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Encuentro de críticos e investigadores Centro Cultural de España en México dfdfsd

Momentos o instantes, ampliando los parámetros del lenguaje fotográfico
María Wills Londoño
La creación de la cámara fotográfica respondió no solo a una necesidad de representar más verazmente la realidad si no también, a privilegiar la velocidad en la consolidación del la imagen. Mediante el acto fotográfico, la acción prolongada de ver transmuta en efecto instantáneo, y de ahí se materializa en película sensible. El pasado queda entonces condensado en el presente y siguiendo la técnica fotográfica más tradicional se nos presenta en un soporte bidimensional absolutamente estático. No obstante, los nuevos medios, la experimentación visual y el arte procesual han llevado este medio por caminos diversos logrando extender la medida congelante del click y dilatando la condensación de la imagen o incluso frustrando la aparición del positivo. La medida del tiempo es sin duda una de las reflexiones más relevantes que plantea la práctica artística contemporánea en torno a la fotografía. La inmediatez en la representación de la realidad, que fue uno de los logros centrales en el momento de su invención pierde importancia. Artistas como Victor Robledo, Julio Grinblatt, Oscar Muñoz, Rosangela Renno, Nelson Vergara y David Claerbaout, cada uno en torno a sus intereses temáticos e inquietudes contextuales, buscan aproximarse a la fotografía mediante un retorno al oficio largo y paciente de observación y síntesis de la realidad que se utilizaba desde el renacimiento para realizar pinturas y dibujos. Este tiempo extendido necesario para plasmar el entorno en imágenes se creyó superado con las invenciones técnicas de Daguerre, Niepce y Talbot quienes siguiendo una lógica perfectamente coherente con la sociedad industrial obtuvieron una presentación directa de lo real lograda en fugaces segundos. Sin embargo, como veremos en diversos casos de la creación fotográfica actual, ese instante preciso se difiere y los tiempos de la fotografía se expanden. Ese momento congelado, que en palabras de Phillipe Dubois da a la figura viviente la inmovilidad de las piedras aunque sea sobre papel, se ablanda, y permite jugar con el tiempo y borrar el instante decisivo tan importante para Cartier Bresson, como violento para Roland Barthes, quien establece que esta inmovilización del tiempo termina siendo monstruosa pues deja el momento atascado evitando que fluya el recuerdo. Es imposible negar que la fotografía está indeleblemente marcada por lo instantáneo, por esa capacidad de congelar el momento y dejar un registro de lo que ya no será. Estamos ante la presencia física de una realidad ausente y cuando miramos una foto, vemos un objeto en el

La foto es entonces. ella es transparente y se pone al servicio del referente. Sin embargo. La experiencia fotográfica es un enigma en el cual esta presente un ayer y un ahora. camara lucida pag 120. encontraremos trabajos en donde el tiempo es cómplice necesario para deconstruir los procesos de consolidación de la imagen. motivando que el observador no suspenda la percepción por la fragmentación del tiempo de la imagen petrificada. hay una posición conjunta de realidad y pasado1.siguiendo la naturaleza indexical de la foto. A partir del rechazo de esa imagen estrella realizan una búsqueda de la imagen casi improvisada. dando prioridad al recorrido espacio temporal realizado para señalar esto y no aquello . para hablar de esta paradoja. un pedazo de memoria que veo en el presente como recuerdo impreso de un tiempo perdido. y donde entramos en territorios experimentales que abandonan los soportes tradicionales 1 Barthes. sea un individuo o el paso del tiempo medido desde la luz y la naturaleza quien defina la imagen. ese lapso en el que el artista sale de cacería para llegar en algunos casos a congelar el instante y en otros a prolongarlo. La fotografía no es lo que vemos impreso. El cuadro fijo seguirá presente en sus obras. nunca podrá traducir la sensación prolongada de lo vivido en realidad. sin embargo puede reproducirse infinitamente. el fotógrafo abandona el control. En los primeros casos expuestos en el presente escrito encontramos cuestionamientos a la imagen fotográfica perfecta que se logra solo en ciertos instantes privilegiados.y dejar una huella perfecta o imperfecta de la