GIRA DE DOCUMENTALES

DISTRITO FEDERAL 10 al 23 de febrero GUERRERO 24 febrero al 1 de marzo PUEBLA 2 al 8 de marzo VERACRUZ 9 al 15 de marzo BAJA CALIFORNIA 16 al 22 de marzo
Agradecemos profundamente a todas las personas que año con año suman fuerzas con nosotros para mantener rodando a Ambulante. We would like to express our heart-felt gratitude to everyone who has joined us in keeping Ambulante rolling year after year.

ESTADO DE MÉXICO Y NUEVO LEÓN 23 al 29 de marzo VIVE LATINO 23 al 25 de marzo SONORA 30 de marzo al 5 de abril CHIAPAS 6 al 12 de abril JALISCO 13 al 19 de abril MICHOACÁN 20 al 26 de abril OAXACA 27 de abril al 3 de mayo

CONTENIDO / CONTENTS
7 26 PRESENTACIÓN | FOREWORD NOTAS DE PROGRAMACIÓN | PROGRAMMING NOTES 62 28 30 60 Slow Action Acción lenta Tabloid Tabloide Unreal Forest Bosque irreal Unter schnee Bajo nieve Under Snow ¡Vivan las antípodas! 102 104

SONIDERO
Beats, Rhymes & Life: The Travels of A Tribe Called Quest Los viajes de A Tribe Called Quest George Harrison: Living In The Material World George Harrison: Viviendo en el mundo material LCD SOUNDSYSTEM: SHUT UP AND PLAY THE HITS LCD SOUNDSYSTEM: CÁLLATE Y TOCA LOS ÉXITOS The Libertines: There Are No Innocent Bystanders The Libertines: No hay testigos inocentes Uma noite em 67 Una noche en el 67 A night in 67 Who Took the Bomp? Le Tigre on Tour Le Tigre: Who Took the Bomp?

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Anne vliegt Anne voladora Flying Anne

DEDAZO
Anna Pavlova lebt in Berlin Anna Pavlova vive en Berlín Anna Pavlova Lives in Berlin The Arbor The Ballad of Genesis and Lady Jaye La balada de Genesis y Lady Jaye Bombay Beach Gun Fight Tiroteo The People Vs. George Lucas La gente vs. George Lucas

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AMBULANTE 3D
Cave of Forgotten Dreams La cueva de los sueños olvidados Pina

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ENFOQUE
Araya Les glaneurs et la glaneuse Los cosechadores y yo The Gleaners and I Ilha das flores Isla de las flores Island of Flowers Lebenswelt Linha vermelha Línea roja Red Line Mababangong Bangungot Pesadilla perfumada Perfumed Nightmare The Wild Blue Yonder Mundo remoto, salvaje y azul

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DICTATOR’S CUT
5 Broken Cameras 5 cámaras rotas LoveMEATender Ámame enCARNEcidamente Reportero Surviving Progress Sobreviviendo al progreso This Is Not a Film No es una película Urbanized Urbanizado

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PULSOS
Cuates de Australia Drought Florería y edecanes Florist and Hostesses Lecciones para una guerra Lessons for a War Ríos de hombres Rivers of Men Silvestre Pantaleón El Velador The Night Watchman

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AMBULANTITO
Migrópolis Bottle Botella The Animal Movie La película de animales Cul de Bouteille Cuatro ojos Specky Four Eyes En calle On Street Little Brother Hermanito Call Me Breakstein Me dicen Breakstein 140 138

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INJERTO
Maja Borg Pat O’Neill John Price Ben Russell John Smith Melanie Smith & Rafael Ortega

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ARTHUR OMAR: UNA ANTOLOGÍA

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OBSERVATORIO
Amma Lo-fi Abuelita Lo-fi Grandma Lo-fi: The Basement Tapes of Sigrídur Níelsdóttir

ARTHUR OMAR: AN ANTHOLOGY
Os cavalos de Goethe Los caballos de Goethe Goethe’s Horses Triste Trópico Tristes Tropiques

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Sonhos e histórias de fantasmas Sueños e historias de fantasmas Dreams and Ghost Stories CORTOMETRAJES DE LOS AÑOS 70 Y 80 EN 35 MM SHORTFILMS IN 35 MM FROM THE 70’S AND 80’S O Som, ou tratado de harmonia El sonido, o tratado de armonía The Sound, or Treatise on Harmony Tesouro da juventude Tesoro de la juventud Treasure of Youth O inspetor El inspector The Inspector Ressurreição Resurrección Resurrection Vocês Ustedes You TRABAJOS EN VIDEO VIDEO WORKS O nervo de prata El nervio de plata The Silver Nerve Derrapagem no Éden Deslizamiento en el Edén Skidding in Eden Pânico sutil Pánico sutil Subtel Panic A lógica do êxtase La lógica del éxtasis The Logic of Ecstasy Notas do céu e do inferno Notas del cielo y del infierno Notes from Heaven and Hell

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PRESENTACIÓN EN VIVO LECTURE Portafolio en proceso Portfolio in Progress Um olhar em segredo Una mirada en secreto A Gaze in Secrecy Anatomia de uma exposição Anatomía de una exposición Anatomy of an Exhibition

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IMPERDIBLES AMBULANTE REFLEXIONES AMBULANTE MÁS ALLÁ AMBULANTE INTERNACIONAL EL SALVADOR
ARTHUR OMAR ANTE LA CRÍTICA ARTHUR OMAR: A CRITICAL REVIEW DIRECTORIO | DIRECTORY ÍNDICE DE REALIZADORES | INDEX TO DIRECTORS ÍNDICE DE TÍTULOS | INDEX TO TITLES PATROCINADORES | SPONSORS

PRESENTACIÓN | FOREWORD

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GAEL GARCÍA BERNAL

Las utopías son el resultado final de nuestra capacidad de abstracción que construye narrativas. Son un espejo en sí mismas: el futuro anhelado se ve reflejado en las pinturas rupestres y el misterio del pasado es revelado en lo que actualmente consideramos nuestro, sagrado, espiritual e intangible. Solamente en la narrativa se ve el principio y el fin: el primer trazo o la posición del primer bloque de piedra. Ante el vacío –sea éste una pantalla, un papel blanco, una piedra, o cualquier cosa que nos inspire a crearlas para entenderlas– surge una necesidad pasional de querer ser cómplices de una narrativa eterna. Hay algo utópico en esta pugna: al llegar al resultado final, éste se manifiesta incompleto y abierto, casi inconcluso. Será un gesto sostenido o una sospecha de sonrisa que logran darle una vida propia al objeto de la creación, ajena a nuestra primer intención; ahí aparece el martillazo a la nariz de El David. Esa revelación pendiente sobrevive a su creador, y en el mejor de los casos, sigue reinventando la narrativa inicial de forma eterna y en completo reflejo con su pasado y el presente. Es así como Ambulante presenta su 7a edición, en un año que promete ser el fin y el principio de un ciclo de la humanidad. La mejor manera de enfrentar este nuevo ciclo, simbólico o no, es reinventando las narrativas, de cualquier manera y en cualquier medio. La expresión honesta y sensible (sea personal o colectiva) siempre va a traer aire fresco a la narrativa estancada que es maniatada por intereses efectistas. Son las historias –en este caso los documentales– en estado puro y de forma inadvertida que construyen las utopías. La interpretación que les damos revelan la promesa por la cual siguen vivas. Quizás esta reinterpretación es un testamento de la Utopía lograda, de la cual surge otra que mantiene vivo su deseo de nunca ser alcanzada. La Utopía no se construye con votos ni promesas de gobierno. La Utopía es engranaje amoroso de historias y hermana de la creatividad. La logramos cada vez que construimos algo en conjunto, cada que abrazamos a alguien querido o desconocido, cada vez que charlamos con algún amigo, cada vez que compartimos la comida y su tiempo misterioso. Cada vez que nos ponemos románticos o pesimistas. Cada vez que pensamos en la familia a la que pertenecemos y el deseo de formar parte de una. Finalmente, siempre que nos expresamos y de forma inexorable contamos una historia. Compartamos Utopías.

Utopias are the result of our capacity for abstraction that construct narratives. They are a mirror in and of themselves: the desired future is reflected in cave paintings and the mystery of the past is revealed in what we currently consider ours, sacred, spiritual, and intangible. Only in narrative do we see the beginning and the end: the first sketch or the position of the original building block. In front of the void—whether a screen, a blank page, a rock, or anything that inspires us to invent and understand utopias—there emerges a passionate need to be part of an eternal narrative. There is something utopian in this struggle: when we attain the end result, it appears incomplete and open, almost inconclusive. It might be a sustained gesture or the faintest surmise of a smile that give the object of our creation a life of its own—removed from our original intention. There is the hammer to the nose of The David. This pending revelation survives its creator and, in the best of cases, continues to reinvent the original narrative, prolonging it forever, and retaining a complete record of its past and present. This is how Ambulante presents its 7th edition, in a year that promises to be the end and the beginning of a different cycle of humanity. The best way of confronting this new –symbolic or actual– cycle, is by reinventing narratives, in every way and by any means possible. Honest and sensible expression (personal or collective) always breathes fresh air into stagnant narratives suffocated by dramatic interests. It is stories –in this case documentaries– in their pure state, that inadvertently make up utopias. Our interpretation of them clues us into the promise that keeps them alive. Maybe this reinterpretation is testament to an achieved Utopia, from which emerges another that retains its sense of unattainability will emerge. Utopia is not founded on vows or government promises. Utopia is a productive assemblage of stories; an ally of creativity. We tap into it every time we build something together; every time we embrace a loved one or a stranger; every time we chat with a friend; every time we share a meal and its mysterious time; every time we turn romantic or pessimistic; every time we think about our family and the desire to form part of another one; finally, every time we express ourselves and, relentlessly, tell a story. Let’s share Utopias.

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ELENA FORTES

En los últimos años, hemos sido testigos del colapso de estructuras que considerábamos indestructibles: el sistema financiero, el medio ambiente, la seguridad nacional, e incluso la integridad del Estado. México no ha permanecido inmune ante los efectos de este nuevo orden mundial. La violencia, la corrupción, la impunidad y la discriminación son cada vez más frecuentes frente a un sistema de justicia tan deficiente que no puede garantizar la rendición de cuentas de los crímenes y abusos cometidos por agentes del Estado y por la población civil. Miles se han visto obligados a abandonar a sus familias y comunidades en busca de un mejor futuro, y en su camino, han enfrentado todo tipo de peligros inimaginables. Sin embargo, desde una perspectiva más optimista, la proliferación a nivel mundial de movimientos sociales que permanecen libres de tintes políticos y que se llevan a cabo, en gran parte, por colectivos hartos del estatus quo, contrarrestan el impacto negativo de la inestabilidad actual. Estos movimientos nos han sacado del estado de insensibilidad y pasividad, y acercado a una realidad que nos sentimos capaces de intervenir. En otras palabras, han recuperado la dimensión humana que existe detrás de las estadísticas y cifras que enfrentamos a diario. En este contexto global, es importante que nos permitamos sacudir y dejar llevar por imágenes que nos alejan de nuestra cómoda burbuja y nos ayuden a comprender aquello que nos une al resto de la humanidad. Cuando me uní al proyecto Ambulante, era una idea única, extraordinaria, concebida por sus fundadores durante una discusión sobre cómo devolver los documentales y las historias a los lugares en donde nacieron y a sus fuentes de inspiración. En ese entonces –y hasta la fecha–, casi todos los canales tradicionales de comunicación permanecían monopolizados. Desde entonces, nuestro reto más grande ha sido desarrollar estrategias para poder compartir estas historias con un público más extenso, y de esta forma, contribuir a transformar nuestra relación con el mundo y nuestro rol dentro de éste. Ambulante es, en sí, una organización migrante. Se sostiene gracias a la creación de redes con otras industrias, otros públicos, y un amplio y diverso conjunto de socios de numerosos sectores de la sociedad que comparten nuestra visión y nos ayudan a extender nuestro alcance. En los últimos seis años, Ambulante ha crecido considerablemente; ahora va más allá de ser una gira de cine documental para implementar talleres de capacitación y desarrollar oportunidades de financiamiento para documentalistas en distintas regiones. Nuestra prioridad ha sido crear asociaciones estratégicas con organizaciones que puedan integrar el cine documental en su trabajo, y así acrecentar el impacto de las películas dentro de un contexto social más amplio. Trabajamos a nivel comunitario, promoviendo la producción y la exhibición del cine documental en la región y a nivel globla, distribuyendo estas películas en otros terrenos sociales y geográficos. Nuestro éxito se debe en gran parte a la capacidad que tenemos de trabajar con diversos actores y de dirigirnos a distintos púbicos a lo largo de todo este proceso. La naturaleza de nuestro trabajo debe ser siempre colectiva, con el fin de crear una sociedad más equitativa; de responder al extremismo y a la violencia con transparencia y apertura; de abandonar la abstracción y acercarnos a la humanidad; y de ofrecer una voz a quienes no la tienen. Tenemos que seguir creando y compartiendo historias que puedan transformar las anteriores y generar nuevas narrativas. Por favor acompáñennos en este viaje. ¡Bienvenidos nuevamente a Ambulante!

In the past few years we have witnessed the collapse of structures that we once believed to be indestructible – the financial system, the environment, national security, even the State. Mexico has not remained unaffected by this new world order. Violence, corruption, impunity, and discrimination have become more pervasive than ever, and continue to be backed by a severely deficient justice system that cannot guarantee the accountability of crimes and abuses committed by both State and Non-State actors. Thousands have been forced to abandon their family and their community in search for a better future, and have in turn, met all sorts of unimaginable perils in their journey. On a positive note, however, the current instability has been offset by the rise of powerful social movements across the world, which remain free from manipulative undertones, and are carried out, for the most part, by civilians who are no longer willing to put up with the current state of affairs. These movements have brought us back from our numbness and inaction, to a reality that we feel fully capable of intervening. They have recovered the human dimension that lies behind the statistics we are confronted with everyday. In view of this global context, it is important that we allow ourselves to be shaken by images that can propel us beyond our comfortable milieu and help us grasp what unites us to the rest of humanity. When I joined Ambulante, it was a single, extraordinary idea conceived by its founders, during a discussion on how to bring documentaries and stories back to where they were born, and back to their source of inspiration. At the time –and to this day– almost all traditional communication channels were largely monopolized. Since then, our main challenge has been to develop strategies that can effectively share these stories with a wider audience, and in doing so, contribute to transform our relationship to the world, and our role within it. Ambulante is in itself, a migrant organization. It is sustained by the creation of innovative networks with other industries, other audiences and a diverse array of partners from different sectors that share our vision and contribute to extend our reach. In the past six years, Ambulante has grown, beyond the execution of the traveling film festival, in order to develop training and funding opportunities for documentary filmmakers in the region. Our priority has been to create strategic partnerships with organizations that can integrate documentary film into their advocacy work and elevate the impact of the films within a broader social framework. We work at a grass-roots level, by promoting both the production and exhibition of documentary films in the region, and then carry the work further by distributing these films across a variety of social and geographical spheres. Our success has been largely due to our capacity to work with many actors, and to target multiple audiences throughout the entire process. The nature of our work must always be collaborative, so that we are able to construct a more just society; to respond to extremism and violence with openness; to abandon abstraction and move closer to humanity, and to offer a voice to the voiceless. We must continue to create and share stories that are able to transform the old ones and give rise to new ones. Please join us in this journey. Welcome back to Ambulante!

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RICARDO GIRALDO

En el umbral de un año que parece ser uno de los más significativos en la historia de México, se articulan movimientos interesantes que generan espacios de exploración y encuentros que dan oportunidad para replantearnos nuestro papel individual y grupal dentro de la sociedad que atraviesa por un momento sombrío y difícil. Ambulante se vale del pensamiento utópico como percutor reflexivo en torno a una realidad que necesita de una mayor participación de la población ya que las estructuras sociales básicas están fracturadas. Distopías y sus contrapartes más optimistas son expuestas a través de un amplio registro en cine documental y trabajos de otro tenor que integran estrategias y herramientas documentales a sus disciplinas –instalación audiovisual, teatro, música y talleres–, extendiendo así el campo de acción del documental. Las reflexiones generadas a través de diálogos transversales entre los programas de las distintas secciones de la gira ahondan particularmente en la resistencia de las culturas, la reafirmación del individuo, su capacidad de creación y de metamorfosis para sobrevivir y adaptarse, y finalmente como una alternativa. La premisa de Ambulante de constituirse como una plataforma móvil con gran capacidad de transformación y adaptación ha hecho eco y se ha replicado gracias a la suma de esfuerzos e iniciativas a lo largo de sus siete años de vida y de gira. Celebramos en esta edición la diferencia como revulsivo y la iniciativa de aquellos que puedan revertir, a través de su trabajo creativo, la acelerada descomposición social que estamos experimentando. Nuestra pequeña contribución “ambulantópica” consiste en compartir la pasión por el cine documental en espacios físicos y virtuales apropiados colectivamente. El intercambio de diferencias y similitudes, las formas de expresión, y los gestos que acercan mundos ajenos, desconocidos y familiares podrán –con suerte– encontrar un tipo de fuerza regeneradora que llegue a ser parte de una alternativa que permita condiciones más justas y dignas sin cabida a la exclusión, la expulsión y la violencia. Gracias al entusiasmo de todos nuestros colaboradores, amigos, colegas, curiosos, asiduos y voluntarios que han hecho de Ambulante algo mucho más que un festival de cine. “A aquéllos que harán el siglo XXI, les decimos, con todo nuestro afecto: «CREAR ES RESISTIR. RESISTIR ES CREAR.»” Stéphane Hessel - ¡Indignaos!

At the threshold of a year that seems to be one of the most significant in Mexican history, we witness interesting movements that generate spaces for exploration and encounters that provide an opportunity to reassess our individual and collective role in a society that is going through a dark and difficult moment. Ambulante embraces utopian thinking as a tool for reflecting upon a reality that requires greater citizen participation, particularly since the basic social structures have been fractured. Dystopias and their more optimistic counterparts are explored through a wide range of documentary films as well as works of a different tenor that integrate documentary elements and strategies into their respective disciplines –audiovisual installation, theater, music and workshops– extending thus documentary cinema’s field of action. The reflection generated through a transversal dialogue across the programs in different festival sections delves deeply into themes such as the perseverance of cultures, the reaffirmation of the individual and his or her creative capacity and ability to change in order to survive and adapt, and finally as an alternative. Ambulante’s premise of acting as a mobile platform with the capacity to transform and adapt has had a positive impact, amplified thanks to a collective effort and the initiatives that have emerged during its seven years of existence. In this edition, we celebrate difference as a catalyst for change and the work of those who succeed in reverting, through their creative endeavors, the accelerated social deterioration we are currently experiencing. Our little “ambulantopian” contribution consists in sharing the passion for documentary cinema in physical and virtual spaces that are collectively appropriated. The exchange of differences and similarities, the different modes of expression, and the gestures that bring other –familiar and unknown– worlds closer can, with luck, find a type of regenerative force that becomes part of an alternative that allows for better and more dignified conditions, without giving way to exclusion, expulsion, and violence. We are grateful for the enthusiasm of our collaborators, friends, colleagues, curious and ardent followers, and volunteers that have made Ambulante something more than just a film festival. ‘To those who will make the 21st century, we say, with all our affection: “TO CREATE IS TO RESIST, TO RESIST IS TO CREATE.”’ Stéphane Hessel – Time for Outrage!

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ALEJANDRO RAMÍREZ MAGAÑA

En este 2012 Ambulante llega a su séptima edición con la trayectoria de irse convirtiendo en el evento de cine documental más importante de México. Desde su fundación, Ambulante se ha posicionado como un evento único en su género, comprometido con la misión social de democratizar el género documental. La consolidación de este proyecto se refleja en los resultados positivos que se logran año con año en términos de asistencia y reconocimiento. Consciente de la importancia que tiene una oferta variada de contenidos y géneros, Cinépolis ha sido el principal promotor de Ambulante a lo largo de estos siete años. Más de veinte ciudades de toda la República Mexicana en estos siete años han sido anfitrionas de esta Gira de Documentales. Decenas de miles de asistentes han acudido a las salas de Cinépolis y de las sedes paralelas para ser partícipes de esta fiesta cultural y cinematográfica. En Cinépolis nos sentimos orgullosos de promover el género documental y las historias tan enriquecedoras que se exhiben en cada edición. Este año, Ambulante recorrerá 11 estados del país además de la Ciudad de México, del 10 de febrero al 3 de mayo. En este recorrido, la gira pasará por primera vez por la ciudad de Acapulco, Guerrero. La selección de títulos, como cada año, es de altísima calidad, fruto del trabajo y dedicación del equipo de Ambulante. Una importante adición a la programación es la inclusión, por vez primera, de documentales en 3D. La incursión en este formato de reconocidos documentalistas, como Werner Herzog y Wim Wenders, han permitido que Ambulante explore estas nuevas dimensiones. Esperamos con gran confianza que esta 7a edición de Ambulante sea la más exitosa de todas y continúe cumpliendo con la preferencia de un público que apuesta por el espacio cultural en las salas de cine.

This year marks Ambulante’s seventh edition and its consolidation as the most important documentary cinema event in Mexico. Since its inception, Ambulante has distinguished itself as a unique and socially committed festival, working to democratize the documentary genre. Its success in this regard is evident both in its capacity to attract an impressive growing number of attendees, as well as in its widespread recognition. Cinepolis recognizes the value of offering a thematically and aesthetically varied program, and has been Ambulante’s main promoter during these past seven years. By this time, more than twenty cities in Mexico have hosted the documentary film festival. Thousands of people have visited Cinepolis theaters and Ambulante’s parallel venues to partake in this cultural and cinematic celebration. At Cinepolis, we feel proud to promote the documentary genre and provide a space to present eye-opening stories. This year, Ambulante will travel through eleven states in the country, in addition Mexico City, between February 10th and May 3rd. For the first time, the festival will visit the city of Acapulco, Guerrero. Ambulante’s program is,v as always, of the highest quality – the result of a dedicated and hard-working team. One notable addition to the program this year is the inclusion of documentary films in 3D. Works shot in this format by renowned filmmakers, including Werner Herzog and Wim Wenders, have allowed Ambulante to explore new dimensions. We are certain that this 7th edition of Ambulante will be the most successful yet, and will continue to satisfy the public that seeks a cultural space in cinema theater.

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FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MORELIA MORELIA INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

Este año, por séptima ocasión, Ambulante lanza su épico recorrido a través de fronteras geográficas, ideológicas y estéticas, buscando llevar a la pantalla nuevas propuestas artísticas, descentralizar la exhibición cinematográfica, idear distintos espacios de exhibición, forjar nuevos públicos y animar el debate en torno a los temas que conforman nuestra realidad política y social. Además de su excelente trabajo de difusión del cine documental, Ambulante continúa una ardua labor para concertar valiosos apoyos de producción. La nueva beca Cuauhtémoc Moctezuma–Ambulante permite que el trabajo de los documentalistas en nuestro país obtenga mayor visibilidad y financiamiento. Por otra parte, la realización de talleres de capacitación en México y el extranjero facilita la producción en comunidades con pocos recursos y coloca nuevas perspectivas que enriquecen el panorama cultural. Como siempre, es para nosotros un gran orgullo el poder apoyar una iniciativa con la cual compartimos objetivos: promover y divulgar el cine documental y crear un punto de encuentro único para los cineastas, el público, y la comunidad fílmica internacional. Gracias a la colaboración con Ambulante, nuestra programación en el Festival Internacional de Cine de Morelia se ha visto enormemente enriquecida. Este año, tuvimos el privilegio de exhibir cuatro proyectos que se concretaron gracias al apoyo de la beca Gucci-Ambulante: El lugar más pequeño (Tatiana Huezo), La Guerrera (Paulina del Paso), El cielo abierto (Everardo González), Mosca (Bulmaro Osornio), Lecciones para una guerra (Juan Manuel Sepúlveda) y dos documentales internacionales presentados por Ambulante: La balada de Genesis y Lady Jaye (Marie Losier) y La cueva de los sueños olvidados (Werner Herzog). Un proyecto cine-cartográfico único, Ambulante demuestra que el cine redibuja constantemente el contorno de nuestra realidad; ante el anestesiante bombardeo mediático, el documental resulta una herramienta indispensable para interpretar nuestra actualidad, para reflexionar sobre el pasado, y recordar los futuros posibles. Por esto, celebramos una vez más el lanzamiento de la Gira de Documentales Ambulante y nos unimos felizmente a su sorprendente itinerario.

This year, for the seventh occasion, Ambulante launches its epic tour across geographical, ideological, and aesthetic frontiers, bringing artistically innovative projects to the screen, decentralizing film exhibition, inventing new venues, drawing diverse audiences, and animating discussions in relation to the issues that constitute our political and social reality. Besides its relentless work of promoting documentary cinema, Ambulante has secured important sources of support for film production. The new Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante Fund provides increased visibility and financing options for documentary filmmakers. The festival’s film-training workshops in Mexico and abroad facilitate documentary production in communities that have limited resources, and help generate cinematic perspectives that enrich our cultural heritage. As always, it is a great honor to be able to support Ambulante. Since its inception, we have shared a mission: to promote documentary film and create a unique meeting point for filmmakers, audiences, and the international film community. Thanks to our collaboration with Ambulante, our programming at the Morelia International Film Festival has been greatly enriched. This year we had the privilege of featuring four projects which were completed with the support of the Gucci-Ambulante Grant, including The Tiniest Place (Tatiana Huezo), The Warrior (Paulina del Paso), The Open Sky (Everardo González), Fly (Bulmaro Osornio) and Lessons for a War (Juan Manuel Sepúlveda), as well as two international documentaries presented by Ambulante: The Ballad of Genesis and Lady Jaye (Marie Losier) and Cave of Forgotten Dreams (Werner Herzog). A unique cine-cartographic project, Ambulante proves that cinema continuously retraces the contours of our reality: in face of an anesthetizing media overload, documentary cinema becomes an indispensable tool for interpreting actuality, for reflecting on the past, and remembering possible futures. For this reason, we celebrate once again the Ambulante Film Festival’s 2012 tour and happily join in their inspiring itinerary.

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KENIA LÓPEZ RABADÁN

La Cámara de Diputados es un órgano colegiado donde se debaten ideas y convergen distintas visiones. Desde este espacio procuramos coadyuvar con las y los mexicanos para que a través de las leyes y el presupuesto, cuenten con las mejores condiciones para desarrollarse y consolidar sus capacidades. La Comisión de Cultura de la LXI Legislatura está comprometida con acciones que fortalezcan la cultura de nuestro país e impulsa la materialización de nuestra Constitución sobre el derecho de acceso a la cultura. A lo largo de esta LXI Legislatura, nos hemos ocupado de posicionar los temas culturales como punto esencial, garantizando que los recursos asignados a las instituciones culturales, las entidades federativas y las instituciones no gubernamentales sean una prioridad en la definición de los legisladores. Para esta Comisión, ha sido un privilegio contribuir con uno de los festivales de mayor reconocimiento del público y creadores: Ambulante Gira de Documentales, el cual se consolida como uno de los espacios de mejor y mayor proyección para el cine documental en nuestro país. En cada edición, Ambulante se preocupa por apoyar a más talentos mexicanos. Por ello, nuestro apoyo unánime a este proyecto, pues estamos convencidos del alcance y auge que ha forjado en estos siete años. Ambulante Gira de Documentales se convierte en espacio de pluralidad y foro de expresión en todas las ciudades donde se presenta. Hoy Ambulante se preocupa por establecer vínculos intergeneracionales e interregionales, significando un espacio de pluralidad para las distintas visiones que conforman nuestra Nación. Por ello el objetivo prioritario de los legisladores es consolidar un presupuesto mayor y es un privilegio informar que para 2012, se cuenta con un monto histórico de 16 mil 663 millones de pesos, el mayor presupuesto hasta ahora, que beneficiará a todos los estados de la República Mexicana y en el que proyectos como Ambulante serán una realidad con la ayuda del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA. Le deseo el mejor de los éxitos a Ambulante.

The House of Representatives is a governing body where ideas are debated and different points of view are exchanged. From this space, we hope to aid Mexican citizens through legislation and financial support so that they find the best conditions to develop and consolidate their capacities. The Cultural Commission of the LXI Legistlature is committed to strengthening culture in our country and upholds the right to access culture as outlined in our Constitution. Throughout this LXI Legistlature, we have worked to make cultural activities a priority, ensuring that the resources assigned to cultural institutions, federal entities, and non-governmental organizations are central to legistators’ agendas. It has been a privilege to support a festival widely recognized among the public and filmmakers: the Ambulante Documentary Film Festival which has become one of the best and widest-reaching venues for documentary cinema in our country. With every edition, Ambulante seeks to support more Mexican directors; we are impressed by the scope and success it has forged in the past seven years and unanimously support this project. The Ambulante Documentary Film Festival is a diverse forum which welcomes numerous forms of expression in the cities it visits. Today, Ambulante is concerned with establishing intergenerational and interregional links, and creating a pluralist space for the different views that emerge in our nation. For all these reasons, legislators’ priority is to secure a greater for cultural innitiatives, and it is a privilege to inform that for 2012, we have a historical amount of resources available: 16, 663 millions of pesos – the greatest budget up to now, that will benefit all the states of the Mexican Republic and will enable, with the help of the National Council for Arts and Culture, CONACULTA, projects like Ambulante, to carry out their mission. I wish Ambulante great success.

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MARINA STAVENHAGEN

Un país que duele. Pero que también deslumbra, y emociona, y llena de alegría y de esperanza. Un planeta herido pero magnífico, en donde la diversidad de culturas, de miradas, de expresiones de la pluralidad y de la complejidad de la convivencia humana conforma un crisol multicolor y alucinante. Y en medio del torbellino, los cineastas atrás de las cámaras, registrando el movimiento, los cambios, la densidad y liviandad de nuestra frágil humanidad. Nuevamente, Ambulante llega pisando fuerte. Un escaparate único para dedicarle una mirada curiosa y reflexiva al estado del mundo y a la mirada de quienes hacen cine hoy. Migración, medio ambiente, fronteras, derechos humanos, arte y tecnología, recuperación de la memoria… En suma, el pulso dinámico del documental que se hace en México y en el mundo. Con una programación elegida de manera rigurosa, Ambulante ofrece al público mexicano películas que provienen de todas las latitudes y que abordan múltiples temas. El festival viaja por 12 ciudades en México y se desdobla, otra vez, en conferencias, presentaciones especiales, talleres que llegan incluso a otras naciones buscando capacitar nuevas miradas en el oficio del documental. No podemos sino celebrar que Ambulante exista y sea una opción de consumo del mejor cine del mundo, de aquel que nos hace emocionarnos y pensar, de aquel que nos impulsa a la acción. Celebramos su vocación de interlocución con la sociedad, su capacidad de transformación y cambio, su permanente y atento ojo al latido del mundo. ¡Muchas felicidades a quienes hacen posible este gran festival!

A country that hurts. But that also dazzles, surprises, and fills us with joy and hope. A wounded but magnificent planet, where the diversity of cultures and perspectives, the wealth of collective expressions, and the complexity of human relations constitute a variegated and astonishing melting pot. In the midst of this whirlwind of change, filmmakers behind the camera register the movement, the transformation, the density and lightness of our fragile existence. Once again, Ambulante takes a strong stride forward. A unique showcase that offers a curious and thoughtful perspective on the state of the world, and on those who turn their cameras to capture our times: immigration, the environment, borderlands, human rights, art and technology, historical memory… In sum, the dynamic pulse of documentary filmmaking in Mexico and abroad. Boasting a rigorous programming, Ambulante offers Mexican audiences a selection of films, spanning a variety of themes, from different corners of the world. The festival travels through twelve cities in Mexico, offering conferences, special presentations, and workshops that have now extended to other countries, seeking to train new hands in documentary production. We can not but celebrate Ambulante’s existence, and the fact that it remains a venue for the best cinema in the world – films that inspire us to think, that move us to action. We celebrate the festival’s creative dialogue with society, its amazing capacity for transformation and change, its attentive eye to the pulse of the world. Congratulations to the people who make this great festival possible!

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MARIO BRONFMAN

Hay encuentros planeados y hay encuentros casuales; los hay gratos y también desagradables; algunos son únicos y otros son repetidos; en fin, hay encuentros de muchos tipos, colores y sabores. Pero también hay una categoría en la que se inscriben los encuentros inevitables, necesarios, impostergables. Y es en esa categoría en la que está el encuentro entre Ambulante y la Fundación Ford. Inevitable porque al compartir valores e ideales anduvimos caminos similares hasta que nos cruzamos; necesarios porque entre lo que Ambulante hace y lo que la Fundación Ford apoya hay una absoluta complementariedad; impostergable porque la misión de usar el cine para documentar, educar y visibilizar nunca fue tan urgente como en estos tiempos. Desde nuestra primera colaboración en el 2008, cuando apoyamos a Ambulante para la distribución de Mi vida dentro –un film documental que relata la historia de una joven mexicana condenada en los Estados Unidos de América en un juicio de profundo carácter racista– hasta nuestro último proyecto conjunto –un festival itinerante sobre cine y migración,– el encuentro Ambulante/Fundación Ford ha fructificado en varios e importantes logros. Si de elegir uno se trata, ha sido el proyecto Ambulante Más Allá el que mayor trascendencia y perspectiva de futuro tiene. Capacitar a indígenas y afrodescendientes, especialmente mujeres, para usar las herramientas del lenguaje cinematográfico y con ellas visibilizar y contar sus vidas, problemas y sueños, es un proyecto visionario. La Fundación Ford se enorgullece de asociar su nombre al de Ambulante y estamos seguros que este encuentro es y será –además de inevitable, necesario e impostergable– duradero y exitoso.

Some encounters are planned and some happen by chance; some are pleasant and some are disagreeable; some are unique and others, commonplace. In brief, encounters come in all sorts of colors and flavors. But there is one category which includes those necessary, inevitable, and imminent encounters; such category describes the encounter between Ambulante and the Ford Foundation. I say inevitable because, when sharing values and ideals, we travelled similar roads before crossing paths; necessary, because what Ambulante does complements perfectly what the Ford Foundation supports; imminent, because the mission of using cinema to document, educate, and reveal was never as urgent as it is in these times. Since our first collaboration in 2008 –when we supported Ambulante in the distribution of My Life Inside, a documentary about the struggle of a young Mexican woman condemned to life imprisonment in a trial process tainted by racism– up to our most recent collaboration –a travelling festival focused on cinema and immigration,– the Ambulante/Ford Foundation encounter has resulted in many important achievements. If we had to highlight one of these, it would be Ambulante Beyond; a visionary project which provides film training to indigenous and afro-descendent communities, and especially women, so that people can use the tools of film language to capture their stories, problems, and dreams. The Ford Foundation is proud to collaborate with Ambulante and we are certain that this encounter is, and will continue to be –besides inevitable, necessary, and imminent– long-lasting and successful.

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LUCIANA KAPLAN

ARNULFO TREVIÑO GARZA

Desde 2007, Gucci y Ambulante A.C. han apoyado la producción documental mexicana a través de la Beca Gucci-Ambulante de post-producción para documentales. Dicha beca fue creada con la finalidad de otorgar apoyos en efectivo a proyectos de largometraje que hubieran terminado su etapa de producción y requirieran fondos para su finalización, dando preferencia a documentales relacionados con derechos humanos, justicia social, libertad de expresión y que en general se enfoquen a una temática social. En este tiempo, esta beca apoyó once documentales, mismos que han cosechado una larga lista de premios y reconocimientos, entre ellos Presunto Culpable, Los que se quedan, Trazando Aleida, El cielo abierto y El lugar más pequeño. Tras cinco años de alianza, Ambulante agradece muy especialmente el apoyo, esfuerzo e interés de Gucci hacia la producción fílmica documental mexicana y se complace en anunciar el comienzo de un nuevo fondo de apoyo que retomará el trabajo realizado durante éstos cinco años por Gucci: la Beca Cuauhtémoc MoctezumaAmbulante. Esta nueva beca apoyará anualmente y por tres años consecutivos entre 2 y 4 documentales mexicanos que se encuentren en la etapa de post-producción, dando preferencia a proyectos que traten temas relacionados con medio ambiente, educación, arte y cultura, deportes y temas laborales. Gracias al interés de Cuauhtémoc Moctezuma, se seguirá impulsando la actividad documental nacional, incentivando el documental de autor y de reflexión. La convocatoria estará abierta del 8 de febrero al 4 de mayo de 2012 y podrá encontrarse en: www.ambulante.com.mx Since 2007, Gucci and Ambulante A.C. have supported Mexican documentary production through the GucciAmbulante Post-production Grant. This grant was created to offer cash support to feature film projects that have concluded the production stage and require finishing funds. The grant gave preference to documentaries related to human rights, social justice, freedom of expression, and those that are generally focused on social themes. To date, this grant has benefited eleven award-winning documentaries including: Presumed Guilty, Those Who Remain, Tracing Aleida, The Open Sky and The Tiniest Place, among others. After five years of collaboration, Ambulante is grateful for the generous support, attention and interest Gucci has shown to Mexican documentary production. This year, Ambulante is pleased to announce the beginning of a new fund which will continue the type of work Gucci carried out during these past five years: the Cuauhtémoc Moctezuma Grant. This new grant will support, annually and for three consecutive years, between 2 and 4 Mexican documentaries in the post-production stage –preference will be given to projects that deal with environmental issues, education, arts and culture, sports and employment. Thanks to Cuauhtémoc Moctezuma, Mexican documentary production will continue to be encouraged. The fund will promote both auteur documentaries and ones of reflection. The application process will take place from February 8th to May 4th 2012. Additional information can be found at: www.ambulante.com.mx

Cuauhtémoc Moctezuma es una empresa que a lo largo de sus más de 120 años ha enfocado sus esfuerzos al desarrollo económico de México, pero sobre todo, al de su sociedad, con programas y acciones que inciden directamente en el bienestar de sus colaboradores, sus familias y las comunidades donde está presente. Nuestra meta a través de nuestra filosofía Brindando un Mejor Futuro es ofrecer las herramientas necesarias para promover un cambio de mentalidad y actitud, que permita a la sociedad mexicana construir su futuro a partir de sus capacidades, aprovechando al máximo sus oportunidades. Es por esta razón que decidimos aliarnos con Ambulante con el fin de promover el talento de documentalistas mexicanos que persiguen, con su trabajo, generar un cambio de conciencia en sus audiencias, a través de la creación de materiales que informen sobre temas vinculados con el medio ambiente, la educación y el compromiso social. Al dar apoyo a programas relacionados con el arte y la cultura, Cuauhtémoc Moctezuma busca: Apoyar el desarrollo de una sociedad más culta que promueva el beneficio de sus individuos y sea el motor de desarrollo del país. Fortalecer valores como el respeto hacia los demás, la igualdad, un juicio crítico y constructivo para la defensa de sus derechos. Desarrollar una sociedad con mayor apertura al dar acceso a diferentes perspectivas, conocimientos y experiencias. Cuauhtémoc Moctezuma is a company that, over the past 120 years, has concentrated its efforts on Mexico’s economic development, and especially, on the country’s social development – offering programs and actions that help to ensure the well-being of its collaborators, their families, and the communities where it is present. Our goal, expressed in our philosphy, Offering a Better Future, is to provide the necessary tools to promote a shift in attitude and awareness that will allow Mexican society to build a future based on its capacity, and to take full advantage of its opportunities. We decided to forge an alliance with Ambulante with the goal of supporting the talented Mexican documentary filmmakers who promote different perspectives through their work and raise awareness about issues related to the environment, education, and community. By providing support to artistic and cultural programs, Cuauhtémoc Moctezuma seeks to: Support the development of a more cultured society that can benefit its members and become the motor of change in the country. Strengthen the values that empower individuals, including mutual respect, equality, and critical and constructive jugement. Develop a more open society by facilitating access to different perspetives, frameworks of knowledge, and experience.

