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Segundo Medio:Género Drámatico

ORÍGENES DEL GÉNERO DRAMÁTICO EN GRECIA. 1.1 LA TRAGEDIA 1.1.1 Origen La tragedia es la creación artística más representativa de la democracia ateniense. En ningún género se expresan tan inmediata y libremente los íntimos antagonismos de su estructura social como en ella. Su forma exterior –su representación en público– es democrática; su contenido –la leyenda heroica y el sentimiento heroico–trágico de la vida– es aristocrático. Desde el principio, la tragedia se dirige a un público más numeroso y de más variada composición que el del canto épico o la epopeya, destinados a los banquetes aristocráticos; mas, por otro lado, está orientada hacia la ética de la grandeza individual, del hombre extraordinario y superior. Existe consenso general en señalar que el teatro nació en la Grecia antigua, en época anterior al siglo V a.C., probablemente entre los siglos VII y VIII. En Atenas había varias fiestas consagradas a Dionisos, dios de la vegetación y de la vendimia. En las grandes Dionisíacas, fiestas de la primavera, se paseaba, anualmente, la imagen del dios seguida de un cortejo de jóvenes disfrazados de sátiros (divinidad campestre con figura de hombre barbado, patas y orejas cabrunas y cola de caballo o de chivo). Ante el altar del dios se entonaba una especie de cántico acompañado de flautas, llamado coro trágico (tragos significaba macho cabrío), porque los cantores estaban disfrazados como tales. Luego, a los sátiros se agregó un hombre con máscara que representaba al dios Dionisos, quien dialogaba con los sátiros. Se representaron escenas de la vida del dios. Pronto se empezaron a representar las aventuras de los demás dioses y las de los héroes. Con Esquilo se creó definitivamente la tragedia: en vez de un actor, hizo aparecer dos, y el diálogo entre los actores vino a ser la parte importante de la representación. Estos actores se caracterizaban como: protagonista (“primer luchador”), el principal, quien iniciaba la trama y hacía las veces del héroe; y antagonista (“luchador opuesto”), que se interponía en el propósito del protagonista. El coro ocupaba un papel destacado, pues era la voz de la mayoría, representación del pueblo, que entraba en relación dialógica con los actores. En estos inicios, el coro debía ser homogéneo: todo integrado por ancianos o por doncellas o por mancebos; incluso, podía estar compuesto sólo de personajes mitológicos 1.1.2 Características de la tragedia griega Ya Aristóteles destacó como fundamental componente emocional de la tragedia la catarsis, o purgación de las pasiones mediante el terror y la piedad. Otro componente trágico es la hamartia o error de juicio e ignorancia de culpabilidad del héroe, que desencadena el proceso que culminará en la catástrofe (abatimiento, destrucción). Asimismo, la hybris, arrogancia irracional del héroe que persevera en su acción, a pesar de las advertencias y que lo hará enfrentarse con su destino, cumplirá un papel fundamental. También el pathos, sufrimiento del héroe, quien vivencia una dolorosa soledad, será clave para el desarrollo de la obra.

Todo ello enmarcado en un destino o fatalidad, o moira, ajena a la libertad de acción del héroe, que terminará aplastándole y anulando su actuación. Del choque entre la libertad o la voluntad del protagonista y ese destino surgirá la esencia de lo trágico: lo verdaderamente trágico en una tragedia no son las muertes o las desgracias que en ella aparecen, sino la incapacidad que tiene el ser humano de derrotar una fuerza sobrenatural como el destino. El conflicto que se plantea al comienzo de una tragedia es desigual y, por eso, se puede prever cuál será su desenlace: siempre vencerá la fuerza sobrehumana. 1.1.3 Primeros dramaturgos: Esquilo, Sófocles, Eurípides. Esquilo. Sus numerosas aportaciones formales al lirismo coral griego, unidas a su genio literario y a la fuerza dramática de su obra, hicieron que Esquilo (525 – 456 a.C.) fuera considerado justamente como el auténtico fundador de la tragedia griega. Se ha atribuido a Esquilo la incorporación de numerosas innovaciones teatrales, entre ellas el empleo de máscaras y decorados. La obra de Esquilo significó la negación del concepto de culpa colectiva, la afirmación del derecho sobre la arbitrariedad, de la dignidad y de la autonomía del hombre frente a los dioses y el destino, y, sin embargo, la afirmación de la tragedia como elemento arquetípico de la condición humana. Obras: Los persas, Orestíada, Prometeo encadenado

b) Sófocles. (496 – 406 a.C.) fue quien mejor supo reflejar en su obra los principios y dilemas espirituales de la Grecia clásica del siglo V a.C., cuando Atenas se hallaba en su máximo esplendor político y cultural. Disfrutó de un gran prestigio entre sus compatriotas. Ya con sólo dieciséis años de edad fue encargado de dirigir un canto de gracias a los dioses por la victoria de Salamina sobre los persas. En el año 468, derrotó por primera vez al ya anciano Esquilo en el festival dramático anual que se celebraba en honor a Dionisos. Estableció diversas modificaciones en la forma tradicional de la tragedia fijada por Esquilo: añadió a un tercer actor en los diálogos frente a los dos utilizados anteriormente y redujo la importancia del coro. Obras: De los 123 dramas escritos por Sófocles para los festivales dionisíacos, sólo se conservan siete: Áyax, Antígona, Edipo Rey, Electra, Las traquinias, Filoctetes y Edipo en Colono. c) Eurípides. Profundo conocedor del alma humana, Eurípides (480 – 406 a.C.) aportó a la tragedia griega una mayor penetración psicológica y un renovado sentido de los valores dramáticos. El carácter innovador de la producción dramática de Eurípides sorprendió a los atenienses de la época. En contraste con sus predecesores, el autor mostró la escasa solidez de su fe en los dioses, que solían actuar en sus obras de una forma cruel y arbitraria. Por lo que respecta a los personajes, destaca la profunda humanidad que demuestran en su comportamiento y la especial importancia que el autor dedica a los caracteres femeninos. El empleo de un tipo de versificación poco usual, el abandono del sistema estrófico y la

b) Menandro (342 – 292 a. En la época clásica. en situaciones corrientes del diario acontecer. Por medio de su adaptación libre de modelos. y de ode. Lisístrata. Los primeros comediógrafos: Aristófanes.1 Origen. Las comedias de Menandro constituyeron el precedente de la comedia occidental.C. vulgares. la comedia se concebía como un espejo que mostraba de forma humorística los vicios y defectos de la sociedad.2 Características. Tanto la tragedia como la epopeya eran la expresión de lo noble y lo heroico. Las aves. fue Plauto el auténtico creador de la comedia latina. en cambio. Obras: Medea.2 LA COMEDIA. El nombre de comedia procede de la palabra griega komos. La comedia se diferenciaba de la tragedia – según Aristóteles– en su actitud ante el hombre y el mundo.C. asimismo. el misántropo y otros. que significa canto. con disfraces y burlas. como el avaro. de un modo divertido. 1. Se cree que las más antiguas formas de la comedia se desarrollaron mezclando los coros y las danzas rituales con episodios histriónicos. Plauto y Terencio. Como parte de las competencias dramáticas de los festivales atenienses se presentaban comedias ya en el siglo IV a. La comedia tiene también su origen en Grecia en los cantos entonados como culto a Dionisos. como su . Las bacantes. hacer reír a los espectadores.2. Las avispas. Obras: Las nubes. a) Aristófanes (450 – 388 a.).C. crítica a los filósofos y literatos de su época. El labrador. última etapa de la evolución dramática ateniense. es decir.). y tanto los caracteres a que infundió vida. pero su ironía y sarcasmo estaban. Menandro. La máxima pretensión del autor fue. que centró su atención en las costumbres y los problemas de la vida cotidiana. sobre personajes plebeyos. Obras: El arbitraje. c) Plauto 251 – 182 a. 1. Las troyanas. la comedia trataba. oposición a la lucha contra Esparta. fiesta de aldea u orgía dionisíaca popular. ante todo. las comedias de Aristófanes ofrecen una visión realista y cargada de ironía de la vida cotidiana helénica.2.C. 1.introducción de acompañamientos musicales insólitos fueron algunos de sus recursos dramáticos más destacados. Fue Menandro el máximo representante de la comedia nueva. en honor a Dionisos en su aspecto de dios de la vida y de la fertilidad. Se revela en sus obras un extraordinario dominio de la trama y singular maestría en la creación de caracteres arquetípicos. Hécuba. encaminados a apoyar sus convicciones ideológicas: defensa de los valores tradicionales. Ifigenia en Áulide.). Al lado de la grandiosidad de la tragedia griega.

