communiqué

Bohèmes
26  septembre  2012  -  14  janvier  2013

Grand  Palais
entrée  Clemenceau
Cette   exposition   est   organisée   par   la   Réunion   des  musées  nationaux  -  Grand  Palais,  Paris  et   Fundación  Mapfre,  Madrid. Elle   sera   présentée   à   Fundación   Mapfre,   Madrid  du  6  février  au  5  mai  2013

Chantée,   filmée,   versifiée,   exaltée,   cent   fois   déclarée   morte   et   toujours   renaissante,   la   « bohème »   fait   partie   des   mythes   modernes.   Née   au   milieu   du   XIX e   siècle,   entre   Romantisme   et   Réalisme,   elle   accompagne   une   profonde   transformation   du   statut   de   l’artiste.  Désormais,  le  jeune  talent  ne  se  place  plus  sous  la  protection  de  quelque  prince :  il   est  ce  génie  solitaire,  misérable  et  incompris  qui  anticipe  les  convulsions  de  la  société.  Des   poètes   (Baudelaire,   Rimbaud,   Verlaine…),   aux   artistes   (Courbet,   Van   Gogh,   Satie,   Picasso…)  nombreux  sont  les  grands  hérauts  de  la  modernité  qui  ont  donné  un  visage  à  ce   phénomène.   Rebelles   à   toute   convention,   batteurs   de   pavé,   mangeurs   de   vache   enragée,   amateurs  de  femmes  et  de  boissons  ils  ont,  pour  des  générations  d’apprentis  artistes,  allumé   le   rêve   d’une   gloire   rédemptrice,   qui   ne   se   gagne   qu’au   risque   de   l’oubli   et   de   la   mort.    A   travers   la   littérature   et   la   presse,   le   théâtre   et   l’opéra,   la   bohème   a   très   vite   acquis   une   popularité  immense  ;;  elle  a  pénétré  l’imaginaire  collectif,  et  lié  à  jamais  l’image  de  Paris  au   Quartier  latin  et  à  Montmartre.   Depuis   une   vingtaine   d’années,   des   travaux   portant   sur   l’histoire   des   marginalités,   des   migrations   et   des   nomades   ont   renouvelé   l’analyse   de   ce   phénomène.   Le   mythe   de   la   bohème  s’inscrit  désormais  dans  l’histoire,  infiniment  plus  riche  et  plus  complexe,  du  rapport   des  peuples  européens  à  la  nation  rom.  Appelé  Égyptien  à  l’époque  classique,  puis  désigné   des   noms   les   plus   divers,   gitans,   manouches,   cagots,   le   bohémien   devient,   peu   après   son   apparition  en  Occident  au  XVe  siècle,  un  héros  de  roman  (Cervantes  le  premier)  et  un  sujet   de   prédilection   pour   les   artistes   (Callot,   Vouet,   Georges   de   la   Tour).   Le   mystère   de   ses   origines,   son   langage   longtemps   incompréhensible,   son   rapport   intime   à   la   nature,   sa   capacité  de  dire  l’avenir,  en  font  un  personnage  de  légende.  Ses  apparitions  et  disparitions   soudaines  alimentent  le  fantasme  d’une  vie  sans  attaches,  sans  règles,  intense  et  sensuelle.   L’artiste,  fasciné,  a  trouvé  en  lui  son  maître  en  liberté.   Bohémiens   et   bohèmes   ont   dès   lors   partie   liée.   Figures   de   la   liberté,   de   l’errance,   ils   partagent   marginalité   et   misère.   Insaisissables,   habiles,   initiés   à   d’inaccessibles   secrets,   définitivement  irréductibles  à  la  norme,  ils  troublent,  provoquent  et  enchantent  notre  société   sédentaire.  C’est  au  même  vocable  de  bohémien  que  l’on  a  recours  pour  désigner  la  vie  de   bohème  naissante.  C’est  un  même  emblème  de  liberté  irrépressible  que  le  régime  nazi  veut  

Vincent  van  Gogh,  Chaussures  (détail),  septembre  1886,  Amsterdam,  van  Gogh  Museum ©  van  Gogh  Museum,  Amsterdam  (Vincent  van  Gogh  Foundation)

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abattre  en  visant  les  tsiganes  et  les  artistes  modernes. Par   des   mises   en   relation   nouvelles   autant   que   sur   les   croisements   entre   les   disciplines   (peinture,  littérature,  photographie,  musique),  en  s’appuyant  sur  plus  de  deux  cents  œuvres   alliant  découvertes  inédites  et  prêts  exceptionnels  (La  Diseuse  de  bonne  aventure,  Georges   de  la  Tour,  Metropolitan  Museum  New  York,  L'Absinthe,  Edgar  Degas,  musée  d’Orsay,  Paris,   Coin   à   Montmartre,   Vincent   van   Gogh,   Van   Gogh   Museum,   Amsterdam,   La   Gitane,   Van   Dongen,   MNAM,   Paris…),  cette   exposition   ambitionne   d’apporter   un   éclairage   nouveau  sur   cette  histoire  commune. Servie   par   une   scénographie   de   Robert   Carsen   qui,   après   le   succès   de   Marie-Antoinette,   revient  au  Grand  Palais,  Bohèmes  est  une  exposition  à  vivre  comme  une  expérience.  Sur  le   long  ruban  de  la  route  que  l’on  emprunte  dès  l’entrée,  le  visiteur  traverse  les  siècles  et  croise   les  représentations  les  plus  pittoresques  du  peuple  errant.  Puis  il  est  admis  dans  l’univers  du   peintre,   sa   mansarde,   son   atelier,   ses   refuges,   pour   achever   sa   course   dans   les   cafés   de   Montmartre.  Lorsqu’au  sortir  du  cabaret  il  reprend  son  chemin,  le  visiteur  se  trouve  comme   dégrisé   devant   l’inauguration   de   la   salle   tsigane   à   l’exposition   Art   dégénéré   de   Munich,   en   1937. À   travers   un   voyage   de   cinq   siècles   et   une   quinzaine   de   thèmes,   Bohèmes   éclaire   un   phénomène  qui,   de   Léonard   à   Picasso,   traverse   toute   l’histoire  des   arts  et   des  sociétés,   et   résonne   encore   dans   notre   monde   contemporain.   Comme   l’opéra   de   Puccini,     cette   exposition   se   veut   un   grand   rendez-vous   populaire,   mêlant   la   fantaisie   et   la   gravité,   le   spectacle  et  la  mélancolie,  la  misère  et  la  gloire. ............................ commissaire : Sylvain Amic, directeur des musées de Rouen scénographie : Robert Carsen ............................
ouverture :  tous  les  jours  sauf  le  mardi  de   10h  à  20h,  et  nocturne  jusqu’à  22h  le   mercredi. fermeture  anticipée  à  18h  les  24  et  31   décembre.   tarifs : 12  €,  TR  8  €  (13-25 ans) gratuit    pour  les  demandeurs  d’emploi   grâce au soutien de la Macif, pour les bénéficiaires du RSA, du minimum vieillesse et les moins de 13 ans audioguides :  français,  anglais  et  version   adaptée  pour  le  jeune  public  en  français   location  à  l’entrée  de  l’exposition :  5  €     téléchargement  MP3  sur  rmngp.fr :  3  € accès :  métro  ligne  1  et  13  « ChampsElysées-Clemenceau »    ou  9  « Franklin  D.   Roosevelt » renseignements  et  réservations  sur   www.rmngp.fr publications :   catalogue  de  l’exposition,  ouvrage   collectif,  sous  la  direction  scientifique   de  Sylvain  Amic,  384  pages,  45  €   album  de  l’exposition  par  Florence   Hudowicz,  broché,  48  pages,  9  € le  petit  journal  de  l’exposition,  écrit   par  Sabrina  Dufourmont Éditions  de  la  Réunion  des  musées   nationaux  -  Grand  Palais,  Paris  2012 contacts  presse : Réunion  des  musées   nationaux  -Grand  Palais 254  –  256  rue  de  Bercy   75577  Paris  cedex  12 Florence  Le  Moing florence.lemoing@rmngp.fr 01  40  13  47  62 Julie  Debout julie.debout@rmngp.fr 01  40  13  41  36

L'exposition  est  réalisée  grâce  au  soutien  de  la  Macif

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sommaire
communiqué press  release   pressemitteilung   interview  de  Sylvain  Amic,  commissaire  de  l’exposition trois  questions  à  Robert  Carsen,  scénographe  de  l’exposition textes  des  salles proverbes  roms sélection  de  poèmes liste  des  œuvres  exposées         index  des  artistes  exposés quelques  notices  d’œuvres extraits  du  catalogue  de  l’exposition   le  catalogue  de  l’exposition Bohèmes,  la  bande-son :  visite  sonore  de  l’exposition la  visite  guidée  360  °         le  film  de  l’exposition     la  programmation  culturelle  autour  de  l’exposition           informations  pratiques     liste  des  visuels  disponibles  pour  la  presse mécène  de  l’exposition   partenaires  médias p.58 p.62 p.63 p.71 p.72 p.9 p.14 p.17 p.26 p.27 p.28 p.40 p.42 p.46 p.54 p.55 p.56 p.57 p.1 p.5 p.7      

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Bohème:   Nom  donné,  par  comparaison  avec  la  vie  errante  et  vagabonde  des  Bohémiens,  à   une  classe  de  jeunes  littérateurs  ou  artistes  parisiens,  qui  vivent  au  jour  le  jour  du   produit  précaire  de  leur  intelligence  […].   Mœurs,  habitudes,  genre  de  vie  des  mêmes  individus  […].   Un  genre  fantaisiste,  désordonné  et  désargenté  […].   Homme  gai  et  insouciant,  qui  supporte  en  riant  tous  les  maux  de  la  vie. Grand  dictionnaire  universel  du  XIXe  siècle,  Pierre  Larousse,  1867

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interview  de  Sylvain  Amic,  commissaire  de   l’exposition
D’où  vous  est  venue  l’idée  de  l’exposition ?   C’est  un  sujet  sur  lequel  j’ai  commencé  à  travailler  quand  je  collaborais  à  l’exposition  Gustave  Courbet   au  Grand  Palais  en  2007.  J’étais  alors  chargé  de  la  jeunesse  de  Courbet,  le  Courbet  romantique  qui   débute  à  Paris,  le  provincial  qui  lutte  pour  s’imposer  dans  la  capitale,  et  qui  établit  son  QG  dans  des   cafés   parisiens   comme   la   brasserie   des   Martyrs.   Tout   à   coup,   je   me   suis   trouvé   plongé   dans   les   Scènes   de   la   vie   de   bohème   d’Henry   Murger,   car   les   personnages   qui   ont   servi   de   modèle   pour   le   roman   et   ensuite   l’opéra   sont   pour   beaucoup   issus   de   l’entourage   de   Courbet,   que   ce   soit   le   philosophe  Colline,  inspiré  par  Marc  Trapadoux,  ou  le  musicien  Schaunard,  tiré  d’Alexandre  Schanne.   C’est  une  période  charnière,  à  la  sortie  du  romantisme  et  au  début  du  réalisme,  où  se  met  en  place  un   nouveau   statut   pour   l’artiste,   qui   va   devenir   la   référence   dominante.   J’ai   réalisé   combien   ce   phénomène   que   l’on   appelle   la   «   vie   de   bohème   »   allait   de   pair   avec   cette   transformation   fondamentale.   Ce   n’est   pas   simplement   une   séquence   pittoresque,   quelque   chose   de   l’ordre   d’une   bluette   sentimentale,   c’est   en   fait   un   processus   d’émancipation   si   important   qu’il   va   petit   à   petit   acquérir  un  statut  de  mythe  artistique.  Quand  il  a  fallu  mettre  un  nom  sur  ce  phénomène,  regrouper   ces   artistes   sous   une   bannière,   c’est   le   mot   de   bohème   qui   est   venu.   On   arrive   donc   très   vite   à   la   question   du   bohémien,   qui   en   est   indissociable,   et   on   prend   conscience   alors   de   la   profondeur   du   thème.   Cette   question   de   la   quête   de   la   liberté   est   aussi   ancienne   que   l’art.   Mais   la   porte   d’entrée,   c’est   Courbet,   qui   est   le   premier   artiste   à   se   revendiquer   bohémien,   par   bravade,   mais   aussi   par   conviction. Pourquoi  Bohèmes,  avec  un  « s » ? C’est   un   mot   qui,   dans   un   premier   temps,   a   été   utilisé   pour   désigner,   disons   très   largement,   une   population  errante  menant  une  vie  sans  règle.  Par  extension,  il  est  employé  vers  1830  pour  qualifier   ces  jeunes  artistes  qui  tentent  d’entrer  dans  la  carrière  par  les  marges,  sans  passer  sous  les  fourches   caudines  de  l’École  des  beaux-arts,  du  prix  de  Rome  et  de  la  villa  Médicis.  À  partir  du  moment  où  ils   choisissent  une  voie  en  dehors  des  sentiers  battus,  où  leur  comportement  bat  en  brèche  les  normes   sociales,  ils  se  placent  en  dehors  de  la  société,  comme  des  bohémiens.   À   cette   époque,   le   mot   a   un   sens   très   large   et   regroupe   à   la   fois   une   population   flottante   qui   vit   d’expédients  (filous,  pickpockets,  acteurs,  ce  sont  les  Bohémiens  de  Paris  de  Daumier),  ceux  que  l’on   appellerait  aujourd’hui  Rom,  qui  sont  bien  implantés  en  France,  jusqu’aux  portes  de  la  capitale,  et  les   artistes,   peintres,   poètes,   philosophes,   musiciens,   qui   vivent   dans   la   même   précarité.   Toute   cette   population  est  réunie  sous  un  seul  vocable  et  partage  effectivement  les  mêmes  recettes  de  survie,  se   croise,  se  toise,  et  parfois  fraye  ensemble. Très  vite,  parce  que  les   Scènes  de  la  vie  de  bohème  de  Murger  vont  avoir  un  très  grand  succès  au   théâtre   à   partir   de   1849,   le   mot   de   bohème   s’impose   dans   la   langue,   jusqu’à   ce   que   l’opéra   de   Puccini,  en  1896,  le  consacre  et  en  fasse  une  référence  universelle  :  la  bohème  devient  un  passage   obligé   dans   la   vie   d’artiste   et   reste   associée   définitivement   à   cet   état   transitoire   des   débuts,   ce   moment   où   le   génie   se   forme   dans   les   conditions   du   dénuement   qui   finalement   garantissent   son   autonomie. Voilà   pourquoi   un   «   s   »   a   été   ajouté   au   titre   :   pour   souligner   d’emblée   cette   polysémie   qui   est   à   la   source  même  du  phénomène  ;;  les  deux  aspects  sont  comme  les  deux  faces  d’une  même  monnaie,  et   renvoient   à   des   thèmes   très   fortement   ancrés   dans   notre   imaginaire   collectif   :   d’un   côté   le   Gitan,   le  

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Tsigane,   le   vagabond,   de   l’autre   l’artiste,   le   bohème.   Le   premier   a   une   profondeur   historique   plus   importante,   puisqu’il   remonte   à   la   fin   de   la   Renaissance,   alors   que   le   second   arrive   avec   le   e développement  de  la  presse  sous  les  Lumières,  puis  s’installe  au  XIX  siècle  ;;  mais  on  est  frappé  de   voir  comment  tous  deux  s’imposent  très  vite  comme  des  mythes  modernes.  Aujourd’hui,  par  exemple,   l’image  de  Paris  est  pour  le  monde  entier  associée  à  Montmartre  et  à  la  bohème  ;;  l’affiche  de  Steinlen   pour  le  Chat-Noir  est  devenue  un  best-seller  répandu  à  l’échelle  planétaire  ! Pourquoi  une  période  chronologique  aussi  large ?   Le  personnage  du  bohémien  apparaît  dès  la  Renaissance  dans  l’histoire  de  l’art  et  devient  rapidement   un  sujet  très  prisé  pour  les  peintres  et  les  écrivains.  Dans  l’exposition,  il  y  a  ce  très  beau  et  très  ancien   dessin   de   Léonard   de   Vinci   qui   représente   un   homme   avec   une   couronne   de   feuilles   de   chêne,   emblème  de  la  sagesse,  se  laissant  berner  par  une  troupe  de  bohémiens  :  croyant  découvrir  l’avenir   que  lui  révèle  la  diseuse  de  bonne  aventure,  il  ne  fait  plus  attention  au  présent,   où  on  lui  dérobe  sa   bourse.   À   l’inverse,   le   bohémien,   lui,   se   moque   de   l’avenir   et   ne   vit   que   pour   le   présent,   comme   le   chante   le   poète   Nicolas   Lenau   dans   Les   Trois   Tsiganes.   C’est   exactement   l’attitude   de   l’artiste   bohème,  plus  de  trois  siècles  plus  tard,  vivant  au  jour  le  jour  et  se  jouant  des  bons   bourgeois  qui  lui   commandent  des  portraits  pour  immortaliser  leur  prétention. Je  crois  que  l’on  ne  pouvait  pas  se  contenter  de  faire  débuter  l’exposition  à  ce  moment,  au  milieu  du   e XIX  siècle,  avec  un  petit  avertissement  pour  résumer  des  siècles  de  fascination,  peut-être  réciproque,   entre  artistes  et  bohémiens.  L’histoire  est  bien  plus  complexe,  et  bien  plus  belle  ainsi.  Il  fallait  prendre   le  temps  d’installer  cette  profondeur  historique  afin  que  le  spectateur  comprenne  pourquoi,  à  l’époque   moderne,  on  assimile  l’artiste  marginal  au  bohémien  et  pourquoi  cela  est  au  fond  pertinent. Quant   à   la   borne   chronologique   finale   de   1937,   elle   correspond   à   l’exposition   de   l’art   dégénéré   à   Munich.   C’est   un   moment   où   Tsiganes   et   artistes   se   voient   rejetés   dans   un   même   opprobre,   en   particulier  ceux  des  avant-gardes  d’Europe  de  l’Est  qui  se  sont  intéressés  aux  Tsiganes  :  Otto  Mueller,   Otto  Pankok,  Emil  Nolde,  Auguste  Sander,  László  Moholy-Nagy.  Les  artistes  sont  condamnés  par  les   nazis  à  ne  plus  exercer,  tandis  que  les  Tsiganes  sont  déportés  et  exterminés. Et  pourquoi  ne  pas  aller  au-delà de  1937  dans  l’exposition?   1937   est   le   moment   de   la   condamnation   d’un   peuple   et   de   sa   représentation.   Il   ne   faut   pas   oublier   cette   image   très   forte   du   Juif   errant,   apatride,   si   proche   de   celle   des   bohémiens   :   tous   seront   confondus   dans   un   même   rejet.   Les   artistes,   parce   qu’ils   sont   libres,   qu’ils   traversent   les   frontières,   qu’ils  défient  les  mœurs,  sont  tout  aussi  détestables.  Finalement,  comment  mieux  signifier  la  nature  du   régime   qu’en   abattant   ces   symboles   de   liberté   ?   Derrière,   il   y   a   un   génocide   d’une   ampleur   considérable,   le   Samudaripen,   que   l’on   estime   à   plus   de   600   000   Rom,   et   qui   peine   à   être   reconnu   dans  les  livres  d’histoire. À  partir  du  moment  où  il  y  a  cette  sorte  de  nuit  qui  tombe,  comment  la  traverser  pour  repartir  avec  les   mêmes  stéréotypes,  comme  si  de  rien  n’était  ?  Cette  façon  brutale  de  clore  l’exposition  nous  ramène   à  la  réalité,  après  que  l’on  a  tout  du  long  voyagé  avec  des  représentations  qui  sont  des  fantasmes  :   bien  sûr,  la  vie  des  bohémiens  n’est  pas  celle  que  les  peintres  et  les  écrivains  nous  ont  présentée,  pas   plus   que   la   vie   de   bohème.   Il   faut   donc   quitter   un   univers   fait   de   conventions   et   revenir   à   l’histoire   vraie,  et  cette  fin  nous  dégrise  un  peu  de  ce  fantasme  qu’on  a  partagé  pendant  toute  l’exposition. Pourquoi  dites-vous  que  « dans  la  vie  de  bohème  on  meurt » ?   Avant  la  vie  de  bohème,  il  y  avait  la  vie  d’artiste,  c’est-à-dire  tout  un  folklore  comique  et  parfois  leste   déjà  bien  diffusé.  En  lisant  les  Scènes  de  la  vie  de  bohème,  on  retrouve  tout  le  pittoresque  de  la  vie  de  

