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Cinematografía

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Cinematografía, del griego: kinema (kíνημα) = ”movimiento” y grafía (γράφειν) = "grabar", es la creación de imágenes en movimiento. Puede incluir el uso de la película o las imágenes digitales, normalmente con una cámara de vídeo. Está muy relacionado con el arte de la fotografía. Tanto dificultades técnicas como numerosas posibilidades de creatividad surgen cuando la cámara y los elementos de la escena están en movimiento.
Índice [ocultar] 1 Historia 2 Aspectos 2.1 Sensor de la imagen y cinematografía 2.2 Filtros 2.3 Lente 2.4 La profundidad del campo y el enfoque 2.5 Relación de aspecto y el encuadre 2.6 Iluminación 2.7 Movimientos de cámara 3 Efectos especiales 3.1 Velocidad de fotogramas 4 Personal 5 Evolución de la tecnología: nuevas definiciones 6 Festivales de Cine 7 Véase también

Historia[editar · editar fuente]
Artículo principal: Historia del cine.

La cinematografía ha sido siempre una forma de arte única para las películas. Aunque la exposición de imágenes en elementos de luz sensible, se remonta a la temprana era del siglo 19, las películas pedían una nueva forma de fotografía, y nuevas técnicas estéticas. En la infancia del largometraje, el cinematógrafo ejercía también el papel de director y la persona que sostenía la cámara. Al tiempo en el que el arte y la tecnología evolucionaron, emergió una separación entre el director y el operador de la cámara. Con la llegada de la luz artificial y mayor rapidez en las películas ( luz más sensible), además de los avances

directivas. La ASC define la cinematografía como "Un proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de un trabajo original de arte más bien que una simple grabación de un evento físico". Avances y ajustes para casi todas las medidas de la película creadas. interpretativas y manipuladoras de la imagen para efectuar un proceso coherente. En otros países también se establecieron este tipo de asociaciones de comercio. La selección de una película fotográfica fue una de las primeras decisiones tomada en la preparación de la película típica del siglo veinte.las películas se basaban en la iluminación. se creó la nueva película capital del mundo. Estos son: Sensor de la imagen y cinematografía[editar · editar fuente] La cinematografía puede empezar con roles de películas o un sensor digital de la imagen. Aspectos[editar · editar fuente] Al arte de la cinematografía contribuyen muchos aspectos. Los avances en la producción de películas y la estructura granulada proveyeron un amplio rango de películas fotográficas disponibles. la fotografía es sin embargo una destreza que el cinematógrafo utiliza en adicción con otras técnicas físicas. una de las primeras( que todavía existe) sociedades de comercio: La Sociedad Americana de Cinematógrafos (ASC). la cual permaneció para organizar la contribución de los cinematógrafos al arte y la ciencia de la creación de las películas. extremadamente sensible a la luz) y respuestas distintas para el color ( baja saturación. La cinematografía era clave durante la era del cine mudo. alta saturación) y contraste ( variando los niveles entre el negro puro ( no hay exposición) y el puro blanco( completa sobreexposición). organizativas. Los aspectos técnicos de la cinematografía necesitaban un especialista en el área. no había diálogo.tecnológicos en óptica y nuevas técnicas como películas en color y panorámica. La cinematografía no es una sub-categoría de la fotografía. En 1919 en Hollywood. los “super” formatos donde el área de la película solía capturar un solo . Aparte de la selección del ancho de la película—8mm(aficionado). Más bien. actuación e interpretación. no había sonido aparte de la música de fondo. menos sensibilidad a la luz) hasta 800( muy rápido.35mm(profesional) y 65mm( fotografía épica que se usa pocas veces excepto puntos de reunión para eventos especiales) — el cinematógrafo tiene una selección de reservas en reversión (que cuando son reveladas crea una imagen positiva) y los formatos negativos junto con un amplio rango de velocidades de la película ( la sensibilidad hasta la luz) desde ISO 50 ( lento. 16mm(semi-profesional).