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NOTAS DE PROGRAMACIÓN | PROGRAMMING NOTES
El 2012 es un año lleno de decisiones e incertidumbres en el que se disparan los imaginarios más trepidantes; visiones catastróficas se confrontan con las más esperanzadoras, sin que haya un verdadero diálogo en torno a ellas. A escala global circulan con fuerza las teorías acerca del fin del mundo por crisis económicas, desastres naturales, cambio climático, guerras del agua, epidemias, terrorismo, etc. Por suerte, proliferan también los proyectos que buscan soluciones o proponen alternativas. En México, la violencia y la degradación del tejido social nos llaman a evaluar el camino recorrido y repensar qué tipo de sociedad queremos construir. Por eso nos parece pertinente revisar y reflexionar críticamente sobre las distintas experiencias que se gestan en nuestro país y a nivel mundial a partir del pensamiento utópico. Las visiones utópicas encierran miradas críticas sobre la cultura y la sociedad, nos ayudan a pensarnos a nosotros mismos desde otro punto de vista. Podemos comprenderlas como proyecciones de miedos o fantasías colectivas, que pueden ser optimistas (eutopías) o pesimistas (distopías), pero siempre remiten a la evaluación del camino andado, para repetir aciertos y evitar errores. Asumimos una noción de utopía que abarca lugares que existen efectivamente, pero mantienen una relación peculiar con el mundo. La mezcla de diferentes culturas constituye también un campo fértil para la imaginación utópica, gracias a la cual pueden crearse nuevas identidades y alteridades, tejiendo redes de relaciones más justas y equitativas. Nos parece importante considerar que el pensamiento utópico, no obstante el carácter imposible que lo define, tiene una enorme importancia para determinar lo que ocurre en el aquí y el ahora. Se vincula estrechamente con distintas luchas sociales y muchos proyectos comunitarios y movimientos culturales se nutren de la posibilidad de detonar procesos reales y concretos a partir de un impulso utópico. En este sentido, quisiéramos apuntar que las utopías también se refieren a los procesos de transformación social; son modelos de pensamiento que a su vez contemplan un plan de acción. Con la programación de este año queremos convocar a una revisión de estos imaginarios utópicos. Proponemos abordar aquellos otros lugares reales, escenarios (im)posibles, sueños colectivos, visiones distópicas, panoramas inminentes o proyecciones recurrentes en los que se expresa de manera particular una visión crítica del mundo y de nosotros mismos. The year 2012 is full of decisions and uncertainties that breed the most alarming imaginaries; catastrophic predictions clash with optimistic projections, but there is no true dialogue about these. Theories about the end of the world proliferate on a global scale as a result of economic crises, natural disasters, global warming, receding water resources, epidemics, and terrorism. Luckily, other projects which seek solutions or propose alternatives are also emerging. In Mexico, widespread violence and the fraying of social relationships push us to evaluate the path we’ve covered so far and to think about what type of society we want to build. In light of this, we consider it pertinent to review and reflect upon the different expressions of utopian thought that develop in our country, as well as on a global level. Utopian visions bolster critical views on culture and society; they help us to think about ourselves from a different point of view. We can understand them as the projection of collective fears or fantasies, which may be optimistic (eutopias) or pessimistic (dystopias), but which always prompt us to evaluate the road we’ve travelled so far in order to repeat successes and avoid mistakes. In this case, we adopt a notion of utopia that refers to places that exist, but that sustain a peculiar relationship to the world. The interaction of different cultures also constitutes a fertile ground for utopian imagination, which can spur the creation of new identities and alterities, and knit social networks that are more equitable and just. We believe it is important to consider that utopian thought, despite the sense of impossibility that defines it, is crucial for determining what happens in the here and now. It informs diverse social struggles – many collective projects and cultural movements draw their force from the possibility of triggering real and concrete processes based on a utopian impulse. In this sense, we want to emphasize that utopias also refer to processes of social transformation; they are models of thought that comprise a plan of action. This year’s program encourages an analysis of such utopian imaginaries; we propose addressing those other real places, (im)possible scenarios, collective dreams, dystopian visions, imminent horizons or recurrent projections that anchor a critical view of the world and of ourselves. Eduardo Thomas y Antonio Zirión

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DEDAZO

Los documentales más aplaudidos, celebrados y votados por el gran público.

Highly acclaimed, celebrated documentaries and audience favorites.

Anna Pavlova vive al límite: sin conciencia del pasado o del futuro; existe sólo en el presente. Theo Solnik sigue a esta joven rusa en sus aventuras durante la ajetreada vida nocturna de Berlín; intenta mantener el ritmo del hedonismo desenfrenado de la chica, mientras “surfea“ por las calles de la ciudad. Observamos a la protagonista atravesar por episodios brutales y extáticos, mientras se aferra desesperadamente a la fiesta para evitar la resaca que le revelará un mundo diferente. Filmada en blanco y negro, la película emana una energía fresca, repleta de imágenes sensuales que ilustran los desvaríos líricos de su personaje. La cámara flota detrás, libre de restricciones formales o morales, imitando la independencia y volatilidad de Anna. El resultado es impactante: un noir contemporáneo que capta la deriva y el espíritu eufórico de toda una generación.

ANNA PAVLOVA LEBT IN BERLIN | ANNA PAVLOVA VIVE EN BERLÍN ANNA PAVLOVA LIVES IN BERLIN
Alemania | 2011 | Alemán-Inglés-Ruso | b&n | 80’

Anna Pavlova lives on the edge, with no regard for the past or the future, fully inhabiting every second of the present. Theo Solnik follows the intrepid Russian through the Berlin night, trying to keep the pace of her glorious debauchery and wild abandon as she “windsurfs the streets” in a drunken state. We follow her through ecstatic and brutal episodes, as she desperately clings to a life of party-bliss in order to avoid the hangover that will reveal a different world. Shot in black and white, the film exudes a fresh, renewed energy, full of sensuous images dancing to Anna’s lyrical ravings. The camera floats behind, imitating Anna’s freedom, liberated from formal or moral constraints. The result is striking – a contemporary noir that captures the euphoric drift and spirit of a generation.

Director, Director de fotografía, Edición, Guion: Theo Solnik Compañía de producción: DFFB

Elena Fortes

Contacto | Contact German Film and Television Academy Berlin (DFFB) | Juli Schymik schymik@dffb.de Potsdamer Str. 2 D-10785 Berlin Germany +49 (30) 25759153

Theo Solnik (Brasil, 1981), empezó a trabajar en teatro como actor y músico a los 14 años. Después de estudiar Filosofía y Ciencias Sociales en la Universidad de Oslo, filmó varios cortometrajes, trabajó como periodista y fotógrafo freelance, y como músico y director musical en numerosas producciones teatrales. Desde 2006 estudia en la Academia de Cine y Televisión de Alemania. Theo Solnik (Brazil, 1981) began to work with theater as an actor and musician when he was 14 years old. After having studied Philosophy and Social Sciences in the University of Oslo, he shot several short films, worked as freelance journalist and photographer, and as a musician and musical director in several theater productions. Since 2006, he has been studying at the German Film and Television Academy (DFFB) in Berlin.

Festivales | Festivals del Jurado.

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La cinta de Clio Barnard The Arbor es una de la propuestas conceptuales más complejas y audaces del cine documental contemporáneo. La película retrata la vida y el legado de la dramaturga británica Andrea Dunbar, quien destacó con su primera obra en el Royal Court Theater de Londres a la edad de 19 años y murió poco después, de una hemorragia cerebral a la edad de 29. Su sórdida infancia en un desarrollo estatal de vivienda en Bradford, conocido como The Arbor, marcada por el abuso, la brutalidad y el alcoholismo, inspiró la obra de Dunbar, pero también pronosticó el eventual deterioro de la joven. Durante dos años, Barnard buscó a los parientes y amigos de Dunbar, confrontándolos con la obra de la dramaturga y coleccionando una serie de entrevistas que conforman la estructura narrativa de la película. La combinación de pietaje de Andrea Dunbar, dramatizaciones de escenas de su obra montadas en el Bradford actual, y entrevistas grabadas con actores que hacen lip-synch impecable con los diálogos originales, resulta en una construcción cinematográfica perturbadora donde la ficción, la realidad, el teatro, el cine, el arte y la vida se entretejen. La cinta se enfoca en la relación de Dunbar y su hija Lorraine, cuya turbulenta experiencia de vida imita la de su madre. En contraste con el trasfondo opresivo que permea el filme y sus personajes, Barnard logra crear una obra brillante y un triunfo de la mise en scène.

THE ARBOR
Reino Unido | 2010 | Inglés | Color | 94’

Directora: Clio Barnard Director de fotografía: Ole Birkeland Edición: Nick Fenton, Daniel Goddard Guion: Clio Barnard Sonido: Tim Barker Música: Molly Nyman and Harry Escott Productora: Tracy O’Riordan Compañía de producción: Artangel Trust

Presentado en colaboración con Mujeres en el Cine y la TV México Presented in collaboration with Women in Film and Television Mexico

Contacto | Contact Wavelength Pictures | John Flahive john.flahive@wavelengthpictures.co.uk 24 Alexandra Grove / Apt 4 London N4 2LF UK +44 (79) 68772792 www.wavelengthpictures.co.uk

Clio Barnard’s The Arbor is one of the most conceptually complex and daring attempts in contemporary non-fiction filmmaking. The film traces the life and legacy of Andrea Dunbar, British playwright who shined with her first play at The Royal Court Theater in London at the age of 19, and died shortly after from a brain hemorrhage at the age of 29. Her sordid upbringing in Bradford’s Buttershaw estate, known as “The Arbor,” tainted by abuse, brutality, and alcoholism, inspired her writing, but it also set the stage for her eventual demise. For two years Barnard searched for Dunbar’s friends and family, confronting them with the young playwright’s writing, and collecting a series of interviews that form the narrative backbone of the film. The combination of actual footage of Andrea Dunbar, with cleverly staged scenes of Dunbar’s plays in today’s Bradford, and the recorded interviews impeccably lip-synched by actors, result in an uncanny cinematic construction in which fiction, reality, theatre, cinema, art and life become intricately woven. The film focuses on Dunbar’s daughter Lorraine whose turbulent life experiences replicate those of her mother. In contrast to the condemning somber backdrop that permeates her film and subjects, Barnard manages to create a brilliant piece of work, and a triumph of mise en scène.

Elena Fortes

Clio Barnard es una artista y cineasta cuyo trabajo ha sido exhibido en distintos cines, festivales internacionales, museos y galerías, entre ellos la Tate Modern, la Tate Britain y el MoMA. Su obra fue proyectada en la televisión inglesa y a nivel internacional. Barnard obtuvo el premio para artistas Paul Hamlyn. Clio Barnard is an artist and filmmaker whose work has been featured in several film venues, international film festivals and galleries including the Tate Modern, the Tate Britain and the MoMA. Her work has been screened on Channel 4 and had several international broadcasts. Barnard is a recipient of the Paul Hamlyn Award for Artists.
Festivales | Festivals

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Este primer largometraje de Marie Losier retrata y cuenta la historia de Genesis P-Orridge —reconocido performancero y pionero de la música industrial, integrante de bandas como Throbbing Gristle y Psychic TV—, así como de su querida esposa, la dominatriz y artista alternativa, Lady Jaye, recientemente fallecida. Si para algunos el amor verdadero significa ser Uno, entonces Genesis y Lady Jaye aplicaron literalmente la fórmula, transformándose físicamente el uno en el otro, a fin de fusionarse en una sola identidad; en un ser, en sus propios términos, “pandrógino”, modelado vía maquillajes, trajes y cirugías plásticas, a partir de una visión compartida de la simbiosis entre dos personas. Las etiquetas de excéntricos o locos se desvanecen gradualmente en la película en favor de un enfoque sobre la esencia de su proyecto utópico: el acercamiento a un ideal del amor puro e intensamente real. Filmado a lo largo de siete años, el documental estilo home movie de Losier, combina imágenes en 16 mm con material de archivo inédito perteneciente a los protagonistas: fotos, collages, extractos de conciertos, etc. La película penetra, y de alguna manera perpetúa, un mundo profundamente íntimo y minuciosamente registrado, donde texturas, colores, humo, alcohol, música y sensualidad forman el escenario de la gran obra de Genesis y Lady Jaye: la encarnación última de su amor y fascinación.

THE BALLAD OF GENESIS AND LADY JAYE | LA BALADA DE GENESIS Y LADY JAYE
Estados Unidos-Francia | 2011 | Inglés | Color | 72’

Directora: Marie Losier Directora de fotografía: Marie Losier Edición: Marie Losier, Marc Vives Sonido: Bryin Dall Productores: Marie Losier, Steve Holmgren, Martin Marquet
Contacto | Contact Marie Losier mlosier@fiaf.org 146 Java Street, Brooklyn NY 11222 USA +1 (917) 6400890

This debut feature film by Marie Losier tells the story of Genesis P-Orridge —renowned performance artist and industrial music pioneer, member of bands such as Throbbing Gristle and Psychic TV— and his dear partner, the recently deceased dominatrix and alternative artist, Lady Jaye. For some, true love means becoming One; Genesis and Lady take this formula and apply it literally, altering their physiques to resemble one another in hopes of fusing into a single identity: a single being, or in their own terms, a “pandrogyne.” They resort to make-up, costume and surgery to transform themselves into their shared vision of symbiosis between two human beings. The film’s focus however, is not on the eccentric or crazy nature of the characters’ desires, but rather, on the utopian aspect of their shared dream: the possibility of approaching an ideal, pure and intensely real love. Shot over the course of seven years, Losier’s home-movie style documentary combines 16 mm images with unseen material from the protagonists’ archives: photos, collages, concert footage, etc. The film penetrates —and in some way extends— a profoundly intimate and thoroughly documented world, where textures, colors, smoke, alcohol, music and sensuality set the stage for Genesis and Lady Jaye’s master work: the final incarnation of their love and passion.

Anaïs Desrieux
Marie Losier (Francia, 1972), cineasta y curadora, estudió Literatura en Francia y Bellas Artes en Nueva York, donde actualmente vive y trabaja. Su obra ha sido exhibida en numerosos festivales de cine y museos, entre ellos la Tate Modern Gallery , el MoMA, el Centro Pompidou y el Festival de Berlín. Su obra se centra principalmente en retratos filmados de directores, músicos y compositores vanguardistas. Desde 2000 ha sido curadora en la Alianza Francesa de Nueva York, donde presenta muestras de cine semanalmente. Marie Losier (France, 1972), a filmmaker and curator, studied Literature in France and Fine Arts in New York, where she currently lives and works. Her work has been exhibited in numerous film festivals and museums, among them the Tate Modern Gallery, the MoMA, the Pompidou Center and the Berlin Film Festival. Her work is mainly centered on filmed portraits of avant-garde directors, musicians and composers. Since 2000, she has been a curator in the French Institute Alliance Française of New York, where she presents weekly film screenings.

Festivales | Festivals

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En el paisaje artificial de Salton Sea, situado en el desierto de Colorado al sur de California, se encuentra Bombay Beach: un lugar que alguna vez fue considerado el oasis para quienes intentaban alcanzar “el sueño americano” en la época posterior a la Guerra Fría. Hoy en día, las ruinas enterradas en la arena son testigo de la precaria existencia de los pocos habitantes de lo que queda del centro vacacional. La película sigue a tres personajes: Red, un viejo excéntrico que comparte su peculiar punto de vista mientras sobrevive con whisky y cigarros de contrabando; CeeJay Thompson, un adolescente que dejó atrás la vida de pandillero cuando su primo fue asesinado en Los Ángeles, y que ahora aspira a ser jugador de la NFL y el primero de su familia en asistir a la universidad; y Ben Parish, un niño diagnosticado maniaco-depresivo que vive bajo la influencia de una cantidad espeluznante de fármacos en una familia aparentemente disfuncional, pero cariñosa. La ópera prima de Alma Har’el es un retrato idiosincrásico y profundamente conmovedor de tres individuos que intentan hacer sus vidas a partir de lo que quedó de un sueño guajiro capitalista. Con el estéril paisaje como telón de fondo, los personajes de Har’el participan en coreografías acompañadas de la música de Bob Dylan y Beirut, que personifican la interpretación de la directora de sus sueños y deseos. Estas etéreas y exquisitas secuencias hacen de Bombay Beach un experimento particular dentro del terreno de la no-ficción, mismo que transgrede de manera triunfal hacia una nueva forma de interpretar la realidad, que yace en algún lugar entre el cinema verité y el realismo mágico.

BOMBAY BEACH
Estados Unidos | 2011 | Inglés | Color | 80’

Directora: Alma Har’el Directora de fotografía: Alma Har’el Edición: Joe Lindquist, Alma Har’el Sonido: Dror Mohar Música original: Zach Condon Música: Beirut, Bob Dylan Coreógrafa: Paula Present Productores: Alma Har’el, Boaz Yakin

Contacto | Contact Roco Films | Cristine Dewey cristine@rocofilms.com 80 Liberty Ship Way, Suite 5 Sausalito, CA 94965 USA +1 (415) 3326471 www.bombaybeachfilm.com

Bombay Beach, located in the man-made Salton Sea that is entrenched in the Colorado Desert of Southern California, was once conceived as an oasis for American dream chasers in post Cold War America. Today, the washed-up ruins in the sand bear witness to the precarious existence of the few inhabitants of what remains of the resort. The film follows Red, an old eccentric who shares his quirky views on life and survives on whiskey fumes and bootlegged cigarettes; CeeJay Thompson, a teenager who escaped gang life in South Central LA after his cousin was killed, and who aspires to become an NFL player as well as the first in his family to go to college; and Ben Parish, a young boy diagnosed with bipolar disorder, who lives under the influence of a frightening variety of pharmaceuticals in a seemingly dysfunctional, yet loving family. Alma Har’el’s directorial debut is an idiosyncratic and deeply moving portrait of three people struggling to shape their lives from the dregs of a capitalist pipe dream. Against the canvas of the sterile landscape, Har’el’s subjects break out into vivid musical performances that play out the director’s interpretation of their dreams and desires to the music of Bob Dylan and Beirut. These exquisitely ethereal sequences make Bombay Beach a singular experiment in non-fiction filmmaking – one which triumphantly transgresses to a new form of interpreting reality, which lingers somewhere between cinema verité and magical realism.

Alma Har’el, nacida y criada en Israel, comenzó su carrera como fotógrafa y videoasta, principalmente como directora de videos musicales. Su colaboración con el reconocido grupo Beirut y su cantante, Zach Condon, le ha valido numerosas nominaciones en festivales de música y video alrededor del mundo. Su trabajo destaca por la búsqueda de expresión artística a través de la danza moderna, los paisajes y personajes. Alma Har’el, born and raised in Israel, began her work as a photographer and a video artist, particularly directing music videos. Her frequent collaborations with singer Zach Condon of the band Beirut brought her several nominations in film and music video festivals around the world. Her work is recognized for her expression through modern dance, landscape and character.
Festivales | Festivals

Elena Fortes

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Las armas procedentes de Estados Unidos representan más de 70% de las 29 000 armas confiscadas del crimen organizado en México en 2010. En los últimos cinco años, más de 40 000 personas han muerto en nuestro país a causa de la guerra contra las drogas. Doscientos cincuenta millones de armas circulan actualcompleja sobre el tema de la legislación y regularización de armas en Estados Unidos. Al enfocarse en los distintos grupos e individuos que abogan a favor y en contra de las armas, intenta abrir un espacio neutral dentro del debate. El filme comienza con escenas perturbadoras de la masacre en Virginia Tech ocurrida en 2007, captadas por un celular, y posteriormente hace un análisis de las implicaciones de las leyes permisivas y las lagunas jurídicas que facilitan el acceso a las armas. Actualmente, se puede comprar armas a través de prestanombres y sin comprobar antecedentes penales. Tiroteo es, sin duda, una película fundamental para comprender la importancia del debate sobre las políticas públicas en torno a la venta y posesión de armas en Estados Unidos. La investigación de Kopple incita a reflexionar sobre un tema que ya ha tenido repercusiones en México, generando reacciones a favor de un mayor control sobre la venta de armas en Estados Unidos, y que ciertamente jugará un papel decisivo en las próximas elecciones presidenciales de ambos países.

GUN FIGHT | TIROTEO
Estados Unidos | 2011 | Inglés | Color | 90’

Directora: Barbara Kopple Directores de fotografía: Gary Griffin, Christine Burrill Edición: Robert Eisenhardt Guion: Robert Eisenhardt Sonido: Daniel Brooks, Giovanni Di Simone, Robert Silverthorne Música: Music Box,LLC Productores: Nancy Abraham, Barbara Kopple, Williams Cole, Marc N. Weiss Compañía de producción: HBO

Contacto | Contact Films Transit International Inc. Jan Röfekamp jan@filmstransit.com 252 Gouin Boulevard East Montreal H3L1A8 Canada

Weapons coming from the U.S account for more than 70% of the 29,000 firearms that were seized from organized crime in Mexico in 2010. In the past five years more than 40,000 people have been killed in Mexico as a result of drug related violence. 250 million guns are currently in circulation in the U.S. Two-time Academy Award winner Barbara Kopple offers an intricate look at the issue of gun control in the U.S, focusing on the different interest groups and individuals that advocate for and against it, in an attempt to find a middle ground to the debate. The film opens with disturbing mobile phone footage from the Virginia Tech massacre that took place in 2007 and then delves into the permissive laws and legal loopholes that facilitate access to guns, which are easily acquired without undergoing a background check, or through “straw purchases.” Gun Fight is without doubt, a fundamental film for understanding the critical importance of the gun debate in U.S policy; Kopple’s in-depth look will certainly spark a discussion in Mexico on an issue that has already spurred pressure groups in Mexico for gun control in the U.S., and that is sure to play a decisive role in both countries’ upcoming elections.

Elena Fortes

Barbara Kopple se mudó al municipio de Harlan a los 26 años para filmar el conflicto de la mina Brookside. Terminó quedándose por cuatro años y el resultado de su participación en este movimiento fue Harlan County, USA (1986), documental ganador de un premio Oscar. En su filmografía destaca Sueño Americano (1991), que cuenta la historia de la huelga de un grupo de empacadores de carne de la empresa Hormel a mediados de los años 80, y Wild Man Blues (1997), que sigue a Woody Allen en su tour por Europa. Barbara Kopple moved to Harlan County when she was 26 to film a union conflict at the Brookside mine. She ended up staying for four years and the result of her involvement in the community was Harlan County, USA (1986), an Academy Award-winning documentary. Her filmography includes American Dream (1991), which recounted the mid-80’s strike of group of Hormel meat packers, and Wild Man Blues (1997), an account of Woody Allen’s European jazz tour.

Festivales | Festivals IDFA.

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THE PEOPLE VS. GEORGE LUCAS | EL PUEBLO VS. GEORGE LUCAS
Estados Unidos | 2010 | Inglés | Color | 97’

Quizá el peor error de George Lucas no fue la serie de precuelas o El especial navideño de La guerra de las galaxias, sino haber traicionado a sus fans con las modificaciones aparentemente irreversibles a la trilogía original. Un intento malogrado por revivir la visión original detrás de La guerra de las galaxias treinta años después, provocó que miles de seguidores se escandalizaran e incluso compararan a Lucas con quienes niegan la existencia del Holocausto. Las modificaciones que realizó a la lejana galaxia, ya no se sintieron tan distantes, pues se interpretaron como la negación del espíritu de colaboración y del contexto histórico que crearon la triología. La cinta reúne entrevistas a fans, críticos de cine y teóricos culturales, videos creados por seguidores y parodias de La guerra de las galaxias, para cuestionar el sentido de apropiación de una obra y su legado cultural. Uno de los sujetos entrevistados, Jonathan London, resume la reacción general: “No se trata del autor, sino de la cultura que adopta y celebra su obra”. La película también especula sobre los proyectos que Lucas hubiera realizado si La guerra de las galaxias no hubiera dominado su vida y las ganancias no hubieran contaminado su visión. Este cineasta, quien alguna vez fue vanguardista, experimental y marginal, se convirtió repentinamente en un Darth Vader empresarial. Quizá, cuando termine la película, todos gritaremos al unísono “HAN DISPARÓ PRIMERO”, pero también saldremos con una perspectiva mucho más compleja sobre la autoría –la responsabilidad del creador hacia su público– y las repercusiones de una industria cinematográfica que ha “evolucionado” hacia el corporativismo y la tecnología CGI (Imagen Generada por Computadora). Perhaps George Lucas’ worst mistake wasn’t the series of prequels, or the Star Wars Holiday Special, but the betrayal of his historical fan base with the apparently irreversible modifications to the original trilogy. An unfortunate attempt to rehash his original vision thirty years later resulted in thousands of scandalized fans, some who came as close as to compare him to a Holocaust denier. The modifications of a galaxy far, far away, were no longer so far away, when they were felt as a denial of the spirit of creative collaboration and the historical context that produced the original films in the first place. The film combines interviews with fans, film critics and cultural theorists, interspersed with exquisite fan videos and Star Wars spoofs inspired on the film, to raise complex questions regarding the ownership of film and its cultural legacy. One of the film’s interviewees, Jonathan London, summarizes the general sentiment: “It’s not about the author, it’s about the culture that embraces it”.

Director: Alexandre O. Philippe Director de fotografía: Robert Muratore Edición: Chad Herschberger Guion: Alexandre O. Philippe Sonido: Phillip Lloyd Hegel Música: Jon Hegel Productores: Robert Muratore, Vanessa Philippe, Kerry Deignan Roy, Anna Higgs, Gavin Humphries Compañía de producción: Exhibit A Pictures, Quark Films
Contacto | Contact 42 West | Cynthia Swartz Cynthia.Swartz@42West.net +1 (212) 2777557

Alexandre O. Philippe (Suiza). Con una maestría en Literatura Dramática de la Tisch School of Arts de la Universidad de Nueva York, Alexandre ha dirigido varios cortometrajes y dos largometrajes documentales, Chick Flick y Terrícolas. Su cortometraje Izquierda fue la primera película grabada, editada y mezclada a 192kHz/24-bit para el nuevo proceso de Dolby de codificación sin pérdida en sonido surround 5.1 True HD. Alexandre es director creativo y copropietario de Cienema Vertige, con sede en Denver. Alexandre O. Philippe (Switzerland) holds an MFA in Dramatic Writing from NYU’s Tisch School of Arts. He has directed several shorts films and other two feature documentaries, Chick Flick and Earthlings. His short film Left was the first film in history to have been recorded, edited and mixed at 192kHz/24-bit for Dolby’s new process of lossless encoding in TrueHD 5.1 surround sound. Alexandre is Creative Director and co-owner of Denver-based Cinema Vertige.

The film also raises the question of the projects Lucas would’ve carried out, had Star Wars not taken over his life and the businessman not taken over his vision. The one-time avant-garde, experimental, somewhat marginal filmmakers suddenly became a corporate Vader. Perhaps by the end of the film, we will all be screaming in unison “HAN SHOT FIRST,” but we will also come out with a broader perspective on authorship in general –that is, the responsibility of the creator to the receptor– and on the implications of a film industry that has “evolved” into corporate hands and CGI technology (Computer Generated Image).

Elena Fortes

Festivales | Festivals

de Roma.

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PULSOS

Muestra de la producción documental realizada recientemente en México, que impulsa y difunde trabajos con voz y visión propia.

A showcase of recent documentary production in Mexico, which promotes works of singular vision and voice.

Hay un rancho perdido en la Sierra de Coahuila, en el noreste de México, llamado Cuates de Australia; nadie sabe bien de dónde proviene su nombre. Como sucede en muchas zonas rurales, los habitantes de este poblado se debaten entre permanecer en sus tierras o migrar en busca de mejores condiciones de vida. Pero sus razones no son solamente la pobreza y el abandono que han caracterizado a estas comunidades rurales, sino sobre todo la escasez de agua. Cada año son más difíciles de soportar las sequías, no llueve o llueve muy poco, se agotan las reservas y los animales mueren. La falta de agua amenaza seriamente la salud de los pobladores, los bebés nacen deshidratados. Cuates de Australia se adentra en la vida cotidiana de esta gente, observando cuidadosamente su relación con el entorno, trazando a su vez un retrato sobresaliente de la flora y la fauna de esta región desértica, de la tierra árida del norte de México. A pesar de que confabulan en su contra las fuerzas de la naturaleza y los problemas sociales endémicos del campo mexicano, la gente aún confía en que “Dios sabe lo que hace”. El documental registra el éxodo pero también la resistencia y las estrategias de supervivencia de la gente frente a las adversidades climáticas y las condiciones sociales que los aquejan; sugiere que hay esperanza, que después de todo, en Cuates de Australia la vida continúa, casi como de milagro, pero el ciclo de la vida, bien que mal, siempre vuelve a comenzar. El cuarto documental de Everardo González lo consolida definitivamente como uno de los realizadores mexicanos más talentosos y versátiles de nuestros días. Después de adentrarse en el universo popular de una pulquería en la ciudad de México, recoger los testimonios de ladrones viejos desde la cárcel, y entretejer las memorias de la guerra en El Salvador, en esta ocasión lanza una mirada fresca hacia el desolado campo mexicano, invitándonos a conocerlo de cerca para entenderlo mejor. There is a lost ranch called Cuates de Australia nestled in the mountains of Coahuila, in northeast Mexico. Nobody knows where its name comes from. As is common in many rural areas, the inhabitants of the community vacillate between staying in their land and going away in search of a better living situation. Their reasons for leaving include not only poverty and the desolation which has characterized these rural communities, but namely, the lack of water. With each passing year, it becomes more difficult to bear the drought: it hardly rains, and when it does, it rains very little. The water supplies dry up and animals die. The scarcity of water represents a serious health threat for the community; the situation is so grave that many babies are born dehydrated. Drought examines the daily life of the people of this community and their relationship to the environment. It presents an outstanding portrait of the flora and fauna of this desert region and the arid territory of northern Mexico. Despite struggling against the forces of nature and the social problems endemic to the Mexican countryside, people still trust that “God knows what He is doing”. The documentary captures the exodus but also the resistance and survival strategies of a community facing climatic adversity and a myriad of social problems; it suggests that there is still hope. After all, in Cuates de Australia life continues, almost like miracle, but the cycle of life, one way or another, always begins again. This documentary consolidates Everardo González as one of Mexico’s most talented and versatile filmmakers. After exploring the popular universe of a pulquería in Mexico city, capturing the testimonies of old thieves in jail, and interweaving testimonies of the civil war in El Salvador, Everardo offers a fresh look at the arid Mexican countryside, inviting us to get to know it intimately in order to understand it better.

CUATES DE AUSTRALIA | DROUGHT
México | 2011 | Español | Color | 90’

Director: Everardo González Director de fotografía: Everardo González Edición: Felipe Gómez Guion: Everardo González Sonido: Pablo Tamez Música: Cantos Cardenches Productora: Martha Orozco Compañía de producción: CIENEGADOCS S.A. de C.V.
Contacto | Contact Martha Orozco martha.orozco@cienegadocs.com http://www.cienegadocs.com

Everardo González, documentalista y productor independiente, es egresado de la carrera de Comunicación Social por la UAM y de la carrera de Cinematografía por el CCC. Participó como director y fotógrafo de los segmentos documentales de la película El traspatio. Su ópera prima documental, La Canción del Pulque, y su segundo documental, Los Ladrones Viejos, han recibido numerosos premios y menciones honoríficas, el Ariel de Plata al Mejor Largometraje Documental, entre ellos. Everardo González, documentary filmmaker and independent producer, graduated with a degree in Social Communication from the UAM and in Cinematography from the film school Centro de Capacitación Cinematográfica. He worked as the director and cinematographer for the documentary segments of the movie Backyard. His first documentary, The Pulque Song, and his second documentary film, The Old Thieves, have won several awards — among them the Ariel de Plata for the Best Mexican Feature Documentary.

Antonio Zirión

Festivales | Festivals IDFA.

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En su primer largometraje, Jaiziel Hernández, un joven talento del norte de México, se plantea la tarea de capturar y compartirnos el aura de un sitio. Su propuesta cinematográfica constituye una apuesta por lo indocumentable, por la posibilidad de registrar la experiencia vital de un espacio y cómo ésta se vincula con la memoria, traumática o gozosa, de un lugar. Los espacios que recorremos a lo largo de este elegante ejercicio fílmico nos remiten a una serie de presencias que de otra forma quizás habríamos ignorado. La cámara de Hernández teje con finura el contrapunto entre lo que vemos y lo que ahí sucede, ha sucedido o podría suceder, logrando por momentos cierta ubicuidad que permite delinear la compleja relación que tenemos con el espacio que ocupamos, al problematizar la vivencia de un lugar a través de la acertada combinación de imagen, sonido e intertextos, en esta sobria pero sofisticada colección de viñetas. Florería y edecanes nos invita a repensar el apego que tenemos al lugar en que vivimos, el peso del paisaje que enmarca nuestro discurrir, los espacios que nos sirven de sustento y que hemos allanado sin miramientos, descartándoles, relegando su entendimiento a una ecuación de utilidad, dejando de lado una relación profunda que le da sentido al acto de habitar. El filme desarticula una lógica que en la actualidad nos lleva a considerar estos sitios como espacios meramente triviales. Hemos reducido en buena medida el locus de nuestra existencia a los no-lugares, a líneas de tránsito, a grandes almacenes y cajas de ocupación, a espacios del anonimato, desprovistos de identidad, poco propicios para las relaciones humanas. Sin embargo, como la película de Hernández parece sugerirnos, aún en estos escenarios aparentemente áridos forjamos las historias que le dan sentido a nuestra cotidianidad. Esta película nos llama a reconsiderar la forma en que nos pensamos en relación con los sitios en que vivimos. In his first feature film, talented young director from northern Mexico, Jaiziel Hernández, sets out to capture and show the aura of a place. His film thus aims to document the undocumentable; it constitutes the possibility of registering the experience of space and the way in which it becomes linked to the memory –traumatic or pleasurable– of a place. The spaces that we navigate in this elegant film experiment recall a series of presences that we would otherwise ignore. Hernández’s camera deftly weaves the counterpoint between what we see and what takes place; what has happened and what could happen. It achieves a momentary, singular ubiquity that allows us to trace the complex relationship we hold to the space we occupy. Hernández problematizes the experience of place through a successful combination of image, sound and intertext, across a sober, but sophisticated collection of vignettes. Florists and Hostesses invites us to reflect on the attachments that we produce to the places where we live and to reconsider the weight of the landscapes that frame our existence. The film allows us to observe the spaces that nurture us, but that we have ceased to notice because we have relegated their meaning to functionality, and neglected the profound relationship to place that informs the act of inhabiting. Florists and Hostesses disarticulates the logic which leads us to consider these sites as purely trivial spaces. We have already reduced the locus of our existence to non-places, transit spaces, antiseptic warehouses, cubicles, anonymous spaces devoid of identity, poorly designed for sustaining human relations. However, as Hernández’s film seems to suggest, even in these seemingly arid spaces we forge histories that infuse our daily life with meaning. The film encourages us to reconsider how we think of ourselves in relation to the places we inhabit.

FLORERÍA Y EDECANES | FLORISTS AND HOSTESSES
México-Estados Unidos | 2010 | Español | Color | 40’

Director: Jaiziel Hernández Máynez Director de fotografía: Jaiziel Hernández Máynez Edición: Jaiziel Hernández Máynez Sonido: Daniel Touron de Alba Productores: Alejandra García Guzmán, Liliana Pardo, Henner Hofmann Compañía de producción: Centro de Capacitación Cinematográfica, con apoyo de IMAGYX y el Ayuntamiento Municipal de Ramos Arizpe, Coahuila

Contacto | Contact Jaiziel Hernández Máynez jaiziel@gmail.com

Jaiziel Hernández Máynez (Coahuila, 1987). Nacido en una familia de trabajadores industriales, a los 18 años ingresó al Centro de Capacitación Cinematográfica, donde estudió la especialidad de Cinefotografía. Ha sido cinefotógrafo de diversos cortometrajes, entre ellos Felipe (2009), ganador del premio especial García Bross / Studio 5 de Mayo en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2009. Jaiziel Hernández Máynez (Coahuila, 1987). Born into a family of industrial workers, Máynez entered the Centro de Capacitación Cinematográfica Film School when he was 18 years old. He specialized in cinematography and has since photographed various short films, including Felipe (2009), winner of the García Bross / Studio 5 de Mayo prize at the 2009 Morelia International Film Festival.

Eduardo Thomas
Festivales | Festivals

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Tras haber resistido en las montañas el acoso del ejército guatemalteco que exterminó a más de doscientos mil indígenas entre 1982 y 1996, el pueblo ixil logra establecerse en la parte nororiental de la sierra, una zona actualmente asediada por su riqueza en oro, agua, petróleo y uranio. En este contexto, Juan Manuel Sepúlveda rescata con una cámara implacable el día a día de una comunidad de la sierra en resistencia. Hablada totalmente en lengua ixil y con escasos diálogos, el director consigue, por medio de imágenes de una belleza sorprendente, retratar la vida de un pueblo olvidado y escondido que lucha por redefinirse ante la constante amenaza de nuevas guerras y la búsqueda arqueológica de los restos de sus parientes asesinados. Entre el recuerdo y la incertidumbre hacia el futuro, los niños sobreviven a las fiebres, las mujeres cocinan y los padres siguen buscando casar a sus hijas. Lo que abunda es el silencio, poblado de fantasmas. Como en su anterior trabajo, La frontera infinita, un documental sobre la migración centroamericana, Sepúlveda logra una vez más un retrato intimista de los invisibles y los que no tienen voz, en la búsqueda de un cine de percepciones y atmósferas, sin dejar atrás una clara influencia de la mejor tradición del cine etnográfico, basada en la observación paciente, respetuosa y comprometida. Ganadora de la convocatoria 2011 de la Beca Gucci-Ambulante, Lecciones para una guerra retoma con magistral factura el tema de la lucha por la supervivencia de los desaparecidos y los que siguen ahí para contar las historias.

LECCIONES PARA UNA GUERRA | LESSONS FOR A WAR
México | 2011 | Ixil-Español | Color | 97’

Director: Juan Manuel Sepúlveda Director de fotografía: Juan Manuel Sepúlveda Edición: Roberto Bolado Guion: Juan Manuel Sepúlveda Sonido: José Rommel Tuñón Productor: Juan Manuel Sepúlveda Compañía de producción: Fragua Cinematografía, IMCINE, CUEC-UNAM
Contacto | Contact Fragua Cinematografía Juan Manuel Sepúlveda sepulveda@fraguacine.com fraguacine@yahoo.com www.fraguacine.com

Con el apoyo de Beca Gucci-Ambulante 2011 With the support of Gucci-Ambulante Grant

Juan Manuel Sepúlveda (México, 1980) es egresado del CUEC-UNAM. Se ha desempeñado como documentalista y cine-fotógrafo. Actualmente dirige la casa productora Fragua Cinematografía. Su filmografía incluye Extraño rumor de la tierra cuando se abre un surco (2011), La frontera infinita (2008) y Bajo la tierra (2006). Juan Manuel Sepúlveda (Mexico, 1980) graduated from CUEC-UNAM film school. He has worked as a documentary filmmaker and cinematographer, and currently heads Fragua Cinematografía Production Company. His work includes Strange Rumors of the Earth from an Open Grove (2011), The Infinite Border (2008) and Below Ground (2006).

After resisting the constant assault of the Guatemalan army which decimated their community –claiming the lives of more than two hundred thousand indigenous people between 1982 and 1996– the Ixil people settle in the northeast part of the mountain range, a zone currently exploited for its rich natural resources, including gold, water, petroleum and uranium. It is in this context that Juan Manuel Sepúlveda captures with his implacable camera the daily struggle of a community in resistance. Spoken entirely in the Ixil language, and featuring little dialogue, Sepúlveda’s film portrays, through strikingly beautiful images, the life of a forgotten and hidden community struggling to redefine itself in the face of the ever present threat of new wars, and the constant search for the remains of their murdered relatives. Between the dark memory of the past and the uncertainty of the future, children survive fever, women cook, and fathers look to marry their daughters. Silence abounds, as a chorus of ghosts. Sepúlveda continues in the vein of his previous work, The Infinite Border, a documentary about Central American immigration. Once again, he achieves an intimist portrait of the invisibles and of those who have been robbed of their voice. He creates a cinema of perceptions and atmospheres without forgoing the influence of the best tradition of ethnographic cinema: that which upholds patient, respectful, and committed observation. A winner of the 2011 Gucci-Ambulante Grant, Lessons for a War deftly revisits the theme of the struggle for survival of the disappeared, and of those who live to tell their stories.

