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Informalismoen ArgentinaporJorge López Anaya Agosto de 2003

El informalismo argentino incorporó a las prácticas artísticas locales, procedimientos reñidos con el “buen gusto”. Basado en las poéticas existenciales, a través de la espontaneidad gestual y el empleo de materiales de desecho, violentó los límites de los géneros artísticos tradicionales y abrió el camino al objeto, las instalaciones y al arte de acción.

Sobre el informalismo
definiciones incapacidad de abarcar el fenómeno en su totalidad. El término “informalismo” fue utilizado por el crítico Michel Tapié (Albi, 1909 - París, 1987); surgió del título de la muestra Signifiants de l’Informel, realizada en el estudio Fachetti (París) en noviembre de 1951, con obras de Fautrier, Dubuffet, Michaux, Mathieu, Riopelle y Serpan. Poco después Tapié publicó el libro Un art autre (Un arte distinto). Su concepción del arte autre era la de una manifestación que partía de cero, en oposición al academicismo abstracto y en favor de un arte donde “la expresión sólo ordena romper con los problemas plásticos, para refugiarse en el “hacer” sin control, en la espontaneidad total. En 1954 apareció, en el contexto de la crítica francesa, el término tachisme (manchismo), action painting, propuesta por Harold Rosenberg en 1952- arte norteamericano fundado en la violencia expresiva de la ejecución material. Abstracción lírica, tachismo, pintura sígnica, pintura gestual, pintura matérica, eran propuestas que reflejaban la filosofía de la época (existencialismo sartreano y fenomenología de Merleau-Ponty), a través del compromiso del cuerpo con la acción pictórica. una pintura que no parecía admitir límites nacionales y sólo recogía algunas características propias de las tradiciones locales.

Siete pintores abstractos
octubre 1957 Galería Pizarro, grupo Siete pintores abstractos. (Osvaldo Borda, Víctor Chab, Josefina Miguens, (luego firmó Josefina Robirosa), Rómulo Macció, Martha Peluffo, Kazuya Sakai y Clorindo Testa). abstracción “cálida oposición a la abstracción geométrica o “fría”, y valoración de la expresión espontánea y de la gestualidad inmediata, pero contenida. colectivo Siete pintores abstractos continuó, desde 1958, ligada a la revista Boa, fundada y dirigida por el poeta y crítico de arte Julio Llinás, La revista sirvió como catálogo de la segunda exposición del grupo.

Qué cosa es el coso
1957, un pequeño grupo de artistas jóvenes - ruptura con el formalismo siguiendo las huellas del art brut, de dadá, de Duchamp,. En 1956, Jorge López Anaya, Jorge Martin y Mario Valencia (hoy conocidos como grupo de San Isidro despreciaban todas las convenciones y las lecciones de la “buena pintura”. bautizar sus producciones como cosos, marcaba con nitidez la distancia que querían poner frente a las derivaciones más o menos convencionales de la abstracción geométrica o lírica.

Movimiento informalista
abril de 1958 Galería Pizarro, el IV Salón de la Asociación Arte Nuevo. una obra basada en el uso de materiales heteróclitos y pobres, en restos, en andrajos de trapos sucios, manchados y caducos. Kenneth Kemble era el autor de ese insólito collage . Kemble presentó dos collages para la exhibición. La vulgaridad de los materiales, su fealdad y degradación, produjeron una evidente molestia entre los organizadores de la muestra, aún cuando una de las características de la Asociación era la ausencia de todo juzgamiento de las obras previo a su exposición. creían conveniente que modificara su envío, porque los collages no se integraban en el contexto general de la muestra. Ante la negativa de Kemble, decidieron exponer un solo trabajo. artistas que adscribían al informalismo participaron en muestras individuales o colectivas: la adhesión a la dirección informalista fue rápida y sin mayores transiciones. El 13 de julio de 1959 se realizó, en la Galería Van Riel, la primera exposición del Movimiento informal, que integraban Enrique Barilari, Alberto Greco, Kenneth Kemble,Olga López, Fernando Maza, Mario Pucciarelli, Towas y Luis Alberto Wells. Predominaban en sus obras la materia, las texturas complejas, los grumos y las mixturas. En otros casos, todo estaba fundado en el signo o el gesto.