Controlando la temperatura y variando la duración en la que la película es remojada en el desarrollo de productos químicos y saltando ciertos procesos químicos ( o parcialmente saltando todos ellos. por tanto en gran medida . así pues un filtro azul reduce el paso al rojo. super 16 mm y super 35mm todos utilizan más del total del área de la película para la imagen que sus nosuper contrapartes “regulares”. Las técnicas empleadas por el laboratorio de películas para procesar la película fotográfica puede también ofrecer una considerable discrepancia en la imagen producida.fotograma de una imagen expandida. El trabajo del siglo 21 utiliza en su totalidad cinematografía digital y no tiene películas fotográficas. más grande será la resolución de claridad y cualidad técnica en la imagen. por ejemplo un filtro de color amarillo. puede ser utilizado para oscurecer un cielo de verano (mediante la eliminación de la luz azul de golpear la película. aunque la medida física de la película permanezca igual. pero las cámaras pueden estar ajustadas en diferentes formas que van más lejos de las habilidades de una película fotográfica en particular. naranja y amarillo claro y crea un tinte azul en la película. y así son estas vulnerables a las percepciones del diseño del sensor de las cámaras de varias películas fotográficas y los ajustes de los parámetros de la imagen. En el caso de los filtros de color. como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color. los filtros de color se utilizan poco. la sensibilidad de la luz etc. Los cinematógrafos pueden lograr diferentes vistas de una sola película fotográfica en el laboratorio. Una cámara puede lograr toda la variedad de vistas de diferentes emulsiones. Con las fotografías en blanco y negro. Super 8mm. Los filtros de color funcionan mediante el bloqueo de ciertas longitudes de onda que el color de la luz llega a la película. el contraste de la imagen. Algunas técnicas que se pueden utilizar son las de revelado. bypass blanqueador y proceso cruzado. también son ampliamente utilizados para mejorar los efectos del estado de ánimo o efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos se componen de dos piezas de vidrio óptico pegadas entre sí con una forma de imagen o material de manipulación de la luz entre el vidrio. contraste etc.) son ejecutados estimando los mismos ajustes que tendrían lugar si una película real estuviera en uso. A mayor dimensión de la película. a menudo en medio hay un color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los ajustes de la imagen digital ( ISO. lo que reduce las longitudes de onda azules de la luz. Estas pueden proveer variando los grados de sensibilidad de color. Filtros[editar · editar fuente] Los filtros. Con la película en color. esto funciona muy intuitivamente. aunque es muy discutido como para que método de captura de la imagen es el “mejor” método.

mientras que alguien de cerca es más grande. que se emplean a menudo en el cine profesional sobre las lentes de zoom. La variación en la distancia focal es una de las ventajas principales. Ciertas escenas o incluso tipos de cine. Una lente de zoom permite a un operador de cámara cambiar su longitud focal dentro de un disparo o rápidamente entre configuraciones para los tiros. que representa los objetos lejanos aparentemente tan próximos entre sí y la perspectiva de aplanamiento. así como los objetivos macro y otros sistemas especiales de lentes de efectos tales como lentes de baroscopio. Cambiando la distancia focal solo mientras se mantiene la posición de la misma cámara no afecta la perspectiva. y lentes de enfoque largo. por lo tanto. Las diferencias entre la representación de la perspectiva no es debido a la longitud focal por sí mismo.subexponiendo el cielo todo azul). Los filtros pueden ser utilizados en frente de la lente. Una persona en la distancia parece mucho más pequeña. . sin embargo. aunque no sea un tono de piel más humano. el campo de visión. son muy conocidos por su uso innovador de los filtros. Lente[editar · editar fuente] Con la lente se puede conectar a la cámara para dar una cierta mirada o sentir el efecto de enfoque. Los directores de fotografía pueden elegir entre una amplia gama de lentes angulares. sino por la distancia entre los sujetos y la cámara. “normales”. una fotografía puede seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. que puedan utilizarse en menos luz) que los objetivos zoom. La longitud focal de la lente determina el ángulo de visión y. detrás de la lente para diferentes efectos. a diferencia de un ojo. así como vacunas que implican un movimiento zoom. etc. como Christopher Doyle. se ofrece una mayor calidad óptica y son “más rápidas” (las grandes aberturas de diafragma. color. el uso de diferentes longitudes focales en combinación con otra cámara a distancia de sujetos crea esta representación diferente. solamente el ángulo de visión. o en algunos casos. Al igual que el ojo humano. las lentes de enfoque largas reduce tales exageraciones. Los objetivos de un gran ángulo tienen longitudes focales cortas y distancias espaciales que hacen más evidentes. Algunos cineastas. Como objetivos principales. puede requerir el uso de un zoom de velocidad o facilidad de uso. Por otro lado. Por lo tanto. la cámara crea perspectiva y las relaciones espaciales con el resto del mundo. Sin embargo.