al exterior del templo y. y empleó una forma literaria refinada. El tono realista y los matizados apuntes psicológicos presentes en las comedias del dramaturgo romano Terencio (185 – 159 a. Formión y Los hermanos. Se cree que está inspirada en un texto francés de la época. vencidos en su desordenado apetito. Surge de las ceremonias de culto religioso. poco a poco.2 El ocaso del medioevo. se produce el encuentro con Herodes. El eunuco. posteriormente. Obras: En el curso de su corta vida. De esta creación se conserva un fragmento de 147 versos distribuidos en cinco escenas. El verdugo de sí mismo. Pasión y Resurrección. que luego se ampliaron a representaciones bajo las naves de las catedrales románicas. se cierra el período medieval en la dramática de España. en el exterior de los recintos sagrados. y la quinta viene dada por el dictamen de los rabinos a Herodes.C. Todas las comedias de Plauto aludían a obras imitadas directamente de un original griego. La obra más antigua del teatro español pertenece al ciclo de Navidad.). a sus amigos llaman y dicen ser su . Los primeros dramas litúrgicos se representaban como una introducción a la liturgia y a propósito de las conmemoraciones de Navidad. Terencio escribió únicamente seis comedias. en la segunda. Con La Celestina. Los cautivos. Al igual que en el resto de Europa. se reúnen con una misma intención. la de ir a ver al Niño que va a nacer. la cuarta constituye el soliloquio del rey judío. fueron sencillos diálogos en latín. que transcurrían por completo en ambientes helenísticos.C. el espectáculo teatral salió a los atrios. de Fernando de Rojas. Terencio no intentó romanizar o vulgarizar sus tramas. d) Terencio (190 – 158 a. 2. A diferencia de Plauto. que. esta obra se representaba en el atrio de las iglesias y. en la tercera. Nos referimos al Auto de los Reyes Magos. constituyeron una fuente directa de inspiración para los grandes comediógrafos europeos de los siglos XVI y XVII. La obra debe terminar con la ofrenda de presentes al Niño y el canto de un villancico. El autor expresa que la obra fue “compuesta en reprehensión de los locos enamorados. que llegaría a ser considerada un modelo de la lengua latina. pero las tradiciones y costumbres a que hacía referencia eran las de la Roma de su tiempo. La comedia de los asnos. esas representaciones se fueron laicizando con la intervención de personajes populares y el uso cada vez más generalizado de la lengua romance. representadas entre el 166 y el 160: Andria. La primera escena presenta los parlamentos de cada uno de los tres reyes. ejercieron perdurable influencia en el desarrollo del teatro occidental.1 El alba medieval. La suegra. Inicialmente. 2 EL DRAMA EN LA EDAD MEDIA. de fines del siglo XII. Obras: Anfitrión.estilo ágil y dinámico.). 2. Con el tiempo.

Macbeth. entre otros. Enrique V. dramaturgo. a las unidades de lugar. d) Disminuye la tensión en las situaciones de gran violencia dramática. Shilock. y ofrecer así una visión profunda de los conflictos y emociones de la naturaleza humana. instala a Shakespeare como el mayor autor dramático de la literatura universal. La dramaturgia se pondrá al servicio de la ideología dominante y denunciará en sus obras al Papado. • Comedias: Sueño de una noche de verano. c) Empleo de variadas formas métricas. Este doble contraste se manifiesta también en el uso del lenguaje: por una parte culto y erudito y. tiempo y acción. Obras: • Dramas históricos ingleses: Ricardo II. Christopher Marlowe. el avaro. Asimismo hecha en aviso de los engaños de las alcahuetas y malos y lisonjeros sirvientes”. No se ciñe. Dedica toda su vida al arte de la escena. Coriolano. ya sea como actor. La asombrosa variedad de su genio. los conceptos de tragedia y comedia no suponen exclusión mutua. la audacia de algunas expresiones y la reivindicación que se hace de la sensualidad. Ben Jonson y William Shakespeare. Las manifestaciones anteriores corresponden al teatro alegórico. Shakespeare creó personajes que se constituyeron en prototipos de un carácter o pasión: Otelo representa al celoso. • Dramas trágicos: Romeo y Julieta. que sirven de fuente para los dramaturgos isabelinos. al fundir lo trágico con lo cómico. Posteriormente. Lo renacentista se expresa en no aceptar la presencia del pecado. administrador y coempresario del teatro El Globo. La obra revela en parte las circunstancias de la época con la presencia de elementos que responden a un doble punto de vista medieval–renacentista. farsas populares y obras moralistas que evidencian la crisis religiosa producida por la Reforma. director. incluso combina prosa con verso. a los clérigos rebeldes y al anglicanismo. que son propias de la Poética antigua. por otra. 3 EL TEATRO EN EL RENACIMIENTO 3. Ejemplo lo constituyen Las Crónicas de Holinshed. en Inglaterra (1558– 1603). Su importancia como dramaturgo se puede sintetizar en lo siguiente: a) Rompe con las normas clásicas del teatro inglés de la época. Otelo. El rey Lear. • William Shakespeare (1564 – 1616). la tragedia con el humor.dios.. El mercader de Venecia. Enrique VI.1 El teatro isabelino. Para Shakespeare. toda la riqueza expresiva de la lengua popular y el uso de refranes. b) Mezcla en una misma obra lo trágico y lo cómico en proporciones diversas. capaz de integrar la reflexión intelectual con la fantasía. Llamado así porque se desarrolló durante el próspero reinado de Isabel I. Julio César. A mitad del reinado de Isabel I se produce la mayor presencia de dramaturgos ingleses de que se tenga memoria. aparece el drama histórico. . • Dramas históricos romanos: Tito Andrónico. basado en la propia historia nacional. entre lo cuales destacaron Thomas Kid. Ricardo III. por lo tanto. Hamlet. Hamlet es sinónimo de la duda. Enrique IV. Medieval sería la intención moral que el autor hace notar expresamente y el castigo divino (la muerte) que reciben tanto protagonistas como criados.

por fin. el empleo de tres actos y la utilización de versos de diversa métrica. El alcalde de Zalamea. nuestro teatro cobra. Además. Al decir esto. • Comedias históricas: El mejor alcalde el rey. . por lo común. a) Lope de Vega (1562 – 1635). queremos indicar concretamente que. El perro del hortelano.2 El teatro español. Las actrices vinieron a aparecer sólo a fines del siglo XVI. o actos. Los actores eran sólo hombres. Obras: El burlador de Sevilla. Es más penetrante que Lope en el análisis psicológico y aprendió de él la movilidad escénica. Peribáñez y el comendador de Ocaña. continúa la tradición de la Edad Media aferrada al catolicismo. aconsejaba la introducción de una intriga secundaria paralela a la principal. con la llegada de este escritor insigne. Por lo que respecta al contenido. España. En el siglo XVI se denominaban genéricamente comedias a las diversas obras dramáticas que constaban. tan popular como Hamlet. Las concepciones dramáticas de Lope fueron reflejadas en un poema de 1609. Reconocido universalmente como uno de los más grandes autores de la Edad de Oro. Obras: • Comedias de capa y espada: La dama boba. de cinco jornadas. En el Renacimiento español destacan Lope de Vega y Tirso de Molina. a la elaboración de un arte más cercano a los gustos populares. Otelo o Romeo y Julieta. carácter definitivo. Arte nuevo de hacer comedias. la rapidez de acción de sus comedias. Cabe a Lope de Vega la gloria de haber creado un teatro a la vez literario y popular. En él exponía la conveniencia de que la acción pudiera transcurrir en diversas épocas y lugares –lo que rompía con la teoría clásica de las tres unidades: acción. “Lope de Vega es el creador del teatro nacional. enfatizó la acción por sobre el estudio psicológico de los personajes y le dio relevancia a la figura del gracioso. Su aporte particular se refleja en la presencia de personajes fuertemente caracterizados. Tirso extrae la fuerza y universalidad del alma femenina. Los primeros humanistas españoles se caracterizaron por su sentido trascendentalista teocéntrico. Utiliza el humor y se inspira en la realidad social. Todo ello tendía. b) Tirso de Molina (1571 – 1648). Según Guillermo Díaz–Plaja. en suma. tiempo y lugar–. se le considera el principal seguidor de la escuela de Lope de Vega. El siglo XVI centró la actividad del hombre en su sensibilidad artística y en la unidad de una fe religiosa ardorosamente defendida (Reforma y Contrarreforma). La prudencia en la mujer. aunque con predominio del octosílabo. Fuenteovejuna. y la complementariedad de elementos cómicos y trágicos. El caballero de Olmedo. especialmente los femeninos: de los hechos históricos. uniendo lo tradicional y lo nuevo en una forma genial y definitiva”. A diferencia de otros países europeos.3. sin cerrarse a los influjos del momento. Tirso popularizó a un personaje poderoso y enérgico como el Don Juan. tanto en la libertad de su técnica como en el dinamismo escénico.

predestinación–libre albedrío. que tenían como propósito instruir al pueblo sobre determinados principios teológicos. fantástico y poético. Los escritores más representativos de la época de Luis XIV son Moliére. 5. La teoría artística del Neoclasicismo se rige. Desarrolló la comedia. el Barroco está estrechamente ligado al espíritu de la Reforma Católica. Durante mucho tiempo de su vida. fue un espíritu crítico e irrespetuoso. Se cuidó de no atacar a la monarquía. Aunque el estilo barroco sea distinto del renacentista. un concepto filosófico y los personajes llegan a ser simples símbolos de conceptos abstractos. El siglo XVIII. por las finalidades del absolutismo. 5 EL TEATRO EN EL NEOCLASICISMO. en el vanidoso burgués y en el conde estúpido con la misma agudeza y los representó con idéntico descaro. fastuosidad de la corte– pobreza del pueblo. para que los hombres se alejen de los vicios y practiquen las virtudes. Calderón otorga importancia a lo simbólico. Se trata de una evolución. es el siglo en el que se origina la tendencia definida como Neoclasicismo. La filosofía de Calderón alcanzó su máxima expresión en los autos sacramentales. El neoclasicismo considera que sólo la educación conduce a la felicidad. Sucesor de Lope de Vega como principal representante del teatro español del Siglo de Oro. • Moliére (1622 – 1673). Sus obras dramáticas concentran la acción en torno a un tema central. a menudo. debe revelar la presencia de los vicios y virtudes. Sus obras de carácter secular giraban en torno a los dos conceptos fundamentales de la época en España: el honor y la honra. El médico de su honra.1 El drama neoclásico francés. el núcleo de la obra es. la literatura es considerada como un medio para educar y transformar a la sociedad. Con el reinado de Luis XIV (1643–1715) llegó al punto culminante el absolutismo monárquico y la hegemonía francesa en Europa. del racionalismo crítico implacable. alternando con el francés más correcto o con el latín macarrónico. como todas las formas de vida y cultura de la época. Construye artificialmente lenguajes hipercultos que le permiten ejercer la sátira. El gran teatro del mundo. del advenimiento de los Reyes Borbones. Racine y La Fontaine. . La vida es sueño. siglo de la Revolución Francesa. El Alcalde de Zalamea. o de las luces. • Pedro Calderón de la Barca (1600 – 1681). vida–muerte. composiciones de tipo alegórico y de un solo acto. Obras: La dama duende. Durante el período neoclásico. Calderón de la Barca expresó a través de su obra una concepción del mundo y de la vida de raíz profundamente católica. En España. que supo ver lo ridículo y grosero en el comerciante mezquino. Destacó Jean Baptiste Poquelin (Moliére). el siglo XVII no significó una ruptura absoluta con lo anterior. En sus obras abundan jergas y lenguajes dialectales.4 EL TEATRO EN EL BARROCO. Se intensifica el uso de las figuras literarias y del contraste: luz–sombra.

