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APUNTES HISTORIA DEL ARTE

TEMAS SELECTIVIDAD

HISTORIA DEL ARTE
TEMAS . P.A.U

AITOR GARCÉS MANZANERA ©

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TEMAS. 1- El templo griego 2- La escultura griega del periodo clásico 3- La arquitectura romana: caracteres generales y tipologías 4- La escultura romana: el retrato y el relieve histórico 5- El arte islámico en España 6- Arquitectura románica: el monasterio y la iglesia 7- Artes figurativas románicas: aspectos formales e iconográficos 8- La catedral gótica 9- La arquitectura del Quattrocento: Brunelleschi y Alberti 10- La pintura del Quattrocento: Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli 11- La pintura del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel 12- La escultura de Miguel Ángel 13- La arquitectura barroca: Bernini y Borromini 14- La escultura barroca: Bernini 15- La pintura barroca: Velázquez 16- El Barroco en Murcia: Salzillo 17- Francisco de Goya 18- La pintura impresionista y postimpresionista 19- Las vanguardias históricas 20- Arquitectura del siglo XX: racionalismo y organicismo

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1. EL TEMPLO GRIEGO. El templo era la construcción religiosa más destacada y en su interior se guardaba la imagen divina. En un principio se levantaron en madera, y no fue hasta el siglo VII a.C en que se usó la piedra, principalmente en mármol blanco, cuya policromía inicial (azul, rojo y dorado) se ha perdido con el paso del tiempo. La forma más común del templo griego, derivada del mégaron micénico, es una estructura de planta rectangular divida en tres espacios bien diferenciados: a) Pronaos: entrada que precede el acceso al lugar sagrado del templo. b) Naos o cella: espacio sagrado en cuyo interior se albergaba la imagen escultórica de la divinidad. c) Opistódomos: cámara o nave posterior, adosada al otro extremo de la naos pero incomunicada con ella, y en la que en algunas ocasiones se guardaba el tesoro del templo. Según el número de columnas construidas en los frentes o costados más cortos, se habla de templo dístilo, tetrástilo, hexástilo, octástilo o decástilo. Según la colocación de las columnas que rodean el perímetro del templo: períptero, si es una sola hilera de columnas; díptero, si son dos; y pseudoperíptero, si las columnas están adosadas al muro. Otras tipologías de templo más sencillas son el anfipróstilo, cuando únicamente tiene columnas en los dos frentes del templo; próstilo, cuando es tan sólo en uno de los pórticos; y áptero in antis, si las columnas se encuentran ubicadas entre la prolongación de los muros laterales que acogen al pórtico, y que reciben el nombre de antas. Aunque en menor grado, también existen templos de planta circular, llamados tholos.

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2. LA ESCULTURA GRIEGA EN EL PERIODO CLÁSICO La escultura griega se realizó esencialmente en bronce y mármol, aunque también se emplearon piedras de menor calidad, así como madera, oro y marfil. Se distinguen dos tipologías esenciales: a) El relieve, utilizado en la decoración de tímpanos y frisos en templos y altares. b) La escultura extenta, tipología que se convirtió en reflejo de la evolución del canon de belleza helénico, a través de la proporción, el equilibrio, la simetría, el movimiento, la expresividad, el volumen y el dinamismo. En ambos casos, el tema central fue la figura humana, principal motivo de estudio y reflexión de la cultura griega. Otra característica de la escultura helénica fue la policromía con la que estaban recubiertas todas las piezas, y que con el paso del tiempo se ha perdido. Como punto precedente, es preciso mencionar que las primeras manifestaciones escultóricas griegas aparecieron en el S. VIII a.C. Eran pequeñas figuras de carácter votivo o religioso ejecutadas en marfil, terracota o cera. También se conoce la existencia de esculturas en madera, llamadas xoana, y que según la mitología griega, fueron obra del arquitecto dédalo. Hubo un periodo llamado “escultura monumental” en el S. VII a.C, que evolucionó a partir de los modelos estilísticos de la estatuaria griega. El “Periodo Arcaico” es el que precede al clásico, y se caracteriza principalmente por la representación de figuras humanas masculinas y femeninas – conocidas como korai y kouroi – las cuales reflejaban numerosas influencias de la escultura egipcia, como el hieratismo, rigidez y frontalidad, monumentalidad y la concepción esquemática de la anatomía humana. Volviendo al tema central, el Periodo Clásico mostro en su conjunto la preocupación de los artistas (son de destacar a Policleto, Mirón y Fidias) por reproducir la anatomía humana con proporciones equilibradas, en las que se intenta alcanzar el modelo ideal de belleza humana. Para lograr este equilibrio y belleza se redondeaba la musculatura y se representaban posturas más naturales como el contrapposto – palabra italiana que define la posición más natural y equilibrada de una figura en reposo-. Además se perdió la rigidez y frontalidad, y se adquirieron cánones de proporción matemática entre la cabeza y el resto del cuerpo. Hacia el siglo IV a.C, apareció el periodo llamado post-clásico o segundo clasicismo. En este momento las posibilidades de representación del hombre ideal se empezaron a agotar, y los artistas (Praxíteles, Escopas y Lisispo) mostraron una gran preocupación por expresar los sentimientos y las emociones a través de la expresividad de los rostros. Esto sería un precedente del periodo helenístico en el que se sintetizaría todo lo anterior, expresando el pathos.

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3. LA ARQUITECTURA ROMANA: CARACTERES GENERALES Y TIPOLOGÍAS. La cultura y el arte de la Antigua Roma tienen un origen muy ecléctico, ya que asimilaron muchas y variadas influencias de los diferentes pueblos conquistados. Esta diversidad de influencias se hace principalmente evidente en la arquitectura. Así, por ejemplo, la arquitectura romana incorpora el uso sistemático del arco de medio punto y la bóveda de cañón o arista, elementos de origen oriental que asume a través de la arquitectura etrusca. Además, la arquitectura romana utiliza los tradicionales órdenes griegos (dórico, jónico y coritntio), a los que añade el orden toscano, de origen etrusco, y el orden compuesto, consistente en mezclar elementos del capitel jónico (volutas) y del corintio (hojas de acanto) en el capitel. Otra característica importante de la arquitectura romana es la priorización de los aspectos técnicos y funcionales frente a los estéticos. En cuanto a la escultura, cabe destacar un gusto por el realismo, asociado siempre a la conciencia histórica del pueblo romano, circunstancia que dio como resultado una gran predilección por el retrato y las escenas cotidianas y bélicas. Con respecto a las tipologías arquitectónicas, los edificios romanos se pueden diferencias según sean privados o públicos. En el ámbito privado deben señalarse las casas, que pueden ser unifamiliares (domus) o de vecinos (insulae). En la arquitectura de carácter público se pueden distinguir los edificios religiosos y los edificios civiles. Destacan los templos, levantados para el culto a los dioses y siguiendo muchas de las características del templo etrusco: elevación mediante un podio, preeminencia de una fachada principal, resaltada con un alto pórtico de entrada al cual se accedía mediante una escalinata. También es posible encontrar elementos del templo griego, como por ejemplo la forma rectangular de la planta, la división del interior en dos espacios diferenciados, pronaos o pórtico; y cella o naos. Uno de los templos mejor conservados es la llamada Maison Carré en Nîmes. También deben mencionarse los templos de planta circular que partiendo del tholos griego, fueron cubiertos a veces con grandes cúpulas. Como ejemplos tenemos El templo de Vesta en Tívoli, y en especial, el Panteón de Roma. En cuanto a la edificación civil, los romanos levantaron una cantidad ingente de edificios que hay que clasificar: a) Monumentos dedicados al ocio. -Termas. Edificios de baños públicos entre los que sobresalen los de Caracalla, en Roma. -Teatros. Construcciones de estructura semicircular parecida a los teatros griegos, pero levantados sin aprovechar el desnivel del terreno. En España cabe señalar los teatros de Mérida, Cartagena, Sagunto y Tarragona. -Anfiteatro. Es una construcción de planta elíptica surgida de la unión de dos teatros, en la que se celebraban luchas de gladiadores, combates entre naves y luchas de animales. El Coliseo de Roma es el ejemplo más importante, aunque también destacan el anfiteatro de Nîmes (Francia), y los de Mérida y Tarragona en la Península Ibérica. -Circo. Lugar donde se organizaban las carreras de cuadrigas (caballos y carros) y se realizaban actividades atléticas. Aunque muy destruido, todavía se puede observar la magnificencia del circo Máximo de Roma. b) Monumentos de carácter administrativo. El más importante es la basílica, un edificio generalmente rectangular formado por tres naves cubiertas con bóveda de cañon y media cúpula en el fondo, destinado al comercio, a la administración de justicia y a diversos actos públicos. La Basílica de Majencio en el Foro Romano es la que mejor resume sus características. c) Monumentos conmemorativos. AITOR GARCÉS MANZANERA © 5

La Columna Traja es sin duda el mejor documento escultórico en honor a un emperador. y el de Bará en Tarragona. cal y agua. realizado con una mezcla de piedras pequeñas.C también es muy popular el mármol. También usaron nuevos tipos de paramento para levantar muros. pero a partir del siglo II a. grava.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD Las columnas conmemorativas y los arcos de triunfo son elementos arquitectónicos extraídos de su contexto y sobredimensionados. arena. con el afán de convertirlos en símbolos de un poderoso imperio que recuerda con ellos sus logros de conquista. AITOR GARCÉS MANZANERA © 6 . Como curiosidad. los materiales con los que se construían la mayoría de estos edificios eran con piedra y ladrillo. equiparable al hormigón actual. siendo el más importante el opus caementicium. en Roma. Los arcos de Tito y de Septimio Severo.

anticipando la rigidez del retrato bizantino. b) El relieve histórico. Gradualmente. se simplifican las formas. las estatuas romanas desarrollan dos géneros característicos.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 4. a) El retrato. como el retrato y el relieve histórico. el retrato imperial adopta cierto idealismo. puesto que la mayoría de obras tienen como objetivo la ornamentación de edificios y monumentos. caracterizado por su alto grado narrativo recrea con gran realismo y vivacidad escenas bélicas que subrayan la grandeza del Imperio. LA ESCULTURA ROMANA: EL RETRATO Y EL RELIEVE HISTÓRICO. La escultura romana muestra una clara subordinación a la arquitectura. en el que se deben incluir tanto el busto como la escultura exenta y la escultura ecuestre. propio del periodo clásico griego. tales como altares (aras) – Ara Pacis en Roma-. en los que se puede percibir claramente la herencia recibida del arte etrusco y la influencia del arte griego. Realizadas en mármol. AITOR GARCÉS MANZANERA © 7 . Posteriormente. modelo para las estatuas ecuestres del Renacimiento. Estos relieves se esculpen en impresionantes monumentos conmemorativos. La adecuación al espacio arquitectónico al cual se subordinan los relieves tiene en la decoración helicoidal de la Columna Trajana su mejor ejemplo. aunque muy afectado por la corriente popular que humaniza los gestos.C). En un primer momento estos retratos toman como referencia la escultura funeraria etrusca y la tendencia realista (siglo III a. En este sentido destaca el gusto por la recreación del paisaje y la decoración arquitectónica. y en el periodo del Bajo Imperio o tardo-romano (siglo III-V) se produce una fuerte tendencia a la esquematización y una evidente voluntad de solemnizar al personaje. bronce y piedra. arcos de triunfo y columnas exentas. en el siglo I d. Esta última tipología está representada principalmente por la estatua de Marco Aurelio.C.

así como la nave transversal pegada al muro de la qibla. EL ARTE ISLÁMICO EN ESPAÑA Desde el 711 a 1492 es el periodo de permanencia de los musulmanes en la Península Ibérica.2.5. Emirato Dependiente de Damasco (711-755).4.1.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 5. Es la mayor de todas pero también la de peor calidad.2.1. a ella corresponden el mihrab y la maqsura. Ha contado con varias ampliaciones pese a lo cual conserva una gran coherencia interna.2. Ampliación de Al-Hakam II. sobre la antigua iglesia visigoda de San Vicente. Esto hace que el mihrab quede AITOR GARCÉS MANZANERA © 8 .2. equivale a un tercio del recinto. Duplicó el harán con 8 tramos transversales más y algo después. hoy ocultado por la torre actual del siglo XVI. último descendiente de la Dinastia de los Omeyas. se construyó la puerta principal (de San Esteban).2. llamado por algunos Walíato. Se construye una parte del patio y once naves del harán. Es la parte más rica de la mezquita. Las fases constructivas son las siguientes: 5. Emirato Independiente (755-929) Con Abd-al-Rahman I. Ocupa un lateral. 5. que se instala en España. Con Abd-al-Rahman III. 5. comienzan las primeras manifestaciones importantes y se inicia su primera obra magna: La mezquita de Córdoba. en tiempos del emir Muhammad I. Empezó a construirse por orden de Abd-alRahman I. 5. comprada al efecto. 5. Construcción por Abd-al-Rahman I. La qibla no está orientada a la Meca. Ampliación de Al-mansur. 5. posiblemente porque en esta dirección comenzaba el camino a la Meca desde Córdoba. la presencia musulmana en Hispania es muy ligera y no ofrece obras de interés. sino hacia el sur. Ampliación de Abd-al-Rahman II. Durante este periodo se da una evolución completa del Arte Musulmán en la que distinguimos las siguientes etapas: 5.2.3. sometido al califa de Damasco. Con éste se construyó el minarete. tal vez porque la qibla se encuentra cerca del río.2.

La mezquita de Córdoba ha influido mucho en la del Kairouan de Túnez. Algo similar a lo que sucedía en el acueducto de Mérida. sirve de entibo. Los arcos polilobulados. b) Los arcos constan de Dovelas de dos tipos: blancas. dejando un espacio central a su vez cubierto por una cúpula gayonada. Tiene forma rectangular y está formada por arcos polilobulados y entrecruzados. El inferior.APUNTES HISTORIA DEL ARTE desplazado del eje del templo. de herradura. TEMAS SELECTIVIDAD Los elementos arquitectónicos más interesantes de la mezquita son: a) Principalmente la superposición de dos arcos. de piedra caliza. es el recinto anterior a la puerta del mihrab y sirve para aislar al califa del resto de los musulmanes. la idea es romana y procede del acueducto de los milagros de Mérida. que AITOR GARCÉS MANZANERA © 9 . Edificios de Época Califal. y decoración en estilo árabe. Cúpulas de este tipo son califales. Decoración vegetal. e) La maqsura. constituida mediante nervios. tiene lugar el esplendor cultural en la península.3. Normalmente el mihrab es un pequeño hueco. c) Bóveda de la antesala del mihrab. en la parte superior se disponen arcos entrecruzados y un mosaico con escritura cúfica y decoración vegetal. geométrica y cúfica (escritura musulmana). El superior. y rojas. d) Puerta y cúpula del mihrab. 5. cierra algo menos que el musulmán). de ladrillo. La cúpula del mihrab es una venera. de medio punto. aquí le han dado más prestancia y le han dedicado una pequeña sala. también llamada Bóveda de la maqsura. sostiene la techumbre. cuya función es decorativa. Desde el 929 al 1031. La puerta del mihrab es un arco de herradura encuadrado en un alfiz (visigodo. Está ricamente decorada con mosaicos de procedencia bizantina.

