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CINEMATÓGRAFO

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Acerca de: Drive (Parte II y III)
“La vida es generosa para demostrarnos que también puede ser egoísta”.

Por Nicolás Castillo C.
para que los dos protagonistas (siempre me pareció que Bernie era el otro gran protagonista, aunque el tratamiento que se le da aquí no es tan completo y definido como el dado por Sallis en su novela) se observaran iguales. La línea que delimita la dualidad del bien y del mal es borrada por medio del llanto de dos hombres que se creían fuertes. Ya no hay dualidad. Ya todos han demostrado lo terrible que es ser víctima de las circunstancias. Y que a pesar de haber resultados transformados, se reconocen iguales. A ese minuto son dos perdedores que buscan revancha. Winding Refn logra que el momento de la identificación sea sublime: quedan citados a cenar en un restorán, y por todo lo que dura la cena (sí, asistimos a la magistral “escena de una cena”, después de la cual, uno o ambos resultarán muertos) no dejan de beber, de comer, de conversar sobre lo ocurrido ni de observarse, como efec(Continúa en la página 2)

CONTENIDO:

Drive PT Anderson Fragmentos de Largometraje Nostalgia Blade Runner Carta de Valvidia La Máquina de Los Sueños Mecánica Del Sentir Cine Itinerante

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La irrupción del amor en la vida de Driver (único nombre por el que conocemos al protagonista) le enseñará lo fácil que es perderlo, y que por mucho esmero que se ponga en proteger a la persona amada, la vida embiste con fuerza por todos los frentes, y la pérdida es inminente. Con lo que es lógico que se pregunte ¿y para qué, si ya sabía yo que la vida era cruel, que da y quita? Después de eso. De ser despojado de lo mejor y más hermoso que había vivido hasta entonces, decide ajustar cuentas. Emparejar las cosas. Darle un sentido a su rabia y frustración, evitando que el mal se propague. Y en este punto ingresa el elemento de la violencia redentora, de una vía hacia la catarsis, de la violencia purificadora, o tratamiento poético de la violencia. Ya sumido en la vorágine de la violencia no puede permanecer estático. No hay razones para permanecer impasible. Hay que mover-

se. Y rápido. Reaccionar agresivamente para no ser despedazado. De ahí lo relevante del diálogo con Bernie, que le dice -después de que Driver le indica que él no se buscó la manera en que ocurrieron las cosas-: “Normalmente no nos lo buscamos. Pero nos cae encima de todos modos. Lo que importa es qué hacemos con ello…”. Es relevante, cruel, y raramente tranquilizador que lo diga el propio Bernie. Son palabras pronunciadas con todo el sentimiento pues Bernie mismo ha sido arrastrado contra su voluntad hasta ese momento y situación. Ahora nos damos cuenta de que la identificación – que en los comienzos de la película no va más allá de ser mera simpatía, que sin embargo, prometía consolidarse como una confiable y exitosa relación laboral (Driver prometía cosechar grandes éxitos como piloto de carreras de Bernie) – resulta ser total. La identificación es ahora total. Fue necesario digerir el fracaso y la desilusión,

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Acerca de: Drive (continuación)
(Viene de la página 1)
“La línea que delimita la dualidad del bien y del mal es borrada por medio del llanto”.

Por Nicolás Castillo C.
Pero eso en la cáscara de lo formal. Por lo que no resulta afectado el núcleo. Y es ahí en dónde la armonía es perfecta. Sería injurioso decir que un soporte es mejor que el otro. Cada uno funciona bien de manera independiente. Funcionan bien porque la temática es la misma, el núcleo del argumento es el mismo que ya pudimos comentar a raíz de la película: el pesimismo de la vida. La soledad autoimpuesta a modo de defensa. Y en cine tenemos el uso de un ralentí que magnifica los momentos de violencia que leemos (que sea bien dicho, resultan descritos de tal manera que dan la impresión de haber sido ejecutados con total precisión y frialdad de ánimo, y esto a Refn siempre le ha fascinado). Y hay otro elemento adicional en cine, que de alguna manera suple todas esas descripciones que hace Sallis sobre emisoras de jazz y de música country y del resto de la programación radial durante los momentos en que Driver conduce su vehículo: una banda sonora muy cargada a la electrónica ochentera, que es precisa para la estética del “nuevo cine negro” plan-

