Arte y símbolo

Anticipatoriamente se ha tratado de descifrar la diferencia a un humano de una bestia, y digo
descifrar puesto que tiene un aura de misterio. Se pueden arrojar datos cuantitativos, que partan del
organismo, encontraremos un sin número de contrastes con los determinismos biológicos en el cual
viven los animales, los instintos. Vislumbraremos diferencias cerebrales, sistemas corporales
complejos, procesos químicos diversos, etc. Fuera de ello, las cualidades de distinción de uno y otro
son difusas, se dividen las opiniones en cuanto a los atributos característicos de la especie humana,
arrojan hechos en cuanto a el lenguaje, la inteligencia, la conciencia, la razón, el aprendizaje… cada
una de las categorías anteriores son fáciles de refutar, debido a que en ellas al menos hay algún
animal que puede superar al ser humano. Detrás de las categorías antes mencionadas, funge el
factor distintivo del humán con las bestias, y es la capacidad simbolizadora. El símbolo está detrás de
las cualidades del humán, es el atributo que ha llegado a institucionalizarlo dentro de la naturaleza, el
símbolo es la chispa de inicio a la cultura siendo el nexo con la naturaleza humana.
“La ausencia del símbolo, limitaría al humano a los instintos”. Diversos filósofos nos adentran
en el universo del símbolo, para Hegel será la manifestación del hombre mismo, de su interioridad. El
arte será la marquesina ideal para la labor simbolizadora, ya que exige más que la captación del
mismo, entre ellas las facultades del pensamiento y la intuición son necesidades para el uso y
recepción del mismo. Sin embargo, no quiere decir que no encontremos símbolos fuera del arte; la
ciencia, el lenguaje, la filosofía, la religión, son algunas de las áreas donde puede encontrarse, se
vuelve multidisciplinario a la vez de multifacético. La incursión del símbolo en el arte provee de
acceso a la comprensión y comunicación, vehículo de expresión, coloquialmente se dice “una imagen
más de mil palabras”, donde la imagen es un símil del símbolo. Podríamos afirmar que el símbolo es
un atajo epistemológico (conocimiento no solo lógico-matemático, sino sensorial en el caso del arte),
que sintetiza o captura una complejidad de significados. Los psicoanalistas como Jung o Freud,
ejemplifican su uso como una manera de descubrir o desentrañar el contenido más profundo de la
psique, contenido en el inconsciente y sus manifestaciones son a través del simbolismo.
La raíz etimológica del “símbolo” proviene del VERBO griego symballesthai
(o¢µ|oììcotqoi) que significa reunir, juntar, asociar. Es sutilmente interesante que nos refiramos a
un verbo como germen de la palabra, pues conlleva a una acción, la cual consistía en la ruptura física
de un objeto, ya sea una tablilla o moneda, cuando se despedían dos amistades en la Grecia antigua,
el objeto dividido lo guardaban indefinidamente hasta que parientes de la misma familia re-unían el
objeto.
El signo es un es algo determinado por el contexto, si se quiere arbitrario, el cual puede
modificarse a voluntad, por ejemplo, desde ahora puedo poner claro que para referirme a la letra “a”
en este texto usare el numero “9”, lo único que hice fue modificar los signos, que entiéndase como el
garabato que llamamos letra, numero, punto, etc. Con esto es evidente que es concretitud, porque se
refiere a una realidad inmediata, al grafo. El símbolo no intenta ser como el signo, pero si parte de el,
“los símbolos no deben su origen a una voluntad intencionada o arbitraria, sino que han surgido y se
han desarrollado en el seno de un pueblo, en el espíritu de una comunidad; son formas del
pensamiento colectivo.”
1

La realización simbólica, tanto para quien lo ejecuta como para quien lo percibe conlleva al uso de
múltiples facultades, tales como la deducción, la inducción, la intuición y la imaginación. A su vez,
abre planos de realidad a los cuales no podríamos acceder. Lo cual genera un problema categórico,
¿Qué tanta referencia tiene un símbolo con la realidad inmediata? Colebridge dice “participa de
aquella realidad que se hace inteligible a través del mismo símbolo”. Lo cual genera una polaridad,
que se mueve dentro de dos coyuntos; lo abstracto y lo concreto.
Según Aristóteles, el ser se dice de muchas maneras, “El símbolo es una manera de hablar del ser en
aquellos aspectos del mismo que no son directamente aprehensibles por la intuición sensible o el
conocimiento discursivo.”
• El uso de símbolos implica una actividad cognoscitiva.
• Encontramos en los mitos una múltiple participación de los símbolos como la comprensión
de fenómenos.
• El símbolo es un participante de la realidad, intenta ser permanente.
• El nos abre ciertos planos de realidad que de otro modo no sería accesibles
• El símbolo es un vehículo para transmitir
• Encontramos en el arte el campo donde el símbolo se encuentra como su lugar idóneo










1
Estetica, p.452




La disposición de
insertar fieras,
depredadores de
enfatizada fuerza
arrojadas ante el
cuerpo femenino,
desde luego el
cuadro no se refiere
a devorar a la
mujer, pero resulta
metafórico entre el
arrojo sobre ella y lo
sexualmente
provocativa de su
situación

El islote lo asocio con
el fundamento del
psicoanálisis en utilizar
la forma de un iceberg
como la estructura de
la psique humana;
afirmando que lo
inconsciente es lo que
abarca más espacio y
está debajo del agua;
solo podemos ver una
parte de ello.

El cuerpo de la mujer recostado sobre una placa, ya ha
sido utilizado por otros pintores como Francisco De Goya,
siembra seducción en el espectador por su desnudez e
incluso por la postura de la mujer, en completa laxitud. La
postura de la mujer “reta” a las leyes de la gravedad, su
imposibilidad de tener la espalda levitando y la cadera en la
plataforma, da pista de que se trata de un sueño. La mujer
se encuentra en una postura receptiva, connotando
sensualidad. El fruto y el cuerpo femenino son la misma
situación, es una metáfora de la tentación.
La relación del uso de
los tigres con una abeja
(ubicada en el titulo)
alude a la simbiosis por
sus franjas de ambos
animales. En dos planos
distintos, el insecto
ubicado en un plano real y
los tigres en un plano
onírico. El arma
representada sujeta una
asociación entre el
aguijón de la abeja; todo
el conjunto conlleva a
representar pulsiones o
fuerzas psíquicas de
agresión, provenientes de
un símbolo erótico como
la granada y dirigidos a
desembocar en un cuerpo
desnudo, acto de un
trasfondo libidinal y
sexualmente catártico

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar / Oleo

El elefante con
alargadas extremidades
injiere un toque de
irrealidad e irracionalidad

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech
Nacido en Figueras, España, en 1904, de niño visitaba su tumba, ya que tuvo un hermano difunto por catarro con su mismo
nombre. Excéntrico e histriónico, la personalidad de Salvador una de las figuras representativas de surrealismo, pero Dalí no
era surrealista, era el surrealismo. Sus trabajos se percibe una admiración por el arte renacentista; incursiono en la pintura,
escultura, el dibujo y la fotografía. En el cine, realizo trabajos con Luis Buñuel. Su andar, era resaltador, era narcisista y
megalómano, se describía a si mismo como “el divino”, sin dejar de ser un caballero. Su cuadro representativo es “la
persistencia de la memoria”. Muchos de sus cuadros contemplan las pulsiones hacia su amada Gala. Muere en 1989.

El uso del
minotauro conlleva
a la presentación de
algo herético, en
diversas culturas las
deidades (tanto
benignas o
malignas) son
simbiosis entre la
bestia y el hombre,
tanto para resaltar
virtudes como
vicios. El uso de
cuernos se asocia
con la figura
diabólica que
arremete contra la
vida humana con
perjuicio y pecados;
los cuernos son
representados para
agredir, intimidad y
generar miedo.
El hibrido entre
bestia-humano es
visible por la
omisión de rabo y
por la postura
erecta , desde luego
la cabeza es
totalmente bestial.
Existe una dualidad en
el personaje femenino,
porque una mano
realiza una
manifestación de
culpabilidad y la otra la
ejecuta, detrás de toda
esa vestimenta
victoriana, que sucita
mucha elaboración y
ostentosidad son
obstáculos para la
tentación.

La vestimenta de la mujer la
ubica en una época
victoriana, caracterizada por
la represión del cuerpo y
retomando los valores
apegados a la restricción del
cuerpo femenino.

La vanidad / Oleo sobre tela / 130 x 150 cms

La expresión de la
mujer infiere vergüenza y
pudor.
Es la representación del
pecado capital de la
vanidad; el espejo
cumple un elemento
enfático del narcisismo
que proclama este
pecado capital, la
adoración a sí mismo no
sería posible sin una
visualización de uno
mismo.


Benjamín Domínguez Barrera
Nacido en la ciudad de Jiménez, Chihuahua en 1942, tuvo su primer contacto pictórico con una señora de nombre Doña
Carolina Estavillo, quien generaba platicas acerca de las obras de arte y ampliaban sus conocimientos. Realizo encargos de
publicidad para un cine local, descubrió su vocación y viajo a la ciudad de México para convertirse en pintor. En 1970 ingreso
al equipo de museografía del Museo del Virreinato de Tepotzotlan. El trabajo de Domínguez se caracteriza por su virtuosismo
y mezcla del pasado. Es representativo la serie dedicada al “matrimonio Arnolfini “