la idea de libertad conducente a la melancolía y a la fantasía y a la expresión de los sentimientos sin el freno de la razón. Las preciosas ridículas. Sus obras destacan por sobre la producción teatral de la época. aunque de escasa complejidad sicológjca. Obras: El viejo y la niña. El espíritu crítico. El sí de las niñas. el drama romántico exalta el yo individual. • Leandro Fernández de Moratín (1760–1828). La tendencia neoclásica española se caracteriza por el buen sentido. En sus obras dramáticas. como por los rasgos de ingenio e ironía. Se une la prosa con el verso y lo trágico con lo cómico. aparecen bien delineados. Lo sobrenatural alcanza un gran desarrollo en la literatura de la época. llegó a la cima de su popularidad gracias a sucesivas colecciones de leyendas en verso. la observancia de las normas dadas por preceptistas literarios y la fiel imitación de los modelos. Relacionado con esta actitud depresiva está el interés romántico por las ruinas. tanto por su sencillez y fina observación psicológica. Esta posición habría de desarrollarse en el siglo XVIII. En Don Juan Tenorio mostró su talento para el desarrollo de la intriga y la construcción de diálogos escritos en versos sonoros. El médico a palos. • José Zorrilla (1817 – 1893).1 El drama romántico español. por las tumbas. El Romanticismo nace como respuesta al Neoclasicismo. en gran parte. tuvo en España valiosas expresiones literarias. hijo del racionalismo y del afán científico. la acción es siempre viva y los personajes. traspasada. el espíritu crítico. Tradujo comedias de Moliére. El europeo vuelve la vista a su pasado histórico para reencontrarse con sus raíces y asignarle una identidad a su literatura. como consecuencia del racionalismo imperante. La subordinación de la obra artística a la razón era exigencia ineludible en el neoclasicismo español. basadas en relatos populares y dramas históricos de marcado carácter nacionalista. Durante la década de 1840. enfatizando los temas de orden moral que aluden a la decadencia social. 6 EL TEATRO ROMÁNTICO. El burgués gentilhombre.2 El drama neoclásico español. Fundamentalmente. El barón y la mojigata. 6. por la noche y por la muerte. de modo especial a su criterio rígido y estricto. . que nace de la incomprensión que el autor cree vivir. El avaro.Obras: Tartufo. Sobresalió por su inteligencia. El subjetivismo sentimental imprime las obras dramáticas españolas asociado a un estado de ánimo depresivo. cultura y agudas facultades para la crítica. No se consideran las tres unidades aristotélicas y se observa en las obras una mayor variedad y dinamismo. de espíritu cristiano. El teatro romántico representa una absoluta ruptura con la preceptiva del siglo anterior. 5. por lo lúgubre y lo sombrío. Uno de sus argumentos recurrentes fue la sátira contra los matrimonios concertados. entre las que destacó Leandro Fernández de Moratín. la intriga se desarrolla con habilidad. José Zorrilla es el mejor ejemplo.

alemán (1898–1956). 8 EL TEATRO CONTEMPORÁNEO. Su máximo representante es Bertolt Brecht. inconfeso y mártir. de notable realismo poético. Su obra La gaviota. Obras: Un enemigo del pueblo. de aguda crítica social contra los prejuicios y corrupciones. Para Brecht. Sus temáticas se refieren a problemas sociales. Traidor. c) George Bernard Shaw. Se le considera el creador del teatro ruso moderno.Obras: El zapatero y el rey. el mundo inmediato que lo rodea. Por su producción dramática se le considera como un renovador de la escena moderna. b) Antón Chéjov. el desarrollo psicológico de los personajes y un adecuado uso del lenguaje. en especial en lo relacionado al “teatro de ideas”. Las obras dramáticas realistas son expresión crítica de la sociedad. 8. Peer Gynt. Casa de Viudos. En la construcción del texto. de modo particular. Obras: Pigmalión. ruso (1860 – 1904). Escribe comedias realistas de gran agilidad en los diálogos. es elegida para iniciar las actividades del recién creado Teatro del Arte de Moscú. 7 EL TEATRO EN EL REALISMO. Don Juan Tenorio. Santa Juana. La profesión de la señora Warren. La realista imagen del hombre se vio favorecida por un desarrollo de nuevas corrientes ideológicas. Sus primeras creaciones están inspiradas en obras románticas. Muestro lo que he visto en los mercados . La dama del mar. en 1892. inglés (1858 – 1950). le preocupa. Allí se estrena. Al escritor le interesa describir y examinar en forma objetiva. unido al problema económico. Se define a sí mismo diciendo: “Soy un dramaturgo. en Europa se reaccionó contra el idealismo romántico. Plantea obras de gran contenido social y una continua crítica al sistema social vigente. el avance cada vez mayor del progreso material. Espectros. Durante la segunda mitad del siglo XIX.1 El teatro épico. y sin intercepción de sentimientos. El jardín de los cerezos. se convirtieron en dos importantes factores que incidieron en la nueva concepción de la realidad. Las tres hermanas. la hipocresía y los tabúes de la burguesía inglesa. su obra Casa de Viudos. • Bertolt Brecht. El Chéjov dramaturgo describe la decadencia de la burguesía rusa a fines del siglo XIX. Entre ellos. En su obra se plantean críticas hacia la injusticia. Participa en la fundación del Teatro Independiente de Londres. noruego (1828–1906). adquiere relevancia la liberación de la mujer. Fue tan célebre como maestro de la novela corta y como autor dramático. como la ciencia experimental o la teoría evolucionista. bajo la dirección de Stanislavski. Tío Vania. Por otra parte. el teatro debe ser consecuente con el momento histórico en que uno vive. Casa de muñecas. Durante un tiempo. a) Henrik Ibsen. tiene a su cargo el Teatro Nacional de Oslo. Obras: La gaviota. la composición dramática.

Desarrolla el tema de la incomunicación. En 1950 encabezó la Escuela Dramática de París. Se educa en Francia. rumano (1912 – 1994). diálogos cortantes y esquemáticos y el uso de la parábola como línea dramática. 1. Edipo había huido de Corinto para escapar al augurio del oráculo: mataría a su padre y se casaría con su madre. Las sillas. se observa una mínima tensión dramática. 8. • Sófocles: “Edipo Rey” (430 a. hijo de Agamenón. con quien discutió y a quien mató sin saber que era su verdadero padre. la venganza de Orestes. su madre. a su vez. el rey Layo.C. La . pues su presencia ocasiona las pestes que afectan a Tebas.C. Al dramaturgo no le interesa el desarrollo de conflictos. Edipo acude donde el adivino Tiresias. su obra maestra. a Clitemnestra. y a Egisto (Las coéforas). Junto con adaptar textos y ejercer la crítica teatral. con el propósito de hacer notar la incongruencia del accionar humano. metafísicas y trascendentes. Egisto (Agamenón). El rey se muere. Llegado a Tebas. que se expresa en la soledad del hombre. da muerte. He visto cómo se comercializa con la especie humana”.2 El teatro del absurdo. La cantante calva. encontró a un anciano. La lección. Es el principal punto de referencia en el concepto de teatro del absurdo. Brecht establece las bases estéticas y éticas de un nuevo teatro. que informado del crimen por su hermana Electra. El dios Apolo pide castigo para el asesino del rey Layo. • Esquilo: “Orestíada” (458 a. Obras: Madre coraje.C. desvinculado de la sociedad y transformado en un ser enajenado. por ello. Su interés se centra en mostrar la sociedad con sus defectos y con rasgos de deshumanización. Fue escrita en el 458 a. Las coéforas y Las euménides. La Orestíada narra la muerte de Agamenón. y está compuesta por Agamenón. con el nombre de El pequeño organón. En su camino. • Eugene Ionesco. Estos postulados los publica en 1948. sin saber que Pólibo no era su verdadero padre. quien le profetiza su futuro: vagará por tierras extrañas como mendigo por voluntad del dios. el tema común es el de la culpa y su expiación. Crea una nueva manera de hacerlo y verlo. PERÍODO CLÁSICO.) La única trilogía del autor griego que ha permanecido completa es la Orestíada. La ópera de tres centavos.de la Humanidad. Ionesco considera que el hombre cae en el absurdo y en la incomunicación cuando se aleja de sus raíces religiosas. Considera fundamentales el uso del humor y de la ironía. a manos de su esposa Clitemnestra y del amante de ésta. En sus obras propone sencillez expositiva. tras su regreso victorioso a Troya. encontró la ciudad desolada: una esfinge exigía víctimas humanas hasta que alguien resolviera el enigma que planteaba. Presenta una visión deformada y grotesca de la realidad. ALGUNAS OBRAS DRAMÁTICAS REPRESENTATIVAS DE LOS PERÍODOS HISTÓRICOS. Obras: El rinoceronte. y el juicio y exculpación de Orestes (Las euménides). El círculo de tiza caucasiano. Entre ellas.) La presentación del conflicto anticipa la tragedia y expone la superioridad del poder divino sobre la voluntad individual.

