20DANGELO06

Fondatore Giacomo Lodetti / Direttore Giorgio Lodetti / Direttore Artistico Roberto Plevano / Progetto Grafico Franco Colnaghi
Anno V, N. 19 • Ottobre-Dicembre 2006 • Galleria Vittorio Emanuele II, 12 - 20121 Milano • Tel. 02 86462321 02 860806 fax 02 876572

materializzato la sua idea, creando un esse-

UN’INTERVISTA ARMODIO…MIO re imbalsamato da pregiudizi avvizziti, icona

SI, si e si, 1998, tempera su tavola, cm 40 x 50
Era parecchio che desideravo un incontro
con Armodio per approfondire quel suo
carattere ludico che in realtà rappresenta
l’evoluzione estrema e sofisticata del liri-
smo figurativo del suo ineguagliabile mae-
stro Foppiani, rivisitazione dialettica in cui
scompare la figura umana e protagonista è
l’oggetto, unico ed emblematico deposita-
rio di un’umanità che ormai avvistiamo
come lontani segnali di fumo che si alzano
da una distesa arida, decriptando i messag-
gi di Armodio, scalandone irte simbologie
che si ergono a paradossali monumenti
alla vulnerabilità umana.
Fu così che Armodio mi ricevette nel suo
studio, ma purtroppo, proprio l’inizio del
nostro incontro venne interrotto da uno
squillo del suo telefono cellulare: un impor-
tante critico d’arte, di grande levatura intel-
lettuale e dai modi soavi, era appena arriva-
to a Piacenza e lo attendeva in stazione.
Armodio si precipitò a riceverlo per poi
condurlo in studio, dove mi pregò di atten-
derli entrambi.
Così, mentre curiosavo nello studio, avver-
to alcune voci : incredibile ! …. dal cumulo
di tavole accatastate in bell’ordine esce il
Giudice nutrito dalla Giustizia.
“Sono stanco di fare il burattino ispirato da
una mente suprema, mosso da un filo invi-
sibile tirato da quella mano protesa come
nella Creazione di Adamo, quella Giustizia
che i miei occhi stentano a vedere, come
immobilizzati in questa pelle avvizzita da
fossile del quaternario! …E poi la toga, il
colletto, la parrucca, sembrano bende di
carta che si avviluppano a confezionare
una mummia! …questo ridicolo uovo sulla
testa poi, sarà pure simbolo di fertilità di
idee, ma mi fa tanto unicorno”.
“Su, non si giudichi proprio lei troppo seve-
ramente, apprezzi la sua grazia maestosa”
rispondo, ironizzando tra di me nel pensa-
re come Armodio abbia magistralmente
“ortopedica” della rigidezza mentale, ag-
gregato di cartilagini sorrette da una impal-
catura fossilizzata, ricoperta e protetta da
inconsueti drappeggi mistificatori.
“Vedrà che Armodio riuscirà a sistemarla in
qualche famoso studio di avvocato (suona
quasi come una raccomandazione!), qualcu-
no che apprezzerà quel senso di autorità
che riesce a infondere. Dopotutto lei non
porta i segni di quella mutazione genetica
che altri soggetti hanno subito, assumendo
fisionomie in sintonia con l’attività che svol-
gono, manifestando vere e proprie nevro-
si somatiche, pensi a Il re delle viti, al Ritratto
d’archivista.
Metaforicamente imprigionato nella sua arti-
ficiale costruzione, si rifugia tra le altre tavo-
le, ma ecco spuntare Il libro dei consigli.
“Non ce la faccio più a sopportare il mio
peso, sono stracolmo di raccomandazioni
inutili che cadono nel vuoto inascoltate!”.
E in effetti è un enorme libro afflosciato su
una mensola di marmo su cui giacciono
accatastate lettere alfabetiche logorate dal
tempo, frammenti di frasi e di vita troppo
spesso ignorate: è un autentico miracolo
di morbidezza e tristezza, consunto len-
zuolo che avvolge un cadavere occultando
cumuli di speranze e promesse deluse.
A spezzare quella immobile atmosfera di
disastro incombente intervengono due
tavole delicate che sembrano farsi com-
Continua a pagina 18 Gi D’A., 1998, tempera su tavola, cm 100 x 60

CADEL Egon Schiele, prodigio irripetibile, abban-

donava la sua tormentata maschera a un
pallido sudario di lenzuola. Erano passati
solo dieci anni dal suo precoce debutto,
Nel cuore dell’albero fronzuto c’è un uccello, di colore smorto,
si muove a malapena e non canta; per lui più che sufficienti per diventare un
migliaia di verdi si rispecchiano nei suoi occhi. grande. Con lucidità appassionata e una
Egon Schiele
tecnica inedita, amando ardentemente —
il terribile impulso che lo bruciava e lo tor-
Morire a 28 anni, già celebre a un’età in cui mentava — e genialmente ritraendo
non si è ancora uomini, divorato da un’e- essenziali nudità di corpi, dagli anticonfor-
pidemia di spagnola che gli aveva strappa- mistici autoritratti ai feroci volti di neonati,
to dalle braccia pochi giorni prima la dalle irriverenti prospettive erotiche alle
moglie incinta, per Egon Schiele era forse gotiche posture ischeletrite, egli aveva già
la conclusione di una sfida. Nello scenario patito la guerra, la messa al bando e addi-
dell’Impero austroungarico che si sgretola- rittura il carcere, con l’accusa di diffusione
va nella mattanza di una guerra mondiale di oscenità da parte degli immarcescibili
(1918) e mentre la Secessione viennese benpensanti e di un giudice ipocrita, ridi-
organizzava una trionfale mostra retro- colo Torquemada che bruciò platealmente
spettiva con una cinquantina di sue opere, uno dei suoi intollerabili disegni! "Nessuna
opera d’arte erotica è una
porcheria, quand’è artistica-
mente rilevante. Diventa
una porcheria solo tramite
l’osservatore, se costui è un
porco." scrive Egon nel suo
amaro diario di Neuleng-
bach. Il tempo, dopo una
serie di censure, ha final-
mente fatto giustizia della
stupidità umana ricollocan-
do l’opera di Schiele ai livel-
li più alti dell’arte. Meno di
un secolo dopo Cadel
(Adelmo Chiapponi), un
estroso e vulcanico autore
Reclining nude with yellow towel, 2005, fotografia-body painting, cm 50 x 70 di fotografie bergamasco,
ribaltando la prassi che utilizzava la foto-
grafia come supporto mnemonico per la
pittura, decide di ispirarsi ai capolavori per
ricreare un modello fotografico di gusto
raffinato, a sua volta pregno di contenuto
artistico. L’opera nasce quasi per caso —
racconta Cadel — dall’innamoramento
per Schiele, uno dei più interessanti e ori-
ginali pittori del secolo scorso. All’inizio
voleva essere una sperimentazione sull’ag-
gressiva distorsione figurativa che Egon
usava per rappresentare la fisicità dei corpi
e sulla frontalità dei soggetti come emer-
genti da un drammatico vuoto, senza
rimandi di ombre o profondità prospetti-
che, divenuta presto una scommessa con
la dolce moglie Angela a riprodurre con
altri mezzi la tensione emotiva che spri-
gionano le opere di Schiele, sfruttando
esperienza e passione maturate nel
campo del ritratto glamour, del nudo, della
moda e della pubblicistica. Da qui — con-
tinua Cadel — la scelta di spostare la pen-
nellata dell’artista direttamente sul corpo
dei modelli e non sulla fotografia come ini-
zialmente immaginato, riecheggiando modi
Self-portrait, 2005, fotografia-body painting, cm 70 x 50
da body art che pretende di utilizzare il
corpo direttamente come “materia scovare e soprattutto convincere i ma-
espressiva”.Trovato un ottimo body painter schi(!) a farsi dipingere ignudi ed a lasciarsi
nell’estroverso e paziente Guido Daniele fotografare. Le modelle, più professionali e
— sono necessarie varie ore per dipinge- disinibite, venivano più agevolmente sele-
re con appositi (e costosi) colori ad acqua zionate tramite agenzie specializzate. Se
interi corpi — si è presentata molto più tuttavia le modelle non avevano remore a
ardua la ricerca del cosiddetto casting, che denudarsi per farsi pazientemente colora-
doveva corrispondere ai caratteri somatici re e poi riprendere, un problema era
dei soggetti originali e, ancor più difficile, Continua a pagina 18