Destacan los siguientes edificios: 5. Es el alminar de la mezquita de Sevilla. al-Hakam II.5. XI). Almería y Granada. Hisham II (que dejó su gobierno en manos del hachib. Como novedades está el que los capiteles son más alargados y se relega el arco de herradura a favor del arco polilobulado. Ninguno alcanzó la pujanza anterior. Pese a todo su esplendor. surgiendo los reinos de Taifas. 5. La aljafería de Zaragoza. Destacamos los siguientes edificios: 5.1. por lo que utilizaron materiales pobres aunque con profusión decorativa. junto al río guadalquivir. La preferencia del pilar sobre la columna. La rivalidad de los distintos reinos de Taifas propició la llegada a España de los almorávides. Su construcción fue hecha en honor de su favorita (Azahara) y completada por su hijo Al-Hakam II. El Arte del periodo de los reinos de Taifas. 5. El Arte del Periodo Almorávide y Almohade. destacamos: 5. pueblo bereber del Magreb.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD coincide con el califato de córdoba.4.3. Está situada a 5 km de Córdoba en las últimas estribaciones de Sierra Morena. Desde el siglo XII es una iglesia cristiana. tiene planta de cruz griega inscrita en un cuadrado. Almansor) Además de la mezquita de córdoba. Es el palacio del Rey Taifa de Zaragoza. AITOR GARCÉS MANZANERA © 10 . Se refuerza el uso de los mocárabes y de la cerámica vidriada. hasta unos 75 años.4. 5. 5. Sobre las puertas aparecen arcos de medio punto entrelazados y sobre estos una celosía romboidal. El arco de herradura apuntado. un friso con escritura cúfica y alerón. Las principales aportaciones artísticas almorávides se encuentran en el norte de África y en algunos en España. Los elementos decorativos que caracterizan el gusto almohade son: los baños con decoración en Sebka (redes de rombos que cubren espacios lisos). La giralda de Sevilla (S. El recinto ocupa unos 2 km2.2. Mayor repercusión tuvo una segunda invasión norteafricana: Almohades. Los almohades dieron un gran impulso a las fortificaciones.2. como por ejemplo las ruinas del castillejo de Monteagudo. También son de este periodo los alcazabes de Málaga. Por último. integrado por solo tres califas. y el tejado apoyado sobre ménsulas. Consumándose la destrucción como consecuencia de las guerras que pusieron fin al Califato y a la dinastía Omeya en la península.5. pero no se puede afirmar que sean del mismo autor. La fachada presenta tres puertas con arcos de distinto tipo: El central es de medio punto y los laterales de herradura o con el intradós polilobulado. su existencia fue breve.1. La torre del oro (1220) – Arenal de Sevilla. (S. Uno de los elementos que la caracterizan son los arcos entrecruzados dispuestos en paneles (decoración en sebka).1. La ciudad-palacio de Madinat-al-Zahra. cuyos elementos más sobresalientes son califales. Abd-alRahman III. Mezquita del Cristo de la luz (Bab al-Mardum) – Toledo.3. Impusieron nuevos gustos como son la utilización de mocárabes y el empleo del arco de cortina.5. XII) (1195). 5.2.4. El plano es desordenado estructurándose en torno a grandes patios centrales. Tras la muerte de Almanzor se desintegró el califato. La giralda es similar al minarete de la mezquita de Hassan en Rabat y a la kutubiya de Marrakech. Sobre cada uno de los nueve tramos en los que está dividida se han colocado otras tantas bóvedas de tipo califal. destaca sobre todo su decoración en la que un elemento sobresaliente son los capiteles llamados de Nido de Avispa.

Elementos decorativos de tres tipos: -Geométricos. Fue llamada así por estar recubierta de azulejos dorados. con objeto de vigilar lugares estratégicos. coincidiendo con la crisis de la baja edad media en los reinos cristianos. Los alicatados recubren los zócalos de las estancias. Cabe distinguir dos partes diferenciadas. gobernada por la dinastía nasri o nazarí. mas bello y mejor conservado de los palacios musulmanes del mundo.6. llamados lacerías. Más que el propio edificio destacan jardines y huertos. ARTE NAZARITA (S. -Predominio del arco peraltado mientras que el de herradura es una excepción. Se trata de un pequeño mirador en el que se abren tres ventanas. El Arte nazarí ha influido en el arte musulman del norte de África. Las características de los edificios nazaríes son: -Sobriedad exterior en contraste con la riqueza decorativa interior. -El generalife es un palacio anejo al de la Alhambra. Este es el más antiguo. En general consta de dos cuerpos. -Si son epigráficos. cubiertos con bóveda.El patio de los leones se asemeja a los claustros cristianos. son de escritura cúfica. AITOR GARCÉS MANZANERA © 11 . En los siglos XIV y XV. Está destinada a la vida pública y formada por el patio de los arrayanes (los setos) o de la Alberca. subsiste en el sur de la península el último reino taifa: Granada. Entre los edificios destacan: 5. Un ejemplo de estas es la torre del Oro. Los capiteles son originales. La Alhambra. las cuales son: -El patio de los leones y las estancias anejas: La sala de Mocárabes. Más elevado que esta es una especia de mirador (Belvedere) desde donde se contempla un magnífico paisaje. paneles de yeso con decoración geométrica vegetal (atauric) e inscripciones en letra cúfica que reproducen frases coránicas. -Empleo de materiales pobres: yeso y ladrillo. Es en realidad un torreón de las antiguas murallas almohades. se llaman ataurique.. b) La sala de la Barca. sala de los reyes. (La roja) 22 sultanes ocuparon el trono granadino en sus 260 años de existencia.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD frecuentemente con dos murallas y torres avanzadas e incluso independientes. La formaban las habitaciones privadas. uno de los más bellos de la Alhambra. -Si son vegetales. Su planta tiene doce lados y está construida en piedra y ladrillo. Es abundante el uso de mocárabes. Presenta un zócalo alicatado (con azulejos) y con decoración geométrica (Wala galib ill-allah). ricamente decoradas en yeso policromado. Parte de Muhammad V. La sala de Dos hermanas da paso al mirador de Daraja. Otro elemento decorativo es el arco apuntado decorado con mocárabes. XIV-XV).6. 1 decorado con cintas y otro cúbico. a) Parte de Yusuf I. cubiertas con bóveda de mocárabes. En todas partes se aprecia un gran simbolismo en torno al agua. con cuatro pórticos en los cuatro lados y en el centro se halla la fuente de los leones. De ellos se debe a solo dos. la mayor parte y lo de mejor calidad de lo que subsiste de la alhambra.1. dispuesto en torno a dos ejes perpendiculares. -Las columnas son de fuste cilíndrico muy esbeltas. 5. sala de los abencerrajes y sala de las dos hermanas.

iglesias y monasterios sean las edificaciones más representativas de este periodo de la Edad Media. entre los que sobresalen los de la catedral vieja de Salamanca o San Martín de Frómista. en el que toda manifestación artística se subordina al servicio de la gloria de Dios. En estos centros de peregrinación como la Catedral de Toulouse o la de Santiago de Compostela.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 6. En el lugar de encuentro entre la nave central del cuerpo longitudinal y la del transepto se halla el crucero. la nave central estaba cubierta por AITOR GARCÉS MANZANERA © 12 . cubierto habitualmente por un cimborrio. En primer lugar. se ideó la girola o deambulatorio. a) Catedrales e Iglesias. el fenómeno de la peregrinación potenció la construcción de numerosas iglesias y catedrales. se orientaron de Este a Oeste. En segundo lugar se recuperó el transepto. Este pasillo o deambulatorio facilitaba el tránsito de los peregrinos dentro de la iglesia cuando iban a venerar las reliquias del santo. espacio circular abovedado bajo el presbiterio. guardadas en la cripta. el presbiterio y el ábside. compuesto por una o varias naves que cruzan perpendicularmente el cuerpo longitudinal consiguiendo así una simbólica forma cruciforme. ARQUITECTURA ROMÁNICA: EL MONASTERIO Y LA IGLESIA A principios del siglo XIX. compuesta ahora por el transepto. en virtud del uso del arco de medio punto y la bóveda de cañón y de arista. de forma que el primer rayo de luz solar entrara por el ábside. podrían verse como derivación de la arquitectura romana. Esta forma cruciforme podía tener planta de cruz griega o latina. El estilo fundamentalmente religioso del arte romano hace que catedrales. En todo el arte románico se aprecia la voluntad de proclamar el triunfo definitivo de la Iglesia cristiana. el estudio de la arquitectura de los siglos XI y XII propició el interés por unificar una gran cantidad de estilos en las distintas escuelas regionales y condujo a la fijación del término “románico”. un pasillo semicircular que prolongaba las naves laterales rodeando la parte posterior del presbiterio. En cuanto a la cabecera. tras la aparición de las iglesias y catedrales de peregrinaje. En el interior. un espacio aparecido en las primeras iglesias cristianas. en un proceso similar al que también sufrieron las lenguas románicas respecto al latín. fue este último el que desarrolló una formulación más innovadora. cuya estructura estuvo siempre muy ligada a su función y simbolismo. Con esta denominación designamos una serie de obras que. en el que se abrían pequeñas capillas radiales o absidiolos. lo que motivó la creación de un nuevo tipo de templo. A partir del año 1000.

Pensados como una ciudad cerrada en sí misma. cocina. eran coronadas con bóveda de arista. que se reforzaron con poderosos contrafuertes y a los que se abrieron pocas ventanas. Utilizando los mismos parámetros constructivos de las catedrales y las iglesias. En Cataluña destacan los conjuntos monacales de Santa María de Ripoll y en Aragón San Juan de la Peña. dormitorio. sala capitular. en este periodo. biblioteca. reforzada con arcos fajones que descargaban el peso en piilares. etc. mientras las naves laterales. la distribución de todas las dependencias que conformaron el recinto monacal. b) Monasterios. A continuación se puede observar la planta del conjunto monacal de Santo AITOR GARCÉS MANZANERA © 13 . los monasterios fijaron.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD una bóveda de cañon. todos los espacios importantes (iglesia. refectorio.) se estructuraron alrededor del claustro. de menor altura. el recogimiento y la oración) en el que los monjes llevaban a cabo sus meditaciones personales. un patio central ajardinado (símbolo de la vida en común. y anchura. El peso de la bóveda de cañón obligaba a los arquitectos a utilizar muros muy anchos y macizos.

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expresiva. para que sea la imagen el vehículo de transmisión intelectual. de una forma clara. Pero es evidente que los grandes monumentos del románico tuvieron en su día una pintura a la altura de las circunstancias. En cambio.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 7. Hecho que prueba la internacionalidad de su estilo. bien sean grandes conjuntos catedralicios. después se realizaban retoques sirviéndose del temple. También se suele olvidar la gran difusión. con arreglo a esta técnica se aplicaban los colores fundamentales. ordenado Concepción jerárquica y simbólica del arte. mientras que la pintura ocupará los muros y dominará los ábsides. frontales y miniaturas. sustituyendo de esta forma a la palabra escrita. se subordina a la fábrica. en Skibet. habiendo sido objeto de sistemáticas destrucciones. sobre todo la de los beatos. apenas accesible al vulgo. AITOR GARCÉS MANZANERA © 15 . ya que alcanza a Dinamarca (por ejemplo. los cuales tenderían a prevalecer en la época gótica. Conceptos esenciales  Profunda religiosidad del mundo medieval europeo. Así. Cristo irradio respeto y temor. o bien sean iglesias abaciales o pequeñas ermitas y parroquias. Respecto a la pintura mural. monásticos) y laicos. En cuanto al estilo. con una iconografía más amplia y un repertorio formal más abundante. que ha de colmar todo el componente simbólico y espiritual del ser humano del medioevo. El centro gravitatorio lo constituye el edificio. Jutlandia) Suecia. pues. La pintura. Debe además ilustrar a ese hombre de la época sobre el contenido esencial de las sagradas escrituras.  Predominio de lo espiritual sobre lo terrenal  El templo como microcosmos religioso  Arte para la eternidad: mundo divino inmutable. ARTES FIGURATIVAS ROMÁNICAS: ASPECTOS FORMALES E ICONOGRÁFICOS El románico se distingue por la espléndida eclosión del arte figurativo. Se trata de un arte anónimo. los fresquistas románicos dispersaron su estilo en los largos desplazamientos a que sometieron su actividad. otónico. aunque. Sin desconocer la influencia poderosa que la miniatura española tiene. pero ésta constituye un arte más rico y propio de gente letrada. la pintura mural acredita un mayor carácter popular. Además. pues. común a todos los cristianos de la época. que reconoce dos clases de autores: eclesiásticos (es especial. eterno. Hungria y Yugoslavia. contundente. Esta pintura se ofrece en tres variedades: frescos murales. No son verdaderos frescos la mayoría de las pinturas murales. copto y bizantino. pero tiene una gran significación teológica. es preciso advertir que se conserva mínimamente. En sus fachadas y en los capiteles se ubicará la escultura. configuran un espacio interior mágico. puede decirse que se constituye como una continuación de lo carolingio. La pintura mural tiene una gran relación con la miniatura. las iglesias románicas.

Nada debe confundir su lectura y por ello las composiciones son simples y regulares. lo que contribuye al simbolismo místico de concebir la luz como luz del espíritu. lleno de mensajes que enlacen al espectador con la divinidad. No hay movimiento real en las imágenes. sensación de movimiento a través de la repetición paralela de los gestos de varias figuras. Tanto. Resumen:  Arte figurativo. no naturalista  Arte simbólico.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD La expresión plástica es esencial en esta época y por lo que se refiere a los interiores de la iglesia es la pintura la principal protagonista. que además están tocadas de un hálito divino que las hieratiza. pues une a su valor simbólico y narrativo el efectismo del color. Se desentienden de cualquier vinculación realista a relaciones de proporcionalidad o recursos de perspectiva. y se aplican colores planos y llenos de vigor. cuyo impacto. color surge una intensa luminosidad pictórica. tan propios de un arte ideográfico: recursos esquemáticos. que del propio. El arte por tanto y más concretamente la pintura. el artista románico prescinde casi por completo del paisaje. su valor narrativo y su valor simbólico. que también tiene su efectismo porque es así una luz que proviene desde las figuras y no desde el exterior. de profunda significación teológica: expresivo. De ahí que al templo románico se le considere con razón una auténtica Biblia en imágenes. Por ello en la pintura románica prevalecerá su valor expresivo. contribuye decisivamente a recrear el ambiente de misticismo sobrenatural que envuelve al cristiano de la época. principalmente.  Colores planos AITOR GARCÉS MANZANERA © 16 . cuya lectura debe hacerse habitualmente de izquierda a derecha y de arriba abajo. Y en aras de conseguirlo se perfilan las figuras con gruesos trazos. Por igual razón no interesa la perspectiva. predominando las simétricas. que lo lleven de «camino hacia Dios» y lo distancien por un tiempo del mundo real. intenso. en los muros laterales. se busca la grafía clara y descriptiva. con todo tipo de convencionalismos. economía de trazos. narraciones del Antiguo y del Nuevo Testamento. Con la finalidad de separar lo divino de lo terrestre y para obtener una mayor simplicidad. etc. aunque se gradúa la profundidad de la pintura mediante franjas paralelas de diversos colores. expresivos o de desproporción. idea de profundidad transmitida por medio de la superposición de cabezas. En el ábside central.  Aspecto solemne. penetrante. Incluso. pliegues simétricos. hierático. como luz interior. todo lo contrario. majestuoso  Belleza supeditada al contenido  Importancia en el dibujo de la línea negra como elemento estructural. se simplifican las imágenes en un esfuerzo magnífico de sintetización y se enfatizan los símbolos con efectos de color. Pantocrátor o la Virgen. lo que se persigue es la restitución de un entorno ajeno al mundo cotidiano. pies en «V». enfatizado además por el complemento de las luces breves e indirectas del interior del templo. en ningún caso pretenderá reproducir un entorno real. y por eso mismo también se tiene un especial cuidado en localizar los temas con una estricta jerarquización espacial.

APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD AITOR GARCÉS MANZANERA © 17 .

más ligero que el de medio punto. rodeado de capillas radiales. El alzado interior se divide en tres niveles: las arcadas que conducen a las naves laterales. tuvo en la arquitectura su principal expresión artística. en su estructura generalmente se pueden distinguir varias franjas horizontales superpuestas. y no siempre en el mismo orden. Aun así. cuerpo superior con ventanales. La nueva espiritualidad religiosa de la época. el triforio – pasadizo de estrechas arquerías que sustituye a la tribuna románica-. liberando al muro de su función de soporte. en sentido peyorativo. desarrollado fundamentalmente en el ámbito urbano.Cabecera con un transepto más corto. Entre los numerosos edificios que se crearon para cubrir las nuevas necesidades de las ciudades. La mayor altura y amplitud de las naves junto al aligeramiento de los muros obligó a los arquitectos a reforzar exteriormente la estructura del edificio mediante un complejo sistema de arbotantes y contrafuertes que contrarrestaban el peso de las bóvedas interiores. En planta. los arquitectos pudieron abrir grandes ventanales con vidrieras de colores. El sentido ascensional de sus formas y la intensa luminosidad del interior pretendían recrear el espacio ideal para acercarse a un Dios más humanizado. utilizaban dicha palabra para referirse al tipo de arquitectura medieval que condenaban y atacaban por parecerles “bárbara”. se encuentran las portadas con una rica decoración escultórica. Éstos. Sobre ellas. En el exterior el elemento más destacado es la fachada occidental. la catedral gótica presenta una organización muy característica: -Tres o cinco naves longitudinales. La catedral se convirtió en el edificio paradigmático de la arquitectura gótica. siendo la central de mayor altura y anchura que las laterales. así como las innovaciones técnicas y constructivas permitieron levantar edificios más altos y luminosos. Flanqueada por dos altas torres. LA CATEDRAL GÓTICA TEMAS SELECTIVIDAD El término gótico fue acuñado a mediados del siglo XVI por los artistas renacentistas. acostumbran a aparecer AITOR GARCÉS MANZANERA © 18 . fueron sin duda las catedrales las construcciones más importantes. y la bóveda de crucería. el arte gótico. Los elementos que hicieron posible este cambio fueron el arco apuntado u ojival. adquiere un gran protagonismo. y el claristorio. -El deambulatorio o girola. . Gracias a esto. cuya estructura permitía descargar el peso directamente sobre columnas y pilares. resultante del cruce de dos arcos ojivales. Abajo.APUNTES HISTORIA DEL ARTE 8.

