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Música electrónica

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Música electrónica
La música electrónica es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica. Ejemplos de dispositivos que producen sonido electromecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador. La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.

Finales del siglo XIX hasta comienzos del XX
La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica, si bien no es absolutamente necesaria para ello. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente, pero no estaba hecho para reproducirlos de nuevo.[1] En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando Telharmonium, Thaddeus Cahill, 1897 los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica, fue la válvula audión, del tipo tríodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones. Con anterioridad a la música electrónica, existía un creciente deseo entre los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños electromecánicos, los cuales allanaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone) fue desarrollado por Thaddeus Cahill en los años 1898-1912. Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca llegó a adoptarse. Se suele considerar como el primer instrumento electrónico el Theremin, inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920.[2] Otro primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.

Nueva estética de la música
En 1907, justo un año después de la invención del tríodo audion, Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: "solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la generación venidera, y para el arte".

En 1929. Gracias a él se realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico. el Ondes Martenot fue inventado en 1928 por Maurice Martenot. publicado en 1911. En 1914. 1920–1930 Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos así como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. fue creado por Léon Theremin (nacido Lev Termen) entre 1919 y 1920 en Leningrad. quien debutó en París. descrito por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas. así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera remotamente como musicales. de las grandes fábricas. aparatos productores de ruidos. etc. El 11 de marzo de 1913.[3] El año siguiente. Joseph Schillinger compuso su Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta. arrastramientos. interpreatada por primera vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Theremin como solista. gorgoteos.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos". Dos años más tarde. comenzó la experimentación del arte sonoro. establece que su credo es: "presentar el alma musical de las masas. El primer instrumento. cuyos primeros exponentes incluyen a Tristan Tzara. Para ello utilizó su Intonarumori. fue un desastre comercial. tuvo Busoni un profundo efecto en multitud de músicos y compositores. de los trenes. Además del Theremin. Comenzó a producir el Órgano Hammond. 2 Futurismo En Italia. En junio se organizaron conciertos similares en París. La grabación de sonidos dio un salto en 1927. Antheil compuso por primera vez para dispositivos mecánicos. aunque fue posteriormente renombrado como el Theremin. Bloom. de los automóviles y aeroplanos. Laurens Hammond abrió una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. A. de los cruceros transatlánticos. basado en los principios del Telharmonium junto a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación. Kurt Schwitters.Música electrónica Como consecuencia de este escrito. cuyos sonidos (aullidos. motores y amplificadores en su ópera inacabada Mr. . opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. O'Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. así como a través de su contacto personal. organizó el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán. así como sintetizar un sonido a partir de una onda de sonido. El "Manifiesto Técnico de la Música Futurista" de Balilla Pratella. bramidos. el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. No obstante. Filippo Tommaso Marinetti y otros. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad". de los acorazados. el Etherophone. cuando el inventor estadounidense J. El método foto óptico de grabación de sonido utilizado en el cine hizo posible obtener una imagen visible de la onda de sonido. En la misma época. el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto "El arte de los ruidos" (en italiano en original. Una idea fuerza de la filosofía futurista era la de valorar el "ruido". "L'arte dei Rumori"). especialmente en su discípulo Edgard Varèse.

