Colectivo Zunga

Trabaja y vive en Bogotá, Colombia

Imágenes: cortesía del colectivo

Iván Ordóñez: ¿Cómo se conforman como colectivo? Colectivo Zunga: En 2006 éramos un grupo de chicas que nos encontrábamos en diversos eventos sociales y una noche se nos ocurrió que podía ser interesante conformar un grupo solamente de mujeres para hacer una acción que se llamaba Tocar Bajo. La idea era que cada una estuviera tocando bajo mientras pasaba un mesero que iba a servirnos una bebida alcohólica de tal modo que al final la metáfora de “tocar bajo” se hiciera real; así nos reunimos aproximadamente 12 mujeres, sin embargo, a medida que íbamos discutiendo la acción se fueron saliendo varias... finalmente después de discutirlo durante todo el año siguiente, el proyecto de tocar bajo nunca se realizó, pero seguimos trabajando hasta 2008 cinco de las
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integrantes del colectivo original. Después de hacer dos proyectos juntas quedamos cuatro integrantes que aún hoy en día nos mantenemos aunque los trabajos del último año no han contado con la participación de Lorena Morris a causa de la distancia. I.O: ¿Qué problemas estéticos, ideológicos o conceptuales han desarrollado en su trabajo? C.Z: De alguna manera, nos interesa usar lo estético a nuestro favor, usar lo que ya se ha hecho para resignificarlo, nos apropiamos las propuestas estéticas de videos musicales, comerciales de televisión, nos apropiamos también las letras de canciones populares; nos ponemos los atuendos generalmente diseñados para mujeres con un cánon específico desde nuestra propia realidad corporal. Lo ideológico y lo conceptual lo trabajamos paralelamente. El interés principal del Colectivo ha sido transgredir los cánones de representación del cuerpo femenino, teniendo en cuenta que estos cánones tienen efectos en las subjetividades de los individuos. En un principio el Colectivo no surge como una apuesta política, sino como una de una suerte de encuentros entre intereses diversos de un grupo de mujeres de la misma generación mediados por relaciones de amistad y camaradería, para las que resultaba poética la imagen de un ejército de mujeres que transgrediera los cánones de comportamiento tradicionalmente ligados al cuerpo femenino. Con el tiempo, las condiciones del Colectivo han variado así como su nombre y número de integrantes, las discusiones y los intereses han tomando un orden que a cada paso cuestionaba aún más esos cánones de comportamiento que en principio fueron solo un motivo poético. Compartir las experiencias personales, preguntarnos por nuestros deseos y modos de relacionarnos socialmente nos ha llevado a analizarlos, a hacer lecturas de ellos y a repensar nuestro interés por transgredir el lugar en el que la cultura nos puso. La pregunta constante de nuestra producción se refiere a las consecuencias que las representaciones de la mujer tienen en la creación de nuestras subjetividades y en la producción de nuestro deseo. En este sentido, ha sido importante para nosotras la concepción de Foucault en la cual el individuo es efecto de las tecnologías de poder; Foucault expone que el poder es productivo por lo tanto también produce placer. De alguna manera nuestro trabajo está relacionado con lo que deseamos pero a la vez nos causa incomodidad. Desde esa misma preocupación, somos deudoras también de la teoría de la performatividad de Judith Butler en la que la constante reiteración de diversos rituales nos constituye como individuos. I.O: ¿Qué técnicas, medios o lenguajes han trabajado? C.Z: Las preguntas sobre el cuerpo que resultaron y resultan vitales en nuestra producción, encontraron en la performance y el video la forma más pertinente de materialización. La performance nos ha abierto la posibilidad de encarnar la repetición constante de los rituales que nos configuran y naturalizan un modo específico de ser mujer, por lo tanto ha resultado imprescindible el trabajo con el cuerpo propio. Por su parte el video nos brinda la posibilidad de ampliar los canales de difusión de nuestro trabajo. Hay que aclarar que cuando trabajamos en video nosotras mismas somos las protagonistas y generalmente estamos haciendo algo que se relaciona con la idea de performance que hemos ido consolidando.