Los otros elementos arquitectónicos que se pueden ver – agujas y pináculos de forma piramidal y cónica. a mediados del siglo XIII. 1) Etapa Cisterciense. AITOR GARCÉS MANZANERA © 19 . 2) Gótico Pleno. creándose el modelo llamado Gótico septentrional o francés. Hacia la segunda mitad del siglo XII. que daba gran importancia a la verticalidad del edificio y a la luminosidad del interior. Conocido como gótico radiante. la obsesión por la altura dio paso a un notable aligeramiento de las catedrales que permitió reducir el espesor de los muros y ampliar las superficies acristaladas. 5) Gótico Catalán. potenciándose la tracería y los vitrales. la reforma de la vida monástica de la orden del Císter. En Francia. todo basado en la austeridad. pues en sus edificios se prohibieron los pórticos con esculturas. 3) Gótico Radiante. el cisterciense. cuyos motivos recuerdan a las formas de las llamas. en el siglo XII. Destacan las catedrales de Notre-Dame de Paris. y también en Inglaterra y en Alemania. Se configuró un estilo propio. en el norte de Francia. En un primer momento. las vidrieras de colores y las pinturas. la tracería – decoración de motivos geométricos-. un gran rosetón y un triforio con esculturas. las bóvedas y la ornamentación fue complicándose hasta generar el llamado gótico flamígero. de Chartres y de Reims. de arcos apuntados y bóvedas de crucería.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD un cuerpo de arcadas. este estilo tuvo en la Saint Chapelle de Paris su máximo exponente. observándose en la construcción de sus monasterios de transición del Románico al Gótico. es preciso hablar de una evolución de estos edificios religiosos. Otros elementos destacados del exterior son la cubierta a dos aguas que cubre las bóvedas interiores y el cimborrio. 4) Gótico Flamígero.son utilizados para acentuar la verticalidad de la construcción. que rematan las cimas de las torres. empezaron a surgir las primeras catedrales góticas. En este último país se potenció de manera especial la verticalidad. y los gabletes o remates en punta a modo de frontón. fomentó la pobreza y el ascetismo. que en ocasiones corona el crucero. Posteriormente en los siglos XV y XVI. Sin embargo. y la catedral de Colonia constituye un magnífico ejemplo de ello. Este modelo fue seguido en Castilla – catedrales de Burgos y de León-.

AITOR GARCÉS MANZANERA © 20 . Este modelo tiende a potenciar la línea horizontal antes que la vertical. Los contrafuertes aguantan la presión de las grandes bóvedas de crucería. prefiriendo una nave única y amplia sin transepto. y entre ellos suele haber capillas. que tuvo una gran influencia en Cataluña. Son destacables la iglesia de Santa María del Mar y la Catedral de Palma de Mallorca. Durante los siglos XIV y XV. un modelo conocido como gótico meridional. la actividad económica y comercial de la Corona de Aragón posibilitó la construcción de un gran número de edificios góticos.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD En la segunda mitad del siglo XIII surgió en el sur de Francia. concretamente en la catedral de Albi.

Los arquitectos aplicaron con entusiasmo sus enseñanzas y siguiendo su ejemplo algunos redactaron sus propios tratados. Brunelleschi aplicó principios matemáticos para crear espacios proporcionados. Uno de sus primeros proyectos fue la cúpula de la catedral de Santa María de las Flores de Florencia. Estaban convencidos de que el espacio ideal tenía que ser acorde con las leyes del pensamiento y de la razón y aplicaron esquemas matemáticos para diseñar sus construcciones. como más adelante se interpretó. del siglo I a.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 9. entablamentos.C. que consideraban propio de tiempos bárbaros. Recuperaron el arco de medio punto. molduras. la arquitectura debía proporcionar una mirada en perspectiva: los edificios debían estar diseñados para ser percibidos armoniosamente desde un único punto de vista. Se formó en la técnica constructiva gótica y estuvo influido por las ideas humanistas. semejante a la que habían disfrutado los ciudadanos de las antiguas ciudades romanas. que pronto se aplicó a todas las artes. es decir. por lo que diseñó una cúpula de perfil apuntado con una estructura de piedra que contiene otra cúpula de ladrillo. de Vitrubio. LA ARQUITECTURA DEL QUATTROCENTO: BRUNELLESCHI Y ALBERTI La arquitectura del siglo XV estaba muy influida por la concepción antropocéntrica del mundo y por la cultura del Humanismo. Fue pintor escultor y arquitecto. Los arquitectos buscaron en los edificios antiguos la inspiración para realizar sus creaciones. frente al arco apuntado. Los arquitectos pretendían levantar edificios que estuvieran a escala de los seres humanos. arquitrabes. aplicando con más o menos libertad el uso de los órdenes y los elementos decorativos y constructivos de la arquitectura clásica: ménsulas. etc. La palabra perspectiva quiere decir “mirada clara” o. a) Filippo Brunelleschi. Una solución eficaz desde el punto de vista de la estructura que además evocaba la grandeza de los edificios antiguos. sino también de sus necesidades. y que fueran adecuados a la vida cívica. no solo de su tamaño. En los proyectos que concibió de nueva planta. la bóveda de cañón. Para Brunelleschi. Este defendía dos cualidades de la arquitectura: la proporción y el ritmo. AITOR GARCÉS MANZANERA © 21 . “mirada a través”. En el año 1415 se recuperó el tratado Los diez libros de la arquitectura. En el Renacimiento se valoró mucho el urbanismo y se buscó que el diseño de las fachadas de los edificios proporcionará una imagen equilibrada. que atraviesa un espacio profundo. bajo las que formuló su concepto de perspectiva. Brunelleschi fue uno de los primeros en valorar la perspectiva. la de crucería y la cúpula semiesférica. cuyo amplísimo crucero no podía ser cubierto usando las técnicas de la época.

APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD Tomaba una unidad de medida como módulo para establecer las demás dimensiones. techo plano con casetones. En la Sacristía vieja de San Lorenzo y en la capilla de los Pazzi. estructuró la fachada evocando el alzado del Coliseo de Roma. columnas corintias. en el interior. que son múltiplos o fracciones de esa misma unidad. un diseño que será luego muy copiado. Escribió un tratado de arquitectura en el que estableció principios basados en la proporción de dimensiones y volúmenes. Brunelleschi trabajó con el diseño de planta central cubierta con una cúpula. También se utilizaban molduras sencillas. ubicada en la iglesia gótica de la Santa Croce. De esta forma la perspectiva del edificio se acomodaba a las leyes de la visión y el entendimiento humanos. con líneas horizontales que separan los pisos y pilastras verticales. en el que sus principios de armonía matemática se cumplen de forma rigurosa. Se levantaron en Florencia con estos principios las basílicas de San Lorenzo y del Santo Espíritu. Leon Battista Alberto aspiró a un saber universal y se interesó por todas las artes. como la piedra de color gris y sencillo enfoscado de yeso blanco. con planta basilical y de cruz latina respectivamente. recuerda en su planta a los templos romanos pero las columnas adosadas están sustituidas aquí por arcos entre columnas y dinteles. AITOR GARCÉS MANZANERA © 22 . materiales de colores sobrios. sustituyó el techo plano por la bóveda de cañón con casetones. En el Palacio Rucellai. Una de sus primeras obras fue la fachada de la iglesia gótica de Santa María Novella. cupulas semiesféricas y óculos. Alberti realizó algunos proyectos fielmente inspiardos en los edificios de la antigüedad romana que no llegó a ejecutar personalmente o quedaron inacabados. En la fachada del Hospital de los Inocentes aplicó estos principios al exterior de un edificio y así amplio el concepto de perspectiva. con arcos de medio punto. Se inspiró en la arquitectura clásica y en otros edificios que en su tiempo se creían romanos para recrear el estilo clásico. La Iglesia de San Andrés de Mantua evoca los arcos triunfales y la entrada del Panteón: equilibra la combinación de arcos y dinteles y. El templo que proyectó para Segismundo Malatesta. pilastras acanaladas. b) Leon Battista Alberti. y la recuperación de los órdenes clásicos. Destacó la importancia de la fachada de los edificios y su relación con el espacio urbano. en la que los dos cuerpos de la iglesia quedaban unidos por dos grandes ménsulas decorativas.

en el sentido de hallar la gravedad de sus figuras. el paisaje y algo nuevo: la perspectiva. la luz. La búsqueda de la profundidad. En su Adán y Eva expulsados del Paraíso se enfrenta al tema del desnudo. El relato aúna en tres escenas que se suceden en el tiempo. Sus principales preocupaciones son el empleo de la nueva técnica de la perspectiva y la utilización de un solo foco de luz que da volumen a sus figuras.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 10. Junto con Brunelleschi y Donatello es considerado como uno de los fundadores del Renacimiento. la pintura renacentista se enriquece con otros: el paisaje. Dentro de los pintores del Quattrocento. a) TOMÁS MASACCIO. Las raíces de la pintura renacentista han de buscarse en el Trecento y en concreto en Giotto. asunto no permitido salvo en este tema. el contorno nítido lo que predomina. Destacan. etc. Todos los personajes están individualizados. una de sus características es la búsqueda de la belleza ideal. Masaccio añade a esta cualidad la búsqueda de la tercera dimensión. El volumen dado a las figuras por medio de la luz y el color. interesados por la gracia. la belleza. En cuanto a la técnica. En cuanto al tema: en el centro aparece Cristo rodeado de los apóstoles. el desnudo. PIERO DELLA FRANCESCA Y BOTICELLI A principios del siglo XV se inicia en Florencia un proceso de renovación artística que plantea una ruptura con los principios formales del gótico. el volumen. Nació en Florencia y buscó su inspiración en Giotto. Las figuras se mueven en un escenario natural. LA PINTURA DEL QUATTROCENTO: MASACCIO. entres sus obras: -Los frescos de la Capilla Brancacci de la Iglesia del Carmine de Florencia.. Esta renovación está basada en la consideración de la cultura de la Antigüedad como un mito y un modelo a seguir. en la búsqueda de la tercera dimensión. aquí se incluyen a Masaccio y a Piero della Francesca. Eva con la boca entreabierta muestra su dolor. entre ellos se encuentra Botticelli. hemos de distinguir entre los pintores hedonistas. En la Florencia del Quattrocento es la línea. las 2 laterales se subordinan a la central. Hace un estudio de la anatomía humana y de las emociones: Adán oculta su rostro con un gesto de vergüenza. AITOR GARCÉS MANZANERA © 23 . podemos observar las características que definen el arte del Renacimiento: el estudio de la figura humana. Narra el episodio evangélico que le da título. por agradar al espectador. En cuanto a los temas: aunque el tema religioso continúa siendo muy importante. -En su obra el Tributo de la Moneda. Y los pintores científicos. al a derecha San Pedro pagando el tributo y a la izquierda el lago y el pez con el óbolo. y recibe el nombre de Renacimiento. Paolo Ucello lo consideraba como una manifestación de la belleza. mientas que los venecianos se preocupan más por el color. mediante el estudio de la perspectiva científica. Las figuras visten amplios mantos lo que le da un gran volumen. el dibujo es fundamental en los pintores florentinos. que es horizontal y no ascensional. de la tercera dimensión. su colocación en un solo plano es una imitación del arte de los sarcófagos romanos. El tema ha influido notablemente en Rafael y en Miguel Ángel (Capilla Sixtina). la luz dota a las figuras de este volumen. la arquitectura del fondo presenta la búsqueda de la profundidad mediante la perspectiva propia del Quattrocento. el tema mitológico.

quizás porque Botticelli se preocupa por agradar al espectador. Dios Padre. Es su obra mas imporante. Discípulo de Fran Angélico. ambos de perfil. A los lados de la cruz aparece el tema medieval de los donantes. Los personajes de primer plano son contemporáneos del pintor. Prácticamente olvidado después de su muerte es redescubierto a principios del siglo XX como uno de los mejores pintores del Quattrocento. en la base de la cruz. Se le considera un precursor del tenebrismo. En el fondo la iglesia de San Andrés de Mantua. pero muy diferente a él. creando diversos planos de luz y sombra. Boragine. Sus principales obras son: -Madonna de la Misericordia. -En la Madonna del Huevo. En el Sueño de Constantino muestra un sabio empleo de la luz nocturna. b) PIERO DELLA FRANCESCA.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD -En su obra Santísima Trinidad de Santa María Novella de Florencia. Masaccio fue el gran inspirador de los pintores del Renacimiento. una luz diáfana que inunda todo el cuadro. -Flagelación de Cristo. Gran parte de las últimas obras las hizo trabajando en la corte Humanista de Federico de Montefeltro. Muestra su capacidad para el manejo de la luz. Es algo posterior a los AITOR GARCÉS MANZANERA © 24 . es lo que se conoce como perspectiva soto in su. El tema principal aparece en segundo plano. que será muy utilizada en el Barroco. San Juan y la Virgen. Fue un trabajador lento y cuidadoso que a veces aplicaba paños mojados sobre el yeso durante la noche para poder pintar más de un día en el mismo sector. Hoy es probablemente el más popular de los pintores del Quattrocento. Destaca sobre todo el estudio de la luz. que deja en oscuro el primer plano del soldado mientras crea espacios intermedios iluminados. El punto de fuga está bajo. Detrás un calvario: Cristo Crucificado. aparece una arquitectura renacentista fingida. crea efectos de luz artificial y sus figuras están una especia de atmósfera luminosa. combinando la lucidez matemática y la belleza de la luz y el color. en Urbino. -El retrato de Federico de Montefeltro es un díptico con los esposos enfrentados. c) SANDRO BOTTICELLI. Representa a la Virgen que cobija bajo su manto a los devotos. Esta iconografía es gótica. con bóveda de casetones como en el Panteón. crea un marco arquitectónico clásico y tiene un gran dominio de la perspectiva sobre elementos de la arquitectura de Alberti. Destaca la maestría en el manejo de la luz. Es la más antigua obra que conocemos suya. El tema de la Santa Cruz está tomado de la Leyenda Dorada de J. Estudió la obra de sus antecesores y completó los descubrimientos de estos artistas para crear un estilo monumental. -Frescos sobre la Leyenda de la Vera Cruz. Parece que el español Pedro Berrugete pintó las manos de Federico de Montefeltro. Sus principales preocupaciones son dos: la perspectiva y la luz. es una obra enigmática que ha dado lugar a diversas interpretaciones. -Bautismo de Cristo. De Montefeltro). Nació en la región de Umbria pero trabajó sobre todo en Florencia y Urbino. en primer término aparece el donante (Fed. las figuras de Cristo y San Juan se recortan sobre un paisaje plenamente renacentista.

a menudo mitológicos. Destaca la importancia del color que capta las calidades del mármol. sentimentalista. cuyas figuras personifican alguna verdad moral o metafísica. de línea muy elegante. El neoplatonismo motivó las grandes composiciones de contenido profano. A la izquierda se representa a los vientos. fue discípulo de Filippo Lippi. Venus nace de la espuma del mar que se acumuló en torno a los genitales del dios Urano. temas alegres y mitológicos. El marco arquitectónico presenta pinturas alegóricas de las virtues en los nichos. confiada en su triunfo final. El tema representa a Midas con orejas de Asno (mal juez). salvo una ausencia de un año en la que ayudó en la decoración de la Capilla Sixtina. No le preocupan las conquistas técnicas. -Minerva y el Cenaturo. -Nacimiento de Venus. Chastel dice que es el mejor modisto de la historia. Sus temas. la madera y la piel de los personajes. la Envidia arrastra al inocente. AITOR GARCÉS MANZANERA © 25 . Dado que los neoplatónicos consideran la belleza como una muestra de la Divinidad no resulta blasfemo utilizar el mismo rostro para Venus y para la Virgen María. Se le ha dado una interpretación de acuerdo con la filosofía neoplatónica: las ideas para ser captadas por el hombre han de chocar con la materia. (Diapositiva de selectividad. frente a él la Calumnia es coronada por la Traición y el Engaño. sentado entre la Ignorancia y la Sospecha. Botticelli sucumbió a los sermones de Savonarola y se arrepintió de sus pinturas Paganas. Envuelta en negros vestidos aparece el Remordimiento y más allá la figura desnuda de la Verdad. según Vasari. Es una representación según la Teogonía de Hesíodo. Merece destacarse su vestuario. En su obra se distinguen dos etapas: hedonista. ha de añadirse más información aquí). Por su temperamento pertenece a la tendencia artística de finales del siglo XV que reaccionó contra el naturalismo científico de Masaccio y restableció algunos elementos del gótico como la línea delicada y un cierto sentimentalismo.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD anteriores pintores. su arte se caracteriza por el predominio del dibujo. Casi toda su vida transcurrió en Florencia. Es un tema mitológico que trata de ser una reconstrucción de la pintura de Apeles. -Tondos de tema religioso: Madonna de la Granada. en el centro Venus (encarna la idea de Humanitas) y a la derecha aparece la primavera con un manto de flores. están muy relacionados con la mitología y el neoplatonismo. -La calumnia de Apeles. -La Primavera. con mayor expresión de los emociones.

