TEMA 9: EL TEATRO JACOBEO 1.

INTRODUCCIÓN Teatros isabelino y jacobeo son aquellos que corresponden a los reinados de Elizabeth I (1558-1603) y James I (1603-1625), ya que ambos fueron amantes del teatro, lo protegieron y estimularon con su mecenazgo. Entre ambos teatros destaca Shakespeare, aunque no fue una figura aislada, existieron numerosos autores de los que se pueden destacar Ben Joknson y John Webster, que representan una muestra de los géneros teatrales predominantes: la “masque” o mascarada, la comedia satírica urbana y la tragedia. AUTORES POPULARES DE LA EPOCA: • John Fletcher (1579-1625) uno de los más influyentes y prolíficos. Compitió con Shakespeare y escribió con él Henry VIII. Miembro de “The King’s Men” . Escribió numerosas obras. Destacan dramas pseudo-históricos de argumentos sensacionalistas, énfasis en la emoción y el sentimiento y caracterización escasamente realista como The Maides Tragedy y A King an No King que escribió junto a Francis Beaumont, miembro también del The King’s. • Thomas Dekker (1572-1632) autor de piezas muy populares en la çepoca como The Shoemaker Holiday y The Shoemaker Holiday Part 2 (la primera escrita junto con Thomas Middleton. La acción transcurre en Milán (disfraz velado de Londres, recurso típico de la época), su argumento incluye las convenciones de moda del género, historias paralelas de amores prohibidos o contrariados, identidades fingidas y estratagemas de todo tipo, sin particular pretensión de verosimilitud. • John Marston (1576-1634) famoso por The Malcontent aguda sátira contra la licenciosa corte de james I, en el género de la tragedia de venganza de corte maquiavélico. • Thomas Middleton se inició colaborando con Thomas Dekker y John Webster con quien escribió dos comedias muy populares: The Roaring Girl, vida de una delincuente famosa “Moll la carterista”, que travestida de hombre se declaraba a favor de la libertad y en contra del matrimonio; y A Chaste Maid in Cheapside, juna crítica mordaz de la ciudadanía londinense. Sus dos tragedias más importantes fueron Women Beware Women y The Changeling, esta última escrita con William Rowley. 1

Cyril Tourneur, famoso por su sombrío drama The Atheist’s Tragedy: Or the Honest Man’s Revenge.

Philip Massinger fue uno de los escritores más prolíficos, autor de las comedias de corte realista y profundamente críticas A New Way top ay Old Debts y The City Madam en las que recoge los problemas económicos y el descontento social del momento y de tragedias en las que combina en forma melodramática el misterio con el género histórico.

John Ford conocido sobre todo por su tragedia Tis Pity She’s a Whore, un drama familiar con incesto entre hermanos como fondo. Autor de tragedias que exploraban temas populares del momento como la brujería en The Witch of Edmonton, escrita en colaboración con William Rowley y Thomas Dekker, conflictos de pareja, amores contrariados, celos, crímenes pasionales, situados en escenarios lejanos como The Broken Heart, situada en la Grecia Clásica.

A pesar del florecimiento del teatro como género y como profesión, en realidad no gozaba de ningún prestigio más allá del puro entretenimiento y diversión. La precariedad de actores y autores era tal que en cualquier momento podían ser detenidos como vagabundos (estatuto de 1572, mantenido en el de 1608). Los autores estaban además en manos de los empresarios teatrales y de los propios actores, quienes a menudo eran accionistas de la compañía, compraban los derechos de la obra para luego modificarla a su antojo. Muchos autores jamás registraron sus obras, más preocupados por la presión de los empresarios que por una hipotética reputación literaria. No era extraño que las ediciones, si llegaban a publicarse, contenían errores y cambios significativos en muchos casos. El género alcanzó popularidad durante la vida de Shakespeare, y esto desencadenó una fuerte demanda. Las obras se escribían deprisa, sin demasiado cuidado ni refinamiento y eran muy frecuentes las colaboraciones. A la muerte de Shakespeare (1606) el teatro había alcanzado solidez y un alto nivel de sofisticación. Pasó de ser un espectáculo que competía con los “bear baiting” a un género donde se vertían las preocupaciones políticas y sociales. Su espectacular crecimiento obedeció a la unión de estos dos factores, por un lado entretener, a lo que se aludía repetidamente en prólogos y epílogos, y por otro lado la representación de cuestiones candentes o al menos de interés para el público a través de la puesta en escena. La época fue rica en controversias religiosas, políticas y sociales. Las crecientes y cada vez más radicales discrepancias entre anglicanos y puritanos, que concluyeron tras la victoria de 2

el recelo ante los complots papistas.estos últimos con la abolición de la monarquía absolutista de Charles I. La comedia romántica con escenas brillantes de reconciliación de contrarios y armonización social. también se representaron en escena. incorpora la variedad doméstica. los conflictos religiosos europeos. La iconografía cortesana. dentro del mismo entorno urbano y burgués. Bajo su influencia se pasa de la exploración de la existencia de conflictos entre el bien y el mal a la del mal como componente esencial de la naturaleza humana.El entorno bucólico pasa a ser la ciudad. cuya pujanza venía desarrollándose desde la época de los Tudor. cada vez más pujante en el otro. Las relaciones familiares: entre Dios y el rey y el rey y sus súbditos. No es extraño que la tragedia retorne a los excesos macabros del drama senequista. y en ella surgen dramas donde se representan los conflictos originados por lo cambios de costumbres sociales y las ideologías que los sustentan. El número de autores y obras crece espectacularmente ante la demanda de un público que se siente identificado de un modo u otro con la problemática que se le presenta. derrocado y decapitado en 1642. la ebullición de una economía floreciente por el ascenso de las clases medias propiciado por las nuevas rutas comerciales. a los que ahora se añadirán nuevas fuentes de horror procuradas por la sofisticación escénica y el refinamiento psicológico crecientes. típicos de los inicios del teatro isabelino. La desestabilización jerárquica y la movilidad social consecuencia de este auge de la clase media tendrán reflejo en las obras y en el trasfondo de los dramas representados. va cediendo lugar a una sátira cómica y mordaz que expone sin reparos el desatino y los vicios de una humanidad afligida por el pecado desde su origen mismo. y alcanza su cima expresiva con los 3 . las pugnas intestinas entre anglicanos y las diversas sectas protestantes encabezadas por el fuerte partido puritano.determinan la producción dramática que continúa canalizada en los géneros tradicionales de la tragedia y comedia e introduce modificaciones sustanciales. que se representa en pleno apogeo de bullicio incorporando un realismo vivo rebosante de humor y comicidad sin dejar de lado el análisis del vicio. No hay que olvidar que es en esta época cuando se establecen importantes compañías comerciales que serán el origen de lo que se conocerá después como el imperio colonial británico. La oscilación entre los dos polos de referencia que tenía el autor –la corte y la nobleza por un lado y la clase urbana. los géneros lógicamente se adecúan a ella puesto que forma y contenido literarios son difícilmente separables. Las obras evolucionan a la vez que los cambios sociales El pesimismo calvinista determinaría una significativa alteración de la consideración de la naturaleza humana. con el estallido de la guerra civil. la ambición y el arribismo de los enriquecidos con los negocios y el comercio. La tragedia. La comedia romántica se transforma en una nueva sátira urbana. las intrigas cortesanas.

LA COMEDIA: BEN JONSON (1572-1637) 2. jonson les dedicó Volpone. 4 . no llegó a graduarse en la universidad. fue crítico. también en la poesía. con una aguda capacidad de observación de la sociedad y de percepción psicológica y una extraordinaria fuerza cómica. donde incluía el teatro) y por supuesto en su crítica. pero tanto Oxford como Cambridge le concedieron diplomas honoríficos y en reconocimiento. especialmente en los epigramas (según él lo más maduro de su producción poética. su madre se volvió a casar con un albañil y él mismo tuvo que trabajar como albañil durante una época. Toda su obra es reflejo de su carácter crítico.1 VIDA. Disfrutó del favor real y en los periodos de bonanza escribió “masques” por encargo de la corte. bajo la influencia de un jesuita se convirtió al catolicismo para volver al anglicanismo varios años después. Sin embarno no pudo librarse de las acusaciones de “papista” y fue sospechoso de complicidad en el “Gunpowder’s Plot” por lo que tuvo que comparecer en juicio. impulsivo y por este motivo tuvo problemas con empresarios. aunque sobresalió en el género de la comedia mordazmente satírica. Estudió con una beca en la Westmister School. Hijo póstumo de un clérigo. toda la obra de Jonson refleja la personalidad del autor. poeta y dramaturgo. Parece ser que trabajó como espía de la corona para demostrar su lealtad. aunque no se conserva ninguna de esa época. 2. Como mejor se aprecia su obra es en su conjunto. Origen familiar muy modesto. crítico.Estuardo y cristaliza en el nuevo género de la “masque” o mascarada. Para huir del oficio de albañil. En 1598 mató en un duelo a otro actor y esto le costó pasar varios años en la cárcel. Capaz de retratarse a sí mismo de manera cómica y humorística no solo desde el punto de vista poético sino también físico en “My picture left in Scotland” poema recogido en The Underwood. OBRA POETICA Y CRITICA A diferencia de Shakespeare. Al regresar a Inglaterra se puso al servicio del empresario teatral Pilip Henslowe como actor y autor de obras dramáticas. Fue un personaje rebosante de vitalidad y energía. colegas autores y con el público al que acusaba de tener mal gusto y así lo reflejó en epigramas y prólogos. se enroló en el ejército y luchó en Flandes. En su vida se alternaron la pobreza y la prosperidad. aunque se libró de una condena más servera aduciendo su condición de clérigo dados sus conocimientos de latín. En la cárcel. representación estilizada y simbólica que privilegia el espectáculo y construye fastuosas idealizaciones de su propio mundo. Exigente.

