Safran  de  Niverville   1   Barbara  Safran  de  Niverville   Professor  Stuart  Steck   Faculty  Advisor   15  March  2012             Surface

,  Space  and  Color:  Two  Works  by  Ellsworth  Kelly            Ellsworth  Kelly’s  works  resonate  with  elegance,  refinement  and  simplicity.  Recently  I   visited  an  extraordinary  exhibition  of  nineteen  of  Kelly’s  thirty  wood  sculptures,  on  display   at  the  Boston  Museum  of  Fine  Arts,1  which  was  like  finding  “.  .  .  some  profound  silence  amid   the  hubbub  of  daily  urban  life.  .  .”(Plagens).    The  subtle  shape,  the  natural  wood  grain  and   the  transparency  of  cast  shadows  elicited  the  quiet  contemplation  of  Concorde  Relief  II,  a   relatively  small  wall  relief  in  the  exhibition.  In  another  gallery  of  the  museum,  I  viewed  a   different  work  by  Ellsworth  Kelly,  Blue  Green  Yellow  Orange  Red,  an  engaging  painting   composed  of  five  canvas  panels,  offering  a  simplified  spectrum  of  pure,  electric  color.  At   first  glance,  these  two  pieces  appeared  to  be  vastly  different  from  one  another,  but  upon   closer  consideration,  several  of  Kelly’s  life-­‐long  artistic  concerns  were  evident  in  both.            Although  the  wood  sculptures  have  impressed  me  as  the  most  captivating  of  Ellsworth   Kelly’s  artistic  range,  he  is  known  primarily  for  “  .  .  .  his  mature  work  with  flat,  carefully   shaped  planes  of  rich,  un-­‐modulated  color,  each  plane  placed  subtly  in  relation  to  another”   (Smee).  Kelly’s  experiments  with  chance  color  arrangements  in  the  1950’s  led  him  to  use   the  color  spectrum  as  a  source  for  subsequent  works.  In  a  2009  interview,  he  stated,  “I   wanted  to  show  how  any  color  goes  with  any  other  color.  Above  all,  I  wanted  to  learn  about                                                                                                                            1  Ellsworth  Kelly:  Wood  Sculpture.  Foster  Gallery  158.  Boston  Museum  of  Fine  Arts,   September  18,  2011-­‐  March  4,  2012  

Safran  de  Niverville   2   color  relationships.  .  .  My  idea  of  using  color  at  its  full  intensity.  .  .  hasn’t  changed  in  the   sixty  years  that  I’ve  been  painting”  (Grunenberg).                What  interests  me  in  Kelly’s  Blue  Green  Orange  Yellow  Red  (1968)  is  the  use  of   trapezoidal  panels  along  with  the  skillful  handling  of  vibrant  color.  From  my  own   experience  as  an  artist,  I  know  how  challenging  it  can  be  to  work  with  vivid  hues  placed   side  by  side,  where  they  can  vie  for  the  viewer’s  attention  in  an  unpleasant  visual   cacophony  of  intensity.  Kelly’s  huge  piece  is  refreshing  to  look  at,  showing  us  the  cheerful   expanse  of  an  elemental  spectrum.  10  feet  high  on  its  left  vertical  side,  it  extends  22  feet  7   inches  across  the  wall,  then  tapers  to  a  height  of  3  feet  4  inches  on  its  right  side.  The  five   canvas  trapezoidal  panels  form  one  image,  fitting  together  from  the  largest  blue  panel  to   the  smallest  red  one,  suggesting  a  series  of  rectangular  windows  seen  at  an  oblique  angle,   in  perspective.    Kelly  treats  the  surface  of  each  one  with  a  seamless  application  of  its   particular  hue,  applied  in  multiple  layers  of  oil  color  (Vogel).  It  appears  that  Kelly  has   observed  his  previous  Blue  Green  Yellow  Orange  Red  of  19662  at  an  extreme  angle  as  the   starting  point  for  the  1968  version  and  then  later,  in  1978,  he  has  come  back  to  use  the   trapezoidal  shape  again  in  the  wall-­‐mounted  wood  sculpture,  Concorde  Relief  II.              In  spite  of  its  simple  design  and  modest  size,  18  ¾  x  9  x  3  inches,  Concorde  Relief  II     (1978)  held  my  attention  far  longer  than  many  other  works  in  the  Museum  of  Fine  Arts.   Consisting  of  two  slabs  of  smooth  walnut,  one  rectangle  forms  the  base  for  the  second                                                                                                                              2  This  1966  painting  in  the  Solomon  R.  Guggenheim  Museum,  New  York,  is  composed  of   five  rectangular  panels  of  oil  on  canvas  (5  feet  x  19  feet  5  inches),  painted  in  the  same  color   sequence  in  similar,  if  not  identical,  hues.    