ante la noticia que Cristo ha dado de que alguien lo va a traicionar. Se ha dicho con frecuencia que fue discípulo de Perugino. Fue discípulo de Verrocchio y se le atribuyen los ángeles de su Bautismo de Cristo. En el siglo XVI (llamado Cinquecento) Florencia pierde la primacía artística a favor de Roma. tanto de las artes como de las ciencias. Pintada en Florencia. pero también es cierto que desde muy joven trabajo independientemente. pero si se compara con alguno otro de este autor se vera la clara AITOR GARCÉS MANZANERA © 26 . La luz es un elemento fundamental que crea profundidad y va a ayudar a difuminar el contorno de los personajes con la técnica magna de Leonardo. ennobleciendo su figura (en su cabeza se encuentra el punto de fuga). De esta obra se conservan dos versiones. Leonardo es un científico que se ocupa de diversas ramas del saber. La composición es piramidal. Vivió mucho tiempo en Milán en la corte de Ludovico Storza. con modelos humanos perfectos. a) Leonardo Da Vinci. Hacia 1500 trabajó también en Florencia y finalmente aceptó la invitación de Francisco I para trasladarse a Francia. Utiliza la técnica del sfumato. en el que las montañas se tornan azules. Somete al dibujo a un efecto de difuminado (sfumato). donde la cultura del Renacimiento había encontrado uno de sus principales impulsores. fueron publicadas a través de notas en el siglo XVII como Tratado de la Pintura. Federico de Montefeltro. no simplemente como un artesano habilidoso. que se recorta sobre la luz del fondo. Su padre. Nació en la pequeña ciudad de Vinci. Las figuras se disponen en triángulo sobre un fondo neblinoso. en el que las figuras aparecen en grupos de tres. es el prototipo de hombre renacentista. la segunda sin acabar. Utiliza la perspectiva aérea al colocar un foco de luz al final del paisaje. Piero. (diapositiva selectividad). era notario de Florencia y Leonardo nació de una relación ilegítima con una campesina. Plasmación del concepto de armonía: adecuación del aspecto físico y las emociones internas. Nació en Urbino. pese a que buena parte de los grandes artistas son nacidos en Florencia. Es un maestro de la composición (piramidal) y en el manejo de la luz. pero no simétrica. La actitud de éstos contrasta con la serenidad de Cristo. Utiliza la agrupación piramidal típica del alto Renacimiento. máquinas voladoras y dirigió fortificaciones y canalizaciones. -Los desposorios de la Virgen es una de sus obras juveniles. b) Rafael Sanzio. Destaca el paisaje irreal de fondo. evitando así la monotonía y captando emociones diferentes. donde murió. -La última cena. Además de pintor. MIGUEL ÁNGEL Y LEONARDO.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 11. Se encuentra en muy mal estado por haber sufrido en su conservación y por los pigmentos experimentales que utilizó el pintor. Sus escritos sobre pintura ejercieron una gran influencia sobre otros pintores. El fondo es un paisaje ideal. de acusada composición geométrica y equilibrada. Entre sus pinturas destacan: -La Anunciación. El tema principal es las tres edades del hombre. -La Virgen y el Niño con Santa Ana. Cristo aparece silencioso y el resto de figuras en un aire de revuelo y sorpresa. -La Gioconda. se suele indicar que este cuadro esta realizado bajo la influencia de Perugino. Vasari cuenta que Verocchio dejó de pintar al ver que su discípulo lo hacía mejor que él. idealizado. por medio de contrastes entre luz y sombras. Fue un artista muy interesado en la formulación de dicha idea. lo que crea profundidad. dando un aire enigmático a sus figuras. -La virgen de las rocas. donde diseñó sobre todo ingenios bélico. El cuadro se compone de una rigurosa perspectiva geométrica. LA PINTURA DEL CINQUECENTO: RAFAEL. Muestra la gran habilidad para la composición de grupos estrechamente interrelacionados con las miradas. conocido como El Moro.

Al igual que la arquitectura y escultura. Pinta las sagradas figuras como seres humanos sanos y fuertes. tenemos la Stanza della Segnatura (diapositiva). Como ejemplo. Entre sus madonas. En todos capta las calidades de las tela. al período florentino pertenecen sus principales representaciones de la Virgen y el Niño. en cuyos recuadros encierran diferentes escenas del Génesis. La arquitectura se coloca en el centro de la composición. Murió prematuramente con 37 años. Posiblemente de Leonardo adopta la composición triangular. En el espacio central de la Sixtina hay 9 escenas. El Estudio iconográfico es muy complejo. en los retratos de B. Ha sido modelo de muchos pintores e ideal de todas las academias. Sobre un fondo de paisaje ideal la Virgen. con una gran serenidad interior. de plan centrado. La obra es un canto al desnudo. como la gran Transfiguración que dejo inacabada. del Papa Leon X o este del cardenal de nombre desconocido. su fama es tan grande que el papa Julio II lo llama a Roma para pintar los frescos de las estancias papales. terciopelo. a los valores plásticos de sus figuras. y mucho menos importancia al paisaje o al color. que es una de sus primeras pinturas. etc. Sus últimas obras. es otro de los ideales del Alto Renacimiento. los escorzos y movimientos contenidos. Continuó su obra en Roma hasta su muerte. En frente de la famosa Escuela de Atenas se encuentra la llamada Disputa del Sacramento. el Niño y San Juan forman un conjunto piramidal. donde destaca su estudio de la luz y la composición. c) Miguel Ángel. por lo que buena parte se atribuye a su taller. y hubo de realizar su obra maestra. 4 de grandes dimensiones que representan momentos memorables del Génesis. Miguel Ángel concede sobre todo importancia al dibujo anatómico y al volumen (muy influido por el tratamiento de las masas de Masaccio). destaca La Bella Jardinera. pero además capta las cualidades psicológicas centradas en la mirada penetrante del retratado. Sintiéndose en primer lugar un escultor. -Retrato del Cardenal. Así se enfrentan la Teología a la filosofía. Los desnudos del fondo han sido muy criticados por la mezcla de un tema sacro y otro profano. AITOR GARCÉS MANZANERA © 27 . El techo de la misma está dividido en compartimentos separados por arquitecturas fingidas. la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina. Emplea el escorzo violento más propio de la escultura. Su obra es enorme. Rafael pintó también numerosos retratos que rivalizan con Tiziano en riqueza de colorido. Empezó trabajando en Florencia donde estuvo influido por Leonardo y Miguel Ángel. En sus últimos años alternó pintura y arquitectura. -Madonna del Jilguero es una de sus madonas. tafetán. El que el niño aparezca detrás es un elemento nuevo. es decir. con solo 24 años. Marchó a Roma por orden del papa Julio II. Por antonomasia es pintor de Madonnas. por ejemplo. Castiglioni. En 1508. aunque no se sabe si volvió por una estancia breve a Florencia. Miguel Ángel también cultivó la pintura en la que ejerció una influencia capital. a menudo le interesan los músculos tensos. Después de la muerte de Bramante se convirtió en el arquitecto de San Pedro. ha sido fuente de inspiración de artistas menores y de otros importantes. A ambos lados aparecen figuras monumentales de Profetas y Sibilas y completan el cuadro jóvenes desnudos en las esquinas de los temas centrales. recibió el encargo mural de la Batalla de Cascina donde rivalizó con Leonardo.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD diferencia y la maestría de Rafael. Ambos tienen sus manos y sus miradas puestas en el Niño. pero ninguna de las 2 composiciones fue acabada. Poco después de acabar el David. En 1501 pintó el Tondo Doni. una serie de cartones para tapices muestran ya rasgos que prefiguran el manierismo.

el creador infunde vida en el ser Humano con el contacto de su dedo. -Juicio Final (trabajo encargado en su madurez. Las sibilas eran mujeres sabias y sacerdotisas a las que se les atribuye un espíritu profético. La figura de la Sibila Délfica es una de las más conocidas del techo. aunque este parece alejarse y no hacer el esfuerzo.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD En la Creación de Adán. AITOR GARCÉS MANZANERA © 28 . El busto de la sibila aparece erguido. Aparecen en la bóveda de la capilla alternándose con los profetas. la cabeza vuelta con un gesto impetuoso. hablar de él con la información del libro de Diapositivas).

el resto apenas se ha comenzado a devastar. pero aprendió mucho mas de los frescos de Giotto y de Masaccio. La escultura demuestra una absoluta maestría técnica. la perfección de sus formas contrasta con la torsión de la figura del niño. Moises es la imagen de la ira y de la decepción. Poco después de acabar el David recibió el encargo del mural de la batalla de Cascina donde rivalizó con Leonardo (Batalla de Anghiari). pero su verdadera pasión era la escultura. -Pietà. pero ninguna de las dos composiciones fue acabada. donde esculpió el David y probablemente pintó el Tondo Doni (Uffizi). Representan el esfuerzo de liberarse de la prisión del cuerpo hacia una realidad trascendente. El rostro se ha interpretado tanto como un autorretrato como un retrato de Julio II. nadie había representado mejor el desnudo masculino). por el artista. Adoptó una solución del hombre maduro yaciendo muerto en el regazo de una mujer joven. Era muy apasionado por ella. ligeramente inclinado. su terribilità. La composición es piramidal. Es su única obra que aparece firmada. Originalmente fue concebido con enorme grandiosidad pero sufrió recortes por contratos sucesivos de los herederos del Papa al monumento levantado en San Pietro in Vincoli. Entró a trabajar en el taller de Ghirlandaio durante tres años. Pese a ser figuras secundarias se han convertido en protagonistas del espíritu atormentado del artista. por nacer. el hacerla brotar. Es un bajorrelieve que cumple las normas del clasicismo. no muestra señales de sufrimiento pero sí una gran humanidad. en esta como en otras. LA ESCULTURA DE MIGUEL ÁNGEL Miguel Ángel era principalmente escultor. influyó sin duda en esta obra. de los músculos. Julio II encargó a Miguel Ángel los frescos de la Capilla Sixtina y remodeló la plaza del Capitolio. El dramatismo de Lacoonte. contrarrestada por la figura quebrada de Cristo. sobre todo masculina. Son la expresión del tormento que agita el alma de Miguel Ángel. El Papa Julio II lo llamó a Roma en 1505 para que esculpiera su sepulcro. descubierto en este tiempo. De Florencia pasó a Roma. Su rostro.A evolucionó hacia nuevas concepciones que se enmarcan dentro de Manierismo. A los 28 años (1501) volvió a Florencia. Entre 1505 y 1545 tiene lugar la fatigosa experiencia de la tumba de Julio II. Esculpido en Florencia cuando apenas contaba dieciséis años. María es más joven que su Hijo. -David (Los florentinos lo apodaron el Gigante y lo interpretaron como un símbolo de la propia Florencia. De las figuras laterales del Sepulcro de Julio II. La figura de Cristo es más patética. Durante su estancia en Roma. y ese era su principal cometido. Fue planeada como la capilla funeraria de la familia.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 12. El Estudio del Cuerpo humano. Desde el Arte Griego. y un bloque rudo y frío era visto por él como una escultura que luchaba por salir. ya que Michelangelo quedó maravillado por esta escultura helenística. el modelo de la virgen es claramente pagano. pero este AITOR GARCÉS MANZANERA © 29 . -Capilla Medici. -Moisés (1515) Simboliza la dramática representación de la fuerza humana en el momento de desencadenarse. Después de los frescos de la Capilla Sixtina el arte de M. sólo los dos esclavos del Louvre están lo suficientemente esculpidos. desilusiones y dramas. -Madonna della Scala. en la cinta que cruza el pecho de la Vírgen se lee: Michelangelus Bonarrotus Florentinus Faciebat. sólo el Moisés es de su mano. aunque fue forzado a realizar otras artes. se muestra así eternamente Virgen. Es la única escultura terminada de la tumba de Julio II. es de una belleza perfecta. -Esclavos. donde en 1498 esculpiría la Pietà. está representado en elmomento de contemplar la adoración del becerro de oro. demuestra el dominio de la anatomía. llena de ilusiones.

AITOR GARCÉS MANZANERA © 30 . En su estancia en Roma se le encargó el Juicio Final para la Capilla Sixtina.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD proyecto fue abandonado cuando los Medicis fueron expulsados de Florencia en 1527 y reanudado a su vuelta de 1530. El Manierismo se ha impuesto y la armonía del cuerpo se rompe a favor de los valores del espíritu. y para la vida contemplativa otras dos la Aurora. Todo el confiado humanismo del techo se convierte en dramatismo en el testero. que empezó en 1536. de la inutilidad de sufrimiento. con su gesto de lento despertar simboliza la juventud. la armonía de las proporciones clásicas se rompe a favor del dramatismo. para la vida activa hay dos figuras el Día y la Noche. Se planteó como unión de escultura y arquitectura. Lorenzo aparece reflexivo y nostálgico. Ambos miran hacia la Virgen del Altar. -La piedad Rondanini. Entre el techo y el frontal hay un gran salto. y contiene su autorretrato en la figura de Nicodemo y la de Milán: Piedad Rondanini. Miguel Ángel renuncia a los cánones del clasicismo. La misma ruptura de las proporciones y de la regularidad a favor de la tensión y de los efectos dramáticos y patéticos que hay en el Juicio Final se encuentra en esta obra. a sus pies descansan el Crepúsculo y la Aurora. Debajo cuatro figuras alegóricas. Otras dos esculturas sobre el tema de la Pietà realizó aún Miguel Ángel: la de la catedral de Florencia estaba ideada para su propia tumba. y hasta 1934 en que Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma. de rostro inacabado es símbolo de la amargura. Las figuras de Giulano y Lorenzo de Medici en las tumbas de los muros simbolizan la vida activa y la vida contemplativa. En el aspecto formal. la juventud de Miguel Ángel se ha esfumado y el horror del saco de Roma (1527) está presente. del lado opuesto Giulano de Médicis. mucho más vivaz ha sido interpretado como la encarnación del déspota ambicioso y violento. y el Crepúsculo.

La columnata simboliza los brazos de la iglesia que acoge a sus fieles. La falta de bronce para tan grande obra hizo que no se vacilara en fundir los bronces del Panteón. Aquí Bernini utiliza la arquitectura como una imnmensa escultura. disminuye el efecto de sorpresa querido por Bernini. Bernini recuperó el favor papal. La fachada es de un clasicismo purista. Por encargo de este decoró el ábside de San Pedro del Vaticano con el grupo de los Padres de la Iglesia sosteniendo la Cathedra Petri. Iglesia de un noviciado jesuita debía responder a exigencias propias. por lo que se dijo del Papa Urbano VIII: “Quod non fecerunt Barbari. volutas invertidas se unen en el centro y lo corona una cruz. -Columnata. como la fuente de los cuatro ríos de la Piazza Navona. Piero. sin duda. es decir. Franqueada la puerta de un solo vistazo se tiene la visión de un conjunto de la Iglesia. Bernini pasó a segundo plano. Bernini erigió un baldaquino. que se acentúa con la apertura de la moderna Via de la Conciliazione. sin embargo. En este caso presenta ventajas sobre la columna recta. como es la presencia de capillas laterales. por lo que la primitiva formación de Bernini es el trabajo del Mármol. fue escultor manierista en Nápoles y Roma. Reunió en él dos cualidades aparentemente inconciliables: inmensidad y ligereza. Bernini realizó importantes edificios. bajo la cúpula aparecía un inmenso espacio vacío. Con respecto a las obras procedentes de la arquitectura de Bernini. con el nuevo papa Alejandro VII. cuatro columnas salomónicas en bronce suben hasta un armazón adornado con una cortina con borlas. En el centro de la Basílica. es el mayor arquitecto del barroco en cuanto a invención decorativa. Sobre pedestales de mármol con las abejas del escudo pontificio. En razón de las proporciones del edificio. la iglesia parece más alta y menos ancha. fecerunt Barberini”. Comenzó colaborando con Maderna y Bernini. se asocia con la cúpula como si los primeros constructores lo hubiesen pensado en el proyecto original. aunque se le encargó la realización de otras obras. más conocido por su sobrenombre Borromini. Es una iglesia de pequeñas dimensiones pero una de las creaciones más sofisticadas. llenar este hueco era trabajo no de decoradores sino de un arquitecto. como el Palazzo Chigi-Odescalchi y Sant’Andrea al Quirinale. Tras la muerte de Inocencio. que es de planta elíptica. Al colocar junto a ella un elemento más largo pero menos alto. hizo en bronze de colosales dimensiones el dispositivo de tela que solía cubrir el Santo Sacaramento en las procesiones. El Baldaquino es un elemento esencial de la basílica. Corrige de la fachada ciertos elementos que encuentra pesados. que permita a los padres hacer muchas misas por la mañana.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 13. como la de acentuar el movimiento. Sant’Andrea es un buen ejemplo para demostrar que Barroco y Clasicismo no son dos estilos impenetrables. Utiliza las plantas y las formas ornamentales más AITOR GARCÉS MANZANERA © 31 . le antepone un pequeño pórtico curvo que forma una especie de peristilo. pintor y escultor. -Sant’Andrea al Quirinal. de prevenir el efecto de masa. En las esquinas sitúa ángeles alados con colgaduras al viento. podemos destacar las siguientes: -Baldaquino. Como arquitecto. Con la subida de Inocencio X al poder. Alejandro VII también le encargó la columnata de la plaza de San Pedro comenzada en 1655. El empleo de la columna salomónica paso del baldaquino a convertirse en un elemento distintivo del barroco. pero a la vez. Pronto ganó reputación de ser el sucesor de Miguel Ángel. Francesco Castelli. Su padre. LA ARQUITECTURA BARROCA: BERNINI Y BORROMINI Gian Lorenzo Bernini fue arquitecto. la máxima figura del Barroco italiano.