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rapin,   plus   tout   celui   de   la   petite   presse,   et   on   rit   beaucoup   ;;   mais   en   réalité,   entre   deux   chapitres   amusants,  il  y  a  des  gens  qui  meurent,  et  Francine  agonise  avec  son  manchon.  «  Ce  n’est  point  gai   tous   les   jours,   la   Bohème   »   écrit   Murger.   Or,   dans   les   représentations   de   la   vie   d’artiste   qui   apparaissent   à   cette   époque,   une   certaine   gravité   émerge,   comme   dans   ce   très   beau   tableau,   autrefois   attribué   à   Géricault,   qui   montre   un   jeune   homme   mélancolique   dans   un   atelier   avec   une   palette   accrochée   au   mur  et   un   crâne   posé   sur   l’étagère.   On   voit   apparaître   des   représentations   de   suicide   :   de   poète   comme   Chatterton   –   le   personnage   d’Alfred   de   Vigny   –,   ou   de   peintres,   qui   s’immolent   avec   leurs   œuvres.   C’est   aussi   le   récit   d’une   génération   sacrifiée,   dont   bien   peu   vont   émerger.  Ceux-là  n’auront   guère   de   nostalgie   pour  ce  moment  de  leur  vie,  comme  Murger,  qui   en   a   tiré  sa  gloire,  mais  finit  pourtant  sa  vie  à  la  campagne  et  expire  avec  ces  mots  :  «     Pas  de  musique,   pas  de  bruit,  pas  de  bohème  !  » La  vie  de  bohème  est  donc  un  état  transitoire,  une  sorte  d’épreuve  du  feu  ;;  elle  est  finalement  grave   car  la  vie  même  est  en  jeu.  En  acceptant  de  vivre  d’expédients  pour  exercer  leur  art,  ces  jeunes  gens   se   mettent   en   danger.   Quand   Rimbaud   écrit   Ma   bohème,   il   est   vraiment   sur   la   route,   comme   un   vagabond  sous  le  ciel  étoilé,  et  la  faim,  le  froid,  sont  des  compagnons  peut-être  nécessaires  pour  se   confronter  à  son  destin  et  aller  au  bout  de  sa  recherche. Pouvez-vous  nous  parler  du  parcours  de  l’exposition ?   Cette   exposition   est   organisée   en   deux   grandes   galeries   séparées   par   un   escalier   monumental.   Ce   sont   trois   espaces   distincts   qui   chacun   vont   nous   raconter   un   chapitre   différent   de   cette   grande   histoire. La   première   galerie   raconte   comment   le   personnage   du   bohémien   s’est   imposé   dans   notre   univers   culturel.  On  emprunte  une  longue  route  qui  traverse  quatre  siècles  de  représentations,  on  se  déplace   comme  un  bohémien  de  l’Italie  vers  la  France,  puis  vers  l’Espagne,  et  enfin  vers  l’Europe  tout  entière.   On  appréhende  l’ampleur  de  cette  fascination  de  l’artiste  pour  le  bohémien.  Pourquoi  est-il  fasciné  ?   Être  artiste,  ce  n’est  pas  une  profession  noble,  c’est  monnayer  son  talent,  aller  de  maître  en  maître,   comme  un  saltimbanque.  C’est  aussi  une  façon  d’établir  un  compromis  avec  la  société  pour  protéger   sa   liberté.   Le   bohémien,   lui,   est   réputé   sans   patrimoine,   sans   cesse   en   mouvement,   sensuel,   profondément  connecté  à  la  nature,  porteur  d’un  mystère  qui  échappe  à  la  majorité  de  la  population.   C’est  en  tout  cas  comme  cela  que  l’artiste  le  représente,  comme  s’il  avait  trouvé  son  maître  en  liberté. L’escalier  très  théâtral  du  Grand  Palais  évoque  celui  de  l’Opéra  Garnier.  Cet  espace  est  consacré  à  la   musique,   au   spectacle   et   à   la   fiction.   Les   bohémiens   sont   des   personnages   qui   irriguent   les   divertissements  populaires  et  savants,  depuis  l’époque  baroque  jusqu’à  nos  jours.  En  musique,  c’est   Franz   Liszt   qui   leur   donne   leurs   lettres   de   noblesse   avec   son   traité   sur   la   musique   hongroise   ;;   en   littérature,  la  Esmeralda  de  Hugo,  dérivée  de  la  Preciosa  de  Cervantes,  installe  l’image  de  la  Gitane   chaste   et   sensuelle   à   la   fois,   avant   que   Mérimée,   puis   Bizet,   n’en   fassent   Carmen,   un   personnage   incandescent  revendiquant  sa  liberté  et  sa  sexualité.  Ce  sont  des  images  fortes,  qui  ont  nourri  notre   imaginaire   et   dont   les   échos   sont   encore   sensibles   dans   les   modes   ;;   l’importance   de   l’Espagne   aujourd’hui  dans  la  culture  européenne  doit  beaucoup  à  ces  phénomènes.  Il  ne  tient  qu’à  la  Hongrie   de  la  rejoindre  en  se  réconciliant  avec  la  culture  rom. À   l’étage,   sur   une   période   chronologique   plus   courte,   de   l’ordre   d’un   siècle,   on   assiste   à   la   métamorphose  de  l’artiste  en  génie  moderne,  à  la  naissance  du  mythe  de  la  bohème,  qui  se  met  en   place  en  regard  de  celui  du  bohémien.  Autant  nous  étions,  avec  les  bohémiens,  dans  des  extérieurs,   autant   à   l’étage   on   passe   dans   une   ambiance   d’intérieur,   avec   tous   ces   lieux   qui   composent   le   territoire   de   la   bohème   artistique   :   le   garni,   la   mansarde,   l’atelier,   le   cabaret,   le   café.   Les   milieux   s’opposent  :  extérieurs,  intérieurs,  bohémiens  sur  la  route,  artistes  dans  leurs  mansardes.

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Est-ce  que  vous  pouvez  nous  parler  de  l’apport  de  la  scénographie  à  l’exposition  ?   Un  historien  de  l’art  ne  travaille  pas  comme  un  metteur  en  scène,  même  si  les  deux  ont   le  souci  du   public.   L’historien   de   l’art   fait   parler   avant   tout   la   raison   pour   éveiller   les   sens,   alors   que   le   scénographe  fait  appel  aux  sens  pour  arriver  à  la  raison.  Les  deux  chemins  sont  différents  mais  ils  se   croisent,  et  il  faut  être  capable  d’accepter  le  regard  de  l’autre  pour  produire,  je  l’espère,  le  meilleur.  La   bohème  ne  m’appartient  pas,  elle  est  tout  autant  contenue  dans  l’univers  de  la  scène  que  dans  celui   des   arts   plastiques,   de   la   musique   ou   de   la   littérature.   En   travaillant   ainsi,   l’historien   de   l’art   peut   admettre   que   certains   rapprochements   sont   extrêmement   parlants,   bien   qu’ils   transgressent   les   catégories.  Je  pense  que   cette  liberté,  somme  toute  bohémienne,  était  nécessaire  avec  un  tel  sujet,   mais  qu’elle  n’était  possible  qu’avec  un  corpus  rigoureux.  C’est  donc  une  conjugaison  des  savoirs. Avec  une  thématique  aussi  transversale,  il  était  par  ailleurs  nécessaire  de  lier  ces  représentations,  si   éloignées  dans  le  temps  et  l’espace,  au  sein  d’une  esthétique  commune.  Robert  Carsen  a  cousu  tout   cela  ensemble,  a  fait  en  sorte  que  le  public  soit  pris  par  la  main,  tout  en  remettant  du  désordre  quand   la  démonstration  devenait  trop  didactique. Et  si  la  scénographie,  parfois,  n’est  pas  loin  de  la  «  mise  en  scène  »,  cela  ne  me  choque  pas.  On  est   quand   même   dans   des   mythologies,   des   stéréotypes,   et   les   présenter   avec   un   sérieux   scientifique   serait  presque  une  contradiction,  car  ces  représentations  elles-mêmes  ne  sont  pas  rigoureuses  :  il  ne   s’agit  pas  de  reportages  sur  la  vie  réelle  des  bohémiens  et  des  bohèmes  ! Pourquoi   dites-vous   que   les   peuples   nomades   sont   un   apport   fondamental   à   la   construction   européenne ? Fondamentalement,   l’homme,   quand   il   s’est   développé,   a   quitté   l’état   de   chasseur-cueilleur   pour   s’installer  sur  une  terre,  à  l’époque  néolithique.  À  partir  de  ce  moment-là,  il  y  a  eu  des  sédentaires  et   des  nomades,  et  les  premiers,  dans  toutes  les  civilisations,  voient  les  seconds  d’un  mauvais  œil.  Pour   autant,   le   sédentaire   reste   troublé   par   l’impression   de   liberté   que   véhicule   le   nomade,   comme   s’il   y   avait  en  nous  un  vieux  désir  atavique  insatisfait.  Le  succès  du  personnage  du  bohémien  dans  l’art  et   dans  notre  imaginaire  est  largement  bâti  sur  ce  ressort  fondamental  :  nous  avons  besoin  d’un  modèle   qui  incarne  la  liberté,  la  mobilité,  le  détachement  du  sol,  de  la  maison  et  des  contraintes  matérielles.   Peu  importe  si  l’étude  des  migrations  montre  que  ceux  que  l’on  a  appelés  bohémiens  ont  été  bien  plus   sédentaires   qu’on   ne   croit   :   nous   préférons   le   fantasme   à   la   réalité   parce   qu’il   nous   est   nécessaire   pour  accepter  notre  condition.  C’est  une  approche  qui  conduit  l’Europe  aux  limites  de  la  schizophrénie vis-à-vis  d’une  population   que   l’on   voudrait  réduire  à  un  stéréotype,  et  que  l’on  tente  sans  cesse  de   contraindre   au   moyen   de   nouvelles   lois.   Je   suis   frappé   par   le   fait   que   sous   le   régime   nazi,   Leni   Riefensthal   ait   eu   recours   à   des   figurants   rom   tirés   des   camps   de   concentration   pour   tourner   un   mélodrame  sur  une  danseuse  «  gitane  »  itinérante.  C’est  bien  entendu  un  exemple  monstrueux,  mais   signifiant.  Je  pense  que  lorsque  nous  aurons  surmonté  cette  contradiction,  nous  aurons  fait  un  grand   pas  vers  la  construction  européenne. Quelle   est   la   place   de   ce   sujet   dans   le   monde   contemporain,   et   dans   un   univers   d’ultra   consommation?   Le  bohémianisme  est  une   valeur  commerciale  redoutable  et   le  nomadisme  a  été  le  maître  mot  pour   vendre   tous   les   appareils   technologiques   de   ces   dernières   années.   Tout   le   monde   adhère   à   cette   image  du  nomade  qui  renvoie  à   l’homme  primitif,  à  l’homme  libre,  autant  qu’à  celle  du  dandy  qui  se   joue   des   règles,   bonnes   seulement   pour   les   autres.   Mais   c’est   un   nomadisme   sans   dangers,   avec   téléphone   portable   et   connexion   3G.   Le   phénomène   du   bourgeois-bohème   en   dit   long   sur   la   commercialisation  de  l’image  du  bohémien.

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Pour   autant,   la   bohème   est,   par   définition,   toujours   contemporaine,   car   à   peine   déclarée   morte,   elle   est  sans  cesse  renaissante.  Rompre  avec  le  conformisme,  refuser  les  voies  bien  tracées  pour  inventer   de  nouvelles  routes,  c’est  un  phénomène  qui  conditionne  la  survie  de  l’art. Enfin,  la  question  des  bohémiens  remet  en  avant  celle  des  Rom,  de  l’altérité  et  de  la  tolérance.  Il  y  a  là   un  enjeu  important  pour  la  société.  Nous  aimons  les  mythes,  mais  il  faut  aussi  avoir  le  courage  de  les   traverser   pour   atteindre   la   réalité,   car   c’est   une   des   conditions   de   la   réconciliation.   En   passant   en   revue  des  siècles  de  représentations  pour  déboucher  in  fine  sur  une  froide  vérité  historique,  c’est  ce   que  propose  d’une  certaine  façon  cette  exposition.

Né  en  1967,  diplômé  en  sciences  physiques,  en  langue  et  civilisation  chinoise  à  l’université  de  Nice,   en  histoire  de  l’art  à  l’université  de  Lille,  Sylvain  Amic  intègre  l’Institut  national  du  Patrimoine  à  Paris   en  1998  après  8  années  d’enseignement.  Conservateur  au  musée  Fabre  de  Montpellier,  il  prend  part   au   chantier   de   restructuration   du   musée,   tout   en   étant   commissaire   de   nombreuses   expositions   en   France  et  à  l'étranger  (La  Section  d’Or,  Claudio  Parmiggiani,  Bonjour,  Monsieur  Courbet  !,  Zao  WouKi,  Kupka,  Germaine  Richier…).   A   la   réouverture   du   musée   Fabre   en   2007,   il   assure   le   commissariat   de   La   couleur   toujours   recommencée,  L’Impressionnisme  de  France  et  d’Amérique,  Courbet    ou  encore  Vidéo  1965-2007,  un   art,  une  histoire.  Il  est  l’artisan  de  la  découverte  en  France  de  l’œuvre  d’Emil  Nolde  avec  l’exposition   présentée   en   2008   au   Grand   Palais.   Après   six   monographies   d’artistes   contemporains   parues   en   2009   (Soulages,   Buraglio,   Dezeuze,   Bloch,   Bordarier,   Gramatzki),   il   remet   en   lumière   un   maître   de   l’art  académique,  avec  en  2010  l’exposition  Alexandre  Cabanel,  la  tradition  du  Beau.   Nommé  directeur  des  musées  de  Rouen  à  l’automne  2011,  il  y  développe  un  événement  annuel  d’un   nouveau  genre  (Le  Temps  des  collections,  octobre  2012)  et  des  expositions  d’envergure  internationale   La   couleur   réfléchie,   l’impressionnisme   à   la   surface   de   l’eau,   dans   le   cadre   du   Festival   Normandie   Impressionniste   (avril   2013),   et   Cathédrales,   Romantisme,   Impressionnisme,   Modernité   avec   le   Wallraf  Richartz  Museum  de  Cologne  (avril  2014).

 

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trois  questions  à  Robert  Carsen,  scénographe   de  l’exposition  

Alors  que  vous  êtes  avant  tout  un  metteur  en  scène  pour  l’opéra  et  le  théâtre,  vous  signez  la   scénographie  de  deux  grandes  expositions  de  la  rentrée  :   «  L’impressionnisme  et  la  mode  »  au  musée  d’Orsay,  et  «  Bohèmes  »  au  Grand  Palais.   Est-ce  qu’une  scénographie  est  une  mise  en  scène  d’exposition  ?  Ou  cela  n’a-t-il  rien  à  voir  ? Est-ce  que  ce  sont  deux  métiers  différents  ? S’il  est  fait  appel  à  des  metteurs  en  scène,  je  pense  que  c’est  surtout  pour  apporter  une  dramaturgie  à   l’exposition.   J’ai   été   le   scénographe   de   Marie-Antoinette   en   2008   au   Grand   Palais,   puis   de   Charles   Garnier.  Un  architecte  pour  un  empire  fin  2010  à  l’École  nationale  supérieure  des  beaux-arts  de  Paris.   C’était   une   façon   de   raconter   les   vies   de   deux   personnages.   Pour   Marie-Antoinette,   célébrissime,   l’idée   était   de   faire   de   sa   vie   une   dramaturgie   à   travers   le   côté   visuel   des   tableaux,   des   meubles…   Pour  Charles  Garnier,  il  s’agissait  de  raconter  la  vie  d’un  professionnel  moins  connu  du  grand  public  à   travers  sa  vie  privée  et  sa  vie  d’architecte. Pour   Bohèmes,   l’exposition   a   en   apparence   deux   axes   différents,   mais   qui   relèvent   au   fond   d’un   même  thème  central  :  la  notion  de   la   liberté,  partagée  par   l’artiste  et  le  bohémien.  Nous  avons  d’un   côté  les  bohémiens  représentés  par  les  artistes  dans  leurs  œuvres,  et  de  l’autre  la  volonté  des  artistes   d’adopter   dans   leur   comportement   une   certaine   liberté,   celle   que   les   bohémiens   revendiquent,   loin   d’une   vie   bourgeoise.   Cela   produit   deux   visions   romantisées   de   la   bohème   et   des   bohémiens,   loin   d’une  réalité  qui,  dans  les  deux  cas,  est  totalement  différente. Mon  projet  est  d’accompagner  le  développement  de  ces  thèmes  au  moyen  d’une  scénographie,  tout   en  introduisant  dans  ce  parcours  des  contrastes  et  des  surprises.  J’estime  que  le  visiteur  ne  vient  pas   seulement  pour  regarder  ou  admirer  les  œuvres  d’art   –  pour   les  connaître,   en  somme.  Il  vient   aussi   pour  ressentir  une  émotion,  celle  que  porte  la  création  artistique  d’une  époque. Ce  qui  est  intéressant  pour  moi,  dans  toutes  ces  expositions   –  et  c’est  le  seul  point  commun  avec  le   théâtre  –,  c’est  de  capter  ce  qui  n’est  pas  explicite,  ce  qui  ne  se  voit  pas.  Les  tableaux  sont  là,  on  peut   les  approcher,  mais  la  façon  de  créer  le  parcours  peut  aider  le  visiteur  à  percevoir  un  message  plus   discret,  qu’il  n’appréhenderait  pas  forcément  dans  un  accrochage  plus  muséal  ou  scientifique. Cette  exposition  sur  les  bohèmes,  comme  celle  sur  l’impressionnisme  et  la  mode,  n’est  pas  une  pure   étude  d’un  mouvement  artistique  :  elle  s’attache  principalement  à  un  contexte  social.  C’est  une  façon   de   nous   faire   réexaminer   les   œuvres   que   la   scénographie   peut   permettre   d’aborder   d’une   manière   différente  en  y  insufflant  de  la  vie.

Comment  travaille-t-on  à  la  scénographie  d’une  exposition.  Qu’est-ce  qui  vous  intéresse  dans   cet  exercice ?   Il  faut  avant  tout  saisir  l’idée  de  départ  de   l’exposition.  La  première  étape  est  de  s’entretenir  avec  le   commissaire   –   Sylvain  Amic   pour   Bohèmes   –   pour   connaître   les   œuvres   qu’il   a   choisi   de   présenter.   J’essaye  donc  avant  tout  de  comprendre  ;;  il  y  a  cependant  un  autre  aspect  fondamental  pour  moi  :  je   tiens  absolument  à  utiliser  le  lieu,  avec  toutes  ses  contraintes  et  toutes  ses  qualités.  Pour  Bohèmes,  il   s’agit  de  maîtriser  les  deux  espaces  tout   en   longueur,  puis  les  deux  paliers  qui   semblent  comme  en   dehors   de   l’exposition   mais   qu’il   faut   parvenir   à   intégrer   au   parcours.  Aller   voir   une   exposition,   c’est  

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être  surpris,  et  le  cadre  contribue  à  créer  l’émotion.  De  nos  jours,  l’attention  apportée  à  ce  cadre  est   de   plus   en   plus   grande   ;;   on   parle   d’ailleurs   de   «   mise   en   scène   »,   et   l’emploi   de   ce   terme   dans   les   musées  est  assez  récent,  je  crois. J’aime  beaucoup  participer  à  ces  expositions  car  j’apprends  énormément  sur  le  sujet,  mais  aussi  sur   l’époque   ;;   à   travers   l’art,   on   s’approche   de   la   réalité   de   ce   temps   selon   un   autre   prisme.   Cette   approche  visuelle  est  complètement  différente  de  celle  que  l’on  opère  par  la  scène  du  théâtre  ou  de   l’opéra. Être  dans  une  situation  muséale,  passer  du  temps  avec  les  commissaires,  je  trouve  cela  passionnant.   J’aime  aussi  le  moment  où  l’on  ouvre  les  caisses  et  où  l’on  découvre  les  œuvres  «  en  vrai  »,  cela  fait   partie  du  rituel  de  l’exposition.  C’est  très  enrichissant.                                  

Pouvez-vous  nous  expliquer  brièvement  le  principe  de  votre  scénographie ?   L’exposition  est  divisée  en  deux  parties.  La  première  présente  des  œuvres  plus  ou  moins  directement   inspirées  de  «  vrais  »  bohémiens  dans  diverses  situations.  Elle  se  déroule  sur  une  période  de  plus  de   quatre   siècles   (de   1493   à   1910)   et   les   tableaux   sont   présentés   selon   différentes   thématiques   ordonnées  chronologiquement.  Je  ressens  une  certaine  responsabilité  vis-à-vis  de  ce  thème,  puisque   la  réalité  de  la  vie  du  peuple  rom  est  parfois  très  dure.  Je  voulais  que  la  scénographie  reflète  autant   que   possible   une   certaine   gravité,   en   évitant   à   tout   prix   le   folklore,   le   kitsch   et   l’artificiel,   même   si   certaines   œuvres   de   l’exposition   transmettent   des   stéréotypes   des   bohémiens,   tels   les   diseuses   de   bonne  aventure,  les  voleurs… Pour  réunir  ces  divers  aspects  et  relier  les  époques,  j’ai  été  attiré  par  l’idée  d’une  route  qui  évoquerait   l’itinérance,  symbole  des  bohémiens.  Je  voulais  que  la  scénographie  reflète  cette  dimension,  et  que  le   visiteur  se  sente  lui  aussi  sur  la  route.   La   seconde   partie   traite   du   bohémianisme,   car   certains   artistes   ont   choisi   de   vivre   loin   des   codes   moraux   artificiels   des   bourgeois.   On   arrive   alors   dans   la   mansarde   de   l’artiste   romantique,   maudit,   torturé,   puis   dans   son   atelier.   Une   autre   salle   est   ensuite   consacrée   à   la   double   vision,   littéraire   et   musicale,  des  Scènes  de  la  vie  de  bohème  d’Henry  Murger  et  de  leur  adaptation  par  Giacomo  Puccini.   Nous  avons  obtenu  des  prêts  vraiment  exceptionnels  pour  cette  salle,  provenant  de  l’Archivio  Storico   Ricordi   de   Milan.   Il   s’agit   d’aquarelles   originales   d’Adolf   Hohenstein   représentant   les   décors   et   les   costumes   de   la   première   mondiale   de   l’opéra   de   Puccini   au   Teatro   Regio   de   Turin,   et   de   partitions   originales  de  La  Bohème,  de  la  main  de  Puccini,  que  mon  ami  Pierluigi  Ledda  a  accepté  de  prêter. Une  salle  est  dédiée  aux  rencontres  de  Verlaine  et  Rimbaud,  proposant  alors  une  vision  poétique  de   la   bohème   littéraire.   Vient   ensuite   la   vie   artistique   de   Montmartre,   avec   l’évocation   des   cafés   et   des   cabarets,  tel  celui  du  Lapin-Agile. Cette   seconde   partie   étant   plus   narrative,   il   fallait   trouver   une   façon   de   créer   des   ambiances   pour   soutenir   cette   exploration   de   l’univers   de   l’artiste   ;;   c’est   une   période   beaucoup   plus   courte   que   la   première  (un  peu  plus  d’un  siècle). L’exposition  se  termine  avec  une  allusion  au  contexte  de  l’«  art  dégénéré  »  qui  permet  d’évoquer  non   seulement   le   rejet   des   artistes   modernes,   ceux-là   mêmes   qui   considéraient   les  Tsiganes   dans   toute   leur  dignité,  mais  aussi  les  mesures  d’extermination  qui  ont  visé  cette  population.  Nous  sommes  alors   plongés  aux  antipodes  d’une  tolérance  pour  la  liberté  et  la  marginalité,  mais  ce  serait  le  thème  d’une   exposition   à   elle   seule,   et   il   ne   s’agit   là   que   d’une   évocation.   On   retrouvera   alors   la   route   e scénographiée   dans   la   première   partie,   un   fragment   tragique   du   XX   siècle,   que   l’on   emprunte   une   dernière  fois  avec  les  bohémiens. Cette  thématique  m’a  attiré  par  sa  complexité  et  sa  dimension  politique,  en  quelque  sorte  à  l’opposé   de   Marie-Antoinette.   De   plus,   cette   exposition   qui   présente   de   très   grands   chefs-d’œuvre   nous   rappelle  que  paradoxalement,  à  l’époque,  leurs  auteurs  étaient  pour  la  plupart  très  pauvres.  C’est  une  

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sorte   de   démystification   des   tableaux   qui   va   permettre,   nous   l’espérons,   de   remettre   en   perspective   leur   valeur   bourgeoise   et   marchande,   et   peut-être   de   remettre   aussi   en   question   nos   valeurs   consuméristes.