Arte y mimesis
La aparición de la mimesis dentro del discurso filosófico, proviene desde la maduración de la
escuela clásica en la Grecia antigua, quien su figura era la de Platón ( ), el cual tenia una postura dual
ante la mimesis. Recordemos que los griegos apuestan por la verdad, como una búsqueda de lo que
permanece, siendo esto la eternidad, el episodio anterior al Estagirita y a La Academia, era un intento
por encontrar la arje, la sustancia que generara el todo, paradójicamente a nuestra visión actual
encontraban la trascendencia en la physis, lo cual tiene lleva sujeto mimético. Tanto Platón como
Aristóteles son esencialistas, inscribe esta fusión de la episteme con la trascendencia, de ahí que la
filosofía tuviera importancia “espiritual”. Entendiendo esto, la teoría platónica de la realidad, la
distinción entre dos mundos; el de las ideas y el de las cosas, disponía a un Platón volcado hacia el
mundo ideal, el cual inscribía los fundamentos, los arquetipos de los cuales el filosofo le instaura
como lo real. Es decir, no encontraremos realidad en lo empírico, sino en lo ideal dado que esto no se
manipula o se trasgrede.
El carácter artístico ante Platón no tenía una importancia, porque tanto el sofista (quien
realizaba actividades retoricas) como el poeta y el artista, era un imitador de los arquetipos
provenientes del topos uranos, ya que tal como lo era el mundo de las cosas, siendo el objeto de
imitación de los artistas, eran como si reafirmaran la realidad inmediata y rechazaran o se alejaran de
la realidad ultima. Digamos que obtendríamos una copia,( la mimesis del artista) de la copia (el
mundo de las cosas) Lo cual le valió para ser excluidos del estado ideal, siendo unos falsos civiles
quienes no apelaban por la aproximación al mundo de las ideas.
El estagirita, concebía la mimesis como una finalidad, que desembocaba en un fin concreto.
Siendo dos posturas que determinaron la visión de la mimesis por tiempo prolongado, la
escuela griega lleva un estrato disminuido esta polaridad. Encontraremos en esculturas pocas
manifestaciones miméticas, ya que se caracteriza por una exageración de la belleza, lo que infiere
que difícilmente encontraríamos cuerpos o formas como lo manifestaron los griegos en sus objetos
estéticos.
La mimesis, tal como la concibió Platón, es la imitación de los arquetipos de la realidad, lo
que hace partícipe a los movimientos de objetos que encontramos en la experiencia inmediata,
arboles, el brinco de los pájaros, las nubes, etc. El artista encaminado en la mimesis se convierte en
un espejo que dota de vitalidad al objeto que es percepción. No solo es cuestión de imitar por imitar,
ya que el participe mimético no imita porque lo percibe, sino sincroniza su atributos expresivos para
crear lo que en la literatura nos evocan las imágenes a través de la letras, la comparación y la
semejanza.
El problema de superar la realidad
Es poco usual encontrar un arte que no refiera a una situación o que manifieste un anclaje en lo
real. La obra de arte evoca y suscita en su esencia las apariencias y entidades del mundo empírico, sin
embargo no las reproduce en su literalidad óntica, por l tanto: la obra de arte es una representación.
Ya tocamos un poco el tema del arte griego, pero igual no será nocivo ampliar el tópico.
Recapitulando, el arte griego antiguo se valía de la mimesis pero hacia una exageración estilizada de la
realidad. Los atributos de los objetos estéticos del periodo antiguo, con llevan un uso meticuloso de la
armonía y la simetría, al punto de tener proporciones “perfectas”, apegadas a la matemáticas, encontrando
el tamaño de la escultura de 7 cabezas y teniendo otro tipo de cálculos para cada parte del cuerpo.
Dado que la imitación tiene diversas limitantes, la principal es ser una ejecución o una
representación. Su limitación es que nunca va a llegar a ser como el objeto imitado, la representación
escapa de ser literal o perfecta.
A su vez, el imitador de la realidad se sabe que su mimesis no es total, con su clausula de estar
disminuido ante el objeto desde sus facultades perceptivas, siendo que los sentidos no pueden capturar en
su totalidad al objeto, existe la limitación perceptiva que condiciona la ejecución del artista. Sin embargo la
mimesis como la reproducción imitativa de un hecho ideal no puede ser una mimesis total ya que los
sentidos no logran captar ni retener toda la realidad circundante y ante esta carencia siempre se da una
selección de datos que en ocasiones sueles distorsionarse antes e llegar al nivel de conciencia debido a:
situaciones anímicas y sensoriales o por condicionamientos culturales o históricos. Por lo tanto, la
información sensorial no llega en su totalidad a la conciencia. Incluso las percepciones se ven afectadas
por factores ambientales e interpersonales, tales como el estado anímico.
La mimesis reitera una exacerbación hacia al objeto, es decir, encontraremos mas objetividad
dentro de las manifestaciones miméticas ya que la imitación requiere datos sensoriales apegados a lo
imitable. El artista se propone recrear la realidad o al menos respetarla, sin llegar a transgredirla. Le exige
realidad, pues no podemos decir que la obra de arte es mimética, sino es representativa. Aunque no
quiere decir esto, que no encontremos abstracción, se necesita un factor abstracto para denotar la captura
en el objeto estético.
Algunas palabras que sirven de asociación a esta modalidad en el arte son: Naturalismo y
realismo, el primero es un fundamento un tanto idealista pero que trasciende la apariencia sensible. Por su
parte el realismo se muestra en oposición a lo abstracto. Ambas son características de llevar la inquietud
mimética.




Francisco De Goya
emprende un
autoretrato,
siendo una difícil
labor, que
ejemplifica una
sustracción fiel de
la realidad.
Juega con la posibilidad de
superar la situación y crea
una mimesis de la mimesis,
dado que es un cuadro
pintado en su taller y la
representación es una acción
del mismo cuadro. Es decir,
representa una
representación. Lo cual
pudiera generar una
profundidad característica de
los fractales. Pinta que se
está pintando o pinta lo
pintado.
Hay una cualidad
del cuadro que es
sumamente sugestiva, el
cuadro lo llama
autoretrato, y en el
cuadro se manifiesta
como si estuviera
posando. Lo cual es
paradójico pues no
puede posar para si
mismo. El problema
mimético es encausado
aquí, la mimesis es una
sustracción de la
realidad pero nunca es
una superación.


Ejecuta una
congruencia con lo que
hace, los instrumentos
necesarios para la
realización pictórica se
encuentran en la mesa.
Ningún elemento suele
resultar ajeno al lugar ay la
acción

Por la luz del cuadro se
infiere una espacialidad y un
tiempo determinado

Autoretrato en el taller / Oleo

Francisco De Goya y Lucientes
Nacido en 1746 en Fuentedetodos, España. Desde joven De Goya se intereso por la pintura a la edad de 14 años, siendo
aprendiz de José Luzan, un pintor local. También realizo trabajos de grabado. Su obra abarca el caballete, el mural y el dibujo.
Sus trabajos más representativos son la serie de cuadros que utilizo para decorar su casa de campo, La Quinta del Sordo,
titulados “Pinturas oscuras”. Además, se encuentran los cuadros, “La maja desnuda”, “la maja vestida”, “Saturno devorando
a sus hijos” y “los desastres de la guerra” (grabado). Muere en 1828 en Francia.

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar / Oleo

La luz del sol es
percibida con una
tonalidad que dota
de calor al cuadro.
Siendo una
manifestación fiel
de la realidad.

En su conjunto el
cuadro funciona
como un balance.
Se puede observar
los objetos
miméticos, tales
como las piedras, el
agua, las nubes,
pequeños barcos y
las tonalidades de
los rayos del sol.



Los trazos de la
pintura son cuidados
para determinar la
carga de realidad. Es
decir, si nos alejamos lo
suficiente (ontológica y
ónticamente)
podremos creer que el
paisaje está ahí, como
en una fotografía.
El paisaje denota
un sin numero de
cualidades reales. No
existe un solo
elemento que
proporcione
sospecha de que el
lugar no exista, aun
siendo que no ha sido
percibido por quien
ve el cuadro.

Claude Monet
Nacido en 1840 en París. De inigualable gusto por los jardines y la vida botánica, Monet, experimento en un inicio de su carrera
cuadros que llegaban al realismo para a la mitad de su carrera fuese identificado el estilo impresionista, siendo la pintura
Impresión, sol naciente doto nominalmente al movimiento. Su característica con el pincel es el manejo de la luz. Muere en
1926.
Los riscos de Etretat/ Oleo / 1885

Arte y expresión
La modalidad del arte que precisa adecuadamente el siguiente fundamento estético, el arte es una
subjetividad objetivada, es la expresión. Es claro ver, que cuando se habla de arte, es un condicionamiento
conceptual vislumbrar la faceta expresiva. Para remitirnos a tal planteamiento, viajaremos al esquema usado
por los filósofos griegos donde distinguían entre la división de la filosofía entre ethos, episteme y la sensación.
Es decir, ética, epistemología y estética. Donde, al igual que psicólogos cognitivos conductuales, perciben la
afectividad en la esfera de la sensación. El arte es afectividad, sea en potencia o en acto.
La etimología de la palabra expresión proviene del latin expressĭo, -ōnis y según el diccionario de la
real academia española, manifiesta una definición que le concierne a las actividades estéticas “Viveza y
propiedad con que se manifiestan los afectos en las artes y en la declamación, ejecución o realización de las
obras artísticas.”
2
. su significado es apretar o presionar hacia afuera, cuenta con el atributo lingüístico de “ex”,
que usualmente propone salida o hacia afuera. Dentro del arte, estamos refiriéndonos a la connotación
sentimental tanto del autor como de la obra.
La expresión como tal, infiere un sin numero de atributos en las obras de arte. El primero y
característico, es la enmarcación de la subjetividad, haciendo énfasis en el uso de las formas y los contenidos
enraizados a lo personal. Pudiésemos decir, que cuando vemos un cuadro vemos la interioridad del artista,
aunque el filosofo Samuel Ramos manifieste que cuando el artista crea su obra su vinculo termina, en el cuadro
permanece algo personalista del autor (por mas redundante que se escuche). Al escuchar sinfonías de
Beethoven inferimos ya sea por deducción, inducción o por intuición, llegamos a comprender el factor emotivo
y personal del autor. Incluso es tema de estudio para algunos psicólogos humanistas, que exploran de manera
vivencial el factor personal. Esto remite a un segundo atributo, la expresión apela a ser parte de una vivencia,
para esto comprende la experiencia propia del autor que termina siendo plasmada en un objeto. Sin embargo la
significación de la obra es una vivencia del autor, esta misma puede ingerir una repercusión en quien la ve,
aunque esto se vuelva en un problema filosófico, en cuanto a si las emotividades pueden ser objetivadas y
estas pueden ser distinguidas por los demás. Hasta aquí, podemos ver una diada entre el vinculo expresi vo del
autor con el espectador de la obra; además la obra tiene una connotación propia e independiente, ya que está
cargada de expresividad y contiene signos afectivos propios. A su vez, la psicología del arte plantea un
problema que apareció desde que la psicología es, ¿por cuál factor se ve mas influida la psique (en este caso la
afectividad); entre el individuo o el ambiente? Siendo este un factor denotativo en la obra de arte, el ambiente.
Si la expresividad tiene referencia directa o se anclo de manera sutil (sea por azar o por intención del artista)
con un evento de índole social, entonces los cuadros serán iconos del suceso.
La característica del arte es ser un vehículo expresivo, pero a su vez exime una necesidad ontológica
de transmisión, es decir, no se expresa con la particularidad de ser expresión, sino la expresión tiene una
finalidad adherente, pues tiende a ser hecha hacia alguien que lo perciba, por lo tanto, el arte es comunicación,
y en el caso de la expresión, es comunicación afectiva.


2
Diccionario de la lengua española, definición 4, palabra: expresión, www.rae.es



Es incierto quienes
serán los personajes
que se encuentran
al fondo del muelle.
El cuadro hace
pensar que su
presencia es
insignificante, lo
que figura con una
atmosfera
misteriosa y
también
melancolica ya que
es posible ver a la
persona que grita
en soledad.

No conocemos las
motivaciones de
sorpresivo grito, el
solo hecho nos
atrapa.

La deformación del cuerpo
es evidente, tal como si fuera
un efecto de las ondas
sonoras del grito, que
manifiesta una abrupta
expresión.


