Nº1 Noviembre - La Firma: Miiniaturas Beneito - Motoko por Lord Triste - Mi Tesoro por Conan - Kong vs Kong por

Claudio Bochini, Marc Muniers y Marco Navas -Nadie Sabe como...pero suele sucede por Ramón Arredondo -De Tiendas por.... Barcelona con Conan -El Gabinete del Dr J: Bat Child -El Doctor Jekyll como Mr Hyde (Aurora Models) por Luis H Agüe

Hola a todos¡¡¡ Imagine, nace como lugar de encuentro entre aficonados a este hobby, firmas de miniaturas y tiendas.Y sobre todo, con la ilusión y el trabajo de muchas personas que desinteresadamente trabajamos para llevar a cabo este proyecto. Imagine,representa el anhelo por pintar figuras sin más pretensión que la de pasar un tiempo agradable, disfrutando de este hobby, sin la necesidad de estar sujeto a las estrictas reglas que se han impuesto en los últimos años, en lo referente al acabado de las piezas. En Imagine creemos en la idea de que: -No hay figura fea. -Lo importante es difrutar del hobby. -No nos gusta el elitismo, que en los últimos años se ha apoderado de este hobby. ¡¡¡¡¡ desterremos la segregación¡¡¡¡ Al ser una revista completamente altruista, muchos de los colaboradores no han tenido tiempo para la entrega de sus articulos, pedimos disculpas por ello y prometemos introducirlos para el siguiente número que será dentro de 6 meses. Pedimos a todos aquellos que lean esta revista virtual, que nos disculpen por los errores que puedan apreciar. Nos somos editores, ni profesionales de la prensa, lo único que pretendemos es entretener y generar afición.

Es un honor para nosotros inaugurar esta sección con Miniaturas Beneito. Sin duda la firma española más importante del panorama modelístico español. Con una trayectoria impecable en pintura y en escultura ha sabido sobrevivir al paso del tiempo. Dándonos a todos un ejemplo de buen hacer. Prueba de ello es su última incorporación, una de las mejores piezas de los últimos 5 años.

¿Cómo, cuando, donde y porque comienza la aventura de Miniaturas Beneito? Margarita Moreno:Miniaturas Beneito comienza en una terraza cerrada de mi casa con Julio Contreras haciendo maquetas y escribiendo libros, uno salio al mercado y el otro se quedó en la imprenta

Miniaturas Beneito desde sus comienzos ha sido un trabajo cuidadoso, meticuloso y en equipo. ¿que ha aportado cada miembro de ese equipo? Margarita Moreno: Unos aportaban ideas, otros como llevarlas a cabo.Se ayudaban y enseñaban unos a otros. Fernando fue un visionario de su época, ¿que le llevo a cambiar la concepción de la figura estática de aquel momento para llegar a crear lo que años después sería un nuevo concepto de miniatura ( más dinamismo, más dramatismo…)? Margarita Moreno: El darle fuerza y vida a las figuras que dijeran algo más, no siempre firmes,como era costumbre en la época. El diorama y las viñetas han cobrado fuerza en Miniaturas Beneito casi desde sus comienzos, hasta el punto de escribir un libro en 1981 junto a Julio Contreras ¿porque siempre le habéis dado tanta importancia al diorama? Margarita Moreno: Porque el diorama es el conjunto de una situación en un momento dado, es mas real , bonito y atractivo tanto para la gente que lo hace como para el espectador,

Muchos modelistas piensan que el uso del acrílico se debe a las distintas publicaciones pero en aquellos años en los que se pintaba con esmaltes y oleos, Fernando fue el precursor del acrílico ¿Por qué experimenta este cambio en el material y por supuesto, en las técnicas de pintura? Margarita Moreno: Fernando va a Barcelona y en una tienda lo ve, pregunta, y ya empieza a darle vueltas a la cabeza.Se trae un montón de botes de los antiguos de boca ancha ,y a practicar.Y junto con Juanma, deciden divulgar está nueva técnica haciendo cursillos de pintura hace ya 27 años.

Una Firma de miniaturas, se va haciendo a fuego lento con el tiempo, su seriedad, su calidad y sus distintos trabajos a lo largo de su existencia, le dan la solemnidad que se merece ¿Cuáles han sido los trabajos que miniaturas Beneito pasea con más orgullo? Margarita Moreno: Los dioramas de la Guardia Civil,Napoleon, Waterloo y los trabajos para el Rey Fernando Beneito recibió numerosos homenajes y premios a lo largo de su carrera ¿cual de ellos le hizo una ilusión especial? Margarita Moreno: Fernando era tímido aunque no os lo creáis por eso hay pocas fotos de él, se escondía. Le hizo mucha ilusión la medalla de plata en Flokestone cuando las medallas eran hoja de papel plateada y el premio al artesano del año .

A lo largo de estos 30 años Miniaturas Beneito ha tenido que adaptarse a las innovaciones tecnológicas tanto en la fundición como en los nuevos sistemas de marketing y publicidad ¿Cómo ha sido este proceso? Margarita Moreno: Pues Fernando, nunca se ha parado a hacer pruebas hasta en sus últimos días. Nadie le enseño nada. y quería siempre perfeccionar mas el modelaje y la fundición. En cuanto a marketing su 3x2 en figuras,la publicidad en revistas y la publicidad directa a sus clientes, fueron sus mayores herramientas, para dar a conocer nuestros productos.

Hace unos años había también ferias y concursos,¿ Que ha cambiado desde entonces en estos eventos? Margarita Moreno: Había menos gente pero más compañerismo. Para ir a las ferias se compartian coches, viajando juntos mejor rollito. Miniaturas Beneito desde su fundación ha sido dirigida con discreción por Margarita Moreno, ha sido una de las primeras mujeres en Europa en dirigir una firma de miniaturas ¿Qué diferencias te encuentras en el mercado de hoy con el de hace 30 años? Margarita Moreno: El mercado de hoy está basado en la novedad y está enseguida se apaga.Muchos fabricantes sacan gran número de figuras, inundando el mercado, pero no por eso se vende mas,La gente no puede asimilar tantas novedades, ni economicamente ni por tiempo, es un error pensar así ¿como se vive en un mundo de hombres? Margarita Moreno: En el mundo de hombres, hay gente muy maja y los que no lo son peor para ellos. El tiempo los pone en su sitio. yo encantada como uno mas en las ferias, hubo un tiempo en que me llamaban carlitos, la verdad es que me miman.

Miniaturas Beneito lleva haciendo cursillos de pintura los fines de semana desde hace 30 años habéis enseñado a pintar a mucha gente a lo largo de tantos años ¿que os ha llevado a organizar estos cursos y que ambiente se respira en los mismos? Margarita Moreno:Hacer cursillos fue una manera de divulgar el hooby, para que la gente pintara mejor, se sintieran contentos con su trabajo, y así darle continuidad a eso de pinta figurillas .El ambiente es una reunión de amígueles, lo vas comprobando sábado a sábado. Se enseña a pintar y ellos te pueden enseñar como hacen un diorama u otras cosas, charlar, estar a gusto y al final de clase ...una cañita ¡¡me encanta!! Como se encaja que muchas de esas personas a las que habéis enseñado a pintar, renieguen de su progenitor y se autodenominen autodidactas? Margarita Moreno: Al principio no te lo puedes creer, pero luego me dije mejor, no eran trigo limpio José Hidalgo es la mano que ha sustituido el trabajo de Fernando tras su muerte. Estar a la altura de uno de los miniaturistas más reconocidos y reconocibles de Europa cuyas figuras tienen un marcado acento personal es una empresa muy difícil ¿como se afronta este reto? Margarita Moreno: Es difícil pero nunca hemos querido ser los best, sino hacer cosas agradables bonitas y que le gusten a la gente Personalmente creo que los modelistas somos un colectivo con poca memoria histórica, después de tantos años en el mercado, con tanto trabajo a las espaldas y con tantos incondicionales que os siguen ¿Os habéis sentido olvidados por las publicaciones, foros de Internet, etc.? ¿será quizás que solo nos interesa la “NOVEDAD”, en el sentido más estricto (Nueva figura, nueva marca, nuevo... ) Margarita Moreno: Olvidados siempre, puede ser por el carácter de Fernando que la decía a la gente las cosas que no le parecían bien a la cara y eso no gusta. De todas manera siempre interesa mucho mas la novedad.

¿En que estáis trabajando actualmente? Margarita Moreno:En encargos de fundición y unos sudistas

¿Cómo veis la miniatura en un futuro? Margarita Moreno:Cada vez mejor modeladas y fundidas, pero para unos pocos, sino divulgamos a los que vienen atrás este hobby

Texto: Isabel Celada

A la memoria de Fernando, un gruñón cascarabias que tenía un corazón que no le entraba en el pecho. Y que nos enseñó todo lo que sabemos hoy.

Por Oscar Tahoces

Motoko

Bueno gente para increíbles aventuras y sinceros en palabras. Abordamos aquí , la pintura a base de aerógrafo de una dama, una ninfa que se mueve entre cables de siniestras esperanzas y futuros mal paridos. Me refiero a Motoko de la serie manga “ Ghost in the Shell” , serie de la que bebió descaradamente la trilogía “Matriz”. Decir que no es labor de buen plato, para alguien que nunca halla plantado cara a los tonos de la piel de una fémina y menos a aerógrafo. Pues estos, deben ser más tersos y suaves que los de las figuras de fornidos guerreros. Hay que tener bastante tacto a la hora de la mezcla y no pasarnos en las sombras, ya que una sombra muy marcada hará parecer a nuestra dama ,en una camionera anclada en bares de perdedores. -Despiece: Tratamos aquí una figura en resina, por lo que el cuidado a la hora de separar las piezas de los odiosos y malparidos bebederos deberá ser cuidadoso.

