A R T E Y E ST E T I C A

l a e s tét i ca a rq u i tec tó n i ca
mariaelena reyes canseco

ESTETICA
ESTETICA , COMO DISCIPLINA DE ESTUDIO ES UNA RAMA DE LA FILOSOFIA QUE ESTUDIA E INVESTIGA EL ORIGEN SISTEMATICO DE LA SENSACIÓN PURA Y SU MANIFESTACIÓN. POR LO TANTO UNO DE SUS OBJETIVOS PRICIPALES DE ESTUDIO ES EL ARTE Y SUS CUALIDADES COMO LA BELLEZA, LA FEALDAD, LA ARMONIA O LA DISONANCIA.

• EN SU ORIGEN LA PALABRA ESTETICA NO SE REFIERE A LA DISCIPLINA DE ESTUDIO SINO EN GENERAL A UNA EXPERIENCIA SENSIBLE. • ESTETICA DERIVA DEL GRIEGO AISTHESIS O AISTHETIKË QUE SIGNIFICA RELATIVO A LA SENSACION O PERCEPCIÓN.

• MAS PRECISAMENTE LA EXPERIENCIA ESTETICA SE REFIERE A AQUEL CONOCIMIENTO OBTENIDO A TRAVÉS DE LA EXPERIENCIA SENSIBLE.

QUE INVOLUCRA LA EXPERIENCIA ESTETICA
• Percepciones Proceso nervioso que permite al organismo a través de los sentidos, recibir, organizar e interpretar información proveniente del entorno. La experiencia estética, tiene que ver con lo que percibimos pues toda experiencia estética esta vinculada con nuestros sentidos, una experiencia estética puede ser visual, auditiva, táctil, olfativa, o de sabor. Sensaciones Cuando percibimos algo a través de los sentidos – una imagen visual o sonora, una textura, un olor, un sabor- nos produce una sensación breve, predominantemente corporal, que de acuerdo a sus propiedades puede ser de agrado o desagrado, bienestar o malestar, seguridad o peligro. Es una experiencia predominantemente involuntaria.

Emociones Tienen que ver no sólo con las propiedades de algo que percibimos sino con un proceso inmediato de racionalización, que vincula lo percibido con el contexto y con nuestra experiencia. Cuando algo percibido consciente o inconscientemente lo relacionamos al contexto y a nuestra experiencia no sólo sensible o intelectual sino afectiva, se convierte en una experiencia emocional. Una experiencia emocional puede ser mas significativa para nuestra existencia que una sensación pues puede transformarse en un sentimiento estable. Una experiencia emocional nos afecta sobre todo afectivamente y al igual que las sensación es también breve pero puede ser intensa: soledad, desamparo, temor, etc.

Sentimientos
Provienen también de lo que percibimos a través de un proceso mas profundo de racionalización que está estrechamente vinculado a la experiencia afectiva. Parten de una experiencia emotiva que una vez analizada y dependiendo de las conclusiones que ello conlleve puede ser mas o menos estable. Así una emoción puede descartarse si un análisis de las circunstancias nos permite tomar esa decisión, o bien, por el contrario, puede establecerse por periodos de tiempo mas o menos largos convirtiéndose así en un sentimiento. Los sentimientos esta vinculados a nuestra experiencia sobre todo afectiva y permanecen en nuestra conciencia. Son de intensidad variable y nos mueven a actuar o pensar de una determinada manera no solo de forma inmediata sino estableciendo actitudes y hábitos de pensamiento. Un sentimiento de fuerte intensidad se le denomina pasión.1
1. Ver Antonio Damasio La sensación de lo que ocurre, El error de Descartes , En busca de Spinoza: neurología de la emoción y los sentimientos.

La experiencia estética es aquella en la que vinculamos sentimientos y percepciones. De esta manera hacemos surgir emociones. El “artista” a través de medios distintos intenta generar emociones evocando experiencias. El artista busca esencialmente expresar ideas a través de la experiencia estética.
Mas profundamente, el “artista” a través de la emoción intenta generar sentimientos, que de “alguna manera” modifiquen nuestras formas de actuar y de pensar. En ello radica el valor del “arte” en la actualidad. En ello radica su legitimidad pero también su mayor cuestionamiento y sus mayores desvaríos. Aún así, ante la voluntad de cualquier ser humano de concebir su labor como arte no hay razón para desacreditar su derecho.

DESDE UNA PERSPECTIVA CLASICA EL ESTUDIO DE LA ESTETICA ESTABA CONFINADO ESTRICTAMENTE A LO RELACIONADO CON LA BELLEZA. EN EL SIGLO XVIII ALEXANDER GOTLIEB BAUMGARTEN ESTABLECIO EL ESTUDIO DE LA ESTETICA COMO UNA DISCIPLINA INDEPENDIENTE, SIN EMBARGO CONCIBIÓ A LA ESTETICA COMO EL ESTUDIO DE LO BELLO. DURANTE EL SIGLO XX LA APARICIÓN DE NUEVAS TECNICAS DE REPRESENTACION COMO EL CINE Y LA FOTOGRAFIA ESTIMULARON LA REFLEXIÓN SOBRE EL SIGNIFICADO Y SENTIDO DEL ARTE Y LA ESTETICA . EL ARTE, OLVIDANDO EL ORIGEN GRIEGO DEL TÉRMINO, TAMBIEN SE LLEGO A DELIMITAR EN SU SIGNIFICADO A LAS GRANDES BELLAS ARTES, O A TEMAS RELACIONADOS CON LAS ALTAS CLASES SOCIALES. ACTUALMENTE ESTE SENTIDO HA SIDO RADICALMENTE REPLANTEADO.