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 Notturno, 1979, tempera su tavola, cm 100 x 70
è visibile un labirinto (quello di Ariannna
appunto) di carta il cui filo trattiene il
coperchio; l’illusoria immagine di dolcezza
e di scherzosa ironia viene sopraffatta ,
come accade in tutte le opere del Nostro,
dal pensiero della estrema fragilità di quel-
l’oggetto, da quella inaspettata caduta che
svela un labirinto entro cui è facile leggere
l’estrema provvisorietà della vita, la tragica
possibilità di scoprire un angolo di inferno
anche in paradiso, di imbattersi in una
imprevista, indecifrabile trama di eventi.
Anche la carta con cui sono forgiati tutti
gli oggetti, i libri, le caffettiere, i fiori, richia-
ma questo motivo di manieristico gusto
per la deformabilità, vana e sofferta lotta
per plasmare un destino imprevedibile,
desiderio di stabilità che ritroviamo nella
seconda tavola Sì, sì e sì, dove due caffet-
tiere si stringono unite da tre anelli, quasi
avvinghiate a pronunciare un triplice sì di
eterno matrimonio.
Con un clamore d’acciaio entra in scena
Gi. D’A. (Giovanna d’Arco): “Io sono la più
forte, salda a terra senza pericolo di cadute
accidentali o di ridicoli rovesciamenti!”.
INTERVISTA ARMODIO...MIO “Sento odor di bruciato!” si azzardano a
pagnia. “Noi siamo felici di ciò che rappre- mormorare sornione le altre tavole, allu-
sentiamo, del senso di protezione che riu- dendo al fatto che quegli imponenti stivali
sciamo a trasmettere”. altro non sono che i miseri resti di un’e-
Sono due magnifiche opere della serie roina arsa viva, di una presenza umana
Caffettiere: la prima Da Arianna, è una caf- ormai cancellata che ha lasciato traccia di
fettiera rovesciata sul tavolo al cui interno sé in quegli oggetti, umili e muti testimoni
razione pittorica, rinculò istin-
tivamente tirandosi un tre-
mendo colpo sul naso con il
poderoso battente e finendo
all’ospedale con una ferita da
cinque punti.
L’incolpevole Magda, termina-
ta la seduta, fece visita al mal-
capitato che trovò qualche
consolazione nella rinnovata
ventata di fascinosa femmini-
lità. Ma il caso più delicato si
era verificato quando un sosia
di Schiele, completamente
dipinto a colori sgargianti,
forse per freddo e stanchezza
si era accasciato per un malo-
Reclining Female nude with legs spread apart, 2005, fotografia-body painting, cm 50 x 70 re, precipitando tutti in un’im-
barazzata apprensione, nessuno sentendo-
CADEL si in grado di accompagnarlo al Pronto
improvvisamente sorto il giorno in cui una Soccorso non sapendo come giustificare
di esse, colta in pieno body painting dal quel variopinto spilungone svenuto.
flusso mestruale, era stata costretta ad Fortunatamente per tutti il modello dopo
indossare le mutandine, che si era provve- poco si riprese. Per imprimere sulle figure
duto a dipingere con un bel color carne l’intensità del segno di Schiele e le linee
mimetizzante e sulle quali si erano dovuti ingegnosamente deformanti sui soggetti
artisticamente pitturare i peli del pube. Un fotografati si è ricorsi alla tecnica del digi-
altro incidente era occorso il giorno in cui tal art work tramite l’ottima PixelWay che
un amico ignaro, aprendo la porta blinda- con abilità ed entusiasmo ha preso parte
ta dello studio e trovandosi di fronte la alla corale azione creativa. Una delle mag-
statuaria imponenza di Magda Gomez giori difficoltà incontrate — ricorda Cadel
splendidamente nuda in piedi su due se- — è consistita nell’“appiattire” le immagini
die, a gambe spalancate durante la prepa- attraverso lo studio combinato delle luci
ENRICO CAZZANIGA Scavo intellettuale
Chi si “imbatte” casualmente nella persona di Enrico
Cazzaniga, anche per una sola volta, non lo dimentica
più. La sua semplicità e purezza interiore, la sua raffina-
tezza di modi, la sua delicatezza di spirito, colpiscono
l’interlocutore al fondo dell’anima. Chi si “imbatte” poi
nelle opere di Enrico, ancor di più ne rimane toccato e
stupefatto: la delicatezza, la poesia e la raffinatezza
emergono prepotentemente dalle tele al fondo delle
quali si nota ad evidenza una profonda ricerca del
mezzo espressivo. Enrico è quel che suol dirsi un arti-
sta “puro” nel senso che, accanto alla purezza dell’ani-
mo, vi è una purezza della ricerca in senso tecnico.
Un artista che unisce nelle sue opere scavo intellettua-
le e “scavo” metodologico; ricerca del mezzo tecnico in
senso proprio e ricerca interiore senza riserve.
Il concetto del “togliere” viene reso in senso pittorico
attraverso una eliminazione di materia e di colore sco-
lorendo la stoffa di fustagno nera o blu con candeggina
e dosando il prodotto in modo da ottenere nuances di
luce e di colore sempre nuove e diverse. Il nero del
Togliere al palazzo Governativo - Belgrado, 2004 fondo delle sue tele si apre, si distende attraverso inon-
candeggina su fustagno nero, cm 190 x 130 dazioni di luce che vanno a formare la scena. Ma que-
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di una storica avventura: vi è quasi una esile filo di ferro che avvolge un improba-
interpretazione esoterica dell’oggetto, un bile vaso di carta.
lirismo evocativo che cattura l’essenza di Ma ecco rientrare Armodio, senza l’illustre
chi li animava, magico transfer di persona- critico: “non si è potuto fermare, appena il
lità, quasi un vitale passaggio di consegne, tempo per un caffè in stazione ad illustrar-
una osmosi emotiva che ne fa un rassicu- mi la sua ultima fatica letteraria”.
rante mausoleo alla memoria. “Anch’io ho bevuto un caffè in compagnia
Mentre “Giovanna d’Arco” si ritira ancora dei tuoi quadri, un caffè… sulla carta, e ti
una volta sconfitta dal suo ardore, appare assicuro che parlano di te!”
una delicata composizione di fiori Fiori fuori; Così si conclude la mia intervista, un vero
quasi con voce supplichevole accenna a un sogno… sempre sulla carta!
tentativo di rappacificazione: “siamo tutte
creature dello stesso padre, cerchiamo di Aldo Benedetti
far fiorire un senso di fratellanza, prima o
Da Arianna, 1998, tempera su tavola, cm 40 x 50
poi finiremo tutte appese
a una parete e dovremo
separarci!”.
Guardo rapito questo
autentico miracolo della
fantasia: è una divertente
provocazione giocata sulla
analogia lessicale e foneti-
ca delle due parole e su
quel posizionamento ano-
malo dei fiori (fuori dal
vaso appunto) che ne
fanno un piccolo gioiello
surreale, inno trionfale e
angosciato alla vita, dispe-
rato tentativo di aggrap-
parvisi nonostante tutto,
esattamente come fanno
quei fiori sorretti da un
per riuscire ad annullare le ombre che ine- guata, è stato il dipingergli un generoso
vitabilmente i modelli producevano sullo pene in erezione sulla giacca.Tra prepara-
sfondo, con ricerca quindi dei fondali adat- zione dei modelli, ricerca delle luci, con-
ti individuati alfine nella tela da strappo. quista di una postura spesso innaturale e
Unico intenzionale trucco di scena — rac- difficile, si è riusciti ad eseguire in media
conta ancora Cadel — vista l’impossibilità uno scatto al giorno. I lavori ispiratori di
di ottenere dal modello la condizione ade- questa operazione “Omaggio a Schiele”
sono i disegni a matita e tempera o acque-
Seated Women with bent knee, 2005
fotografia-body painting, cm 70 x 50
rellati su carta. La somiglianza con gli origi-
nali è sorprendente, tra cui spicca l’incredi-
bile specificità del giovane prestato agli
autoritratti che ad impressionanti affinità
somatiche aggiunge una sbalorditiva inten-
sità espressiva. Queste invenzioni di Cadel
— godibili anche sul sito www.photoca-
del.com — nate con dichiarato fine evo-
cativo, finiscono per acquisire invece una
loro convincente e compiuta originalità del
tutto svincolata dagli archetipi, effondendo
il sortilegio di nuove seduzioni. Le attraen-
ti creature di Cadel, ideatore di una nuova
categoria dell’arte, verranno finemente
stampate in esiguo numero di esemplari
per una stretta cerchia di intenditori.
Subjets vivants scaturiti da una delle più
belle pagine della storia dell’arte che inve-
ce di restare imprigionati nelle cristallizza-
te ispirazioni dei capolavori si nutrono di
fantasiose linfe e sanguigne pulsioni per
incantare le nostre complesse concupi-
scenti passioni.
Giovanni Serafini
sto concetto del “togliere” è un
qualcosa che va oltre la pura sottra-
zione di materia: è piuttosto uno
scavo nella psicologia, nell’animo e
nello spirito dell’uomo senza orpel-
li e senza sovrastrutture ideologi-
che. L’uomo si pone nudo davanti a
se stesso in una ricerca del sé e del
proprio spirito non deformata da
sovrapposizioni prese a prestito
dalla cultura di massa.
Una tensione all’eliminazione del “di
più”, del superfluo culturale, della mas- Togliere ai passanti - Berlino Est, 2005, candeggina su fustagno nero, cm 50 x 80
sificazione ideologica, della unifor-
mità di bisogni e certezze e del sentire non è che una verità del sé senza riserve.
comune, per andare al fondo di se stessi Trattasi di un processo quasi psicoanalitico
senza riserve e senza paure. espresso attraverso un mezzo tecnico-arti-
La ricerca artistica effettuata caparbiamente stico e una ricerca pittorica.
da Cazzaniga da più di dieci anni esprime La non banalità del mezzo tecnico prescel-
proprio la volontà di non lasciarsi uniforma- to si accompagna alla non banalità del mes-
re da mode e stilemi. saggio espresso che è quello di una ricerca
Una operazione coraggiosa che vuole indi- del proprio sentire libera da costrizioni e
care una strada di fuoriuscita dalle “tene- preconcetti, in pratica, liberata da chiusura e
bre” del nero, dalla cecità spirituale, verso cecità spirituale.
una esplosione del proprio spirito, verso
una scoperta della luce interiore che altro Cynthia Penna

ANDREA MARTINELLI
Grande volto di uomo, 2005, tecnica mista su tavola, cm 180 x120
Ha le stesse iniziali di Antonello da
Messina e le sue opere recenti ne confer-
mano una sorprendente analogia formale
e di contenuti : questo momento della
evoluzione artistica di Andrea Martinelli
(Prato, 1965), il più geniale esponente e
provocatorio asceta della nuova Figura-
zione internazionale, lo consacra come
l’Antonello del XXI secolo. Come il gran-
de maestro siciliano sembra dar voce ai
ritratti dei propri personaggi, dotato
anch’esso di una rara capacità di introspe-
zione psicologica che riesce a fissarne i
tratti somatici in pieghe dell’anima. Forte
di una eccezionale, raffinatissima tecnica di
disegno, Martinelli ha superato la prece-
dente esperienza delle “Senescenze”, rap-
presentazioni di superbo impatto emotivo,
visioni di anziani assunti a un limbo libera-
torio, dignitosa anticamera della morte, di
cui portano il colore venoso sulle carni , le
rughe deformanti sulla pelle, la luce spen-
ta negli occhi diafani che invocano atten-
zione, implorano quasi perdono per una
presenza ingombrante e fastidiosa, mate-
rializzazione inquietante di un incubo sco-
modo e ossessivo, di una verità non volu-
PIERALBERTO FILIPPI
Segno e volume sono le chiavi per leggere
l’arte di Pieralberto Filippi. Risale ai primi
anni Novanta il tentativo dell’artista mon-
zese di definire un vocabolario di linee
continue e di forme essenziali, potenzial-
mente volumetriche, e di concertarle con
infinite varianti nella pittura e nella scul-
tura, dando vita a strutture dinamiche
ed eleganti, arabeschi improntati
a una spiccata sensualità.
Queste masse morbide e curve,
che chiedono — come vorrebbe
l’artista — di essere accarezzate,
sono agitate da un vento futurista che
favorisce uno scambio continuo tra le
due e le tre dimensioni e accentua la
scansione ritmica della materia.
Filippi si concentra su volumi
densi ed espansi, valendosi e-
sclusivamente di curve e roton-
dità, e sempre aderendo, più o
meno allusivamente, alla figura-
zione umana. Questa viene
contorta e compressa,
oppure dilatata ed estro-
flessa, individuandone i
caratteri strutturali ed
evidenziandone le possi-
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Eroi silenziosi
ta. Sono i ritratti di persone vicine a Marti-
nelli, i cari nonni Dino e Dora, e di serene
creature deformate dagli anni che popola-
no un mondo parallelo, inaridito dal tem-
po e immerso in un tragico silenzio accu-
satorio: la figurazione psicologica di Marti-
nelli sa ferirci direttamente, non fornisce
alibi accomodanti, riscopre quasi la denun-
cia sociale di un Morbelli, impegnato a
ritrarre collettive visioni di anziani desola-
tamente abbandonati, tenuti in vita da un
calvario di ricordi che ne accentuano la
condanna a una mortificante incomunica-
biltà. Martinelli rifiuta però la passiva ras-
segnazione a una corrosiva consunzione
temporale e invoca un orgoglioso riscatto
da un’incombente dissoluzione che ci ren-
de comunque oscuri protagonisti di un
cammino di vita.
I ritratti diventano sculture della memoria,
di cui noi stessi ci sentiamo inconsapevoli
committenti: quei corpi piegati dal tempo
hanno una loro dignità statuaria, hanno
scritto pagine della nostra esistenza, con-
tribuito a garantirci un disperato diritto di
replica. Confessioni di mera-
vigliosa dolcezza sembrano
avvicinarli a noi, alle nostre
stesse crisi di identità, mentre
ci svelano maschere di piran-
delliana caratterizzazione usci-
te dal palcoscenico buio della
vita, creature della notte illu-
minate e ascoltate per pochi
istanti, quasi a spiegarci il
senso della loro recita. Non è
però un “Memento mori”
quello di Martinelli, è piutto-
sto un “Ecce Homo”, presen-
tazione della condizione uma-
na di composta dignità, soffer-
ta enunciazione di un teore-
ma di sconvolgente lucidità:
ognuno di noi, pur essendo un
vinto in partenza, è un eroe
quotidiano, illuminato da un
laico bagliore di luce che ne
definisce i lineamenti, ne accen-
de le illusioni e ne consegna
la memoria.
Ecco quindi le ultime opere
di Martinelli, sublime e riusci-
to tentativo di catturare la
psiche dei propri personaggi,
con la stessa perfezione arti-
stica, la stessa complice ambi-
guità di un Lotto, arricchita Il volto del grande nonno III, 2004, tecnica mista su tavola, cm 172 x 112
Segno
e volume
bili metamorfosi in ele-
menti naturali.
Infatti l’ingigantimen-
to di alcuni dettagli
conduce ad esiti
radicalmente astrat-
ti e inoltre suggeri-
sce un’ambigua
fusione di compo-
nenti umane e vege-
tali, un’evoluzione
della vita verso la
natura. Ecco allora la
sequenza di pae-
saggi morbidi
e materici, domi- Personaggi
nati da quella medesima matrice ovale che
ha generato tutte le figure. Al dialogo ario-
so ed equilibrato tra la forma e lo spazio,
Filippi affianca, periodicamente, l’effetto di
netto contrasto tra una grezza fisicità e una
linea pura e ordinata. Fondamentale, nella
pittura, è il ruolo del colore, con la domi-
nanza iniziale di toni blu e bianchi e il gra-
duale inserimento, entro campiture ben
definite, di toni squillanti e antinaturalistici:
rosso, verde, giallo e arancione. Nella scul-
tura, invece, il colore è quello dei materiali
19
però da un’inquietudine moderna, conta-
minata dalla esacerbante e tormentata con-
flittualità esistenziale di uno Schiele, dalla
lacerante e impietosa esperienza figurativa
di un Freud, dalla dilaniata e spietata spiri-
tualità di un Bacon.
“In … viso veritas” potremmo dire varian-
do un noto detto popolare, l’attenzione di
Martinelli si concentra sui visi, propaggini
estreme di un’impronta divina che mette a
nudo il nostro io, forse il dio sofferente
che si agita in noi, tormentato dal dubbio
di un sacrificio incompreso, di un’inutile
sofferenza a riscatto dell’uomo.
Il Nostro non solo supera la superba e
penetrante impostazione fisiognomica
dell’“Ecce Homo” di Antonello, ma ne
rovescia l’assunto psicologico: non è Cristo
che si immola per l’uomo, ma è l’uomo
stesso che si interroga sulla presenza in sé
di Dio, su un destino che ne confonde le
avide tracce, che nasconde sul nascere le
orme di istanti già cancellati.
Osservando le opere abbiamo la possibi-
Volto-ombra IV (o il volto di mia madre), 2005
lità di assaporare questo carosello di com- tecnica mista su tavola, cm 67x49
battuta umanità, affollarsi di voci e bruli-
cante crocevia di emozioni, dalla scintilla di ze, all’inquietante sguardo del triplice ri-
vita che si accende fiduciosa negli occhi de tratto Le tre ombre, che assurge a sintesi
Il ragazzo che guardava lontano, trasmet- estrema dell’opera dell’artista, icona digni-
tendoci un assetato desiderio di esperien- tosa e composta di una sfida all’ignoto.
Altri ritratti riprendono questo tema dello
sdoppiamento, di una angosciante incer-
tezza esistenziale che li rende eroi dubbio-
si di un giorno, ombre materializzate agli
angoli delle strade, evase da un’oscurità
spettrale per entrare nelle nostre coscien-
ze con i loro primi piani invadenti, a sugge-
rire un messaggio di pietà, a comporre i
frammenti di un’umanità segreta e sconfit-
ta, come quella descritta dal grande Testori
(primo scopritore del talento di Martinelli),
in perenne oscillazione tra una terrena
dannazione di miseria e un mistico impulso
di ideale resurrezione, equilibristi incerti tra
santità e dannazione, angeli incatenati a
terra, prigionieri di un corpo che ne vio-
lenta la purezza, umiliandoli a una disincan-
tata crudezza o forse, come ne L’uomo con
la mano sul volto, riscattandoli a comunicar-
ci il presagio di un naufragio imminente, ma
di un approdo sereno.
Incantevole il ritratto della madre, una delle
ultime opere, sublime testamento di toc-
cante dolcezza e rarefatta introspezione,
autentico miracolo di comunicatività emo-
tiva, acceso da uno sguardo che ce ne
rende tutti figli, struggente annunciazione di
un comune passaggio terreno che ci affra-
tella e ci illumina con la velocità e il baglio-
re di un lampo.
Aldo Benedetti
scelti di volta in volta: pietra, marmo, legno,
bronzo patinato e terracotta, oltre al
poliuretano dei modelli e alla lamiera dei
recenti progetti.
fra le possibili suggestioni verrebbe da cita-
re, oltre ai padri europei della scultura orga-
nica (Brancusi, Arp, Moore e il nostro Al-
berto Viani con le sue Superfici curve conti-
Ora l’opera di Filippi attraversa un’ulte- nue), l’astrazione lirica e surreale di Georgia
riore maturazione: la pittura tende alla O’Keeffe e le fantasie aeree e primordiali di
tridimensionalità e all’aggetto, mentre la Calder e di Mirò.
scultura aspira alla monumentalità e a un
dialogo aperto con lo spazio. Non a caso Sara Fontana
Oasi metafisiche
GIANCARLO DI SIMONE in un mare inviolato
Creature indefinibili, animate da bagliori
colorati vibrano impalbabili in un mare ina-
cessibile. Non prigioniere dell’abisso, ansio-
se di luce, ma paghe della propria solitudi-
ne sembrano illuminare di vita il silenzio
che le avvolge, senza dominarle. Quella vita
che si materializza nell’accurata ricerca del
colore che ora diventa vita, ora prende
forma come dal nulla, in uno straordinario
effetto di sofficità, pur attraverso tonalità
intense e a volte contrastanti. Immagini che
parlino di un oblio cercato, e conquistato in
una dimensione surreale; e laddove l’anima,
sottoforma di uccello, cerca di volare, sem-
bra aprire le ali dalle viscere della terra.
Irene Torrisi
Senza titolo, 1999, olio su tavola, Ø cm 35