teatro y crítica literaria.Su carácter temperamental y crítico le hizo participar en controversias públicas de índole literaria por el rigor y la profesionalidad que daba a su trabajo y el disgusto que le producían la falta de discriminación literaria del público y la afición que éste mostraba por los excesos retóricos y la truculencia en escena. hasta entonces el teatro era considerado un mero entretenimiento. particularmente de autor teatral. Aunque Jonson insistía en no hacer diferencias entre género literarios. El primero lo dirige a su público lector a quien considera más culto que el espectador. Para él eran fundamentales e insiste en ello. quienes representaron Volpone. toda su obra está imbuida de la conciencia y la necesidad de conocer bien el oficio y a los autores más excelentes. advirtiéndole que lea con cuidado los poemas para poder así poder entenderlos. poemas que rebasan el significado usual del término –brevedad. tanto la lectura e imitación de los mejores autores. Poesía: Epigrams. profundamente hostiles con el teatro y el propio público del teatro. agudeza. el parlamento. e intención satírica. no soportaba que demostraran tan mal gusto y falta de apreciación. Entre los blancos de su sátira se encuentran los políticos. Lector voraz de los clásicos. En 1616 editó personalmente y con sumo cuidado su obra poética y en la edición incluyó sus obras teatrales con la determinación de obtener reconocimiento. Para Jonson el autor nace y también se forja. Jonson valoró sus epigramas como lo más maduro de su producción.y les diera la idea de editar las obras de Shakespeare. así como el ejercicio de pulir el lenguaje y el estilo para conseguir claridady precisión. Es muy posible que esta edición influyera en John Heminges y Henry Condell –editores de First Folio y actores de la compañía de Shakespeare “The King’s Men”. 5 . a pesar de ser de quienes vivía.para incluir una gran variedad de estilos tanto por su estructura poética como por su extensión y un repertorio temático muy amplio. los puritanos. su producción literaria incluye 3 géneros: poesía. Quizá por este motivo puso tanto empeño y cuidado en la edición de sus obras al considerar que el lector debía ser un personaje más culto que fuera del ruidoso ambiente del teatro podría apreciar más y mejor su valor literario. Fue quien más luchó para dignificar la profesión de autor literario. puesto que consideraba que el teatro debía ser tratado también como poesía. colegas autores de obras de teatro a los que ataca a la vez que se defiende de sus críticas. “A good poet’s made as well as born” como dice en el poema que prologa el “First Folio” como dedicatoria a su admirado Shakespeare. concisión.

hospitalaria y espléndida. los imita y adaptó siguiendo fielmente el precepto del decoro. Implica esto que tanto el argumento como los personajes y el desenlace debían guardar una consistencia interna y resultar creíbles.2. entre ellos dos a sus propios hijos muertos tempranamente y otros poemas a acontecimientos diversos. proverbios. Tradujo el Ars Poetica de Horacio y fiel a su consigna de aprender mediante la imitación. alternativamente sarcástico. 6 . The Forest y The Underwood contienen también una gran variedad de poemas. canciones. En The Forest destaca “To Penshurt” dedicada a la mansión rural de Pilip Sidney. poemas amorosos –aunque son los más escasos-. abierta a amigos. bajo forma de aforismos. comentarios y pequeños ensayos sobre diversos temas relacionados con la preceptiva literaria y la poética. El poeta. Johnson insiste en cualidades como la discriminación y el buen gusto y critica los horrores en escena típicos de dramas como The Spanish Tragedy de Thomas Kyd o Titus Andronicus de Shakespeare.Admiraba a Horacio.máxima horaciana. a su juicio. Con ella inauguraría el género literario de la “country-house” con interesantes manifestaciones posteriores en poesía y novela como por ejemplo “Brideshead Revisited donde se refleja la decadencia de la sociedad de entreguerras. epitafios sentidos. a estadistas y poetas como John Donne. Coincide tanto con Horacio como con Sidney en la responsabilidad moral del autor. a los clásicos además de la tradición de los poetas ingleses. Además de los epigramas. y epigramas. escritores y artistas. el cumplimiento de las normas de lenguaje propias de cada estado y situación y la vigilancia de las reglas que determinan lo que propio o impropio de cada género. El tono es variado. epístolas.y corregir con el ingenio. desde dedicatorias. meditativo. relacionados directamente con sus lecturas de los clásicos. festivo y melancólico. así como las soluciones mágicas en los desenlaces o el recurso al deus ex machina al estilo de Prospero en The Tempest. elegías. donde celebra un estilo de vida noble. LA MASQUE Dentro de su producción dramática destacan dos géneros que corresponden a los dos diferentes tipos de público para los que escribía las obras: • La comedia: público heterogéneo de los teatros comerciales. crea ficciones que deben imitar la vida e instruir mediante el deleite. Timber or Discoveries es una obra en prosa con la misma estructura de reflexiones varias. propiamente dichos el volumen incluye odas y poemas a amigos y mecenas. Los títulos aluden a la diversidad botánica del bosque con toda clase de especies vegetales. 2.

el espectáculo en sí a través de efectos especiales fastuosos. Jonson trabajó asiduamente con él hasta que rompieron por rivalidades y distintos conceptos del arte escénico. Los monarcas de las dinastías Tudor y Estuardo fueron grandes aficionados a un tipo de iconografía que propició el desarrollo de este género. El motivo central debía ser muy preciso. música. La sofisticación y el esplendor que el marco del decorado fueron adquiriendo propició la colaboración del famoso arquitecto Inigo Jones. donde se exponía algún vicio o exceso de alguno o varios personajes de la corte que eran corregidos a continuación en la “masque”. A veces se trataba de una “antimasque”. hecho por encargo. se busca más el impacto sensorial que lo cuidado del lenguaje. el mensaje de la masque tenía como objetivo la presentación del triunfo de una virtud por oposición al mundo de la realidad con los cortesanos como actores y representantes de un mundo ideal. sin margen para matizaciones pero Johnson se las arregló para introducir elementos críticos de manera velada. danzas. Jonson estuvo condenado a prisión con su primera masque The Isle of Dogs en colaboración con Thomas Nashe. autor de suntuosas y espectaculares escenografías. su argumento giraba en torno a una alegoría de la relación entre el soberano y sus súbditos o de un éxito político o algún suceso relevante para la monarquía o alguno de sus miembros Jonson escribió un considerable número de mascaradas para la corte. donde predominaba la coreografía. En otras ocasiones. sino también evitar caer en desgracia. que se proponía como modelo a alcanzar. Dado que se creaban con motivo de alguna celebración o acontecimiento específico.• La “masque” –mascarada-: la corte. 2. En este género se da más importancia a la puesta en escena. La ironía residía entonces en el doble juego de la fantasía y la realidad. Se trata de un espectáculo exclusivamente cortesano. inexistente. su carácter era eminentemente laudatorio. o causar la ira real. Para sobrevivir en el inestable mundo del teatro no solo era imprescindible contar con un mecenas. OR THE FOX Jonson destacó en la comedia satírica y en ella encuentran el mayor número de obras escritas. cantos.2 LA COMEDIA SATIRICA: VOLPONE. Comedias más importantes: 7 .