Escribió Hamlet entre 1600 y 1601. está la esencia del conflicto de la obra. • William Shakespeare: “Hamlet” (1604) William Shakespeare. su cuñado y sucesor en el trono. incapaz de vivir sin su amante. Calisto muere al caer de la tapia del huerto. de amor y muerte. 3. Edipo resolvió el enigma y se casó con su madre. PERÍODO MEDIEVAL. se ahoga en el río a orillas del cual cogía flores. Hamlet es el hombre contemplativo. El príncipe se sumerge en un pesimismo existencial. con quien tuvo cuatro hijos. enamorada de Hamlet. Yocasta. con un broche del vestido de ella. 1499. muerto por el príncipe al creer que era su tío Claudio. Desesperado. desarrolló las ideas y conceptos del Renacimiento sobre el ser humano. loca de desesperación tras la muerte de su padre. y de la vieja alcahueta Celestina. La trama básica se sintetiza así: el joven y rico Calisto se enamora apasionadamente de Melibea. que lleva a la muerte al propio protagonista. había prometido casarse con quien librase a la ciudad del monstruo. 2. Las acciones culminarán con la tragedia del último acto. Pármeno y Sempronio. Estructuralmente. sin embargo. que ejercen en él un paulatino proceso de degradación moral. Las revelaciones del adivino Tiresias hicieron conocer a Edipo y Yocasta la tragedia de que eran protagonistas. En esa contraposición de placer y dolor. no se centró tanto en la trama histórica como en la tragedia personal del joven Hamlet. se convierten en placer prohibido y. madre de Hamlet. intentando cumplir con el mandato de su padre. La obra fue compuesta durante el reinado de Isabel y Fernando (1474–1504). Edipo solicita a Creonte. cuyo espectro le revela que fue su tío Claudio quien lo asesinó para usurpar el trono y casarse con la reina Gertrudis. que en un principio lo rechaza. Ofelia. RENACIMIENTO. reflexivo. justo en el tránsito final de la Edad Media al Renacimiento. Polonio. se hiere los ojos. Sucumbe agobiado por el papel que le obliga a representar la fatalidad de las circunstancias. por mandato expreso de su padre. y Edipo. quedando ciego. tras una visita clandestina al jardín de Melibea. que actúa en rebeldía frente a su entorno. Una noche. ante lo cual ella se suicida. Yocasta se suicida. Calisto consigue relacionarse con Melibea. La jovialidad juvenil y pura del amor y el proceso del romance cada vez más apasionado. inglés. que lo destierre. Con la ayuda de unos criados. hija de unos ricos burgueses de la ciudad. ahorcándose. surge una obra dramática que se anticipa a la dramaturgia moderna. acosado por dudas. A comienzos del siglo XVI se comienza a llamarla Celestina en vez de Calisto y Melibea. fatalmente. basándose en un texto dramático sobre las querellas dinásticas en la Dinamarca del período medieval.reina viuda. • Lope de Vega: “Fuenteovejuna” (1619) . en dolor y muerte. al considerar que la maldad y la mentira son la guía de todas las actitudes morales. Se publicó en Burgos. con el título de Tragicomedia de Calisto y Melibea. el tema central de esta obra es la venganza que debe cumplir el príncipe de Dinamarca. • Fernando de Rojas: “La Celestina” (1499) A fines de la Edad Media.

frente al sepulcro del comendador. Es un pensamiento semejante al de la vida como comedia. haciéndose pasar por el marqués de la Mota. y éste. • Pedro Calderón de la Barca: “La vida es sueño” (1636) En las creaciones dramáticas de Calderón se concentra todo el valor creativo del Barroco español. se burla e invita a la estatua a cenar a su casa. 4. A fin de probarlo. seductor y burlador de jóvenes incautas. don Juan da la mano al comendador y se abrasa en su fuego. El protagonista es Juan Tenorio. pero el pueblo se subleva a favor del heredero. Su principal comedia filosófica es La vida es sueño. proyectan la visión de una humanidad ideal. que celebra sus bodas con el labriego Batricio. los Reyes Católicos perdonan la rebelión. En Sevilla. nuevo encuentro con una muchacha humilde. asimismo. Cuando la cena termina. a doña Ana de Ulloa. castiga injustamente a los hombres. y le da muerte. El rasgo predominante del Tenorio es su insatisfacción permanente. Comienza la obra con el diálogo entre el Tenorio. Nueva huida del burlador y su criado y. El pueblo se rebela dando muerte al tirano. conquistador incansable. pues en ambos aquélla es algo meramente transitorio y que se justifica sólo por el más allá. éste intenta engañar en Sevilla. padre de Ana.Un ejemplo típico del carácter popular de la propuesta dramática del español Lope de Vega es Fuenteovejuna. Don Juan la toma para sí y continúa su camino. PERÍODO BARROCO. hija de uno de los alcaldes y prometida a Frondoso. el rey Basilio. embozado. Al fin. lo ha confinado para evitar que se cumplan infelices presagios. cambiado interiormente por su experiencia anterior. • Tirso de Molina: “El burlador de Sevilla” (1630) La obra aparece por primera vez en una colección de comedias publicadas en Barcelona el año 1630 con el nombre El burlador de Sevilla y convidado de piedra. Naufragan y llegan a nado a una playa de Tarragona. quien la consigue a la fuerza después de apresar al novio el mismo día de la boda. agitada por un anhelo desbordante de comunión con la divinidad. don Juan logra huir en compañía de su criado. El desenlace es reflejo del sentido popular de la monarquía. la bella Aminta. pues los rebeldes valientemente atribuyen el hecho a todo el pueblo. en el camino. invitación que es aceptada. Sus dramas religiosos y. Pedro Tenorio. pero al escapar lucha contra el comendador don Gonzalo. Laurencia. Muchos sermones religiosos de la época insistían en la consideración de la vida como un sueño del que se despertaba en la muerte. a la que Lope de Vega respetaba y amaba con absoluta fidelidad. el gracioso Catalinón. Así recibe castigo el burlador. La idea expresada en el título de la obra de Calderón se desarrolla admirablemente en los monólogos de Segismundo. resiste las infames pretensiones del comendador. él la ha burlado haciéndose pasar por su prometido. y la duquesa Isabela. lamentaciones pronunciadas desde la prisión en que su padre. el duque Octavio. . donde la pescadora Tisbea se enamora perdidamente del náufrago. los filosóficos. atropella la autoridad de los alcaldes. con lo que Basilio cree confirmados los pronósticos y hace regresar al hijo a su prisión. Los jueces no consiguen averiguar quién es el autor del crimen. Protegido por su tío. el monarca le da un narcótico y lo lleva a palacio: Segismundo actúa en forma abominable. Responde al planteamiento de un conflicto entre la nobleza y el pueblo: el comendador Fernán Gómez de Guzmán burla a numerosas mujeres del pueblo de Fuenteovejuna.

en el mismo año de la muerte del escritor. los bienes de éste. que logró la prohibición de Tartufo por cinco años. investigador infatigable. ignoran los sentimientos de la joven las religiosas del convento donde se ha educado. se trata de apartar a Fausto. don Carlos. El desarrollo del conflicto del triángulo amoroso sirve para mostrar vicios sociales y enseñar normas de comportamiento. La primera parte del Fausto se publicó en 1808 y la segunda parte. Orgón. Racine y La Fontaine. Su piedad es una farsa que le permite obtener. sobrino de don Diego. formaliza un pacto con Mefistófeles. La crítica de la hipocresía religiosa que parecía subyacer en el texto dramático. • Johann Wolfgang von Goethe: “Fausto” (1808 y 1832) La inmensa obra de Goethe. una muchacha joven. Del mismo modo. Este último ignora el amor que existe entre ambos jóvenes. Y el estilo cómico es su recurso infalible. El mayor éxito de Moliére fue el estreno de Tartufo. Por medio de un diálogo de enorme sutileza y fuerza cómica. Prevalece la búsqueda de lo inmutable y lo infinito. La mirada de Moliére devela los vicios que la sociedad francesa de la época debe corregir. Es quien presume de católico. Al comienzo del Fausto. hizo de él no sólo el más célebre escritor alemán de todos los tiempos. la confianza de un honesto burgués. y. prometido oficial de la muchacha. época de Luis XIV. el dramaturgo presentaba la figura de un hombre sensual y lujurioso que. Goethe presentó la lucha de un hombre entre el anhelo de elevación espiritual y el apego a lo meramente terrenal. en el cual éste le ofrece la felicidad a . que intentó reflejar la armonía entre la razón y sentimiento. el demonio.asume el poder y actúa con justicia y bondad. en 1664. La culpa de esta falsa realidad la tiene la madre de Paquita. Mefistófeles. son Moliére. Cuando don Diego se entera de que ambos jóvenes están enamorados. primero. sino una de las más geniales e influyentes figuras de la literatura universal. anhela fervorosamente los bienes materiales y con una pseudodevoción disfraza sus reales intenciones. entre hombre y naturaleza. • Moliére: “Tartufo” (1664) En Francia. que pretende descifrar racionalmente el misterio del ser. 5. El argumento muestra a Paquita. Segismundo busca ahora la vida superior que no perece. bajo la apariencia de un virtuoso asceta. 1832. Tartufo es un personaje representativo de la sociedad francesa que vive de las apariencias en el siglo XVII. los escritores más representativos del período neoclásico. Fausto. a punto del suicidio. puso en contra de Moliére al clero católico. logra aprovecharse de la confianza de su protector e incluso volverlo contra su familia. y sólo es desenmascarado cuando intenta seducir a la dueña de casa. 6. apuesta contra Dios. generosamente renuncia a la mano de su prometida. desengañado de la fortuna del mundo. enamorada de un apuesto militar. • Leandro Fernández de Moratín: “El sí de las niñas” (1806) La comedia titulada El sí de las niñas es la más clara exponente de las ideas y la sensibilidad neoclásicas en España. de su afán y búsqueda sincera de la verdad. al desconocer los verdaderos sentimientos de su hija. después. PERÍODO NEOCLÁSICO. EL PERÍODO ROMÁNTICO. Insatisfecho de las respuestas racionalistas.