DONATELLA RIBEZZO
Pensare che Donatella Ri-
bezzo sia solo una pittrice,
sia solo una brava illustra-
trice, una “dotata”, sareb-
be come dire che un cielo
stellato è solo notte e le
luci o il mare è solo acqua,
o che la primavera è solo
stagione. Chi la conosce
un po’ e vede i suoi quadri,
capisce quanto l’amore e
la sua proporzione artisti-
ca, siano un’intenzione, uno
slancio, un sentimento che
diventa freccia mentre l’a-
nima è l’arco che lo scoc-
ca. Donatella disegna negli
animali il gesto e l’anima, lo
sguardo della leonessa in
caccia, con tutta la sua mistica magia, tutta
la sensualita’ di un istinto che diventa rito,
sacrificio, magia ancestrale, dramma , poe-
sia… Questa tecnica di pittura su piastre
di ceramica, molto complessa, della quale
bisogna tenere conto per la variazione
cromatica ad ogni passaggio tramite la cot-
tura, permette di ottenere profondita’ e
luminosita’, una particolarita’ che da’ all’ani-
male una sensazione di vita.
La Ribezzo, non è solo un testimone pas-
sivo, una fotografa di animalita’, Lei con la
sua pittura cattura l’anima attraverso lo
sguardo dell’animale coi colori te la inchio-
da addosso e se non la senti o non riesci
a vederla è solo perche’ non ci metti il
cuore. Donatella, interiorizza in un pro-
LORENZO PIEMONTI
Cromoplastico 904, 2005, acrilici, cm 50 x 50
DANIELE CAZZATO
L’incanto nello sguardo dei bimbi è sorpren-
dente ogni volta che si fermano a contemplare
un mistero fatato. Stupore e bellezza proven-
gono da occhi sensibili e non superficiali. Certo,
mi direte, intenti scontati, questi, ma non del
tutto se si proviene da un quotidiano frenetico.
La Libreria Bocca, scrigno di sogni che attraggo-
no i passanti, invita allo stupore e alla meraviglia.
Se l’arte, coi suoi multiformi linguaggi, è veicolo
Per la tua pubblicità chiama Antonio D’Amico 338 2380 938 - Gabriele Lodetti 333 2869 128 - Giorgio Lodetti 338 2966 557
L’anima... attraverso
lo sguardo
cesso empatico profondo il sentimento
animale per poterlo sentire dentro prima
e dipingere poi: come un atto d’amo-
re…come un amplesso di anime qualco-
sa che passa dentro attraverso la sensua-
lita’, intesa come comunicazione, come
accoglienza del messaggio con la natura,
come atto d’amore catartico che celebra
la vita nella vita, attraverso una profonda
fisicita’ fatta di ombre e tenerezze di
colori e seduzione…
Maurizio Vignozzi
Istinto della paura, 2006, piastra su ceramica, cm 33 x 45
Attrazione fatale, 2006, piastra su ceramica, cm 25 x 50
Cromoplastico
904
Forme geometriche perfette in cerca di uno
spazio definito. Si posizionano immutabili e
perpetue verso una pluridirezionità che apo-
strofa intenti matematici. Il fascino misterico
rimane intrappolato dai solchi che scandisco-
no la composizone dando vita a un fluido
gioco cromatico definito e senza incognite
morfologiche. Il disegno, madre delle arti, è
alla radice del progetto, dove l’idea elabora in
nuce l’esecuzione che diviene operatività
applicata ed estetizzante.
È forse il desiderio di un equilibrio cercato e
sperato nella quotidianità del sociale? Piemonti,
nella sua opera, consolida gli opposti, facendo-
ci prendere coscienza che l’arte può sempre,
attraverso i suoi linguaggi, proporre una realtà
ideale che nella quotidianità è solo utopia.
Antonio D’Amico
Sospensioni
d’Arte
di fortuna o semplicemente le sue forme non
contengono sterili concettualismi, bensì celano
segrete sorprese, non rimane che soffermarci
con stupore e un pizzico di gratitudine dinanzi
al suo cospetto. In inghilterra vedere volare una
o più gazze ladre ha un significato preciso, tanto
che nella tradizione popolare esiste una fila-
strocca, che da oggi verrà associata all’arte e al-
l’espressione creativa dei voli di Daniele Cazza-
to. Sul soffitto della libreria, infatti, potranno ve-
dersi volare:
«One for sorrow,
Two for joy,
Three for a girl,
Four for a boy,
Five for silver,
Six for gold and
Seven for a secret never to be told»
A quel punto non ci rimarrà che esclamare:
Good Morning Pica Pica!
Antonio D’Amico
Good Morning Pica Pica!
SpazioBoccainGalleria
dal 9 novembre al 30 gennaio 2007
20
CHIARA CERATI
Chiara Cerati oggi offre al pubblico milane-
se le sue opere. Milano vanta una tradizione
gloriosa e accoglierà quest’artista di delicate
forme. I fiori di Chiara Cerati sono il “fiore”
perché dei fiori, colgono il profumo, la tra-
sparenza e il senso consolante: una specie di
promessa, di augurio di partecipazione alla
felicità. Abbiamo bisogno di ottimismo e, in
questi momenti di grandi incertezze, dob-
biamo ringraziare chi, come Chiara, lavora
nel segno della fiducia. per quanto riguarda i
ritratti, utilizzando l’impressione cioè la foto-
grafia, Chiara Cerati traduce la realtà in valo-
re atemporale e non solo istantaneo. La
qualità pittorica è inoltre di primo livello.
Complimenti e auguri.
Mario Donizzetti
Rose, 2005, olio siu tela, cm 30 x 40
Ritratto giovane avvocato, 2004, pastello, cm 50 x 70
SpazioBoccainGalleria
mercoledì 6 dicembre 2006 - ore 18,00
CHRISTOPHE MOUREY
Scrutare, osservare e
imprimere sulla carta
singoli elementi d’iden-
tità macrocosmiche;
uomini, donne, sguardi
enigmatici che rifletto-
no intenti a noi miste-
riosi, movenze che ri-
cordano gli attimi imper-
cettibili della riflessione precedente un’azione.
Generali e soldati che osservano per agire,
uomini virili pronti all’impresa titanica, fanciulle
nel pieno della loro consapevole bellezza che
ci lasciano intuire le armonie dell’animo
umano. Un cosmo corredato da oggetti inani-
mati che circondano la storia e la vivono con
un’utilità funzionale alle umane creature.
L’artista, in questo viatico di osservazione
acuta, si fa interprete di un mondo a lui lonta-
no che lo tange, limitandosi a captare le silen-
ti richieste e sigillarle indelebilmente coi colo-
ri. Piccoli particolari posti in sequenza, scor-
porati dal loro originale contesto, divengono
ora un atlante della memoria. Si perpetuano
non più quelle emozioni ormai racchiuse nei
meandri della storia, bensì i sentimenti che
l’artista ha catturato nel suo acclimatarsi col
luogo prescelto e che ci ha voluto trasmette-
re per far sì che ogni singolo fotogramma
diventi un vivo ricordo.Tali sono gli intenti di
Christophe Mourey che, attraverso 216 dise-
gni, ha tessuto il cuore architettonico e strut-
turale di Palazzo Cusani a Milano. Il suo è lo
sguardo del contemporaneo orientato a cata-
lizzare forme di vita, in questo caso inanimata,
per renderli oggetti viventi grazie all’ausilio del
disegno e delle successive sensazioni che
suscitano nell’osservatore. Christophe è l’arti-
sta bohemienne che si ferma ad eternare ogni
singolo desiderio. Nelle sue performance la
BIANUCCI CINELLI studio
comunicazione
organizzazione eventi
ufficio stampa
via Lambro, 7 - 20129 Milano - Italia
tel. +39 0229414955 - fax +39 0220401644
La prima impressione che si ricava dai pa-
stelli di Chiara Cerati è quella di una sbalor-
ditiva esattezza nella restituzione dell’imma-
gine, che non teme i più impegnativi con-
fronti con celebrate fattispecie di un passa-
to prossimo remoto.
Tanto è catturante e imponente la presenza
del ritratto da voler per sé l’attenzione tutta
del riguardante, nello spazio e nel tempo,
grazie ad un virtuosistico conguaglio dell’ac-
corto ingrandimento dell’immagine con l’i-
stantaneità fotografica della posa (dissimula-
tamente colta) che coglie il movimento e
dunque la vita, riscattandola dalla meccanica
immortale fissità fotografica grazie a un
sapiente capillare
governo del colo-
re, dosato con
una sottigliezza di
trapassi tale da
inverare l’osserva-
zione leopardiana
che «il sommo del-
l’arte è la natura-
lezza e il nasconde-
re l’arte».
Naturalezza che,
come sempre scri-
veva il grande poeta
dell'innocenza per-
duta: «Appena si
può chiamare qua-
lità o maniera, non
essendo qualità o
maniera estranea
alle cose, ma la maniera di trattare le cose natu-
ralmente, o come elle sono». Come dolcemen-
te parla in questi volti di un’infanzia ancora
intatta.
Franco Gavazzeni
Imprimere
la vita!
gente è protagonista assoluta così come i loro
desideri. Sedersi al suo cospetto formulando
una richiesta precisa significa tornare a casa
col disegno originale; a lui rimane una stampa
a colori quale puzzle per formare un nuovo
atlante. Stimolare la memoria è il suo obietti-
vo e coniugare i ricordi che divengono sempre
più personali è l’intento che nell’arte mantiene
viva la storia dell’uomo.
Così come Mnemosine per Warburg, per
Christophe l’immagine diviene protagonista
assoluta della vita nelle sue multiformi sfaccet-
ture. Anche l’oggetto più banale, ma in quel
preciso istante significativo per la persona che si
è fermata dinanzi a lui, diviene ready-made nella
nuova dimensione della memoria. D’ora in poi,
qualsiasi cosa esso sia, vivrà nel cosmo dell’arte.
Antonio D’Amico
Palazzo Cusani - Sentinella dell’arte
Circolo Ufficiali di Milano - via Brera, 15 - MI
dal 6 al 27 novembre
vernissage martedì 7 novembre
Galleria Brambati Arte - Antologia
via Natale Perego - Vaprio d’Adda
dal 12 novembre al 10 dicembre
vernissage
domenica 12 novembre
Le Trottoir Performance
p.zza XXIV Maggio, 1 - Milano
dal 13 al 18 novembre
vernissage - finissage
sabato 18 novembre
Libreria Bocca
presentazione catalogo eventi
6 novembre 2006 ore 18,00
La Libreria Bocca è lieta di
annunciare la collaborazione
con l’ufficio stampa diretto da
Francesca e Chiara Bianucci
Cinelli, per una maggiore
e migliore diffusione delle
iniziative culturali promosse.

