P. 1
Artistas y Sus Obras

Artistas y Sus Obras

|Views: 96|Likes:
Published by Miriam Lerma

More info:

Published by: Miriam Lerma on Aug 18, 2011
Copyright:Attribution Non-commercial

Availability:

Read on Scribd mobile: iPhone, iPad and Android.
download as DOCX, PDF, TXT or read online from Scribd
See more
See less

01/09/2013

pdf

text

original

Universidad Autónoma Baja California Facultad de Arquitectura y Diseño

Cachú Canez Sara María

Diseño I
Artistas y su obras

Grupo 16.

Lerma Rodríguez Miriam Janeth

Mexicali B.C a 23 de marzo del 2011

Paul klee Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintoralemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, elexpresionismo y la abstracción. Estudió arte en Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck. Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales. En 1914, visitó Túnez y quedó impresionado con la calidad de la luz del lugar, por lo que escribió en su diario:"El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre... el color y yo somos
una sola cosa. Yo soy pintor."

También visitó Italia en 1901 y Egipto en 1928, siendo ambos lugares una fuerte influencia para su arte. Klee era uno de los Die BlaueVier (Los Cuatro Azules) junto a Kandinksi, Feininger y Jawlensky. Esta agrupación, formada en 1923 expuso conjuntamente en los Estados Unidos en 1924. La influencia de Klee en otros artistas notables se propagó hacia comienzos del siglo XX incluyendo al belgaRene Carcan. A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de maneras variadas y únicas, y mantuvo con él una relación que progresó con el tiempo. Para un artista que amaba tanto la naturaleza parece algo extraño que en sus comienzos Klee despreciara el color, creyendo que no era sino una decoración. Con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus. Esta progresión, por sí misma, es de gran importancia porque le permitió escribir sobre el color con una mirada única entre sus contemporáneos. En 1933 dejó la enseñanza y regresó a Berna, donde realizó una gran exposición en la Kunsthalle (1935). En 1936 se le diagnosticó esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa que le acompañaría el resto de su vida, aunque siguió trabajando a buen ritmo. En 1940 fue internado en una clínica de MuraltoLocarno, donde falleció el 29 de junio.
y y y y y y y y y y

Algunas de sus obras:
Pequeño abeto (1922) La máquina del gorjeo (1922) Calle principal y calle secundaria (1929) Ad Parnassum (1932) Cabeza de un mártir (1933) El hombre futuro (1933) Ángel pobre (1939) Teoría del arte moderno (1879-1940) Me llamo Paul, Paul Klee (1941)

1921 . 1940 Conquistado. 1930 Aventura de una joven.Muerte y fuego.

Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena. A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda del México. y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. asimila la crisis marital. pero no lo era. . No obstante. escribía poemas en sus diarios. derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida. el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. así mismo de compleja interpretación en1926. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. 1907-1954) Pintora mexicana. artista y comunista Tina Modotti y Diego Rivera. la que existió antes de su encuentro con él. la conocida fotógrafa. y la otra Frida. Pinté mi propia realidad" En 1939 Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: Las dos Fridas. También son muy apreciados sus autorretratos. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales. la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento.Frida Kahlo (Coyoacán. En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. pintó su primer autorretrato. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación. todavía en su convalecencia. ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo. Tras esa recuperación. a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana. ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista. Ese mismo año expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón.. Nunca pinté mis sueños. una amiga íntima la introdujo en los ambientes artísticos de México donde se encontraban. entre otros. que le devolvió la capacidad de caminar. D. En el año l953 le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. F. durante en su aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar. cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. México. el favorito de Diego. tuvo un aborto (1932) que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto. Con este cuadro. la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre. A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia. Durante ese tiempo. de raíces europeas. debido a que no podía hacer mucho. Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero.

lugar que la vio nacer. un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional.1939 autorretrato columna rota. Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano. las dos fridas. la Casa Azul se convirtió en el Museo Frida Kahlo. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán.1944 . No se realizó ninguna autopsia.Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. A los cuatro años de su muerte. Las últimas palabras en su diario fueron: "Espero alegre la salida y espero no volver jamás".