A ella. en airado defensor de la libertad individual. individualista. para salvarle de una grave enfermedad. la sumisión. sino ofrecer cobijo y libertad a la gente humilde. de muñeca necesitada de protección y tutela. en su drama fantástico–religioso. esclavo del código social. • Henrik Ibsen: “Casa de muñecas” (1880) Henrik Ibsen. Ibsen logra. el papel de niña. los ángeles la recogen. la capacidad de reflexión y cálculo. encarcelada por infanticidio. pero el Fausto romántico recibe el don de las fuerzas cósmicas en la segunda parte. Fausto. Pero la diferencia fundamental entre ambos don Juanes consiste en que el de Zorrilla se enamora definitivamente de doña Inés y aspira a formar con ella un hogar.condición de obtener su alma. Bajo esta superficie. ya anciano. PERÍODO REALISTA. saltar sobre los convencionalismos burgueses de su época. Con todo. El amor de la hermosa y apasionada doña Inés ha de significarle también la salvación eterna. ya que el amor auténtico alcanza la misericordia de Dios. por lo mismo. en adalid de la lucha del individuo contra las gruesas imperfecciones del sistema. recoge la figura del Burlador de Sevilla popularizada por Tirso de Molina y la adapta a la sensibilidad romántica. sin pensar en el castigo divino por su irreverente existencia. la protección. después conyugal. Por su parte. la seguridad en sí mismo: un personaje decepcionante. el esfuerzo. Zorrilla también es consecuente al proponer un desenlace feliz. denunciar a través de su personaje la esclavitud de las apariencias y la obsesión de la época con la salvaguarda y protección de la reputación social y el honor. • José Zorrilla: “Don Juan Tenorio” (1844) José Zorrilla. En ésta se mantienen constantemente los caracteres distintivos del protagonista y. aventurero y rebelde que sólo aspira a gozar temerariamente del amor y del mundo. 7. De esta unión nace Euforión. pero ocultándole la petición del préstamo para no herirle en su amor propio. no obstante. el infantilismo. Busca en la mujer la virtud. la inmadurez. se convirtió en el más duro fustigador de los convencionalismos e hipocresías sociales de su época. Muere y el infierno reclama su alma. el autor debía castigarlo haciéndolo ir al infierno. Mefistófeles no logra hacer olvidar a Fausto a su amor. proclamando que pueden salvar “al que no cesa de esforzarse”. Fausto es rejuvenecido y su pasión se desborda. el genial dramaturgo noruego. Don Juan simboliza al hombre libre. Goethe nos conduce a través de un laberinto de personajes y situaciones al momento crucial de la obra: la unión de Fausto y Elena. el trabajo. quiere ser un esclavo de la hija del comendador. Margarita. La trama inicial de Casa de muñecas presenta un matrimonio convencional. Terminala primera parte con la pérdida de la amada. La petición de un préstamo con la firma falsificada de su padre ha sido motivado por el amor hacia su esposo. donde a él se le representa como depositario de la razón. desenlace opuesto al de la obra de Tirso. Don Juan ha sufrido un cambio completo. ávido de vida y afán de superación. primero paterna. ofrece renunciar en favor de ésta a su libertad económica y de cualquier otro tipo. Nora oculta un secreto que irá rompiendo progresivamente ese feliz y artificial reparto de papeles. • George Bernard Shaw: “La profesión de la señora Warren” (1898) . a través de Nora. ya no quiere dar prueba de su poder. sin embargo.

Madre Coraje trata de sobrevivir con su hija y con su carro vendiendo mercancías donde puede. 8. desde la que cada cual se encaminará hacia su nuevo destino. ¿y la cantante calva?” Respuesta: “–Sigue peinándose de la misma manera. estableció un punto de referencia conocido como teatro del absurdo. que las más pobres recurren obligadamente a la prostitución para sobrevivir. abatido por las despiadadas exigencias de la vida de los negocios. dramaturgo francés de origen rumano. mediante un realismo poético. basándose en la ideología marxista. pero demasiado tarde para salvar a sus propietarios.Las comedias del escritor británico George Bernard Shaw plantearon por medio de la ironía y la sátira intelectual los problemas y contradicciones morales de la sociedad de su tiempo. una . La cantante calva es la comedia prototipo del período. y de él se considera que adoptó la fórmula del drama de ideas. verdadero jardín encantado. que han preferido llegar a la ruina antes que destruirlo. que se menciona en un diálogo incoherente: “–A propósito. la creación dramática rompe con la tradición inmediata y entra en un período renovador. Su título alude a un personaje desconocido.. • Bertolt Brecht: “Madre Coraje” (1941) En el siglo XX. PERÍODO CONTEMPORÁNEO (SIGLO XX). Ibsen el autor que más influyó en su vocación como dramaturgo. • Eugéne Ionesco: “La cantante calva” (1950) En la expresión dramática del siglo XX. que él oponía al “teatro culinario”. Como una acusación a la moral sexual escribió La profesión de la señora Warren. la obra de Eugéne Ionesco. En esta obra. Fue. sin duda. ahogada en la monotonía y el tedio de su propia vida. desarrolló su teoría del “teatro épico”. La acción dramática queda supeditada al contenido ideológico. Bertolt Brecht. el jardín cae. trató magistralmente la lenta agonía de la burguesía rusa. En esta obra. Ella es un ejemplo de supervivencia y de la necesidad de estar al límite para apreciar lo esencial y lo que realmente importa. Expone los diálogos entre dos matrimonios. se las valora y se las sobrecarga de trabajo de manera tan vergonzosa. el protagonista es el mismo jardín de los cerezos. en el que el público queda fascinado por la intriga e inmerso en ella. con sus árboles siempre en flor y en cuya espesura cantan los pájaros. arrastrando su carro en el que vive y duerme y en el que transporta sus bienes y familia. En su prólogo expresa: “.. y esta cualidad extraordinaria lo situó en un alto nivel artístico. La comedia termina con el desalojamiento de la casa. Dos de sus hijos van al frente y su hija muda permanece con ella. es una cantinera que sigue a los ejércitos suecos o imperiales por los campos de batalla. diálogos y discusiones llenos de inteligencia y de ingenio. pero sucumbe ante el poder destructivo de la guerra. Anne Fierling. mientras el ruido del hacha anuncia el corte del primer cerezo. • Antón Chéjov: “El jardín de los cerezos” (1904) El ruso Antón Chéjov. los Smith y los Martin. conocida entre los soldados por Madre Coraje.fue escrita en 1894 para llamar la atención acerca de que la verdadera causa de la prostitución no es la depravación femenina ni el desenfreno masculino. sino simplemente el hecho de que a las mujeres se les paga.” Shaw fue un creador genial de conversaciones.” La obra carece de argumento. finalmente. lo que lo llevó a obtener el Premio Nobel de Literatura en 1925.

son trágicos monólogos. Desde la fundación del Teatro Experimental de la Universidad de Chile (1941) y del Teatro de Ensayo de la Universidad Católica (1942). Valores sobresalientes de esta época son: Fernando Cuadra. lo irónico con lo crítico. En pocos dramaturgos es tan visible como en Luis Alberto Heiremans la unidad temática mantenida en la producción. la creación de compañías teatrales autónomas. donde los caracteres y el ambiente provincianos aparecen estudiados prolijamente. tras lo cual se ilumina la escena con la presencia del matrimonio Martin. en realidad. cuyos ridículos diálogos sirvieron para denunciar la ausencia de comunicación en las relaciones humanas. Toda ella está encadenada por un sentido de soledad cósmica . movido drama de asunto rural. como el teatro ICTUS. 2. quien demuestra gran habilidad en el manejo de los diálogos. expresando el mismo diálogo que pronunciara el matrimonio Smith al comienzo de la obra. Obras: Las Medeas. especialmente en Pueblecito (1918). Ha creado obras de tipo histórico. Entre sus obras destacan Como en Santiago (1875) y Cada oveja con su pareja (1879). La creación dramática en Chile amanece con el movimiento intelectual de 1842. en grotescas marionetas. en que se asocian. hubo un salto cualitativo muy importante en la dramaturgia chilena. La Ciudad de Dios. expresada en un neorrealismo y en un concepto de antiteatro. Se destacan las características psicológicas del hombre de clase media o de extracción campesina. Prevalece en sus producciones una nota de soledad. • Fernando Cuadra (1925). Es considerado el dramaturgo chileno más completo del siglo XX. paradojas e incoherencias. sabe aunar con tino lo poético y lo prosaico de la vida. En esta etapa se enfatiza el detallismo costumbrista del realismo. empiezan a notarse las influencias del comediógrafo y actor español Manuel Díaz de la Haza. El final de la obra muestra las simultáneas intervenciones de los personajes con destemplados gritos en la oscuridad. símil de Brecht o Ionesco. Las murallas de Jericó. Además. Sergio Vodanovic. A través de frases hechas carentes de significado. Luis Alberto Heiremans. incentiva la participación de excelentes dramaturgos. especialmente hacia fines del siglo XIX. Dramaturgos representativos contemporáneos. sentado junto a una chimenea. diálogos que. Jorge Díaz. en la segunda parte del siglo veinte. Los temas se universalizan y salen del retrato regional. A esta etapa pertenece Daniel Barros Grez (1834–1904). EL GÉNERO DRAMÁTICO EN CHILE 1. Alejandro Sieveking y Marco Antonio de la Parra. Surge una visión trascendentalista y una búsqueda de la “chilenidad” en sentido profundo y no meramente costumbrista. Pertenece también a este período Germán Luco Cruchaga (1884–1936) con su éxito La viuda de Apablaza (1928). • Luis Alberto Heiremans (1928–1964). Egon Wolff. A mediados del segundo decenio del siglo XX. Fue el primero en revelar psicológicamente nuestra sociedad. La figura sobresaliente del período es Armando Moock (1894–1942). Sus diálogos son fluidos. La niña en la palomera. Ionesco convirtió a sus personajes en seres grises que se debaten en una existencia igualmente gris. Desarrollo histórico.sirvienta y un capitán de bomberos. costumbrista y simbólico.