Luciana Kaplan

Festivales | Festivals FICM.

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Al final de la primera proyección pública de Ríos de hombres, el director, Tin Dirdamal, se enfrentó a un público furioso e indignado por el hecho de que la cinta cuestiona la celebrada victoria de la denominada “Guerra del agua” en América Latina. La Guerra del agua puede considerase una manifestación del pensamiento utópico contemporáneo, un movimiento social emblemático de nuestro tiempo que refleja la contradicción de intereses globales y locales en relación a los recursos naturales. En este largometraje, Dirdamal investiga la lucha por el agua en Cochabamba, Bolivia, en la que participan la gente, el gobierno y una corporación multinacional. Dirdamal empieza con la intención de narrar la historia desde el punto vista de la gente y busca integrarse al movimiento civil. Sin embargo, conforme se adentra en la investigación, empieza a dudar de los hechos que sostienen dicho movimiento: se pregunta si realmente la compañía privada le cobró a los habitantes por el uso del agua de lluvia, o si eso fue un mito que se creyeron quienes lucharon, pero que se inventó para el breneficio de una élite poderosa. ¿Qué cambió finalmente una vez que concluyó el conflicto en el cual supuestamente salió victorioso el pueblo? En el proceso de filmar la película, el director se ve obligado a dudar de todo lo que creía saber del conflicto en Bolivia. La película se convierte entonces en el auto-cuestionamiento del director y representa también la dificultad de retratar la contradicción inherente a todo conflicto social; cada victoria deja ver las fracturas de un movimiento entre los mitos y realidades. “El problema del agua es un problema sin solución”, dice un personaje, desilusionado. Su testimonio revela la imposibilidad de realizar una utopía, pues esta sólo existe en tanto que búsqueda permanente.

RÍOS DE HOMBRES | RIVERS OF MEN
México | 2011 | Español | Color | 76’

Director: Tin Dirdamal Directores de fotografía: Tin Dirdamal, José Torres Edición: Ezequiel Ferro Guion: Iliana Martínez Sonido: Martín García Música: Leonardo Heiblum Productores: Christina Haglund, Iliana Martínez, José Torres, Tin Dirdamal Compañía de producción: Producciones Tranvía
Contacto | Contact Tin Dirdamal muerteenarizona@gmail.com

Tim Dirdamal. Su primer largometraje documental, De Nadie, recibió varios premios en festivales internacionales, entre ellos el Premio del Público en el Festival de Sundance en 2006, así como el Ariel de Plata otorgado por la Academia Mexicana de Cinematografía. Participó como jurado en el FICCO (2007). Ha impartido talleres y pláticas en la Universidad de Nueva York y la Universidad de California. Ha sido becario del Instituto Sundance y del Programa de Becas para Artes Visuales de la Fundación Rockefeller Media Arts. Tim Dirdamal. His first documentary film, No One, received several awards including an Audience Award at Sundance in 2006 and a Mexican Academy Award that same year. He was a guest jury member at the International Film Festival in Mexico City in 2007 (FICCO). He has also given talks and workshops at various universities including NYU and UCLA. He has received grants from the Sundance Institute and the Rockefeller Media Arts Fellowship Program.

At the end of the first public screening of River of Men, the director, Tin Dirdamal, was confronted with an irate audience, indignant at the film’s questioning of the much celebrated victory of the people in Latin America during the so-called ‘Guerra del agua’. The Water War can be understood as a manifestation of contemporary utopic thinking, a social movement emblematic of our times that illustrates the contradictions between global and local interests in relation to natural resources. In the film, Dirdamal investigates the struggle over water between the people, the government and a multinational corporation in Cochabamba, Bolivia. The filmmaker begins with the intention of telling the people’s story and becoming part of the movement, but as his investigation deepens, he starts to question the facts behind the movement: Did this private company really charge citizens for the use of rainwater? Or was that a myth believed by the ones who fought, but invented for the benefit of another powerful group of people? What actually changed after the conflict in which the people supposedly triumphed? During the process of making the film, the director is forced to doubt all that he previously presented to us about the situation in Bolivia. This transformation converts the story into one of the director’s self-questioning and also of the difficulty of addressing the contradiction inherent in any social conflict. The documentary also shows how once a movement reaches its “victory”, the fractures and rifts surface among the myths and reality. “The water problem is a problem without a solution,” according to one of the disenchanted figures in the film, testimony that points to the impossibility of a real utopia, which will never be fully realized, but rather it is a constant search.

Meghan Monsour

Festivales | Festivals

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Desde 1998, Ojo de Agua Comunicación es una organización independiente dedicada a la capacitación y producción audiovisual con los pueblos indígenas del sur de México. Entre los videoastas formados en este proyecto está Roberto Olivares, cuyo más reciente documental, Silvestre Pantaleón, fue premiado en festivales como Morelia y DocsDF, obtuvo un contrato de difusión por TV y ahora forma parte de la Gira Ambulante 2012. Es de celebrarse que las realidades y cosmovisiones de los grupos étnicos logren proyectarse en varios estados de la república, síntoma seguro de que el cine indígena goza de buena salud en nuestro país. Silvestre Pantaleón es un anciano indígena que vive en el estado de Guerrero. A lo largo del documental conocemos la perspectiva de la tercera edad en el mundo indígena: acompañamos de cerca a Don Silvestre en su vida cotidiana y a través del proceso de elaboración artesanal de cuerda de maguey, utilizada para cargar santos; somos testigos de la injusta competencia entre los métodos tradicionales de producción y la fabricación industrial moderna; presenciamos rituales de curación, entre la medicina tradicional y el sincretismo religioso. Escuchamos atentamente la palabra de la gente en su lengua original y la fotografía es rica en detalle etnográfico, fruto de una observación participante, curiosa y próxima pero siempre respetuosa. Estos rasgos hacen de Silvestre Pantaleón una muestra de lo mejor del cine etnográfico actual. Este proyecto documental también es ejemplo de tenacidad en la búsqueda de financiamiento: los realizadores se conectan y movilizan a través de las redes de cine indígena en todo el mundo y consiguen recursos para sus proyectos con fundaciones y fondos internacionales. La imaginación utópica en este caso se refiere a que las voces y las miradas indígenas, normalmente marginales, cada vez se hacen ver y escuchar más, planteando una forma diferente de entender la diversidad cultural de la que todos somos parte. Founded in 1998, Ojo de Agua Comunicación is an independent organization devoted to audio-visual production and technical training in indigenous communities in southern Mexico. Roberto Olivares is among the video-makers who benefited from the organization’s training. His most recent documentary, Silvestre Pantaleón, has received awards at a number of festivals, including DocsDF and the Morelia International Film Festival; it obtained a TV broadcasting contract and is now part of the 2012 Ambulante Film Festival. The fact that the realities and cosmologies of different ethnic groups now reach the screens of several states in the country is not only cause for celebration, but also a sure sign that indigenous cinema is alive and well in Mexico. Silvestre Pantaleón is an elderly indigenous man living in the state of Guerrero. The documentary reveals the elders’ perspective of the indigenous world: we follow Don Silvestre in his daily life and work, making rope from cactus fibers that is then used to lift saints. We become witnesses to the unfair competition between traditional means of production and modern industrial manufacturing processes. We attend healing rituals that cull elements from traditional medicine and religious syncretism. We listen closely to conversations in the community’s original language. The cinematography is rich in ethnographic detail; the result of participant observation, curious and intimate, but always respectful. These elements make Silvestre Pantaleón an astonishing example of contemporary ethnographic cinema. This documentary project also reveals extraordinary tenacity in the search for funding: the filmmakers connect with the networks of indigenous filmmakers around the world and secure resources for their projects with different foundations and international funds. The project’s underlying utopian imagination reveals how indigenous voices and perspectives, which have been traditionally marginalized, are increasingly heard and seen. In this sense, the film proposes a different way of understanding our cultural diversity. Antonio Zirión
Festivales | Festivals

SILVESTRE PANTALEÓN
México | 2011 | Náhuatl | Color | 65’

Directores: Director de fotografía: Roberto Olivares Ruiz Edición: Roberto Olivares Ruiz Guion: Roberto Olivares Ruiz, Jonathan D. Amith Sonido: Ceberino Hipólito, Hector García, Diego de la Torre Música: Carlos Salomón Productor: Jonathan D. Amith Compañía de producción: Ojo de Agua Comunicación

Mejor largometraje documental mexicano 2011 Best Mexican Feature-Length Documentary 2011

Contacto | Contact Ojo de Agua Comunicación Roberto Olivares Ruiz olivaresroberto@yahoo.com +1 (951) 5153264

Roberto Olivares Ruiz (México, 1967) estudió Comunicación Social en la Universidad Iberoamericana. Ha trabajado quince años en la producción de televisión y video documental, especialmente en comunidades indígenas. Es miembro fundador de Ojo de Agua Comunicación y es becario del SNCA. Jonathan D. Amith (EUA, 1958) tiene un doctorado en Antropología por la Universidad de Yale y una licenciatura de la Universidad de Michigan, Ann Arbor. Roberto Olivares Ruiz (México, 1967) studied Social Communication at the Ibero-American University (UIA). He has worked for 15 years in television and video production, especially in indigenous communities. He is a member and founder of Ojo de Agua Comunicación and a member of the National Program of Artistic Creators. Jonathan D. Amith (USA, 1958) received a Ph.D in Anthropology from Yale University and a BA from Michigan University, Ann Arbor.

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EL VELADOR | THE NIGHT WATCHMAN
México-Estados Unidos | 2011 | Español | Color | 72’

En una escena de su película Al otro lado (2005), la directora Natalia Almada nos llevó a un cementerio al norte de la frontera de Arizona, donde simples ladrillos fungían como lápidas para marcar las tumbas de los migrantes no identificados que murieron en el intento de cruzar el desierto hacia los Estados Unidos. En su obra más reciente, El Velador, Almada nos lleva a otro tipo de cementerio; esta vez a los ostentosos mausoleos de Jardines de Humaya en Culiacán, Sinaloa –uno de los estados más afectados por la narcoviolencia en México–. Ambas películas reflejan algunos de los problemas socio-económicos más serios del país. La fotografía impecable de Almada capta imágenes poéticas que observan respetuosamente las rutinas diarias de la gente que pasa día y noche entre las tumbas: el velador que cuida del cementerio; los albañiles que construyen mausoleos más lujosos que sus propias casas; y las jóvenes viudas que limpian las tumbas de sus esposos fallecidos. De manera minimalista, la cinta nos hace sentir y experimentar los efectos de la narcoviolencia en México. Almada filmó durante un año en este cementerio. Las 300 tumbas que se habían excavado un año antes, cuando comenzó a filmar, ya se habían ocupado al momento de su partida, y nuevos sitios para el próximo grupo se estaban excavando. El Velador es una cinta que trata de la violencia, sin violencia. La saturación mediática de historias terroríficas e imágenes grotescas ha dificultado su comprensión, desensibilizándonos y obligándonos a bajar la mirada. Al evitar mostrar estas imágenes, Almada nos motiva a observar y cuestionar la manera misma en la que percibimos la violencia, para así poder entenderla mejor. In a scene from her 2005 film, To the Other Side, director Natalia Almada took us to a cemetery a few miles north of the border in Arizona, in which tombstones made from a single brick mark the graves of unidentified migrants who died in their attempt to cross the desert into the USA. Almada’s most recent film, The Night Watchman, brings us to another type of cemetery, this time to the mansion-esque mausoleums of Jardines de Humaya in Culiacan, Sinaloa, one of the states most affected by drug violence in Mexico. Both films reflect some of the country’s most pressing social-economic problems. With exceptional camera work, Almada captures images, both poetic and surreal, to quietly observe the everyday routines of the people that spend their days or nights among the graves: the night watchman caring for the constantly expanding cemetery grounds, the construction workers building mausoleums more luxurious than their own homes and the young widows cleaning the tombs of their deceased husbands. In a minimalist fashion, the film makes us feel and experience the effects of the turmoil in Mexico. Almada filmed at the cemetery over the course of a year. The 300 gravesites that had just been dug when she had started filming a year before had been filled and as she left, a new hole was being dug for the next group of arrivals. The Night Watchman is a film about violence but without violence. We have become so desensitized to the gruesome images and stories of horrific deaths in the media that our reaction has become to feel numb or to look away. By not showing us those images, Almada makes us pay attention and question how we look at violence so that we may begin to understand it in a more meaningful way.

Directora: Natalia Almada Directora de fotografía: Natalia Almada Edición: Natalia Almada, Julien Devaux Sonido: Alejandro de Icaza Productora: Natalia Almada Productores asociados: Tita Productions, Laurence Ansquer, Les Films D’ici, Charlotte Uzu Compañía de producción: Altamura Films

Contacto | Contact Altamura Films | Natalia Almada natalia@altamurafilms.com +1 (347) 288838 +52 (55) 52074401 Doc & Film International Daniela Elstner (Sales Agent) daniela.elstner@gmail.com +33 (1) 42775687 www.docandfilm.com

Natalia Almada (México, 1974) estudió la Maestría en Fotografía en la Escuela de Diseño de Rhode Island. Recibió el Premio de Sundance de mejor dirección por El General, su segundo largometraje documental. Su obra ha sido exhibida en diversos festivales internacionales de cine, además del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Bienal del Museo Whitney y el Museo Guggenheim. Sus tres largometrajes documentales fueron presentados en la aclamada serie de documentales POV. Natalia Almada (Mexico, 1974) graduated with a Masters in Fine Arts in Photography from the Rhode Island School of Design. In 2009, she received the Sundance Documentary Directing Award for her film El General. Her work has been exhibited in numerous international film festivals, The Museum of Modern Art, The Whitney Biennial and The Guggenheim Museum. Her three feature documentaries broadcast on the award-winning series POV.

Meghan Monsour

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OBSERVATORIO

Cine documental contado desde diferentes latitudes que plantea formas alternativas de advertir y plasmar realidades.

Documentary film conceived from different perspectives: this section includes alternative ways of capturing and expressing realities.

Abuelita Lo-fi ofrece un retrato íntimo de Sigrídur Níelsdóttir, anciana entrañable que a los 70 años comienza su carrera artística y encuentra en la música un nuevo sentido para su vida. Como hobbie y de manera autodidacta, totalmente ajena a los cánones de la música popular, en siete años de carrera Sigrídur ha grabado en cintas 59 álbumes con más de 600 canciones. El proceso creativo de Sigrídur se aferra a las viejas tecnologías analógicas para rescatar, reciclar y resignificar todo tipo de música. Su producción es verdaderamente artesanal: utiliza instrumentos rudimentarios o de juguete, emplea utensilios de cocina para generar efectos sonoros caseros. Sigrídur ha creado un estilo musical completamente inclasificable, una fusión de todo tipo de géneros: folk, pasodoble, jazz, tango, samba, mambo, cha-cha-chá. DJ anacrónico y futurista que samplea sonidos extraños y los mezcla con ritmos y melodías disonantes, que suenan como himnos de otro planeta. La figura de Sigrídur se ha vuelto de culto en Islandia; su música ha sido fuente de inspiración para grandes artistas como Björk, Sigur Rós y Múm. Paralelamente, ha desarrollado una exitosa carrera como diseñadora gráfica: además de ilustrar todas sus portadas, sus collages en gran formato hechos completamente a mano se exponen en galerías y se cotizan muy alto en el mercado del arte contemporáneo islandés. Como una autobiografía narrada en primera persona, intervenida por una serie de relatos de cuenta-cuentos, en Abuelita Lo-fi conocemos la historia de vida de este personaje tan singular como significativo. A través de una narrativa experimental –apoyada en ingeniosas animaciones y efectos visuales que contrastan con el anticuado mundo de Sigrídur–, y con gran respeto y sentido del humor, en este documental la nostalgia del pasado y la imaginación utópica, la vanguardia y lo retro, se encuentran en un mismo impulso creativo y nos demuestran que nunca es tarde en la vida para emprender nuevos proyectos. Grandma Lo-fi is an intimate portrait of Sigrídur Níelsdóttir, a lovable elderly woman who begins her artistic career at age 70 and discovers a new life in music. A self-taught music aficionado, unaware of pop music canons, Sigrídur has recorded 59 albums and more than 600 songs in seven years. Sigrídur’s creative process favors old analog technologies in the attempt to rescue, recycle and re-signify all sorts of music. Her production is truly artisanal: she uses rudimentary and toy instruments, as well as cooking utensils to produce household sound effects. Sigrídur has created an unclassifiable musical style: a fusion of diverse genres, including folk, two-step, jazz, tango, samba, mambo, cha-cha-cha. She is an anachronistic DJ and futurist who samples strange sounds and mixes them with dissonant rhythms and melodies that feel like hymns from a different planet. Her unique style and artistic trajectory has made her a cult figure in Iceland; her music has inspired great artists such as Björk, Sigur Rós and Múm. In tandem with her music career, she has developed a successful career as a graphic designer: besides illustrating all her album covers, she has presented her large format, handmade collages in galleries around the world and her work ranks high in Iceland’s contemporary art market. An autobiography narrated in the first person, and intervened by a series of anecdotes and stories, Grandma Lo-fi reveals with great sense of humor and respect, the life story of this singular and pioneering character. The film’s experimental and richly textured narrative incorporates clever animation sequences and glossy visual effects that contrast with Sigrídur’s antiquated world. In the documentary, nostalgia for the past and utopian imagination, avant-garde and retro aesthetics meet in the same creative impulse, proving it is never too late to venture into new projects. Antonio Zirión
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AMMA LO-FI | ABUELITA LO-FI GRANDMA LO-FI: THE BASEMENT TAPES OF SIGRÍDUR NÍELSDÓTTIR
Islandia-Dinamarca | 2011 | Islandés-Danés | Color | 62’

Directores: Kristín Björk Kristjánsdóttir, Orri Jónsson, Ingibjörg Birgisdóttir Directores de fotografía: Kristín Björk Kristjánsdóttir, Orri Jónsson, Magnús Helgason Edición: Ingibjörg Birgisdóttir, Orri Jónsson Guion: Kristín Björk Kristjánsdóttir, Orri Jónsson Sonido: Kjartan Kjartansson Música: Sigrídur Níelsdóttir Productores: Sæmundur Nordfjörd, Louise H. Johansen Compañía de producción: Republik Productions, Sunn Productions
Contacto | Contact Sunn Productions | Louise H. Johansen Louise.johansen@gmail.com

Kristín Björk Kristjánsdóttir (1977), co-fundadora del colectivo artístico think tank y del sello discográfico Kitchen Motors, es música y artista visual. Su influencia en la escena artística islandesa en los últimos diez años ha sido de suma importancia. Orri Jónsson (1970) estudió Bellas Artes en la Escuela de Artes Visuales en Nueva York. Es fotógrafo y músico en el grupo Slowblow. Ingibjörg Birgisdóttir (1981) es una artista visual con base en Reykjavík. Ha diseñado el arte en portadas discográficas y realizado videos musicales para Jónsi, Múm, Seabear y Sin Fang, entre otros. Kristín Björk Kristjánsdóttir (1977), co-founder of the art collective think tank and record label Kitchen Motors, is a musician and visual artist who has had a crucial impact on the Icelandic art scene in the past 10 years. Orri Jónsson (1970) studied Fine Arts at the School of Visual Arts in New York. He is a photographer and a musician in the band Slowblow. Ingibjörg Birgisdóttir (1981) is a visual artist living in Reykjavík. She has done album covers and music videos for Jónsi, Múm, Seabear, Sin Fang, among others.

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La inspección minuciosa de espacios cerrados que realiza Ben Rivers en Acción lenta intercala hábilmente, a veces a color, a veces en blanco y negro, una superposición de espacios y tiempos a través de la cual las posibilidades líricas y técnicas del cine, así como de las ideas y emociones, se proyectan sobre un futuro lejano, pero curiosamente no tan apartado de nuestros días. En el choque entre lo familiar y lo extraño nace un nuevo momento, un espejo distorsionado de nuestro ser, amputado y distante, que genera una sensación de desorientación y reanima, en cada uno de los cuatro episodios que conforman la cinta, el sentimiento de comunidad. Este magnífico ensayo sobre el futuro describe, a través de olas del tiempo quebradas por la magia del cine, la vida y auto-organización de entes sociales aún no imaginados. La película recuerda, por un lado, las historias de Las ciudades invisibles de Italo Calvino, y por otro, los viajes cinematográficos de Chris Marker y Werner Herzog. El futuro potencial en el trabajo de Rivers explota las tendencias latentes y por realizar de nuestro presente, anticipando la mirada crítica sobre la manera en la que manejamos la organización social y tratamos el medio ambiente en el que vivimos, y trazándola a través de los paisajes increíbles de nuestro tiempo. Una película que es efectivamente su propio mundo: nuestro mundo.

SLOW ACTION | ACCIÓN LENTA
Gran Bretaña | 2010 | Inglés | Color | 40’

Director, Director de fotografía, Edición, Sonido, Productor: Ben Rivers Guion: Mark von Schlegell Compañía de producción: Picture This, Bristol

Contacto | Contact LUX | Mike Sperlinger mike@lux.org.uk 3rd Floor 18 Shacklewell Lane London E8 2EZ UK +44 (20) 75033977 www.lux.org.uk

The caring inspection of enclosed spaces carried out by Ben Rivers in Slow Action interweaves smoothly, at times in color, at times only in black and white, a superimposition of times and places in which the technical and the lyrical possibilities of film, as well as those of ideas and emotions, are projected onto a distant future that seems eerily not so far apart from our days. The colliding of the familiar and the unfamiliar opens a new moment, a distorted mirror of our own detached and cut-off selves, creating a sense of disorientation in which community anew is brought to life in each of the four episodes that compose the film. This wonderful essay on futurity reports across waves of time, breached by the magic of cinema, on the self-organized life of unimagined social entities. A movie reminiscent of the tall-tales recounted in Italo Calvino’s Invisible cities, or closely linked to the filmmaking voyages of Chris Marker or Werner Herzog. The potential future reflected in River’s work exploits the unrealized and latent tendencies of our present, foreshadowing a direction that forces our gaze into our current handling of social organization, and the environment in which we live, mapped across unbelievable landscapes of today. A film that quite indeed stands as its own world: our world.

Ben Rivers (Inglaterra, 1972), artista y cineasta contemporáneo de corte experimental, estudió Bellas Artes en la Escuela de Arte de Falmouth. Ha dirigido varios cortometrajes, entre ellos Esta es mi tierra (2006), La raza venidera (2006) y Sé a donde voy (2009). Su trabajo ha sido exhibido en numerosos festivales de cine y galerías internacionales. Ben ha sido galardonado con varios premios, entre ellos el Premio de la Fundación Paul Hamlyn 2010. Ben Rivers (England, 1972), a contemporary experimental filmmaker and artist, studied Fine Art at Falmouth School of Art. Ben directed several short films, among them This Is My Land (2006), The Coming Race (2006) and I Know Where I’m Going (2009). His work has been exhibited at numerous international film festivals and galleries, and he has won numerous awards, among them, the Paul Hamlyn Foundation Award for Artists 2010.

Eduardo Thomas

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TABLOID | TABLOIDE
Estados Unidos | 2010 | Inglés | Color | 88’

Un relato ácido y obsesivo en el que Errol Morris cuenta la sorprendente y al mismo tiempo absurda historia de Joyce Mckinney, una ex reina de belleza con un altísimo coeficiente intelectual, que se ve enredada en todo tipo de vericuetos “en el nombre del amor”, retroalimentados y magnificados gracias al poder de los medios sensacionalistas mejor conocidos como tabloides. Entrar en detalles de la historia no dejaría lugar a la sorpresa, sin embargo, la intriga tiene un componente de acción detectivesca y hasta sórdida que le hace honor al título, a pesar de la aparente ingenuidad de su personaje. El trabajo de Morris se ha caracterizado por un análisis agudo y tragicómico de los personajes más inverosímiles que pasan por su cámara, que sólo su amigo y compañero de apuestas extravagantes, Werner Herzog, podría realizar (cada uno a su manera, claro está). Como en sus documentales anteriores, Morris, célebre director norteamericano con una larga trayectoria y lenguaje propio, hace uso durante sus entrevistas del Interrotron, un teleprompter (apuntador electrónico utilizado en los noticieros televisivos) adaptado para proyectar su cara frente a la cámara, haciendo que los sujetos miren simultáneamente a los ojos del director y al lente de la cámara. Este recurso ofrece un peculiar sentido del humor que anula la posibilidad de la evasión por parte de sus personajes. Esta historia tal vez podría parecer banal, pero la destreza de Morris radica en tocar fibras extrañas, profundas y poco accesibles, sin importar el tema que aborde. En este caso nos remite a la transformación humana que raya entre lo grotesco y lo irracional, cuando dos fuerzas entran en la ecuación por un pedazo de fama: la de una persona deslumbrada por la atención mediática y la de los medios sin escrúpulos que lo apuestan todo por una nota roja. In this bitter and obsessive tale, Errol Morris recounts the shocking and absurd story of Joyce Mckinney, a former beauty queen with an extremely high IQ who finds herself trapped in all sorts of twisted situations “in the name of love,” which are exacerbated and amplified by the power of sensationalist media (a.k.a the tabloids). Describing the story in detail would preclude its surprises. However, the narrative intrigue has an element of detective, even sordid action, that remains true to the film’s title, despite the apparent ingenuity of the main character. Morris’ work is characterized by its sharp analysis and tragicomic view of the host of unlikely characters that pass in front of his camera – comparable perhaps only to the work of his friend and colleague in extravagant and audacious filmmaking, Werner Herzog (each of them, in their own way of course). Following in the style of his previous documentaries, renowned American auteur Errol Morris employs the Interrotron in his interviews: a specially designed teleprompter adapted to project his face in front of the camera so that the subjects stare simultaneously into the eyes of the director and the lens of the camera. This technical resource results in a peculiarly humorous effect that prevents his subjects from evading the director’s gaze. This story may seem trivial, but Morris’ skill lies in his ability to unearth bizarre, profound and rarely accessible stories that strike a chord with audiences regardless of the theme. In this case, he observes human transformation poised between the grotesque and the irrational, examining how these two forces play into the struggle for a piece of fame; on the one hand, an individual dazzled by the attention of the media; on the other, the unscrupulous media that risk everything for a tabloid story.

Director: Errol Morris Director de fotografía: Robert Chappell Edición: Grant Surmi Sonido: Skip Lievsay, David Bach Música: John Kusiak Diseño de producción: Rob Fend, Jeremy Ladman Productores: Julie Bilson Ahlberg, Mark Lipson Compañía de producción: Air Loom Enterprises LLC

Contacto | Contact IFC FILMS Lauren Schwartz / Kim Barrett lmschwartz@ifcfilms.com kbarrett@ifcfilms.com 11 Penn Plaza, 18th Floor New York, NY 10013 USA +1 (646) 2737214

Errol Morris (Long Island, EU, 1948) estudió en la Universidad de Wisconsin-Madison, la Universidad de Princeton y la Universidad de California. Después de dirigir sus dos primeras cintas, Puertas del cielo (1978) y Vernon, Florida (1981), trabajó como detective privado en Nueva York. Ha recibido numerosas becas y premios, entre ellos el Oscar por Mejor Documental, un Emmy, el Gran Premio del Jurado en Sundance y el Oso de Plata en Berlín. Recientemente fue colaborador del New York Times. Errol Morris (Long Island, USA, 1948) studied at the University of Wisconsin-Madison, Princeton University and the University of California. After directing his first two features, Gates of Heaven (1978) and Vernon, Florida (1981), he worked in New York City as a private detective. He has received numerous fellowships and awards, including an Academy Award for Best Documentary Feature, an Emmy, the Grand Jury Prize at Sundance, and the Silver Bear at the Berlinale. He has also been a collaborator of The New York Times.

Ricardo Giraldo
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UNREAL FOREST | BOSQUE IRREAL
Tailandia-Zambia | 2010 | Chinyanja, Inglés, Tailandés | Color | 70’

Todo empieza como un documental convencional que nos muestra el proceso de preproducción de una película desconocida. Llama la atención que los productores provengan de orígenes remotos como Tailandia y Zambia, tan ajenos entre ellos como para nosotros. Se discuten detalladamente los pormenores, se acuerdan los presupuestos, se deciden los escenarios y se afinan las estrategias de este proyecto cinematográfico intercultural. De pronto la obra da un giro inesperado y nos encontramos en una película dentro de otra película; comienza la magia. El documental se torna un filme artístico, se borra la frontera entre realidad y ficción, actores y personajes se yuxtaponen, vamos de ida y vuelta entre el mundo y su representación. Así, por ejemplo, presenciamos un rito de curación que nos conduce al encuentro con un espíritu ancestral, evocando con sutileza el silencio y su profundo significado, mientras recorremos a detalle las formas de la naturaleza que se transforman ante nuestros ojos. Bosque irreal presenta verdades como si fueran leyendas, convierte la realidad en mito, creando un estilo singular de docuficción, que más precisamente, como diría Jean Rouch, podríamos considerar una etnoficción. Pero más allá de las etiquetas, se trata de una obra autorreflexiva que aborda la cuestión misma de la representación audiovisual entre culturas, donde el proceso y el producto, la película y su making of, se entretejen finamente. Este proyecto de intercambio cultural –apoyado por el Fondo Hubert Bals y la Galería Numthong– fomenta la experimentación con distintas narrativas y performances audiovisuales desde dos emplazamientos radicalmente diferentes. Bosque irreal es el resultado de un fructífero encuentro de miradas periféricas, que inaugura un canal de diálogo entre Asia y África a través de la creación cinematográfica. It all begins as a conventional documentary that shows us the pre-production process of an unknown film. We are struck by the fact that the producers come from remote locations such as Thailand and Zambia – as foreign to them as they seem to us. Minor details are discussed, budgets are agreed upon, locations are chosen, and the strategies of this intercultural film project are developed. All of a sudden, the work takes an unexpected turn and we find ourselves in a film within a film; the magic begins. The documentary becomes an art film that blurs the boundary between reality and fiction: actors and characters intermingle, we go back and forth between the world and its representation. We witness, in one instance, a healing ritual that leads us to encounter an ancestral spirit; silence is evoked in its profound meaning, while we observe in detail the forms of nature that transform before our eyes. Unreal Forest reveals truths as if they were legends, converts reality into myth, and creates a singular style of docu-fiction – or more precisely, as Jean Rouch claims, of ethno-fiction. But beyond labels and categories, this work is about self-reflexivity; it tackles the very question of audiovisual representation between cultures, where process and product, a film and its making, come together. This project of intercultural exchange –sipported by the Hubert Bals Fund and the Numthong Gallery– encourages experimenting with different narratives and audiovisual performances from two radically different positions. Unreal Forest is the result of a productive encounter of views from the periphery, which begins a dialogue between Asia and Africa through filmmaking.

Director: Jakrawal Nilthamrong Director de fotografía: Chatchai Chaiyont Edición: Jakrawal Nilthamrong Guion: Jakrawal Nilthamrong Sonido: Akritchalerm Kalayanamitr Productor: Pimpaka Towira Compañía de producción: Extra Virgin

Contacto | Contact Extra Virgin 99 Soi Phaholyothin 33, Phaholyothin Road Bangkok 10900 Thailand +66 (2) 9394343 www.extravirginco.com

Jakrawal Nilthamrong se graduó de la Facultad de Pintura, Escultura y Artes Gráficas de la Universidad de Silpakorn en Bangkok. Después estudió Cine en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Desde 2002 ha expuesto su obra tanto en galerías como en festivales de cine. Su video Goteo (2004) ganó el premio del 10o Festival de Cortometraje y Video de Tailandia y su tesis, Patrones de trascendencia (2006), ha sido exhibido en numerosas sedes, incluyendo el Festival Internacional de Cine de Róterdam. Jakrawal Nilthamrong graduated in Bangkok from Silpakorn University’s faculty of Painting, Sculpture and Graphic Arts. He then studied filmmaking at the School of the Art Institute of Chicago. He has presented his art works in both gallery contexts and film festivals since 2002. His early video Dripping (2004) won a prize from the 10th Thai Short Film and Video Festival in Bangkok and his thesis film Patterns of Transcendence (2006) has screened at many international venues including the Rotterdam International Film Festival.

Antonio Zirión

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Conforme la cámara avanza lentamente hacia adelante, nos adentramos en una tierra sepultada bajo la más profunda de las nieves. Una región de hermosas escenas y sonidos en donde los espíritus rondan libres, compartiendo el espacio y el tiempo con los moradores locales, creando así un equilibrio armonioso entre la naturaleza y la gente, que colma de calidez esta duradera experiencia cinemática. Los sonidos e imágenes de Bajo nieve, mejor dicho los sentimientos plasmados en el filme, permanecerán con el espectador mucho después de finalizar la proyección. Impulsadas por un honesto deseo de entendimiento entre culturas, y armadas con un profundo sentido del respeto y fantasiosa curiosidad, las obsesivas investigaciones de Ulrike Ottinger la llevan a los límites de la erudición en el análisis temático de sus sujetos. Ottinger es reconocida por trabajar la especificidad de las locaciones elegidas para sus proyectos, y este caso no es la excepción. Inspirada en el extraordinario libro de Suzuki Bokushi, Cuentos del país de la nieve, enarbola un film de manera tan cercana e íntima, tan rico en el detalle de su comprehensión del tema que, en ocasiones, se siente como si fuese un autorretrato. En Bajo nieve, Ottinger nos guía a través de una tierra de prístina belleza, donde el peso de las leyendas se hace manifiesto en el constante entrecruzas del pasado y el presente, evidenciando la relevancia de todo origen y la importancia que las celebraciones, las festividades públicas y las reuniones conllevan como fundamento que dota de sentido a los espacios de la vida cotidiana. Para lograrlo, Ottinger entreteje cuidadosamente tres elementos en este film visualmente sorprendente: un impecable performance de Kabuki, una lectura etnográfica de la poética de los rituales, y la música de Yumiko Tanaka. La combinación de estos tres elementos, reunidos bajo la magistral dirección
Alemania | 2011 | Inglés | Color | 103’

UNTER SCHNEE | BAJO NIEVE | UNDER SNOW

de Ottinger, resulta en una representación sincera y espiritual del vínculo de un pueblo y su tierra. Bajo nieve es una de las películas más delicadas y entrañables hasta ahora conseguidas por Ottinger en lo que va de una larga y consistente trayectoria sin concesiones, y sólo nos queda esperar hacia dónde nos llevará su siguiente proyecto. As the camera starts its slow forward-paced movement, we are submerged into a land hidden under the deepest of snow. A region of sight and sound where spirits roam free, sharing space and time with the local villagers, and so creating a harmonious balance between nature and people that shall fill with warmth what is to be a lasting cinematic experience. The sounds and images of Under Snow, better said, the moods captured in this film, will remain with the viewer long after the screening is over. Driven by an honest desire of cultural translation, armed with a deep sense of respect and fantasy-infused curiosity, Ulrike Ottinger’s investigative obsessions bring her to the borders of erudition on the topical analysis of her subjects.
Contacto | Contact Deckert Distribution | Ina Rossow info@deckert-distribution.com

Directora: Ulrike Ottinger Directora de fotografía: Ulrike Ottinger Edición: Bettina Blickwede Guion: Ulrike Ottinger Sonido: Andreas Muecke Niesytka Música: Yumiko Tanaka Productores: Ulrike Ottinger, Heino Deckert Compañía de producción: Ulrike Ottinger Filmproduktion and ma.ja.de. filmproduktion

She is well known for working on the specificity of the locations she chooses for her projects, and this time is not the exception. Drawing her inspiration from Suzuki Bokushi’s remarkable book Snow Country Tales, she crafts a film in such a close and intimate way, so rich in its detailed insight, that at times it feels as if it were a self-portrait. In Under Snow, Ottinger guides us through a land of pristine beauty where the weight of legends is highlighted by the continuous crossings of present and past, making evident the relevance every origin has, and the importance of celebrations, public festivities, and reunions as a foundation of meaning in everyday life spaces. To do so, Ottinger carefully knits three elements in this visually astounding film: an impeccable Kabuki performance, an ethnographic reading on the poetics of rituals, and the music of Yumiko Tanaka. The combination of these elements blended through Ottinger’s masterful filmmaking results in a candid and spiritual representation of a people’s endearing relationship to their land. Under Snow is one of the most delicate and heartfelt films yet accomplished by Ottinger throughout her consistent and uncompromised career, and we can only hope to see where her next project will bring us.

Ulrike Ottinger (Alemania, 1942) inició su carrera artística como pintora en París, donde trabajó de 1962 a 1968. Su primer filme, Laocoonte e Hijos, fue estrenado en 1972 en el Festival Arsenal en Berlín. Su muy extensa obra, entre la que destaca Juana de Arco de Mongolia (1989) y El cofre nupcial coreano (2008), ha sido exhibida en numerosos festivales internacionales y ha recibido diversos premios y distinciones. Ottinger es también una reconocida fotógrafa. Ulrike Ottinger (Germany, 1942) began her artistic career as a painter in Paris, where she worked from 1962 to 1968. Her first film, Laocoon & Sons. The Transformation of Esmeralda del Rio premiered in 1972 at the Arsenal Festival in Berlin. Her extensive oeuvre, which includes the acclaimed Johanna d’Arc of Mongolia (1989) and The Korean Wedding Chest (2008), has screened at various international festivals and received numerous awards and distinctions. Ottinger is also a renowned photographer.

Eduardo Thomas
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¡VIVAN LAS ANTÍPODAS!
Alemania-Argentina-Holanda-Chile | 2011 | Español-Ruso-Mandarín-Inglés | Color | 105’

El más reciente largometraje documental de Victor Kossakovsky hace eco de cuestiones que sin duda nos inquietaron de niños: ¿Quién se encuentra bajo nuestros pies al otro lado del globo? ¿A dónde llegaríamos cavando un túnel que atravesara de un lado al otro de la Tierra? En un planeta como el nuestro, cubierto en su mayoría por agua, las tierras habitadas con ubicaciones diametralmente opuestas son, cuando menos, poco comunes. ¡Vivan las antípodas! celebra estas excepcionales coincidencias geográficas, presentándolas bajo un aura mágica y dotadas de un esplendor casi inverosímil, para rendir homenaje a lugares que existieron primordialmente en nuestra imaginación. Yuxtaponiendo cuatro pares de antípodas, el director ruso descubre antagonismos y similitudes asombrosas: un puente artesanal construido por dos hermanos de Entre Ríos, Argentina, se refleja al otro lado del mundo monumental y atestado, en una insomne Shangai; mientras que, por el contrario, el lago Baikal, en la septentrional Siberia, y la Patagonia chilena, al extremo sur del continente americano, parecieran unidos umbilicalmente por una fría serenidad. Más tarde, lazos extraños se tejen entre las espesas corrientes de lava del volcán Kilauea en Hawai y los majestuosos animales del pueblo de Kubu, en Botswana. En la última inversión, la naturaleza nos fascina por la grandeza de lo pequeño; los habitantes de la playa Castle Point, en Nueva Zelanda, se esfuerzan para enterrar una ballena, mientras que los insectos de Miraflores, España, invaden masivamente las ancestrales rocas. Mediante la transposición de imágenes y perspectivas invertidas, Kossakovsky nos entrega otra representación del mundo que logra algo que por definición se creía imposible: reunir los polos inalcanzables y los seres radicalmente diferentes a través de la línea más corta, conectando los extremos hasta llegar a una verdadera inmersión del uno en el otro. Victor Kossakovsky’s most recent feature documentary recalls the questions that preoccupied us as children: who lies directly underneath us, on the other side of the globe? If we were to build a tunnel from one end of the Earth to the other, where would it take us? In a planet like ours, where the surface is covered mostly by water, populated territories with diametrically opposed locations are quite rare. ¡Vivan las antípodas! celebrates these exceptional geographic coincidences, presenting them under a magic aura and infusing them with an uncanny splendor, to pay tribute to the places that exist namely in our imagination.
Contacto | Contact Gema Juárez gema@gemafilms.com +54 (11) 49660110

Director, director de fotografía, guion y edición: Victor Kossakovsky Sonido: Michel Schöpping, Guido Berenblum Música: Alexander Popov Productores: Heino Deckert, Gema Juárez Allen, Leontine Petit, Juan Manuel Egaña Compañía de producción: Abu Dhabi Film Comission

Presentado en colaboración con el FICG Presented in collaboration with the Guadalajara International Film Festival

Victor Kossakovsky (San Petersburgo, 1961) debutó en 1989 con el documental Losev. Su filme The Belovs fue considerado por los críticos como uno de los mejores documentales del siglo XX. Tishe! (2003), una mirada al exterior desde su departamento en San Petersburgo, recibió el premio a mejor película del Festival de Ámsterdam. Kossakovsky ha sido sujeto de varias retrospectivas en numerosos festivales internacionales. Victor Kossakovsky (San Petersburg, 1961) directed his film debut, the documentary Losev, in 1989. His film The Belovs was considered by the critics as one of the best documentaries of the 20th century. Tishe! (2003), a film which constitutes a gaze on the outside world shot from Kossakovsky’s apartment in San Petersburg, received the Best Film Award at the Amsterdam Festival. Kossakovsky has been the subject of various retrospectives at several international film festivals.