- Imprimación: Con aerógrafo, pulverizo la figura y el suelo .Usér el megro, pues a la hora de hacer subidas y pintar contornos me resulta mas sencillo

-Color Carne ,1ª y 2ª Subida : Bien este es uno de los pasos mas delicados de la pintura a aerógrafo, en cuanto a los tonos de la piel se refiere; Hablo de la mezcla ,la cual deberemos ir probando sobre un trozo de plástico hasta dar con la tonalidad deseada. La mezcla que use para sacar el tono carne esta compuesta íntegramente con Tamiya Coor Acrylic y es la siguiente : Base XF15 mas o menos medio tapón de Tamilla + XF 2 como una gota equiparable a la uña del dedo Pulgar + XF 4 .Aquí mas o Menos como la del meñique + XF 68 igual ,con la del Meñique vamos sobrados. Bien obtenemos así con estas proporciones el color carne para nuestra dama elegante, fina, sencilla al andar y complicada de amores es MOTOKO. Vale, aerógrafiamos todas las zonas carnosas de dicha dama sin preocuparnos de pintar otras zonas no deseadas, para eso ya habrá otro paso. Una vez seca ,aplicamos la 1ªSubida de luz, la cual obtenemos con XF 2, solo verter una gota del tamaño de la uña del socorrido meñique y añadiremos a esta y a todas las subidas una gota de alcohol de curar a la mezcla , pues es el mejor disolvente para este tipo de pinturas Tamiya.¡¡¡NO USEIS AGUA!!! Vale, Aplicaremos con el aerógrafo, el rociado debe ser a poca presión para no correr el riesgo de plasmar en la figura un trazo duro y falto de glamour y delicadeza. La subida de luz se da en aquellas zonas mas sobresalientes de la zona en cuestión, cuidando siempre como ya sabréis de dejar algo de la subida anterior, Es exactamente lo mismo que si pintáramos una figura a pincel. Para la 2ª Subida repetimos exactamente el paso anterior.

-3ª ,4ª Subida y 1ª Sombra: Bien, para la 3ª Subida en lugar de usar XF 2 usaremos XF 4, recordar, que debéis pasar tímidas rociadas de aerógrafo. No insistáis mucho en la misma zona. Bueno llega ahora la 1ª Sombra la cual efectuamos con XF 68 y muy rebajada esta en alcohol .Este color es puro, quiero decir que no se debe mezclar con el tono base de la carne. Lo aerógrafiamos como imagináis en las zonas mas ocultas y profundas de la figura. Pasamos ahora a la 4ª Subida la que efectuamos añadiendo una gota de XF 4 y otra de XF2, y como las anteriores subidas la iremos aerografiando en los puntos mas salientes de las zonas carnosas, siempre hay que dejar que se vea un poco de la anterior subida.

-2ª Sombra:( Foto 6) Bien Simplemente es aplicar una 2ª Sombra la cual conseguimos con XF 68 mas una gota muy pequeña de XF 4 y consiste en aplicarla dejando ver un poco de la anterior sombra

-5ª y Ultima Subida : Foto 7Bueno gentes maravillosas en mundos tan difíciles como placenteros en misterios. Para la 5ª y Ultima Luz de la carne , aplicaremos otra vez XF 2 a la mezcla . Se tratara de dar un punto en la parte mas alta de las zonas carnosas.U vez echo esto, daremos por zanjado el tema de la carne para preciosas damas envueltas en tersas trasparencias y sensuales en andares.

-Enmascarillamiento Foto 8 Para conseguir pintar otras las zonas sin miedo a pintar lo anteriormente tratado, deberemos enmascarillarlo o si queréis mejor proteger las zonas carnosas. Eso lo conseguimos con Maskol, para quien no lo sepa el Maskol es una especie de liquido muy fácil de manejar y algo denso que seca en pocos minutos y se puede retirar mas tarde como si de una pielecilla se tratara.

-Pintura Traje y 1ª Subida: Foto 9 Bueno la realidad nos dice que el traje de Motoko es en negro, pero si queremos sacarle luces y posteriormente aplicarle sombras , deberemos pintarlo en otro color, ya que de no ser así, surgiría la pregunta ¿Como sombrear una zona que ya es negra? Es triste pero la realidad de la vida a veces nos plantea estas difíciles soluciones. Alguien se liaría a tiros para resolver tan increíble cuestión, pero uno, que es docto en paciencias y autismos, simplemente lo resuelve pintando el traje en gris muy oscuro. Para ello empleo el color XF 69 mas una Gota (recordar Uña Meñique) de XF 1.Bien comienzo a aerografíar el traje, y una vez seco empleo lo que será la 1ª Subida al traje la cual consigo con una gota de XF 63 añadida a la mezcla

-.Pintura Body: Foto 10 Para el Body de esta increíble patriota de la cibernética corporal universal trasmetalera y difuminada belleza del anime, empleo una mezcla de XF 11 + XF 1 a partes iguales y lo doy con sumo cuidado en el Body a aerógrafo, digo con sumo cuidado por que no enmascarillo la parte del traje por lo que ando con cuidado en un mundo de perversas intenciones. No pasaría nada si me saliera un poco, de hecho me salí, simplemente a pincel se logra maquear la salida de tono,otra cosa seria si tocase la carne, pero para eso ya esta bien protegida como anteriormente hemos hecho.

- Pintura Body 1ª Subida : Foto 11 La 1ª Subida, la conseguimos añadiendo XF 16 a la base y pasando el aerógrafo por las partes mas elevadas de las arrugas.

-2ª Subida Traje y Sombreado Body: Foto 12 Bien, añado a la mezcla del color del traje una gota de XF 63 y aerografio lo que será la 2ª Subida del traje. Una vez hecho este paso, procedo a sombrear el Body. Aquí no me complico la vida, voy recto, sin contemplaciones y a saco: negro esto es: XF 1,eso si , muy rebajado en alcohol como si en lugar de negro fluido, fuera agua teñida en opacos los colores.

-Pintura Accesorios, Traje a Pincel Parte 1 :Foto 13 Bueno, aquí ya aparcamos el aerógrafo y nos agarramos a nuestro amigo inseparable, que es el pincel .Tan esbeltos en poses y tan amables en resultados. Pinto las partes de cinta de cables que van alrededor de las piernas de Motoko con acrílico Vallejo 177 (acero engrasado).Luego a negro vallejo pinto las rodilleras y el cable que sube por los brazos, así como una especie de sostén que veréis en el siguiente paso por la espalda.

-Pintura Accesorios del Traje a Pincel Parte 2: Foto 14 Bien, aquí en este paso, ya prácticamente vemos como empieza a desfilar y tomar forma ante nosotros el mundo de la magia ciber punk que es la saga “Ghost in the shell”. Pintamos en las partes metálicas como son casco ,cables del brazo ,perfiles, Body, etc. En Vallejo 177. Para las partes doradas, uso pintura Citadel SHINING GOLD, y para las partes de cables en rojo, también Citadel BLOOD RED ya que nunca me han convencido los rojos de la gama Vallejo.

-Pintura Pelo ,1ª Subida y Sombreado a Pincel: Foto 15 Utilizo Vallejo 962. Una vez seco le doy la 1ª Subida añadiéndole un poco de Blanco a la mezcla y luego sombreo con tinta Black Ink de Citadel. Bien, una vez terminado esto, procedo con unas pinzas a quitar el enmascarillamiento de las zonas carnosas. Para poder contemplar ya, lo que se nos definirá como Motoko

-Ojos :Foto 16 Bueno aquí me guié de un excelente articulo sacado de la brutal Revista modelística de ciencia ficción AMAZING. Seguí los pasos descritos por el autor cambiando solo el tono de los ojos. Use blanco Vallejo para luego darle unos perfiles por encima y por debajo del ojo en negro Vallejo. Seguidamente marque la niña con el mismo negro.

-Ultima Subida Pelo y Acabado Ojos a Pincel: Foto 17 Bien , concluyo el pelo con una 2ªSubida de luz la cual consigo , añadiendo a la base del pelo una gotita de amarillo y otra de blanco ambos de Vallejo. Los ojos, los despacho pintando la niña con un sombra tostada de Vallejo. Una vez seco, le añado un poco de amarillo Vallejo. Seco este paso, procedo a marcar la pupila con negro y le presento un par de reflejos en cada ojo, para dar ese efecto tan característico que solo tienen los ojos del anime Japo, los cuales consigo con blanco .Perfilados ambos reflejos en negro. Para los labios empleo un poco de Citadle Blood Red y lo mezclo con carne mate de Vallejo. Aprovecho y pinto en azul turquesa Vallejo las joyas que lleva en el traje , con una subida de luz .Asunto Zanjado¡¡¡.

-Alicatado: Foto 18 Bueno, prácticamente tenemos a Motoko dispuesta en perfecta pose y elegante en percha. Tan solo restan retoques como el de las uñas las cuales van en Citadle Blood Red. ¿recordáis en la Foto 14 que teníamos pintadas las muñequeras, tobilleras y Candado de Motoko en Citadle SHINING GOLD? Bien pues ahora, lo que hice fue dar un lavado de tinta BROWN Ink de Citadel para luego repasar otra vez con SHINING GOLD muy diluido las partes mas salientes de estos accesorios. Bien Motoko ya esta prácticamente lista. Falta barnizar, que para este, quien redacta, es uno de los pasos mas importantes de las figuras, puesto que es el 20% restante para que una figura este lista completamente. Utilicé Marabu satinado para las partes del traje y pelo. Así como mate para la piel y brillante para ojos, uñas y boca. Abro aquí un inciso para decir, que lo mas propio seria, barnizar la piel de las chicas en satinado ,pero al ir también el traje en este mismo brillo no quedaría bien, por lo que me he visto obligado al mate para las zonas mencionadas.

