera fue una bendición. Asegúrese de que estos elementos quedan visualmente en segundo plano. eliminando el ruido de un avión que pasa en medio de un diálogo. Si algún significado esencial del plano no es aparente rápidamente. 38 . Aún con las emulsiones de alta sensibilidad de hoy en día. Este nivele de control de la imagen. Pero. el videógrafo mantiene el centro de interés en donde está enfocado. en algunos casos enfatizado o desenfatizando ciertos elementos del encuadre. Ello implica que el uso a conciencia de la luz puede convertirse en una herramienta de composición.

Líneas verticales y horizontales Los fotógrafos de fin de semana suelen hacer también grandes esfuerzos para mantener el horizonte justo en la línea central del cuadro.al centro del cuadro. Mantenga la ubicación adecuada del sujeto 4. una posibilidad que puede ser usada entre otras a la hora de componer efectivamente un encuadre. 39 .Cambiando el centro de interés En la composición estática el centro de interés se mantiene. aunque esté en un área secundaria del cuadro. los primeros planos de gente es mejor ubicar el centro de interés en alguno de los puntos indicados por la regla de los tercios. pero en la composición dinámica el centro de interés cambia en el tiempo. En esta regla la pantalla se divide vertical y horizontalmente en tres secciones iguales. también podemos forzar al público a cambiar su centro de interés con la técnica de foco variable. Esto también debilita la composición al partir el cuadro en dos mitades. La mayoría de los videógrafos aficionados.sea el tio Enrique o la Torre Eifel . Alguien que entra al cuadro es un buen ejemplo de ello. El cuarto lineamiento de composición es: mantenga la adecuada ubicación del sujeto. Regla de los tercios Exceptuando. modificando el enfoque se un objeto a otro. sienten que deben mantener el centro de interés. Aunque muchas veces es mejor ubicar el centro de interés en algún punto a lo largo de las líneas verticales y horizontales. recuerde. el movimiento siempre llama la atención. Esto tiende a debilitar la composición. generalmente la composición es más sólida cuando el centro de interés cae en alguno de los 4 puntos de intersección. Aunque el ojo esté enfocado en un centro de interés. cargados con sus cámaras desechables. posiblemente. . Como sugerimos en un módulo anterior. Aquí hay otros dos ejemplos: Pero. El movimiento sirve para atrapar la atención. Hoy sin embargo debe considerarse como un lineamiento. estamos hablando de la regla de los tercios no la ley de los tercios. Algunas cámaras llegaron a tener la regla de los tercios dibujada en sus visores.

Frecuentemente esto se logra moviendo ligeramente la cámara. Es también una buena práctica el romper o intersectar las líneas continuas dominantes con algún elemento. Composición: parte II Manteniendo el balance tonal 5. sugiere peso. Para ello. los objetos oscuros contra un fondo medio parecen más pesados que los objetos más claros. El tono (brillo y sombra) de un objeto en la escena. usted podrá empezar a "sentir" el peso visual de cada elemento en la escena y así buscar un balance. Una línea vertical puede ser interrumpida por algo tan simple como una rama. hay que de hecho mover los objetos en la habitación. Fíjese en el balance tonal de la fotografía al inicio de este módulo.De acuerdo a la regla de los tercios. Balance de la masa 6. Igualmente las líneas verticales no deben dividir el cuadro en dos mitades. puede escoger otro ángulo de cámara. los objetos más grandes aparentan tener mayor peso que los más pequeños. una escena debe estar balanceada para obtener un efecto estético agradable. El horizonte puede ser interrumpido por un objeto en primer plano. Una vez que comprenda que el brillo tiene influencia sobre la masa de un objeto. aunque el horizonte está al centro del cuadro. o puede ajustar el zoom (in o out) para incluir o excluir objetos en el cuadro. Mirando objetivamente los objetos en una escena. Rara vez. ayuda a que visualicemos una balanza cuyo centro está ubicado al centro del margen inferior de cada toma que realice. el horizonte debería estar en el tercio superior o inferior del cuadro. Al margen de su peso verdadero. Por ejemplo. podemos saber su peso "aparente" en la composición. De la misma regla de los tercios podemos inferir que es mejor alinearse con el tercio izquierdo o derecho del cuadro. Al igual que una habitación se vería desordenada y desbalanceada si todo su mobiliario estuviese apilado a un extremo de cuarto. No es inusual que alguien sostenga artificialmente una rama de una árbol en primer plano tan sólo para hacer el encuadre más interesante. Aquí. Crear un patrón de significado 40 . . De otra forma el cuadro aparentará estar dividido. De alguna manera parecido a lo anterior está el sexto lineamiento: balancee la masa. Varias cosas están a nuestro alcance para balancear la toma: la cámara puede panear a la izquierda o derecha. los mástiles lo rompen y evitan que divida el cuadro en dos mitades.

7. 7. El séptimo lineamiento para componer efectivamente es usar una combinación de elementos en la escena para crear un significado. La mayoría conoce los tests de manchas que usan los siquiatras. Al presentar una secuencia de imágenes sin sentido aparente, cada quien da un significado de acuerdo a su propia experiencia ("eso parece un padre castigando a su hijo", o "eso parece una escuela siendo nivelada por un tractor"). De la misma manera, cuando una variedad de objetos aparece en una escena, a veces hasta inconscientemente intentamos dar algún sentido a lo que vemos. Asumimos, que las cosas no se juntan por accidente. Un buen director sabe esto y trata de colocar los objetos en su encuadre por una buena razón. Un buen ejemplo de ello es la atmósfera de introducción, donde el director presenta en la escena, detalles sobre los personajes principales antes de ver a los actores. ¿Qué se implicaría al utilizar la escena a la derecha como parte de una introducción atmosférica? En contraste con esto tendríamos, tomas de una habitación llena de latas de cerveza, ceniceros repletos de colillas, sillas volteadas y zapatos, al amanecer que nos diría no solo algo de lo que sucedió en ese lugar la noche anterior sino de la gente que habita el lugar. Los elementos en una escena pueden ser obvios, o pueden sugerir sutilmente e inconscientemente un sentido. Los críticos han pasado muchas horas discutiendo los símbolos y niveles de mensaje inconscientes en las películas de directores como Federico Fellini. Mientras que el director de una pieza dramática debe controlar con maestría las ilusiones y respuestas emotivas, el trabajo en trabajo de ENG (noticias) y producción documental es preciso mostrar las cosas como son y dejar a las imágenes narrar los hechos por sí mismas. Esto no elimina la posibilidad de buscar nuevas fórmulas creativas de presentar los asuntos. Muchas veces, es precisamente al presentar los mismo hechos de una manera completamente novedosa, que la audiencia despierta y reacciona a su realidad cotidiana. Lo concreto y lo abstracto Mientras que en las noticias, el objetivo es presentar las imágenes tan completa y claramente como sea posible, un plano de una producción dramática debe llevar a la audiencia al significado deseado sin ser demasiado concreta. La mayoría del público quiere tener espacio para pensar e interpretar por sí mismos. El termino "en la naríz" (on the nose) es usado por los escritores de cine para denotar guiones o dialogos que han sido demasiado evidentes al "decirlo todo". Para decidir qué tan lejos ir en la línea que une lo abstracto y lo concreto, el productor/director debe conocer a su audiencia. Esto explica por qué las presentaciones más simples molestan a muchos adultos, mientras que los clásicos en música, el arte y literatura no son precisamente adorados por las masas. Tomando en cuenta la realidad del mercado, los videógrafos, al menos los que quieran tener éxito, no pueden darse el lujo de hacer lo que ellos les gusta sin tomar en cuenta la capacidad del público para entenderlos.

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La buena composición es en primer lugar comunicación visualmente efectiva, y la comunicación más efectiva se da a lugar cuando el videógrafo comprende a la audiencia y es capaz de maniobrar en el delicado camino que divide el estar en lo enteramente concreto y ser obvio y ser demasiado abstracto y hacer que la audiencia no entienda nada. Agregando múltiples niveles de significado ¿Es posible lograr ambas cosas? La respuesta es positiva, algunas veces. Las películas y programas de televisión pueden ser diseñadas para tener múltiples niveles de significación. Los largometrajes animados de Disney, tales como "Aladino" y "El Rey León" son buenos ejemplos. Mientras los niños se entretienen con personajes animados y un relato sencillo, los adultos se pueden reír del humor para ellos. ( lo que por supuesto hace estas películas más digeribles para adultos y eleva las posibilidades de que lleven a sus niños a películas como estas) La mayoría de las películas y programas deben esforzarse en lograr un atractivo masivo. Si el guionista (y el director y el editor) pueden crear capas y hacer que la producción tenga varios niveles de significado y así crear "algo para cada quien" (lo cual es bastante difícil), entonces la producción tendrá mucho mayores posibilidades de éxito. Use líneas dominantes 8. El octavo lineamiento de composición visual es utilizar las líneas dominantes. Los límites de los elementos en una toma usualmente consisten en líneas rectas, curvas, verticales, horizontales y diagonales. Nuestra vista viaja a través de esas líneas a medida que se fija en una u otra parte del cuadro. Con esto en mente, es el trabajo del videógrafo el utilizar estas líneas para llevar la atención del espectador hacia lo que se quiere enfatizar, especialmente el centro de interés. Cuando se utilizan de esta forma las líneas se denominan dominantes porque llaman la atención del espectador y fijan su mirada en los puntosde interés. Además de hacer mirar a uno u otro punto, las líneas pueden sugerir un significado por sí mismas. Las líneas verticales y rectas sugieren dignidad, fuerza, poder, formalidad, altura y restricción. Las líneas horizontales sugieren estabilidad e espacio. Las líneas diagonales dan una apariencia dinámica y excitante al cuadro. Las curvas sugieren gracia, belleza, elegancia, movimiento y sensualidad. Los líneas marcadas y en zig-zag denotan violencia y destrucción, mientras que las líneas intermitentes (rotas) sugieren discontinuidad.

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Encuadre el sujeto principal 9. El noveno lineamiento para componer con efectividad es enmarcar el sujeto principal. Al colocar objetos en uno o más bordes de la imagen puede enmarcarse una toma. Al enmarcarla se mantiene la atención en el sujeto y se evita que el espectador distraiga la atención fuera del centro de interés. Por citar un ejemplo común, una rama inclinada en el borde superior de un paisaje, rompe con el cielo muy claro y actúa como una barrera o límite en la parte de arriba del cuadro. Fíjese en la fotografía como enmarcar un objeto con elementos en primer plano además añade profundidad y dimensión.

Aproveche la perspectiva 10. El décimo lineamiento es aprovechar el efecto de perspectiva para realzar la intención de la toma. Aunque se supone que la "cámara no miente", ya debe haber inferido que la interpretación de las escenas puede ser alterada significativamente a través de la iluminación, ángulos de cámara y distancia focal del lente. Tal como fue expuesto, la posición de una cámara así como la distancia focal del lente altera la perspectiva aparente de la toma así como la supuesta distancia entre los objetos. Una distancia corta entre la cámara y el sujeto, con un lente corto (o el zoom en su posición más abierta) exagera la perspectiva. Las líneas paralelas se separarán más cercanas a cámara y tenderán a converger acentuadamente a poca distancia. A través del control creativo de cosas tales como las distancias focales del lente y la distancia entere la cámara y el sujeto, puede lograrse comunicar diferentes impresiones de dicho sujeto. Composición parte III

En está última sección sobre composición desarrollaremos los lineamientos 11 al 15. Comunique a través de color y tono

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Al poner el centro de interés de un tono cálido o claro o ambos. género y raza. inmediatamente obtendrá la atención de la audiencia sobre ese punto. Sabemos. 44 . la gente prefiere un equilibrio entre colores desaturados y colores brillantes. Los colores del rojo al magenta son populares hasta que se colocan en una cocina. la gente prefiere un balance de color basado en el disco de color. En general los colores fuertes añaden energía a la composición. y tonos pastel como el verde claro.11. Si una escena contiene colores fríos. Los colores adyacentes también afectan en buena medida nuestras preferencias. los elementos que sean amarillos. Aún cuando el público tiende a preferir este tipo de equilibrio. Así que en igualdad de circunstancias. muchas veces el videógrafo querrá salirse intencionalmente de referido balance para lograr un efecto psicológico específico. el efecto será muy diferente que si la escena contuviese colores muy saturados y cálidos como el naranja profundo o vino tinto. Un tono de verde puede parecer muy atractivo hasta que se le asocia con las paredes de un hospital. Una escena oscura con amplias zonas en sombra (un dormitorio oscuro o un callejón a medianoche) crean una sensación muy distinta a una escena bien iluminada (el escenario de un programa de variedades o una playa al mediodía). verde o púrpura. el primero tiende a ser evaluado más positivamente. Se han realizado numerosos estudios sobre las preferencias de color y la significación de los diferentes colores. Cuando se balancea el color en una escena. También sabemos que por lo general. Al igual que la selección de luz y valores monocromáticos en una escena sugiere el sentido y contenido. por ejemplo. siempre que el complementario tenga un tono menos saturado y no sea más intenso que el color original. mientras que los tonos más débiles proporcionan serenidad. recuerde que nuestros ojos tienden a irse a los colores más cálidos en una imagen. La predominancia de zonas claras u oscuras acarrea un significado psicológica sin importar el resto de lo que suceda en la toma. que las preferencias varían con la edad. Al igual que las preferencia por un balance entre masa y color en la composición. la gente prefiere ver los colores "en su sitio". Cuando se usa un color cerca de su complementario. En particular. tenga en cuenta que requiere áreas más grandes de tonos fríos para balancear los colores más cálidos. rojos y naranja serán más llamativos que los que sean azul. la selección de colores también tiene un efecto. estabilidad y armonía. Por último.