Pablo Ruiz Picasso (Málaga. En lo político. la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. fue un pintor y escultorespañol. la ilustración de libros. En esta serie de fotos podemos seguir su trayectoria vital y artística. Picasso se declaraba pacifista y comunista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX. el surrealismo y el clasicismo. conocido como Pablo Picasso.2 el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins. Además. Sus aportaciones a la escultura no fueron menos importantes: sus experimentos con hierro soldado y con materiales recuperados lo convirtieron en uno de los padres de la escultura contemporánea. junto con Georges Braque y Juan Gris. también incursionó en el modernismo. 25 de octubre de 1881 . España. Es conocido. pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Incansable y prolífico. . al que se adhirieron pintores como Georges Braque.Mougins. Haz clic en las miniaturas para obtener una ampliación. Picasso supo experimentar con diferentes estilos y técnicas. la escultura. Sin embargo. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte. sobre todo. creador. por ser el padre de la pintura cubista: su cuadro Las señoritas de la calle Aviñón (1907) marcó el inicio del cubismo. Francia) a los 91 años Artista polifacético. 8 de abril de 1973). el grabado. del movimiento cubista. FernandLeger y Juan Gris. participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Francia. abordó otros géneros como el dibujo.

en una especie de síntesis teñida de lirismo. La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir. para instalarse finalmente en Murnau.Vasíli Kandinsky (Moscú. nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Italia y Rusia. tanto compositiva como formal. a finales de 1910. con la conquista definitiva de la abstracción. Cuando cumplió los treinta años. el fauvismo y el Jugendstil alemán. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas. y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo. espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas. donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución. . Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich. 1944) Pintor de origen ruso. que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos. rico en ornamentos. al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos. que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura. 1926). por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal. También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. Rusia. 1866 . Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee. Países Bajos. también descubrió la obra de Rembrandt y Monet. Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1933. Túnez. Al estallar la Primera Guerra Mundial. y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración. En esta ciudad asistió a las clases de F. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde. muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas. Tal como narra él mismo en su biografía. clausurada la Bauhaus por los nazis.Neuilly-sur-Seine. donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. el pintor se instaló en Francia. como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica. renunciando a un porvenir académico ya consolidado. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera. con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia.

.

En cuanto a la cuestión caricaturesca. pero el escritor Luis Vidales lo criticó por su "inconceptual alargamiento de las figuras". en el IX Salón Anual de Artistas Colombianos. al tiempo que sus figuras. donde hizo su primera exposición individual de acuarelas. consistente en dos mil pesos. A los 19 años viajó a Bogotá. gouaches. sus monstruos sobrealimentados. la obra del colombiano Fernando Botero ha merecido un reconocimiento unánime. su pincelada -en un principio enfatizada y concreta. Fernando Botero fue el segundo de los tres hijos de la pareja formada por David Botero Mejía y Flora Angulo de Botero. su formación artística fue autodidacta. Sus primeras obras conocidas son las ilustraciones que publicó en el suplemento literario del diario El Colombiano. Arte es deformación. en El Tiempo del 17 de agosto de 1952. El rasgo más peculiar de su personalidad creadora. Se vale de una pincelada cada vez más refinada y de un dibujo "pictórico" en cuanto moldea la forma en lugar de delimitarla. además de la influencia de la escuela muralista. aparentemente ingenua y profundamente analítica. el pintor dijo: "Deformación sería la palabra exacta. de su ciudad natal. Desde finales de la década de 1950. En el esmero preciosista de su técnica pictórica se encuentra la presencia de los grandes pintores del barroco español y la fuerte personalidad de Goya. bien construida y bien realizada". El crítico Walter Engel. es su particular concepción y expresión de los volúmenes: hace que las figuras protagonistas de sus lienzos sufran un agrandamiento que resulta desmesurado para el reducido espacio pictórico en que se las hace habitar. Conjugando gigantismo y humor. En arte.va haciéndose menos notoria. objetos y frutas van adquiriendo una opulenta sensualidad. encontró que tenía "una composición vigorosa. estableciéndose al mismo tiempo como un sensible y rico colorista. Colombiana y universal. La imagen deformada que lleva su pintura al terreno de lo grotesco es el componente de humor crítico que expresan sus lienzos.Fernando Botero Nacido en Medellín en 1932. con el que obtuvo el segundo premio de pintura. de vientres hinchados y actitudes rígidas. que hace fácilmente reconocibles sus cuadros. "Posteriormente. De su estancia allí saldría el óleo Frente al mar. Artista de formación autodidacta. en su pintura se pueden rastrear las influencias de su etapa florentina. . Botero fue "engordando" sus volúmenes y desalojando fondos y perspectivas ante el arrollador e incontenible ímpetu de aquéllos. son una crítica sarcástica a la sociedad actual. tintas y óleos en la Galería Leo Matiz. y con lo recaudado vivió algún tiempo en Tolú. Aunque en su juventud estuvo durante un corto lapso de tiempo en la Academia de San Fernando en Madrid y en la de San Marcos en Florencia. permitiendo entrever la estructura del cuadro. hay también en su obra una fuerte presencia de la pintura colonial y popular de la Colombia del siglo XIX. especialmente en el recurso a modelos de inspiración renacentista (le influye la obra de Ucello y de Piero della Francesca). no tiene otra salida que deformar la naturaleza. si alguien tiene ideas y piensa. Mucho más acorde con su carácter y sus raíces. no sólo con la amplificación sino con la aplicación cuidadosa y delicada del pigmento La polémica sobre lo feas y grotescas que pudieran parecer las figuras de Botero se ha ido disipando con los años.