Orpheus. Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la Symphonie pour un homme seul (1950). . La cinta de audio era relativamente barata y muy confiable. estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta el final de la Guerra. Más importantemente. Posteriormente ese año. En 1950. En París en 1951. el "Magnetophon" K-1. ofrecía la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada. la primera obra importante de música concreta. Esta técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. Schaeffer y Henry produjeron una ópera. y su fidelidad en la reproducción mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. y a diferencia de los discos. O unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen continuamente determinados patrones de material pregrabado. Puede editarse también físicamente.[4] y a comienzos de los años 1930 la industria cinematográfica comenzó a convertirse a los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos basados en células fotoeléctricas. que incrementó dramáticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una frecuencia alta inaudible. controlable y con gran calidad efectos de eco y reverberación (lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos). revelado en el Berlin Radio Show en agosto de 1935. Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica AC bias. AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en estéreo. productores e ingenieros. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophone K4 hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB[7] sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo. quien colaboró con Pierre Henry. La cinta de audio magnética abrió un vasto campo de posibilidades sonoras para músicos.[5] En esta época la empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el primer magnetófono de cinta práctico. cuando varios de estos aparatos fueron capturados y llevados a Estados Unidos por Jack Mullin y otros. el Model 200 producido por la empresa Ampex.[8] No obstante.[6] Durante la Segunda Guerra Mundial. RTF creó el primer estudio para la producción de música electrónica. En 1942. Schaeffer dio el primer concierto (no emitido) de música concreta en la École Normale de Musique de Paris. incluso sólo segmentos de la cinta. permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en máquinas de eco para producir de modo complejo.Música electrónica 3 Música concreta Desde alrededor de 1900 se utilizaba el magnetófono de alambre magnético de baja fidelidad (lo-fi). compositores. La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron todavía más allá las posibilidades de la cinta como medio de producción. También en 1951. para sonidos y voces concretos. en lo que se convertiría en una tendencia global. Las primera piezas de "musique concrète" fueron creadas por Pierre Schaeffer. acelerada o incluso reproducirse al revés. Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición llamada música concreta. Estos grabadores capturados sirvieron de base para los primeros grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos.

convencieran al director Karlheinz Stockhausen en el Estudio de Música de la NWDR. Colonia. y posteriormente durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia en Alemania. 5 Henry Pousseur: Sismogramas Paul Gredinger: Formantes I y II Karlheinz Stockhausen: Estudio I Herbert Eimert: Estudio sobre mezclas de sonido En su tesis de 1949. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas. Ejemplos significativos son Mixtur (1964) y Hymnen. como Minao Shibata. el estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del avant garde. lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. El Electrónica de WDR. Takemitsu que pudiera "traer ruido dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y . Tras la creación de la compositores japoneses. de utilizar la tecnología concibió una tecnología compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K. Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música enteramente desde señales producidas electrónicamente.K. Música electrónica japonesa Si bien los primeros instrumentos eléctrico como el Ondes Martenot. de modo independiente escribieron sobre la posibilidad electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa vespertino de la propia radio y presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt. Hanns Hartmann. después de que el físico Werner Meyer-Eppler. Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes. el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo. en 1991 mismo año de su creación. En Colonia. que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas. hasta 1962). dritte Region mit Orchester (1967). cuando se empezó ya a combinar sonidos generados electrónicamente con los de instrumentos tradicionales. sensaciones de volar. diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica. Stockhausen afirmó que sus oyentes le decían que su música electrónica les daba una experiencia de "espacio exterior". a lo que contribuyó el apoyo institucional. inició actividades en la radio de la NWDR en 1951. Paul Gredinger. 1951. o de estar en "un mundo de ensueño fantástico". El programa comprendía las siguientes piezas: • • • • • • • Karlheinz Stockhausen: Estudio II Herbert Eimert: Glockenspiel Karel Goeyvaerts: Composición No. algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento. Hacia 1948. dos Toru Takemitsu y Minao Shibata. de la necesidad de dicho espacio. la elektronische Musik se diferenciaba abruptamente respecto a la musique concrète francesa. Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache. Henry Pousseur y Karlheinz Stockhausen. De esta manera. Karel Goeyvaerts. el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert (que se convertiría en su primer director. el Theremin y el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial.Música electrónica 4 Elektronische Musik Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial. En 1953 hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas.) en 1946. Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert Eimert.

Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda. en contraposición de la manipulación o creación de sonidos. Xenakis utilizó papel gráfico y una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los glissandos para su composición orquestal Metastasis (1953-1954). La compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. de Louis y Bebe Barron. fue compuesta completamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956. 5 Música electrónica estadounidense En Estados Unidos. dos osciladores y efectos de sonido. y estaba apoyado por Sony. Música estocástica Un importante desarrollo lo constituyó la aparación de ordenadores utilizados para componer música. pero posteriormente pasó a utilizar ordenadores para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta. un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi. En 1950. Mediados hasta finales de los 1950 En 1954. un método de componer que emplea sistemas matemáticos de probabilidad estocásticos. Esta pieza está pensada para vientos. aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type. y el estudio de Phillips en Eindhoven.Música electrónica complejo tubo". la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición. en 1953. Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories. En 1955. el CSIRAC reproducía un repertorio estándar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas. percusión. Stockhausen compuso su Elektronische Studie II. Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando con música electroacústica entre 1952 y 1953. la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.[9] El primer computador del mundo en reproducir música fue el CSIRAC. Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de parámetros. quien desarrolló el influyente programa MUSIC I. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante. se utilizaban sonidos creados electrónicamente para diferentes composiciones. Ese mismo año. La banda sonora de Forbidden Planet. el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos Sony. Durante esta época. Iannis Xenakis comenzó lo que se conoce como "musique stochastique" o música estocástica. metales. La tecnología de vocoder fue otro importante desarrollo de esta . En 1949. Fueron notables la creación del Studio de Fonologia. David Tudor y Morton Feldman) y duró tres años hasta 1954. Christian Wolff. que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960. muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa." prediciendo que con un instrumento tal. "la escena musical sería cambiada drásticamente". El Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York (John Cage. Earle Brown. Más allá del Jikken Kobo. que fue diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado el mismo año. cuerdas. Holanda. Cage completó su Williams Mix. El impacto de los computadores continuó en 1956. Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa. como ejemplifica la pieza Marginal Intersection de Morton Feldman. empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. Entre sus miembros estaban Toru Takemitsu.

En Kontakte. que él denominó como "forma momento". El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg. Brian Hodgson (creador del efecto de sonido TARDIS). la primera gran obra del estudio de Colonia. Milton Babbitt. comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica. gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who. Un importante desarrollo tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott. fue producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick. con ensamblaje de Robert Moog. Hacia esta época. Apareciendo en 1963. Fue diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center. 6 1960-1970 Estos fueron años fértiles para la música electrónica. En Reino Unido en este período. basado en un texto del Libro de Daniel. 1960 fue testigo de la composición Gargoyle de Luening para violín y cinta. y no podía tocarse en tiempo real. David Cain. Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de este período fue Delia Derbyshire.Música electrónica época. según algunos la pieza más conocida de música electrónica del mundo. era difícil de usar. entre los que se encuentran Dick Mills. donse sigue actualmente. el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador. En este nuevo acercamiento. el BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo. Derbyshire y sus colegas. recuerda a las técnicas de "cinematic splice" del cine de principios del siglo veinte. Durante los años 1960 el theremin hizo aparaciones ocasionales en la música popular. una poderosa comunidad de compositores y músicos trabajando con nuevos sonidos e instrumentos se había establecido y estaba creciendo. así como la premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos. Paddy Kingsland y Peter Howell. compuesto por Ron Grainer. En 1956. El primer de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla. atmósferas. A diferencia de los primeros Theremin y Ondes Martenot. Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico. Es famosa por su icónica ejecución en 1963 del tema central de Doctor Who. piano y percusión. Posteriormente. El theremin había sido utilizado desde los años 1920 pero mantenía una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los años 1950 (por ejemplo The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann). no solo para la música académica sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador iba volviéndose más accesible. Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge. desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras. sintonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio. requería una extensa programación. . John Baker.