-Peana Para la Base utilicé Boltgun Metal de Citadle .Luego con colores Vallejo determiné el tono de los cables. Para los cobres, utilice Citadle BRAZEN BRASS. Una vez pintado todo. Aplique un lavado a base de tintas negras y marrones de Citadel. Es una pena no poner una foto con la peana terminada y envejecida, la verdad es que me he olvidado de sacarle una foto antes de colocarla ya con Motoko. La foto que aquí veis, es la es la peana pintada sin envejecer.peana pintada sin envejecer..

Arropada en virtuales comunicaciones. Arropada entre sabanas de placas embarradas en conductos. Arropada en mundos de tensas experiencias y lluvias despeinadas .Motoko Simplemente Camina. Mil Gracias, Gentes Maravillosas.

Mil Gracias, Gente Maravillosas

Modelismo fantásticoy kits de garage parael coleccionista exijente

«Estamos en Transilvania, y Transilvania no es Inglaterra. Nuestras costumbres no son sus costumbres, y para usted habrá muchas cosas extrañas.» (Bram Stoker, Drácula)

http://www.transilvaniamodels.com/

diorama de gollun, titulo smigollun,

Por Luis Corujpo

Sin lugar a dudas, si hay una película que nos ha tenido maravillados durante varios años, no ha sido otra más que la impresionante adaptación de Peter Jackson, de la trilogía del Señor de los Anillos. Si tuviera que decantarme por algún personaje elegiría varios, pero el que más me impresiono, sin ningún tipo de dudas fue Gollum, un ser tierno y a la vez malvado que nos hizo disfrutar muchísimo, el cual me hizo decidirme a hacer este, para mi estupendo diorama. El primer paso fue conseguir la figura, no podía ser cualquiera, sino la que considero, mejor figura de Gollum que he visto hasta el momento la del escultor Gabriel Márquez, no le falta detalle y se asemeja perfectamente al original, es estupenda. Una vez tuve en mis manos la figura es cuando surgió la idea de hacer el diorama, entonces mi pregunta fue ¿que puedo hacer? las ideas fueron surgiendo poco a poco, fui recopilando piezas de otras maquetas como parte de la base y el tronco donde se sostendrá posteriormente Gollum, su elaboración fue la siguiente. Terreno: Primeramente hice un montón de moldes de rocas, se pueden hacer de yeso, resina , marmolina etc. Yo los hice de resina. Seguidamente busque entre las numerosas bases que tengo en casa, hasta encontrar una que me serviría a la perfección para hacer parte de la base principal, mas tarde fui superponiendo las rocas que había hecho, las puse de mil maneras, hasta conseguir una base compacta y con mucho relieve. Busque una tabla cuadrada y fina y pegue todo a la madera, el próximo paso fue levantar la pared de rocas donde también se apoyaría la figura, una vez listo comencé a enmasillar toda la base para seguidamente empezar a pintar. De color base le di una capa a todo de negro mate, le hice una primera subida con marrón chocolate, las siguientes subidas las hice sobre este marrón aclarándolo con blanco, el siguiente paso fue un lavado a todo con rojo borgoña, y por ultimo pincel seco con marrón tierra. El siguiente paso han sido las rocas, la primera capa con gris azulado y después dar diferentes subidas con gris medio, y un lavado con marrón castaño + verde piedra y para terminar pincel seco muy suave para realzar los detalles con piel carne pálida + verde piedra. Para todo el resto de rocas del diorama hice el mismo procedimiento. El siguiente paso es pintar el tronco, base con marrón chocolate, un par de subidas con marrón cuero y para terminar un lavado general con tinta de color sepia, una vez pintado lo pegue al diorama y comencé a añadir la vegetación, primeramente por toda la base, después por las rocas y por ultimo al tronco, y para darle el toque de gracia le añadí hojas verdes de claveles, las deje secar un poco, las barnice y las pegue al diorama con lo que el escenario me quedaba casi terminado, solo me faltaba añadir el agua y colocarle el anillo en la base. El agua la hice con resina transparente y queda impresionante ya que el musgo en polvo que no agarro ala base, subió a la superficie del agua Dando un resultado súper real. Y con esto damos por terminado el escenario y damos paso a detallar el pintado de la figura ¡ah! solo aclarar que tanto el escenario como la figura han sido pintados a pincel y con pintura acrílica.

Figura:
En esta figura en concreto el primer paso fue pegar todas sus piezas, introduciendo claro esta un alambre en cada una de las partes que pegué, el paso siguiente fue enmasillar todas las juntas y uniones de la figura, cabeza, brazos, piernas y procedí a pintarla dándole una capa base, de piel carne morena, oscurecida con marrón castaño + rojo, después sobre el color base fui dándole varias subidas de tonalidad. Añadiéndole blanco en cada una de ellas. en el siguiente paso le hice un pincel seco con piel carne pálida, muy ,muy suave y acabar dándole un lavado o varios en blanco hasta conseguir el tono de piel deseado.

Ropa:
Para pintar la ropa le di una capa base en marrón chocolate y seguidamente sin dar tiempo a secarse una subida con marrón cuero, para que se mezcle ambos colores. y para terminar un lavado con tinta de color sepia muy diluida la tinta es de la casa Pelikan. Y ahora nos vamos a la parte mas increíble de la figura, la cabeza es complicado porque quise darle la mayor expresión posible y esto solo se consigue con la mirada, no ha de parecer un muñeco sino un ser real, el ojo lleva numerosos colores, el lagrimal y todo el contorno inferior del ojo los pinte con siena tostado, después pinte el ojo de blanco y seguidamente todo el iris, cuando obtuve la mirada que quería, me puse con la boca y el cabello, barnice ojos, boca y seguidamente mediante alambres fije la figura al tronco y las rocas, ya para acabar manche piernas, manos y codos con tinta como si hubiese estado arrastrándose por el barro, le coloque el pez y ya lo tenemos.

* Escultor: Gabriel Márquez * Escala:1/16 * Kit Descatalogado

Amor Imposible por Claudio Bocchini desde Italia
La historia:
Es el 1930, un grupo de exploradores y cineastas, con la idea de grabar un documental, viaja a la desconocida isla de la Calavera, frente a Sumatra, creyendo que allí vivía un gigantesco y peligroso gorila prehistórico llamado Kong. Una vez allí se dan cuenta que no se trataba de una leyenda sino que el monstruo existía de verdad y que, junto a otras criaturas de la era prehistórica, había sobrevivido protegido por la espesa vegetación de la jungla. En la expedición participa también la bellísima Ann Darron por la cual Kong, de manera inesperada, expresa sentimientos humanos enamorándose de ella y raptándola. Una vez liberada la mujer, el grupo decide capturar a Kong y llevarlo a Nueva York para enseñarlo al mundo. Después de muchas peripecias la historia se concluye con la muerte del último de los gigantes, asesinado encima de uno de los rascacielos de la ciudad.

La maqueta:
Los rasgos de Kong en esta maqueta no reproduce el monstruo que protagoniza las películas puesto que a este ejemplar particularmente bello, se ha querido dar casi una apariencia humana: la posición relajada de su cuerpo, la dulzura con la que tiene en la mano a su amada, la pena y la melancolía que expresa su rostro, le confiere ternura y, al mismo tiempo, expresa la consciencia de su amor imposible hacia aquella mujer. Enteramente realizado en resina, escala 1/32, está compuesto por siete piezas. El montaje ha sido extremadamente fácil. Antes del montaje todas las piezas han sido pulidas de eventuales impurezas y han sido corregidas las imperfecciones. Para esta operación se ha utilizado una pequeña lija de grano fino pasada delicada y perpendicularmente. Después se han pulido las piezas con papel de lija muy fino. El la fase siguiente se ha lavado las piezas con agua y jabón neutro utilizando un cepillo suave. Sucesivamente se han secado con una tela. acrílico blanco. Antes de proceder al montaje se ha hecho una prueba para verificar que todas las piezas encajaran perfectamente.Después de todas estas operaciones se ha podido montar la maqueta.En esta fase se han utilizado espinas metálicas y pegamento metálico especifico para este material. Una vez acabado el proceso de unión de las piezas, utilizando el mismo pegamento, han sido retocadas pequeñas porciones, se han rellenado posibles huecos y eliminado las imperfecciones.Sucesivamente ha sido eliminado el pegamento sobrante, se han perfeccionado los detalles y se ha lavado y secado. Después se ha pintado la maqueta con acrílico blanco.

La pintura:
Se han utilizado exclusivamente pinturas acrílicas con técnicas de lavado y pincel seco para las esfumaturas. Para pintar a Kong se ha utilizado una mezcla compuesta por el color negro, tierra de sombra quemada y blanco. Para las sombras se ha utilizado el negro y para darle luz el blanco.

Para la piel de Ann Darron se ha utilizado una mezcla de varios colores: carne, marrón, naranja. Para las sombras se ha utilizado el marrón y el blanco. Para el vestido el color violeta con sombras de blanco y plata. Para el camisón: beige y marrón con sombras de tierra de siena quemada, beige y blanco.

La ropa de John Driscoll ha sido pintada con verde, beige y kaki.

La tierra, después de haber sido pintada, ha sido cubierta con hierba sintética: musgos y tierra de diferentes colores.

Amor Imposible por Marc Muniers desde Francia
Esta pieza para mí ha sido un amor a primer vista, y no sólo por el tema que representa, también por la atmósfera que la rodea y como no, por la expresión de King Kong. Había algo que me decía que me lo pasaría muy bien pintando este kit y desde luego no me ha decepcionado. El fabricante de esta pieza es Fontegris miniaturas. El kit ha sido modelado por Marco Navas y puesto a la venta en una edición especial coleccionista limitada y numerada. La escala es 1/32(54mm), aunque la altura total es poco más de 20cm, reproducida totalmente en resina.