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Como una dama Video

I.O: ¿Qué temáticas han desarrollado en su trabajo? C.Z: En el proceso de producción del Colectivo nos hemos preguntado sobre el efecto que tienen las formas reiteradas de construcción de la performatividad femenina que naturalizan ciertos modos de actuar. Esta pregunta no la hacemos a nosotras mismas, ¿cómo nos constituimos como individuos? ¿Esto que estamos deseando es producto de esa constitución? estos interrogantes y muchos otros cruzan nuestra propia experiencia, por lo tanto nuestros propios cuerpos, y nos obligan a pensar de qué manera nos afectan problemas como el ideal de un cuerpo bello y sano que propone la publicidad, el racismo que hay implícito allí, la retórica acerca de los roles femeninos que aparecen en las canciones populares, la vinculación de nuestro cuerpo a la “inmundicia” con la que se relaciona el ciclo menstrual y la vinculación de lo femenino a la histeria, o la oferta laboral que se realiza exclusivamente para mujeres. I.O: ¿Qué artistas han influenciado su trabajo? C.Z: Nos interesa el trabajo que se hace en torno al cuerpo y al género, el que de algún modo cuestiona los supuestos que hay sobre los roles de género, sobre la imagen de cuerpo perfecto, el que evidencia la problemática relación con el cuerpo, el que vivimos, el depositario de la experiencia y todos los discursos que lo cruzan. Bajo está lógica debemos reconocer nuestra deuda con Hester Scheurwater, por los espacios de extrañamiento, frente al cuerpo que logra evidenciar en sus videos y performances, ese escenario que crea entre el asco y el terror nos resulta interesante para pensar en nuestra propia producción. Pilar Albarracín porque su tratamiento al modelo español de mujer ha sido juicioso, no sólo en sus modos de revelar el estereotipo, sino en su manera de hacer palpable las implicaciones que ese estereotipo ha tenido políticamente en su contexto local. Malignas Influencias, porque la producción de este colectivo es clara políticamente, y nos sentimos muy cercanas a ella. Patty Chang, porque en su trabajo se evidencia la construcción cultural del cuerpo, y las imágenes y acciones violentas de sus piezas nos hacen preguntarnos si la violencia proviene de las imágenes en sí o, sí más bien se trata de la violencia misma con la que el cuerpo ha sido construido. Beth Moyses, porque
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pone sobre el plano la naturalización de la violencia contra la mujer, hace evidente que finalmente esta última sigue siendo legítima en nuestras “avanzadas” sociedades. Regina José Galindo, porque aborda indistintamente diferentes problemáticas políticas no siempre relacionadas con el género, pero siempre hay en el trabajo de ella una claridad y una contundencia. Violencia Rivas, el personaje de Peter Capusotto, porque pese a que es una parodia sus discursos y canciones resultan políticamente interesantes... como si utilizara la parodia en sentido contrario. Vanessa Beecroft porque hace relevante la idea de serialidad en los cuerpos. Por otra parte están los referentes que ya son clásicos en el tema de género como las Guerrilla Girls por mostrarnos ese camino intermedio entre la militancia y la producción artística, Jenny Holzer, por que al trasladar la violencia a sus espectaculares textos termina haciéndola más cruda. A Barbara Kruger, por usar la estética convencional que legitima y naturaliza las múltiples violencias de género para combatirlas, y por enseñarnos que nuestros cuerpos son un campo de batalla. Por otro lado han resultado vitales los textos de la artista, investigadora y crítica de arte mexicana Mónica Mayer pues sus posiciones políticas y frente al arte han enriquecido nuestra discusión, y nos han llevado a pensar no sólo en el campo de la construcción artística sino también en el territorio cotidiano. I.O: ¿Cuántas exposiciones han tenido? C.Z: 22 Exposiciones colectivas, algunas de ellas en