By juxtaposing four pairs of antipodes, the Russian director discovers astonishing antagonisms and similarities: a hand-crafted bridge built by two brothers from Entre Ríos, Argentina, is reflected, at the other end of the world, in the crammed and sleepless Shanghai; meanwhile, lake Baikal, in north Siberia, and the Chilean Patagonia, the southern extreme of the American continent, seem umbilically joined by a cold serenity. Later, strange connections arise between the thick currents of lava from the Kilauea volcano in Hawaii and the majestic animals of Kubu, in Botswana. In the last inversion, nature enthralls us with the grandeur of the tiny; the inhabitants of Castle Point Beach in New Zealand struggle to bury a whale, while the insects of Miraflores, Spain, massively invade ancestral rocks. Through the transposition of images and inverted perspectives, Kossakovsky delivers a different representation of the world that accomplishes something which, by definition, seemed impossible: it joins unreachable points and radically different beings through the shortest line possible, connecting extremes to achieve a true immersion of one in the other. Anaïs Desrieux
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Documentales que abarcan distintos aspectos de los derechos humanos y promueven una reflexión encaminada a fortalecer o desafiar nuestra percepción de la razón y de la realidad.

Documentaries that encompass different aspects of human rights and promote discussion in favor of strengthening or shifting our perception of reason and reality.

5 BROKEN CAMERAS | 5 CÁMARAS ROTAS
Holanda-Francia-Israel-Palestina | 2011 | Árabe-Hebreo | Color-b&n | 90’

Burnat es un habitante de Bil’in, pueblo agrícola cercano a Ramallah, en Palestina. Videoasta amateur, Burnat compra su primera cámara al nacer su último hijo y se convierte poco a poco en el camarógrafo del pueblo. Con el paso de los años, Bil’in se vuelve símbolo internacional de la resistencia pacífica contra la construcción del muro que separa a Palestina de Israel. Oficialmente destinado a proteger a la población israelí, el muro tenía como principal trazo el interior de las tierras palestinas, privando a los habitantes de Bil’in de sus centenarios olivos y de los recursos vitales que de ellos obtienen. Burnat se dedica a documentar la organización del pueblo y en particular la participación de sus hermanos en las luchas no violentas por el territorio, mientras continúa paralelamente su proyecto fílmico inicial: ver a su hijo crecer. Una tras otra, las cinco cámaras de Burnat registran momentos inéditos de las protestas, pero terminan siendo testigo de su propia destrucción por la respuesta casi siempre violenta del ejercito israelí. Las imágenes, la muerte y la resurrección de cada cámara reflejan la perseverancia y la constante creatividad de la lucha del pueblo palestino. Con humor y emoción, Burnat nos introduce al corazón del conflicto, nos sitúa en el frente de una batalla concreta pero llena de simbolismos, donde las detenciones y heridas son numerosas, a veces fatales; pero también nos confiesa sus dudas, su profundo miedo por el porvenir de los suyos, especialmente de su hijo, a quien debe criar en medio de una guerra. 5 cámaras rotas, producción palestina, israelí, francesa y holandesa, ganadora del premio del público en la más reciente edición del IDFA, nos ofrece una visión muy personal del conflicto israelí-palestino. Narra cinco capítulos de la vida de Burnat y de la historia reciente de Bil’in, que evidencian la opresión y sus consecuencias; pero más allá de esto, atestiguan la lucha por la vida como el motivo primordial de la resistencia. Burnat lives in Bil’in, an agricultural town close to Ramallah, in Palestine. An amateur videomaker, Burnat purchases his first camera when his last son is born, and gradually becomes the town’s cinematographer. With the years, Bil’in becomes a symbol of pacific resistance to the construction of the wall that separates Palestine and Israel. Officially destined to protect the Israeli population, the wall prevented the Bil’in residents from accessing their ancient olive trees and the vital resources they provide. Burnat documents the town’s organized resistance, and his brothers’ participation in the peaceful struggle for the territory, while he continues his original film project: watching his son grow up. Burnat’s five cameras register unseen moments of the protests, but end up becoming witnesses to their own destruction due to the usually violent response of the Israeli army. The record, death and resurrection of each camera echo the perseverance and relentless creativity of the Palestine people’s struggle. Using humor and emotion, Burnat takes us to the heart of the conflict, places us in the midst of the actual battle that is nonetheless saturated with symbolism, where detentions and wounds are numerous, sometimes fatal; he also confesses his doubts, his profound fear for the future of his people, especially his son, whom he must raise in the middle of a war. 5 Broken Cameras is a Palestinian, Israeli, French, and Dutch production, winner of the Audience Award at IDFA’s latest edition. It offers a personal vision of the Israel-Palestine conflict. It narrates five chapters in the life of Burnat and Bil’in’s recent history, depicting oppression and its consequences. But beyond this, the film reveals that it is the struggle for life that constitutes the primary motive of resistance.

Directores: Director de fotografía: Emad Burnat Edición: Guy Davidi, Véronique Lagoarde - Ségot Guion: Emad Burnat, Guy Davidi Sonido: Adnan Joubran, Samir Joubran, Wissam Joubran Música: Adnan Joubran, Samir Joubran, Wissam Joubran Productores: Emad Burnat, Guy Davidi, Serge Gordey Compañía de producción: Burnat Films Palestine, Guy DVD Films, Alegría Productions

Contacto | Contact CAT&Docs | Catherine Le Clef cat@catndocs.com 18 rue Quincampoix #133 Paris F-75004 France +33 (1) 44596353 www.catndocs.com

Guy Davidi (Jaffa, Israel), documentalista y profesor de cine, ha dirigido, editado y fotografiado desde los 16 años. Como fotógrafo filmó Hamza y Diario de una naranja para el canal France 3. En 2010, su primer largometraje, Corrientes interrumpidas, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Jerusalém. Emad Burnat, camarógrafo y fotógrafo, ha trabajado con Al-Jazeera y la Televisión Palestina. Ha colaborado en numerosos documentales, entre los que destacan Bil’in Mi amor, Chicos palestinos, Abierto-cerrado y Corrientes interrumpidas. Guy Davidi (Jaffa, Israel) is a documentary filmmaker and cinema teacher. He has been directing, editing, and shooting films since the age of 16. As a cameraman he shot films such as Hamza and Journal d’une orange for France 3. In 2010 Guy Davidi’s first feature film Interrupted Streams premiered in the Jerusalem International Film Festival. Emad Burnat is a freelance cameraman and photographer with experience filming for Al-Jazeera and Palestinian Television. He has contributed to several documentaries, including Bil’in My Love, Palestine Kids, Open Close, and Interrupted Streams.

Anaïs Desrieux

Festivales | Festivals IDFA.

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LOVEMEATENDER | ÁMAME ENCARNECIDAMENTE
Bélgica | 2011 | Portugués-Inglés-Francés | Color | 63’

A menudo la carne se encuentra sobre la mesa, pero rara vez en el centro de nuestras discusiones. Si bien cuestionar el consumo de carne frecuentemente resulta un tema picante, los problemas ambientales y laborales que rodean el proceso de producción de la principal fuente mundial de proteína siguen siendo, en gran medida, un plato de acompañamiento. La producción de carne es una industria de 140 mil millones de dólares anuales que ocupa la tercera parte de la superficie habitable del planeta, 45% de la producción de agua, y es la principal fuente de emisión de gases que causan el efecto invernadero, sin mencionar el impacto negativo que tiene en la vida rural, las condiciones laborales y su papel en el aumento de problemas de salud pública. Por medio de ilustrativas animaciones y entrevistas con expertos, Ámame enCARNEcidamente, el documental de Manu Coeman, describe el cambio radical que han sufrido la producción y el consumo de carne en los últimos 50 años, de las granjas familiares a las grandes fábricas modernas, hasta el punto en que este nuevo tipo de ganadería se ha convertido en un asunto considerablemente perjudicial para nuestras vidas y nuestro medio ambiente. Coeman nos ayuda a replantear la discusión sobre la carne. La pregunta en cuestión no es si debamos o no consumirla, sino más bien, una vez conscientes de lo mucho que la producción industrializada de carne pone en riesgo nuestro bienestar y el del planeta, ¿deberíamos seguir consumiéndola en las cantidades en que lo hacemos? ¿O podemos limitar nuestra demanda a la capacidad que la Tierra y nuestros ganaderos puedan manejar de manera sustentable? Meat is frequently at the center of our plates but rarely ever at the center of our discussions. Although to question one’s meat consumption is often a spicy topic, the environmental and labor issues surrounding the production process of the world’s main source of protein remain very much a side dish. Meat production is a 140 billion dollar industry that occupies a third of the planet’s inhabitable land, 45% of the world’s water production, and ranks as the number one cause of greenhouse gases, not to mention its negative impact on rural life, labor issues, and its role in the rise of health problems. Through illustrative animations and interviews with experts, Manu Coeman’s documentary, LoveMEATender, describes the radical shift meat production has undergone in the past 50 years, going from family farms to factories, up to the point in which this kind of farming has become an issue detrimental to our lives and our environment. Coeman helps us to reframe the conversation about meat. The question is not one of whether one should eat it or not, but rather, being aware of how industrialized meat production is endangering our well-being and that of our planet’s, should we go on eating meat in the amounts that we do? Or could we limit our demand to a capacity that the earth and our farmers can handle in a sustainable way?

Director: Manu Coeman Directores de fotografía: Sacha Wiernik, David van Berg Edición: Gert Van Berckelaer Argumento: Serge Elleinstein, Yvan Beck Sonido: Olivier Mortier Música: Kris Dane Productores: Compañía de producción: AT-Production, R.T.B.F. (Télévision belge)

Contacto | Contact CAT&Docs | Catherine Le Clef cat@catndocs.com 18 rue Quincampoix #133 Paris F-75004 France +33 (1) 44596353 www.catndocs.com

Manu Coeman (Bélgica, 1968) estudió en la escuela de cine IAD de Bélgica. En 1997, después de recibir varios premios por su cortometraje Ketchup, comezó a dirigir comerciales, con los que también ganó reconocidos premios, entre ellos Leones de Cannes y Clios. Más tarde, Manu decidió incursionar en los documentales y largometrajes y así fue como dirigió su primer documental, Ámame enCARNEcidamente. Manu Coeman (Belgium, 1968) studied at the IAD Film School in Belgium. In 1997, after winning several awards for his short film Ketchup, he began to direct commercials. He was awarded several prestigious prizes for his work, among them, Cannes Lions and Clios. He recently decided to venture into documentaries and features films and directed his first documentary, LoveMEATender.
Festivales | Festivals IDFA.

Meghan Monsour

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REPORTERO
México | 2012 | Español-Inglés | Color | 71’

Héctor Félix Miranda, cofundador de Zeta, periódico semanario de Tijuana, alguna vez declaró en una entrevista: “Lo que hago en Zeta demuestra que existe libertad de expresión en México”. Esta escena aparentemente tranquila del nuevo documental de Bernardo Ruiz, Reportero, tiene un efecto devastador. Poco después, Félix Miranda fue asesinado por publicar cierta información en su periódico. Miranda es uno de los tres periodistas de Zeta que han sido asesinados desde que inició la publicación. Casi veinticinco años después, todavía no se ha realizado ninguna investigación adecuada sobre su asesinato. Las historias de Miranda y de los otros periodistas asesinados nos hacen cuestionar si verdaderamente existe la libertad de expresión e información en México. Reportero nos presenta al equipo detrás de Zeta, uno de los pocos esfuerzos de investigación valientes en el periodismo mexicano. A través de la mirada valerosa e incisiva de Ruiz, comenzamos a entender el enorme sacrificio que representa el no guardar silencio. Los reporteros que antes eran censurados por un gobierno autoritario, ahora se enfrentan a un nuevo obstáculo para publicar información: la auto-censura, para protegerse de la violencia perpetrada por un gobierno corrupto y miembros del crimen organizado. Desde diciembre de 2006, cuando el presidente Calderón lanzó una ofensiva contra los cárteles de México, más de 40 periodistas han sido asesinados o desaparecidos. México enfrenta un periodo turbulento y ahora más que nunca necesita de sus periodistas; sin embargo, muchos han sido obligados a guardar silencio mientras la violencia y la corrupción crecen pues no hay nadie que lo denuncie. Reportero es un retrato de los reporteros que trabajan sin importar los riesgos, e investigan a quienes acostumbran actuar con impunidad y en el anonimato. Héctor Félix Miranda, co-founder of Tijuana’s weekly newspaper, Semanario Zeta, once stated in an interview “What I do in Zeta is proof that there is freedom of expression in Mexico.” Through Bernardo Ruiz’s new documentary, Reportero, we learn that this seemingly quiet moment carries devastating weight. Félix Miranda was later assassinated for information that he published in the paper; he is one of three Zeta staff members that have been killed since the paper›s inception. Almost twenty-five years later, his murder has still not had a proper investigation. The stories of Miranda and the other slain journalists in the film, put into question whether freedom of expression and freedom of information truly exist in Mexico. Reportero introduces us to the staff of Zeta, one of the few independent and courageous investigative efforts in Mexican journalism. Through Ruiz’s brave and trenchant filmmaking we begin to understand the heavy sacrifices involved in refusing to be silenced. Journalists, who were once censured by an authoritarian government, now face a different obstacle to publishing information: self-censorship to protect themselves from violence, by both corrupt government officials and members of organized crime. Since December 2006, when President Calderón launched an offensive against Mexico’s drug cartels, more than 40 journalists have been murdered or have gone missing. Mexico is going through a turbulent period in which it needs its journalists the most. However, many are being silenced, in many cases allowing violence and corruption to flourish because there is no one to report it. Reportero is a meditation on the reporters who investigate those accustomed to operating with impunity and anonymity and persevere despite the risks.

Director: Bernardo Ruiz Director de fotografía: Claudio Rocha Edición: Carla Gutierrez Guion: Bernardo Ruiz Sonido: José “Inerzia” Longas, Ruy Garcia Música: Leo Abrahams Productores: Bernardo Ruiz, Patricia Benabe Compañía de producción: Quiet Pictures
Contacto | Contact Bernardo Ruiz bernardo.ruiz@quietpictures.com www.quietpictures.com

Bernardo Ruiz es director y productor del documental Roberto Clemente (2008), el cual recibió el premio ALMA en la categoría Notable Documental Hecho para Televisión. Es coproductor de La Sexta Sección (2003), ganador del premio Mejor Documental Corto en el FICM en el 2003. Sus proyectos han recibido el apoyo de numerosas instituciones reconocidas, entre ellas la Fundación Ford y Sundance. En 2007 fundó Quiet Pictures, una productora dedicada al desarrollo y producción de documentales de temas sociales. Bernardo Ruiz is the director and producer of Roberto Clemente, which was awarded the ALMA Award for Outstanding Made-for-Television Documentary. He is co-producer of The Sixth Section, winner of the top short documentary prize at the Morelia International Film Festival. He has been recipient of several grants and fellowships from numerous renowned institutions, such as the Ford Foundation and Sundance. In 2007, he started Quiet Pictures in order to produce aesthetically innovative and socially relevant media across multiple platforms.

Meghan Monsour

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“Cuando el estallido que provocamos hace que explote nuestro mundo, quiere decir que hemos progresado demasiado; un buen estallido puede ser útil, uno mejor puede destrozar el mundo,” el escritor y conferencista Richard Wright utiliza el ejemplo de la tecnología de armas para ilustrar la idea de las trampas del progreso –innovaciones que finalmente crean más problemas de los que la sociedad o la naturaleza pueden manejar–. Los directores Mathieu Roy y Harold Crook usan la tesis de Wright como base para su película, Sobreviviendo al progreso. Junto con el autor y varios destacados teóricos, activistas y científicos, incluyendo a Jane Goodall, Margaret Atwood, David Suzuki y Stephen Hawking, los cineastas argumentan que “progreso” no necesariamente significa mejorar lo anterior. En vez de mejorar, estamos orquestando nuestra propia destrucción con una abundancia insostenible de innovación y explotación desenfrenada de los recursos naturales del planeta. La naturaleza ha tenido que pagar el precio de nuestros avances tecnológicos; antes vivíamos del interés de la naturaleza y ahora vivimos de su capital, utilizando más de 125% de su capacidad para mantener el progreso en su ritmo actual. Sin embargo, no todo es pérdida. Wright argumenta que poseemos las herramientas, los recursos y el conocimiento para evitar el colapso ecológico y social. Para asegurar nuestra supervivencia, debemos cuestionar la dirección del progreso. La película nos lleva a través de las trampas del progreso de nuestra historia y realidad contemporánea para identificar los patrones de errores y trazar un mejor camino hacia futuro. Quizá nuestros errores son predecibles, pero es esta previsibilidad lo que nos puede ayudar a mejorar y a garantizar nuestra supervivencia. “When the bang we make can blow up our world, we have made too much progress, a good bang can be useful, a better bang can destroy the world,” writer and lecturer Ronald Wright uses the example of weaponry technology to illustrate the idea of progress traps, innovations that ultimately create more problems than society or nature can handle. Directors Mathieu Roy and Harold Crook use Wright’s thesis as the basis for their new film, Surviving Progress. Together with the author, as well as some of the world’s great contemporary thinkers, activists and scientists, including Jane Goodall, Margaret Atwood, David Suzuki and Stephen Hawking, the filmmakers present us with the argument that progress does not necessarily mean improvement of what came before. Instead, they claim, we are manufacturing our own demise with the unsustainable overabundance of innovation and overuse of the planet’s natural resources. Nature has had to bear the weight of our technological advances; once we were living off the interest of nature and now we are living off of nature’s capital, using over 125% of its capacity to keep progress going at the rate that it is. Yet all is not lost. Wright claims that we have the tools, the means and the knowledge to avoid environmental and societal collapse. For our own survival, we must question where our current progress is leading us. For this reason, the film takes us on a sweeping tour of progress traps of our history and current era to see the patterns of our mistakes and to plot a wiser course for the future. We may be predictable in the errors we make, but this predictably may help us understand ourselves better in order to ensure our survival.

SURVIVING PROGRESS | SOBREVIVIENDO AL PROGRESO
Canadá | 2011 | Inglés | Color | 86’

Directores: Mathieu Director de fotografía: Mario Janelle Sonido: Maxime Potvin Música: Patrick Watson, Michael Ramsey Productores: Denise Robert, Gerry Flahive, Daniel Louis Compañía de producción: Cinémaginaire, Big Picture Media Corporation and National Film Board of Canada
Contacto | Contact Éric Séguin Film Booking Officer e.seguin@nfb.ca

Mathieu Roy. Después de obtener una licenciatura en Ciencias Políticas y trabajar como periodista, Roy estudió Cinematografía en la Academia de Cine de Nueva York. En 2001, ingresó al Instituto nacional de Cine en Montreal, donde dirigió cuatro cortometrajes. Harold Crooks es autor, guionista y productor de numerosos aclamados y galardonados documentales, entre los que destacan: La corporación, Karsh es historia, Pax americana y la militarización del espacio, El mundo está observando, y la serie de televisión Café negro. Mathieu Roy, a Montreal-based filmmaker, embarked on an intensive filmmaking program at the New York Film Academy after a political science degree and a brief career in journalism. In 2002, he entered Montreal’s National Film Institute (INIS) where he directed four short films. Harold Crooks is an author and writer/producer whose award-winning and acclaimed documentary film credits include: The Corporation; Karsh Is History; Pax Americana and the Weaponization of Space; The World Is Watching; and the TV series Black Coffee.

Meghan Monsour

Festivales | Festivals

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THIS IS NOT A FILM | NO ES UNA PELÍCULA
Irán | 2011 | Persa | Color | 75’

La negación que sostiene el título nos previene ante lo que estamos por ver: una no-película sobre un no-rodaje. No es una película (enviada al Festival de Cannes en una memoria USB escondida en un pastel) es un trabajo completamente alejado de los formas usuales de producción, un esfuerzo de dos cineastas iraníes contra la censura y la resignación. Arrestado el 1º de marzo de 2010 en su domicilio, Jafar Panahi es acusado de “propaganda contra el régimen”. Podría recibir una condena de seis años de cárcel, veinte años de prohibición para filmar, así como la imposibilidad de salir de su país o dar entrevistas; una sentencia de muerte simbólica para un artista. Al momento de grabar estas imágenes, Panahi apeló la condena y le fue impuesto un arresto domiciliario a la espera del veredicto. Hace entonces de su situación el objeto de su película: ¿Qué hace un cineasta que no tiene derecho a trabajar? Llama a su amigo, el documentalista Mojtaba Mirtahmasb, para rodar en secreto una jornada encerrado en su hogar. Si le está prohibido dirigir, no le está prohibido actuar; si le está prohibido escribir guiones, no le está prohibido leerlos; si le está prohibido hacer entrevistas, está en su derecho de hacer un autorretrato. Tomando al pie de la letra la prohibición para así evadirla, Panahi traza sobre el suelo las líneas imaginarias del set de una película condenada a no existir y lee frente a la cámara un guion rechazado por la comisión de censura. Pero de pronto se detiene, consciente de su absurda situación; por un instante se siente vencido y renuncia a continuar con el experimento: “¿De qué sirve?” Jafar Panahi cristaliza los problemas de muchos artistas en Irán, se vuelve emblemático de la resistencia contra la censura y la desmoralización. “Impedir a un cineasta rodar es como prohibir a alguien que utilice su vista”, declara Mirtahmasb. Con mucho humor y talento, ambos cineastas nos entregan una película brillante sobre la libertad desde el cautiverio: “Lo único importante es que la cámara siga encendida”. The explicit negation of the title anticipates what we are about to see: a non-film about a non-shooting. This Is Not a Film (sent to the Cannes Film Festival in a USB drive hidden inside a cake) is a work completely distanced from the usual modes of production: two Iranian filmmakers join forces against censorship and resignation. Arrested on May 1st 2010 in his home, Jafar Panahi, is accused of “propaganda against the regime.” He could receive a six-year prison sentence in jail, a twenty-year ban from filmmaking, and be forbidden from leaving the country or giving interviews – a symbolic death sentence for an artist. At the time of recording these images, Panahi appealed the sentence and was ordered into house arrest while he awaited a verdict. He turns this situation into the subject of his film – What does a filmmaker who has no right to work do? He calls his friend, documentary filmmaker Mojtaba Mirtahmasb, to record, in secret, a day spent captive in his home. If he is forbidden from directing, he is not forbidden from acting; if he is banned from writing screenplays, he is not banned from reading them; if he is forbidden from doing interviews, he is allowed to make a self-portrait. Taking the sanctions imposed on him word by word in order to evade them, Panahi creates an imaginary set for a film condemned to non-existence and reads to the camera, the lines of a script rejected by the censorship board. But he stops abruptly, suddenly conscious of the absurdity of the situation –for an instance, he feels defeated and refuses to continue with the experiment: What’s the use? Jafar Panahi’s plight crystallizes the problems of many artists in Iran. He becomes an emblematic figure of resistance against censorship and demoralization. “Banning a filmmaker from shooting is like banning someone from seeing,” states Mirtahmasb. With humor and talent, both filmmakers deliver a brilliant film about liberty, from captivity: “The only important thing is that the camera remain on.” Anaïs Desrieux
Festivales | Festivals

Directores: Compañía de producción: Wide Management

Contacto | Contact WIDE Management infos@widemanagement.com

Jafar Panahi (Irán, 1960) es uno de los directores más influyentes de la llamada nueva ola iraní. Sus filmes, entre ellos El globo blanco, El espejo y El círculo, han sido reconocidos y galardonados en numerosos festivales internacionales. Mojtaba Mirtahmasb (Irán, 1971) estudió en la Universidad de Arte de Teherán. Entre 1996 y 1997 dirigió nueve películas de la serie Art Stories; luego realizó numerosos videoclips y documentales Jafar Panahi (Iran, 1960) is one of the most influential filmmakers in the Iranian New Wave movement. His films, among them The White Balloon, The Mirror and The Circle, have won numerous awards in international film festivals. Mojtaba Mirtahmasb (Iran, 1971) studied at the Art University in Tehran. Betwen 1996 and 1997 he directed nine films for the Art Stories Series. He then directed several music videos and documentaries.

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URBANIZED | URBANIZADO
Estados Unidos-Reino Unido | 2011 | Inglés | Color | 85’

Tercera parte de la trilogía de Gary Hustwit acerca del papel del diseño en el mundo contemporáneo: tras Helvética (2007) y Objectified (2009) sobre diseño tipográfico e industrial respectivamente, Urbanizado (2011) explora el diseño y la planeación urbana; se propone descifrar el lenguaje de las ciudades y medir el pulso de la cultura urbana alrededor del mundo. El filme nos acerca a la experiencia de varias ciudades emblemáticas, a sus problemas y a algunos proyectos esperanzadores. Vamos de las megaciudades perdidas en Bombay a la planeación participativa en Santiago, revisando de paso la construcción de Brasilia. Se presenta el caso del transporte público en Bogotá, y Copenhague, ciudad ciclista, nos da una lección de democratización del espacio urbano. En Nueva York asistimos al rescate de la infraestructura abandonada del metro para reintegrarla al paisaje natural; en Detroit, extensa urbe postindustrial, los lotes baldíos devienen huertos públicos; y Nueva Orleans renace después del huracán Katrina a través de la agricultura urbana. Las favelas de Río de Janeiro o Ciudad del Cabo plantean serios problemas de seguridad que han dado pie a novedosas estrategias urbanísticas para la reapropiación del espacio público. Estos casos representan cambios significativos a nivel micro, pero sobre todo son ejemplos a seguir a escala global. Urbanizado revela la intrincada relación entre las formas físicas de la ciudad –la arquitectura, el mobiliario urbano– y las formas sociales –la percepción, la conducta individual y la interacción colectiva–. Si bien las personas construyen ciudades, éstas también construyen sujetos. A partir de una serie de entrevistas con renombrados urbanistas y arquitectos –Niemeyer, Foster, Koolhas– entendemos los riesgos de la expansión irracional del hábitat urbano y se hacen patentes los retos de las megalópolis del futuro. Es evidente que las ciudades, reales e imaginarias, han sido siempre sitios paradigmáticos del pensamiento utópico. The third part in Gary Hustwit’s trilogy about the role of design in the contemporary world, which includes Helvetica (2007) and Objectified (2009), about typographic and industrial design respectively, Urbanized (2011) explores urban planning and design: it seeks to decipher the language of cities and measure the pulse of urban culture around the world. The film brings us closer to the experience of various emblematic cities: we get to know their problems and some of their hope-inspiring projects. We go from the lost megacities of Bombay to the participatory planning of Santiago, passing by the construction of Brasilia. We learn about the public transportation case in Bogotá; Copenhagen, a city of cyclists, teaches us an important lesson about the democratization of urban space. In New York, we witness the rescue of an abandoned subway infrastructure and its reintegration to the natural landscape; in Detroit, a large post-industrial urban center, the empty lots become public agricultural fields; New Orleans is revitalized after hurricane Katrina through urban agriculture. The favelas in Rio de Janeiro or Capetown pose serious safety risks that have inspired innovative urban strategies of re-appropriating public space. All of these cases represent significant changes on a micro-level, but above, they are examples to follow on a global scale. Urbanized reveals the intricate relationship between a city’s material form –architecture and urban expanse– and its social forms: perception, individual behavior and collective interaction. People build cities, and cities build their subjects. Through a series of interviews with renowned urbanists and architects, including Niemeyer, Foster, and Koolhas, we understand the risks associated with the irrational expansion of the urban habitat and learn about the challenges of the future megalopolis. It is evident that cities –real or imaginary– have always been paradigmatic loci of utopian thought. Antonio Zirión
Festivales | Festivals Full Frame.

Director: Gary Hustwit Director de fotografía: Luke Geissbuhler Edición: Shelby Siegel, Michael Culyba Música: Kristian Dunn Productor: Gary Hustwit Compañía de producción: Swiss Dots

Contacto | Contact info@urbanizedfilm.com info@swissdots.com

Gary Hustwit, cineasta independiente con base en Nueva York y Londres, ha producido y dirigido numerosos documentales, entre ellos destacan Estoy tratando de romper tu corazón, sobre el grupo musical Wilco, Helvética y Objectified. Hustwit colaboró con el sello punk SST Records al final de los años 80; dirigió la casa editorial independiente Incommunicado en los 90; fue vicepresidente de la página web Salon.com. en el 2000; y en 2001 inició el sello independiente de DVD Plexifilm. Gary Hustwit is an independent filmmaker based in New York and London. He has produced and directed several feature documentaries, including the award-winning I Am Trying To Break Your Heart about the band Wilco; Helvetica and Objectified. Hustwit worked with punk label SST Records in the late-1980s, ran the independent book publishing house Incommunicado Press during the 1990s, was Vice President of the media website Salon.com in 2000, and started the indie DVD label Plexifilm in 2001.

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Sección realizada en colaboración con la Fundación/Colección Jumex This section is presented in collaboration with the Fundación/Colección Jumex

INJERTO

El espacio de las afecciones The Space of Affections
Selección de trabajos en cine y video de corte experimental que exploran la construcción de la realidad a través de la imagen en movimiento. A selection of experimental film and video works that explore the construction of reality on screen.

EUGENIO LÓPEZ ALONSO

Las ideas nacen incompletas y parciales en su sentido e inmediatamente buscan la complicidad del individuo que esté dispuesto a otorgarles parte de su aliento. A su vez, hay personas que son proclives a las ideas, las buscan, las comprenden, las hacen suyas, las domestican, las vuelven nuevas y las sueltan otra vez al mundo. De forma parecida, transita la relación que se crea entre un artista y su público, uno cierra el círculo que había dibujado el otro, al mismo tiempo que se expande la energía creativa hacia otras mentes y deseos tomando caminos insospechados. Si bien Marcel Duchamp ya había atisbado a principios del siglo pasado que una obra está incompleta hasta que el observador la pueda investir de significado, el espacio intermedial que se encuentra en este proceso sigue dotado de un vasto entramado de preguntas. ¿Qué determina que una obra pueda ser interpretada de diferentes maneras? ¿Dos personas pueden interpretar de una misma manera una pieza? ¿Por qué las obras nos transforman en distintos niveles a cada uno? ¿Qué hay en el germen de una pieza, de una pregunta, que inflama una nueva búsqueda? ¿En dónde radica el poder de una obra? La forma en que percibimos la realidad y nuestras experiencias determinan nuestra visión, pero puede que algo se nos esté escapando en este razonamiento. Ahí radica la importancia de la elección del eje conceptual de la edición de 2012 de INJERTO. A partir de la curaduría El espacio de las afecciones, el proyecto de este año busca dar luz en el espacio y el tiempo en específico en que las diferentes miradas se juntan para conformar la obra de arte contemporánea; analiza los pasos que experimenta la relación creador-espectador, cómo nos influencian o inoculan. Este ánimo de investigación y búsqueda es lo que nos emparenta con INJERTO y con la Gira de Documentales Ambulante. La Colección Jumex siempre se ha mirado como un crisol para mirar y comprender el arte de nuevas maneras. Por esta razón, nos complace colaborar una vez más con Ambulante en su interés por difundir, promover y analizar la cultura visual de nuestros días, mediante un género cada vez más revalorado como es el documental. Deseo hacer patente mi agradecimiento a todo el equipo de profesionales de INJERTO que hace posibles la gira y las actividades de reflexión incluidas en la programación. Esperamos que puedan esclarecer las interrogantes que nos encuentren en el camino.

Ideas are inherently incomplete and partial in their in their meaning; they immediately search for the complicity of an individual willing to grant them a portion of his/her inspiration. At the same time, there are people who gravitate towards ideas, who search for them, understand them, appropriate them, tame them, transform them and release them once again into the world. The relationship that is forged between artists and their public operates in a similar way: one closes the circle traced by the other as the creative energy extends towards other minds and desires, pursuing uncharted paths. At the beginning of the last century, Marcel Duchamp surmised that a work remains incomplete until the observer invests it with meaning. Yet, the intermedial space of this process remains saturated with a vast array of questions. What determines that a work may solicit different interpretations? Can any two people interpret a work in the same way? Why do works affect each of us at different levels? What lies in the emergence of a work, of a question, that ignites a new search? Where does the power of a work rest? Our experience, and the way in which we perceive reality, determine our perception. But perhaps something escapes us in this reasoning. This is precisely what the conceptual axis of the 2012 edition of INJERTO addresses. The selection comprised in The Space of Affections seeks to shed light on the specific space and time in which different gazes converge to make up the contemporary work of art; it analyzes the different steps that the relation of creator-spectator go through, and how these steps influence or inoculate us. This spirit of investigation and search is what we share with INJERTO and the Ambulante Documentary Film Festival. The Colección Jumex has always considered itself a crucible for contemplating and understanding art in new ways. For this reason, we are proud to collaborate once again with Ambulante in its mission to showcase, promote, and examine contemporary visual culture through the documentary: a genre that is increasingly valued in our culture. I want to express my gratitude to the team of INJERTO, which makes this festival, and its parallel activities of debate and reflection, possible. I hope they will clear up the questions that we might face in the way.

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EL ESPACIO DE LAS AFECCIONES THE SPACE OF AFFECTIONS
EDUARDO THOMAS

En su edición 2012, INJERTO presenta una curaduría intitulada El espacio de las afecciones, la cual propone una revisión del momento creado a partir de la proyección cinematográfica; un espacio-tiempo específico, resultado del proceso compartido entre audiencia/observador y artista, que potencia de manera efectiva y afectiva nuestra percepción de la realidad, tanto como cambia/transforma/trastoca la idea que tenemos de nosotros mismos. El término “proyección” abarca aspectos físicos, espacio-temporales, sociopolíticos y psicológicos tanto como refiere a las tecnologías visuales empleadas para la presentación de imágenes en movimiento. La curaduría de INJERTO invita a reflexionar sobre la forma en que se entremezclan la visión del autor y la visión del observador al tiempo que van conformando la obra de manera complementaria.

In its 2012 edition, INJERTO presents the program The Space of Affections, which proposes a revision of the moment emerging in cinematic projection: a specific space-time, resulting form the process shared by audience/viewer and artist, which effectively and affectively sustains our perception of reality, as it changes/transforms/disrupts the idea we have of ourselves. The term “projection” encompasses physical, spatiotemporal, sociopolitical, and psychological aspects and refers to visual technologies involved in the presentation of moving images. This program invites audiences to reflect on the ways in which an author’s vision and a viewer’s experience come together and complement each other in the production of the work.

Eduardo Thomas Eduardo Thomas

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MAJA BORG

Si en realidad lo hemos entendido todo, esto implicaría que hay algo que ya ha sido vaciado en su totalidad. Habríamos agotado las posibilidades y sus interpretaciones múltiples. Estaríamos estancados en un limbo existencial, sin más. Los filmes de Maja Borg son el esfuerzo de una joven artista que se resiste a ser sometida a la nomenclatura del deber ser, y que apuesta por mantenerse en un estado de constante (re)descubrimiento. Hilando un continuo desarticular y reensamblar del mundo a su alrededor, la obra de Borg apunta a un proceso de remoción de las barreras mentales que van minando con sus prejuicios nuestra experiencia vital, relegándonos a la orilla del conocimiento. Borg recurre a las funciones simbólicas y expresivas del cine, sin supeditar la capacidad transgresora de éste bajo la transparente estética de sus películas, para realizar una quirúrgica exploración de nuestros deseos, fantasías, y visiones utópicas de lo común. Evocando la fuerza onírica de las imágenes, desdobla los pliegues cognitivos del movimiento en sus múltiples dimensiones –el cambio en el espacio, los patrones rítmicos, la intensidad– logrando un evento en pantalla que resuena con vitalidad en todos nuestros sentidos. Tal y como la interpretación de un sueño siempre se encuentra bajo el influjo histórico y cultural de un determinado entorno, los filmes aquí incluidos representan distintas maneras de sugerir posicionamientos imaginarios y escenarios sociales diferentes en nuestro contexto. La obra de Maja Borg supone una fuerte carga de contenido político y social que cuestiona seriamente el concepto de lo ideal, logrando la afirmación de no sólo varias formas de intimidad, sino también de distintas formas de disidencia. If we have really understood everything, this would imply that there is something that has already been emptied out completely. We would have exhausted all of the possibilities and its multiple interpretations. We would be stuck in an existential limbo, nothing more. The films of Maja Borg constitute the efforts of a young artist refusing to conform to the nomenclature of what should be; and who aims to remain in a state of constant (re)discovery. Weaving a continuum dismantling and reassembling of the world around her, Borg’s work points to a process of washing-off mental barriers that undermine with their prejudices our life experience, relegating us to the edge of knowledge. Making use of the expressive and symbolic functions of film, rather than subsuming any capacity of the medium to disturb under the transparent aesthetics of her films, Borg builds a surgical exploration of our desires, fantasies, and utopian views on commonality. Evoking the oneiric might of images, she unfolds the cognitive layers of the cinematic in its multiple dimensions –spatial change, rhythmic patterns, intensity– achieving a screen event that echoes throughout all of our senses. Just as any interpretation of a dream may be subject to the influence of its historical and cultural background, the films included in this program represent various ways in which to suggest imaginary positions and different social scenarios in our context. The works of Maja Borg pose a strong political and social content that questions the concept of the ideal, while creating an affirmation of not only various forms of intimacy, but also forms of dissent.

ON YOUR BACK WOMAN! | ¡DE ESPALDAS, MUJER!
2010 | 5’

OTTICA ZERO
2001 | 13’

CONSTRUCT – TWO MOMENTS IN BEAUTY (Episodes I, II & III) CONSTRUCTO: DOS MOMENTOS EN LA BELLEZA (Episodios I,II & III)
2007 | 18’
Contacto | Contact www.majaborg.com

Maja Borg es artista visual y directora de cine. Su trabajo confluye en la intersección del documental, la ficción y el cine experimental, fusionando el lenguaje de estos géneros en un trabajo atractivo, visualmente rico y políticamente astuto. Sus películas abordan temas de investigaciones sobre mitos y tradiciones, fronteras de deseo y violencia, así como conflictos contemporáneos urgentes, entre ellos la crisis del capitalismo y del medio ambiente y las bajas en la economía. Maja Borg is a visual artist and film director. Her work exists at the intersection of documentary, fiction and experimental film fusing the languages of these genres into a compelling, visually rich and politically astute body of work. Her films have tackled subjects ranging from investigations of myths and traditions, borders of desire and violence, and urgent contemporary issues such as the crisis of capitalism and the global environmental and economic downturn.