ARTE

EL ORIGEN DE LA PALABRA PROVIENE DEL TÉRMINO GRIEGO TECHNE, TECNICA O CONSTRUCCIÓN. MAS PRECISAMENTE SE REFIERE AL SABER HACER, O HACER ALGO CON DESTREZA Y CUYO RESULTADO ES UN PRODUCTO ARTIFICIAL. LOS TÉRMINOS TECNICA O DESTREZA SE HAN SEPARADO DE ALGUNAS DEFINICIÓNES DE ARTE. SIN EMBARGO ES IMPORTANTE CONSIDERAR QUE UNO DE LOS ASPECTOS IMPORTANTES DE LAS DISCIPLINAS ARTÍSTICA ES EL DOMINIO DE LAS TÉCNICAS DE REPRESENTACIÓN, AUN CUANDO ESTE ASPECTO SEA TAMBIEN CUESTIONADO POR ALGUNAS FORMAS DE PENSAMIENTO ARTÍSTICO CONTEMPORANEOS (MINIMALISMO ARTE CONCEPTUAL).

Creativity isn’t the monopoly of artists…When I said everybody is an artist, I mean everybody can determine the content of life in his particular sphere, wheter in painting, music, enginering, caring for the sick, the economy or whatever…Our concept of art must be universal and have interdisciplinary nature of a university, and there must be a university department with a new concept of art and science.
Joseph Beuys

ACTUALMENTE EL ARTE SE DEFINE COMO UNA ACTIVIDAD QUE REQUIERE APRENDIZAJE Y PUEDE LIMITARSE A UNA SIMPLE HABILIDAD TÉCNICA O AMPLIARSE HASTA EL PUNTO DE ENGLOBAR LA EXPRESIÓN DE UNA VISIÓN PARTICULAR DEL MUNDO.

ESTA DEFINICIÓN PUEDE ABARCAR UNA AMPLIA DIVERSIDAD DE ACTIVIDADES: DESDE AQUELLOS OFICIOS, COMO LA CARPINTERIA, LA HERRERIA, LA JARDINERIA, EL CULTIVO DEL CAMPO, ETC. EN CUYOS RESULTADOS SE PUEDEN PERCIBIR CUALIDADES ARTÍSTICAS, HASTA AQUELLAS ACTIVIDADES MEDIANTE LAS CUALES EL SER HUMANO INTENCIONALMENTE EXPRESA IDEAS, EMOCIONES O EN GENERAL UNA VISIÓN DEL MUNDO A TRAVÉS DE RECURSOS PLÁSTICOS, LINGÜISTICOS, SONOROS O MIXTOS.

ARTE ARCAICO
Los orígenes del arte son difíciles de determinar. Se pueden considerar expresiones “artísticas” las primeras danzas rituales de las que es casi imposible establecer sus primeras manifestaciones, así como los decorados con pigmentos de origen natural sobre la piel que se consideran también algunas de las primeras expresiones “artísticas”. Las pinturas prehistóricas realizadas con pigmentos naturales sobre superficies rocosas datan de hasta 40 000 años de antigüedad. Las figuras talladas en piedra mas antiguas de las que se tiene registro datan de alrededor de 25 000 años a.C.

En estas manifestaciones podemos apreciar el valor expresivo de la obra y el dominio de una técnica de representación.

Arte levantino, Valltorta, Provincia de Castellón, España. 6000 a 4000 años a. C.

Arte levantino, Morella, Provincia de Castellón, España.

Isla de Pascua

Tassili , Sahara. Camellos.
EN LAS MANIFESTACIONES DE ARTE PREHISTÓRICIO QUE HASTA HOY SE CONSERVAN, SE PUEDE OBSERVAR QUE AUNQUE TAMBIEN ESTABAN RELACIONADAS CON LOS ASPECTOS RELIGIOSOS, PREDOMINANTEMENTE SE REPRESENTABAN TODO TIPO DE ESCENAS SOBRE LA VIDA COTIDIANA: TRABAJO, CAZA, NATURALEZA , ETC. CONFORME LAS SOCIEDADES EVOLUCIONARON Y SE HACIERON MAS COMPLEJAS LAS ESTRUCTURAS SOCIALES EL ARTE SE DESTINÓ CADA VEZ MAS A REPRESENTACIONES RELACIONADAS CON EL PODER Y LOS GRUPOS DE PODER.

Es dificil determinar el sentido original del las expresiones artísticas prehistóricas. Pero podemos observar que en general El ARTE destinado a los aspectos religiosos y de gobierno, tiende a través de la historia, a distinguirse de aquellas expresiones tales como la decoración, la pintura, la talla y en general los oficios destinados a la producción de los objetos de la vida cotidiana.

ARTE ANTIGUO En la historia antigua el ARTE se relaciona cada vez mas con la representación del poder y sus representantes, civiles o religiosos.

Rey de Asiria siglo VIII a.C.

LA ARQUITECTURA ARCAICA
Las acciones que mas se acercan a un concepto artístico en arquitectura corresponden a la construcción de elementos que circunscriben un espacio relacionado con los cultos religiosos de las tribus mas arcaicas.
Las expresiones mas antiguas de las que se tienen conocimiento, datan del Periodo Neolítico comprendido entre los años 4000 y 2500 a. C. aunque las fechas varían entre diferentes culturas. A este periodo corresponden los primeros menhires, monolitos funerarios vinculados a la conmemoración y cultos de los antepasados, así como sus derivaciones mas complejas: el dolmen y el crómlech.

LA ESENCIA DE LA ARQUITECTURA
Antes que arquitectura hay gestos, actos, rituales, sacrificios. Es la manera mas primitiva de “domesticar” el tiempo y el espacio, de hacerlo humano.

Lo real es sólo aquello que ha sido consagrado y que por ello tiene forma, lo que queda al margen es caótico.
Para el hombre religioso el espacio no es homogéneo; los espacios consagrados tienen una forma, mientras los profanos son amorfos.
Mircea Eliade

Haciendo una reflexión profunda y a través de análisis de las distintas formas de crear un lugar, de hacer un espacio, las primeras acciones, como el refugio en cuevas ó el acomodo de ramas y hojas para el cobijo y protección de la intemperie pueden no ser consideradas como los antecedentes de las primeras manifestaciones propiamente ARQUITECTONICAS, sino cómo algo destinado a la vida cotidiana a una necesidad, casi un instinto de protección básico que difiere de esa otra acción que es crear un espacio simbólico.