refiriéndose al poeta e indicando con ello. sin cuidar una mínima calidad artística. que constituyen pequeños tratados de preceptiva. Jonson está presente de diversos modos en todas sus obras. su conciencia de árbitro crítico y de profesional de las letras y la autoridad que se arrogaba por su profundo conocimiento de los clásicos. No vacila en denunciar la propensión de los espectadores a la gresca y a la diversión tumultuosa afirmando que él se niega a semejantes prácticas en sus obras. 8 . lugar y acción aunque reduce ésta a un periodo de 24 horas y un solo lugar: Venecia. su vanidad no le impide alardear de lo mismo.− − − − − − − Every man in his humour Everyman out of his humour Volpone. y aprovecha la ocasión para atacar a sus detractores. los crímenes y asesinatos en escena que gustaban tanto al público. Finalmente anuncia la naturaleza benigna de su crítica. Satiriza las inconsistencias dramáticas y los recursos fáciles. or. Sigue las unidades de tiempo. Su afición a polemizar. Expresa el objetivo. A pesar de que había criticado a Shakespeare por sus supuestas cualidades de facilidad de escritura y rapidez de composición. En el prólogo de Volpone encontramos un breve y auténtico manifiesto poético. que la mayoría de las veces escribían por encargo a su vez de otros autores a toda prisa. basada en la tradición de la excelencia clásica. the Silent Woman The Alchemist Bartholomew Fair The Devil is an Ass A diferencia de Shakespeare. a la vez que se desmarca de la costumbre de escribir a toda prisa composiciones en las que intervenían varios autores. Defiende la amplitud de sus miras que no se reducen a la condena estéril ni a la comicidad por sí misma. or. así como los excesos de violencia. Habla de sí mismo en tercera persona. siguiendo a su maestro Horacio de instruir deleitando. The Fox Epicene. le movió a establecer las premisas de su poética en los prólogos. la voluntad que de asiste de dotar a su obra dramática de la dignidad y el reconocimiento de que gozaba la poesía. lejos de ser corrosiva o vengativa aspira a mejorar a la persona. cuya finalidad. Denuncia el plagio y la comicidad fácil y defiende su originalidad creativa para concluir exponiendo lo que será su preceptiva poética.

ya que aquí lo que interesa es la peripecia. como sí ocurre en el teatro de Shakespeare. Los “humores” eran los fluidos que los antiguos de acuerdo a la doctrina hipocrática pensaban que constituían la composición del cuerpo humano. el tempo dramático. Jonson ya había creado personajes tipo al estilo de la antigua comedia de Aristófanes y menando en su primera comedia de éxito Every Man in His Humour. alternando decasílabos con octosílabos. Grege. que le dan un ritmo extraordinariamente ágil y ligero. or The Fox nos anticipa una personalidad calculadora. el lenguaje y la fuerza cómica. • Voltore. Utiliza el pareado. Androgyno un hermafrodita son servidores. Uno de los rasgos más característicos de la comedia de Jonson es precisamente lo complejo de todos los elementos que forman un todo. todo amalgamado por una sátira feroz y divertida y una enorme energía. Castrone un eunuco.El carácter y el tono del prólogo son claramente epigramáticos. melancólico y colérico. como es usual en las composiciones de estilo. intrigas y el modo en que éstas van revelando las motivaciones y el carácter de los personajes. su criado es un parásito que se aprovecha chupando todo lo que puede de sus víctimas. engatusar y cazar a las víctimas obteniendo el máximo beneficio personal. flemático. Celia (cielo) y Bonario (bien) son los únicos personajes inocentes. En las obras no hay escenas de impacto imborrable. Todos son alusivos a su carácter y al papel que desempeñan en el desarrollo de los acontecimientos: • • Volpone. su efecto deriva del perfecto entramado de la acción. taimada. retomando la tradición de las morality plays. Según su predominio. astuta. las maquinaciones. La caracterización de Jonson 9 . de gregario alude a plebe o a vulgo. esto se anticipa a lo que será una característica del teatro de la restauración y del siglo XVIII. los personajes. al acecho de sus víctimas. un enano. daban lugar a los cuatro temperamentos: sanguíneo. Uno de los rasgos más llamativos de los personajes son sus nombres. al amparo de su amo con quien mantiene una estrecha relación simbiótica. Nano. • • • • Sir Politic Wouldbe es un adulador y arribista aspirante a político. Previamente nos ha ofrecido el argumento que es muy simple. Contribuye con él a atraer. Mosca. Corbaccio y Corvino corresponden a nombres de aves de presa con las que guardan rasgos de semejanza.

con él como protagonista en el papel de enfermo terminal dispuesto a dejar su herencia a aquel que demuestre mayor generosidad como testimonio de su afecto. la inteligencia de los personajes. los juegos de poder y las estrategias que diseñan los dos personajes principales. Los aspirantes a herederos. Todos los personajes están dominados por la pasión por el dinero y el humor radica en las diferentes formas en que lo ambicionan y acaban siendo víctimas de su codicia. han sido concebidos satíricamente. nos hace percibir de manera casi plástica el funcionamiento de su mente dirigida por la pasión que les domina. El arte de Jonson radica en su maestría para hacerlos psicológicamente creíbles. El dormitorio de Volpone se convierte en escenario dentro del escenario. El lenguaje está cargado de sentidos que confunden y a la vez revelan. precisión y eficacia de su capacidad de manipulación. Volpone y Mosca diseñan meticulosamente una serie de representaciones. Volpone es espectador de la comedia que ha urdido escondido tras la cortina de su dormitorio. La obra cuenta con un profundo sentido de lo teatral. Todos fingen. En el caso de Volpone. el vicio ridiculizado es la avaricia. Se alegra de antemano imaginándose el placer de la representación como quien anticipa el disfrute de la obra de teatro a la que va a asistir movido por los comentarios favorables sobre ella. los representan a la perfección. Aunque al principio los personajes con sus nombres y papeles simbólicos nos recuerden los vicios de las morality plays medievales. Son continuas las alusiones cruzadas. involucran en la trama a una serie de incautos avariciosos a los que seducen con la verosimilitud en el arte de la representación. actúan de acuerdo con las instrucciones de Mosca. Con enorme imaginación conciben una comedia estructurada en sucesivos actos. Volpone y Mosca nos convencen de la realidad. del escenario como teatro del mundo y el mundo como teatro donde todos representan papeles. por lo que son criaturas cuyas pasiones les reducen a un nivel infrahumano.va más lejos porque no apunta a una inclinación sino a un vicio predominante que expone en la obra para fustigarlo. enseguida gracias a la solidez y la complejidad de la trama. más propio del reino animal como sus nombres sugieren. Mosca 10 . se distribuyen los papeles. director de escena. representan ser quienes no son y en el colmo de la escena dentro de la escena. sino que la risa surge del alivio que se siente ante situaciones que sugieren una potencialidad de horror profundamente real. No son meras caricaturas que funcionen como pretexto para causar la risa. No son seres reales. para reírse de sus víctimas. con Mosca como protagonista.

más difíciles de burlar sean los burlados. una actividad totalmente repetitiva y físicamente extenuante. La avaricia de Volpone no radica tanto en atesorar una fortuna como en el puro placer de la maquinación de un método para conseguirla. La charlatanería de las mujeres. por lo que supone de muerte lenta en vida. Su lenguaje es comparable. concibe un final ciertamente menos sangriento a la vista pero no por ello menos cruel. Mosca disfruta igualmente con sus argucias. Es sintomático el componente de clase de la condena por su atrevimiento en usurpar el hábito de un caballero “Being a fellow of no birth or blood”. la esposa de Sir politic Would-be se equipara con la del teatro y a la de los abogados.adula a Volture. Su arrolladora vitalidad e inventiva hacen que prenda de un modo sumamente eficaz el interés del espectador que no puede sustraerse al magnetismo de la inteligencia de los dos personajes principales y hace que la burla sea tanto mayor cuando más poderosos y. en el género de la comedia. uno de los pretendientes. Jonson que había criticado el gusto del público por lo macabro y los cadáveres en escena. Mosca da importancia a las riquezas pero Volpone le confiesa que su auténtica motivación es el placer del diseño de las estratagemas para atrapar a sus víctimas y de la contemplación del modo en que la tentación se apodera de ellas hasta que seducidas por completo. aherrojado y cargado de cadenas hasta que estas le provoquen físicamente el estado comatoso que él había fingido 11 . Mosca es condenado a cadena perpetua en galeras. al grandilocuente plagado de metáforas de ambición cósmica de los héroes trágicos de Marlowe. El castigo que ambos reciben está a la altura del refinamiento sutil de la sátira correctiva y la línea del exceso y lo hiperbólico que ha caracterizado el disfrute de sus actos. caen en la trampa. Volpone que ha fingido estar enfermo en fase terminal. Por tanto se mantiene durante la comedia la distancia efectiva necesaria para que la sátira social y la crítica surtan efecto de manera eficaz. La ironía y la fuerza cómica del personaje residen en la incongruencia de los tintes heroicos de la representación que hace de sí mismo con la mezquindad de sus motivaciones. acostumbrada a alimentarse del esfuerzo o la propiedad ajena. No se despierta la empatía o la identificación del público con ninguna de las víctimas. encarnada en el personaje de Lady Would-be. siendo todas ellas aves de presa que se creen a punto de conseguir una fortuna. en apariencia. Es el disfrute del juego de poder. el diseño de la estrategia y el proceso de caza de sus víctimas lo que le produce satisfacción. abogado de profesión alabando irónicamente la proteica naturaleza del lenguaje del gremio. el peor castigo para alguien con una mente hiperactiva y una naturaleza parasitaria. es condenado a prisión.