En el centro se eleva una esbelta cúpula a imitación de la de San Pedro. -Santa Agnese. De todos los artistas de su tiempo es el que más se abandona a su fantasía. que olvida todo el rigor clasicista. Opone curvas y contracurvas y la corona con una cúpula original en forma de hélice. Destacamos entre sus obras las siguientes: -San Carlo alle Quattro Fontane. Sus iglesias son a menudo pequeñas. lo que fue considerado a veces como extravagancia. Iglesia de convento muy pequeña.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD inverosímiles. El efecto cóncavo de la fachada mueve la cúpula hacia delante de suerte que parece más cerca de nosotros. 16 columnas rodean este óvalo consiguiendo un efecto de movimiento en la pared. AITOR GARCÉS MANZANERA © 32 . Al mismo tiempo. Dota a asus obras de un enorme dinamismo en cuanto a las curvas. Las columnas son gigantes y el entablamento se adapta dócilmente a la sinuosidad de la pared. pero también ondulante. y las laterales se retraen. que son exentas. La fachada es cóncava y a los lados tiene dos campaniles calados. Llevó sus audacias mucho más lejos que Bernini. El interior es de planta oval. en las que reina un clima de recogimiento e intimidad. En la fachada maneja los espacios curvos con gran soltura acusando las cornisas y destacando las columnas. La fachada queda convertida en una superficie ondulada cuya parte central avanza de forma convexa. -Sant’Ivo alla Sapienza. en la que tan estrecho espacio obtuvo extraordinario efecto de gracia. la luz juega con estas paredes ondulantes y garantiza su perpetua renovación.

surge un esqueleto anunciador levantando un pesado cortinaje. sin que haya nada forzado ni ridículo. las imágenes de las virtudes practicadas en vida le sirven de valedoras. A cada lado las figuras de las virtudes en mármol blanco. abajo la urna que debía contener su cuerpo. Todas las de la galería Borghese de Roma. -Apolo y Dafne. se trata del culto a la santa Lanza. El desequilibrio de la figura o el rostro deformado por el esfuerzo nos indican que se trata de una obra barroca. Dos figuras masculinas y dos femeninas decoran las hornacinas de los grandes pilares del crucero de San Pedro. Su padre. el cuerpo de David se gira al tomar impulso para lanzar la honda. El rostro presenta las cejas fruncidas. la máxima figura del Barroco italiano. Tras la elección de Maffeo Barberini como para Urbano VIII. la mano izquierda sostiene la lanza. Bernini retomó el tema clásico de la composición en forma de pirámide. Es una obra de juventud: Bernini tenía 22 años. y exhibe un reloj de arena a punto de consumirse. sin duda. La captación del movimiento es otra de sus características: Apolo que corres tras la ninfa acaba de alcanzarla y ésta que gira la cabeza. se muerde el labio inferior mientras mira fijamente y con violencia a su adversario. El Papa le encargó el Baldaquino sobre el altar mayor. reza ignorante de lo que sucede a su alrededor. frontera entre la vida y la muerte. etc. que había buscado y encontrado la Cruz en que Cristo había muerto. situado en la parte inferior. Destaca especialmente la representación del movimiento. -Tumba de Urbano VIII. Bernini toma algunos caracteres de la tumba de Urbano VIII pero con menor intensidad. a esta serie pertenecen su Apolo y Dafne. La parte inferior está formada por amplios nichos que pueden contener estatuas de hasta 5 metros. Bernini se convirtió en el principal artista de la corte pontificia. es decir. -Tumba de Alejandro VII. un esqueleto de bronce dorado se inscribe sobre el nombre de Urbano VIII. pero ya magistral. la metamorfosis de la ninfa se realiza ante nuestros ojos. Pronto ganó reputación de ser el sucesor de Miguel Ángel. Las figuras de la Caridad y la Verdad contemplan la tumba abierta. De un sepulcro. de las cuatro la única de Bernini. -David. Anquises y Ascanio. Evoca al soldado romano que había hecho brotar del corazón de Cristo agua y sangre. se transforma en árbol de laurel según el pasaje de Ovidio. Arriba la estatua del Papa sentado en actitud de bendición. El Papa aparece arrodillado sobre un cojín. mientras el Papa. la tiara depositada cerca de él. La tumba está considerada como el arquetipo de sepulcro barroco.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 14. sereno. Aparece con los brazos abiertos. San Andrés y San Longino. casi oculta en un pliegue de la capa. Piero. La tumba debía situarse en un nicho del ábside de San Pedro. la emperatriz Elena. Está situada en el interior de la Basílica de San Pedro. convirtiéndose los cabellos y la mano en hojas y la pierna en corteza. El rostro de Apolo recuerda al Apolo de Belvedere. La continuación de lo mitológico es una herencia del Renacimiento. En esta obra. La parte superior presenta un balcón y otro nicho más reducido. por lo que la primitiva formación de Bernini es el trabajo del Mármol. es el momento del suspiro final. Las figuras de la parte inferior son la Verónica. A la muerte de Urbano VIII Bernini cayó en desgracia. pintor y escultor. Se cuenta que el rostro es un autorretrato del escultor. Rapto de Proserpina. fue escultor manierista en Nápoles y Roma. Para el cardenal Scipione Borghese realizó una serie de estatuas de tamaño natural en el que muy pronto demostró su maestría y su ruptura con respecto a las tradiciones tardorenacentistas. Es otra obra de su juventud. LA ESCULTURA BARROCA: BERNINI Gian Lorenzo Bernini fue arquitecto. -San Longinos. en parte por los gustos AITOR GARCÉS MANZANERA © 33 . David. El Papa está representado sorprendido por la muerte.

Tras la muerte de Bernini. A pesar de las similitudes con la Santa Teresa. el papa Inocencio X le encargó algunas obras como un busto con su retrato y la Fuente de la Piazza Navona. Por encargo de este decoró el ábside de San Pedro del Vaticano con el grupo de los Padres de la Iglesia sosteniendo la Cathedra Petri. pero diferente de éste. Representa el beneficio del agua. Bernini recuperó el favor papal. Es la más famosa y espectacular de las fuentes de Bernini. sus proporciones son similares a las estatuas de los pilares. Bernini se encargó de solucionar el problema de qué decoración colocar sobre el fondo de la iglesia. levanta la pesada túnica que viste la santa. que distribuyen los grandes ríos de las 4 partes del mundo. como en este caso. El viento todo lo envuelve. El conjunto es una composición llena de movimiento. no el éxtasis. Aún quedaba un amplio espacio superior. respresenta el último espasmo de la muerte. En 1655 Luis XIV de Francia llamó a Bernini a París para construir un ala del Palacio de Louvre. Se conservaba como reliquia un asiento que afirmaba que San Pedro usó en sus reuniones con los primeros cristianos. Tras la muerte de Inocencio. pero hoy su prestigio es muy grande. Es una muestra perfecta de la fusión de arquitectura. Sus obras religiosas tardías muestran una gran devoción como la Beata Lodovica Albertoni. Inocencio X. el gusto neoclásico rechazó sus planteamientos. un caballo y baña el pie de una palmera. como el mayor escultor desde Miguel Ángel y un gigante de la arquitectura barroca. El Nilo tiene su cabeza velada porque se desconocían sus fuentes. las alas de los ángeles. que favoreció a su rival Algardi. de ese periodo es su Éxtasis de Santa Teresa. pero su diseño no tuvo éxito. Cuatro Padres de la Iglesia sostiene este inmenso relicario en forma de sillón. escultura y pintura. en el que coloca una decoración adherida a la pared. De un simulacro de montaña el agua brota y alimenta a un león. el monumento se imaginó como un relicario.etc. en medio de una ventana circular. Bernini tenía bajo sus órdenes un equipo de alumnos y ayudantes que trabajaban a partir de sus dibujos. Durante el papado de Inocencio X Bernini trabajó para clientes privados. AITOR GARCÉS MANZANERA © 34 . con la llegada del nuevo Papa Alejandro VII.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD artísticos del nuevo Papa. -Fuente de los Cuatro Rios. produciéndole a la vez dolor y dulzura. Sin embargo en el ángel los críticos ven en su sonrisa un mensajero de cualquier amor. Es expresión del amor divino: la santa flota en el espacio apoyada en una nube. Se eligió un monumento a la memoria de Pedro. Bernini se inspira en los testimonios de la Santa que en su autobiografía explica una visión del éxtasis. Volvió a Roma en 1666 y allí continuó su actividad hasta su muerte. el ángel porta la flecha que ha de atravesar su pecho. es una visión del cielo. -Éxtasis de Santa Teresa. Su talento de arquitecto decorador y escultor entraron en juego. Por sus dimensiones era preciso un edificio tan alto como el baldaquino. desde las estatuas que parecen avanzar hacia la nave. No obstante. Esta sirve de base a un obelisco. Este fondo ilusionista gana aún en intensidad dramática visto entre las columnas del baldaquino. que se convierte en un elemento decorativo de la ciudad. un cocodrilo. La ciencia del arquitecto se aplica para la construcción de una fuente. -Cátedra de San Pedro. pasa la luz y revela en su centro la paloma del Espíritu Santo. como un sol en las nubes. una luz dirigida por rayos cae desde lo alto.

costumbristas. probablemente un soldado. De 1629 a 1631 visitó Génova. o simplemente representa una alegoría de la sed. poseedor de una técnica prodigiosa. PRIMER VIAJE A ITALIA. Venecia. pinta hombres reales y no dioses idealizados y refleja sus distintos rostros. PRIMERA ETAPA SEVILLANA. 1. Marchó a Madrid donde fue pintor de cámara de Felipe IV. Su estancia le llevará al abandono del tenebrismo y la preocupación por el color y la perspectiva aérea. En esta etapa pinta retratos al modo de Tiziano o Antonio Moro y también temas mitológicos. Destaca la sabiduría de la composición y la iluminación del recinto cerrado. su esposa Venus le es infiel con Marte. herencia de Caravaggio. El Tema costumbrista es importante en su etapa sevillana. Felipe IV lo nombra pintor de cámara. se ha dicho de él que pinta el aire. En esta etapa trabaja como pintor tenebrista. con cuya hija contraería matrimonio. En 1628-1629 Rubens visitó España en misión diplomática. Pintó todos los temas: retratos de corte. Antes que la propia escena lo importante es la captación de los valores táctiles de los objetos. así como la transparencia del cristal y el agua de la copa. -La Fragua de Vulcano. A la izquierda. 2. e incluso de la amistad del propio Felipe IV. El rey le dio permiso. El estudio de la pinacoteca de los Austrias y los dos viajes que hizo a Italia hacen de él un genio universal. 3. Los dioses están tratados como seres humanos. Velázquez ha interpretado el mito con cotidianidad. acompañado de otro joven. también desnudo. A los 11 años ingresó en el taller de Pacheco. aunque la composición se enriquece con la presencia del paisaje. LA PINTURA BARROCA: VELÁZQUEZ Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nació en Sevilla y trabajó en el taller de Francisco Pacheco.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 15. El rostro de los personajes refleja la sorpresa y la incredulidad. Los contrastes luminosos y el naturalismo de los personajes son herencia del tenebrismo. mientras este trabaja rodeado de los cíclopes. Baco semidesnudo. a contraluz. Pronto dejó los preceptos de su maestro para quién el dibujo era la base de la pintura y buscó un arte mas vivo. el Conde-Duque de Olivares. Nápoles y sobre todo Roma. Cada figura se ilumina de una forma distinta por la claridad que entra por la izquierda. El movimiento de los personajes está como congelado. Escena costumbrista y bodegón. La luzmodela y hace destacar la figura del dios. resaltados con el uso de la técnica tenebrista y en los que supera los mejores bodegones de Zurbarán. -La vieja friendo huevos. el contacto con Rubens revivió el deseo que Velázquez siempre había tenido de ir a Italia. Escena mitológica tratada de modo casi burlesco: Apolo hace saber a Vulcano que. La composición es compleja y plena de diagonales. Este hecho le evitó los agobios económicos ya que no tenía necesidad de vender sus cuadros para vivir y siempre podía retocarlos. la perspectiva y la atmósfera que rodea las figuras. en el que incorpora los valores del bodegón. A Velázques le AITOR GARCÉS MANZANERA © 35 . magnífico bodegón. religiosos. El dominio de la luz es una de las características de esta primera etapa. Destaca la calidad de la iluminación y el tratamiento de todos los objetos. PRIMERA ETAPA MADRILEÑA. -Los borrachos o el triunfo de Baco. Con el apoyo de su suegro y el aval de personalidades relevantes de Sevilla se traslada a Madrid. Destacan sus estudios de los problemas de la luz. Destaca especialmente el estudio del volumen del cántaro del primer plano. -El Aguador de Sevilla. Se ha creido ver esta obra una alegoría de las tres edades del hombre: un viejo tiene la copa del conocimiento a un niño. una batalla e incluso temas mitológicos y el desnudo. corona con hojas de vid a uno de los bebedores que le acompaña. mientras el mozo del fondo bebe con avidez. otra figura nos sirve de referencia espacial. según Palomino. Allí va a gozar del favor del valido del Rey. De ésta época es la Túnica de José y la Fragua de Vulcano.

donde se querían plasmar diversas escenas de la hegemonía de la dinastía Habsburgo. tendiéndole la mano. El verde es el color preferido. pocos tienen el aspecto siniestro de este enano que alinea sus cortas piernecillas hacia el espectador. El príncipe tiene cinco años. que parecen demacrados. El paisaje del fondo corresponde a la sierra de Guadarrama. Francisco Lezcano. en donde se exhibiría con los retratos de sus antepasados. a la vez que dirige una mirada penetrante no exenta de tristeza. y los segundos aparecen con las picas bajas y desordenadas. Pintado para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. El cielo ocupa la mitad de la escena. Este retrato de composición muy barroca y algo adulador de la actitud heroica del personaje. quien entrega las llaves de la misma a Spinola. Pintó una gran serie de retratos reales y de la corte. Las décadas de 1630 y 1640 fueron el periodo más productivo de Velázquez.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD preocupa la representación del desnudo y las proporciones de la figura humana. Durante esta misma etapa siguió pintando cuadros religiosos y mitológicos. Respecto a Los Borrachos. por las tropas españolas mandadas por Ambrosio de Spinola. cabalga portando en la mano derecha la vara de general. en primer plano aparece Justino de Nassau. Entre los personajes grotescos de la corte de Felipe IV. los primeros con sus lanzas en alto. -Retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares. Es una perfecta galería de retratos. Velázquez no insiste en los detalles desagradables de la fisionomía del personaje sino que concentra la mirada del espectador en los ojos del retratado. se dispone sobre un amplio paisaje. Estuvo al servicio del príncipe BaltasarCarlos. SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA. vuelve su rostro al espectador. por otra parte los derrotados aparecen mejor vestidos que los españoles. El Fondo representa un paisaje nórdico reproducido con gran perfección. La diagonal del caballo crea sensación de profundidad. tras 2 años de asedio. en el que se acentúa la hondura psicológica. azul y oro. tratados magistralmente. se cree tradicionalmente que representa la batalla de Fuenterrabía. El conde-duque viste armadura y lleva banda de general. Está sentado teniendo como fondo una roca que permite ver a su derecha un paisaje en tonos grises. Se le conocía también como Lezcanillo o el enano vizcaíno por ser de esta provincia. -El niño de Vallecas. rostros individualizados. 4. aparece vestido de colores vivos y alegres: verde. Muestra un gran dominio a la hora de alcanzar la unidad ambiental entre el primer plano y fondo. En segundo plano aparecen soldados desfilando en un tonto algo azulado. También merece destacarse la representación de los objetos. defensor de la ciudad. consecuencia casi inevitable de una victoria tan costosa como esta. Este parece que ha bajado rápidamente del caballo para evitar la humillación del vencido. A derecha e izquierda aparecen vencedores y vencidos. AITOR GARCÉS MANZANERA © 36 . -El príncipe Baltasar-Carlos a caballo. -El bufón Don Sebastián de Morra. Extiende sus piernas hacia el espectador y lleva en sus manos naipes. Dedica una larga serie de cuadros a Felipe IV. su obra gana en matices luminosos y expresión de los rostros. La pincelada es gruesa y utiliza tonalidades más ricas que con el resto de los bufones. Es de notar que la ciudad no fue saqueada. El tema que se trata es la toma de la ciudad de Breda. pero en toda su vida solo pintó una batalla: -La rendición de Breda. La distribución de las figuras en el cuadro está muy pensada. que parece ser la sierra de Guadarrama. Esta obra fue pintada para la ornamentación del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro de Madrid. Velázquez no refleja claramente el rostro para paliar su expresión. que por los humos que se dibujan en la lejanía. La exagerada curva que Velázquez da al caballo se debe a que su colocación original sería como sobrepuesta. También son de esta época los bufones de la corte a los que considera dignos de respeto.

