20DANGELO06
Fondatore Giacomo Lodetti / Direttore Giorgio Lodetti / Direttore Artistico Roberto Plevano / Progetto Grafico Franco Colnaghi
Anno VI, N. 20 • Gennaio-Marzo 2007 • Galleria Vittorio Emanuele II, 12 - 20121 Milano • e-mail: giorgio.lodetti @ libreriabocca.com
ROBERTO CASADIO
Arlecchino e la modella, 2004
ALESSANDRO PAPETTI
Avanti… confessa! siamo entrati nel tuo studio
e abbiamo visto tutti quei ritratti, sembrano so-
spesi con il viso all’insù, scommetto che li hai im-
piccati e ti sei divertito a osservarne i volti dal-
l’alto, quasi a implorarti di tagliare la corda e
non soffocarli!
Ma no, io i ritratti li concepisco così, figure col-
te in equilibrio prospettico, volti che paiono
interrogarsi sul proprio ruolo, quasi attendendo
una conferma, un assenso, sovrastati da un de-
stino schiacciante e timorosi di scivolare nel
vuoto, in quel grigio plumbeo che già sembra
inghiottirli, condannati in attesa di giudizio.
Sembra quasi che voglia essere tu il giudice: guar-
da che abbiamo trovato anche delle crocifissio-
ni e dei conigli squartati!
Boulevard St. Germain, 2006
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è l’umanità essenzialmente corrotta
a costituire la materia di ogni opera
E. M. Cioran
Otto Dix con la sua pittura generava scan-
dalo e fu contestato perchè “fanatique de la
vérité impitoyable, qui analysait, disséquait,
déformait, dénudait, démasquait” (Schmidt,
Neue Zürcher Zeitung, 1929). Ma non è col-
pa di Dix se siamo immersi in una realtà abo-
minevole che ci travolge con la brutalità del-
le guerre, degli stupri, degli addii, delle so-
praffazioni egoistiche e che si impone con in-
decenza allo sguardo disingannato e feroce
dell’artista in una universale estensione di tra-
gedia, assurda e divina insieme. È un campo
di sterminio vasto come il pianeta, in cui Eros
e Thanatos si giocano orrendamente le spo-
glie degli uomini, massa impulsiva e sventata
che si riproduce tra fiotti di animalesco pia-
cere e brevi illusioni di felicità: gocce d’acqua
cinicamente centellinate a riarse bocche mo-
renti per dilungarne la sconcia agonia. È un’u-
manità che scorrazza con frenesia ottusa sot-
to distrazioni di nuvole e non si accorge che
Le interrogatorie
visioni
Beh, quelli rappresentano l’estrema sintesi del
destino umano, simboli di una sofferenza quo-
tidiana che ci violenta e di un sacrificio che
cerca riscatto… In fondo la nostra vita è uno
stentante alternarsi tra una consapevole cro-
cifissione e una brutale macellazione, dolo-
rosa ascesi e delirante abbruttimento, acco-
munati da esangue rassegnazione, la stessa di
quei corpi appesi.
Il mio è un inno alla carne, cerniera di con-
giunzione tra sacro e profano, guscio emotivo
in progressiva, inarrestabile disgregazione che
sembra manifestare l’angoscia di sottrarsi al vuo-
to incombente, in un contorcersi baconiano in
cui non interessano i volti, ma il tentativo di la-
cerazione di un involucro soffocante, a scuo-
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il pianeta è solo uno sferico carcere, un brac-
cio della morte a cielo aperto in cui ciascu-
no è in attesa della chiamata al patibolo.
Roberto Casadio, pittore di grande tempe-
ramento, pur non investito dal sanguinario or-
rore della guerra, ha un occhio altrettanto pe-
netrante e severo, capace di mettere a nudo
l’ambigua malinconia del vivere in un univer-
so malato di entropia, ansimante di provviso-
rietà, avvelenato da annunci di fisico degrado
e di morte. Dopo avere inutilmente rivolto
ansiose domande a un cielo muto, Casadio
deve rassegnarsi a distogliere lo sguardo da
un orizzonte che rimanda solo silenzi di lune
e lucori di stelle, forse già spente, per rivol-
gerlo al nostro carnale sconforto di povere
cose palpitanti nell’ostilità del creato.