Eduardo Thomas

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PAT O’NEILL

WATER AND POWER | AGUA Y ENERGÍA
1989 | 35 mm | 55’

Figura fundamental de la escena de vanguardia en Los Ángeles a lo largo de las últimas cuatro décadas, Pat O’Neill ha contribuido a dar forma al paisaje audiovisual californiano desde el primer momento en que comenzó a hacer cine. A través de una cuidadosa manipulación del tiempo y el espacio, aunada a su capacidad de recrear profundidad de campo al interior de la imagen, O’Neill transforma aparentes contenidos disconexos en un constante fluir, agregando así una dimensión existencial a las imágenes proyectadas en su obra. En Agua y energía somos partícipes de los ciclos que permiten la transformación de la vida silvestre en megalópolis. A través del constante ir y venir entre el desierto y la ciudad, descubrimos el impacto de la naturaleza y la actividad humana vis-à-vis, a la vez que un paisaje cultural, exquisito en formas, colores y texturas, cobra vida conforme la proyección avanza. El conjunto de complejas operaciones formales que tienen lugar en la obra de O’Neill van más allá del ámbito de la representación. A medida que destierra las convenciones concretas de su práctica cinematográfica (la falta de lo que puedan considerarse como personajes principales, o el sentido convencional de la narración), tendemos hacia la potencialidad latente del cine, el poder de transmitir emociones y sensibilidades, y al hacerlo, se (re)crea no sólo la imagen de un lugar en específico, sino también los posible estados de ánimo y ambientes en los que dejarnos ir. O’Neill no está interesado en guiarnos a una serie predeterminada de asociaciones, sin embargo su montaje activa de manera efectiva nuestra capacidad de hacer conexiones a través de los maravillosos palimpsestos bricolages de su película: paisajes del desierto y la ciudad, animaciones, material de archivo y breves narraciones verbales, todos se fusionan de modo que nuestra vista y oído puedan relacionarse activamente con el elusivo significado y la sofisticada experiencia sensual del cine. Finalmente Agua y energía recae en la fantástica armonización de la memoria y la imaginación, al tiempo que hace que creamos en el cine una vez más. A pivotal figure of the avant-garde scene in Los Angeles over the past four decades, Pat O’Neill has helped shape the audio-visual landscape of California ever since he took on cinema. Through a careful manipulation of time and space, enriched by his ability to recreate depth within the frame of the image, Pat O’Neill elegantly transforms seemingly dissociated media into a constant flux, adding an existential dimension to the projected images in his work. In Water and Power we are confronted with the cycles that allow for the transformation of wilderness into megalopolis. Through the constant switch across desert and city, we discover the impact of nature and human activity vis-à-vis, at the time that a cultural landscape, luscious in shapes, colors and textures, is brought to life as the screening progresses. The set of complex formal operations, which take place in the work of O’Neill, expand beyond the realm of representation. As he strips any concrete cinema conventions off his filmmaking (i.e. the lack of what may be regarded as main characters, or any conventional sense of story-telling), we tend towards the latent potentiality of cinema, the power to convey emotions and sensitivities, and in doing so (re)creating not only the image of an specific place, but also possible moods and atmospheres in which to loose ourselves. O’Neill is not interested in directing us towards a predetermined series of associations, but his montage does indeed effectively trigger our capacity to make connections throughout the wondrous multi-layered collages of his film: desert and city landscapes, animation effects, found footage and short verbal narratives, all collide so that our sight and hearing may actively engage the elusive significance and sophisticated sensuous experience of film. Ultimately Water and Power relies on the fantastic harmonization of memory and imagination, while making our believing in cinema possible once more. Eduardo Thomas

Contacto | Contact www.lookoutmountainstudios.com

Pat O’ Neill (Los Ángeles, California, 1939) es un destacado cineasta y artista experimental independiente. Si bien su trabajo abarca un espectro estético y técnico extremadamente amplio, es quizá más conocido por sus composiciones inquietantes, surrealistas y humorísticas, logradas a través de su destreza en el manejo de la impresora óptica. Sus filmes y otras obras de arte a menudo revelan un complejo y misterioso interés en las conexiones y choques entre el mundo natural y la civilización humana. Pat O’ Neill (Los Ángeles, California, 1939) is a renowned independent experimental filmmaker and artist. Although his work embraces an extremely wide technical and aesthetic scope, he is perhaps best known for his startling, surrealistic, and humorous film compositions achieved through a mastery of the optical printer. His films and other artworks often reveal a complex and mysterious interest in the connections and clashes between the natural world and human civilization.

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JOHN PRICE

Las películas de John Price se presentan como una alternativa al proceso de recolección, son un esfuerzo consciente por cosechar el sencillo y no planificado desarrollo de la vida, tal y como ha sido atestiguado emotivamente por la cámara. Price comentó en alguna ocasión que “el tiempo erosiona la memoria en fragmentos amorfos, la reconstrucción es una mezcla entre ficción y verdad en partes iguales. En cualquier caso, ésta es la manera en que he elegido recordar.” Su continua búsqueda dentro de la memoria constituye una constante consulta sobre el futuro, dejando un espacio abierto para ulteriores interpretaciones de su material. Rebelándose contra la conformidad de las normas que rigen el formato del cine casero, Price se distancia de los temas y el tratamiento habituales que la mayoría de las películas producidas dentro de este subgénero del cine terminan por perpetuar. Evitando el pastel de cumpleaños y la ceremonia navideña, las maravillas químicamente reelaboradas de Price dan paso a una serie de momentos impresionistas emanados de la piel del celuloide. La presencia de la emulsión es nuestra constante compañía, tanto como lo ha sido para Price, quien hábilmente ha aprendido los intrincados caminos de los tóners de color, las impresoras ópticas, los tintes, y el revelado a mano de películas, a lo largo de los últimos veinticinco años. Un proceso intuitivo que le ha llevado a morar entre juegos de sombras y olas de luz. Su labor cinematográfica se cosecha en los entresijos del quehacer de las imágenes, a medio andar entre los intervalos de la experiencia, en los márgenes del descubrimiento; es un gesto acogedor, rebosante de alegría, que se balancea entre lo realmente cercano y privado, y el mundo externo/público. Los filmes aquí presentados son algunos de sus hallazgos más consumados. The films of John Price stand as an alternate take on the process of recollection; a conscious effort to yield the simple and unplanned unfolding of life as it has emotively been witnessed by the camera. As Price once pointed out, “Time erodes memory into amorphous fragments, reconstruction is equal parts fiction and truth. In any event, this is the way I’ve chosen to remember.” His continuous search into memory constitutes an ongoing query of the future, leaving an open space for further readings of his footage. Rebelling against the conformity that rules over the home movie format, Price sets his path high above the usual themes and treatment most of the films produced within this subgenre of cinema end up perpetuating. Escaping the birthday cake and the Christmas ceremony, Price’s series of chemically reworked wonders give way to an array of impressionist moments that surface from the skin of film. The presence of the emulsion is our constant companion, as much as it has been for Price, who has skillfully learned the intricate ways of color toners, optical printers, tinters, and hand-washed film processing throughout the last 25 years. An intuitive process that has led him to dwell in the midst of shadow-plays and light-waves. His filmmaking is gleaned at the very in-betweens where pictures are made, amongst the intervals of experience, in the fringes of discovery; bursting with joy in an encompassing gesture that balances between the very close and private, and the exterior/public world. The films here presented are some of his most accomplished findings.

MAKING PICTURES | HACIENDO IMÁGENES
2005 | 35 mm | b&w | 13’

DOMASHNYE KINO / HOME MOVIE DOMASHNYE KINO / PELÍCULA CASERA
2010 | 35 mm | Color-b&w | 32’

SEA SERIES #10 | SERIE DEL MAR #10
2011 | 35 mm | Color | 10’

THE PILGRIM’S PROGRESS FROM THIS WORLD TO THAT WHICH IS TO COME EL PROGRESO DEL PEREGRINO DE ESTE MUNDO AL PORVENIR
2011 | 35 mm | b&w | 6’
Contacto | Contact www.filmdiary.org

John Price, cineasta independiente, ha producido documentales experimentales y diarios fílmicos desde 1986. Su pasión por la fotografía análoga lo llevó a experimentar con una gran variedad de emulsiones y formatos de cine. Price ha recibido apoyo para producción de diversas instituciones, entre ellas el Consejo Nacional de Cine. Su trabajo ha sido exhibido en numerosas galerías y festivales internacionales. Trabaja como director de fotografía con reconocidos directores, entre los que destacan Bruce Macdonald, Charles Officer y Rob Pilichowski. John Price is an independent filmmaker who has produced experimental documentaries and diary films since 1986. His love of analog photography led naturally to extensive alchemical experimentation with a wide range of motion picture film emulsions and camera formats. He has received production support from The National Film Board, among other institutions. His work has been exhibited at festivals and galleries internationally. He is active as cinematographer working with directors like Bruce Macdonald, Charles Officer and Rob Pilichowski.

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BEN RUSSELL

En la actualidad, pocas veces resultaría adecuado utilizar la palabra magia para calificar la práctica cinematográfica, sin embargo la exploración que lleva a cabo Ben Russell sobre la profunda relación que existe con la naturaleza divina de las cosas, a partir de la presentación de imágenes y sonido, no podría ser descrita de mejor forma. A través de ciertos cambios inducidos temporalmente en el aparato cinematográfico, Russell desorienta y eleva nuestra mirada hacia un plano perteneciente a una categoría de percepción totalmente distinta a la habitual. Sus habilidades técnicas con la cámara y su amplio conocimiento del lenguaje cinematográfico se combinan con un sentido secular de la espiritualidad para dar lugar a lo que él gusta llamar etnografía psicodélica, atenuando así las fronteras entre la ilusión y la iluminación. Los filmes incluidos en este programa oscilan de manera peculiar entre el retrato y el cine-ensayo, pues cada uno de ellos es la prolongación de los esfuerzos de Russell por extender las posibilidades del cine como una herramienta que permita expandir nuestra consciencia. Son exploraciones audiovisuales basadas en la naturaleza efímera e intangible de la proyección de la imagen en movimiento con miras a un desdoblamiento fenomenológico; un camino hacia la revelación. En estos trabajos, Russell verdaderamente pone nuestra mente a viajar (y en ocasiones también nuestro estómago), sumergiéndonos en un momento de belleza transcendental, cuyo excepcional poder deriva de las personalísimas experiencias compartidas con nosotros a través del acto de la proyección –la transferencia de sentimientos, emociones y deseos hecha de manera ubicua y simultánea a través de la cámara y sobre la pantalla. It is on few occasions that the word magic is worth throwing around when discussing filmmaking. Yet the profound relationship to the divine nature of things explored by Ben Russell, via the presentation of sound and images, could not be described in a better way. Through induced temporary changes in the cinematic apparatus, Russell is able to disorient and elevate our gaze to a realm that belongs to a different category of perception. His technical skills with the camera and a vast knowledge of the cinematic language combine with a sense of secular spiritualism in order to bring around what he likes to call psychedelic ethnography, and so dimming down the frontiers between illusion and illumination. The films included in this program oscillate between the portrait and the film essay in a very particular way; each one of them is a prolongation of Russell’s efforts to further the possibilities of cinema as means of expanded awareness. They are audiovisual explorations based on the intangible and ephemeral nature of the projected moving-image in order to give way to a phenomenological unfolding; a path towards revelation. In these films Russell truly manages to flip our mind (and perhaps sometimes also our stomach), placing us in a state of immersion, deep into a moment of discrete transcendental beauty. Its unique power stemming from the very personal experiences that are shared with us thanks to the act of projection –the transfer of feelings, emotions and desires made ubiquitously and simultaneously through the camera and onto the screen.

TRYPPS #7 (BADLANDS)
2010 | super 16 mm | 10’

RIVER RITES | RITOS DE RÍO
2011 | 16 mm | 11’

PONCE DE LEÓN
2012 | HD | 26’
Codirigida con Jim Drain

Contacto | Contact www.dimeshow.com

Ben Russell, ganador de la Beca Guggenheim en 2008 y del premio FIPRESCI en 2010, es un reconocido artista visual y curador, cuyos filmes, instalaciones y performances albergan un compromiso con la historia y la semiótica de la imagen en movimiento. Su obra ha sido exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Festival de Cine de Róterdam, el Centro para las Artes Wexner y el MoMA. Ben Russell, a 2008 Guggenheim Fellowship and 2010 FIPRESCI award recipient, is a media artist and curator whose films, installations, and performances foster a deep engagement with the history and semiotics of the moving image. He has had solo screenings and exhibitions at the Museum of Contemporary Art in Chicago, the Rotterdam Film Festival, the Wexner Center for the Arts, and the MoMA.

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JOHN SMITH

Con pasmosa simplicidad, rica en su complejidad, pero sobre todo refrescantemente ingeniosa, John Smith es capaz de trastocar nuestro entendimiento de lo familiar, transmutándolo en un estado de ensueño donde nada debe darse por sentado. En palabras del mismo Smith, sus películas “reconstruyen y transforman la realidad, explorando y exhibiendo el lenguaje y manipulador poder del cine”, y al hacerlo, podríamos añadir, exponiendo cómo el artificio del cine aumenta el artificio del mundo que hemos creado a nuestro alrededor a partir del lenguaje, las imágenes y los sonidos. A través de su obra nos vemos confrontados con todo aquello que hemos abandonado en pos de la certeza. Los cuatro filmes aquí incluidos están impregnados de la graciosa capacidad de un niño para (re)imaginar el estado de las cosas, una habilidad que pronto disloca la dependencia del medio a la explícita experiencia visual de la percepción del tiempo y el espacio, así como de la significación humana, forzándonos a reflexionar sobre el impacto que las apariencias tiene sobre nosotros. Las películas de John Smith son una ingeniosa exploración sobre la contextualización; son una serie de juegos encaminados a revertir la parálisis de las estructuras formales en la construcción de sentido a través de las convenciones cinematográficas. Sus elucidaciones sobre las relaciones entre tamaño y forma, perspectiva, escala, sincronía de imagen y sonido, y movimientos de cámara, se traducen en la reivindicación de la sorpresa como posibilidad de experiencia en nuestra vida cotidiana. Smith hace de nuestra experiencia cinemática una exhuberancia gozosa, un momento en el que, si miramos a través de la lente-espejo de John Smith, todo puede suceder, e impulsadas por su gran sentido del humor las ilusiones se desatan, al tiempo que el mundo deviene un lugar distinto de aquel que pensábamos conocer tan bien… al menos mientras dure la proyección. With an astonishing simplicity, rich in its complexity, but above all refreshingly witty, John Smith is able to switch our understanding of the familiar, rendering it into a dreamlike sensation where nothing should be given for granted. In the words of Smith himself, his films “rework and transform reality, exploring and exposing the language and manipulative power of cinema”, and in doing so, one might add up, exposing how the artifice of film heightens the artifice of the world we have created all around us through language, images, and sounds. Through his work we are faced with all we have abandoned in the pursuit of certainty. The four films included here are infused with a childlike playfulness capacity to (re)imagine the state of things, an ability that soon enough dislocates the medium’s dependency on the explicit visual experiences of time and space perception, and human signification, forcing us to reflect on the impact appearances have upon us. If anything the films of John Smith are a clever exploration of contextualization; a series of games aimed at reverting the transfixing of formal structures in the construction of meaning through cinematographic conventions. His take on size and shape relations, perspective, scale, sound-image synchronicity, and camera movement, translate into a reclaimed possibility of surprise in the experience of our everyday life. Smith turns our cinematic experience into a joyful exuberance, a moment where, if we look at things through the mirror-lens of John Smith, anything can happen, and triggered by his great sense of humor, illusions run wild as the world becomes a different place from that which we thought we knew so well… at least for the length of a screening.

OM
1986 | Color | 4’

THE GIRL CHEWING GUM | LA CHICA MASTICANDO CHICLE
1976 | b&n | 12’

THE BLACK TOWER | LA TORRE NEGRA
1985-1987 | Color | 24’

SHEPHERD’S DELIGHT | EL DELEITE DEL PASTOR
1980-1984 | Color | 35’

Contacto | Contact LUX | Gil Leung distribution@lux.org.uk 3rd Floor 18 Shacklewell Lane London E8 2EZ UK +44 (20) 75033977 www.lux.org.uk

John Smith (Inglaterra, 1952) estudió Cine en la escuela de arte Royal Collage of Art. Su obra trastoca los límites establecidos entre documental y ficción, representación y abstracción. Desde 1972 ha realizado más de 40 filmes, videos e instalaciones, los cuales han sido exhibidos en cines, galerías de arte y en televisión alrededor del mundo, y ha recibido varios premios en numerosos festivales internacionales. Smith es profesor de Bellas Artes en la Universidad de East London. John Smith (England, 1952) studied film at the Royal College of Art. His body of work deftly subverts the perceived boundaries between documentary and fiction, representation and abstraction. Since 1972 he has made over forty films, video and installation works that have been shown in cinemas, art galleries and on television around the world and awarded major prizes at many international film festivals. He teaches at the University of East London where he is Professor of Fine Art.

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MELANIE SMITH Y RAFAEL ORTEGA

Melanie Smith y Rafael Ortega han trabajado juntos en la producción de imágenes en movimiento desde mediados de los años 90. Su obra se ha enfocado en gran medida en nociones de espacialidad y la producción de lugares. Entendiendo el concepto de espacio como una construcción social e inter-relacional, éste constituye una experiencia estructurada en el tiempo que permite que eventos culturales, históricos y políticos sucedan, en tanto que la sociedad y los individuos transcurran en el tiempo. Por otro lado, lugar generalmente se refiere a una posición o ubicación en particular que es ocupada por una persona o un objeto, en este sentido, lugar se encuentra siempre vinculado a la experiencia del ser. Siendo así, entonces, el espacio influye en la manera en que concebimos el mundo y trasciende la forma en que nos percibimos y proyectamos en un determinado lugar y en un determinado momento. Esta indivisible ecuación de temporalidad y espacialidad relacionadas con nuestra experiencia vital se encuentra en el corazón de la práctica cinematográfica también, y como ningún otro soporte, el cine es producto de una ilusión basada en la especificidad creada por el tiempo y el espacio: la ilusión de la imagen en movimiento. Las imágenes cinemáticas han servido a Smith y Ortega como bisagra conceptual, por momentos siendo objeto en cuestión y en ocasiones como medio para cuestionar. Los trabajos aquí incluidos enfatizan cómo los lugares nos refieren a un cúmulo de relaciones dinámicas, vivas y fluidas, que no tienen una sola y única identidad. En este sentido el trabajo de Smith y Ortega nos lleva a pensar la pantalla como un espacio-espejo, un espacio con doble función: una que influye y otra que es influida. Es en un espacio así que la experiencia de un lugar se da simultáneamente de forma física y mental. En estos filmes los lugares no son algo fijo; son sitios de apariencia, apropiación, identificación, dominación, solidaridad, lugares donde la construcción de identidades y de diferencias se reconocen. Melanie Smith and Rafael Ortega have worked together in the production of moving images since the mid 90’s. Their work has been greatly occupied with notions of spatiality and place-making. Space understood as a social and inter-relational construction, is a time-structured experience that allows for historical, cultural and political events to occur as society and individuals move across time. Place on the other hand, generally refers to a particular location which is occupied by a person and/or an object, in that sense, place is tied to the experience of being. As such, space influences the way we think about the world and it has significance upon the manner in which we perceive and project ourselves onto a given place and in a given moment in time. This indivisible equation of temporality and spatiality in relation to a lived experience lies at the core of filmmaking too, and like no other medium cinema becomes the product of an illusion based on the specificity created by time and space: the illusion of the moving image. The cinematic images serve Smith and Ortega as a conceptual hinge, at times object of the questioning and at other times as means to question. The works included in this program emphasize how places refer to a dynamic, lively, and fluid set of relationships that do not have a single, unique identity. Moreover, the work of Smith and Ortega leads us think of the screen as a mirror-space, a space with a double edge function: one influencing and one being influenced. As such, places in this space become simultaneously experienced in a physical and a mental way. In these films places are not fixed; they are sites of appearance, appropriation, identification, domination, solidarity ands places where the construction of identities, as well as differences, can be recognized.

TIANGUIS II
2003 | Mini DV | 5’

PARRES 0
2004 | 16 mm | 2’

XILITLA
2010 | 35 mm | 24’

ESTADIO AZTECA
2010 | Video Full HD | 10’

Contacto | Contact www.melaniesmith.net

Melanie Smith (Inglaterra, 1965) se graduó de la Universidad de Reading. Ha vivido y trabajado en la ciudad de México desde 1989. Sus obras han sido exhibidas en numerosas instituciones, nacionales e internacionales: el MoMA, el Museo UCLA HAMMER, Tate Liverpool y Tate Modern. Rafael Ortega estudió en el Instituto Mexicano de Cine y Teatro y en el CUEC. Ha trabajado como operador de cámara y fotógrafo en numerosos documentales. Ha realizado importantes colaboraciones con artistas visuales, entre los que destacan Abraham Cruzvillegas, Raymundo Sesma, Raúl Ortega y Daniel Guzmán. Melanie Smith (England, 1965) received her Bachelor of Arts from the University of Reading. Since 1989 she has lived and worked in Mexico City. Her work has been exhibited at numerous institutions, both nationally and internationally, including: the MoMA, UCLA Hammer Museum, Tate Liverpool and Tate Modern. Rafael Ortega studied at the Instituto Mexicano de Cine y Teatro and at the CUEC film school. He has worked as a camera operator and photographer in various documentaries. Ortega has had important collaborations with visual artists such as Abraham Cruzvillegas, Raymundo Sesma, Raúl Ortega and Daniel Guzmán.

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SONIDERO

Trabajos recientes sobre diversas e innovadoras corrientes musicales, desde propuestas con contenido social y político, hasta conciertos delirantes para miles de ávidos seguidores.

Recent works about diverse and innovative musical movements, ranging from socially and politically-engaged works to delirious concerts for thousands of devoted fans.

Un documental acerca de uno de los grupos musicales más influyentes en la historia del hip-hop. Considerados pioneros icónicos del hip-hop, y uno de los éxitos comerciales y artísticos más grandes del género, A Tribe Called Quest obtuvo cinco discos de oro y platino en ocho años de carrera. La repentina desintegración de la banda en 1998 impactó a la industria y entristeció a los miles de fans, quienes admiraban su estilo musical vanguardista. Rapaport, fan de la banda, los acompañó en su gira en 2008, cuando se reunieron, casi diez años después del lanzamiento de su último album, The Love Movement, para presentar conciertos a través de Estados Unidos. Durante el viaje con los integrantes de la banda (Q-Tip, Phife Dawg, Ali Shaheed Muhammad y Jarobi White), Rapaport retrata la historia de su relación, ahora muy debilitada, así como sus diferencias personales y los conflictos sin resolver que continúan amenazando la conexión creativa del grupo.

BEATS, RHYMES & LIFE: THE TRAVELS OF A TRIBE CALLED QUEST LOS VIAJES DE A TRIBE CALLED QUEST
Estados Unidos | 2011 | Inglés | Color | 98’

Director: Michael Rapaport Director de fotografía: Robert Benavides Edición: Lenny Mesina Música: Madlib Productores: Edward Parks, Frank Mele, Michael Rapaport, Eric Matthies, Robert Benavides, Debra Koffler, ATCQ

A documentary film about one of the most influential and groundbreaking musical groups in hip-hop history. Having released five gold and platinum selling albums within eight years, A Tribe Called Quest has been one of the most commercially successful and artistically significant musical groups in recent history, and regarded as iconic pioneers of hip hop. The band’s sudden break-up in 1998 shocked the industry and saddened the scores of fans, whose appetite for the group’s innovative musical stylings never seems to diminish. A hard-core fan himself, Rapaport sets out on tour with A Tribe Called Quest in 2008, when they reunited to perform sold-out concerts across the country, almost ten years after the release of their last album, The Love Movement. As he travels with the band members (Q-Tip, Phife Dawg, Ali Shaheed Muhammad and Jarobi White), Rapaport captures the story of how tenuous their relationship has become; how their personal differences and unresolved conflicts continue to be a threat to their creative cohesion.

Contacto | Contact Autlook Films +43 (720) 346934 welcome@autlookfilms.com

Michael Rapaport, nativo de Nueva York, se dio a conocer en el Festival de Cine de Sundance en 1993 con el filme ganador Zebrahead. Desde entonces, Rapaport ha aparecido en más de 40 películas, entre ellas True Romance, Higher Learning, Beautiful Girls, Copland, así como Mighty Aphrodite y Small Time Crooks de Woody Allen. Aficionado del hip-hop desde siempre, Rapaport se siente orgulloso debutar como director con Los viajes de A Tribe Called Quest. Michael Rapaport, a native New Yorker, got his break at the 1993 Sundance Film Festival in the award winning film Zebrahead. Since then, Rapaport has appeared in over 40 notable films including, True Romance, Higher Learning, Beautiful Girls, Copland and Woody Allen’s Mighty Aphrodite and Small Time Crooks. A lifetime hip hop fan, Rapaport is proud to make his directorial debut with Beats, Rhymes & Life: The Travels of A Tribe Called Quest.

Festivales | Festivals

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Objeto de una fascinación y adoración desbordantes desde que tenía 17 años, George Harrison entró en la conciencia colectiva como miembro de la banda más conocida y adorada de la historia, Los Beatles. Con el grupo viajó a todas partes, conoció a un sinfín de personajes y alcanzó niveles de fortuna y fama impensables. A los 22 años se dio cuenta de que el éxito material no era suficiente: “Teníamos muchísimas cosas materiales siendo muy jóvenes y pronto nos dimos cuenta de que no se trataba sólo de eso; nos faltaba algo”. A través de su amistad con Ravi Shankar y sus viajes a la India, George se sumergió en la música y en la filosofía hindú; la meditación y la practica espiritual se convirtieron en parte central de su vida. Martin Scorsese sigue la trayectoria de George desde su nacimiento en 1943 hasta su muerte en 2001, utilizando material de archivo nunca antes visto de su infancia, sus años con Los Beatles, los altibajos de su carrera como solista, y algunos episodios de su vida privada.

GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD GEORGE HARRISON: VIVIENDO EN EL MUNDO MATERIAL
Estados Unidos | 2011 | Inglés | Color-b&n | 208’

Director: Martin Scorsese Directores de fotografía: Robert Richardson, Russell Carpenter, Stuart Dryburgh, Simon Harding, Martin Kenzie, Ellen Kuras, Lisa Rinzler, Harris Savides, Peter Suschitsky Edición: David Tedeschi Música: The Beatles, George Harrison Productores: Olivia Harrison, Nigel Sinclair, Martin Scorsese Compañía de producción: Sikelia Productions, Grove Street Pictures, Spitfire Pictures.
Contacto | Contact Exclusive Media | Alex Walton info@exclusivemedia.com Leslie Vuchot lv@thefestivalagency.com

The subject of endless fascination and adoration from the time he was 17, George Harrison exploded into public consciousness as a member of the most famous and beloved band ever, The Beatles. With the band, he traveled everywhere, met everybody, and achieved levels of fortune and fame only dreamed of by most. By the age of 22, he realized material success wasn’t enough: “We had lots of material things at quite an early age and we learned that wasn’t it, we still lacked something.” Through his friendship with Ravi Shankar and his travels to India, George immersed himself in Indian music and philosophy. Meditation and spiritual practice became central to the rest of his life. Using rare and never before seen footage from George Harrison’s childhood, throughout his years as a Beatle, through the ups and downs of his solo career, and through the joys and pain of his private life, Martin Scorsese traces the arc of George’s journey from his birth in 1943 to his passing in 2001.

Martin Scorsese (New York, 1942). Gran maestro del cine contemporáneo, ha dirigido numerosas películas que han hecho historia. Es presidente de The Film Foundation, organización dedicada a la preservación de material fílmico en deterioro. Su extensa filmografía ha sido premiada en numerosos festivales. En 2006 recibió un Oscar como Mejor Director por Infiltrados. Martin Scorsese (New York, 1942) is an essential figure of modern film, with a series of titles that have made history. He is founder and director of The Film Foundation, an organization dedicated to preserving film material at risk of deterioration. His extensive filmography has earned him numerous awards in festivals around the world. In 2006 he received an Oscar for Best Director for The Departed.

Festivales | Festivals

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El 2 de abril de 2011, LCD Soundsystem dio su último concierto en el Madison Square Garden. En el tope de su popularidad, una de las más reconocidas e influyentes bandas de su generación decidió realizar el mayor concierto de su carrera, para después terminar con la agrupación. Esto fue, en palabra de The Guardian, “un réquiem para el hipster”. Esta decisión fue tomada por el líder de la banda, James Murphy. LCD SOUNDSYSTEM: CÁLLATE Y TOCA LOS ÉXITOS es un concierto narrativo, un documento sobre un momento musical, al estilo de El último vals y Stop Making Sense, y nos muestra a James Murphy al día siguiente, enfrentando las secuelas de esta decisión.

On April 2nd 2011, LCD Soundsystem played their final show at Madison Square Garden. At the peak of their popularity, one of the most celebrated and influential bands of their generation decided to perform the biggest concert of their career and end it all. This was, in the words of The Guardian, ‘a requiem for the hipster’. The decision to do this was made by the band’s front man James Murphy. LCD SOUNDSYSTEM: SHUT UP AND PLAY THE HITS is a narrative concert film – a document of a musical moment in the tradition of The Last Waltz and Stop Making

LCD SOUNDSYSTEM: SHUT UP AND PLAY THE HITS LCD SOUNDSYSTEM: CÁLLATE Y TOCA LOS ÉXITOS
Reino Unido | 2012 | Inglés | Color | 105’

Sense – and also a depiction of James Murphy navigating the day after the show and the aftermath of his decision.

Directores: Director de fotografía: Reed Morano Fotografía adicional: Ross Mclennan, Matthias Koenigswieser, Spike Jonze Edición: Mark Burnett Música: James Murphy / Lcd Soundsystem Productores: Lucas Ochoa, Thomas Benski, James Murphy Compañía de producción: Pulse Films

Contacto | Contact Lucas Ochoa lucas@pulsefilms.co.uk

Dylan Southern y Will Lovelace forman la dupla de dirección thirtytwo. Su trabajo incluye comerciales, videos musicales y documentales. Esta dupla ha colaborado con músicos como Blur, Elbow, Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, The Kills y Bjork. No Distance Left To Run, su primer largometraje documental, recibió una nominación al Grammy. Dylan Southern and Will Lovelace make up the directing partnership thirtytwo. Their work spans commercials, music videos and feature documentaries. The duo have worked with numerous artists including Blur, Elbow, Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, The Kills and Bjork. Their debut feature-length documentary, No Distance Left to Run, received a Grammy nomination.
Festivales | Festivals Sundance.

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Un documental all-access sobre el reencuentro de la banda The Libertines en los festivales de Reading y Leeds en 2010. El director, Roger Sargent, fue fotógrafo, testigo y confidente de la banda durante su corta y agitada carrera. The Libertines contrapone la historia actual del reencuentro, los ensayos y conciertos, con entrevistas, a veces dolorosas, a cada miembro de la banda, haciendo un recuento de la historia del grupo, ilustrado por el archivo fotográfico de Sargent. Un intenso e íntimo retrato de la que algunos consideran como la banda británica más influyente y excitante de la última década. An access-all-areas documentary about The Libertines reunion shows at Reading and Leeds Festivals 2010 from Roger Sargent, photographer, witness and confidante of the band throughout their short and turmoil filled career. Featuring the present day story of the build up, rehearsals, warm-ups and concerts set against painfully honest interviews with each of the band members recounting the group›s history and illustrated by Sargent›s unparalleled archive of classic Libertines photographs. An intense and intimate portrayal of arguably Britain›s most exciting and influential band of the last decade.

THE LIBERTINES: THERE ARE NO INNOCENT BYSTANDERS THE LIBERTINES: NO HAY TESTIGOS INOCENTES
Reino Unido | 2011 | Inglés | Color | 86’

Director: Roger Sargent Director de fotografía: Roger Sargent Música: The Libertines Productores: David Standen, Jamie Clark, Thomas Benski Compañía de producción: Pulse FIlms

Contacto | Contact David Standen david@deucelimited.com

Roger Sargent (Londres, 1970). Después de graduarse del reconocido curso de fotografía documental impartido por David Hurn en el Newport College, Roger se unió al NME (New Musical Express), donde trabajó durante una década. Ha colaborado con las revistas Rolling Stone, Mojo, Daily Telegraph y The Guardian, entre otras. Dos de sus principales exposiciones, The Libertines: Chicos de la banda y Futuras leyendas, le valieron la aclamación del público y de la crítica y fue nombrado “el fotógrafo musical más importante del Reino Unido”. Roger Sargent (London, 1970). After graduating from David Hurn’s renowned documentary photography course at Newport College, Roger joined the NME, where he stayed for over a decade. Having worked for Rolling Stone, Mojo, Daily Telegraph and The Guardian amongst others, he won critical and popular acclaim for two major exhibitions, The Libertines - Boys In The Band and Future Legends, and has been called “the UK’s most important music photographer.”

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Entre 1965 y 1972 Brasil vivió la “Era de los festivales”. Los principales estudios de televisión organizaban competencia musicales donde los jóvenes artistas competían para ganar popularidad frente a un público en vivo, que aplaudía o abucheaba como en un partido de futbol. Una noche en el 67 es una invitación a revivir un festival en particular que transformó la música brasilera y marcó la explosión del movimiento musical Tropicalismo, la noche en que Caetano Veloso y Gilberto Gil se convirtieron en ídolos. Brazil, 1965 to 1972 was the “Era of Festivals” – competitive music events organized by the major TV studios where up-and-coming musicians performed to gain popularity in front of live audiences who avidly cheered or booed as if at a final soccer game. A Night in 67 is an invitation to relive one particular festival that changed Brazilian music and marked the explosion of the Tropicalismo music movement, the night that made idols of Caetano Veloso and Gilberto Gil.

UMA NOITE EM 67 | UNA NOCHE EN EL 67 | A NIGHT IN 67
Brasil | 2010 | Portugués | Color-b&n | 85’

Directores: Director de fotografía: Jacques Cheuiche Edición: Jordana Berg Sonido: Valéria Ferro Productores: João Moreira Salles, Maurício Andrade Ramos Compañía de producción: VideoFilmes, Record Entertainment

Contacto | Contact Maria Bruno mariacarlota@videofilmes.br +55 (21) 30940810

Renato Terra, mercadólogo, actualmente coordina proyectos de internet para la revista Piauí. Ricardo Calil, periodista y crítico de cine, cursó estudios de cine en Nueva York y es editor en jefe de la revista Trip. Ambos se conocieron en 2005, y compartiendo la admiración por la música brasilera, pronto comenzaron a trabajar en el proyecto de este documental. Renato Terra, marketing specialist, currently coordinates Internet projects for the magazine Piauí. Ricardo Calil, journalist and film critic, studied film in New York and is the Editor in Chief of the magazine Trip. The two met each other in 2005, and sharing an admiration for Brazilian music, they soon began to work on this documentary project.

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Mejor Película (Jurado Popular).

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Le Tigre: Who Took the Bomp? sigue a la banda electrónica feminista Le Tigre en su gira internacional 2004-2005 a través de cuatro continentes y diez países. Con el apoyo de una comunidad de devotos seguidores y liderada por la extrovertida Kathleen Hanna (Bikini Kill, The Julie Ruin), pionera del movimiento Riot Grrrl, Le Tigre se enfrenta al sexismo y la homofobia en la industria de la música, mientras estremece el escenario con sus actuaciones de arte poético y letras sin restricciones dentro de la cultura punk-rock en este atrevido y entretenido documental. La cinta nos muestra presentaciones en vivo nunca antes vistas, entrevistas de archivo e imágenes detrás del escenario con estas artistas innovadoras. Who Took the Bomp? Le Tigre on Tour follows iconic feminist electronic band Le Tigre on their 2004-2005 international tour across four continents and through ten countries. Supported by a community of devoted fans and led by outspoken Riot Grrrl pioneer Kathleen Hanna (Bikini Kill, The Julie Ruin), Le Tigre confronts sexism and homophobia in the music industry while tearing up the stage via performance art poetics, no-holds-barred lyrics, punk rock ethos, and whip-smart wit in this edgy and entertaining documentary. The film features never before seen live performances, archival interviews, and revealing backstage footage with these trail-blazing artists.

WHO TOOK THE BOMP? LE TIGRE ON TOUR | LE TIGRE: WHO TOOK THE BOMP?
Estados Unidos | 2011 | Inglés | Color | 72’

Director: Kerthy Fix Edición: Sarah Devorkin, Paul Kloss Productores: Le Tigre

Contacto | Contact Oscilloscope Laboratories | Jacob Wolters jacob@oscilloscope.net 511 Canal St. Ste 5E New York, NY 10013 USA

Kerthy Fix. Sus créditos incluyen la co-producción en la serie Volando: Confesiones de una mujer libre, de la directora Jennifer Fox, que se estrenó en IDFA y en Sundance. También co-produjo Hotel Gramercy Park, del aclamado director Douglas Keeve, y ¿Quién se cree que es?, al aire este año en PBS. Además de dirigir y producir Extraños poderes, Kerthy Fix escribió un guion, con Craig Harwood, sobre Christine Jorgensen, célebre mujer transexual. Kerthy Fix. Her credits include co-production in Flying: Confessions of a Free Woman with director Jennifer Fox, which premiered at the IDFA as well as at Sundance. She also co-produced Hotel Gramercy Park with acclaimed filmmaker Douglas Keeve, and Who Does She Think She Is?, airing on PBS this year. Besides directing and producing Strange Powers, she has written a feature script with Craig Harwood, about Christine Jorgensen, the first famous transexual.

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Ambulante agradece el apoyo de SIGE Producciones en el doblaje de las películas de esta sección. Ambulante would like to thank SIGE Producciones for the dubbing on this section films.

PRESENTADO EN COLABORACIÓN CON LA CINETECA NACIONAL

AMBULANTITO

Sección creada como punto de entrada a distintas realidades a través del cine, creando un espacio de encuentro para niños (y no tan niños).

An introduction to different realities through cinema, this section is designed as a place of encounter for the young (and not so young).

AMBULANTITO
Como seres sociales, nos definimos en relación a los otros, por nuestras similitudes y diferencias con la gente a nuestro alrededor. Este proceso de identificación con los otros influye no sólo en cómo los otros nos perciben, sino en cómo nos percibimos a nosotros mismos. Durante la infancia, vivimos las interacciones formativas que modelan nuestro sentido de identidad y establecen nuestro sentido de pertenencia o exclusión del mundo que nos rodea. Este año, en Ambulantito presentamos un programa de ocho cintas que exploran el concepto de la otredad desde distintas perspectivas: talentos individuales, luchas personales, encuentros entre distintas culturas, y la diferencia respecto al mundo animal. As social beings, we are defined in relation to others, by our similarities and differences with the people we encounter. This process of identification with others influences not only how we are seen but how we see ourselves. During childhood, we experience the formative interactions that shape our sense of identity and establish our sense of belonging or exclusion from the world around us. This year in Ambulantito, we present a program of eight films that explore the concept of otherness from different perspectives: individual talents, personal struggles, encounters of diverse cultures, and distinction with the animal world. Meghan Monsour

CUL DE BOUTEILLE | CUATRO OJOS |
Jean-Claude Rozec | Francia | 2010 | Francés | Animación | 9’

Malas noticias: Arnaud debe usar unos enormes e incómodos lentes que no le gustan. Él prefiere vivir en el mundo de la miopía, un mundo lleno de monstruos y unicornios y otras criaturas fantásticas creadas por su imaginación… Bad news: his extreme shortsightedness means that Arnaud must wear large clumsy glasses. He detests the frames and prefers the blurry, protean world of his shortsightedness, a world populated by monsters and unicorns and other fantastic creatures conjured up by his imagination…

EN CALLE | ON THE STREET
Carlos Azcuaga | México | 2011 | Español | Animación | 1’

En este primer episodio de la serie animada En Calle, Aldair, quien vive afuera del metro Barranca del Muerto, nos cuenta un día en su vida y cómo puede encontrar apoyo y amigos incluso en las situaciones más difíciles, y considerarlos familia. On this first episode of the animated series On the Street, Aldair explains to us what his everyday life is like living outside of the Barranca del Muerto subway station, and how you can find friends and support in even the most adverse circumstances, and call them family.