Presentada en 2005 en el Palacio Venecia de Roma. sin embargo. pero la deformación no lo es. pues yo hago lo mismo con las naranjas y los plátanos y no tengo nada contra esas frutas".mis temas son satíricos a veces. la fuerza turbadora de esta colección de cincuenta lienzos atestiguó además que el pulso y la creatividad del artista no ha menguado en absoluto con los años. Sirve para ilustrarlo una de sus más recientes series pictóricas. de alzar la voz contra la injusticia y de mantener su arte en línea con la realidad histórica y social. en el marco de la ocupación norteamericana de Iraq. Convertido ya en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo. la que realizó sobre las torturas cometidas por los marines en la cárcel iraquí de Abu Ghraib (2003). . Botero no ha dejado nunca.

. Derain y Manguin. Se inicia en la escultura siguiendo las enseñanzas de Rodin. La Espalda 1. también visita Córcega y Toulousse. y allí descubre la obra de Turner. figura y paisaje visto a través de la ventana. donde muestra su interés por las teorías y técnicas del divisionismo. donde cursa estudios de pintura durante cinco años. la primera. Las obras producidas durante estos viajes son las conocidas como protofauvistas. En 1911.Henri Matisse (CateauCambrésis. 1954) Pintor francés. que se presenta como un preludio de lo que más tarde realizaría en África. viaja a Moscú para instalar los paneles en casa de Schukin y conoce los iconos y las artes decorativas bizantinas. Durante su convalecencia empieza a pintar. abre una academia que sólo mantendría hasta 1911 y realiza su primera exposición individual en Nueva York. En 1904 pinta Lujo. por la riqueza de su colorido y el grueso empaste. puede ser interpretada cómo una demostración anticubista de como las figuras pueden unirse a través del arabesco y de los intensos contrastes de color contra el fondo abstracto. el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje. Reconoce que la obra de Vlaminck y Derain es cercana a la suya y en 1903 participa en el Salón de Otoño junto a Camoin. que muy pronto abandonaría en favor de la exaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo. En 1898 viaja a Londres. desde las figuras de los vasos griegos a las imágenes greco-romanas de las Tres Gracias. donde estudia bajo la dirección de Bouguereau. Cursa estudios de jurisprudencia entre 1887 y 1888. Su primera exposición data de 1896-97 en el Salón de la Sociedad Nacional. De vuelta a París. en cuyo taller conoce a Derain y a Puy. animado por Pissarro. que pasarán a ser un elemento .. ilusionado por transmitir sus ideas a los artistas más jóvenes. asiste durante algunos meses a las clases de Carrière. las fuentes de este mural son variadas. calma y voluptuosidad. Descubre en estos momentos a Cézanne (le compra a Vollard las Tres Bañistas). que será adquirido por Signac. En 1909 recibe del coleccionista ruso Schukin el encargo de pintar dos grandes paneles: La Danza y La Música.Niza. En 1892 entra en el Estudio de Gustav Moreau. en la galería Bernheim-Jeune y viaja con Marquet a Munich para visitar la exposición de arte islámico. una escena de interior con naturaleza muerta. son fundamentalmente paisajes. donde entabla amistad con Marquet. y en 1891. Es allí donde conoce a Rouault y a Manguin. En 1901 expone en el Salón de los Independientes y conoce a Vlaminck. donde Matisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente sólo se reservaba a los desnudos. ya recuperado. en la Escuela de Bellas Artes. En 1910 realiza una amplia muestra individual en París. en el fondo. 1869 .. en la galería de Alfred Stieglitz. En 1908. Asiste también a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Decorativas. Ese mismo verano conoce a Rodin y Pisarro y se interesa por la pintura impresionista. También en 1910 esculpe su primer altorrelieve. que se ven interrumpidos por una larga y grave enfermedad que le retiene en cama hacia 1890. vence la oposición de sus padres y abandona la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian. en la Universidad de París. En 1908 pinta su famosa obra Armonía en Rojo.