En las mejores circunstancias la confusión dimensional se produce cuando dos elementos de una escena se juntan y pierden significado. Todos hemos visto fotos con "flash" donde alguien cercano a la cámara aparece como un fantasma blanco y alguien en la parte de atrás. Confusión tonal Las confusiones tonales se producen cuando varios elementos importantes del cuadro se mezclan y pierden su identidad. Existen confusiones tonales. Una plano de una persona recortada a la altura de las rodillas se vería incongruente. Ya hemos dicho que el ojo ve selectivamente y en tres dimensiones. Confusión dimensional Siguen las confusiones dimensionales. se verán ridículos. Puede ser por falta de foco en el lente. Cuando distintos valores tonales se confunden de esta manera. Al colocar objetos a diferentes distancias de la luz. El Duodécimo lineamiento de composición es evitar confusiones. Confusión de bordes El último tipo de confusión. la hará lucir "topless".Evite la confusión 12. Un plano de una chica con un vestido "strapless" (sin tiras) encuadrada ligeramente sobre el vestido. está completamente oscuro y casi sin color. Al cerrar un ojo el videógrafo puede evaluar mejor cómo se verá la escena cuando se elimine la tercera dimensión. dimensionales y de bordes. se produce cuando el sujeto de la toma queda cortado por el borde del cuadro en un lugar inapropiado. Aunque el foco selectivo y el uso de contraluz ayudan a aliviar el problema. un número impar de objetos principales produce una composición mas fuerte que un número par. se habla de confusión tonal. Una vista lateral de un vehículo que apenas muestre las ruedas traseras dará una sensación incómoda de que la parte trasera del carro está suspendida en el aire sin soporte alguno. la de bordes. Fíjese que en la primera ilustración los dos objetos parecen dividir 45 . como cuando una fuente en el fondo parece salir de la cabeza de alguien en primer plano. En general. su valor tonal variará mucho de acuerdo a cuánta luz reciban. Cerrar o abrir el encuadre es casi siempre la solución en estos casos. El décimo-tercer lineamiento para una composición efectiva es limitar el número de objetos principales en la escena. En las peores circunstancias. Limite el número de objetos principales 13. Igualmente sucede al cortar las manos o los pies en una toma. porque los elementos tienen valores tonales o de color similares o por problemas de iluminación. la mejor solución es por lo general mover el ángulo de cámara o recomponer los elementos en el set.

atrae la atención porque sugiere evolución y avance. a veces algo tan simple como un individuo levantándose de su silla. El décimo-cuarto lineamiento es equilibrar la complejidad y el orden. las locuciones televisadas se trabajan de manera que la cámara haga zoom in en ciertas partes especialmente importantes del diálogo. En este sentido es mejor (psicológicamente hablando) que durante un diálogo se produzca un zoom in y luego corte a un plano más abierto (en lugar de hacer un zoom out). Pero si colocamos 500 bananas de forma aleatoria sobre todo esto. De dónde y hacia dónde va la acción es importante. que la composición más interesante es la que balancea el orden y la complejidad. La acción hacia la cámara es más poderosa que la acción que se aleja de la cámara. El movimiento descendente usualmente connota lo opuesto (por ejemplo. Un plano medio de una banana frente a un fondo gris probablemente termine siendo una aventura visual más bien simple. Complejidad de balance y orden 14. Muchas veces. terminaremos en un atasque visual.la composición. entonces tenemos algo más atractivo (aún así la banana resaltará ante los colores más oscuros). Este aspecto de la composición estática puede ser planteado de la siguiente manera: La complejidad sin orden produce confusión. unas uvas y un interesante plato hondo. 46 . Basta decir. el orden sin complejidad produce aburrimiento. Al añadir un tercer objeto mejora la composición. la composición parece dividirse nuevamente. un hombre cayendo sobre una silla). El objeto puede estarse moviendo o bien el movimiento pudiese ser creado por un dolly o un zoom in. El movimiento ascendente. El movimiento de zonas oscuras hacia zonas iluminadas puede simbolizar liberación o una mejora en el ánimo. Pero cuando se agrega un cuarto elemento. Si añadimos unas manzanas. Aproveche el significado que sugiere el movimiento 15. El último lineamiento es aprovechar el significado que sugiere la dirección del movimiento.

grafía) siguen la regla de tercios. especialmente cuando viene de la esquina inferior izquierda a la esquina superior derecha.El movimiento de izquierda a derecha en más atrayente que el movimiento de derecha a izquierda. 47 . (La mayoría son pinturas reconocidas que los estudiantes de arte identificarán rápidamente) Al examinar obras de arte (y buenas composiciones de cine y video) usted a menudo notará que los artistas (videógrafos y directores de foto. En relación a este mismo concepto un encuadre diagonal (también llamado "Dutch" o ángulo holandés).Ejemplos I Las próximas siete ilustraciones demuestran algunos conceptos adicionales sobre composición. El tipo de movimiento más atrayente es el diagonal. es especialmente efectivo para comunicar energía o poder. Composición . Con la regla de tercios se logran interesantes efectos de composición.

48 ." y una de las más poderosas formas de dirigir la atención es a través de la luz. Esta pintura ilustra dos conceptos: la fuerza de tener tres objetos principales. El color puede ser eficaz en atraer la mirada al centro de interés. y la unidad asociada con el patrón (geométrico) triangular que se crea. Un director "dirige la atención.Mire cómo esta famosa pintura tiene un patrón que guía la mirada a través de la pintura. .

49 . Ejemplos de Composición II Estas ilustraciones demuestran algunos conceptos adicionales de composición. Al agregar objetos al frente se añade profundidad a la escena. las figuras en primer plano a la derecha y en la parte baja del cuadro atraen la atención en detrimento de las del centro.Por su tamaño y dominio innato. De cualquier forma. Es agradable e interesante mirar formas que se repiten. tendemos a echar un vistazo primero a las figuras de la mujer y la niña en el centro. ya que el ojo es en principio atraído por las áreas con mayor brillo. Lo ideal es que establezcan la escena y provean un contexto visual a la historia.

50 . tres o cinco) es generalmente mejor.Los patrones geométricos agregan interés y a menudo actúan como líneas de fuerza. un número impar de elementos (uno. Dos objetos principales pueden dividir la composición.

sin la luz no podría existir el video. "Alterando Apariencias". En las fotos que vemos. mientras que la segunda fue tomada con una fuente de luz dura. La primera fotografía fue tomada con una luz suave. y especialmente la HDTV/DTV TV digital. como ocultarlos completamente. observaremos los factores adicionales que pueden afectar la apariencia de una materia en cuestión) 51 . O puede impartir una apariencia hostil y siniestra. así como la intensidad y la temperatura de color de las luces. La televisión está basada en la luz: de hecho. Con el inicio de la emulación de las dimensiones más artísticas del cine en el video. frecuentemente llamada calidad.Iluminación: Luz Dura y Luz Suave La iluminación puede tanto enfatizar detalles importantes. Así como el sonido debe ser cuidadosamente controlado en la producción de audio. es la dureza o la suavidad de la luz. la luz debe ser especialmente controlada en televisión. Puede adular un sujeto al demostrar atributos positivos al mismo tiempo que "desenfatiza" o esconde atributos menos atractivos. ha habido un mayor énfasis en la iluminación creativa del medio. Pero. Coherencia de la Luz La coherencia. antes que controlar la luz con éxito. debemos entender sus tres características básicas: y y y coherencia (calidad) temperatura de color intensidad En este módulo estudiaremos la primera de éstas características. Todo depende de cómo utilice los conceptos que estaremos estudiando en los próximos módulos. (En el módulo 35. los objetos son exactamente los mismos. La calidad de la luz es probablemente la variable menos comprendida y más olvidada de las tres variables mencionadas. La única diferencia es la coherencia de la luz utilizada.

reducen la intensidad de la luz. Usualmente los videógrafos se apoyan en el uso de reflectores sombrilla para crear un efecto de iluminación suave. Cuando la luz dura es utilizada para iluminar una cara. Luz Suave La luz suave (difusa) tiene el efecto opuesto de la luz dura?especialmente cuando los ángulos de iluminación están controlados. El resultado es no es siempre agradable. a la derecha) son utilizadas en los estudios de producción para crear un área amplia y uniforme de luz. Esto da a la luz una apariencia dura. Compare esta foto con la que se encuentra en la sección de abajo (con luz suave) dónde las letras son difíciles de leer. Los difusores tipo spun-glass se colocan al frente de las luces para suavizar y difundir sus rayos. fuentes representativas de luz dura. Como se puede ver el la foto de la izquierda. La luz dura crea una sombra claramente definida. Pero en otras aplicaciones. 52 . o el grabado de una joya. incluyendo el proyector de spot y el comúnmente utilizado fresnel elipsoidal. Observe cómo en la foto el texto resalta. Como se ve en la foto aquí. esto es simplemente una luz rebotada desde el interior plateado o blanco de un reflector tipo sombrilla. vigorosa y cortante. y la luz del sol de una tarde despejada.Luz Dura La luz que es emitida directamente desde una fuente concentrada resulta en rayos (paralelos) relativamente coherentes. Note igualmente la sombra perfectamente definida de la flor en la parte de abajo. Grandes softlights (abajo. Al mismo tiempo. Varios tipos de instrumentos de iluminación son utilizados en la TV para crear una luz dura. esto puede ser una ventaja. La luz de una lámpara transparente. las imperfecciones de la piel se resaltan. la luz suave tiende a esconder irregularidades y detalles en las superficies. así como para hacer notar la textura del cuero. la de un fresnel enfocado.

especialmente en primerísimos primeros planos de objetos donde las sombras oscurecerían detalles importantes. veremos significativos y molestos cambios de color entre una escena y otra. La foto de la modelo fue tomada con luz suave. El efecto es comúnmente denominado iluminación plana. arrugas y defectos. en la foto. Al colocar una fuente de luz suave cerca de la cámara. se refiere a su color básico. ambas fuentes de iluminación (el sol a la izquierda. provee una gran área de iluminación suave. Es sólo cuando los vemos juntos que nos damos cuenta de que poseen tonalidades diferentes. Como hemos dicho. la consistencia de color aproximado no funciona de la misma manera. en el video o cine. La iluminación ha sido denominada como "el arte de controlar las sombras". la temperatura de color. puede dar una apariencia árida y estéril. En la realidad. se minimizan los detalles de la superficie. Por ejemplo. Curiosamente. existen 2 estándares de 53 . Una de las mayores metas en la iluminación es hacer que las sombras funcionen bien. Temperatura de color Aunque el segundo atributo de la luz. Como la luz suave tiende a esconder líneas. también hablamos de una característica de la luz que va más allá de lo obvio. la mayor parte de los objetos se verán mejor iluminados con una luz cuya fuente se encuentre en un intermedio entre una iluminación dura en los ángulos oblicuos (diseñada para resaltar el máximo los detalles de la superficie) y una iluminación ultra-suave (diseñada para ocultar los detalles de las superficies y minimizar los reflejos). hemos visto que ellas proporcionan detalles y dimensiones importantes a las imágenes. y un bombillo casero a la derecha) lucen blancos a la vista. la iluminación plana deja "sin dimensiones" al sujeto. Cuando es utilizada en una área grande.A diferencia de la fuente concentrada de luz que se asocia a las fuentes de luz dura. En este módulo hemos ilustrado los dos extremos: la luz dura y la luz suave. en condiciones normales ocurre un ajuste perceptual humano conocido como consistencia de color aproximado que nos permite ajustar nuestra percepción para fuentes de luz que creemos blancas. como más tarde estudiaremos. Aunque de buenas a primeras podría parecer que las sombras deberían ser eliminadas o minimizadas. A menos que se haga la corrección de color cuando se ruedan las tomas. la amplia superficie de reflexión del interior de la sombrilla. es útil para realizar trabajos de embellecimiento. Aunque tiene ciertas aplicaciones. Aunque la luz puede ser de cualquier color entre infra-rojo y ultra-violeta.

el la temperatura exacta depende de varios de factores).000 fc. Observe también como las diferentes temperaturas de color (el azul de la luz de la luna . Intensidad de la luz La tercera y última de las variables de la iluminación que vamos a eestudiar es la intensidad.color básicos para cine y TV: 3. 54 .600°K aunque. un footcandle es igual a aproximadamente 10. en una conversión menos precisa. La intensidad se mide en foot-candles (en los Eestados Unidos) o en lux (en la mayor parte de los demás países).000005 fc. Como veremos. La luz de luna proyecta unos 0. Como hemos dicho. La luz de una estrella mide apenas 0. como veremos. Aunque la mayor parte de las cámaras de TV necesitan por lo menos 100 FC para una buena calidad (aunque este número se va reciendo con cada generación de cámaras). Para tener algunos puntos de referencia: y y y y y La luz del sol en un día promedio oscila entre 3. Para esto necesitamos las herramientas que conoceremos en este módulo.000 hasta 10. Aunque esto es fácil de ver en la foto. en la foto de arriba los niveles de iluminación de adentro y de afuera tienen que estar cuidadosamente balanceados para evitar que se dañe el efecto.74 lux (o. el control de la intensidad de la luz es una variable importante en la producción.200°K (grados Kelvin) para las lámparas incandescentes de estudio y 5.500°K para la luz de día (algunas fuentes artificiales dan como estándar de luz de día 5. muchas pueden producir imágenes aceptables con niveles por debajo de 1 fc. Nosotros utilizaremos foot-candles en estos módulos. en una locación (o en un estudio) el ojo es un juez muy pobre de la intensidad relativa y la temperatura de color. Una oficina iluminada tiene unos 40 fc. multiplica footcandles por 10 para tener un lux). el rojizo para la luz interior) son también determinantes en el efecto. Los estudios de TV se iluminan aproximadamente a 150 fc. Por ejemplo.01 fc.