Serie: La Dea e la Croce, 2006, tecnica mista su tela
Ci sono artisti che prendono d’assalto la
tela, o meglio nel caso di Giannantonio De
Maldè le tele, con un affanno, un’ingordigia
degna di un affamato, quasi che il tempo
non bastasse, quasi che possa esistere un
momento in cui si dovrà per forza smette-
re, che l’evento creativo, quell’evento, sia
l’ultimo, che l’arresto, inevitabile, sia definiti-
vo. Vita e morte insieme, quindi, in una
metafora la cui arte è sentita come intrec-
cio complesso di fasi creative, fatte di mol-
teplici punti di partenza ricchi di slancio ma
di cui l’artista già percepisce, quasi con stu-
pore, l’inarrestabile fine. In realtà solo
conoscendo questa splendida frenesia si
può seguire e comprendere il percorso
della sua ricerca; assistendo, come mi è
capitato, alla “crescita dell’albero dalla parte
delle radici”, al dipanarsi dall’interno di que-
sto processo, di cui i singoli quadri sono
WALTER TRECCHI
A differenza di quella di Boccioni, quella di
Trecchi è una “Città che as…sale”, un
germe che si sviluppa autonomamente,
distruggendo la presenza ingombrante
dell’uomo: restano tracce di un passaggio,
colori rugginosi che tradiscono un ripen-
samento, una pausa di riflessione o, forse,
una coraggiosa ammissione di impotenza.
E’ stupendo riconoscere nelle opere di
Trecchi le forme del Razionalismo italiano
del rivoluzionario e geniale Giuseppe Ter-
ragni, ma è ancor più sorprendente leg-
gervi la delicata denuncia di un sogno spez-
zato e il contemporaneo recupero di un’a-
scesa interrotta. E’ la secchezza essenziale
e ruvida di Montale applicata alla pittura,
un intrecciarsi di impalcature e tubolari
che disegnano una gabbia esistenziale, sug-
geriscono, parafrasando l’illustre ligure,
“assi di seppia”, gusci vuoti e abbandonati
su cui affilare la durezza dei destini fragili e
banali che li abiteranno. In Trecchi non c’è
gaddiana cognizione del dolore o ferronia-
na disgregazione della figura umana, come
consunta da un male urbano corrosivo e
inarrestabile, c’è invece l’dentico dignitoso
riscatto morale di Montale, un tecnicismo
pittorico altrettanto poetico e simbolico,
Cantiere IV, 2005, tecnica mista su tela, cm 75 x 100
Per la tua pubblicità chiama Antonio D’Amico 338 2380 938 - Gabriele Lodetti 333 2869 128 - Giorgio Lodetti 338 2966 557
soltanto le tappe. Il traggitto, al momento
ignoto, si vedrà dopo ma subito si coglie
che le opere non ci sono date come pezzi
unici in sé conclusi o “soltanto come imma-
gini a sé stanti” ma come segmenti di un
divenire pieno di stadi invitanti ad esplora-
re sentieri con ostinazione o con fragilità
ma in tutta sincerità. Ciò si coglie anche
osservando soltanto il dinamismo, l’instabi-
le vitalità delle immagini le cui figure sem-
brano, in molti casi, volersi sottrarre alle
aggressive campiture monocrome in rosso,
ocra, azzurro che ne costituiscono lo sfon-
do. Così questa creatività si è formalizzata
sotto ai miei occhi secondo tre modalità: le
serie tematiche, che appaiono “compatte”
e al loro interno coerenti, quasi dei rac-
conti, che ci parlano di emozioni fuggevoli,
di mappe mentali, di paesaggi ancestrali
rivissuti nella memoria, di esseri mitici che
esistono per essere subito bruciati e vanifi-
cati al nascere di un nuovo ciclo. L’idea, o
meglio, la messa in luce, di un processo
creativo che non ha punti fermi ma solo
apici, al punto che si può affermare che una
parte cospiqua della
fruizione, della com-
prensione di ogni ope-
ra è affidata agli empa-
tici legami che la uni-
scono, al di là dei tito-
li e dei soggetti, al signi-
ficato dell’intera serie.
Opere ricche di va-
lenza, quindi, ma solo
se si è disposti, a se-
guire e ripercorrere il
flusso dello spazio e
del tempo fino alla
Costruzioni in
cemento... armato
Città sospesa, 2005, tecnica mista su tela, cm 150 x 110
lo stesso desiderio di appaltare un ingan-
no, di opporsi a un crollo impietoso, edifi-
cando agglomerati di speranza: ciò che ap-
pariva soffocante “costrizione” dell’anima
nei recinti di rigide geometrie architettoni-
che è ora meditata costruzione di un con-
sapevole progetto di vita, di uno scenario
urbano che riflette un preciso disegno spi-
rituale. E’ così che seguiamo il dettaglio e la
scabra raffinatezza delle costruzioni, gli
impasti densi di malta e colla che ricopro-
no con ingegneristica precisione una carie
esistenziale e sembrano ripetere la descri-
zione degli umili e aspri muri di sassi di
Montale, oltre cui spazia lo sguardo e si
immagina il mare, simbolo salvifico di eva-
sione. La meticolosa capacità descrittiva e
il tagliante impianto scenografico, la pen-
nellata distesa come calce e satura di colo-
re livido e corposo su tele composte di
frammenti uniti da cuciture che sembrano
suturare un taglio, quasi piaghe ormai cica-
tricizzate, delineano un profilo urbano
21
GIANNANTONIO DE MALDÈ a cura di
Franco Tarantino
nascita del gesto e del concetto nel quale
sono state generate. Questa modalità,
quella di vivere l’arte nel suo farsi senza
rigidezze “strategiche” o progettuali, per
molti versi avvicinabili ai ritmi interni dell’e-
sperienza informale, ha qui invece (impre-
vedibilmente?) degli esiti espressionisti che
derivano da un’esplicita volontà di risalire a
ritroso nel tempo alle origini del fenomeno
che ha determinato l’action painting e le
espressioni a lei collegate. Ciò ci conduce al
terzo punto: la ricerca, i suoi obbiettivi, i
suoi approdi. Forse si potrebbe pensare
che dato il linguaggio fortemente espres-
sionista presente in varie opere essa, si
risolverebbe nel puro esito formale implici-
to in ogni singolo atto creativo. Ma è vera-
mente così? I guerrieri, Casa Sandri, Le nuvo-
le etc... dai colori violenti o delicati, cupi o
solari sono forme che “chiedono” la salda-
tura, l’accordo con stutture e contenuti
fondanti. Questo essere in bilico tra incom-
pletezza e definizione (è il fascino dell’am-
biguità) motivo per il quale si presentano a
noi in forme reiterate, seriali, l’una diversa
dall’altra ma apparte-
nenti alla medesima
“personalità”. Il sogget-
to rappresenta l’ele- opere, un forte riferimento all’arcaicità,
mento poetico dell’ar- all’etnicità, punto di partenza, questo, di
te di Giannantonio De molte ricerche artistiche del XX secolo,
Maldè, insieme di soli- che qui è risolto al di là dell’evidenza dei
dità e evanescenza va- riferimenti formali, con un tentativo, si
riabilità del tema e potrebbe affermare, di intuizione delle ori-
continuità dello stesso. gini che va oltre il puro richiamo atavico o
Ma quali sono i conte- la pura rivisitazione delle forme artistiche
nuti fondanti ai quali non occidentali.
accennavamo?
È indubbio, in molte Giovanni Marconi
affollato di cantieri, irto di torri e tettoie
che ci immergono in una staticità metafisi-
ca, cancellando l’incubo delle periferie
angoscianti di Vespignani, sgretolando la
ti ed emozioni quella piccola intercapedine
che ci separa dal nulla, che ci consegna a
chi accoglierà il nostro esempio di corag-
gio. E’ un assorto sguardo morandiano che
schiacciante monumentalità urbanistica di si ripete con la stessa ostinata e delicata
Sironi, trasferendoci piuttosto nel magico insistenza, fino a convincerci di un’anima
mondo di un miraggio metropolitano che condivisa, di costruzioni che hanno l’iden-
ci consegna a un “cemento amato”, tica muta spiritualità delle bottiglie dell’e-
mutandolo in elemento durevole di soterico maestro bolognese, immobili
sopravvivenza, quasi scialuppa di salvatag- spettatrici di una surreale inversione di
gio, affrancamento dal disagio di un nau- ruoli, in cui siamo noi le vere comparse,
fragio annunciato. sospesi nel tentativo di trovare una giusti-
Ripercorriamo così il percorso artistico di ficazione, di “mettere in cantiere” la ragio-
Trecchi, in cui si avverte un messaggio di ne di vivere...
costruttiva rivalsa, un’evoluzione che pren-
de avvio dai primi interni di capannoni Aldo Benedetti
abbandonati, popolati soltanto dal silenzio
della memoria, opachi fantasmi di epoche
e attività dismesse che implorano un ricor-
do, alle immagini di gru che richiamano la
sacralità di svettanti cattedrali gotiche, lo
stesso dinamismo di una società in affan-
nosa ricerca di nuovi orizzonti, fino a giun-
gere agli stupendi cantieri del riscatto, alle
impalcature che sostengono una soluzione
di vita, ai teloni che, come bende, avvolgo-
no e alleviano le ferite di un’umanità che
trova rifugio in quelle costruzioni, autenti-
co progetto di speranza che è fiducia nelle
capacità creative dell’uomo, nel suo dispe-
rato tentativo di trovare un ordine.
Si passa così dalle prime “delocazioni”,
dalla poetica dell’assenza, l’evocazione di
una presenza al negativo, gli attrezzi orfani
di fabbriche deserte, come sagome anco-
ra impresse su di un letto vuoto e scom-
posto, all’entusiasmo allusivo, in positivo,
delle “allocazioni” degli oggetti, testimoni di
un’attività in essere, del desiderio di affer-
mare una continuità, ricevendo quasi un
prezioso mandato testamentario da tra-
smettere: forse realizziamo solo disperate
palafitte su un terreno pronto ad inghiot-
tirci, forse siamo soltanto ossi di seppia
che il mare porta a riva, ma l’importante è
costruire, vivere con trasporto e intensa-
mente quel breve tratto di costa che ci
divide dal bagnasciuga, riempendo di affet- Cantiere VII, 2005, tecnica mista su tela, cm 150 x 110
 AGHIM MUKA Origini: Anima Mundi
propongono allo sguardo recettivo. L’artista, albanese di
Fieri, vive da diversi anni a Milano. Appena lo incontri
capisci l’importanza delle sue origini, la necessità delle
radici forti, la grazia rabbiosa delle attitudini naturali. Oggi
L’artista albanese Aghim Muka, attraverso rappresenta al meglio la cultura albanese senza che nulla
l’utilizzo di diversi linguaggi, ripercorre il dichiari il legame in modo ideologico. La sua arte ha una
sentiero che unisce simbolicamente le ori- dimensione che non si limita a richiami localistici o auto-
gini dell’essere umano, l’Anima mundi. referenziali, ne ad un falso internazionalismo privo di one-
Iniziando questo percorso dalle sue origini stà culturale. Al contrario, incarna la libertà del diario pri-
albanesi, Muka tesse una ragnatela che vato che si disvela con generosità e controllo, secondo le
intrappola nelle sue maglie visioni di altre necessità etiche che chiedono spazio estetico. Viene da
civiltà, e narra la sacralità e inviolabilità del- dire, finalmente un artista che non gioca con la retorica
l’esistenza dell’uomo. La tematica delle del disagio balcanico, che non abusa del degrado sociale
Origini e dell’Anima mundi, poetica che da per farne una bandiera da biennali e collezionismo snob.
sempre contraddistingue la ricerca di Di fatto, Muka distilla il mondo dentro percorsi evocativi
Aghim Muka, ancor più ha preso spunto ed alchemici, istintivi ma sotto auscultabile controllo. Il Origini Anna Oxa, 2006
dall’incontro con Anna Oxa, di origine alba- tecnica mista su tela, cm 181.5 x 121
lavoro si porta dentro l’accrescimento del viaggio, la sco-
nese, per cui ha realizzato l’immagine per la perta coraggiosa, il moto precario degli spiriti nobilmente nomadi. Opere come pagine
copertina del suo ultimo cd musicale, “La di un diario non più “di bordo” ma “sul bordo” delle cose, del vissuto quotidiano, dei
musica è niente se tu non hai vissuto”. Nel sogni speranzosi, della visione morale. Un appuntarsi la vita mentre si cammina tra realtà
quadro Origini che ha realizzato per la Oxa, e geografia mentale, sul confine pericoloso del disvelamento, oltre il limite valicabile della
l’artista si è ispirato alla ricerca di una radi- pura bellezza.” Nel suo viaggio poetico, Muka ci propone oltre alle tele, un video e una
ce di comune appartenenza a tutti gli esse- installazione. Il video, dal titolo Pane, vede come protagonista lo scultore Eugenio Zanon,
Pavone, 2006, tecnica mista su tela, cm 100 x 100
ri umani e il divenire della bellezza e della scomparso la scorsa primavera, a cui Muka dedica l’opera stessa. Nel video, attraverso
essenza umana nella sua tragicità. Le tele in mostra, evocative, struggenti, fanciullesche, una narrazione allusiva, si sottolinea l’importanza della semplicità del Pane quotidiano
pulsanti di emozioni, ricordi, richiami, creano un percorso simbolico di un viaggio tra spa- spesso dato per scontato nel corso del ritmo frenetico dei tempi moderni, ma proprio
zio, tempo, culture. Sono tele di un artista che ragiona in modo diverso come dice di lui perché quotidiano, forte di una valenza insostituibile, simbolo dell’esistenza stessa, sim-
Philippe Daverio, curatore della LVII Edizione del Premio bolo religioso di riscatto ed elevazione spirituale.
Michetti, “Laboratorio Italia 2006”, a cui ha invitato Muka L’installazione, Anima Mundi, rappresenta un Pavone, espres-
nella sezione Bizantini. Scrive appunto Daverio:“ragionano in sione di bellezza, di libertà, di eleganza della natura, animale
altro modo quelli della riva opposta alla nostra sull’Adriatico fiero e nobile che diviene metafora dell’origine primordiale
perché in mezzo a quel mare che sembra un golfo o forse il del mondo. Filo di ferro, rigido, teso, aggrumato e piume di
prolungamento fluviale dell’estuario del Po, in mezzo a quel seta bianca, morbide, impalpabili, sono i materiali che si con-
mare passa una linea virtuale di demarcazione che separa il trappongono e intersecano indissolubilmente nell’installazio-
Mediterraneo fra oriente e occidente, fra latini e tutta una ne. Ferro come le difficoltà del vivere, seta come l’anima
altra serie di segnali. Sono segnali di Bisanzio, del Medio bianca del mondo che abbraccia uomini, creature animali e
Oriente o tolemaici, ma sono segnali più lontani ancora. vegetali, fino ai fili d’erba di un prato.
Perché chi guarda il mare dalle coste dell’Albania vede come
gli etruschi antichi il sole che cala nell’acqua e lo sente sor- Maria Cristina Vicamini
gere molto lontano dietro alle spalle, laddove è sorta quella
stirpe alla quale apparteniamo tutti noi indoeuropei.” E per Miniaci Art Gallery
Muka le origini sono importanti, ma non si ferma a quelle, Via Brera, 3 - Milano
tramite le sue origini scruta, osserva, ricerca quella comune
a tutti gli esseri viventi. A tal proposito scrive Gianluca Origini: Anima Mundi
Marziani: “densità narrativa, aperture misteriose, cicatrici Alessandro Riva - 12 ottobre 2006
a cura di
indelebili, memorie stratificate, bellezza crudele… sono alcu- Albanian Feeling
ne delle principali scoperte che le opere di Aghim Muka Persia, 2006, tecnica mista su tela, cm 200 X 200 Giornata del Contemporaneo - 14 ottobre 2006