Se puede hablar mas propiamente de lo ARQUITECTONICO cuando esto es producido mas que por una actividad como la de envolver o cubrir, por un construir cuyo resultado es mas cercano al ámbito de lo artificial, pero cuando el fundamento de este construir radica en el ocupar espacio, en la conciencia del lugar; es decir, en la identificación de un espacio, convirtiendo en determinado lo indeterminado en distinto lo indistinto de la naturaleza.
‘‘Para la toma de posesión de un espacio, es necesario un sacrificio, una ceremonia, un suceso que justifique la sacralización, un signo ocasional o producido que delimite el espacio y establezca así el dentro y el afuera, el orden y el desorden. El templo es la materialización de este acto.’’
(Roberto Massiero en Estética de la arquitectura)

MENHIR, FRANCIA.

Un menhir es la forma más sencilla de monumento megalítico. Consiste en una piedra por lo general alargada, en bruto o mínimamente tallada, dispuesta de modo vertical y con su parte inferior enterrada en el suelo para evitar que caiga.
Un dolmen, que en bretón quiere decir mesa grande de piedra, es una construcción megalítica consistente por lo general en varias losas (ortostatos) hincadas en la tierra en posición vertical y una losa de cubierta apoyada sobre ellas en posición horizontal.

Un crómlech o crónlech es un monumento megalítico formado por piedras o menhires clavados en el suelo y que adoptan una forma circular o elíptica, cercando un terreno.

DOLMEN DE AXEITOS, GALICIA.

CROMLECH DE STONEHENGE, INGLATERRA.

ARQUITECTURA EN LA GRECIA ANTIGUA
Durante el periodo comprendido entre el siglo VIII al V a.C., en Grecia se producen los primeros ejemplos de una arquitectura que influenciaría durante varios siglos la arquitectura occidental. En base a deducciones etimológicas, la arquitectura es ya concebida como un arte, es decir una técnica para construir cosas excelentes, cosas fundamentales.

El templo es el ejemplo mas claro de los ideales estéticos de esta época. El templo es un mundo consagrado, análogo al kosmos, separado del mundo exterior caótico, informe. Será el lugar donde se haga visible la orientación, el movimiento del sol será simbolizado por el rectángulo, el templo será copia de un arquetipo celeste. El orden griego es ornamento, es la forma en que se humaniza el espacio y el tiempo. Es la forma en que establece ese perímetro de “seguridad” separado del caos. De este modo se pasa de lo sacro (pensamiento arcaico) a lo bello, donde lo terrible (sacrificio) sublimándose se hace bello (orden).2

2. Ver Estética de la arquitectura de Roberto Massiero, La Balsa de Medusa

CONCEPTOS FUNDAMENTALES EN LA ESTETICA GRIEGA ARQUITECTONICA
• Canon (kánon). Norma, medida infalible. Lo sagrado se normaliza. • Medida (métron). • Ritmo (rhytmós). Movimiento pautado, cadencia, un lleno y un vacío. • Simetría (symmetría). (objetiva) • Técnica ( téchne). Adecuación a la naturaleza de las cosas. Una cosa es bella si sirve para su propio fin (Aristóteles). • Proporción (arché). Construcción matemático-geométrica regida por reglas intemporales en base a la sección áurea. (metafísica de Pitágoras: todo es número) • Orden. (téxis) • Dirección. (una dirección) • Euritmia (eurythmía). El justo ritmo. (subjetivo) • Mimesis (mímesis).

EL PARTENON, ATENAS.

Mímesis (mímesis)
• La belleza se entendía como objetiva, autónoma, impersonal. Por ello no había distinción entre lo bello natural y lo bello producido artificialmente. • El sujeto que realiza la obra pretende revelar las leyes que gobiernan al kosmos. Las leyes y reglas para la producción se consideran análogas a las leyes eternas que regulan el kosmos. • En cuanto al problema de la arquitectura y la mimesis consideraban que la producción imita a las lógicas de la naturaleza sin reproducir sus formas. • Los griegos consideraban la mente humana como algo pasivo, pues lo que el hombre lleva a cabo no tiene origen en su interior, sino en un modelo externo (Platón). El arte es por naturaleza racional, pues solo a través del pensamiento y no la percepción se puede concebir el “modelo ideal” a imitar. Con ello se establece la autonomía del pensamiento frente a la percepción y la separación entre placer (experiencia personal) y belleza (modelo ideal) a imitar. • La artes se consideraban en su totalidad técnica y el artesano se ocupaba sobre todo de la calidad de su hacer, de la utilidad de su resultado y de la verdad de su obra en cuanto correspondiente a leyes cósmicas.

TEMPLO DE ATENEA NIKE

HELENISMO (323 a.C. al 30 a.C.) LA ESTETICA DEL SUJETO Y LA OBJETIVIDAD DE LO BELLO
• Entrada en crisis de las teorías pitagóricas (Todo es número). • Se conserva en general las características del periodo clásico , pero surge un nuevo concepto de Euritmia (armonía) y con ello las llamadas “reglas de la corrección”. • Para lograr el buen ritmo y la forma bella, se recurre a las siguientes reglas: la éntasis, el uso del color, inclinación de los estípites, el uso de las estrías, el uso de las acroteras. • Como estas correcciones les resultan subjetivas, es decir necesarias debido a circunstancias propiamente humanas, se rompe con la idea de la euritmia como algo absoluto, surgiendo la idea de la creatividad, de lo nuevo y lo original, entendidos no como aquello que encontrándose en el origen se presenta como eterno, sino como aquello que partiendo de su eventualidad, de su calidad de acontecer autónomo, se propone como auténtico.

La belleza ya no es relacionada con la idea, sino con todo lo que es producido por el hombre. Por lo tanto no es obra divina sino humana. Se reconoce así la belleza en el arte. Durante el helenismo aún persiste la vinculación con la naturaleza, sólo con los estoicos hasta finales de la antigüedad la imaginación será considerada mas sabia que la imitación

IMPERIO ROMANO. VITRUBIO.
De todo el periodo Antiguo se conserva un solo Tratado de Arquitectura, De arquitectura, de Marco Vitrubio Polión (siglo I d.C.), que se fundamenta en buena medida en la filosofía estoica. La arquitectura para este tratadista mantenía unidas tres cualidades la estabilidad (firmitas), la utilidad (utilitas) y la belleza (venustas). La arquitectura era un hacer pero también un reflexionar en el cómo de ese hacer.

