LAS TEORÍAS DEL ARTE El problema de crear una obra de arte, ha sido una preocupación común a todos los

artistas e historiadores de todas las culturas. A lo largo de la historia, cada cultura a sabido solucionar el problema de diferentes maneras y de diversas formas, fundamentándose principalmente en su cultura propia y en la tradición heredada de las anteriores que la influyeron. Podemos hacer un repaso a estos conceptos teóricos básicos de cada cultura. Grecia En la Grecia clásica, el arte quiere ser un reflejo de la Belleza Ideal, basado en aquel momento en un estricto cumplimiento de unas determinadas reglas, normas y proporciones, que permitieran un reflejo, sublimado, pero fiel de la realidad. Este concepto clásico del arte, amparado en la búsqueda de un ideal de belleza fijo y normativo, se vuelve a repetir en la Historia tantas veces como vuelve a reivindicarse el valor del arte clásico, así en la época del Renacimiento o a fines del siglo XVIII, en pleno auge Neoclásico. Edad Media La Edad Media no sólo carece de teorías sobre las artes visuales, sino que muy frecuentemente al arte se le considera culpable de producir ídolos, lo cual y dada la mentalidad profundamente religiosa que define esta época, provoca una de las tendencias mas fuertemente iconoclastas de la Historia. El arte en cualquier caso es durante este periodo una forma de honrar a Dios, y es esta capacidad de suscitar la devoción en el creyente lo que otorga mayores valores a la obra de arte. Siglo XIX A partir del siglo XIX, todas estas interpretaciones del concepto del arte, diferentes entre si, pero muy estables a lo largo de sus respectivos periodos, se dislocan definitivamente en un subjetivismo pleno, consecuencia de la multitud de movimientos artísticos y de las innumerables propuestas renovadoras. De ahí, definiciones tan ambiguas que en realidad lo que vienen a decir es que no es posible definir actualmente con concreción lo que es realmente el arte. _____________________________ Tampoco la valoración del artista ha sido la misma a lo largo de la historia. En la época clásica y la Edad Media, la labor artística ( la "techné" de los griegos, "ars" para los latinos) era considerada una mera actividad artesanal y sus autores no tenían mas relevancia que un carpintero o un buen agricultor. Habrá que esperar al Renacimiento para que se empiece a reconocer la labor artística como una actividad intelectual, si bien, todavía en época Barroca no se habrá conseguido plenamente. En la época Moderna aparece la figura del autor independiente cuya labor, totalmente libre, pretende desprenderse incluso de cualquier tipo de mecenazgo. _________________________________

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Una vez solucionado el problema de la creación de la obra de arte, resulta imprescindible crear unas herramientas con las cuales podamos analizarla y valorarla en todos sus parámetros. Surgen entonces las distintas "Tendencias Historiográficas". Formalismo A finales de siglo XIX se impone la primera de las grandes corrientes historiográficas de nuestra disciplina: el Formalismo. En ella se defiende el arte como Forma, en un impulso intelectual por deslegitimar las tendencias idealistas derivadas de la filosofía y que entendían la experiencia estética como una experiencia sentimental. Postura esta también defendida por los románticos. La forma tiene una importancia decisiva en el análisis y estudio de la obra de arte, y desde luego el campo de la experiencia estética y de la investigación en la Historia del Arte, no podría realizarse sin un adecuado análisis de la forma. Iconografía Su principal objetivo es buscar el significado de las artes visuales. Se trata de establecer en el análisis de cada obra tres niveles de interpretación: • Identificar lo representado ( nivel preiconográfico ) • Identificar el tema y sus valores simbólicos, alegóricos, etc( nivel iconográfico) • Identificar el significado, es decir, los conceptos, ideas, valores, etc, que se trataban de transmitir (nivel iconológico) Sociología del arte También se ha desarrollado una interpretación histórica del arte desde los presupuestos del materialismo histórico, vinculando la obra de arte con la estructura económica, social, cultural, política, etc. Esta visión tiene por ello en cuenta el ciclo vital de toda obra de arte: surgida en el seno de un determinado contexto histórico y revivida por el espectador en otros tantos y sucesivos contextos históricos. En este sentido se tienen en cuenta las circunstancias, sus mecenas, el público al que va dirigida, las circunstancias políticas, la ideología predominante con su intención propagandística y las circunstancias económicas. Psicología del arte Se deriva en dos tendencias: aquella que incide especialmente en la psicología del autor, y que por tanto explica la obra del arte a partir del carácter de la inspiración o de los avatares vitales del artista; y aquella otra que se preocupa mas bien de la psicología del receptor. Estructuralismo Para el estructuralismo todo es lenguaje, desde el momento mismo en que se afirma la preeminencia del mismo sobre el conocimiento. El estructuralismo parte de la idea básica de que existen una serie de estructuras básicas, muchas veces no aparentes que hacen posible la interpretación de un fenómeno concreto, bien sea en el campo de la lingüística, la psicología, la didáctica, o la historia. En el campo del arte, la obra en si se convierte en un medio de comunicación mas, con su significante (sería la parte material, la obra en si) y su significado ( su aportación temática). 2

TÉCNICA Y LENGUAJES DEL ARTE Una vez analizada la teoría del arte ( o sea, la creación de la obra de arte intelectualmente hablando y su análisis), abordamos la creación plástica y física de la obra de arte en si, para ello debemos determinar los elementos esenciales que vienen a definir cada una de las expresiones artísticas. Fundamentalmente en los tres ámbitos artísticos más universales ( arquitectura, escultura y pintura). ARQUITECTURA La arquitectura es ante todo una determinada concepción del espacio interior de un edificio. De ahí lógicamente la necesidad de estudiar esos elementos formales, que interrelacionados de una u otra manera, dará lugar a los distintos estilos o movimientos artísticos que van desarrollándose a lo largo de su historia. PRINCIPALES ELEMENTOS FORMALES • Estudio de la planta • Materiales constructivos • Elementos sustentantes • Cubiertas. Techumbres, bóvedas, cúpulas. • La luz y el color • El volumen • La proporción y la armonía La planta En el estudio de la arquitectura el primer elemento a tener en cuenta es la planta. Es decir, el dibujo arquitectónico de un edificio representado en sección horizontal. Su importancia radica en el hecho de ser la mejor representación de la disposición y distribución del espacio arquitectónico, así como de la particular articulación de todos sus elementos formales. Sobre una planta puede establecerse el eje predominante en la concepción del espacio, diferenciando en tal caso, entre otros, edificios en los que predomina el eje longitudinal (como en las basílicas) o el eje centralizado (plantas circulares, en forma de cruz griega, poligonales, etc.). Sobre la planta se indica también la forma de los soportes y también las cubiertas, por ejemplo, si son bóvedas de arista, en cuyo caso se señala con línea discontinua en cada uno de los tramos; o de crucería, con trazos en aspa. Materiales constructivos Los materiales constructivos, condicionan enormemente la factura del edificio, así como la sensación externa e interna que producen en el espectador. Entre los materiales mas utilizados a lo largo de la historia se puede hablar del adobe, la madera, la piedra, el mármol, el ladrillo o el hierro. Elementos sustentantes Son todos aquellos que contribuyen a la correcta tectónica del edificio. Permiten por tanto la elevación de muros y pisos y la posible construcción de cubiertas. Los más significativos son: Columna.− es un pié derecho de sección circular Pilares.− pié derecho exento aunque en este caso de sección poligonal

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Dinteles.− es una pieza horizontal que soporta una carga, dando así origen a estructuras que denominamos "arquitrabadas" o "adinteladas". Arcos.− en este caso se trata de una pieza curva, de muy distintas formas, que sirve igualmente como elemento sustentante, si bien aveces puede no tener mas que un efecto ornamental. Cubiertas Se trata genéricamente de todo aquel sistema de cierre de la parte superior de una construcción. Puede ser: Techumbres planas.− es decir, sin elementos curvos y habitualmente de madera Bóvedas.− cubiertas arqueadas normalmente construidas en piedra Cúpulas.− bóvedas semiesféricas. Normalmente cubren un espacio cuadrado, cuyo apoyo según sea una planta circular o poligonal, se realiza respectivamente de unas piezas denominadas pechinas o trompas. La Luz y el Color Los efectos directos o indirectos de la luz, tanto en el interior como en el exterior de los edificios, contribuye a la modelación espacial de dichos ámbitos, creando sensaciones diversas en el espectador, que van desde un efecto de agitación y tensión espacial por el juego de contrastes; a la sensación simbólica de la luz en el periodo gótico, llena de una concepción de divinidad e irrealidad; hasta la serenidad que transmiten los espacios ampliamente iluminados con focos de luz generosa y homogénea. Asimismo el color también anima los muros y los espacios, y otorga valores simbólicos o funcionales a la arquitectura. El volumen El juego de masas y los volúmenes externos de un edificio, también tienen su importancia estética e incluso simbólica, y pueden considerarse por tanto, elementos propios del lenguaje arquitectónico. En el caso de un castillo se trata de simbolizar a través del imponente aspecto exterior, el poder de la autoridad, ubicándose además en este caso sobre los riscos y las rocas del altozano, lo que contribuye a realzar la sensación de poder y dominio. Del mismo modo, el poder religioso utiliza torres, que simboliza la ascensión hacia Dios. La proporción y la armonía Se trata de atender de una determinada manera a la ordenación o concordancia de las distintas partes de un edificio en relación a su totalidad. Así, si se pretende una arquitectura que resalte criterios de proporcionalidad en base a supuestos de belleza ideal, se intentará lograr el equilibrio de las proporciones de todo el edificio, es decir de la armonía, utilizándose entonces un modulo, que mantenga la relación equilibrada de medidas entre todos los elementos del edificio. Por el contrario, hay ocasiones en que se puede pretender justo lo contrario, concretamente es frecuente en todos aquellos movimientos anti−clásicos, que precisamente quieren romper con los cánones de proporcionalidad y con el ideal de armonía, así ocurre con el Manierismo. ESCULTURA 4

que son las que en última instancia traducen un determinado lenguaje artístico en el ámbito de la escultura. en un principio. sensaciones todas ellas transmitidas al espectador a través del tacto. ya que cada uno ofrece distintas calidades de dureza. PRINCIPALES ELEMENTOS FORMALES • Materiales • Volumen • Proporcionalidad • Movimiento • Composición • Masa • Valores visuales • Color Materiales La utilización de distintos materiales para la realización de una obra de escultura resulta determinante. Por este motivo. oro. gracias precisamente a su tratamiento volumétrico: las figuras se adelantan del plano de muro. hierro. Por el contrario. caliza. etc. Mientras estuvo ligada a la arquitectura como un simple ornamento. terracota. se interrelacionan creando espacio alrededor. aumenta el número de puntos de vista e introducen un cierto movimiento que potencia la volumetría. ya que cada uno proporciona una calidad táctil diferente. En este sentido es significativo el proceso que se desarrolla precisamente en esta última. y con ello de desarrollar en plenitud su propia esencia. y sus contrarios. sentido este primordial para un correcto análisis de la obra escultórica. piedra. mármol. hablamos de una cierta limitación volumétrica. compacidad. que es la que empezamos a tratar. le privó en gran medida de esta capacidad de manifestar su plena volumetría. bronce. se hallaba vinculada a la arquitectura. Volumen La escultura es tridimensional y por ello comporta un volumen. la escultura moderna o la escultura gótica desarrollan su volumetría. impenetrabilidad. que rompe con la tradición románica y permite "liberar" a la escultura de la arquitectura. la escultura clásica. aunque por norma general. plata marfil. con lo que no dispone mas que de un solo punto de vista hacia el espectador (frontalidad). puesto que la obra a penas sobresale del muro y de esa manera no crea espacio alrededor.La escultura. No obstante su estrecha vinculación a la arquitectura durante muchos siglos. Los materiales habitualmente empleados son: madera. Ocurre así con la escultura monumental egipcia o la escultura románica. Estas calidades táctiles dependerán por tanto del material propiamente dicho en que se ha trabajado la obra y también del tratamiento dado a las superficies externas de ese material. Posteriormente comenzó a tomar importancia la escultura exenta. Movimiento 5 . No obstante. ductilidad. en los museos está prohibido tocar las esculturas. la escultura exenta debe ser vista desde sus múltiples puntos de vista y debe ser capaz de crear espacio a su alrededor. transmitiendo de esta manera sensaciones completamente distintas en cada caso. alabastro. le restaba autonomía. frialdad. suavidad. La utilización de diverso material condiciona la expresión estética de la obra.