Un poco de Historia…
El personaje de King Kong puede estar inspirado por la novela de Sir Arthur Conan Doyle, "El mundo perdido” escrita en 1912.Novela que cuenta la historia de George Edward Challenger, un profesor de zoología que viaja a una isla de América del Sur habitada por animales prehistóricos. La aventura comienza al unirse un periodista a la expedición… La película King Kong, dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack se estrena en 1933 con un gran éxito de taquilla. Dando lugar desde el mismo día de su estreno a la leyenda de uno de los personajes fantásticos más populares del siglo XX. A la que sucederían multitud de remakes

La preparción…
La figura se presenta en un kit de 7 piezas, 2 de John Driscoll y el resto de Kong. El primer paso que sigo es limpiar de imperfecciones el kit, siguiendo las normas esenciales aunque sin mucho éxito, ya que se me ha roto una parte del rifle y he perdido la pieza. Así que he tenido que hacer algunas reparaciones con Milliput. También se ha roto en el limado, el pie de Ann y una parte un tronco aunque he podido pegarlos. Una vez lijado, lo he imprimado, para posteriormente pasar al montaje de todas las piezas para saber si todo encaja o es necesario algún tipo de corrección. Siguiendo los consejos de CPN, al tener poca experiencia con las figuras, he optado por montar completamente a Kong. Para luego imprimarlo con pintura de spray de Citadel. Y voilá ¡¡¡ el montaje está hecho. He empleado poco más de 10 horas. También he hecho un trabajo de investigación para acercarme más al personaje. Me basé en la película de Peter Jackson.. Gente muy amable ha contribuido a mí investigación en especial a la Señora B, que aunque no la conozco en persona me ha ayudado mucho.

El personaje de John…
Con John encontré algunas dificultades no en la pintura sino en la inspiración. Realmente no podía visualizar la figura .El escuchar los consejos de otras personas me ayudo a encontrar el equilibrio adecuado en mí visualización. A partir de ahí, la pintura empezó a fluir sola. No sin antes repetir algunas partes como su chaqueta, camiseta y cara. Lo he repetido tantas veces que se me ha olvidado tomar nota de los colores que he empleado. Para la cara de John, he utilizado una base carne oscura G44 (60 %) y de carne de base P815 (40 %). Las primeras luces han sido hechas de carne medio P860. El color de sus ojos ha sido hecho con marrón mate P984, marrón beige P875 y negro P950. Para el fusil, utilicé una base negra P950, las primeras luces con gris sombrío P984, luego utilicé el marrón claro P825 (70 %) y negro P950 (30 %). Las luces siguientes han sido hechas con gris pálido P990 y gris cielo P989. Las hebillas del fusil con marfil hueso P918. Con la mochila, utilice una base de marrón beige P875. Las primeras luces han sido realizadas a partir del color de base más marrón claro P929. Las luces siguientes también han sido realizadas con marrón claro P929. Aunque no estoy del todo satisfecho con el trabajo, el resultado final no es demasiado malo.

El personaje de Ann…
Con Ann me pasó lo contrario que con John. Nada más ponerme a pintar, la inspiración se apoderó de mí, visualizando los colores de inmediato, aunque se me olvidó tomar nota de ellos. He tratado de caracterizar la figura con una mirada sorprendida y con cierta serenidad en el cuerpo, sin abandonar el temor que siente un ser humano al estar en la mano de un ser de proporciones tan desmesuradas. No se si lo he conseguido…pero desde luego he aprendido mucho respecto a como pintar volúmenes. Gracias Jackie.

El personaje de Kong…
El trabajo en ésta parte del kit fue colosal. Una vez me puse a pintar de negro el pelo del Kong aparecieron pequeñas pintas blancas de la base de imprimación. Así que me puse a pintar punto por punto hasta que quedaron todos tapados ¡¡¡ Aún me pregunto si están todos tapados¡¡¡¡ El aerógrafo habría sido perfecto para pintar la base del pelo, aunque “Minos me recomendó el uso del rodillo”. Al gorila le apliqué una base de negro P950. Para la cara, base + azul Prusia P965. Las luces han sido realizadas con azul grisáceo oscuro P867, gris azulado claro P905, acabando por un pequeño toque de tierra P873 (40 %) utilizando estos mismos colores para el torso. Para los ojos de Kong, pinté los ojos con negro P859 y rojo diluido. La base ha sido realizada de marfil hueso P918. Para la pupila, tomé como base marrón rojizo P982, las diferentes luces a partir de marrón Royal Navy P985 y a partir de marrón anaranjada P981. Una vez pintado le di un toque con barniz brillante para darle más vida. Para el diente, use una base marfil hueso P918, y las luces con marrón amarillento P912 sucesivamente. Las primeras observaciones sobre el gorila me permitieron ver que me había equivocado completamente sobre la textura de las manos y de las patas así como en las uñas. Efectivamente, las manos y las patas de un gorila no son grises sino que tiran más bien hacia un morado muy oscuro. Pues hubo que repetir todo esto. Empezamos otra vez con las base negro P859, rojo más gris oscuro P994 y marrón mate P984 para las luces .Luego base más gris oscuro P836. Las uñas han sido realizadas sobre una base de negro P950, marfil hueso P918 y azul grisáceo P867. Otra cuestión importante que me preocupaba era la postura por la luz. Angaliel me había hablado de esto antes de comenzar, que sería un asunto delicado. Y tenía mucha razón . Escogí una posición cenital. Para eso, situé la figurilla bajo una lámpara y luego hice una foto. Esta operación me permitió ver los lugares por donde se iluminaba la figura. Pero una cuestión me asaltaba de nuevo ¿luz grisácea o luz azulada? Seguí el consejo de Yandegio, que optaba por una tendencia azulada. Después de algunos ensayos sobre la paleta, lograba poner en práctica los diferentes niveles de luminosidad. Bien, una vez hecho esto, hice las primeras luces del gorila .Base más azul de Prusia P965, La luces siguientes han sido hechas con azul horizonte P943 y azul cielo P961. Las luces extremas han sido realizadas al blanco puro, me lo ha aconsejado J P Prajoux. Pasé más de tres horas haciéndolo, pero sin duda el resultado es muy, muy bueno. Gracias a ti JPP

Encontrar el punto de luz adecuado ha sido tarea difícil, ni mucha, ni poca, en su justa medida. También me planteé otra cuestión en relación a la espalda de Kong. Como regla general, los gorilas tienen la espalda más o menos plateada. Pero ¿Cómo hacer una espalda plateada? ¡He aquí, la cuestión! La respuesta es que no es necesario hacerle una espalda plateada. Porque como está sentado, toda la parte trasera está en sombra. Pues jugué con colores grisáceos para hacer su espalda. " ¡!! Al final, encuentro que es una bella bestia!!!. Evidentemente, siempre podemos hacerlo mejor pero estoy satisfecho con el resultado.

El Escenario
Además del amor a primera vista que sentí por la pieza, encontraba el decorado muy simpático a la vez que completo. Kong desde lo alto de su promontorio rocoso, con un pequeño dinosaurio a sus pies que era devorado por las ratas. Un completo modelado en cuanto a rocas, troncos y piedras conforman el kit. Para el dinosaurio, efectué búsquedas en internet para tratar de encontrar un animal que se asemejase al que tenía que pintar. Usé como ejemplo un COELOPHYSIS (era un pequeño dinosaurio cazador muy común del triásico superior, por sus colores y sus dibujos).Fuente www.dinonews.net. Allí también, aprendí mucho sobre esta pequeña figurilla jugando con los volúmenes para remarcar el relieve. Agradezco a Sergio FRANZOIA sus explicaciones y la técnica aportada

Apliqué una base de marrón arena P876 con luces marrón corcho P847 y marfil hueso P918. Las luces del dinosaurio a partir de marrón arena P876 más marrón rojizo P982. Las sombras a partir de la base más negro máss rojo P982 Para vestir más el suelo, aporté algunos elementos suplementarios al decorado para tratar de hacerlo más vivo, como plantas (encontradas en una playa de Córcega) y helechos que adquirí de la marca SCALE LINK. Para los helechos, no utilice los tallos originales sino que los hice a partir de un hilo eléctrico. Recubrí con POLYFILLA de manera irregular para que tuviese el efecto irregular de los helechos. Luego, pinté el conjunto sobre una base de tierra oscura P874 y de marrón anaranjado P981. La fijación del helecho no fue tan simple, pues había que modificar un poco el suelo, así que añadí al decorado un pedazo de roca. Esta ha sido realizada a partir de roca líquida Príncipe August. Luego ajusté las hojas del helecho, siguiendo un consejo de DD, para darles un aspecto más redondeado. Los árboles se pintan a partir de una base gris oscuro P994, más gris verdoso P866, marrón beige P875 y del verde zozobra G28. La roca ha sido hecha con una base de gris basalto P869, más gris pálido P990, arena iraquí P819, marrón beige P875, del gris verdoso P866 y del verde zozobra G28. El suelo se pinta a partir de una base de tierra P873 más arena iraquí P819.

Esta obra me ha llevado más de 500 horas. Es una pieza que comencé en diciembre de 2006 y que acabé a finales de septiembre de 2007 A pesar de algunas dificultades encontradas, he disfrutado y aprendido enormemente con ella. Agradezco a todas las personas que me ayudaron con este proyecto.

Amor Imposible por Marco Navas desde España
“ Y dijo el profeta: La bestia contempló el rostro de la bella y su mano no mató. Y desde aquel día, fue como si hubiera muerto”. (proverbio árabe) Con estas palabras se presentaba en los cines de Estados Unidos, allá por 1933, King Kong. Como tantas otras obras imprescindibles en los más de cien años de historia del séptimo arte, King Kong vió la luz merced a un cúmulo de circunstancias.