Volpone lanza a sus sirvientes a la calle a difundir supuestas noticias y ambos se sirven de la difamación. en forma de pareado.para engañar a sus víctimas. ARDEN OF FAVERSHAM Y A WOMAN KILLED WITH KINDNESS La tragedia doméstica surge como subgénero dentro del género de la tragedia y lleva a escena cuestiones que eran objeto continuo de tratados y sermones en la época dentro de otros ámbitos y que correspondían a una creciente desestabilización del orden y á jerarquía social y familiar. 12 . Mosca. La comedia satírica es fundamentalmente urbana. la creatividad para imaginar tramas e improvisar personajes y situaciones. Las víctimas también reciben su merecido en la línea de la justicia poética que irá fraguando cada vez con más fuerza. 3.en contraste con el verso blanco del resto de la obra. permitiendo al actor que lo representa desdoblarse del personaje y pedir el aplauso al público. El autor le concede la última palabra. Este tipo de comedia supone una divergencia total del género de la comedia romántica pastoril. Por tanto el espectador puede asentir al placer de la actuación y la representación. Sin embargo Volpone tiene un castigo moral más ambiguo. Aunque el recinto que crean Volpone y Mosca sea el claustrofóbico del dormitorio de un enfermo. Con él comparte la agudeza de observación social que le hace percibir de inmediato los vicios de sus conciudadanos. pero aunque el desdoblamiento hace que actor y autor se eximan de cualquier interferencia con la intencionalidad moral de la obra. con respecto a las cuales no es difícil comprobar las afinidades del propio Jonson.rima poética típica del género. La obra finaliza con un epigrama apropiadamente didáctico dirigido al público. el rumor de la calle y el trasiego ciudadano están en el ambiente. conscientes de que crean un estado de opinión que les es favorable. Irá cobrando fuerza.1 LA TRAGEDIA DOMESTICA. quedan en el aire las cualidades imaginativas del protagonista. periodo en el que alcanzará su máximo esplendor. sumamente popular en la época. y como ejemplos tenemos las de Shakespeare. resurgirá con la reapertura de los teatros al restaurarse la monarquía con Charles II y se prolongará todo el s XVIII. LA TRAGEDIA 3. su dominio de la cultura clásica y la vitalidad y el exceso que recuerdan asimismo a los imperfectos y malogrados héroes marlowianos. anima a sus clientes a difundir lo que le interesa. consciente de la fuerza del rumor.

Arden responde con la sospecha de la infidelidad de su esposa que ha descubierto a través de unas cartas que ésta ha intercambiado con un sastre de arreglos. del burgo de Faversham. fueron descubiertos y condenados. Arden of…comienza con la mención de un reciente patrimonio. En la 13 . el arribismo social y la fractura de la rígida estratificación de la sociedad isabelina. En el prólogo de A woman…. Thomas Heywood advierte al público que debe rebajar sus expectativas. la mujer y su amante acuerdan entregar a la hermana de éste y criada de la mujer a los asesinos como aliciente para cometer el crimen. Aparte de su interés dramático. Scotland and Ireland de Holinshed en sus ediciones de 1577 y 1587. que medrando ha llegado a estar al servicio de un noble. en varios relatos más tardíos en incluso en una balada.Quizá el elemento más novedoso es el cambio de entorno social incluyendo un nuevo tipo de personajes con las consecuencias que esto conlleva. Una mujer. Ambas obras aunque distintas tienen muchos elementos comunes que caracterizan este nuevo género. La pareja y sus cómplices. La obra se basa en un hecho real ocurrido en 1551 reproducido en las Chronicles of England. En Arden. Ambas comparten el tema del adulterio femenino y un argumento secundario consistente en la disposición que se hacía de las mujeres como sello de contrato o como objeto de transacción acordado entre partes. hijo de Henry VIII coronado rey siendo un niño y muerto prematuramente. A tan buena noticias. Hay que señalar la importancia que el marido da a la baja posición social de su rival y la hostilidad hacia el empuje creciente de las clases sociales más bajas. oficial de tercera. se pone de acuerdo con su amante para asesinar a su marido. el interlocutor. La mujer a la hoguera y los demás ejecutados. sino miembros de la nueva clase social hacendada. obtenido gratuitamente producto de la disolución de abadías y monasterios católicos y la confiscación de sus bienes llevada a cabo masivamente durante la regencia de Edward VI. la “gentry” o de las clases medias urbanas con un poder adquisitivo creciente y una importante ambición. La obra tuvo una gran acogida popular a juzgar las 4 ediciones que se hicieron entre 1592 y 1633. Alice Arden. junto con la problemática de las relaciones maritales y el divorcio. Los personajes no son nobles ni aristócratas. Se puede decir que la tragedia se aburguesa. este éxito muestra la identificación que el público tenía con temas tan espinosos como las nuevas formas de hacer dinero. unos asesinos a sueldo.

Un interesante signo del estado de inestabilidad moral y social que dramatizan estas obras es la inadecuación de la convención literaria a la situación y al personaje. la naturaleza del contrato matrimonial era de índole civil y dependía del consentimiento mutuo. sobre la que recae toda la responsabilidad y culpabilidad del crimen sin permitr que el espectador se identifique con ella o la disculpe. Mosby por su parte. dato explícitamente mencionado por algún personaje. Alice. La amenaza se simboliza explícitamente en la ruptura cruenta del vínculo más sagrado. este no se sostiene y como un pilar sin buen cemento. el personaje del marido tampoco es presentado como víctima inocente. La Iglesia Católica se opuso siempre y la anglicana la mantuvo con escasas excepciones. que implicaba la amenaza del desvanecimiento de jerarquías y barreras de clase. por la imposibilidad de romper el vínculo por ningún otro medio. Cualquier brecha en uno amenazaba al otro. se derrumba quedando reducido a polvo.segunda uno de los personajes dispone de su hermana como precio a pagar para satisfacer una deuda económica. Hasta entonces muy claras y firmemente establecidas. protagonista de Arden. En el caso de Arden… la disparidad social entre mujer y amante es más evidente como lo es también la violación de todas las reglas del decoro por parte de la mujer. algunos arruinados por la concesión de tierras de la que Arden se había beneficiado a través del patronazgo del Duque de Somerset. porque al no existir amor en el matrimonio. el matrimonial. es interesante que quede evidenciado en la obra que su avaricia le acarrea el resentimiento de sus vecinos. La controversia fue áspera porque en ambos casos el matrimonio y la familia se erigían como modelo de las relaciones entre la monarquía y el pueblo. En ambas tragedias. En el seno de la facción puritana las diferencias eran radicales. Alice se expresa 14 . La mujer adúltera propicia la posesión no solo de su persona sino también del patrimonio del marido por tanto se vulnera por partida doble un contrato matrimonial tangible y una jerarquía económica social tácita pero no por ello menos inviolable. Sin embargo para los puritanos. Sin embargo. con el rey y el padre como soberano y el pueblo y la familia como súbditos. cuya legalización mediante el divorcio había sido objeto de vivos debates en la Reforma protestante. Otro tema común es el de la movilidad social. justifica su crimen en cierto modo. el amante carece de medios económicos y la relación adúltera es desigual en términos materiales.

es solo la forma la que cambia. Comparte con A Woman…una estructura que se reduce a una sucesión de escenas que presentan linealmente el desarrollo de la acción para culminar con el castigo ejemplarizante en el desenlace. y comparten el entorno burgués. impregnado de las alusiones clásicas de la poesía típica del género del amor cortés con la lucidez con la que en otros momentos. ella se levanta y lo representa para los espectadores que la contemplan dirigiéndose a continuación expresamente a las mujeres apelando a que sus pecados yacerán sobre su conciencia. la mujer tiene tan interiorizada la ley que es ella misma la ejecutora material del castillo y una vez convertida en penitente y apartada de su hogar se deja morir de inanición. el marido engañado por su mejor amigo en quien ha depositado su confianza y al que ha abierto las puertas de su casa. La intención didáctica es más explícita por cuanto que Anne se nos ha presentado al comenzar la obra como una esposa joven modélica con un matrimonio lleno de bienes en abundancia. Diferencias: La forma de castigo. no concuerdan ni con el concepto ni las convenciones del amor cortés que sin embargo utiliza para expresar sus sentimientos. En la obra teatral el realismo tanto del entorno social como de la deliberación y meticulosidad que presiden la planificación del crimen aunque luego se lleve a cabo de manera chapucera. los detalles de realismo. No se necesita ejercer la violencia. dada la perfecta homogeneidad de la pareja. y la mente práctica de Alice junto con su desenvoltura sexual. Cuando su marido le ordena esperar sentencia. La muerte está presente en la condena decretada por el marido. En Arden es sangriento mientras que A Woman… carece de un desenlace sangriento al estilo de la tragedia de venganza aunque cuente con el adulterio.con juegos conceptuales y lingüísticos y las oposiciones típicas de la poesía petrarquista transferidos a una situación amorosa totalmente distinta. La incongruencia no revela una voluntad paródica a diferencia de The Miller´s Tale de Chaucer. La venganza no necesita de la exhibición sangrienta propia del sistema de retribución moral y social ya que el control ideológico se ejerce de una manera mucho más sutil aunque la crueldad no por refinada es menos explícita. Anne la esposa traza brutalmente para el público su propio desmembramiento. justificándolo. porque la culpa es tan clara que la culpable está decidida a infligírsela ella misma. En A Woman. No están divididas en actos. Tampoco concuerda el modo en que imagina su transgresión. el tema del adulterio y el argumento secundario. No hay más que elogios para la joven 15 . ambos amantes perciben puntos oscuros en su relación.