“El empleo de la violencia, ¿ayudó a la purificación?”

tuando a cada instante una labor de reconocimiento necesaria y urgente, porque muy en el fondo ambos saben que persiguen lo mismo, que es matar al otro (aquí la identificación nos permite decir “matarse a sí mismo”, “vencerse a sí mismo”) para volver a ese “estado de gracia”. Junto con los créditos surge la siguiente interrogante: el empleo de la violencia, ¿ayudó a la purificación? ¿quedó capacitado el protagonista para enfrentar nuevamente a la vida, o sea, repitiendo la idea de comienzos, se venció a sí mismo? Cada uno responderá tras haberla visto. Quisiera no terminar este breve comentario sin antes remitirme a la novela de Sallis, que tuve oportunidad de leer después de haber visto en dos ocasiones la película. Una y otra (novela y película) armonizan a la perfección. Eso claro, obviando la cáscara de lo formal, porque hay personajes que deambulan a lo largo del papel, y que no aparecen siquiera en uno solo de los fotogramas de la película (curioso resulta un personaje que es un gran punto

de apoyo para Driver, su gran amigo, y que no es ni más ni menos que un guionista hollywoodense, fanático de los vinos chilenos y franceses, y que le da una mano con el vocabulario rebuscado de sus novelas compradas en librerías de segunda mano). Además otros, tienen muy poco tratamiento en el papel, pero para el director resultaron de suma importancia (se está pensando aquí en Shannon, el gran amigo de Driver en la película). También, hay cambios a un nivel físico y también idiomáticos (Irene en la novela es hispana, y su pelo es “negro como ala de cuervo”). No se ve de qué manera pudo haber afectado al desarrollo o tratamiento del relato cinematográfico la elección de una actriz hispana, pero se cree altamente probable que se haya tenido en cuenta el mercado estadounidense a la hora de elegir a la inglesa Carey Mulligan, y porqué no, quizás era del gusto de Winding Refn, muy acostumbrado a los rasgos nórdicos y europeos por razones obvias. En lo demás toda la familia de Irene sigue siendo hispana, fiel a la novela.

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Acerca de: Drive (continuación)
teada. Por último, el libro es poseedor de una gran riqueza en esas páginas que escudriñan en el pasado de Driver, y también en la profundidad que le da Sallis al personaje de Bernie, profundidad de la que sin embargo el director nos da tan solo un indicio al mostrarnos como Bernie deposita toda su confianza en un conductor del que le basta conocer tan solo que es hábil tras el volante. Y es que Bernie es un tipo cansado de ejercitar la violencia, de ser una marioneta de la crueldad de la vida, un mero ejecutor de sus trágicos designios y pasa a tener un rol más comprensivo y empático con los otros (la película esto no lo indica, pero Bernie está conciente de haber tenido oportunidades inmerecidas, mientras que otros que sí las merecieron, no las tuvieron ni las tendrán nunca). Acerca del pasado de Driver se nos describe un primer episodio de violencia a una edad

Por Nicolás Castillo C.
muy temprana, una pelea entre su madre y su padre que termina en sangre en mitad de una comida, y que recordará con frecuencia, aunque en el momento pareciera no haberle afectado en lo más mínimo. Además de un profundo sentimiento de gratitud que tiene con el matrimonio que lo cuidó, y con quienes vivió sus años de juventud, cuando recién aprendía a conducir. Hacia el final. Todo termina – o empieza - con un viaje.