Né   au   Canada,   Robert   Carsen   a   reçu   une   formation   d’acteur   à   l’université   de   York   à  Toronto   et   au   Bristol  Old  Vic  Theatre  School  en  Angleterre.  Son  travail  en  tant  que  metteur  en  scène  a  abouti  à  de   nombreuses   productions   de   théâtre   et   d'opéra   en   France   et   dans   le   monde   entier,   notamment   pour   l’Opéra  national  de  Paris,  le  festival  d’Aix-en-Provence,  le  théâtre  du  Châtelet,  le  festival  de  Salzburg,   La   Scala,   l’Opéra   national   de   Vienne,   le   Royal   Opera   House,   le   Metropolitan   Opera,   le   Teatro   la   Fenice,   le   Piccolo   Teatro   de   Milan,   l’Opéra   de   Cologne,   le   festival   de   Bregenz,   le   Theâtre   de   la   Monnaie  et  l’Opéra  de  Flandres. Il   a   assuré   la   direction   artistique   et   réalisé   la   scénographie   de   deux   grandes   expositions   à   Paris   :   Marie-Antoinette  au  Grand  Palais  en  2008,  ainsi  que  Charles  Garnier  à  l’École  des  Beaux-Arts. Officier  dans  l’Ordre  des  Arts  et  des  Lettres  et    Officier  dans  l’Ordre  du  Canada,  il  a  également  reçu  le   Grand  Prix  du  Syndicat  de  la  Presse  Musicale  Internationale  pour  l’ensemble  de  ses  mises  en  scène. Parmi   ses   projets:   JJR   (Citoyen   de   Genève)   à   l’Opéra   de   Genève   pour   fêter   le   tricentenaire   de   la   naissance  de  Jean-Jacques  Rousseau,  L’Amour  des  Trois  Oranges  pour  le  Deutsche  Oper  Berlin,  Die   Zauberfloete  pour  Baden-Baden  et  Rigoletto  pour  le  festival  d’Aix-en-Provence.  En  septembre  2012,  il   assurera  la  direction  artistique  et  la  scénographie  d’une  autre  exposition  à  Paris:  l’Impressionnisme  et   la  Mode  au  Musée  d’Orsay.

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textes  des  salles
Introduction  -   Liberté  de  l’art,  art  de  la  liberté   Lorsque  Baudelaire  compose  ses  Bohémiens  en  voyage,  l’un  des  plus  beaux  poèmes  des  Fleurs  du   mal,   il   a   en   mémoire   une   suite   de   gravures   vieilles   de   deux   siècles,   Bohémiens   en   marche,   de   Jacques   Callot.   Quelques   années   plus   tard,   il   note   cette   résolution   dans   son   journal :   « Glorifier   le   vagabondage   et   ce   que   l’on   peut   appeler   le   Bohémianisme,   culte   de   la   sensation   multipliée,   s’exprimant   par   la   musique ;;   en   référer   à   Liszt. »   Le   poète   venait   en   effet   de   recevoir   des   mains   du   compositeur  son  traité,  Des  Bohémiens  et  de  leur  musique  en  Hongrie.   Bohémianisme.   Cette   nouvelle   entrée   au   dictionnaire   met   un   nom   sur   un   phénomène   déjà   ancien.   Depuis  leur  apparition  en  Occident,  les  bohémiens  exercent  sur  les  artistes  une  intense  fascination  et   stimulent   puissamment   les   imaginations.   Le   mystère   de   leurs   origines,   leur   langage   longtemps   incompréhensible,  leur  rapport  intime  à  la  nature,  leur  prétention  à  dire  l’avenir  en  font  rapidement  des   personnages  de  légende.  Leurs  apparitions  et  disparitions  soudaines  alimentent  le  fantasme  d’une  vie   sans  attaches,  sans  règles,  intense  et  sensuelle.  L’artiste  a  trouvé  chez  eux  ses  maîtres  en  liberté.   e Au  milieu  du  XIX  siècle,  avec  Baudelaire,  le  pas  est  franchi.  Cette  génération,  dont  la  Monarchie  de   Juillet   ne   sait   que   faire,   le   journaliste   Félix   Pyat   la   décrit   ainsi :   « La   manie   ordinaire   des   jeunes   artistes   de   vouloir   vivre   hors   de   leur   temps,   avec   d’autres   idées   et   d’autres   mœurs,   les   isole   du   monde,  les  rend  étrangers  et  bizarres,  les  met  hors  la  loi,  au  ban  de  la  société ;;  ils  sont  les  Bohémiens   d’aujourd’hui. »  En  s’inventant  bohèmes,  ces  jeunes  gens  battent  en  brèche  toutes  les  règles  et  toutes   les  académies.  Ils  réforment  les  arts  et  bâtissent  des  phares.   À  leur  suite,  tout  ce  que  le  monde  compte  d’apprentis  peintres,  de  rimeurs  débutants,  de  philosophes   juvéniles   converge   vers   Paris.   C’est   déjà   le   Quartier   latin,   ce   sera   bientôt   Montmartre,   puis   Montparnasse :  lieux  de  la  bohème  dont  l’image  se  confond  aujourd’hui  encore  avec  Paris ;;  territoires   marginaux  devenus  universels. Artistes   et   bohémiens   ont   ainsi   partie   liée.   Depuis   des   siècles,   en   vrais   fabricants   de   mythes   et   de   chimères,  ils  alimentent  de  leurs  frasques  littérature,  opéra,  peinture,  musique,  la  mode,  même.  Ces   représentations,  dont  nous  nous  délectons,  sont  des  artifices :  la  vie  réelle  du  bohème  et  du  bohémien   n’y   ressemble   guère.   Mais,   aussi   fausses   soient-elles,   ces   images   persistent   dans   notre   imaginaire   jusqu’à  la  caricature.  En  plaçant  sous  nos  yeux  la  liberté  possible,  absolue,  bohèmes  et  bohémiens  ne   nous  seraient-ils  pas  au  fond  indispensables  ?  Ce  dérèglement  qu’ils  introduisent,  ne  serait-ce  pas  un   déséquilibre   nécessaire   aux   sociétés   bien   ordonnées   pour   qu’elles   se   renouvellent ?     Dans   une   relation  apaisée,  ce  serait,  en  somme,  le  prix  que  le  sédentaire  accepterait  de  régler  au  nomade. Sylvain  Amic Commissaire  général  de  l’exposition

 

1.0.  Bonne  fortune  d’un  personnage Les premières descriptions connues des bohémiens en Europe occidentale sont avant tout littéraires. Il  s’agit  de  récits  consignant  leur  passage,  souvent  restitué  sous  l’angle  du  merveilleux  et  de  l’étrange.   En  1421,  un  échevin  écrit  ainsi  dans  les  registres  de  la  ville  d’Arras : « Merveille.  Venue  d’estrangers   du  pais  d’Egypte. » Le mystère qui entoure leur origine, en fait gréco-balkanique, engendre diverses appellations.  L’usage  abusif  du  mot  Égyptien (qui en anglais devient Gypsy) renvoie à une région du Péloponnèse,   la   Petite   Égypte.   Le   nom   byzantin   d’Athinganos,   d’où   dérivent   Cigains,   Zigeuner,  

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Zingara,   Tsiganes,   résulte   d’une   confusion   avec   une   secte   d’Asie mineure. Les sauf-conduits accordés  par  Sigismond,  roi  de  Bohême,  propagent  quant  à  eux  l’appellation  de  bohémiens. e À la fin du XV siècle, apparaissent les premières représentations, chez Léonard de Vinci et Boccaccino.   D’emblée,   les   peintres   oscillent entre le grotesque et la grâce, le vulgaire et le raffinement, la vieillesse et la fraîcheur, oppositions qui perdurent à travers les siècles. Les bohémiens sont dépeints dans des activités qui les caractérisent, danse, maquignonnage, divination, déplacements. À travers ces stéréotypes, ils deviennent des personnages pittoresques fort utiles pour agrémenter les divertissements et imprègnent rapidement la culture de cour. e C’est  ainsi  qu’au  début  du   XVII siècle, le cardinal Scipion Borghèse fait retailler et compléter plusieurs fragments   d’antiques   pour   les   mettre   au   goût   du   jour.   Grâce   à   l’ajout   d’éléments   en   bronze,   dont   la   couleur  rappelle  la  peau  cuivrée  de  la  bohémienne,  un  torse  d’Artémis  se  voit  transformé  en  gracieuse   Zingarella. Le montage place les bohémiens dans un temps indéfini, repoussant leur origine dans un lointain passé mythologique.

1.1.  La  Vierge  et  l’Égyptienne Dans   l’art   et   la   littérature,   le   personnage   de   la   bohémienne   s’inscrit   dès   son   apparition   dans   une   tension  entre  deux  caractères,  chaste  et  angélique  d’un  côté,  sensuel  et  tentateur  de  l’autre.  La  piété   populaire  attachée  à  plusieurs  tableaux  de  dévotion,  comme  chez  Titien  et  Corrège,  désigne  la  Vierge   sous   le   sobriquet   de   Zingarella,   petite   bohémienne.   Si   l’usage   de   ce   diminutif   affectueux   s’explique   mal,   certains   indices   trahissent   la   présence   de   « véritables »   bohémiennes   dans   d’autres   représentations  religieuses.   Les  recueils  de  costumes  de  la  Renaissance  décrivent,  parmi  nombre  de  personnages  exotiques,  des   couples   de   bohémiens.   L’homme   porte   de   longs   cheveux,   un   feutre   et   un   manteau,   tandis   que   la   femme   arbore   des   étoffes   rayées,   une   chevelure   dénouée   sous   une   coiffe   très   caractéristique,   faite   d’une  armature  de  bois  tendue  d’une  bande  de  tissu.  Curieusement,  cet  attribut   se  retrouve  chez  de   nombreux  acteurs  des  scènes  bibliques,  jusqu’à  la  Vierge  elle-même. La   croyance,   très   répandue   à   l’époque   classique,   selon   laquelle   les   bohémiens   sont   originaires   d’Égypte,   explique   cette   iconographie   insolite.   C’est   un   souci   de   véracité   qui   incite   les   peintres   à   introduire   des   bohémiens   dans   certains   épisodes   des   Évangiles.   La   confusion   est   particulièrement   savoureuse  dans  la  Fuite  en  Égypte :  la  Vierge,  Joseph  et  l’enfant  ne  sont-ils  pas  alors  jetés  sur  les   routes,   comme   des   bohémiens ?   À   l’inverse,   de   nombreuses   représentations   profanes,   tels   les   campements  de  fortune  des  bohémiens,  rappellent  des  scènes  religieuses,  haltes  pendant  la  fuite  en   Égypte,  ou  même  nativité.  Le  chapeau  de  la  bohémienne  évoque  alors  l’auréole  de  la  Vierge,  dans  un   amusant  renversement  des  valeurs.

1.2.  L’Égyptienne  diabolique Depuis   ses   premiers   descripteurs   jusqu’aux   poètes   modernes   comme   Apollinaire,   le   thème   de   la   diseuse  de  bonne  aventure  est  durablement  associé  à  l’image  de  la  bohémienne.  Si  cette  pratique  est   reconnue   comme   une   profession   véritable,   les   liens   supposés   avec   un   monde   occulte   entourent   le   personnage  d’un  halo  de  mystère  et  de  superstitions  qui  le  font  redouter.   Cette   activité   est   diversement   appréciée   selon   les   époques :   obscurantisme   mystificateur   pour   les   philosophes   des   Lumières,   réservoir   merveilleux   de   chimères   pour   les   romantiques,   c’est   une   porte   ouverte  sur  des  univers  insondables  pour  les  surréalistes.   À   l’époque  classique,  la  parution   de   La  Gitanilla  de   Cervantès  marque   la  naissance  d’une   littérature   fondée  sur  une  description  fantasmée  du  monde  des  bohémiens.  Les  peintres  comme  Georges  de  La  

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Tour   s’emparent   de   ces   sujets   qu’ils   enrichissent   de   multiples   significations.   Doublé   d’une   scène   de   vol,   le   thème   de   la   divination   est   associé   à   la   parabole   du   fils   prodigue,   dilapidant   ses   richesses   en   mauvaise  compagnie.  Qu’il  soit  captivé  par  la  sensualité  grave  de  la  bohémienne,  ou  bien  par  le  futur   qui   lui   est   révélé,   le   héros   est   le   jouet   de   ses   passions,   et   finalement   le   seul   responsable   de   son   malheur.  Dire   l’avenir  n’est  pas   proscrit  par  l’Église   – les  bohémiennes  ne  sont   pas  persécutées   par   l’Inquisition –,  vouloir  le  connaître  est  en  revanche  condamnable. Pour   le   spectateur,   cette   peinture   du   dérèglement   des   mœurs   appelle   une   réflexion   sur   le   salut   de   l’âme  et  introduit  un  commentaire  sur  la  vraie  et  la  fausse  loi.  L’association  de  la  jeune  et  de  la  vieille   bohémienne  annonce  la  corruption  qui  guette  la  première.  Il  est  vain  de  vouloir  pénétrer  les  arcanes   du  destin,  s’y  risquer  conduit  à  la  perte,  à  commencer  par  celle  de  son  bien.  

1.3.  La  bohème  galante «   Au   siècle   des   Lumières,   rien   n’est   plus   dédaigneux,   plus   sévères   et   aussi   plus   mal   informés   à   l’égard   des   bohémiens   que   les   jugements   des   juristes,   des   lexicographes   ou   des   philosophes   »   constate   François   de   Vaux   de   Foletier,   fondateur   en   France   des   études   tsiganes.   Pour   Diderot,   en   effet,  qui  résume  le  talent   des  bohémiens  «  à  chanter,  danser  et   voler   »,  comme  pour   Voltaire  qui   y   voit   un   ramassis   «   de   ces   anciens   prêtres   et   prêtresses   d’Isis   »,     les   bohémiens   participent   à   la   diffusion  d’un  obscurantisme  mystificateur  qu’il  s’agit  de  disperser.   Pourtant,  ces  personnages  trouvent  grâce  aux  yeux  de  Jean-Jacques  Rousseau,  lui-même  volontiers   errant   et   marginal,   qui   préface   la   traduction   française   de   La   Zingara,   pièce   à   succès   de   l’italien   e Rinaldo  da  Capua,  créée  à  Paris  en  1753.  C’est  au  théâtre  du  XVIII  siècle  que  le  personnage  de  la   diseuse   de     bonne   aventure   se   rénove   et   se   voit   assigner   une   fonction   galante,   loin   de   la   gravité   caravagesque.  Désormais  au  service  exclusif  de  l’amour,  la  diseuse  de  bonne  aventure  sort  des  lieux   de   mauvaise   vie   pour   rejoindre   un   univers   aristocratique   où   son   aptitude   à   délivrer   le   message   amoureux  lui  assure  les  bonnes  grâces  de  victimes  consentantes. Ces   bohémiennes   «   de   théâtre   »   trouvent   naturellement   leur   place   dans   les   pastorales   de   Boucher,   Pater   ou   Watteau.   Cependant,   la   troublante   Égyptienne   a   perdu   dans   cette   transformation   et   sa   jeunesse  et  sa  beauté.  Dans  une  société  qui  se  met  en  scène  dans  des  opéras  de  verdure,  la  vieille   bohémienne   au   visage   sombre   est   un   faire-valoir   avantageux   pour   les   jeunes   élégantes.   Héritière   mystérieuse  d’une  antique  magie  divinatoire,  elle  rejoue  la  fable  d’Ovide,  dans  laquelle  Vertumne,  dieu   des   jardins,   se   travestit   en   vieille   femme   pour     promettre   le   courroux   des   Dieux   à   Pomone,   la   jolie   nymphe,  si  elle  ne  cède  à  son  destin  amoureux  en  l’épousant.

1.4.  Bohémiens  dans  un  paysage Les   compagnies   de   bohémiens   qui   sillonnent   les   routes   de   France   au   XVII   siècle   ont   installé   durablement  l’image  d’une  nation  errante,  faite  de  cohortes  pittoresques  cheminant  de  ville  en  en  ville,   suscitant  sur  leur  passage  étonnement,  curiosité  mais  aussi  inquiétude.  Plusieurs  ordres  d’expulsion,   er de   François   I   à   Louis   XIV,   restent   sans   grand   effet,   en   raison   des   tolérances   dont   jouissent   les   bohémiens   auprès   de   potentats   locaux,   auxquels   ils   apportent   divertissements   et   main   d’œuvre   supplétive.   Lorsqu’ils   sont   repoussés   des   villes,   les   bohémiens   se   réfugient   dans   les   forêts   avoisinantes,   où   ils   trouvent   protection   et   subsistance.   Dans   une   pièce   à   succès   jouée   en   1628,   La   Belle   Égyptienne   d’Alexandre  Hardy,  le  capitaine  d’une  troupe  de  bohémiens  définit  ainsi  sa  condition :  « Seigneurs  des   prés,  des  monts,  des  campagnes,  des  bois,  /  Qui,  nobles,  n’exerçons   l’agriculture   vile,  /   Non  captifs   pour  le  gain  dans  l’enclos  d’une  ville. »
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Dès  lors,  les  représentations  insistent  sur  cette  familiarité  avec  la  nature,  situant  les  bohémiens  dans   des  lieux  sauvages  –  ruines,  grottes,  clairières –  ce  qui  augmente  encore  leur  mystère.  De  Franz  Hals   à   Corot,   la   bohémienne   est   désormais   située   en   extérieur,   comme   une   émanation   de   la   terre   nourricière. À  deux  siècles  de  distance  se  retrouve  la  figure  du  graveur  et  dessinateur  Jacques  Callot,  né  à  Nancy   en   1592.   L’historiographe  André   Félibien   rapporte   que,   âgé   de   11   ans,   Callot   fuit   le   domicile   familial   pour  se  rendre  à  Rome,  terre  des  arts,  et  ne  doit  son  salut  qu’à  une  troupe  de  bohémiens  à  laquelle  il   s’intègre.  De  cette  expérience  viendrait  une  étonnante  proximité  avec  ses  modèles,  que  ses  nombreux   e dessins   manifestent.   Au   XIX   siècle,   Callot   apparaît   comme   un   précurseur   et   inspire   les   poètes,   comme  Baudelaire,    tandis  que  les  peintres  s’emparent  de  sa  légende.

1.5.  Gitanos  et  Gitanas Alors  que  sous  l’Ancien  Régime,  les  bohémiens  apparaissent  dans  les  arts  comme  des  personnages   de   fantaisie,   les   romantiques   en   renouvellent   la   description,   en   se   fondant   sur   des   sources   plus   proches  du  réel.  En  1841,  l’Anglais  Georges  Borrow  raconte  sa  vie  avec  les  gitans  d’Espagne  dans  un   livre,  The  Zincali,  an  Account  of  the  Gypsies  of  Spain,  qui  donne  accès  à  un  abondant  lexique  romani,   et  provoque  une  forte  sensation  dans  toute  l’Europe.   À  la  même  époque,  Théophile  Gautier  et  Prosper  Mérimée  voyagent  à  Grenade  et  Séville ;;  leurs  écrits   mettent  en  scène  des  gitans  picaresques,  héritiers  déchus  d’une  ancienne  lignée,  dont  la  noblesse  n’a   d’égale  que  la  misère.  Avec  Carmen,  paru  en  1845,  Mérimée  s’écarte  d’une  approche  ethnographique   pour   créer   un   personnage   qui   transgresse   tout   à   la   fois   les   tabous   de   son   temps   et   les   valeurs   cardinales   de   la   société   gitane.   Le   succès   de   l’opéra   de   Georges   Bizet   l’impose   comme   un   mythe   moderne  à  travers  lequel  s’affirme  l’autonomie  de  la  femme.   Après   la   Révolution   de   1848,  Alfred   Dehodencq,   puis   Henri   Regnault   et  Achille   Zo   sont   les   hérauts   d’une  nouvelle  génération  de  peintres  qui  délaissent  l’Italie  pour  l’Espagne.  Comme  pour  Delacroix  qui   disait  retrouver  l’antiquité  intacte  au  Maroc,  les  gitans  et  gitanes  incarnent  à  leurs  yeux  un  archétype   humain  éternel.  Regnault  fait  ainsi  le  portrait  d’une  certaine  Dolorès :  « Cette  femme  est  belle  comme   la  plus  belle  statue   antique,  plus   belle  même,  car  elle  a  des   yeux   qui  regardent,  une   bouche   et  des   narines   qui   respirent,   et   des   cheveux   ondulés   comme   des   serpents   et   d'un   beau   noir   brillant. »   Et   il   conclut :  « On  les  calomnie,  on  les  maltraite  en  Espagne  et  on  a  tort ;;  on  ferait  mieux  de  les  utiliser,   car   ils   sont   forts   et   malins.   Quelques-uns   sont   superbes ;;   ils   posent   comme   des   anges.   Ils   me   témoignent  une  grande  amitié,  me  font  des  vœux  de  santé  et  de  salut  toutes  les  fois  qu'ils  me  voient :   j'ai  enfin  trouvé  des  gens  qui  me  comprennent ! »

1.6.  Figures  de  la  modernité Pour   Gustave   Courbet   qui   introduit   une   rupture   fondamentale   dans   les   beaux-arts   au   milieu   du   XIX   siècle,  le  bohémien  apparaît  comme  une  sorte  de  double.  Alors  qu’il  exhibe  son  Enterrement  à  Ornans   de  ville  en  ville  comme  un  saltimbanque,  il  constate :  « Dans  notre  société  si  bien  civilisée,  il  faut  que   je  mène  une  vie  de  sauvage ;;  il  faut  que  je  m’affranchisse  même  des  gouvernements.  Le  peuple  jouit   de   mes   sympathies ;;   il   faut   que   je  m’adresse   à   lui   directement,   que   j’en   tire   ma   science,   et   qu’il   me   fasse   vivre.   Pour   cela   je   viens   donc   de   débuter   dans   la   grande   vie   vagabonde   et   indépendante   du   bohémien. »  Courbet  entreprend  une  suite  de  tableaux,  ceux  du  « Grand  Chemin »,  où  il  déroule  sa   vision  du  peuple  en  marche,  paysans,  casseurs  de  pierres,  mendiants,  bohémiens.  L’artiste  lui-même   se   représente   sur   la   route,   dans   La   Rencontre.   Alors   même   que   le   Second   Empire   renforce   la   législation  contre  le  vagabondage,  Courbet,  en  revendiquant  le  statut  déclassé  de  bohémien,  défie  le  
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régime. La  génération  impressionniste  qui  le  suit  reprend  à  son  compte  cette  rupture,  qu’il  s’agisse  de  Renoir,   qui   représente   sa   compagne   Lise   Tréhot   avec   des   attributs   de   bohémienne,   ou   de   Manet,   qui   s’exclame en   découvrant   les   gitans   d’Espagne :   « Quel   peuple !   Dehodencq   a   vu   et   très   bien   vu ;;   avant   d’aller   là,   il   était   aveugle. »   Comme   chez   les   maîtres   espagnols   qu’il   admire,   les   bohémiens   hantent  sa  peinture,  et  se  mêlent  aux  philosophes  mendiants,  buveurs,  et  chanteurs  des  rues.  Vincent   van  Gogh  ne  manque  pas  à  son  tour  de  fixer  la  vision  de  roulottes  près  des  Saintes-Maries-de-la-Mer   en  1888.  Nul  doute  qu’il  ait  reconnu  chez  le  bohémien  une  sorte  de  frère,  lui  qui  écrit :  « Il  me  semble   toujours   être   un   voyageur   qui   va   quelque   part   et   à   une   destination.   Si   je   me   dis,   le   quelque   part,   la   destination  n’existe  point,  cela  me  paraît  bien  raisonné  et  véridique. »  