hasta qué punto el fondo. el control de la imagen expuesta se hace en la lente con el control de la abertura del diafragma. incluso el sombrero en el primer plano y el muchacho (el joven Charles Foster Kane) en la distancia. La elección de la abertura también afecta a la calidad de la imagen (aberraciones) y la profundidad de campo (véase más adelante). la profundidad de campo se obtendrá más. Por lo tanto. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión. no con f-stop. para el mismo campo de visión.Como en otra fotografía. La profundidad de campo (que no debe confundirse con la profundidad de foco) se determina por el tamaño de la apertura y la distancia focal. excesiva profundidad de campo con cámaras digitales y el uso de dispositivos ópticos adicionales para reducir esa . el vidrio no afecta al control de la exposición cuando se ajusta utilizando los medidores habituales. Entonces. Esta práctica se conoce como la profundidad de campo. mientras que una menor profundidad de campo se puede lograr con una gran apertura del iris y centrándose más cerca de la lente. este es un tema de la frustración. la distancia focal debe ser más corta. a menudo haciendo que cada detalle del primer plano y fondo se junten en un enfoque nítido. el directo de fotografía necesita que todas las lentes sean grabadas con T-Stop. La profundidad del campo y el enfoque[editar · editar fuente] Un ejemplo de enfoque de tiro profundo se encuentra en el film Ciudadano Kane (1941): todo. En Ciudadano Kane los directores de fotografía Gregg Toland y Orson Welles utilizan estrictas aberturas para crear profundidad de campo muy grande en las escenas. por lo que la pérdida de luz es debido a la eventual. Como camarógrafos tratan de emular el aspecto de película de 35mm con las cámaras digitales. tiene menos de 70mm de profundidad de campo de 35mm para un campo determinado de vista. cuanto menor sea la imagen. a mediados de baja y el primer plano se representará en el “enfoque adecuado” (un solo plano exacto de la imagen está en el foco exacto) en la película o de destino de vídeo. Una gran profundidad o profundidad de campo se genera con una apertura muy pequeña del iris y centrándose en un punto en la distancia. se encuentran en un enfoque nítidoo. es decir. La longitud focal y la abertura del diafragma afecta a la profundidad de campo de una escena. más de 16mm a 35mm y cámaras de vídeo aún con más profundidad de campo de 16mm. De la selección. La profundidad de campo también se rige por el tamaño de formato. menor será la imagen. La profundidad de campo se convirtió en un dispositivo cinematográfico popular de la década de 1940 en Hollywood. como para mantener el mismo campo de visión.