en caso de que usted este cuestionándoselo. este tipo de iluminación crea una cierta profundidad y dimensionalidad. las luces tienen cuatro funciones posibles: y y y y Modelaje (key). una fórmula que se puede suele producir resultados excelentes en la mayoría de los casos. Fíjese que inclusive en esta foto blanco y negro. con la intensidad correcta y con la calidad/coherencia correcta) crea un efecto óptimo. aunque hay realmente cuatro luces.La luz de modelaje En situaciones típicas. En términos de coherencia o calidad. la luz que define y afecta principalmente la apariencia del objeto. una a la derecha (luz de relleno mucho más tenue). y una el fondo (luz de fondo). Puesto que la luz del fondo realmente no incide en el objeto. 55 . la luz de modelaje es la luz principal. no la tomamos en cuenta en esta fórmula). Contraluz. Para describir la función de cada una. Para lograr este efecto nos concentraremos en la fórmula de tres-puntos. debe estar en el medio del rango duro-a-suave. Si usted estudia la fotografía puede detectar cuatro fuentes de luz: una en la izquierda (la luz de modelaje). Relleno. La fotografía de abajo se tomó con iluminación de trespuntos. Comenzaremos con la luz de modelaje y estudiaremos las otras luces más adelante (de paso. El efecto de combinar estas cuatro luces (ubicar exactamente el lugar. En el estudio se usa generalmente un Fresnel. nosotros llamamos a esto iluminación de tres-puntos. Luz de fondo. que puede usarse para los trabajos normales. una en el cabello (contraluz). asumiremos una fórmula de tres-puntos (tres-luces). La luz de modelaje (Key Light) Como el nombre implica.

es lo mejor (como muestra el dibujo). lo cual nos trae a otra pauta de la iluminación: Mientras más simple el diseño. Ilumine para planos cerrados ¿Importa si la luz de modelaje está en el lado derecho o en el izquierdo?. En la fotografía del modelo arriba. cuáles cámaras estarán tomando la mayoría de los closeup de cada persona. Por razones de consistencia. y y y y El mejor lado de la persona (ubique la luz de modelaje en este lado. sobre todo si hay más de una cámara y distintos ángulos en la producción. mejor el efecto. porque. la luz de modelaje está en la izquierda.) Practicidad (Sí hay una pared u obstrucción a un lado del objeto. entre otras cosas. A menos que la iluminación básica de tres puntos sea mantenida en las posiciones del talento.y será además una iluminación muy pobre. ilumine desde el lado que le permita usar un ángulo 45 grados. hay cuatro cosas que usted necesita reviewuar para tomar esta decisión. Esto nos trae a la regla que nosotros necesitamos tener presente.) En producciones con varias cámaras. En un estudio donde hay múltiples áreas para iluminar. dará énfasis al positivo y opacará al negativo. No es extraño que un gran set en una escena dramática requiera más de 100 luces. Cuarenta y cinco grados a un lado. 56 . usted ilumina para los ángulos close-up. Recuerde.) Siga la fuente de la luz (¿Hay una fuente evidente de luz en la escena como una ventana o la lámpara de la mesa cercana?) Consistencia (En la mayoría de las escenas se verá un poco extraño sí dos personas están sentadas al lado y uno se ilumina desde la izquierda y la otra de la derecha. el ángulo de 45 grados se usará a lo largo de esta discusión. Una cosa que usted no quiere hacer es tener "luces por todas partes" en un esfuerzo frenético para cubrir cada ángulo concebible de la cámara. así como se muestra aquí. Posiblemente. si usted no tiene cuidado puede terminar con demasiadas luces.En la fórmula tres-puntos la luz de modelaje se ubica a un ángulo entre 30 y 45 grados con respecto a de la cámara a la izquierda o a la derecha. las cosas terminan enredándose. realza más la textura y forma en el objeto. y la iluminación de tres puntos que ilumina a un objeto terminará siendo de veinte puntos -. tendrá que convenir con el director durante la fase de ubicación de cámara en pre-producción.

aparecen tres problemas al reducir estos ángulos: y La ilusión de profundidad y forma se sacrificará (algo que no es deseable al menos que usted quiera intencionalmente crear un efecto "plano" con un mínimo detalle de la superficie). la luz de modelaje crea un destello en los ojos -. y 57 . Las viseras y las banderas pueden ser de gran ayuda para bloquear la luz de ciertas áreas. A veces en condiciones limitadas por la locación. las cosas son mucho más fáciles porque hay sólo una cámara y un ángulo de cámara del que preocuparse. Más adelante cubriremos las demás luces. El Angulo vertical Hemos establecido que el ángulo horizontal para la luz de modelaje debe ser aproximadamente 45 grados a la izquierda o derecha del objeto en relación a la cámara.Entre otras cosas. Vea el efecto del destello al principio de esta sección en la fotografía del modelo. Hay otro ángulo de la luz de modelaje debe ser considerado: altura. Cuando usted coloca "luces por todas partes" no solamente produce una multitud de destellos en ojos. Muchas luces dirigidas a las áreas del talento crean una multitud confusa de sombras. Algunos directores de fotografía prefieren ubicar el modelaje al lado de la cámara. este ángulo también suele ser de 45 grados. esto puede ser inevitable. de iluminación sin vida. En producciones de una sola cámara. Como se muestra a continuación. o a un ángulo vertical menor de 30 grados. Sin embargo.La reflexión espectral en cada ojo que da una especie de "chispa" en los ojos. Existe el riesgo de que se proyecten sombras de la luz de modelaje directamente detrás del objeto (lo cual es inaceptable). sino además produce un efecto plano.

Idealmente. sirve como un buen contraluz. Si los sujetos también pueden ubicarse para que el sol (la luz de modelaje) quede a 30 a 45 grados a un lado de la cámara. puede resultar poco afable (no sólo a la persona frente a la cámara. En términos técnicos. Con la cantidad de nubes adecuada se puede producir una iluminación suave y agradable como en la ilustración.y El talento está obligado a ver casi directamente la luz de modelaje cuando va a mirar a la cámara (lo que puede hacer muy difícil tratar de leer a un teleprompter). lo que se traduce en una pérdida de detalle. que colocadas cerca del sujeto pero fuera del encuadre de la cámara. sino para su propio manejo de la producción). Basta decir que la luz del sol directa. (N. sobre todo si una luz de relleno (que será descrita en la próxima sección) se utiliza para suavizar ligeramente las sombras producidas por el sol. para resolver "el efecto de mediodía. del T: tambien es recomendable llevar a locación pantallas difusoras. Esta fórmula es muy rápida de implementar y permite la toma en casi cuanquier condición de luz solar. debe tener la luz de modelaje a 45 grados de un lado de la cámara. mientras la luz del ambiente ofrece una iluminación frontal suave. es también la que crea las sombras más pronunciadas. y a una altura de aproximadamente 45 grados. se creará un "efecto de mediodía". cuando el talento mira a su cámara de close-up. sobre todo para los primeros planos. Las sombras del boom (los micrófonos suspendidos sobre el talento por extensiones largas) pueden ser minimizadas ubicando el boom paralelo a (directamente bajo) las luces de modelaje. Sin embargo. la luz del sol directa de un cielo despejado produce sombras pronunciadas y oscuras. la sombra del boom se proyectará en el suelo en vez de quedar estampadas en el fondo. es una fuente de luz suave." suele ser preferible grabar con la luz del sol a media mañana o a media tarde cuando el sol está en una elevación de 30 a 45 grados. la iluminación será aún mejor. El sol como luz de modelaje Cuando se graba en una locación durante el día el sol será generalmente su luz de modelaje. produciendo sombras muy marcadas en los ojos. Si el sol esta cenital. como la intensidad de la luz. usted habrá excedido por mucho el rango de contraste del sistema vídeo. 58 . Si la luz difuminada del sol viene desde atrás del objeto. En primer lugar. cambian tanto la coherencia. Al no ubicar al talento cerca del fondo.) En un día nublado la luz del sol difusa. Luz de modelaje y micrófono boom Puesto que la luz de modelaje es la luz más intensa frente al objeto.

En cámaras con exposición automática esto resultará en sub-exposición (con tonos superficiales demasiado oscuros) a menos que utilice la posición de "contraluz" para abrir el iris dos o tres f-stops. El propósito de la luz de relleno es rellenar parcialmente las áreas de sombra creadas por la luz principal.Pero puede haber un problema. Luz de relleno La luz de modelaje (sea el sol en un cielo despejado o una luz de cuarzo sobre un trípode) produce fuertes sombras a veces objetables. contraluz y fondo Hemos apuntado que la luz de modelaje establece la dimensión. Relleno. no son menos importantes para crear un efecto de iluminación aceptable. 59 . forma y detalle de los objetos. será una mejor opción abrir el iris mientras mira el resultado en el viewfinder. Si la cámara tiene iris manual. Aunque las luces restantes tienen roles menos protagónicos. Fíjese en el fondo luminoso de esta fotografía.

se crea un margen de seguridad importante en caso de que los sujetos se muevan inesperadamente y los ángulos de la cámara tengan que ser cambiados en medio de la producción. Opciones Para los Rellenos Una buena opción para una luz de relleno de estudio es una ponchera (scoop) grande. Aunque el ángulo vertical para la luz de modelaje debe ser de alrededor de 45 grados. Esta diferencia entre el modelaje y el relleno es el factor más importante para lograr la percepción de tres dimensiones en un medio limitado a dos dimensiones. Desde allí puede hacer bien su trabajo: rellenar parcialmente las sombras creadas por la luz de modelaje. En locación estas opciones son muchas veces imprácticas. sin crear destellos adicionales en los ojos. por lo tanto puede utilizarse una lámpara de cuarzo portátil con un difusor. Existen también . el relleno se ubica apenas más arriba que la cámara así que termina quedando ligeramente por debajo del modelaje. El difusor no sólo suaviza la luz de relleno. cuando el sol se aprovecha como luz de modelaje. Una fuente ligera suave puede rellenar sutilmente algunas de las sombras que crea el modelaje. (Explicaremos la intensidad relativa de cada una de las luces en el próximo módulo. Fíjese en la fotografía cómo la sombra de la luz de modelaje en la mejilla sólo es eliminada parcialmente por el relleno. la posición horizontal de la de luz de relleno es menos crítica. o un banco de luces fluorescentes balanceadas a 3. un reflector pasivo (anime. sino que puede reducir su intensidad has el nivel adecuado.Al Iluminar una área completa de 90 grados. creando un "redondeado" gradual de la luz de modelaje en la mejilla.200. 60 Se usan a menudo cartones de ilustración o animes blancos para los primeros planos en trabajo de noticias. cartulina o reflectores de aluminio) puede ubicarse aproximadamente a 90 grados del sol para reflejar luz hacia las áreas de sombra.) En exteriores. Tener que detener una producción para cambiar la posición de las luces suele tomar mucho tiempo y cuesta mucho dinero en tiempo perdido. Hemos sugerido que la luz de relleno debe ser más suave que la de modelaje. Generalmente.

es decir aquellos sonidos que podemos escuchar directamente con nuestros oídos. a partir de esta medida los sonidos causan dolor e incluso daño permanente al oído (este daño irreversible a menudo no es notado lo que explica.Sonido en T.: principios básicos Históricamente el video ha tenido mas importancia en la televisión que el sonido. surround-sound y audio y video digital usados en televisión las audiencias tiene mayores expectativas. 61 . Estos decibeles son monitoreados en indicadores especiales. Sonido Jet despegando Concierto de rock Martillo neumático a 50 pies Ruido en la calle Conversación en lugar público Ambiente de oficina Murmullo a 15 pies Estudio de "TV" en silencio dBs 140 120 85 75 60 45 30 20 El segundo uso para el término decibel (dBm). En la producción de audio el interés principal es para los dBm que permiten conocer los niveles de poder eléctrico que se procesan por medio de diferentes equipos de audio. Se consideraba un "buen sonido" el simple hecho de que los diálogos fueran inteligibles y "mal sonido" cuando ni siquiera este propósito se lograba. El primero es dBSPL (para la intensidad de la presión sonora). Acualmente con la evolución de sistemas "hi-fi". Los decibeles que llegan a 135 ó más son considerados como el límite de tolerancia para el oído humano. estéreo.V. Intensidad y frecuencia Intensidad Aunque la intensidad del sonido es medida en decibeles (dB). Antes de revisar los conceptos básicos de producción de audio en televisión debemos comprender algunos elementos fundamentales del sonido. el por qué la mayoría de los hombres de 50 años en algunos países tienen mejor capacidad auditiva os adolescentes en los Estados Unidos) tenemos algunos niveles de presión acústica (dBSPL). por ejemplo. que es una medida de poder acústico. es como unidad de poder eléctrico (para el nivel de referencia en miliwatts). el término se refiere a dos conceptos diferentes. El sonido posee dos características básicas que deben ser cuidadosamente controladas: intensidad y frecuencia.

Si el nivel es muy alto (significativamente arriba de 0dB en el VU meter).000Hz son extremos. se refiere al tono básico de un sonido -. el nivel de sonido ideal. Si se pasa la señal a un nivel muy bajo. Frecuencia La frecuencia.Aqui se ilustran dos tipos de VU meters para medir la intensidad del sonido: digital y análogo. Aunque son fáciles de comprender. puede provocar distorsión -. el rango mas comunmente usado para televisión es desde 50 hasta 15. La frecuencia es medida en Hertz (Hz) o ciclos por segundo (CPS). Una frecuencia de 20 Hz sonará como una nota extremadamente grave en un órgano -.000 Hz sería la nota mas aguda que podamos imaginar.que tan grave o agudo es.especialmente cuando se trata de audio digital. Para asegurar la calidad de audio debemos poner atención constante en el correcto nivel de audio durante todo el proceso. Por lo tanto es posible tener sonidos en la escala que se registren en dB negativos. El VU meter a la derecha es un medidor análogo tradicional que existe en una u otra forma desde el surgimiento de la radio. El nivel de dB que pasa a través de un equipo de audio debe ser cuidadosamente controlado. 20. Una persona con excelente oído es capaz de percibir sonidos entre los 20 y 20. y haciendo que levanten la mano los presentes a medida que van escuchando.000 Hz. le revelará que la mayoría de las personas no escuchan las frecuencias más altas y muchos apenas logran oir algo por debajo de los 15 KHz.) La relación frecuencia . Aunque este rango no cubre totalmente la capacidad de audición de personas con buen oído si permite reproducir casi cualquier sonido natural. mucho mas alta que la nota mas aguda de un violín o un píccolo. (N. es decir. Esto puede ser confuso si no comprendemos que 0dB es solo un punto de referencia en la escala. Al otro lado de la escala.000 Hz. 0dBm (generalmente designado solamente como dB en un VU meter) no significa "cero sonido" sino en cierto sentido lo contrario. la mayoría de las versiones no responden con precisión a sonidos cortos o demasiado intensos. A la izquierda se encuentra un ejemplo de medidor digital. Al contrario de lo que se pueda suponer. cuando el nivel deba recuperarse a una amplitud (nivel de audio) normal. Debido a que ambos extremos del rango entre 20 y 20.casi retumbante. El rango ideal para ambos medidores es inmediatamente debajo del área roja.del T: un experimento de audición en grupo generado tonos desde 20KHz hacia a bajo. al igual que es posible tener temperaturas bajo cero. La escala de la izquierda muestra el porcentaje de modulación (porcentaje máximo de señal ) y la escala del lado derecho se encuentra en dB's. se habrá generado (amplificado) ruido. mas tarde.intensidad 62 .