1.7.  L’Europe  tsigane Alors   que   la   Révolution   industrielle   est   en   marche,   les   campements   de   bohémiens   apparaissent   comme  un  conservatoire  de  mœurs  archaïques  et  suscitent  la  curiosité  aux  abords  des  grandes  villes.   Ainsi   Zola   relate   le   spectacle   offert   à   Saint-Ouen   en   1874 :   « Il   m’a   suffi   de   suivre   la   foule ;;   tout   le   faubourg  se  portait  autour  de  leurs  tentes.  Ils  étaient  venus  pour  rétamer  des  casseroles  et  poser  des   pièces   aux   chaudrons.   Seulement   le   premier   jour,   ils   ont   compris   à   quel   genre   de   ville   civilisée   ils   avaient   affaire.   Comprenant   qu’on   les   traitait   en   ménagerie   curieuse,   ils   ont   consenti,   avec   une   bonhomie  railleuse,  à  se  montrer  pour  deux  sous.  Ils  arrivent  à  Paris,  avec  la  crainte  qu’on  ne  les  jette   au   fond   de   quelque   basse   fosse.   Et   ils   s’éveillent   au   milieu   de   ce   rêve   doré   de   tout   un   peuple   de   messieurs  et  de  dames  en  extase  devant  leurs  guenilles. »   e Dans  une  Europe  en  quête  d’exotisme,  les  bohémiens  deviennent  à  la  fin  du   XIX  siècle  un  sujet  prisé   qui  traverse  tous  les  courants  esthétiques.  Avec  l’essor  du  naturalisme,  les  peintres  sont  nombreux  à   documenter   les   différentes   populations   rom,   en   particulier   dans   l’empire   austro-hongrois   où   l’on   voit   apparaître  les  premiers  véritables  portraits  individués,  signe  d’échanges  fondés  sur  un  respect  mutuel.   Suivant  l’exemple  de  Gauguin,  les  artistes  modernes  se  montrent  fascinés  par  ceux  qui,  à  leurs  yeux,   incarnent  un  archétype  humain  épargné  par  une  civilisation  urbaine  aliénante. Pour  autant,  une  législation  toujours  plus  coercitive  se  met  en  place  dans  la  très  grande  majorité  des   États   européens.   En   France,   après   le   grand   recensement   de   1895,   la   loi   de   1912   institue   le   carnet   anthropométrique  pour  nomades,  document  administratif  d’exception  qui  reste  en  vigueur   – y  compris   pour  ceux  qui  sont  citoyens  français  –  jusqu’en  1969.

1.8.  Bohémiens  au  spectacle Au   même   titre   que   la   divination,   la   danse   est   une   des   activités   principales   des   bohémiennes   et   contribue  à  les  faire  très  tôt  apprécier  des  cours  d’Europe :  ainsi  une  troupe  de  bohémiens  divertit  en   e 1607   Henri   IV   à   Fontainebleau.   Au   milieu   du   XVII   siècle,   une   bohémienne   du   nom   de   Liance   est   célébrée  par  de  nombreux  écrivains,  dont  Gédéon  Tallemant  des  Réaux,  pour  sa  beauté  et  son  talent   de   danseuse.   Tout   naturellement,   les   ballets   baroques   intègrent   ces   personnages   exotiques   et   les   « Entrées   d’Égyptiens   et   d’Égyptiennes »   connaissent   une   grande   vogue,   si   bien   qu’en   1655   Louis   XIV   lui-même   se   costume   en   bohémien   dans   le   Ballet   royal   des   plaisirs.   Les   attributs   des   bohémiennes,   robes   rayées,   cheveux   défaits,   tambour   de   basque,   sont   si   caractéristiques   qu’ils   e perdurent  jusqu’au  XIX  siècle  dans  les  représentations  et  les  travestissements. En  littérature,  Cervantès  inaugure  avec  La  Gitanilla  le  personnage  de  la  belle  et  chaste  bohémienne   qui  enflamme  les  cœurs  sur  son  passage ;;  Préciosa,  avec  ses  « yeux  d’émeraude »,  inspire  plus  tard   à   Victor   Hugo   le   personnage   d’Esméralda.   Le   théâtre   n’est   pas   en   reste,   en   particulier   dans   la  

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comédie  italienne,  où  les  bohémiennes  se  jouent  avec  brio  de  la  balourdise  des  valets.  Molière  en  tire   un  effet  comique  dans  le  Mariage  forcé    avec  la  scène  de  « La  bonne  aventure  dite  à  Sganarelle ».   On   doit   à   Franz   Liszt   – qui   se   qualifiait   lui-même   de   « virtuose   errant » –   le   premier   traité   sur   la   musique  hongroise,  paru  en  1859.  Quelques  années  plus  tard,  Paris  connaît  un  véritable  engouement   pour   les   orchestres   tsiganes.   Nombreux   sont   dès   lors   les   compositeurs   à   incorporer   dans   leurs   œuvres  des  airs  issus  de  la  culture  rom.  Les  bohémiens  participent  aux  grands  succès  de  l’opéra  au   e XIX  siècle,  qu’il  s’agisse  de  Mignon,  La  Traviata,  ou  encore  le  Trouvère  et  Carmen.   2.1.  Une  nouvelle  bohème À   l’époque   romantique,   une   génération   de   jeunes   gens   désireux   de   prouver   leur   valeur   dans   le   domaine  des  arts  et  de  la  politique  adopte  un  comportement  qui  bat  en  brèche  aussi  bien  les  codes  de   la  bourgeoisie  que  les  valeurs  des  académies.  Réunis  en  cénacle,  vivant  de  façon  marginale,  affichant   une  allure  excentrique,  ils  sont  rapidement  qualifiés  de  « bohémiens »  par  leurs  premiers  descripteurs.   La  bohème  se  définit  alors  comme  un  creuset  pour  les  arts,  une  conjugaison  des  talents,  soudée  par   des  solidarités  collectives,  menant  une  existence  frugale,  voire  misérable.   Liszt   reste   dubitatif   devant   cet   emprunt :   « De   jeunes   talents,   des   imaginations   brillantes   et   négligemment   gouvernées,   se   sont   tellement   imbus   des   impressions   qu’un   esprit   poétique   pourrait   supposer  à  une  tribu  de  bohémiens  éclairés  et  instruits  ès  sciences,  lettres  et  arts,  qu’ils  en  ont  pris  le   nom  en  adoptant  une  lointaine  ressemblance  avec  leurs  mœurs.  Ils  ont  appelé   bohème  leur  réunion   fortuite  et  intime,  leur  genre  de  vie  précaire. » L’image   que   cette   génération   donne   d’elle-même   s’inscrit   dans   les   genres   traditionnels   tout   en   les   rénovant.  Aux  attributs  habituels  de  l’art  (muse,  lauriers,  lyre…)  sont  substitués  des  détails  prosaïques   (pipe,   blouse,   barbe   naissante…) ;;   les   poses   ambitieuses   sont   remplacées   par   un   dandysme   où   se   manifeste   une   forme   de   désillusion.   Une   mélancolie   nouvelle   sourd   dans   ces   représentations,   et   confine   parfois   au   désespoir.   La   mort,   qui   emporte   des   organismes   rongés   par   les   privations   et   les   excès,   est   l’une   des   composantes   de   la   bohème.   Le   suicide,   en   progression   constante   depuis   les   années  1830,  devient  le  symptôme  d’une  société  en  plein  doute,  et  Chatterton,  le  héros  malheureux   d’Alfred  de  Vigny,  l’incarnation  des  tourments  d’une  génération  sacrifiée.

2.2.  La  légende  des  ateliers Les  vues  d’atelier  sont   un   motif  parmi  les  plus  prisés  des  peintres,  à  travers  lesquelles   il  est   permis   d’accéder  à  leur  univers  intime,  au  lieu  même  de   la   création  et   à  son  mystère.  Elles  renvoient   dans   l’imaginaire   collectif   à   un   cortège   d’anecdotes,   conjuguant   esprit   potache,   liberté   de   mœurs   et   e extravagances,   qui   forme   ce   qu’il   est   convenu   d’appeler   « la   vie   d’artiste ».  Au   début   du   XIX   siècle,   certaines  représentations  exploitent  ce  répertoire  pour  donner  une   image  burlesque   de   l’atelier   – les   protagonistes  y  sont  en  proie  à  des  incidents  inattendus  ou  laissent  cours  à  leur  légendaire  paresse.   Après  plusieurs  siècles  passés  à  conquérir   une  certaine  respectabilité,   l’artiste   contribue  ainsi   à  une   forme  de  désacralisation  qui  va  de  pair  avec  une  réévaluation  de  son  rôle  social. Dans  le  même  temps  en  effet,  le  phénomène  des  artistes  nécessiteux  devient  assez  sérieux  pour  que   les  autorités  tentent  à  plusieurs  reprises  de  le  résorber,  par  des  systèmes  de  bourse,  de  concours  ou   de   commande   publique.   Certains   jeunes   peintres   ne   cachent   plus   leur   précarité   grandissante,   et   en   tirent  des  sujets  qui  s’inscrivent  dans  le  courant  réaliste  naissant.  À  travers  ces  représentations  se  met   en  place  un  nouveau  vocabulaire  qui  change  en  profondeur  l’image  de  l’artiste. Désormais,  l’atelier  n’est  plus  cet  espace  à  la  lumière  choisie,  retranché  du  monde,  conçu  pour  abriter   ce  qui  s’apparente  à  une  réflexion  autant  philosophique  que  plastique.  C’est  un  pauvre  grenier  qui  à  la  

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fois  sert  de  cadre  aux  travaux  de  l’artiste  et  accueille  son  existence  misérable,  une  mansarde  chauffée   par   un   mauvais   poêle,   sommairement  meublée   d’un  matelas   et   de   quelques   gamelles.   Représentés   pour   eux-mêmes,   ces   objets   triviaux   acquièrent   au   fil   du   siècle   le   rôle   de   nouveaux   attributs   du   peintre.

2.3.  Le  mythe  de  la  bohème Il  revenait  à  Henri  Murger,  un  apprenti  écrivain  de  23  ans,  collaborateur  occasionnel  de  ces  journaux   éphémères  qui  prolifèrent  dans  les  années  1840,  d’immortaliser  pour  l’éternité  la  bohème  naissante.   Publiées   en   feuilleton   à   partir   de   1845,   puis   portées   au   théâtre   en   1849   et   éditées   en   recueil,   les   Scènes  de  la  vie  de  bohème  connaissent  rapidement  un  succès  considérable  et  diffusent  bien  au-delà   des  cénacles  parisiens  les  aventures  à  la  fois  tendres  et  désopilantes  d’une  poignée  de  jeunes  gens  – inspirés   des   convives   du   café   Momus   où   Murger   croise   Courbet   et   Baudelaire   –   qui   se   partagent   entre  les  exigences  de  l’art,  les  contingences  quotidiennes  et  l’amour  des  grisettes.   Alors   qu’à  la  même  époque  Daumier  réunit  sous   le  titre   Bohémiens   de  Paris  tout  ce  que   la  capitale   compte   d’aigrefins,   filous   et   autres   parasites,   Murger,   lui,   y   place   ses   attachants   personnages   – le   poète   Rodolphe,   le   musicien   Schaunard,   le   peintre   Marcel,   le   philosophe   Colline,   et   ces   jeunes   femmes  légères  en  quête   de  protecteur   – Mimi,  Musette,  Francine,  dont   le  cœur  leur   appartient  très   provisoirement.   Ce   sont   eux   que   la   postérité   retient,   grâce   aux   incessantes   rééditions   des   Scènes   dont  une,  illustrée  en  1872  par  le  dessinateur  André  Gill,  donne  à  Rodolphe  le  visage  de  Murger.   Après   avoir   renoncé   à   la   bohème,   Henri   Murger   meurt   prématurément   en   1861,   à   l’âge   de   trenteneuf ans.  Les  frères  Goncourt,   qui   assistent  aux  funérailles,  rapportent  stupéfaits :  « La  chapelle  est   trop   petite ;;   nous   sommes   plus   de   quinze   cents   dehors,   toute   la   littérature,   les   écoles,   ramassées   depuis   trois   jours   par   des   rappels   de   tous   les   soirs   dans   les   cafés   du   Quartier   latin. »   Ce   succès   populaire  se  voit  couronné  en  1896  par  l’opéra  de  Puccini  qui  fait  de  la  Bohème  un  mythe  universel  et   finit  par  éclipser,  auprès  du  grand  public,  le  modèle  pourtant  célèbre  de  Murger.

2.5.  Les  semelles  de  vent La  bohème  a  ses  phares  qui  pour  un  temps  l’incarnent  et  inspirent  les  générations  suivantes.  De  1870   à  1896,  deux  personnalités  hors  du  commun  l’illuminent :  Arthur  Rimbaud  et  Paul  Verlaine.   Le  premier  n’a  que  quinze  ans  lorsqu’il  annonce  dans  Sensation :  « Et  j’irai  loin,  bien  loin,  comme  un   bohémien,  /  Par  la  Nature,  – heureux  comme  avec  une  femme. »  Quelques  mois  plus  tard,  il  compose   Ma   bohème,   sonnet   nourri   d’images   célestes   et   de   moments   vécus,   qui   installe   l’expérience   de   la   bohème  au  firmament  des  lettres.  Comme  Callot  avant  lui  partant  à  pied  pour  Rome,  Rimbaud  fugue   du  domicile  familial  pour  rejoindre  Paris.  Sur  les  routes,  il  connaît  la  faim,  le  froid,  le  rejet  et  le  secours   de  son  prochain,  les  abris  de  fortune  et  la  communion  avec  le  cosmos.  La  bohème  apparaît  dès  lors   comme  un  chemin  critique,  une  mise  en  danger  nécessaire  en  ce  qu’elle  place   le  poète  hors  cadre,   vivant  la  création  comme  une  obligation  absolue. Accueilli  dans  les  cercles  littéraires  parisiens,  irréductible  à  toutes  normes,  il  apparaît  dans  Un  coin  de   table,  de  Fantin-Latour,  aux  côtés  de  Verlaine,  comme  « un  diable  parmi  les  docteurs »,  selon  les  mots   du   poète   Léon   Valade.   Leur   relation   tumultueuse,   faite   de   fuite   et   d’errance   autant   que   de   magie   et   d’illumination,  marque  durablement  Verlaine.  Longtemps  après  la  mort  de  Rimbaud,  lorsque,  vieilli  et   déchu,   il   survit   au   quartier   latin   en   égrenant   ses   vers   au   gré   des   nécessités,   Verlaine   fascine   les   jeunes   poètes,   qui   le   rejoignent   dans   sa   bohème   chaotique   et   l’escortent   d’hôpitaux   en   caveaux.     Dans   Parallèlement,   recueil   paru   en   1889,   Verlaine   adresse   à   Rimbaud,   par-delà   la   tombe,   un   long   poème   épique,   « Laeti   et   Errabundi »   – gais   et   vagabonds –,   qui   se   termine   ainsi :   « Quoi,   le  

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miraculeux  poème  /  Et  la  toute-philosophie,  /  Et  ma  patrie  et  ma  bohème,  /  Morts ?  Allons  donc !  Tu  vis   ma  vie ! » 2.6.  Montmartre,  académie  de  la  bohème Alors  que  la  commune  de  Montmartre  est  rattachée  à  Paris  en  1860,  certains  artistes  y  ont  déjà  leurs   habitudes,   tel   le   « groupe   des   Batignolles »   que   l’on   ne   nomme   pas   encore   « impressionniste ».   En   1876,  Auguste  Renoir  fixe  l’image  bon  enfant  du  Moulin  de  la  Galette,  l’un  des  établissements  les  plus   prisés   de   la   butte   avec   sa   guinguette   et   son   bal   en   plein   air.   Cet   alliage   de   loisirs   simples,   d’atmosphère   bucolique   et   de   loyers   bon   marché   a   tôt   fait   d’attirer   la   bohème   qui,   dans   les   années   1880,  délaisse  le  Quartier  latin  pour  s’établir  à  Montmartre.   La   butte   voit   alors   la   fondation   de   plusieurs   lieux   de   divertissements   nocturnes,   tel   Le   Chat   noir,   cabaret   artistique   créé   en   1881   par   Rodolphe   Salis   qui   s’assure   la   collaboration   des   Hydropathes,   société  de  bohèmes  présidée  par  Émile  Goudeau.  « Et  bientôt,  écrit  celui-ci,  des  parages  de  l’Odéon,   les  poètes  et  les  musiciens  prirent  le  chemin  du  Chat  noir. »  Erik  Satie,  qui   y  officie  au  piano,  est  la   figure  de  proue  de  ce  premier  Montmartre  canaille  et  incarne  au  début  des  années  1890  le  type  même   du  bohème,  dandy  aussi  extravagant  que  désargenté.   Une  décennie  plus  tard,  le  Lapin  agile  poursuit  cette  tradition  en  hébergeant  une  nouvelle  génération   de   peintres   et   littérateurs.   Dans   un   décor   hétéroclite,   on   y   remarque   un   tableau   figurant   un   arlequin   accoudé  au  bar.  « Le  peintre  de  cet  arlequin,  précise  en  1906  le  jeune  critique  Eugène  Marsan,  c’est   un   Andalou   et   qui   peint,   en   Espagnol,   le   regard   et   le   haillon.   Vous   pouvez   l’appeler,   par   mnémotechnie,  “le  Callot  des  saltimbanques”  mais  retenez  plutôt  son  nom,  Picasso. »   Autour  de  1900,  tout  ce  que  l’Europe  compte  de  jeunes  artistes  ambitieux  est  passé  par  Montmartre,   bientôt   supplanté   par   Montparnasse.   Mais   la   butte,   qui   survit   aux   transformations   de   Paris,   reste   à   jamais  la  capitale  de  la  bohème.

2.7.  Au  café Comme   les   bohémiens   qui   s’approprient   un   espace   commun   en   le   choisissant   pour   territoire,   Rodolphe  et  ses  amis  font  le  désespoir  du  patron  du  café  Momus  où,  pour  le  prix  de  quelques  demitasses,  ils  règnent  en  maîtres,  accaparant  jeux  et  journaux,  tenant  salon,  initiant  l’unique  employé  à  la   poésie   lyrique.   Comme   corollaire,   la   consommation   d’alcool,   la   bière   avant   que   ne   règne   l’absinthe,   est   un   des   attributs   de   la   bohème   et   Rodolphe   clôt   les   Scènes   sur   cette   phrase :   « Je   veux   bien   consentir   à   regarder   le   passé   mais   ce   sera   au   travers   d’une   bouteille   de   vin   et   assis   dans   un   bon   fauteuil.  Qu’est-ce  que  tu  veux ?  Je  suis  un  corrompu.  Je  n’aime  plus  que  ce  qui  est  bon ! »   e Tout   long   du   XIX   siècle,   les   cafés   sont   le   point   de   ralliement   de   la   bohème :   la   brasserie  Andler,   la   brasserie   des   Martyrs,   le   café   Guerbois,   La   Nouvelle   Athènes,   le   café   du   Rat-Mort   abritent   successivement  tous  les  réformateurs  des  beaux-arts,  romantiques,  réalistes  ou  impressionnistes.  De   la  mansarde  au  café,  le  bohème  opère  sa  métamorphose,  passant  de  l’ombre  à  la  lumière.  Espace  de   sociabilité  ouvert,  le  café  est  l’exact  opposé  de  l’académie,  où  l’on  n’entre  que  par  cooptation.  Il  est  le   creuset  des  idées  nouvelles,  en  politique  comme  en  peinture.   À   Montmartre,   les   lieux   de   plaisirs   nocturnes   procurent   aux   artistes   l’occasion   de   réaliser   affiches,   décors,   bouts   rimés,   et   de   survivre   chichement.   Serveuses,   danseuses,   acrobates   et   prostituées,   vraies  et  fausses  gitanes  de  music-hall  se  croisent  dans  les  ateliers,  compagnes  de  misère  et  modèles   dévouées.   Mais   qui   veut   survivre   doit   rompre   avec   ce   milieu.   Dans   Braves   Gens   de   Jean   Richepin   paru   en   1886,   Yves,   pianiste   de   café-concert,   se   retire   à   la   campagne   et   conclut :   « Il   faut   bien   dire   adieu  aux  vices  de  jeunesse.  Je  suis  en  âge  de  me  ranger.  On  ne  peut  pas  toujours  rester  bohème ! »

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2.8.  La  nuit  des  Roms Si   l’Exposition   universelle   de   1900   marque   la   consécration   de   l’art   français   et   de   l’impressionnisme,   elle  voit   également  le  triomphe  de  l’exotisme,  à  travers  les  innombrables  représentations  nationales.   Picasso  découvre  l’art  nègre  dans  les  pavillons  coloniaux  et  le  jury  décerne  son  Grand  Prix  au  pavillon   hongrois,  dont  les  hussards  et  les  orchestres  tsiganes  ont  remporté  un  franc  succès.  Pour  les  artistes   de  l’Europe  de  l’Est,  les  Tsiganes  sont  depuis  longtemps  un  sujet  d’étude  ;;  les  plus  audacieux  d’entre   eux  vont  vivre  cette  expérience  comme  un  voyage  initiatique  dans  une  terre  lointaine.   Entre   1924   et   1929,   le   peintre   allemand   Otto   Mueller,   l’un   des   animateurs   du   mouvement   d’avantgarde   Die   Brücke,   côtoie   pendant   plusieurs   saisons   les   bohémiens   des   Balkans.   Cette   proximité   lui   inspire   un   portfolio   qui   constitue   son   chef-d’œuvre   et   une   sorte   de   manifeste   en   faveur   de   l’état   de   nature.   En   1937,   quelques   années   après   sa   mort,   les   tableaux   issus   de   cette   série   sont   saisis   et   présentés  dans  l’exposition  organisée  à  Munich  par  le  pouvoir  nazi,  dans  le  but  de  stigmatiser  l’art  dit   «  dégénéré  ».  Ainsi  semblent  devoir  s’éteindre  plusieurs  siècles  de  fascination  pour  les  bohémiens  et   le  souffle  d’une  liberté  que  les  artistes  et  leur  public  ont  longtemps  respiré.   Ce   même   régime   organise   à   partir   de   1939   la   déportation   des   Roms   provenant   d’Allemagne,   entreprise   élargie   à   toute   l’Europe   en   1942.   On   estime   à   500   000   le   nombre   de   Roms   et   Sintis   exterminés   dans   les   camps   nazis.   Au   cœur   de   cette   nuit,   Leni   Riefenstahl,   la   réalisatrice   préférée   d’Hitler,  tourne  entre  1941  et  1945  un  des  films  les  plus  coûteux  de  la  période  nazie,  Tiefland,  où  elle   incarne  Marta,  une  fille  de  vagabond  costumée  en   gitane.  Pour   les  besoins   de   la  figuration,  plus   de   150  Roms  et  Sintis  sont  extraits  des  camps.  À  l’issue  du  tournage,  ils  y  sont  tous  reconduits.  