Los cambios en las proyecciones estándar de SMPTE alteraron las proporciones proyectadas de 2. como 1. las relaciones de aspecto variado ampliamente. La introducción del sonido en la película brevemente estrecha la relación de aspecto. se establecieron en la proporción de 4:3 (1.35 a 2. terceras compañías. los directores de fotografía tradicionales se limitan al uso de la razón de la Academia. En 1932 se introdujo un nuevo parámetro. pero en la década de 1950. para dejar espacio a una banda de sonido. El primer uso común del formato anamórfico fue CinemaScope.33. aunque esto no alteraba nada excepto los estándares anamórficos de fotografía. tales como 4/3.37. Estas nuevas panorámicas proporcionaban a los productores un fotograma mucho más amplio para componer sus imágenes. que exprime ópticamente la imagen para fotografiar el doble del tamaño en el área horizontal y el mismo tamaño vertical como las lentes “esféricas" estándar. desde la década de 1910. todos los cambios respecto a las proporciones de fotografía anamórfica de 35 mm .33).profundidad de campo. Para cambiar el plano de enfoque de un objeto o personaje a otro dentro de un disparo. Hoy en día. con el fin de ensanchar el marco. las tasas de pantalla ancha se introdujeron en un esfuerzo por sacar al público de nuevo al teatro/cine.55. pero debido a defectos técnicos en el diseño y su posesión por Fox. la tendencia es un mayor enfoque superficial.35. fuera de su casa y lejos de sus televisores. con la proporción de 1. Durante años.01 Polyvision.1 . abarca desde la plaza 1. se conoce comúnmente como un foco de rack. Relación de aspecto y el encuadre[editar · editar fuente] La relación de aspecto de una imagen es el cociente de su anchura a su altura. gracias a la popularidad de Cinerama. Esto se puede expresar como una relación de 2 enteros.Sin embargo. todo el camino hasta el extremo de pantalla ancha 4. Normas para la relación de aspecto han variado significativamente con el tiempo. Diferentes proporciones ofrecen diferentes efectos estéticos. CinemaScope se usó desde 1953 hasta 1967. Varios sistemas de fotografía fueron inventados y utilizados en los años 50 para crear películas. o en un formato decimal. pero hay uno que domina en la actualidad: el proceso anamórfico. las imágenes mudas en movimiento en general.39 en 1970. dirigidas por las mejoras técnicas de Panavision en los años 50. que usó una proporción de 2. dominan ahora el mercado de lentes anamórficas. aunque originalmente era de 2. Durante la época del cine mudo.

no se había creado nada en 1.85 ha permeado ampliamente estos mercados las últimas décadas. Hasta aquel momento.85 como estándar para las proyecciones en los Estados Unidos y el Reino Unido. ya que no era práctico producir un tubo de televisión CTR tradicional con una anchura de 1. no obstante. Hoy en día. cranning (moviendo la cámara en una posición vertical.37. la industria cinematográfica estableció 1. Tras la “guerra de las panorámicas” de los años 50. En los años 90.85 y el de la televisión de 1. este es un estándar para vídeos de alta definición y para televisiones panorámicas. Esta es una versión corta de 1. siendo .son específicas a una cámara o proyector.78 (16:9) como compromiso matemático entre el estándar del cine de 1. y no al sistema óptico. Algunas películas del cine se graban actualmente usando cámaras HDTV. aunque el 1. que se mueve durante la filmación. como si giraras tu cabeza de un lado a otro) y “tilting” (movimiento vertical de un punto de vista desde una posición fija. etc. Movimientos de cámara[editar · editar fuente] Artículo principal: Técnicas cinematográficas. La cinematografía no solo puede representar un objeto en movimiento si no que puede usar una cámara que representa el punto de vista o perspectiva de la audiencia. “tracking”(posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para moverla hacia la izquierda y la derecha). La iluminación contribuye considerablemente a la respuesta emocional que la audiencia tiene al ver imágenes en movimiento. Como dijo una vez el director Sahin Michael Derun: la diferencia entre porno y erotismo es la iluminación (simplemente remarcando la importancia de la iluminación en cinematografía).66 al principio. con la llegada del vídeo en alta definición. Europa y Asia optaron por 1. Iluminación[editar · editar fuente] La iluminación es necesaria para crear la exposición de una imagen en un fotograma de una película o en una tarjeta digital (CCD.78.85.39. Ciertas películas “épicas” o de aventuras utilizaban el anamórfico 2. El arte de la iluminación en cinematografía se aleja de la exposición básica.). Las técnicas se extienden desde los movimientos más básicos del “panning”(movimiento horizontal de un punto de vista desde una posición fija.33. El movimiento juega un rol considerable en el lenguaje emocional de la filmación de imágenes y la reacción emocional de la audiencia a la acción. como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar hacia el cielo y luego hacia el suelo) hasta el “dollying”(posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para acercarse o alejarse del objeto). en la esencia de cuenta-cuentos. los ingenieros de televisión crearon la proporción de 1.