con más de trescientas obras. Courbet. odaliscas y naturalezas muertas como temas predominantes. los reconocimientos a su trabajo se suceden con la concesión del premio de la Bienal de Venecia (1950). el paisaje. en las LeicesterGalleries. Recibe encargos del coleccionista americano Barnes para su fundación en Merion. En 1919 realiza su primera muestra individual en Londres. Manet y Cézanne. . Entre 1929 y 1933 se le organizan exposiciones retrospectivas en Berlín. El Museo de Lucerna le organiza su primera gran exposición antológica. En 1920 colabora con los ballets rusos de Diaghilev realizando las escenografías de obras de Stravinski. con quién mantuvo una distanciada relación de amistad y respeto durante muchos años. solamente con cuadros y algunos otros objetos. Comienza en su obra una etapa de intimismo. Su rival en magnitud e influencia fue Picasso. a la edad de ochenta y cinco años. Pennsylvania. la retrospectiva del Museo Nacional de Tokio (1951). Watteau. Chardin. En 1916 pasa el invierno en Niza por primera vez. Nueva York y París. En los últimos años de su vida. A lo largo de su dilatada carrera recibió las influencias de diversos movimientos del siglo XIX (Neoclasicismo. Es claro ejemplo de ello El Estudio Rojo. Los maestros a los que más estudió fueron Poussin. el desnudo femenino y su propio entorno (el estudio). la apertura de un museo dedicado a su obra en su ciudad natal y la individual en el Museo de Arte de San Francisco (1952). esta vez sin el artista y sin modelo. fue también un excelente escultor y dibujante. en el estudio de París. Basilea. donde retoma la temática orientalista fuera del lugar de origen. Data de estos años Odalisca con pantalones grises. en el que destaca la simplicidad del colorido. duró poco y no tuvo programa. desnudos. Realismo. Impresionismo y Post-Impresionismo) que transformó en un lenguaje moderno. Su posición histórica como iniciador del Fauvismo no debe oscurecer sus logros personales al margen de un movimiento que.esencial en su repertorio estilístico. La placidez y el lujo de la Costa Azul resultan ser muy de su agrado y decide pasar allí la mayor parte del tiempo. Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza. Aunque Matisse sea conocido fundamentalmente como pintor. en realidad. En 1949 vuelve a Niza. con interiores. Los temas principales de su pintura fueron la naturaleza muerta. en un esquematismo que se adapta perfectamente a su función decorativa. Estos murales retoman el tema de la danza. La superficie del cuadro es mate y plana y representa el estudio del artista.

Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa. sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz. En 1907. y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. . Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que sólo el proporcionado por los medios empíricos. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas. en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del cubismo. pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista. Tras contemplar las primeras obras cubistas de Picasso y Braque. Países Bajos. repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie. interesado en reducir las formas individuales a una fórmula general. busca encontrar la estructura básica del universo. sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. en tal trama. El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. donde conoció a Theo van Doesburg. la supuesta ³retícula cósmica´ que él intenta representar con el no-color blanco (ausencia de colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (color que posee todos los colores) y. 1944) Pintor holandés. desde los cuales defendieron el rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra y la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos básicos. A partir de 1908.PietMondrian (Amesfoort. desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo del referente externo. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario». Mondrian. fundó la revista y movimiento De Stjil. el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color. y en general todo lo formal expresó que el arte no debe ser figurativo. eliminando las curvas. planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios. De este modo. Este estilo. no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales. considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica. Busca. Mondrian abandonó De Stijl. bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo. un "arte puro". La Primera Guerra Mundial le hizo regresar a los Países Bajos. se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena PetrovnaBlavatsky a fines del siglo XIX. inclinando los rectángulos. en suma. 1872-Nueva York. Junto a él y otros dos artistas (Van der Leck y Huszar). sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande. cuando Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924. y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones.» Su radicalismo es tal que. despojado de lo particular. Por educación y trayectoria vital.