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proverbes  roms
“Si  tu  ne  sais  pas  où  tu  vas,  souviens-toi  d’où  tu  viens…” “Les  montagnes  ne  bougent  pas,  mais  les  hommes  bougent…” “Qui  voyage  beaucoup,  apprend  beaucoup…”

“Le  passage  d'une  roulotte  laisse  une  trace...” “Nous  sommes  des  oiseaux  de  passage,  demain  nous  serons  loin…” “Je  te  dis  voici  la  route,  voilà  les  épines ;;  toi,  marche  comme  tu  sais…” “Ce  n'est  pas  la  destination  mais  la  route  qui  compte…”

“Nous  ne  voulons  qu’une  chose :  laissez-nous  suivre  notre  route…”

“Avant  que  ne  viennent  la  haine  et  la  bagarre,  accroche  ta  roulotte  et  pars…” “Vous  pouvez  me  tuer,  mais  laissez-moi  chanter  ma  chanson...” “De  la  souffrance  est  tressé  tout  ce  qui  est  vivant...” “Je  sais  quand  je  suis  né,  mais  pas  pourquoi...” “Tu  es  heureux  car  tu  es  libre...” “Ce  que  le  vent  apporte,  il  le  remporte  aussi...”

“Je  sais  beaucoup  de  chansons,  mais  je  ne  sais  pas  chanter...”  

“Ne  te  demande  pas  si  tu  dois  mourir  ou  vivre,  mieux  vaut  chanter...”

“Dieu  voit  tout,  mais  il  ne  dit  rien  à  personne...”  Bohèmes  26

sélection  de  poèmes
“La  Bohème  […]  se  compose  de  jeunes  gens  tous  âgés  de  plus  de  vingt  ans,  mais  qui   n'en  ont  pas  trente,  tous  hommes  de  génie  dans  leur  genre,  peu  connus  encore,  mais   qui  se  feront  connaître,  et  qui  seront  alors  des  gens  fort  distingués ;;  on  les  distingue   déjà  dans  les  jours  de  carnaval,  pendant  lesquels  ils  déchargent  le  trop-plein  de  leur   esprit,  à  l'étroit  durant  le  reste  de  l'année,  en  des  inventions  plus  ou  moins  drolatiques.   […]   Ce  mot  de  bohème  vous  dit  tout.  La  bohème  n'a  rien  et  vit  de  ce  qu'elle  a.  L'espérance   est  sa  religion,  la  foi  en  soi-même  est  son  code,  la  charité  passe  pour  être  son  budget.   Tous   ces   jeunes   gens   sont   plus   grands   que   leur   malheur,   au-dessous   de   la   fortune,   mais  au-dessus  du  destin.” Honoré  de  Balzac,  Un  Prince  de  la  Bohème,  1845 “Aujourd’hui  comme  autrefois,  tout  homme  qui  entre  dans  les  arts,  sans  autre  moyen   d’existence  que  l’art  lui-même,  sera  forcé  de  passer  par  les  sentiers  de  la  Bohème.  La   plupart   des   contemporains   qui   étalent   les   plus   beaux   blasons   de   l’art   ont   été   des   bohémiens ;;   et,   dans   leur   gloire   calme   et   prospère,   ils   se   rappellent   souvent,   en   le   regrettant   peut-être,   le   temps   où,   gravissant   la   verte   colline   de   la   jeunesse,   ils   n’avaient  d’autre  fortune,  au  soleil  de  leurs  vingt  ans,  que  le  courage,  qui  est  la  vertu   des  jeunes,  et  que  l’espérance,  qui  est  le  million  des  pauvres.  ” Henry  Murger,  Préface,  Scènes  de  la  Vie  de  Bohème,  1850

Je  n’y  veux  rien  croire.  Mort,  vous, Toi,  dieu  parmi  les  demi-dieux ! Ceux  qui  le  disent  sont  des  fous. Mort,  mon  grand  péché  radieux, Tout  ce  passé  brûlant  encore Dans  mes  veines  et  ma  cervelle Et  qui  rayonne  et  qui  fulgore Sur  ma  ferveur  toujours  nouvelle ! Mort  tout  ce  triomphe  inouï Retentissant  sans  frein  ni  fin Sur  l’air  jamais  évanoui Que  bat  mon  cœur  qui  fut  divin ! Quoi,  le  miraculeux  poème Et  la  toute-philosophie, Et  ma  patrie  et  ma  bohème Morts ?  Allons  donc !  Tu  vis  ma  vie ! Paul   Verlaine,   extrait   de   Laeti   et   Errabundi,  Parallèlement  1889

« […]  Je  cherche  fortune, Autour  du  Chat  Noir, Au  clair  de  la  lune, À  Montmartre ! Je  cherche  fortune  ;; Autour  du  Chat  Noir, Au  clair  de  la  lune,   À  Montmartre,  le  soir ! […]  La  lune  était  obscure Quand  on  me  transborda Dans  une  préfecture, Où  l'on  me  demanda : Êtes-vous  journaliste, Peintre,  sculpteur,  rentier, Poète  ou  pianiste ?  ... Quel  est  votre  métier ? » Le   Chat   Noir,   Aristide   Bruant

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quelques  notices  d’œuvres
extraits  de  l’album  de  l’exposition,  écrit  par  Florence  Hudowicz

Boccaccio  Boccaccino  l’Ancien  (vers  1465-vers  1525) La  Petite  Bohémienne,  vers  1505 peinture  sur  bois,  H. 24 cm,  L. 19 cm   Florence,  Galleria  degli  Uffizi Istituti  museali  della  Soprintendenza  Speciale  per  il  Polo  Museale  Fiorentino
Cette   jeune   fille   aux   yeux   emplis   de   ciel   qui   fixent   sur   le   monde   un   regard   doux   et   mélancolique,   répond  aux  premières  descriptions  des  bohémiennes  en  Europe  occidentale,  en  Belgique  comme  en   Italie :  elle  porte  le  turban  oriental  noué  sous  le  menton,  ses  cheveux  bouclés  et  détachés  et  une  sorte   de   couverture   recouvre   son   épaule.   Toutefois,   Boccaccio   Boccaccino,   peintre   de   la   Renaissance   italienne,  qui  a  travaillé  essentiellement  à  Crémone  la  pare,  en  outre,  d’étoffes  riches  et  élégantes  (col   ouvragé  de  la  délicate  blouse)  et  surtout  de  bijoux  raffinés :  collier  et  ferronnière,  ceignant  son  front  à   e la  manière  d’une  grande  dame  lombarde.  Ainsi,  celui  qui  fut  considéré  au  XVIII  siècle  comme  le  plus   moderne  des  peintres  anciens,  et  le  plus  ancien  des  peintres  modernes,  peint  ce  sujet  populaire  avec   la  même  grâce  et  la  même  noblesse  que  celles  employées  pour  ses  sujets  religieux.

Jan  van  de  Venne  (avant  1600-avant  1651) Campement  de  Bohémiens,  XVIIe siècle huile  sur  bois,  H. 24 cm,  L. 35 cm Paris,  musée  du  Louvre
Si   l’on   sait   peu   de   choses   sur   la   vie   du   peintre   flamand   Jan   van   de   Venne,   l’affection   qu’il   portait   à   certaines  scènes  populaires,  comme  les  campements  de  bohémiens,  est,  quant  à  elle,  bien  connue,  si   bien  qu’il  a  été  surnommé  le  Maître  des  Tsiganes.  L’artiste  a,  peu  à  peu,  fixé  les  codes  de  la  réussite   de  ce  genre  de  scène  pittoresque,  qu’il  théâtralise à  travers  différents  choix :  la  grotte  et  le  feu  de  bois,   les  jeux  de  clairs-obscurs  complexes,  les  effets  cuivrés  et  argentés ;;  de  plus,  le  choix  des  costumes   désormais   traditionnels   pour   représenter   les   bohémiens   contribue   au   succès   de   la   scène,   en   particulier    le  drapé  des  couvertures  effrangées,  et  surtout  les  extraordinaires  coiffes,  parfois  appelées   « berns »,  sortes  de  galettes  aplaties  enveloppées  dans  du  tissu  et  posées  artistiquement  sur  le  haut   de  la  tête.  Pour  autant,  cette  scène  d’intimité  familiale,  où  une  jeune  mère  épouille  son  jeune  enfant   blond,   tandis   qu’une   femme   plus   âgée   prépare   le   souper,   frappe   par   sa   douceur   chaleureuse   et   sa   simple   humanité,   au-delà   même   de   son   caractère   pittoresque.   Ce   qui   n’est   pas   sans   rappeler   le   traitement  de  certains  sujets  religieux.

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Attribué  à  Nicolas  Bollery  (vers  1560-1630) Les  Acteurs,  vers  1595-1605 huile  sur  toile,  H. 117,4 cm,  L. 147,5 cm Sarasota,  The  John  and  Mable  Ringling  Museum   of  Art,  the  State  Art  Museum  of  Florida
Cette   frise   de   personnages   alliant   costumes,   couleurs   et   masques,   dans   une   composition   qui   recherche  l’effet  est  l’un  des  premiers  traitements  d’un  thème  qui   va  devenir  majeur  dans  la  peinture   e de   genre   au   XVII   siècle :   celle   de   l’innocent,   mâle,   dupé   par   une   ou   plusieurs   femmes   fourbes   et   complices.  On  reconnaît  immédiatement  les  bohémiennes  à  leurs  immenses  coiffes  répertoriées  dans   les  recueils  de  costumes  dans  la  catégorie  des  Egyptiennes,  leurs  étoffes  rayées  et  leurs  couvertures   attachées  sur  l’épaule  en  guise  de  manteaux.  Le  personnage  central,  qui  porte  un  masque  et  se  fait   dérober  sa  bourse,  est  l’un  des  zanni,  ou  bouffons,  bien  connus  de  la  Commedia  dell’arte,  Pantalone,   un   marchand   vénitien   célèbre   pour   sa   balourdise   et   la   médiocrité   de   ses   intrigues   amoureuses.   Le   tableau  est  actuellement  attribué  au  peintre  maniériste  tardif  Nicolas  Bollery,  oncle  de  Jean  et  Jacques   Blanchard.   Il   reste   un   témoignage   précieux   de   l’intégration   très   précoce   des   bohémiens   dans   les   genres  très  populaires  tels  que  la  Commedia  dell’arte,  qui  participait  pleinement  à  la  distraction  de  la   société  médiévale  dans  toutes  ses  strates.

Thomas  Gainsborough  (1727-1788)   Paysage  avec  bohémiens  1753-1754 huile  sur  toile,  H. 48,3 cm,  L. 62,2 cm Londres,  Tate, Legs  de  Mrs  Arthur  James  en  1948
Thomas   Gainsborough,   peintre   du   XVIII   siècle   reconnu   pour   ses   portraits,   est   le   premier   peintre   anglais  de  cette  importance  à  s’être  intéressé  aux  bohémiens.  Il  leur  a  consacré  trois  tableaux,  dont   deux  sont  conservés  à  la  Tate  Gallery,  le  troisième  n’étant  connu,  à  ce  jour,  que  grâce  à  une  gravure. Bien  que  se  soit  posée  la  question  de  la  réelle  identité  du  groupe  de  personnes  rassemblées  autour   d’un  feu,  paysans  ou  bohémiens,  il  est  à  noter  que  Gainsborough,  lui-même,  les  intitule  bohémiens  et   qu’ils  sont  les  premiers  à  figurer  ainsi  au  centre  de  la  composition  de  ses  paysages.  On  raconte  que  le   sujet  ayant  déplu  à  son  commanditaire,  un  gentleman  d’Ipswich,  le  peintre,  de  rage,  l’aurait  lacéré ;;  de   fait,  la  toile  comporte  effectivement  deux  déchirures  réparées. Gainsborough  se  sert  de  la  gravure  des  bohémiens,  réalisée  vers  1758  au  moment  de  son  installation   à  Bath,  pour  faire  sa  publicité.  Faisant  savoir  qu’il  est  écœuré  du  portrait,  il  traduit  ainsi  sa  sensibilité,   son   goût   pour   la   nature,   ainsi   que   ses   intérêts   pour   la   question   des   gens   du   voyage,   appelés   les   travellers,  sujet  déjà  épineux  à  l’époque.
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Jean-Baptiste  Camille  Corot  (1796-1875) Zingara  au  tambour  de  basque,  vers  1865 huile  sur  toile,  H. 55 cm,  L. 38 cm Paris,  musée  du  Louvre
Consacré   comme   le   plus   influent   paysagiste   du   XIX   siècle,   Jean-Baptiste   Camille  Corot  a  également  peint  plus  d’une  centaine  de  portraits,   dans  l’intimité   de  son  atelier,  en  particulier  à  la  fin  de  sa  vie.  Soucieux  de  ménager  son  public  ou  de  les  conserver   pour  lui,  il  ne  les  a  quasiment  jamais  exposés.  Cette  Zingara  fait  partie  de  cette  étonnante  galerie  de  
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figures   auxquelles   le   peintre   attribuait,   au   gré   de   son   humeur   ou   de   sa   fantaisie,   un   livre   ou   un   instrument   de   musique   -   ici   un   tambour   de   basque   -   recomposant   d’après   ses   souvenirs   des   paysannes   observées   dans   la   campagne   romaine   dans   les   années   1840.   Il   a   effectivement   pu   voir   des  zingari  dans  la  campagne  romaine  ou  bien  peindre  un  modèle  bohémien  loué  à  Paris  vers  1865.   Grâce  aux  tonalités  rompues  dans  un  raffinement  exquis,  et  aux  formes  ramenées  à  l’essentiel,  aussi   bien   celles   du   costume   que   celles   du   visage   et   des   mains,   le   peintre   exprime   soudain,   dans   cette   sorte  d’icône  de  la  mélancolie,  un  des  ressorts  du  sentiment  tsigane.

Nicolas  François  Octave  Tassaert  (1800-1874) Intérieur  d’atelier,  1845 huile  sur  toile,  H. 46 cm,  L. 38 cm Paris,  musée  du  Louvre
Cet   Intérieur   d’atelier,   peint   par   Octave   Tassaert   en   1845,   devance   de   quelques   années  la  publication  du  livre  d’Henry  Murger,  Scènes  de  la  vie  de  bohème,  duquel  il  aurait  pu  servir   de  frontispice,  tant  le  peintre  livre  ici  une  illustration  parfaite  de  la  bohème  romantique.  Dans  un  cadre   resserré,   tous   les   accessoires   de   l’artiste   et   de   sa   misère   sont   réunis   pour   raconter   le   peintre,   le   pauvre   dîneur   et   peut-être   l’amant   malheureux,     une   mise   en   page   impeccable   et   sans   inconvenances,   jusqu’au   gilet   rouge   en   hommage   à   l’écrivain   et   critique,   Théophile   Gautier,   qui   le   défendait   contre   les   attaques   pour   misérabilisme   et   complaisance   par   ses   détracteurs.   La   mise   en   perspective  de  ce  brillant  exercice  de  style  avec  le  petit  tableau  exécuté  vingt  ans  plus  tôt  (Montpellier,   musée  Fabre),   dans   lequel  il  représente  sa  propre  jeunesse,   avec  un  joyeux   fouillis   et  un  chat  plein   d’espoir,   est   assez   saisissante.   D’une   désespérance   intraitable   et   d’une   misanthropie   sans   appel,   le   peintre,  surnommé  le  Corrège  de  la  douleur,  finira  par  se  suicider.
Le  Grenier              Je  viens  revoir  l’asile  où  ma  jeunesse                De  la  misère  a  subi  les  leçons.                J’avais  vingt  ans,  une  folle  maîtresse,                De  francs  amis  et  l’amour  des  chansons.                Bravant  le  monde  et  les  sots  et  les  sages,                Sans  avenir,  riche  de  mon  printemps,                Leste  et  joyeux  je  montais  six  étages.                Dans  un  grenier  qu’on  est  bien  à  vingt  ans  !                C’est  un  grenier,  point  ne  veux  qu’on  l’ignore.                Là  fut  mon  lit  bien  chétif  et  bien  dur  ;;                Là  fut  ma  table  ;;  et  je  retrouve  encore                Trois  pieds  d’un  vers  charbonnés  sur  le  mur.                Apparaissez,  plaisirs  de  mon  bel  âge,                Que  d’un  coup  d’aile  a  fustigés  le  Temps.                Vingt  fois  pour  vous  j’ai  mis  ma  montre  en  gage.                Dans  un  grenier  qu’on  est  bien  à  vingt  ans  !                Quittons  ce  toit  où  ma  raison  s’enivre.                Oh  !  qu’ils  sont  loin  ces  jours  si  regrettés  !                J’échangerais  ce  qu’il  me  reste  à  vivre                Contre  un  des  mois  qu’ici  Dieu  m’a  comptés.                Pour  rêver  gloire,  amour,  plaisir,  folie,                Pour  dépenser  sa  vie  en  peu  d’instants,                D’un  long  espoir  pour  la  voir  embellie,                Dans  un  grenier  qu’on  est  bien  à  vingt  ans  ! Pierre-Jean  de  Béranger  (1780-1857)

               

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Kees  van  Dongen  (1877-1968) La  Gitane  (la  curieuse),  vers  1911 huile  sur  toile,  H. 54 cm,  L. 45 cm Paris,  Centre  Pompidou, En  dépôt  à  L'Annonciade,  musée  de  Saint-Tropez En   1910,   le   peintre   belge   Kees   van   Dongen,   après   un   voyage   en   Afrique   du   Nord   et   en   Espagne,   va   renouveler   sa   manière   de   peindre.   « Européen   ou   exotique   à   son   gré,   écrit   Apollinaire,   Van   Dongen   a   un   sentiment   personnel   et   violent   de   l’orientalisme. »   Outre   la   lumière   méditerranéenne   qui   change   les   couleurs,   il   est   directement   confronté   à   une   sensualité   féminine   qui   le   surprend.   Habitué   à   fréquenter   et   peindre   les   mondes   interlopes   de   Montmartre   tandis   qu’il   loge   lors   de   ses   débuts   parisiens   au   Bateau-Lavoir,   il   découvre,   en   Espagne   en   particulier,   les   figures   des   gitanes.   Dans   sa  fièvre,   il   les   pare   souvent   d’un   châle   rouge,   mais   elles   s’offrent   toujours   à   son   pinceau   dans   leurs   attitudes   fières   et   dédaigneuses.   Il   en   peint   toute   une   série,   dont   La   Gitane,   avec   son   châle   noir   et   sa   robe   jaune  safran  fleurie  d’arabesques  rouges,  fait  partie.

Léonard  de  Vinci  (1452-1519) Un  homme  trompé  par  des  Tsiganes  (cinq  têtes  grotesques) vers  1493 crayon  et  encre,  H. 26 cm,  L. 20,5 cm Londres,  The  Royal  Library,  Windsor  Castle

Leonardo   da   Vinci,   dans   sa   soif   insatiable   de   sonder   le   mystère   de   la   nature   humaine,   a   exploré   par   son   génie   toutes   ses   faces   possibles,   du   plus   sublime   au   plus   monstrueux,   comme   ses   têtes   grotesques   qu’il   dessina   alors   qu’il   était   artiste   de   la   cour   à   Milan.   Ce   dessin,  issu  de  la  collection  royale  d’Angleterre  qui  détient  le  plus  grand  nombre  des  dessins   de   Leonardo   da   Vinci   au   monde,   offre   la   mise   en   scène   spectaculaire   et   inquiétante   d’un   personnage   noble   portant   la   couronne   de   lauriers   soudain   encerclé   par   quatre   têtes   grimaçantes   et   comme   flottant   dans   les   airs.   Les   interprétations   varient :   on   y   voit   une   construction  intellectuelle  visant  à  exprimer  les  quatre  humeurs  de  l’homme  selon  les  thèses   des   savants   médiévaux ;;   de   manière   tout   aussi   convaincante,   on   a   rapproché   la   gestuelle   des   mains   des   activités   de   chiromancie   et   de   vol   déjà   représentées   comme   pratiques   de   bohémiens.  La  présence  de  ces  derniers  à  Milan  en  1493,  confirmée  par  un  édit  d’expulsion   qui  les  vise  expressément,  conforte  cette  dernière  analyse.  