Safran  de  Niverville   3   shape,  the  shorter  and  slightly  wider  trapezoid,  which  exceeds  the  rectangle  just  enough  to   interrupt  its  regularity.  Here  the  trapezoid  exists  in  its  flat  form,  without  the  illusion  of   perspective  or  alternative  planes  in  space,  as  in  Blue  Green  Yellow  Orange  Red  (1968).   Instead  of  the  colored  treatment  typical  of  Kelly’s  other,  better-­‐known  reliefs,  the  warm-­‐ toned  walnut  is  lightly  finished,  with  the  gentle  striations  and  concentric  curves  of  the  grain   forming  the  only  decorative  surface  pattern  on  the  piece.  The  curator  of  the  MFA   exhibition,  Edward  Saywell  has  commented,  “The  wood  grain  is  almost  a  found  drawing  in   these  pieces,  a  magical  form  of  calligraphy”  (Loos  2).  Under  multiple  overhead  spotlights,   the  intersecting  shadows  cast  on  the  base  slab  and  on  the  wall  form  a  remarkable  counter-­‐ point  to  the  solidity  and  richness  of  the  wood.              Ellsworth  Kelly  began  using  wood  panels  as  early  as  19493.  He  intended  most  to  be  hung   as  paintings,  but  a  few  were  more  sculptural,  such  as  Relief  With  Blue  (1950)  and  White   Plaque  (1952-­‐55).  Kelly  created  a  collage  study  for  White  Plaque  while  in  Paris,  after   observing  the  arched  tunnels  under  the  Pont  de  la  Tournelle.  The  rounded,  black  underside   of  the  arch  became  a  negative  space,  as  the  dark  semi-­‐circle  in  turn  reflected  upwards  in   the  water  (Richardson,  9  –  11).  Kelly  has  continued  observing  the  visible  and  reducing  it  to   essential  forms  in  his  work  throughout  his  career,  an  “.  .  .  abstraction  through  observation   of  natural  phenomena”  in  the  “territory  between  painting  and  sculpture.  .  .”(Donegan  94).                      Although  some  obvious  differences  exist  between  a  relief  sculpture  and  a  painting,  in   considering  Concorde  Relief  II    (1978)  and  Blue  Green  Yellow  Orange  Red    (1968)  several   common  principles  seem  to  have  guided  their  execution:  trapezoidal  shapes,  spatial                                                                                                                            3  Kelly’s  earliest  wood  sculptures  date  from  1958  and  continue  periodically  until  1996.   (Richardson  18)  

Safran  de  Niverville   4   relations  inside  and  outside  of  the  work  and  emphasis  on  format  through  the  use  of  flat   surface  treatments.  The  trapezoid  adds  interest  and  excitement  to  the  structure  of  the   works  and  energizes  the  space  around  each  piece.  The  off-­‐kilter  rectangle  becomes  the   trapezoid  of  Concorde  Relief  II,  animating  what  could  have  been  a  very  static  piece.  Its   integral,  cast  shadows  activate  the  space  it  occupies.  The  trapezium-­‐shaped4  panels  of  Blue   Green  Yellow  Orange  Red    (1968)  add  the  dynamic  illusion  of  perspective  on  a  spatial  plane   independent  of  the  wall.  In  addition,  the  flat  surfaces  of  each  work  bring  our  attention  to   the  outer  dimensions  of  the  forms.  The  natural  walnut  wood  grain  of  Concorde  Relief  II  adds   a  subtle  textural  element  to  the  surface,  which  supports  the  impact  of  the  piece’s  solid   panels.  Blue  Green  Yellow  Orange  Red  (1968)  employs  strong  hues  to  emphasize  its   structure.  The  texture  of  the  layered  paint  on  the  canvases  becomes  a  rich  synthesis  with   each  panel’s  surface,  while  the  different  colors  charge  each  other  in  contrasting  vibrancy.                As  an  artist,  I  find  Ellsworth  Kelly’s  body  of  work  to  be  an  invigorating  reference  source   for  abstraction  through  the  observation  of  natural  forms,  the  blurring  of  distinctions   between  painting  and  sculpture  and  the  use  of  relief  panels  in  refined  sculptural  and  color   relationships.  Perhaps  it  is  the  calm,  yet  vivid  simplicity  in  Kelly’s  work  that  I  find  so   appealing.  Robert  Storr,  dean  of  the  Yale  School  of  Art  has  said  of  Ellsworth  Kelly,  “He’s  the   last  artist  to  repeat  himself.  .  .  But  he  always  comes  back  to  his  basic  vocabulary:  surface,   scale,  color,  image.  And  he  always  gets  it  as  simple  as  he  can”  (Vogel).                                                                                                                                  4  “Trapezium”.  Def.  1a.  Mirriam-­Webster’s  Collegiate  Dictionary.  11th  ed.    2007.  Print.      