Es posible utilizar durante la post-producción un equalizador u otro dispositivo de audio para "limpiar" la respuesta de un micrófono de mala calidad. Esto puede ser necesario para igualar segmentos de audio grabados bajo condiciones diferentes. o simplemente para adecuar la reproducción a las condiciones acústicas del área donde se escucha.Aunque pueden existir sonidos de diferente frecuencia que técnicamente se encuentren en la misma intensidad (que registren igual en el VU meter) el oído humano no los percibe por igual. (N. grabadora o monitor de audio -. por cuanto podemos escuchar con mayor precisión el rango típico de frecuencias en las que se encuentra la voz).: esto puede tener algo con el proceso natual de adaptación de la especie humana. amplificador. Un micrófono de buena calidad (línea verde) es relativamente "plano" al percibir todos los sonidos importantes entre el rango de los 50-15. La línea roja en la gráfica muestra la respuesta del oído humano a diferentes frecuencias.000 Hz. Debido a la reducida sensibilidad del oído a frecuencias tanto bajas como altas. Existen además otros equipos mas sofisticados tales como el equalizador gráfico que permite un control mas específico sobre las frecuencias para ser individualmente ajustadas. Para compensar algunos de estos problemas. aun los mas sofisticados equipos y técnicas no pueden lograr milagros. Condiciones acústicas El equipo usado y las condiciones acústicas afectan significativamente la percepción de las frecuencias. podemos ajustar la frecuencia (graves y agudos) en los controles del equipo de reproducción. Entre mejor sea la captación original del audio mejor será el producto. del T. Sin embargo.pueden afectar la fidelidad del sonido. De cualquier forma son el micrófono (el sistema iniicial que transforma las ondas sonoras en energía electrica) y el monitor (el sistema que transforma la energía electrica en ondas sonoras) los elementos mas críticos en la calidad del audio. o por lo menos para ser percibidos al parejo de otras frecuencias. estos sonidos necesitan encontrarse a mayor intensidad para ser escuchados. Continuidad de edición 63 . Cualquier pieza de equipo de audio -micrófono.

(V. Pudovkin. Veamos qué podemos hacer con tres tomas. En los próximos capítulos exploraremos las distintas variantes de este aspecto. Otro hombre toma una pistola y dispara en dirección a la cámara. Una explosión. Empezaremos con un ejemplo sencillo de solo dos tomas. El carro está en llamas. el contenido. la edición cinematográfica ( y de video) se ha tornado más importante. Todo esto con sólo tres escenas para trabajar! 64 . En el orden 1-2-3 de las secuencias.I. la intensidad y el ritmo creando la intención general de la producción. En el orden 1-2-3 de las secuencias. En este orden. da la impresión que como resultado de un incendio los pasajeros saltan de un carro justo a tiempo para escapar de una devastadora explosión. La continuidad de edición consiste en la organización de las secuencias y de las tomas para sugerir una sucesión de eventos. Si la secuencia es cambiada al orden 2-1-3. da la impresión que el primer hombre recibió un disparo. sin embargo si invertimos el orden de las escenas el primer hombre es testigo de un disparo. La edición establece la estructura. Dándole las mismas tomas a un editor este podría sugerir muchas alternativas distintas. En el orden 2-3-1 la gente salta del caro luego de un incendio provocado por una explosión. las tomas sugieren que las personas saltan de un carro segundos antes de que se incendie y explote. y y y Gente saltando de un carro. y y Un hombre voltea sorprendido.La edición es la fuerza creativa de la realidad fílmica y la base del arte cinematográfico. Empezaremos con la continuidad de edición. las tomas sugieren que las personas saltan de un carro segundos antes de que se incendie y explote. 1915) Desde que esta frase fue enunciada hace más de 80 años.

En producciones dramáticas hay muchas más alternativas creativas. Por ejemplo: usted quiere relatar la historia de una chica que sale a una cita importante. maquillándose. El hombre del escritorio rutinariamente dice: "entre". nos sentimos frustrados. queremos ver el billete de 100 dólares.Cuando cientos de tomas y secuencias están disponibles. mostrándoles lo que quieren ver cuando lo quieren ver. Supongamos que durante toda la explicación vemos en un plano general a los dos hombres examinando con cuidado el billete. en los programas dramáticos es preferible dejar una ventana abierta a las interpretaciones individuales. su lista de decisiones de edición se creará prácticamente sola. El no llenar las expectativas puede ser utilizado para crear tensión en el público. tomando una ducha. el vocero de la casa del tesoro explica los detalles referentes a las modificaciones que necesariamente deberíamos ver. lo cual es común en producciones de tipo dramático. En noticias y documentales. si no las vemos. Seguramente nosotros. debería presentar los eventos en un orden lógico para evitar confusiones y malos entendidos. cambia por una expresión de alarma. Tocan la puerta. el editor tendrá un importante control sobre la continuidad básica y el mensaje de la producción. ¿Dónde está la toma del quién o qué entró? ¿Qué sucede si no cortamos a esa toma esperada? El público quedará con curiosidad y angustia o dependiendo de cómo es manejado con frustración y resentimiento. como público. De hecho. Tiempo condensado En cine y video el tiempo es frecuentemente condensado y expandido. Luego de ver hacia arriba. ¿Por qué? No lo sabemos. Otro ejemplo: En una presentación sobre los cambios del billete de 100 dólares. la calmada expresión del hombre del escritorio. admirando el resultado en el espejo. Al final. vistiéndose. Como hemos destacado. evitan lo esperado para generar un mayor efecto dramático. usted ha contado una historia o ha orientado de manera lógica una serie de situaciones hacia una conclusión. secando su cabello. para luego conducir al punto de encuentro. Los buenos editores (en televisión dramática) en algunas oportunidades. Entonces. Cambiando la continuidad La edición de continuidad en principio guía al público a través de una sucesión de eventos. a menos que usted desee dejar al público en expectativa por unos instantes (para crear un efecto dramático) siempre mantenga en mente lo que usted considera que el público quiere ver en un momento determinado. para poder apreciar las variaciones mencionadas. Si mantiene esta premisa. 65 . El proceso de verla seleccionando su ropa. en este tipo de producción se debe ser lo más claro y concreto posible. Veamos en esta simple secuencia: y y y y Un hombre trabaja hasta tarde en un escritorio.

) Una toma saliendo por la puerta principal de la casa ( 2 seg. para crear un efecto dramático. Causa-efecto 66 .) Toma rápida de ella sacando ropa del closet ( 2 seg. en desconocimiento de la bomba sigue su banal conversación. Una toma más cerrada de la bomba. Una toma de la bomba sonando debajo de la mesa.) Toma en la ducha a través de una puerta empañada (2 seg. En la versión en tiempo real de la escena. Psycho. Esta última versión definitivamente crea un mayor impacto emocional. Una toma de ella llegando al punto de encuentro. La gente.) Unos segundos conduciendo (4 seg. termina la gente. Ese es el tiempo total disponible de la mayoría de las producciones cinematográficas y aún no ha empezado la cita. casualmente se sienta a la mesa de la cena.) Un par de tomas secándose el cabello (4 seg.) Finalmente llegando al lugar acordado (2 seg.. y y y y y y y Una toma de la chica terminando una conversación telefónica y saliendo rápido del encuadre. etc. (3 seg. North By Northwest.podría llevarse fácilmente 90 minutos. las personas están sentadas en la mesa y la bomba se apaga. habla. Pero Hitchcock era famoso por el suspenso y el verdadero suspenso no hubiese sido creado de esta manera. Termina la escena. muestra al público lo que está pronto a suceder. Tiempo extendido Ocasionalmente el editor o el director quieren alargar el tiempo real de lo que sucede. con cortes de la gente riendo y disfrutando la cena. Desde sus inicios..) utilizó el ejemplo de una escena donde un grupo de personas estaban sentadas en una mesa para cenar y explotó una bomba de tiempo. Los cortes continúan y van interviniendo a un ritmo acelerado hasta que finalmente la bomba hace estallar la mesa de la cena en pedazos. El connotado director Alfred Hitchcock (Psicosis. Por ejemplo los 90 minutos del ejemplo anterior pueden ser presentados en 19 segundos.) O qué tal esta alternativa: y y Una toma de la chica colgando el teléfono y saltando rápido para salir del encuadre. el negocio del cine educó al público para asumir que ciertas cosas no serian mostradas. En una segunda versión la gente se reúne.

Para lograr la respuesta debemos llevar al espectador al inicio de los hechos. Saber que el marido lo hizo quizá no será suficiente (podría ser para la policía. 67 . podemos ver el cadáver de una mujer en el piso de una sala durante cinco minutos. en el transcurso de la pieza. Si nos muestran una toma de alguien con todos los síntomas típicos del borracho (efecto). El editor también debe conocer bien la psicología humana. celos o venganza. podría ser más interesante (y más atractivo para el público) si presentamos el resultado primero y revelamos la causa gradualmente. (causa). Usualmente. parte de la edición de continuidad se hace para sugerir o explicar una causa. Un ejemplo sencillo: En una producción dramática se ve extraño a alguien respondiendo el teléfono a menos que éste hubiese sonado previamente. Aún cuando la continuidad estricta del montaje nos impulsa a presentar una secuencia lógica de las escenas.efecto está presente el por qué. Podemos mostrar a la mujer con una cantidad de amantes. hasta que finalmente no puede contener más estos sentimientos negativos . Pero incluso sabiendo que la motivación fue la venganza. asumimos que las cosas no salieron bien. Así el hecho tiene sentido. saben que no pueden revelar las respuestas de inmediato. puede que no sea suficiente para una producción bien pensada. parte de la diversión es que el público trate de intuir quién lo hizo y por qué. Si vemos una toma de alguien intentando una difícil acrobacia en esquís por primera vez. quizás con seguridad asumiríamos que ha bebido. Volvamos al cadáver en el piso de la sala. La venganza debe tener una causa. Un buen guión (potenciado por una buena edición) explica por qué las cosas suceden. El editor debe percibir esta dinámica causa-efecto. Motivación Podemos pensar en cualquiera de los clásicos motivos: dinero.Frecuentemente. los celos. Ahora entendemos. ya que en cualquiera buena historia de misterio. Esto impulsa la motivación. Vemos cómo el marido va acumulando la sospecha. En una película dramática. En oportunidades asumimos la causa. para poder reflejar sentimientos y situaciones de manera realista. En causa . seguida de otra toma de la misma persona llegando a su casa con un yeso en la pierna. Pero no veremos quién la mató hasta transcurrir 90 minutos. Un teléfono sonando sugiere una respuesta: el teléfono es atendido. pero no para la mayoría de los espectadores). de manera que la domine como una técnica a la perfección. el resentimiento y la ira . Hemos visto causa-efecto y motivación. En este caso el efecto anticipa la causa.