MIGRÓPOLIS
Karolina Villarraga | Colombia-España | 2011 | Español | Animación | 8’

LITTLE BROTHER | HERMANITO
Callum Cooper | Reino Unido | 2011 | Inglés-Lenguaje de señas | Color | 7’

En este corto animado, niños y niñas expatriados cuentan su historia a través sus recuerdos, historias familiares, aventuras pasadas y sus particulares nociones sobre la distancia y el olvido. In this animated short film, expatriated boys and girls tell their story through their memories, family histories, past adventures, and their particular sense of distance and oblivion.

Un adolescente se esconde tras su discapacidad auditiva para escapar de su rutina diaria y de la responsabilidad de cuidar a su hermano menor, quien tiene que usar una silla de ruedas. A teenage boy uses his hearing impairment to escape his daily routine and the responsibility of looking after his wheelchair bound little brother.

BOTTLE | BOTELLA
Kirsten Lepore | Estados Unidos | 2010 | Animación | 5’

CALL ME BREAKSTEIN | ME DICEN BREAKSTEIN
Sameer Al Jaberi | Emiratos Árabes | 2010 | Árabe-Inglés | Color | 3’

Esta animación cuadro por cuadro, realizada en la playa, en la nieve y bajo el agua, ilustra una conversación transoceánica entre dos personajes que se comunican mediante objetos dentro de una botella. Animated on location at a beach, in the snow, and underwater, this stop-motion short details a transoceanic conversation between two characters via objects in a bottle.

Este corto documental sigue a un joven breakdancer de los Emiratos Árabes, quien se pavonea con sus movimientos con los minaretes de las mezquitas musulmanas como telón de fondo. A pesar de su pasión por este baile, no ha perdido sus raíces ni tradiciones. This short documentary follows a young Emirati breakdancer, who struts his moves to the backdrop of traditional Muslim minarets and architecture. Despite his passion for this dance form, he sticks to his roots and traditions.

THE ANIMAL MOVIE | LA PELÍCULA DE ANIMALES
Grant Munro | Canadá | 1966 | Sin diálogos | Animación | 10’

ANNE VLIEGT | ANNE VOLADORA |
Catherine van Campen | Holanda | 2010 | Holandés | Color | 21’

Una animación que ayuda a los niños a explorar cómo y por qué los animales se mueven de cierta forma. An animated cartoon to help children explore why and how animals move as they do.

Anne, una linda niña de 11 años, padece síndrome de Tourette. Esto provoca que su cuerpo haga cosas que no quiere, como empezar a dar vueltas de repente o lamer ciertos objetos. Ana prefiere “volar” por la vida para que no noten sus “tics” ni se rían de ella. Eleven-year-old Anne is a beautiful girl who suffers from Tourette’s syndrome. This makes her body do things she doesn’t want it to do, such as spinning around suddenly or licking everything around her. Anne says she prefers ‘flying’ through life, so no one notices her “ticks” or laughs at her.

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AMBULANTE 3D

Nueva sección que explora las posibilidades de la tecnología y la versatilidad del documental.

A new section that explores the possibilities of technology and the versatility of documentaries.

En La cueva de los sueños olvidados, Werner Herzog goza de acceso total a la cueva de Chauvet y sigue a un grupo de científicos e historiadores mientras investigan uno de los más grandes descubrimientos y logros de la humanidad. Utilizando tecnología 3D, Herzog y su equipo captan la belleza mítica y enigmática de la cueva, la cual tiene pinturas y marcas creadas entre 10 000 y 32 000 años atrás. El significado del arte permanece indescifrable. Quizá indique el comienzo de la historia del arte, el momento en el cual el hombre trascendió, por primera vez, el dominio del cuerpo para dejar una marca en una superficie externa que superaría su existencia y, posiblemente, representaría el acceso al mundo espiritual. Al igual que en el resto de su obra, Herzog logra encontrar un personaje extraordinario que ilumina otro aspecto de nuestra naturaleza: un individuo que destaca por una característica física particular. Este personaje se convierte en el punto de conexión entre nosotros y el hombre paleolítico, mientras el legado artístico de la humanidad yace en la huella de su mano. El pasado y el futuro convergen en el presente mientras Herzog acerca nuestros sueños a los sueños colectivos de la humanidad a lo largo de miles de años. La película es testigo de la experiencia compartida que constituye el núcleo de la existencia humana, y probablemente también es lo más cerca que llegaremos a ésta, por lo menos en un estado consciente.

CAVE OF FORGOTTEN DREAMS | LA CUEVA DE LOS SUEÑOS OLVIDADOS
Estados Unidos | 2010 | Inglés | Color | 3D | 90’

Director: Werner Herzog Director de fotografía: Peter Zeitlinger Edición: Joe Bini, Maya Hawke Guion: Werner Herzog Sonido: Eric Spitzer Música: Ernst Reijseger Productores: Erik Nelson, Adrienne Ciuffo Compañía de producción: Creative Differences Co-producción: Arte France

Contacto | Contact VISIT FILMS | Ryan Kampe info@visitfilms.com 89 5th Ave. Suite 806 New York 10003 USA +1 (718 ) 3128210 www.visitfilms.com

In Cave of Forgotten Dreams, Werner Herzog gains unprecedented access to the Chauvet cave, following a group of scientists and historians in their research of one of mankind’s greatest discoveries and achievements. With 3D equipment, Herzog and his crew capture the enigmatic and mythical beauty of the cave surfaces, which bear markings and paintings created between 10,000 and 32,000 years ago. The significance of the artwork remains unfathomable. It may well indicate the beginning of the history of art, the moment when man transcended, for the first time, the realm of the body to leave a mark on an external surface that would supersede his existence, and potentially, create a gateway into the spiritual world. As in the rest of his films, Herzog manages to find an extraordinary character that elucidates another aspect of our nature – an individual singled out in the cave for a particular physiological trait. He becomes a striking point of connection between us and Paleolithic man, as the entire artistic legacy of humanity seems to rest on a particular imprint of his hand. Past and future collide in the present, as Herzog brings our own dreams closer to the collective dreams of mankind across thousands of years. The film is a testament to the shared experience that lies at the core of human existence. Perhaps, it is also the closest we will ever get to it – at least in a wakeful state.

Elena Fortes

Werner Herzog (Alemania, 1942) ha dirigido más de 50 películas desde su primera producción en 1962. Su primer largometraje, Señales de vida, ganó el Premio de Cine Alemán en 1968. Herzog es considerado uno de los fundadores y representantes más reconocidos del denominado Nuevo cine alemán. Su obra como director abarca cortometrajes, largometrajes y diversos documentales; también es guionista y director de ópera. Fue presidente del jurado de la 60ª Edición del Festival Internacional de Cine de Berlín en 2010. Werner Herzog (Germany, 1942) has directed more than 50 features since his first production in 1962. His first feature film, Signs of Life, was awarded the Silver Bear Extraordinary Prize of the Jury in 1968. Herzog is one of the founders and greatest figures of the New German Cinema. His work as director includes short films, feature films and documentaries; he is also a screenwriter and opera director. He was the President of the Jury at the 60th Berlin International Film Festival in 2010.

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PINA
Alemania-Francia | 2011 | Varios | Color-b&n | 3D | 103’

Wim Wenders y Pina Bausch, dos sobresalientes figuras alemanas de la postguerra, emprendieron este proyecto artístico interdisciplinario con la idea de capturar la obra de Bausch y redimensionarla en 3D. Dos días antes de empezar el rodaje Pina muere y el filme, estancado en un principio e impulsado por familiares y compañeros posteriormente, se convierte en un homenaje a manos —o deberíamos decir cuerpos— de sus colegas del Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. La esencia visceral, nostálgica y libre del arte de Pina es capturada a través de movimientos y gestos —más que de palabras— que usan en algunos casos a la ciudad como escenario, mientras la cámara se vuelve, con mucha destreza y naturalidad, un miembro más de la compañía. La versatilidad del lenguaje corporal del trabajo de Pina, los sonidos, los movimientos lentos y las reiteraciones ritualísticas hurgan en la crítica social y la introspección emocional planteándonos las paradojas propias de nuestros tiempos. En especial, piezas como Café Müller y Consagración de la primavera, con música de Henry Purcell e Igor Stravinsky respectivamente, brillan por su expresividad e intensidad y reflejan la increíble confianza y articulación de una compañía con 40 años de trabajo colectivo. El documental refleja la ausencia de Bausch y al mismo tiempo muestra el potente legado que dejó al expandir el horizonte de la danza contemporánea mediante la inclusión de culturas, disciplinas y estilos diferentes. Más allá de establecer la importancia de su figura y presentar el trabajo de la compañía, Pina es una reflexión sobre el arte y la expresión humana en su sentido más profundo y existencial, inspirada en y dedicada a Pina Bausch. El resultado es un deleite cinematográfico y un tributo nostálgico a la fuerza revolucionadora de Bausch, por parte de uno de los cineastas más importantes de nuestros tiempos. Wim Wenders and Pina Bausch, two German icons from the post-war period, undertook this artistic and interdisciplinary collaboration with the hopes of seizing Pina Bausch’s art and transforming it into a 3D experience. Two days before the film shoot began, Pina passed away. Stunted by the unexpected and tragic passing of its protagonist, the film project was fortunately recovered and supported by Pina’s family members and colleagues. In the hands —or bodies rather— of her fellow performers at the Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, it became a beautiful and imaginative homage. The film captures the visceral energy, nostalgic and free spirit of Pina’s art through movement and gesture, more than through words. It often uses the city as its stage; the camera moves deftly and unfettered, as if it were just another member of the dance company.
Contacto | Contact HanWay Films | Thorsten Schumacher info@hanwayfilms.com Leslie Vuchot lv@thefestivalagency.com

Director: Wim Wenders Directores de fotografía: Edición: Toni Froschhammer Guion: Wim Wenders Sonido: André Rigaut Música: Thom Hanreich Productores: Wim Wenders, Gian-Piero Ringel Compañía de producción: Eurowide Film Production, Neue Road Movies, Zweites Deutsches Fernsehen, ZDFtheaterkanal

Wim Wenders (Alemania, 1945) dejó sus estudios de medicina y filosofía para convertirse en pintor, pero en París descubrió el cine. Estudió en la escuela de cine de Múnich (1967-1970) y comenzó a dirigir y producir sus propias películas. Ha recibido numerosos reconocimientos internacionales, incluyendo el León de Oro, la Palma de Oro, el Premio Europeo de Cine y el Oso de Plata. Es considerado uno de los directores más importantes del cine mundial y uno de los principales representantes del Nuevo cine alemán. Wim Wenders (Germany, 1945) abandoned studies in Medicine and Philosophy to become a painter, but in Paris he discovered cinema instead. He attended film school in Munich (1967-1970) and then started to direct and produce his own films. He has received numerous international awards, including the Golden Lion, the Golden Palm, the European Film Award and the Silver Bear. He is considered one of the most important directors in world cinema and one of the greatest figures of the New German Cinema.

In Pina’s work, the versatility of body language, the sounds, slow movements, and ritualistic repetitions prompt a social critique and invite emotional introspection, laying out the paradoxes of our time. Pieces like Cafe Müller and The Rite of Spring, which feature the music of Henry Purcell and Igor Stravinsky respectively, stand out in particular for their intensity and scope, and attest to the astounding determination and expressive range of a company that has been working together for over forty years. The documentary registers the absence of Bausch but also portrays the powerful legacy she left behind as she expanded the horizon of contemporary dance through the inclusion of other cultures, disciplines and styles. But beyond being a portrait of a great artist and an exquisite document of the work of the company, Pina is also a thoughtful meditation on art and human expression in its most profound and existential sense, inspired in, and dedicated to, Pina Bausch. The result is a superb cinematic experience and a moving and nostalgic tribute to Bausch’s revolutionary force, from the hands of one of contemporary cinema’s most important filmmakers. Ricardo Giraldo
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Cine de Reykjavic.

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ENFOQUE

Utopías, el impulso de las ideas Utopias, the impulse of ideas
Espacio designado para explorar un tema específico, elegido con base en su actualidad, relevancia y en el creciente interés que genera en nuestro entorno. This section is designed to explore a specific theme, choosen on the basis of its currency, relevance, and on the interest it generates in our contemporary context.

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UTOPÍAS, EL IMPULSO DE LAS IDEAS UTOPIAS, THE IMPULSE OF IDEAS

EDUARDO THOMAS Y ANTONIO ZIRIÓN

ENFOQUE concentra y amplifica la idea central que orienta la programación de la presente edición de Ambulante: el pensamiento utópico y su potencial de transformación. Queremos hablar de la imaginación y los imaginarios utópicos; más que pensar en las utopías como un resultado concreto o como un fin inalcanzable, nos parece importante abordar los proyectos utópicos, referirnos a aquellos procesos de creación, representación, investigación, transformación o movilización, que se sustentan en ideas utópicas. Nos interesa enfocarnos en las utopías concebidas a partir del esfuerzo humano, es decir, nos alejamos de las dimensiones religiosas y los lugares sobrenaturales para explorar las utopías socialmente posibles, utopías estrechamente ligadas a la creación humana. En la selección de películas que integran esta sección rescatamos algunas joyas cinematográficas de otros tiempos y otras culturas, que proyectan visiones eutópicas y distópicas tanto de México y Latinoamérica, como de otros horizontes igualmente relevantes para nuestra reflexión. Revisamos el auge, los puntos de inflexión y las crisis de algunos movimientos sociales contemporáneos, así como los valores e ideales que los sustentan; observamos los procesos de imaginación y transformación del mundo a través del cine documental. A partir de esta selección proponemos entender a las utopías como el reflejo de una sociedad en un momento histórico determinado, como los repertorios de imágenes acerca de otros mundos posibles, mejores o peores, que nos obligan a reflexionar sobre nuestras distintas realidades y los posibles caminos por recorrer. El pensamiento utópico hace posible la ubicación de una sociedad en la historia, nos permite hacer una lectura del presente a luz del pasado y sienta las bases para mirar al futuro; con esta muestra esperamos contribuir a un diálogo crítico en torno a los tiempos que nos toca vivir.

ENFOQUE focuses and amplifies the central idea that orients Ambulante’s current edition: utopian thought and its transformative potential. We want to discuss utopian imagination and the utopian imaginary. Rather than conceiving of utopia as a concrete result or as an unattainable end, we believe it is important to analyze utopian projects — to address the processes of creation, representation, investigation, transformation, and mobilization that drive utopian ideas. In this case, we are interested in focusing on utopias derived from human effort; in other words, we set aside the religious dimension and the notion of supernatural place to explore the socially possible utopias — utopias closely linked to human invention. Among the selection of films that comprise this section, we rescued a few film gems from other times and cultures, which project eutopic and dystopic visions of Mexico and Latin America, as well as of other equally relevant horizons of thought. We examine the apex, the points of inflection and crisis of certain contemporary social movements, along with the values and ideas that nurture them. We observe through documentary cinema, the ways in which the world is imagined and transformed. In this selection, we propose understanding utopias as the reflex of a society in a given historical moment, as the repertories of other possible worlds —better or worse— that force us to reflect upon our diverse realities and potential futures. Utopian thought situates society in history. It allows us to read the present in light of the past and directs our gaze towards the future. With this showcase, we hope to contribute to a critical discourse about the times we live in.

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Cinta por años olvidada, Araya fue concebida como parte de una trilogía venezolana nunca realizada. Medio siglo después, este trabajo restaurado por Milestone Films —que apuesta por preservar joyas cinematográficas—, rescata una ágil puesta en escena que revisita, en un ciclo de 24 horas, la vida y trabajo de hombres y mujeres que recogen la sal manualmente en las salinas de la península de Araya desde el siglo XVII. Margot Benacerraf describe la ronda de sal, mar, arena y sol, a través de un elaborado tejido audiovisual que ahonda en la cotidianidad, la dignidad y las duras condiciones de vida de tres familias que viven de la sal y la pesca principalmente. Araya no es un documental convencional, fue concebido como un poema sinfónico: una composición en la cual la cámara, el sonido, la música y el lenguaje se combinaran para crear la exploración de un lugar desolado y su población. Benacerraf ha dicho que existe una narrativa cinematográfica basada en un guion más que en acciones espontáneas, sin embargo, hay que señalar que el uso de estrategias documentales aporta un ritmo fluido y natural que diluye las fronteras entre géneros. La belleza poética del montaje y el fino registro en blanco y negro la colocan como un referente obligado del cine de nuestro continente, que rememora por un lado, al cine indigenista y por otro, al México capturado por Eisenstein. Además, es un testimonio del encuentro del llamado progreso con las culturas tradicionales. Esta cinta obtuvo el premio de la crítica en el Festival de Cannes en 1959 ex aequo con Hiroshima Mon Amour de Alain Resnais. A film forgotten for many years, Araya was conceived as part of a Venezuelan trilogy that was never completed. Half a century later, this film, recently restored by Milestone Films —a distribution company devoted to preserving film gems— boasts a lively mise en scène which revisits, in a period of 24 hours, the life of men and women who have worked in the salt mines of the Araya peninsula since the 17th century. Margot Benacerraf describes the cycle of salt, sea, sand and sun through a richly textured visual discourse that examines the daily life, dignity and hardships of three families who live off of salt and fishing. Araya is not a conventional documentary —it was conceived as a symphonic poem: a composition which blends camerawork, sound, music and language to explore a barren place and the people that live there. Benacerraf has said that the film narrative is based on a screenplay rather than derived from spontaneous actions. However, it is important to note that the use of documentary strategies in the film impresses it with a fluid and natural rhythm that dissolves the boundaries between the genres. The poetic beauty of its editing, the fine black and white cinematography make Benacerraf’s work an important reference point for cinema in our continent, recalling, on the one hand, local cinema, and on the other, the Mexico envisioned by Eisenstein. The film also attests to the encounter between so-called progress and traditional cultures. Araya was awarded the critics’ prize (ex aequo), along with Alain Resnais Hiroshima mon amour, at the 1959 Cannes Film Festival.

ARAYA
Venezuela-Francia | 1959 | Español | b&n | 82’

Directora: Margot Benacerraf Director de fotografía: Giuseppe Nisoli Edición: Pierre Jallaud, Francine Grübert, Margot Benacerraf Guion: Margot Benacerraf Música: Guy Bernard Compañía de producción:

Contacto | Contact Milestone Films milefilms@gmail.com +1 (201) 7673117 www.milestonefilms.com

Margot Benacerraf (Venezuela, 1926), aclamada y galardonada cineasta, estudió en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos de Paris. Reverón, su primera película, se estrenó en el Festival de Cine de Berlín en 1953. En 1966 fundó la Cineteca Nacional de Venezuela. En 1991, creó Fundavisual Latina, una fundación dedicada a promover el arte audiovisual latinoamericano en Venezuela. Benacerraf es considerada como una de las principales figuras del cine latinoamericano. Margot Benacerraf (Venezuela, 1926), an acclaimed and award-winning filmmaker, studied at the Institute for Advanced Cinematographic Studies in Paris. Her first film, Reverón, premiered at the 1953 Berlin Film Festival. In 1966, she founded the National Cinematheque of Venezuela. In 1991, she established Fundavisual Latina, a foundation that promotes Latin American cinema in Venezuela. Benacerraf is regarded as a key figure in Latin American Cinema.

Ricardo Giraldo

Festivales | Festivals Festival de Cannes 1959: Premio de la Crítica Internacional, Premio de la Comisión Técnica Superior del Cine Festival Internacional de Cine de Venecia: seleccionada como una de las cinco mejores películas en la historia del cine latinoamericano.

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Este documental está inspirado en las pinturas realistas francesas del siglo XIX de los espigadores que de los recolectores contemporáneos que han perpetuado y redefinido la tradición como una estrategia de supervivencia, una rebelión contra el despilfarro, una forma de creación o simplemente por necesidad. Entre el campo y la ciudad, en tiempos de industrialización y “desarrollo” de las sociedades en abundancia, los espigadores y recolectores urbanos nos abren los ojos ante lo que se considera desperdicio: toneladas de comida abandonada en los campos después de la cosecha, alimentos caducos o de formas y tamaños incompatibles con los estándares del mercado, así como objetos y materiales desechados sin justificación. Varda, considerada una de las pioneras del cine feminista y “abuela” de la Nouvelle vague, se mueve con ingenio, soltura, sencillez y humor para hacer una crítica certera a la opulencia y al mismo tiempo alabar la capacidad humana de adaptación y resistencia. Entabla vínculos cercanos con la gente basados en conversaciones casuales y hace comentarios autorreferenciales con un componente social y realista que ha marcado su trabajo, al combinar la reflexión personal con la denuncia, sin llegar a ser panfletaria. Ella es la espigadora de cosechadores con los cuales logra un diálogo horizontal en el que explican los motivos y razones de una práctica legítima e histórica. Ellos, los cosechadores, le dan un nuevo sentido a algo que a simple vista pareciera marginal y desesperado, nos confrotan con la sociedad moderna de consumo y la irracionalidad del desperdicio. This documentary is inspired by French realist paintings from the XIX century of gleaners who gathered ears of wheat and other grains after the harvest. Agnès Varda travels through France in search of contemporary gleaners who have perpetuated and redefined the tradition as a survival strategy, as a stance against waste, as a creative practice, or simply, as a means to get by. During times of industrialization and “development” in well-off societies, in both the countryside and the city, gleaners and urban collectors open our eyes to what is considered waste: obscene amounts of food abandoned in the fields after harvest, foods past their expiration date or of forms and sizes incompatible with market standards, as well as objects and materials discarded for no good reason. Pioneer feminist filmmaker and “grandmother” of the French New Wave, Varda uses her characteristic
Contacto | Contact Nueva Era Films | Reyna Félix rfelix@nuevaerafilms.com +52 (55) 56817392

LES GLANEURS ET LA GLANEUSE | LOS COSECHADORES Y YO THE GLEANERS AND I
Francia | 2000 | Francés | Color | 82’

Directora: Directores de fotografía: Stephane Krausz, Didier Edición: Sonido: Natalie Vidal, Emmanuel Soland Música: Joanna Bruzdowicz

Agnès Varda (Bélgica, 1928), pionera del cine feminista, es fotógrafa, directora y una de las principales figuras en la historia del cine moderno. Su primer filme, La punta corta (1955), es considerado el precedente de la Nueva ola francesa. Su obra abarca numerosos largometrajes de ficción, documentales y cortometrajes, y ha sido galardonada con diversos premios entre ellos la condecoración de La Legión de Honor y el Premio René Clair de la Academia Francesa. Angès Varda (Belgium, 1928), one of the pioneers of feminist film, is a photographer, director and one of the principal figures in the history of modern cinema. Her first film, The Short Headland (1955), is considered to be a precursor to the New French Wave. Her work includes numerous feature fiction films, documentaries, and short films, which have won various recognitions, among them the Legion of Honor Award and the French Academy’s René Clair Award.

wit, humor, and curiosity to both wage a potent critique on the opulence of our times and to praise the human capacity to adapt and resist. She establishes a close relationship to the people she interviews. Mixing casual conversation and auto-referential aesthetics with the social and realist elements that are a trademark of her work, Agnes combines personal reflection with the denunciation of social issues. She is the gleaner of the gleaners with whom she establishes a horizontal dialogue that sheds light on the motives and reasons behind a legitimate and historical practice. The gleaners, in turn, give new meaning to a practice that, at first glance, might appear marginal and desperate. They confront us with to modern consumerist society and to the irrationality of waste.

Ricardo Giraldo

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Cine: Mejor Película.

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ILHA DAS FLORES | ISLA DE LAS FLORES ISLAND OF FLOWERS
Brasil | 1989 | Portugués | Color | 13’

Director: Jorge Furtado Directores de fotografía: Roberto Henkin, Sérgio Amon Edición: Giba Assis Brasil Guion: Jorge Furtado Música: Geraldo Flach Productores: Monica Schmiedt, Giba Assis Brasil, Nora Goulart Compañía de producción: Casa de Cinema de Porto Alegre
Jorge Furtado (Brasil, 1959) es director y guionista. Sus primeros trabajos fueron en la televisión. Ha dirigido y escrito varios largometrajes, entre ellos Hubo una vez dos veranos (2002), Mi tío ha matado un tipo (2005) y Saneamiento básico - La película (2007), además de cortometrajes premiados en Brasil y en el extranjero, como El día en que Dorival encaró la guardia, Barbosa, Esta no es su vida y El sándwich. Jorge Furtado (Brazil, 1959) is a director and screenwriter. His first works were in television. He has directed and written various feature films, among them Two Summers (2002), My Uncle Killed a Guy (2005) and Basic Sanitation - The Movie (2007). In addition, he has made a number of short films which have won awards in Brazil and abroad, such as The Day Dorival Faced the Guard, Barbosa, This Is Not Your Life and Sandwich.

Este programa dibuja la sombra distópica de lo que se ha considerado la panacea de la condición humana, la “libertad individual” promovida por un mundo de mercado que se mueve gracias a las ruedas del consumo y el progreso a ultranza. ¿De verdad seguimos creyendo que éste es el rumbo a seguir? Y una vez a medio camino, ¿cómo afrontar el recorrido, qué actitud adoptar en medio de este desolado panorama? Por un lado, Jorge Furtado desmenuza de forma cartesiana la lógica de la miseria en su contundente cortometraje Isla de las flores (1989). Le bastan 13 minutos para reducir al absurdo el argumento triunfalista del consumismo. Su irrefutable ecuación, ilustrada a partir del tragicómico recorrido de un tomate, nos remite a una triste conclusión: no es sino el sinsentido lo que da forma a la desigualdad, la desproporción, y la avaricia, pero sobre todo a la indiferencia ante el engaño del progreso. ¿Hasta cuándo permitiremos que esta voraz y cínica lógica mercantil siga rigiendo nuestro proceder? Por otro lado, en Lebenswelt (2010) Elías Brossoise retoma la premisa husserliana del cúmulo de experiencias que constituyen el mundo como es vivido, para formular una visceral fusión de epifanías y cruentas realidades. El filme integra el retrato de una joven náhuatl de luminosa claridad mental que decide dejar su comunidad en la sierra poblana para buscar mejor suerte en el Distrito Federal, junto con las viñetas de un delirante arqueólogo japonés que hurga en los sedimentos de lo que parece haber sido el lago de Texcoco. No obstante, incluso en este áspero trasfondo semidesértico a las afueras de la megalópolis surge la esperanza y nuevas posibilidades de vida se esbozan cuando las personas logran escuchar y establecer un diálogo con sus sueños. Las propuestas fílmicas de Brossoise y Furtado son excelentes ejemplos de un cine latinoamericano que promueve una forma diferente de entendernos en comunidad, miradas frescas y comprometidas que sienten la necesidad de atender los llamados de temas urgentes, tratándolos con la calidad estética y originalidad que ameritan.

Contacto | Contact: Casa de Cinema de Porto Alegre Fabiane Alves fabi@casacinepoa.com.br www.casacinepoa.com.br

LEBENSWELT
México | 2011 | Náhuatl-Español-Japonés | Color | 29’

This program traces the dystopian shadow of what has been considered the panacea of the human condition: “individual liberty,” upheld by a market world fueled by consumerism and the relentless push of progress. Do we still think this is the path to follow? And once we are half-way, how do we face our trajectory, what attitude do we adopt in this desolate panorama? Jorge Furtado shreds misery’s Cartesian logic in his powerful short film Island of Flowers (1989). Thirteen minutes suffice to reduce the triumphalist argument of consumerism to sheer absurdity. Furtado’s irrefutable argument, illustrated by the tragicomic journey of a tomato, leads us to sad conclusion: nonsense is what underpins inequality, disproportionate wealth, and greed, but over all, the indifference in light of the great deception of progress. How long will we let this voracious and cynical market logic continue to direct our way? In Lebenswelt (2010) Elías Brossoise parts from the Husserlian premise that the accumulation of experiences make up the world we live, to formulate a visceral fusion of epiphanies and violent realities. The film combines the portrait of a young, brilliant Náhuatl woman who leaves her community in Puebla’s mountain range to try her luck in Mexico City, and the vignettes of a delirious Japanese archaeologist who excavates the site of what used to be the lake of Texcoco. But even in this rough and arid landscape on the outskirts of the megalopolis, hope emerges and new possibilities of life begin to be traced when people listen and establish a dialogue with their dreams. Brossoise and Furtado’s films are excellent examples of a Latin American cinema that promotes a different way of understanding community: fresh, socially-engaged perspectives that feel the need to tend to urgent themes with the aesthetic quality and originality they deserve. Eduardo Thomas
Festivales | Festivals LEBENSWELT. ILHA DAS FLORES.

Director: Elías Brossoise Director de fotografía: Elías Brossoise Edición: Male Gil Guion: Elías Brossoise Sonido: Andrés Moreno Música: German Romero Productores: Adriana Baschuk Compañía de producción: República

Contacto | Contact Elías Brossoise info@republica.tv oficina A-307 Edificio Buñuel Estudios Churubusco +52 (55) 56873628

Elías Brossoise se considera a sí mismo como un outsider del cine. Trabaja principalmente en no-ficción con estrategias cruzadas entre el arte y la etnografía. Sus temas de investigación se centran en la ópera, la teoría post-colonial, la lengua materna y la violencia de género. Elías Brossoise considers himself to be an outsider filmmaker. He works mainly in non-fiction with strategies that lie between art and ethnography. His research interests are centered on opera, post-colonial theory, mother tongue (first languages) and gender violence.

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Línea roja de José Filipe Costa es a la vez un ensayo sobre el cine a través del cine y una disección meticulosa que corta de manera transversal un momento histórico cuyo impulso utópico motivó cambios trascendentales en Portugal. En particular, revela los secretos detrás del rodaje de una de las películas fundamentales del cine militante europeo: Torre Bela de Thomas Harlan (1977), documental que narra la ocupación llevada a cabo por parte de un grupo de comuneros sobre las tierras y propiedades del ducado de Don Miguel de Bragança. Sin embargo ésta no es la típica película de cine militante donde se nos presentan y explican los hechos como algo que ya ha acontecido. Mientras Costa escudriña este extraño ejemplar, vemos complejizado nuestro entendimiento de lo que puede ser una película documental, y poco a poco nos damos cuenta cómo el cine de no-ficción puede construirse a partir de una estructura dramática. La inmediatez y el acceso logrados en la película de Harlan dotan de una singular continuidad a los hechos, haciendo que su lectura e interpretación adquieran un aire de veracidad que pocos pondrían en tela de juicio. Sin embargo, Costa nos recuerda insistentemente que estamos ante la memoria de los hechos y no ante los hechos en sí; que la memoria misma se reinventa y es fabricada constantemente. Lo que sugiere Línea roja es cómo todo lo que vemos está marcado por la intervención directa de la cámara, y con ello cómo el cine puede forjar un evento histórico. ¿Qué queda entonces de lo “genuino” y qué tanto es un “montaje” en este proceso de acción-militante cinematográfica? Lo que en realidad atestiguamos en Línea roja no es el proceso de documentación de una revolución, sino más bien cómo el cine puede ser una herramienta política que insita a la acción. En este caso, para que la revolución sucediera, era necesaria la presencia de una cámara cinematográfica. Red Line by José Filipe Costa is simultaneously an essay about cinema through cinema, and a meticulous crosssection of a historical moment whose utopian impulse prompted lasting changes in Portugal. It reveals, in particular, the secrets behind the production of one of militant European cinema’s key works: Torre Bela by Thomas Harlan (1988), a documentary depicting the peasant occupation of the Don Miguel de Bragança Dukedom. However, this isn’t the typical militant film, with expository and didactic presentation of past events. While Costa examines this strange case, he encourages us to question our understanding of what a documentary film can be. Little by little we realize how non-fiction cinema can be built upon a dramatic structure. The immediacy and access achieved in Harlan’s film imbue events and facts with a singular continuity, making their interpretation acquire an air of truth that few would dare to question. But Costa insistently reminds us that we are witnessing the memory of the events, and not the events themselves; that memory is in fact continuously reinvented and fabricated. Red Line reveals how everything we see is marked by the direct intervention of the camera, and how cinema manages to forge historical events from this. What then is left of the “genuine”? And in this process of cinematic militant-action, how much of the “genuine” is montage? What we witness in Red Line is not the process of documenting a revolution, but the way in which cinema can be a political tool that incites action. In this case, in order for revolution to happen, the presence of a film camera was necessary. Eduardo Thomas

LINHA VERMELHA | LÍNEA ROJA | RED LINE
Portugal | 2011 | Portugués | Color | 80’

Director: José Filipe Costa Directores de fotografía: Paulo Menezes, Pedro Pinho, João Ribeiro Edición: João Braz Guion: José Filipe Costa Sonido: Olivier Blanc, Ricardo Leal, Miguel Cabral Productores: João Matos, José Filipe Costa

Contacto | Contact José Filipe Costa jose.costa@rca.ac.uk

José Filipe Costa es cineasta y candidato doctoral en el Royal Collage of Art en Londres. Su trabajo incluye el filme Entre Muros, el cual co-dirigió, y los cortometrajes La calle (2008), Placa 23 (2006) y Domingo (2005). Costa es profesor de cine en el Instituto de Artes Visuales y Diseño (IADE) y colabora con UNIDCOM/IADE (Unidad de investigación en diseño y comunicaciones) en Lisboa. Es autor del libro ¡El cine al poder! (2002). José Filipe Costa is a filmmaker and doctoral candidate at the Royal College of Art, London. His films include In Between Walls, which he co-directed, and the short fiction films Outside (2008), Plate 23 (2006) and Sunday (2005). He teaches film at IADE (Visual Arts and Design Institute) and collaborates with UNIDCOM/IADE (Research Unit in Design and Communications), Lisbon. He is the author of the book Power to the cinema! (2002).

Festivales | Festivals da Feira, Portugal.

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Desde una pequeña aldea en Filipinas, 35 años atrás, este filme nos presenta la visión del mundo de Kidlat Tahimik, realizador y personaje a la vez, en aquel entonces un simple chofer de taxi, hoy día cineasta de culto, performancero y artista “holístico” internacional. De inicio, Kidlat actúa como un guía que nos muestra amistosamente sus costumbres y tradiciones. Su curiosidad y fascinación por la cultura norteamericana que ve en la TV lo llevan a dejar su aldea y enfrentarse con un mundo radicalmente diferente al suyo. La película es una crónica en primera persona de sus encuentros y confrontaciones con la vida moderna occidental. Su experiencia transita del asombro inicial al irremediable desencanto de quien eventualmente puede contrastar los mitos con las realidades. Pesadilla perfumada es una reflexión sobre el desarrollo social proveniente de un país subdesarrollado, desde la mirada de un viajero filipino que se va cargando de indignación ante las expresiones de dominación y opresión que encuentra a su paso. El discurso de Kidlat podría parecer un tanto naïve o anacrónico, pero en realidad se trata de una ingeniosa ironía que evidencia la actitud postcolonialista que prevalece frente a los pueblos originarios. Kidlat Tahimik busca despertar al espectador, promueve la conciencia y resistencia ante la experiencia común de explotación e injusticia que sufren las poblaciones indígenas en los países colonizados. Filmada con “tecnología dinosaurio” en 16mm, claramente documental en ciertos momentos pero más cercana al cine de ficción en otros, esta cinta opta a veces por la puesta en escena, utiliza recursos como el flashback, efectos especiales y trucos de animación. Narrada como un cuento infantil o una fábula autobiográfica, construye una aguda crítica social con gran sentido del humor. Reconocida por directores como Herzog y Coppola, Pesadilla perfumada es una joya cinematográfica de otras épocas y otras culturas, que nos obliga a reflexionar sobre nosotros mismos y las encrucijadas que nos definen en la actualidad. From a small Filipino village, 35 years ago, this film presents Kidlat Tahimik’s vision of the world. Both star and director of the film, Kidlat was back then a simple taxi driver; now he is a cult film director, world-known performer and “holistic” artist. From the beginning, Tahimik acts as a guide, inviting us to learn about his customs and traditions. His curiosity and fascination for the American culture he sees on TV lead him to leave his village and confront a world radically different from his. The film is a first-person chronicle about his encounters and clashes with modern Western life. His experience fluctuates, from initial astonishment to inevitable disenchantment as he learns to distinguish myth from reality. Perfumed Nightmare is an incisive reflection on the social transformation endured by a developing country, from the point of view of a Filipino traveler who becomes increasingly indignant at the expressions of domination and oppression that he encounters on his way. Kidlat’s discourse might seem a bit naïve or anachronistic, but in truth, it uses irony cleverly to reveal the postcolonialist attitude that prevails towards native settlers. Kidlat Tahimik seeks to shake the spectator; to raise awareness of, and promote resistance to, the exploitation and injustice that native people suffer in colonized countries. Shot with “dinosaur technology,” on 16mm, and treading both documentary and fiction genres, the film opts for an elaborate mise en scène, employing flashback, special effects and animation. It is narrated as a children’s story or an autobiographical fable and wages a pointed social critique with great sense of humor. Praised by renowned filmmakers, among them Herzog and Coppola, Perfumed Nightmare is a film gem from another time and culture that prompts us to think about ourselves and about the predicaments that define our time. Antonio Zirión
Festivales | Festivals Festival Internacional de Cine de Berlín (1977): Premio de la Crítica Internacional en el Foro del Nuevo Cine.

MABABANGONG BANGUNGOT | PESADILLA PERFUMADA | PERFUMED NIGHTMARE
Filipinas | 1977 | Inglés | Color | 93’

Director: Kidlat Tahimik Directores de fotografía: Hartmut Lerch, Kidlat Tahimik Edición: Kidlat Tahimik Guion: Kidlat Tahimik Música: Original Philippine Traditional Music Productores: Kidlat Tahimik

Contacto | Contact Kidlat Tahimik libhrty@yahoo.com

Kidlat Tahimik, nacido Eric de Guia (Filipinas, 1942), es director de cine, escritor y actor. Su obra se asocia con el movimiento denominado Tercer cine por sus críticas al neocolonialismo. Estudió en la Universidad de Filipinas, donde fue miembro del Consejo Estudiantil. Después obtuvo una maestría en Administración y trabajó como investigador en la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económico. Herzog y Coppola tuvieron un papel esencial en el lanzamiento de Pesadilla perfumada. Kidlat Tahimik, born Eric de Guia (Philippines, 1942), is a movie director, writer and actor whose films are commonly associated with the Third Cinema movement because their critique of neocolonialism. He attended the University of the Philippines, where he was a member of the Student Council. He then earned a Master in Business Administration, and worked as a researcher for the Organization for Economic Cooperation and Development. Herzog and Coppola played a key role in the release of Perfumed Nightmare.