de gran pesadez. Proporcionalidad Lo mismo que se vio en el apartado referente a la arquitectura. cuando la escultura se recoge por si misma limitando su capacidad de movimiento. aunque siempre primando dos tendencias mas comunes: las composiciones cerradas. Pero es indudable que hay obras que podemos considerarlas de mucha masa. potenciando de esta forma su movimiento. imperturbable. se suelen utilizar múltiples recursos: multiplicando las líneas de fuga. justo al revés. que sobrecoge al espectador.− el escultor ha de tener en cuenta siempre la luz que va a recibir la escultura. En primer lugar debe contar con que cada material empleado responde de forma distinta a la irrupción de la luz. el vacío. que suelen vincularse a representaciones de la divinidad. que buscan de esa manera una actitud contemplativa por parte del espectador. bien por medio de sus propias formas. el escultor maneja la luz en su provecho al materializar su obra. etc. de poca masa. la investigación sobre diferentes módulos de proporcionalidad ha sido constante. dispone concavidades y convexidades. rotundas. Como ocurría en la arquitectura. también en este caso ha habido movimientos y estilos que han pretendido justamente lo contrario. cuando se quiere transmitir una sensación de movimiento a la escultura. Esta particular configuración de una escultura exenta o bien de todo un grupo escultórico determina así mismo la composición de la obra. Valores visuales: la luz. Se trata de figuras rígidas. Por el contrario. estableciendo a su vez módulos de proporción. cada una de estas propuestas coincide con tendencias clásicas o anti−clásicas respectivamente. cuando la escultura se abre hacia el exterior. Por otro lado. de una visual. La Luz. de su organización del movimiento. para convertirla en un elemento mas de su expresión plástica. es decir. Se trata lógicamente. 6 . En tal sentido orienta planos y superficies. la escultura también puede basar sus ideales de belleza en criterios de proporcionalidad. de su expresividad. de una marcada frontalidad. Hay así esculturas carentes de movimiento. jugando con el vuelo de los paños o del cabello o utilizando el contraposto ( alternancia simétrica de partes del cuerpo en movimiento y partes en reposo). No obstante. la disposición de sus figuras. es lógico que se tenga en consideración como uno de sus elementos característicos. El color. Composición La composición puede adoptar múltiples soluciones. pule o no la pieza.Puesto que la escultura exenta es tridimensional y comporta un volumen. o abierta. compactas. ya que a nadie se le ocurriría pesar físicamente las esculturas. De hecho a lo largo de la historia. ya que esta misma rigidez comporta una sensación distante. la sensación de movimiento o de reposo que es capaz de transmitir al espectador. livianas o ingrávidas. etc. mientras otras son por el contrario. hierática. Masa El concepto de masa se refiere a la distinta sensación de peso que provoca una obra escultórica. estáticas. etc. No es entonces la misma calidad táctil que adquiere una escultura. Un caso extremo y de una indudable genialidad plástica sería el tratamiento particular de la masa que alterna la materia y la "no−materia". En cualquier caso depende de una diferente manipulación de la materia escultórica.

al soporte que se utiliza para realizar la pintura (muro. a partir de esas etapas (renacimiento y neoclasicismo principalmente) se inicia un periodo "acromático" en la escultura que prácticamente llega hasta la época contemporánea. tales como aceite. Contribuye a subrayar en ocasiones su realismo. A ello habría que añadir. clara de huevo. es decir. la imagen está adherida a un plano. realizadas por los propios pintores. Aunque el relieve también es tridimensional. por otro de un afán divulgativo por llegar al gran público. El error de las etapas posteriores fue creer que aquellas esculturas eran originariamente como se encontraron. sin duda. aunque en este caso con una intencionalidad expresiva. unas cualidades táctiles. no muy propiamente. y asimismo las esculturas románicas lo estaban igualmente. así como los elementos que sirven de aglutinante a la coloración. la más popular de las artes visuales.). PINTURA La pintura es. llega a hablarse precisamente de pintura "matérica ". no toda la escultura es de bulto redondo. excepción hecha de la imaginería barroca española que precisamente por culpa de esa moda impuesta fue menospreciada en los siglos posteriores. una determinada textura. Asi. No obstante el color en la escultura ha sido a lo largo de los siglos. pastosa. nos referimos específicamente. como ocurre en ocasiones con obras contemporáneas. A veces es tan densa de material que. papel. etc. lienzo.El color. Por ello también. otras. La pintura de los Primitivos flamencos se caracteriza. El relieve Pero como señalamos al principio de este apartado. carentes de policromía. en otras ocasiones potencia su expresividad. agua. se habla. todos los manifiestos o escritos propios de las vanguardias pictóricas del siglo XX. PRINCIPALES ELEMENTOS FORMALES • La materia pictórica • La línea • El color • La luz • La composición • Volumen • Perspectiva Materia pictórica Cuando hablamos de materia pictórica. adquiere valores simbólicos. independiente y por tanto complementario de los que son implícitos a la escultura. además. sobresaliendo de este en mayor o en menor medida. por un lado producto de la crítica. de huecorrelieve. sino que por el contrario se rehunde en el plano. Según como sobresale de dicho plano se diferencian los distintos tipos de relieve: altorrelieve. que es lo que viene a determinar la materia pictórica. rugosa. cabe hablar de unos valores escultóricos en la pintura. por la utilización que se hace con 7 . Cuando el bulto no sobresale. fundamental. captados en este caso a través del sentido de la vista. En este sentido. etc. podremos hablar de cuadros con una textura lisa.− el escultor utiliza muchas veces el color como otro elemento expresivo. aunque era así por que la habían perdido. mate. brillante. y por último es también por sí mismo un valor estético. etc. La información referida a la pintura es extensísima en la actualidad. Justamente las esculturas clásicas estaban coloreadas con una intencionalidad de mayor realismo. Todo ello le otorga a la pintura. es decir. mediorrelieve o bajorrelieve. en última instancia. madera. entre otros aspectos.

dependiendo de los conocimientos técnicos y de la intencionalidad de los artistas. la pintura contemporánea. como elemento aglutinante de la pigmentación. Su soporte habitual es la madera.singular maestría del aceite. El trazo grueso y vehemente tiene un carácter fuertemente expresivo. al ser un componente esencial en la transmisión de un mensaje pictórico. La línea La línea en un cuadro permite la identificación y el reconocimiento de las formas. consiguiendo unas texturas especialmente finas y pulidas. la línea de perfección. transmitiendo una sensación de tridimensionalidad. Según su trazo varía su expresión plástica: El trazo continuo y cerrado completa una imagen acabada y tiene un propósito descriptivo. 8 . ya que al no ser esta sino bidimensional. si predominan las líneas triangulares la sensación de equilibrio. siendo por ello uno de los aspectos mas sobresalientes de la pintura. busca la ruptura tradicional del lenguaje pictórico y muchas veces a través del tratamiento de texturas en el cuadro. así en ocasiones se modela con la luz. la posibilidad de imitar o simular la tridimensionalidad siempre ha sido para los artistas un reto apasionante. que acentúan la sensación de solidez. en otras es la línea. se trataría de modelar las imágenes. pero puede no ser suficiente para recrear un espacio real en su profundidad. El trazo curvilíneo transmite siempre componentes sensuales. El trazo abierto plantea una intencionalidad imaginativa y poética. si bien eso no implica que el autor quiera engañar al ojo del espectador. Evidentemente. pero su valor expresivo tiene importancia en sí mismo. acabamos de ver como el volumen en un cuadro ya introduce la tercera dimensión. También se consigue un detallismo pormenorizado tanto en los pliegues del ropaje como en el resto. En cierto modo. o incluso los efectos de perspectiva. de peso en los objetos representados. como ocurre con los escorzos. Por el contrario. como si de una escultura se tratara. A lo largo de la historia las formulaciones de perspectiva han sido muchas. La perspectiva crea profundidad en el conjunto del cuadro y no solo en un objeto (volumen). El volumen En realidad se trata de una ficción de la pintura. transformando la obra en una ventana abierta al espacio imaginario. influye también en el ritmo de la obra. sobre todo desde el movimiento Informalista. sí la circular. etc. es decir de volumen. se identifica en ocasiones con la elevación mística. este efecto se busca en obras de carácter realista. el trazo predominante en una obra tiene a su vez una significación simbólica: si predomina la línea vertical. pudiéndose diferenciar obras mas estáticas o agitadas. La línea finalmente. ya que ésta es siempre bidimensional. también contribuyen al modelado de las figuras. Los medios para conseguirlo son múltiples. con lo que se obtiene un resultado pictórico sorprendente por su brillantez y finura. Siguiendo el símil escultórico. en ocasiones con el color. Por otra parte. La perspectiva Mediante la perspectiva se simula la profundidad( la tercera dimensión). que si son muy violentos.

cuyo vértice es el punto de fuga de las mismas. si bien es cierto que ópticamente crea la ilusión visual de la profundidad. que es siempre diferente para cada uno de ellos. dando lugar a sensaciones bien distintas en cada caso. Para ello. Por su causa: • Se modifican los contornos y perfiles de los objetos (sfumato) • Se pierde nitidez en la visión con la distancia. La profundidad se crea trazando un haz de líneas que configuran una pirámide. Al contrario. no es la misma sensación plástica la que nos produce un rojo fuerte que un azul pálido. El color además. Perspectiva lineal: es característica del primer Renacimiento. Pero si cada color tiene su propio valor. Son el amarillo. tiene valor en sí mismo. todavía será mas interesante estudiar la importancia plástica de cada uno relacionado con el resto. El color La esencia misma de la pintura es el color. y por tanto no pretende representar la realidad. con el primario que no entra en su composición de tal forma que podemos hablar de los siguientes colores complementarios: Azul Naranja Rojo Verde 9 . por su expresión plástica. En todo caso. En este sentido. en su gran mayoría es simbólico. El geometrismo resultante de la composición envara y encorseta las figuras y no es totalmente fiel a la realidad. • Los colores palidecen con la profundidad. intelectual.Perspectiva medieval: es prácticamente inexistente ya que carece de sentido. ideográfico. El arte de la Edad Media. Se trata en realidad de una formulación matemática fruto de las investigaciones técnicas que definieron la labor de los artistas del momento. cada secundario contrasta plásticamente realzándose entre sí. la distancia se representa en ocasiones disminuyendo el tamaño de los objetos que pretenden aparecer en segundo plano. • Los primarios son aquellos que no pueden reducirse a otros por que no son producto de ninguna mezcla. • − los secundarios o binarios surgen cuando los primarios se mezclan entre sí: naranja = amarillo + rojo violeta = azul + rojo verde = amarillo + azul A su vez. debemos tener en consideración una primera clasificación de los colores en primarios y secundarios. Perspectiva aérea: es la gran aportación de Leonado Da Vinci al campo de la experimentación científica en el mundo de la pintura. Tiene en cuenta la esfericidad del órgano visual ( que no ofrece visiones planas como la perspectiva lineal) considerando además la importancia que tiene la existencia del aire en la visión de las cosas. el rojo y el azul. con una tendencia a la acumulación de tonos fríos en los fondos y especialmente de azules.

además. Así la luz diáfana y homogénea transmite sensación de equilibrio y armonía. la posibilidad de asociar infinitamente los colores en la paleta del pintor. Son también utilizados con pretensiones de emotividad y fuerza sensorial en los cuadros. son colores salidos. Los fríos por el contrario absorben la luz. creando armonías y tonalidades que también adquieren su valor por si mismos. el rojo de vida o pasión el negro de muerte. pero que además contribuyen a completar la propia armonía del cuadro en su conjunto. lo que explica que la pintura academicista los reserva para crear perspectiva en primer plano. el autor puede tratarla como quiera. casi infinitas porque además influyen en ella aspectos como la perspectiva. el azul y el blanco. lógicamente. la disposición general de todos los elementos. ilusoria. si no de la articulación de todos los elementos de la expresión plástica y de la sensación que en conjunto ello nos produce. la luz. la luz natural que. naranja y rojo • fríos el violeta. son entrantes y se alejan del espectador. Por ello mismo. de ahí que el efecto de un color pueda variar sustancialmente sobre la percepción del espectador según como esté combinado con el resto de colores. etc. era aprovechada directamente en la escultura. Por ello suelen crear profundidad. En este sentido.. • Los colores tiene además un valor simbólico. que aveces va ligado a fundamentos psicológicos y a veces a la tradición hereditaria de las distintas culturas. si no asociados los unos a los otros. La composición Determina la ordenación de todos los elementos del lenguaje pictórico en el conjunto del cuadro. el color. y son así mismo utilizados con intencionalidad intelectual o racionalizadora en la obra: • Existe. La luz La luz en pintura no es. utilizándola en su provecho como elemento de expresión o de composición. la interrelación expresiva. etc. y que en la actualidad las señales luminosas de los semáforos los aprovechen para prohibir el paso. • Los colores en un cuadro no se perciben aisladamente. avanzan hacia el espectador. La luz cenital contribuye a la articulación de composiciones ordenadas y estáticas. la línea. No se trata por tanto de una simple ordenación de las figuras e imágenes de la obra. 10 . En este caso se trata de una luz representada. Las posibilidades compositivas de una obra son. azul y verde Los cálidos expanden luz. en su composición. pueden ser símbolos de pureza. las formas. La luz oblicua crea movimiento y acentúa la profundidad. La luz contrastada tiene un carácter más expresivo y dinámico. como vimos. muchas veces combinados entre sí.Amarillo violeta Estos seis colores pueden subdividirse además en cálidos y fríos: • cálidos serían amarillo. por tanto. permiten el paso en el lenguaje lumínico de los semáforos. el amarillo de divinidad. es decir.