EL foco de atención se
centra en la expresión del
personaje central, es un
arrebato, es un violento
grito que deforma y
atraviesa todo los
componentes e incluso el
mismo sujeto quien lo
expresa.

La forma del cielo en el
cuadro, permanece en
todo el cuadro.

Edvard Munch
Nacido en Noruega, 1863, se decía que al igual de Da Vinci, era un estudioso de la anatomía, pero el se encargaba de
distorsionar almas. Los temas de sus cuadros son sentimientos y tragedias humanas que como la soledad, la melancolía y la
muerte. Su madre y su hermana mueren por tuberculosis, lo que le generaba una personalidad conflictiva. Inicio con una
carrera en ingeniera la cual deja tiempo después para iniciarse en la pintura. Destacado por la fuerza afectiva de sus cuadros,
son perseguidos y censurados durante la expansión nazi. Muere como siempre vivió, solo, en 1944.
El grito(Slrik) / Oleo / 1893

Las únicas líneas rectas
son las del muelle, sin
embargo, tiene una
connotación dinámica por
sus colores y su verticalidad,
dando más fuerza a la
presencia del individuo en
plena expresión.


Ln

El islote lo asocio con
el fundamento del
psicoanálisis en utilizar
la forma de un iceberg
como la estructura de
la psique humana;
afirmando que lo
inconsciente es lo que
abarca más espacio y
está debajo del agua;
solo podemos ver una
parte de ello.




La relación del uso
de los tigres con una
abeja (ubicada en el
titulo) alude a la
simbiosis por sus franjas
de ambos animales. En
dos planos distintos, el
insecto ubicado en un
plano real y los tigres en
un plano onírico. El arma
representada sujeta una
asociación entre el
aguijón de la abeja; todo
el conjunto conlleva a
representar pulsiones o
fuerzas psíquicas de
agresión, provenientes
de un símbolo erótico
como la granada y
dirigidos a desembocar
en un cuerpo desnudo,
acto de un trasfondo
libidinal y sexualmente
catártico

El elefante con
alargadas
extremidades injiere
un toque de irrealidad
e irracionalidad

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón
Nacida en la ciudad de México, 1907, hija de fotógrafo, Kahlo siempre estuvo en contacto con estímulos artísticos. De niña,
su vida quedo condicionada al dolor por el padecimiento de poliomielitis y un accidente en el trasporte urbano, significaron
los hechos que mantuvieran a la joven mujer postrada en cama. El aburrimiento y el dolor, fue lo que la impulso a la pintura;
de distintos gustos e ideologías, Kahlo dotaba a sus cuadros de atmosferas diversas, pasando por los resultados oníricos hasta
las tendencias socialistas. Su relación con el muralista Diego Rivera, fue conflictiva, apasionada hasta con odio. Manifestando
ser siempre la sombra de su marido, Frida ha sido tomada como un estandarte de la equidad de género. Sus cuadros
representan el dolor tanto psicológico como somático. Muere en 1954.
Autoretrato/ Oleo

Arte y forma
Uno de los problemas filosóficos que presenta la estética, es si la obra de arte se puede considerar
como solo forma o como contenido. Esta disyunción presenta un sinfín de inquietudes reflexivas ante
el objeto estético. Platon define lo bello e nterminos de forma pura (recordemos el mundo ideal-
trascendente donde se ubica la belleza), luego Kant distingue entre belleza pura y belleza adherente.
Cuando nos referimos a la palabra forma, logramos asociarla con la palabra figura. Sin embargo,
tienen distinciones, venga a señalar que figura proviene de morfe; forma de eidos. Morfe entendida
como el contorno o conjeturando el aspecto externo de un ente, mientras que Eidos se designa al
aspecto interno o esencia de un ente.
La teoría de la gestalt es el principio de que toda percepción supone una forma de partes integradas
aprehendidas en un mismo acto de intuición. El secreto de lo artístico empieza a develarse tan pronto
se tiene en cuenta que toda obra de arte ha de ser visualizada como un todo. Ningún objeto se
percibe como algo único o aislado. Ver Algo implica asignarle un lugar dentro del todo: una ubicación
en el espacio, una puntuación en la escala de tamaño, de luminosidad o de distancia.
La fuerza del todo y la de las partes están bien equilibradas de modo que el todo prevalece sin ser
amenazado de escisión, mientras que las partes conservan una cierta autonomía.
La figura sirve, antes que nada, para informarnos acerca de la naturaleza de las coas a través de su
aspecto exterior. “la figura no se percibe nunca como forma de solo una cosa concreta, sino siempre
como de una clase de cosas”
El todo aprehendido es más que la suma de sus partes. Aunque las partes que lo forman sean
tenidas individualmente en cuenta – el quizá largo proceso de llegar a conocer la totalidad de la obra
de arte-, no adquieren su plena articulación hasta ser percibidas como partes del todo particular en el
que se insertan. No podemos conocer las partes tal como son sin conocer el todo. Aunque el todo se
compone de sus partes, las cualidades del todo penetran y determinan las partes, y las partes son lo
que son únicamente en el contexto del todo en el que son aprehendidas.
Los psicólogos gestaltistas se apuntaron sus mayores triunfos en la psicología de la percepción. Una
de sus principales postulados fue lo que ahora se conoce como la Ley de la figura y el fondo (LFF).
Según esta ley, la visión siempre se compone de dos componentes, una figura principal y nítida o
primer plano y el fondo, o segundo plano, que aparece desdibujado y tenue. La LFF no se refiere a
que en la visión misma (ópticamente) aparezca con figuras borrosas y otras nítidas, se refiere a que al
observar una escena evaluamos y resaltamos sus componentes de una manera psicológicamente
diferente. De esta manera, el mismo objeto de una fotografía puede ser figura o fondo, dependiendo
de la actividad mental que en ese momento realiza el observador. Los botánicos son muy
quisquillosos de la manera en que las plantas son representadas y siempre señalan solecismos
vegetales, para ellos (a diferencia del resto de los varones) las plantas son la figura, y Afrodita
recostada, el fondo.
La ley de la proximidad
Es otra ley gestáltica según la cual los elementos próximos tiende a agruparse.
Ley de la semejanza.
Los objetos semejantes tiende
a percibirse como parte de la
misma figura. La línea de
arriba se percibe como cuatro grupos de dos mientras la inferior conforma dos grupos de dos.
Ley de la forma completa
el cerebro tiende a “cerrar” los objetos que no se dibujan totalmente.
En la figura se puede observar que no hay ningun cuadrado.
Ley de la experiencia.
Existen una disposición del observador a encontrar un sentido en los
objetos y situaciones buscando asociarlos a experiencias pasadas. El perro andaluz de Luis Buñuel
es un intento de crear una película sin sentido, no permitiendo que ningún tipo de interpretación ni
recuerdo interfiera con el espectador, el cual vive una experiencia contemplativa “pura”.
Ley de la pregnancia.
Las figuras familiares y “autoexplicativas” conforman la figura, el resto de los elementos, el fondo.
Junto con las leyes perceptivas, existe la ley de la buena forma o gute Gestalt, como le llama
Wertheimer. Esta ley se refiere al surgimiento de una tensión o desaprobación ante una estructura
que “choca” al espectador y produce el impulso de modificar la estructura para mejorarla. Wetheimer
les daba a los niños figuras geométricas incompletas o rotas que ellos intentaban repara o completar,
mostrando irritación cuando los investigadores trataban de colocar “parches” inadecuados a las
figuras. Los adultos también poseen una exigencia de gute Gestalt: seguramente usted también tiene
una tía que siempre endereza los cuadros cuando llega una cosa pues, en su opinión, están
desalineados.
La gute Gestalt no es necesariamente la figura más elemental y familiar que se pueda lograr, sino
aquella que reúna las cualidades compositivas que correspondan con el modelo concebido por el
ejecutante.
Sin embargo, ¿cómo se establece la vivencia estética entre la obra y el espectador? Según al teoría
gestáltica, esto se logra través de las leyes del isomorfismo, es decir, entre la estructura de la obra y
la vivencia estética, existen niveles psicológicos de estructura similar que conducen de una manera
lógica, a la comunicación de una expresión, de un estado de ánimo. El espectador, asombrado,
“entiende” la obra porque posee las experiencias previas que le permiten vivenciar, a el mismo, el
impulso creativo.
Las leyes de la Gestalt pueden clarificar algunos puntos de la contemplación artística pero no pueden
explicar las modificaciones que la propia gute Gestalt ha sufrido a través de la historia. En efecto, la
gute gestalt no es algo absoluto, los occidentales prefieren las figuras cuadradas como parte de ella
mientras los polinesios prefieren las formas redondeadas. Lo que los renacentistas consideraban una
gute gestalt, está muy distante del mismo concepto sostenido por los barrocos. Una pregunta
interesante surge aquí: ¿que tanto deseo posee una época en desarrollar un arte no gute gestalt?
El arte renacentista, con sus formas apacibles, proporcionadas y en etéreo equilibrio quizás ha sido el
momento cumbre del arte de buena forma, pero sin duda les resultaba aburrido a los barrocos del
XVII, quienes anhelaban (y crearon) un arte asimétrico, agitado, superabundante y frenético.
El problema aquí, es la utilización indiscriminada de la Gestalt para abordar un conjunto de problemas
de naturaleza muy diferentes. Si antes criticamos a los psicoanalistas por querer reducir todo al
complejo de Edipo, ahora debemos señala que la Gestalt no puede, por ella misma, desandar el
camino que conduce a la experiencia estética. Hace falta un método que nos permita no sólo analizar
el momento cristalizado de la percepción, el cual sólo revela el resultado final de una largo camino.
Sino, además, debemos acercarnos a todo el proceso de nacimiento y formación del gusto estético
en “vivo”.




















La disposición de
insertar fieras,
depredadores de
enfatizada fuerza
arrojadas ante el
cuerpo femenino,
desde luego el
cuadro no se refiere
a devorar a la
mujer, pero resulta
metafórico entre el
arrojo sobre ella y lo
sexualmente
provocativa de su
situación

El islote lo asocio con
el fundamento del
psicoanálisis en utilizar
la forma de un iceberg
como la estructura de
la psique humana;
afirmando que lo
inconsciente es lo que
abarca más espacio y
está debajo del agua;
solo podemos ver una
parte de ello.