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Una fantasía de ciencia ficción basada en las reflexiones e indignaciones de un extraterrestre que nos narra el éxodo de su agonizante planeta –un mundo remoto, salvaje y azul– y la huida forzada en busca de un mejor lugar, con miras a una posible integración a la vida en nuestro planeta. Herzog nos mantiene en un trance musical y espacial dotado de elementos reales y documentales. Tiene la maestría para recontextualizar y dar un nuevo sentido a imágenes aparentemente incompatibles: grabaciones de la NASA combinadas con deslumbrantes tomas submarinas de la Antártida y otros materiales de archivo sui-géneris. Cantos de La Cerdeña, arias barrocas y la experimentación del músico de cabecera de sus últimos documentales, Ernst Reijseger, al lado del cantante senegalés Mola Sylla, cohesionan estos mundos, entrelazando un discurso ficticio, científico, filosófico, humorístico y apocalíptico. El resultado es una maravillosa odisea visual de una belleza extraña y abstracta, fruto de una prolífica e impecable exploración cinematográfica de varias décadas. El extraterrestre, acaso un alter ego de Herzog, se sitúa en parajes abandonados del futuro y se desenvuelve desenfadadamente entre la ficción y la realidad; despliega y disloca imágenes, tiempo, teorías, fórmulas científicas y matemáticas para darle sentido a este lúcido testimonio inevitablemente premonitor de la salvaje y azul lejanía. A sci-fi fantasy based on the reflections and indignation of an extraterrestrial who narrates the exodus from his agonizing planet –a remote, wild and blue world– and the forced flight in search of a better place, with intentions of a possible integration to life in our planet. Herzog plunges us in a musical and space trance, integrating real and documentary elements. He has the masterful ability to re-contextualize and re-signify seemingly incompatible images: NASA recordings combined with striking underwater footage of Antarctica and other idiosyncratic archive material. Sardinian songs, Baroque arias, and the musical experimentation of his collaborator, Ernst Reijseger, and Senegalese singer Mola Sylla, bring cohesion to these disparate worlds, weaving together a fictional, scientific, philosophical, humorous and apocalyptic discourse. The result is a wonderful visual odyssey of strange and abstract beauty: the product of a prolific and impeccable film exploration spanning several decades. The extraterrestrial, perhaps Herzog’s alter-ego, self-assuredly navigates the abandoned places of the future and the border between fiction and reality; he unfolds and dislodges images, time, theories, scientific and mathematical formulas to give sense to this lucid and inevitably premonitory testimony of the wild blue yonder.

THE WILD BLUE YONDER | MUNDO REMOTO, SALVAJE Y AZUL
Estados Unidos-Reino Unido-Francia | 2005 | Inglés | Color | 81’

Director: Werner Herzog Directores de fotografía: Tanja Koop, Henry Kaiser, Astronautas del STS-34, Klaus Scheurich Edición: Joe Bini Guion: Werner Herzog Sonido: Joe Crabb Música: Ernst Reijseger Productores: Andre Singer, Lucki Stipetic, Christine Le Goff Compañía de producción: Werner Herzog Filmproduktion, West Park Pictures, Tetra Media

Contacto | Contact Werner Herzog Film GmbH worldsales@wernerherzog.com Türkenstrasse 91 80799 Munich Germany +49 (89) 3304 0767

Ricardo Giraldo

Werner Herzog (Alemania, 1942) ha dirigido más de 50 películas desde su primera producción en 1962. Su primer largometraje, Señales de vida, ganó el Premio de Cine Alemán en 1968. Herzog es considerado uno de los fundadores y representantes más reconocidos del denominado Nuevo cine alemán. Su obra como director abarca cortometrajes, largometrajes y diversos documentales; también es guionista y director de ópera. Fue presidente del jurado de la 60ª Edición del Festival Internacional de Cine de Berlín en 2010. Werner Herzog (Germany, 1942) has directed more than 50 features since his first production in 1962. His first feature film, Signs of Life, was awarded the Silver Bear Extraordinary Prize of the Jury in 1968. Herzog is one of the founders and greatest figures of the New German Cinema. His work as director includes short films, feature films and documentaries; he is also a screenwriter and opera director. He was the President of the Jury at the 60th Berlin International Film Festival in 2010.

Festivales | Festivals

Internacional de Cine de Oslo; entre otros.

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ARTHUR OMAR: UNA ANTOLOGÍA

“La cuestión de lo real dentro del cine es la cuestión del cine dentro de lo real”.

“The question of the real within cinema is the question of cinema within the real.”

ARTHUR OMAR: UNA ANTOLOGÍA
En esta ocasión, Ambulante dedica este espacio a la figura de un constante y excéntrico explorador de los límites del lenguaje audiovisual: el cineasta, fotógrafo y artista visual, Arthur Omar. La obra de Omar constituye una de las más sólidas influencias en la cultura audiovisual brasileña. A lo largo de poco más de cuatro décadas, Arthur Omar ha dado forma a una gama de investigaciones en cine y video llenas de humor negro y alucinación, trabajos ricos en ironía histórica y tensiones estéticas que invitan al espectador a replantearse la experiencia de la imagen –fija o en movimiento, silente o emparentada con el sonido–, creando ambientes extáticos y de suspenso que nos adentran en la lógica de un descomunal aluvión de energía y poética basados en el movimiento, la velocidad, y la luz. En la obra de Omar nada es obvio, sin embargo todo está ahí para ser tomado. Sus películas integran un fascinante compendio que va del anti-documental a la experimentación etnográfica, a la búsqueda sonora y la docu-ficción, pasando por reflexiones sobre la moda, el cuerpo y la memoria. Es para nosotros un gran honor poder presentar esta antología de audaces y delirantes trabajos en cine y video, y estamos seguros de que esta, la primera vez en que se muestra el trabajo de Omar en México, marcará el inicio de una próspera relación de mutua influencia.

ARTHUR OMAR: AN ANTOLOGY
In this occasion, Ambulante dedicates this space to a relentless and eccentric explorer of the limits of audiovisual language: the filmmaker, photographer and visual artist, Arthur Omar. Omar’s work has been an important influence in Brazilian audiovisual culture. During the last four decades and counting, Arthur Omar has shaped a range of investigations in film and video, full of dark humor and hallucinatory qualities. His works are rich in historical irony and aesthetic tension; they invite the spectator to question the experience of the image –whether still or moving, silent or synchronized to sound– creating ecstatic and suspenseful atmospheres that plunge us into the logic of a singular flow of energy and poetics based on movement, speed, and light. In Omar’s work, nothing is obvious. However, everything is there for the taking. His films integrate a fascinating compendium, which goes from anti-documentary to experimental ethnography, to sound experiments and docu-fiction, and engages a reflection on fashion, the body and memory. It is a great honor to be able to present this anthology of bold and delirious film and video works and we are sure that this showcase –the first in Mexico– will mark the beginning of a prosperous and productive exchange.

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Arthur Omar (Poços de Caldas, 1948). Dicen los críticos que no hay nada que pueda detener el torrente de imágenes, palabras, sonidos e ideas que confluyen en la obra de Arthur Omar. Polifacético artista brasileño, Omar es cineasta, fotógrafo, músico, poeta y pintor. Sus contribuciones radicales en todos los campos han renovado lenguajes y técnicas. El éxtasis estético y sensorial, la violencia social y la creación de metáforas visuales son una constante en su trabajo, siempre en busca de una nueva iconografía de la realidad brasileña. El MoMA de Nueva York y el Centro Cultural Banco do Brasil le han dedicado retrospectivas, y su obra se ha exhibido en lugares como ARCO (2000 y 2003), la bienal de Valencia (2000) y el Museo de Arte Contemporáneo en Corea (2002), entre otros. Arthur Omar (Poços de Caldas, 1948). Critics claim there is nothing that can stop the torrential flow of images, words, sounds and ideas that converge in the work of Arthur Omar. A multifaceted Brazilian artist, he is a filmmaker, photographer, musician, poet and painter. His radical contributions to all fields have updated artistic languages and techniques. Aesthetic and sensorial ecstasy, social violence, and the creation of visual metaphors are a motif of his work, which is always engaged in the search for a new iconography of Brazilian reality. His work has been featured in prestigious venues, including ARCO (2000 and 2003), the Valencia biennial (2000) and the Museum of Contemporary Art in Korea (2002), and he has been the subject of retrospectives at New York’s MoMA and the Centro Cultural Banco do Brasil.

TRISTE TRÓPICO TRISTES TROPIQUES
1974 | 35 mm | 75’

Triste Trópico, definido como un “documental antropológico ficticio”, propone una crítica, llena de ironía y alucinación, al discurso antropológico sobre el trópico. Su protagonista, un sorprendente médico pequeño burgués, recorre un camino que invertirá el sentido de la búsqueda de Levi-Strauss, tal como la expresó en su libro Triste trópico. Tristes Tropiques, defined as a “fictitious anthropological documentary”, proposes a critical view, full of irony and hallucination, of the anthropological discourse about the tropics. Its main character, a surprising petit bourgeois doctor, embarks on a journey that will invert the sense of Levi-Strauss’ approach, as expressed in his book Tristes Tropiques.

OS CAVALOS DE GOETHE LOS CABALLOS DE GOETHE
2011 | Digibeta | 58’

SONHOS E HISTÓRIAS DE FANTASMAS* SUEÑOS E HISTORIAS DE FANTASMAS
1996 | Betacam | 65’

Un documental experimental con caballos, hombres y la imagen de una guerra encarnada en cuadros que se mueven milimétricamente. Combate entre caballeros detenidos en el tiempo, filmados en Afganistán en 2002. A través de un prisma, la teoría de los colores de Goethe informa sobre la relación entre luz y oscuridad, entre historia y olvido, entre la muerte y la resistencia del instante. An experimental documentary featuring horses, men, and the image of a war captured in frames that move millimetrically; a combat between horses frozen in time, filmed in Afghanistan in 2002. Through this particular prism, Goethe’s theory of color informs the relationship between light and darkness, between history and oblivion, between death and the resistance of the instant.

“Raíces negras y sicoanálisis salvaje”, así describe Arthur Omar esta obra, “experimental, documental y negra hasta los huesos”. Un quilombo (antiguas comunidades de esclavos cimarrones) en el interior del estado de Minas Gerais, lento y conformado por ancianos ligados a la tradición. Una favela funk en Río de Janeiro, rápida, joven y sin ninguna atadura al pasado. Presión comunitaria y éxtasis metafórico en un lenguaje puramente sensorial. “Black roots and savage psychoanalysis. Experimental, documental, black to the bone”, this is how Arthur Omar describes this work. A quilombo in the hinterland of Minas Gerais, slow-paced, inhabited by old men connected to the old tradition. A funky favela in Rio de Janeiro, fast paced, young, no ties to the past. Community pressure and metaphoric ecstasy in a purely sensorial language.
*Este filme recorre toda la Gira de Documentales Ambulante. This film will be screened in all of the ongoing cities of the Ambulante Documentary Film Festival.

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CORTOMETRAJES DE LOS AÑOS 70 Y 80 EN 35 MM

SHORT FILMS IN 35 MM FROM THE 70’S AND 80’S

O SOM, OU TRATADO DE HARMONIA EL SONIDO, O TRATADO DE ARMONÍA
1984 | 35 mm | 16’

O INSPETOR EL INSPECTOR
1987 | 35 mm | 11’

Un filme sobre el deseo de oír. Voces que se cruzan venidas de la infancia, del sueño, del sexo, de la Historia y de la política. Un ensayo visual sobre el universo de los sonidos. A film about the desire of listening. An intermingling of voices from childhood, dreams, History, sex and politics. A visual essay about the universe of sounds.

Métodos, sicología y filosofía del famoso detective Jamil Warwar, el maestro del disfraz. Una especie de Hamlet popular, una estrella solitaria inmersa en el peligroso mundo de la policía de Río de Janeiro. The methods, the psychology and philosophy of the great police inspector Jamil Warwar, the master of disguise. A sort of popular Hamlet, a lone star lost in the very dangerous world of the police of Rio de Janeiro.

TESOURO DA JUVENTUDE TESORO DE LA JUVENTUD
1977 | 35 mm | 14’

RESSURREIÇÃO RESURRECCIÓN
1989 | 35 mm | 6’

Un homenaje a Alberto Cavalcanti a 50 años de su filme En Rade. Una cinta sobre el movimiento de todas las cosas, al estilo de los documentales líricos de la década del 20. An homage to Alberto Cavalcanti and his film En Rade. A film about the movement of everything, done in the style of of the lyrical documentaries of the 20’s.

Pequeño himno de horror a la violencia, con un toque de humor negro. Un montaje de fotografías de archivos policiales y de la prensa de gente torturada y asesinada en las favelas de Río de Janeiro. A small horror hymn to violence with a touch of humor accomplished by a montage of photographs from police archives and newspapers of tortured and murdered victims from the slums of Rio de Janeiro.

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VOCÊS USTEDES
1979 | 35 mm | 16’

DERRAPAGEM NO ÉDEN DESLIZAMIENTO EN EL EDÉN
1997 | Betacam | 14’

Un filme de guerra con efectos luminosos, en el cual la luz es utilizada como arma y el ojo del espectador es el blanco perfecto. Un filme de ironía histórica y tensión ocular. A war film with luminous effects in which light is used as a weapon and the eyes of the eyes of the spectator are the ideal target. This is a film of historical irony and ocular tension.

Algunas instalaciones del artista plástico Cildo Meireles son desmontadas en sus elementos para ser reutilizadas en este video en una creación original. El arte surge como una forma de deslizamiento, un accidente más rápido de lo que nos podemos dar cuenta. Some installations by artist Cildo Meireles are disassembled so that their elements can be reused in the video in an original creation. Art is treated as a kind of skidding, an accident faster tan the possibility of dealing with it.

TRABAJOS EN VIDEO | VIDEO WORKS
O NERVO DE PRATA EL NERVIO DE PLATA
1987 | U-matic | 20’

PÂNICO SUTIL PÁNICO SUTIL
1998 | Betacam | 11’

El inusual y paradójico universo del artista plástico Tunga es visto a través de sus propias esculturas, mezclando emociones arcaicas y un leve sentimiento high-tech. El espectador es atraído hacia un túnel que no tiene principio ni fin, donde escenas insólitas, que involucran gemelas siamesas unidas por el cabello o cobras que se trenzan, tienen lugar. The unusual and paradoxical universe of artist Tunga is seen through his own sculptures, mixing archaic emotions and a light “high-tech” feeling. The spectator is thrown into a tunnel without beginning or end, where extremely unusual scenes, involving Siamese twins tied by the hair and braided snakes, take place.

Arthur Omar teje una trama de relaciones audiovisuales a partir de elementos de performance del artista plástico Cabelo –mujeres que usan panzas falsas de embarazo–, y de la música de Naná Vasconcelos. La cámara crea una atmósfera de belleza, suspenso y éxtasis. Moda es apariencia; arte es desaparición. The author knits a web of audiovisual relationships starting from elements borrowed from performance artist Cabelo –woman wearing false pregnant bellies– and from the music of Naná Vasconcelos. The camera creates an atmosphere of beauty, suspense and ecstasy. Fashion is appearance, art is disappearance.

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PRESENTACIÓN EN VIVO | LECTURE
A LÓGICA DO ÊXTASE LA LÓGICA DEL ÉXTASIS
1998 | Betacam | 17’

PORTAFOLIO EN PROCESO | PORTFOLIO IN PROGRESS
Arthur Omar abre su portafolio y nos habla sobre su práctica artística en relación al cine, el video y la fotografía, así como el impacto que estos medios tienen entre sí dentro de su obra. Artur Omar opens up his portfolio and discusses his artistic practice in relation to film, video and still photography, and the impact they have vis-à-vis within his work.

Este video continúa con las investigaciones sobre la relación entre cuerpo, arte, moda y pensamiento. La textura de tejidos y las tramas visuales forman una superficie única. El cuerpo de mujer se muestra de forma abstracta y extática. The video continues the investigations on the relationship between body and art, fashion and thought. The texture of fabrics and the visual texture become one surface. The female body is shown in an abstract and ecstatic way.

UM OLHAR EM SEGREDO UNA MIRADA EN SECRETO
2009 | MiniDV | 30’

NOTAS DO CÉU E DO INFERNO NOTAS DEL CIELO Y DEL INFIERNO
1998 | Betacam | 26’

El autor presenta algunas ideas sobre la fotografía basadas en su experiencia personal. El ojo, la luz, la cámara, la memoria y el instante se pueden combinar de muchas maneras, sutiles y paradójicas. Un ensayo fílmico, en cada secuencia existe un aspecto diferente de la relación entre sujeto y objeto. La percepción fotográfica como un a experiencia ascensional. The author presents some ideas on photography based on personal experience. The eye, the light, the camera, memory and the instant can combine in multiple, subtle and paradoxical ways; a film essay which reveals, in every sequence, a different aspect of the subjectobject relation; photographic perception as an ascending experience.

Video-diario realizado para la colección Millenium Blues, de las televisoras europeas ZDF/ARTÉ, sobre la llegada del nuevo milenio. Video-diary completed for the collection Millenium Blues, by European channels ZDF/ARTÉ, on the arrival of the new millennium.

EXTRACTOS DE: ANATOMIA DE UMA EXPOSIÇÃO ANATOMÍA DE UNA EXPOSICIÓN
1999 | Betacam | 60’

El autor comenta una a una todas las fotos de la exposición Antropologia da Face Gloriosa, expuesta en CCBB. Cámara informal de Luis Felipe Sá. Improvisación verbal. Edición inexistente. The author comments on every picture that composes Antropologia da Face Gloriosa, shown at CCBB. Informal camera by Luis Felipe Sá. Verbal improvisation. Non-existent editing.

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Actividades y presentaciones especiales Activities and special presentations

IMPERDIBLES

DOCUMENTAL EN VIVO UTOPÍA EN CUATRO MOVIMIENTOS
Utopía en cuatro movimientos es un “documental en vivo” que utiliza la experiencia colectiva del cine para explorar ideas de utopía. El cineasta Sam Green proyecta imágenes y narra en persona mientras el músico Dave Cerf crea la banda sonora. Desde el invento de un lenguaje diseñado para detener la guerra y el conflicto cultural y el optimismo implacable de un estadounidense exiliado en Cuba, hasta el boom económico actual en China y el deseo de otorgar entierros dignos a los restos encontrados en tumbas colectivas, Green y Cerf invitan al público a examinar la historia del impulso utópico y buscar ideas para mejorar la visión del futuro con base en las tendencias más nobles de la humanidad.

DOCUMENTAL ESCÉNICO EL RUMOR DEL INCENDIO
El rumor del incendio es una puesta en escena en la que se reconstruye la vida de Margarita Urías Hermosillo, mujer que participó en una de las guerrillas surgidas en México. Se basa en una investigación que hizo Lagartijas tiradas al sol junto con Juan Leduc, sobre los movimientos armados en México a partir de los años 50, y es la segunda parte del proyecto La Rebeldía, mismo que se compone de tres segmentos: a) El rumor del oleaje, un blog en el que se compartió la investigación realizada por la compañía de teatro sobre los movimientos armados en México durante la segunda mitad del siglo XX; b) El rumor del incendio, documental escénico sobre la vida de Margarita Urías Hermosillo y una exposición de lo publicado en el blog; c) El rumor del momento, un libro compuesto por colaboraciones de 35 personas.

LIVE DOCUMENTARY UTOPIA IN FOUR MOVEMENTS
Utopia in Four Movements is a “live documentary” that uses the collective experience of cinema to explore ideas of utopia. Filmmaker Sam Green cues images and narrates in person while musician Dave Cerf performs the soundtrack. From the establishment of a man-made language designed to end war and cultural conflict and the undying optimism of an American exile in Cuba, to the current economic boom in China and the desire to give the remains in mass graves a dignified burial, Green and Cerf sift through the history of the utopian impulse with audiences and search for insights about the way to build a vision of the future based on humankind’s noblest tendencies.

THEATRICAL DOCUMENTARY THE RUMOR OF THE FIRE
The Rumor of the Fire is a mise en scène which reconstructs the life of Margarita Urías Hermosillo, a woman who participated in one of Mexico’s guerrillas. This piece is based on an investigation by Lagartijas tiradas al sol in conjunction with Juan Leduc, about armed struggle in Mexico from the 1950s to the present, and is the second part of the project Rebellion, which comprises three segments: a)The Rumor of the Waves, a blog that documented the investigation by the theater company on armed struggle in Mexico during the second half of the 20th century; b) The Rumor of the Fire, stage documentary about the life of Margarita Urías Hermosillo, and an exhibit of what was published in the blog; c) The Rumor of the Moment, a book that brings together contributions from 35 individuals.

INSTALACIÓN AUDIOVISUAL ACCIÓN LENTA
Acción lenta es una instalación multi-pantalla filmada en cuatro lugares del mundo: Gunkanjima, una ciudad abandonada construida sobre una roca en el mar en la costa de Nagasaki, Japón; Tuvalu, un país en el medio del Pacífico cuya altura máxima sobre el nivel del mar es de cinco metros; Lanzarote, uno de los climas más secos en la tierra y una mezcla de playas, volcanes extintos y arquitectura curiosa; y Somerset, una posible utopía futura.

AUTOCINEMA
El autocinema se está convirtiendo ya en un clásico de Ambulante. Una vez más en colaboración con Autocinema Kinoki, revivimos esta efímera tradición que conoció su apogeo en los años cincuenta. Los invitamos a participar de esta divertida y trasnochada forma de ir al cine.

AUDIOVISUAL INSTALLATION SLOW ACTION
Slow Action is a multi-screen installation filmed in four sites in the world: Gunkanjima, an abandoned city built on a rock in the sea off the coast of Nagasaki, Japan; Tuvalu, a country in the middle of the Pacific ocean whose maximum altitude reaches 5 meters over seal-level; Lanzarote, possessing one of the driest climates in the world and an eclectic mix of beaches, extinct volcanoes, and curious architecture; and Somerset, a possible future utopia.

AUTOCINEMA
The drive-in cinema is becoming an Ambulante classic. Once again in collaboration with Autocinema Kinoki of the Universidad Iberoamericana, we revive this ephemeral tradition that reached its height in the 1950s. We invite you to participate in this fun and wild way of experiencing the movies.

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EN LÍNEA OCUPA LA RED
Un espíritu de indignación recorre las plazas públicas del mundo incitando a la acción. La idea generalizada es dar un giro radical al estilo de vida que nos ha llevado a la peor crisis global que hayamos conocido. La economía, el medio ambiente, la salud pública, y en general el estado de las cosas parecen haber llegado a un punto de quiebre que nos llama a repensar de qué manera podemos hacer que el cambio que todos buscamos empiece. Es por ello que en Ambulante hemos decidido dedicar un espacio en nuestra nueva plataforma en línea a la documentación y difusión de estos movimientos públicos, con el propósito de hacer eco a las propuestas y servir como punto de encuentro para continuar el diálogo sobre el rumbo que pretendemos seguir. www.ambulante.com.mx

CONCIERTO DOCUMENTAL ANTROPOTRIP: SINFONÍA URBANA EN DIRECTO
Un documental experimental en vivo, un concierto audiovisual que nos lleva por la vida cotidiana en Tijuana, desde tres perspectivas: la ciudad laboral, la ciudad lúdica y la ciudad mediática. Al estilo de las sinfonías urbanas del siglo pasado, integramos la cámara a nuestro cuerpo, circulamos, observamos, abstraemos y dialogamos con trozos de realidad, contradicciones sociales y contrastes culturales, en esta segunda década del siglo XXI, época de crisis pero no desesperanza.

ON-LINE OCUPPY THE WEB
A spirit of indignation occupies public plazas world-wide and calls for immediate action. The general idea of this global movement is to radically alter the mode of life that has led us to one of the worst global crises in history. The economy, the environment, public health, and the general state of things seem to have reached a breaking point; this prompts us to rethink the ways in which we can attain the change are all looking for. At Ambulante we have decided to dedicate a space in our new online platform to documenting and divulging these public movements, with the goal of promoting the different proposals and acting as a meeting point that fosters dialogue about possible courses of action. www.ambulante.com.mx

DOCUMENTARY CONCERT ANTROPOTRIP: LIVE URBAN SYMPHONY
Experimental, live documentary, this is an audiovisual concert that takes us through daily life in Tijuana from three different perspectives: the working city, the playful city, and the media city. Made in the style of urban symphonies of the last century, we integrate the camera into our bodies, circulate, observe, abstract, and exchange different pieces of reality, social contradictions, and cultural contrasts of the second decade of the 21st century – a time of crisis but not of hopelessness.

Presentado en colaboración con el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras. Presented in collaboration with the Mexican Centre for Music and Sonic Art.

TALLER BOTANIQ
Una manera de conservar el arte es reinterpretando y captando su espíritu a través de nuestras experiencias y encuentros. El poder observar el arte más allá de su materialidad, como un artefacto que cuenta la historia de un momento cultural, un viaje único, irrepetible y particular. Botaniq conserva el arte a través de notaciones, síntesis de experiencias con el observador e “interactor” desconocido, como una forma de comunión espiritual, donde la notación de la experiencia artística se convierte en la obra de arte misma. Durante Ambulante 2012, Botaniq ofrecerá un taller especializado para preservar y documentar la experiencia cinematográfica del espectador.

CARPA AMBULANTE EN EL VIVE LATINO 2012
Ambulante vuelve al Vive Latino este año tras el éxito obtenido en la edición pasada. La Carpa Ambulante en el Vive Latino 2011 albergó más de 6000 espectadores, quienes disfrutaron los nueve documentales proyectados durante tres días de intensidad en este festival iberoamericano de cultura musical. En esta ocasión, Ambulante trae nuevamente documentales de la sección Sonidero, presentados por músicos y gente del medio, quienes compartirán experiencias con el público.

WORKSHOP BOTANIQ
A way of preserving art is across our own experiences and interactions, reinterpreting and capturing its spirit. To be able to look at the work of art more than in its materiality, as an artifact that narrates stories of a cultural moment, a unique particular and unrepeatable journey. Botaniq preserves art across notations, synthesis of the experiences of the unknown observer and interactor, as a form of spiritual communion, where the notation of the artistic experience becomes the work of art itself. During Ambulante 2012, Botaniq will carry out a festival-specific workshop attempting to preserve and document the cinematic experience of film viewing. 158

CARPA AMBULANTE AT THE VIVE LATINO FESTIVAL 2012
Ambulante returns to Vive Latino after the success of its last edition. The Carpa Ambulante (Ambulante Tent) at Vive Latino 2011 welcomed more than 6000 spectators who viewed the nine documentaries screened over three intense days at this Iberoamerican cultural and music fest. Once again, Ambulante brings documentaries from its Sonidero section, and invites musicians and industry representatives to present the films and share their experience with audiences.

Presentado con el apoyo del Festival Vive Latino. Presented with the support of the Vive Latino Festival.

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U2: FROM THE SKY DOWN
Estados Unidos | 2011 | 90’

Veinte años después de que Achtung Baby salió a la venta, From The Sky Down recuerda el álbum que marcó un hito en la música y nos muestra entrevistas, historias, y material inédito. El director Davis Guggenheim, ganador del Oscar, regresa a Hansa Studio con los integrantes de U2 para conversar acerca del proceso de realización de este álbum clave en la carrera de la agrupación. Achtung Baby fue, en palabras de Bono, “el sonido de cuatro hombres talando el Joshua Tree”.

U2: FROM THE SKY DOWN
Twenty years after the release of Achtung Baby, From The Sky Down revisits this groundbreaking album with new interviews, stories and previously unseen footage. Academy Award winning director Davis Guggenheim returns to Hansa Studio with the band to discuss the making of the album and this key chapter in their career. Achtung Baby was, in Bono’s words, ‘the sound of four men chopping down The Joshua Tree’.

AMBULANTE REFLEXIONES

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP: UNA “PELÍCULA” DE BANKSY
Estados Unidos-Reino Unido | 2009 | 87’ | Color

Brutal y revelador relato de lo que pasa cuando la fama, el dinero y el vandalismo confluyen. Exit Through the Gift Shop revela la historia secreta del arte callejero y la obsesión de un cineasta amateur por grabar y descubrir a los más destacados artistas del graffiti, especialmente al artista mundialmente conocido Banksy.

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP
Brutal and revealing story of what happens when fame, money and vandalism intersect. Exit Through the Gift Shop tells the secret story of street art and an amateur filmmaker’s obsession with recording and discovering the most famous graffiti artists, especially the artist known as Banksy.

PEQUEÑAS VOCES
Colombia | 75’ | Animación

Pequeñas voces es una película basada en entrevistas y dibujos de una generación de niños desplazados, que crecieron en medio de la violencia y el caos en Colombia. A través de sus testimonios, los cuatro protagonistas nos revelan cómo perciben su realidad.

SMALL VOICES
Small Voices is a film based on interviews and drawings by displaced children who grew up in the midst of violence and chaos in Colombia. Through eyewitness accounts, the four protagonists reveal how they perceive their reality.

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ARNULFO TREVIÑO GARZA

PULSOS

CUATES DE AUSTRALIA DROUGHT
México | 2011 | Español | Color | 90’

ENFOQUE

LES GLANEURS ET LA GLANEUSE LOS COSECHADORES Y YO THE GLEANERS AND I
Brindando un Mejor Futuro es la filosofía en la que se basan todas las acciones de Cuauhtémoc Moctezuma y en la forma en que nos relacionamos con el entorno. Esta filosofía tiene como objetivo generar un impacto positivo y sustentable en las comunidades mediante la creación de valor económico, social y medioambiental. Nuestra meta es ofrecer las herramientas necesarias para promover un cambio de mentalidad y actitud, que permita a la sociedad mexicana construir su futuro a partir de sus capacidades, aprovechando al máximo sus oportunidades. Mediante el apoyo a las mesas de discusión Ambulante Reflexiones en el marco de la Gira de Documentales, Cuauhtémoc Moctezuma busca la generación de un cuestionamiento crítico y constructivo de la sociedad en temas relevantes como el medio ambiente, la educación, el deporte, el arte, la cultura y el empleo. Los documentales contemplados para estos espacios de discusión son:

A

Francia | 2000 | Francés | Color | 82’

DICTATOR’S CUT

URBANIZED URBANIZADO

Estados Unidos-Reino Unido | 2011 | Inglés | Color | 85’

Offering a Better Future is the philosophy that inspire the work and acctions of Cuauhtémoc Moctezuma and the way in which we relate to our social context. This philosophy has as its main objective: generating a positive and sustainable impact on communities through the creation of economic, social, and environmental values. Our goal is to offer the necessary tools to promote a shift in attitude and mentality that will allow Mexican society to build a better future, based on its capacities, and taking full advantage of its opportunities. By supporting the round tables and critical forums that comprise Ambulante Reflexiones, at the Ambulante Documentary Film Festival, Cuauhtémoc Moctezuma hopes to prompt a critical and constructive analysis of society, focused on relevant themes such as the environment, education, sports, art, culture and employment. Documentaries contemplated for this critical forums are:

DICTATOR’S CUT

LOVEMEATENDER
Manu Coeman

ÁMAME ENCARNECIDAMENTE
Bélgica | 2011 | Portugués-Inglés-Francés | Color | 63’

EL SISTEMA
Alemania | 2009 | Español | Color | 100’

“El Sistema”, revolucionario método de educación musical en Venezuela, ofrece alegría y esperanza a miles de niños que viven en la pobreza. Esta cinta nos muestra cómo una orquesta sinfónica puede ser un modelo para un futuro mejor. “The System,” Venezuela’s unique system of music education, offers hope and joy to thousands of children living in the country’s poorest neighborhoods. The film reveals how a symphony orchestra can be a model for a better future.

Ambulante Reflexiones es presentado por Cuauhtémoc Moctezuma. Ambulante Reflexiones is presented by Cuauhtémoc Moctezuma.

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AMBULANTE MÁS ALLÁ
DESARROLLO DE CAPACIDADES PARA LA REALIZACIÓN DOCUMENTAL
El área de formación de AMBULANTE tiene como objetivo capacitar a nuevos realizadores provenientes de diversos rincones de América Latina, quienes cuentan con acceso limitado a las herramientas necesarias para compartir sus historias con un público más amplio. Por medio de talleres modulares, que se ajustan a las necesidades específicas de cada grupo con el que se trabaja, Ambulante Más Allá fomenta la realización cinematográfica independiente para lograr que estas historias sean contadas desde una perspectiva cultural y estética única, que no surja de la imposición de parámetros cinematográficos convencionales. Actualmente, Ambulante Más Allá realiza talleres de capacitación en Yucatán, Campeche, Chiapas y Guatemala.

AMBULANTE BEYOND
CAPACITY BUILDING IN DOCUMENTARY FILMMAKING
This recent initiative launched by AMBULANTE aims to train new filmmakers from all over Latin America that have limited access to the necessary tools that would allow their stories to find new and widespread avenues of expression. Through modular workshops designed to meet the specific needs of the selected participants, Ambulante Beyond fosters independent production and alternative forms of aesthetic expression so that these stories can be told from a unique cultural perspective — one that is not constrained by the imposition of traditional storytelling models. Currently, Ambulante Beyond implements training workshops in Yucatán, Campeche, Chiapas and Guatemala.

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AMBULANTE INTERNACIONAL
Presentado en colaboración con El Faro y 01TV Presented in collaboration with El Faro and 01TV

AMBULANTE INTERNATIONAL
AMBULANTE IN SAN SALVADOR: CENTRAL AMERICAN JOURNALISM FORUM 2011
The Central American Journalism Forum, takes place every year since 2010, in San Salvador, El Salvador, and brings together journalists from the region, citizens, specialists, and government employees. It is designed and produced by the digital newspaper El Faro, and offers a versatile program which includes journalism training, specialized discussions, an array of artistic expressions, and a series of activities focused on promoting discussion and encouraging debate and freedom of expression in order to strengthen democracy. The Ambulante Documentary Film Festival became part of this forum in 2011, contributing with an exceptional program of its documentary film section that engages with the themes addressed during the Forum. Ambulante’s participation is coproduced by El Faro and 01TV, supported by Cinépolis El Salvador, and the Spanish Cultural Center. In 2011, 26 documentaries were screened twice in four continents. The showcase was inaugurated at the Teatro Nacional with the national premiere of The Open Sky, Everardo González’s documentary on Monsignor Oscar Romero. González also offered a special workshop for documentary filmmakers in the region. El Faro El Faro is the first Latin American digital newspaper. It was founded in 1998 and during its thirteen years of existence, has offered impressive and award-winning coverage of Central America. Its founder, Carlos Dada, received the Maria Moors-Cabot 2011 Prize for the project and also obtained the IPYS 2011 Award for investigative reporting. This year, the Ortega y Gasset Prize for digital journalism went to Carlos Martínez, another of the journal’s founders.

AMBULANTE EN SAN SALVADOR: FORO CENTROAMERICANO DE PERIODISMO 2011
El Foro Centroamericano de Periodismo es un espacio que se abre cada año desde 2010 en San Salvador, El Salvador, para el encuentro entre los periodistas de la región, los ciudadanos, especialistas y funcionarios. El Foro es diseñado y producido por el Periódico Digital El Faro, y se desarrolla en un programa versátil que abarca formación periodística, debates especializados, expresiones artísticas y una serie de actividades enfocadas en promover la reflexión colectiva y contribuir al fortalecimiento de la democracia mediante la cultura de la palabra y la libre expresión. Desde la edición de 2011, el Festival Ambulante es parte fundamental de esta jornada, aportando una exquisita muestra de su sección de cine documental que dialoga con las temáticas abordadas durante el foro. La participación de Ambulante es coproducida por El Faro y 01TV, con el apoyo de Cinépolis El Salvador y el Centro Cultural de España. En 2011 se exhibieron un total de 26 documentales de cuatro continentes, con dos pases cada uno. La muestra fue inaugurada en el Teatro Nacional con El cielo abierto, el documental de Everardo González sobre Monseñor Oscar Romero, siendo este pase el estreno nacional del documental. González también impartió un taller especializado a los documentalistas de la región. El Faro El Faro es el primer periódico digital latinoamericano fundado en mayo de 1998. Durante 13 años de existencia ha ofrecido una cobertura periodística centroamericana que ha sido ampliamente reconocida por diversas instituciones y organismos, tal es el caso del Premio Maria Moors-Cabot 2011 para Carlos Dada, su fundador, quien también recibió un Premio IPYS 2011 al periodismo de investigación. Este año, el Premio Ortega y Gasset al periodismo digital fue para Carlos Martínez, uno sus periodistas fundadores.

01TV
01TV is a film promotion and distribution forum for Central American cinema. It was launched in 2009 as a website, but currently also functions as a production company and organizes workshops and festivals related to Central American cinema. In addition, it acts as an official venue for short films from the Festival Centroamericano de Video Joven La240 and the Portal Centroamericano de Cine, Video y Animación. www.cerounotv.com Ambulante El Salvador Coordination Team

01TV
01TV es una plataforma de promoción y difusión del cine centroamericano. Se fundó en 2009 como un sitio web, aunque en la actualidad funciona también como casa productora y como equipo coordinador de talleres y festivales relacionados con el cine en Centroamérica. También funge en la actualidad como medio oficial de publicación de cortometrajes del Festival Centroamericano de Video Joven La240 y del Portal Centroamericano de Cine, Video y Animación. www.cerounotv.com Equipo de Coordinación Ambulante El Salvador

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ARTHUR OMAR ANTE LA CRÍTICA | ARTHUR OMAR: A CRITICAL REVIEW

ARTHUR OMAR O LA FAZ GLORIOSA DE LA CREACIÓN

ARTHUR OMAR, OR THE GLORIOUS FACE OF CREATION

¿Por dónde empezar a comentar la copiosa y multifacética producción del artista brasileño Arthur Omar (Poços de Caldas, 1948)? Cine, video, fotografía, música, poesía, instalación y reflexión teórica se dan cita en un creador que sabe convocar y manipular el impulso simbólico y el lenguaje metafórico bajo un peculiar estilo de observación. Quizá sea esta manera de mirar lo que mejor define su trabajo. El mediometraje Los caballos de Goethe (2011) la ilustra y constituye así una excelente puerta de entrada a su obra. Comienza con una escena en blanco y negro, anunciada por los títulos “Prólogo” y “Kabul, siglo pasado”, y por una secuencia musical oscura y ominosa: un hombre con apariencia militar contiene a una muchedumbre y a fustazos hace que se repliegue. Luego aparecen las patas de unos caballos agitando el polvo y, poco a poco, sus jinetes con turbantes que luchan tumultuosamente. Por unos instantes, la cámara capta un cuerpo que está siendo masacrado por las patas de los caballos y que parece no tener cabeza. La confusión es enorme y los forcejeos de lucha, feroces. No es posible, pero pudiera ser un cuerpo humano. ¿Es una batalla, un juego o una ceremonia? ¿El siglo pasado es el siglo XX o el XIX? De pronto escuchamos pasar un jet y vemos una gradería con hombres. El alto contraste de esa toma y algunos titubeos en la velocidad de la cinta parecen remitir de nuevo al siglo XIX. Sin duda es una escena de la lejana Asia Central, lejana culturalmente, pues no entendemos bien a bien qué está sucediendo. Justo eso nos intriga, cuando pasamos a ver el título de la cinta y los créditos principales: “Los caballos de Goethe/ o La alquimia de la velocidad/ Dirección y fotografía: Arthur Omar/ Edición: Evângelo Gazos.” Aparece luego esta cita: “El extranjero muestra que el enunciado del color/ llevará los sentidos a las fronteras del logos/ donde luz y oscuridad dividen sus reinos/ que se cruzan en la faz del prisma”, acompañada en seguida por el título “Afganistán, 2002”. Ahora la ubicación temporal es clara y la mención de Goethe remite a su Teoría de los colores (1810). Apoyadas en ella, las palabras de Omar parecen decirnos que,

How can we begin commenting on the abundant and multifaceted work of Brazilian artist Arthur Omar (Poços de Caldas, 1948)? Film, video, photography, music, poetry, installations and theoretical reflection converge in an artist who knows how to invoke and manipulate the symbolic and the metaphorical with his own peculiar style of observation. Perhaps it is this way of looking at things that defines his work. The medium-length film Goethe’s Horses (2011) illustrates and offers a window into his work. It begins with a scene in black and white, introduced with the supertitles “Prologue” and “Kabul, last century,” along with an obscure and ominous musical interlude. We see a man who looks like a soldier holding back and beating down a crowd of people. Then we see the legs of horses kicking dust and, slowly, turban-wearing riders fighting viciously. For an instant, the camera captures a horse’s legs trampling a seemingly headless body. The confusion is enormous and the fight struggles are fierce. It seems impossible, but it could be a human body. Is it a battle, a game or a ceremony? Does “last century” mean the 20th or the 19th century? Suddenly, we hear a jet fly by and we see men sitting on bleachers. The high contrasts in this take and the variations in the film speed seem to take us back to the 19th century. No doubt, it is a scene in far away Central Asia. Far away culturally as well, since we are not sure what is going on. That is precisely what intrigues us, when we see the title of the film and the main credits: “Goethe’s Horses/ or The Alchemy of Speed/ Direction and Cinematography: Arthur Omar/ Editing: Evângelo Gazos.” And then this quote: “The foreigner shows that the formulation of color/ will take the senses to the edges of Logos/ where light and darkness divide their kingdoms/ which cross paths on the face of prism,” followed by the supertitle “Afghanistan, 2002.” Now the temporary location is clear, and the mention of Goethe reminds us of his Theory of Colours (1810). Based on this, Omar’s words seem to tell us that, when the foreigner, who can recognize “strangeness,” sees color, it takes his senses to the edges of knowledge.