inermes en un sistema de relaciones en el que son moneda de cambio. El trasfondo económico es aún más claro en el caso del argumento secundario. En el juego de vínculos que articula un sistema cuya inestabilidad va siendo evidente. las dos Susanas inocentes replican el destino de las protagonistas.desposada y nada hace presagiar la tragedia.2.2 JOHN WEBSTER (1580-1625): THE DUCHESS OF MALFI 3. que va punteando el principal sin particular incidencia sobre él salvo la de resaltar con crudeza el materialismo que preside todas las relaciones. La perturbación de su orden afectaba a todos sus miembros y a la organización social misma con claras implicaciones económicas. quizá por la supuesta debilidad de su sexo. La extensa familia de la época era un microcosmos con relaciones jerárquicas articuladas en las que los criados ocupaban un lugar definido. de ahí que lo doméstico suscitara tal ansiedad y polarizara con tal fuerza debates religiosos y representaciones dramáticas con argumentos en los que subyacían posicionamientos ideológicos y económicos en conflicto. 3. el adulterio surge por mera cercanía ya que el marido trata al amante quizá con exceso de confianza y liberalidad. la conexión entre el colapso matrimonial y el colapso social es clara. La Susana de A Woman… es empleada por su hermano como forma de pago para saldar una deuda. ella interioriza su destino como la protagonista su castigo y decide aprender a amar al que la compra como esposa y al que hasta ese momento ha odiado. De hecho la seducción apenas se explica. y contradictoriamente ilustran por la vía de los argumentos secundarios la situación de las mujeres. y es condenada y ejecutada al igual que los inductores del crimen. A la vez. En un paralelismo curioso. en ella no se da ningún detalle de su pasión. En el caso de la mujer no se sabe muy bien la razón por la que consiente. INTRODUCCION Y APRECIACION POETICA 16 . focalizado sobre el microcosmos doméstico al que el individualismo y la libertad de los miembros inferiores del cuerpo social pueden arrastrar cuando se produce una relajación o dejación de autoridad. Al igual que en Arden. este tipo de obras da cuerpo a temores y fantasías colectivas sobre el caos social. no solo las de amistad sino las familiares. Contrariamente a esto es notoria su pasividad en todo momento excepto en la determinación con la que ejecuta su propia muerte. La Susana de Arden… es utilizada por su hermano y su ama como parte del pago a los asesinos.1. ya que a diferencia de su amante.

a sueldo del empresario Pilip Henlowe. Dekker. famosas por la opulencia. Su padre poseía un negocio de carruajes en el que trabajó compatibilizando su actividad laboral con la de escritor. Años agitados por disputas religiosas con repercusión política inmediata. construida acumulativamente a base de retazos y ecos de obras ajenas. sus preocupaciones y sus motivos recurrentes resultan cercanos a la sensibilidad contemporánea. Con este panorama no es extraño que Webster situara la acción de sus dos obras más importantes The White Devil y The Duchess of Malfi en Italia. incluido Shakespeare. inaugurando un conflictivo reinado que incrementa las tensiones entre los parlamentarios y los monárquicos. Por esto se le ha acusado de falta de originalidad y de una composición poco cohesionada. año de la muerte de Webster. la maquinación y las luchas por el poder. The Duchess se representó en 1614 y se publicó en 1623. En 1625. Mientras tanto la presión puritana consigue el cierre de los teatros en 1642 con la excusa de la guerra. muere james I y sube al trono su hijo Charles. se proclama la Commonwealth y Oliver Cromwell es nombrado Lord Protector. Marlowe y Kyd entre otros. cualquier alusión a las intrigas y excesos de la vida cortesana nacional quedaba lo suficientemente enmascarada en el ambiente de las sofisticadas y fastuosas cortes italianas. El rey es ejecutado el 30 de enero de 1649. censura. el príncipe Federico y su esposa Elizabeth en cuya fiesta de boda se representa The Tempest. En 1618 estalla la guerra de los Treinta Años en la que el yerno de James I. En esta área recorrió todos los peldaños hasta llegar al éxito. para eludir problemas con la censura. Modernamente ha vivido una fuerte revalorización crítica quizá porque su densidad dramática e intensidad poética. Su obra es exclusivamente de autoría personal. pierden ohemia y el palatinado y comienzan un largo exilio. Esto le permitía una posición más segura al situar la crítica a la corrupción de la jerarquía religiosa y mostrar las posturas disidentes en un ámbito remoto y elegir como blanco visible a los odiados papistas. con fuertes influencias de Shakespeare. espionaje y persecución dentro del país debido a las revueltas de las católicos en Irlanda y a las tensiones crecientes entre la Iglesia Anglicana y las sectas protestantes. La carrera de Webster es paradigma de la dramaturgia jacobea en su conjunto. 17 . realizando colaboraciones en obras de otros autores tales como heywood. middleton.Para comprender en profundidad la obra de Webster es necesario referirse a la complejidad del momento histórico en el que escribe. entre las que predominaban los puritanos que acabaron por hacerse con el poder y sangrientas luchas en el resto de Europa. Webster perteneció a una clase media relativamente acomodada. Fletcher Massinger y Ford. Ambiente complots. Del mismo modo. Comenzó como escritor anónimo. acostumbrada al horror y al exceso. Como buena parte de sus colegas autores de teatro.

descubrimientos. la corrupción. el villano maquivélico. determinada por el autor. Hans Robert Jauss. las intrigas cortesanas y la lucha en la sombra por el poder o la muerte. el ateísmo. acabado con una significación cerrada. por ejemplo. La experiencia del lector o espectador. su formación e ideología así como la comunidad interpretativa en la que está insertado son cruciales en el acto de determinan la recreación de tal significado. el cortesano ambicioso. ambigua. debates religiosos. resulta suficiente para hacerse una buena idea de las convenciones que cimentan el drama jacobeo: el sensacionalismo y el efectismo. violencia en escena. El autor puede confrontar más o menos abiertamente los límites e ir más allá. que arranca de la aplicación de la doctrina filosófica de la fenomenología a la obra literaria. la influencia de las teorías políticas de Maquiavelo. presagios. necesariamente parcial e incompleta.Su trayectoria constituye un ejemplo de la teoría de la recepción. Fue llevada a cabo por Hans-Georg Gadamer. la finalidad moral. La obra es producto de una selección de perspectivas y valores. en Truth and Method (1975). así como la caracterización de los mismos de acuerdo con su tipología derivada en parte de la morality medieval. conseguidos mediante toda suerte de símbolos. la doctrina del doble cuerpo del monarca. 18 lectura y . También son un buen ejemplo para indagar en la profunda ambigüedad o complejidad que proporciona el continuo cambio de perspectivas sobre los personajes que ofrece Webster. El lector será quien desde su perspectiva confronta la obra y completa en cada momento su sentido. etc. prestigioso exponente de la teoría de la recepción acuña el término “horizonte de expectativas”.aunque convertida en farsa macabra. su propia historia. el clérigo corrupto o la viuda sensual así como las leyes del decoro que establecían una relación entre el comportamiento de los personajes y los arquetipos que encarnan. Este horizonte de expectativas está presente en el momento de la creación de la obra delimitando de algún modo las posibilidades expresivas del autor y la valoración que recibe de sus contemporáneos. La combinación y superposición de elementos naturalistas y sobrenaturales. rituales ceremoniales. Para Gadamer el significado depende por el contrario de la situación histórica del intérprete. la construcción escénica de The Duchess of Malfi. los conflictos sexuales y su repercusión social. suspense. el teatro dentro del teatro y finalmente justificándolo todo. ampliando con ello el horizonte. la mascarada –genero aristocrático de moda. desde los que el autor ofrece su propia visión del mundo que con frecuencia es compleja. Ambas obras son ejemplo de la teatralidad. Por su parte. y en todo caso. Argumentaba que la obra literaria no era un producto competo. la dislocación de las relaciones familiares.