realidad. y en algunos casos hasta la autoría por privilegiar que otro actor. ¿Será que el registro fotográfico logra ser la tecnificación de los instantes de nuestra memoria? ¿Hasta que punto puede la imagen fija condensar el tiempo que es más bien intangible en términos fotográficos? Estos cuestionamientos están presentes en los trabajos artísticos que se estudian a continuación. para privilegiar la presencia del tiempo. Precisamente en la búsqueda de la disolución de esa imagen sólida. Los cruces entre video y fotografía serán explotados no solo como manera de extender los límites de cada medio. si no con la intención de prolongar la mirada y abandonar sutilmente la inmovilidad inherente a la foto.presente con una imagen del pasado. la imagen fotograbada violenta el tiempo al tomar solo una tajada de este. y aunque registra un instante. El dibujo que hace la luz en el negativo ha ocurrido en el mundo una sola vez. . pero se relaciona con la imagen fotográfica. Nos interesa en este texto estudiar esa medida del tiempo que está por fuera de la cámara. el video entrará en escena. sin embargo. tiene la imagen de reportería y de documental. la fotografía repite mecánicamente lo que nunca más podrá repetirse existencialmente dice Roland Barthes. que cargan con el registro de un tipo de aura que podríamos decir. también resaltada por Sunsan Sontag como esa inevitable atemporalidad de la fotografía que puede evocar en el presente una situación del pasado. Como dice Barthes en Cámara Lúcida.

.para darle cabida a elementos metafóricos como el vapor y agua que serán el tamiz para filtrar una imagen que debe desaparecer. El artista instará a una reflexión. y por este camino realizará su obra en un proceso lento de observación del mundo. nos enfrenta a una agresiva velocidad en la asimilación de la fotografía. una imagen incierta. Si hablamos de esa transparencia de la fotografía que se pone al servicio del referente como index. En la obra de Víctor Robledo. quedó desplazado y la instalación y el video entraron en escena. no existe un momento central. La paciencia que es discípula del tiempo será herramienta necesaria para captar imágenes desprovistas de información o temática preestablecida. En su obra Diarios de luz (2004) se ve el paso de un rayo de sol por un espacio. dejan de ser un hecho visual tangible. así veremos figuras geométricas y líneas de luz y sombra que se mueven en el espacio. Al dar prioridad a la luz como objeto a fotografiar. Sus series son el antes y el después. unos fenómenos efímeros que se presentan en los momentos aparentemente inocuos que existen entre una y otra imagen. encontramos largos procesos de experimentación con la luz y el tiempo para lograr construir una definición de abstracción atenuada por el peso de la huella inherente a la fotografía. para privilegiar la experiencia temporal que se presenta en el proceso extendido del tiempo como mecanismo para hablar de la memoria y la incapacidad de esta de grabarse en la quietud de una imagen fotográfica. es la luz. la luz y la sombra serán mecanismos para visualizar la prolongación del paso del tiempo. Robledo pretende huir de esta medida acelerada del tiempo. abstrayendo el referente para darle un espacio prioritario al paso del tiempo. El exceso de imágenes impuesto por la cultura mediática actual. y vemos un signo sin código. en el caso de Robledo se trata de lograr el efecto opuesto. la narración se desmaterializa. En las imágenes de Robledo. Estas obras que se presentarán finalizando el ensayo. pues borra cualquier indicio referencial de la realidad para poner la imagen al servicio de la luz y dejar que ella se nos presente en su máxima esencia. lo estático. intimo y vacío: las imágenes se realizan en espacios desolados en donde el tiempo discurre a una velocidad diferente. Vemos un índice de ese entorno. Robledo logrará captar en cambio un ambiente. por encima del instante de la toma fotográfica. Desde sus trabajos iniciales a mediados de los 70’s la fotografía única fue insuficiente para mostrar el paso del tiempo y se hizo necesaria la serialidad. La protagonista. si no más bien en su poder de dilatarse. como se menciono anteriormente. como metáforas de un reloj solar. la realidad que generalmente disfraza la fotografía se verá mitigada para potenciar la aparición de su esencia es decir la luz. pero no en su capacidad de viajar a velocidades insuperables.