Paul Thomas Anderson
Muchos quizás conocen la obra de este cineasta y guionista. Dueño de una especial técnica y rigurosidad al dirigir, sus películas son una oda a la humanidad, en donde explora los sentimientos más profundos de la persona humana: el Amor, el Odio, la Ambición, la Culpa, la Redención. Sus historias se pasean entre personajes oscuros y claros, los cuales se van interrelacionando algunas veces formando narraciones corales (Boogie Nights, 1997; Magnolia, 1999), logrando siempre, eso sí, grandes actuaciones, ya que para nadie queda indiferente la imagen misteriosa y paternal de Sidney (Philip Baker Hall, Hard Eight, 1996), o lo inocente y aspiracional de Dirk Diggler (Mark Wahlberg, Boogie Nights), o quien olvidará al orgulloso y charlatán Frank T.J. Mackey (Tom Cruise, Magnolia), o al tímido y tenso Barry Egan (Adam Sandler, PunchDrunk Love, 2002), o al ambicioso y poco probo Daniel Plainview (Daniel DayLewis, There Will Be Blood, 2007). En las historias que nos cuenta, no cabe duda que las actuaciones son su fuerte, o después haber visto “PunchDrunk Love”, ¿alguien podría decir que Adam Sandler no sabe actuar? Lo cierto es que todos sus proyectos son minuciosos, el manejo de las cámaras lo hacen tener un sello distintivo dentro sus pares, planos largos y narraciones extensas, actuaciones logradas, nada está al azar.

Por Tomás Madrid
Las películas creadas por él nos hace recordar el llamado cine de autor, donde se impone su visión por sobre la de algún estudio; él ama el cine, lo respeta, como también respeta al espectador, no lo subestima en ningún minuto. Hoy esperamos el estreno de su última creación The Master (2012), película que marca su regreso a la cartelera después de 5 años, y también la del actor Joaquin Phoenix. Sin dudas ésta es una película que habrá que verla y apreciarla con detención; después de todo él mira al cine de una manera distinta a la que se estila en su medio: Hollywood.

“Él ama el cine, lo respeta, como también respeta al espectador.”

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Fragmentos de un largometraje
Diego lucro!!! En el mundo hay muchos tipos de películas en que la duración puede variar desde los 60 min aproximadamente hasta 240 y tantas horas, las más experimentales; pero aparte de ellas existe otra variante que queda como una interrogante para muchas personas, se dividen en varios capítulos y generalmente las vemos en cuevana… hablo de las series. Éstas tienen un espacio mucho más extenso que habitualmente no podemos apreciar dentro de la generalidad de las películas, ya que abarcan más desarrolladamente las tramas considerando la evolución que pueden ir tomando los personajes en el transcurso del tiempo, los diversos personajes que se van incorporando, donde todos juegan un rol importante en la conformación de la historia y una multiplicidad de situaciones que la hacen atractiva al espectador, puesto que éste no es un universo en el cual dura unas horas y se acabó!, querías rebotar pero apareció un canguro y te convertiste en resorte usado, aquí la sensación de dinamismo capítulo a capítulo es el factor esencial, ves el primero, el segundo, el tercero y finalmente terminas viendo las 20 temporadas para pensar Oh diego lucro! Esto es collabquiante!, es decir, una vez finalizada se puede vislumbrar el propósito de todo el complejo mundo que construye esta producción fragmentada, porque cada capítulo corresponde a un fragmento de la película y para entender a cabalidad es menester darle su debido tiempo, si bien existirán partes mejores o peores según el cri-

Por Cosme fulanito

“La sensación de dinamismo capítulo a capítulo es el factor esencial”.

terio de cada persona, los cuales pueden ir variando de acuerdo al desenlace. También existen los casos inversos en que las películas de larga extensión han sido transformadas en formato de mini series, como el caso de Fanny y Alexander (1982) del director sueco Ingmar Bergman o el mismo El Padrino (1972); ambos ejemplos de que el cine transgrede la barrera de los formatos pasando fácilmente de la pantalla grande a un serial. La vía alternativa para poder contar una historia que por su largo desarrollo no pueda dar buenos resultados en un film, es convertido en serie, lo que genera grandes resultados y se puede apreciar en la variedad de temáticas ¡porque el espectador se ha vuelto exigente “…mamá naturaleza te lo da!”