Bogotá y otras ciudades de Colombia como Manizales, Tunja, Medellín y Armenia y otras internacionales en Curitiba (Brasil), Florencia (Italia), Rennes (Francia), Córdoba, Buenos Aires y Rosario (Argentina); próximamente en el Festival de video de Yogyakarta (Indonesia). I.O: ¿Qué artistas colombianos les interesan? C.Z: Por un lado, este año hemos tenido un acercamiento interesante a procesos que no necesariamente son plásticos como Lobas Furiosas, el trabajo de Revista Vozal y el de Ni una Más , vinculados más al activismo y difusión de las problemáticas de género que a la plástica. Por otro lado desde el campo del arte existen trabajos particulares de algunos artistas que nos interesan, tal es el caso de Knock Off (2005) Leyes Suntuarias (2006) de Barbarita Cardozo, pues en estos dos trabajos pone en evidencia la problemática relación contemporánea que tenemos con la moda en donde los accesorios son objetos suntuarios dignos de ser copiados, a la importancia de las etiquetas y la relación de todo esto con la explotación laboral; en la series de Maria Isabel Rueda: Todo lo tengo, todo me falta (1999), Que es lo que hace los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos (1999), y Una espía en la casa del amor (1999), resulta interesante como la presencia del gesto “construido” como femenino, evidenciado en las labores domésticas y presente de forma dislocada, generan reflexiones sobre el cuerpo, sus extensiones y objetos accesorios; articulándolas con cuestionamientos a estructuras macro como la lógica del comercio, la construcción de roles sexuales, la religión católica y la producción de objetos industriales que se constituyen en factores determinantes en la construcción y normatización del espacio doméstico; Maria Teresa Hincapie con Una cosa es una cosa (1990) y Vitrina (1989) porque en estas dos acciones hace palpables diversos problemas de la idea de feminidad, como la cotidianidad enmarcada dentro de la acción interminable de ordenar el espacio doméstico, o las necesidades construidas alrededor del cánon estético femenino que se evidencian en vitrina; también el trabajo de Andrea Barragán en el que se juega con los rituales propios del cuerpo femenino para virilizarlo de tal manera que termina estableciendo una dialéctica de indefinición sobre su propia imagen. Y por último el trabajo Nadia Granados que toma prestada toda la estética de la pornografía para personificar a la fulminante quien en “lenguas” invita a la revolución o critica posturas de la iglesia frente a aborto.
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I.O: Hablemos sobre sus proyectos. C.Z: Si bien los proyectos apuntan a intereses que ya hemos señalado, es posible identificar una serie de líneas en las que se inscriben algunos de los trabajos, por ejemplo el tema de las convenciones de comportamiento social de la mujer han sido puntualmente señalado en proyectos como Boquita de Caramelo y Como una dama. En el primero establecemos una relación de sustitución y enrarecimiento de la imagen fetichizada de los labios rojos brillantes y carnosos que aparece de forma repetitiva en la pantalla pero contrario a lo que se espera, emiten eructos sonoros que generan incomodidad en el espectador; en el segundo aparece de nuevo la reiteración exasperante de una acción, en este caso ligada a la actitud policiva entre las mujeres resultado de la introyección de las normas de comportamiento, rituales higiénicos y estéticos. El video muestra a tres mujeres “perfectamente bien” sentadas, peinadas, maquilladas y vestidas elegantemente que se codean de forma progresiva y constante; la presencia de este gesto alude, por un lado, a las formas aprendidas desde el núcleo familiar para “corregir” comportamientos sociales vistos como indebidos; por otro lado, la acción adquiere en momentos un matiz dramático, y si se quiere doloroso, que surge del carácter coercitivo de la norma, la que se ejerce con el otro y de forma simultánea con uno mismo.