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extraits  du  catalogue  de  l’exposition  
La  vie  de  bohème.  Une  mythologie  du  XIXe  siècle par  Jean-Didier  Wagneur
[…] Solidarités  tribales […]  Dès  l’Ancien  Régime  on  parle  de  « vie  de  bohême »  pour  désigner  une  vie  sans  ordre  ni  raison.   La   langue   fait   signe   vers   les   populations   Roms,   vers   une   culture,   un   mode   d’être   au   monde,   avec   e lesquels   nombre   d’écrivains   du   XIX siècle   se   sentiront   une   forte   proximité,   d’abord   par   l’antibourgeoisisme   proprement   romantique,   ensuite   par   une   solidarité   presque   tribale   avec   des   populations   imposant   farouchement   leur   différence.   Fascination   baudelairienne   pour   la   « tribu     prophétique  aux  prunelles  ardentes »,  pour  la  figure  radicale  de  l’étranger,  pour  un  peuple  « si  étrange   qu’il  ne  ressemble  à  aucun  autre,  en  aucune  chose.  Il  ne  possède  ni  sol,  ni  culte,  ni  histoire,  ni  code   quelconque  […] Walter  Benjamin  notait  dans  le  Passagen-Werk :  « Chez  presque  tous  les  romantiques,  l’archétype  du   e héros  est  le  “bohémien” .»  Reste  que  « bohême »  est  au   XIX siècle  une  épithète  discriminante  qu’on   colle  sur  tous  ceux  qui  errent  à  la  périphérie  du  corps  social :  les  bohémiens,  les  saltimbanques,  ainsi   que  les  petits  escrocs  urbains,  et,  fait   nouveau,   les  « littératuriers »  qui  se  multiplient  dans  les  petits   journaux,   dans   les   antichambres   de   directeurs   de   théâtres   ou   de   libraires.   Si   le   bohémianisme   des   gens  de  lettres  n’a  pas  été  étranger  à  l’Ancien  Régime  (les  travaux  de  Robert  Darnton  en  témoignent),   c’est  sous  Louis-Philippe  et  Napoléon III  que  la  métaphore  de  « bohème  littéraire »  s’est  imposée  puis   popularisée  jusqu’à  devenir,  dans  la  décennie  1850-1860,  un  lieu  commun.  […] Bohème  imaginaire   […]La   bohème,   cheval   de   Troie   en   marge   de   l’imprimé,   brouille   les   habitus :   les   procédures   de   parrainage,   de   légitimation,   ce   que   l’on   nomme   alors   les   mœurs   littéraires :   les   bohèmes   n’auraient   pas   de   mœurs.  Au   travers   de   ces   discours   apparaît   la   dissolution   d’un   univers   de   valeurs,   quelque   chose   comme   la   fin   d’un   « ancien   régime   des   lettres ».   Si   l’on   se   tourne   pourtant   du   côté   des   bohèmes,   des   traces   qu’ils   ont   laissées   en   dehors   des   textes   d’autocélébration   ou   des   discours   d’escorte,  on  s’aperçoit  que  l’identité  bohème  est  bien  moins  revendiquée  en  interne  que  la  volonté  de   parvenir.  D’ailleurs  qui  en  fait  partie,  où  commence-t-elle,  qu’a-t-elle  à  dire ?  Autant  de  questions  qui   relèvent   d’un   principe   d’incertitude.   La   bohème   est   une   nébuleuse   qui   agglomère   petits   écrivains,   petits   journalistes,   intellectuels   excentriques,   poètes   hallucinés,   jeunes   impétrants, etc.   constituant   à   eux  tous  une  cour  des  miracles  de  la  littérature,  les  uns  quêtant  la  pièce  de  cent  sous  ou  la  chronique,   les   autres   lisant   dans   le   fond   des   demi-tasses   des   destins   splendides,   d’autres   encore   parasitant   le   système   ou   échafaudant   des   châteaux   en   Bohême   ou   des   révolutions :   une   suite   de   héros   et   de   martyrs   de   brasserie   comme   les   ont   décrits   plus   d’un.   Ceux   qui   en   sont   sortis   la   considèrent   avec   nostalgie   comme   moment   héroïque,   mais   pour   ceux   qui   y   sont   demeurés   elle   dessine   en   dernière   instance  un  négatif :  c’est  la  mésaventure  littéraire,  la  sanction  de  la  malchance.  Il  y  a  une  fascination   pour  l’échec  de  ceux  qui  sont  morts  pour  l’art.  Entre  la  fosse  commune,  destin  d’une  grande  partie  de   la   bohème,   et   ceux   qui   sont   miraculeusement   montés   au   firmament   comme   Gérard   de   Nerval   ou   Charles  Cros,  c’est  tout  un  monde  qui  se  dessine  où  la  pratique  de  l’art  est  perçue  comme  chemin  de   croix.  […]

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L’invention  de  la  bohème :  le  petit  journal […]Si   la   bohème   littéraire   entre   ainsi   rapidement   dans   le   discours   social,   c’est   qu’elle   est   une   pure   création  des  petits  journaux.  C’est  dans  le  milieu  bohème  que  la  presse  a  tôt  recruté  son  personnel.   À partir   des   années   1840,   on   note   une   multiplication   des   titres   soutenus   par   des   entrepreneurs   divers :   libraires,   financiers,   annonceurs.   Ce   sont   des   journaux   au   format   in-quarto   ou   in-folio,   de   quatre   pages  souvent,  à   parution  généralement  hebdomadaire,  structurés  (à   l’image  des  quotidiens)   en   colonnes   et   en   rubriques   régulières,   surmontés   d’un   frontispice   et   s’accompagnant   de   pages   réservées  aux  annonces.  Leurs  titres,  Le Bohème,  Figaro,  Polichinelle,  L’Effronté,  L’Éclair,  Le Sans-lesou, etc.  font  mot  d’ordre  et  endossent  des  persona  empruntées  aux  marginalités  de  l’Ancien  Régime,   aux  caractères  du  théâtre  italien,  aux  romans  picaresques,  à  l’univers  des  saltimbanques,  ou  bien  se   font  le  relais  des  nouvelles  pratiques  urbaines,  tels  Le Café,  Le Divan  ou  Le Boulevard. La  bohème  littéraire  et  artistique  est  vouée  au  journal :  le  frontispice  du  Rabelais  représente  ses   esclaves  condamnés  à  tourner  la  meule  de  la  chronique,  des  nouvelles  à  la  main,  du  feuilleton.  Mais   dans   le   même   temps,   ils   s’approprient   le   média,   le   détournent   à   leur   profit,   en   connivence   avec   un   lectorat  relevant  en  majeure  partie  du  même  milieu  qu’elle.  La  bohème  invente  et  rajeunit  la  presse  en   substituant  au  compte  rendu  sérieux  une  pratique  bouffe  jouant  de  la  blague  et  de  l’ironie.  […]

Humeurs  Vagabondes par  Ségolène  Le  Men
[…] L’invention  du  bohémianisme...   “Sans  pays,  sans  prince  et  sans  lois,  [...]  Tous  indépendants  nous  naissons.  [...]  Vie  errante  est  chose   enivrante.   /Voir   c'est   avoir.  Allons   courir   !/   Car   tout   voir   c'est   tout   conquérir   [...],   Le   bonheur   c'est   la   liberté”.   La   chanson   de   Béranger,   Les   bohémiens,   trouve   écho   chez   Courbet   et   Baudelaire,   qui   proclament   la   « grande   vie   vagabonde   du   bohémien ».   Pourtant   les   conceptions   du   peintre   et   du   poète   s’avèrent   différentes :   Baudelaire   a   connu   la   misère et   les   déménagements   continuels   mais   reste  pour  sa  part  un  « bohémien  de  Paris »,  flâneur  observateur  de  ses  rues,  de  ses  boulevards,  de   ses   passages,   qui   avait   projeté   pour   ses   poèmes   en   prose   les   titres   de   « Promeneur   solitaire »   ou   « Le  rôdeur  parisien »  et  qu’inspire  L’homme  des  foules  d’Edgar  Poe;;  Courbet  l’est  tout  autant,  mais  il   est  de  plus  fasciné  par  l’équipée  sur  la  grand  route,  et  circule  lui-même  entre  Ornans  et  Paris  quand  il   lance  le  mot  de  « bohémien »,  comme  pour  répondre  à  « bohème ».   Dans   une   lettre   de   juillet   1850   adressée   de   Dijon   à   Francis   Wey,   Courbet   revendique   «   sa   vie   de   sauvage  »  par  une  sorte  de  manifeste  rousseauiste  et  quarante-huitard:  «  Dans  notre  société  si  bien   civilisée,   il   faut   que   je   mène   une   vie   de   sauvage   ;;   il   faut   que   je   m’affranchisse   même   des   gouvernements.  Le  peuple  jouit  de  mes  sympathies;;  il  faut  que  je  m’adresse  à  lui  directement,  que  j’en   tire   ma   science,   et   qu’il   me   fasse   vivre.   Pour   cela   je   viens   donc   de   débuter   dans   la   grande   vie   . vagabonde  et  indépendante  du  bohémien » […] C’est  une  dizaine  d’années  plus  tard  que  Baudelaire  devait  forger  le  néologisme  “bohémianisme”  qui   opère  une  sorte  de  condensation  entre  les  deux  sens  de  bohémiens  et  de  bohèmes.  Il  l’introduit  dans   l’un   des   aphorismes   de   Mon   cœur   mis   à   nu,   texte   édité   à   titre   posthume:   « Glorifier   le   culte   des   images   (ma   grande,   mon  unique,   ma   primitive   passion).   /   Glorifier   le   vagabondage   et   ce   qu’on   peut   appeler  le  bohémianisme.  Culte  de  la  sensation  multipliée  et  s’exprimant  par  la  musique.  En  référer  à   Liszt ». […]

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...et  l’apologie  du  montreur La   lettre   de   Courbet   s’inscrit   dans   un   contexte   tout   différent.   Car   la   thématique   bohémienne   s’y   comprend   par   référence   à   la   tournée   d’expositions   qu’il   relate   à   Francis   Wey:   après   avoir   été   triomphalement   accueilli   à   Ornans   en   octobre   1849   comme   peintre   récompensé   au   Salon   pour   L’après-dînée   à   Ornans,   sorte   de   contrepoint   provincial   aux   scènes   parisiennes   de   brasserie,   il   a   passé  une  saison  à  peindre  à  Ornans,  remonte  vers  Paris  en  vue  du  Salon,  retardé  à  l’hiver  suivant,   ses  tableaux,  parmi  lesquels  l’immense  toile  Un  enterrement  à  Ornans  et  Les  casseurs  de  pierre,  qui  y   feront  scandale.  En  route  il  les  montre  à  plusieurs  reprises,  avec  des  cadres  de  sapin  qui  s’opposent   aux  cadres  dorés  appréciés  du  public  bourgeois.  C’est  ainsi   qu’il  s’adresse   directement,  hors  Salon,   au   peuple,   par   des   tableaux   qui   le   représentent.   Pour   chaque   étape,   il   a   cherché   un   espace   d’exposition  suffisamment  grand,  en  détournant  de  leur  fonction  initiale  des  lieux  existants.  A  Ornans,   ses  « tableaux  sont  exposés  à  l’église  du  séminaire  d’Ornans  où  ils  font  fureur ».  Ses  concitoyens  font   foule   devant   leur   portrait   collectif,   surpris   de   ne   rien   payer,   ce   qui   donne   à   Courbet   l’idée   de   billets   d’entrée,  pour  l’étape  suivante  à  Besançon  en  mai. […] Ainsi,   le   grand   enjeu   de   l’épisode   relaté   par   la   lettre   du   bohémien,   mot   que   Courbet   distingue   de   « banquiste »,   aura   été   la   proposition   inaugurale,   testée   sur   la   route   entre   Ornans   et   Dijon,   d’un   nouveau  système  de  présentation  des  œuvres,  lié  au  marché  de  l’art  et  distinct  de  celui  du  Salon,  dont   le  mode  de  fonctionnement  ambulant  est  analogue  à  celui  des  troupes  de  théâtre  et  des  musiciens  de   concert  en  tournée.  Le  bohémien  montreur  s’avère  ici  proche  du  saltimbanque  faisant  la  publicité  de   spectacle   par  la  parade,  annoncée  devant  ces  « toiles  de  saltimbanque »  qu’évoque  passionnément   Rimbaud  dans  Une  saison  en  enfer. […] Le  croisement  entre  vie  d’artiste  et  goût  de  la  route,  qui  s’affirme  aux  lendemains  de  la  Révolution  de   1848,   n’est   ainsi   pas   sans   antécédent,   ni   sans   postérité   à   l’époque   du   naturalisme,   au   moment   où   Larousse   propose   sa   définition,   et   connaît   des   prolongements   jusqu’à   nos   jours,   notamment   au   cinéma.  […]  Alors  que  l’Etat  organise  la  police  du  vagabondage-,  artistes  et  écrivains  en  viennent  au   XIXe  siècle  à  valoriser  l’errance  et  à  faire  du  vagabondage  un  exercice  indispensable  à  leur  art,  et  du   bohémien,  dans  sa  misère,  mais  aussi  son  indépendance  et  sa  liberté,  le  symbole  de  leur  condition.   L’instauration  de  cette  posture  ambivalente  accompagne  la  redéfinition  des  carrières  artistiques,  et  la   mise  en  place  de  stratégies  itinérantes  par  lesquelles  l’artiste  devient  le  montreur  de  ses  tableaux  et   prend  conscience  de  l’importance  de  la  circulation  des  œuvres  sur  “la  grand  route”.  

« Comme  les  oiseaux  du  ciel ».  La  bohème  artistique  en  Europe par  Frank  Claustrat
Le   mythe   de   la   bohème   artistique   moderne   correspond   à   un   phénomène   culturel,   social   et   politique   d’une  importance  fondamentale  pour  l’histoire  de  l’art  occidental.  Généralement  associée  et  limitée  à   la  première  école  de  Paris,  l’intense  circulation  des  artistes  en  quête  d’émancipation  s’est,  en  réalité,   muée  en  fait  majeur  dès  les  années  1870.  Paris  devient  la  capitale  artistique  du  monde  et  attire  une   bohème  innombrable  composée  d’hommes  et  de  femmes  anticonformistes  qui  visent  à  innover.  Mais   si  Paris  est  le  berceau  de  l’art  moderne  et  un  lieu  de  prédilection  pour  une  vie  de  bohème  de  plus  en   plus   convoitée,   le   mode   d’existence   libertaire   et   de   production   alternative   aux   conventions   académiques  existe  dans  d’autres  endroits  du  continent,  quartiers  populaires  urbains  comme  colonies   artistiques  rurales,  constituant  ensemble  un  vaste  et  riche  réseau  de  contacts. […]

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Au  temps  des  impressionnistes Dans  les  années  1860,  le  rôle  des  futurs  impressionnistes  dans  le  concept  de  bohème  est  déterminant   pour  plusieurs  raisons,  même  si  son  invention  est  plus  ancienne.  Non  seulement  la  dimension  de  leur   esthétique   est   particulièrement   attractive,   mais   surtout   Paris   et   ses   environs   (Argenteuil,   Marly,   Pontoise…)   représentent   les   lieux   privilégiés   de   leur   combat   – plus   d’une   décennie   au   moins   d’âpre   bataille –  et  de  leur  inspiration  commune :  la  sensation  de  la  nature  captée  sur  le  vif.  Historiquement,   la  question  de  la  bohème  artistique  est  inséparable  de  Paris  depuis  que  la  mission  sociale  du  peintre   sombre  avec  la  Révolution  de  1848.  On  assiste  alors  à  un  mouvement  irréversible  de  redéfinition  du   statut   de   l’artiste   – indépendant   et   non   plus   académique –,   puis   de   banalisation   de   la   condition   d’artiste  moderne  à  travers  la  notion  de  vie  de  bohème,  c’est-à-dire  d’existence  précaire  et  idéaliste,   faite  de  camaraderie,   d’insouciance   et   de   lutte,  sujet   mis  à  la  mode  par  les  feuilletonistes  des  petits   journaux,  en  particulier  par  Henry  Murger  (Scènes  de  la  vie  de  bohème,  1845-1851). […] À partir  des  années  1860,  l’artiste  en  marge  des  modèles  et  des  codes  sociaux  choisit  pour  territoire   privilégié  Montmartre  et  ses  environs.  Au  pied  de  la  Butte,  les  impressionnistes  et  leurs  sympathisants   se  réunissent  dans  des  cafés  qui  deviennent  de  véritables  repaires,  tandis  que,  dans  leurs  ateliers,  à     proximité,   s’élabore   la   « nouvelle   peinture ».   […]   Dans   ces   cafés   se   constitue   une   conscience   collective,   revendicatrice,   audacieuse.   On   y   échange   des   idées   révolutionnaires,   comme   la   pratique   de  la  peinture  en  plein  air,  qui  modifie  totalement  la  perception  du  paysage,  ou  bien  les  scènes  de  la   vie   quotidienne,   saisies   dans   l’instant.   En   outre,   les   impressionnistes   favorisent   l’apparition   de   marchands   de   tableaux   engagés   (tel   Durand-Ruel),   qui   proposent   des   expositions   concurrentes   à   celles  du  Salon  officiel.  […] A   partir   des   années   1850,   se   constitue   un   véritable   marché   de   l’art   international   avec   le   développement   à   la   fois   de   la   production   et   de   la   consommation   hors   du   circuit   traditionnel.   Les   Expositions   universelles   de   1855   et   de   1867   (comme   celles   de   1889   et   de   1900)   participent   au   flux   constant  d’artistes  venus  tenter  leur  chance  dans  la  capitale.  Les  plus  téméraires  d’entre  eux  adhèrent   au  concept  de  bohème,  identifié  à  la  jeunesse  et  à  l’expérimentation.  D’emblée,  ils  l’associent  à  l’idée   de   liberté   d’expression   et   à   un   mode   de   vie   démocratique,   limité   ou   impossible   chez   eux.   En   connaissance  de  cause,  l’écrivain  et  peintre  suédois  August  Strindberg,  dans  son  roman  intitulé  Dans   la  chambre  rouge,  dresse,  en  1879,  le  portrait-robot  du  « genre  bohème » :  « Ils  avaient  les  cheveux   longs,  portaient  des  chapeaux  à  large  bord,  des  cravates  aux  couleurs  éclatantes  et  vivaient  comme   les  oiseaux  du  ciel.  Ils  lisaient  et  citaient  Byron  et  rêvaient  de  toiles  inouïes […] ».   […] Convertis   à   un   mode   de   vie   transgressif   rendu   indispensable   à   la   reconnaissance   de   leur   création   comme   à   leur   consécration,   les   bohèmes   vont   le   diffuser   dans   leur   région   ou   dans   leur   pays,   favorisant   ainsi,   jusque   dans   les   années   1890,   l’éclosion   de   foyers   dans   les   villes   ou   dans   les   campagnes,  au  sein  de  colonies,  le  plus  souvent  estivales.   […] e Ainsi,  dans  le  dernier  quart  du  XIX siècle,  la  vie  de  bohème  devient-elle  plus  souvent  un  moment  de   marginalité  inscrit  dans  le  déroulement  de  la  formation  des  artistes  et  ce,  quelle  que  soit  leur  origine   sociale. […] La  bohème  fin-de-siècle À Paris,  dans  les  années  1890,  la  bohème  artistique  symboliste,  notamment   celle  en  provenance  de   Berlin,  traverse  en  partie  la  Seine  pour  émigrer  sur  la  rive  gauche,  de  la  gare  Montparnasse  à  l’avenue   de  l’Observatoire.  Gauguin,  qui  participa  aux  expositions  du  groupe  impressionniste  à  quatre  reprises   entre 1880  et 1886,  y  sert  de  passeur  d’idées,  entre  deux  voyages,  de  Pont-Aven  à  Tahiti. Dans   le   vaste   quartier,   tout   semble   faciliter   l’installation   du   flot   régulier   d’artistes   venus   de   l’Europe  

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entière,   lesquels,   dans   le   meilleur   des   cas,   exposent   dans   l’un   des   salons   non   officiels   qu’offre   la   capitale.   À Montparnasse,   les   ateliers   sont   nombreux,   les   académies   libres   attractives   (Colarossi   et   Vitti),  les  pensions  ou  les  hôtels  et  commerces  bon  marché.  Les  cafés  jouent,  plus  que  jamais,  un  rôle   social   important.   Ce   sont   des   lieux   plus   cosmopolites   qu’auparavant,   où   les   échanges   entre   communautés  sont  plus  fréquents.  […]  Mais  l’art  moderne  est  d’abord  l’affaire  d’individus  singuliers  et   réfractaires ;;   il   se   confine   dans   des   milieux   isolés,   formés   à   partir   de   rencontres   hasardeuses   et   d’irrésistibles  attractions. Par  exemple,  au  fond  de  la  cour  du  6, rue  Vercingétorix,  est  situé  un  immeuble  d’ateliers  d’artistes  où   une  bonne  partie  de  la  bohème  internationale,  la  plus  révoltée  sans  doute,  est  accueillie  par  un  couple   franco-scandinave   hors   pair :   la   sculptrice   suédoise   Ida   Ericson   et   le   compositeur   franco-norvégien   William  Molard.   […] me Ouverte  en  1888,  la  Crémerie  de  M Charlotte  Caron  (née  Futterer),  située  au  13, rue  de  la  Grandeo Chaumière,   juste   en   face   de   l’académie   Colarossi   (au   n 10),   est   un   autre   lieu   à   découvrir.   L’établissement  fait  office  de  minuscule  restaurant,  très  fréquenté  par  la  bohème  internationale.  […] La   clientèle   est   autorisée   à   régler   les   repas   avec   un   dessin   ou   un   tableau.   Ainsi,   les   murs   du   restaurant   sont-ils   recouverts   d’œuvres   post-impressionnistes,   transformant   le   lieu   en   un   véritable   musée  d’avant-garde,  ouvert  à  tous.   […] La  bohème  artistique  à  l’aube  du  XX siècle « Je  me  demande  si  on  ne  devrait  pas  sortir  et  se  “bohémiser”,  avoir  une  vie  de  chien,  mais  apprendre   de  nouveau,  chercher  un  nouveau  contenu  et  de  nouvelles  formes,  de  nouveaux  points  de  vue  sur  de   vieilles   choses,   se   rajeunir,   se   regreffer.   J’ai   la   nostalgie   de   Montparnasse,   de   Madame   Charlotte,   d’Ida  Molard,  de  l’Absinthe,  du  merlan  frit,  du  Blanc,  du   Figaro  et  des  Lilas ! »  L’aveu  nostalgique  de   Strindberg   à   son   compatriote   peintre   Richard   Bergh,   daté   du   14 septembre   1904,   a   le   mérite   de   reconnaître   les   bons   côtés   de   la   bohème.   [...]   Mais   en   1904,   l’heure   n’est   pas   encore   à   la   bohème   artistique   chic   ou   touristique,   celle   des   Années   folles,   aux   excès   bien   compréhensibles   après   les   horreurs  de  la  Première  Guerre  mondiale.  Et  si  les   vestiges  de  l’ancien  creuset  bohème  risquent   de   s’évanouir  au  gré  de  la  ville  changeante,  ce  n’est  que  pour  mieux  renaître  au  désir  et  à  l’imagination   d’une  nouvelle  génération. Ainsi,  Guillaume  Apollinaire  (1880-1918)  et  son  cercle  incarnent-ils  pour  quelques  années  encore  une   bohème   expérimentale   particulièrement   productive,   celle   des   divers   mouvements   des   premières   e avant-gardes  du  XX siècle,  des  fauves  au  cubisme,  du  cubisme  à  l’orphisme.   […] Les  artistes  déménagent  au  gré  de  la  fortune,  voyagent  pour  exposer  dans  un  centre  urbain,  trouver   un  motif  ou  promouvoir  la  peinture  de  leur  pays  à  l’étranger.  Ainsi,  d’octobre 1900  à  avril 1904,  Pablo   Picasso  bourlingue-t-il  entre  Barcelone,  Madrid  et  Paris.  Dans  la  capitale  de  la  Catalogne,  son  œuvre   est  ancrée  dans  la  vie  de  bohème,  dont  le  cœur  est  le  cabaret   Els Quatre  Gats,  créé  en  1897  sur  le   modèle  du  Chat-Noir  parisien.  […]   Pour  autant,  c’est   vers  Paris   que  convergent  tous   les   itinéraires ;;   c’est  à  Paris  que  l’on  passe  ou  que  l’on  s’établit.  Chaque  année,  les  étrangers  affluent  par  centaines   dans   ce   qu’il   faut   bien   appeler   la   capitale   mondiale   de   l’art,   forte   de   tous   ces   apports.   En   1903,   installés  au  27, rue  de  Fleurus,  les  collectionneurs  américains  Gertrude  et  Léo Stein  reçoivent  bientôt   leurs  amis  artistes  et  écrivains  chaque  samedi  soir.  […]   En  1914,  l’entrée  en  guerre  n’a  fait  que  disperser  momentanément  la  bohème  artistique  européenne.   Larionov,  Chagall  et  Magnelli  retournent  dans  leur  pays  natal,  tandis  que  Kisling  et  Kupka  s’engagent   dans  la  Légion  étrangère,  Zadkine  et  Apollinaire  dans  l’armée  française.  Pour  autant,  dès  l’armistice,   on   assiste   à   son   incroyable   renaissance :   après   les   Ballets   russes,   l’heure   de   gloire   arrive   pour   les   Ballets   suédois   (1920-1925),   basés   à   Paris,   au   Théâtre   des   Champs-Élysées,   mais   qui   diffusent  
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pendant  cinq  saisons  les  idées  les  plus  novatrices  dans  les  plus  grandes  villes  d’Europe,  et  même  des   États-Unis. Les   trois   temps   forts   de   la   bohème   artistique   européenne,[…],   constituent   les   volets   d’une   odyssée   humaine,   et   d’un   combat   permanent :   celui   d’une   quête   de   liberté   au-delà   des   frontières.   Ainsi,   à   certains   égards,   en   même   temps   qu’elle   est   laboratoire   d’innovation,   la   bohème   apparaît-elle   aussi   comme  un  modèle  d’expression  démocratique.  Comparable  à  la  migration  des   oiseaux   évoquée   par   Strindberg  dans  le  titre  de  cet  essai,  la  bohème  artistique  fait  tout  simplement  écho  aux  lois  éternelles   de  la  nature.