Safran  de  Niverville   5   WORKS  CITED   Donegan,  Cheryl.  "Ellsworth  Kelly:  Paris/New  York,  1949-­‐1959:  Philadelphia  Museum  Of              Art."  Modern  Painters  19.7  (2007):  94-­‐95.    Art  Full  Text  (H.W.  Wilson).  Web.  29  Feb.              2012.   Grunenberg,  Christoph.  “Sixty  Years  at  Full  Intensity”.  Tate  Etc.:Europe’s  Largest  Art                Magazine.  Issue  16/Summer  2009.  Web.  29  Feb.  2012.              <http://www.tate.org.uk/tateetc/issue16/colourchart1.htm>   Kelly,  Ellsworth.  Blue  Green  Yellow  Orange  Red,  1966.  Oil  on  canvas,  five  panels,  5’  x  19’  12”                (152.4  x  609.6  cm).  Solomon  R.  Guggenheim  Museum,  New  York.                Collection  Online.  Web.  1  March  2012.   -­‐-­‐-­‐.  Blue  Green  Yellow  Orange  Red.  1968.  Oil  on  canvas.  10’  >  3’  4”  x  22’  7”.  Boston  Museum              of  Fine  Arts.  Ellsworth  Kelly  by  John  Coplans.  New  York:  Harry  N.  Abrams,  Inc.  1973.                  Plate  213.  Print.   -­‐-­‐-­‐.  Concorde  Relief  II.  1978.  Private  Collection.  Ellsworth  Kelly,  Wood  Sculpture            by  Brenda  Richardson.  Boston:  MFA  Publications.  2011.  Plate  9.  Print.   -­‐-­‐-­‐.  Relief  With  Blue.  1950.  Oil  on  wood.  44  ⅞”  x  17  ½”.  Museum  of  Modern  Art.  ARTstor.            Web.  1  March  2012.   -­‐-­‐-­‐.  White  Plaque:  Bridge  Arch  and  Reflection.1952-­‐55.  64  ⅞”  x  47  ⅞”  Museum  of  Modern            Art.  ARTstor.  Web.  1  March  2012.   Loos,  Ted.  “Seeking  Calligraphy  in  the  Grain.”  New  York  Times:  Art  &  Design.  Nov.  23,            2011.  Web.  1  March  2012.   Plagens,  Peter.  “Beautiful,  Quiet  and  Spare.”  Wall  Street  Journal:  Arts  and  Entertainment.            October  6,  2011.  Web.  29  Feb.  2012.  

Safran  de  Niverville   6   Richardson,  Brenda.  Ellsworth  Kelly,  Wood  Sculpture.  Boston:  MFA  Publications.  2011.  Print.   Smee,  Sebastian.  “Totems  of  Tempered  Grandeur:  Kelly  Conjures  Abstraction  from  the              Natural  World.”  Boston  Globe.  September  25,  2011.  Web.  1  March  2012.   Vogel,  Carol.  “True  to  His  Abstraction”.  New  York  Times:  Art  and  Design.  January  20,            2012.  Web.  29  Feb.  2012.                                      

Safran  de  Niverville   7   CONCORDE  RELIEF  II  &  BLUE  GREEN  YELLOW  ORANGE  RED    

  Ellsworth  Kelly.  Concorde  Relief  II.  1978.  Walnut.  18  ¾”  x  9”  x  3”.  Private  Collection.   Personal  photo.  (Do  not  reproduce,  as  requested  by  the  Boston  Museum  of  Fine  Arts.)  

Safran  de  Niverville   8  

  Ellsworth  Kelly.  Blue  Green  Yellow  Orange  Red.  1968.  Oil  on  canvas.  10’  >  3’  4”  x  22’  7”.   Boston  Museum  of  Fine  Arts.  Personal  Photo.