Pintura de casta Performance

El tema de la histeria como afección mental vinculada a lo femenino, desde el siglo XIX en relación a las “tensiones causadas por la vida moderna, (sin desconocer concepciones que datan de la Antigua Grecia cuando Hipócrates vinculó el útero femenino a comportamientos propios de los animales arguyendo una relación con el deseo sexual); se encuentra en trabajos como Tensión sexual, donde aparecemos las tres subidas en butacas triangulares gritando por intervalos de tiempo marcados mediante un metrónomo, aludiendo con cierto humor a la imagen de la mujer histérica; la acción está marcada por el ritmo del metrónomo que a su vez se relaciona con los ciclos, que si bien están presentes en hombres y mujeres, es sabido que en las mujeres, el ciclo de fertilidad es relacionado con ciertas conductas, sirviendo como argumento para descalificar opiniones o actitudes.
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De nuevo el ciclo menstrual asociado con la vergüenza y el asco está presente en Nosotras las de sangre azul, un video que muestra cómo el discurso bíblico de la inmundicia y el discurso griego que la describía como “un acontecimiento misterioso, peligroso y contaminante” (Anderson, Zinsser,Judith y Zinsse en: Historia de las mujeres: una historia propia, 1991), prevalecen aún hoy en día, la mujer pasó de ser impura e inmunda a ser histérica en siglos posteriores, hoy en día los discursos traslapados que sobre la menstruación pesan pueden ser analizados en los comerciales de los diversos productos que existen para ella. Sólo habla de la menstruación la publicidad y se la trata como una vergüenza, el fenómeno natural del cuerpo femenino es siempre relacionado con la higiene. El video comienza con un fragmento de publicidad de toallas higiénicas femeninas en el que una silueta femenina camina con la imperceptible toalla que en “esos días” no permite que alguien note tu “estado”. En el siguiente clip, una mujer camina con su blanco pantalón mientras de su entrepierna brota un líquido azul, esta imagen está acompañada por un recuadro en la esquina inferior izquierda en la que se muestran las pruebas que se le hacen a las toallas higiénicas femeninas para comprobar que absorben el líquido (azul) suficiente. En otros trabajos como Pintura de casta y Oblicuidades entre significar, ser y hacer, hacemos énfasis en la repetición de rituales como el de maquillarse; En Pintura de casta evidenciamos formas de clasificación racial que mutan con el paso del tiempo y que se mantienen en los discursos oficiales de modernización armados en el siglo XX; Pintura de casta toma los términos utilizados en los cuadros del siglo XVIII, y los traslada al contexto del maquillaje femenino, realizando una acción en la que tres mujeres que no podrían dar cuenta de su mezcla racial, utilizan todas las tonalidades de base facial mientras recitan las inscripciones de los cuadros de casta. De español e india, nace mestizo de español y mestiza, nace castizo de castizo y española, nace española de español y negra, nace mulata de español y mulata, nace morisco de español y morisca, nace albino de español y albina, nace torna atrás, entre otras. En Oblicuidades entre significar, ser y hacer acudimos de nuevo al recurso de la repetición, de la cita sobre la cita, en tanto leemos en loop fragmentos de la introducción de Cuerpos que importan de Judith Butler en donde se explica cómo se fija la performatividad, mientras nos maquillamos de forma cíclica empezando una y otra vez , terminando con una imagen “desdibujada” de nuestros rostros. La aparición del maquillaje como ritual que construye una performatividad femenina, junto a muchos otros, esta vez ligado al mundo laboral está presente en acciones como Servicio al cliente del proyecto en curso Performance a domicilio, que nace de una reflexión que articula dos fenómenos socio-laborales: por un lado se encuentran prácticas contemporáneas ampliamente extendidas, ligadas a políticas neoliberales, como es el caso de la tercerización, (práctica que permite la reducción de costos para las empresas y de forma simultánea precariza el ejercicio del trabajador, evitando la participación y organización de sindicatos), y por otro lado se aborda la naturalización de los roles femeninos y masculinos en el espacio laboral, lo que reafirma los estereotipos de comportamiento frente al cuerpo. La acción consiste en asumir el papel de la impulsadora en el evento para el que se haga el contrato ofreciendo el cóctel que vaya a servirse a los visitantes; durante la acción la actitud de las impulsadoras es enrarecida con una sonrisa constante y demasiado amplia. Por último podríamos señalar cómo a través de otros trabajos evidenciamos una posición frente a dinámicas de la vida política nacional, tal es el caso de Serenata Armada y A lo hecho pecho. En el primero, contratamos un grupo de mariachis para dar una serenata frente al Congreso de la República, que consistía en una selección de rancheras por ser éste el género que mejor ha representado el desengaño. Esta serenata era una metáfora con respecto a la situación política
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nacional, haciendo referencia a la renombrada promesa incumplida que le ha quitado credibilidad a la palabra “político” donde la doble moral y la injusticia están presentes, y que han permeado las distintas instancias del estado que constituyen la capa basal para que estas costumbres políticas sigan repitiéndose de manera cíclica. Otro trabajo que funciona en la misma dirección es A lo Hecho Pecho, que se presentará en el 8 Festival de Performance en Cali, en donde utilizamos nuestro cuerpo como objeto de catarsis por medio de una sesión de camisetas mojadas. En esta acción nos ponemos las máscaras de funcionarios públicos que han hecho caso omiso de la moralidad administrativa y unos esqueletos que tienen en el espacio del pecho escrito el famoso adagio popular que usamos como título, para que los transeúntes que pasen por allí nos lancen bombas rellenas con agua. En los trabajos que describimos anteriormente podemos evidenciar dos modos de usar el cuerpo. En las primeras piezas descritas buscamos enrarecer lo que se ha naturalizado en las diversas lecturas sobre el cuerpo femenino para, a través de ello, señalar las normatividades que nos atraviesan. En cuanto a los dos últimos trabajos, hacemos otro tipo de operación: se trata de utilizar nuestro propio cuerpo al modo en el que tradicionalmente se usa el cuerpo femenino en nuestra cultura, para la denuncia de problemáticas políticas más amplias que los problemas de género.