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cuando la mirada extranjera —aquella que reconoce un extrañamiento— enuncia el color, lleva a los sentidos a las fronteras del conocimiento. Los espectadores de Los caballos de Goethe acabamos de sentir ese extrañamiento en blanco y negro, y continuaremos experimentándolo a colores en las siguientes escenas que incorporarán un manejo peculiar del tiempo. Omar imprime un ralentizado brutal a la acción, que comienza con una mano que cubre un rostro con una pañoleta. Poco a poco vemos que ese rostro forma parte de una multitud. Un narrador enuncia las siguientes tres frases: “El tiempo presente y el tiempo pasado/ están ambos presentes en el tiempo futuro/ y el tiempo futuro contenido en el tiempo pasado”, salpicadas en sus pausas por “manchas” de tropeles de imágenes comprimidas en fracciones de segundos, entre las cuales alcanzamos a percibir escenas a color de un tumulto de jinetes semejante al que apareció en blanco y negro. ¿Flashback o flashforward? ¿Acontecimiento o memoria? Un eco de las últimas palabras enfatiza este ir y venir que expande el tiempo en una especie de eterno presente. Los rostros van modificando milimétricamente su expresión y hacen evidente el fluir de las emociones o de la lectura –equívoca o no– que hacemos de ellas. El discurso musical contribuye a subrayar la “masa” del tiempo con momentos de apoteosis sonoras, dramáticas y grandilocuentes, seguidas de distensiones, disonancias y silencios, poco a poco atacados por ruidos. La voz entonces recita: “Va, va, va, dijo el pájaro/ El género humano no puede soportar tanta realidad.” Aquí Omar abandona la reflexión pura y raya maravillosamente en lo poético. Las caballos regresan en cámara lenta y nos percatamos de que el evento en blanco y negro es el mismo, en tiempo y lugar (un “combate buzkashi”, especie de polo afgano jugado con el cadáver de una cabra), aunque la mirada ahora se orienta hacia otros puntos: los rostros de los caballos y sus patas, sobre las que se realiza una edición digital finísima (nuevo extrañamiento). La cita del fotógrafo Eadweard Muybridge y su experimento del caballo galopando (1872-1873), que demuestra que las cuatro patas del animal están en el aire, es referencia inmediata (como otras más a lo largo de la cinta). La densidad del entramado de reflexión y creación continúa y hace evidente el estallamiento prismático del “registro documental”, en cuestionamientos acerca de la historia, los imaginarios de los medios masivos de comunicación y la experiencia sensorial imantada estéticamente. Esto último reviste una especial importancia, pues señala la peculiar manera que el autor tiene de mirar la realidad, de mirarla poéticamente, es decir, de crear en el simple

The spectators of Goethe’s Horses have just experienced that strangeness in black and white, and we will continue to experience it in color in the subsequent scenes, which will incorporate their own peculiar handling of time. Omar imposes slow motion on the action, which starts with a hand covering a face with a scarf. Slowly we see that the face is part of a multitude. A narrator says these lines: “The present and the past/ both exist in the future/ and the future is contained in the past.” In between words, a jumble of images sprinkles the screen in fractions of seconds, including shots in color of a mob of riders similar to the one we saw in black and white. Flashbacks or flashforwards? Event or memory? Echoes of the last words stress this backward and forward movement, stretching time to a sort of eternal present. Millimeter by millimeter, the faces change their expressions, showing the flow of their emotions, or our interpretations of them, however accurate. The musical score contributes by stressing this “mass” of time with moments of resounding, dramatic and grandiloquent apotheoses, followed by calmer notes, dissonances and silences, gradually pierced by noises. The narrator then says: “Go, go, go, said the bird/ The human race can’t stand so much reality.” Here Omar abandons pure reflection and wonderfully borders into poetry. The horses return in slow motion and we notice that the scene in black and white takes place in the same time and place: during a “buzkashi competition,” a kind of Afghan polo that is played with a goat’s corpse, although our eyes now focus on other areas, such as the heads and legs of the horses, beautifully, digitally edited (another strangeness). The quote from the photographer Eadweard Muybridge and his experiment of the galloping horse (1872-1873), which proved that the four legs of the galloping animal are up in the air, is an immediate reference (as are others references throughout the film). The intense combination of reflection and creation continues, prismatically bursting the “documentary registry,” questioning history, the imaginings of the mass media and the sensorial experience esthetically magnetized. This last point is very important because it reveals the peculiar way in which the author views reality: poetically, meaning, he creates reality merely by viewing it. To transmit this perspective to the audience implies teaching it. It requires a sensitivity to seduce the audience, to convince them to immerse in subjectivity and share it. A simple example of this exercise can be found in the exhibits Anthropology of the Glorious Face I and II (1984 and 1993), two photography collections taken throughout many years during carnival season in Brazil.

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hecho de ver. Transmitir esto al espectador implica una pedagogía, una sensibilidad para seducirlo a ejercer una subjetividad y compartirla. Un ejemplo simple de este ejercicio se encuentra en las exposiciones Antropología de la faz gloriosa I y II (1984 y 1993), colecciones de fotografías tomadas a lo largo de muchos años durante la época del carnaval brasileño. Estas fotos muestran diversos rostros en instantes “gloriosos” que escapan a la memoria, estados fugaces de la gestualidad humana que parecen sumergidos en el orden de lo subliminal. Los rostros que aparecen en Los caballos de Goethe son una cita de este trabajo, proyectada en el movimiento en cámara lenta. Sin embargo, Arthur Omar no cree que esos “instantes gloriosos” sean la realidad, sino que se trata de encuentros en que el artista, siguiendo una metáfora musical, percute el obturador para que el “otro” suene. Estas ideas en torno de la fotografía y la relación sujeto-objeto se encuentran desarrolladas de una manera más compleja en la películaensayo Una mirada en secreto (2009). Ahí hallamos propuestas como las siguientes: “La fotografía no capta la realidad sino que la suelta”; “El fotógrafo no recibe nada; al contrario, a través del obturador se permite un vuelo ciego, un salto en que se expone”; “La fotografía no es cuando yo juego con la luz, sino cuando la luz juega conmigo”; “Soy un artista amador, el que ama y siente dolor [amateur y dolor se dicen amador y dor en portugués]”; “Un profesional corrige un error con un acierto; un amador lo corrige con otro error”; “Un profesional acumula con la experiencia; un amador se dispersa con ella”; “El fotógrafo no es un voyeur sino un exhibicionista; no fotografía escondido sino que interactúa, interfiere y a veces hiere”. Si en las propuestas anteriores Omar cuestiona poéticamente la “historia oficial” de la fotografía y su estructura identitaria, en el cortometraje El sonido, o tratado de armonía (1984) lleva a cabo un ensayo visual sobre la dimensión sonora. El inicio de la cinta muestra la utilización semiótica del discurso musical, pues usa paródicamente una marcha que era rúbrica de los noticieros en los medios masivos. “Las ondas sonoras son energía y yo soy energía”, dice una mujer, y Omar subraya el valor de los tonos y los timbres de la voz con ejemplos. Si la atmósfera de la tierra fuera de helio, gas en el que el sonido viaja cuatro veces más rápido, el tono de tragedia de los diálogos de Edipo Rey sería imposible, pues Edipo hablaría con la voz del Pato Donald. Cuando el guerrillero Carlos Lamarca se ponía nervioso –dice un testimonio grabado a un seguidor

These photographs depict different faces in “glorious” moments we tend to forget, fleeting instants of human gestures that seem to exist subliminally. The faces in Goethe’s Horses quote those photographs, as seen in the slow motion camera work. However, Arthur Omar does not think that those “glorious moments” are reality but, rather, encounters in which the artist, following a musical metaphor, taps the camera shutter so that “the other” can be heard. These ideas on photography and the subject-object relationship are developed in a more complex way in the film-essay A Gaze in Secrecy (2009). Here we find statements such as: “Photography does not capture reality, it releases it;” “The photographer does not receive anything, on the contrary, through the shutter, he allows himself a blind flight, a leap to be exposed;” “Photography does not mean that I am playing with light, but that light is playing with me;” I am an amador artist, who loves and feels pain;1” “A professional corrects a mistake with the right answer, an amador corrects it with another mistake;” “A professional accumulates experience, an amador dissipates with it;” “A photographer is not a voyeur, but an exhibitionist: he does not hide to take pictures – he interacts, interferes and sometimes hurts.” Although in previous projects Omar poetically questioned the “official history” of photography and its identity-based structure, in his short film The Sound, or Treatise on Harmony (1984) he creates a visual essay about sound dimensions. The beginning of the film displays the semiotic use of musical discourse; as in a parody, we hear a jingle typical of mass media news programming. A woman says, “Airwaves are energy and I am energy,” and Omar stresses the value of the tones and the pitch of the voice with examples, such as, if Earth’s atmosphere were made of helium, a gas in which sound travels four times faster, the tragic tone of Oedipus Rex dialogue would be impossible because Oedipus would sound like Donald Duck. When the guerrilla fighter Carlos Lamarca was nervous (according to testimony recorded by Herbert Daniel, one of his followers), he grinded his teeth and his voice sounded metallic. A result of emphasizing these effects is that, in the film, the metaphoric relation between audio and visuals jumps out, and, in the process, negates the supremacy of the visuals. Herbert Daniel continues his tale of surviving in

1 This is a word game in Portuguese between the words “amateur” and “lover” (both amador) and “pain” (dor), i.e. “I’m an amateur/lover artist.” (Translator’s note)

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suyo, Herbert Danie– rechinaba los dientes y su voz se oía muy metálica. Un efecto de estos énfasis es que en la cinta resalta el trenzado metafórico de las series sonora y visual, con lo que se desmiente la primacía de esta última. Herbert Daniel continúa su relato de supervivencia en la selva rodeado de los sonidos de los animales, mientras en la pantalla una cuadrilla de hombres derrumba ruidosamente los muros de un cuarto que tiene el póster de un bosque. Un televisor muestra una escena de una película de carnaval religioso dentro de una iglesia barroca. Una antigua grabadora de carrete toca el himno nacional brasileño mientras una serpiente se arrastra sobre ella: se escucha el discurso de cierre del congreso después del golpe militar de 1964. Una mujer hispanohablante que comenta las idiosincrasias regionales menciona el canto y canta poderosamente y dice, entre risas alegres: “¿Brasil? Oh, es difícil… Brasil tiene mucha energía… Para mí Brasil es como una mezcla de colores que aún no se ha encontrado.” Brasil es una referencia constante en la obra de Arthur Omar. Elementos de su cultura popular y de masas, referencias políticas, hechos históricos y temas relacionados con la antropología y la etnografía (áreas en las que se formó) encuentran un lugar permanente en su producción artística. ¿Cómo analizar su primer largometraje, Triste trópico (1974), sin notar en él la irónica referencia al famoso libro de 1955 de Claude Lévi-Strauss? Mezcla de parodia y homenaje, el título de Omar “singulariza” un trópico que, para LéviStrauss, era múltiple, además de triste. Lévi-Strauss narra sus experiencias en Brasil en los años treinta. Reflexiona sobre la vida de los nhambiquara y bororo, pero también sobre la descontrolada urbanización que se observó en el país. Analiza las relaciones entre el viejo y el nuevo mundo y el sentido de la civilización y el progreso, observando, con ojos de antropólogo, los efectos de la homogeneización social y cultural sobre las múltiples temporalidades que vivenció en Brasil. Arthur Omar crea una forma paródica de ver todo ese proceso. Toma como punto de partida la influencia de la cultura europea (especialmente la francesa) en el Brasil de las décadas de 1920 y 1930 y la materializa en la construcción de un personaje, el médico Arthur Alves Nogueira (1882-1946), alrededor de quien la trama –que no se presenta como trama sino como Historia– se organiza. La parodia se manifiesta también en términos formales. Quizá este sea su principal mérito. Omar recurre al género documental –un campo de problematización en toda su obra– para construir un falso documental o, en su

the jungle surrounded by the sounds of animals while, on screen, a squad of men loudly tears down the walls of a room that has a poster of a forest. A TV plays the scene of a movie about a religious carnival inside a baroque church. An old fashion cassette recorder plays the Brazilian national anthem while a snake slithers on top of it. We can hear the last speech of congress after the military coup of 1964. A woman speaking in Spanish, commenting on the regional idiosyncrasies, mentions singing and sings powerfully, and then says, laughingly, “Brazil? Oh, it’s hard… Brazil has a lot of energy… To me Brazil is like a mix of colors that have yet to be found.” Brazil is a constant reference in the work of Arthur Omar. Elements of popular and mass culture, political references, historical facts and themes related to anthropology and ethnology (fields that he studied) find a permanent place in his artistic production. How can we analyze his first full-length film, Tristes Tropiques (1974), without noticing the ironic reference to the famous 1955 Claude Lévi-Strauss book? Equal parts parody and homage, Omar’s title singles out a tropic that, to Lévi-Strauss, not only represented many tropics, but they were also sad. Lévi-Strauss, describing his experiences in Brazil during the 1930s, reflects on both the lives of the Nambikwara and the Bororo, and the out of control urbanization the country was undergoing. He analyzes the relationship between the old and the new worlds and the sense of civilization and progress, observing, with anthropological eyes, the effects of the social and cultural homogenization through his multiple experiences in Brazil. Arthur Omar finds parody in this process. He takes as a starting point Europe’s cultural influence (especially France’s) in Brazil during the 1920s and 1930s, and he embodies it in a character, Dr. Arthur Alves Nogueira (1882-1946). Although the plot is organized around him, it is not presented as plot but as History. The parody is also manifested more formally. Perhaps this is the film’s main merit. Omar uses the documentary form, a form he questions throughout his work, to create a mockumentary or, in his own words, an “antidocumentary.” His narrative begins with the style of the “Biographies of Illustrious Men” but it gradually builds a strange atmosphere in which the traditional realism of documentaries feeds from the thematic elements that question it. Dr. Arthur goes to Paris to study and becomes involved with vanguard movements, especially surrealism. When he returns to Brazil, instead of settling in a big urban sprawl,

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propia terminología, un “antidocumental”. Su narrativa se inicia al estilo “biografía de los hombres ilustres” y va construyendo una atmósfera de extrañamiento en la que el realismo tradicional de los documentales se nutre de elementos temáticos que lo cuestionan. El doctor Arthur se va a estudiar a París y se involucra en los movimientos de vanguardia, especialmente el surrealismo. Cuando regresa a Brasil, en vez de establecerse en un gran centro urbano, se va a la provincia. Su vida transcurre en lugares imaginarios donde se fusionan los varios ciclos económicos que se desarrollaron en diferentes regiones de Brasil: el ciclo de la caña, del oro, del café, etcétera. En estos lugares se mezclan circunstancias sociales, políticas y culturales relacionadas con distintos momentos históricos. La tradicional oposición “litoral/sertón” –utilizada para explicar el conflicto nacional– también está presente. En la narración de la vida aventurera del doctor Arthur –que se metamorfosea constantemente hasta convertirse en el líder de un fracasado movimiento mesiánico– el orden histórico se trastorna y todo Brasil se materializa en un único “lugar síntesis”. Por ello la película habla de un único trópico, un trópico triste. Omar juega con varios elementos del discurso cinematográfico. La cinta mezcla imágenes a color y en blanco y negro; algunas se aceleran, como si hubieran salido de un aparato antiguo, y se mezclan con viejas películas caseras de la época; el paso de una etapa a otra de la vida del doctor Arthur se anuncia con letreros que cubren toda la pantalla. La voz del narrador, en off, se nutre de las imágenes que presenta y simultáneamente las alimenta ante los ojos del espectador, tiñéndose por momentos de grandilocuencia apologética, ironía mordaz o patetismo casi mudo. Aunque la vida del doctor Arthur sea el hilo conductor de la película, no hay un compromiso rígido con la narratividad. Las imágenes muchas veces se sobreponen y la pista sonora, muy experimental, conduce a un frenético extrañamiento. La ilusión creada por el montaje obliga al espectador a un duro ejercicio de desciframiento de lo que ve. Aunque se puede valorar esta película por su cuestionamiento de las relaciones del cine con la historia y la verdad, y por el señalamiento de la presencia de recursos narrativos y ficcionales en la práctica del documental, no se puede negar que Triste trópico también es importante porque forma parte de una cinematografía representativa de la década de 1970 en Brasil. Se vivía el auge del terror y la represión en los años de plomo que la dictadura militar había instaurado con el golpe de Estado de 1964. Sin garantías

he moves to a rural town. He lives his life in imaginary places where the different economic cycles developing in different areas of Brazil are fused: the cycles of sugar cane, gold, coffee, etc. In these places, social, political and cultural circumstances are mixed with different historical moments. The traditional opposition “coast/sertão,” which he uses to explain the national conflict, is also present. In the narrative of the adventurous life of Dr. Arthur, who morphs constantly until he turns into the leader of a messianic movement, the historic order is transformed and Brazil in its entirety becomes a single distilled place. That is why the film refers to a single tropic, a sad tropic. Omar plays with various elements of cinematographic language. The film mixes black and white and color images. Some images fast forward, as if coming out of an old projector, and are spliced with old movies from that time. The transitions between the phases of Dr. Arthur are announced with screen titles that cover the entire screen. The off-screen narrator’s voice feeds from the images he is presenting and, at the same time, he offers them to the audience, sounding at moments grandiloquently apologetic, bitingly ironic or speaking with an almost mute poignancy. Although Dr. Arthur’s life is what glues the film together, there is not a strong commitment to his narrative. Images are often superimposed and the highly experimental musical score leads us to a frenetic strangeness. The illusion of the montage forces us to try to decipher what we are watching. Although we can value this film for questioning the relations between film, history and truth, and for including narrative and fictional elements in a documentary, there is no denying that Tristes Tropiques is also important because it is representative of Brazilian cinema during the 1970s. Brazil was at a peak of terror and repression unleashed during the hard years of military dictatorship, beginning with a military coup in 1964. Brazilians had no individual rights, censorship was rampant and political parties and leftist movements were driven underground. Brazilians lived under the rule of General Garrastazú Médici, who enjoyed having his picture taken during soccer matches while his police and military persecuted, tortured and killed. In this context, artists were forced to find ways to create art capable of fooling the censors. Literature, theatre and film were highly metaphorical, using historical events as camouflaged instruments of denunciation and to stand up against the dictatorship. Tristes Tropiques fits within this context because it called into question the exacerbated nationalism of the military regime, using parody and ironic language. Laying claim to the “objectivity”

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individuales, bajo una fuerte censura y con los partidos y movimientos de izquierda en la clandestinidad, la sociedad brasileña vivía bajo el mando del gobierno del general Garrastazú Médici, quien se hacía fotografiar en los partidos de futbol mientras la policía política y el ejército perseguían, torturaban y mataban. En este contexto, a los artistas sólo les quedaba buscar formas de creación capaces de engañar a la censura. La literatura, el teatro y el cine recurrieron a discursos altamente metafóricos y se volcaron sobre hechos históricos, utilizándolos como instrumentos camuflados de denuncia y toma de posición. Triste trópico se inserta en este contexto, pues pone en tela de juicio, con su lenguaje paródico e irónico, el nacionalismo exacerbado del régimen militar. Construye, utilizando la “objetividad” del género documental, la figura patética de un líder mesiánico que intenta sin éxito salvar al país y darle un destino digno, primero con las armas de la ciencia y después con los instrumentos de la fe. Se puede decir que Triste trópico es la realización estética de algunas de las reflexiones teóricas que Arthur Omar había publicado en el ensayo El antidocumental, provisionalmente (1972). Con esta película, que se ubica en el cruce entre el cine experimental y el documental, Omar critica la descripción sociológica o antropológica común de los documentales, generadora de un discurso narrativo exterior al hecho presentado. Denuncia la “formaespectáculo” que el género documental pretende superar sin lograrlo, y propugna como meta la fusión entre la subjetividad del autor y del espectador. Por otra parte, logra darle a los recursos sonoros y visuales un nuevo estatus: ya no son complementos sino partes fundamentales de la narrativa fílmica. En Ustedes (1977), otra cinta modelo de esta primera época de Omar, los ojos del espectador son “bombardeados” por luces agudas e intermitentes que iluminan y borran la imagen de un joven que dispara una metralleta en todas direcciones, incluso hacia la cámara. El juego de luces y sombras cumple un papel fundamental en esta cinta en blanco y negro. El espectador sólo puede ver lo que el juego de luces le permite. El personaje (¿un guerrillero?) está encerrado en una habitación clasemediera donde se pueden vislumbrar estantes repletos de libros, espacio de una pobreza escenográfica evidente. La escena se repite y la cámara se fija en el personaje, en partes de su cuerpo, en la metralleta y, en comunión con el ruido irritante de las balas, logra crear una atmósfera de guerra solitaria, entre cuatro paredes. El joven empuña su arma en posición de victoria y el ruido

of the documentary genre, the film depicts a messianic leader who tries, and fails, to save the country and grant it a dignified destiny, first with the instruments of science, and then with the instruments of his faith. It can be said that Tristes Tropiques is the aesthetic execution of some of the theoretic reflections that Arthur Omar had published in his essay The Anti-documentary, Provisionally (1972). Mixing experimental and documentary genres in this film, Omar criticizes the common sociological or anthropological objectivity of documentaries, which purports to generate a narrative discourse outside the events it presents. He denounces the “form-spectacle” that the documentary genre pretends and fails to overcome, and he tries to fuse the subjectivity of author and audience. On the other hand, he succeeds in granting audio and visual resources a new status: they become not just components but fundamental parts of the film narrative. In You (1977), another representative film from Omar’s early years, the audience’s eyes are “bombarded” with piercing flashing lights that illuminate and obscure the image of a young man firing a submachine gun all over the place, aiming even at the camera. The game between light and shadows plays a fundamental role in this black and white film. The audience can only see what the flashing lights allow. The character (a guerrilla fighter?) is locked in a middle-class room with shelves full of books, an evidently poor scenography. The scene is repeated and the camera focuses on the character, on parts of his body, on the submachine gun and, creating a communion with the irritating noise of the bullets, it succeeds in creating the atmosphere of a solitary war, confined between four walls. The young man lifts his weapon in a victory sign and the firing sounds become a rock ballad. Under the refrain of the song, “I’m going to fight to the end to conquer the pretty doll who always tells me no,” the young man moves forward and shoots out the window. This scene is also repeated, intertwined with close-ups of the character, until a closed fist fills the entire screen (always with the flashing lights) and the image is substituted for a submachine gun. The strangeness occurs in the next frame, when a wooden parrot sways on top of the submachine gun and a human voice is heard, imitating the bird, screaming: “Captain, the ship is sinking.” Then a hail of bullets is heard, along with glass shattering. The scene that ends this short is similar to the first scene: a Buñuel style close-up of the character’s eye. Here, however, the eye staring at the camera closes, a finger rubs it, and then it opens again, as if the character had just woken up from a dream.

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de las balas es sustituido por una balada de rock. Bajo la consigna de la canción “Voy a luchar hasta el final para conquistar a esta muñeca que sólo me dice no”, el joven avanza con su arma y empieza a disparar desde la ventana hacia afuera. La escena también se repite, intercalada con close-ups del personaje, hasta que un puño cerrado ocupa toda la pantalla (siempre bajo la intermitencia de las luces) y es sustituido por la imagen de la metralleta. El extrañamiento ocurre en el siguiente cuadro, cuando un perico de madera se menea sobre la metralleta y se escucha una voz humana que simula la voz del pájaro gritando: “Capitán, el barco se está hundiendo.” Suena una lluvia de balas junto con el ruido de cristales que se rompen. La escena con la que el cortometraje concluye se parece a la que lo abre: un close-up, al estilo Buñuel, del ojo del personaje. Aquí, sin embargo, el ojo que mira hacia la cámara se cierra, un dedo lo talla y se abre nuevamente, como si el personaje se hubiera despertado de un sueño. Ustedes maneja elementos del contexto en que se inserta y plantea muchas preguntas al espectador, quien tendrá que compartir la subjetividad del director para responderlas. En los años setenta, la opción por la vía armada dividió a los movimientos de izquierda. Algunos no la aceptaron, otros se fueron a la sierra y varios más se dedicaron a la guerrilla urbana. La filiación de clase de los jóvenes guerrilleros se ilustra en la película con los estantes llenos de libros. ¿Qué papel jugaban los intelectuales clasemedieros en la guerra que pretendían llevar a cabo? ¿No sería una lucha inútil y solitaria su intento de rescatar a la patria, “esta muñeca linda que siempre dice no”? ¿Qué barco estaría hundiéndose y quién sería su capitán? Como sabemos, la dictadura militar terminó oficialmente en 1985 y todos los grupos guerrilleros habían sido derrotados antes de que se acabara la dura década de 1970. ¿La esperanza de un cambio revolucionario no pasaría de un sueño? La obra de Arthur Omar es universal y es brasileña. En ella el problema de la identidad a nivel individual y colectivo se mueve entre la reflexión estética, la conciencia antropológica –atenta a los contrastes y cambios sociales y culturales– y la fruición sensorial, incitando constantemente a la libertad creativa y a la ruptura de las convenciones, sin hacer de esta un dogma. Podemos verla como una espiral que asciende incorporando recursos técnicos y discursos de diversas artes, siempre con la mirada vigilante del equilibrista que se debate entre el caos y el orden, para alcanzar la faz gloriosa de la creación.

There are elements of You that intrude and ask many questions from the audience who must share the director’s subjectivity in order to answer them. During the 1970s, the option of taking up arms divided the leftist movements. Some rejected taking up arms, others went to the mountains, and many others engaged in urban guerrilla warfare. The social class of the young guerrilla fighter is illustrated in the film by the shelves full of books. What was the role of the intellectual middle class in the war they pretended to fight? Wasn’t their attempt to rescue the country, “that pretty doll who always tells me no,” a useless and solitary struggle? What ship is sinking and who was its captain? The military dictatorship ended officially in 1985 and all the guerrilla groups had been defeated before the difficult 1970s were over. Could hope for revolutionary change be no more than a dream? The work of Arthur Omar is universal as much as it is Brazilian. In it, the problem of identity at individual and collective levels moves between aesthetic reflection, anthropological consciousness (aware of the contrasts and social and cultural changes) and the sensorial fruition. His work constantly incites creative freedom and the rupture of conventions, without turning it into dogma. We can see his work as a spiral rising, incorporating technical resources and elements from different art forms, always under the vigilant eye of the wire-walker, struggling between chaos and order, to reach the glorious face of creation.

Translations to English by Mariana Carreño King

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DIRECTORIO / DIRECTORY
Traducción /
Gael García Bernal Diego Luna Pablo Cruz Mara Fortes Laura Elliot

Coordinadora de Difusión
Ana Alejandre

Alejandro Ramírez Magaña Cuauhtémoc Cárdenas Batel Daniela Michel

Coordinadora de Prensa /
Icunacury Acosta

Coordinadora de Producción Gira de Documentales
Carolina Gómez

Elena Fortes

Coordinadora de Voluntarios
Karla Castro

Ricardo Giraldo

Coordinadores de Producción
Marcela Hinojosa Anaïs Vignal Jonathan Martell

Carolina Coppel

Marie-Ève Parenteau

Cristina Valle

Coordinadora de Invitados
Eduardo Thomas Ricardo Giraldo Anaïs Desrieux Meghan Monsour Elena Fortes Antonio Zirión Miranda Romero

Asistente Coordinación de Invitados
Aurélie Canovas

Coordinadora de Programación
Meghan Monsour

Coordinador Audiovisual y Desarrollo
Juan Luis Velázquez

Coordinadora de Actividades Paralelas
Amanda Sucar

Post Producción y Edición /
Armando de la Cruz

Proyección /
José Ángel Villegas

Coordinadora Editorial y de Comunicación
Paula Villanueva Rabotnikof

Asistente Ejecutiva /
Nohemí Cuetos

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Servicio social /
Melanie Haslam Yvette Vergara

Luciana Kaplan

Yamilet García (Veracruz) Margarita González (Baja California) Elisa Escamilla (Estado de México) Adolfo Gurrola (Nuevo León) Arturo Méndez (Sonora) Irene Rojas (Chiapas) Judith Guzmán (Jalisco) Ariana Castellanos (Michoacán) Marco Santa Ana (Oaxaca)

ÍNDICE DE REALIZADORES / INDEX TO DIRECTORS
119 54 52 119 32 130 58 90 134 72 112 119 160 156 74 119 136 78 72 50 62 114 134 44 156 160 160 36 46
122, 140

Al Jaberi, Sameer Almada, Natalia Amith, Jonathan D. Azcuaga, Carlos Barnard, Clio Benacerraf, Margot Birgisdóttir, Ingibjörg Borg, Maja Brossoise, Elías Burnat, Emad Calil, Ricardo Campen, van Catherine Carrillo, Jairo Eduardo Cerf, Dave Coeman, Manu Cooper, Callum Costa, José Filipe Crooks, Harold Davidi, Guy Dirdamal, Tin Errol, Morris Fix, Kerthy Furtado, Jorge González, Everardo Green, Sam Guetta, Thierry Guggenheim, Davis Har’el, Alma Hernández Máynez, Jaiziel Herzog, Werner Hustwit, Gary Jónsson, Orri Kopple, Barbara Kossakovsky, Victor Kristjánsdóttir, Kristín Björk

118 34 108 80 118 64 92 52 146 100 66 80 40 94 104
60, 156

Lepore, Kirsten Losier, Marie Lovelace, Will Mirtahmasb, Mojtaba Munro, Grant Nilthamrong, Jakrawal O’Neill, Pat Olivarez Ruiz, Roberto Omar, Arthur Ortega, Rafael Ottinger, Ulrike Panahi, Jafar Philippe, Alexandre O. Price, John Rapaport, Michael Rivers, Ben Roy, Mathieu Rozec, Jean-Claude Ruiz, Bernardo Russell, Ben Sargent, Roger Scorsese, Martin Sepúlveda, Juan Manuel Smaczny, Paul Smith, John Smith, Melanie Solnik, Theo Southern, Dylan Stodtmeier, Maria Tahimik, Kidlat Terra, Renato Varda, Villarraga, Karolina Wenders, Wim

María Inés Roque

Audiovisuales / Audiovisuals
Edición /
Armando de la Cruz Juan Luis Velázquez

Christiane Burkhard Israel Cardenas Pablo Fulgueira Lucrecia Gutiérrez Laura Guzmán Sergio Morkin Ernesto Pardo María Inés Roqué Carlos Rossini José Villalobos

Música y Diseño de Sonido /
Audioflot: Leo Heiblum Jacobo Lieberman

Asistentes Musicales /
Emiliano Motta Emiliano González de León

Mezcla
Leo Heiblum

Diseño / Design
Alejandro Magallanes Ana Laura Alba Barceinas Juanjo Güitrón Abraham Bonilla Eduardo Parra Anshul Mudnani

78 119 76 96 110 106 48 163 98 100 30 108 163 138 112 132 118 124

Voces /
Gael García Bernal, Jessy Bulbo, Alfonso Figueroa, Elena Fortes, Marie-Ève Parenteau, Meghan Monsour, Anaïs Desrieux, Miranda García, Tamara Ciriza.

Músicos /
Juan Jacob

Web Development
TEORUS

Alfonso Figueroa, Aarón Cruz, Juan Sebastián Lach, Freddy Vega, Ernesto Anaya, Rodrigo Duarte, Jacobo Lieberman, Leonardo Heiblum.

Animación / Animation
Memoma (Juan Arriagada)

Estrategia y Operación Cinépolis
Miguel Rivera Jimena Rodriguez Sánchez-Medal Ana Luis Cerqueda Paulina Villaseñor Bertín Mendoza

Data to Film y Digital Intermediate
LaboDigital

Mezcla de Sonido
New Art Group

82 58 38 68 58

Coordinadores locales /
Mariana Castro (Distrito Federal) Patricia Ireta (Distrito Federal) Natalia Velazco (Guerrero) Mariana Peláez (Puebla)

New Art Group, Kodak de México

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ÍNDICE DE TÍTULOS / INDEX TO TITLES
72 72 58 60 92 74 58 153 153 153 118 30 30 30 119 119 130 32 66 34 34 104 98 36 64 118 118 146 119 146 5 Broken Cameras 5 cámaras rotas Abuelita Lo-fi Acción lenta Agua y energía Ámame enCARNEcidamente Amma Lo-fi Anatomia de uma exposição Anatomía de una exposición Anatomy of an Exhibition The Animal Movie Anna Pavlova lebt in Berlin Anna Pavlova Lives in Berlin Anna Pavlova vive en Berlín Anne vliegt Anne voladora Araya The Arbor Bajo nieve La balada de Genesis y Lady Jaye The Ballad of Genesis and Lady Jaye Beats, Rhymes & Life: The Travels of A Tribe Called Quest The Black Tower Bombay Beach Bosque irreal Botella Bottle Los caballos de Goethe Call Me Breakstein Os cavalos de Goethe 90 44 119 122 119 90 98 151 151 94 94 147 44 119 100 160 46 46 119 153 40 106 106 98 122 98 132 90 Cave of Forgotten Dreams La chica masticando chicle Los cosechadores y yo Construct – Two Moments in Beauty (Episodes I, II & III) Constructo: Dos momentos en la belleza (Episodios I, II & III) Cuates de Australia Cuatro ojos La cueva de los sueños olvidados Cul de bouteille ¡De espaldas, mujer! El deleite del pastor Derrapagem no Éden Deslizamiento en el Edén Domashnye Kino / Home Movie Domashnye Kino / Película casera Dreams and Ghost Stories Drought En calle Estadio Azteca Exit Through the Gift Shop Florería y edecanes Florist and Hostesses Flying Anne A Gaze in Secrecy La gente vs. George Lucas George Harrison: Living in the Material World George Harrison: Viviendo en el mundo material The Girl Chewing Gum 114 134 48 48 136 136 119 152 152 152 74 138 94 119 108 132 132 146 58 38 94 119 134 149 149 134 134 134 108 Les glaneurs et la glaneuse The Gleaners and I Goethe’s Horses Grandma Lo-fi: The Basement Tapes of Sigrídur Níelsdóttir Gun Fight Haciendo imágenes Hermanito Ilha das flores El inspector The Inspector O inspetor Isla de las flores Island of Flowers LCD SOUNDSYSTEM: CÁLLATE Y TOCA LOS ÉXITOS LCD SOUNDSYSTEM: SHUT UP AND PLAY THE HITS Le Tigre: Who Took the Bomp? Lebenswelt Lecciones para una guerra Lessons for a War Línea roja Linha vermelha Little Brother The Logic of Ecstasy La lógica del éxtasis A lógica do êxtase LoveMEATender Mababangong Bangungot Making Pictures Me dicen Breakstein 118 153 140 150 150 112 54 80 112 112 152 152 152 153 198 119 90 90 151 100 118 40 160 138 138 94 124 96 94 136 Migrópolis Una mirada en secreto Mundo remoto, salvaje y azul El nervio de plata O nervo de prata A Night in 67 The Night Watchman No es una película Una noche en el 67 Uma noite em 67 Notas del cielo y del infierno Notas do céu e do inferno Notes from Heaven and Hell Um olhar em segredo Om On the Street On Your Back Woman! Ottica Zero Pánico sutil Parres 0 La película de animales The People Vs. George Lucas Pequeñas voces Perfumed Nightmare Pesadilla perfumada The Pilgrim’s Progress from This World to That Which Is to Come Pina Ponce de León El Progreso del peregrino de este mundo al porvenir Red Line

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PATROCINADORES / SPONSORS
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AMBULANTE GIRA DE DOCUMENTALES
agradece el generoso apoyo otorgado por parte de la Comisión de Cultura de la LXI Legislatura de la Cámara de Diputados para llevar a cabo la 7a edición de Ambulante Gira de Documentales.

Desde hace 120 años, Cuauhtémoc Moctezuma trabaja para generar un impacto positivo de largo plazo en el desarrollo económico, social y medioambiental de México.
A través de nuestra filosofía Brindando un Mejor Futuro, promovemos un cambio de mentalidad y actitud que permita a las comunidades donde operamos construir su futuro, y aprovechar al máximo sus oportunidades para vivir mejor y en armonía con su entorno.
Esta filosofía incluye programas e iniciativas sustentadas en tres pilares: MEJORAR , HABILITAR e IMPACTAR

MEDIO AMBIENTE

COMUNIDAD

CONSUMO RESPONSABLE Y RELACIONES ESTRATÉGICAS

¿Cómo se traducen estas acciones?
En los últimos 8 años hemos reducido 18.4% nuestro consumo de agua a nivel nacional (litros de agua utilizada por litro de cerveza producida). Con este ahorro podríamos llenar 218 albercas olímpicas. A la fecha, llevamos los beneficios de nuestro programa Trazando mi Propio Destino a más de 1 millón de jóvenes con el objetivo de desarrollar un estilo de vida responsable y saludable. A través de nuestro programa Conductor Designado, en 2010 beneficiamos a 149,862 personas de 21 ciudades del país.

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OCTOBER 11 - 20, 2012

ABU DHABI FILM FESTIVAL
Much like Abu Dhabi itself, ADFF is an international crossroads and a place where cultures connect. Now in its sixth year, the fe stival screens hundreds of narratives, documentaries and shorts over 10 days each October. The festival’s main competition sections are open to filmmakers from across the globe and have included numerous films from Latin America. ADFF o ers filmmakers from around the world a fantastic opportunity to reach Middle Eastern audiences, so visit our website for more information and to submit your film. Submissions open April 1 and close July 1, 2012.

9-11 NOVEMBER

31 May – 03 June 2012

DOCUMENTARY Forum 2
www.berlindocumentaryforum.de

34TH INTERNATIONAL DOCUMENTARY FILM FESTIVAL MARCH 22ND TO APRIL 1ST 2012 PARIS | CENTRE POMPIDOU INTERNATIONAL COMPETITION | FIRST FILMS COMPETITION CONTRECHAMP FRANÇAIS | SHORT FILM COMPETITION TRIBUTES AND RETROSPECTIVES WWW.CINEMADUREEL.ORG
CNRS Images / Comité du film ethnographique

CINÉMA DU RÉEL

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Documentary Film Magazine
#84 WINTER 2009/10

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QUEEN OF THE SUN

If the bees disappear, what then?

LIKE A KAFKA NOVEL FEMALE ARAB VOICES

Miscarriage of justice in the Philippines

EUROPEAN DOCUMENTARY FILM MAGAZINE

Arab women’s revelations and revolutions

Jihlava IFF

Reconstructing Czech past

Shirin Neshat Megacities
A passion for the real

A masterclass on Leonard Retel Helmrich

SINGLE SHOT CINEMA CINEMATOGRAPHER THE ARCH OF EVIL SHAPED BY WAR VERTOV

Reconstructing Iranian past

Cities on the verge of collapse

Richard Leacock (1921-2011)

Why criticism? Web 2.0 nancing
How US filmmakers do it

Three films through history

DokuFest in Kosovo

An example from digital culture

What it takes to be a director

BURMA

The blood in your mobile
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production

The minerals the children excavate from the mines are bought by the mobile phone industry

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East European Documentary Film Market organized by Institute of Documentary Film (IDF)

Jihlava October 25 – 30

2011

Market Caravan TV Focus Silver Eye Award Streaming

Prague March 06 – 11

2012

www.eastsilver.net

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Other activities of the Institute of Documentary Film: Ex Oriente Film East European Forum Doc Launch Industry Screenings Master Classes Project Market Co-production Breakfast Dokweb.net Portal– www.dokweb.net

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