En pocos meses, esos jóvenes artistas intercambiaron conocimientos. Discutieron mucho y realizaron experiencias colectivas La exposición fue recibida con desconfianza por el público y por la crítica. y última muestra del grupo, organizada por el Museo de Arte Moderno, que se presentó, en noviembre del mismo año, en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori. En esta oportunidad, se sumó al colectivo el fotógrafo Jorge Roiger. Rafael Squirru prologó el catálogo con un texto en el cual cita el zen, el budismo, a Kant, a Ko-ji-sei y al escritor argentino Federico González Frías.

generalmente de rechazo e indignación. La nómina de objetos exhibidos abarcaba otros artefactos igualmente destruidos por accidentes o por la acción de los artistas ( escrito en “lengua destructivista”.. Ninguna de las piezas exhibidas poseía identificación alguna del autor. de objetos no artísticos cargados de significación por el contexto. Silvia Torras y Luis Wells. luego de la muestra ¿Qué cosa es el coso? (1957). se habían transformado en irónicas “obras”. pero rica en sugerencias”. un grupo integrado por Kenneth Kemble. mientras que otros sólo enviaron documentación acerca de sus trabajos en el campo de la destrucción en el arte. La sala de exposiciones había cambiado su aspecto habitual. irritantes. Luis Alberto Wells asistió en representación del grupo. apuntaba Kemble. Era una exposición de carácter experimental. El de derivar emociones. en el Africa Centre. semidestruidos. la posibilidad del rescate de nuestra propia personalidad a través de la investigación libre de todo canon preestablecido. esta agresividad. Jorge Roiger. extrañas voces que recitaban textos sin sentido y sonidos supuestamente musicales. placer o satisfacción de la destrucción. en una experiencia artísticamente inofensiva”. El 20 de noviembre de 1961. Lucio Fontana asistió al encuentro. más extensas que las de la construcción son las leyes de la destrucción. de la “primera presentación. reprimida en la mayoría de los casos pero siempre pronta a explotar nocivamente. su hilo conductor era el del desastre. Era clara la referencia humorística a Manuel Mujica Láinez. no hubo más limitaciones del ‘buen gusto’. Olga López. satisfacción.Arte destructivo El informalismo. DIAS (Simposio sobre la destrucción en el arte). . fue una puerta abierta hacia las “tierras prohibidas” incitaron a la rebelión y plantearon miríadas de soluciones de apertura.: “Más profundas. al final del pasillo que la unía con la librería. en la Argentina. Dos años más tarde. del romper. también existe en él. muy numeroso. Gustav Metzger y John Scharkey organizaron elDestruction in Art Symposium. bien claramente. Metzger reunió las diversas experiencias ligadas a la destrucción en el arte. La crítica hablaba de “un basural artísticamente montado”. cinco años después de la muestra de Arte Destructivo de Buenos Aires. Kemble escribió en el texto del catálogo de la muestra: “Se me ocurrió que sería interesante canalizar esta tendencia destructiva del hombre. crítico de arte del diario LaNación. presentaron en la Galería Lirolay la insólita e inesperada exposición Arte Destructivo. Entre los que presentaron documentos estaba el grupo de Arte destructivo. placer. provenientes del interior. A partir de entonces. un ensayo. Jorge López Anaya. caduco por impuesto”. Era la primera sugerencia sobre el proceso creativo que puede lograrse a través de un mecanismo mental manejable a nivel consciente. dentro de las cuales todo era posible. Arte destructivo fue “una experiencia limitada en su logro. se realizó la manifestación colectiva Destruction ArtDestroy to Create(Arte de destrucción-destruir para crear) en el Museo del Finch College de Nueva York. Antonio Seguí. Nada se puede construir sin una etapa previa de destrucción. en Nueva York.. la inversión en este caso. el polo opuesto. en un simposio internacional. Asistieron más de cuarenta artistas. en una de sus últimas presentaciones públicas. de las actividades constructivas y creadoras. quemar o descomponer y de la contemplación de tales actividades”. mostraba las más variadas reacciones. exasperantes. El público. apenas iluminada. La experiencia de Arte destructivo estaba ligada a cierta sensación colectiva. multicultural y multidisciplinario.. menos de arte que de antiarte. Aldo Pellegrini. creadas por los expositores. de Londres. un heterogéneo conjunto de objetos encontrados. apoderarse de objetos preexistentes con el fin de “proyectar (los deseos destructivos) en ellos y revelarse por su mediación”. El conjunto ofrecía una significación opuesta a toda ilusión placentera o agradable. En la muestra de Arte Destructivo se había prestado especial atención al conjunto de experiencias sonoras. Se trataba. Enrique Barilari. todo estaba cuidadosamente oculto en la acción colectiva. que presentó fotografías y cintas grabadas. de todo código.: “así como el hombre deriva emociones intensas. Proponía. Las escasas adhesiones provenían de artistas y escritores ligados al surrealismo ( En 1966. No eran tiempos de calma. En la sala. o lo que quiera llamársele. un tosco cortinado de arpillera obstruía la entrada y se escuchaban. Se planteó. se leía: Retrato de Lamuel Lumija Máinez. no hubo más inhibiciones castradoras. por lo tanto.