En nuestro ejemplo anterior de la presentación del nuevo billete de 100 dólares. Cortes A diferencia de insert que muestra escena principal. llevaron a cabo un experimento. los cutaways detalles importantes de la (cortes) nos sacan de la escena principal para agregar información relacionada a la historia. con inserts y cutaways (cortes de acción alterna). Los inserts agregan información necesaria. Vínculos Hace muchos años los cineastas rusos Pudovkin y Kuleshov.Técnicas de continuidad Un editor puede hacer resaltar cualquier producción. Durante un desfile podemos hacer cortes a tomas de gente mirando desde un techo cercano o a un niño durmiendo entre la algarabía del lugar. en el cual incluyeron distintos cortes sobre la escena de un hombre sentado sin moverse y 68 . Insertos Un insert es un primer plano de algo que existe en la escena principal tal como ha sido presentada la toma de situación. un insert sería el primer plano del mismo. que de otra manera no sería visible o suficientemente clara. Aquí cortamos de una escena de un hombre bajando por un ascensor otro que ya está en el nivel inferior. sin perder la continuidad básica de una historia. pero que no se presenta en ese lugar. mientras los especialistas conversan.

completamente inexpresivo. impresionista. entusiasmo. Para el público que vió la pieza editada. la acción puede ser tan simple como cortar entre el esposo que asesina a su mujer y simultáneamente el trabajo de la policía intentando capturarlos. la edición temática se refiere a una secuencia rápida. Montaje paralelo Las primeras películas solían seguir una sola línea narrativa (generalmente con el héroe en cada escena). una toma de la mujer tomando a escondidas grandes cantidades de dinero de una caja fuerte? ¿Está sugerida la relación entre estos dos eventos? ¿Tenemos ahora una pista de lo que pudo haber ocurrido?. Hoy en día encontraríamos esta estructura narrativa demasiado aburrida. Esto es llamado acción en paralelo. una experiencia. 69 . Las inserciones incluían un primer plano de un plato de sopa. luego de la toma del cadáver. Las novelas. pensaron que el personaje experimentaba orgullo paterno. ordenas con el objetivo de crear una sentimiento. En el ejemplo anterior del asesinato. Cuando el plano se presentaba junto al de la comida. exclusivamente. las comedias de situación y producciones dramáticas en general. En una edición vinculante. peligro e incluso la diversión que vemos con frecuencia en los comerciales. e incluso los documentales. el público veía al hombre hambriento y cuando con el de la niña. Este tipo de edición es generalmente utilizada en videos musicales. simplemente se busca comunicar acción. En contraste con la mayoría de las ediciones temáticas. La edición no tiene la misión de contar una historia desarrollando una idea en un orden lógico. el público pensó que el actor sufría una tremenda pena. asumen una relación causa ? efecto importante. Cortando entre las mini-historias que suceden dentro de la historia principal. comerciales y promociones (cine y TV). Cuando el montaje sigue estas historias se le conoce como montaje paralelo. Así una de los aspectos más importantes de la edición fue experimentalmente demostrado: el ser humano tiene la tendencia a tratar de establecer relaciones entre una serie de escenas consecutivas. Cuando la toma del hombre se unía a la de la urna. Edición temática En la edición temática (también conocida como montaje) las imágenes son editadas juntas basadas en un tema central. de escenas desconectadas. tienen con frecuencia varias historias que suceden simultáneamente. al ser editadas de manera continua. ¿Recuerda la escena de la mujer que aparentemente fue asesinada por su esposo? ¿Qué sucedería si colocamos. De una forma más general. escenas que solas parecen no estar asociadas. el hombre parecía involucrarse en cada escena. El objetivo no es trazar un hilo narrativo. un plano de una urna con un cadáver de una mujer y la toma de una niña jugando. se acelera el ritmo y tempo aportando variedad y manteniendo el interés.

Cuando ello sucede. Si usted es muy observador notará que muchas películas y series aportan buenos ejemplo de pequeñas faltas de continuidad. vemos a la chica entrando por la derecha (moviéndose de derecha a izquierda) en ruta a la ducha. pero en la toma de PP inmediata el viento inexplicablemente deja de soplar. pero la toma desde otro ángulo muestra su brazo sobre el hombro. vemos que ni sonríe. Más adelante estudiaremos las técnicas de grabación con una sola cámara. donde puede transcurrir un tiempo largo entre la puesta en escena y la toma.Solución a problemas de continuidad Como hemos notado. Estos cortes pueden provocar algunos problemas de continuidad sobre la acción que no favorecen a la comprensión de la pieza. Existen otras soluciones preferibles al costoso y lento proceso de re-rabación. vemos cómo el viento sopla y mueve suavemente su cabello. Solucionando saltos en la acción Empecemos por analizar cómo los saltos al cortar. así nuevas escenas pudiesen ser re-grabadas de inmediato y no haría falta tratar de resolverlas durante la edición. se llaman "saltos en el corte" (jump Cut) . quedando un corte antiestético. Supongamos que luego de salir del cuadro (de izquierda a derecha) la próxima escena que fue tomada horas o días después. 70 . De todas maneras muchos de estos problemas solo se ven en la post-producción al unir las escenas. al estilo cinematográfico. aquí presentamos algunos de ellos: y En una toma de una pareja conversando sobre un bote. burdo y discordante durante la acción o sobre el contenido. Todavía no tenemos problemas. el público ha aprendido a aceptar la reducción de enormes cantidades de material fílmico para mantener el ritmo de la historia en movimiento. Un primer plano de la actriz la muestra riendo pero en el plano de situación inmediato. Recuerdan la chica que estaba preparándose para la cita? Supongamos que la vemos colgando el teléfono en la cocina y rápidamente sale por una puerta a la derecha del cuadro. Un hombre camina abrazando por la cintura a su novia. y y Estos son problemas relacionados a la grabación con una sola cámara. pueden ser solucionados en producciones de tipo dramático. Sería ideal que estos problemas fuesen indicados durante la grabación.

El editor debe entonces. el B roll resuelve una gran variedad de problemas de edición. cortar el material sin dejar secciones importantes fuera o y sin crear cambios fuertes. Luego retomaremos este aspecto. Esto supone que la edición de sonido es uniforme. Como los editores dependen enormemente de este video de apoyo. Generalmente. son generalmente tomas de reacción del entrevistador. En este problema en particular podríamos hacer un rápido primer plano de las manos de alguien (similares a las de la actriz) tomando una toalla del closet de lencería. estas tomas de apoyo están en una cinta aparte (B roll). En edición lineal el proceso de grabación en dos cintas separadas hacen la labor mucho más sencilla. O también podría recortar el inicio y el final de las escenas para que el público no esté muy seguro en que dirección salió o entró al cuarto. Para empezar. simplemente mirando al invitado durante su discurso. Todos estos trucos pueden ser utilizados para tapar los problemas de continuidad. como complemento al video utilizado para grabar las respuestas (A roll) . podría considerar agregar la escena frente al closet decidiendo qué ponerse. antes de la toma del baño. En entrevistas usted terminará grabando por lo menos diez veces más de lo que se ve al final. poco elocuentes o que simplemente son aburridas. el carácter. Así se introduce un poco de variedad visual a la escena y cuando cortemos a la chica entrando al baño. 71 .El público queda con una pregunta: Por que ella parece haber dado una vuelta en 180 grados y ha empezado a caminar en dirección contraria para ir al baño? La solución a la mayoría de los problemas es la utilización de las tomas de recurso (cutaways) e inserciones que comentamos anteriormente. en el ritmo. Cambios Abruptos en el Tamaño de la imagen Otro tipo de salto de imagen surge al editar de manera consecutiva grandes cambios del tamaño de la misma imagen. Un público acostumbrado al dinamismo. el público no estará en posición de notar el cambio de dirección tan fácilmente. tome siempre el tiempo necesario para realizar tomas de apoyo variadas en cada entrevista. No es un trabajo sencillo. Una solución presentada aquí es incluir una toma de recurso de tres o cuatro segundos. Le serán muy útiles en el momento de la edición. Si eso no funciona. pronto se aburriría de escuchar respuestas que bordean el tema. insertada encima del corte de la tomas que provocan el salto. Edición de entrevistas Las entrevistas casi nunca son presentadas por completo. cadencia o dirección retórica de la pieza. el cortar un diálogo resulta molesto y provoca un salto evidente en la imagen de la persona que está hablando. (probablemente asintiendo mientras escucha). antes de insertar la imagen. Estas inserciones.

Cuando usted corta de nuevo a un plano general lo hace para recordar al público dónde se está desarrollando la escena. Angulos de toma Otro tipo de salto en la edición se produce cuando se corta entre dos tomas que son casi idénticas. Un corte a plano medio. como se muestra en la imagen anterior.3 cubre este ejemplo. Cortes a varios planos en primer plano. Por ejemplo. si corta de la toma de la izquierda directamente desde la toma de la derecha. (re-establishing). Un plano medio entre ambos es generalmente necesario para suavizar la transición y orientar al público a la nueva información que le interese. 1. la secuencia puede ser montada a la inversa. Según esta regla una nueva toma del mismo sujeto es justificable solo si cambia el ángulo de la cámara por lo menos en 30 grados. Una vez que está marcada esa importancia la cámara puede hacer un dolly. De todas maneras esta formula desde un PG-PM-PP es tradicional (en algunos estudios de cine es una orden mantener esta rutina). iniciar una escena con un primerisimo primer plano de un objeto fundamental. 2. 72 . En ocasiones el editor pensará que es mejor utilizar otro método. el ambiente general donde se desarrolla la escena queda evidente. una pistola o cualquier objeto importante en el argumento. antes del primer plano. En una escena dramática el primer plano puede ser de un marco de fotografías roto. Es difícil justificar una nueva toma que no es significativamente distinta. centrando así la atención del espectador en ese objeto. Sin embargo. si usted corta a plano medio. Esto es especialmente importante durante o después del movimiento de los actores. 3. Un plano general momentáneo (también denominado plano maestro o toma de situación o establecimiento). Para evitar este problema algunos productores utilizan la regla de los 30 grados. aparenta ser un error. o incluso si esta fue la primera escena.Pasando directamente desde un plano general (Toma de situación) a un primer plano puede resultar muy abrupto. Un corte de este tipo. Una secuencia bien marcada según la fórmula 1 .2 . o un zoom back para mostrar el entorno de la escena. Por ejemplo. De ser necesario para salir de una escena. el público tendría dificultad averiguando dónde ocurrió la acción. A veces es necesario volver al plano general para recordar al público dónde se lleva a cabo la escena y la situación.

Los seguidores del Fútbol Americano saben que la acción se ha invertido cuando el director corta a la cámara que está en el otro lado del campo. Pero lo mejor que se puede hacer es cuidarse mucho de no cruzar el eje durante la grabación para así evitar este problema. un director puede decidir intencionalmente saltar el eje en varias tomas para comunicar confusión y desorientación. Cada vez que un nuevo encuadre de cámara supera 180 grados al anterior emplazamiento usted habrá cruzado la línea ? salto de eje. Supongamos que usted quiere un primer plano del hombre a la derecha. cruzar la línea o saltar el eje.En cambio. Por esta razón nunca es presentado este cambio durante una jugada. solo en las repeticiones. sin embargo algunas de las técnica enunciadas pueden ayudar. (esto puede evidenciar uno de los efectos del salto de eje) 73 . Cuando una situación se presenta en vivo. Si la cámara estuviese ubicada sobre el hombro derecho de la mujer (detrás de la línea azul). Esta situación es muy difícil de resolver durante la edición. ya que la toma de las dos personas es muy distinta a la toma inicial. este hombre terminaría viendo a nuestra izquierda durante su conversación con la pareja. la línea visual de cada persona (la dirección y ángulo de la mirada de cada actor) sería coherente con lo que vimos en la toma de situación. llegamos a uno de los problemas de continuidad más comunes. sería correcto aún si es desde el mismo ángulo. en lugar de mirar a nuestra derecha como lo vemos en la foto (usted ha "saltado el eje"). Salto de Eje Y finalmente. si realiza una toma de dos personas a una toma de una persona. El problema es menos obvio cuando los actores deben ser grabados desde distintos ángulos durante una grabación con una sola cámara.y la acción se verá invertida. esta falla queda evidenciada de inmediato. Además es justificado y explicado. Nota: sin embargo la cámara ubicada enfrente de la línea azul podría ser utilizada sin generar este problema. Por ejemplo durante la secuencia de un saqueo. solo si esa toma muestra algo que la otra cámara no pudo apreciar. Ocasionalmente un director romperá la regla de los 180 grados para crear un efecto dramático. Una ubicación lógica de la cámara en este caso sería sobre el hombro izquierdo del hombre o la mujer (posición de cámara # 2 en el dibujo) Si todos los primeros planos son tomados desde el frente de la línea azul.

aire acondicionado. mantener el punto de vista del público presente mientras desarrolla el montaje. o cualquier emisor de ruido) cambió.Si la confusión no es el objetivo. 74 . sonidos de calle. Sonidos de fondo. Continuidad técnica Cualquier cambio no deseado y notable y abrupto en el audio o video de un programa se le conoce como un problema de continuidad técnica. está atento al hecho de que los micrófonos usados a diferentes distancias reproducen el sonido de manera diferente. cuando los problemas de continuidad se hacen aparentes. Niveles de sonido.). Las noticias y los documentales están producidos bajo condiciones drásticamente diferentes. Problemas de continuidad de audio Los problemas de continuidad de sonido pueden ser causados por múltiples factores entre los que encontramos variaciones entre una toma y otra de y y y y Ambiente sonoro (reverberación de una habitación. Los cambios en el fondo pueden ser tapados con el uso de un sonido constante adicional como música. Primero. Como todo en la vida. Un buen par de audífonos aislados permite detectar esas diferencias. pájaros y hasta insectos chirreando. En un corte puede aparecer que el talento suena más cerca o lejos o que el sonido de fondo (tráfico. distancia al micrófono. Respuesta de frecuencia del micrófono o el equipo de sonido. Esto se debe a cambios en la acústica además del hecho de que algunas frecuencias específicas disminuyen su intensidad con la distancia. etc. En las producciones a una sola cámara muchas de estas inconsistencias no son fáciles de detectar en locación. otros no. En este tipo de producciones el medio (televisión) debiera ser totalmente "transparente" y nada debe interponerse entre la el medio y el mensaje (la historia). un editor debe siempre recordar. es mejor prevenir que lamentar (asumiendo además que podamos resolver los problemas de alguna manera). Algunos problemas pueden ser minimizados con ayuda de un ecualizador gráfico. Allí podemos perdonar cambios en el balance de color de las tomas o en el sonido en diferentes locaciones. Aunque la mayoría de los micrófonos direccionales costosos minimizan el efecto de distancia la mayoría presentan efectos de "proximidad" o presencia. Es tan sólo cuando las diferentes tomas aisladas se ensamblan en la edición. Algunos problemas de continuidad son aceptables. Pero en producciones más sofisticadas no aceptamos las inconsistencias técnicas porque distraen nuestra atención de la historia. y reverberador en las manos adecuadas.

