De donde surgió el cine alemán

Se desarrolla sobre todo a partir de la poderosa industria, que dándose cuenta de la propaganda política que podía hacer el cine funda la UFA en 1917. Nació con fines políticos. En 1921 la productora contrata a un colaborador llamado Erich Pommer, que es el auténtico genio de la productora. La productora UFA da lugar a la escuela expresionista alemana que depende estilísticamente de un movimiento artístico que se desarrolla en Europa. El expresionismo es una distorsión sistemática de la realidad y consiste en distorsionar la imagen para expresar a través de ella. La película expresionista por excelencia se titula El gabinete del doctor Caligari, pero previa a esta se rueda en 1923 El estudiante de Praga. Cuenta la historia de un muchacho llamado Balduino que por crear a una mujer vende su imagen reflejada en un espejo y esa imagen se convierte en un asesino. Junto con esta película se rueda otra titulada El Golem, en 1914 que también se considera un precedente al Doctor Caligari.

El Gabinete del Doctor Caligari cuenta con un argumento inspirado en una serie de crímenes de tipo sexual que se
habían producido en Hanburgo. El guión en su versión original narraba los crímenes cometidos por un sonámbulo llamado Cesare que estaba bajo la hipnosis del doctor Caligari. Esta figura de Cesare es el antecedente de los zombies. Este guión fue llevado a la UFA y se le ofreció a Fritz Lang que lo encontró demasiado truculento y pasó, entonces se lo dieron a un director desconocido llamado Wienne (1881 - 1938). El guión se suavizó con un prologo y un epílogo que convertía todo en las alucinaciones de un loco internado en un manicomio que creía que el doctor al cargo es demoniaco. Este prólogo y epílogo eran necesarios por que de lo contrario parecía un alegato antimilitarista donde se denunciaba al estado alemán que había masacrado al pueblo en su propio beneficio en la 1ª guerra mundial. Una vez que el argumento estaba solucionado, Wiener trató de rodar en vanguardia y para ello contrató a 3 pintores que pertenecían a un grupo de expresionistas alemán llamado Der Sturn. Estos 3 crearon una escenografía fantástica basada en elementos distorsionados como ventanas en formas de flechas, puertas oblicuas, pero todo está pintado, incluso las sombras que producen las cosas. Parece que esto fue a causa de un problema económico. El resultado es una escenografía vanguardista que obligó a los actores a ir dando saltos para poder llegar a la zona de luz, lo que hace que parezcan mimos. Esos actores llevan un maquillaje aumentado y actúan de forma rebuscada. La película sorprendió muchísimo en su momento suponiendo un éxito extraordinario y dando pie a que el cine alemán pasara a la categoría de arte. También dio paso posteriormente a otra película importante expresionista llamada El Gólem, de la que existía una 1ª versión de 1914 pero la que nos interesa es la 1920, fue escrita por Wegener, que será también el protagonista y el director. Cuenta una leyenda sobre una escultura realizada en arcilla a la que le da vida un rabino judío llamado Loew mediante procedimientos mágicos. Esta figura influye para que se evite la expulsión de los judíos de la ciudad de Praga. Toda la película se desarrolla en el barrio judío de Praga y tiene importancia porque la figura de Gólem será el futuro Frankenstein y sobre todo porque la destrucción del Gólem la lleva a cabo una niña que le entrega una manzana. El maquillaje de Gólem es espectacular. F.W.MURNAU (1888-1931).(762) Nació en el seno de una familia acomodada, estudió filosofía, literatura e historia del arte en Berlín. En 1910 entró en una escuela de teatro donde alcanzó un cierto éxito. En esta escuela de teatro fue actor y director y después de ver la película del Doctor Caligari se dedicó al cine. En 1921 rueda Nosferatu el Vampiro, su primera obra maestra, una adaptación libre de la novela Drácula que se publico en 1887. Esta película es de influencia expresionista aunque la va transformando con elementos realistas. Introduce elementos reales en una historia fantástica. El tema de la película es la obsesión por la muerte, felicidad de una pareja perturbada por mar y el papel expiatorio de la mujer que con su sacrificio derrota el mal. Está rodada en exteriores casi toda con lo cual rompe con la estética expresionista y utiliza también recursos técnicos que son de filiación vanguardista como es el acelerado y el ralentí, también el empleo del negativo para indicar el paso de lo real a lo imaginativo. Tuvo un éxito increíble, es lírica y romántica. En el 24 rueda su segunda obra maestra titulada El último. Es ya una película realista pero con algunos toques expresionistas sobre todo en la iluminación. Esta película cuenta la historia de un portero de un hotel de lujo que a causa de su edad es degradado y se le manda al servicio de los lavabos. El hombre se niega y sigue utilizando el uniforme para volver a su casa hasta que es descubierto por los dueños del hotel. Está rodada con una cámara dinámica con muchos travellings sobre todo subjetivo. Usa también los movimientos circulares de cámara y los movimientos de la grúa para utilizar el picado y el contrapicado.