vidrio y vidriería. por el contrario. simétricas. desechando las demás como vulgares productos artesanales. platería y orfebrería) • Las maderas (techumbres y armaduras de madera.Predominan dos tendencias generales. etc. Otros tipos de composiciones: centrífugas. se exaltan las llamadas artes mayores como reflejo de valores intelectuales. incluso del hombre paleolítico. será igualmente decisiva la aportación del movimiento Racionalista. Ya en el siglo XX. elevando al rango de obra de arte el objeto industrial fabricado en serie. centrípetas. el mueble) • Los cueros (cordobanes. Prácticamente desde el renacimiento. es mucho más reciente. zig−zag. La infravaloración de estos últimos se ha mantenido constante en nuestra civilización occidental. laterales o asimétricas. esmalte. Valoración histórica Su origen histórico se haya en los albores de la civilización por que el primer objeto de cerámica o el primer adorno. en que sigue siendo difícil incluir en los manuales y libros de arte obras de vidrio o marroquinería. estucos) • Las artes del fuego (cerámica. guadamecíes. Su apreciación artística. En general podrían distinguirse las siguientes: • Los metales (rejería. llegando incluso a nuestros días. bordados y encajes) • Las piedras duras (el mosaico) • Materiales blandos (yeserías. doble aspa o cruz de San Andrés. lo que explica su utilización en estilos como el manierismo o el barroco. Las abiertas por el contrario divergen hacia los extremos del cuadro. Los recursos compositivos utilizados son: Composiciones piramidales. En el Modernismo se revalorizará extraordinariamente el papel del objeto decorativo en el mundo del arte. alfombras. azulejería) 11 . Composiciones oblicuas. agitando toda la estructura compositiva y dinamizando las escena. tapices. habría que incluirlo dentro de este terreno. fomentan la sensación de movimiento. la escultura o la pintura. Clasificación Se han realizado numerosas clasificaciones siendo la mayoría válidas y a la vez discutibles. las composiciones cerradas y las abiertas Las primeras utilizan todos sus elementos plásticos para converger hacia el centro del cuadro subrayando así su estabilidad y anulando cualquier indicio de movimiento en la obra. El ámbito de las artes decorativas se orienta precisamente al estudio de toda esta producción artística que no está incluida en el campo de la arquitectura. que se utilizan siempre con la intención de transmitir una sensación de armonía y equilibrio lo que las convierte en las preferidas de movimientos clásicos. encuadernación) • Los textiles (tejidos. ARTES DECORATIVAS Las artes decorativas son las también llamadas "artes aplicadas" y que durante mucho tiempo se consideraban artes menores y se les otorgaba un carácter meramente artesanal frente al mayor valor intelectual que se les daba a las demás.

por ejemplo. Cada signo hace referencia a una cosa: el humo. La belleza invisible El mundo creado. elevaba su espíritu hacia Dios. el sentido propio o inmediato de las cosas se reviste con un segundo sentido no explícito. un arte campesino. grabados) • Distintos materiales (juguetes. pura e inmortal. En este recinto. el león. sincero y austero. El símbolo puede ser una imagen o una figura con la que se representa un concepto intelectual. fue ante todo alegórica. abanicos) ESTUDIO DE LAS TÉCNICAS. Los encargados de confeccionar los complicados programas alegóricos. Ellos eran quienes determinaban el sentido figurado de todos los signos. fueron los teólogos. La alegoría La Edad Media. Por ejemplo. evocan la idea de otros. ROMÁNICO Introducción El arte románico fue un arte sencillo. Se dota a las formas de un sentido figurado. es lo que se conoce como alegorismo. entendido como una imagen del espíritu celestial. lugar de concentración donde el hombre. la luz era tenue. 12 . en cada una de estas etapas de la Historia del Arte. es decir. por convención. ya que utilizaba sistemas de símbolos para la representación de toda ciencia. toda figura visible y toda composición era considerada como imagen de la belleza invisible. se entendía como una peregrinación desde la nave (la tierra) hasta el altar (el cielo). eran los conceptos teóricos básicos de la Edad Media. La iglesia románica era un alzarse la tierra hacia el cielo.• Los marfiles • Los papeles (miniaturas. concepto o suceso. que. Ambos tenían un valor simbólico. Entonces se habla de símbolo. Toda forma material. grupos de figuras o atributos. representación de la justicia divina. La belleza era lo eterno de las cosas y en ella se incluían tres órdenes. es signo de fuego. Principios fundamentales del arte El símbolo Alegorismo y simbolismo. y el espacio estaba simbólicamente iluminado por la mano del terrible Pantócrator. se ha utilizado como símbolo de San Marcos. También existen elementos. La entrada a una iglesia románica. La representación simbólica de ideas abstractas mediante figuras. aislado del mundo exterior. Este es el caso del ángel. comprendía dos órdenes: el de la naturaleza y el del arte. Su máximo exponente era la pequeña iglesia. LENGUAJE Y PRINCIPIOS FUNDAMENTALES DEL ARTE DESDE EL ROMÁNICO HASTA EL SIGLO XX Analicemos ahora la evolución de los principios fundamentales del arte.

estaban gravemente influidos por las tesis filosóficas griegas. Las vastas proporciones de los edificios y la distancia a la que los espectadores contemplaban las obras. _______________________________________ 13 . Teoría del arte Pintura La función La pintura románica era. que se encuentra en el corazón de toda belleza. indicaban los personajes y actitudes esenciales que había que reproducir. eran quienes elegían los temas. Podemos entender esa repetición como debida a los cánones estéticos que impusieron los padres de la iglesia cristiana y que eran inquebrantables. con los mismos títulos t casi en el mismo orden y disposición. el artista pintaba la vida de Jesucristo. Así se situaba el personaje principal mas avanzado que los demás. lo inefable. obligó a que las figuras fueran grandes y numerosas. Su función consistía en ilustrar historias que tenían como objetivo instruir (pedagogía) y perpetuar el recuerdo. aunque se conocían las proporciones exactas. los sabios y los teólogos. es decir. • El segundo. mural. lo incomprensible. Observemos. ante todo. No era necesario que la pintura observase la naturaleza en sus mas mínimos detalles. y el Pantócrator. y las figuras se distribuían en diferentes estadios de forma gratuita. Temática En la casa de Dios. olvidando el efecto visual de la perspectiva. todo se situaba en un mismo plano. Los escritores. en particular por Platón. El espacio era ordenado según una buena disposición de las diferentes partes de la composición y. Los motivos preferidos eran la Virgen con el niño rodeada de los ángeles y santos. que representaba la imagen de Dios todopoderoso sentado en la cúpula celestial. en la práctica se prefería la viva intuición la fantasía y los adornos. según una ordenación jerárquica. es decir. lo infinito. El románico siempre mantuvo cierta geometrización y abstracción. como los teóricos medievales. enmarcado en un óvalo y dirigiendo la oración. se organizaban perspectivas imaginarias. A través de la técnica se perseguían ciertos efectos contrarios al naturalismo. se subordinaba a la función pedagógica. la belleza del mundo sensible. que también consideraba estos estados de belleza. la significación espiritual de las escenas representadas. Los temas se repetían constantemente. de las formas individuales. que es el arte • El tercero. Lo que realmente importaba era el contenido intelectual del arte.• El primero. aquello a lo que solo se podía acceder a través de la alegoría. La técnica pictórica. La pintura jugó el papel de la educación social. la belleza ideal e inmaterial. Recursos estilísticos Bastaba con que las figuras fueran puramente esquemáticas.

______________________________________ Arquitectura 14 . e inspiraban idolatría sin olvidar que también. la majestuosidad y la sobriedad. Estos programas. Era un arte figurativo. todavía vivo y vestido con túnica. Ambos temas se caracterizaban por la policromía. así. Fundamentalmente había cuatro tipos de capiteles: corintio− romanos. el hieratismo. era donde se representaban las escenas principales. pero simétricas. basado en programas iconográficos. Los figurativos presentaban formas irregulares. El estilo Se buscaba una mínima expresión en la posición y en los gestos de la figura y también en el rostro. la Revelación. El primero era la talla en madera que se limitaba al tema de la Virgen con el niño ("Virgen Teotocos") y al tema de la "Majestad" o Cristo Rey Crucificado. El arte se admiraba en función de los temas que materializaba. los Milagros y las Parábolas. A medida que avanzó el estilo. para lo que se aprovechaba la estructura de los arcos. Los historiados representaban escenas de reyes o del cristianismo. figurativos e historiados. de plantas o animales extraños. eran realizados principalmente. Entre ellas destacaban los bajorrelieves de los capiteles de los claustros. la Virgen y los Apóstoles. Las figuras humanas y animales se adaptaban al esquema compositivo y arquitectónico. En el tímpano. se fue produciendo una cierta independencia de la escultura respecto a la arquitectura. Con la imposición del modelo francés. y unas escenas de gran sencillez compositiva. era una arte estilista y esotérico. se traspasan a la escultura. La portada Las características formales de la pintura. lo que da lugar a las desproporciones características de este periodo.Escultura Tipología En el románico había dos tipos de escultura. ambas se convirtieron en un complemento ornamental de la arquitectura. por y para los clérigos. llegaría la distribución de los temas en la portada. del tímpano y de la fachada. reforzando el sentido ornamental. El segundo tipo lo componían las realizadas en piedra. ornamentales. El capitel Los capiteles presentaban una carácter muy plano. Allí se situaba el Pantócrator. como la Epifanía. la inspiración bizantina. Los mayores conjuntos de escultura se situaron en las portadas.

y se extiende el hábito de colocar las obras sobre criptas subterráneas y cubiertas por bóvedas. y se considera a este último 15 . Los sencillos recursos decorativos. La casa de Dios mas humana nunca jamás construida. Un recurso importante eran las cubiertas. y conformaban un espacio ornamentado a base de mosaicos geométricos. Era el arte contemporáneo de la filosofía Escolástica. la aparición de la universidades. cuadrada o cilíndrica. En la catedral gótica. De esta manera. Este se organizaba en tramos. era el interior. los primeros compendios enciclopédicos. De esta manera. la literatura de Dante y el "Ars Nova" musical. culminó en la catedral gótica. se convertían en uno de los rasgos más característicos de la arquitectura románica. que ahora se resaltaban desde el exterior con el cimborrio. lo que interesaba de la construcción. El espacio interior En cuanto a los interiores. Todo ello se concentró para dar nacimiento a la catedral gótica. se resaltaban desde el exterior ganando majestuosidad y elegancia. nació con la consolidación de una cultura urbana y una burguesía rica y próspera. los claustros presentaban dobles columnas que sostenían los típicos arcos de medio punto. se consiguió un espacio interno de mayores dimensiones. a base de menudas columnas con capitel esculpido. La iglesia era la imagen de la Jerusalén celeste y su estructura era el cuerpo de Cristo. se impondrían en las construcciones sagradas. eran repetidos de forma incesante. pero ahora se adornaban con finas columnillas que sostenían pequeños arcos. En el caso de Italia. Principios fundamentales del arte La casa de dios El sentido alegórico del arte medieval. Las torres de forma poligonal. símbolo de la perfección. Todos los números y proporciones tenían un valor alegórico. hay una nueva articulación del espacio. generalmente bóvedas de cañón o de crucería. la cual debe entenderse como una imagen o representación de la realidad sobrenatural. el umbral del paraíso. las diferentes partes de una iglesia. Las plantas en forma de cruz latina con brazos transversales. el hombre se acercó tanto a Dios.El espacio exterior Hasta el siglo X. _________________________________________ GÓTICO Introducción El arte gótico fue la culminación del arte románico. A partir del románico. allí donde lo sobrenatural se manifestaba por encima del mundo físico. las ventanas presentaban la antigua sencillez. según el gusto románico por la geometrización. También iba a evolucionar el claustro convirtiéndose en el lugar donde habitualmente se situaban los principales conjuntos escultóricos. el exterior adquirió una significación que nunca antes había tenido. De igual modo. El alegorismo se presenta como la interpretación espiritual de lo real visible. La catedral era la casa de Dios. que pareció querer igualarle.

crea formas ordenadas que tienden a la belleza. La belleza arquitectónica se evidenciaba a la vez en la materia y en la forma. dónde el espacio se configura a base de líneas geométricas y estructuras funcionales. y según el alegorismo. debido a las líneas verticales de pilares y torres. De las imágenes significativas. El simbolismo En la naturaleza. sin defectos de construcción. _________________________________________ PINTURA Las ideas La evolución de la pintura es paralela a la de la filosofía. Por su forma. Los principales elementos estéticos eran la armonía de la composición y la grandeza de las dimensiones. Las formas El arte como la naturaleza. y también las formas geométricas. el conjunto de la iglesia. La estabilidad y la belleza se hallaban en la perfección de las formas geométricas como manifestaciones alegóricas de un mundo superior. al bien y al ideal divino y aspira a alcanzar un resultado perfecto y proporcionado. Todos los temas constructivos tenían un carácter alegórico. Así. El macrocosmos universal estaba simbolizado por una esfera o un círculo. Es una unidad perfecta. donde el ideal universal se simbolizaba en formas individualizadas y emotivas. era una lógica petrificada. esquemáticas y representativas del Platonismo. Una lógica petrificada La catedral. tendía a la pirámide. Era habitual comparar la planta de una iglesia con una gran cuerpo humano con los brazos extendidos en cruz. las columnas y los pilares eran los obispos que por la rectitud de su vida elevaban la bóveda de la iglesia hasta el cielo. mientras que el microcosmos humano se inscribe en un cuadrado. era un vasto cuadrado que. para convertirse en una producción. La composición arquitectónica se basa en la simetría. se pasó al Aristotelismo. Suponía la transformación de una materia. el hombre era la obra mas perfecta. De aquí se evolucionó a un empirismo en el que el valor universal se sacrificaba al individualismo absoluto nacido con el declive de la Edad Media. la catedral se convertía en la proyección geométrica del hijo de Dios sobre la cruz. El número jugaba un papel fundamental. En la Edad Media. mas que un bosque de símbolos. el arte era un saber hacer. En el arte lo era la iglesia. 16 . Todo ello provocaba el estremecimiento por lo sublime. sin juntas irregulares. principio teórico que derivaba en la proporción.como la imagen de un mundo superior lleno de misterios. Así.