Niveles de luz. el nivel puede variar cuando cortamos de un actor a otro. 75 . todas las cámaras deberían ser balanceadas de color antes de la grabación. Los fondos . en especial cuando se utilizan cámaras distintas o se graba en bajo condiciones diferentes. La audiencia es particularmente crítica de los cambios en la tonalidad de piel. Una vez que se ha hecho el balance adecuadamente. Finalmente. el ruido de fondo queda prácticamente eliminado. que hay varias cosas distintas: el color de piel. definición. por ejemplo cambios en: y y y y y Balance de color. el balance de color. el ruido de una motocicleta o un vehículo pasando puede desaparecer abruptamente al cortar a otra toma grabada a otro momento. Aún si el sonido no desaparece totalmente.en virtud de que la audiencia probablemente no tiene una referencia exacta de sus colores reales . Balance tonal.Con la creciente confiabilidad de los micrófonos inalámbricos. muchas facilidades de producción equipan a cada actor con su propio micrófono personal. Algunas veces se escapa algún problema. exposición. Por ejemplo. especialmente en una producción dramática. Para disminuir este defecto.) Problemas de continuidad de video El Video tiene sus propios problemas de continuidad. pero la caída de agua crearía problemas gigantescos al audio. Calidad de grabación. verifique los cambios en los sonidos de ambiente. Los sistemas de edición suelen utilizar un vectorscopio para ajustar los colores en la cinta al inicio de cada sesión. Esto es especialmente importante en producciones multi-cámara. y por el efecto de proximidad del micrófono. debe grabarse un patrón de barras con colores primarios y secundarios al inicio de cada cinta. La distancia al micrófono no varía (usualmente está escondido en la misma ropa). Esto es también parte del software de casi todos los sistemas de edición no lineal hoy en día. (La escena a la derecha haría un bello fondo para una entrevista. Opticas de cámara. equipado con las herramientas adecuadas podrá ajustar la señal para que al menos el tono de piel se parezca.es menos crítico. Fíjese en las fotografías arriba. Esto se utilizará para balancear la reproducción de la cinta con los tonos adecuados. un ingeniero de video. En muchos casos. contraste y brillo. Al intercortar escenas de cámaras con características de respuesta al color notablemente diferentes (balance de color) será evidente para la mayoría de los televidentes.

aquí no nos referimos a reglas. los verdaderos artesanos este arte -. debemos considerar varios lineamientos. Así que con el objeto de hacer la edición tan imperceptible y discreta como sea posible. la audiencia se desvía de lo que en realidad es el mensaje central.Asuntos de continuidad en la música de fondo La música de fondo puede emparejar la transición entre segmentos y mantener cierta unidad en la producción . Una falla notable de continuidad sucede cuando se decide hacer fade out a la música en mitad de un tema para hacerla coincidir con el final del video. aunque esto siempre debe ser considerados como un último recurso. En retromedición se inicia la música para hacer coincidir su final con el final del video.siempre que esté bien utilizada. Lineamientos de edición: Parte I Los actuales sistemas de edición no lineal son capaces de crear cualquier efecto que usted haya imaginado.o debemos decir. Esto se hace midiendo desde el final y restando el tiempo del segmento en cuestión. Por ejemplo. La música de fondo deberá contribuir con la ambientación general sin llamar la atención a sí misma. ritmo y temporalidad de la producción. es decir cuando son imperceptibles para la audiencia promedio. si una selección musical fuese de 3 minutos y el video de 90 segundos la música se haría comenzar a los 90 segundos para por fade in junto al video. Igualmente puede acelerarse o realentarse las imágenes en estos equipos. Como veremos más adelante. Esto es especialmente cierto en lo que respecta a las técnicas de edición. Idealmente. La retromedición del tema puede aliviar este problema. Los productores profesionales -. Como en el caso de los lineamientos para una buena composición. Esto no ocurre casi nunca sin cierta ayuda intencional del productor. En general deberá evitarse canciones cuando hay locución o diálogo que pueda competir. Por esta razón es tentador tratar de impresionar a la audiencia (o a sus colegas) con la infinidad de cosas que se pueden hacer. esto es muy sencillo de lograr en un sistema de edición computarizado no-lineal. En sistemas lineales es algo más difícil y requiere un mínimo de planificación. Esto es aún más fácil si la música tiene secciones repetitivas y ciertas pausas. A los 90 segundos ambos terminarían simultáneamente. Deberá seleccionarse . cuando las técnicas de producción monopolizan la atención. Además aprovecharemos estos módulos para presentar varios 76 .saben que las técnicas de producción son mejores cuando son transparentes.música que mantenga el tono. Con los sistemas de edición de hoy en día la música puede ser alargada o recortada para acompañar las selecciones de video. el inicio de la música debería coincidir con el inicio del segmento de video y concluir con el video. Sin embargo.

el maquillaje. la posición de su rostro cambia.) y que el talento esté haciendo lo mismo exactamente de la misma manera en cada toma. es casi seguro que pasarán desapercibidas. ubicación. Esto quiere decir que durante cada toma los movimientos y gestos del talento deben coincidir con ciertas palabras del diálogo. Mantener consistencia en la acción y los detalles Editar una producción realizada con una sola cámara. así como la utilería (objetos móviles en el set) sean consistentes entre tomas. ¿Percibe algún problema en usar estas dos tomas juntas? De acuerdo. ¿pero se percató del cambio en la posición de su cabello en la frente? 77 . o peor aún. es natural insertar una toma del objeto. o alguien que grita fuera de cámara. porque los espectadores están concentrados en la acción. esto genera una razón para hacer un corte de una persona a la otra. requiere mucho cuidado en los detalles. Parte del arte de actuar es mantener consistencia absoluta en las tomas. se moverá instantáneamente de un lugar a otro al ocurrir el corte. En este caso cada una de las tomas tendrá parte del movimiento. los peinados. ello nos motiva a cortar a lo que sea que llamó la atención del actor. Cuando los cortes y las transiciones tienen una razón derivada del contenido de la producción. con una sola cámara. los accesorios. haciendo la transición más fluida. Si alguien recoge un objeto y lo detalla. sino también los gestos y del nivel de las voces. seguramente se dio cuenta de la obvia desaparición del zarcillo. se puede hacer el corte en medio de la acción. etc. Cuando se editan las dos tomas consecutivamente el objeto desaparecerá. si alguien da un vistazo a un lado durante una escena dramática. vestuario. Al cortar tenga en cuenta la regla de los 30 grados de la que hablamos previamente. o pautas para tener en cuenta. No solo se debe cuidar de la posición relativa de las extremidades. por ejemplo. etc. Si un hombre se levanta de una silla. Al hacer cualquier transición o corte hay un riesgo de interrumpir la concentración de la audiencia y perder la concentración en la historia. Si escuchamos una puerta que se abre. También se debe estar seguro de que nada cambie durante la escena (cabello. muchos de ellos se adaptan para las técnicas de producción estilo cine. Los pequeños saltos de edición son también menos obvios. Cuando una persona deja de hablar y otra comienza. Los directores por lo general dan al editor muchas tomas de la misma escena. Lineamiento # 2: Cuando sea posible corte durante el movimiento del sujeto. Como verá. Es muy fácil que un objeto en el set sea tomado al final de una escena y luego puesto en otro lugar antes de comenzar a rodar la siguiente toma. Si el corte es motivado por la acción. Por ejemplo. Lineamiento # 1: : La edición funciona mejor cuando tiene un motivo. se espera ver lo que produce ese sonido. esa acción desviará la atención del corte. El trabajo del Director de Continuidad es velar porque el vestuario. Fíjese como en estas fotos que del primer plano de la mujer a la toma de situación donde ella continúa su diálogo.conceptos de edición.

probablemente usted evitará ver esa película. Aquellos de nosotros que no han visto antes estas criaturas de espacio querríamos disponer de mucho tiempo para como es realmente su apariencia. ¿Cuánto debe durar una escena? Primero. Lineamiento #4: Corte la escena en el segundo en el que el motivo de la escena ya ha quedado establecido. dramáticos y segmentos de noticias (donde el promedio razonable de duración es entre 5 y siete segundos). restauración o algo por el estilo). o el tema exige tiempo de estudio? No se necesita una toma de quince segundos de la Estatua de la Libertad. Las tomas con información nueva estimulan el interés de la audiencia. Primero. En el campo altamente competitivo del cine y la televisión actuales comandadas por un ritmo rápidos. ¿Cuánto le toma al espectador captar el elemento clave en una escena? ¿Puede ser entendido en un segundo (vea unos cuantos comerciales). Complejidad y familiaridad sobre el tema La duración de la toma está en parte determinada por la complejidad y la familiaridad del tema. En un módulo anterior hablamos del montaje en mosaico. "Lento" es asociado con aburrido. por supuesto que su objetivo sea algún área específica de daño. puedo decir que más del 90 % de los videos de estudiantes son demasiado largos. Obviamente. Por otro lado. una sugerencia personal. aunque la mejor edición del mundo no es capaz de salvar un guión aburrido (y lento) en primera instancia. Desde la perspectiva de quien ha enseñado producción de video por más de dos décadas. lento es algo que no se quiere ser .si se quiere permanecer en el medio.Lineamientos de edición: Parte II En este módulo veremos los últimos lineamientos de edición. Una toma de uno o dos segundos (de 30 a 60 cuadros) sería suficiente para recordarle a los espectadores su simbolismo (a menos. Los alumnos suelen ser escépticos cuando planteo esto hasta que ven ejemplos de comerciales. Con esta técnica las tomas pueden durar solo una fracción de segundo (10 a 15 cuadros). El ritmo de una producción recae principalmente en la edición. piense que el interés de la audiencia decae rápidamente una vez que la información esencial es captada. La mayoría podrían ser más efectivos reduciéndolos al menos en un 50%. Si se le pregunta a alguien que le pareció una película y contesta "Fue un poco lenta". por el hecho de que la hemos visto cientos de veces. esto no 78 . no advertiríamos una toma de uno o dos segundo de un pequeño marciano que acaba de salir de un platillo volador que se encuentra en los jardines de la Casa Blanca.

Al usar imágenes suplementarias fuertes. Varie el ritmo (tempo) Un ritmo rápido constante cansará a la audiencia. Pero la idea en este caso es simplemente comunicar impresiones generales. Para atrapar a la audiencia a lo largo de los comerciales. Si se comienza lento (y aburrido) su audiencia se irá a otra parte. primeros planos que muestran cómo los demás reaccionan a lo que está ocurriendo. Un final fuerte dejará a la audiencia con una sensación positiva hacia el programa o el segmento. Se puede incrementar el ritmo de la producción haciendo cortes veloces en acciones rápidas. Las escenas reposadas en la campiña piden tomas más largas que escenas en el centro de Nueva York a horas picos. Es mejor abrir con una propuesta fuerte de audio o video y luego llenar con información necesaria. el ritmo suele variar al cortar de una historia a la otra. Lineamiento #5: Enfatice el material de apoyo. es la toma de reacción. En el proceso trate de construir gradualmente el interés hasta alcanzar el final. (Recuerde. Si la acción o el contenido llegan al clímax demasiado pronto. Un tipo de toma de recurso valioso. los noticieros regularmente "manipulan" la historias que vendrán en el próximo segmento antes del corte comercial. Howard Hawks. (Lo que ocurre normalmente en las casas. no detalles. el resto de la producción se irá al traste y puede perder a la audiencia. el editor (posiblemente con ayuda de la música) deberá editar los segmentos para crear cambios de ritmo." En las producciones dramáticas el B-roll puede consistir en detalles relevantes (inserciones y tomas de recurso) los cuales agregan interés e información. los directores algunas veces presentan su trabajo a un grupo de público general en sesiones previas en las que hay distracciones leves y consistentes. especialmente en televisión comercial. Esta es una de las razones por la que a los editores le agradan las historias paralelas en los dramáticos.es tiempo suficiente para captar todos los elementos de una escena. tendrá que mantenerlos. El tipo de edición depende del tempo (ritmo) del contenido de la producción. es durante los primeros segundos que los espectadores están más tentados a "saltar de canal" y ver que alternativas se están transmitiendo. Los comerciales con frecuencia utilizan esta técnica para expresar cosas excitantes o "buenos momentos". Existe un patrón general para editar el ritmo en las producciones ? un patrón que incluye variantes regulares en el ritmo. se incrementa la cantidad de información expresada en un 79 . Si el contenido de la producción no tiene un cambio natural de tempo. Pero una vez que los tenga." En la producción de video esto es llamado comúnmente "imágenes B-roll o tomas de apoyo. dijo: "una gran película se hace con tomas de recurso e inserciones. Para poner a prueba sus producciones. especialmente en las producciones dramáticas.) Entonces observan las reacciones del público a lo largo de la producción para determinar cuándo decae la atención.) Ya que la presentación es tan importante. un ritmo lento constante la llevará a buscar algo más atractivo en otro canal. La manera de comenzar es crítica. los programas de televisión suelen mostrar los puntos más fuertes del programa que esta por comenzar. Trate de comenzar con segmentos fuertes (un gancho) que atraparán inmediatamente el interés de la audiencia. un eminente cineasta americano.

solo tuvo éxito es desviar la atención lejos de lo que debió ser el mensaje central. Dada la escasez de máquinas de movimiento perpetuo. omítala. Por ejemplo. 80 .intervalo específico. desearemos observar su creación tan detalladamente como sea posible -. Él trata de hacer su mensaje tan absorbente. ¡omítalo! Producción con una sola cámara Por más de un siglo "Hollywood" ha hecho ver el trabajo de una sola cámara como si estuvieran varias simultáneamente en escena. Tratando de agregar interés a la producción el director. El A-roll (material principal) en noticias y entrevistas consiste por lo general en tomas bastante estáticas de una "persona hablando". En este caso el material de apoyo consiste en escenas que apoyen. Al incluirla se detendrá el desarrollo de la historia y puede incluso confundirse con el objetivo de la producción y desviarse del mensaje central. dramático e inspirado como sea posible.e incluso el taller donde la construyó. Las tomas de recurso inapropiadas pueden distraer al espectador del propósito central. Así. la audiencia televisiva estaba conversando sobre. es un poco de magia. Más información en un tiempo más corto nos lleva a un incremento aparente del ritmo. que en vez de dejarse envolver por el mensaje. una toma de recurso o un segmento agregue algo significativo a su mensaje central. a menos que una inserción. Pero durante el mensaje el director vio espacio para incluir tomas de niños inquietos. parejas tomadas de manos y otras cosas "interesantes" que ocurrían en la audiencia. Por ejemplo. Así que. en este caso. omítalo. o al menos pensando en "esa linda niña sobre los hombros de su padre" o cualquier otra cosa. Debe haber un lugar y un tiempo para estas tomas de recurso.) Lineamiento #6: El último lineamiento es: Si tiene dudas. Como muchas cosas en el cine. Si una escena realmente no agrega información necesaria. pero no en los momentos más dramáticos e inspirados del mensaje del evangelista. el material de apoyo será más importante que el material principal de una persona hablando.(Después de unos segundos habremos visto como es la apariencia del inventor y no tendrá mucho provecho mantener la toma de él hablando. acentúen o de alguna manera reconstruyan visualmente lo que se está diciendo. un evangelista de televisión paga miles de dólares para comprar tiempo de cable. al hacer una entrevista con un inventor que ha perfeccionado una máquina de movimiento perpetuo.