pero donde se evidencia el interés por ampliar los . optan por cuestionar los formalismos vinculados a cada medio y en el proceso que nos interesa. Grinblatt superará la función de espejo de la realidad adjudicada a la fotografía para crear una experiencia reflexiva en donde se resaltan los experimentos con la luz por encima del objeto buscando que el observador se descubra en el acto de mirar. La presencia del tiempo es un punto central en obras emblemáticas de la fotografía que desde los 60’s plantean un dialogo abierto con la imagen en movimiento para cuestionar la temporalidad. Aunque queda registrado un instante fijo. al igual que en los otros casos expuestos. El artista menciona retomando a Phillipe Dubois. lo interesante es ver esa fracción de tiempo en que algo deja de ser una cosa para transformarse en otra diferente.En la obra Fotos de otros de Julio Grinblatt surge un interés similar por huir del instante y jugar con el tiempo. que la fotografía hable sobre sí misma más que sobre elementos externos a ella. en el trasfondo hay una permanencia más extensa. generando figuras amorfas y fantasmagóricas y por otro lado la del flash de otro fotógrafo que de manera improvisada congela esa temporalidad instantánea que detiene el flujo extendido habilitado por el artista. El fotógrafo quiere explorar una foto que más allá de una representación de la realidad. arroja en cada toma un velo transparente y paralizante que el quiere abandonar. puede tener varias manifestaciones en torno a lo cotidiano. un tiempo prolongado. Grinblatt y Robledo siguiendo la trayectoria de artistas ampliamente reconocidos como Michael Snow. vemos un pedazo diseccionado de paisaje que se presenta como registro grabado en un mismo cuadro estático. Una imagen generalmente esta cargada de información. cuya preocupación radica en la mediatización del paisaje y para ello registra diversos entornos naturales desolados planteando un cuestionamiento sobre el medio mismo y permitiendo. Trabaja con el tiempo para ver como una imagen puede trabajar desde la continuidad. Sus series registran transiciones y observamos momentos que estarían entre un instante fotográfico y otro. Como resalta el artista. inevitablemente juegan con elementos esenciales de la fotografía como el tiempo. Esta película logra precisamente distensionar el momento estático de la imagen y así desarrollar los efectos cinemáticos de lo que podría ser una fotografía. Por este mismo camino nos encontraremos con la obra del artista colombiano Nelson Vergara. En obras como Páramo (2008). En la obra pionera Wavelenght (1967) de Snow se registra un mismo espacio durante más de 45 minutos resaltando el zoom como característica inherente a la cámara y en donde prácticamente el único cambio en el plano es el acercamiento a una pared hasta finalmente encontrarnos con la foto de unas olas. que nos recuerda la capacidad congelante de la fotografía. que el acto fotográfico en su poder de estupefacción. En la serie mencionada el artista juega con dos temporalidades: una lenta que se manifiesta con una luz tenue que poco a poco marca el negativo detrás del obturador abierto permanentemente.