King Kong,la octava maravilla
En 1925 ( cuatro años antes de que llegase el sonido al cine), Harry Hoyt dirigió una adaptación cinematográfica de la obra de Sir Arthur Conan Doyle, “ El mundo perdido”.Fue la primera aparición de los dinosaurios en el cine; y el hombre que lo hizo posible fue Willis O’brien, probablemente el técnico de Fx más influyente de la historia del cine. En 1914 O’brien ya había realizado un corto producido por Edison titulado “Dinosaur and the missing link”, Pero fue para el mundo perdido donde desarrolló toda su capacidad creativa dando lugar al sistema STOP MOTION. Es decir, la filmación fotograma a fotograma. Para ello anima cuarenta y nueve figuras de dinosaurios creados junto al escultor Marcel Delgado, que harán del mundo perdido de Hoyt un clásico del cine fantástico y una pieza clave en el desarrollo del subgénero llamado “Monster movies”. Entre finales de los años veinte y principio de los treinta, Ernest B. Shoedshack y Merian C. Cooper, eran dos realizadores con fama de lunáticos a sueldo de la RKO. Hacía 1928/29, Willis O’brien realiza junto a su amigo Byron Crabbe una serie de cuadros entre los que se haya uno que muestra a un mono gigante atacando aun grupo de exploradores en una selva. Este cuadro fue visto por Cooper, quien automáticamente pensó que podía ser una buena idea para hacer una película. El paso siguiente fue convencer a David O. Selznick o lo que es lo mismo el patriarca de la RKO, para contratar a Edgar Wallace, un reputado y productivo novelista inglés, cuyas novelas de intriga y misterio se habían ganado miles de seguidores en todo el mundo. El talento y oficio de Wallace sumado a las ambiciosas ensoñaciones de Cooper dieron lugar en 1931 a la historia de King Kong. La obra original más creativa e imaginativa de su tiempo. El rodaje duró todo un año, concretamente el 1932. Todos los seres fantásticos del film fueron obra y milagro de O’brien, quien dio un paso más en su técnica Stop Motion sobre transparencias, y volvió a deslumbrar al mundo con su arte. Para el Kong se construyeron varias maquetas con esqueleto de acero, rodamientos en las articulaciones y el cuerpo de caucho forrado con pieles de conejo. Para los primeros planos se realizaron bustos, manos y pies a escala 1:1, o sea, a tamaño real. La “voz” de Kong la pusieron los rugidos de tigres y leones grabados en un zoológico.

. La RKO impuso que el film se rodara íntegramente en estudio y destinó un presupuesto de 650.000 $, no mucho para un proyecto tan ambicioso, lo que llevó a Cooper y Shoedshack a utilizar el ingenio y todos los recursos a su alcance en lo que a decorados se refiere. Así, para la reconstrucción de la jungla de Skull Island ( Lugar donde habita el enorme mono), se utilizaron los decorados de “ El Malvado Zaroff”, una joyita de la serie B que firmaron un par de años antes ambos realizadores. Las enormes murallas que protegen el poblado y contienen, o lo intentan, a Kong , se extrajeron de “Rey de Reyes” y las chozas fueron legado de “ Ave del Paraíso”. Vamos, que exceptuando las escenas de Nueva York y el barco, el resto fue el coger de aquí y poner de allá en una “Potpurrí” espléndido que forma un coherente conjunto muy bien hilvanado. Los actores Robert Amstrong y Fay Wray “la rubia” ya habían trabajado a las ordenes del tándem Shoedshack- Cooper en el malvado Zaroff y mantenían contrato con RKO. Ellos junto a Bruce Cabbot fueron los elegidos para los papeles protagonistas. La película resultó tan atrevida y adelantada a su tiempo que la productora optó por cortar algunas escenas, como los planos donde Kong pisa un niño, desnuda a Fay Wray o unas arañas gigantes devoran a parte de la expedición e el fondo de un abismo. Aunque la RKO estrenó la película con más miedo que vergüenza King Kong cosecho un éxito tal que encargaron a sus realizadores un secuela, “El Hijo de Kong”, siguiendo la moda de la Universal de continuar las Sagas de Frankenstein y Drácula con sus primogénitos /as. El film tuvo un presupuesto de tan sólo 250.000$ y contó con el mismo equipo técnico y decorados que su antecesora, aunque sólo el actor Robert Amstrong se mantuvo del reparto anterior. La película se rodó con tanta celeridad y Kong estuvo tanto tiempo en cartel, que el hijo de Kong se estrenó con su “padre” aun en los cines.

Del Monstruo al Monstruito
En 1976 Dino de Laurentis intentó repetir el éxito de la RKO con una nueva versión de King Kong, aunque los deficientes efectos visuales y el escaso ritmo de la cinta, hacen que lo único destacable de este remake sea la presencia de Jessica Lange en el papel que interpretara Fay Wray. Quizás quien mayor partido haya sacado al género surgido del trío “ El Mundo Perdido” (1925), “ King Kong”(1933) y “ El Monstruo de Tiempos Remotos” (1953), haya sido la productora nipona TOHO. En 1954, Inoshiro Honda realiza “Japón bajo el terror del monstruo”.Primera película de la saga Godzilla ( Gojira, para los japoneses), el monstruo que sin duda mas films ha dado al Monster Movies ( Kaiju-Eiga, en Japón). A su estela vinieron infinidad de seres made in Japan, como Gamera, Mothra, Gavos, etc.

Incluso el enorme dinosaurio post-nuclear japonés llegó a medir sus fuerzas con el gigantesco mono en “ King Kong contra Godzilla” (Kingu Konga Tai Gojira, en su versión original), una producción de 1964 que contó con dos versiones; una para el público americano donde Kong salía victorioso y otra para el país del sol naciente en la que era Godzilla quien imponía su fuerza. Han tenido que pasar setenta y dos años para que Peter Jackson embriagado por el éxito del Señor de los Anillos, se aventurara en un nuevo remake. Si bien el film resulta impecable en lo que a fotografía, FX y dirección artística se refiere, le falta ritmo y coherencia y le sobran explicaciones y unos ochenta minutos. Aun así merece la pena acercarse de nuevo a nuestro animal cinematográfico favorito ( exceptuando claro está, a Marlon Brando).

El Kit
Supone el proyecto más ambicioso hasta la fecha de Fontegris Miniaturas, y una apetecible pieza al ser esta una edición especial coleccionista. La presente edición está numerada, firmada y limitada a tan sólo cincuenta kits; Y además de la tarjeta-certificado, incluye la figura inédita y exclusiva de John Driscoll, el explorador. El Kit a escala 1:32 está reproducido en resina y se compone de siete piezas, lo que nos ofrece un montaje sencillo y rápido y nos permite comenzar a pintar en muy poco tiempo. Siguiendo con la tradición creativa y original que Fontegris mantiene desde 1998, la presente miniatura no es un reflejo del Kong de 1933,1976 ó 2005 sino la particular visión que Fontegris tiene de King-Kong, si bien es cierto que se le reconoce más similitudes con la nueva versión que con el resto. La pose sentada del gorila de seis metros, nos ofrece un aspecto manso de la bestia. Así como la expresión de pena y melancolía de su rostro nos brinda el lado más humano del monstruo y nos transmite el sentimiento de tristeza de quien ama sabiendo que nunca podrá ser correspondido. El detallado modelado del pelo nos facilita la labor de pintura permitiéndonos utilizar técnicas rápidas y sencillas como la aguada y el pincel seco. La figura de Ann Darrow (la rubia) está inspirada en la actriz Naomi Watts, aunque el hombro descubierto y la abertura lateral del camisón que deja entrever el muslo, está mas cercanos a la gélida sensualidad y contenido erotismo de Fay Wray. La figura de Driscoll, armado con una Thompson de tambor, escondido entre la foresta a la espalda de Kong acechando cual leona de caza en el Serengueti, nos muestra en lado más animal del ser humano.

El pequeño velociraptor que yace muerto y condenado a ser devorado por las ratas, no solo aporta mayor detalle al conjunto llevándolo a la frontera entre viñeta y diorama, sino que nos permite dotar de color a la escena contrarrestando la monocromía del gorila y ofreciendo infinitas posibilidades de pintura. El terreno se ha pintado tal como viene en el kit añadiendo césped, musgo sintético, líquenes y plantas secas que convenientemente tratadas crean un clima selvático, arropando y potenciando el motivo central de la escena y nos ayudan a esconder en un segundo plano al “héroe”. La presentación y composición circular de la viñeta invitan al espectador a disfrutar de multitud de planos distintos, como queda patente en el reportaje fotográfico, con tan solo girar entorno a la obra. Algo que sin duda nos traslada al corazón de la inquietante y remota Isla Calavera, en un mundo perdido y olvidado por el tiempo donde todo es posible, menos el amor correspondido.

Tabla de colores
King Kong

Base

Sombras

Luces
Base + blanco 951

Negro 950+ sombra Base +Negro 950 tostada 941+ blanco 951 Carne

Ann Darrow

Carne mate 955 + Base + marrón mate Base + blanco 951 marrón naranja 981 984

Pelo

Carne oscura 927+ amarillo 953

Base+ marrón naranja 981+ marrón mate 984

Base + carne dorada 845 + blanco 951 Base + plata 997 + blanco 951 Base + beige 917+ blanco 951

Camisón

Rojo carmín 908+ Base + violeta 960 púrpura 959+ blanco 951 Beige 917 + marrón Base + sombra toscubierta 986 tada 941

Bata

John Driscoll

Camiseta

Marrón cubierta 986 Base+ sombra tos- Base + blanco 951 + blanco 951 tada 941 + negro 950 Tierra mate 983 + marrón chocolate 872 Base + marrón cho- Base + carne oscura colate 872 + negro 927 950

Pantalón

Camisa

Caqui 988 + marrón Base + marrón cho- Base + marrón cucubierta 986 colate 872 + negro bierta 986+ blanco 950 951

Nota Editorial: .Este artículo ha sido escrito en Junio del 2006 (para diversas publicaciónes). Actualmente la Edición Especial Coleccionista está agotada en origen, aunque no la edición de la colección regular de fantasía “ La Espada y el Viento”

Boonapartes, David Grieves,Elisena,Pagan Art, Dioramas Studio,Jmd, Pili Pili, Posre Militaire,Puchala,Fontegris, Forja, Pegaso, Soldiers,M Models, Michael Robers,New Marengo,,Durendal,Emi, Harton Miniatures,Der Bunker rock, ,United Empire, Time Machine, Romeo, Senandooh Miniature, Miniatures Aliance,Imperial Gallery,AlternativeArmies, Friulmodel,Miniature Park,Airborne ,Fort Duquesne,Fonderie Sieland Miniature, Fort Royal Review,Victory Miniatures, Miniatures,Ant Miniatures ,Aitna,MasterClass,Viriatus, Young Miniatures,The Lost Battalion,..