“El único presente sería lo que pensamos”.

Nostalgia del Presente
Ayer viendo el documental Nostalgia de la Luz, 2010, (que lo recomiendo) un astrónomo (entre otras personas que hablaban de temas afines) proponía que todo lo que nosotros vivimos con ayuda de nuestros sentidos viene del pasado, es decir toda la información que recibimos es de eventos ya sucedidos, toda refracción de la luz captada viaja y nos proyecta una imagen ya pasada de la realidad... Así, el único presente que vislumbraba como posible era quizás lo que pensamos… Parece difícil desmentir una hipótesis así. Lo que no se dijo, y que viene a ser consecuencia

Por J.U.
de esto (pero que de todas maneras no debemos olvidar), es que así como toda la información que percibimos ya ocurrió, toda la información que produzcamos (como este mismo mensaje) y todo acto perceptible que hagamos será una acción hacia algún presente en el futuro.

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10 cosas que no sabías acerca de...

Por F. Q.

Muchas son las diferencias existentes entre el libro escrito en 1968 por Philip K. Dick, “Do Androids Dream of Electric Sheep?” (“¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas?”), y la película dirigida por Ridley Scott en 1982, Blade Runner *. Por ello se dice que esta cinta está “inspirada” en aquél en vez de “basada” en él.

Do Androids Dream of Electric Sheep? (¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas?) San Francisco, 1992. El polvo radiactivo inunda la atmósfera. Aspectos claves son la “Caja de Empatía”, el “Mercerismo”, el “Show del Amigo Buster” y el “Órgano de Ánimos Penfield”. A los Nexus-6 se los menciona como “androides” y, a menudo, peyorativamente, “andrillos”. La empresa que los crea es Rosen Association. Rick Deckard ejerce como “cazador de bonificaciones” o “cazador de recompensas”. Tiene una esposa llamada Iran. Su relación con Rachael se limita a un fugaz encuentro sexual. Su gran aspiración: un caballo que no sea artificial (pues es de gran importancia social). De hecho, acepta el trabajo (de eliminar a los Nexus-6) para así conseguir las recompensas y poder comprarlo. Es poseedor de una oveja eléctrica. Parece ser un humano. El final es cerrado.

Blade Runner “Los Angeles, noviembre, 2019”. Es inexistente. No son mencionados. Son conocidos como “replicantes” y, en modo despectivo, “pellejudos”. Cambia su nombre a Tyrrel Corporation. Está retirado. Los cazadores de androides son llamados “Blade Runners”. Versión original: está divorciado. Versión del director: no se hace mención a esposa o a divorcio alguno. Rachael y Rick tienen un romance. Se interroga por el sentido de la existencia humana y la urgencia de vivir, el miedo y la muerte. Su móvil, en un comienzo, es pragmático: “retirar” a cuatro replicantes que han arribado a la tierra. No posee animales. ¿Es Deckard, o no, un androide? Versión original: la norteamericana y europea incluyen un final feliz. Versión del director: tiene un final abierto.

(*) Tomó su nombre de una novela de ciencia ficción, “The Bladerunner”, escrita en 1974 por Alan E. Nourse. El término ("Blade Runner") designa a los proveedores de artículos necesarios para la atención médica del mercado negro.

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Carta de Valdivia *
“Las personas han perdido su derecho esencial a educarse por medio del cine”.