adquirieron un mayor carácter humano gracias a los gestos naturales y la vinculación sentimental de los personajes. los fondos dorados de los temas religiosos y una observación minuciosa de la realidad. lo que se traducía en figuras sencillas de un naturalismo idealizado. fundamento del humanismo renacentista. se abandonaron las rígidas y estáticas figuras románicas. la cual se vería como obra de Dios. El hombre del gótico buscaba en la naturaleza el sentido cristiano de la revelación y veía en el acercamiento al mundo sensible. Todas las representaciones estaban basadas en determinados libros como los Evangelios Apócrifos. que se caracterizaba por el dominio técnico. 17 . La pintura flamenca La pintura flamenca desarrolló un realismo que intentaba reflejar la psicología de los personajes a través de sus retratos. además de la belleza formal se adquiere así mismo una belleza imitativa. En el norte de Francia se crearon unos prototipos de figuras con rostros triangulares. Se buscaba la belleza ideal como reflejo de la divinidad. El gótico internacional La escuela de Siena. Junto a los avances de la perspectiva también se dio paso a la Pintura Gótica Internacional. el camino para alcanzar la salvación. el yeso y el mármol. tanto en los interiores como en los exteriores. desarrolló el naturalismo y la expresión de los sentimientos. Esto se tradujo en una pintura minuciosa y objetiva que llevaba hacia la afirmación del individuo. Las formas eran cada vez más naturales. ya no se empleaba solo la piedra y la madera. El naturalismo Se utilizaban materiales muy variados. A la vez los temas tradicionales. Pero también se valora el genio personal y espontáneo del artista. ______________________________________ Escultura El Humanismo En el arte gótico. a favor de los grupos de figuras relacionadas entre sí y con cierto movimiento. Todo lo real se había convertido en individual y singular. que se preocupaba por la anatomía realista y el volumen de la figura. pero luego adquiriría autonomía. o la Biblia de los pobres. llevó a una nueva valoración de la figura humana. las cuales desarrollaban temas extraídos de las vidas de la Virgen y de los Santos. En los retablos prosperó el sentido narrativo de las escenas. y con ella la sensación de perspectiva. Aspectos que llegaron a Francia. Con los hermanos Van Eyck se extendió la técnica de óleo. El marco arquitectónico continuaba siendo importante. el sentido ornamental. entre otros. que dominarían la escultura durante un largo periodo. La evolución del pensamiento teológico. expresión sonriente y ojos rasgados. la escultura estaba vinculada a la catedral.Cuando se imita un modelo. sino también el alabastro. que influiría en los artistas flamencos. La obra debía representar lo mejor posible al Santo o al demonio para transmitir piedad o desconfianza.

que tenía su origen L'Ille de France y que se caracterizaba por las fachadas en 18 . así como también su condición social. se representa complejos programas iconográficos. en un espacio unitario de grandes dimensiones. Si los arcos se cruzaban en diagonal forman la bóveda de crucería. La estructura El arco ojival también llamado apuntado se adaptó del arte Cisterciense. El virtualismo y la perfección técnica unidas al realismo y a la expresividad abrieron el camino de la escultura renacentista. también tradicional.El retrato En los sepulcros se muestra un carácter nuevo de gran monumentalidad donde. El segundo es la diafanidad de los muros que filtraban la luz a través de las vidrieras dando la sensación de transparencia. además de la figura yacente. situados en las afueras de las poblaciones. como son los contrafuertes y los arbotantes. Los hitos Hay dos aspectos de la arquitectura gótica sin precedentes en la historia. la austeridad en la decoración y la utilización de una estructura de muros y pilares gruesos. en la arquitectura Cisterciense. ________________________________________ Arquitectura La funcionalidad Muchos de los elementos de la construcción gótica se encuentran ya anunciados en el siglo XII. El camino hacia una mayor expresividad conduce hacia un realismo en que los rostros eran ya retratos de las personas representadas. El primero es la dignidad estética que se daba a la estructura del edificio. que se abandonarían después. • El gótico temprano. Los elementos sustentantes y de descarga de pesos. A la economía de elementos el gótico añade el sentido de equilibrio del conjunto. Se reflejaba el sentimiento y la aptitud del personaje. Los estilos En la evolución de la arquitectura religiosa se distinguían varias etapas. Sus principales características eran la absoluta funcionalidad de los elementos constructivos. aligeraban los muros y permitían que el conjunto ganase altura. Estaba formado por dos arcos que al cruzarse terminaban en punta. pero que en el gótico se multiplica y diversifica dando lugar a nuevos y notables sistemas estructurales. También se tomaron los modelos de planta de las iglesias y de los monasterios Cluniacienses.

realizadas por autores de procedencias muy alejadas. • El gótico radiante. Mas que un "renacimiento" fue una "revolución". De esta manera. Así. al hombre como centro del mundo. que le precede. decir "hombre" sería equivalente a decir "cultura". las obras de arte del Renacimiento no fueron concebidas para gente corriente. surgió el gótico flamígero o florido. • El gótico pleno o clásico. RENACIMIENTO Introducción El Renacimiento. y al Barroco. se generó el gótico del Midi. dónde se definían todas las aportaciones técnicas y estéticas presentes. creían que el intelecto era una facultad indispensable para crear obras de arte. no obstante. el arte del Renacimiento presenta una unidad que lo individualiza. Arte científico Todos los artistas del Renacimiento compartían la afirmación de que el arte. en cada época de la historia existe una voluntad común a todos los hombres que la viven. Comparando esculturas y obras arquitectónicas de diferentes periodos del Renacimiento. cuyo producto más exquisito sería el Hombre. Su máximo exponente es "Notre Damme" de París. que cubría los edificios de fantasías decorativas las cuales también se adaptaban a la arquitectura civil. La sociedad en la que nacía el arte gótico veía. periodo histórico que abarca los siglos XVI y XVII. • Finalmente. era una ciencia. Principios fundamentales del arte Las ideas Variedad y unidad histórica El renacimiento abarca muchos siglos de historia y fue protagonizado por artistas de personalidad muy diferente. progresivamente. sino para un reducido público. Y decir "cultura" sería decir "arte". concentró el mayor número de genios artísticos que jamás una época haya dado a luz. • El auge de Italia en el siglo XIV produjo el gótico mediterráneo: Gótico horizontal frente al modelo vertical francés. formado por hombres 19 . Aquellos artistas fueron los frutos iluminados de una nueva concepción de la vida. El arte no es mas que el deseo de expresar alguna cosa. Cada uno de estos momentos. que le sigue. Pero si el artista debía poseer conocimientos científicos para poder crear arte. De ella surgió una nueva cultura. A partir de aquel momento. siendo esta la principal tesis filosófica del Renacimiento incipiente. Por esta razón. encontrar características formales muy parecidas. hasta entonces considerado un trabajo manual. el espectador también tenía que poseer la suficiente educación como para poder entenderlo. por ejemplo en las catedrales francesas de Reims y Amiens."H". en el siglo XV. El Renacimiento puede verse como un conjunto opuesto a la Edad Media. que colocó al hombre en el centro del mundo. Así. se puede. caracterizado por el refinamiento de los elementos con su expansión hacia el sur de Francia. Y esta voluntad común es la que confiere una unidad a las obras de cada estilo. lugares y personas presenta sus particularidades.

Así. Así lo subrayan los tratados artísticos de la época. De esta manera los artistas del Renacimiento idearon un método para reproducir fielmente la realidad. pero le convirtió. Uno de los momentos de esplendor de Italia fue la época del imperio romano. proporciones numéricas y modelos geométricos. La imitación de la naturaleza tenía que ser verosímil. sin que también había que saber copiarla. por otra parte. y que examinó a fondo las leyes mecánicas del movimiento. la palabra "renacimiento" significa "volver a nacer". Este objetivo se lograba aplicando la geometría y la óptica del arte. es decir. cultos y sofisticados. Estudio de la naturaleza El objetivo de todos los artistas del Renacimiento era la imitación de la naturaleza. Esta unidad en sus obras es lo que suele llamarse estilo. puede afirmarse que entre los artistas del Renacimiento existían unas ideas comunes sobre cómo era el mundo y cómo tenía que ser el arte. Y ha resultado uno de los artistas más enigmáticos de la historia. aquel periodo resultaba fundamental para los renacentistas italianos. además. Su "Primavera" no ha sido interpretada satisfactoriamente hasta hace unos poco años. como lo son las matemáticas o la astronomía. Los objetos pintados debían parecerse al máximo a los objetos reales y. El modelo clásico Bello significaba acorde con las reglas del arte griego. en detrimento de una correcta aplicación geométrica o de una proporción adecuada en sus obras. De hecho. Mediante el estudio minucioso de la naturaleza y la invención de un método para reproducirla. podrían conocer la naturaleza hasta el punto de poder reproducirla fielmente. Las técnicas La perspectiva 20 . Esta admiración por el arte clásico es otra de las características comunes a todos los artistas del Renacimiento. en un creador revalorizado siglos mas tarde por los simbolistas.ricos. a través de cálculos. El interés expresivo del artista fue. a veces. Para conseguir una correcta imitación de la naturaleza. En resumen. La perspectiva. El hecho de tener que estudiar la estructura del cuerpo humano les convertiría en expertos en anatomía. El él parecen confluir la observación incansable del científico y la genialidad sutil del artista que estudió sistemáticamente las proporciones del cuerpo. Los artistas del Renacimiento confiaban plenamente en las facultades humanas y pensaban que. el hombre era la unidad de medida y sus proporciones le servían para diseñar una escultura o para calcular las medidas de un edificio considerado bello. que denominaron perspectiva lineal. armónico y proporcionado. los artistas se convirtieron en sus propios maestros. Un método de representación. la forma de pintar tenía que ser segura y científica. simétrico. tanto humano como animal. Por ello. Botticeli es un claro exponente de ello. Para conseguir imitar correctamente la naturaleza no bastaba con estudiar su estructura. y se dedicaron a estudiarla de manera detallada. se consiguió que el arte fuera un conocimiento mas. El artista−científico mas ejemplar del Renacimiento fue Leonardo Da Vinci.

La perspectiva lineal El método de la perspectiva lineal puede explicarse de la siguiente manera: imagina que de cada punto de un objeto que estas mirando sale. anterior a las cosas. los artistas aprendieron a dibujar los objetos en perspectiva. En la época medieval las intenciones de los artistas cambiaron. nos encontraríamos ante un espacio infinito y homogéneo. los artistas querían pintar las cosas. En los artistas del periodo de transición entre el gótico y el Renacimiento. que parte de la idea de que una persona nunca puede ver de una vez un objeto en sus totalidad. en cambio. en sus famosos tratados de arte. constituyó una alternativa pictórica a la fría 21 . si no que empezaron a dibujarlas tal y como las veían.La perspectiva es un método de dibujo para representar las cosas en el espacio. sino explicar una historia o representar un pensamiento. puesto que percibimos aire entre las figuras y nos parece que estas pueden moverse libremente por ese espacio imaginario que es la pintura. En la época del Renacimiento el objetivo del artista era llevar a cabo una copia fiel. resultó inevitable la aparición en el dibujo de la perspectiva lineal. un rayo de luz. Los griegos fueron los primeros en descubrir lo que se llama el "escorzo". como sucedía con Giotto. los artistas han plasmado esto de maneras muy diferentes porque también se han movido por intereses diferentes. En esta obra no sólo intuimos un espacio entre las figuras. Giotto. exacta y veraz de la realidad. Una de las primeras pinturas realizadas enteramente a partir de las reglas matemáticas descubiertas por Brunelleschi fue "La Santísima Trinidad" de Masaccio. Dicho de una forma mas técnica. La obra de Fra Angélico. por ejemplo. y hasta el Renacimiento. se encuentran ya los primeros pasos hacia una construcción espacial infinita. y en función del cual éstas se ordenan. A lo largo de la historia. Ahora sitúa dos objetos de igual altura y anchura a diferentes distancias y dibújalos en el cristal. se trata de un procedimiento para representar gráficamente objetos tridimensionales y sus relaciones espaciales en una superficie plana. Imagina ahora que entre el objeto y tu ojo colocas un cristal que corta los rayos de luz. vemos que el artista dibujó lo que se ve desde un determinado punto sin tener en cuenta todo lo que sabía sobre aquel pié. no dibujaban las cosas como sabían que eran. Esta es la primera regla de la perspectiva. En general. En este cristal dibuja el objeto uniendo los puntos por los cuales los rayos atraviesan dicho cristal. unidos en tu ojo. Los griegos. Verás que el dibujo que forma el objeto que está mas lejos será mas pequeño que el que forma el objeto que está situado mas cerca. proporcionó a los artistas las aplicaciones más sencillas de este método. fue Alberti el que. Se sabe que la mayoría de pinturas y esculturas se hicieron para ilustrar las doctrinas de la Iglesia y de la Historia Sagrada. El arquitecto Brunelleschi fue el descubridor de la construcción geométrica exacta. Así. sino que si las borrásemos. no solo como las veían. constante y homogénea así. para representar la figura humana. forman la imagen del objeto que ves. en línea recta. No pretendían copiar las cosas como son. y que estos rayos de luz. En esta pintura de Masaccio hay un espacio preexistente. Si observamos algunos pies dibujados por los griegos. En cambio. combinaban una versión de perfil y otra frontal. abandonó la concepción medieval de la pintura contemplando sus tablas nos da la impresión de estar presenciando un hecho real. otro pintor del Renacimiento temprano. Los egipcios por ejemplo. Gracias a la geometría. sino también como sabían que eran.