La colaboraciones ocurrían superando las barreras de los océanos y de los continentes. IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música creada por computador. el primer computador en tocar música. un lenguaje de síntesis directa digital. En 1961. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión. Los últimos 1950. con otros miembros adicionales como Pauline Oliveros. En 1961. LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Iowa State University (un derivado del Illiac) para tocar canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico. En el otro lado del Atlántico tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica. utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces. haciéndose muy popular. interfícies de audio-video y una plantilla de músicos y video artistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach de Wendy Carlos. los años 1960 y la década de 1970 vieron también el desarrollo de grandes marcos operativos para síntesis informática. Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel. llamado Minimoog. Subotnick. y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro. el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. desarrollando el sistema informácito Sogitec 4X. La intensa actividad del CPEMC y en otros sitios inspiró la creación El compositor israelí Josef Tal en el Electronic Music en San Francisco del Tape Music Center en 1963 por Morton Studio de Jerusalén (~1965). culminando en MUSIC V. obra para 24 músicos y 6 solistas de Pierre Boulez. Música por ordenador CSIRAC.[12] que incluía un revolucionario sistema de procesamiento de señal digital en tiempo real. Desde 1957. A la derecha. En París.Música electrónica 7 En 1961 Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la Universidad Hebrea. Répons (1981). Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC).[11] Una de las primeras demostraciones a gran escala de lo que se conoció como computer music (en inglés. cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog. Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos. "música por ordenador") fue una emisión nacional pre grabada en la red NBC para el programa Monitor el 10 de febrero de 1962. Terry Riley y Anthony Martin. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos. lo hizo públicamente en agosto de 1951. que fue utilizado por multitud de compositores y universidades. Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC. investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen. Ramón Sender. el sintetizador Hugh Le Caine. en 1964 en Checoslovaquia. Uno de los más importantes avances tuvo lugar en 1964. Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado. .[10] Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador (llamada Composition for Synthesizer) que fue creada mediante el RCA en el CPEMC.

Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio. conoció al compositor experimental Herbert Deutsch. el Moog Modular Synthesizer El Moog. no supo gestionar bien su empresa y esta paso de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un sólo pedido. KORG. quien deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales. la Moog Music se fue a pique poco después. Míchigan. Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los sintetizadores. el Moog Sanctuary. la electrónica en directo fue llevada a cabo por primer vez en los años 1960 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor. fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical. Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60' y principios de los 70' pero.Música electrónica 8 Electrónica en vivo En Estados Unidos. que mostraban música multimedia para teatro. el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava de extensión. inspiró a Moog a crear su primer sintetizador. Los compositores y músicos de jazz Paul Bley y Annette Peacock fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de los 1960. que fue adquirida por un inversionista. entre los que estaban Gordon Mumma y Robert Ashley. el MinitMoog. Moog. Robert Ashley. Moog ya recibió sus primeros pedidos. en inglés (Organ). como el Minimoog la primera versión portátil del Moog Modular. fundada en 1966 por Gordon Mumma. hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano. En esta convención. quien. a finales de 1963. el MemoryMoog (polifónico. La compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg. aunque continuó diseñando instrumentos musicales para él hasta 1977. el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico). y el negocio despegó. por individuos como David Tudor hacia 1965. Después del éxito de este instrumento. una de las primeras obras de electrónica en vivo. En 1960. . Sintetizadores Moog. La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años. Los festivales ONCE. el primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973. equivalía a seis MiniMoog's en uno). Bob diseño y comercializó nuevos modelos. perdió el control de la empresa. cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen) celebrada en Los Ángeles. Kato le pidió construir un prototipo de teclado y 18 meses después Mieda le presentó un órgano programable. Agobiado por las deudas. Impulsado por el entusiasmo de Mieda.en 1967 Kato se acercó al Ingeniero Fumio Mieda. Alvin Lucier y David Behrman. haciéndose más conocida cuando Wendy Carlos edita el álbum Switched on Bach. consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos. fue presentado en sociedad en el otoño de 1964. John Cage compuso Cartridge Music. Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70' y 80' bajo la marca Korg. cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob. con transposición para bajos y agudos). De hecho. en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos. etc. y The Sonic Arts Union.

siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de todo el mundo. En 1979. Can fue uno de los primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo y The Residents crearon sus propias cajas de ritmos. un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz a través del que diferentes instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y el ordenador principal. Miller Puckette desarrolló un software para el procesamiento gráfico de señal de 4X llamado Max. Los años 1970 también vieron como se generalizaba el uso de sintetizadores en la música rock con ejemplos como Pink Floyd. Yamaha introdujo el primer sintetizador digital autónomo. mover un pedal o dar una orden en un micro ordenador se pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma sincronizada. el músico Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un público más amplio con su hit pop "Cars" del álbum The Pleasure Principle. Mike Oldfield o Vangelis Nacimiento del MIDI En 1980. Utilizaba síntetis de modulación de frecuencia (síntesis FM). El estándar se denominó MIDI (Musical Instrument Digital Interface). probada por primera vez por John Chowning en Stanford a finales de los años 1960. Tangerine Dream. En 1983. el DX-7. controlar una rueda. comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock. Depeche Mode. Jean Michel Jarre. Nacimiento de la música electrónica popular A lo largo de los años setenta. convirtiéndose en el primer ganador Premio Pulitzer por una composición completamente electrónica. Charles Wuorinen compuso 'Time's Encomium'. La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar una tecla. Yes y Emerson. el primer sistema práctico de sampler polifónico digital. los discos de música de baile que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares. . Lake & Palmer. Síntesis digital En 1979 la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight CMI (Computer Musical Instrument). También en los años 1970 diferentes bandas de rock. desde Genesis hasta The Cars. que posteriormente sería incorporado a Macintosh (Dave Zicarelli lo extendió a Opcode)[13] para control de MIDI en tiempo real.0 de MIDI fue finalizada. Otros grupos y artistas que contribuyeron en esta época significativamente a popularizar la música creada exclusiva o fundamentalmente de modo electrónico fueron Kraftwerk. Esta tendencia ha continuado hasta el presente. respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el compositor. En agosto de 1983. bandas como The Residents y Can abanderaron un movimiento de música experimental que incorporaba elementos de música electrónica.1990 Crecimiento de la música dance Hacia finales de los años 1980. instruments. 1980 . haciendo que la composición algorítmica estuviera disponible para cualquier compositor que tuviera un mínimo conocimiento de programación informática.Música electrónica 9 1970-1980 En 1970. la especificación 1.

com/ 2008/ 03/ 27/ arts/ 27soun. En 1937. El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos antiguamente solo existentes como hardware estén ahora disponibles como piezas virtuales. BBC (http:/ / www. [10] Gluck. sintetizador u otros dispositivos. Lo mismo ocurre con los conciertos. así como paquetes de código abierto tales como Pure Data. Estas herramientas proveen de alternativas útiles y baratas para los estudios de producción basados en hardware. Tremblay y Varèse. uk/ dna/ h2g2/ A520831) [3] Entre los compositores que utilizaron el instrumento se incluyen Boulez. un evento de música electrónica masivo construidos sobre software. atpm. 05/ barline. Algunos de los softwares más populares son Max/Msp y Reaktor. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores. entre los que destacan productos como que se celebra anualmente en Holanda Reason de Propellerhead y Ableton Live. hku. com/ 6. Honneger. herramientas o plug ins de los software. Milhaud. Estos avances han democratizado la creación musical llevando a un incremento masivo en la producción musical casera disponible para el público en internet. la dinámica y el timbre de un tema electrónico. comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la asistencia de ordenadores interactivos. extendiéndose su práctica utiilzando ordenadores portátiles y live coding. que se hacen cada vez más populares. nl/ wiki/ Sogitec_4X). Messiaen. se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador. y escribió partes solistas para este instrumento en su Trois petites Liturgies de la Présence Divine (1943–44) y en la Sinfonía Turangalîla (1946–48/90). Messiaen escribió Fête des belles eaux para 6 Martenot. un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del chelista. ya sea utilizando ordenador. html?_r=1& oref=slogin) New York Times [2] Theremin. Koechlin. Desde 2000 A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza.: Fifty years of electronic music in Israel. Jolivet. Referencias [1] Rosen. Otros avances recientes son el la composición Begin Again Again de Tod Machover (MIT y IRCAM) para hyper chelo. bbc. . co. Max Methews desarrolló el programa "Conductor" para control en tiempo real del tempo. En esta década surgen diferentes entornos virtuales de estudio Qlimax. Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica. shtml). SuperCollider y ChucK. la producción musical se hace posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales. 2008 "Researchers Play Tune Recorded before Edison" (http:/ / www. Robert J. Organised Sound 10(2): 163–180 Cambridge University Press (2005) [12] Schutterhoef 2007 (http:/ / knorretje. [13] Ozab 2000 (http:/ / www.Música electrónica 10 Avances En los años 1990. Jody. nytimes.

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