QUASIMODO e BOTTARI
Là dove s’incontrano
versi e colore, regna
sovrana la creatività e
l’ingegno e il rinnova-
to mistero dell’ut pic-
tura poësis rivive nel-
l’incontro dell’onirico
mondo poetico di
Salvatore Quasimodo
con il lirismo cromati-
co di Lorenzo Maria
Bottari. L’artista siculo,
ormai da anni a Mi-
lano, ha «letto e resti-
tuito a noi per immagi-
ni e invenzioni coloristi-
che e moti di fantasia onirica, vite vegetali e
acque e sorti umane rifluite nelle tele», alcune
poesie del poeta siciliano, così come ben
afferma Umile Francesco Peluso nel suo
testo del catalogo pubblicato nel 2001 (L.M.
Bottari, Quasimodo quasi sognato, casa editri-
ce Editma). Bottari sogna Quasimodo, nono-
stante per il poeta «la vita non è sogno», e i
versi divengono colore «lasciando trasparire
la freschezza, che è espressione di eternità»,
secondo Alessandro Quasimodo e, inoltre,
riferendosi alla trasposizione cromatica di Ed
è subito sera, una delle poesie più significative
della produzione quasimodiana, «dove ci col-
pisce il dolore universale, il senso della vita che
è breve», Bottari riesce a scalfire la tristezza ed
imprimere «una gioia universale». Gli sguardi
riflessivi che Bottari indaga, per Quasimodo
aperti alla ‘solitudine’, attraverso un corposo
colore denso di vitalità, travalicano la chiave
pessimista che vive nelle poesie di Qua-
simodo, dove «sarà vano il tempo della gioia»
e dove i versi individuano colori dai «vapori
di nebbia» e «qui nero il fumo degli incendi» e
la quiete è raggiunta per mezzo di un «gelo-
so silenzio». Quel silenzio generatore di rifles-
Per la tua pubblicità chiama Antonio D’Amico 338 2380 938 - Gabriele Lodetti 333 2869 128 - Giorgio Lodetti 338 2966 557
Un incontro
sognato
sione a cui invitano le arti sorelle. Simile tripu-
dio d’intenti è all’apice dell’evento che si terrà
alle SegretediBocca dove protagoniste assolu-
te diverranno l’arte pittorica di L.M. Bottari
che, coi suoi caldi colori, interpreta pittorica-
mente i testi quasimodiani e la dolce e melo-
dica lettura poetica di Alessandro Quasimodo
con la partecipazione di Maria Cristina Pianta
ed altri amici. Rivive l’eterno, quando parola e
armonia s’intrecciano per dare vita al mistero
della beltà e della grazia. In una società così
distratta che ha «smarrita ogni forma» e «rima-
ne appena aperta l’indolenza, il ricordo d’un
gesto, d’una sillaba, una come d’un volo lento
d’uccelli… ci resta, forse il cuore…»
Antonio D’Amico
E la tua veste è bianca, 2006, olio su tela, cm 50 x 40
Ed è subito sera, 2001, olio su tela, cm 70 x 50
Segrete di Bocca
giovedì 30 novembre ore 18,00
via Molino delle Armi, 5 - Milano
22
Corpi
MARIA CHIARA ZARABINI ambigui
I modelli che Maria Chiara Zarabini
plasma in rete metallica non trova-
no una facile definizione, anche se
appare subito evidente la loro ca-
pacità di coinvolgere lo spazio cir-
costante, trascinandolo in un movi-
mento che evoca la gravitazione
cosmica. Questi nodi, o pezzi, o go-
mitoli, o altre cose ancora, secondo
le titolazioni dell’autrice, mostrano
chiaramente la loro indole sociale,
tendendo a far gruppo e ad assumere un
significato collettivo. Eppure ognuno di
loro, pur somigliando ai vicini, non ne ripete
mai le movenze e sembra anzi non guar-
darli nemmeno, intento ad attorcigliarsi
intorno alle proprie evoluzioni. L’insieme
si presenta come un’anarchica tribù e
ricorda i grumi di nuvole portati dal vento
o i pezzi di materia scaraventati in aria da
un’esplosione raggelata.
Ma ogni singolo componente del gruppo,
visto da vicino, assume la complessità di
un ulteriore aggregato di forme e fa pen-
sare alle circonvoluzioni di organi vitali o
di effiorescenze. Pur rifuggendo da qual-
siasi precisa riconoscibilità geometrica,
ogni forma muove in maniera precisa lo
spazio intorno a sé, come la scultura ha
sempre saputo fare. Da lontano gli ele-
menti possono apparire come scontrosi
sassi, dotati di una volumetria ameboide
ma solidamente determinati dai tagli
metallici e quindi assimilabili al mondo
minerale. Gli intrecci e le trasparenze
delle reti moltiplicano però i contorni e li
rendono mutevoli al variare della luce,
conferendo alle forme la magica consi-
stenza di liquidi o di veli tessuti. Infine, se
ci si accosta molto agli intrecci, ogni
superficie sembra fluire e confondersi
nella successiva, tanto da annullare ogni
Labirinto, 2006, Museo Nazionale Villa Pisani a Stra - VE
confine, che svapora in una gassosa inde-
terminazione. La serie di figure si presenta
danzando ai nostri occhi per svelarsi sem-
pre diversa, in continua fuga da precise
riconoscibilità e diretta verso indefinite
mete di significato. L’operazione si limite-
rebbe a trasmetterci una negativa sfiducia
nella comprensibilità del mondo, se a sor-
reggerla non ci fosse una grande fede nelle
possibilità di plasmare i corpi. In fondo l’o-
biettivo di riunire insieme, in un solo
oggetto, allusioni al mondo solido, liquido e
gassoso equivale all’ambizioso progetto di
scolpire un’immagine del mondo, che per-
tanto è visto come rappresentabile. Forse
allora è la vastità dell’orizzonte intravisto a
rendere l’autrice diffidente verso le sem-
plificazioni razionali.
Del resto la sua preferenza per le forme
organiche esprime una partecipazione
emotiva alla mutevolezza della vita, dove
appunto non è possibile separare gli stati
della materia se non nell’astrazione del
laboratorio. I corpi ambigui non sono dun-
que espressioni di scettico riserbo, ma anzi
di un’adesione tutta femminile per la verità
di ciò che vive e muta.
Guglielmo Monti
Soprintendente Museo Nazionale Villa Pisani
 Possibili La camera
GRAZIA GABBINI Luoghi AGOSTINO ARRIVABENE incantata
Strati di tempo sottratti al passato, elevati a presente nel valore di diritto a riallacciarsi al Picasso
traccia. Grazia Gabbini intesse memoria e suggestione, metafore degli anni più colorati o al Kubin
antiche e intuizioni vibranti. La superficie contratta nelle rughe di degli anni più grigi, gli altri ragaz-
forza dichiara un’esistenza profonda. Allude, richiama, accentra zacci di Roma, i Balzati o i
senza racconto. Non esiste narrazione. Non esiste una afferma- Frongia, si trovarono legittimati a
zione assoluta. La carta inoffensiva diviene guardare al manierismo e alla
materia di forte concretezza, quasi for- sua materia, a Mafai o a
giata o plasmata come terra ardita, Scipione. Da alcuni anni già, poi-
scolpita nei segni e nei risvolti, vissuta ché la superiorità dell’arte con-
nella prospettiva del volume in rap- sta nella sua capacità di anticipa-
porto allo spazio. E tutto intorno si re la politica, la cultura visiva, e
Nido, 2006, collage di carta e pigmenti permea di suggestione. È superfi- quella musicale pure, s’era senti-
filo di ferro, cm 19 x 19 x 19 cie ma si accredita di solidità cor- ta postmoderna ma non aveva
posa e si muta, nella concezione contemporanea, in essenza inteso ancora che cosa il termi-
scultura. Fili di un reticolato aperto, tracciato inesistente o ne volesse significare effettiva-
simbolo superstite di legami e strutture convenzionali, disar- mente. Si voleva credere nella
cionate dal tempo, erose dalla stessa consuetudine che le purezza della propria forma
generò e infine approdate alla libertà per saggezza del ritrovata. Non s’era accorta che
destino. Forse intuendo l’altrui desiderio di appartenenza l’atmosfera s’era riempita d’ogni
al corpo materia del suo lavoro, Gabbini ha dato vita ai tipo di contagio, che il concetto
“nidi”, naturale confluenza delle superfici e consequen- stesso di contemporaneità s’era
za spontanea della tessitura a intreccio di volumi e vuoti, dilatato al punto da comprende-
luce e ombra, percepibile e sottinteso. Nidi nella metafo- Il male di vivere II°, 2006, olio su tavola, cm 60 x 50,5
re il passato più lontano assieme
ra di linguaggio, cellule vitali o agglomerati di convivenza al mattino appena trascorso. Tornò legitti-
nella leggibilità di traduzione. Nidi per riparare in solitudine Il mistero può colpire ancora nel mondo mo tutto purché potesse essere portato-
o decollare liberi all’orizzonte dell’ignoto, solcare spazio e immaginario che la pittura plasma. re di poesia, che potesse sorprendere una
tempo, risolvere emozioni in luce. Cos’è in realtà che può giustificare l’atten- fantasia che richiedeva l’abbattimento del
Nido, 2006, collage di carta e pigmenti zione d’un saggio ammiratore delle mac- tasso di torpore. Fu riscoperta come cosa
Claudio Rizzi filo di ferro, cm 28,5 x 23,5 x 23,5
chie paleolitiche di Joseph Beuys quand’e- utile la voglia di dipingere nei modi più
gli tradisce la normativa del gusto stabilito classici possibili, non per essere retrò o
come buono per lasciarsi attrarre da una citazionisti, per essere invece atavici e radi-
Idea di
CLAUDIA BIANCHI bellezza
grammatica opposta. Il mistero, che va
ben oltre il linguaggio. Secondo i parame-
tri che avevano determinato gli itinerari
della mente visiva circa una trentina d’an-
cati. Fare i propri colori macinando le
materie divenne un gesto di concentrazio-
ne e di meditazione. Questo è il mondo
contraddittorio nel quale si è sviluppato
Il punto focale nascoste” di Torrens, all’immaginario sen- ni fa il mondo si trovava ad essere, per Agostino Arrivabene e del quale egli è
della ricerca di suale e irreale del reggiano Carlo Ferrari, quanto incomprensibile, sostanzialmente diventato negli anni testimone convinto e
Claudia Bianchi è “maestro” di vedere e sentire, non solo di semplice.Tutto s’era evoluto come per un utile. Ecco il motivo ultimo del suo pere-
e rimane il dub- pennelli. Alla volgarità spettacolare di una rotolamento inarrestabile in una direzione grinare fra le memorie di domani come in
bio ingenerato certa “cultura dell’immagine” l’artista con- univoca che prevedeva una corsia per chi
dall’idea di bel- trappone l’inquietudine di un divenire in era capace di capire. Conveniva essere dal
lezza stessa, quel costante evoluzione: le sue figure non lato giusto; l’altro forse neppure esisteva. E
continuo inter- sono mai credibili, mai intaccate da quella poi, inatteso nella sua decomposizione,
rogarsi ostinata- corruzione che segna i volti e deturpa i crollò il muro delle certezze. Quel vallo
mente e appas- corpi. L’immaterialità dell’immagine si berlinese costruito con modesti manufat-
sionatamente sul rende concreta: tassello, anzi fotogramma ti fu distribuito ai turisti. All’ansia da lui
senso di ciò che immobile di un film mentale e ideale in accertata si sostituì un’ ansia altra, sospesa.
vediamo. Per la Gli esperti di storia della politica parlaro-
pittrice la bellez- no di ritorno allo status quo e i fatti sem-
za (ed in parti- brarono dar loro ragione poiché nei
Bocca di rosa, 2005, olio su tela, cm 50 x 40 colare la bellez- Balcani tornò densa e preoccupante la
za femminile) non è solo e semplicemen- tensione anteriore al primo attentato di
te il frutto di armonia o perfezione delle Sarajevo. Il tepore del pensiero debole, le
forme, ma è primariamente lo stimolo fon- certezze cortesi delle avanguardie, il
damentale a scoprire il segreto, il mistero conforto delle appartenenze ideologiche,
in cui essa stessa si cela: per lei la bellezza l’edificio costruito con impegno e fatica si
non è la fine di un processo (creativo), il sfaldarono senza rumore. I cattivi rimane- Il cinghiale di Pitagora, 2006, olio su tavola, cm 60 x 70
risultato di una ricerca, ma bensì l’inizio di vano cattivi mentre i buoni diventavano
un’esperienza cognitiva, di un nuovo viag- meno buoni. Sicché i linguaggi tutti si tro- un racconto di fantascienza, sposando al
gio basato sul dubbio. varono nella posizione poco comoda di contempo i tremori simbolisti di Gustave
L’immagine dipinta, spesso desunta dall’ir- doversi verificare. Anche le arti furono Moreau. Ecco la spiegazione della sua tra-
reale o dal mondo patinato della moda, si costrette dal capriccio della storia a tor- sformazione fisica in una figura d’artista
carica, esaltandoli ed esaltandosi, di evane- nare allo status quo. Si ripartiva dal 1914. conscio e sbalordito dal proprio percorso,
scenza, di transitorietà, di un effimero E ci si ritrovò d’un tratto nel turbinio degli dalla scoperta della luce come strumento
ideale privo di significati reali, che l’artista ismi passati, cubisti e futuristi, dada e pre- e non solo come visione.
contrappone alla verità, all’autenticità, alla surreali, metafisici e simbolisti tutti insie- La mania per l’oggetto piccolo va ben
durata del “fare pittura” in quanto tale. Lo me, non nella medesima padella ma cadu- oltre il collezionismo da camera incantata,
scar to che la pittura inevitabilmente ti nella stessa brace, che per giunta minac- non è egli un maniaco rodolfiano ma un
(in)genera le consente di creare un mec- ciava di spengersi. Se i ragazzacci della analista della poetica dei confronti minimi,
canismo concettuale tutto giocato sull’im- Transavanguardia avevano ritrovato il delle stranezze totali racchiuse nei movi-
Printemp, 2005, olio su tela, cm 70 x 50
plicita contraddittorietà dell’immagine, menti impercettibili.
croce e delizia dell’intera modernità: la continua variazione e sempre pronto a Oggetti improbabili costretti dal loro
Black woman, 2005, olio su tela, cm 70 x 50 solida verità rive- negare se stesso, al pari di un’idea dipinta destino e dalla sua crudeltà sperimentale a
lata dalla pittura “come se” fosse realtà. coabitare, a sopportarsi, a supportarsi. Pesi
unita e contrap- Claudia Bianchi corre abilmente (e vertigi- e materie diverse che solo l’alchimia della
posta alla finzio- nosamente) sul filo di una figurazione dal- pittura riesce a portare dal mondo quoti-
ne. La sua pittura l’equilibrio inventivo delicatissimo; una diano e forse pure banale in una dimen-
è certamente fi- figurazione che tuttavia non sconfina mai sione epica, in un tempo delle trascenden-
glia dei media, del- nella serialità fotografica né nell’illustra- ze. E’ la natura fra la vita e la morte, non
la fotografia e del- zione patinata, tale e tanta è l’attenzione affatto quindi la natura morta, il teatro
la televisione in al “fare pittura”, ad accentuare, cioè, quel- degli avvenimenti. E il rospo seduto sul-
primis, ma altresì lo scarto tra immagine reale (fotografia) l’uovo, mentre si guarda allo specchio, è
profondamente e immagine dipinta che solo la pittura l’immagine di un po’ noi tutti, stupito e
legata ad un’idea può creare. gongolante, non del tutto infelice perché
di pittura che dal attorno a lui il mondo della fantasia sta
realismo “sociale” Alberto Agazzani tornando a celebrare la possibile sua
caravaggesco arri- armonia, preziosa.
va alla metafisica
ideale ventronia- SpazioBoccainGalleria Philippe Daverio
na, al mistero visi- mercoledì 25 ottobre, ore 18,00 Dal catalogo edito nel 2005 - Mirabilia Naturae
bile ed alle “verità Vanitas con zolla di viole, 2006, olio su tela, cm 57,5 x 74 www.agostinoarrivabene.it