La relación del uso de los
tigres con una abeja
(ubicada en el titulo) alude a
la simbiosis por sus franjas
de ambos animales. En dos
planos distintos, el insecto
ubicado en un plano real y
los tigres en un plano
onírico. El arma
representada sujeta una
asociación entre el aguijón
de la abeja; todo el conjunto
conlleva a representar
pulsiones o fuerzas psíquicas
de agresión, provenientes de
un símbolo erótico como la
granada y dirigidos a
desembocar en un cuerpo
desnudo, acto de un
trasfondo libidinal y
sexualmente catártico

El elefante con
alargadas extremidades
injiere un toque de
irrealidad e irracionalidad

José Victoriano González-Pérez
Nace en Madrid de 1887. Hijo de padre merchante, familia bien situada y que le permitió entrar gradualmente en un
ambiente de clase media. Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José
Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid. En 1906 para evitar la
milicia y conocer vida artística, se muda a París donde conoce a Pablo Picasso y Georges Braque. Vive en un hostal sin baño
en el Bateau-Lavoir de Montmartre, durante alrededor de diez años. Los primeros años vive dibujando para L'Assiette au
Beurre y Charivari. Muere en 1927.
Periodico y plato de fruta / Oleo / 1916






La disposición de
insertar fieras,
depredadores de
enfatizada fuerza
arrojadas ante el
cuerpo femenino,
desde luego el
cuadro no se refiere
a devorar a la
mujer, pero resulta
metafórico entre el
arrojo sobre ella y lo
sexualmente
provocativa de su
situación
El islote lo asocio con
el fundamento del
psicoanálisis en utilizar
la forma de un iceberg
como la estructura de
la psique humana;
afirmando que lo
inconsciente es lo que
abarca más espacio y
está debajo del agua;
solo podemos ver una
parte de ello.




La relación del uso de los
tigres con una abeja
(ubicada en el titulo) alude a
la simbiosis por sus franjas
de ambos animales. En dos
planos distintos, el insecto
ubicado en un plano real y
los tigres en un plano
onírico. El arma
representada sujeta una
asociación entre el aguijón
de la abeja; todo el conjunto
conlleva a representar
pulsiones o fuerzas psíquicas
de agresión, provenientes de
un símbolo erótico como la
granada y dirigidos a
desembocar en un cuerpo
desnudo, acto de un
trasfondo libidinal y
sexualmente catártico

El elefante con
alargadas extremidades
injiere un toque de
irrealidad e irracionalidad

Cuadrado negro / Oleo / 1915

Kazimir Severínovich Malevich
Nace en Rusia en 1878. Desde los cinco años ingresa a la Escuela de Agricultura, iniciando a pintar paisajes. En su juventud
se plantea firmemente en manifestar o tomar la naturaleza lo mas objetiva posible. Ingresa a la escuelas de Moscú. Sus
cuadros pasan por diversas etapas que van desde el impresionismo, hasta el movimiento del que fue creador, el
suprematismo. Muere en 1935.
Surrealismo
Reseña histórica
El grupo surrealista quien vislumbra como fundador es el literato francés André Bretón, al parecer
las actividades bélicas hicieron resurgir un numero diverso de movimientos artísticos en posición
de contrarrestar el sufrimiento o estragos que dejaron y buscan resurgir el espíritu, quienes fueron
los atrevidos de deformar la realidad inmediata o de buscar alternativas de connotar la
aniquilación. Mas no se vea una causa y efecto entre las guerras mundiales y la búsqueda de una
noción “por encima de la realidad” (surrealismo) ya que suena a metafísica, siendo diversos
intentos a lo largo de la historia del humano ha llegado a intuir o buscar un plano trascendente, he
ahí el plano mitológico. Sin embargo, en la década de 1920 entre las dos guerras mundiales,
siendo una derivación del grupo dadaísta, cimentando su ideales en el psicoanálisis freudiano, se
crea el surrealismo.
Características pictóricas.
Toman el uso de símbolos como arquetipos que manifiestan
el estado profundo de la psique humana, proviene de la
teoría de la personalidad propuesta por Sigmund Freud,
padre del psicoanálisis.
L os objetos estéticos del surrealismo tienen por contenido
material del inconsciente haciendo referencia a lo onírico y
creando a través de los arquetipos que la mente puede capturar, y en el sueño afloran, confrontan
un misterio del humano. Si bien Freud había manifestado que podíamos encontrar el material de
inconsciente en los sueños o en los saltos del inconsciente al consciente, situando esto en errores
en el habla o los chistes, según Freud , son manifestaciones puras del inconsciente, que se
encapsulan en simbolos los cuales llegaran a ser interpretados por un psicoanalista.
Los recursos del surrealismo indagan y plasman en sus obras un automatismo psíquico, siendo
que no buscan la modificación ya que buscan la captura de los simbolos de contenido onírico. La
representación se asocia con los contenidos mentales, asi que, los cuadros presentan una
tradición pero con un contenido onírico. Utilizan el collage, frottage, fumage, grattage,
assamblage y la técnica creativa de los cadáveres exquisitos; siendo el antecedente y su génesis
dadaísta. Tal como en los sueños, el pensamiento se ve aletargado y la imaginación se desata
hasta un extremo el cual refleja objetos sacados de contextos; la razón la da la neurociencia,
quien afirma; al dormir el lóbulo frontal encargado del pensamiento racional, su actividad se ve
disminuida y el lóbulo occipital encargado de la visión actúa junto con la memoria sincronizando el
contenido de imágenes evocadoras e irracionales. No solo en cuanto a objetos, sino en seres
hibridos con una mezcla morfológica diversa y ubicados en un contexto ajeno. Son obras
imaginativas, provocadoras, no-represivas y que apuestan al asombro por su complejidad y
multiplicidad de visiones.
El erotismo es un tema recurrente por su asociación con la teoría de personalidad del
psicoanalista nacido en Viena, Sigmund Freud, el cual habla de la energía psicosexual reprimida y
su manifestación en el desarrollo y su encuentro con la enfermedad psíquica (neurosis, psicosis,
mania…). Algunos sinónimos descriptivos de esta corriente son: Irracionalidad, espontaneidad,
escapa a la monotonía, intuición e imaginación excelsa

Cubismo
Se sitúa como un movimiento que tiende a mostrar una faceta totalmente diferente a las habías
por el arte occidental, el situar a la forma como patrón a seguir en la composición estética, crea
una ruptura ante los objetos antes concebidos. Quien manifestó el criterio nominal a esta peculiar
manifestación artística, fue el critico Louis Vauxcelles quien expreso “es una pintura compuesta
por pequeños cubos”. Alberga el surgimiento a este movimiento los violentos sucesos de las
grandes guerras, su nacimiento data el periodo de 1907 a 1914 en Francia. El uso de la forma
geométrica como representación de la realidad parte de un planteamiento filosófico que
rastreamos históricamente con la secta pitagórica, quienes intelectualmente creían que el mundo
tenia una correspondencia necesariamente numérica, las figuras geométricas resultaron las
formas dotaron de identidad a la realidad pitagórica. Tesis que se abandono tiempo después con
el auge de los grandes sistemas griegos, Platon y Aristoteles, sino hasta Johannes Kepler intuía
un cosmos regido por geometría.
El fundamento del cubismo que rompe con el precepto o paradigma renacentista es el de la
perspectiva, ya que si se observa un cuadro cubista no puede definirse que se lo que se mantiene
detrás o que silueta tienen los objetos, quedan reducidas a figuras geométricas, cuadros
trapecios, círculos, figuras distorcionadas pero con características geométricas. Este hecho crea
un incipiente sensación de profundidad, ya que podríase decir que no existe tal.
El uso de colores contrastan con los utilizados pro otros movimientos como el expresionismo; en
el cubismo se utilizan grises, marrones y verdes.
Como ya se dijo, el fundamento en cuanto a formas es la geometría, las cuales se disponen a
defragmentar las figuras y el espacio, por lo que genera un problema para percibir la perspectiva,
juega con la superposición de los planos, no puede ubicar el primer plano ni el ultimo, pero si hay
distinción de lo que las figuras representan.
La solidez es una faceta característica en su estructura, y como se comentaba anteriormente
intenta ser una confusión entre el espacio, fondo y figura.
La mayoría de los cuadros parecieran collages.
Dimensión conceptual

-Alternativa más cerebral ante el predominio del impresionismo
-Ruptura con el sistema de representación dominante en la cultura occidental.
-Renuncia al espacio unitario y al instante único y por lo tanto, una resignificación de la relación
entre la representación y la dimensión temporal y espacial.
-Búsqueda de alternativas de representación en culturas primitivas
-Autonomía del cuadro frente a la realidad
-Asimilación de la realidad plana de la pintura como espacio pictórico (ya no la realidad para
representarla, sino la presentación de la realidad propia de la pintura)


Expresionismo
Reseña histórica
El movimiento expresionista tiene como cuna la nación alemana, a inicios del siglo XX, que toma
su antecedente en Francia con el fovismo; el cual intentaba explorar colores de una manera
versátil y subversiva, al frente de tal movimiento versaban nombres Henri Matisse y Alfred Henry
Maurer. El expresionismo es identificable con una reacción al impresionismo, conlleva a una
heterogeneidad de conceptos que vibran en el bagaje intelectual, es decir, comprimió la aversión
ante las posturas positivistas quienes ejecutaban un arte apegado a la naturaleza, postura que al
expresionista intentaba huir, siendo pues, la tesis en contra del positivismo una búsqueda de un
arte personal e intuitivo. Parafraseando, el positivismo plasma a la realidad (naturalismo) mientras
que del otro lado, se buscaba una visión introspectiva del artista
(expresión). Con tal afirmación el expresionista busca dar
prioridad a la subjetividad aunque no se deslinda de la realidad,
pero si la dota de su yo, haciéndola propia. El origen anglo del
movimiento tiene un contexto que lo
nutre, se llego en el periodo post primer
guerra mundial y su auge en el lapso
entre el final de la primer guerra mundial
e inicio de la segunda. Por lo que se llega
a asociar la representatividad de los eventos bélicos con el
contenido e intención expresionista.
Características del expresionismo
El patrón que sigue este movimiento es radical y totalmente subjetivo. Proporciona miradas
encarnadas en el cuadro sobre la realidad, pero encontraremos una mutación de la misma. Es
decir, la forma de la realidad será manifestada como un moldeamiento de los objetos por la
perspectiva del artista. Por lo que, todo lo que represente la obra de arte, en cuanto a realidad, su
carácter mimético se vera transformado por la interioridad, no encontraremos líneas horizontales
o rectas, sino descubriremos formas acordes a la emoción. El objeto estético expresionista intenta
ser llamativo, tal como la esencia de la expresión, creando un propósito, o mejor dicho, no
expresamos algo de la nada; mantenemos una pre expresión, un evento desencadenante, y
buscamos llegar a algo con la expresión, dado que por algo la externamos, connotación de dolor
de agrado, de expansividad, de estado de ánimo cabizbajo…
La deformación es un atributo de la expresión, conlleva a la naturalidad de la emoción misma,
recordemos situaciones en las cuales la facultad emotiva hayan exacerbado
las dimensiones de los hechos, esto conlleva a frases de la vida cotidiana
como “me quiero morir” o “es lo peor que me ha pasado”… todo esto cuando
la emotividad supera la cognición y las conductas. Sin embargo, en el
contenido de la obra es fácil distinguir una obra expresionista de su
negación, por lo enfático que llega a detonarse el elemento físico (luz, color,
piedra, movimiento…). En artes plásticas se vislumbran contrastes de
colores intensos, líneas quebradas o en ondulación, denotando dinamismo afectivo, partiendo de
trazos fuertes y evidentes, no tratan de estilizar el color o de suavizarlo. Podremos percibir
rupturas y cambios frenéticos, por lo que se impone como una búsqueda distinta al “cuidado” de
las formas y contenidos, proclama una atmosfera afectiva que arropa la percepción, y se vale de
exagerar los rasgos físicos con el fin de utilizarlo como medio. Sinónimos de lo anterior:
gestualidad, contundencia y velocidad. Sin duda, el expresionismo es una tendencia no-represiva,
energética y peculiar, intenta escapar de los academismos. Sus exponentes clásicos son : Ernst L.
Kirchner, Schmidt-Rotluff, August Macke, Emil Nolde, Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee,
Otto Dix, entre otros.