« Ces  pauvres  gueux  pleins  de  bonadventure.»  Bohémiens  &  artistes par  Dominique  Jacquot
L’intrusion  d'un  sujet e Si  les  bohémiens  entrent  dans  l’histoire  de  l’Europe  occidentale  au  début  du  XV  siècle,  ils  n’intègrent   son  art  qu’à  la  fin  de  ce  siècle.  Cette  intrusion  relève  de  la  fascination  pour  un  autre  à  la  fois  proche  et   tout  autant  différent.  Une  origine  mythique,  l’Egypte,  vient  draper  de  mystère  ces  populations  au  mode   de  vie  si  particulier,  renforcé  par  l’ombre  dangereuse  de  la  magie.  […]  Avec  leurs  costumes  bariolés  et     rayés,   assimilables   à   l’étoffe   réservée   aux   différentes   sortes   de   paria et   leurs   peaux   basanées,   les   bohémiens  ne  cessent  d’intéresser  les  artistes  dès  les  premières  représentations,  dans  le  domaine  de   la  tapisserie  comme  chez  Léonard  de  Vinci.  […] Outre  également  la  représentation  isolée  abordée  dès  l’orée  du  XVIe  siècle  par  Boccaccio  Boccacino   mais  qui  demeure  une  rareté,  et  dans  ses  occurrences  de  manière  bien  plus  importante,  le  thème  de   la  Diseuse  de  bonne  aventure  va  cristalliser  la  figure  de  la  bohémienne.  […] La   représentation   des   bohémiens   paraît   connaître   une   moindre   fréquence   dans   l’art   de   la   seconde   moitié   du   XVIe   siècle.   Nous   aimerions   mettre   cette   séquence   en   parallèle   avec   la   raréfaction   entre   1540  et  1600  des  thèmes  de  diableries  (telles  les  scènes  avec  des  sorcières  ou  la  tentation  de  saint   Antoine),   qui   coïncide   avec   une   montée   de   la   répression due   à   la   Réforme   catholique   envers   toute   déviance  dogmatique  ou  morale. […] Une  polyphonie  d’intentions La  représentation  des  bohémiennes  permettait  une  variété  de  messages  et  il  n’est  pas  sûr  que  notre   regard   contemporain   mesure   pleinement   ce   qui   relève   du   ludicrum   (jeu).   Peindre   une   diseuse   de   bonne   aventure   comme   un   concert   pour   les   caravagistes   et   leurs   mécènes   ou   clients,   était-ce   faire   nécessairement   signifier,   tout   au   moins   vouloir   un   message   plus   raffiné   qu’un   vague   moralisme   ou   une  quelconque  évocation  des  divers  sens ? Car,  bien  entendu,  le  message  moral  semble  prédominant.  La  bohémienne  est  l’opposée  de  l’honnête   femme.   Son   apparition   coïncide   avec   le   vol ;;   souvent   la   luxure   est   clairement   évoquée :   scène   de   séduction,  coupable,  mais  aussi  prostitution  (avec  la  vieille  entremetteuse).  Les  autres  divertissements   prohibés  (le  milieu  interlope  des  tavernes,  la  musique  profane,  le  jeu)  rôdent  à  proximité  de  la  diseuse   de  bonne  aventure,  comme  autant  de  points  de  rencontre  possibles  avec  le  thème  du  Fils  Prodigue.   La  prédiction  de  l’avenir,  enfin,  est  condamnée  par  l’Eglise  comme  une  fausse  science. […] Dans   les   scènes   religieuses,   les   bohémiens   évoquent   depuis   la   Renaissance   l’exotique   Egypte.   Il   n’est   pas   jusqu’au   thème   de   l’enfant   trouvé-ce   mythe   qui   poursuit   la   nation   tsigane-   qui   ne   puisse   rencontrer  son  parallèle  biblique :  chez  Niccolò  dell’Abate,  Moïse  est  sauvé  des  eaux  par  une  fille  de   pharaon  secondée  par  une  bohémienne  identifiable  par  son  chapeau.    Dans  bien  des  Sainte  Famille,   la  Vierge  fuyant  en  Egypte  porte  la  même  coiffe  caractéristique,  illustrant  la  confusion  entretenue  entre  

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l’origine  géographique  supposée  d’un  peuple  qualifié  d’Egyptien,  et  l’Egypte  des  temps  bibliques.  Mais   au-delà,  comment  ne  pas  rapprocher  ce  passage  de  l’histoire  sainte,  où  l’on  voit  la  Joseph,  la  Vierge   et  l’Enfant  jetés  sur  les  routes,  sans  feu  ni  lieu,  de  la  condition  errante  des  bohémiens ?  Le  voyage  est   peut-être   in   fine   la   plus   grande   richesse   d’un   sujet   qui   réunit   sur   une   même   route,   chrétiens,   bohémiens  et  artistes.  
[…]

Portrait  de  l’artiste  en  bohémien par  Alain  Bonnet
[…] e L’artiste  au  XIX  siècle  a  souvent  été  représenté  comme  un  déclassé  et  un  solitaire  et  les  assimilations   ont   joué   avec   les   figures   du   bohémien,   du   saltimbanque,   du   vagabond   ou   de   la   prostituée.   Cette   image   dévalorisée   est   issue   des   transformations   sociales   et   des   mutations   économiques   qui   ont   frappé   cette   catégorie   au   XIXe   siècle.   La   transition   difficile   du   régime   de   la   communauté   professionnelle   au   régime   de   la   singularité   du   génie,   du   choix   rationnel   d’un   métier   au   mythe   de   la   prédestination,  constitue  l’un  des  arguments  les  plus  fréquemment  utilisés  dans  les  romans  sur  l’art :   l’artiste  était  présenté  comme  une  figure  marquée  par  l’indétermination  de  sa  position  économique  et   de   son   rôle   social,   comme   un   individu   naturellement   torturé,   destiné   à   lutter   obstinément   contre   l’adversité   et   dont   la   carrière   devait   nécessairement   s’achever   dans   le   renoncement,   l’échec,   le   désespoir,   la   folie   ou   le   suicide.   Ces   poncifs   ont   en   grande   partie   déterminé   l’image   que   certains   artistes  ont  choisi  de  présenter  au  public.  Les  autoportraits  de  Courbet,  Gauguin,  Van  Gogh,  Munch,   Hodler,   Schiele,   Toorop   et   de   tant   d’autres   projettent   sous   différentes   formes   cette   inquiétude   existentielle  et  ce  sentiment  d’exclusion  qui  poussaient  les  artistes  dans  les  marges  de  la  vie  sociale.   […] Les   éléments   servant   à   établir   l’image   du   rapin   comme   un   type   culturel,   qui   précède   de   quelques   années   à   peine   celle   de   l’artiste   bohème,   se   retrouveront   souvent   dans   les   portraits   des   artistes   marginaux  et   notamment  dans  celui  du  prince   de   la  bohème,  Marcellin  Desboutin.  Un  journaliste   du   Temps  en  brossa  un  portrait  caractéristique :  « Toujours  la  pipe  aux  dents,  coiffée  en  toute  saison  à  la   turque   d’une   large   chéchia   rouge   et   les   pieds   perdus   dans   des   savates   éculées   [il   était]   le   dernier   bohème  à  la  Murger,  mais  un  bohème  de  beaucoup  de  talent  et  d’esprit.  […]  ».  Desboutin  incarna  le   type   même   du   bohème,   par   son   accoutrement   comme   par   les   aléas   de   son   existence   qui   l’avait   vu   passer   de   l’opulence   aristocratique   à   la   misère.   […]   Les   causes   de   cette   marginalité   subie   étaient   nombreuses :   l’aveuglement   de   la   critique,   le   béotisme   du   public   bourgeois,   le   philistinisme   des   pouvoirs  publics.  Mais,  au  premier  rang  des  accusés  venaient  assurément  le  jury  du  Salon,  bras  armé   de  l’Académie  des  Beaux-Arts  et  arbitre  des  destinées  professionnelles.  […] La   pauvreté   n’était   pas   le   seul   motif   qui   permettait   d’assimiler   les   artistes   marginaux   à   la   bohème.   Dans   le   dernier   quart   du   XIXe   siècle,   une   nouvelle   image   des   artistes     a   commencé   à   s’esquisser,   celle   du   peintre   vagabond   arpentant   les   chemins   à   la   recherche   d’un   motif   pittoresque,   transportant   sur  son  dos  son  matériel  d’artiste,  coiffé  d’un  chapeau  de  paille  pour  se  protéger  du  soleil  et  s’aidant   d’un  bâton  de  pèlerin  pour  cheminer.  Dans  la  presse  illustrée,  l’image  de  l’artiste  sur  la  route  supplanta   les  poncifs  antérieurs  qui  montraient  l’artiste  à  son  chevalet,  dans  son  atelier.  […]   L’idée   de   vagabondage   est   ainsi   devenue   une   des   composantes   de   la   modernité   artistique   pour   qualifier  la  nature  de  l’artiste  comme  un  être  essentiellement  libre,  sans  feu  ni  lieu  et  sans  foi  ni  loi,  ne   devant   répondre   que   de   sa   seule   inspiration,   un   être   qui   ne   serait   soumis   ni   aux   contraintes   ni   aux   devoirs  qui  s’imposent  aux  autres  catégories  sociales.  […] Ce  thème  servit  donc  à  illustrer  les  sentiments  d'aliénation  et  de  marginalité  intériorisés  par  les  artistes   qui,   dès   le   début   du   XIXe   siècle,   rejetaient   les   normes   académiques   et   se   trouvaient   par   là   même   rejetés  psychologiquement  et  économiquement  dans  les  marges  de  la  vie  artistique.  Ce  rejet  subi  va  

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être   transformé   en   revendication   assumée   de   la   marginalité:   en   s'identifiant   à   la   Bohême   et   aux   bohémiens,  les  artistes  marginaux  s'attribuaient  les  qualités  expressives  directes  et  authentiques  des   peuples  qualifiés  de  primitifs.    La  paire  de  godillots  misérables  que  peignit  Van  Gogh  en  1886  pourrait   servir  de  symbole  à  cette  identification  de  l’artiste  au  bohémien,  au  vagabond  et  au  martyr  de  l’art.  […]

Les  Tsiganes  et  l’avant-garde  en  Allemagne par  Tanja  Pirsig-  Marshall
[…] Pour   les   artistes,   les   gens   du   voyage   évoquent   la   nature   primitive   sauvage,   l’insoumission,   l’autonomie,  l’indépendance  à  l’égard  des  biens  matériels,  la  résistance  aux  valeurs  bourgeoises,  ainsi   que  le  déracinement  et  la  marginalité.  Bref,  ils  sont  profondément  libres.  Dégagés  des  contraintes  de   la  civilisation,  ils  deviennent  par  là  même  étranges,  séduisants,  mystérieux,  inquiétants  et  indéfiniment   captivants.   Leur   image   renvoie   à   plusieurs   grands   thèmes   de   l’art,   depuis   l’exotique   et   le   primitif   jusqu’à   la   relation   étroite   avec   la   nature,   la   créativité   spontanée   et   la   sensualité   débridée.   L’artiste   bohème,  qui  s’attribue  les   caractéristiques  présumées  de  ce  modèle  tsigane,  se  transforme  ainsi   en   archétype   du   marginal.   Chaque   fois   que   des   artistes   représentent   de   vrais   Tsiganes   comme   métaphores  de  leurs  propres  préoccupations  sociales  et  esthétiques,  la  réalité  historique  du  bohémien   cède   la   place   au   mythe   artistique.   Il   existe   d’autres   « bohémiens »   apparentés   aux   Tsiganes   ou   confondus  avec  eux :  le  vagabond,  le  musicien  ambulant,  le  saltimbanque  et  autres  nomades  urbains. e En  Allemagne,  entre  le  tournant  du  XX  siècle  et  la  montée  du  nazisme,  un  lien  de  plus  en  plus  étroit   unit   l’avant-garde   aux  Tsiganes   et   aux   bohémiens,   ces   deux   derniers   termes   devenant   très   souvent   interchangeables. […] Le   poids   culturel   grandissant   des   populations   en   marge   de   la   société,   dont   les   Tsiganes,   se   reflète   dans   les   arts   plastiques.   Le   mode   de   vie   de   plus   en   plus   industrialisé   et   bureaucratique   incite   beaucoup  d’intellectuels  à  aspirer  à  l’authenticité  de  l’existence  nomade  ou  tribale  dans  sa  simplicité   préservée.   Le   naturalisme,   l’expressionnisme   et   la   Nouvelle   Objectivité   s’emparent   de   ce   sujet. Les   expressionnistes  allemands  reviennent  quelque  temps  à  des  motifs  bohèmes  qui  leur  fournissent  un   moyen  détourné  de  se  révolter  contre  le  conformisme  social  et  de  justifier  leur  libertinage. […] Le  Tsigane  ne  devient  pas  seulement  un  motif  privilégié  de  la  peinture  et  de  la  littérature  entre  la  fin  du   e e XIX   siècle   et   le   début   du   XX .   Les   photographes   s’y   intéressent   aussi,   souvent   pour   des   raisons   artistiques,  ethnographiques  ou  sociologiques,  ou  alors  à  des  fins  politiques.  Les  premiers  clichés  de   Tsiganes  représentent  soit   des  musiciens,  soit,  plus  fréquemment,  des  sauvages  exotiques :  c’est   le   nomade  dans  toute  sa  chamarrure  pittoresque  qui  attire  les  photographes.  Dans  les  années  1920,  ils   s’attachent   plutôt   à   témoigner   sur   la   misère   et   les   injustices   sociales,   alors   que   le   reportage   ethnographique,   en   pleine   expansion   dans   les   années   1930,   observe   les   Tsiganes   au   travail   pour   dresser  un  panorama  des  métiers  traditionnels. […] L’image   du   Tsigane   amoureux   de   la   nature   qui   vit   en   marge   de   la   société   et   que   l’on   rencontre   rarement  dans  un  environnement  urbain  ne  fait  qu’accentuer  sa  distance  avec  le  monde  civilisé.  Elle   est  étroitement  associée  à  la  quête  de  l’exotique  et  du  primitif.  L’idée  que  l’identité  tsigane  se  définit   par  opposition  aux  mœurs  dominantes  conduit  à  la  mettre  à  l’écart  de  la  culture  européenne.  Quand   les  artistes  revendiquent  leur  appartenance  à  la  bohème,  ils  n’élaborent  pas  un  dispositif  spéculaire,   mais   renvoient   à   un   stéréotype   des   Tsiganes   qui   a   contribué   à   leur   persécution.   C’est   pourquoi   e certaines   œuvres   du   XX   siècle   qui   représentent   des   Tsiganes   possèdent   une   valeur   historique   et   politique  encore  accrue  par  le  génocide  de  ce  peuple.

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catalogue  de  l’exposition
Bohèmes
de  Léonard  de  Vinci  à  Picasso
ouvrage  collectif  sous  la  direction  scientifique  de  Sylvain  Amic 384  pages,  broché,  350  illustrations,  45  € éditions  de  la  Réunion  des  musées nationaux  -  Grand   Palais,  Paris  2012 en  librairie

Depuis la nuit des temps, les bohémiens fascinent, effraient; on les chasse ou on les admire... Secrets, mystérieux, insaisissables, même leurs noms ne sont jamais les mêmes selon le pays ou la région dans laquelle on se trouve. Qu'ils soient Roms, Tsiganes, Gitans, Manouches... leur culture a toujours imprégné la nôtre et leur manière de vivre influencé notre art. Du phénomène de société au mythe artistique, la figure du bohémien est un sujet de prédilection pour les artistes, nourris du fantasme d'une vie sans attaches et sans règles, intense et sensuelle. Chantée, filmée, versifiée, exaltée, la bohème fait partie des mythes modernes. Des poètes : Nerval, Baudelaire, Rimbaud, Verlaine..., aux artistes : Courbet, Van Gogh, Satie, Modigliani, Picasso..., nombreux sont les hérauts de la modernité qui ont donné un visage à ce phénomène. Par des mises en relation inédites, en s'appuyant sur une vaste iconographie autant que sur les croisements entre les disciplines (peinture, littérature, photographie, musique et cinéma), cette exposition ambitionne d'apporter un jour nouveau sur cette histoire commune. Sommaire : La misère et la gloire, par Sylvain Amic / Entretien avec Sylvain Amic / Entretien avec Robert Carsen Essais : Histoire des bohémiens et Tsiganes en Europe, par Henriette Asséo / Vagabonds, chiffonniers, saltimbanques et autres marginaux, par Marylin R. Brow / Bohèmes musicales, par J-P. Bartoli et Csilla PethoVernet / La vie de bohème. Une mythologie du XIXe siècle, par Jean-Didier Wagneur / Le café : scène de la vie de bohème, par Frédérique Desbuissons / Humeurs vagabondes, par Ségolène Le Men / Il tempo di Puccini, par Guy Cogeval / « Comme les oiseaux du ciel » : la bohème artistique en Europe, par Frank Claustrat / La bohème à Montmartre, par Jeanine Warnod / De  l’art  et  de  la  vie.  Les  bohèmes  à  l’écran,  par Daniel Kothenschulte Catalogue : Bohèmiens & artistes au début du chemin, par Dominique Jacquot / Egyptiens au spectacle et « bohème galante », par Adeline Collange-Perugi / Bohémiens en voyage, la nature pour foyer, par Adeline Collange-Perugi / Bohème et modernité, par Florence Hudowicz / La fortune des bohèmiens dans la peinture européenne, par Xavier du Crest / Vrais et faux enfants de la bohème. Construction d’un  mythe  romantique, par Adrien Goetz / Portrait  de  l’artiste  en  bohémien, par Alain Bonnet / Paul Verlaine, de la bohème au bohème, par Luce Abélès / Montmartre, une académie de la bohème, par Nienke Bakker / Les  Tsiganes  et  l’avant-garde en Allemagne, par Tanja Pirsig-Marshall / « Vie de bohème ».  L’éternel  retour, par Germain Viatte  Bohèmes,  le  roman  de  la  liberté,    l’album  de  l’exposition

21  x  26,5  cm,  48  pages,  broché,  40  illustrations,  9  € Editions  Réunion  des  musées  nationaux  -  Grand  Palais,  Paris,  2012 par  Florence  Hudowicz En  librairie   également  en  version  iPad  disponible  prochainement  sur  l’AppStore,  en  français,  4,99  € Cet  e-album  d’exposition  réalisé  sur  le  modèle  qui  a  fait  le  succès  de  l’e-album  Monet :  40  chefs  d’œuvre  en  HD,   zoom,  vidéos,  marque-pages…

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la  bande-son  de  l’exposition
Bohèmes,  la  bande-son :  visite   sonore  de  l’exposition
album  musical
téléchargement  sur  les  plateformes  légales  et  sur  iTunes et  en  boutiques  RMN-Grand  Palais

 

79  min  –  26  titres  (+  1  bonus  en  version  digitale) Cd  en  boutiques  (AX994924  –  3336728515951) :  19,95  € Téléchargement  sur  iTunes  et  www.tinyurl.com/MusicsBohemes  : 9.99  € production    2012  ARDISONG une  proposition  innovante  pour  expérimenter  une  autre  manière  de  visiter  l’exposition. Le Grand Palais propose une bande-son inspirée et conçue pour Bohèmes par Béatrice Ardisson, pouvant s’écouter sur un baladeur ou un Smartphone pendant  la  visite  de  l’exposition.   La  musique  est  un  pêle-mêle  Gipsy  conçu  comme  une  esquisse  sonore  de  l’évènement. Jazz  Manouche,  Balkan  Beats,  Musique  Classique,   Opéra  et  quelques  curiosités…alternent  dans  cet   album  de  plus  d'une  heure  en  forme  de  bande-son  hétéroclite.   L'ambiance  y  est  ludique,  poétique,  festive  et  mélancolique,  souvent  virtuose,  pour  un  portrait  musical   gitan  de  l'exposition,  à  l'image  du  peuple  nomade  et  des  artistes  qui  en  ont  fait  leur  style  de  vie,  sans   contraintes  ni  frontières. À  l'aube  de  l'an  2000,  Béatrice  Ardisson  lance  sa  collection  de  CD  chez  Naïve  "La  Musique  de  Paris   Dernière",   suite   à   son   travail   sur   l’émission   phare   de   Paris   Première,   créée   et   produite   par   Thierry   Ardisson.   Le   succès   du   premier   disque   inaugure   une   série   d’albums   consacrés   à   des   reprises   décalées   ou   encore   thématiques   avec   la   collection   "Mania".   Grâce   à   ses   sound   design   sur   mesure,   Béatrice  Ardisson  sonorise  aussi  des  lieux  prestigieux,  entre  autres  le  Meurice,  le  Bristol,  le  Fouquet’s,   Vuitton  et  aujourd’hui  les  magasins  Dior  dans  le  monde...  et  bientôt  le  Grand  Palais.  