Las cámaras se han llegado a montar en casi cualquier medio de transporte imaginable. es de 24 fotogramas por segundo (FPS). varios efectos pueden ser creados sabiendo que la imagen grabada más rápida o lentamente se presentará a una velocidad constante. Esta velocidad de representación no varía. Más tarde. y cualquiera puede presentar los eventos de un día entero (24 horas) en un solo minuto. muchas otras compañías comenzaron manufacturando su concepto del propio estabilizador de cámaras. Por ejemplo. Velocidad de fotogramas[editar · editar fuente] Artículo principal: Velocidad de fotogramas. Los primeros efectos especiales en el cine fueron creados mientras la película estaba siendo filmada. se desarrollaron efectos ópticos y digitales para que los editores y artistas de efectos visuales pudieran controlar el proceso manipulando la película en post-producción. y combinaciones de las anteriores. La “Steadicam” es un arnés y estabilizador de brazos que se conecta con la cámara. variando la velocidad en la que la imagen es capturada.97 para ser exactos). en PAL (Europa) la televisión es de 25 fotogramas por segundo. la fotografía “time-lapse” se crea mediante la exposición de una imagen a una velocidad muy lenta. Las plataformas estabilizadoras se empezaron a utilizar a finales de los años 70. . Efectos especiales[editar · editar fuente] Artículo principal: Efectos especiales. un evento de 4 horas tardará 10 segundos en representarse. eso quiere decir que están en manos del cámara.capaz de levantarla del suelo así como balancearla de un lado a otro desde una posición fija). en NTSC (EEUU) la televisión es de 30 fotogramas por segundo (29. conocida como “Steadicam". Se pueden ver muchos ejemplos de efectos especiales “in-camera” en obras de Georges Méliès. Estos empezaron a conocerse como los efectos “in-camera”. apoyando la cámara mientras se aísla de los movimientos de quien la usa. Sin embargo. y después ese material se proyecta a 24 fotogramas por segundo. que la mueve de una posición a otra mientras filman la acción. la mayoría de las cámaras también pueden ser de mano. Las imágenes en movimiento se representan a la audiencia a una velocidad constante. Si un cinematográfico coloca una cámara para exponer un fotograma cada minuto durante cuatro horas. Después de que la patente de “Steadicam” caducara a principios de los 90. durante la invención de Garret Brown. En el cine.

De forma contraria se utiliza el "Speed ramping" en ''The Matrix'' cuando Neo vuelve a entrar en Matrix por primera vez para ver el Oráculo. se consigue una manipulación de tiempo excepcional. Por ejemplo. la manipulación del tiempo y del espacio es un factor que contribuye considerablemente a las herramientas para contar historias. “Speed ramping” o simplemente “ramping”. Por ejemplo. pero unos segundos más tarde. Con imágenes en movimiento. La captura extrema de cámara lenta. la cámara se acerca a Neo a una velocidad normal. Si un director de fotografía captura a una persona zambulléndose en una piscina a una velocidad de 96 fotogramas por segundo y la imagen es expuesta a 24 fotogramas por segundo. pero la selección de la velocidad de fotograma en la fotografía de la acción original también es un factor contribuyente en cuanto a la alteración del tiempo. la velocidad de captura se ajusta de 60 fotogramas por segundo a 24 fotogramas por segundo. Tal como sale del almacén. cuando se pone en marcha a la velocidad estándar de 24 fotogramas por segundo. como las balas en una guerra y las ondas expansivas viajando por el aire. el efecto es para ralentizar las imágenes (cámara lenta). este es el personal que está involucrado: • Director de fotografía también llamado cinematógrafo • Operador de cámara también llamado camarógrafo • Primer asistente de cámara también conocido como iluminador . la representación durará 4 veces más que la acción real. una técnica cinematográfica potencialmente poderosa. y en la misma toma la persona parecería estr caminando a “tiempo real” (velocidad normal). pero cuanto más se acerca a la cara de Neo el tiempo parece que se vaya ralentizando. ''Modern times'' de Charles Chaplin fue filmada a una “velocidad silenciosa” (18 fps) pero proyectada a “velocidad de sonido” (24 fps). si una imagen es capturada a velocidades mayores de las que serán expuestas. es un proceso por el cual la velocidad de captura del fotograma cambia con el tiempo.A la inversa. Por ejemplo. prefigurando la manipulación del tiempo que luego se ve en la película de Matrix. La edición de películas juega un rol mucho más fuerte en esta manipulación. que hace que las payasadas parezcan más frenéticas. capturando miles de fotogramas por segundo puede presentar cosas invisibles al ojo humano. si durante el proceso de 10 segundos de captura. alguien abriendo una puerta y saliendo a la calle parecería que empezara con cámara lenta. Personal[editar · editar fuente] En orden jerárquico descendiente.