Arte y símbolo
Anticipatoriamente se ha tratado de descifrar la diferencia a un humano de una bestia, y digo descifrar puesto que tiene un aura de misterio. Se pueden arrojar datos cuantitativos, que partan del organismo, encontraremos un sin número de contrastes con los determinismos biológicos en el cual viven los animales, los instintos. Vislumbraremos diferencias cerebrales, sistemas corporales complejos, procesos químicos diversos, etc. Fuera de ello, las cualidades de distinción de uno y otro son difusas, se dividen las opiniones en cuanto a los atributos característicos de la especie humana, arrojan hechos en cuanto a el lenguaje, la inteligencia, la conciencia, la razón, el aprendizaje… cada una de las categorías anteriores son fáciles de refutar, debido a que en ellas al menos hay algún animal que puede superar al ser humano. Detrás de las categorías antes mencionadas, funge el factor distintivo del humán con las bestias, y es la capacidad simbolizadora. El símbolo está detrás de las cualidades del humán, es el atributo que ha llegado a institucionalizarlo dentro de la naturaleza, el símbolo es la chispa de inicio a la cultura siendo el nexo con la naturaleza humana. “La ausencia del símbolo, limitaría al humano a los instintos”. Diversos filósofos nos adentran en el universo del símbolo, para Hegel será la manifestación del hombre mismo, de su interioridad. El arte será la marquesina ideal para la labor simbolizadora, ya que exige más que la captación del mismo, entre ellas las facultades del pensamiento y la intuición son necesidades para el uso y recepción del mismo. Sin embargo, no quiere decir que no encontremos símbolos fuera del arte; la ciencia, el lenguaje, la filosofía, la religión, son algunas de las áreas donde puede encontrarse, se vuelve multidisciplinario a la vez de multifacético. La incursión del símbolo en el arte provee de acceso a la comprensión y comunicación, vehículo de expresión, coloquialmente se dice “una imagen más de mil palabras”, donde la imagen es un símil del símbolo. Podríamos afirmar que el símbolo es un atajo epistemológico (conocimiento no solo lógico-matemático, sino sensorial en el caso del arte), que sintetiza o captura una complejidad de significados. Los psicoanalistas como Jung o Freud, ejemplifican su uso como una manera de descubrir o desentrañar el contenido más profundo de la psique, contenido en el inconsciente y sus manifestaciones son a través del simbolismo. La raíz etimológica del “símbolo” proviene del VERBO griego symballesthai

 que significa reunir, juntar, asociar. Es sutilmente interesante que nos refiramos a un verbo como germen de la palabra, pues conlleva a una acción, la cual consistía en la ruptura física de un objeto, ya sea una tablilla o moneda, cuando se despedían dos amistades en la Grecia antigua, el objeto dividido lo guardaban indefinidamente hasta que parientes de la misma familia re-unían el objeto. El signo es un es algo determinado por el contexto, si se quiere arbitrario, el cual puede modificarse a voluntad, por ejemplo, desde ahora puedo poner claro que para referirme a la letra “a” en este texto usare el numero “9”, lo único que hice fue modificar los signos, que entiéndase como el garabato que llamamos letra, numero, punto, etc. Con esto es evidente que es concretitud, porque se

que se mueve dentro de dos coyuntos. “El símbolo es una manera de hablar del ser en aquellos aspectos del mismo que no son directamente aprehensibles por la intuición sensible o el conocimiento discursivo. El símbolo no intenta ser como el signo. en el espíritu de una comunidad. El nos abre ciertos planos de realidad que de otro modo no sería accesibles El símbolo es un vehículo para transmitir Encontramos en el arte el campo donde el símbolo se encuentra como su lugar idóneo 1 Estetica.”1 La realización simbólica. p. lo abstracto y lo concreto. El símbolo es un participante de la realidad. son formas del pensamiento colectivo. Lo cual genera una polaridad.refiere a una realidad inmediata. la inducción. intenta ser permanente. Encontramos en los mitos una múltiple participación de los símbolos como la comprensión de fenómenos. sino que han surgido y se han desarrollado en el seno de un pueblo. Según Aristóteles.452 . ¿Qué tanta referencia tiene un símbolo con la realidad inmediata? Colebridge dice “participa de aquella realidad que se hace inteligible a través del mismo símbolo”. tales como la deducción. abre planos de realidad a los cuales no podríamos acceder. el ser se dice de muchas maneras. al grafo. pero si parte de el. la intuición y la imaginación. “los símbolos no deben su origen a una voluntad intencionada o arbitraria.” • • • • • • El uso de símbolos implica una actividad cognoscitiva. Lo cual genera un problema categórico. tanto para quien lo ejecuta como para quien lo percibe conlleva al uso de múltiples facultades. A su vez.

el insecto ubicado en un plano real y los tigres en un plano onírico. Muere en 1989. era resaltador.Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech Nacido en Figueras. Su andar. ya ha sido utilizado por otros pintores como Francisco De Goya. se describía a si mismo como “el divino”. en 1904. Su cuadro representativo es “la persistencia de la memoria”. sin dejar de ser un caballero. de niño visitaba su tumba. solo podemos ver una parte de ello. siembra seducción en el espectador por su desnudez e incluso por la postura de la mujer. incursiono en la pintura. pero resulta metafórico entre el arrojo sobre ella y lo sexualmente provocativa de su situación El elefante con alargadas extremidades injiere un toque de irrealidad e irracionalidad El islote lo asocio con el fundamento del psicoanálisis en utilizar la forma de un iceberg como la estructura de la psique humana. era el surrealismo. acto de un trasfondo libidinal y sexualmente catártico . afirmando que lo inconsciente es lo que abarca más espacio y está debajo del agua. su imposibilidad de tener la espalda levitando y la cadera en la plataforma. La mujer se encuentra en una postura receptiva. El arma representada sujeta una asociación entre el aguijón de la abeja. en completa laxitud. la personalidad de Salvador una de las figuras representativas de surrealismo. depredadores de enfatizada fuerza arrojadas ante el cuerpo femenino. pero Dalí no era surrealista. todo el conjunto conlleva a representar pulsiones o fuerzas psíquicas de agresión. desde luego el cuadro no se refiere a devorar a la mujer. ya que tuvo un hermano difunto por catarro con su mismo nombre. Sus trabajos se percibe una admiración por el arte renacentista. connotando sensualidad. En dos planos distintos. es una metáfora de la tentación. España. El cuerpo de la mujer recostado sobre una placa. Excéntrico e histriónico. Muchos de sus cuadros contemplan las pulsiones hacia su amada Gala. provenientes de un símbolo erótico como la granada y dirigidos a desembocar en un cuerpo desnudo. Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar / Oleo La disposición de insertar fieras. La postura de la mujer “reta” a las leyes de la gravedad. da pista de que se trata de un sueño. realizo trabajos con Luis Buñuel. era narcisista y megalómano. La relación del uso de los tigres con una abeja (ubicada en el titulo) alude a la simbiosis por sus franjas de ambos animales. En el cine. escultura. el dibujo y la fotografía. El fruto y el cuerpo femenino son la misma situación.

caracterizada por la represión del cuerpo y retomando los valores apegados a la restricción del cuerpo femenino. El hibrido entre bestia-humano es visible por la omisión de rabo y por la postura erecta . quien generaba platicas acerca de las obras de arte y ampliaban sus conocimientos. . Existe una dualidad en el personaje femenino. El trabajo de Domínguez se caracteriza por su virtuosismo y mezcla del pasado. Es la representación del pecado capital de la vanidad. El uso de cuernos se asocia con la figura diabólica que arremete contra la vida humana con perjuicio y pecados. en diversas culturas las deidades (tanto benignas o malignas) son simbiosis entre la bestia y el hombre. Chihuahua en 1942. desde luego la cabeza es totalmente bestial. En 1970 ingreso al equipo de museografía del Museo del Virreinato de Tepotzotlan. tanto para resaltar virtudes como vicios. el espejo cumple un elemento enfático del narcisismo que proclama este pecado capital. los cuernos son representados para agredir. tuvo su primer contacto pictórico con una señora de nombre Doña Carolina Estavillo. detrás de toda esa vestimenta victoriana. La vestimenta de la mujer la ubica en una época victoriana. la adoración a sí mismo no sería posible sin una visualización de uno mismo. Es representativo la serie dedicada al “matrimonio Arnolfini “ La vanidad / Oleo sobre tela / 130 x 150 cms El uso del minotauro conlleva a la presentación de algo herético. que sucita mucha elaboración y ostentosidad son obstáculos para la tentación. intimidad y generar miedo.Benjamín Domínguez Barrera Nacido en la ciudad de Jiménez. porque una mano realiza una manifestación de culpabilidad y la otra la ejecuta. La expresión de la mujer infiere vergüenza y pudor. Realizo encargos de publicidad para un cine local. descubrió su vocación y viajo a la ciudad de México para convertirse en pintor.