La BELLEZA se concibe como decorum, es decir, belleza como virtud socialmente valorada.

EDAD MEDIA
siglos V a SV

En la Edad Media en general no existe el concepto de arte como fin en sí mismo o de la belleza como único objetivo del artista. Su sentido es predominantemente religioso (católicismo), considerado como una ofrenda a lo divino, una forma de mostrar las realidades divinas y una afirmación de poder. El arte asume un valor retórico otorgándose a si misma la tarea de persuadir e instruir (Casiodoro).

La virgen y el niño, Bizancio, siglo XIII

ARTE PALEOCRISTIANO siglos I a V d.C.
En el imperio de Occidente, Filósofos como San Agustín (354430), Boecio (480-524) y San Isidoro de Sevilla (560-636) aportan nuevas ideas al arte y la estética de su época. En De ordine, San Agustín hace la siguiente definición de lo bello: la aparición en lo sensible de la razón en cuanto medida proporcional (dimensio) o bien en cuanto medida rítmica (modulatio). La medida proporcional genera belleza (pulchritudo) y la medida rítmica genera armonía (suavitas).
Para Boecio el arte pertenece a la mente del artista no a sus manos. Usa el término artificium para referirse al valor manual y ars al valor intelectual.

BASILICA DE AQUILEA, ITALIA. 313 Y 1031.

SAN PABLO EXTRAMUROS, ROMA. AÑO 384.

El símbolo, al igual que el signo es algo distinto de lo que representa pero conserva alguna similitud con el objeto que representa, es por lo general una figuración que presenta alguna cualidad afín a lo que se pretende representar.

En la Edad Media, los símbolos mas representativos son aquellos vinculados con el sentido de la vida de la religión cristiana, el ser que transita de lo terreno a lo celeste a través de la purificación.

• En la arquitectura el simbolismo es geométrico y consiste básicamente en tres figuras: el círculo, el cuadrado y la cruz; y sus relaciones vienen determinadas por el centro, el punto del cual nace todo, el origen. • El circulo simboliza, la divinidad, la perfección, la inmutabilidad, la homogeneidad, la bondad expandida (San Irineo), el tiempo. La esfera simboliza la bóveda celeste. • El cuadrado, la orientación, lo humano, el espacio, la tierra. • La cruz simboliza la decisión necesaria de elegir entre varias direcciones • Circulo y cuadrado componen juntos el kosmos. • La cúpula cubo-esferica simboliza el paso de lo terreno a lo divino, del cubo a la esfera

SANTA IRENE, CONSTATINOPLA. SIGLOS VI Y VIII.

ARQUITECTURA BIZANTINA 500 a 1200 d.C.

El simbolismo medieval es una revelación existencial a través de una experiencia cosmológica. El arte es una expresión de la verdad y está unido a ella. El tiempo es un tiempo lineal, con una dirección, la del camino, la procesión. La arquitectura no tiene una dimensión estática y absoluta, sino que se dispone en la variabilidad simbólica.

El don de la creación de Dios, es atribuido también al artista, lo que otorga cierta responsabilidad al sujeto que produce la obra. La obra es una realidad anti-mimética que aporta significados, historias, caminos, capaz de contener en sí lo posible y lo imposible, las formas y los contenidos.

PREROMANICO siglos V al XI d.C.

SAN PEDRO NAVE, ESPAÑA. 680-711.

Estos conceptos se aúnan a la nueva organización social y modo de producción del feudalismo para determinar una arquitectura cada vez mas diversa dentro de la nueva distribución territorial de la Europa medieval.
En el románico los señores feudales determinan en buena medida la forma de los templos, que en general suelen ser sumamente austeros.

SANTIAGO DE PEÑALBA, ESPAÑA.

ROMANICO siglos XI Y XII

SANTA MARIA DE GERONA, ESPAÑA.

ABADIA DE CLUNY, FRANCIA.

SANTO TOMAS DE AQUINO 1225-1274
A partir de Sain Dennis, la austeridad de la arquitectura románica quedará atrás para abrir camino a la explosión formal de la arquitectura gótica. Pero será hasta la catedral de Chartres cuando se consolide una nueva escuela, la escolástica, caracterizada por la teoría de que el mundo se encuentra construido bajo principios matemáticos. Para esta escuela Dios es artista y trabaja bajo determinadas reglas. El mundo se considera un todo orgánico y el hombre es el punto mas alto de la creación.

En el seno de la escolástica surge Santo Tomás de Aquino. Para Santo Tomas, la forma es el principio estructurador de las cosas y es distinto de la materia. Aunque sólo puede gozar de subsistencia y realidad mediante su individuación en la materia. Los entes que pueblan el mundo ya no son manifestaciones simbólicas de la creatividad divina sino realidades concretas.

ARTE GOTICO siglos XII a XV

CATEDRAL DE SAN JUAN, TORUN , POLONIA.

• Hay una vuelta a la normalización arquitectónica y mayor independencia de lo formas creadas por el hombre de los modelos ideales o divinos.
• La forma la caracterizan un modus (principios materiales y eficientes), una species (número exacto de elementos constitutivos) y un ordo (orden de acuerdo a su propio fin). • La belleza en cambio, viene dada por la relación entre partes, por la organización según un orden que mas que ser un modelo al que adecuarse, es una exigencia que debe ser satisfecha. No hay reglas para el orden sino las que relacionan caso con caso, ocasión con ocasión.

• La belleza ya no se encuentra en lo trascendental sino en el mismo tejido formal del objeto.
• La belleza la caracterizan tres aspectos: claritas, integritas, proportio.

CATEDRAL DE CHARTRES, PARIS.

CATEDRAL DE NOTRE DAME, PARIS.