la enana Maribarbola y el enano Nicolasito Pertusato. Se anticipa aquí a la técnica del impresionismo. -Los jardines de la Villa Médicis. En 1914 sufrió un atentado al recibir 7 cuchilladas de un sufragista.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD Velázquez nunca estuvo en los Países Bajos y hubo de fijarse en obras de otros autores para poder realizarlo. como si no se reflejara una mujer concreta sino la idea de belleza. Los personajes miran al espectador como integrándolo dentro del cuadro y el contexto. incluso fue nombrado caballero de la orden de Santiago. Destaca el personaje de chaqueta blanca que no quiere reconocer la derrota. contrastando el rojo y el blanco de las vestiduras del papa. Sus últimos retratos reales son de la nueva reina Mariana de Austria y de los infantes. Los personajes están dispuestos frontalmente formando una línea ondulada. tendida de espaldas sobre un paño. que ha ejercido amplia influencia en Roma. Venus da la espalda al espectador que solo alcanza a ver un rostro borroso en el espejo. como la piel ante el primer término. pero algunos tratadistas creen que corresponden al primer viaje. En esta época pinta sus cuadros más importantes. Venus. En segundo AITOR GARCÉS MANZANERA © 37 . reflejando movimiento. Lo avanzado de la técnica hace que se les atribuya a su segundo viaje. y el preciosismo en el tratamiento de las telas. entre los que destaca el del Papa Inocencio X y también los cuadros de la villa Médicis. Reflejan elementos arquitectónicos renacentistas y esculturas inspiradas en la antigüedad. de perfil y de 3/4 . Velázquez siguió siendo objeto de honores. Se supone que la infanta Margarita y sus acompañantes irrumpen en la sala en la que Velázquez se encuentra pintando a los Reyes (reflejados en el espejo del fondo). 6. la infanta Margarita. Lleva a cabo una composición claramente barroca y muy inquietante. que apoya su pie en un mastín. Destaca la incisiva caracterización psicológica del personaje que hizo exclamar al papa “troppo vero”. es una auténtica galería de retratos. cuando Velázquez vivió en esa mansión. choca el gran espacio que ocupa el caballo de Spinola. Era un esclavo mulato de Velázquez. Son dos pequeños cuadros que han sido llamados por Lafuente Ferrari el Mediodía y la Tarde. de espaldas. El tema tiene algunos precedentes: las Venus acostadas típicas de los venecianos. La pincelada que realiza Velazquez en este cuadro es suelta. capta las variaciones lumínicas con pequeños toques de color. Pasó la mayor parte de su tiempo en Roma donde pintó varios retratos. Es sin duda una de las obras supremas del retrato universal. Velázquez realiza una síntesis. que también era pintor. Siempre se ha destacado la consecución de esta atmósfera nórdica: humo de la batalla entre las nubes etc. En sus últimos años en Madrid. 5. -La venus del espejo. El espectador cierra el cuadro. Cuadro de tema mitológico que representa a una mujer desnuda. SEGUNDO VIAJE A ITALIA. -Las Meninas o La Familia de Felipe IV. El cuadro pertenece a la National Gallery de Londres. -Juan de Pareja. también hay ejemplos de Venus con un Cupido sosteniendo el espejo y de Venus de espaldas que reflejan su rostro en un espejo. la menina Agustina Sarmiento. Son: Velazquez. Pintó este retrato porque consideró que debía practicar antes de emprender el del Papa. los hay de frente. Es un retrato portentoso. TERCERA ETAPA MADRILEÑA. la menina Isabel de Velasco. Los rostros están individualizados. capta las calidades de las telas. contemplando su rostro en un espejo que sostiene un niño (Cupido=. -Inocencio X. Los caballos son un símbolo importante también. así. aparece abstraída mientras Cupido la contempla. Es una pintura de interior y una complicada composición que incluye dentro al espectador. Realizó este viaje para adquirir cuadros y antigüedades para la colección real. lo que facilita la mirada indiscreta del espectador que quiere ir más allá de lo que le ofrece el cuadro. el propio pintor se representó. que acaba de bajar de él.

se representa una estancia iluminada por rayos de luz que caen en diagonal. es una fuente de luz menor. Es un juego muy barroco. Tradicionalmente se había interpretado como la pintura de un taller de hilado. o bien contemplando la escena o posando como modelos del lienzo que pinta Velázquez. diluye los contornos. En el centro. hay 3 focos de luz: dos balcones en la derecha. la escalera. la diosa contempla el tapiz elaborado por Aracne y convierte a esta en araña. Palomino escribía que entre las figuras había aire ambiente. que iluminan a la infanta y las damas y tienen la misma luz que el espectador. sobre cuál de las dos realizaba mejor un tapiz. Velázquez trata un tema mitológico como si se tratase de una escena de la realidad cotidiana. famosa tejedora de Lidia. una mujer a contraluz se agacha a coger algo. José Nieto Velázquez. que ocupan el lugar del espectador. el espejo. como transición al segundo plano. pero crea profundidad. con una luz muy violenta. Velázquez apoya la cortina – muy típica de sus cuadros – en el lado contrario del habitual. Aquí se desarrolla el desenlace. este es el mayor ejemplo de la pintura”. AITOR GARCÉS MANZANERA © 38 . Al fondo. dirige la mirada del espectador hacia el final del cuadro. don Diego ANGULO interpretó correctamente la pintura como la “Fábula de Aracne”. La iluminación es esencial en la obra. y reflejándose en el espejo los reyes Felipe IV y su esposa Mariana. La cruz de Santiago es póstuma y obedece a los deseos del pintor de pertenecer a la Orden. Según leemos en las Metamorfosis de Ovidio se trata de la disputa entre Atenea y Aracne. La técnica de Velázquez está en su apogeo. Velázquez crea profundidad mediante la perspectiva aérea. Es famosa la frase de Luca Giordano que lo llamo “teología de la pintura” porque “igual que la teología es superior a todas las demás ramas del conocimiento. En dos diagonales contrapuestas están las 2 protagonistas. Al fondo el aposentador d.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD término están Doña Marcela de Ulloa y un mayordomo. Velázquez ha dispuesto en una sola escena diversos momentos de la narración. La composición estaba dividida en dos planos: en un primer plano las hiladoras preparan lo necesario. Encontramos sensación de transparencia en el giro veloz de la rueda. crea volúmenes y es capaz de captar la atmósfera interpuesta entre los objetos. cada una acompañada de otra mujer. -Las Hilanderas.

-SAN JERÓNIMO. es un grupo de pequeñas imágenes en las que se consigue un ambiente de amabilidad. donde se formaría su hijo Francisco. para el altar de los Jerónimos. Creó en Murcia un centro escultórico autónomo y gozó de gran prestigio. descansa sobre la mano del ángel. Refleja muy bien la devoción sentimental de la burguesía murciana del siglo XVIII. Se interesa por pormenores típicos de barroco en busca de efectos visuales diferentes.gozó de un gran desarrolló en Nápoles y fue traída por los Borbones. Es de un gran virtuosismo tanto en la expresión como en el modelado anatómico. un verdadero Apolo cristiano. Su estilo es delicado. está muy influida por el San Jerónimo de Torrigiano. Realizada en 1755.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 16. recogiendo la amplia túnica y señalando el Camino del Calvario. Es su obra más conocida. En 1927 muere su padre y ha de hacerse cargo del taller familiar. Es la mejor expresión de dolor materno. del que se desconoce el sexo. El rostro es sereno. Podemos dividirla en dos partes. rojo y azul. Los pasos de la Semana Santa son una muestra de la España Barroca. policromada y estofada. cuando el Concejo de la ciudad le solicitó realizar los Cuatro Santos. es decir. El pecho de la virgen fue repintado y tapado. surge en Murcia un genio del barroco tardío: Francisco Salzillo. pero la de Cristo es de vestir. Está concebida como una escena familiar en la que la conversación fluye de manera natural. La imagen del ángel es de madera tallada. Es una de las obras de sus comienzos. de otro Cristo y el Ángel. La costumbre del belén –clara expresión del Rococó. La mayor parte de los mismos fueron realizados para la Cofradía de Nuestro Padre Jesús. Su formato es pequeño y solamente son de talla las cabezas. apuesto. -BELEN (NACIMIENTO). Fue encargado por AITOR GARCÉS MANZANERA © 39 . adelanta su pie derecho como para comenzar a caminar. Salzillo talló 17 dolorosas que actualmente se conozcan. que sólo talló cabeza. Hijo de un escultor napolitano. es un excelente estudio de desnudo juvenil. Entre sus obras destacan los pasos procesionales y el Belén. -SAN JUAN. Desfila en solitario. En todos se ha de tener en cuenta la diversidad de puntos de vista de un grupo de movimiento: -LA ORACIÓN EN EL HUERTO. -DOLOROSA. -VIRGEN DE LA LECHE. Es imagen de vestir. Es. sobre todo un escultor de pasos procesionales formados por numerosos personajes. que mira el cáliz. Pertenece a la estética rococó. Todas las figuras giran alrededor del niño Jesús. Trabaja la madera. de un lado los apóstoles durmiendo. aparece en actitud de marchar. Este medallón es un altorrelieve inspirado en un cuadro de Correggio que Salzillo debió conocer a través de algún grabado de la época. que fundó un taller en Murcia. La figura de Cristo desfallecido. Este es un andrógeno. manos y pies. Nunca salió de Murcia salvo para un viaje a Cartagena en 1745. El vestido. observándose en todas ellas el mismo rictus de dolor que tan famoso lo hiciera. en plena madurez profesional del artista. posteriormente policromada y utiliza la técnica del estofado como es propio de la escultura barroca. ideal de belleza. Sus obras bien modeladas están llenas de gracia y elegancia italianas y del dramatismo hispánico. mientras que el resto es lienzo encolado. En la espalda el manto cae en diagonal creando numerosos pliegues tratados con gran naturalidad. Nicolás Salzillo. por lo que recibió numerosos encargos. manos y pies. Pero sin duda alguna es la obra pasionaria de Salzillo su aspecto más conocido. con un cierto aire rococó. está ricamente decorado mediante la técnica del estofado. EL BARROCO EN MURCIA: SALZILLO Ya declinado el esplendor del barroco y en medio de las nuevas corrientes neoclásicas. Algunas obras son: -SAGRADA FAMILIA.

Además de las escenas propias del nacimiento de Jesús otras son puramente costumbristas que nos dan la idea de la Murcia de finales del siglo XVIII. Muchas figuras fueron terminadas por su discípulo Roque López. madera. Este besa al maestro. coraza acartonada. El soldado que se encuentra tras Jesús es de factura mediocre. telas encoladas y policromía.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD Jesualdo Riquelme y Fontes. y un aire y un brazo queriendo evitar el golpe. Marco caído con una pierna recogida en el aire. Se encuentran la candidez del rostro de Cristo y la imagen nervioso y móvil de San Pedro y el rostro desencajado de Judas. San Pedro levanta el arma. AITOR GARCÉS MANZANERA © 40 . San Pedro. Los materiales empleados son básicamente los mismos que en escultura: barro. -EL PRENDIMIENTO. El conjunto está formado por más de novecientas piezas y maquetas de edificios.

La pincelada suelta y vaporosa se entretiene en la representación de las telas y reproduce toda la gama plateada del vestido. y la dulzura con la que cuida de su vientre de joven embarazada. Este hecho fue más importante para su obra que los anteriores nombramientos. La gallina ciega se trata de un cartón que Goya pintó para el dormitorio de las infantas del Palacio del Pardo. su sonrisa triste apenas esbozada. rasgos populares con aristocráticos. En estos presenta escenas idílicas y acontecimientos realistas de la vida cotidiana. aparecen vestidos a la usanza de la época. destacando elegancia y nobleza. Lleva un tocado sujeto adornado de espigas. una serie de grabados extraños. símbolo de la fecundidad. con esto. su marido. esposa del valido Manuel Godoy. en el que pone de manifiesto las debilidades de la familia real aunque sin aparente intención satírica. Pero lo fundamental es el estudio psicológico. En 1799 fue nombrado pintor de cámara. Los representados aparecen jugando a la gallina ciega en un paisaje montañoso que gracias a la suavidad de la pincelada suelta y vaporosa. Son motivos alegres dentro de un estilo decorativo cercano a lo Rococó. y probablemente su mejor retrato femenino. (mencionar algo de El Sueño de la Razón produce monstruos). La Condesa aparece sentada. aunque su genio tardó en madurar. a juzgar por sus vestiduras. satíricos que en el aspecto técnico reflejan el influyo de Rembrandt. FRANCISCO DE GOYA Fue el artista más capacitado de su tiempo. da una sensación de mediodía o atardecer. PRIMERA ETAPA.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 17. En la sortija de la mano derecha lleva un retrato de Godoy. probablemente de orígenes aristocráticos. Goya lleva la pintura al mundo de los afectos. En 1792 fue nombrado pintor de corte del nuevo rey Carlos IV. su obra no se distingue de la de sus contemporáneos. como ya se ha mencionado. -La Gallina Ciega. Es una pincelada refinada y alegre dentro de las pautas académicas. Durante este tiempo fue elegido miembro de la Academia de San Fernando y realizó retratos y obras religiosas. viste su traje blanco-plateado. Se trata de uno de los mejores retratos de Goya. 4 muchachas y 5 jóvenes. El primer fruto de esta nueva etapa fue Los Caprichos. Goya consigue unir algo aparentemente inconciliable desde el punto de vista sociológico. realizó su aprendizaje en Zaragoza y se trasladó a Madrid donde trabajó para el pintor cortesano Francisco Bayeu. GOYA DESPUÉS DE 1792 En 1792 sufrió una misteriosa enfermedad que le llevaría a la sordera. De la misma época son las 2 majas. LOS CARTONES PARA TAPICES. Todos. Nació en Fuendetodos. para la que trabajó desde 1775 a 1792. A la orilla del río. cuya naturaleza erótica le llevó a comparecer ante la inquisición. Goya nos transmite la simpatía que siente hacia la Condesa. juegan en cordón a la gallina ciega o cucharón. pues hasta después de los 30 años. Hija de Mª Teresa de Borbón y del Infante Don Luis. A partir de este momento nace en él una afición por lo mórbido y lo extraño. -LA CONDESA DE CHINCHÓN. Bayeu le proporcionó empleo para hacer cartones para la Real Fábrica de Tapices. que conoce desde niña. con un toque azul en la orla de los brazos. y si hoy sentimos cierta simpatía AITOR GARCÉS MANZANERA © 41 . no se distingue muy bien. realizando el retrato colectivo de la familia real: La Familia de Carlos IV.