.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma. denominada terribilità. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano. 1564) Escultor. . Esta última. donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. su obra maestra de los años de juventud. actual Italia. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad. con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. a la que puede atribuirse la grandeza de su genio. 1475 . el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico. en italiano Michelangelo. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo. En 1534. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera. en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula. considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. entre ellos el David. donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro.Roma. Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma. que es obra suya. pintor y arquitecto italiano. donde recibió diversos encargos. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio. En 1496 se trasladó a Roma. verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables. un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional. Miguel Ángel cultivó por igual la pintura.Miguel Ángel (Miguel Ángel Buonarrotti. ciudades en las que dejó sus obras maestras. es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica. la escultura y la arquitectura. que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias. comenzado por Sangallo el Joven. Caprese. la intensidad emocional y el entusiasmo creativo. Al cabo de cinco años regresó a Florencia.

y contemporáneos suyos Cézanne. grandes maestros como El Greco. muchos sobre familiares. Aparentemente dejó de trabajar en 1912. en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros miembros del grupo. Degas copió pinturas en el Louvre. fundamentalmente en su preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente. su estilo se desmarca del grupo en varios aspectos. El siguiente año. De repente se encuentra dependiente de las ventas de su arte como única fuente de ingresos. Nunca se casó y pasó los últimos años de su vida prácticamente ciego. y durante el resto de su vida la salud de sus ojos fue motivo constante de preocupación. y gradualmente ganó respeto en el mundo del arte convencional. Degas se alistó en la guardia nacional. En sus primeras obras sigue las tendencias neoclásicas. 19 de julio de 1834 ± ibídem. 27 de septiembre de 1917). Por este entonces Degas se convertiría también en fotógrafo amateur. hacia el final de la Guerra Franco-Prusiana. Finalizada la guerra. en obras al pastel. surge una demanda del estado que revela que René (su padre) contrajo enormes deudas. Gauguin o Van Gogh. tras la muerte de su padre. A medida que pasaron los años Degas se aisló. Para preservar el buen nombre de la familia. y las ventas de su trabajo artístico le permiten dar rienda suelta a su pasión por coleccionar trabajos de los artistas a quienes admira. Degas se ve forzado a vender su casa y una colección de arte que había heredado. Durante el entrenamiento con el rifle se le diagnosticaron problemas en su visión. Degas visitó a su hermano René en Nueva Orleans. Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. tanto por placer como para capturar una acción con precisión para su pintura. No obstante. capturando escenas sutiles y bellas. rompiendo con sus amigos judíos. fue un pintor y escultorfrancés. Ingres y Manet fueron especialmente bien representados. Se cree que estuvo trabajando en pastel hasta fines del año 1907. su formación académica se evidencia en que no abandona el dibujo sino que lo convierte en elemento . «vagando sin sentido por las calles de París» hasta morir en 1917 Admiraba a Ingres y los maestros del renacimiento italiano.Hilaire-Germain-Edgar de Gas más conocido como Edgar Degas (París. la última en 1886. y produjo un número de trabajos. en parte debido a su creencia de que «un pintor no puede tener vida personal». en donde la defensa de París le dejó poco tiempo para su pintura. En 1865 algunos de sus trabajos fueron aceptados en el Salón. y también que continuó haciendo escultura hasta finales de 1910.La controversia del Caso Dreyfus reveló sus inclinaciones antisemitas. pero también recibió la influencia del arte japonés y las tendencias simbolistas. En 1874. Degas ayudó a organizar la primera exhibición impresionista. antes de regresar a París en 1873. cuando la demolición de su residencia en la rueVictorMassé lo forzó a mudarse al boulevard de Clichy.Después de varios años su situación financiera mejora. Degas exhibió su trabajo en todas ellas salvo una.En 1870. modernos cómo Delacroix. Los impresionistas hicieron siete presentaciones posteriores. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet. pintando cuadros de historia influido por el románticoDelacroix.