En cambio. Pero. Para más diferencias entre cine y video haz click aquí. da la oportunidad de lograr la máxima calidad técnica y artística. Muy diferentes.suficiente tiempo para reflexionar. cada escena y ángulo de la cámara es preparado y ensayado hasta que el director esté completamente satisfecho. lo que empezó como una limitación para el cine se convirtió en una ventaja creativa. Aunque es un proceso que consume mucho tiempo. segundo a segundo. experimentar y reconsiderar antes de tomar las decisiones definitivas. dando la apariencia de una sola secuencia de acción continua fotografiada desde varios ángulos. En el cine. y quizá hasta actuar toda la producción sin pausas. los directores de cine no tenían opción. el "look cinematográfico" es superior a lo que normalmente se ve en video. etc. el maquillaje. directores de iluminación. las decisiones de edición suelen extenderse por semanas o meses -. técnicos de sonido. Con el cine. las escenas se toman desde diferentes ángulos y a diferentes distancias. tienen que funcionar para planos enteros y close-ups. las decisiones de edición en vivo o en video (liveONtape) se hacen en tiempo real. solo tienen que concentrarse en una escena a la vez. los actores tienen que memorizar las líneas de una producción completa. el audio. Pocas veces hay oportunidad de volver atrás. La diferencia es principalmente la manera cómo se hace un filme. Los actores.. El trabajo del editor unir las diversas tomas y escenas. y para diversos ángulos de cámara. Para mucha gente. algunas escenas de filmes han sido tomadas más de cien veces hasta satisfacer al director. repensar y revisar. En la producción cinematográfica.) Aunque no es un práctica admirable. una ventaja que las producciones de video con varias cámaras no comparten. pueden ser necesarias muchas tomas antes de que el director sienta que tiene la mejor posible. que la mejor iluminación está limitada a un ángulo de cámara. etc. Las escenas y personas que serán tomadas e iluminadas desde tres o cuatro ángulos a la vez (como se hace comúnmente en producciones de video) se verán inevitablemente comprometidas en el proceso. Producción dramática al estilo cine Aunque las producciones de video de una sola cámara se han usado en noticias y documentales 81 . y los editores pueden subsecuentemente escoger entre bastantes tomas. Recordará de los módulos de iluminación.Al principio. en los típicos dramas en video. En la producción estilo cine. no había manera de sincronizar múltiples cámaras. La iluminación. (Una toma es un segmento corto de la acción.

y y y Como un ejemplo dramatizado. y las del primer encuentro romántico de la pareja. Pero. (asumiremos que los dueños no gastaron mucho dinero en redecorar). (La secuencia se determina durante la edición. no es una linda escena. tomadas lo más próximas en el tiempo. para las películas hechas-para-televisión la cinta es inmediatamente transferida a video después del revelado. y todo el subsecuente trabajo de postproducción es hecho con la versión en video. termina asesinando a su pareja. etc. mientras montan las luces. esto sin duda cambiará. uno de los esposos descubre que el otro tuvo otra cita romántica allí. En un intento de comenzar de nuevo. el mismo día (podrás apreciar mejor el reto que tienen los actores). se enamora. Desafortunadamente. En la versión final del filme. Además. etc. lentes. Todas la tomas que incluyan personal de producción específico deben ser grabadas en una misma sesión. Todas las tomas que requieran equipo de producción especializado. su uso en producciones dramáticas ha sido limitado. Una de estas. Con la HDTV/DTV (TV de alta definición) y sus ventajas sobre el cine en post-producción y efectos especiales. En orden de importancia. pero funciona para este ejemplo. será mucho más eficiente si todas las escenas del motel son tomadas al mismo tiempo. en lo posible. La toma maestra (master shot) Cuando se hace video dramático con una sola cámara. debe considerarse lo siguiente cuando se planee realizar la secuencia de rodaje en una producción de una sola cámara: y Todas las tomas que involucren talento/actores específicos (empezando por el mejor pagado) deben ser. contrae matrimonio y después de 20 años de casados comienzan a pelearse. generadores. hasta que en un acto de rabia. Aún hoy. (De acuerdo. el maquillaje es bastante bueno para este tipo de cosas. como por ejemplo cámaras especiales. se aplican muchas convenciones del cine. El mayor reto será envejecer adecuadamente a los actores. Una de las ventajas de la producción de una sola cámara es que las escenas no tienen que ser tomadas en secuencia. estas escenas estarán separadas por otros elementos de la historia. deben ser realizadas al tiempo. los equipos de sonido.) Para lograr mayor eficiencia en la filmación. es recomendable grabar las escenas de las peleas y discusiones en el mismo cuarto de hotel. y comienzan a discutir de nuevo. puedes hacer tomas del affair que tuvo lugar en esa habitación. No hay que preocuparse.por años. sin tomar en cuenta la secuencia del guión. La totalidad de las tomas en una locación deben ser grabadas de una sola vez.) Pocas veces la secuencia cronológica del guión es la más eficiente secuencia de rodaje. el mobiliario. consideremos la siguiente escena. excepto por el envejecimiento de las paredes. Los cambios en la habitación del motel serán mínimos. Una pareja se conoce. etc. como verás. micrófonos. es el uso del "cover shot" (llamado "master shot" en el cine) el cual es un plano de 82 . deciden regresar al hotel donde pasaron su primera noche juntos.

Una vez que esta toma está lista. Y luego usarlo en cualquier momento que necesitemos reestablecer la escena. Como ejemplo de la escena que hemos estado discutiendo. (se le llama toma de re-establecimiento). un micrófono direccional es reposicionado para cada ángulo de cámara y el micrófono funciona bien para una sola persona. veamos una posibilidad. el master shot. incluyendo entradas y salidas de actores. el master o cover shot es usado para: y y y y Mostrar cambios grandes en los elementos básicos de la escena o centro de interés. En video dramático y producción cinematográfica muchos directores comenzan por hacer una toma de principio a fin de la escena desde la perspectiva del master shot. Oara esto. Más específicamente. lo que significa que podemos utilizar el audio de esa manera para cualquier ángulo de la cámara. Podemos usar este plano como master o plano de establecimiento. Abarcar movimientos considerables del talento. consideremos la escena del restaurante donde el hombre del matrimonio en problemas le pide matrimonio a la mujer. Algunos directores graban o filman las escenas al contrario: close ups y planos medios primero y luego. si escondemos el micrófono en las flores que están en la mesa. Normalmente. los actores repiten de nuevo todo su diálogo. podemos hacer planos sobre el hombro o close ups. Este es un buen momento para hacer notar que algunos términos pueden tener diferentes significados en cine y video. Los actores deben tener en cuenta que deben hacer los mismos movomientos de la misma 83 . Las posiciones de tre cámaras son en realidad una cámara que se mueve a cada posición. Como nota complementaria en esta bastante simplificada escena. hacemos una toma de la escena completa desde la posición #2. Esta toma es útil para mostrar al espectador la geografía general de la escena y para conectar los saltos de continuidad durante la edición. El siguiente paso. la serie de puestas en escena y cambios técnicos es comúnmente llamada coverage. hacemos una toma del diálogo entero de la escena con la cámara en la posición #1. Periódicamente recuerda al espectador la geografía de la escena. Acomodar la cámara en diferentes ángulos y distancias a menudo requiere cambios en la iluminación. Aunque los directing approaches podrían variar.conjunto que muestra la escena completa o área de actuación. Cuando es necesario durante la edición para cubrir momentáneamente la acción y no hay un buen close up o plano medio disponibles. la posición de los micrófonos y a veces hasta maquillaje. el director reposiciona la cámara para los planos medios y close ups de los diversos actores. así que no te sorprendas de ver algunos de estos términos usados de maneras diferentes. cubrir malas tomas en las otras posiciones de cámara o simplemente introducir variedad visual. De cualquier manera que lo hagas. Finalmente hacemos lo mismo con la cámara en la posición #3. Primero. Desde allí. nuestro audio será consistente en cada toma.

4. como personalidad frente a la cámara. Entre más conocimiento se tenga sobre el medio (y de las cosas presentadas en estos módulos) se podrán desarrollar propuestas más interesantes y creativas. como productor-director de miles de horas de programación (muchas en vivo) y como docente universitario. Si me permiten hablar de mi propia experiencia por un momento. ¿Que hizo la diferencia?. hacer con gusto nuestras tareas individuales y saber aceptar sugerencias o criticas de otros. hablamos de ver las cosas de nuevas maneras y tratar de dar a la audiencia novedosas experiencias desde perspectivas más frescas. 1. Esto provoca que para puestos 84 .Desarrollo Profesional Formar una carrera profesional en un campo tan competitivo como la televisión requiere de talento. auto confianza y un poco de suerte. Este tipo de motivación debe ser consistente. los individuos que no puedan manejar el estrés laboral están en el giro equivocado. En esta sección revisaremos que se necesita para prospectar una carrera exitosa. Motivación En un campo tan competido debes realmente desear el éxito. Casi siempre se trabaja sobre presión en la producción de TV. Otros han encontrado el camino más difícil y han decidido abandonar su sueño y encontrar otro trabajo. Voluntad para sacrificarse por sus metas En campos altamente competitivos la cantidad de solicitantes excede las ofertas de trabajo. Dentro de esta categoría esta incluida la actitud. persistencia. estudio. que puedan sacar el máximo provecho de la tecnología y que sean capaces de entender el significado de "haz que funcione". 2. no por temporadas. dedicación. probablemente ocho cosas. he estado involucrado en el campo de la televisión por varias décadas. Personalidad En primer lugar. aquí no se admiten debilidades. Dentro de esta ultima actividad he visto algunos de mis estudiantes abrirse paso par convertirse en productores de TV y películas. 3. 5. debido a que la televisión es una labor en conjunto. Creatividad Aunque hemos tratado de definir este concepto por siglos. Se debe tener la capacidad de dar y aceptar ordenes como parte de la dinámica del trabajo en equipo. Conocimiento y habilidad Productores y directores están en la constante búsqueda de individuos que puedan resolver los problemas por sí mismos. requiere la habilidad de poder trabajar en equipo con otras personas para lograr metas profesionales.

7. Actualización constante Pudiéramos pensar que al salir de la escuela tenemos todos lo conocimientos necesarios para triunfar en la vida profesional. Un noticiero que termina un minuto después del tiempo aire asignado es considerado como un grave error de producción debido a que provoca gastos adicionales. 6. etc. la recompensa financiera puede irse incrementando considerablemente. Y para aquellos cuyas habilidades puedan ser muy cotizadas. En el ramo periodístico puedes ser solicitado en cualquier momento y a cualquier hora del día . Existe mucha inestabilidad en este campo. Muchos directores han visto las pantallas irse a negro cuando se termina el tiempo aire designado. Aunque la educación formal puedes ser útil para entrar en el medio. Pero.iniciales los salarios sean muy bajos. 8. escritores y directores exitosos tienen la habilidad de organizar y visualizar sus ideas. Aquellos que tienen claros sus objetivos pueden terminar trabajando en un oficio que es excitante y satisfactorio. La habilidad de escribir y comunicar bien esta directamente relacionada con el éxito. y la dedicación que se requiere puede robar muchas horas de vida social y matrimonio. En la producción documental puede ser que se requiera estar lejos de casa por días o semanas. la mayoría de los estudiantes están de acuerdo en que el momento cuando comienzan realmente a 85 . scripts e instrucciones al elenco y el staff. a destiempo deben ser autorizados por el director de la estación. Aunque en la televisión la carga visual es mayor. Para muchas personas hacer algo que disfrutemos durante el resto de nuestras vidas es más importante que hacer dinero en un trabajo aburrido y tedioso. repetición de segmentos. si tu principal objetivo es estar en un predecible y estable trabajo de 9 a 5. existen muchos mensajes hablados. si se pretende terminar el mensaje completo uno debe ajustarse con exactitud a los tiempos designados. Tenemos que comunicar claramente las ideas en forma de propuestas. desgraciadamente esto no es cierto. Aptitudes para realizar mensajes audiovisuales Los productores. la televisión no es tu mejor opción. Capacidad de establecer y cumplir tiempos de entrega Si no se tiene la capacidad de cumplir un trabajo en el tiempo comprometido. Para evitar costosos gastos extra de producción los ingenieros tienen instrucciones de cortar la señal en el momento preciso de acuerdo a la pauta. Inicios tardíos. difícilmente se presentarán próximas oportunidades.