arboles. la distinción entre dos mundos. el cual tenia una postura dual ante la mimesis. el brinco de los pájaros.( la mimesis del artista) de la copia (el mundo de las cosas) Lo cual le valió para ser excluidos del estado ideal. Es decir. la sustancia que generara el todo. las nubes. concebía la mimesis como una finalidad. era un intento por encontrar la arje. sino sincroniza su atributos expresivos para crear lo que en la literatura nos evocan las imágenes a través de la letras. que desembocaba en un fin concreto. El carácter artístico ante Platón no tenía una importancia. Recordemos que los griegos apuestan por la verdad. siendo unos falsos civiles quienes no apelaban por la aproximación al mundo de las ideas. No solo es cuestión de imitar por imitar. el episodio anterior al Estagirita y a La Academia. Encontraremos en esculturas pocas manifestaciones miméticas. los arquetipos de los cuales el filosofo le instaura como lo real. como una búsqueda de lo que permanece. tal como la concibió Platón. es la imitación de los arquetipos de la realidad. quien su figura era la de Platón ( ). la teoría platónica de la realidad. Tanto Platón como Aristóteles son esencialistas.Arte y mimesis La aparición de la mimesis dentro del discurso filosófico. paradójicamente a nuestra visión actual encontraban la trascendencia en la physis. proviene desde la maduración de la escuela clásica en la Grecia antigua. lo que infiere que difícilmente encontraríamos cuerpos o formas como lo manifestaron los griegos en sus objetos estéticos. no encontraremos realidad en lo empírico. siendo el objeto de imitación de los artistas. lo cual tiene lleva sujeto mimético. ya que tal como lo era el mundo de las cosas. lo que hace partícipe a los movimientos de objetos que encontramos en la experiencia inmediata. siendo esto la eternidad. el de las ideas y el de las cosas. era un imitador de los arquetipos provenientes del topos uranos. de ahí que la filosofía tuviera importancia “espiritual”. Digamos que obtendríamos una copia. disponía a un Platón volcado hacia el mundo ideal. eran como si reafirmaran la realidad inmediata y rechazaran o se alejaran de la realidad ultima. ya que se caracteriza por una exageración de la belleza. porque tanto el sofista (quien realizaba actividades retoricas) como el poeta y el artista. etc. Siendo dos posturas que determinaron la visión de la mimesis por tiempo prolongado. . El artista encaminado en la mimesis se convierte en un espejo que dota de vitalidad al objeto que es percepción. inscribe esta fusión de la episteme con la trascendencia. el cual inscribía los fundamentos. La mimesis. la comparación y la semejanza. sino en lo ideal dado que esto no se manipula o se trasgrede. ya que el participe mimético no imita porque lo percibe. Entendiendo esto. El estagirita. la escuela griega lleva un estrato disminuido esta polaridad.

la principal es ser una ejecución o una representación. Los atributos de los objetos estéticos del periodo antiguo. la representación escapa de ser literal o perfecta. pues no podemos decir que la obra de arte es mimética. apegadas a la matemáticas. Por su parte el realismo se muestra en oposición a lo abstracto. encontraremos mas objetividad dentro de las manifestaciones miméticas ya que la imitación requiere datos sensoriales apegados a lo imitable. tales como el estado anímico. sino es representativa. que no encontremos abstracción. la información sensorial no llega en su totalidad a la conciencia. el primero es un fundamento un tanto idealista pero que trasciende la apariencia sensible. se necesita un factor abstracto para denotar la captura en el objeto estético. Recapitulando. encontrando el tamaño de la escultura de 7 cabezas y teniendo otro tipo de cálculos para cada parte del cuerpo. con llevan un uso meticuloso de la armonía y la simetría. con su clausula de estar disminuido ante el objeto desde sus facultades perceptivas. el arte griego antiguo se valía de la mimesis pero hacia una exageración estilizada de la realidad. Algunas palabras que sirven de asociación a esta modalidad en el arte son: Naturalismo y realismo. el imitador de la realidad se sabe que su mimesis no es total. pero igual no será nocivo ampliar el tópico. por l tanto: la obra de arte es una representación. . es decir. La obra de arte evoca y suscita en su esencia las apariencias y entidades del mundo empírico. El artista se propone recrear la realidad o al menos respetarla. existe la limitación perceptiva que condiciona la ejecución del artista. Ya tocamos un poco el tema del arte griego. Incluso las percepciones se ven afectadas por factores ambientales e interpersonales. al punto de tener proporciones “perfectas”. Dado que la imitación tiene diversas limitantes. Su limitación es que nunca va a llegar a ser como el objeto imitado. Ambas son características de llevar la inquietud mimética. sin embargo no las reproduce en su literalidad óntica. Aunque no quiere decir esto. Sin embargo la mimesis como la reproducción imitativa de un hecho ideal no puede ser una mimesis total ya que los sentidos no logran captar ni retener toda la realidad circundante y ante esta carencia siempre se da una selección de datos que en ocasiones sueles distorsionarse antes e llegar al nivel de conciencia debido a: situaciones anímicas y sensoriales o por condicionamientos culturales o históricos. Le exige realidad.El problema de superar la realidad Es poco usual encontrar un arte que no refiera a una situación o que manifieste un anclaje en lo real. sin llegar a transgredirla. siendo que los sentidos no pueden capturar en su totalidad al objeto. A su vez. La mimesis reitera una exacerbación hacia al objeto. Por lo tanto.

siendo aprendiz de José Luzan. “Saturno devorando a sus hijos” y “los desastres de la guerra” (grabado). se encuentran los cuadros. titulados “Pinturas oscuras”. la mimesis es una sustracción de la realidad pero nunca es una superación. y en el cuadro se manifiesta como si estuviera posando. Hay una cualidad del cuadro que es sumamente sugestiva. que ejemplifica una sustracción fiel de la realidad. Autoretrato en el taller / Oleo Por la luz del cuadro se infiere una espacialidad y un tiempo determinado Francisco De Goya emprende un autoretrato. . Ningún elemento suele resultar ajeno al lugar ay la acción Juega con la posibilidad de superar la situación y crea una mimesis de la mimesis. representa una representación. Su obra abarca el caballete. Ejecuta una congruencia con lo que hace. Lo cual pudiera generar una profundidad característica de los fractales. los instrumentos necesarios para la realización pictórica se encuentran en la mesa.Francisco De Goya y Lucientes Nacido en 1746 en Fuentedetodos. Lo cual es paradójico pues no puede posar para si mismo. Es decir. Muere en 1828 en Francia. Desde joven De Goya se intereso por la pintura a la edad de 14 años. La Quinta del Sordo. También realizo trabajos de grabado. España. Además. Pinta que se está pintando o pinta lo pintado. El problema mimético es encausado aquí. Sus trabajos más representativos son la serie de cuadros que utilizo para decorar su casa de campo. “La maja desnuda”. siendo una difícil labor. el mural y el dibujo. el cuadro lo llama autoretrato. “la maja vestida”. dado que es un cuadro pintado en su taller y la representación es una acción del mismo cuadro. un pintor local.

Es decir. Muere en 1926. Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar / Oleo Los riscos de Etretat/ Oleo / 1885 La luz del sol es percibida con una tonalidad que dota de calor al cuadro. Siendo una manifestación fiel de la realidad. como en una fotografía. . El paisaje denota un sin numero de cualidades reales. Los trazos de la pintura son cuidados para determinar la carga de realidad. sol naciente doto nominalmente al movimiento. En su conjunto el cuadro funciona como un balance. De inigualable gusto por los jardines y la vida botánica. siendo la pintura Impresión. Monet. pequeños barcos y las tonalidades de los rayos del sol. las nubes. aun siendo que no ha sido percibido por quien ve el cuadro. No existe un solo elemento que proporcione sospecha de que el lugar no exista. Su característica con el pincel es el manejo de la luz. experimento en un inicio de su carrera cuadros que llegaban al realismo para a la mitad de su carrera fuese identificado el estilo impresionista. si nos alejamos lo suficiente (ontológica y ónticamente) podremos creer que el paisaje está ahí. Se puede observar los objetos miméticos. tales como las piedras.Claude Monet Nacido en 1840 en París. el agua.

inducción o por intuición. Al escuchar sinfonías de Beethoven inferimos ya sea por deducción. es la enmarcación de la subjetividad. Dentro del arte. en cuanto a si las emotividades pueden ser objetivadas y estas pueden ser distinguidas por los demás. es decir. perciben la afectividad en la esfera de la sensación. pues tiende a ser hecha hacia alguien que lo perciba. en el cuadro permanece algo personalista del autor (por mas redundante que se escuche). El arte es afectividad. que cuando se habla de arte. no se expresa con la particularidad de ser expresión. entre el individuo o el ambiente? Siendo este un factor denotativo en la obra de arte. Si la expresividad tiene referencia directa o se anclo de manera sutil (sea por azar o por intención del artista) con un evento de índole social. La etimología de la palabra expresión proviene del latin expressĭo. al igual que psicólogos cognitivos conductuales. La característica del arte es ser un vehículo expresivo. el arte es comunicación. definición 4. episteme y la sensación. Pudiésemos decir. además la obra tiene una connotación propia e independiente. la psicología del arte plantea un problema que apareció desde que la psicología es. y en el caso de la expresión.es . ya que está cargada de expresividad y contiene signos afectivos propios. ética. es la expresión. llegamos a comprender el factor emotivo y personal del autor. Incluso es tema de estudio para algunos psicólogos humanistas. que usualmente propone salida o hacia afuera. Donde.” . pero a su vez exime una necesidad ontológica de transmisión. haciendo énfasis en el uso de las formas y los contenidos enraizados a lo personal. El primero y característico. Hasta aquí. viajaremos al esquema usado por los filósofos griegos donde distinguían entre la división de la filosofía entre ethos. infiere un sin numero de atributos en las obras de arte. el arte es una subjetividad objetivada. -ōnis y según el diccionario de la real academia española. para esto comprende la experiencia propia del autor que termina siendo plasmada en un objeto. www. el ambiente. epistemología y estética. la expresión apela a ser parte de una vivencia. A su vez. Es claro ver. aunque esto se vuelva en un problema filosófico. manifiesta una definición que le concierne a las actividades estéticas “Viveza y propiedad con que se manifiestan los afectos en las artes y en la declamación. estamos refiriéndonos a la connotación sentimental tanto del autor como de la obra. aunque el filosofo Samuel Ramos manifieste que cuando el artista crea su obra su vinculo termina. sea en potencia o en acto.Arte y expresión La modalidad del arte que precisa adecuadamente el siguiente fundamento estético. podemos ver una diada entre el vinculo expresivo del autor con el espectador de la obra. La expresión como tal. esta misma puede ingerir una repercusión en quien la ve.rae. Es decir. es comunicación afectiva. 2 2 Diccionario de la lengua española. por lo tanto. ¿por cuál factor se ve mas influida la psique (en este caso la afectividad). ejecución o realización de las obras artísticas. que cuando vemos un cuadro vemos la interioridad del artista. sino la expresión tiene una finalidad adherente. entonces los cuadros serán iconos del suceso. Sin embargo la significación de la obra es una vivencia del autor. Esto remite a un segundo atributo. es un condicionamiento conceptual vislumbrar la faceta expresiva. Para remitirnos a tal planteamiento. palabra: expresión. cuenta con el atributo lingüístico de “ex”. que exploran de manera vivencial el factor personal. su significado es apretar o presionar hacia afuera.

solo. Destacado por la fuerza afectiva de sus cuadros. Su madre y su hermana mueren por tuberculosis. Inicio con una carrera en ingeniera la cual deja tiempo después para iniciarse en la pintura. son perseguidos y censurados durante la expansión nazi. que manifiesta una abrupta expresión. Muere como siempre vivió. se decía que al igual de Da Vinci. era un estudioso de la anatomía. Los temas de sus cuadros son sentimientos y tragedias humanas que como la soledad. la melancolía y la muerte. No conocemos las motivaciones de sorpresivo grito. Las únicas líneas rectas son las del muelle. es un arrebato. lo que figura con una atmosfera misteriosa y también melancolica ya que es posible ver a la persona que grita en soledad. La deformación del cuerpo es evidente. tiene una connotación dinámica por sus colores y su verticalidad. el solo hecho nos atrapa. tal como si fuera un efecto de las ondas sonoras del grito. 1863. sin embargo. permanece en todo el cuadro. en 1944. es un violento grito que deforma y atraviesa todo los componentes e incluso el mismo sujeto quien lo expresa.Edvard Munch Nacido en Noruega. pero el se encargaba de distorsionar almas. El cuadro hace pensar que su presencia es insignificante. El grito(Slrik) / Oleo / 1893 La forma del cielo en el cuadro. Es incierto quienes serán los personajes que se encuentran al fondo del muelle. lo que le generaba una personalidad conflictiva. dando más fuerza a la presencia del individuo en plena expresión. . EL foco de atención se centra en la expresión del personaje central.