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 TIRANAPRISHTINA PROJECT 2005
Anri Sala, No Baraga No Cry, Photo, 2003
The willingness to react in a country like
Albania, where an artist is supposed to
stay for a year, is unavoidable. Ex. While
traveling to Prishtina for participating in an
exhibition, reflects on the fact that by
plane it takes just 25 minutes. In this way,
one averts the 2000 hooks of Kukës
“highway” and a not so nice to experien-
ce human landscape. Getting back to our
example, the artist finds the inspiration
and presents a project in between the two
countries.This is the idea of Florian Agalliu,
coordinator and organizer of art events.
He decides to realize it through a cycle of
video-reports, which seems to me quite a
good idea.
At this point, I decide in parallel to realize
a project with the same title with no con-
nection to the video-report, but availing
my self of the participation of several
Albanian and foreign artists.Therefore, the
project TiranaPrishtina (the one of mine)
MIMMO SORMANI
Autoscatto di André Villers nel suo giardino-studio di Mougins, maggio 2005
Incastonata fra il golfo di Juan e le colline
della Costa Azzurra, si trova Vallauris,
ridente cittadina passata alla ribalta inter-
nazionale grazie alla presenza di Picasso
dal 1947 alla fine degli anni ’60. In questo
luogo, ricco di argilla rossa e terra bianca,
Vaso a fiore, raku
Per la tua pubblicità chiama Antonio D’Amico 338 2380 938 - Gabriele Lodetti 333 2869 128 - Giorgio Lodetti 338 2966 557
aimed to create a retrospective on the
work of the Albanian artists from the mid
90s, a time when Edi Rama (today Mayor
of Tirana) started, for the first time, to
create a structure in which the students of
the Academy of Arts in Tirana could get
familiar with the visual art. This approach
was of a great importance for young arti-
sts such as Anri Sala, Adrian Paci, Alban
Hajdinaj, Gentian Shkurti etc.
Simultaneously, the project TiranaPrishtina
wanted to build up collaboration between
very young and yet unknown in Albania,
monitoring of the art exhibitions through
the Albanian media and different work-
shops, conferences, round-tables etc. This
project became a tool of information to
help the audience of a city like Tirana,
which still suffers the so-called hermetic
system of communication.
In the 11 presented projects, I aimed to
present the work of the Albanian artists
but not only. At the same time, I wanted to
realize other projects such as “The weeks
of Education” where the students of the
Academy of Arts in Tirana had the chance
to attend conferences and colloquies with
personalities of the art world like Ismail
Kadare, Angjelin Prelocaj. The Kino-Forum
in Sazan Island where the soldiers had the
chance to see documentaries and partici-
pate in conferences about the legends of
the contemporary art such as Robert
Crumb, Mike Patton,Terry Zwigoff etc.
The project TiranaPrishtina was first pre-
sented on-line in march at www.tiranapri-
shtina.com, in order, for all those who
Ceramista
a Vallauris
esisteva già da decenni una
fiorente industria ceramica.
Picasso insieme a sapienti
artigiani e altri artisti che
frequentavano l’Atelier Ma-
doura dei coniugi Ramié,
apprende l’arte del tornio e
utilizza le terre come stru-
mento della sua arte produ-
cendo numerose opere ce-
ramiche conservate nel mu-
seo cittadino, al Museo Picas-
so della vicina Antibes e in
diverse collezioni private.
Da questo momento Vallauris
diventa un centro fiorente
dove il bel mondo del tempo
(Alì Khan e Rita Hayworth si
sposano qui nel 1959) si me-
scola con i virtuosi di penna (Gide,
Malraux, Cocteau…) e gli artisti di tornio
(Balthus, ammirato da Gide e da Picasso).
Che cosa resta oggi di quegli anni ruggen-
ti? Un vivace centro artistico con la
Biennale Internazionale d’Arte Ceramica,
numerosi laboratori e botteghe, artisti
oggi rinomati, ma alle prime armi nel
periodo d’oro e giovani leve. Il 13 aprile
2005 mio padre Mimmo, che era in villeg-
giatura nella vicina Juan les Pins, decide di
conoscere Gilbert Portainer, noto cerami-
sta, vincitore di numerosi premi (Faenza,
Bruxelles e Monaco) e fondatore del
gruppo Le Tryptique con Albert Diato e
Francine Delpierre. Davanti all’Atelier
chiuso, ha la fortuna di incontrare André
Iperti (anche lui lì per incontrare l’artista)
che, dopo aver telefonato all’interessato,
informa mio padre sulla sua assenza per
un viaggio in Inghilterra. Iperti però è
curioso e chiede le ragioni della visita e
così Mimmo gli presenta il suo lavoro e le
varie pubblicazioni, da quel momento
nascono improvvisamente un’amicizia e un
fecondo periodo creativo. André, infatti, è
l’ideatore e l’animatore della Fondazione
Sicard-Iperti, intorno a lui orbitano amici,
artisti e ceramisti del calibro di Jean Derval
24
could not get in direct contact with it, to
get informed about its activities through
the web. The whole project ended in
September 2005 and it with this catalo-
gue, which was planned as part of the
project, since the very beginning of it. The
structure of the catalogue is formless and
disordered in presenting of the artists and
their works. This means that the date and
the place of birth rarely coincide with the
given artist. Some works are placed next
to the name of another artist.This is order
to create a single image of the object, the
catalogue, and get the absolute concentra-
tion on the artist’s work. In this way, gene-
rates a unique network of research and a
full presentation of what this project
aimed to express.
For the project, TiranaPrishtina several
artists contributed, journalists, critics, stu-
dents, donors, assistants etc. Without their
help, this project would not been realized.
Even with the difficulties one can face in
Albania when realizing such initiatives,
which are often determined as lack of
demureness and hooliganism, this project
managed to finalize and energetically affect
the cultural life, quite paralyzed, of a coun-
try like Albania, where the market culture
(fundamental and abusive) is getting capi-
tal forms.
All of us endeavoured to offer, through it,
another product; to play with a provincial
and incriminated mentality; to bring to the
Albanian audience an alternative and
urban version of art and facing of the dif-
ferent reactions of media and the public it
self.The project TiranaPrishtina was one of
the toughest but at the same time one of
the nicest experience from which one can
arrive at different conclusions. Starting
Il gomitolo, vaso faïence + ossidi metallici
(esordiente all’Atelier Madoura nel 1949),
di Roger Capron (noto per le decorazioni
in ceramica e gres nello storico Hotel
Byblos a Saint Tropez e le grandi sculture
raku), di André Villers che nel 1953, a soli
23 anni, diventa il fotografo ufficiale di
Pablo Picasso e lo immortalerà in tanti
ritratti famosi. Molti altri artisti come
Cocteau, Giacometti, Le Corbusier, Arabal
e Mirò, saranno colti dal suo obiettivo, nel
suo stile inconfondibile, capace di svelare
le espressioni più intime che stanno dietro
Heldi Pema, Open Space 1, Photo, 2005
from the manners of corrupting the foun-
dations or the compromises with the state
institutions; the transformation of art into
pure business; the dissolution of new spa-
ces and learning to accept the existing of
a group of vicious people who can make
‘The deals’… However, these phenomena
were not ‘born’ in Albania, the same as the
project TiranaPrishtina.What can spring up
is the understanding and the coexistence
in a system, where indeed the art is
nothing else but a game. (don’t immerse it
with the kids game!)
Fani Zguro
Armand Lulaj, C.I.A PowerShift, Performance, 2002
all’immagine. Monsieur Iperti ha introdotto
mio padre nella sua cerchia di amici artisti
e si è creato un ottimo rapporto con tutta
la nostra famiglia. Nel suo frequentatissimo
Atelier papà si è messo all’opera produ-
cendo in poco più di un anno numerose
ceramiche con i materiali locali, dapprima
una serie in terra bianca, successivamente
in terre rosse o refrattarie con la tecnica
raku che prevede l’estrazione dal forno
dei pezzi ancora incandescenti per modifi-
carli e dargli la forma. In questi ultimi mesi
si è cimentato con il modellato a bassori-
lievo e forme astratte tridimensionali. Per
la decorazione pittorica usa ossidi metalli-
ci, smalti e ingobbio con una tecnica origi-
nale che alterna il sopra e sottosmalto.
Mimmo Sormani ha trovato nella Costa
Azzurra una seconda patria, e da instancabi-
le creatore, esprime nelle sue ultime opere
sia il retaggio della passata esperienza matu-
rata a Faenza e in Brianza, sia la nuova realtà
di cui si è intriso facendo suoi il retaggio
cubista, i colori accesi e le materie più cor-
pose. Ormai cittadino d’elezione a Vallauris,
André Villers decide di dedicargli una serie
di bellissime fotografie che lo ritraggono nel
maggio 2005, e testimoniano di questa
nuova tappa nella vita di mio padre.
Marco Sormani
Parigi 5 settembre 2006
Profondo rosso, gres d’arte e smalti