así como de los hermanos y el propio Bosola. Duquesa de Amalfi. Al negarse éstos a pagar lo acordado por su intervención en el crimen. que se matan entre sí en una apoteosis desenfrenada de venganza. está dividida en tres partes. • Primera parte. Existen disparidad de valoraciones y significaciones. miembro de la Casa Real de Aragón.3.2. de quien se decía que había conocido personalmente a Antonio Bologna. el uno Cardenal de la Iglesia de Roma y el otro. La fuente de Webster fue probablemente la versión al inglés de William Painter de la traducción francesa de un fraile dominico. El resto de la trama se centra en la sucesión de crímenes que desata el asesinato de la Duquesa y sus dos hijos pequeños por orden de sus hermanos y organizados por Bosola. La historia está basada en un hecho real. La acción transcurre en Italia. junto con la impresión que le deja la extraordinaria dignidad con la que la Duquesa afronta la cruel tortura psicológica y la muerte a la que se la somete. comprende los tres primeros actos. la más mesurada. Como desconfían de su obediencia introducen a Bosola. además de matar a otros personajes secundarios atrapados en la espiral de violencia. La razón del secreto se debe a la violenta oposición a un nuevo matrimonio de la Duquesa. duque de Calabria. el mayordomo de la duquesa con quien había contraído matrimonio en secreto. 19 . La estructura de la obra responde a la clásica isabelina y jacobea de los cinco actos aunque a efectos del movimiento de la acción y el tempo dramático. ARGUMENTO. La acción está acompasada a la presentación y caracterización de los personajes y combina el movimiento con la emoción y el suspense. ESTRUCTURA Y LENGUAJE El argumento es muy sencillo. un espía. The Duchess. claramente marcadas por la muerte de la Duquesa. de origen social inferior puesto que no pertenece a la aristocracia aunque desempeña un alto cargo como administrador de los bienes del Ducado.2. por parte de sus hermanos. entre el personal de servicio de la Duquesa. hace que Bosola se vengue de ellos. ambos del linaje real de Aragón y Castilla. lo que complica la obra es la relación entre el lenguaje y las representaciones que este hace y la realidad social. a la que pertenecía el reino de Nápoles. La protagonista era Giovanna de Aragón. Lope de Vega escribió también una obra basada en el personaje titulada “El Mayordomo de la Duquesa de Amalfi”. El desenlace incluye la muerte de Antonio por error a manos de Bosola. joven y viuda se casa en secreto con Antonio.

El presagio es aún más horrible. manifiesta de que dejen a su hijo permanezcer en la corte y la asusente figura del hermanastro. 20 . único sobreviviente a la matanza. según la ocasión y la tensión emocional lo requieran. predecía para el recién nacido una vida muy corta y una muerte violenta y es el desencadenante de la tragedia. y más ocasionalmente la prosa. La acción se vuelve frenética y tumultuosa. Combina elementos meditativos con diálogos profundamente patéticos y con escenas de locura y violencia que refuerzan. Acción cada vez más lenta a medida que se acerca la muerte de la Duquesa con una secuencia extraordinariamente pormenorizada de su final. Sin embargo. aquejado de la desolación más absoluta. También. A pesar del uso mayoritario del verso blanco. encontramos con mucha frecuencia pareados. Dos escenas. pronunciadas por un fiel amigo de Antonio. La obra está escrita en verso blando. El verso oscila. Las últimas palabras de la obra. totalmente distinta. Ambos recursos colaboran en una brillante fusión de forma y contenido. El desenlace. un par de versos que riman entre sí. para concluir una especulación o cerrar una escena y también. Se utilizan con efecto sentencioso o epigramático. Los personajes lo utilizan para referirse a una verdad comúnmente aceptada. acto cuarto. a la vez para subrayar un juicio moral. son para anunciar que intentará restablecer al hijo mayor de este y la Duquesa. entre la estilización elaborada y un lenguaje más naturalista. Este horóscopo que se le cae a Antonio y es recogido por Bossola. el público recuerda el horóscopo encargado por su padre con ocasión de su nacimiento. pentámetro yámbico sin rima con las alteraciones usuales para resaltar sentimientos particularmente intensos o situaciones extremas. teniendo en cuenta el deseo que su padre. Acto quinto. por oposición el pathos y la impresión de inevitabilidad e inminencia de la tragedia. el autor da un giro radical. hijo del primer matrimonio de la Duquesa y con más derechos sobre el título. • Tercera parte. herido de muerte. y sugiere un irremediable caos. deja en el aire la escalofriante premonición de que la violencia y la disensión se han acallado solo temporalmente. en el Ducado que le corresponde por derecho materno. tanto Bosola como Antonio se expresan en ese medio –ninguno de ellos pertenece a la nobleza sino a una clase media emergente.• Segunda parte. cultivada y con aspiraciones. La muerte de la Duquesa desencadena una incontrolada sucesión de crímenes en la línea del género de la tragedia de la venganza de The Spanish Tragedy de Kyd. en la línea dramática de reservar la prosa para los personajes pertenecientes a la clase popular. esto es.

La alusión que pudiera interpretarse como dirigida al rey james I y a su escandaloso séquito de favoritos. empezando por los estamentos más altos. Bosola está dotado de una profundidad trágica. muere exhortando a resistir la injusticia. o el destino empujan a vender sus servicios. el público espectador comprueba en seguida. subraya la intencionalidad moral de Webster. por lo que su desenlace participa en cierto modo de la dignidad de la tragedia. Acción y opinión se refuerzan o se contradicen haciendo que las perspectivas cambien y permitiéndonos entrever otras facetas. el término neglected que Antonio utiliza para calificar a Bosola cobra pleno sentido al emplearlo el propio Bosola. a sus acciones.3. A Antonio lo conocemos primero por los juicios que él emite sobre otros y que muestran su buen sentido. Antonio utiliza otro término para describirlo: malcontent que se complementará un poco más adelante con el comentario irónico de Delio. condensa la futilidad de su existencia. pero los conoce. 21 .2. intrigas y rivalidades entre los diversos estados. al borde de la muerte. Su descripción. se introducen los personajes principales y se exponen las premisas de la acción. extraña en el asesino a sueldo al que su ambición o la miseria. sin éxito. PERSONAJES En el primer acto. lo que le da indicios de su manera de ser. Es significativo que sea un intelectual frustrado el que emprenda el camino de la violencia y se convierta en la mano que siembra el terror. su trayectoria y su muerte recuerdan el talante y la actitud de desafío de Fausto a un destino más fuerte. famosa por su corrupción. 3. que enmarca con uno. lo que le da un tinte más horrendo. De Bosola afirma que es una lástima que una persona de su valor se malgaste por falta de ocupación digna. En una obra en la que pronto advertimos la importancia de los ecos y de la refacción del lenguaje. y aunque ateo. La caracterización es a la vez directa e indirecta. Jamás pierde la conciencia de su responsabilidad y obligaciones. resulta cierta. notablemente mayor que en cualquier otra obra dramática de la época. Aunque al final intenta. y a la vez mayor sentido. Este reprocha al Duque Ferdinad el uso que ha hecho de él y de nuevo lo repite cuando. como es costumbre. además a través de los comentarios y los juicios que unos hacen de otros. el mensaje moral con el que concluye la tragedia. está matizada por la conveniente ubicación de la acción en Italia. El método varía. Admira al rey de Francia por el orden que ha introducido en la corte. desterrando a aduladores y a cortesanos de conducta disoluta. redimir el mal que ha causado. El espectador es quien finalmente decide.La abundancia de estos pareados. El público ve cómo actúan los personajes y los escucha.