Después de esta rueda dos más: Tartüff (1925) y Fausto (1926), pero no son trascendentales. Marcha a Hollywood donde inicia una nueva época, rueda aquí en 1927 Amanecer, donde combina el expresionismo alemán con el expresionismo realista de Estados Unidos. Es una película muy curiosa ya que los protagonistas no tienen nombre. La historia es una aldea donde vive un matrimonio feliz hasta que aparece una mujer que seduce al marido y lo convence para que mate a su mujer, el hombre intenta matarla pero se da cuenta de su error, el azar interviene, hay una tormenta, la mujer desaparece y al hombre intenta matar a la amante. Iconográficamente la película es muy interesante, la buena es rubia y la mala morena, cosa que usan mucho los Estados Unidos. Amanecer obtuvo 3 oscars, muy bien rodada. Después se marcha a los mares del sur y rueda Tabú (1930), esta película la rueda en colaboración con un documentalista Estados Unidos llamado Flaherty. La historia cuenta los amores de dos jóvenes de la isla de Borabora que se enamoran y piensan casarse, pero los sacerdotes deciden que la muchacha tiene que consagrarse a los dioses y es tabú para los hombres. Los amantes huyen de la isla, los sacerdotes alcanzan la canoa, cogen a la chica y el muchacho muere ahogado. No tiene nada que ver con el cine alemán, está rodada en exteriores. Murnau rodó en escenarios prohibidos para el hombre blanco, casi le echaron una maldición que se cumplió, se estrelló con su coche cuando iba al estreno de su película. Otro de los grandes directores fue Fritz Lang (1890-1976), junto con Murnau tiene el título de maestro de cine. Estudió bellas artes y estuvo metido en un grupo de vanguardistas. En la 1ª guerra mundial fue herido y escribió guiones en el hospital. Comenzó en el cine en 1919 pero su 1ª película importante fue Las tres luces (1921), que está rodada en Sketches. Se cuentan 3 historias de unos amantes que luchan contra la muerte, en 3 épocas distintas, en la China medieval, en Bagdad en la época de las 1001 noches y en Venecia en la época de los Duce. Aunque está rodada en estética expresionista sustituye los telones pintados por decorados corpóreos que se convierten en la señal de identidad de Lang. Después rueda El Doctor Mabuse, que es una película expresionista policíaca, en ella actúa como guionista la mujer de Lang, Thea Von Harbou, esta mujer trabajará con él en todas sus películas alemanas. Tras esta película rueda en colaboración con su mujer Los Nibelungos (1923-1926), que se divide en dos partes, la 1ª llamada La muerte de Sifilo y la 2ª La venganza de Crimilda, está inspirada en la ópera de Wagner y el guión está escrito por su mujer y tiene bastantes connotaciones nazis. Costó mucho dinero en su época pero la UFA la costeó porque se concibe como una epopeya alemana donde se quiso poner de relieve supremacía de la raza aria sobre el resto de los pueblos. Para rodar la película se utilizan los interiores y lo que se hace es construir escenarios a escala natural donde se representan catedrales, pueblos y bosques. Utiliza muchos trucos como por ejemplo lagartos maquillados. En este decorado el actor queda subordinado y parece un monigote, es una película fallida desde el punto de vista estético. Otra película es Metrópolis (1926), rodada como consecuencia de un viaje que realiza a NY, le impresionaron los rascacielos y pensó hacer una película basada en la ciudad del futuro, donde las máquinas se encargan de dirigir la ciudad y los destinos de las personas. Se divide la ciudad en dos partes, un mundo exterior donde viven los grandes señores y otro subterráneo donde viven los esclavos dominados por las máquinas, así un hombre crea una mujer, Eva, que incita a los esclavos a revelarse, a destruir a las máquinas pero con un resultado negativo porque los esclavos sufren las consecuencias de su acción. La última escena se desarrolla en el atrío de una catedral con una reconciliación simbólica entre el trabajo y el capital. El mensaje es que el héroe capitalista redime a los obreros de la tiranía de una mujer robot y revolucionaria. La película costó 6 millones de marcos de oro y lo más interesante es el decorado que influyó incluso en la arquitectura real posterior. La siguiente película fue La mujer en la Luna (1929), tras ella hay un periodo de transición en el que se acomoda al cine sonoro. Es la época de M(1931), basada en una serie de asesinatos de niños e interpretada por Peter Lorre en la que fue la mejor interpretación de su vida. El fondo de la película es la culpabilidad, en el sentido de que hasta que punto un hombre es responsable de sus actos y como la sociedad puede ser a veces más cruel que el propio asesino. Es una película que tiene mucho de documental por el hecho de la exhaustiva investigación realizada por el propio Lang antes de empezar el rodaje, investigación en la que se entrevistó con delincuentes, policías y psicópatas de todo tipo. Un rodaje que llevó tan solo seis semanas, la película es de un grandiosos impresionismo plástico y fue interpretada por muchos como una parábola del nazismo, pero pudo ser estrenada sin problemas.

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