Frida ha sido tomada como un estandarte de la equidad de género. Su relación con el muralista Diego Rivera. su vida quedo condicionada al dolor por el padecimiento de poliomielitis y un accidente en el trasporte urbano. afirmando que lo inconsciente es lo que abarca más espacio y está debajo del agua. provenientes de un símbolo erótico como la granada y dirigidos a desembocar en un cuerpo desnudo. 1907. significaron los hechos que mantuvieran a la joven mujer postrada en cama. De niña. apasionada hasta con odio. Muere en 1954. de distintos gustos e ideologías. solo podemos ver una parte de ello. hija de fotógrafo. acto de un trasfondo libidinal y sexualmente catártico . Autoretrato/ Oleo Ln El elefante con alargadas extremidades injiere un toque de irrealidad e irracionalidad El islote lo asocio con el fundamento del psicoanálisis en utilizar la forma de un iceberg como la estructura de la psique humana. Kahlo dotaba a sus cuadros de atmosferas diversas. pasando por los resultados oníricos hasta las tendencias socialistas. todo el conjunto conlleva a representar pulsiones o fuerzas psíquicas de agresión. Sus cuadros representan el dolor tanto psicológico como somático.Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón Nacida en la ciudad de México. fue lo que la impulso a la pintura. fue conflictiva. Manifestando ser siempre la sombra de su marido. La relación del uso de los tigres con una abeja (ubicada en el titulo) alude a la simbiosis por sus franjas de ambos animales. El aburrimiento y el dolor. En dos planos distintos. El arma representada sujeta una asociación entre el aguijón de la abeja. el insecto ubicado en un plano real y los tigres en un plano onírico. Kahlo siempre estuvo en contacto con estímulos artísticos.

Según esta ley. “la figura no se percibe nunca como forma de solo una cosa concreta. que aparece desdibujado y tenue. Cuando nos referimos a la palabra forma. Sin embargo. de luminosidad o de distancia. Ver Algo implica asignarle un lugar dentro del todo: una ubicación en el espacio. o segundo plano. antes que nada. Aunque el todo se compone de sus partes. la visión siempre se compone de dos componentes. se refiere a que al . La figura sirve. No podemos conocer las partes tal como son sin conocer el todo. Morfe entendida como el contorno o conjeturando el aspecto externo de un ente. logramos asociarla con la palabra figura. Platon define lo bello e nterminos de forma pura (recordemos el mundo idealtrascendente donde se ubica la belleza). una figura principal y nítida o primer plano y el fondo. las cualidades del todo penetran y determinan las partes. sino siempre como de una clase de cosas” El todo aprehendido es más que la suma de sus partes. mientras que Eidos se designa al aspecto interno o esencia de un ente. luego Kant distingue entre belleza pura y belleza adherente. mientras que las partes conservan una cierta autonomía. Los psicólogos gestaltistas se apuntaron sus mayores triunfos en la psicología de la percepción. es si la obra de arte se puede considerar como solo forma o como contenido. Una de sus principales postulados fue lo que ahora se conoce como la Ley de la figura y el fondo (LFF). venga a señalar que figura proviene de morfe. La teoría de la gestalt es el principio de que toda percepción supone una forma de partes integradas aprehendidas en un mismo acto de intuición. La fuerza del todo y la de las partes están bien equilibradas de modo que el todo prevalece sin ser amenazado de escisión. Ningún objeto se percibe como algo único o aislado. y las partes son lo que son únicamente en el contexto del todo en el que son aprehendidas. forma de eidos. una puntuación en la escala de tamaño. El secreto de lo artístico empieza a develarse tan pronto se tiene en cuenta que toda obra de arte ha de ser visualizada como un todo. La LFF no se refiere a que en la visión misma (ópticamente) aparezca con figuras borrosas y otras nítidas. Aunque las partes que lo forman sean tenidas individualmente en cuenta – el quizá largo proceso de llegar a conocer la totalidad de la obra de arte-. para informarnos acerca de la naturaleza de las coas a través de su aspecto exterior. Esta disyunción presenta un sinfín de inquietudes reflexivas ante el objeto estético. no adquieren su plena articulación hasta ser percibidas como partes del todo particular en el que se insertan.Arte y forma Uno de los problemas filosóficos que presenta la estética. tienen distinciones.

Los objetos semejantes tiende a percibirse como parte de la misma figura. el fondo. Las figuras familiares y “autoexplicativas” conforman la figura. La ley de la proximidad Es otra ley gestáltica según la cual los elementos próximos tiende a agruparse. para ellos (a diferencia del resto de los varones) las plantas son la figura. mostrando irritación cuando los investigadores trataban de colocar “parches” inadecuados a las figuras. Junto con las leyes perceptivas. Ley de la forma completa el cerebro tiende a “cerrar” los objetos que no se dibujan totalmente. Ley de la semejanza. dependiendo de la actividad mental que en ese momento realiza el observador. Ley de la experiencia. no permitiendo que ningún tipo de interpretación ni recuerdo interfiera con el espectador. Wetheimer les daba a los niños figuras geométricas incompletas o rotas que ellos intentaban repara o completar. Existen una disposición del observador a encontrar un sentido en los objetos y situaciones buscando asociarlos a experiencias pasadas. el resto de los elementos.observar una escena evaluamos y resaltamos sus componentes de una manera psicológicamente diferente. El perro andaluz de Luis Buñuel es un intento de crear una película sin sentido. existe la ley de la buena forma o gute Gestalt. Esta ley se refiere al surgimiento de una tensión o desaprobación ante una estructura que “choca” al espectador y produce el impulso de modificar la estructura para mejorarla. Los botánicos son muy quisquillosos de la manera en que las plantas son representadas y siempre señalan solecismos vegetales. y Afrodita recostada. como le llama Wertheimer. el fondo. Ley de la pregnancia. En la figura se puede observar que no hay ningun cuadrado. el cual vive una experiencia contemplativa “pura”. el mismo objeto de una fotografía puede ser figura o fondo. Los adultos también poseen una exigencia de gute Gestalt: seguramente usted también tiene . De esta manera. La línea de arriba se percibe como cuatro grupos de dos mientras la inferior conforma dos grupos de dos.

con sus formas apacibles. a el mismo. los occidentales prefieren las figuras cuadradas como parte de ella mientras los polinesios prefieren las formas redondeadas. ¿cómo se establece la vivencia estética entre la obra y el espectador? Según al teoría gestáltica. superabundante y frenético. es decir. quienes anhelaban (y crearon) un arte asimétrico. además. sino aquella que reúna las cualidades compositivas que correspondan con el modelo concebido por el ejecutante. Hace falta un método que nos permita no sólo analizar el momento cristalizado de la percepción. por ella misma.una tía que siempre endereza los cuadros cuando llega una cosa pues. Una pregunta interesante surge aquí: ¿que tanto deseo posee una época en desarrollar un arte no gute gestalt? El arte renacentista. la gute gestalt no es algo absoluto. de un estado de ánimo. está muy distante del mismo concepto sostenido por los barrocos. el cual sólo revela el resultado final de una largo camino. en su opinión. Lo que los renacentistas consideraban una gute gestalt. . pero sin duda les resultaba aburrido a los barrocos del XVII. entre la estructura de la obra y la vivencia estética. esto se logra través de las leyes del isomorfismo. En efecto. agitado. asombrado. están desalineados. proporcionadas y en etéreo equilibrio quizás ha sido el momento cumbre del arte de buena forma. el impulso creativo. El espectador. existen niveles psicológicos de estructura similar que conducen de una manera lógica. es la utilización indiscriminada de la Gestalt para abordar un conjunto de problemas de naturaleza muy diferentes. Si antes criticamos a los psicoanalistas por querer reducir todo al complejo de Edipo. Las leyes de la Gestalt pueden clarificar algunos puntos de la contemplación artística pero no pueden explicar las modificaciones que la propia gute Gestalt ha sufrido a través de la historia. Sin embargo. a la comunicación de una expresión. debemos acercarnos a todo el proceso de nacimiento y formación del gusto estético en “vivo”. El problema aquí. La gute Gestalt no es necesariamente la figura más elemental y familiar que se pueda lograr. desandar el camino que conduce a la experiencia estética. ahora debemos señala que la Gestalt no puede. “entiende” la obra porque posee las experiencias previas que le permiten vivenciar. Sino.

solo podemos ver una parte de ello. provenientes de un símbolo erótico como la granada y dirigidos a desembocar en un cuerpo desnudo. El elefante con alargadas extremidades injiere un toque de irrealidad e irracionalidad La relación del uso de los tigres con una abeja (ubicada en el titulo) alude a la simbiosis por sus franjas de ambos animales. En 1906 para evitar la milicia y conocer vida artística. familia bien situada y que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media. acto de un trasfondo libidinal y sexualmente catártico . durante alrededor de diez años. pero resulta metafórico entre el arrojo sobre ella y lo sexualmente provocativa de su situación El islote lo asocio con el fundamento del psicoanálisis en utilizar la forma de un iceberg como la estructura de la psique humana. se muda a París donde conoce a Pablo Picasso y Georges Braque. Vive en un hostal sin baño en el Bateau-Lavoir de Montmartre. desde luego el cuadro no se refiere a devorar a la mujer. Hijo de padre merchante. Los primeros años vive dibujando para L'Assiette au Beurre y Charivari. todo el conjunto conlleva a representar pulsiones o fuerzas psíquicas de agresión. El arma representada sujeta una asociación entre el aguijón de la abeja. Muere en 1927. afirmando que lo inconsciente es lo que abarca más espacio y está debajo del agua.José Victoriano González-Pérez Nace en Madrid de 1887. depredadores de enfatizada fuerza arrojadas ante el cuerpo femenino. Periodico y plato de fruta / Oleo / 1916 La disposición de insertar fieras. Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. el insecto ubicado en un plano real y los tigres en un plano onírico. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid. En dos planos distintos.