quien frecuentemente puede ser una sola persona. exposición y focos. composición. Esto permitió a las nuevas disciplinas aprovechar algunas de las oportunidades que un día fueron del dominio exclusivo de los cinematógrafos. Sin embargo la cinematografía tiene un aspecto temporal (ver persistencia de la visión). Muchas de esas decisiones son similares a lo que un fotógrafo necesita tener en cuenta cuando va a hacer una foto: el cinematógrafo controla todas las decisiones de la película (from a range of available stocks with varying sensitivities to light and color). pero ahora es un sinónimo de la videografía y el vídeo digital debido a la popularidad de la cinematografía digital. El Proceso de imagen moderno también hizo posible modificar imágenes de manera radical. los cuales afectan el aspecto general de la película. y por ello suelen ser llamados directores de fotografía o DFs. el trabajo del cinematógrafo también incluye organización logística y gestión personal. que es simplemente una imagen quieta. el director de fotografía es el responsable de los aspectos técnicos de las imágenes (iluminación. para finalmente manejar la cámara. También es más voluminoso y agotador trabajar con cámaras de vídeo. elección de las cámaras. será llamado cinematógrafo.• Segundo asistente de cámara también conocido como claquetista En la industria cinematográfica. pero trabaja de cerca con el director para asegurar que la estética apoya la visión de la historia contada por el director. Los directores de fotografía toman muchas decisiones creativas e interpretativas en el transcurso de su trabajo. Los directores de fotografía son los responsables del cámara. los focos. si el propio DF maneja la cámara. la selección de las cámaras. La progresíon de la carrera normalmente implica subir la escala en segundo lugar. En pequeñas producciones generalmente todas esas funciones las cumple una sola persona. Un cinematógrafo normalmente necesita trabajar en equipo más que un fotógrafo. selección de la película). apertura. Como resultado. e implica elecciones más complejas. los filtros. exposición. Según la tradición inglesa. desde la preproducción hasta la postproducción. el maquinista y el equipo de iluminadores en plató. Festivales de Cine[editar · editar fuente] Un festival de cine consiste en la proyección de cortos o largometrajes en . Evolución de la tecnología: nuevas definiciones[editar · editar fuente] Tradicionalmente el término “cinematografía” se ha referido al trabajo con una clase de película hecha con pintura al agua. no como la fotografía.

sus creadores y el público. periodistas o profesionales. el Oso de Oro en el Festival de Berlín o la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El festival de cine en muchas oportunidades es el primer encuentro entre la obra.un lugar determinado durante un tiempo limitado. como por ejemplo un León de Oro en el Festival de Venecia. . Por otra parte los festivales permiten el descubrimiento de nuevos directores y sirven para la promoción de las películas. Las proyecciones pueden estar abiertas al público o ser reservadas para críticos. dado que la misma puede ser muy cuestionada o consagrada si obtiene un premio internacional. Es un momento clave en la vida de la película.