El Cardenal carece de nombre de pila por lo que en su figura. a diferencia de Bosola. El Cardenal le considera demasiado honesto para utilizar sus servicios y prefiere a Bosola. lo que le sirve a Webster para una toma de posición respecto a la corte y los conflictos políticoreligiosos de la corte inglesa. al cardenal se le caracteriza con los atribuidos a la jerarquía eclesiástica católica: duplicidad. le vemos actuar y su comportamiento es coherente con la opinión que respecto a su honestidad emiten quienes le conocen. En la línea de la propanda anticatólica esparcida en libelos. Sabemos de ella por el encendido elogio de Antonio que la compara con sus hermanos contrastando su dulzura e inocencia con el negro retrato que acaba de hacer de ellos. Pero la duquesa al revelar una pasión más ardiente y una naturaleza más indómita. Junto a todas estas pinceladas. Los dos hermanos de la Duquesa. Desde el punto de vista teatral su caracterización se logra por medio de una interesante interacción de lenguaje y recursos escénicos que nos dan una serie de perspectivas muy distintas y sumamente efectivas a la hora de otorgar complejidad a su persona. despertando su confianza y dando así lugar a que caiga por fin en la trama que va tejiendo en torno a ella. Frente al despotismo y la soberbia que caracterizan a su hermano Ferdinand. La Duquesa es la figura central sobre la que converge la acción y la que suscita eñl pathos profundamente conmovedor de la tragedia. Ambos maquinan el asesinato de s hermana con los detalles de crueldad más sombríos. el duque Ferdinand de Calabria y el Cardinal encarnan. Los políticos hablan de que se ha enriquecido por medios turbios. hipocresía. aparte de unos trazos de realismo para conferirle una maldad creíble. predomina el tinte abstracto de la figura del vicio de la morality medieval. Son españoles y católicos. Naturalmente ocultan sus verdaderos interese.El retrato de Antonio se complementa con las opiniones que los otros manifiestan sobre él. como su degeneración en la licantropía. defectos considerados típicamente españoles. el mal sin mezcla de bien alguno. éste corrobora su honestidad cuando la Duquesa le pregunta su opinión. Pero la disparidad de su reputación fuera del entorno íntimo es muestra de operatividad del peligroso e incontrolable juego entre la realidad y las apariencias en el sustrato de la obra. con el conveniente salvoconducto de su ubicación en Italia. repetidamente se le asocia con el Diablo. alegando cuestiones de honor. como el confesado por Ferdinand de hacerse con la fortuna y el inconfesable de su deseo incestuoso insinuado en una compulsiva fijación con la sexualidad de su hermana. Irónicamente. La personalidad de este es la más perturbadra. Ella rechaza la ser vista como la inerte 22 . precisamente por el carácter subliminal de su presentación y lo infrahumano de los extremos a los que llega. manipulación y poder en la sombra. El pueblo le juzga ambicioso y arribista. matizan el retrato idealizado que hace Antonio.

como el público y la escena se vuelve sobrecogedora a medida que la Duquesa sigue hablando.figura de alabastro arrodillada a los pies de la tumba de su esposo y defiende su derecho a sentir y a vivir abriéndole los ojos a Antonio al confesarle sus sentimientos. porque el público contempla la escena y escucha a la Duquesa desde la doble perspectiva de Ferdinand y Antonio –hasta hacerse álgida ante el silencio del interlocutor. creciéndose en la adversidad. valerosa. risueña. Indiferente al rumor del pueblo que la califica de ramera. Es evidente que están escuchándola atentamente. naturalmente. A pesar de la degradación a la que el sadismo de sus enemigos la somete. la audiencia más culta y homogénea y mayor la 23 . de dimensiones más reducidas que los abiertos al aire libre. El precio de las localidades era más alto. en ningún momento pierde la serenidad ni se doblega. es Antonio quien la invita a dejar sola a la Duquesa y escucharla mientras esta habla sin saber que han salido de la estancia. se decide a tomar la iniciativa y a actuar por su cuenta. un teatro cubierto. Es justamente la prontitud de resolución por salvar a su marido. invita al público a unirse a los actores en la observación de lo que ocurre. Más adelante. lleva la iniciativa en su relación amorosa en todo momento. La representación que Webster hace de ella es la de una mujer alegre. La obra se representó en 1613 en el Blackfriars. roto por el comentario cariñosamente familiar “Have you lost your tongue?”. Consciente del poder sugestivo de la representación. propiedad primero de la compañía de niños actores y adquirido en 1609 por la compañía de King´s Men que lo utilizaba para la temporada de invierno. mostrando una entereza y dignidad supremas ante el macabro espectáculo de los locos y la elaborada escenografía de la muerte con la que pretenden quebrar su ánimo. creyendo. al escuchar los elogios que hace de él que le aprecia. imaginativa. lo que la pierde haciéndole confiar con excesiva rapidez en Bosola. La tensión crece por momentos. con recursos y respuesta pronta. La duquesa le pide a su doncella que escuche y sea testigo. antes de volverse y descubrir la presencia de su hermano. el espectador atiende con ella a la representación. mientras que entra su hermano sin que se de cuenta y escucha la conversación dirigida a su marido. Webster completa su retrato con una pincelada maternal indeciblemente tierna al poner en sus labios. ignorante de su salida. las recomendaciones más cotidianas a su criada respecto al cuidado de los niños. al borde mismo de la muerte. consciente del peligro que corre. Indignada por la prohibición de sus hermanos de pensar en un nuevo matrimonio y los insultantes y amenazadores términos en que la expresa. Webster es uno de los autores con más sentido de las posibilidades expresivas del medio escénico. resuelta. oculta tras una cortina de la escena que va a desarrollarse y.

objetos que aparecen en escena y términos que se repiten. Conscientes del poder de sugestión y de catarsis del teatro.cercanía del conjunto de los espectadores al escenario. Los ejemplos son múltiples y funcionan de modo acumulativo creando una tupida red de alusiones en un lenguaje densamente metafórico y poderosamente sensorial. como la alusión al disfraz y el disfraz mismo. son a la vez. Visor y mask. Los símbolos son poderosos elementos en el despojado escenario de la época. sin embargo. sus palabras ante el cuerpo exánime de su hermana “cover her face. representa diversos papeles. mine eyes dazzle: she died Young”. INTERTEXTUALIDAD 24 . memorables son algunos de sus versos por la concisión y. se pone y se quita la máscara y el disfraz y su actuación culmina en la macabra escenificación de la muerte que otrquesta para la Duquesa con ella como espectadora y a la vez como protagonista. Construye escenas memorables como la pavorosa del Duque Ferdinand intentando estrangular su sombra. Finge de continuo. Podría decirse de Webster que es un precursor de los efectos especiales. y tras salir de la estancia y ordenar que se enciendan. La obra entera está estructurada en torno a un juego de apariencias en el que la representación es. primero se hace pasar por el artista que erigirá su monumento funerario. el espectro de imágenes y sentimientos que suscitan. crear de un modo muy plástico atmósferas más densas y cargadas de misterio.5. Los ecos se suceden despertando resonancias y recargando con sus presagios la atmósfera de la tragedia. Después. por ejemplo. le pide que apague las luces. se divisan tras una cortina las siluetas de Antonio y sus hijos muertos.2. al que tan aficionado era el público de la época. Disfrazado de viejo. en una visita para atormentar a su hermana. los asesinos lo explotan sádicamente con el fin de quebrar la resistencia de su víctima. La Duquesa sigue el juego de la representación con la resignación de quien sabe la inutilidad de resistirse al papel que le ha correspondido en el gran teatro del mundo. 3. El duque Ferdinand. por tanto. Bosola es naturalmente el centro de este discurso sobre la ocultación y la máscara y su supremo artífice. A pesar de lo cual está determinada a representarlo hasta el final con la dignidad que corresponde al personaje. La iluminación con hachones y velas permitía jugar con efectos de luces y sombras y. medio para descubrir y para ocultar. simultáneamente. Webster domina el arte del efectismo. por el common bellman el enviado a los condenados la noche anterior a su ejecución para anunciarles con lúgubre tañido el próximo fin.

firmó un tratado de paz al poco tiempo de subir al trono y su 25 . El lector construye la significación de un texto en el acto mismo de la lectura al aportar una experiencia. pacifista a ultranza. La relación que se establece puede ser de amor y odio. Está impregnado de referencias. Intertexto es el texto o conjunto de textos que el lector debe conocer para poder entender bien una obra literaria de su época. el de las formaciones sociales y sus discursos. reforzado además por el cruce de alusiones al deseo de Antonio de sorprender al Cardenal en sus rezos. Al hablar del argumento de The Duchess … se indicaba la diferencia entre la sencillez de la historia y la complejidad del discurso. Bosola lo hace sin esperar confudiéndole con el cardenal y explica que ha sido un error igual al que se ve a menudo en el teatro. se vaya al cielo. contiene marcadas reminiscencias de King Lear. Una de las características con las que se está de acuerdo en distinguir la obra de Webster es su intrincada red de alusiones. El escritor. a pesar de que el rey James I. también incluyen elementos de argumentos y peripecias. antes de llegar a serlo. No es un sistema cerrado ni funciona como tal. motivos. como Hamlet sorprende a Claudius tras la representación the The Mouse Trap. más disfrutaremos al ir descubriendo la urdimbre de relaciones que la enriquecen. de rivalidad o seducción.La teoría de la intertextualidad consiste en que un texto con puede existir como un todo autosufiente y hermético. Cuanto más informada sea nuestra lectura. las huellas de su actividad como tal. Al contrario de Hamlet. unos sentimientos y una ideología propios. por ejemplo recuerda el de Polonius a manos de Hamlet. ha sido lector y su obra necesariamente incorpora de modo más o menos consciente. en definitiva. recobra fugazmente el sentido. de formas de caracterización. a su vez influidos por la “comunidad interpretativa” en la que habita. ecos e influencias de otros textos. a quien Bosola cree muerta. Incorpora una visión del munto. estrategias escénicas o cualquier otro detalle. Texto e intertexto están estrechamente conectados con el contexto histórico y habitados por elementos extratextuales que constituyen otra clase de texto. El asesinato por error de Antonio a manos de Bosola. referencias y préstamos de otras obras. cuando el rey aparece con Cordelia en Brazos. La escena entre la Duquesa. prefiere esperar a mejor ocasión para matarle no sea que arrepentido. No solo de orden lingüístico. que entra en diálogo con el testo y se deja interpelar o se defiende contra la que éste le ofrece. Del contexto histórico hay que resaltar las hostiles relaciones con España.