pero incluyó un detallismo y un preciosismo. técnica creada por Leonardo Da Vinci. La delimitación del contorno Los artistas del Renacimiento buscaban una pintura clara y nítida. El "sfumato" diluye los contornos de las cosas. Pero si tenemos en cuenta la claridad buscada por el Renacimiento. podríamos afirmar que el "sfumato". En "La Batalla de San Romano". Objeciones a la perspectiva lineal Hoy en día. Un ejemplo muy extremo de ello es el "Cubismo". La fría racionalidad perspectiva de Masaccio fue recogida por Paolo Uccello. lo hacemos con un solo ojo y fijamente. que pasaría a la historia por ser el pintor que más experimentó en el campo de la perspectiva. los renacentistas utilizaron una línea de dibujo clara. Sin embargo miramos con los dos ojos en movimiento. desdibujándolas y presentándolas como si las viésemos a través de una cortina de humo. fundamentalmente en el color. generalmente. la imagen que percibe el ojo no es la del objeto en la realidad. sino dentro de él. no es típicamente renacentista. Para conseguir un arte regular y mesurado. pero se sabe que. La primera y más importante de estas ideas es la voluntad de hacer de él arte una ciencia. La perspectiva lineal presupone que nosotros. Esto se consigue construyendo el cuadro a partir de las reglas matemático−geométricas de la perspectiva. señalaba múltiples direcciones con las lanzas o creaba fondos por planos. Entonces nos damos cuenta de que las líneas que configuran el motivo tienen un sentido y que son la línea de un dedo o la línea de una nariz. delimitada y continua. aún se emplea la perspectiva lineal en la pintura.geometría de Masaccio. al gusto aún goticista del momento. ____________________________________ Pintura El arte como ciencia Todas la obras de arte del Renacimiento poseen unas características comunes debido a que los artistas tienen ideas comunes que quieren expresar. Podemos apreciar dicha línea al observar un cuadro muy de cerca. Por eso los artistas del siglo XX idearon otras maneras de representar los objetos tridimensionales en el plano. Fra Angélico aplicó el racionalismo basado en la perspectiva de Masaccio. ni tampoco tal como la vemos. Hoy sabemos que la realidad no puede imitarse. por eso siempre delimitaban el contorno de 22 . al aplicarla. cuando miramos no nos encontramos frente a un espacio. al mirar. usaba diferentes puntos de fuga. El resultado fue una pintura mas idealista que tendría su culminación en Boticcelli. Y como nuestra retina es cóncava. Además. lo que queda dibujado en el cuadro no refleja la realidad tal y como es. Paolo Uccello representaba los caballos en escorzo.

En la pintura renacentista no existe una conexión directa entre los planos. Por ejemplo. habían utilizado colores muy vivos. plana. De esta manera. En resumen. sino que será siempre uniforme. sino en la composición. Comprobaremos que al aislar entre sí los mencionados objetos. Es decir. aunque al hacerlo resultara forzado. Ello se consigue delimitando muy bien la silueta de la figura y creando un punto de vista principal. Ambos ejes equilibran la escena sin que advirtamos en ella tensión alguna. como los ornamentos de un vestido o los pelos de una barba. ________________________________________ Escultura La silueta Las características de la escultura del Renacimiento son las mismas que las de la pintura y las de la arquitectura. por estar muy alejados de punto de vista del espectador. un cuadro cuya acción empieza y termina siempre dentro de los límites del marco. pero se expresan de una manera distinta. originalmente. como si el espectador en lugar de mirar la escultura tuviera que tocarla. Los objetos aparecen ordenados respecto a un eje vertical y otro horizontal. realizadas Ghiberti. como si se tratara de diversas capas. mas que pintados. se descubrió que. No por casualidad. Los objetos representados En el arte del Renacimiento cada objeto representado tiene sentido y significado por sí mismo. Es una escultura hecha para la mano. Este deseo de delimitar cada una de las formas puede apreciarse hasta en los detalles más insignificantes. existe un método lineal de hacer esculturas que caracteriza la forma renacentista. Aunque en la escultura no haya líneas. dibujados. El marco y la luz Un cuadro renacentista es un cuadro cerrado. ya que distorsionaría los objetos. la concepción del arte renacentista es lineal.las cosas. éstos nos parecen perfectamente acabados. hecha a partir de unidades independientes y clara. La luz del Renacimiento nunca será focal. Así da la sensación de que el cuadro es una porción de mundo con existencia propia. Otra de las características del estilo renacentista es la representación de la profundidad mediante planos sucesivos. Cuando se limpiaron las pinturas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. Sin tener que estar al servicio de un motivo único. aparecían muy desdibujados en la visión real. la totalidad de la escena puede ser captada con una sola mirada. nos referimos a las puertas de bronce del baptisterio de San Giovani. la primera gran obra escultórica del renacimiento fue un relieve. pues la unidad del cuadro no estribaba en el tono del color. el mismo Ghiberti afirmó haber 23 . dibujaban con todo detalle objetos que. los objetos en un cuadro pueden verse representados de forma independiente. cerrada. Un artista renacentista siempre podía emplear colores contrastados. que parecerán siempre.

Revolución en la arquitectura: Brulleneschi Filippo Brunelleschi. donde su autor. todo tenía que venir determinado por el elemento geométrico más riguroso. La arquitectura renacentista buscó siempre un efecto espacial. La primera obra arquitectónica considerada renacentista es el pórtico del Hospital de los Inocentes. independientes y diferentes. que las leyes de la perspectiva favorecen en la pintura. y haber usado las reglas de la perspectiva para organizar los espacios y calcular las proporciones y el tamaño de sus figuras. En un edificio del Renacimiento nunca se incluirán estímulos para el ojo. El trabajo por planos. Este artista combinaba en sus obras la sobriedad goticista y una gestualidad contenida muy clásica con un interés realista y un deseo muy moderno de expresar la interioridad del personaje. Este método de trabajo limita en cierta medida las posibilidades de creación. La luz y la forma El escultor renacentista conseguía el efecto de claridad y armonía deseado mediante el uso de una luz clara y uniforme. Brunelleschi. Podemos observar este principio técnico en los "non finito" de Miguel Angel. Así. creó en este pórtico una 24 . o sea. En un edificio renacentista. aquello que ya estaba dibujado en planta. que el efecto de una habitación de bellas proporciones tiene que percibirse aunque se camine por ella con los ojos cerrados. hecha de unidades independientes y clara. que puedan dificultar la captación del conjunto del edificio. También Donatello cultivó el relieve en sentido pictórico. fue el descubridor de los principios de la perspectiva. El escultor obtiene la forma de la escultura extrayendo materia del bloque de piedra original. se pretende una obra lineal. Además de inaugurar el renacentismo en arquitectura. puso en práctica los principios de la perspectiva lineal.intentado copiar en ellas la naturaleza con un detallismo obsesivo. Así. ____________________________________________ Arquitectura El efecto espacial Se ha dicho con razón. La escultura del Renacimiento nace con Donatello. primero y mas emblemático de los arquitectos del Renacimiento. cerrada. plana. nunca visual. Lo importante en un edificio del Renacimiento era la estructura. de manera literal. La escultura del Renacimiento se encuentra delimitada por un marco ficticio. Respondiendo a las características generales del arte de aquella época. esculturas inacabadas en las que puede apreciarse cómo el escultor sacaba la forma del bloque de piedra. que la contiene y que proporciona su unidad. Brulleneschi introdujo el estilo en la escultura y la pintura. fue adoptado en el relieve. siempre existe un punto de vista desde el cual todo tiene estabilidad. Técnica escultórica La estructura de planos sucesivos se consigue en una escultura estableciendo una cara frontal de la obra perfectamente acabada.

En cambio. constituyendo una pirámide visual. correspondiente al orden dórico. Siguiendo la antigua practica romana. del cual nada puede extraerse o añadirse sin perjuicio. incluso anómalo. Así. según Alberti. Usaban uno diferente para cada planta del edificio. construidas posteriormente por Brunelleschi. un sistema de proporciones riguroso e inflexible. basándose en la autoridad de Vitruvio. más decorativo y ornamentado que los demás. se estableció también una armonía entre las proporciones del cuerpo humano y la arquitectura. científicos y arqueológicos para crear una obra. pero también otorgaba independencia a cada uno de los elementos que lo componían. De la misma manera. La luz y la forma El arquitecto renacentista buscaba siempre una luz homogénea. Fueron los estudios de la moderna teoría del arte lo que dieron su justo lugar a este estilo. de Brunelleschi. En el interior de sus recintos reinaba una luz difusa y uniforme. sino la de nave única. hecha de unidades independientes y clara. los arquitectos renacentistas superpusieron con frecuencia los órdenes. Se puede afirmar que la forma arquitectónica renacentista es como la del resto de las artes. Las proporciones humanas En estas obras de Brulleneschi puede apreciarse otra de las características de la arquitectura del Renacimiento. son también de un racionalismo extremo. era la armonía de un conjunto de partes independientes unidas entre sí para formar un todo. plana. Durante los inicios del Renacimiento. representado por el corintio. cerrada. descubierto por los griegos y usado en el Partenón. excesivo. El paradigma de la arquitectura renacentista es la cúpula de la catedral de Florencia. Leone Battista Alberti. se utilizó frecuentemente el llamado "rectángulo de sección áurea". BARROCO Introducción El arte barroco fue considerado durante largo tiempo un arte degenerado. se empleó con mayor frecuencia el orden corintio. Principalmente se adoptaron los órdenes griegos como elemento arquitectónico.sucesión de planos en profundidad que hacían converger todas las líneas arquitectónicas en un único punto. empezando por el mas pesado y duro. En ella el autor utiliza sus conocimientos técnicos. que usó otro de los grandes arquitectos del Renacimiento. De todas formas. convirtiendo "lo 25 . y ascendiendo hasta el más ágil y decorativo. La belleza. Este sistema de proporciones dotaba de unidad a todo el edificio. la tipología de la iglesia que se impuso no fue creada por Brunelleschi. Para el Renacimiento. extravagante. La iglesia de San Lorenzo y la iglesia del Santo Spíritu. la proporción extraída de los principios del arte clásico era el elemento estético mas importante. durante el alto Renacimiento se usó mas la simplicidad del dórico. es decir: lineal.

sobre todo. puede entenderse por barroco todo el arte producido durante el siglo XVII. la individualidad y la expresión y. puesto que era en la naturaleza donde se encontraban la perfección y la riqueza máximas. nacido de esta voluntad era sensual a la vez que espiritual.barroco" en una categoría estética opuesta a "lo clásico". en el cual el hombre generalmente aparecía con una figura diminuta en una naturaleza inmensa. La Iglesia Católica Romana. entendido como categoría estética. Los grandes ejemplos de este arte al servicio de la burguesía se encuentran el Holanda y Alemania. Se encuentran grandes ejemplos de este arte al servicio del poder de la Iglesia en Italia y en Francia. • La cuarta y última gran tendencia que se puede encontrar durante el periodo barroco tiene su origen en el nuevo interés hacia la naturaleza y en la ampliación del horizonte intelectual del hombre. Partiendo del barroco podemos distinguir cuatro grandes tendencias artísticas. según la cual el arte tenía que servir como medio para estimular la fe en la Iglesia. a la manera clásica. En Francia se hallan grandes ejemplos de este arte al servicio del monarca absoluto. o también puede entenderse el barroco como una forma particular de ver el arte. a partir de entonces. Esto se basa. Un importante elemento de este trasfondo intelectual fue el paisaje empleado como recurso pictórico. en este sentido. Era un arte que quería transmitir la impresión de esplendor en lo divino. Así. empezaría a tener un papel en el patrocinio del arte. para admitir también lo curvo. El arte como creación La idea del arte barroco. El arte barroco. las monarquías se dedicaron a construirse palacios a escala monumental. Aquella burguesía encontraba especial gusto en el realismo y deseaba representar su entorno. Principios fundamentales del arte El barroco en la historia El barroco puede entenderse como período histórico o como categoría estética. El arte creado durante este periodo es muy diverso y solo puede contemplarse bajo un criterio unificado. Daba un tratamiento naturalista al arte para hacerlo más accesible al público. lo claro. • La primera de estas tendencias artísticas tiene su origen en la emergencia suscitada por la Contrarreforma y en la necesidad de encontrar un arte que fuera adecuado para la expresión religiosa del momento. motivado por el desarrollo de la ciencia y la exploración del globo terrestre. adoptó una postura propagandística. en la potenciación de la libertad. lo simétrico. lo uniforme y lo quieto. • La tercera gran tendencia artística del periodo barroco tiene su razón de ser en la cristalización de una poderosa clase media que. los aristócratas quisieron distinguirse socialmente con una exquisitez tal que. intelectual y social. lo ambiguo. • La segunda gran tendencia artística del periodo barroco nace de la consolidación de las monarquías absolutas y de la consiguiente pérdida de poder de la aristocracia. como son el bodegón. 26 . creando un arte al estilo "Manierista". si lo relacionamos con el trasfondo cultural. la belleza dejó de ser el patrimonio de lo recto. lo irregular. En cambio. las escenas populares o los retratos de familia. Es decir. rozaron lo artificial y lo exagerado. y se servía del dramatismo y la ilusión para estimular la piedad y la devoción. después del Concilio de Trento. Creó así nuevos géneros artísticos. Con el barroco. lo variado y el movimiento. para mostrar el poder y la grandiosidad del Estado. pueden encontrarse ejemplos de arte barroco en todas las épocas. se caracterizó por el abandono de la creencia de que el arte debía imitar la naturaleza.