• La proporción se encuentra en las relaciones entre una cosa y otra.
• Toda obra proporcionada se forma encontrando una armonía dentro de sí y la proporción será justa cuando sea conforme al fin, a la naturaleza y la forma en términos aristotélicos de una cosa. (realidad y apariencia)

• La claritas por otro lado, es la claridad del concepto, del modo de operar y del resultado.
• La integritas se refiere al orden y estructura formal.

• Finalmente para Santo Tomas la belleza no es la finalidad del hacer o del pensar, incluso si el resultado puede contemplarse estéticamente; y advierte, que lo bello es lo que procura placer al intelecto y a las sensaciones pero no todo lo que nos da placer es bello.

SAINTE CHAPELLE, PARIS.

RENACIMIENTO Durante el renacimiento el tema religioso es tratado con menor devoción, en cambio la idealización de la naturaleza, del cuerpo humano y en general de la dimensión humana predomina en el pensamiento de esta época. La belleza se establece como una finalidad del arte.
El uso de la técnica al óleo y la perspectiva permiten un mayor realismo y perfeccionismo en las obras.
La belle Ferroniére , Leonardo Da Vinci.

SANDRO BOTICELLI, 1445-1550. El nacimiento de Venus

Superación de la mimesis. La obra de arte trasciende a la realidad, convirtiéndose en una realidad propia. El artista añade belleza a la naturaleza (Miguel Angel). Algunas características de la estética renacentista son: magnificencia, armonía, sobriedad, organización racional. Para Andrea Palladio en sus Libros de Arquitectura lo bello es: verdadero, absoluto, imitación de los principios que regulan la naturaleza, el bien y el bienestar.

Piero de la Francesca, Virgen con el niño y santos con Federico de Montefeltro 1469-1474

El hombre renacentista sigue su proyecto y no reglas trascendentales, reflexiona sobre los modos e impone formas.

Para Alberti la “belleza es la armonía entre todas las partes de un conjunto conforme a una normativa determinada, de forma que no sea posible reducir o cambiar nada sin que el todo se vuelva mas imperfecto”.
Leonardo Da Vinci afirma que las proporciones no deben establecerse a priori.
Interior Basílica de San Lorenzo Florencia, F. Brunelleschi, 1422-1470.

Capilla Pazzi, Filippo Brunelleschi, 1441.

La casa deja de ser un lugar sólo para protegerse, convirtiéndose en un modo de mostrar el propio yo. No un lugar de promiscuidad sino de la propia identidad.

Palladio, Villa Capra,o La Rotonda

B A R RO CO
1600 a1750

Durante el barroco se seculariza aún mas el arte. La iglesia católica pierde el centro del poder religioso. Nace el protestantismo.

En pintura surgen nuevos temas como la naturaleza muerta y el paisaje, la representación humana se hace mas realista, se acentúa el aspecto de la dimensión psicológica de los personajes.
Nicolás Copérnico hace pública su teoría sobre el sol como centro del universo. Predomina el juego intelectual, la agudeza y el ingenio conceptual sobre la razón. Ya no existe un sólo punto de vista, sino que potencialmente son infinitos. Evita la imitación que meramente se detenga en la evidencia de las cosas incapaz de ir mas allá de la apariencia.

• •

• A partir de la oficialización de la teoría de Copérnico la tierra y el hombre dejan de ser el centro del universo. En arquitectura la composición central sede a la composición elíptica. La perspectiva de visión central y unidireccional cede a la composición de dos o mas puntos de fuga. El barroco rompe con los cánones de composición renacentista planteándose nuevos sentidos y significados.

BARROCO USO DE LA ELIPSE EN PLANTA Y LINEAS CURVAS EN FACHADA
San Carlo alle Quatro Fontane, francesco Borromini.

ARTISTAS NOTABLES DEL PERIODO BARROCO
• Baltasar Gracián (1601-1658)
Obra: Agudeza y arte de ingenio Temas relevantes de su obra : – teoría sobre el concepto

• Calderón de la Barca (1600-1681)
Obra: La vida es sueño . Temas relevantes de su obra : – la libertad o el poder de la voluntad frente al destino. – el escepticismo ante las apariencias sensibles. – la precariedad de la existencia, considerada como un simple sueño y la consoladora idea de que, incluso en sueños, se puede todavía hacer el bien.

Fachada de San Carlos alle quatro Fontane

Patio de acceso de Sant´Ivo alla Sapienza

Durante el siglo SVIII, el debate sobre el gusto, lo sublime y lo pintoresco pone en tela de juicio la relación entre metafísica y la objetividad de lo bello

NEOCLASICISMO siglo VIII
• Entre 1671 y 1793, nace la Academia Real de Arquitectura como una necesidad de regulación del Estado sobre las formas de producción de las artes, la distribución de las manufacturas y la identificación de un estilo nacional que fortalezca la imagen del poder estatal. Surge así el germen del dogmatismo académico.
• La Academia se inclina por la legitimación de los ordenes clásicos, imponiéndose así un retorno al clasicismo. (Francois Blondel)

• En este periodo se gesta el término despectivo barroco para referirse al exuberante periodo anterior
El panteón de Paris

La muerte de Sócrates, Jacques-Louis David.

Por otro lado se acentúa el debate sobre el “gusto” y “buen gusto”. La reflexión sobre las sensaciones es el eje sobre lo que gira el pensamiento racionalista de los siglos XVI y XVII. Persiste la oposición entre en sentir y el conocer, pero la reflexión da lugar al nacimiento de la estética como disciplina. El buen gusto se considera como “la disposición para juzgar correctamente los objetos del sentimiento”.

Burke separa claramente lo sublime de lo bello, concediéndole supremacía a los sentimientos relacionados con lo sublime.
Burke niega que la belleza sea debida a la adecuada proporción de las partes, la medida y la geometría. Lo mismo discute la relación entre belleza y utilidad, “en la belleza el efecto precede cualquier conocimiento del uso…y las proporciones varían según el fin”. La proporción se convierte en una simple función.

Etienne-Luis Boullée, Cenotafio a Newton.