con una infanta española. El matrimonio despertaba grandes recelos entre los puritanos y la corte española tampoco veía con buenos ojos por lo que las negociaciones fracasaron y se doblaron las hostilidades. están en el trasfondo de todo el teatro jacobeo y muy particularmente en el de Webster. Bosola. La razón de esta violencia y de su dramatización en los escenarios tiene. a la metafísica del poder divino que la sustentaba. Con respecto a la relación intertextual que la obra establece con los discursos sociales imperantes.la frecuencia y el carácter extraordinariamente elaborado que adquiere la violencia contra el cuerpo femenino escenificada en el teatro jacobeo. según la cual el modelo de la estructura política se correspondía con el de la familiar. mientras que la punta más alta es un punto tan pequeño que apenas es nada. una de las dos hijas de Felipe III. The White Devil y The Duchess exploran este talante ante el momento supremo de la muerte. Hay que resaltar igualmente los conflictos religiosos que. expresan una visión del mundo terriblemente pesimista y oscura como muestra el elevado número de referencias textuales. resulta de enorme interés el análisis que Leonard Tennenhouse lleva a cabo sobre el tratamiento del cuerpo femenino como práctica discursiva en el capítulo titulado “The Theater of Punishment” de su obra “Power on Display” para Tennehouse es un hecho evidente –y la lectura de los dramas analizados lo confirma. La identificación del cuerpo del monarca con la monarquía y el estado iniciada por la reina Elizabeth I y vigorosamente alentada por su sucesor James I. a su juicio motivaciones claramente ideológicas que obedecen justamente al carácter político de las relaciones sexuales. El modo en que los personajes mueren constituye el test que sanciona o revalidad toda la existencia anterior imprimiéndole un fuerte valor semiótico. El creciente auge de los puritanos y la influencia de la doctrina calvinista de la predestinación es uno de los discursos que impregnan la obra. El estoicismo es una postura personal ante la indiferencia o la hostilidad del destino y las dos mejores obras de Webster. Recordemos el interés que puso James I en inculcar en sus súbditos una noción paternalista del estado y de su propio gobierno. absolutista. ilustra con una imagen extraordinariamente plástica la invertida trayectoria de la vida del Cardenal y lo apropiado de su final comprarándola con una gran pirámide cuya base es amplia. Bosola es quizá el exponente más claro de la inútil lucha contra la fría determinación del destino. 26 . en su papel de intelectual cínico pero lúcido. lo que es más grave. propició que cualquier delito contra la persona y la figura real fuera considerado como delito de estado. Aunque todos los personajes en una u otra medida. futuro Charles I.valido el Duque de Buckingham negoció el matrimonio del príncipe heredero. de uno u otro modo. El atentado contra la persona y la figura del monarca entrañaba el ataque a la monarquía misma y.

contaminándolo. cuya inviolabilidad hay que garantizar. Cualquier signo de corrupción es una amenaza al sistema político y a la comunidad entera por lo que su castigo exige una corrección proporcionada y literal en virtud de esta exacta homología de ambos cuerpos. del que una de sus manifestaciones más visibles había sido la supresión de la tortura y los crueles castigos físicos que precedían a las ejecuciones públicas por delitos de lesa majestad. Para el filósofo francés. al permitir la penetración de un advenedizo –moro. En su obra Vigilar y Castigar. en virtud de la equiparación del cuerpo físico con el político. y esta misma. lo que aumentaba extraordinariamente su gravedad y justificaba la dureza del castillo. exigía una exacta correspondencia de la naturaleza de la culpa con la del sufrimiento visible infligido. al examinar la tragedia doméstica.Se ha analizado asimismo la sutil dinámica de connivencia y resistencia frente a los intereses de la corona. El cuerpo femenino se erige en icono del estado. analiza a partir de la reforma de las leyes y procedimientos penales y de los sistemas carcelarios. En multitud de obras del periodo –probablemente las más paradigmáticas -Othello.las protagonistas femeninas constituyen una amenaza para la integridad de la jerarquía de la sangre. el nuevo humanismo. con el escenario como foro de debate de cuestiones sociales candentes. La modernidad temprana –término que designa el periodo isabelino y jacobeomarca el momento álgido de este tipo de representación pública del castigo corporal que. como del castigo y la reforma por quienes la transgredían. como se ha visto. De ahí el carácter físico de la aplicación de la pena y lo elaborado de la escenificación. se mencionaba la influencia de Michel Foucault. por otra parte. dada la dependencia de los dramaturgos del mecenazgo de la corte. En el caso del drama centrado en la figura de una mujer aristocrática que detenta el gobierno o está en su entorno. la interiorización de la ley marca la consolidación de la modernidad en el Siglo XVIII. el paralelismo entre el ámbito individual y el social resultaba evidente para el público jacobeo. tanto de la ley por el cuerpo social en su conjunto. la posesión de su cuerpo. Al explicar el neohistoricismo. implica la del estado. s cuerpo despliega una homología tal con la monarquía y el estado que cualquier indicio de polución afecta no solo a la individualidad de su persona sino al conjunto del cuerpo social que representa. Por la misma lógica. porque sustituía el doblegamiento asociado al suplicio físico por el sometimiento psicológico que conseguía “cuerpos dóciles”. King Lear. El éxito del nuevo sistema se basaba en una compleja red de vigilancia social con los mecanismos necesarios para la interiorización. Según Tennenhouse. Para Foucault el cambio consistía en un refinamiento del castigo. En esta línea. bastardo y un 27 . la ofensa de la mujer al marido en las representaciones teatrales rebasaba el carácter individual para adquirir connotaciones sociales.

popular icono desde la Edad Media del ascenso y la caída de los príncipes. al orden político natural. por lo que amenazan con enturbiar la pureza de sangre de la aristocracia. A partir de ese momento solo queda la resignación ante lo inevitable. los argumentos aducidos son los usuales. la semilla que germina oscuramente bajo la labor de Iago. por honesto que fuera. es válido a todos los efectos de acuerdo con el código civil y religioso de la época. La Duquesa es castigada por consentir que su deseo prevalezca a causa de la división que este 28 . la siembra también su padre al advertir a Othello que él será el próximo burlado ya que una hija que engaña al padre. engañará al marido. a partir de la cual. manifiestan un franco deseo sexual y toman decisiones en contra de la voluntad de sus parientes masculinos. a juzgar por la ética de las motivaciones y por el carácter moral de las protagonistas y antagonistas. se vio el modo en que la sexualización que su padre les asigna prefigura su conversión en monstruos. por tanto. su actitud es de interiorización y acatamiento. Todas ellas son voluntariosas. a la vez y súbitamente sienten por el bastardo Edmund. aunque no hubiera ningún precedente textual que justificara el intempestivo que ambas.en el cuerpo oolítico. Sin embargo. aunque secreto. Y aunque la Duquesa inicialmente se rebela contra lo que considera como opresión e injusticia. El mensaje es ciertamente ambiguo. relacionados con el honor masculino y la lujuria femenina.sirviente respectivamente. dado el caos social que su trasgresión acarrearía. En el de Desdémona. lo mismo que los epítetos utilizados para estigmatizar a las mujeres. Por el contrario. En el caso de Goneril y Regan. Sin embargo. sus detractores y quienes maquinan o infligen el castigo no son en modo alguno equiparables a la figura de un padre herido al fin y al cabo digno de lástima. el desenlace ejemplifica el coste personal a pagar por anteponer el deseo individual. el carácter fatal subrayado por la imagen de la rueda de la fortuna. Podría deducirse. que Webster está proponiendo un modelo de subversión y de resistencia a la opresión política. Son por el contrario. la Duquesa es víctima de la tiranía y las inconfesables ambiciones de sus hermanos. seres inequívocamente inmorales y humanamente despreciables. Su única súplica es que todo ocurra rápido para ahorrarse el sufrimiento. la fuerza del discurso dominante explica la persistencia de la secular asignación de otro significado. El discurso que subyace en The Duchess es más complejo porque parece que Webster se complace en adornar a la Duquesa con toda suerte de virtudes y lo mismo a Antonio. Su sexualidad se convierte en una forma de corrupción y son estigmatizadas por ello y brutalmente castigadas. Webster pone inmediatamente en sus labios el reconocimiento de la señal del castigo divino. En el contexto ideológico y social del momento histórico de su producción. Ambos son en todo momento intachables. Su matrimonio. sean el padre o los hermanos.

29 .establece con el cuerpo político. justificaría y ejemplificaría el castigo. alertando sobre las nefastas consecuencias del narcisismo de su opción. El desorden social a que daría.

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