El artista barroco se valía de diferentes recursos para conseguir el movimiento: estableció una composición en diagonal. _______________________________________ PINTURA La pintura con manchas En un estilo como el barroco. De ahí que el artista barroco pintase frecuentemente grandes grupos llenos de agitación. el arte cultiva principalmente los valores visuales y es siempre la luz lo que forma los objetos. su arte tenía un carácter subjetivo y personal. en el cual se valoran el azar y la libertad. evitó delimitar una vertical y una horizontal que organizasen el cuadro ( como era habitual en el Renacimiento ). la tensión. El artista barroco tenía una idea de la belleza muy diferente de aquella proporción armonía y racionalidad. la oscuridad o la complicación también podían ser bellos. podría decirse que el arte barroco gusta de lo vivo y de la animación basándose mas en la espontaneidad que en la razón y el control de las normas establecidas. así. el gran representante del barroco en España. El medio más eficaz para dar la impresión de profundidad es a través de escenas de movimiento. Velázquez pintaba con "manchas" y recreaba la realidad con unos pocos trazos. es un claro ejemplo de este expresionismo. Pintaba únicamente aquellas líneas esenciales que son necesarias para que el ojo se forme la imagen de lo representado. el artista forzaba las conexiones entre los planos. La pintura barroca es una pintura hecha básicamente a base de manchas. era una mezcla de imitación y creación. y llevó así al espectador a internarse en su obra para recorrerla. Entrar en el cuadro El artista barroco buscaba la profundidad en sus obras porque gustaba de desvalorizar la superficie y convertirla en algo falto de significado. según el artista barroco. Un cuadro barroco tiende siempre hacia lo ilimitado y lo infinito. 27 . a lo que está fuera de ella. Velázquez. características de las teorías clásicas.Los artistas barrocos creían que el arte podía dar a las cosas una belleza que éstas no poseían en la naturaleza. puesto que los pintores barrocos no deseaban marcar las siluetas ni delimitar las cosas con claridad. cuando se miran sus cuadros de cerca. Para conseguirlo. Por eso. El arte. una forma que constantemente alude a lo que la rodea. En conjunto. empleó todos los recursos pictóricos a su alcance. El artista barroco no quiso que la mirada del espectador se quedase en la superficie del cuadro. sino que intentaban siempre desdibujar los contornos. Ello obliga al espectador a relacionar los planos y a internarse en el cuadro. las imágenes desaparecen y el cuadro se convierte en unas pocas manchas de color. es decir. Buscar el infinito Un cuadro barroco es una forma abierta. Por ello opinaban que el artista no debía representar la naturaleza tal como se ve. para evitarlo. Creía que el contraste. Otra característica del arte barroco es la aspiración a una mayor expresión individual del artista. y buscó un desequilibrio entre las dos mitades de la tela.

También encontramos en ella el deseo de borrar la silueta. Los objetos no son nunca independientes. Rembrant adaptó el forzado claroscuro de Caravagio para descubrir el interior y la vida psíquica de las figuras que representaba. Rubens. si no que prefirió seguir con la idea clásica del arte renacentista. los escultores barrocos forzaron una posición muy poco corriente del personaje representado y evitaron siempre la simple posición horizontal. Los escultores barrocos buscaban la irregularidad que. la luz emana generalmente de un único punto y provocaba un contraste muy acusado entre una parte clara y otra más oscura (claroscuro). no cultivó la forma de arte barroca. También complica la luz. puede afirmarse que la forma de arte barroco es pictórica. Cultivó mejor que nadie el movimiento. acentuando las texturas físicas y modelando la expresión de la cara. En resumen. Las innovaciones técnicas en el campo de la luz realizadas por Caravagio influenciaron a Rembrant. la unidad la da siempre el conjunto. Éste creó una escuela de pintores y es. realizada durante el periodo barroco. que busca la sensación del instante de algo que pasa o se mueve. Un ejemplo de ello son las columnas salomónicas en forma de espiral. ______________________________________ ESCULTURA La contorsión y la irregularidad La escultura barroca tuvo las mismas características que la pintura y la arquitectura de este periodo. conocido por su tenebrismo y dramatismo. creando tensión en ella y usando elementos que parecen siempre continuar hacia el infinito. 28 . El movimiento Los escultores barrocos rompieron con la idea de molde que cultivó Miguel Angel y quisieron recuperar la idea de modelaje. Buscar el instante En una pintura barroca. para que los límites de los objetos quedasen en la oscuridad y desapareciesen con el claroscuro. técnica que siempre da como resultado una forma más dinámica. los pliegues de un vestido sobresalieran o que los objetos representados fuesen vistos desde puntos de vista poco corrientes. sobre todo. Para conseguirlo. Este sentido dinámico y esta búsqueda de movimiento se consiguen abriendo la escultura en dos direcciones. Caravagio fue el artista barroco que más explotó la luz. unitaria y oscura. puesto que impide que esta llegue a todas partes por igual. La luz también se utilizó con el mismo fin. El artista más importante de esta tendencia fue el francés Poussin. abierta. Si aislamos estos objetos dejarían de tener sentido como tales. profunda. en cambio. fundamentándolo en el uso de la composición en diagonal y la línea curva. puede ser considerado el artista que mejor plasmó la forma barroca en la pintura. Por otro lado. Ello complica la silueta y no permite identificarla. por ejemplo. por que esta cierra la figura y la delimita demasiado. procurando que no fuese uniforme.El color del arte barroco adoptó una unidad de tonos que es la que gradualmente da unidad al cuadro. uno de los gigantes de la historia del arte. La excepción a esta regla se encuentra en la pintura que.

Otro posible recorrido espacial es aquel que termina en la pared frontal. que da la sensación de elevarse en espiral hacia el infinito. por ejemplo. Incluso el paisaje parece estar determinado por la concepción de la obra arquitectónica. suele haber un retablo profusamente ornamentado. puede apreciarse el uso de la llamada Columna Salomónica. creando espacios realmente intrincados. Borromini fue el arquitecto que mejor consiguió trabajar los elementos de la ondulación de la fachada. la arquitectura la pintura y la escultura estaban integradas en un conjunto decorativo. que suele terminar en su centro. Bernini llenó con tal fuerza el arte del siglo XVII . Gian Lorenzo Bernini. en cambio. hacia lo que le rodea. Quizás su obra escultórica más conocida sea el "David". Este crea el efecto de un decorado teatral e invita al espectador a participar en la escena. Así. Como escultor. Ello hizo que la arquitectura se convirtiera en el marco idóneo para acoger a la escultura y a la pintura. colocada en el punto central enlaza lo finito con lo infinito. De esta manera. fue también un arquitecto avanzado. en este centro hay una cúpula que concluye el itinerario y conecta de nuevo al espectador con el espacio exterior. y unos ejes independientes y secundarios. son incorporados como si formaran parte del edificio barroco en sí. heptágonos o hexágonos irregulares. así como a adentrarse en ella. Generalmente. Un eje integrador Un edificio barroco tiene siempre un eje o punto de vista parcial. En su famoso Templete. se hizo pictórica. Los techos barrocos. Urbanismo Un edificio barroco se expande hacia fuera. crean una ilusión celestial de progresión hacia el infinito. 29 . que lo enriquecen y diversifican. donde. la arquitectura. en el caso de las iglesias. Las fachadas de los edificios. _______________________________________ ARQUITECTURA La integración de las artes Durante el periodo barroco. De esta manera. se prolongan hacia los lados gracias al uso de masas y superficies cóncavas y convexas muy fluidas y activas. mientras que la pintura se volvió ilusión. el escultor barroco más importante. las plantas barrocas sueles estar centralizadas y suelen adoptar la cúpula la cual. que eclipsó a cualquier otro escultor de este periodo. Este eje central conduce al espectador que entra en un edificio barroco hacia un recorrido. Así. Si tiene otros edificios al lado o alrededor. en el cual se observa la característica más importante de la forma barroca: la sensación de instante y de movimiento. en el cual es espectador debía internarse. Los combinaba con formas derivadas geométricamente de óvalos.El uso de estos recursos provoca que el espectador tenga la sensación de estar dentro de un espacio. están disueltos en escenas pictóricas que lo transforman en algo inmaterial. como la escultura. Bernini fue el mayor escultor barroco y un arquitecto muy conocido.

Bernini fue el creador de la urbanización de la plaza de San Pedro del Vaticano. donde esa compenetración entre los subjetivo y lo cósmico parecía haberse realizado. con su particular valoración del arte autóctono. Las galerías columnatas de esta plaza parecen los dos brazos de la Iglesia que acogen a los creyentes. el pintor Le Brun y el creador de jardines Le Nôtre. Del orgullo de la propia individualidad procede. terrores y obsesiones de su mundo interior. Así. también. libre de toda imposición externa. el punto de partida del arte romántico sería siempre el sujeto. fueron sentidos por el artista romántico como una mal. ideado por el arquitecto Le Vau. Principios fundamentales del arte Nacimiento del sujeto El arte romántico arrancó del fracaso del neoclasicismo en su intento de restituir la unidad del mundo desarticulada por la irrupción de la subjetividad moderna. la imposible realización del mismo confirió al romanticismo su carácter trágico. De ahí el desconsuelo. la locura o la muerte. y vividos dolorosamente. Subjetividad romántica De la valorización del sujeto nace la ruptura de los artistas románticos con las normas uniformadoras impuestas por las academias y su orgulloso deseo de plasmar artísticamente su interioridad. y de Dios. su alejamiento de la naturaleza. ROMANTICISMO Introducción El surgimiento del romanticismo es inseparable del fracaso de los ideales neoclásicos. el culto romántico al genio. Esta imposibilidad explica también la idealización y el gusto por otras épocas históricas u otras latitudes. y configuró el dominio de lo estético tal y como lo concebimos actualmente. fue la obra arquitectónica donde mejor se consiguió la direccionalidad del barroco y la integración del edificio en el entorno. Versalles. entregado a los fantasmas. cuya personalidad podía llegar a ser más importante que la obra misma. Definitivamente abolidas en lo metafísico y en lo político las viejas certezas de la religión y la filosofía tradicionales. Así mismo. estados en los que esa 30 . y la valoración del arte casi exclusivamente por su originalidad. El deseo de fusión del individuo con el todo cósmico es el anhelo que transmiten la mayor parte de las obras. A este orgullo de la propia individualidad corresponden el plano social la aparición del sentimiento nacionalista y patriótico. justificaba el culto romántico por la enfermedad. el hombre moderno quedó solo frente a un mundo caótico. El nuevo espíritu es el resultado de la tensión entre las aspiraciones del hombre a la unidad y armonía con el universo y la imposibilidad de realizar sus ideales en el mundo. Pero la reclusión del hombre moderno en su subjetividad. pero también el titanismo romántico.