La estética para Burke corresponde a lo sublime: la grandiosidad, la sensación de poder, la oscuridad, la vastedad, la sucesión y uniformidad, pero también la magnificencia que alimenta el desorden. Esta ideas permiten la inserción de lo deforme y feo natural, lo tremendo, lo excesivo, lo imprevisible en el ámbito de la experiencia estética. A pesar de estas ideas rechaza la variedad a la que considera de mal gusto y desprecia el uso de demasiados ángulos.

Le Carceri d’Invenzione, Jean Batista Piranesi. (1720-1778)

Precisamente la reflexión sobre las maneras y formas del sentir, es lo que dará lugar al nacimiento de la Estética como disciplina de estudio. Por otro lado hay otras reflexiones: Para Scamozzi, la materia no tiene por naturaleza forma alguna, considera que cada materia tiene unas cualidades (habilita) que permiten ciertas configuraciones: no puede crearse cualquier forma de cualquier material. No es loable que se intente violentar la materia, en el sentido de querer reducir a la voluntad del artista las cosas creadas por la naturaleza.

Etienne-Louis Boullée renovación del Palacio de Versalles para hacerlo público.

• Laugier introduce la idea de que la esencia de la arquitectura radica en su lógica constructiva y no en la proporción.
• El padre Lodoli reafirma que las formas deben obtenerse según el carácter de la materia.

• Con su libro Estética (1750) Baumgarten marca el nacimiento de la estética como ciencia. Se le considera un conocimiento inferior frente al conocimiento intelectual, pero un conocimiento independiente. Es posible por primera vez, considerar las artes como modos de conocer y no sólo de hacer. Sin embargo, fundado sobre una razón moral, considera que el fin último del arte debe ser lo bello.

Étienne-Louis Boullée (1728-1799).

Winkelman, considerado el padre de la Historia del arte, restituye al arte su alma mostrando como el fin del arte debe ser la creación de una naturaleza ideal por encima de la realidad.
Claude Perrault, defiende que las proporciones resultan bellas o no según las costumbres, las condiciones psicológicas o históricas en las que el hombre vive, no son leyes de la naturaleza sino convenciones. • Schelling, habla de los sentimientos vinculados a nuestra experiencia sobre todo afectiva y sobre su permanencia en nuestra conciencia. Para Schelling cada acontecer aparece en su singularidad como resultado de una voluntad y una potencia.

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Para Deutinger, toda representación es un acto enteramente positivo de la voluntad y de la potencia. Para Deutinger el principio objetivo es Dios mismo. El arte es reflejo del acto originario de la creación. Al reivindicar la autonomía de la obra de arte frente a la naturaleza, da paso a una profunda espiritualización del mismo.

Para Hegel, el acontecimiento forma parte de un vasto sistema en el que el espíritu a través de la razón, se revela en su plenitud y por tanto todo lo que sucede puede ser sometido a juicio racional, siempre que esta racionalidad demuestre poder articular los contrarios (dialéctica). El principio objetivo reside en el interior de este sistema y de ahí su mas influyente idea ‘‘lo que es real es racional’’. Hegel al igual que Deutinger realiza la distinción entre las diversas artes a partir de la distinción entre materia y forma, así parte desde de lo que es material hasta la pura inmaterial. La arquitectura la considera la más material de las artes y también la originaria entre ellas. Le siguen la escultura, pintura y música donde predomina la forma sensible, y en último lugar en absoluta libertad respecto a ‘‘forma exterior’’ y materia, ubica a la poesía.

EL ROMANTICISMO
(finales siglo XVIII primera mitad del siglo XIX)

El romanticismo surge de la necesidad de romper con un pensamiento dogmático generalizador y absolutamente racional.
El romanticismo contrapone la importancia del sentimiento al racionalismo ilustrado. La subjetividad se convierte en paradigma. Kant es uno de sus principales pensadores y considerado iniciador de esta corriente de pensamiento. Entre los representantes mas sobresaleintes del pensamiento romantico figura: f. schelling, f. hölderling, jean-jacques rousseau, william blake, john keats, ludwig van bethoven, considerándose Johann Wolfgang Von Goethe uno de sus mas importantes propulsores.

EUGENE DELACROIX MOSTRABA EN SU PINTURA UN RECHAZO A LAS TÉCNICAS DEL NEOCLASICISMO DE SU EPOCA.

La Libertad guía al Pueblo, Eugene Delacroix, (1830).

GOETHE
(1749-1832)

Critica que el fin último del arte sea considerado lo bello. Influenciado por Herder, Goethe considera que el individuo vive sólo en cuanto participa de la vida y la energía del pueblo. Admira el arte “característico”, conforme al carácter y al genio de cada nación y no a preceptos de un ideal abstracto que presume de validez universal. Afirma que “..el arte fue mucho antes plástico que bello, y se hizo un arte verdadero y grande, a menudo mas verdadero grande que el bello”.
• A partir de sus reflexiones sobre la estructura y la forma introduce la idea del análisis morfológico: el estudio de un fragmento puede permitir la comprensión del todo. Todas las formas tienen su lógica interna.

GOYA, ES EL ARTISTA QUE DURANTE ESTE PERIODO INTRODUCE LOS ANTECEDENTES DE LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL SIGLO XX.

El sueño de la razón, Francisco de Goya. (1746-1828)

….te consideras garante de los secretos del arte porque puedes dar cuenta de la anchura y la línea de enormes edificios. Si hubieras sentido en lugar de medido, si el espíritu de las medidas que contemplaste se hubiera apoderado de ti, si no te hubieras limitado a copiar porque ellos lo hicieron y es bello, hubieras llevado tus planes de manera necesaria y verdadera y de ellos hubiera manado una belleza viva que se habría apoderado tu obra.
Goethe (1749-1832).

La duquesa de Alba y Saturno devorando un hijo

Delacroix aborda el tema de la Revolución Francesa, hace protagonistas de su obra a personajes del pueblo y da un tratamiento especial de energía y color a los temas mitológicos clásicos de los que no logra liberarse completamente.
Pero es Goya quien produce las obras que rompen radicalmente con las reglas estereotipadas del neoclasicismo aportando nuevos tratamientos temáticos y técnicas pictóricas que anticipan la llegada del movimiento moderno.