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visite  guidée  360°  de  l’exposition
application  Web  et  tablette  -  Gratuite
Téléchargement sur iTunes (prochainement) et visite déclinée sur le site internet http://www.grandpalais.fr/grandformat/bohemes-visite-immersive/

Cette visite guidée immersive utilise une technologie innovante, fondée   sur   l’enrichissement   du   principe de réalité virtuelle (VR) par des contenus multimédia (vidéo, images et sons). Encore très peu répandue, elle est utilisée pour la première fois dans le cadre de la visite guidée d’une  exposition.     L'utilisateur   parcourt   l'exposition   dans   cet   univers   virtuel,   reconstitué   à   l'identique   à   l'aide   des   technologies   de   prise   de   vue   photographique   à   360°.   La   visite   d’un   conférencier   de   la   Réunion   des   musées   nationaux   –   Grand   Palais   est   intégrée   dans   la   représentation   virtuelle   de   l'exposition,   reconstituant   de   manière   fidèle   une   visite   conférence   individuelle   de   l'exposition :   l’utilisateur   est   en   mesure  de  contrôler  son  champ  de  vision  et  la  perspective,  comme  s’il  tenait  la  caméra.  L’utilisation  de   l’iPad   ajoute   la   sensation   viscérale   d’être   dans   la   vidéo,   puisque   les   mouvements   de   l’utilisateur   lui   permettent  de  manipuler  l’angle  de  vue. la  technologie  utilisée   Pour   chaque   point   d'arrêt   de   la   visite,   deux   prises   de   vues   sont   réalisées ;;   la   première   est   un   360°   photographique   haute   définition   permettant   de   reproduire   à   l'identique   l'espace   et   de   lire   les   détails   d'un  tableau,  grâce  à  la  fonction  zoom. La   deuxième   est   une   prise   de   vue   vidéo   à   partir   du   même   point   nodal   et   avec   le   même   éclairage,   enregistrant  le  conférencier  dans  l’espace  de  l’exposition.   En  postproduction,  la  vidéo  est  fondue  dans  la  prise  de  vue  360°  donnant  un  objet  hybride  vidéo  /  VR :   la  RMN-Grand  Palais  s’est  associée  à  l’inventeur  de  cette  technologie,  Jean-Philippe  Camus. « La  visite  guidée  360°  de  l’exposition   Bohèmes », imaginée par la Réunion des musées nationaux Grand Palais, a été sélectionnée par le Ministère de la Culture et de la Communication, dans le cadre de  l’appel  à  projet 2012 « services numériques culturels innovants ». ....................

Cette   visite   s’adresse   à   tous   les   publics,   mais plus particulièrement les publics éloignés et empêchés.
Disponible  gratuitement  sur    http://www.grandpalais.fr/grandformat/bohemes-visite-immersive/  

et  en  version  application  iPad  prochainement.  

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le  film  de  l’exposition
En  passant  par  la  Bohème
DVD  Vidéo par  Jean-Paul  Fargier en  libraire  le  26  septembre  2012
en  Vod  et  en  diffusion  sur  France  5

19,95  €,  52  min,  français,  anglais,  sourds  et  malentendants  (fr)   édition  ©  2012  –  Réunion  des  musées  nationaux  -  Grand  Palais   coproduction  ©  2012  –  MAT  FILMS  /  FTD  /  Réunion  des  musées  nationaux  –  Grand  Palais ref  RMN :  AV600114,  code  EAN :  3336728515623 Tsiganes  ?  Bohémiens  ?  Gypsies  ?  Gitans  ?  Roms  ?  Zigeuners  ?    Sintes  ?  A  chaque  pays  d’accueil,   son   appellation,   pour   ce   peuple   de   migrants   chrétiens   chassés   de   Turquie   et   de   Grèce   à   la   fin   des   croisades.     Disséminés     en   Europe,   ils   s’intègrent   dans   les   sociétés   qui   les   accueillent   grâce   à   leur   talent  militaire,  leur  savoir  divinatoire,  leurs  arts  du  spectacle.   Les  peintres  les  prennent  vite  pour  sujets,  puis  les  poètes,  au  point  de  s’identifier  fantasmatiquement   à  leur  mode  de  vie.  Mais  quelle  vérité  recèle  cette  «  vie  de  bohème  »  menée  par  les  artistes  du  XIXe   siècle  ?   e Et   au   XX   siècle,   à   quels   fantasmes   doit-on   le   succès   de   l’appellation   «   bobo   »   ?   D’un   côté   des   bourgeois  qui  se  marginalisent  en  mimant  l’instabilité,  de  l’autre  des  «  roms  »  qui  s’expatrient  poussés   par  une  précarité  galopante.   Le  film  de  Jean-Paul  Fargier  tourne  autour  des  multiples  facettes  de  l’entité  «  bohème  »  en  croisant   les   images   (et   les   idées)   des   bohémiens   et   celles   que   les   bohémiens   ont   tracé   d’eux-mêmes.   De   Dalida  aux  belles  acrobates,  du  Cirque  Romanès  en  passant  par  Carmen,  Esmeralda  et  les  Zingari  du   Caravage  :  autant  de  «  belles  gitanes  »  qui  tendent  la  main  aux  artistes  joyeusement  désespérés  de   la  bohème  parisienne.   Diffusion  le  dimanche  14  octobre  à  9h  sur  France  5  dans  l’émission  La  galerie  France  5 .................... réalisateur   :   Jean-Paul   Fargier   est   critique   de   cinéma   et   vidéaste.   Il   a   réalisé,   depuis   1973,   une   dizaine  d’installations  vidéo  et  une  centaine  de  films  documentaires,  parmi  lesquels  Les  Voyageurs  de   la  Korrigane  (2005),  Les  Nymphéas,  le  grand  rêve  de  Monet  (2006)  qui  ont  été  édités  par  la  Réunion   des  musées  nationaux  -  Grand  Palais.  

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la  programmation  culturelle  
 conférences-rencontres
Entrée  gratuite.  Accès  prioritaire  sur  présentation  d’une  invitation  à  retirer  sur  rmngp.fr

les rendez-vous du mercredi soir – auditorium square Jean Perrin à 18h30
Mercredi 3 octobre BOHEME ET BOHEMIENS Par  Sylvain  Amic,  directeur  des  musées  de  Rouen,  commissaire  de  l’exposition. Mercredi 21 novembre IMAGES «BOHEMIENNES» Par Tony Gatlif, cinéaste. Auteur, réalisateur, compositeur et grand voyageur, Tony Gatlif a tourné de nombreux films sur les diverses communautés roms : Les Princes, Latcho drom,   Mondo,   Gadgo   Dilo,   Exils,   Liberté… Témoin indispensable de leurs réelles   conditions   d’existence,   il   présente   et   commente   la   très   « édifiante »   collection   d’images « bohémiennes »  qu’il  a  réunie,  où  défilent  vertigineusement  sur  plus  d’un  siècle  tous  les  fantasmes  et   préjugés véhiculés sur les populations nomades. Mercredi 28 novembre L’INVENTION  DE  LA  VIE  DE  BOHEME  1830-1900 Par Luc Ferry, philosophe. A Paris, entre  1830  et  1900,  une  succession  d’écrivains  et  d’artistes  aussi  créatifs  qu’anticonformistes   forgent  un  mode  d’existence  nouveau  et  mettent  à  mal  les  canons  esthétiques  traditionnels,  inventant   ainsi une « vie de bohème » fondée sur trois critères essentiels : esprit de révolte, haine du monde bourgeois et appartenance à la jeunesse. Mercredi 12 décembre ENTRETIEN AVEC ROBERT CARSEN Scénographe   de   l’exposition Bohèmes, Robert Carsen a travaillé dans le monde entier pour les opéras et les théâtres les plus  prestigieux.  Déjà  directeur  artistique  de  l’exposition  Marie-Antoinette en 2008 au Grand Palais, il a su donner une nouvelle fois toute leur dimension théâtrale aux thèmes de l’exposition.   Simultanément   Robert   Carsen   met   en   scène   L’impressionnisme   et   la   mode au musée d’Orsay.  Discussion animée par Arnaud Laporte.

 atelier pédagogique
Du 26 septembre 2012 au 14 janvier 2013 (hors jours fériés) MON PORTRAIT BOHEME ! (8 – 11 ans) Gitane   ou   musicien,   le   bohémien   est   une   figure   de   la   liberté   à   l’allure   parfois   excentrique.   Ses   accessoires  et  postures  ont  souvent  fasciné  les  artistes  qui  se  sont  identifiés  à  ces  voyageurs…  Après   une   visite   de   l’exposition,   les   enfants   s’imagineront   eux   aussi   en   Esmeralda   ou   en   vagabond   aux   semelles  de  vent.
Les  mercredis  à  14h30  et  les  samedis  à  14h Pendant  les  vacances  scolaires  de  Toussaint  et  Noël  visites-ateliers  supplémentaires  les  vendredis  à  10h30  et  à   14h30 Durée  :  2h  –  visite  de  l’exposition  (45  minutes)  puis  atelier  de  pratique  artistique  (1h15) Tarif  :  10  € Avec  le  soutien  des  marques  Canson®  et  Pébéo

Activité créative en ligne (Jeune Public) sur le site internet Rmn-Grand Palais : MA BD BOHEMES (gratuit) Les  enfants  disposeront  d’un  ensemble  d’outils  et  d’une  sélection  d’œuvres  de  l’exposition  pour  créer   leur bande dessinée. www.rmn.fr/jeune-public

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 colloque
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles

auditorium square Jean Perrin

Mythes, fortune et infortune de la bohème
Colloque organisé par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais, en partenariat avec le Laboratoire Histoire  des  Arts  et  des  Représentations  de  l’Université  Paris  Ouest  Nanterre  La  Défense  HAR  équipe  H-MOD, le Labex ARTS-H2H   porté   par   l’Université   Paris   8,   sous   la   direction de Ségolène Le Men, professeur, Université Paris Ouest, et Sylvain Amic, directeur des musées de Rouen.

Jeudi  6  décembre   Scènes  bohémiennes,  formes  d’art  et  d’expression 9h45   -   Ségolène   Le   Men,   Université   Paris   Ouest,   Institut   universitaire   de   France :   Le   portrait   de   l'artiste  en  bohémien,  de  Courbet  à  Van  Gogh :  une  mythologie  réelle ? 10h15   -   Jean-Claude   Yon,   Université   de   Versailles   Saint-Quentin-en-Yvelines :   La   Bohème   sur   les   e scènes  parisiennes  au  XIX  siècle  :  variations  autour  d'un  mythe 11h15   -   Johanne   Lamoureux,   Université   de   Montréal :   Autour   de   la   bohème   publicitaire.   Splendeurs  et  misères  de  la  «peinture  alimentaire» 11h45   -     Eliséo   Trenc,   Université   de   Reims   Champagne   Ardenne   :   «   Els   4   Gats   »,   une   e transplantation   à   Barcelone   du   « Chat   noir »   et   de   la   bohème   montmartroise   à   la   fin   du   XIX   siècle. Aspects  sociaux  et  historiques 14h30-  Henriette  Asséo,  EHESS,  Paris :  La  Gypsyness  à  l'épreuve  de  l’éclectisme  savant   15h  -  Frédérique  Desbuissons,  Institut  national  d’histoire  de  l’art  /HICSA Paris  :  Nourritures  bohèmes 16h30   -   Christine   Peltre,   Université   Marc   Bloch,   Strasbourg   :   «   Restons   bohémiens,   cher   œil   noir…»  :  de  George  Sand  à  Delacroix,  variations  sur  un  idéal 17h  –  Table  ronde  et  discussions Vendredi  7  décembre   Bohémianismes  internationaux 9h45  -  Jutta  Kappel,  Staatliche  Kunstsammlungen  Dresden:   Bohemians  and  beggars  as  a  subject   of   baroque   treasury   art   represented   by   some   prominent   pieces   belonging   to   the   Grünes   Gewölbe  in  Dresden 10h15   -   Enikő   Róka,   Galerie   nationale   Hongroise,   Budapest :   L'identité   nationale   et   la   représentation  de  l'ethnie  rom  dans  l'art  hongrois  du  XIXe  siècle 11h15  -  Judit  Boros,  Galerie  nationale  Hongroise,  Budapest :   La  représentation  des  Bohèmes  de  Nagybánya,   un  problème  d'étrangeté    dans  la  peinture  de   Károly  Ferenczy  (1862  -1917) 11h45  -  Chloé  Ledoux,  Université  Paris  I  :  La  vie  de  Bohème  des  artistes  du  Brücke Presse  et  littérature 14h30  -  Valérie  Sueur,  Bibliothèque  nationale  de  France :  Les  Bohémiens  de  Paris,  une  suite  de  28   lithographies  d'Honoré  Daumier  publiée  en  1840-1842 15h   -   Jean-Didier   Wagneur,   Bibliothèque   nationale   de   France :   Mises   en   scènes   bohèmes   dans   « Le  petit  journal» 16h30  -  Itai  Kovacs,  Université  Paris-Sorbonne  Paris  IV :  Le  credo  d’un  peintre  bohème  :  le  cas  des   Buveurs  d’eau 17h  –  Table  ronde  et  discussions Comité  scientifique  et comité  organisateur  :   Jean-Philippe  Antoine,   professeur   d’esthétique   à   l’Université   Paris   8   (EA   4010   art   des   images   et   art   contemporain),  Valérie  Sueur,  conservatrice  au  Département  des  Estampes  et  de  la  photographie  de   la  Bibliothèque   nationale  de  France,  Jean-Claude  Yon,  Professeur  à  l’université  de  Saint-Quentin  en   Yvelines,     Elisabeth   Gracy,   chargée   des   manifestations   à   la   RMN   -   Grand   Palais   et   Réka   Krasznai,   chargée  de  mission,  Université  Paris  Ouest,. Retrouvez  les  conférences,  textes,  dossiers  pédagogiques,  vidéos  autour  de  l’exposition  sur  iTune  U.

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 cinéma
Entrée  gratuite.  Accès  prioritaire  sur  présentation  d’une  invitation  à  retirer  sur  rmngp.fr

Carmen © Tamasa distribution

les rendez-vous du vendredi midi – auditorium square Jean Perrin à 12h
LA BOHEME DANSEE, CHANTEE, FILMEE vendredi 23 novembre Carmen de Carlos Saura, 1983, avec Antonio Gades, Laura del Sol, Paco de Lucia, VO sous-titrée en français, 1h42 Antonio, chorégraphe, adapte le Carmen de Mérimée et Bizet pour un ballet flamenco. Très vite,  la  passion  flambe  entre  lui  et  l’interprète  de  son  héroïne,  prénommée  elle aussi  Carmen… Carlos  Saura  mêle  avec  virtuosité  l’œuvre  et  la  vie  dans  cette  version  vibrante  de  Carmen qui propose des séquences de danse époustouflantes. vendredi 30 novembre Latcho drom de  Tony  Gatlif,  1992,  avec  les  musiciens  gitans  du  Rajasthan,  d’Egypte, de Turquie, de Hongrie, de Slovaquie,  de  France  et  d’Espagne,  1h40 Tony Gatlif suit la longue route qui a vu le peuple « gipsy » essaimer au fil des siècles depuis le NordOuest   de   l’Inde   jusqu’au   sud   de   l’Espagne.   En   filmant   la   musique   et   les   danses des communautés roms établies tout au long du parcours, il montre comment elles ont su garder intactes les racines culturelles de leurs origines tout en intégrant des traditions propres aux différents pays où elles se sont installées. vendredi 14 décembre La Vie de bohème d’Aki Kaurismäki, 1992, avec Jean-Pierre Léaud, Matti Pellonpää, Evelyne Didi, VO soustitrée en français, 1h40 A Paris, un peintre albanais, un écrivain français et un compositeur irlandais vivent de petits expédients, de grandes discussions,   d’amitié   et   d’amour…   Le   classique   de   Henry   Murger   dans une version à la fois contemporaine et intemporelle d’Aki   Kaurismäki   :   drôlerie   de   la   débine, tendresse et tristesse, poésie et liberté.

le rendez-vous des enfants – Studio Clemenceau
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles

La  Vie  de  Bohème  ©  Pyramide  distribution

tous les dimanches à 15h du 26 septembre 2012 au 14 janvier 2013 Le Cirque de Charlie Chaplin, 1928, avec Charlie Chaplin, Merna Kennedy, Allan Garcia, VO soustitrée en français, 1h08 Eternel vagabond, Charlot devient saltimbanque : promu presque à son insu vedette de cirque,  il  va  connaître  amour,  gloire  et  succès…

le  documentaire  de  l’exposition– studio Clemenceau
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles

Charlie Chaplin et Merna Kennedy dans Le Cirque © MK2

En passant par la bohème de Jean-Paul Fargier, 2012, 52 min D’un   côté   de   « belles gitanes » : Carmen, Esmeralda, les Zingari du Caravage, les acrobates du Cirque   Romanès…     De   l’autre,   des   rapins   et   des   poètes   vivant   d’idéal   et   d’expédients   dans   leurs   mansardes… Le film de Jean-Paul Fargier croise images et idées sur les bohémiens et les artistes du e XIX siècle pour décliner les facettes multiples de la « bohème ». Tous les lundis et mercredis à 15h et 16h Tous les jeudis, vendredis et samedis à 15h, 16h et 17h Tous les dimanches à 14h et 17h

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Les Bohèmes à La Cinémathèque française
du 26 septembre au 29 octobre 2012 Dans le cadre de son cycle L’Histoire  permanente  du  cinéma,  La Cinémathèque française propose d’explorer  ce  thème  à  travers  une  sélection  de  films  classiques  ou  rares,  au  rythme  d’une  projection   quotidienne. De La Bohème de King Vidor (1926) à J’ai   même   rencontré   des   Tsiganes heureux d'Aleksandar Petrovic (1967) en passant par L’Ardente  Gitane  de Nicholas Ray (1955), un voyage à travers un motif que le cinéma a traité sous tous les angles possibles. www.cinematheque.fr / Métro station Bercy – ligne 6 et 14

 les lundis du Grand Palais
Entrée  gratuite.  Accès  prioritaire  sur  présentation  d’une  invitation  à  retirer  sur  rmngp.fr

Cycle  Nomades’land
En partenariat avec les Presses universitaires de France, la Réunion des musées – Grand Palais vous   propose   d’assister   tous   les   lundis   à   des   débats   animés   par   Arnaud   Laporte : des confrontations  stimulantes  d’opinions  et  d’analyses,  en  écho  avec  l’actualité culturelle ou portant sur des sujets de société. Lundi 19 novembre : La culture rom, une ou multiple ? Lundi 26 novembre : Sur  la  route  aujourd’hui ? Lundi 3 décembre : Qui est bohème en 2012 ? Programme complet des Lundis du Grand Palais sur www.rmngp.fr Retrouvez ces conférences en ligne sur www.rmngp.fr / www.rmngp.fr / www.grandpalais.fr

 la Nuit Blanche
SAMEDI 6 OCTOBRE
Ouverture exceptionnelle de 20h à minuit Visitez   l’exposition   Bohèmes en musique avec le projet Electro lounge Bohèmes concocté pour l’événement  par  Béatrice  Ardisson. Concert de swing gitan avec Romane et Daniel John Martin Entrée gratuite

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informations  pratiques
ouverture tous les jours sauf le mardi de 10h à 20h, et  nocturne  le  mercredi  jusqu’à  22h fermeture  anticipée  à  18h  les  24  et  31  décembre tarifs PT :  12  €,  TR  8  €  (13-25 ans, famille nombreuse) gratuité  pour  les  demandeurs  d’emploi grâce au soutien de la Macif, bénéficiaires du RSA, du minimum vieillesse, et  jusqu’à  13  ans visite  contée  en  famille  –  avec  enfants  à  partir  de  5  ans les  mercredis  et  samedis  à  15h  du  10  octobre  2012  au  12  janvier  2013  (détail  sur  www.rmngp.fr) Durée :  1h Tarif  famille  (2  adultes  et  2  jeunes) :  48  € audioguides :  français,  anglais  et  version  adaptée  pour  le  jeune  public  en  français   location  à  l’entrée  de  l’exposition :  5  €     téléchargement  MP3  sur  rmngp.fr :  3  € accès Grand Palais, entrée Clemenceau Métro lignes 1, 9 et 13 : Champs-Elysées Clemenceau ou Franklin-Roosevelt. Renseignements, téléchargement des audioguides et achat des billets sur www.rmngp.fr

La Réunion des musées nationaux - Grand Palais a lancé au printemps Grand Format, un nouveau concept de webzine, dans le cadre de ses actions pour donner un plus large accès à l'art. On y   retrouve une programmation originale et créative, avec des contenus   liés   à   l’art (reproductions / photos / vidéos / textes / contenus et jeux jeune public) en lien  avec  l’actualité  ainsi  que  la  programmation  culturelle  en  cours. Toutes les expositions et événements du Grand Palais ont une page dédiée, avec par exemple   des   sujets   sur   les   coulisses   de   l’expo,   des   anecdotes,   des   quiz   ludiques, des archives, des playlist … Tous les jours de nouveaux contenus sont postés. www.grandpalais.fr/grandformat

Dès  septembre  2012,  iTunes  propose  une  page  toute  dédiée  au  Grand  Palais Elle  réunira  tous  les  contenus  multimédias  téléchargeables  sur  iTunes  sur  nos  expositions  :   films,  livres  enrichis,  applications,  audioguides,  conférences,  vidéos,  bande-son,  dossiers   pédagogiques  et  textes. www.itunes.fr/grandpalais  

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