Degas fue uno de los pintores. como señala el primero en una carta a Émile Bernard. en el que explora el movimiento. lavanderas. datada en Arlés. Esta técnica resultaba ideal para materializar su interés por el dibujo y la realidad instantánea y cambiante. uno de sus temas favoritos. Una de sus obras. pero Edgar Degas la esculpió en cera. Actualmente está esculpida en bronce. Realizó retratos y series sobre el mismo tema. junto a Ingres y Rafael. Esta línea de preferencia por la luz artificial y los ambientes urbanos es seguida por el postimpresionistaToulouse-Lautrec. a la que llamó La pequeña bailarina de 14 años. sino de madera de pinceles viejos. fue la única escultura exhibida por Edgar Degas en una exposición. . en particular cuando trata desnudos femeninos. Unos estudios recientes han demostrado que el «esqueleto» de la escultura no se hizo de alambre. planchadoras o burguesas. destacadamente las bailarinas. predominando pues la línea sobre el color.esencial de sus elaboraciones de figuras. pero también sobre las carreras de caballos. También representa escenas cotidianas de mujeres. Otra serie son los desnudos femeninos que realiza sobre los distintos momentos de la toilette femenina. A partir de 1880 usó cada vez más el óleo. utiliza encuadres que lo acercan a la fotografía. 1888. abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel. que Paul Gauguin admiraba y Van Gogh detestaba.

un acusado interés por el cubismo sintético (El guerrillero. D. Rivera reflejó su adhesión a la causa socialista en sus propias realizaciones murales y fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. del que surgiría el movimiento muralista mexicano. y.. (y en especial. desde la época precolombina hasta la Revolución. 24 de noviembre de 1957) fue un destacado muralistamexicano de ideología comunista. asumido en su etapa parisina. España.Diego Rivera Inscrito en el Registro Civil como. . En este sentido. Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo) en las que Rivera abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento (como el propio Siqueiros y Orozco). F. así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo. que influirían de forma significativa en su obra posterior. por ejemplo. y de colores vivos. lo que motivó su alejamiento de la estética cubista anterior. Estudió por espacio de quince años (1907-1922) en varios países de Europa (en especial. que había sido su modelo. 1915). las escenas que evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo. 8 de diciembre de 1886 ² México. donde se interesó por el arte de vanguardia y abandonó el academicismo. Francia e Italia). Junto con David Alfaro Siqueiros se dedicó a estudiar en profundidad el arte maya y azteca. famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Rivera volvió desde tierras italianas a México (1922). Fue creador de diversos murales en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México. con escenas de un realismo vigoroso y popular. son famosas. de nuevo en México. Artista comprometido políticamente. y por otro. Las obras de este período reflejan. Palacio Nacional y Palacio de las Bellas Artes de Ciudad de México. se casó con la pintora Frida Kahlo. una gran admiración por los fresquistas del Quattrocento. Detroit y Nueva York. de profunda raíz indigenista. Identificado con los ideales revolucionarios de su patria. Visitó la Unión Soviética en 1927-28.1 y en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y Acapulco. en un momento en que la revolución parecía consolidada. o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II). la llegada del conquistador a las costas de Veracruz. Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar grandes composiciones murales (Palacio de Cortés en Cuernavaca. así también algunas otras del extranjero como San Francisco. por un lado. por Giotto). Diego María Rivera y bautizado como Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez (Guanajuato. fundó el sindicato de pintores.

y Nueva York -Rockefeller Center (1933). Ensayista y polémico. Detroit -decoración del Instituto de Arte de Detroit (1932). . Por otro lado. llamada el Anacahualli. realizó diversas exposiciones y pintó grandes murales en las ciudades de San Francisco.En la década de 1930 marchó a Estados Unidos. donde puso su arte al servicio de la exaltación del maquinismo. publicó junto a André Breton un Manifestepourl'ArtRévolutionnaire (1938). este gran pintor mexicano legó a su país una destacada colección de figuras indígenas que instaló en su casa museo. que fue rechazada por sus contenidos socialistas De 1936 a 1940 Rivera se dedicó especialmente a la pintura de paisajes y retratos.