En todo ello influyó decisivamente el progresivo desplazamiento de la belleza como categoría estética fundamental. resultaba inconmensurable y provocaba una mezcla de terror y placer. Por otra parte. Para el romántico. ya fuese transitoria o definitivamente. en manifestación de lo absoluto por delante de la verdad filosófica. nocturno. Reynolds o Gainsborough no pintaban ya monarcas o emperadores. Frente a la belleza proporcionada y armónica. era sublime todo lo que. ese espírito anti−académico y subjetivista se manifestó casi siempre casi siempre a través de unos mismos rasgos. debe ser definido como un estado del alma. ya fuese en su tema.reintegración del yo en el todo se producía. El romanticismo inglés El espíritu romántico empezó a formarse probablemente en la Inglaterra de la segunda mitad del siglo XVIII. vago e informe. en beneficio de lo sublime. la nueva sensibilidad concedía a los sentimientos burgueses el papel protagonista en la pintura. entre otras cosas. y la fórmula utilizada para representar lo suprasensible o lo absoluto. ___________________________________________ PINTURA Formación del espíritu romántico La diversidad de estilos pictóricos habitualmente englobados dentro del romanticismo resulta de una riqueza desconcertante. por tanto. Al igual que en Francia. por la importancia que concedía a la personalidad individual y a las particularidades nacionales. la obra de arte se convertía en la presencia de lo infinito en lo finito y. 31 . mas que como un estilo artístico. pues. genialidad del artista y carácter absoluto del arte son algunas de las ideas estéticas del romanticismo. Originalidad de la obra. Lo sublime constituyó. sino simples ciudadanos en el ejercicio de su profesión o cumplimiento de su labor doméstica. dicho estado espiritual se caracterizó también. el origen de la estética romántica de lo oscuro. Pintores como Hogart. ya mediante una sensualidad embriagadora o una composición que se desarrollará ilimitadamente. coincidiendo con el ascenso de la clase burguesa al poder económico. neblinoso. excediendo las proporciones humanas. Lo sublime romántico El deseo de integración del artista en el todo se expresó plásticamente representando lo infinito en la obra. Con todo. cuya vigencia puede constatarse aún actualmente. Ello se debe a que el romanticismo.

que inspirándose en los flamencos.El contacto habitual de la burguesía británica con la naturaleza a través de sus propiedades rurales ocupaba así mismo un lugar preferente en la pintura inglesa de dicho periodo. las ruinas evocaban también el carácter efímero de las obras humanas frente al infinito inabarcable de la naturaleza. Romanticismo francés 32 . John Constable fue el pintor. con sus cambios climáticos y atmosféricos. Buscaron inspirarse en el pasado anterior a las invasiones romanas. en el principal tema del cuadro. donde la naturaleza es protagonista. Caminantes meditabundos o viajeros que parecen presentir la inminencia del mas allá se convirtieron así en protagonistas de la pintura. capaz de conjugar todas las disciplinas artísticas particulares. era contemplado como manifestación de lo Absoluto o de la divinidad. únicos caminos hacia ese universo. musical. Junto a esta sensibilidad por la naturaleza. es decir. y sustituía a la iconografía religiosa tradicional. El mundo natural en su eternidad y belleza. El gran paisajismo romántico. en la tradición autóctona que durante la Edad Media produjo el estilo gótico. Romanticismo alemán El protagonismo de la naturaleza y la exploración del inconsciente se combinaron en Alemania con una religiosidad ferviente. Abadías e iglesias góticas en ruinas se convirtieron desde entonces en tema favorito de los pintores románticos ingleses. variaciones de luz o formas cambiantes de las nubes. como Caspar David Friedrich. Dicho protagonismo es compartido por los niños más cercanos por su inconsciencia a ese reino de lo extraordinario. Frente al empirismo y al materialismo de la Ilustración. La pasión de lo absoluto se manifestó durante el Romanticismo alemán en la concepción de una obra de arte total. La nueva sensibilidad romántica se manifestó también en Alemania como recuperación de su pasado autóctono o gótico. que los románticos intentan explorar. convirtió a la naturaleza. que la claridad del pensamiento y de la luz diurna convierten en invisible. En muchos pintores. lo que dio origen a la más alta cultura literaria. De ahí la fascinación romántica por la enfermedad y la muerte. El tiempo en que la divinidad y lo espiritual estaban presentes entre los hombres quedó atrás con el fin de la Edad Media. el Romanticismo alemán reivindicó la existencia de un mundo de espíritus y el contacto del hombre con lo sobrenatural. idealizada por los pintores alemanes. llegó incluso a plasmar accidentes tan imperceptibles como una suave brisa. puede considerarse un invento inglés. filosófica y plástica de la época. un gran respeto por su pasado caracterizó este espíritu inglés. Catedrales en ruinas y representaciones de un pasado medieval idealizado acapararon así la atención de numerosos artistas alemanes.

lo que justifica la referencia a una escultura y una arquitectura románticas. el romanticismo alemán ejerció una gran influencia en Francia a partir del primer decenio del siglo XIX. Goya y el romanticismo español En España. 33 . expresando sus fantasmas interiores y su mundo onírico en la serie de la "Quinta del Sordo". el dinamismo y la sentimentalidad románticas se expresaron dificultosamente a través de la arquitectura y escultura. Ya desde su juventud. que le aproximaban al gusto romántico. _______________________________________ ESCULTURA Escultura romántica Al contrario de lo que sucede con la severidad neoclásica. de Theodore Géricault. alentaba un indefinible anhelo metafísico. aparecía en ocasiones con el ropaje de la vieja escuela neoclásica. el romanticismo tuvo el carácter de una escuela pictórica. La defensa de la libertad. En este pintor tal vez el mayor entre sus contemporáneos. el gusto por la composición dinámica y el exotismo de sus temas. El movimiento vertiginoso y el vivo colorido fueron también expresión de este anhelo de la obra de Delacroix. Goya manifestó una preferencia por la vida popular y las costumbres nacionales. La primera gran obra romántica es "La balsa de la Medusa". aparecía también el gusto de los románticos por los viajes y los temas exóticos. donde. Pero su carácter romántico se manifestó sobre todo en "Pinturas Negras". el dinamismo compositivo y la expresión de grandes pasiones caracterizaron la obra de Jean−Baptiste Carpeaux. que denota el anhelo romántico de lo infinito. caracterizada por su gran colorismo. como en el caso de Ingres.Debido a la radicalidad de sus principios. Durante el último periodo de su vida. no obstante. Sin embargo. donde expresaba su atracción por el mundo de la irracionalidad y la superstición. contó con un espíritu de excepción: el pintor aragonés Francisco de Goya. El aliento metafísico se tradujo plásticamente en las grandes pasiones expresadas por los personajes. mas patente en sus testimonios de la Guerra de la Independencia. otros valores de la nueva sensibilidad se manifestaban en estatuas y edificios. así como su defensa de la libertad. Goya se convirtió en el más romántico de los artistas europeos. ya se tratase de abatimiento o de esperanza. ejecutados con una libertad compositiva y un cromatismo extraordinarios. En Francia. si bien prácticamente no existió como sensibilidad mayoritaria. tras el relato de un acontecimiento contemporáneo. Dicha sensibilidad. El romanticismo de Goya fue. el romanticismo.

El progreso de las ciencias naturales. Principios fundamentales del arte Mentalidad realista Los estilos artísticos denominados realismo e impresionismo obedecían a una misma voluntad de reacción contra el Romanticismo. Con el romanticismo los artistas habían aprendido a contemplar la naturaleza como algo sagrado. que pasarían a enriquecer la arquitectura moderna. estrategia también muy frecuente en la arquitectura. Por esta misma razón.Todo ello puede aplicarse también a la figura de David d'Angers. El arte realista es una traducción perfecta del positivismo científico de la época. No faltaron tampoco edificios que incorporaron elementos procedentes de la arquitectura de otras latitudes. al que la revolución ha convertido en protagonista. los estilos imitados. utilizado conscientemente por su valor nacionalista. democrático e incluso espiritual. como el caso del gótico. el realismo tiene así mismo su origen en el sujeto burgués. produciría un giro en el arte de finales del siglo XIX. la reproducción de edificios clásicos. REALISMO E IMPRESIONISMO Introducción Junto a las diversas formas del romanticismo. incluso. Concebida como una reacción anti−romántica. 34 . ________________________________________ ARQUITECTURA Arquitectura romántica Fueron características del historicismo romántico las construcciones al estilo gótico. aunque ahora en sus vertientes más materialistas y pragmáticas. A pesar de todo. propiciado por la misma concepción romántica y su reflejo en la filosofía positiva. El romanticismo prolongó. inspiraron a su vez soluciones técnicas avanzadas. durante el siglo XIX se desarrolló también un arte realista. En otros casos. convirtiéndola en protagonista de sus obras. la estatuaria recurrió a la utilización consciente de los estilos de otras épocas o incluso otras culturas. si bien retomaban alguno de sus motivos fundamentales. expresando el gusto romántico por el exotismo. teatral e idealizada que durante el neoclasicismo. la naturaleza romántica remitía siempre mas allá de sí misma a una substrato invisible de la realidad que se identificaba con la misma subjetividad del artista. sí bien de forma mucho más nostálgica. Dicha idealización alcanzó su grado máximo en construcciones surgidas de la más febril imaginación y del gusto romántico por las leyendas y los cuentos de hadas.

________________________________________ PINTURA Y ESCULTURA Los primeros realistas Hacia 1850. sino como se ofrecen a la retina humana. el impresionismo fue ya un precedente de las Vanguardias del siglo XX. Según los pintores de esta escuela. al margen de los círculos artísticos oficiales y su militancia anti−tradicionalista.Para Auguste Comte. renunciando a toda idealización. es el cerebro quién percibe los objetos. más allá de la mera imitación de la realidad visible. En efecto. 35 . filósofo del positivismo. el perfeccionamiento de la técnica fotográfica empujó a los artistas hacia nuevos caminos. Nuevos horizontes del realismo La voluntad de plasmar tan solo las múltiples sensaciones de la percepción se manifestó particularmente en las técnicas de puntillismo y el divisionismo. Los protagonistas de la pintura realista eran campesinos o ciudadanos de la clase media. construyendo los mismos a partir de los datos sensibles. La voluntad de artistas y escritores realistas consistía en presentar la realidad tal como aparecía. así como en su organización. Pero el realismo extremado de los impresionistas pretendió plasmar únicamente el conglomerado caótico de sensaciones que el cerebro organiza posteriormente en la percepción. donde los objetos aparecían no tal como son. El descubrimiento de la fotografía contribuyó en un primer momento a estimular la vocación realista de los artistas que realizaron su trabajo con la ayuda de material fotográfico. la realidad cotidiana no era tan desagradable como para ocultarla o huir de ella. el saber humano debía renunciar al conocimiento de las causas últimas y limitarse a estudiar la realidad tal y como se manifiesta a los sentidos. cuya aspiración estribaba en reproducir en la tela la impresión de la luz sobre nuestra retina. Dicha voluntad fue llevada hasta sus últimas consecuencias por el impresionismo. interpretación o indagación más allá del mero fenómeno. enriquecidos por la imaginación y la memoria de anteriores experiencias. Realismo impresionista La reducción de la realidad a su manifestación sensible constituye también el fundamento de los estilos realista. y divisionista o puntillista. En ello. Theodore Rousseau fue uno de los primeros pintores que huyó de la idealización romántica de la naturaleza. la tendencia simbólica y escapista de la escuela romántica fue sustituida en Francia por una corriente realista. captados generalmente durante sus ocupaciones habituales o sus esparcimientos. impresionista. Si embargo.

En su momento. Dicha técnica consistía en pintar mediante pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores puros. Millet consiguó captar. en toda su instantaneidad y su pureza. La escuela impresionista El descubrimiento de la técnica impresionista se ha atribuido a Monet y a Renoir. lo cotidiano de sus temas y el predominio de los valores exclusivamente pictóricos en su obra. En las obras de Manet el tema escogido. los pintores impresionistas intentaron reproducir en el cuadro la percepción inmediata de los objetos. ya presente en Courbet y en Manet. pues. Lo más notable del arte de Courbet era su fidelidad a la impresión inmediata. así como su desafío a los valores pictóricos tradicionales defendidos por la burguesía más reaccionaria. cuya pintura estuvo dominada por la presencia de personajes de la clase media. además. Por su independencia creativa. a su vez. Courbet y Manet El gran pintor realista fue sin lugar a dudas Gustave Courbet. La técnica impresionista El deseo. El crudo realismo de Daumier tuvo su equivalente escultórico en la obra del belga Meunier. se supeditaba a la libertad en la exploración de los recursos prácticos. Así. prescindiendo prácticamente del uso del negro. que se reunieron en 1867 36 . Manet abrió las puertas a la pintura contemporánea. a los impresionistas. las obras de Courbet escandalizaron al público con la banalidad y la crudeza de los temas escogidos. Los impresionistas cultivaron.Junto a él. generalmente banal. y que se encargará de transmitirlas. también los trabajadores de las fábricas y la nueva clase proletaria fueron entonces protagonistas de la pintura. como en el caso del dibujante Daumier. el sentimiento de los personajes que viven en contacto con la misma. de captar la realidad al margen de toda idealización fue llevado al extremo por el impresionismo. pintor cuya originalidad invalida toda clasificación. poblada de marineros y otros personajes de humilde extracción social. Ello resultó posible gracias a la plasmación en el cuadro de las modulaciones irrepetibles de la luz y el color en un determinado instante. Dichas actitudes serían heredadas por Manet. En el otro extremo de Millet. Corot cultivó también una aproximación al paisaje desprovista de toda intención escenográfica y de la carga subjetiva y simbólica característica del romanticismo. la pintura al aire libre o a plein−air y desarrollaron una técnica que les permitía reproducir con fidelidad sus percepciones inmediatas de la naturaleza. Sin abandonar esta fidelidad a la naturaleza tal como se ofrecen a los sentidos.

separadas entre sí y de forma que solo los colores complementarios entrasen en contacto. Renoir y otros pintores reunidos en torno a Monet expusieron sus trabajos en una sala propiedad del fotógrafo Nadar. aunque más tarde volvió al uso del color negro y el dibujo. Uno de los artistas más sensibles del primer núcleo impresionista fue Sisley. que un crítico burgués había lanzado hacia ellos en tono peyorativo. pintor que terminó por adherirse al puntillismo de Seurat. especialmente dotado para pintar sosegados paisajes fluviales. conocido por las obras en que reflejaba ambientes hasta entonces tan insólitos como las carreras de caballos o la danza. ejecutadas por Pissarro. 37 . en un medio tan inapropiado para ello como la escultura. Con su experimentación de la técnica pictórica cada vez más desligada del asunto del cuadro. Una serena melancolía se desprende de las vistas de Paría.para realizar diversas pinturas a plein−air. Rodín dejaba sin definir los contornos de sus esculturas . Seurat llegó a la conclusión de que existía una técnica mejor para reproducir el efecto que produce sobre la retina humana la luz reflejada en los objetos. El ojo humano se encargaba de configurar los colores y las formas de la realidad percibidas en el cerebro. Después de un laborioso estudio. anticiparon ya las Vanguardias y el arte del siglo XX. el desarrollo de la técnica impresionista por Seurat y Signac precipitó la descomposición del grupo. el grupo de Monet aceptó la denominación de impresionistas. Desarrollos del impresionismo Junto al abandono de Renoir y Degas. como puede apreciarse en particular en sus obras ejecutadas al pastel. la atmósfera concreta de un tiempo y un lugar. Dicha técnica. Así. Impresionismo y Puntillismo. la pintura había logrado reproducir la pura imagen retiniana de los objetos. Así. Durante toda su vida Monet siguió utilizando la técnica que consiste en yuxtaponer manchas de color para producir la ilusión de la luz natural en un determinado instante. consistía en aplicar sobre la tela pequeñas pinceladas de color. caballos. Renoir cultivó así mismo esta técnica. jinetes y bailarinas ofrecieron a Degas un pretexto tan adecuado como la propia naturaleza para captar la luz de un determinado instante. Otro de los mas destacados pintores impresionistas fue Degas. A raíz de esta exposición. creando un efecto análogo a la disolución de las formas en la pintura impresionista. Después de ver rechazadas sus obras en el salón de 1874. Dicha captación del momento instantáneo fue alcanzada también magistralmente por Rodín. No obstante si bien lo fue su vocación. en las que aparecían improntas digitales. Por la rapidez de sus movimientos. la técnica de Degas no resultó casi nunca rigurosamente impresionista. cuyo objetivo consistiría en captar el aire. denominada puntillismo.