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Por Ramón “Gran Calamar” Arredondo.

¿Cómo pintar? ¿Cómo terminar una pieza?…. No creo que exista una respuesta definitiva a estas preguntas y nos iremos dando cuenta de que según avancen los años saldrán nuevas teorías remasterizadas promovidas por los más hábiles artistas del genero. Nada está inventado, a esa máxima tenemos que llegar si analizamos concienzudamente el devenir de los tiempos y si tenemos la suerte de poder acceder a antiguos documentos y archivos, de por ejemplo los setenta del siglo pasado. Los británicos, verdaderos maestros en aquellos tiempos, usaban los esmaltes y los óleos, así como otros medios como los esmaltes para bombillas y cosas parecidas, vamos lo que podían encontrar en aquellos tiempos. La dictadura impuesta desde el mundo mediterráneo con los medios acrílicos no hizo otra cosa, a mi parecer, que empobrecer la riqueza de oportunidades que nos mostraba el mercado. Un buen pintor podría hacer una verdadera obra de arte con esmaltes titan-lux, dejándonos a todos con la boca abierta. Ahora los óleos están de nuevo, tras siglos de ostracismo, de moda, tan solo por que en el mundillo mediterráneo los han vuelto a redescubrir y algunas mentes poco informadas han visto eso como un gran descubrimiento actual sin saber que los óleos los usaban personas pioneras en este mundillo hace ya cuarenta años y con muy buenos resultados. No por esto quiero que se me mal interprete, los acrílicos son otro medio, en algunos casos insustituibles, pero en ninguno excluyente. Yo no se pintar y me quedan muchos lustros para llegar a algo aceptable, me vence la impaciencia y la falta de pericia, pero no hay mal que cien años dure y estoy seguro de que en unos siglos más de practica llegaré a algo digno. Pero, también, se que no me gusta oír a los dogmáticos que pregonan uno u otro medio como el definitivo sin pararse a pensar que lo que dirán dentro de unos meses será lo contrario a lo que están diciendo en ese momento, pues solo hablan dependiendo de las modas imperantes. Tenemos que lanzarnos más, soltar nuestros propios presentimientos, tener menos miedo a lo que hacemos y sobre todo disfrutar en cada momento de la pieza que tenemos en nuestras manos. Se que somos una sociedad que hace cola en los lugares de moda, aun sabiendo que nos aburriremos como ostras, la cuestión es estar, salir en la foto, seguir la tendencia, pero eso solo le da gusto al primero, al creador. Al resto solo nos queda saber que carecemos de personalidad, de agallas, de fuerzas para disfrutar del momento. No nos gusta experimentar, sentir lo ignoto. Nos gusta lo seguro y aunque el resultado sea mucho peor que el original poder decir que has seguido el sistema de fulanito o de menganito, sin pensar que eso lo único que hace es empobrecer la afición. En la convención de Torrent del año 2007 pude ver una serie de bustos increíblemente pintados, soberbiamente modelados. Resaltaban de todas las demás obras que estaban a su alrededor por su originalidad, por su manufactura. Recuerdo, especialmente, a un Carlos III y a un Goya. No seguían milimétricamente a las tendencias del momento, se notaba que su autor había disfrutado con cada pincelada, con cada luz, con cada sombra y me hizo pensar que no todo en este mundo es seguir el rumbo del que porta la bandera de la modernidad. Hay que disfrutar, hay que luchar, hay que cacarear. Un simple y marginal hobby como este nos puede servir para ser más personas, para ser más humanos, para ser más críticos con nosotros mismos y dejar de lado ese sentimiento tan común de seguir a la mayoría. En definitiva de ser tan fascistas o tan comunistas como nuestros antepasados. Tenemos ante nosotros la oportunidad, con una cosa tan nimia, de mostrarnos como somos, de como sentimos nuestro más interno yo. Esto no es una broma de un pasao de rosca, por desgracia no puedo hacer surf, pero lo que sí se es que todos necesitamos un poco de indulgencia con nosotros mismos y con lo que hacen los demás. Esto, al fin y al cabo, es una manera de disfrute y no una competencia a muerte. p p

Si seguimos así terminaremos siendo endogamicos y muriendo en soledad en la frescura de un valle olvidado y ya todo dará lo mismo. Y una vez pasada la tontería que produce una buena comida, regada por un buen vino, pasaremos a explicar lo que he hecho con estas piezas. La limpieza de las piezas se realiza con limatones, papel de lija y lana de acero, retirando las líneas de junta, yo no soy muy bueno en ello, aunque después de algunos consejos he intentado prestar mucha más atención. Es bueno presentar tus trabajos y no ser soberbio ante las opiniones de los demás. Algunos darán consejos realmente estúpidos pero otros darán en el clavo y son esas opiniones las que tendremos que tomar como oro en paño. Depende de nosotros seleccionar lo bueno de lo malo. Una buena opción es saber que siempre te quedará algo por aprender y que por muy bien que te creas que lo haces siempre existirá algún ser que te superará. Las pinturas de los colores básicos son aleatorias y depende del gusto particular de cada cual. En este caso he usado acrílicos para poder después dar los lavados necesarios con los óleos. Si no se tiene prisa se pueden usar esmaltes o los mismos óleos para estos primeros colores.

Los colores básicos los suelo dar a aerógrafo tras dar con el mismo una imprimación de color claro u oscuro, dependiendo de la pieza. En este caso apliqué uno claro, más para ver como quedaba que por convicción. Ya que estoy con esa herramienta intento dar resalte a las luces con ella, dando más aplicaciones a las zonas que me interesan. Los tubos de óleo son los que usaré más adelante para dar veladuras y tintadas sucesivas a las piezas. Los diluyentes que utilizo son: Secativo de cobalto y esencia de trementina (o white spirit si se tercia). Cuando la pieza ya está pintada no suelo esperar mucho y con el mismo aerógrafo roció la mini con barniz mate o semi mate. Eso evita que se mueva la pintura y la fija estupendamente.

Las demás fotos muestran los pasos de las veladuras y tintadas que irán dando luces y sombras a las piezas. Lo bueno del óleo es que permite tomarte un tiempo para pensar donde te interesa aplicar la pintura. Con esto no quiero decir que un experto en acrílicos no haga algo así o mucho mejor, tan solo quiero decir que para mí es un medio más acorde con mi forma de ser, tan solo eso. Con sombras y tierras, mezcladas con algo de gris de payne y negro iremos dando las sombras extremas allí donde veamos que sea necesario. Suavizando los intervalos con pinceles limpios humedecidos en secativo y diluyente. Para mí es un sistema más intuitivo y rápido, que minimiza la lentitud del secado del medio al ver resultados mucho más rápido que con otros sistemas. Se puede acelerar el secado aplicando un secador de pelo a la pieza, pero todo depende de lo que queramos hacer al final. Algunos aficionados me han comentado su disgusto por la lentitud de secado de los óleos y esmaltes. El tiempo que utilizan para pintar las piezas en algunos casos superaba las dos semanas, tiempo más que suficiente como para que el secativo deje la pieza completamente seca entre sesión y sesión, al final lo único que podían argumentar era el fuerte olor de las pinturas. En eso no me puedo meter y llevan toda la razón.

El truco definitivo, en todos los medios que se utilicen, es saber usar los diluyentes adecuadamente y dar a la pintura la densidad que se necesite. Aplicarla directamente del bote lo único que nos llevara es a empastar la pieza y a perder detalles de la misma. Capa tras capa iremos dando volumen con las sombras. Estas nos marcarán donde tendremos que dar las luces finales que se pueden dar con acrílicos o con óleos. En este caso fueron dados con Vallejo, aclarando progresivamente el color base y aguándolo lo suficiente como para poder dar sucesivas capas muy finas y transparentes. El proceso es rápido, lo conseguido necesitó tan solo un par de días de trabajo y no intensivos, repletos de interrupciones. Es una manera más de pintar y por supuesto no la definitiva pues la siguiente vez será distinta.

Hoplta Girl 1

Hoplta Girl 2

Hoplta Girl 3

Hoplta Girl 4

Los metales en base son Vallejo, de la serie Game Color, mezclados con colores rojizos y verdes de Model Color. Una vez aplicados los básicos usé los óleos para intensificar las sombras y después, una vez secos estos aplique luces con los metales sin mezclar pero muy diluidos en agua con limpia cristales. Tengo que probar el alcohol de limpieza, isopropilico, dicen que es mano de santo con los acrílicos

- Ref V43.10 Amazon Hoplites

- El Viejo Dragon -1:43 Scale (40mm) -Metal y Resina -Modelada y Pintada por J.Ramón Arredondo

Y esto es todo. No pretendo aleccionar a nadie, pues se que no alcanzo el nivel suficiente, pero si quiero dejar claro que cada uno ha de estar lo suficientemente concentrado como para perder el miedo a experimentar, a avanzar sin seguir al pie de la letra otros métodos y a enriquecer con sus experiencias esta afición. Necesitamos aprender, necesitamos evolucionar, pero sin perder nuestros propios gustos o anhelos. Aprovechemos los conocimientos de los grandes maestros sin caer en la equivocación de convertir sus aportaciones en tendencias dictatoriales, ellos no se lo merecen. No convirtamos este hobby en una dictadura más, a la altura de la del arte actual, de la opinión social o de lo políticamente correcto. Disfrutemos de la libertad, al menos en algo tan pequeño e intranscendente como es esto. Un abrazote a todos. Ramón “Gran Calamar” Arredondo.