parece más un lastre amarrado a la necesidad de recordar y al temor por olvidar. El artista busca así revelar nuevas paradojas en la esencia de la fotografía tornando la acción de la naturaleza en un nuevo cronometro desprovisto de medidas previamente impuestas y que funciona con el fin de extender los límites de la imagen. Obras como la de David Claerbout buscan también explorar los diferentes tiempos de la imagen a través de la fotografía y el video.márgenes de su esencia al involucrar el paso del tiempo que se manifiesta con el movimiento casi imperceptible de una neblina que pasa lentamente frente a nosotros. permitiendo que el espectador cuestione la duración del “tiempo real” de la cotidianidad que para Clearbout parecería ser mera ilusión. no obstante Claerbout. da la expectativa de una narración. pero que al mismo tiempo están congelados. Desde su punto de vista el concepto de Tiempo parece siempre ir hacia adelante y la conciencia del tiempo pasado. es así que su obra permanece indeleblemente marcada por lo fotográfico. pues sabemos que alguien hace el registro pero hay una ausencia en el resultado. veremos que la huella o índice que nos presenta Rosalind Krauss como genética de la foto se borra lentamente y más bien se exalta esa condición fantasmagórica de la imagen. Desde nuestro punto de vista. esa presencia ausente. Tomando a Derrida. de estos instantes que se suceden. y aunque se reduce a la retorica inherente . la obra se torna en una reflexión dialéctica sobre el espacio temporal de una imagen y su posibilidad de extenderse o contraerse. Con el movimiento. sin importar el medio. podríamos decir que en estos videos hay una presencia espectral en la mirada del otro que se potencia con el vacío que se genera con la sencilla contemplación de la bruma en movimiento. Este reconocido artista Belga hace del tiempo su objeto principal de estudio. tiene muy claro que su intervención esta exclusivamente encaminada a la percepción del tiempo. Obras como Kindergarten Antonio Sant’elia o The shape of time. De esta manera el factor temporal no se reduce al lapso de obturación de la foto estática impuesto por la cámara análoga. Este paisaje casi abstracto incentiva la contemplación prolongada de una imagen que quiere ser impalpable y por esta vía potenciar los fenómenos de percepción de quien observa. pues implican el compromiso de desarrollar una trama. Dice el artista que no está interesado en generar ficciones narrativas. y por ello la obligación de realizar un excesivo control en las secuencias de imágenes. sin embargo proyectada como video. y en este sentido lo que se nos presenta como punctum. de un movimiento causal. la imagen fija endurece el instante y nos perturba con ese referente de muerte del momento que queda desechada en todo tiempo pasado. es precisamente esa experiencia frustrada de lo que podría pasar pero no pasa. si no que más bien se aproxime a la experiencia con cámaras digitales cuyas funciones compartidas permiten tratar paralelamente foto y video. alteran la imagen fija con un sutil y casi imperceptible movimiento logrado con tecnologías digitales que afectan ciertos pixeles de la foto y que le permiten de manera simultánea estar en un presente y un pasado.

el dibujo y el grabado. como los recuerdos que flotan como fantasmas en nuestra mente. que busca mediante procesos mixtos que oscilan entre la fotografía. sin embargo no pretende hacer de lo fotográfico un oficio que implique la necesidad de hacer sus propios registros. Al igual que Muñoz. y que al igual que en la fotografía nos revela el grano de la imagen.a la imagen única. sino cuando es pensativa”2. rechaza la condición estática de la foto. que no Ibidem. Sus obras desarrollan la fijación descompuesta de la imagen. y es que las obras de Muñoz nos obligan a cuestionar nociones formales pues el artista fusiona los soportes tradicionales como parte de su interés por jugar con el tiempo vinculado a la consolidación de una imagen. El proceso que es una metáfora sobre la imposibilidad de condensar el tiempo o el recuerdo en una imagen fija. Precisamente esa necesidad de preservar la memoria por encima de la imagen fija es lo que vemos en el trabajo del artista Colombiano Oscar Muñoz. Los límites de la imagen estática han llevado a artistas contemporáneos a desarrollar propuestas experimentales que parten de la esencia fotográfica pero transitan por caminos cercanos a la desaparición. a la imagen efímera que se borra lentamente como una amnesia que la visión fracturada de la fotografía imposibilita percibir. como metáfora de la perdida de la memoria. le interesa ampliar las múltiples temporalidades que un solo referente nos puede dar. se considera a si misma fotógrafa. En las obras mencionadas vemos una fotografía que se cuestiona. pág 73 . Nuestro contacto con esta realidad perdida. que no sabe si estar o desaparecer. Como establece Barthes “en el fondo la fotografía es subversiva. pues proyecta las imágenes 2 logrando una disolución del presente que convive con un pasado incierto. En las obras Narcisos y biografías tenemos un tamiz fotoserigráfico que vendría a ser el referente y un polvo de carbón que sería la emulsión para conformar el negativo. dará cabida a una forma de interpretación en un campo de incertidumbre. y así reflexionan sobre la fragilidad de la misma. mostrar que el retarto puede dejar de ser un vestigio de algo palpable para descomponerse y resistirse a la consolidación básica del momento fotográfico que es la condensación del pasado. Los trabajos de Muñoz han desafiado de manera absolutamente novedosa la desintegración del oficio tradicional de la fotografía. y privilegia la labor archivística de trabajar con imágenes encontradas en acervos institucionales abandonados. se realiza en un contenedor con agua que se evacua por un sifón y así se prolonga el tiempo vinculado a la desaparición del retrato. Así mismo en obras como Momentos de cinema. Renno. Rosangela Rennö también explora con su obra el desvanecimiento de la imagen como metáfora sobre la memoria logrando el desdoblamiento de la fotografía. y no cuando asusta. resulta tan agradable confrontar. sobretodo en el contexto de Colombia. trastorna o incluso estigmatiza.