Por Red de Cineclubes de Chile
pliendo esa labor. 5.- En base a estos puntos, la Red de Cineclubes de Chile plantea las siguientes acciones: a. Ampliar y divulgar el primer Catastro de Cine Clubes Nacionales. b. Apropiarnos de los medios digitales en pos de fortalecer nuestra Red. c. Conmemoración del 10 de mayo como el Día del Público. d. Celebración del 30 de Agosto como el Día del Cineclubismo chileno, conmemorando el natalicio del doctor Aldo Francia, impulsor de la actividad en nuestro país. e. Poner en práctica un programa de creación de cineclubes en todo Chile, a través de publicaciones y capacitaciones, priorizando las comunidades que no cuentan con un sistemático y diverso acceso al cine. f. Generar el proyecto “Cine Itinerante” destinado a proveer a los cineclubes a lo largo del país del cine chileno que ha quedado vedado de la amplia ciudadanía, incluyendo cortometrajes, documentales y largometrajes nacionales. g. Realizar en 2012 la 3° Convención de Cineclubes de Chile.

(*) Generada en la 2a Convención de Cineclubes de Chile, en el marco del 18° Festival Internacional de Cine de Valdivia.

16 de octubre de 2011: 1.- El conflicto educacional chileno ha puesto en evidencia que no sólo este campo está mercantilizado, sino también el acceso a la cultura, a los conocimientos y específicamente el arte cinematográfico. Por ende, las personas han perdido su derecho esencial al libre acceso a las ideas, a la información y a la educación como público, así como a las posibilidades de asociarse y educarse por medio del cine. El estado de las cosas no se cambia manteniendo el modelo actual. Lo que los cine clubes ofrecemos es conocimiento y la formación de un individuo íntegro. No aceptamos las reglas de un juego perverso que nos divide como prestadores de servicios y clientes. 2.- Reivindicamos el trabajo de los cine clubes chilenos como los agentes del desarrollo de la libre educación y de los derechos del público, asumiendo que el cine es ante todo arte. Ante la inexistencia de escenarios que garanticen la difusión bajo un prisma académico del cine, los cine clubes establecemos un sistema ajeno a los hoy existentes, para que el público pueda acceder a aquello que el mercado le

niega. Los cine clubes no somos agrupaciones cerradas, sino el puente entre ciudadanía y cinematografía, además promotores del patrimonio audiovisual, de la diversidad y la memoria histórica. 3.- Denunciamos el aprovechamiento de empresas privadas e instituciones que lucran en torno al acceso al arte cinematográfico amparándose en el desconocimiento de la comunidad por sus derechos, así como en los vacíos de la ley de propiedad intelectual chilena. Propugnamos difundir que los cine clubes nos amparamos en las excepciones del articulo 71 de la Ley N° 20.435 sobre Propiedad Intelectual. Emplazamos enfáticamente al Estado a multiplicar y diversificar las políticas públicas en pos del desarrollo del conocimiento y formación de ciudadanos críticos e íntegros a lo largo y ancho del país. 4.- Condenamos las medidas gubernamentales que han beneficiado económicamente a las empresas privadas que tienen como objetivo principal la comercialización, camuflándose como formadores de públicos. El Estado debe garantizar que programas sistemáticos, como los cine clubes, sigan cum-

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La Máquina de los Sueños
ración aproximada de un minuto, proyectaba películas y además permitía copiar el material creado. El gran valor del cinematógrafo consistía en que una sola persona podía crear y difundir material cinematográfico cargando solo una maleta. El cinematógrafo fue presentado en sociedad en Paris en 1895 con la proyección de «Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir». El asombro en los espectadores generó un éxito rotundo, la máquina de los sueños estaba destinada a marcar la historia con la creación del cine, aunque para sus creadores no tenía futuro alguno más allá de la ganancia que la novedad podría producir. En una primera etapa los hermanos Lumière se opusieron a vender el cinematógrafo, a pesar de insistentes oferentes como Georges Méliès. Se dedicaron a explotar su invención organizando proyecciones en toda Europa e incluso en América. Allí aparece la fundamental figura de los agentes Lumière, personajes anónimos que