Perro semihundido y El 3 de mayo de 1808

Karl Marx (1818-1883) Federico Engels (1820-1895)
• La estética materialista se plantea cómo una teoría general del fenómeno artístico, considerando esto último cómo el producto superestructural (conjunto de elementos de la vida social dependientes de la infraestructura) de una sociedad concreta. • La evolución del arte esta vinculada al desarrollo de los sentidos en relación a la apropiación de la realidad a través del uso de las cosas para un fin colectivo, es decir al desarrollo conseguido en el ser humano para transformar la naturaleza en objetos útiles, como la evolución de la mano para transformar desde un guijarro hasta producir un tableta electrónica, por ejemplo.

Siglo XIX Segunda mitad
El impacto de la Revolución Industrial, con los conflictos entre el artesanado y la industria y entre el trabajo y el capital es el marco en el que se desarrollan nuevas ideas en torno a la estética y la arquitectura.

Surgen paradigmas que contribuyen a una estética radicalmente distinta a la concepciones arquitectónicas de periodos anteriores. Dentro de este ambiente destacan tres pensadores, el crítico de arte John Ruskin y los arquitectos y teóricos Viollet-le Duc y Gottfried Semper.

John Ruskin (1819-1900)
Para Ruskin, la arquitectura se debe a las costumbres, al paisaje y al clima, es decir, guarda una vinculación con el lugar concreto, sintiendo gran admiración por aquella arquitectura que es producto de la comunidad.
La arquitectura, a diferencia de la construcción y la edificación, debe evitar la simulación de una estructura que no corresponda a la lógica constructiva de los materiales, la imitación de otros materiales a través de la pintura y la utilización de adornos producidos mecánicamente. La verdad de la arquitectura es un principio estético consistente en la legibilidad del sistema constructivo y la correspondencia de los materiales.

La arquitectura es al arte de disponer y adornar edificios levantados por el hombre, cualesquiera que sean sus finalidades de modo que contribuya a la salud, a la fuerza y al goce del espíritu.

Viollet-le Duc (1814-1879)
• En Violellet- le Duc encontramos formuladas expresiones sobre la arquitectura que expresan cada vez un mayor compromiso social. Para este arquitecto la arquitectura es expresión inmediata de una estructura social concreta: considera, por tanto importante la perspectiva histórica, que permite entender los aspectos, políticos, regionales y folclóricos. • Considera que la arquitectura no debe imitarse en las formas sino en las técnicas, los metodos del constructor deben variar en relación a la naturaleza de los materiales, a los medios de que dispone, a las necesidades que debe satisfacer y a la sociedad en la que actúa.
• Para Viollet-le Duc La forma es resultado de la función.

Gottfried Semper (1803-1879) William Morris (1834-1896)
Con Gotfried Semper y William Morris se radicalizan los cambios en la visión de lo arquitectónico en sus aspectos ético-políticos. William Morris, fue militante socialista, escritor, artesano, poeta, impresor, pintor y finalmente diseñador.
En un contexto de incipiente valoración del trabajo por encima del producto y de una naciente antropología cultural, hace su aparición la idea de diseño, atribuida a William Morris (1881), y que se refiere a su particular forma de imaginar la arquitectura como una actividad que abarca la consideración de todo el ambiente físico que rodea la vida humana. Morris identifica arte y trabajo, el arte es simplemente trabajo y el trabajo es valorado por encima del producto.

Las estéticas de la Einfühlung la empatía y la pura visibilidad.
El término Einfühlung es una fusión de las palabras visión y sentimiento que intenta referirse a la experiencia de proyectar el sujeto sus sentimientos sobre el objeto intuido. Esta nueva línea de investigación combate el idealismo absoluto y promueve la aplicación del cálculo y del método experimental a los fenómenos psicológicos, el estudio de la relación entre forma y contenido. Para Herbart, el fenómeno es el único objeto real de conocimiento, por lo tanto la estética estudiará las formas y lo que estas producen en nosotros. Considera que lo bello se organiza mediante la simetría, la proporción, la armonía y el ritmo.

Para Zeising, la experiencia sensible remite siempre a la unidad, a la simetría, a la proporcionalidad y a la serialidad. Cada dato de la experiencia sensible demuestra cómo estas leyes son internas con respecto a la idea y a la forma y cómo son percibidas a través de leyes y de relaciones numéricas. Atribuye a la sección áurea, relación entre una línea vertical y otra horizontal, el principio de la armonía universal, clave de una concepción absoluta de la belleza.
Esta idea remite de nuevo, aunque de distinta forma al pensamiento clásico, a pensar que hay unas leyes que permitan la producción de belleza por parte de cualquier sujeto pero también a una visión mística de lo bello.

Esta visión es la que permeará las vanguardias de siglo XX, en artistas cómo Seurat, Cezzane o los cubistas y neoplasticistas o también en arquitectos cómo Le Corbusier o Ungers.

• Para Fechner, las formas producen sensaciones por lo que resulta necesario comprender su gramática y su sintaxis. Sin embargo, restringe la existencia del placer a un principio general que según el será la variedad en el orden.
• Adol Göller, intenta superar el determinismo psicologista de Fechner y Zeising, proponiendo una «ley de series» en oposición una «ley de la proporción».
– Introduce así la idea de que la belleza de las formas radica en su combinación en serie. – Que si los elementos combinados en serie forman «contrastes» estos aumentan la belleza, y que al contrario la variedad sin relación queda privada de efecto.

Con Vischer y Lipps da comienzo la teoría de la einfühlung (empatía). En esta teoría el arte deja de ser una representación de la idea, para convertirse en el suceso que permite en mayor grado la proyección de las emociones del sujeto en el objeto percibido. La arquitectura se somete, más allá del compromiso con la finalidad (ciencia), al compromiso con la materia, que se expresa a través de la gravedad, la masividad, el peso. El carácter de la arquitectura es sólo monumental, es arte originario y es fundamentalmente sublime. Es arte simbólico.