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¿Cuántas veces has estado de viaje en una ciudad y has buscado una tienda donde comprar alguna figiura o maqueta? Esta sección fija en nuestra revista, pretende acercar el universo de las tiendas a todos los aficionados. Si vas a estar en Madrid o Barcelona no olvides visitar las tiendas que recomiendan nuestros colaboradores. Sin duda un punto de encuentro entre modelistas. No os arrepentiréis.

De Tiendas por...
En Barcelona con...
SAMARKANDA MINIATURAS

Luis Corujo

Amigos mÍos, para los aficionados al hobby, en Barcelona hay un lugar al que no podemos pasar de largo, se trata de Samarkanda miniaturas, una tienda donde podemos encontrar todo tipo de figuras, escenografía, libros,revistas, pinturas, pinceles, peanas etc., etc. y lo más importante un trato cordial y amigable de su dueña Montse y su marido el conocidísimo Antonio Treviño. Samarkanda es un lugar de encuentro donde poder charlar, reír y pasar un buen rato sin necesidad de ir a comprar. Aunque siempre sales con algo jajjajajajajajajajajajaja para mi son unos grandísimos amigos y una gente estupenda.

Samarcada está ubicada en: C/Hostafrancs Nº6 Local Linea 1 de Metro. Parada Hostafrancs, Salida Mercado Horario:Lunes a Viernes de 17:00h-20:00h Sabados de 10:00h-14:00h y de 17:00h-20:00h

S A M A R K A N D A
Montse en el rincon de la pintura. Montse y Antonio a las puertas de Samarkanda.

Gran surtido de Figuras

Antonio Treviño y Luis Corujo en Samarkanda

KELESUMO
Hola amigos otra tienda que hay que visitar en Barcelona es Kelesumo,en ella encontraras miniaturas, escenografía juegos de mesa , juegos de rol y algo importante mesas, para que puedas ir a jugar y pintar, su propietario David un chaval muy majete os ayudara y aconsejará en todo lo relacionado con nuestro hobby. Es muy fácil llegar, está situado aproximadamente en el centro de Barcelona. Puedes ir en cercanías RENFE parada Arco del Triunfo, o bien metro linea 1,p arada Arco del Triunfo.

David a las puertas de Kelesumo

Vista de Interior de Kelesumo. Gran surtido en Juegos de Roll, y Figuras de 28

Kelesumo está ubicada en: C/ Ali Bei Nº12 local 1 Linea 1 de Metro. Parada Arco del Triunfo. RENFE parada Arco del Triunfo Horario:Lunes a Viernes de 10:00h-14:00h y 16:30h-20:30h Sabados de 10:30h-14:00h y de 16:30h-20:30h

“-Solo si entregas tu vida a unos ideales, si consigues ser algo más que un solo hombre, te transformas en algo superior. -¿En qué? -En una leyenda señor Wayne” (Batman Begins)

Es un honor para mí darles la bienvenida a este gabinete, que a modo de convoy, arrancará con el único objetivo de llevarles en un viaje por el mágico mundo de la pintura de miniaturas e intentando en todo momento, que se sientan a gusto y disfruten de un hobby con tantas posibilidades como satisfacciones puede darnos. Tras pasar un casting más intenso que los de O.T., hemos seleccionado para abrir esta sección una sencilla pero a la vez potencial figura de la marca Fontegris, que materializa la “customización” del dibujante Enrique Vegas sobre Batman, diseñada con motivo del Salón Internacional del Comic de Avilés.

Cartel de las jornadas del Comic de Avilés.

Busquen su asiento, acomódense y recréense con las cuatro paradas que tenemos dispuestas para ustedes: La Adquisición, la Preparación, la Pintura y la Exposición/Colección.

La Adquisición. Nuestro primer alto se caracteriza por ser tanto el más importante como el más olvidado de todos, en muy pocas ocasiones se habla de ¿cómo llega la figura hasta nosotros? En pedagogía y psicología existe un proceso denominado “Efecto Pigmalión” : por el cual las expectativas creadas a priori sobre una acción influyen en los resultados finales. Los modelistas nos creamos expectativas sobre nuestras figuras que condicionarán la forma de enfrentarnos a ellas, incluso antes de comprarlas. A este respecto, cuando acudimos a la tienda a comprar la última novedad que acaba de salir o removemos cielo y tierra buscando una antigua referencia, el nivel de expectativas creadas suelen ser positivo augurando un proceso de pintura muy satisfactorio y divertido. Por el contrario, si hay una falta de afinidad con la figura, una obligación al montaje, etc. el trabajo se tornará arduo y poco agradable. Para la mayoría de nosotros, la pintura de miniaturas es un hobby y por definición debe distraer, ocupar momentos de ocio y relajarnos. Si acaba convirtiéndose en algo aburrido o estresante, será la hora de colgar los pinceles.

Mi Batman también tiene su pequeña historia de expectativas, os la contaré: Cuando Fontegris la lanzó me acordé de una persona muy especial y se la regalé. Como gran aficionada a los Cabezones de Enrique Vegas, le entusiasmó, pidiéndome que se la pintara. Con este historial, comprenderéis que debo esforzarme al máximo en la pintura de esta obra que más que material posee un valor sentimental.

La Preparación La locomotora pone rumbo a la estación, para mí la más aburrida de todas. Preparar nuestras figuras para pintarlas debe constituir una parada obligada que evitará muchos problemas y facilitará al máximo la pintura. La mejor forma de hacerlo, la siguiente: 1. Tres son las herramientas fundamentales: Un cutter bien afilado, papel de lija de grano fino y pegamento (cianoacrilatos o bicomponentes) sin despreciar las masillas epoxídicas, el putty y alguna que otra lima y punzón 2. Sentados ante la figura despiezada, observamos una serie de imperfecciones que no deberían estar ahí, son las llamadas “rebabas” y “bebederos”. Estos entes misteriosos son producto de las uniones del molde a la hora de fundir las piezas. Para aniquilarlos no hace falta llamar a los cazafantasmas, con nuestro cutter cortaremos el sobrantes del producto dejando la pieza lo más limpia posible. 3. Llegamos a la paradoja del lijado y digo paradoja porque realmente no lijamos sino que la pulimos. Con un trozo de papel de lija (de grano muy fino) humedecido en agua limpiaremos los restos sobrantes que aun puedan quedar de las rebabas. Consiguiendo un acabado muy fino, similar al que tendría la figura mostrada en la caja. No vendría mal una vez lijada, darle una ducha con agua y jabón para quitar los restos del lijado. 4. Limpia y aseada, llega el momento de pegar las piezas. El peque viene despiezado en dos: cabeza y cuerpo. Al poseer un cabezón tan grande, utilizaremos un pegamento tipo bicomponente de más fuerza de unión que los cianoacrilatos, añadiendo un perno para conseguir un agarre extra. Esta técnica, consiste en efectuar un pequeño agujero de unos milímetros en las dos piezas y unirlas con un alambre, similar al encofrar el hormigón. El andamio es lo que tiene, que te educa y te entretiene.

Unión de la cabeza y el tronco mediante un perno

Es normal que las uniones entre piezas no casen del todo, viéndonos obligados a utilizar masillas para tapar las juntas. Técnicas como estas serán desarrolladas en números venideros. 5. Uno de los grandes problemas de las figuras en general y más en particular de las de resina, es la presencia de pequeños agujerillos provocados por las burbujas de aire que aparecen durante el fundido. Aplicando con pincel una capa de Putty diluido con acetona industrial (no vale la de droguería), obtendremos un acabado muy suave sin ningún poro.

6 Si todo ha ido bien, nuestra obra está preparada para ser imprimada. Imprimar una figura consiste en dar una mano de pintura base (blanca principalmente o gris) para conseguir un mejor agarre de la pintura posterior. Es posible imprimar a pincel, con sprays diseñados al respecto o con aerógrafo. En nuestro caso, provistos de aerógrafo, hemos aplicado una base blanca a toda la obra y otra Azul Intenso a la capa y capucha ahorrándonos así darlo después, que le vamos ha hacer, soy un vago pintando.

Seguimos viaje, la preparación esta finiquitada pasemos a la pintura.

Figura imprimada y lista para pintar.

La Pintura. Nuestra tercera parada es la encargada de limpiar, fijar y dar esplendor a una obra. Partiendo de nuestra humanidad imperfecta, debemos tener en cuenta que en muchas ocasiones, no vamos a conseguir figuras “best of show”, no pasa nada, lo importante es disfrutar con el proceso y no tanto del resultado. Dos preguntas: ¿con qué pintaremos? y ¿cómo lo haremos? La respuesta: con colores acrílicos y mediante la técnica de la Luz Cenital Los colores acrílicos son de todos los tipos de pinturas, aquellos que más posibilidades pueden ofrecer a la hora de aplicarlos. Se pueden mezclar fácilmente y añadiendo diferentes cantidades de agua, conseguiremos distintos matices. Asimismo no son tóxicos y constituyen la base de diversidad de cocktails, es broma jejeje. Al utilizar colores acrílicos un buen pincel es fundamental. Uno del número 0 redondo, uno del 2/0 redondo y alguno plano son suficientes. Os recomendaría invertir un poco de dinero en los mismos, duran más y facilitan el trabajo. Fernando Alonso no tiene posibilidades de alcanzar un mejor coche, nosotros si podemos tener mejores pinceles, aprovechemos la ventaja.