hace romper con la frontalidad. con el rostro vuelto. Otro de los aspectos más atractivos del cuadro es la identidad de la joven que posó para Goya. En este caso se trata de José Moñino. Se trata de un retrado de la familia real que era corriente desde el siglo XVII. vieja y ridícula. MAJA DESNUDA. a pesar de que éste se encuentra en un plano anterior (refleja el sentir popular sin romper el protocolo). Sólo tenemos la excepción de Venus del Espejo. para romper este alineamiento tenemos una línea sinuosa en los pies.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD hacia esta mujer es porque Goya nos ha transmitido la simpatía que el mismo sentía. -LA FAMILIA DE CARLOS IV. realizadas en tonos negros y grises y que resultan escalofriantes. como este de Floridablanca. Nunca glorifica a sus representados con grandes composiciones alegóricas. La obra de Goya como retratista es muy importante. En la Desnuda Goya ha sabido representar la calidad de las carnes. un pordiosero con la ropa hecha jirones. como una cierta repugnancia. Con la reina. La línea compositiva como se puede apreciar es frontal. Como homenaje a Velázquez en Las Meninas. No podemos olvidar el aspecto crítico tan unido a esta obra. No son pinturas al fresco sino que pintó al óleo directamente sobre la pared. político murciano que alcanzó el grado de Primer ministro de Carlos II y el título de Conde de Floridablanca. Pintó a la familia real. Sobre un fondo oscuro. incluso más descarada por el ajuste de las telas. que está al lado del príncipe de Asturias. un hombre. -Saturno devorando a sus hijos. No cabe hablar de uno de estos cuadros sin referirse al otro. pero también junto a su despacho de trabajo en el momento de la realización de alguna obra o plan importante de su etapa ministerial. una mezcla de piedad y lucidez. Ya con 75 años Goya pintó sobre la pared de la Quinta del Sordo las Pinturas Negras. Goya nos parece mostrar su desafecto por esta mujer fea. El tema del desnudo resulta excepcional en la pintura española anterior al siglo XIX. y el hecho de que unos personajes se oculten detrás de otros. Su suele considerar a la Maja Desnuda anterior a la Maja Vestida. futuro Fernando VII. Aquí capta los caracteres individuales en los rostros. toreros y políticos ilustrados. más esmaltada y limita perfectamente la figura. Se compró en las afueras de Madrid una finca y allí realizó los 14 grandes murales conocidos como Pinturas Negras. devora a una criatura. Goya no es pintor de corte en sentido corriente. pero también a artistas. que ha sido identificado como la futura esposa todavía sin identificar. En 1815 Goya se retiró prácticamente de la vida pública. Goya se pinta a sí mismo. en cambio en la vestida la pincelada se muestra más suelta. pero sabiamente interrumpida colocando a la reina y sus dos hijos menores en el centro. Goya es un moralista. Es un retrato lleno de dignidad. -MAJA VESTIDA. pero también analiza su tiempo. la reina es el centro de la composición desplazando la figura del rey. LAS PINTURAS NEGRAS. a partir de este momento trabajó para sí mismo y para sus amigos. El horror de su propia AITOR GARCÉS MANZANERA © 42 . La Maja Vestida se muestra más segura de sí misma. la pintura es más compacta. pero a la que el pintor oculta su personalidad detrás de un rostro inexpresivo. Se le representa con sus condecoraciones y bandas. -RETRATO DE FLORIDABLANCA. Todos los personajes están identificados menos el personaje femenino. más impresionista.

que manchan el suelo con su sangre. Y esta muerte representa aquí un símbolo de la esperanza contra la tiranía. También en primer término un fraile de rodillas parece rezar. el dos de mayo de 1808 y Los fusilamientos del 3 de mayo. BURDEOS En 1824.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD acción se refleja en los ojos y en las manos crispadas que se aferran a su víctima. como un crucificado. -Aquelarre. todo en él es movimiento y griterío. lleva las palmas de sus manos horadadas. Goya consiguió el permiso de Fernando VII para trasladarse a Burdeos. La luz procede de un enorme farol situado en el antro. con sus brazos en cruz. el mando francés ordenó fusilar en la noche y madrugada siguiente a cuantos civiles portaran armas. además de los detenidos en la rebelión. una clara alusión a la muerte de Cristo. En primer plano. el inocente que muerte. tenemos una escena que se desarrolla de noche. Durante la ocupación napoleónica pintó dos cuadros dramáticos. En su pintura evoluciona hacia un estilo que prefigura el de los impresionistas. Pero el foco de atención es el personaje de la camisa blanca. otro cae de rodillas. al fondo. otro más se muerde los nudillos… pero el grupo clave es el de la izquierda. Se entiende como una alegoría del tiempo. como es el caso del cuadro titulado La Lechera de Burdeos. El colorido es brillante e intenso dando viveza a la escena y casi invita a participar al espectador. ETAPA FINAL. a punto de disparar sus fusiles (las piernas derechas hacia atrás) ocultan sus rostros. más bien es un miserable. AITOR GARCÉS MANZANERA © 43 . como si llevara un madero invisible. lo que Goya nos muestra es la violencia y el fanatismo de la guerra. Lejos de mostrar un exaltado patriotismo. Y detrás. e impide al espectador ocuparse del fondo de la pintura. LA GUERRA DE LA INDEPENDENCIA. Como consecuencia de los sucesos del día anterior. -La carga de los Mamelucos (el dos de mayo). En cuanto a la composición. y en él se centrar todas las unidades. Los hechos reales sucedieron en la Puerta del Sol cuando un grupo de madrileños con pocas armas. Y. pues se trata de una máquina anónima de matar. el pelotón francés. El lugar de los fusilamientos fue la montaña del Príncipe Pío en la Moncloa. A sus espaldas se esconde algún condenado ante la inminencia de la muerte. Este cuadro se titulaba en los antiguos inventarios como “El gran cabrón”. Este Saturno no tiene nada de Dios. la ciudad de la que procede una procesión de Condenados. La violencia del combate ocupa el primer plano. En primer plano se amontonan los muertos. La ferocidad de la lucha impregna las pupilas de los contendientes. el hombre de la camisa blanca abre sus brazos en cruz. atacaron a un grupo de mamelucos. fijémonos. -LOS FUSILAMIENTOS DE LA MONCLOA (tres de mayo). Durante esta época hizo la dramática y hasta macabra serie de los desastres de la guerra en la que muestra las atrocidades cometidas por franceses y españoles en el transcurso de la guerra. Junto a él un grupo de españoles contempla la escena: uno se tapa la cara. Congregadas por el macho cabrío en hábito frailuno han acudido las brujas con su tarro y ungüentos.

Así es como llegó a producir los primeros cuadros escandalosos de la pintura moderna. Defendían la pintura al aire libre. que muestra el nacimiento del sol en los muelles del Havre. Deseaba pintar lo intangible. Su pasión por la atmósfera le condujo a diferentes ambientes europeos: Londres. y dejó un retrato colectivo de sus amigos. La pincelada suelta. al comentar un paisaje de Claude Monet. y acompañada por un par de jóvenes vestidos. AUGUSTE RENOIR. su interés por la figura humana constituye su mayor contribución personal al Impresionismo. CLAUDE MONET. es decir. :MANET.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 18. El primero de esos cuadros mostraba a una mujer desnuda. Es el paisajista del grupo y el único de los maestros que mantuvo fidelidad absoluta al movimiento impresionista. o las alteraciones del sol y las nubes. la Provenza. Renoir. y los fiordos noruegos. El fracaso fue estrepitoso. cuyos valientes borrones y estridentes destellos luminosos fueron un gran estímulo para que Manet aclarase su paleta y liberase la pincelada. el Midi francés. pertenecientes a 30 artistas rechazados de los certámenes oficiales. como el Almuerzo sobre la hierba. del desnudo. la existencia de tres colcores primarios o puros. Retrató varias veces a Monet. tal como ellos la veían. tituladas genéricamente Ninfeas. donde las formas están disueltas en charcos de color. Pero lo que más le separaba de artistas como Courbet eran los temas: Manet no se interesaba por las implicaciones sociales y políticas. aparentemente entregados a una amable conversación. charlando despreocupadamente AITOR GARCÉS MANZANERA © 44 . sobre todo de Goya y Velázquez. Se le reprochaba su crudeza técnica. un hombre de familia burguesa que empezó su carrera artística pintando cuadros realistas. El precursor directo de los impresionistas fue Édouard Manet. LA PINTURA IMPRESIONISTA Y POSTIMPRESIONISTA El término impresionista fue utilizado por primera vez el veinticinco de abril de 1874 en el semanario satírico Le Charivari por el crítico Louis Leroy. sin ningún tipo de mensaje moral . A principios de los años sesenta acusó el impacto de la pintura española. Se interesaban por los progresos. Una consecuencia de esta ambición estética fue el serialismo: varias reproducciones de un mismo tema para comprobar los efectos cambiantes de la luz y del color en horas y estaciones diferentes. a menudo aplicada directamente con el tubo. Manet fue visto como un maestro y un guía por los impresionistas y de estos discípulos más jóvenes aprendió a su vez algunas cosas. soleil levant. En realidad. provocando no pocos comentarios sarcásticos por parte del público y de la crítica. y llegaron de forma intuitiva a las leyes ópticas de los colores. casi plano. titulado Impression. Es el retratista con mayúsculas. como los barcos de vapor y las estaciones de ferrocarril envueltas por el humo. la apariencia abocetada y el aire lechoso. consiguiendo una vibración de superficie pastosa que daba la sensación de estar inacabado el cuadro. y las 12 pinturas de nenúfares sobre el agua. EL PRECURSOR. Huyeron de las sombras negras que empleaban los académicos. fragmentada y espontánea. Sus series más conocidas son las referidas a la Fachada de la catedral de Ruán. que habían inaugurado una exposición colectiva en el estudio que el fotógrafo Nadar tenía abierto en el bulevar de los Capuchinos de Paris. Monet. frente al ambiente cerrado del talles que impedía ver los cambios que sufría un objeto bajo la luz. como su pasión por el aire libre y los aspectos puramente luminosos. y de otros tres binarios o complementarios. sino que solamente trataban de atrapar la naturaleza en el cuadro. El cuadro no fue admitido en el Salón oficial de 1863 y hubo de figurar en el llamado “salón de los rechazados”. Degas y el resto no suponían ninguna amenaza antiburguesa. La etiqueta contenía una carga despectiva y englobaba las 165 telas. junto a los restos de una merienda campestre esparcidos por el suelo.

condensa la novedad de su arte: formas geométricas construidas con grandes pinceladas verdes. y Van Gogh. Esta crisis se observa en sus escenas callejeras de París. El término no es demasiado preciso. La serie de cuadros dedicada a La Montaña de Santa Victoria. Destacan. es el más popular de los impresionistas.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD en los veladores del Moulin de la Galette. Se incluyen una serie de pintores en este periodo. y 1907. obras como Los jugadores de naipes y el Bodegón con manzanas y naranjas. sí contribuyen de forma decisiva a las transformaciones artísticas del siglo XX. La técnica y la composición de toda su producción es muy personal. que llegó a fundar su propio banco. Tras estas reflexiones se retira a la Costa Azul y empieza a reproducir desnudos femeninos. es el más atípico de los impresionistas. Gauguin. mostrando la deuda contraída hacia la cámara en sus encuadres y enfoques. que se integra con dificultad. que preludia el Fauvismo y el Expresionismo. se recupera de la importancia del dibujo y de la expresividad de los objetos y de las personas iluminadas. aparece en sus bañistas. transcurren 20 años en el que se desarrolla la obra de estos autores postimpresionistas. era hijo de un sombrerero enriquecido. Comenzó su aprendizaje siendo artesano de cerámica. PAUL GAUGUIN. En 1886 moría su padre. Desde entonces. también. La simplificación de la naturaleza en líneas perpendiculares y diagonales. La Estrella y El café–concierto Ambassadors. el cono y el cilindro. Es el más clásico. que le catapultó al éxito y le franqueó los cerrados ambientes de la sociedad burguesa. Ello se debió también a que hacia 1883 se produjo una especie de ruptura y recupera la línea. Mientras en El almuerzo de los remeros compone todavía con manchas d color. Son todos pintores franceses. año en el que tiene lugar la última exposición impresionista. EDGAR DEGAS. marca un hito en su obra. Tras la muerte de Seurat. excepto van Gogh. que anticipa el movimiento nabi. El cubismo está a la vuelta de la esquina. El POSTIMPRESIONISMO. sino en la vista y el cerebro. Viven en París y esta ciudad. Entre 1886. Destacan obras como la Clase de baile. la amistad con su condiscípulo de juventud Zola. jugadores de cartas. secuencias cinematográficas de primeros y primerísimos planos. bodegones y paisajes. La existencia de Paul Gauguin (1848-1903) es una novela de AITOR GARCÉS MANZANERA © 45 . en Los paraguas vuelve al dibujo y a la enseñanza de los museos. tres grandes artistas emprendieron la renovación del Impresionismo: Cézzane. Degas emplea el pastel y sus composiciones resultan instantáneas fotográficas. que si bien no forman un grupo en el sentido clásico de la palabra. librándole la herencia de penurias económicas y rompiendo. aunque alguno la abandone. también. Su concepción pictórica no descansa exclusivamente en la mirada. caracterizados por una fuerte sensualidad. que preludia el cubismo. PAUL CÉZANNE. Paul Cézanne (1839-1906) alcanza la madurez pictórica a los 50 años. rojas y azules. Excepcionalmente pintó al aire libre y su concepción de la pintura se basaba en el dibujo. año en el que se presenta Las señoritas Avignon (Picasso) que significó el lanzamiento del cubismo. Su inclusión en el movimiento se debe a su pincelada clara y al uso d colores puros. donde la pincelada de color tiene volumen y peso. llamados así porque se formaron en el impresionismo al que abandonaron. Por tanto. derivando hacia una pintura más personal en la que todos recuperan la definición de la forma por medio del dibujo que el impresionismo había abandonado prácticamente. Este desarrollo mutuo de los sentidos y la reflexión en el cuadro le llevan a forjar su credo artístico: En la naturaleza todo se modela según la esfera. Poco después pintó a Madame Charpentier y sus hijos.

representa escenas de interior. sus desequilibrios y su locura al sentirse perdido en sí mismo. separándose más tarde por una discusión. por lo que fue despedido. bodegones (Los girasoles). hasta la quiebra financiera de 1883. o Subordina todo al color.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD aventuras. Era hijo de un pastor calvinista. entre las que no falta su propia habitación (El dormitorio de van Gogh en Arlés). VINCENT VAN GOGH. retratando una civilización sin contaminar a través de los indígenas. La mentalidad ingenua y primitiva la desarrolla en la Polinesia. es el artista del siglo XIX que mayor entusiasmo ha provocado en nuestra sociedad actual. donde su temperamento ardiente alcanza la madurez del genio. olivos.. Ya en sus primeros cuadros carga el acento en el mundo interior. o Líneas negras que aumentan el color expresando sentimientos. Pinta entonces retratos (El doctor Paul Gachet). Theo le presenta a los impresionistas. llevándole a desatender el negocio. que resume en Los comedores de patatas. CARACTERÍSTICAS DE VAN GOGH: o Busca expresar su interior. Sólo logró vender un lienzo en vida. En 1886 Van Gogh fija su residencia en París. deshechas. cipreses. paisajes (La iglesia de Auvers-sur-Oise). Los dos últimos años de su vida transcurren en el sur de Francia. muy rápidas. Inicia entonces una frecuente correspondencia con su hermano Theo. Expone con los impresionistas. y culmina la serie de 43 autorretratos. Gauguin abandona a los impresionistas. Su obra maestra es ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?. cuando entra a trabajar como marchante. Entonces. Ante un nuevo infortunio. o Toques irregulares de pinceladas largas. a base de tonos oscuros y grises. noches estrelladas (Noche estrellada sobre el Ródano). Finalmente la nostalgia del trópico le llevan a los mares del sur. utilizando una técnica decorativa que recuerda los esmaltes y las vidrieras. intenta salir de la crisis espiritual. Vive en Arlés. viaja luego a Panamá con el deseo de vivir como un salvaje. Cultiva una temática social. volcándose en la pintura. pasando temporadas internado en el hospital psiquiátrico. sueltas. descubre su vocación pictórica. donde alegra la temática de sus cuadros. pero únicamente los nueve últimos los pasó dedicado a la pintura. sus playas y sus selvas. campos de trigales. sensible y desequilibrado mental. Pasó la infancia en Lima y la juventud en París. Marcha a Bretaña en busca del primitivismo. donde siguió la carrera de marino mercante y corredor de bolsa. o Es un precursor del “expresionismo” (se intenta reflejar las vivencias personales del autor en la pintura). Su estilo se define por la línea firme de los japoneses y el color como gran motor de la emoción. Busca consuelo en la religión y decide convertirse en evangelizador de los pobres. La cadena de desengaños amorosos que sufre ahonda su estado de presivo. La figura y el paisaje están contorneados con líneas negras. El tema bíblico de La visión después del sermón presenta estas características. y aprende el valor de la pintura colorista y clara. o Pinta paisajes y figuras serpeantes muy retorcidas. dejando 879 cuadros. vivió 37 años. y al dibujo AITOR GARCÉS MANZANERA © 46 . Cuando regresa a Francia funda junto a Van Gogh el Taller del Mediodía. y sus contactos con el arte se iniciaron en 1869. Apasionado. pero se aleja del grupo. en la que le revela por carta la inquietud que atormenta su trágica existencia. estridente y violento. que serán ya constantes en toda su producción. sus casas. porque estos no buscan en el fondo misterioso del alma.

o Transforma la realidad. y sobre todo el amarillo (expresa más y mejor sus sentimientos). o Utiliza los colores puros en contraste unos con otros. la exagera y la deforma conscientemente. Colores intensos.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD muy ligero pero muy sinuoso. AITOR GARCÉS MANZANERA © 47 . Predominan los rojos.