En sus creaciones muestra la alegría de vivir. Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. dado que al romperse la relación. En esa actividad adquirió el gusto por las piezas de gran luminosidad y de pinceladas rápidas. hubo un cambio en el estilo del autor. trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde pintó figuras decorativas sobre porcelana hasta los 17 años. Allí. Sus primeros cuadros de estilo clásico. y a formatos manejables frente a los formatos monumentales típicos de la pintura académica. donde conoció a Monet. "Le dèjeuner des canotiers". al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones religiosas. Pintó gran cantidad de paisajes y de cuerpos humanos. Esta joven tuvo una importancia vital en la obra del pintor.3 de diciembre de 1919). pero después de la exposición la destruyó. principalmente femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue su amante). pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de 1841. En 1862. en una naturaleza agradable. En parte por la necesidad de abreviar la ejecución. escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse. Siempre son personajes que se divierten. En 1845. Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la edad de 13 años. Bazille y Sisley. a pesar de sus estilos distintos. No es fácil clasificarlo: perteneció a la escuela impresionista. Mantuvo siempre un pie en la tradición. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna. que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. Renoir y su familia se mudaron a París. ofrece una interpretación más sensual del impresionismo. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot. como a veces hicieron Manet y Van Gogh. [cita requerida] El impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX. como Watteau. postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre. se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del rococó. más inclinada a lo ornamental y a la belleza. en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. es uno de los más célebres pintores franceses. romántico y realista no fueron inicialmente bien criticados. "Bañistas". se recurre a una pincelada rápida y suelta. La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867 con la exposición de la Lise à l¶ombrelle. Renoir realiza pintura sobre abanicos. que recuerda a Rubens por las formas gruesas. en pinturas creadas directamente "in situ".1 En 1858. "El palco". incluso cuando los protagonistas son trabajadores. "El Moulin de la Galette". Renoir. son sus obras más representativas. "El columpio". El pintor Rafael tuvo una gran influencia en él. Ya como adolescente. no elaboradas en el taller tal y como se estilaba hasta entonces. la primera obra que expone en la galería l¶Esméralda en 1864 recibió una muy buena acogida. Renoir. . Sin embargo.Pierre Auguste Renoir (25 de febrero de 1841 . Trató temas de flores.

Pierre-Auguste Renoir moriría el 3 de diciembre de 1919 luego de visitar por última vez el Louvre donde ya se exponían sus pinturas. recién pasada una fuerte pulmonía. 1881. Su primera obra de este período Jeunesfillesau piano. Gracias a él. Al morir su esposa Aline en 1915. es adquirida por el estado francés para ser expuesta en el Museo de Luxemburgo. Colección Phillips. la mujer que juega con el perrito en este cuadro será su esposa. que comenzó practicando el naturalismo cinematográfico y terminó depurando su estilo hasta alcanzar el impresionismo en algunos films ("La comida sobre la hierba"). "La regla del juego"). Le fue encargado por el editor Charpentier. En todos sus temas el énfasis lo pone en la juventud y la vitalidad. ya en silla de ruedas. se convierte en uno de sus modelos preferidos. En varias ocasiones pinta en compañía de la niñera. Ahora es una mezcla de sus estilos impresionista e ingresco. Óleo. Renoir. También cabe recordar que fue padre del destacado cineasta francés Jean Renoir ("La gran ilusión".El almuerzo de los remeros. . Con el nacimiento de su tercer hijo en 1901 su pintura toma una nuevo matiz. AlineCharigot. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta terminar su composición "Descanso tras el baño". Entre 1900 y 1919. Mantiene los temas Ingres pero con la fluidez en las pinceladas de su período impresionista. La niñera de sus hijos. Pinta gran cantidad de paisajes pero sus obras más características tiene por tema la vida social urbana. De esta época data su Retrato de Madame Charpentier con sus hijos. y una naturaleza con manzanas. Gabrielle Renard. fue convocado a colaborar en las ilustraciones para un libro de Émile Zola. continúa pintando para ahogar su pena. aún impresionista. Renoir cambia nuevamente su estilo. De 1890 a 1900. El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y 1883. quien le ayudó en años difíciles. AlineCharigot. Su más grande obra durante este período es Déjeuner des canotiers. Washington. Renoir es padre por segunda vez. y sería enterrado a los tres días en Essoyes junto a su esposa. Renoir entra en su período de Cagnes. En esta época sufre graves crisis de reumatismo. La mujer que juega con el perrito será su futura esposa. quien también se convertirá en modelo para sus obras. En 1894.