Dependiendo de cada estación (y las regulaciones de los sindicatos) a veces es posible iniciar trabajando detrás de las cámaras y terminar trabajando delante de ellas. La broma acerca de que los mejores empiezan desde abajo tiene mucho de cierto. constantemente están leyendo sobre los últimos acontecimientos. esto se presenta ocasionalmente en estaciones pequeñas. Aún las estaciones locales pequeñas que pagan bajos salarios reciben un gran numero de aplicaciones de gente que quiere formar experiencia para poder ir escalando lugares en el campo en el transcurso de los años. Y cuando se trata de periodistas los mejores son adictos a la información. Y no termina aquí. A Cámara vs. los medios electrónicos evolucionan muy rápidamente. La mayoría de las oportunidades de trabajo frente a la cámara se encuentran en el periodismo. Esto significa que el trabajo como talento es extremadamente competitivo y más difícil de conseguir que los puestos de producción (detrás de cámara). Muchas de las personas que han efectuado esta transición lo han hecho cuando alguna persona del reparto falta o se enferma repentinamente. Es común para un director de noticias recibir mas de 100 solicitudes por día cuando se solicita una persona como anfitrión de noticiero. Con un poco de experiencia en el medio se puede obtener un empleo mal pagado. En ocasiones es necesario mantenerse con alguna otra fuente de trabajo 86 .aprender sobre la profesión es cuando se enfrentan cara a cara con las experiencias de trabajo. Si se cuenta con las características necesarias (enumeradas en este módulo) se puede aspirar a emprender una carrera en el medio. Las cosas son un poco más fáciles para quienes están detrás de la cámara. Detrás de la Cámara Parece que la mayoría de los estudiantes que se interesan en el campo de la televisión prefieren estar frente a la cámara. Aún cuando no existe el requerimiento las solicitudes llegan diariamente. especialmente para aquellos con experiencia. Pero cualquiera que sea tu meta en la vida siempre es recomendable tener un "Plan B". La mayoría de los solicitantes tienen un grado profesional de estudios y alguna experiencia en periodismo. la necesidad de mantenerse actualizado ante los últimos adelantos tecnológicos es una disciplina necesaria para el desarrollo profesional y el nivel competitivo de cada individuo. En otras palabras lo mejor es prepararse para afrontar diferentes campos de trabajo. Mantenerse a la vanguardia en los conocimientos necesarios para el desarrollo de tu profesión debe ser una de tus metas de vida. sin embargo el mayor número de oportunidades de trabajo están detrás de la cámara.

) Hoy en día la mayoría de los altos ejecutivos de las estaciones de televisión tienen estudios a nivel maestría. (Aquí puedes encontrar útil información sobre estudios profesionales) Broadcast Education Association Web Page. 87 . Si tu objetivo es llegar a estar involucrado en funciones de producción es conveniente considerar estudios en administración. etc. La sicología puede también ser útil en esta área. Aunque algunas personas exitosas en el medio claman que lo lograron sin estudio profesional. transmisión masiva.mientras la gran oportunidad llega. Esta segunda opción debe ser considerada desde el momento en que decidas tu vocación. También existe la posibilidad de considerar opciones como ciencias políticas o sociología te encuentras interesado en trabajar en noticieros. Este "Plan B" tal vez no sea un trabajo en televisión (mencionamos algunos en el módulo anterior). Aunque es común iniciarse desde abajo con funciones básicas las posibilidades de desarrollo especialmente para funciones directivas son limitadas. Actualmente las compañías tienen generaciones completas de recién egresados para seleccionar . o tal vez no tenga que ver absolutamente nada con el video (y probablemente este mejor pagado). Preparación académica Sin una adecuada preparación académica las posibilidades de desarrollarse en el ámbito dela televisión son limitadas. ¿En que debes especializarte? Ciertamente es mejor estudiar una especialidad que se aplique directamente a tus aspiraciones profesionales: Telecomunicaciones. especializarse en el campo demuestra la intención de algún día ingresar a la profesión y no una simple decisión de último momento. Un estudio reciente demostró que la mayoría de los estudiantes (94%) decide especializarse en periodismo para televisión. tenemos que tomar en cuenta que hace una década o dos era más fácil entrar en un medio que apenas comenzaba. producción. Aunque el porcentaje es menor en otras áreas de la TV. periodismo.

Las estadísticas indican que la relación aumenta con cada año que pasa. Columbia University. New York (Medill) 6. Probablemente no te agrade escuchar esto si todavía estas batallando para terminar la preparatoria. en orden de importancia son las siguientes: 1. University of Texas.000 $27. Grado de estudios Sin diploma de High School Diploma de High School Grado profesional Grado de especialización Ingreso anual promedio $18. Temple University. Estos datos corresponden a datos tomados en los Estados Unidos. University of Wisconsin. Gainesville 3. Ohio University (Scripps) 9. Educación en pesos y centavos Siempre ha existido un relación entre la preparación y el éxito financiero en el desarrollo profesional. University of Florida. Pennsylvania 13.000 $70. casi cuatro veces más de lo que ganan los que no terminaron sus estudios. Durante una larga vida profesional este tipo de ingresos puede llegar a tener ganancias ¡arriba de los dos millones de dólares! Algunos años atrás Us News and Worl Report elaboró un listado de las principales universidades que tienen egresados trabajando en el medio. University of Georgia 12.000 $45.000 Podemos notar que los individuos con mayor grado de estudios pueden lograr mayores ingresos. Carbondale 13. Syracuse University in New York (Newhouse School of Communication) 2. (tied) University of Alabama. Indiana State University (Cronkite) 7. Northwestern University. Columbia 4. Austin 5. University of Missouri. University of Southern California 11. New York 8.Las estadísticas nos demuestran que las probabilidades de desarrollo profesional son mejores para aquellos que deciden efectuar una especialización (ver la tabla de abajo). Tuscaloosa Aún el grado menor de estudios en estas universidades representa una buena 88 . Southern Illinois University. Madison 10.

El escaneo de curriculums por computadora se ha convertido en una práctica común. Además las prácticas profesionales son una excelente fuente de contactos con el medio. Debido a que la capacitación implica costos para las empresas. Tips en la preparación de curriculums que serán escaneados en computadora explica este concepto. Este link habla de algunos detalles al respecto. Se necesitan ventajas como el haber realizado prácticas profesionales y presentar un curriculum impresionante. las prácticas profesionales pueden ser la parte más importante de tu curriculum. Prácticas Profesionales Además de la experiencia profesional real. Procura siempre mantenerte en contacto con la gente que conoces en el trabajo.oportunidad para lograr ingrerar al medio. Revisemos algunas consideraciones sobre el curriculum. Sin ahondar en detalles de ortografía impecable. Una de las mejores maneras de continuar este contacto es mantener una dirección electrónica permanente. Las empresas de telecomunicaciones también contratan egresados con estudios avanzados como MBA (maestría en negocios) o grados de especialización en legislación de telecomunicaciones. la experiencia esta cotizada como la máxima de las cualidades. y solo uno de ellos obtendrá la plaza. No hay que olvidar que obtener tu primer trabajo probablemente sea el más difícil ya que la mayoría de las personas que obtienen contrataciones vienen de otras estaciones de TV (y poseen ese valioso factor llamado "experiencia") Curriculum Para cada oportunidad de trabajo generalmente habrá un número de candidatos interesados. No todos somos lo suficientemente afortunados para haber pasado el verano trabajando en una estación de televisión. Esto puede trabajar a tu ventaja si comprendes el proceso. El artículo. capacidad sintética redacción y otros digamos que tu curriculum tiene que ser lo suficientemente bueno como para resaltar entre los otros candidatos y logres ser citado a una entrevista. pero para aquellos que lograron algún tipo de acercamiento con el medio las 89 . es más fácil enterarse de oportunidades de trabajo por este medio que a través de publicaciones o Internet. La preparación para lograr ingresar a tu primer trabajo debe comenzar mucho antes de la entrevista. Esta práctica sugiere que se a tenido una relación seria con el medio y ayudará a que la transición entre la escuela y el mundo profesional será mucho más fácil. Cuando apliques a una solicitud de trabajo estarás probablemente representado solamente por una carta de aplicación y un curriculum.

la mayoría de las compañías solicitarán un demo o portafolio con muestras de lo que sabes hacer. whose work includes more than 70 narrative and feature films. especialmente si eres recién egresado. Asegúrate de conservar los trabajos que realizaste durante tus estudios. Además proveerá al interesado en contratarte con referencias reales.probabilidades de trabajo aumentan. Demostrar que se tiene la capacidad de realizar una labor profesional implica que ya se ha aprendido algo sobre responsabilidad y cumplimiento.comienza con creer en ti mismo aún cuando las circunstancias parecen imposibles.. Trata de estudiar los requerimientos y características de la estación a la que estas aplicando y si es posible trata de aproximarte con solo lo estrictamente necesario para obtener el trabajo. (Después habrá tiempo de mostrar todos tus trabajos cuando seas un verdadero profesional) Es preferible que tu demo/curriculum haga referencia directamente al trabajo que pretendes. A menos que puedas atiborrar el curriculum con experiencia profesional no menosprecies otros trabajos aunque no se encuentren relacionados con el campo. si no puedes afrontarlo trata de encontrar entre tus amistades alguna PC con facultades de edición que pueda ayudarte lograr el trabajo. En la mayoría de las áreas relacionadas con TV. 90 . También debes hacerte a la idea de ser un estudiante por el resto de tu vida. Cuando listes tu experiencia no olvides mencionar los logros que hayas tenido en la escuela. Idealmente trata de iniciar fuerte y terminar fuerte y que no dure más de 5 o 10 minutos. clima. conductor o probablemente una combinación de alguna de estas.. reportero. premios y labores que consideres valiosas de resaltar y que pueden hacer la diferencia entre los demás aplicantes. [Un futuro exitoso] . cuando una persona tiene que revisar cientos de cintas probablemente no se tome la molestia de verlas completas. ya sea deportes. programas. La renta de equipo de edición para armar tu demo puede ser demasiado costosa. recipient of the American Society of Cinematographers' 2002 Lifetime Achievement Award. Cuando desarrolles tu demo no dejes lo mejor al final." -Lazlo Kovacs.

Algunas estadísticas de empleadores han demostrado que si estos detectan algún nerviosismo durante la entrevista prefieren rechazar a los candidatos. Investigando en Internet se pueden encontrar nombres de gerentes de recursos humanos o cabezas de departamentos. recuerda los siguientes cinco consejos y tómalos en cuenta 91 . si es posible dirige tu solicitud a una persona específica con nombre y título. Aprende a manejar el rechazo sin decepción. puedes utilizar el método de "escopeta" enviando curriculums a una selección de estaciones de TV y casas productoras. Trata de averiguar toda la información posible sobre la compañía. Aunque no muchos contesten tu solicitud (por que están muy ocupados) puede que conserven tu curriculum en un archivo y recibas una buena sorpresa pasado algún tiempo. esto aumenta tus oportunidades y tarde o temprano serás la persona correcta en el lugar y el tiempo indicado. En un campo competitivo como la televisión existe una gran demanda de aplicantes como para tomar riesgos innecesarios. Aunque esto puede considerarse como "mala suerte" necesitas tener en cuenta que la mayoría de las compañías buscan cualquier debilidad para evitar cualquier problema inherente con el despido de empleados prefieren aplicar la norma siguiente "si existe la mejor duda. El proceso de búsqueda de empleo puede llevarse algún tiempo. La escuela en que estudiaste también puede ofrecer algún tipo de servicio de empleo. Mantén siempre el optimismo y el buen ánimo y continua persiguiendo todas las posibilidades que se presenten. También existen agencias de empleo dedicadas a medios pero asegúrate de tener alguna referencia antes de invertir dinero. Cuando las opciones principales se terminan.Buscando trabajo en los lugares correctos CyberCollege y el InternetCampus tienen ligas hacia servicios de anuncios de empleo. si es posible platica con empleados de la misma área que pretendes. Dominando la entrevista personal Si eres solicitado para una entrevista asegúrate de prepararte antes de ir. mejor NO!. Se ha dicho suficiente. Las grandes corporaciones de medios publican mensualmente boletines de oportunidades. Muchas publicaciones dedicadas para televisoras como Broadcasting y Cable Magazine regularmente tienen anuncios clasificados sobre empleos.

Los cinco factores de rechazo 1. Desafortunadamente algunas personas solo detectan sus problemas hasta que son repetidamente rechazados de varios trabajos o cuando no logran un ascenso después de mucho tiempo de trabajo. ausencias y problemas generales durante el trabajo.Este factor aparece como el segundo de los 7 criterios para tener éxito que aparecen al inicio de este módulo.cuando vayas a una entrevista. Este rubro se refiere de manera general al cuidado que tenemos de nuestra imagen personal y observar ciertas reglas cívicas y de convivencia en nuestro espacio de trabajo Algo que no hemos mencionado y que definitivamente representa un factor decisivo para conservar el trabajo es el abuso de substancias (principalmente alcohol y drogas). o simplemente son incapaces de escuchar con atención y comprender algún tipo de instrucción. Falta de compromiso y formalidad . Necesidad de supervisión constante . poder trabajar en equipo con otras personas y que tan capaces somos de recibir ordenes y aceptar críticas y sugerencias. 5. 3.Se ha detectado que comúnmente los nuevos empleados tienen dificultades para seguir instrucciones. Malos hábitos personales y de trabajo. Incapacidad de seguir instrucciones . 92 . 2. Alguna vez este habito puede representar la diferencia de elección entre dos posibles candidatos.Es común que algunos nuevos empleados.Otro punto importantes son aquellas personas que se mantienen esperando a que alguien les diga que y como tiene que hacer. Ambas están claramente vinculadas con accidentes. Algunas compañías también están conscientes de que fumar esta relacionado con problemas generales de salud y eficiencia disminuida. carecen de iniciativa (deducir que se requiere y hacerlo antes de que alguien lo ordene) 4. Problemas de actitud . la mayoría de las veces prefieren (normalmente por desconocer los métodos correctos) hacer las cosas "a su manera". No es de extrañarse que las promociones y el desarrollo profesional este relacionado también a estos factores. Hablamos de tener una actitud positiva que nos permita disfrutar lo que hacemos. especialmente aquellos incapaces de mantener el empleo por mucho tiempo no aprecian la importancia de hacer las cosas bien (a la primera) y en tiempo.

hombres y mujeres que han demostrado que poseen lo necesario para abrirse camino en una profesión competitiva.Cuando seas capaz de ingresar en el medio profesional podrás darte cuenta de que aquí hay otros como tu. remunerativa y sobre todo excitante. 93 .