Dentro de este movimiento de carácter eminente se distinguen 3 focos. 2) Fase Sintética en la que apareció el collage. a. 1) Fase Analítica. y que define la aplicación exacerbada y violenta de los colores sobre la tela. haciendo desaparecer el punto de vista único propio de la perspectiva líneal renacentista. dispuestos sobre mesas. de forma vehemente y crítica. El representante más destacado del Fauvismo es Henri Matisse.3) CUBISMO.4) FUTURISMO. la vigorosidad de algunos cuadros de Van Gogh y la angustia vital que aparece en la obra pictórica del noruego Edvard Munch. las Primeras Vanguardias se iniciaron en 1905. Cubismo.2) EXPRESIONISMO ALEMÁN. vasos y botellas. el principal propósito ideológico del Futurismo fue romper con el pasado y exaltar el AITOR GARCÉS MANZANERA © 48 . En ella se advierten ciertos elementos que conectan con la obra de Paul Cézanne. Cronológicamente. la atmósfera socio-política que presagió el advenimiento de la Primera Guerra Mundial. caracterizados generalmente por cuestionar todo lo tradicional y académico. En cuanto a temas. Su denominación viene de la palabra francesa “fauve” que significa fiera. así como la esquematización de la forma. Es decir. Dadaísmo y Surrealismo. (Kandinsky) 3) Expresionismo Vienés. y en ocasiones cruel. prevalece la visión subjetiva y estética del artista. Destaca Otto Dix como autor característico. 2) Der Blaue Reiter aparecido en Múnich en 1910. a. por buscar la provocación sistemática y por realizar una experimentación constante a través de las obras de arte. Pablo Ruiz Picasso y Juan Gris. el Fauvismo y el Expresionismo. a) PRIMERAS VANGUARDIAS. y más concretamente París. Futurismo. 1) Die Brücke. fecha en la cual aparecieron los dos primeros movimientos artísticos. hecho que imprime a la obra un carácter agresivo y angustioso. Esta autonomía del color con respecto a la forma tiene en sus orígenes ciertos planteamientos propios del Simbolismo y del Postimpresionsimo. caracterizada por el uso de colores cálidos y de frías tonalidades como las azuladas y las grises. Utilizó la línea quebrada. Francia. LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS Los grandes centros artísticos de la primera mitad del siglo XX estuvieron relacionados directamente con la aparición de los diversos “ismos” o tendencias que configuraron el denso y rico mapa artístico de las llamadas Primeras Vanguardias. rompiendo la tradicional asociación con el objeto representado. De esta forma se introduce la visión simultánea de un mismo objeto. La aparición del Cubismo se vincula directamente a la realización de la obra “Las señoritas de Aviñón” de Pablo Picasso en 1907. Nacido en 1905. a. Alemania y más adelante la gran metrópoli de Nueva York. Fundado en París por Filippo Tommaso Marinetti en 1909. además del retrato. el espectador puede reconocer objetos cotidianos como frutas. Se denominaron así todos los movimientos creativos que se sucedieron desde 1905 hasta 1945. curva y angulosa. Aglutina en su génesis parte de la filosofía nihilista de Nietzsche. El Expresionismo intentó reflejar.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 19. partituras musicales. Abstracción. Surgido en Dresde en 1905. con las figuras de Egon Schiele y Oskar Kokoschka. La principal característica del cubismo es la fragmentación geométrica del espacio. pipas. que por encima de la copia mimética de la realidad.1) FAUVISMO. a. el Fauvismo está considerado el primer movimiento de vanguardia. Esta agresividad también es transmitida a través del uso de colores exaltados y contrastados. guitarras.

2) Corriente Onírica. a. **MAESTROS ESPAÑOLES VANGUARDISTAS. Colonia y Hannover. entre ellos. Esto lo llevo al Cubismo.5) DADAÍSMO. fiel reflejo del desencanto producido por la autodestrucción de la raza humana. para influir en el alma del espectador a través de la armonía entre la forma y el color. surgió la Pintura metafísica. planos y colores primarios y neutros. a. Sus obras tienen un talante provocador. Aquí resaltamos a Salvador Dalí y a Rene Magritte. Figuras que sin llegar a pertenecer de una manera clara a ninguna de las tendencias analizadas. Esta misma línea espiritual fue seguida por el Neoplasticismo. originaria de 1910. iconoclasta. destacan Marcel Duchamp. se inventó una nueva técnica formal. Los autores más significativos. Se distinguen dos líneas bien diferenciadas en el Surrealismo: 1) Corriente automatista. Por este motivo. el pintor magnífico desarrolló las llamadas época azul y época rosa. la máquina y la modernidad. en la ciudad neutral de Zúrich. a veces abstractos. Después de un breve periodo de formación académica en el que Picasso demostró un precoz dominio del dibujo. y añadió el importante concepto del automatismo. cubos. El Nombre Dadaísmo surge como consecuencia del azar al abrir un diccionario por la letra “d”. liderado por Piet Mondrian. En 1930. el Simulatenismo. Su iniciador fue Wassily Kandinsky. Picasso. síntesis de Surrealismo y Realismo Social. versátil y prolífico del siglo XX. surgidos del inconsciente y el azar. Los inicios del Dadaísmo. El Término Surrealismo designa al arte que. representados de manera rápida y fluida. en la que el artista recrea asociaciones extrañas e inquietantes propias del mundo de los sueños. se encontraron huyendo del conflicto bélico. Derivado del Futurismo. investigando las posibilidades de la geometría como lenguaje expresivo. quien abandonó conscientemente la figuración. Tristan Tzara y un grupo de artistas plásticos. Joan Miró fueron sus principales representantes.7) SURREALISMO.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD poder de la tecnología. y se define como un movimiento “antiartístico”. a. Son los llamados artistas de la escuela de París. los artistas neoplasticistas simplificaron las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas. ilógico y absurdo. en 1914. a partir de la década de 1920. en 1916. a. partió de la iconografía dadá. movimiento que desarrolló tanto en su modalidad sintética como analítica. en la que el artista reproduce un universo de símbolos. tienen una fuerte personalidad artística. Para conseguir sus objetivos. con un canon de belleza manierista. Picasso está considerado el artista más famoso. Picasso empezó a pintar con un alto AITOR GARCÉS MANZANERA © 49 . Los artistas buscaron reproducir de manera obsesiva la sensación de movimiento.6) ABSTRACCIÓN. nihilista. En sus pinturas destacan los desnudos femeninos. Su incansable capacidad de aprendizaje le llevó a estudiar la obra de Cézanne. donde un joven poeta rumano.8) ESCUELA DE PARÍS. recogió las inquietantes imágenes producidads durante el sueño de la Pintura Metafísica. La abstracción. está considerada el movimiento rupturista más grande del siglo XX. Nacido en Málaga. entre los que sobresale Amedeo Modigliani. están intímamente ligados a la apertura del célebre Cabaret Voltaire. Merece también destacar la obra de Frida Kahlo. En Alemania surgieron manifestaciones Dada en Berlín. consistente en repetir las imágenes de manera superpuesta.

desarrollado casi simultáneamente en Nueva York y Londres.4)NUEVO REALISMO FRANCÉS.que culmino con esta etapa. b. Dentro de esta corriente hemos de incluir el BODY ART.2) EXPRESIONISMO ABSTRACTO. revistas y periódicos. Un arte que se contrapone frontalmente con la excesiva intelectualización del Expresionismo abstracto. al que se incorporó en 1929.6) MINIMAL ART. como por ejemplo cristales rotos. pues encarga sus piezas a la industria. cuando el principal integrante de este movimiento. caracterizada principalmente por la mezcla de grandes cantidades de pintura en diversos materiales. b. Fue uno de los artistas más activos del movimiento surrealista. Después pinto con la misma intención la Masacre de Corea y los murales de La Guerra y La Paz. y el LAND ART.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD contenido expresivo. Dalí.8) ARTE CONCEPTUAL (1960). el nuevo realismo optó por subrayar los aspectos más desagradables del consumismo. Dalí realizó obras tan conocidas como la Persistencia de la Memoria. Las obras Pop-Art tienen un marcado carácter figurativo. así como numerosos cuadros religiosos en su época más tardía. AITOR GARCÉS MANZANERA © 50 . Fascinado por el subconsciente y los mecanismos de la locura. b) SEGUNDAS VANGUARDIAS. el pintor catalán aportó al movimiento surrealista el método paranoico-crítico consistente en asociar imágenes de lo más arbitrario con la voluntad de querer plasmar sobre el lienzo lo irreal: el sueño.5) ABSTRACCIÓN POSTPICTÓRICA. b. Se iniciaron en Europa con la aparición del informalismo y en Estados Unidos con el advenimiento del Expresionismo abstracto y terminaron con las propuestas conceptuales de finales de la década de 1960. apoyado en la imaginería del mundo del consumo: anuncios. Destacamos también a Mark Rothko. b. ejemplo de ello es su obra cumbre. El Expresionismo abstracto se inicia en 1947.1) INFORMALISMO. destaca que la obra presenta una marcada austeridad formal basada en la geometría. una pintura dinámica y gestual apartada totalmente del lenguaje figurativo.3) POP-ART. Partiendo de una profunda revisión de los procesos creativos. consiguiendo así una obra con relieve. los autores que siguen esta tendencia llevan hasta las últimas consecuencias la valoración de la idea por encima del objeto artístico. realizó su primer dripping. Joan Miró es otro de los representantes del surrealismo. el Guernica –con la que quería utilizar el arte como un arma contra la guerra. De 1960. b. aunque sí participa en el montaje de la misma. Casi en paralelo. b. 1951. b. El nombre de Popular Art fue acuñado por el crítico inglés Lawrence Alloway para designar un movimiento desde 1950 hasta 1970. Son famosas sus series de latas de sopas Campbell o de botellas de Cocacola o los retratos serigrafiados de Liz Taylor o Marilyn Monroe. el proceso de desmaterialización de la obra artística iniciado con el arte minimalista culmina a finales de la década de 1960 en el llamado Arte Conceptual o Arte Idea. Si en líneas generales el Pop-Art propugnaba una visión agradable de la sociedad de consumo. arena o carbón. El artista no ejecuta la obra propiamente dicha. Sirvió para designar un tipo de pintura abstracta. Jackson Pollock. En esta última etapa reinterpretó cuadros de genios del pasado como Velázquez y sus Meninas.7) Arte Acción. b. Entre los máximos representantes del Pop-art destaca Andy Warhol.

procurando que el original y la copia se asemejen al máximo. AITOR GARCÉS MANZANERA © 51 .APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD b. aunque produzcan efectos ópticos. paja. Se hallan todas las obras bidimensionales o tridimensionales estáticas. Destaca Piero Manzoni. sino también real. piedras. b. A partir de 1955 se empezó a utilizar el término arte cinético para definir un tipo de arte en el que se incorpora el movimiento de un modo no solamente ilusorio. Pretenden socavar los cimientos del mercado del arte. a diferencia de los artistas norteamericanos. Antonio Lopez. Parte de la copia de modelos fotográficos. A dicha tipología se le ha denominado Op-Art. Apareció en 1968.10) ARTE POVERA. 1967. b. ramas y hojarasca. como sus reinterpretaciones de Rembrandt. Mención aparte merece Francis Baco.9) ARTE CINÉTICO/OP-ART. pintor de este grupo. cuya obra giró en torno a la figura humana. Velazquez o el Greco.11) HIPERREALISMO Y FOTORREALISMO. Aúna bajo este nombre todas aquellas obras de arte caracterizadas por haber sido realizadas con materiales pobres como arena. no utilizaban la cámara fotográfica como elemento de trabajo indispensable.

y el cubo y el cilindro desde el punto de vista volumétrico. donde construyó importantes rascacielos en las ciudades de Nueva York y Chicago. Las propuestas funcionalistas de Le Corbusier influyeron decisivamente en la evolución arquitectónica de los países sudamericanos. cristal. en las iglesias y en las viviendas de pisos de las grandes ciudades utilizando como principal material el hormigón visto. Derivada del Funcionalismo surgió otra tendencia arquitectónica. La misma línea siguió el arquitecto Danés Jörn Utzno. Su tarea se distinguió por haber reducido las formas arquitectónicas a las más puras y esenciales: el cuadrado en superficie. la psicología de las personas destinadas a ahbitar en ella. Se caracteriza principalmente por el uso de grandes estructuras que. como la Ópera de Sídney. La Casa Kaufmann o Casa de la Cascata es el mejor ejemplo. Le Corbusier fue capaz de aplicar los conceptos funcionalistas en el terreno urbanístico.APUNTES HISTORIA DEL ARTE TEMAS SELECTIVIDAD 20. que planteaba sus viviendas como máquinas para vivir el hombre. la arquitectura moderna rechazó las tendencias historicistas de la anterior centuria y asumió las transformaciones de un nuevo mundo caracterizado por el desarrollo técnico e industria. la ventana a lo largo de toda la fachada y la terraza-jardín plana. cerámica y acero. donde se presentó en clara reacción contra las propuestas excesivamente ornamentales del Modernismo (Adolf Loos). numerosos arquitectos formularon un rechazo a los planteamientos funcionalistas y empezaron a utilizar elementos decorativos y constructivos propios de periodos anteriores. a finales del siglo XIX. el Organicismo. Wright partió directamente de las enseñanzas de Sullivan y la Escuela de Chicago. -FUNCIONALISMO. y principalmente las propuestas de los arquitectos vinculados a la Escuela de la Bauhaus. debe adaptarse a una serie de planteamientos higienistas encaminados a proporcionar la adecuada iluminación. ventilación y orientación a las viviendas. Tras la Segunda Guerra Mundial. uno de los grandes arquitectos del siglo XX. cuyo principal difusor fue Frank Lloyd Wright. Walter Gropius y Mies van der Rohe. Pero por encima de todos ellos se encuentra la figura de Le Corbusier.UU. En ambas construcciones. En el contexto del Movimiento Moderno hizo su aparición el Funcionalismo. corriente arquitectónica que tiene como máxima “la forma sigue a la función”. En esta década. el arquitecto suizo utilizó un nuevo conecpto: el uso del hormigón visto o el hormigón bruto. y puede afirmarse que en su obra existen planteamientos muy afines a los conceptos funcionalistas. a veces. AITOR GARCÉS MANZANERA © 52 . dado el cual se denominaría a dichas estructuras partes de la arquitectura brutalista. la planta libre. ARQUITECTURA DEL SIGLO XX: RACIONALISMO Y ORGANICISMO A principios del siglo XX. quien en el marco de la Escuela de Chicago. la tradición arquitectónica funcionalista continuó muy vigente hasta 1970. Esta nueva propuesta llegó rápidamente a Europa. Además. a través de los elementos constructivos. quienes construyeron edificios sin ornamentación y pensados claramente para su utilidad. se preocupó más por las necesidades y la comodidad de sus propietarios que por la belleza artística. tienen formas de tiendas de campaña. -ORGANICISMO. Le Corbusier construyó dos edificios emblemáticos de la arquitectura contemporánea: La Unidad de Habitación de Marseille y la Capilla de Nôtre-Dame du Haut en Ronchamp. lema acuñado por el arquitecto Louis Sullivan. -FUNCIONALISMO. conseguida por medio de la articulación de los volúmenes entre los que destacó la estructura horizontal. El uso del hormigón armado como material constructivo. En 1926 Le Corbusier publicó los cinco puntos de la arquitectura: el empleo de pilotes. Otro de los aspectos fue la cuidada integración en el entorno. la fachada libre. particularmente en Brasil donde Oscar Niemeyer y Lucio Costa tomaron los ideales de éste para realizar los edificios de la ciudad de Brasilia. Wright intentó plasmar. Mies van der Rohe continuó su labor arquitectónica en EE. quien realizó obras muy espectaculares y origniales construidas en hormigón armado.