iniciando a pintar paisajes. En su juventud se plantea firmemente en manifestar o tomar la naturaleza lo mas objetiva posible. Sus cuadros pasan por diversas etapas que van desde el impresionismo. el insecto ubicado en un plano real y los tigres en un plano onírico. solo podemos ver una parte de ello. pero resulta metafórico entre el arrojo sobre ella y lo sexualmente provocativa de su situación El islote lo asocio con el fundamento del psicoanálisis en utilizar la forma de un iceberg como la estructura de la psique humana. todo el conjunto conlleva a representar pulsiones o fuerzas psíquicas de agresión. afirmando que lo inconsciente es lo que abarca más espacio y está debajo del agua. Cuadrado negro / Oleo / 1915 La disposición de insertar fieras.Kazimir Severínovich Malevich Nace en Rusia en 1878. provenientes de un símbolo erótico como la granada y dirigidos a desembocar en un cuerpo desnudo. El elefante con alargadas extremidades injiere un toque de irrealidad e irracionalidad La relación del uso de los tigres con una abeja (ubicada en el titulo) alude a la simbiosis por sus franjas de ambos animales. depredadores de enfatizada fuerza arrojadas ante el cuerpo femenino. En dos planos distintos. desde luego el cuadro no se refiere a devorar a la mujer. acto de un trasfondo libidinal y sexualmente catártico . Ingresa a la escuelas de Moscú. El arma representada sujeta una asociación entre el aguijón de la abeja. Desde los cinco años ingresa a la Escuela de Agricultura. Muere en 1935. el suprematismo. hasta el movimiento del que fue creador.

situando esto en errores en el habla o los chistes. cimentando su ideales en el psicoanálisis freudiano. La representación se asocia con los contenidos mentales. su actividad se ve . quienes fueron los atrevidos de deformar la realidad inmediata o de buscar alternativas de connotar la aniquilación. confrontan un misterio del humano. Toman el uso de símbolos como arquetipos que manifiestan el estado profundo de la psique humana.Surrealismo Reseña histórica El grupo surrealista quien vislumbra como fundador es el literato francés André Bretón. Sin embargo. padre del psicoanálisis. siendo el antecedente y su génesis dadaísta. L os objetos estéticos del surrealismo tienen por contenido material del inconsciente haciendo referencia a lo onírico y creando a través de los arquetipos que la mente puede capturar. Si bien Freud había manifestado que podíamos encontrar el material de inconsciente en los sueños o en los saltos del inconsciente al consciente. Tal como en los sueños. los cuadros presentan una tradición pero con un contenido onírico. en la década de 1920 entre las dos guerras mundiales. al dormir el lóbulo frontal encargado del pensamiento racional. y en el sueño afloran. la razón la da la neurociencia. proviene de la teoría de la personalidad propuesta por Sigmund Freud. grattage. que se encapsulan en simbolos los cuales llegaran a ser interpretados por un psicoanalista. Utilizan el collage. se crea el surrealismo. al parecer las actividades bélicas hicieron resurgir un numero diverso de movimientos artísticos en posición de contrarrestar el sufrimiento o estragos que dejaron y buscan resurgir el espíritu. fumage. siendo diversos intentos a lo largo de la historia del humano ha llegado a intuir o buscar un plano trascendente. quien afirma. Los recursos del surrealismo indagan y plasman en sus obras un automatismo psíquico. he ahí el plano mitológico. siendo que no buscan la modificación ya que buscan la captura de los simbolos de contenido onírico. son manifestaciones puras del inconsciente. frottage. Mas no se vea una causa y efecto entre las guerras mundiales y la búsqueda de una noción “por encima de la realidad” (surrealismo) ya que suena a metafísica. el pensamiento se ve aletargado y la imaginación se desata hasta un extremo el cual refleja objetos sacados de contextos. asi que. siendo una derivación del grupo dadaísta. según Freud . assamblage y la técnica creativa de los cadáveres exquisitos. Características pictóricas.

No solo en cuanto a objetos. Son obras imaginativas. espontaneidad.disminuida y el lóbulo occipital encargado de la visión actúa junto con la memoria sincronizando el contenido de imágenes evocadoras e irracionales. no-represivas y que apuestan al asombro por su complejidad y multiplicidad de visiones. Sigmund Freud. Algunos sinónimos descriptivos de esta corriente son: Irracionalidad. provocadoras. escapa a la monotonía. psicosis. intuición e imaginación excelsa . El erotismo es un tema recurrente por su asociación con la teoría de personalidad del psicoanalista nacido en Viena. sino en seres hibridos con una mezcla morfológica diversa y ubicados en un contexto ajeno. el cual habla de la energía psicosexual reprimida y su manifestación en el desarrollo y su encuentro con la enfermedad psíquica (neurosis. mania…).

sino hasta Johannes Kepler intuía un cosmos regido por geometría. cuadros trapecios. El uso de la forma geométrica como representación de la realidad parte de un planteamiento filosófico que rastreamos históricamente con la secta pitagórica. El fundamento del cubismo que rompe con el precepto o paradigma renacentista es el de la perspectiva. y como se comentaba anteriormente intenta ser una confusión entre el espacio. ya que podríase decir que no existe tal. el fundamento en cuanto a formas es la geometría. quedan reducidas a figuras geométricas. su nacimiento data el periodo de 1907 a 1914 en Francia. Platon y Aristoteles. círculos. . ya que si se observa un cuadro cubista no puede definirse que se lo que se mantiene detrás o que silueta tienen los objetos. El uso de colores contrastan con los utilizados pro otros movimientos como el expresionismo. figuras distorcionadas pero con características geométricas. fue el critico Louis Vauxcelles quien expreso “es una pintura compuesta por pequeños cubos”. crea una ruptura ante los objetos antes concebidos. en el cubismo se utilizan grises. por lo que genera un problema para percibir la perspectiva. Alberga el surgimiento a este movimiento los violentos sucesos de las grandes guerras. fondo y figura. el situar a la forma como patrón a seguir en la composición estética. quienes intelectualmente creían que el mundo tenia una correspondencia necesariamente numérica. juega con la superposición de los planos. pero si hay distinción de lo que las figuras representan. Tesis que se abandono tiempo después con el auge de los grandes sistemas griegos.Cubismo Se sitúa como un movimiento que tiende a mostrar una faceta totalmente diferente a las habías por el arte occidental. Como ya se dijo. Este hecho crea un incipiente sensación de profundidad. las cuales se disponen a defragmentar las figuras y el espacio. Dimensión conceptual -Alternativa más cerebral ante el predominio del impresionismo -Ruptura con el sistema de representación dominante en la cultura occidental. no puede ubicar el primer plano ni el ultimo. las figuras geométricas resultaron las formas dotaron de identidad a la realidad pitagórica. Quien manifestó el criterio nominal a esta peculiar manifestación artística. La mayoría de los cuadros parecieran collages. marrones y verdes. La solidez es una faceta característica en su estructura.

una resignificación de la relación entre la representación y la dimensión temporal y espacial. -Búsqueda de alternativas de representación en culturas primitivas -Autonomía del cuadro frente a la realidad -Asimilación de la realidad plana de la pintura como espacio pictórico (ya no la realidad para representarla.-Renuncia al espacio unitario y al instante único y por lo tanto. sino la presentación de la realidad propia de la pintura) .

Es decir. sino descubriremos formas acordes a la emoción. El objeto estético expresionista intenta ser llamativo. Características del expresionismo El patrón que sigue este movimiento es radical y totalmente subjetivo. de expansividad. El expresionismo es identificable con una reacción al impresionismo. y buscamos llegar a algo con la expresión. la forma de la realidad será manifestada como un moldeamiento de los objetos por la perspectiva del artista. Proporciona miradas encarnadas en el cuadro sobre la realidad. en cuanto a realidad.Expresionismo Reseña histórica El movimiento expresionista tiene como cuna la nación alemana. al frente de tal movimiento versaban nombres Henri Matisse y Alfred Henry Maurer. su carácter mimético se vera transformado por la interioridad. se buscaba una visión introspectiva del artista (expresión). Por lo que. siendo pues. tal como la esencia de la expresión. connotación de dolor de agrado. dado que por algo la externamos. o mejor dicho. Con tal afirmación el expresionista busca dar prioridad a la subjetividad aunque no se deslinda de la realidad. pero si la dota de su yo. El origen anglo del movimiento tiene un contexto que lo nutre. no expresamos algo de la nada. la tesis en contra del positivismo una búsqueda de un arte personal e intuitivo. que toma su antecedente en Francia con el fovismo. a inicios del siglo XX. el cual intentaba explorar colores de una manera versátil y subversiva. conlleva a una heterogeneidad de conceptos que vibran en el bagaje intelectual. haciéndola propia. el positivismo plasma a la realidad (naturalismo) mientras que del otro lado. es decir. creando un propósito. Por lo que se llega a asociar la representatividad de los eventos bélicos con el contenido e intención expresionista. pero encontraremos una mutación de la misma. postura que al expresionista intentaba huir. todo lo que represente la obra de arte. Parafraseando. mantenemos una pre expresión. comprimió la aversión ante las posturas positivistas quienes ejecutaban un arte apegado a la naturaleza. no encontraremos líneas horizontales o rectas. se llego en el periodo post primer guerra mundial y su auge en el lapso entre el final de la primer guerra mundial e inicio de la segunda. un evento desencadenante. de estado de ánimo cabizbajo… .

por lo que se impone como una búsqueda distinta al “cuidado” de las formas y contenidos. líneas quebradas o en ondulación. Schmidt-Rotluff. conlleva a la naturalidad de la emoción misma. y se vale de exagerar los rasgos físicos con el fin de utilizarlo como medio. Sus exponentes clásicos son : Ernst L.La deformación es un atributo de la expresión. Emil Nolde. August Macke. Franz Marc. denotando dinamismo afectivo. Paul Klee. Podremos percibir rupturas y cambios frenéticos. contundencia y velocidad. esto conlleva a frases de la vida cotidiana como “me quiero morir” o “es lo peor que me ha pasado”… todo esto cuando la emotividad supera la cognición y las conductas. entre otros. no tratan de estilizar el color o de suavizarlo. Vasily Kandinsky. Kirchner. por lo enfático que llega a detonarse el elemento físico (luz. proclama una atmosfera afectiva que arropa la percepción. energética y peculiar. en el contenido de la obra es fácil distinguir una obra expresionista de su negación. En artes plásticas se vislumbran contrastes de colores intensos. movimiento…). color. Sin duda. partiendo de trazos fuertes y evidentes. piedra. Sin embargo. el expresionismo es una tendencia no-represiva. Otto Dix. Sinónimos de lo anterior: gestualidad. intenta escapar de los academismos. . recordemos situaciones en las cuales la facultad emotiva hayan exacerbado las dimensiones de los hechos.