decide luchar cualesquiera sean las consecuencias.del hombre. va inexorablemente al sacrificio. Con la lectura de su sentencia. Los invasores. En la obra de Heiremans aparece como elemento constante una bondad natural del hombre. La obra analiza una situación de tipo generacional. Ha vivido largos años en España. arribista. Solo y débil frente a sus opositores. Solo. siente compasión por él. se inicia su peregrinaje hacia el lugar de su ejecución. mostrando problemas de tipo político y social en relación con una clase media temerosa. de incomunicabilidad. Su obra es un testimonio paródico de su época y ha girado en torno al absurdo. rebate y destruye cada uno de los . Obras: El cepillo de dientes. es traicionado y tomado prisionero. su antítesis. ve durante un sueño el despertar y reivindicación de una clase oprimida. el sentenciado. Arquitecto. desnuda los estratos más escondidos y sórdidos del ser humano. herido en su orgullo de hombre. Busca desenmascarar y denunciar un mundo falso y corrupto. El velero en la botella. El locutorio. Su estilo recurre al simbolismo. Ha planteado en sus obras dramáticas la situación de conflicto generacional. • Sergio Vodanovic (1926). conflicto entre padre e hijo. Obras: Parejas de trapo. el funcionario cede y se clausura el diario. • Luis Alberto Heiremans: “El Abanderado” (1962). Nos tomamos la universidad. incluyendo el humor y el caos. Su hijo Octavio. Un médico funcionario del Servicio Nacional de Salud no cede a las presiones para declarar insalubre un diario de oposición. Obras: El senador no es honorable. que no se siente comprometido ni llamado a actuar en pro de un ideal social. un bandido llamado “El Abanderado”. la ambigüedad y la ruptura de la unidad de acción. Tiene un último encuentro con su madre. no puede entender la actitud de su padre. decidido a recuperar su autoridad moral frente a la familia. quien no quiere reconocer en el condenado a su hijo. encabezado por “El China”. El tony chico. No obstante. Semejante a la narración de la Pasión de Cristo. que en situaciones límites descubre valores que lo redimen. • Egon Wolf: “Los invasores” (1963). con algo de humor. Sólo una persona. Así. pintor y dramaturgo. Buenaventura. • Egon Wolff (1926). representada en escenarios de América y Europa. La niña madre. Deja que los perros ladren. que cumple con los requisitos de salubridad. • Sergio Vodanovic: “Deja que los perros ladren” (1960). traído y llevado como un animal. dueña de un prostíbulo. un carabinero. Obras dramáticas representativas. Octavio despierta de su egoísmo y apoya a su padre en la lucha por sus principios. escarnecido e injuriado. La trama se sintetiza así: Lucas. Flores de papel. tendiendo siempre a un “teatro de ideas”. de angustia metafísica. Es autor de una abundante y valiosa producción dramática. El pueblo lo maldice. Versos de ciego. un burgués de vida holgada. 3.en diferentes grados de complejidad. y al lenguaje poético. invade su casa. Ceremonia ortopédica. Obras: La jaula en el árbol. vulgar y llena de egoísmo. José. Este hombre. Un grupo proletario. Espejismos. El Abanderado. La acción transcurre durante los preparativos y festejos de una fiesta religiosa. • Jorge Díaz (1930).

amenaza a Manuel con abandonarlo. La obra dramática es todo aquel mundo creado por un autor y susceptible de ser representado escénicamente ante un público. pero su versión definitiva data sólo de 1965. una o más acciones en un espacio y tiempo determinado. En síntesis. El título de la obra obedece a que entre los dos integrantes de la pareja. decepcionada de estar encerrada. En una pareja humana. La obra está concebida como la premonición de la culpabilidad de una clase que niega el cambio social. hombre casado. es una creación de lenguaje concebida por un autor llamado dramaturgo. por tanto. hija adolescente de una familia modesta. sólo el cepillo de dientes de él. Para Jorge Díaz. ella responde con alusiones a lo que escucha por la radio. Admira y envidia la vida de las estrellas de cine. explica y justifica su sistema de vida. es decir. los que serán explicados más adelante. aliena todo lo que se filtra en el subconsciente a través de los medios masivos de comunicación. Para la creación de una obra dramática. los hace dialogar y comunicarse para expresar sentimientos. Así “conversan”: él comenta algunas absurdas curiosidades de lo que lee. Ana se marcha sin saber qué rumbo tomará su vida. aparte y mutis. y que ese mundo amenazante. Ahora sabe que detrás de esa mano viene un grupo de seres humanos que exige condiciones de vida que les han sido negadas hasta ese momento. o palomera. aunque muchas de ellas no logran este propósito. Regresa la esposa. cuadro. Inicia un pololeo con Manuel. Desesperado por el miedo de perder a Ana. pensando que la aventura la acercará a sus ilusiones. 1 OBRA DRAMÁTICA Y OBRA TEATRAL Antes de hablar del género dramático es necesario tener clara la diferencia que existe entre obra dramática y obra teatral. que se extravía inexplicablemente. fomentada por los artefactos electrónicos que alienan. es una realidad que tendrá que enfrentar. culpándolo ante todos de haberla raptado. recorre su casa. el dramaturgo puede hacer uso de algunos elementos técnicos. Ana. ya que subió a escena en 1961. en ausencia de su esposa.argumentos con que Lucas defiende. parapetados en la radio y la lectura. Se fabrica un mundo frívolo. chofer de micros. Manuel la trata violentamente y ella lo abandona. falso y ajeno a su medio social. El objetivo de su creación es su representación. quien inventa y desarrolla. La obra tiene un marcado acento de crítica social. Esta obra sirvió para el debut público de Jorge Díaz. no acepta la realidad de su mundo. como: acto. tema predilecto del “teatro del absurdo”. . es decir. Sueña con vivir un romance “de película”. Rechazada en su casa. • Jorge Díaz: “El cepillo de dientes” (1965). escena. la posibilidad de ser representada. a partir de un conflicto. acotación. ocultándola en una buhardilla. Transcurren quince días y Ana. que creyó inexistente al despertar. la incomunicación. Lucas despierta de su pesadilla. posee una virtualidad teatral. • La obra dramática es sólo literatura. Manuel lleva a Ana a vivir a su casa. pero en ese momento ve una mano que se introduce para abrir la puerta. él lee el diario y ella escucha radio conectada con el auricular. • Fernando Cuadra: “La niña en la palomera” (1967).

a través de las diversas formas del discurso de los personajes: diálogo.! ¿Para qué conservo la memoria? ¡Ella. en un mes... delincuente ..! Oh. ¡Que haya llegado a suceder todo lo que veo a los dos meses que él ha muerto. hubiera mostrado aflicción durable. es decir. vestuario. Capitán: Salió bien gallo entonces. ¡ah!. plantear dudas acerca de las decisiones o compromisos que va a tomar en su debate interno. insípidos y vanos los placeres del mundo! Nada.. música. para que los espectadores participen. Esa mujer se ha casado con mi tío. ella misma se unió a otro hombre. Landa: Lo ayudé a vestirse. monólogo. maquillaje. ambientación. Rememora acontecimientos y descubre el mundo interior del personaje. cielo y tierra. que ni a los aires celestes permitía llegar atrevidos a su rostro. quese le mostraba tan amorosa como si con la posesión hubieran crecido sus deseos! Y no obstante. tiene una estructura dialógica.. nada quiero de él. o representación.• La obra teatral es la concreción. incapaz de razón y discurso.. pero no más parecido a él que yo lo soy a Hércules. Es un campo inculto y rudo. ¡Cielos! Una fiera.. iluminación.. o conativa.. semejante a Niobe.. interpretación. El mundo se “representa” directamente ante el lector. ¡Fragilidad. Lo demás lo hizo solo. estando solo en el escenario. 2 EL LENGUAJE DRAMÁTICO En el lenguaje dramático predomina la función apelativa. Ejemplo: “Capitán (A Landa): Parece que fue usted quien le enseñó al chiquillo. Es la expresión de pensamientos y sentimientos sin esperar respuesta. escenografía. enrojecidos aún los ojos con el pérfido llanto. Ella. de la obra dramática (mediante la puesta en escena se muestra de manera directa –audible y visible– el texto). En una representación teatral intervienen una serie de elementos que contribuyen a su realización... que sólo abunda en frutos groseros y amargos.! Ni siquiera han pasado dos meses desde la muerte de aquel rey que fue. dicción. ¡Ah. con el hermano de mi padre... tienes nombre de mujer! En el corto espacio de un mes. o el espectador (en el caso de que esté representada). comparado con éste.. y antes de romper los zapatos con que. o voces dramáticas. alternando los papeles de emisor y receptor.. como actores. se casó.. sí. no quisiera pensar en esto. soliloquio y aparte: • EL DIÁLOGO: Intercambio de mensajes entre dos o más personajes. bañada en lágrimas acompañó el cuerpo de mi triste padre. se interesen y se conmuevan.” (Luis Alberto Heiremans: El Tony Chico) • MÓNOLOGO: Forma discursiva que permite al personaje. como Hiperión con un sátiro y tan amante de mi madre. Ejemplo: “ESCENA V Hamlet (solo): “¡Oh! ¡Si esta masa de carne demasiado sólida pudiera ablandarse y liquidarse disuelta en lluvia de lágrimas! ¡Oh Dios! ¡Cuán fatigado ya de todo. Se presenta a través de los parlamentos de los personajes. no más. Landa: Así parece. En un mes. juzgo molestos.