para el DartmouthCollege y la New School for Social Research de Nueva York. En 1940 fue designado por el presidente Lázaro Cárdenas para decorar el nuevo edificio del Tribunal Supremo de México. de ahí que sus imágenes más características comuniquen la capacidad del hombre de controlar su destino y su libertad ante los efectos determinantes de la historia.José Clemente Orozco (23 de noviembre de 1883 a7 de septiembre de 1949). En 1927 regresó a los Estados Unidos y durante los siguientes cinco años realizó numerosos murales. intentando recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno. se interesa por valores universales y no insiste tanto en valores nacionales. Al año siguiente viajó por los Estados Unidos y vivió en San Francisco y en Nueva York pintando carteles. pintó también murales para el Colegio Pomona de California. la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes. Orozco retrata la condición humana de forma apolítica. Estos muralistas expresionistas mexicanos anticiparon las tendencias neorepresentativas o neoicónicas que se dieron hacia 1960. interesado en la pintura mural.4 Entre 1936 y 1939 realizó murales en Guadalajara. Jalisco y falleció en la Ciudad de México. Hacia el año 1946.1 Hizo su primera exposición individual en la librería Biblos de Ciudad de México en 1916. la religión y la tecnología.5 En 1947expusó en el Palacio de Bellas Artes. murió el 7 de septiembre de 1949 en la Ciudad de México. realizo un verdadero fresco. nacido en Zapotlán actual Ciudad Guzmán. junto a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. en el Hospicio Cabañas y en el Palacio de Gobierno. conoció a José Guadalupe Posada. en la Ciudad de México. fue la primera que de este tipo que se hiciera una pintura en Nueva York. en el Paraninfo de la Universidad. El afán de lograr en sus cuadros recios efectos emotivos dio a sus obras simplicidad de línea y color y prestóles audacia en la interpretación de motivos contemporáneos y valores sociales. integró junto con Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. estudió más tarde matemáticas y dibujo arquitectónico. Graduado en la Escuela Nacional de Agricultura. logró posteriormente un perfecto dominio de su técnica. fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres. A diferencia de Rivera y Siqueiros. Aún siendo un niño. Su obra se enmarca en el grupo de pintores y muralistasmexicanos. .2 En el año 1922 se unió a Diego Rivera y a David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores.3 Su primer viaje a Europa tiene lugar en 1932. en la decoración de esta última. muralista y litógrafomexicano. En 1926 por encargo de la Secretaria de Educación. Estuvo casado con Margarita Valladares con quien tuvo 3 hijos. En este año recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México. pinta en la ciudad de Orizaba. el mural Reconstrucción en el edificio que actualmente ocupa el Palacio Municipal. cuyos grabados lo llevaron a interesarse por la pintura. pues pintó sobre yeso húmedo. Sus primeros trabajos consistieron en litografías de la vida indígena.

.

Su estilo heroico está fundado en un realismo de carácter expresionista. el arte más puro y derecho para que el pueblo lo vea y lo confronte´. hasta la mitad de la década de 1860. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. . de violento dinamismo y amplísima factura. ³Orozco fue un pintor comprometido con las causas sociales. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Sus primeras obras. En esta época. Él plasmó también la penosa situación del africano. porque no puede hacerse de ella un uso particular. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El HavretítuladaImpresión. empeoró su situación económica. por lo tanto. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas. que le dio nombre al movimiento. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. el muralismo es la forma más desinteresada de hacer arte. Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paul Durand-Ruel.Claude Monet (14 de noviembre de 1840 en París . sol naciente. Para él. Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. conscientemente ligado a las viejas tradiciones artísticas mexicanas. Es. Esta desviación del gusto de la época. pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. en las que plasmó un realismo ferozmente impresionante. sino que tiene una trascendencia social. son de un estilo realista.fue un pintorfrancés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista.5 de diciembre de 1926 en Giverny. que era marcado por las academias de arte.

You're Reading a Free Preview

Download
scribd
/*********** DO NOT ALTER ANYTHING BELOW THIS LINE ! ************/ var s_code=s.t();if(s_code)document.write(s_code)//-->