Lipps ejerció una gran influencia en los estudiosos de la estética de la primera parte de siglo XX (Worringer, Wölfflin, Schmarsow, Brinkmann). Lipps afirma «lo que funda la belleza de un objeto debe pertenecer en todo momento y de modo inseparable a ese objeto» Sitúa también la impresión estética cómo actividad propia de la humanización respecto a las cosas. Encontramos en Lipps una referencia constante al término percepción a partir del cual plantea sus propuesta sobre la experiencia estética. Las formas geométricas representan para Lipps una «actividad mecánica» y en esta actividad mecánica radica la belleza de las formas.
La definición de arquitectura experimenta una radical evolución. La arquitectura se define por primera vez como arte del espacio. La arquitectura representa en grado máximo la relación del hombre con el espacio, y es por tanto el arte que mejor identifica la tendencia del hombre hacia la belleza inorgánica cristalina, que psicológicamente se contrapone a la naturaleza orgánica y al confuso y angustiante mundo sensible.

Todo este pensamiento culmina en la teoría de la visibilidad pura, como método de lectura científico- crítica de las obras de arte, tomando como punto de partida determinados símbolos o esquemas de la percepción de la forma. Esta no se trata de una estética sino de una ciencia del ver estético. Nace con Fiedler quien retomando a Kant, defiende que es la «conciencia» la que da forma a las sensaciones, planteando que no es posible traducir el mundo sensible a los signos del lenguaje articulado (la palabra). El ojo del artista es productivo y no sólo receptivo, por lo que tiende a expresar algo

Con Alois Riegel y Wölfflin, se plantean nuevos paradigmas. Para el primero, las manifestaciones artísticas corresponden a una voluntad que toma cuerpo en momentos históricos determinados y en determinadas formas. De esta forma ya no se permitirá afirmar superioridad artístico estética alguna de una época a otra.

Los estudios sobre lo visual de Wölfflin se resumen en las contraposiciones entre visión lineal y pictórica, superficie y profundidad, forma cerrada y forma abierta, multiplicidad y unidad, claridad absoluta y claridad relativa. Para este crítico el placer que nos proporcionan los ritmos arquitectónicos viene de la alegría de sentirnos liberados del peso terrenal en virtud de la voluntad artística, fuerza motora que radica en la materia empujándola a pasar de lo informe a la forma. Las sugestiones psicológicas producidas por la arquitectura cómo la proporción, la horizontalidad, la verticalidad, el peso, la tensión, el reposo, pueden inducir en el observador una impresión de serenidad, una tranquila distensión, un cierto sentido de poder.

Notas: • Los textos referentes a la estética arquitectónica, son en gran medida extractos de la obra de Roberto Masiero, Estética de la arquitectura.

CONCLUSIONES
Cualquier obra que sea realizada con una intención artística se puede denominar como ARTE.
Lo que distingue una obra de otra son sus contenidos y la calidad de la técnicas representativas. Así no cualquier objeto aunque sea realizado con una intención artística tiene la misma valoración dentro de estudio de la historia del arte.

Es importante considerar que todo producto artístico tiene su propio valor dentro del contexto en el que se elabora. La cualidad del arte como medio expresivo conserva su efecto en las mas diversas manifestaciones artísticas. De ahí el valor de las propuestas artísticas (Fluxus, Joseph Beuys, etc.) que pugnan por una apreciación del arte menos exclusiva y mas abierta y comprensiva.

También hay que considerar que las producciones humanas de ámbitos que no son precisamente artísticos (ciencia, tecnología, oficios, etc.) y que son creadas sin intención de ser obras de arte, por la calidad de su manufactura se pueden disfrutar como tales. Esto es porque en su intención de lograr ser el mejor producto posible dentro de sus propios parámetros y en el dominio de una técnica para poder llevarlo a cabo con destreza, hay una experiencia emotiva tanto en quien lo produce como en quien finalmente lo observa. Bajo estas circunstancias es posible experimentar placer al producirlo, al presenciar su producción y finalmente al observar el producto ya realizado.
Es un hecho que al trabajar en cualquier realización, vivirlo con pasión, dedicándole el mayor esfuerzo y contando con la habilidad técnica para poder llevarlo a cabo es posible lograr una experiencia estética.

El arte está relacionado a la generación de emociones que potencialicen la percepción de ideas o bien a la experiencia emotiva que provoca llevar a cabo con destreza cualquier producción humana.

El arte siempre es un producto humano pero también la belleza, la vertiginosidad o el asombro que nos producen las obras de la naturaleza son experiencias estéticas equiparables a las que nos producen las obras creadas con destreza por el ser humano.

Como se menciona antes, los sentimientos están vinculados a nuestra experiencia sobre todo afectiva y permanecen en nuestra conciencia. De esta forma el arte, a través de recursos estéticos, tiene la posibilidad de sembrar sentimientos que nos muevan a actuar o pensar de una determinada forma, estableciendo actitudes y hábitos de pensamiento.

Descubrió que el verdadero sentido del arte no era crear objetos bellos. Era un método de conocimiento, una forma de penetrar en el mundo y encontrar el sitio que nos corresponde en él, y cualquier cualidad estética que pudiera tener un cuadro determinado no era más que un subproducto casual del esfuerzo de librar esa batalla, de entrar en el corazón de las cosas. Procuró olvidar las reglas que había aprendido, confiando en el paisaje como en un socio, abandonando voluntariamente sus intenciones y rindiéndose a los asaltos del azar, de la espontaneidad, a la embestida de los detalles brutales…el acto de tratar de plasmarla en los lienzos le había servido para interiorizarla de alguna manera y ahora podía percibir su indiferencia como algo que le pertenecía a él, tanto como él pertenecía al silencioso poderío de aquellos gigantescos espacios. Según me dijo, los cuadros que pintó eran toscos llenos de colores violentos y de extrañas e involuntarias oleadas de energía, un remolino de formas y de luz.

Paul Auster, El Palacio de la luna.

Exposición realizada para el curso de Investigación II del taller Max Cetto de la Facultad de Arquitectura de la UNAM. noviembre, del 2011.