PLEVANO INCONTRA
Ho conosciuto Giacomo nel 1999, nella sua
libreria in Galleria Vittorio Emanuele a
Milano. Ero in compagnia dei pittori Giulio
Santabarbara e Sergio Dangelo che erano
venuti all’inaugurazione di una mia persona-
le con concerto jazz di Guido Manusardi
amico di Sergio, questo per spiegare come il
filo dei contatti artistici sia misterioso e
provvidenziale. Giacomo è un uomo che ti
fa sentire subito a tuo agio, alla pari, la sua
disponibilità è autentica come il suo deside-
rio di comunicare, infatti mi ha dato subito il
suo biglietto da visita dicendomi di chiamar-
lo quando volevo. Da questo primo incon-
tro è nata la mia amicizia con la famiglia
Lodetti. Dopo alcuni giorni Giacomo è
venuto nel mio studio, ha visto le grandi
opere astratte, ma si è soffermato su una
serie di Donne allo specchio, che richiamava-
no le rocce della Gallura in Sardegna, e subi-
to mi ha proposto una mostra nella sua
libreria e la pubblicazione di un catalogo,
prima che se ne andasse gli ho regalato un
video con un’intervista fattami dalla TV sviz-
zera, in cui parlavo, a ruota libera e senza
censure dell’arte, del mercato, del successo,
di una mega truffa ai miei danni, insomma
della tragicommedia umana. Il giorno dopo
alle 8 di mattina mi chiama sul cellulare per
dirmi che sie era divertito come un matto
nell’ascoltare le mie elucubrazioni e mi chie-
de se voglio fare il direttore artistico della
rivista Arte incontro in libreria da lui edita. Gli
dico che non ho mai scritto un articolo, non
me ne intendo, ma lui insiste: “sei libero di
fare quello che vuoi, io ti presento nel pros-
Giacomo
Lodetti
simo numero con un testo di Riccardo
Scognamiglio, psicologo dell’arte del DAMS
di Bologna. E qui mi invento un ruolo che mi
avrebbe potuto stimolare e rendere utile
alla testata: dare voce, far parlare gli artisti in
prima persona del loro fare, delle motiva-
zioni, delle loro problematiche senza media-
zioni e censure di sorta e soprattutto senza
alcun costo. E così inizia la stupenda avven-
tura di visitare gli studi degli artisti che mi
trasmettono emozioni e poesia. Questo è il
dono immenso che Giacomo mi ha fatto
dandomi la possibilità di incontrare grandi
maestri, parlare con loro, scambiare idee,
opinioni, stimolandoci a vicenda sulle cose
dell’arte. E così in questi sei anni ne sono
successe di cose, di mostre in libreria o nelle
Segrete di Bocca, di presentazioni di libri,
cataloghi, e tutto con l’inesauribile motore
che è la famiglia Lodetti, grazie alla moglie
Donatella e ai figli Monica, Giorgio e
Gabriele. Basti pensare alla mostra di Giorgio
Gaber nella Loggia dei Mercanti con centi-
naia di artisti e il bel catalogo o le diverse
mostre sul Nuovo Costruttivismo. A volte mi
chiedo come una famiglia riesca a promuo-
vere una simile macchina culturale in una
Galleria Vittorio Emanuele ormai svuotata
dal suo compito storico e ridotta a una serie
di negozi banalmente commerciali, in una
città lasciata al suo destino di inquinamento
e rumore, di ansiogena velocità nevrotica
che ci attanaglia tutti. E che dire dell’impo-
nente pubblicazione voluta da Giacomo: Il
Cèzanne degli scrittori dei poeti e dei filosofi a
cura di A. Negri, E. Franzini e G. Cianci, frut-
to di un anno di seminari all’Università
Statale di Milano, sull’interpretazione filosofi-
ca, letteraria e poetica del grande artista da
parte di autori come: Rilke, Wolf, Stein,
che la vita è un dono e bisogna fermarsi per
goderne l’immensa bellezza che ci offre.
Ma dimmi, caro Giacomo, ora che hai com-
piuto i sessant’anni qual è il tuo segreto?
Hemingway, Lawrence, Bonnefoy, Heidegger, «Forse quattro femmine. La prima mi ha
Ponty, Lyotard, Deleuze. Un corso che avevo dato la vita, mia madre, la seconda l’amore,
frequentato con grande interesse data l’im- mia moglie, la terza il successo, la libreria, la
mensa portata del suo messaggio per l’arte quarta, una figlia o una nipotina, la vecchiaia
moderna. E come dimenticare le fanstasti- serena, ma di certo il segreto è stato inve-
che serate quando Giacomo arrivava trafe- stire sempre nella cultura.
lato, stanco, persino sotto Natale con la
libreria ancora piena di clienti, pur di
presentare una mia mostra con jazzisti e
poeti! Un giorno mi disse: «Dietro tutta
questa attività, c’è un’idea, un progetto e
quando lo spiego, l’interlocutore rimane
affascinato.».
Uomo dall’intelligenza multiforme, gene-
roso, imprevedibile e bizzarro, sensibile a
captare le novità artistiche del momen-
to, un moderno imprenditore culturale
armato di coraggio ed entusiasmo che
fa accadere le cose, le crea con una sua
personalissima convinzione. Le sue
energie ultimamente le impiega a salva-
guardare le librerie storiche d’Italia, di
questa povera Italia senza memoria, in
balia di volgarità e mostruosità dilaganti.
Ecco dunque la Libreria Bocca nel cen-
tro di Milano, con i Lodetti in prima linea
a farci intendere che la poesia, la bellez-
za, l’arte, l’amicizia, la comunicazione,
sono ancora possibili, dove la vita di tutti
i giorni non è solo consumo, rumore,
inquinamento, in questo circo insulso e
falso. Si respira aria pura di montagna
entrando alla Libreria Bocca, l’occhio si
dilata attento sulle opere alle pareti, sul
soffitto, sul pavimento, sui libri d’arte
appoggiati un po’ ovunque, e si intuisce Giacomo ritratto da Wolfgang Alexander Kossuth