La técnica de luz cenital también conocida como “Escuela Española”, forja sus raíces en nuestro país y fue exportada por pintores españoles a los concursos de ámbito mundial. La luz cenital parte de la singularidad de distribuir la luz y la sombra por la figura de un modo concreto. Las partes mas iluminadas (luz) estarán en las zonas más altas de los volúmenes y las menos (sombra) lo estarán debajo de los mismos. Si dudamos dónde van las sombras y dónde las luces, un buen servicio puede dárnoslo nuestro flexo. Colocando la figura bajo la luz podemos observar las partes que quedan iluminadas y las que no. Incluso moviendo la lámpara, comprobaremos los diferentes visos que la misma obra cobra al ser alumbrada desde diferentes lugares.

Diferentes contrastes de una misma figura con ángulos de iluminación distintos.

Partiendo de un color base, buscaremos imitar esa diferencia cromática provocada por la luz mediante lo que denominaremos subidas y bajadas: Subir el color (luz), consistirá en ir aclarando la mezcla base y aplicarla en aquellas zonas de nuestra figura donde la luz incide con mayor fuerza. Bajar el color (sombra), será todo lo contrario, partiendo del color base oscureceremos la mezcla y la aplicaremos en aquellas zonas que permanezcan en sombra.

Diferentes gamas conseguidas subiendo y bajando el color Azul Intenso ,base de nuestra figura.

El proceso de pintura finalizará con una Veladura que no es más que la aplicación de un color intermedio muy diluido en las zonas donde se juntan las subidas y las bajadas con el fin de suavizar el contraste entre ambas.

Distribución de las luces y las sombras en el pecho de Batmana.

Cara con el color base y una vez terminada

Peana pintada mediante la técnica del pincel seco que desarrollaremos en siguientes números.

No estaría de mas, hacerse con una tabla de colores (existen infinidad de ellas en Internet o en las bibliotecas) y estudiar las mejores combinaciones, intentando crear obras con una complementación correcta entre colores. Un truco que os voy a dar y que me enseño mi novia, una gran aficionada a los “minis” y la figuras de 35mm, es pintar toda la miniatura con colores planos (sin luces ni sombras) y ver si la composición escogida es la más apropiada. En nuestro caso, tenemos la suerte de contar con una amplia bibliografía y comprobar la infinidad de versiones que existen de Batman: traje gris y capa azul (la clásica), traje gris y capa negra o traje y capa negra (más cinematográfico) sin perder de vista que cualquier combinación que hagamos y que nos gusta estará bien.

Imagen de DC La Exposición/colección ¿Y una vez pintada qué? En nuestro hobby hay un punto bastante importante de exposición y colección, las obras que vamos pintando empiezan a llenar estanterías y vitrinas que poco a poco irán cogiendo diferentes matices reflejo de nuestros gustos.

vitrina

Por Ramón “Luis H. Agüe

La creación de uno de los grandes mitos de la literatura de terror, el doctor Jekyll –y su alter ego, Mr. Hyde-, se la debemos al escritor inglés Robert Louis Stevenson, quien en 1886 publicó El Extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde. En dicha novela, un idealista científico crea una pócima que le permite separar las dos mitades que, teóricamente, componen su yo y el de todos los seres humanos, una “buena” y otra “mala”.

Convertida de inmediato en un éxito, rápidamente se implantó en la cultura popular adaptándose repetidamente al teatro y, ya en el siglo XX, a muy diversos medios, pero especialmente al cine. Actores de la talla de John Barrymore, Fredric March, Spencer Tracy o Christopher Lee serían algunos de los nombres que darían rostro al malogrado doctor en varias de las muchísimas

A primeros de los 60, la marca norteamericana Aurora Models había innovado y sorprendido al mercado modelista aportando a éste una serie de figuras en plástico que representaban a los más conocidos monstruos del cine de terror. Frankesntein y Drácula abrieron la brecha en 1961 pero, en los años inmediatamente posteriores, se sumaron a este curioso panteón en miniatura el Hombre Lobo, La Momia, y otros personajes que podríamos llamar “secundarios” como La Criatura de la Laguna Negra, El Fantasma de la Ópera, El Jorobado de Notre Dame o el protagonista de nuestro artículo: el Doctor Jekyll. Aparecido exactamente en el año 1964, la figura siguió el estándar que la casa estadounidense había propuesto para su colección de criaturas cinematográficas. Se presentaba a una escala teórica de 1/8, aunque para algunos modelistas la escala de los monstruos de Aurora está más próxima a la 1/11. En cualquier caso, la altura exacta de la figura era de 20 cm. El envoltorio en el que se presentaba era la típica caja rectangular que Aurora había hecho también célebre, con una elaborada ilustración del personaje en la portada. Y cómo no: la figura venía acompañada con una base y una serie de elementos que la adornaban y que fue, desde luego, la marca de la casa de la legendaria empresa.

En concreto, la figura del doctor se había inspirado en la interpretación de Fredric March, aunque de una manera un tanto libre, ya que la vestimenta del kit no se corresponde con ningún momento de la cinta que protagonizara este actor. El personaje aparecía representado al momento de haber ingerido la pócima y acabado –o acabando- de transformarse. Con su mano derecha sujetaba la vacía redoma cercana a su boca, y con la izquierda se agarraba el cuello con conmocionado gesto. Vestía una bata de laboratorio, y bajo ella, camisa y pantalones, complementados con una correa y zapatos que en realidad parecían más próximos a la época en la que se fabricó el kit que a la que en teoría representaba el personaje, casi un siglo antes. Mención aparte merecen todos los complementos de la figura, que si bien en esta referencia concreta no fueron los más llamativos o vistosos de Aurora, sí que lograban darle vida y ambientarla de una manera sencilla. Se asumía, por lo explicado, que Jekyll estaba en su laboratorio; sobre una base de madera disponíamos de una estrecha mesa y un taburete para situar a nuestro gusto, así como de toda una serie de instrumentos de laboratorio (tubos de ensayo, un mechero bunsen, vasos… varias de estas piezas en plástico transparen) para colocar sobre la mesa (o sobre el suelo: muchos modelistas optaron por colocar el taburete y otros elementos tumbados, representando quizás el caos y el desorden creados durante el traumático momento de la transformación). Una pieza del kit representaba ni más ni menos que líquido derramado, y que se podía situar junto a un vaso tumbado para fortalecer esta sensación de desastre. Elementos como este (al igual que otros como fuego o rayos) eran muy típicos de las maquetas de Aurora, y sin lugar a dudas uno de los rasgos más simpáticos y entrañables de éstos vistos con la perspectiva de los años.

Para complementar el decorado venía, por supuesto, una pequeña y sencilla placa con el nombre del personaje y, claro está, dos de los animalitos que nunca podían faltar en las bases de la marca americana que tratamos; en este caso una araña y una graciosa rata, mudos testigos de los temerarios experimentos de Henry Jekyll. La maqueta contó también con una edición totalmente en plástico fosforecente, una moda muy en boga en los 60 que Aurora aprovechó con casi todos sus personajes de terror. El personaje acabó siendo descatalogado, Aurora Models cerró en 1977 y con el tiempo sus figuras se convirtieron en piezas de coleccionismo altamente cotizadas en las tiendas del hobby. Muchos de sus más famosos monstruos volvieron a ver la luz en reediciones posteriores a cargo de casas como Monogram/Revell o Polar Lights, pero el Doctor Jekyll se resistió a volver a manos de los aficionados. Finalmente, en el año 2007, vio la luz la casa americana Moebius Models, dispuesta a rescatar una vez más el imperecedero legado de Aurora, y consiguió por fin los derechos de tan buscado personaje. Puesto que los moldes originales no existían, la recién creada empresa tuvo que usar una figura para crear el master en el cual basar su producción. Este proceso ocasionó que la primera tirada de Jekylls apareciera sin dientes -tan sólo con la boca abierta con gesto abobado-, pero Moebius corrigió el error en posteriores ediciones, e incluso ofreció la pieza de la cara suelta para quienes ya hubieran comprado el kit sin corregir, aunque hay que decir que esta modificación dio como resultado un Jekyll que parecía más “mellado” que con dientes deformes y torcidos como el original del film. En nuestro propio kit resolvimos fácilmente este problema creando nosotros mismos la dentadura. No pasaron muchos meses antes de que Moebius aprovechara su licencia para ofrecer también la vistosa versión del personaje en plástico fosforescente, e incluso en el ínterin sacó a la venta una variante “híbrida” entre el kit original y el que brillaba en la oscuridad: con motivo del certamen de modelismo norteamericano Chiller Theater 2007, apareció una edición especial limitada exactamente a 480 copias del Jekyll estándar con varios componentes (cabeza, manos, animales y complementos sobre la mesa) también en plástico fosforescente.

La herencia de Aurora es inmensa en su país de origen, y han sido también muchas las empresas que durante los últimos años han ofrecido complementos y variantes para la figura original de los 60 -y ahora también para su nueva reedición-: cabezas alternativas, dientes, placas… aunque sin lugar a dudas una de las aportaciones más interesantes ha sido la de Cult of Personality, que ha dado vida a tres kits diferentes para convertir a Jekyll en otros tantos personajes fantásticos: el Hombre Invisible, la versión del Mr. Hyde de John Barrymore y el mismísimo Vincent Price en su papel para el largometraje de “El escalofrío”.

A riesgo de pecar de poco original y repetitivo, siempre hago la misma recomendación a aquellos que nunca han abordado un kit de Aurora: probad. Es evidente que la calidad de esculpido y detallado no van a estar a la altura del de las piezas de hoy en día, pero construir una de estas “viejas” figuras es una experiencia única y entrañable y todo un inolvidable viaje al pasado del modelismo. Yo hace años que soy un incondicional… LUIS H. AGÜE Enlaces de interés: -www.moebiusmodels.com: actual productor de la reedición de la figura del Dr. Jekyll, así como de otras muchas también originales de Aurora. -www.transilvaniamodels.com: importadores en España de Moebius Models. En la sección artículos de su web podéis encontrar también un sentido homenaje que resume la historia de Aurora Models.

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