Surrealismo. Naturalismo expresionista.VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX ARQUITECTURA La crisis que dio lugar al inicio de la arquitectura contemporánea tuvo su origen en la llamada Revolución Industrial. el esquema geométrico y las estructuras de hormigón armado y cristal. que en el campo arquitectónico se tradujo en el descubrimiento de nuevos materiales de construcción y el consiguiente empleo de nuevas técnicas constructivas. Hacia principios de siglo. En la obra de Antoni Gaudí abundan. el acero. con sus tendencia a realzar la racionalidad y la funcionalidad de los edificios. y con el desarrollo paralelo de la técnica fotográfica. El hormigón. el hierro. las formas abstractas. _________________________________________ ESCULTURA En sus inicios. el "art. En la arquitectura modernista domina la línea ondulante y asimétrica. no hizo mas que perpetuar. el cristal posibilitan esta transformación. DIFERENTES TENDENCIAS: Cubismo. los cánones estéticos del ideal greco−romano y renacentista. dando a sus edificios el carácter de organismos casi naturales. pese a algunas innovaciones. los arcos parabólicos y las superficies retorcidas. Poco a poco se fue abandonando la decoración y la ornamentación modernista cuando cayeron en un puro formulismo y apareció el Racionalismo funcionalista. Futurismo El futurismo proclamó un nuevo cánon de belleza plástica. el aluminio. En su primera fase ( Cubismo analítico). por ejemplo. los pintores cubistas descomponen la realidad. la escultura contemporánea. en los que domina el ángulo recto. el pintor cubista se siente liberado de su obligación de representar la naturaleza y puede dedicarse libremente a la erección de formas geométrico−abstractas. con motivos ornamentales muy barrocos. Cinética. Escultura Polimatérica. Nouveau" propuso un lenguaje estético que adaptó influencia muy eclépticas. 38 . _____________________________________ PINTURA El cubismo Uno de los primeros movimientos artísticos del siglo XX surgió de la revolución cubista. la mayor revolución pictórica de nuestro siglo. Realismo dramático. En su segunda fase (Cubismo sintético). pintándola desde varias perspectivas simultáneas y tratando de encajar las irregulares formas de la geometría del espacio.

despertarle del letargo de la banalidad cotidiana. A veces. El antecedente más inmediato de los Surrealistas fue Giorgio de Chirico. anarquizante. lo que le llevó a realizar la primera obra abstracta. violento. naturalmente el punto de partida de la inspiración del artista. En Dalí. explorando desde diversos lados las honduras del inconsciente. lo que le permitió realizar obras muy personales en las que combina elementos oníricos e insólitos con formas reales dibujadas con una precisión casi hiperrealista. utiliza también otros materiales. aunque esta realidad puede ser. Los dadaístas se interesaron por el arte como un medio provocador que les permitiría enfrentarse al sentido común. Neoplasticismo También llamado " De Stijl" busca un lenguaje formal hecho a base de líneas rectas y figuras geométricas 39 .Se prefiere reflejar el modernismo de la época pintando objetos de vanguardia como coches. imaginativo. onírica y subjetiva. En su pintura. El Dadaísmo Hacia finales de la primera guerra mundial surgió un revolucionario y subversivo movimiento artístico. empezó siendo una forma de pintar con un método propio (el método "paranoico−crítico"). El pintor busca producir un choque emocional en el espectador. Con ello trataron de fundir arte y vida. El Surrealismo Continuador en cierto modo del Dadaísmo. en objetos estéticos. La composición se hace desgarrada y el color. arrancados del medio ambiente que les es propio y colocados en nueva dimensión en la que pierden sus características objetivas y utilitarias para convertirse en meras referencias plásticas. de lo que resultan telas cargadas de sensualidad. sino lo cotidiano. palabra que no significa nada preciso. adquiere tonos simbólicos. El ruso Wassili Kandinsky descubrió las posibilidades de la abstracción al comprobar casualmente el interés plástico que presentaba una pintura vista del revés. a cualquier ortodoxia. extrañamente inmóvil. a la ley. creador de un tipo de pintura al que llamó pintura metafísica y en el que triunfa un mundo misterioso. a la religión. el Surrealismo surgió como movimiento a la vez literario y pictórico. irrespetuoso y antidogmático. a la moral. los surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible y consciente. La Abstracción La principal característica del arte abstracto es el hecho de que prescinde de cualquier vínculo con la realidad natural u objetiva. como fragmentos de objetos naturales y artificiales. ante todo. de crear una nueva forma de vivir en la que el arte no fuera lo excepcional. lleno de maniquíes. trenes y otros objetos modernos. El expresionismo En el Expresionismo se valora. El arte abstracto rechaza la representación de las apariencias de la naturaleza y las sustituye por líneas formas y colores. los contenidos y las actitudes emocionales. El fauvismo El principio esencial de los fauvistas consiste en la construcción del espacio pictórico por medio de colores puros aplicados sin modelos no claroscuros. que se dio en llamas "Dadá".

de los niños y de los enajenados mentales. ingenuo (de ahí el apelativo de Naif) de los pueblos primitivos. Martínez Prades.. ECIR S. el Arte Conceptual. entroncaron directamente con la tradición popular. el Op−art. el Pop−art. Martínez Verón Ed. Manfred Wundram Ed. Pérez Sánchez. Ramírez Ed. natural. Martínez Buenaga. BIBLIOGRAFÍA • "Enciclopedia de los conocimientos" Ed.. en las artes aplicadas y en el diseño industrial. Últimas tendencias En los últimos años. y un último eclepticismo de raíz abstracta o figurativa (Transvanguardia. 1998 • "Enciclopedia Larousse GEL Ilustrada" Ed. la situación del arte es muy fluida.A. El arte "Naif" Un lugar un tanto aparte ocupa el Primitivismo. Bernard Rancillac Ed. anticonvencional.donde el orden y la pureza sustituyan a la oscuridad y al caos. tendencia inspirada en el modo de pintar espontáneo. SALVAT 1997 − "Historia del Arte" . coexistiendo diferentes modos de entender la pintura: el Informalismo. Larousse 1988 40 . CÍRCULO DE LECTORES − DEBATE • "Diccionario del Arte" . La tendencia formalista de este movimiento ha sido asimilada en la arquitectura. CÍRCULO DE LECTORES 1992 • "Grandes Maestros de la Pintura Clásica" Ed. Azcarate Ristori. CÍRCULO DE LECTORES • " Historia Universal del Arte" Ed. el Hiperrealismo. Ian Chilvers Ed. etc. Esta ingenuidad de los primitivistas es explicable en algunos casos porque sus autores.). al margen de todo intelectualismo y aún a veces en el desconocimiento de las técnicas pictóricas. en otros casos es explicable por la psicología individual de sus autores. Parecidas características tienen los movimientos pictóricos rusos del Suprematismo y el Constructivismo. TASCHEN 1997 • "Ver y Comprender la Pintura" . ANAYA 1995 • " La Pintura del Renacimiento" . OCÉANO 1997 − " Historia del Arte" .

nexos de unión entre las tres artes "madres" y la música. No he querido introducir en el estudio otras artes como la música o la literatura. técnicas. técnicas. escultura y artes aplicadas). He querido hacer notar con ello que es realmente la filosofía y el pensamiento de la época la que influye de manera decisiva y notoria en las creaciones artísticas. ÍNDICE TEMÁTICO • INTRUDUCCIÓN • BIBLIOGRAFÍA Iª PARTE LAS TEORÍAS DEL ARTE • Grecia • Edad Media • Siglo XX • Formalismo • Iconografía • Sociología del Arte • Psicología del Arte • Estructuralismo TÉCNICAS Y LENGUAJE DEL ARTE ARQUITECTURA ESCULTURA PINTURA ARTES DECORATIVAS 41 . La idea fundamental que quiero transmitir es que todos estos términos (lenguaje. dado que con ello el trabajo se extendería en demasía. Es fundamental esta parte para entender la segunda sección del trabajo. por ejemplo. A saber: Una primera parte en la que se exponen de manera bastante amplia lo que se entiende por teoría del arte y lenguaje del arte en cada una de las artes estudiadas (arquitectura. teoría y principios fundamentales del arte). y es el punto de vista filosófico el que más he acentuado en la exposición del trabajo. se haya dividido en dos partes. ello no indica que no haya. surgen en primera instancia de la cultura de la época. y que cada época se opone a la anterior en mayor o menor medida. que los hay y muy patentes. como el símil típico que se realiza entre la tonalidad clásica impuesta a finales del Renacimiento y la perspectiva desarrollada en el mismo periodo por la pintura. teoría y principios fundamentales del arte desde el Románico hasta el siglo XX". desde la rígida moral religiosa católica de la Edad Media. que se basa en el estudio de todos estos parámetros en las artes de las diferentes épocas y estilos. y que todos estos conceptos agrupados han sido estudiados como la "Filosofía del Arte".INTRODUCCIÓN El siguiente trabajo titulado "Lenguajes. pintura. hasta el absoluto reaccionismo del arte Abstracto del siglo XX.

IIª PARTE ROMÁNICO • Introducción Principios fundamentales del arte • El símbolo • La alegoría • La belleza invisible Teoría del Arte PINTURA • La función • Temática • Recursos estilísticos ESCULTURA • Tipología • El capitel • La portada • El estilo ARQUITECTURA • El espacio exterior • El espacio interior GÓTICO • Introducción Principios fundamentales del arte • La casa de Dios • Una lógica petrificada • El simbolismo PINTURA • Las ideas • Las formas • El gótico internacional • La pintura flamenca ESCULTURA • El humanismo 42 .

• El naturalismo • El retrato ARQUITECTURA • La funcionalidad • La estructura • Los hitos • Los estilos RENACIMIENTO • Introducción Principios fundamentales del arte • Las ideas • Arte científico • Estudio de la naturaleza • La perspectiva • El modelo clásico • Técnicas • La perspectiva • La perspectiva lineal • Objeciones a la perspectiva lineal PINTURA • Arte como ciencia • La delimitación del contorno • Los objetos representados • El marco y la luz ESCULTURA • La silueta • Técnica escultórica • La luz y la forma ARQUITECTURA • El efecto espacial • Revolución de la arquitectura. Brunelleschi • Proporciones humanas • La luz y la forma BARROCO • Introducción Principios fundamentales del arte 43 .

• El barroco en la historia • El arte como creación PINTURA • La pintura con manchas • Entrar en el cuadro • Buscar el infinito • Buscar el instante ESCULTURA • La contorsión y la irregularidad • El movimiento ARQUITECTURA • La integración de las artes • Un eje integrador • Urbanismo ROMANTICISMO • Introducción Principios fundamentales del arte • Nacimiento del sujeto • Subjetividad romántica • Lo sublime romántico PINTURA • Formación del espírito romántico • El romanticismo inglés • El romanticismo alemán • El romanticismo francés • Goya y el romanticismo español ESCULTURA • La escultura romántica ARQUITECTURA • La arquitectura romántica REALISMO E IMPRESIONISMO • Introducción Principios fundamentales del arte 44 .

• Mentalidad realista • Realismo impresionista • Nuevos horizontes del realismo PINTURA Y ESCULTURA • Los primeros realistas • Couvert y Manet • La técnica impresionista • La escuela impresionista • Desarrollos del impresionismo VANGUARDIAS DEL SIGLO XX ARQUITECTURA ESCULTURA PINTURA • El cubismo • El futurismo • El fauvismo • El expresionismo • El Dadaismo • El surrealismo • La abstracción • Neoplasticismo • Arte "Naif" • Últimas tendencias 45 .

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