.ja!. y por si acaso. pues mi lengua debe reprimirse. a desgraciarse no vaya por poco el paso.. no lo escuchan. refiriéndose no a sí mismo. Quien desentona es este bajo bribón. además.. Sin embargo.” (William Shakespeare: La Fierecilla Domada) 3 EL HABLANTE DRAMÁTICO . llevóme a mí. una cierta complicidad con otro personaje o con el público.precipitación. y salí. sino más bien al acontecer. Pero hazte pedazos. y también pierde ésta. Oh.. y quejarse No puede. ¡Pedantuelo! Yo te vigilaré más de cerca todavía. suponiendo que los otros personajes presentes en la escena. él se arranca los pelos encerrado en mi bodega. su parte en la grave apuesta defendía cada cual. (Aparte) ¡Qué fogoso y atrevido es nuestro pedante! ¡Por mi vida!. estableciendo. Su diferencia con el monólogo es muy sutil. ¿Otra aventura? Me alegro.. mientras le soplo a la dama. ocupándolos como sinónimos. ir a ocupar con tal diligencia un lecho incestuoso! Esto no es bueno ni pueda terminar bien. A la cárcel lo llevé y salió. ¡ja. Muchos autores no advierten diferencias entre monólogo y soliloquio. es el bulto una mujer.. viven los cielos! Estos son los que dan fama. hallarnos aquí era fuerza.. estando solo. ya se ve. limpio se juega. Con él. Mas con la suerte está mal Mejía. a mi ver. corazón mío. parece que el tuno corteja a mi adorada.. Ejemplo: “Hortensio: El bajo está bien. está en la menor presencia de diálogo y en que supone la presencia de un interlocutor. Ejemplo: Don Juan: ¡Buen lance. Más allí un bulto negro se aproxima. con presencia de un auditorio no necesariamente identificable. no es de más asegurarse de Lucía.. y..” (José Zorrilla: Don Juan Tenorio) • APARTE: Forma discursiva en donde un personaje habla en voz alta..” (William Shakespeare: Hamlet) • SOLILOQUIO: Forma discursiva en la que el personaje habla en voz alta.

para terminar con una nueva situación de equilibrio o desenlace. después de experimentar diversas tensiones y distensiones. para que imagine mejor la acción. letra cursiva o negrita. Progresa presentando la pugna de fuerzas en conflicto. 3. . LA ESTRUCTURA DE LA OBRA DRAMÁTICA. el cual se manifiesta mediante: • El lenguaje de las acotaciones: Es la palabra del autor fuera del mundo de los personajes. aunque a veces está destinada al actor y hasta al lector. y otra descendente.1. La acción corresponde a un proceso de desarrollo del conflicto en términos de planteamiento. Se presenta como una línea que se desplaza desde un punto inicial a un término. 3. aquella que se extiende entre el clímax y el fin. la situación original del conflicto y su desarrollo sólo puede provenir de los personajes.1 Estructura interna El mundo dramático se construye a partir de un eje organizador capaz de lograr la virtud específica del género. estas fuerzas son portadas por agentes y llevan a una crisis.1 La acción dramática Es un esquema dinámico que se distiende a partir de una situación inicial conflictiva.2 El conflicto dramático El conflicto se define como una tensión entre las fuerzas que se oponen. pugna de fuerzas y resultado o desenlace. los personajes que participan. entre otros. los ideales. la acción y el conflicto constituyen los elementos centrales de la ordenación del mundo dramático. El conflicto se configura una vez que el lector–espectador tiene conciencia de cuáles son las fuerzas en pugna y los objetivos que cada una persigue. que son en definitiva las que nos dan a conocer las acciones del mundo dramático. De tal modo. La acción comienza con la exposición de una situación de equilibrio precario y de los elementos que atentan contra ese equilibrio. en el texto se reconoce por estar escrita entre paréntesis. entregando información y organizando el mundo dramático. Se distingue una acción ascendente. pero desde una limitada perspectiva de conocimientos. el amor. sino como antagonismo de elementos concretos. tales como la virtud. • Toda la información escrita que estructura la obra (información estructurante).1. A este emisor ficticio se le denomina hablante dramático. El conflicto no puede concebirse como antagonismo de fuerzas abstractas. aquella parte que abarca desde el comienzo hasta el clímax. 3. • La organización de la multiplicidad de voces dramáticas (parlamentos de los personajes). lo que permite saber sobre su división externa. el receptor de ellas suele ser el director que pondrá en escena la obra.El emisor ficticio de la obra dramática cumple una función semejante a la del narrador. ¿Qué elementos del drama tienen la posibilidad de llegar a ser el eje “hilador” del mundo? Desde luego.

apelación a la venganza y recuperación del honor mediante el matrimonio con el ofensor –Astolfo–. . • Acontecimientos: unidad mínima de la intriga. reclusión. El conjunto de sucesos enmarañados y complicados de tal manera que permiten que el lector o espectador se sienta “intrigado” hasta el desenlace. en “La Vida es Sueño”. y corresponden a la disposición de la forma interior en exposición. En lo formal. por último. búsqueda del ofensor. hecho). liberación y conversión). serie de conflictos u obstáculos que se producen en el desarrollo de la acción y que los protagonistas han de superar para el logro de sus objetivos. La otra división tradicional del drama es en cinco actos. la mostración del obstáculo (antagonista) y.1. es un proceso que puede realizarse de un modo abrupto o gradual. su propósito. medio y fin. y consiste básicamente en la eliminación del obstáculo o la desaparición o anulación de la energía del protagonista. Al pasar de un acto al otro. declinación y desenlace. La división en tres actos proviene de las partes que Aristóteles distingue en la tragedia: principio. la intriga corresponde a los acontecimientos a través de los cuales se realiza la acción total. El término de esta fase de desarrollo del conflicto y de la acción dramática.2 Estructura externa Los elementos internos (acción y conflicto).• La presentación del conflicto consta de cuatro fases: la entrega del protagonista. el encuentro de las dos fuerzas. • Incidente: Unidad mínima de la historia. 3. La eliminación del obstáculo (triunfo del protagonista) o la anulación de su energía (triunfo del antagonista). hay dos intrigas paralelas que convergen al final: o Segismundo (puesta a prueba. culminación. o Rosaura (deshonra. grueso cortinaje que separa el escenario del espectador. (suceso. • El desenlace dramático se manifiesta a partir del clímax hasta el término de la obra. el cambio de acto está indicado por la subida y bajada del telón de boca. a. fracaso. por expresa voluntad de Segismundo) Como vemos. • El desarrollo del conflicto corresponde a la serie de esfuerzos que realizan ambas fuerzas para superar a la antagonista. está marcada por el clímax o crisis máxima. Acto: Se define como cada una de las unidades mayores en que se divide la forma externa de un drama. Por ejemplo. aumenta la tensión del conflicto.3 Conceptos relacionados con la acción dramática • Intriga: entramado de los incidentes. desarrollo y desenlace del conflicto dramático. se articulan u organizan formalmente a través de unidades claramente diferenciadas que constituyen la estructura externa de la obra dramática. Suele incluir más de un incidente. intensificación. La división en actos se relaciona con la disposición que se desea dar a la forma interior. basada en la distinción de cinco partes inherentes a la acción dramática: exposición. 3. el momento de mayor tensión en el choque de fuerzas.

es el personaje más relevante de la obra dramática. Los cambios de la escenografía en la puesta en escena. no simpatiza con ella. Su tarea principal consiste en buscar la solución del conflicto para conseguir el objetivo o propósito que persigue con sus acciones. Cada situación dramática impulsa a los personajes a la acción. El elemento fundamental de la situación dramática es el conflicto.b. Es el bueno de la historia dramatizada. el malo de la historia dramatizada. Es considerado. es el personaje principal. Un drama bien logrado requiere tanto de una acción atrayente como de buenos personajes. es decir. su accionar está dirigido a respaldar a una de las fuerzas en conflicto. Tipos de Personajes según su rol: a) Protagonista: es el centro de la acción. Cuadro: División de la obra dramática en su forma externa. Encarna o representa a una de las fuerzas en conflicto dentro de la obra dramática. Alrededor de él se teje la historia. Debido a lo anterior. c) Secundario: es aquel que no representa una de las fuerzas en conflicto. Es el que con mayor frecuencia aparece en la trama y sobre el cual recae el peso de la acción. c. más breve que el acto. Escena: Fragmento del drama cuyo principio y fin están determinados por la entrada y salida de personajes. A este conjunto de relaciones tensionantes que mantienen entre sí los personajes y que los impulsa a actuar se le llama situación dramática. coincide también con unidades de la acción interna LOS PERSONAJES DRAMÁTICOS. la desaparición o la derrota de una de las fuerzas en lucha. El lector adhiere a su causa. ya que su propósito u objetivo fundamental es impedir que el protagonista llegue a concretar sus anhelos. Los personajes de una obra dramática viven constantemente una situación que los incita a actuar con urgencia. esto es. indican los distintos cuadros. Cuando la escena coincide con la entrada y salida de personajes agentes en el conflicto. Se relaciona con la ambientación física. b) Antagonista: es considerado también un personaje relevante dentro de la obra dramática. que se opone a la fuerza dramática del protagonista. . los personajes son los agentes de la acción. simpatiza con ella. su participación es importante para el desenlace de la obra. Encarna o representa a la otra fuerza en pugna. sino que se suma con su fuerza a la del protagonista o a la del antagonista. elementos fundamentales del mundo dramático. El lector no adhiere a su causa. es el personaje opositor. En consecuencia. situación que se origina de las relaciones que cada personaje tiene con los demás. por ende. El conflicto es representado de la siguiente forma: uno o más personajes quieren lograr algo y otro u otros personajes se oponen y tratan de impedirlo. En síntesis. vale decir.