coordinadora del plan de promoción artística en el exterior del Ministerio de Relaciones Exteriores (2007-2008) y coordinadora de Exposiciones en los Museos de Arte del Banco de la República (2008-2009). . ha sido Directora de la Fundación para las colecciones de arte del Banco de la República de Colombia (2005-2007). en contextos políticos o sociales que no coinciden con un concepto de progreso y armonía. en una cortina de humo que propicia la desaparición de la imagen. se nos presentan imágenes diluidas en el tiempo para recordar momentos que están condenados a desaparecer.encontradas. situaciones que requieren dejar de lado el instante fijo para dar cabida a nuevas temporalidades que posibilitan la convivencia de opuestos. fotografía como objeto fronterizo. El significado de la fotografía ha variado y la decodificación contenidos se ha hecho necesaria para poder interpretar de sus imágenes que plantean nuevas lo pasado y lo presente. permite la exploración del tiempo. La el medio mecánico empleado para plasmar el acontecimiento real-exterior pasa a segundo plano para privilegiar los procesos largos que se presentan en la fase inicial de consolidación de la imagen. En este sentido. Desde hace tiempo ya. así lo estático y lo móvil. Actualmente prepara una curaduría sobre la colección de fotografía del Banco de la República y una investigación sobre el fotógrafo Colombiano Fernell Franco con el Centro de Estudios Latinoamericanos Rockefeller de la Universidad de Harvard. y así. Queda claro entonces. se hace latente esa necesidad del arte contemporáneo por eliminar las categorías y emprender caminos en donde las diferencias entre medios sean una forma de potenciar la experiencia visual para así generar reflexiones entorno a sus posibilidades. y por otro lado logra generar una reflexión sobre la muerte de lo real presente en la imagen fotográfica instantánea cuya huella puede correr el riesgo de borrarse arbitrariamente por la necesidad del ser humano de suprimir ciertos episodios. si no más bien pensar sobre la fotografía en si. que en las prácticas artísticas contemporáneas se ha generado una resemantización del lenguaje fotográfico por una necesidad manifiesta de ampliar sus elementos. en contraste con representaciones de la guerra. Su obra amplia el universo de la fotografía tradicional. Se evidencia entonces la ampliación del territorio del fotógrafo que no desea registrar una visión o idea del mundo. entre ellos el tiempo. Desde esta posición Rennö se pronuncia sobre el tiempo en doble vía: por un lado abandona la necesidad de congelar ella misma el instante y hace un comentario sobre la posibilidad de recuperar imágenes de una memoria perdida en lugar de realizar nuevos registros. Lo fotográfico se nos presenta ya no como espejo si no en su absoluta transparencia para plasmar su esencia: luz y tiempo como huella perfecta o imperfecta de la realidad. Biografía Maria Wills Londoño (Colombia) Investigadora y comisaria de arte. que hacen comentarios sobre el amor. al desarticular los procesos tradicionalmente vinculados a la misma. la familia.