L’altra storia
GIACOMO BENEVELLI della realtà
erma bifronte, quali sono stati i suoi modelli
fra gli artisti? E quali giovani artisti la guardano?
G.B.: «Dagli idoli paleolitici a Brancusi, abbia-
mo alle spalle circa 35000 anni di attività scul-
Non so quanti di loro mi guardino, magari qual-
cuno c’è. Ma il problema per loro è un altro, in
generale sono ormai disabituati a cercare a
posteriori le ragioni di una forma, per loro la
Recentemente alla ci per forme più grandi. La loro forma, perpe- torea. Tutti noi siamo in qualche modo figli di risoluzione sta nell’idea e nella sua enunciazio-
Libreria Bocca è tua un equilibrio classico e tende a dimostrare, questo immenso patrimonio prodotto dall’uo- ne teorica prima ancora della sua realizzazio-
stato possibile am- a chi le osserva, alcuni rapporti spaziali equili- mo e operiamo con gli occhi colmi di forme ne. Occorre tuttavia precisare che il rapporto
mirare deliziosi e brati. La fluidità del loro volume rafforza tale artefatte che col tempo si sono accavallate a tra lo scultore e la società è cambiato, un
curiosi oggetti-scul- sensazione. Nella mia intenzione la loro forma quelle naturali. Chi come me aspira ad aggiun- tempo le opere venivano richieste con un tema
tura che destavano non dovrebbe sollecitare soltanto una sensa- gerne altre si mette in un grosso guaio, ad specifico perché gli istituti religiosi e quelli laici
Multiplo split, 1975, bronzo
l’attenzione di tutti. zione estetica, ma la mia visione di bellezza e esempio, può capitargli, come dice lei, di appa- usavano l’arte per celebrare il loro potere e gli
Piccole forme bron- di equità formale come simbolo di una misura rire come un’erma bifronte solo perché nella artefici creavano su commissione. Oggi creano
zee, apparentemente indefinite, che suscita- umana. Perciò rifuggo dal contingentale, dalla sua evoluzione affronta opposte direzioni. Per sopratutto per se stessi, nel migliore dei casi lo
vano il desiderio di carpirne gli aspetti noda- descrizione dei particolari, dagli effetti decora- contro, c’è chi esaurisce le sue energie creative fanno sostenuti da un mercante che si incarica
li, per questo motivo ho voluto incontrami tivi, cercando di adeguare la loro forma alla replicando fino alla fine dei suoi giorni la solita di trovare gli acquirenti».
con Giacomo Benevelli. qualità della materia con cui sono realizzate». forma e non si capisce bene se è per povertà
A.D.: Nelle sue opere c’è sempre una A.D.: Sociologicamente in quale ‘ambito’ si espressiva o scelta strategica. I giovani scultori? Antonio D’Amico
costante soluzione di continuità formale che colloca la sua ricerca e quale ‘forma’ innova-
emerge, o almeno così sembra, da un unico tiva apporta nel panorama della scultura
Suggestioni
motivo ispiratore. Mi può dire qual è la sua conteporanea?
fonte d’ispirazione? G.B.: «L’arte applicata è essenzialmente orna-
G.B.: «Più che di ispirazione parlerei di ricerca. mentale. Il valore intrinseco delle mie forme
Nel senso che ogni mia forma è collegata alla non si pone come complementare di qualco-
SALVATORE LANZAFAME dalla salina
precedente e condiziona a sua volta quella che s’altro, semmai può convivere con qualcos’altro. Il paesaggio della Salina di Margherita di dei miei occhi, si sarebbe fermato a vivere
segue. L’ispirazione viene alimentata continua- Grandi o piccole che siano, la loro realizzazio- Savoia, le sfumature cromatiche d’intrigante qui»), eppure innumerevoli e nascosti,
mente dal fare. In questo processo creativo mi ne avviene attravero l’applica- suggestione mistica, sono le radici sulle quali monadi sono gli sguardi che su di esso
sforzo di perfezionare la forma della scultura zione delle regole operative Salvatore Lanzafame, giovane artista sicilia- incantati si posano. Il colore è sintesi, croce-
che ogni volta eseguo. Lo faccio cercando il che da sempre hanno con- no, fonda lo studio scientifico delle luci, via: custodisce i due elementi che nelle sue
suo inserimento nello spazio in modo che traddistinto la scultura. rapito da un fascino che diviene turbinio infinite pieghe si snodano, si sovrappongo-
da qualunque parte la si osservi risulti Sono modellate con la emozionale. Turbinio mirabilmente espres- no, si allontanano.
conclusa. Come dire risolta. piccola o creta, plastificate col gesso, so nei dipinti in cui, se il paesaggio è fonte
grande che sia il problema non fuse in bronzo o scolpite
Tiziana Rasà
d’ispirazione, tuttavia rimane sempre un
cambia. Quello che cambia è il nel marmo. La loro forma pretesto per dare libero sfogo al colore, a
punto di osservazione. risulta definita dal contor- quelle vibrazioni materiche che sono il cen-
Certamente tutto ciò ha una no del loro volume così tro indiscusso dell’opera dell’artista siciliano.
sua “matrice iniziale”. Un qual- come le staute d’ogni Essa è costituita infatti, da diversi strati
cosa di indefinibile che risiede tempo. La loro parte con- sovrapposti a definire simbolicamente i
nell’insieme delle acquisizioni cettuale non è esplicitamen- fogli della memoria, codici del tempo
ricavate dall’osservazione delle te dichiarata ma tutta da impressi nei luoghi ritratti, sintesi di una
cose. Infatti, definire le mie intuire. Ossia, non vincolo il sensazione vissuta, esperienza emotiva-
forme “astratte” è improprio, le fruitore ad un teorema preco- mente motivata nell’opera d’arte, nella sua
definirei, piuttosto, come una stituito e inapellabile. Confido limpida manifestazione. Protagonista, il
“ulteriore” visione della realtà». sulla sua immaginazione e colore è luce abbagliante o buio inquietan-
A.D.: Le sue sculture-oggetto con- nelle sue capacità interpre- te: i rossi e i blu sono tempesta e quiete,
tengono in nuce il fine ultimo di tative. Non so dire cosa fuoco e acqua, terra e aria.
entrare nelle abitazioni di chi le colle- Liaison 208, 1992, bronzo
porta o ha portato di Nella pittura di Salvatore Lanzafame, d’indi-
ziona e le apprezza. Qual è il loro nuovo la mia opera nel scutibile eco mediterranea, si rivela dirom-
messaggio? panorama della scultura contemporanea; tra pente l’ambivalenza esterno-interno: il pae-
G.B.: «La loro piccola dimensione induce a l’altro non considero indispensabile l’aspirazio- saggio è luogo esterno che si offre libero
considerarle “oggetti”. In realtà sono soltanto ne alla novità. Mi preme invece che, in quanto allo sguardo dei passanti, come si offrì a
sculture.Vale a dire delle forme con una prete- comunque inediti, i valori espressi risultino, a chi Federico II di Svevia quando giunse presso
sa espressiva autonoma. Possiamo tutt’al più li osserva, autentici». la salina in terra di Puglia («Se il Signore
considerarle come dei minuscoli progetti plasti- A.D.: Nella sua posizione, ponendosi quale avesse conosciuto questa piana di Puglia, luce Salina, 2006, olio su tela, cm 70 x 70
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 MOVIMENTO NELLE SEGRETE DI BOCCA
Galleria Movimento Artisti selezionati edizione 2006 Libreria Bocca

Silvia Abbiezzi Bruno Cerboni Bajardi Massimo Bollani Gabriele Buratti

Sonia Ceccotti Marco Cerutti Laura Chiara Colombo Antonietta Corsini

Antonio Dell’Isola Olson Lamaj Claudio Magrassi Octavia Monaco

Fabio Presti Maddalena Rossetti Jeannette Rütsche Alessandro Stucchi

Giuria
Adriano Altamira - Sergio Angeletti - Aldo Benedetti
Philippe Daverio - Victoria Fernandez
Alessandro Papetti - Luca Tommasi

Comitato Promotore
Raphaelle Blanga - Antonio D’Amico - Victoria Fernandez
Sara Fontana - Giorgio Lodetti
Cristiano Tassinari Tiziana Vanetti

SpazioBoccainGalleria mercoledì 4 ottobre 2006 ore 18,00 serata di premiazione

www.francotarantino.com
 Sul filo dell’arte
a cura di Stefano Soddu

Sonorità cromatiche
EDOARDO FRANCESCHINI In ricordo di Edoardo Franceschini
“Tutto è ancora in gioco per quelli della
mia generazione, ma soprattutto per i
giovani impegnati sul cammino futuro,
per i pittori liberi di credere che non v’è
miglior cosa della sottile ver tigine che
pervade il senso dell’opera, dal primo
all’ultimo gesto.
La tradizione è tutto ciò che non abbia-
mo dimenticato, è la speranza di poter
guardare al futuro attraverso i colori
che passano vibrando tra le dita, come
materia misteriosa e fatale che accom-
pagna il desiderio di raccontare i segre-
ti della mente attraverso il flusso istan-
taneo delle immagini.
La pittura è come la vita, non ha biso-
gno di molto per esserci, per fare quel-
lo che bisogna fare, il colore è un respi-
ro nel respiro di tutti, un filo che corre
fino all’estremo spasimo del suo deside-
rio di lasciare tracce durature”.
Questi ultimi pensieri di Edoardo Fran-
ceschini possono essere considerati il
testamento poetico di un ar tista che ha
vissuto dipingendo intrighi del colore e
scorrimenti del segno con stile incon-
fondibile, con quella liber tà d’azione del
gesto che fissa sulla superficie tracce di
percorsi interiori, brevi esplosioni di
fantasia a caccia di orizzonti impossibili.
Franceschini ha sempre creduto nella
pittura come scintilla quotidiana dell’ar-
te, origine e destino di una scelta soste-
nuta fino in fondo come unica possibilità
di dar voce a folgoranti apparizioni, voci
profonde del paesaggio immaginario,
traiettorie del fantastico percorse d’un
fiato, come si percorrono le scie di visio-
ni non ancora visibili.
Se la pittura è un cammino verso l’in-
conscio il colore ha la capacità di scava-
re nel profondo, mettendo a fuoco l’e-

foto di Andrea Valentini

mozione dello spazio, il senso dell’inco-
gnito, la forma sfuggente dell’immagine
che nasce in un modo che è difficile
immaginare al di fuori del pensiero pit-
torico. Si tratta di un fervore cromatico
che anima l’evento del dipingere, qua-
lunque sia lo stato d’animo che assale
l’ar tista davanti alla superficie vuota: la
luce trema d’azzurro, le macchie sono
dominate dal rosso, le linee fremono di
verde sotto l’azione del nero che scivo-
la sempre sicuro del suo tragitto.
Gli intrighi dello sguardo divorano lo
spazio tra fili vaganti, segni oscillanti e
gorghi di colore dove l’occhio s’immer-
ge e si eccita, di volta in volta, per ritro-
foto di Enrico Cattaneo
vare la sua primigenia tensione. La lunga
storia di immagini dipinte da France-
schini, dalle prove degli anni Cinquanta
ad oggi, è un territorio di forme che
ripropongono in modo diverso gli impul-
si e i dinamismi del colore vissuto come
energia incontrollabile.
Se si confrontano le differenti fasi della
sua ricerca si avver te una straordinaria
persistenza di forme impulsive legate
all’ansia di fissare i labirinti interiori del
paesaggio, percepito in modo circolare
e sfuggente, costruzione astratta dei tra-
gitti conflittuali della memoria.
Eppure nulla è mai dato per acquisito,
tutto è rimesso sempre in azione, dipin-
gere è infatti per Franceschini un atto
poetico che vola altrove ma anche
coscienza critica di uno spazio in diveni-
re che disgrega le false cer tezze, piace-
re di sconfinare oltre il visibile, verso
nuove visioni.
È quanto accade nelle opere degli anni
Novanta dove più for te è l’impatto cro-
matico rispetto al clima lirico ed evoca-
tivo dei lavori precedenti, più aspra è la
configurazione nei confronti del ritmo
fatto di slanci e di misure, bilanciate tra
zone sature di segni e vuoti luminosi
che coincidono con il bianco.
Franceschini inventa equilibri tra moven-
ze diversificate del colore, controlla la
superficie con gesti veloci e impulsivi,
come se volesse far partecipe il lettore
dei suoi spasmi immaginativi, di quelle
tensioni che non hanno altra giustificazio-
ne che quella del proprio affioramento.
Orientarsi negli eventi di questa pittura
è come saltare rapidamente da un
punto all’altro e seguire le acrobazie del
pennello che scatta, si ferma, riprende a
graffiare la superficie giocando libera-
mente con i reper ti del vissuto, coinvol-
to nel fermento indescrivibile della fan-
tasia. Appassionato di musica e interessa-
to a cogliere i sottili rapporti tra colore
e suono, Franceschini ha dipinto emozio-
ni sonore, note cromatiche che trasmet-
tono l’immediata sensazione delle forme
presso la Biblioteca dell'Accademia di
Brera (2001) con un intervento pianisti-
co di Giorgio Gaslini.
In quell’occasione Franceschini ha susci-
tato emozioni musicali attraverso una
serie di partiture dipinte con l’istinto di
chi affida alle improvvisazioni del colore
le oscillazioni imponderabili del suono.
In precedenza, nel 1988, in uno scritto a
proposito di Ravel, Roberto Sanesi aveva
giustamente avvertito che Franceschini non
dipinge la musica ma fa una serie di eser-
cizi, organizza i ritmi del segno e del colo-
re in una costruzione parallela.
A questa identità di compor tamento si
ricollegano le emozioni cromatiche che
emergono soprattutto dal reper torio
delle sue car te, esse testimoniano la
gestualità istintiva con cui Franceschini
ha fissato appunti veloci per i suoi viag-
gi musicali, infiniti pensieri dentro il
colore, essendo la pittura la vera musica
della sua vita.
Claudio Cerritelli
(Milano, luglio 2006)
La rubrica
di questo numero
è dedicata
all’amico e grande artista

in divenire.
Con sensibilità e raffinata competenza ha Edoardo Franceschini
colto infinite corrispondenze tra vibra- recentemente
zioni cromatiche e ritmi segnici. La musi-
ca sorella della pittura, recita infatti il tito- scomparso
lo di una indimenticabile mostra di carte
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Scoglio di Quarto, via Ascanio Sforza, 3 - Bazart arte contemporanea, V. le Col di Lana, 8 - Milano, tel. 0258317556 - 3485630381 - e-mail: bazart.scoglioquarto@tiscali.it - www.bazart-scogliodiquarto.com
PASQUALE DE LUCA
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