Tipos de Personajes según la complejidad de los rasgos que los constituyen: Planos: presentan un solo rasgo dominante y absorbente.d) Colectivo: es aquél que no se singulariza. Por el procedimiento de la alegoría. Tragedia Es una obra dramática donde figuran personajes ilustres. En relieve: presentan más de un rasgo caracterizador. sino existencial: su elevación proviene de la vivencia trágica misma y del modo de asumirla. estamos hablando de un personaje simbólico al que se le otorgan las características de las abstracciones que representa. El espectador debe hacer caso omiso de la piedad. Tipos de Personajes según su modificación durante el desarrollo de la acción: Estáticos: invariables en sus rasgos. La acción de la tragedia tiene como algo propio de ella el conducir de la dicha a la desdicha. del temor. se logra transponer ideas o entes abstractos en personajes dramáticos que poseen entidad propia. experimentan cambios conjuntamente con el desarrollo de la acción. Comedia Género dramático que se caracteriza por presentar personajes “inferiores”. Modifican su modo de ser. LAS FORMAS DRAMÁTICAS A) Formas dramáticas mayores a. sino que se le considera representante o portador de las características de un determinado grupo. o evolutivos: varían. por sobre los caracteres: la situación crea el carácter. Se comportan de una misma manera desde el comienzo al término de la obra. Se caracteriza por tener como elemento básico a la acción. es decir. cuya finalidad es producir una catarsis. Dinámicos. Pese a ser una sola persona. Al carácter “elevado” de los personajes se tiende en la actualidad a interpretarlo no ya en un sentido social –carácter “ilustre”–. que provoca el alivio de una tensión. que hablan y actúan por sí mismos. cuyos vicios y extravagancias son elevados al extremo. portadores de una acción carente de elevación y con desenlace agradable. su personalidad es polifacética siendo capaces de sorprender con un cambio o variación significativa. de ruptura de los límites humanos. b. del . Por lo tanto. El mundo de la comedia es de estructura esquemática y sus personajes son “tipos”. Se provoca así la risa. representa a muchas otras. temor y conmiseración en el receptor (lector o espectador). e) Alegórico: es un personaje que encarna un solo defecto o virtud. De allí surge lo cómico: una súbita mutación hacia otra área del ser. no evolucionan. y que termina necesariamente con un acontecimiento nefasto. signo de liberación.

actuar. • Drama histórico. por eso se ha tomado como un concepto genérico que se aplica a cualquier obra dramática. sino a la humanidad. para concentrarse en lo inesperado o en lo estúpido de una situación. alegórico y breve. sus personajes representan no a individuos. se utiliza para designar un sub–género teatral en el que se produce la síntesis equilibrada de la comedia y la tragedia. de autor anónimo . Auto: en general. ejecutar”. Ejemplo: “Ricardo III”. de Lope de Vega • Drama de personaje: aquel cuyo sustento es el personaje central como individuo. de Calderón de la Barca • Drama social. Ejemplo: “El Auto de los Reyes Magos”. así como al desarrollo lineal de la acción. de William Shakespeare • Drama psicológico: el drama psicológico retrata las luchas interiores del alma. era un drama religioso. Entonces la risa produce un tipo de catarsis. Su objetivo es iluminar diversos sectores del espacio social. de Lope de Vega • Drama de espacio: aquel sustentado por los personajes en cuanto portadores de espacio. A partir del siglo XVIII. Se pueden clasificar de acuerdo a su contenido en: • Drama de acción: aquel cuyo sustento es la acción misma. o de tesis: presenta problemas de una época o momento político. Su función es iluminar diversos aspectos del personaje central y de su evolución. c. Ejemplo: “El Caballero de Olmedo”.respeto. proviene del griego que significa “hacer.) B) Formas dramáticas menores a. Ejemplo: “La Ópera de Tres Centavos”. Ejemplo: “Fuenteovejuna”. de William Shakespeare (Es necesario considerar que muchas obras pueden ser clasificadas en más de un tipo de drama. o legendario: se basa. Tiende a estructurarse en torno a un conflicto único y con el mínimo de personajes. cuyo argumento se tomaba de las Sagradas Escrituras. personificando la conciencia en sus diferentes clases. o de una clase social. de Bertolt Brecht. Ejemplo: “Otelo”. Ejemplo: “Hamlet”. de modo que lo importante es la acción. más que en la historia. Drama La palabra Drama. en la leyenda y en la tradición. Ejemplo: “La Vida es Sueño”. de William Shakespeare • Drama filosófico: pone en escena los grandes problemas del destino humano.

también se le llama así de modo despectivo a las obras chabacanas o grotescas. dando así un avance del tema de la obra que se va a representar. de Valle Inclán. se refiere a los principios orientadores para la composición de obras. al decorado o la escenografía. Auto Sacramental: son representaciones simbólicas de la Sagrada Eucaristía. de Gil Vicente. Sainete: es una comedia de asunto popular en un acto. de Miguel de Cervantes. También se puede encontrar en entreactos. Loa: era una pieza breve que se representaba al principio de la función y que servía como introducción a la obra principal. a fin de que los actores no olviden el parlamento de los personajes. se representaban en día del Corpus en todas las ciudades de España. Ejemplo: “Las Castañeras Picadas”. . 3) Comediógrafo: escritor de comedias. de Fernando de Rojas. f. Son creaciones netamente españolas. 6) Escenario: parte del teatro destinado a la representación. En la tragicomedia hay un quiebre brusco entre lo trágico y lo cómico. Ejemplo: “Farsa de los Dos Físicos”. 2) Apuntador o Consueta: es quien da los “pies” o parte del parlamento. Antiguamente se utilizaba para la representación. Ejemplo: “El Viejo Celoso”. Es un retrato satírico de costumbres realizado en tono de bufonada carnavalesca. normalmente de planta oval. Farsa: pieza cómica breve. de Ramón de la Cruz. Tragicomedia: obra teatral que funde lo trágico con lo cómico y mezcla personajes de distintos estratos sociales de modo que usa un lenguaje cotidiano. lo que no ocurre en el drama. Entremés: obra dramática jocosa de un solo acto. h. vulgar. 5) Dramaturgo: escritor de Obras Dramáticas. 4) Dramaturgia: composición de un Drama. Ejemplo: “Códice de Autos Viejos”. g. Esperpento: farsas en tono grotesco (es propia de España) Ejemplo: “Luces de Bohemia”. o “Tragicomedia de Calisto y Melibea”. de Sánchez Badajoz.b. que solía representarse entre una y otra jornada de la comedia. ALGUNOS CONCEPTOS RELACIONADOS CON LA OBRA TEATRAL. d. 1) Anfiteatro: en arquitectura. tanto en los ensayos como en la representación. de Fernando de Rojas. es una gran edificación descubierta. Ejemplo: “Introito de La Celestina”. Ejemplo: “La Celestina”. c. En la tragicomedia hay contraste y se cae en lo caricaturesco y grotesco. mezclado con el lenguaje elevado o culto. a fin de preparar al público para el espectáculo. e.

con los que se efectúan durante la representación teatral los cambios de decorados y los efectos especiales. aquellas máscaras tenían una boca ancha que permitía aumentar el volumen de la voz. que van desde el mobiliario y decorado hasta la indumentaria de los personajes. maquillaje y efectos especiales. Conjunto de actividades previas que permiten la elección del proyecto escénico. .7) Escenografía: arte de adornar el teatro o de ambientar plásticamente el espacio escénico. disposición lumínico–técnica. 11) Máscaras: palabra de origen árabe que significa “antifaz”. reparto de papeles. Inicialmente el libreto era para la musicalización de la obra. 12) Maquillaje: sustancias cosméticas que se utilizan para caracterizar a los personajes. 15) Tramoya: conjunto de máquinas e instrumentos. Hoy en día se utilizan para caracterizar a los personajes. 13) Montaje: sinónimo de “puesta en escena”. 18) Vestuario: indumentaria que caracteriza a los personajes. Posteriormente se denominó así a la planta de movimientos en ballet. 16) Tragediógrafo: escritor de Tragedias. preparación de vestuario. El encargado de mover todo esto es denominado Tramoyista. y el que asiste a un espectáculo público. Además. Hoy en día se considera como libreto cualquier texto que contenga elementos técnicos que permitan la representación. (RAE) 9) Iluminación: dispositivo escénico (luces) que generan la atmósfera adecuada al tipo de representación. ensayos. Los antiguos griegos las usaban en las representaciones teatrales para diferenciar al actor del personaje. 17) Utilería: conjunto de objetos necesarios para la puesta en escena de una obra dramática. a partir de una obra. utilería. 8) Espectador: el que mira con atención un objeto. 10) Libreto: texto escrito para la representación. 14) Sonido: elementos acústicos que se utilizan en el teatro para ambientar las escenas de los personajes. decorado.