Por Gonzalo López
recorrían el mundo presentando el invento, maravillando a su paso de pueblo en pueblo con las películas elaboradas en Francia. No obstante, algún agente se percató que lo que verdaderamente maravillaba a los espectadores era ver su realidad particular reflejada en la pantalla, verse a si mismos, deseo que no era difícil de complacer dada las características técnicas del cinematógrafo. De esa forma, entre azar y conveniencia, en distintitas partes del mundo, la producción de películas de un minuto florece. Ese aporte sin nombre, nacido de la curiosidad más antigua convierte la mera captura de movimiento en algo más, en una fuente interminable de posibilidades. Sin embargo, no es sino hasta el arribo del ilusionista y padre del lenguaje cinematográfico, Georges Méliès (El viaje a la luna, 1902), que el cine comienza a dar sus primeros pasos para convertirse en arte.

“Lo que verdaderamente maravillaba a los espectadores era ver su realidad particular”.

La creación del cinematógrafo por Auguste y Louis Lumière en 1984 supuso una revolución sin precedentes. Su invento era capaz de conseguir lo soñado por muchos pero estimado imposible: capturar el movimiento de un momento determinado, almacenarlo y reproducirlo después. La maravillosa maquina creada por los Lumière poseía ventajas prácticas y técnicas sobre otros artefactos similares (por ej. el creado por Edison en EE.UU.). El cinematógrafo, muy parecido a una maleta, pesaba 5 kilos y cumplía autónomamente las siguientes funciones: capturaba movimiento con una du-

“Si puede ser escrito o pensado, puede ser filmado”, Stanley Kubrick (1928-1999),
director de cine estadounidense.

La Mecánica del Sentir
Se miraron largamente y en silencio en medio de las gentes que paseaban entrando y saliendo en aquella sala de esperas, intentaban ocultar su sentimiento de aquéllos, la mayoría de ellos no podría entender lo que sentían, no tenían cómo. La situación continuó impertérrita por largos treinta y siete segundos y medio hasta que ella pronunció la primera palabra que como una pedrada rompió la instantánea: - Vamos que se hace tarde, querido- sin pronunciar sonrisa. - Vamos- respondió él tras un largo y casi imperceptible suspiro, sabía que era inevitable volver. No lo dijeron, pero ambos pensaron en la casa vacía, en los pensa-

Por J.U.

mientos del otro, en el frío tan frío que habría afuera, aunque no lo hubiera. Ambos estaban asustados y no era para menos, habían ido a verla, fueron de los primeros en hacerlo y el mundo que ellos vivían era ahora un lugar un poco más terrible, un poco más maravilloso. La naranja mecánica (1971) de Kubrick les había robado y devuelto algo más

que el aliento, unos días después comprarían la novela de Burgess, pero por ahora lo único que podían hacer era agarrarse fuertemente las manos, como si de eso dependiera su vida.

1ª Muestra de Cine Itinerante Chileno
Cineclub Derecho da inicio a sus actividades del segundo semestre del 2012 con metas ambiciosas: aumentar sustancialmente el número de funciones. La consolidación de un espacio cinéfilo requiere constancia, un público fiel y una apuesta de contenidos que entusiasme. Persiguiendo ese objetivo, presentamos la Primera Muestra de Cine Itinerante, un proyecto que simultáneamente desarrollan todos los miembros de la Red de Cineclubes de Chile, con el financiamiento del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, donde se exhibirán películas chilenas que no cuentan con difusión en salas de cine. Con dos funciones a la semana desde el martes 7 de agosto, los invitamos a participar de esta actividad: Las Horas del Día Te creís la más linda (pero erís las más puta) Pablo de Rokha, el amigo piedra Martes 07 de agosto Jueves 09 de agosto Martes 14 de agosto

La Sombra de Don Roberto / El Jueves 16 de agosto Espino / Sendero (cortometrajes) La Colorina Limbus Envía tus aportes y comentarios a: Martes 21 de agosto Jueves 23 de agosto

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