Performance a domicilio. Acción 1. Servicio al cliente Performance I.O: ¿Qué opinan del arte colombiano? C.Z: La pregunta resulta extensa, acá hay de todo como en botica. La historia del arte en colombia tiene un proceso bien interesante sobre todo en el siglo XX, donde se ve cómo cada generación ha asumido su época desde las problemáticas que se le han planteado, lo que deja ver, en cada momento, unas preocupaciones a veces formales a veces conceptuales, a veces de cara a la realidad nacional. Ahora, pensando en nuestro gusto personal, básicamente nos
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interesan procesos que de algún modo toquen temas políticos y dinámicas sociales como la obra de Wilson Diaz, Luis Hernández Mellizo, Liliana Angulo, Milena Bonilla, Miguel Ángel Rojas, o procesos que han intentado desenmarcarse del problema de la producción de objetos como Nodo Duitama entre muchas otras propuestas. I.O: ¿Creen que hay algo que defina una cierta colombianidad en el arte que se produce por colombianos o en Colombia? C.Z: Seguramente la influencia de un medio específico imprima un sello a la producción que allí se realiza, sin embargo, nos resulta difícil pensar en el término colombianidad, pues eso es escencializante para procesos que tal vez merezcan otro tipo de atención. Por supuesto que hay artistas muy interesados en hablar del conflicto interno o del narcotráfico o de mil y un problemáticas que atañen al contexto local y eso está bien, pero no podemos pensar ese problemas como algo colombiano, al final todo conflicto local tiene ingerencia en problemas globales, y puede llegar a ser problemático pensar que el arte tenga como camisa de fuerza un contexto, además de que es claro que si estamos en un lugar cualquiera, ese lugar va a influenciar nuestra producción queramos o no. I.O: ¿Qué opinan de la curaduría? C.Z: la curaduría es un proceso de investigación mediante el cual se ponen en relación trabajos que de algún modo son susceptibles de relacionar. En general podría decirse que cada vez que se incluye nuestro trabajo en una investigación de este tipo descubrimos algo nuevo en él ya que entra en conversación con otras producciones. Ahora, hablando del papel que juega actualmente en el medio local, resulta ser un lugar que ha adquirido un espacio central, por tanto a través de la inclusión o no de los trabajos en estas investigaciones se legitima la producción de algunos artistas, sin embargo pensaríamos también que ahora se le llama curaduría a cualquier ejercicio que se hace para producir una exposición colectiva. I.O: ¿Qué opinan del mercado del arte? C.Z: En relación con el mercado del arte, reconocemos que hace parte de las dinámicas propias del campo del arte, sin embargo cualquier apreciación desde la experiencia del Colectivo se ejerce con cierta distancia, en tanto no hemos tenido una relación tan cercana con esas dinámicas. Sin embargo, la percepción que tenemos del mercado es que es que allí conviven diferentes tipos de producciones, ya que acá el peso conceptual de las reflexiones que originan la producción artística puede pasar a un segundo plano dado que la lógica del mercado corresponde al ejercicio capitalista de la oferta y la demanda. Acá además podríamos extendernos pensando en que finalmente muchas piezas se han hecho pensando en el gran público, y al entrar en una colección personal quedan domesticadas y reducidas a un público selecto. Sin embargo debemos reconocer que el mercado da visibilidad a algunos artistas permitiendo que puedan concentrarse enteramente en su creación, lo cual resulta para cualquiera como una situación ideal. I.O: ¿Qué opinión tienen de las ferias de arte? C.Z: En cuanto a las diversas opciones de ferias que todos los octubres inundan la ciudad, pensaríamos que las ferias independientes de algún modo siguen el sistema de ARTBO que, tal vez, la única diferencia sea en relación a la misma lógica del mercado, espacios en donde hay cabida para las galerías que cubren las necesidades de otro tipo de coleccionistas.
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De alguna manera las barreras tienden a ser difusas, se encuentra una suerte de hibridación que permite la coexistencia en grandes espacios de múltiples propuestas que oscilan entre la decoración, la producción de objetos de estatus, objetos con alguna perspectiva crítica o completamente despojados de ella. Son muy difíciles de ver por estas mismas condiciones, el espacio compartimentado, y cada compartimento abarrotado de objetos resulta siempre algo agotador. Pero hay que reconocer que su función es más dinamizar el mercado de la ciudad que hacer una buena exposición.

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