L’impatto con i quadri di Casadio, che non la-
sciano mai indifferente l’osservatore, avven-
ne anni fa nella sua Romagna a una Fiera
dell’Arte. Attorniato da una serie di sue tele
impetuose e drammatiche dai colori caldi e
guizzanti che spiccavano nettamente nel pa-
norama di ripetitivo squallore e di penosi co-
nati imperversanti nelle gallerie, nelle fiere e
dilaganti nei musei e negli spazi pubblici in
un’orgia di pervicace valorizzazione del nul-
Continua a pagina 18 Superbia, 2004
tersi da quella pelle che è una cancrena del
tempo e il segnale più tangibile e irriverente
della nostra condizione di disfacimento.
Varlin è stato il mio primo maestro di vanitas,
a rappresentare figurativamente l’umana dis-
solvenza, ironicamente accettata, Bacon me
ne ha urlato la costante, devastante contiguità.
Incutono timore le tue figure senza testa, come
se volessi farle a pezzi, distruggerle e occultarle
nei loro ambienti, in quegli interni desolatamen-
te vuoti! non è che li hai sotterrati?
No, semmai sono loro a sotterrare me, a os-
sessionarmi con la loro non presenza: io ve-
do già gli ambienti vuoti, popolati da una as-
senza imminente, dalle ombre di coloro che
sto osservando e tra un po’ saranno altrove,
sono le figure filiformi di Giacometti che si al-
lungano nel vuoto, corrose da un’individualità
che ne tradisce la sottile, etimologica inco-
municabilità, l’ulcerante consapevolezza di un
progressivo e silenzioso distacco.
Gli interni delle abitazioni deserte sono i ve-
ri protagonisti, noi siamo la polvere che li ri-
copre, le fabbriche dismesse sono lo specchio
delle nostre voci assenti, i resti inorganici di
un passaggio umano assimilabile ai residui di
un processo industriale. Nudo notturno, 2006
Però poi sei passato da queste visioni anguste
a quelle gigantesche dei cantieri navali, forse so- Nei miei immensi cantieri non si notano pre-
no mappe di qualche traffico illecito ? senze umane, ma si immaginano le folle che
In effetti sì, sono mappe, ma di un desiderio animeranno quelle costruzioni, un annuncia-
di fuga dal soffocamento di quegli ambienti to battesimo di vita, quasi un futurista varo di
spogli e desolatamente grigi, monocromi co- frastuoni che orchestrerà una miriade di emo-
me il pensiero dominante di osservare tutto zioni, caotico agglomerato di individualità.
con lo sguardo del dejà-nu, dove al classico È una silente esplosione di vita e movimen-
schema del dejà-vu, del già visto o vissuto, si to, una rivincita alla staticità degli interni, una
sostituisce un ossessivo già nudo, spogliato fuga impulsiva dal vuoto che ci attende: il mio
dell’immediatezza del presente, carico del ri- vuole essere un monumentalismo aggregan-
chiamo emotivo della scena sgombera dei te, esattamente l’opposto dei desolanti sce-
protagonisti, dell’io lasciato a contemplare il
dopo, una sorta di delocazione esistenziale. Continua a pagina 18
 ROBERTO CASADIO
la, egli si levò incontro come un Dante paci-
ficato, emergente da un girone di creature ge-
menti e dannate di incontenibile pathos, in mar-
cato contrasto con la sua espressione accatti-
vante e distesa. Questo dissidio tra bonomia
e intransigenza ci ha sempre incuriosito ed at-
tratto in Roberto Casadio, cordiale e discorsi-
vo nei contatti umani, impietoso e irremovibi-
le nel suo studio, a tu per tu con la devastata
armonia di volti e di corpi, o piuttosto di ani-
Nastro rosso, 2004
LE INTERROGATORIE VISIONI DI
ALESSANDRO PAPETTI
nari urbani di Sironi, manifesto di un’angoscia
umana e politica.
L’alienante mancanza di orizzonti è sconfitta
dalle mie costruzioni navali, il messaggio di un
Rex felliniano che presagisce il viaggio che af-
fronteremo, una enorme capienza di presen-
ze a maturare l’allegoria di un’avventura col-
lettiva, di una futurista aeropittura che non
vuole essere puro entusiasmo costruttivo, sfi-
da eroica alla realtà, bensì enorme scialuppa
di salvataggio, arca di Noè pronta a sottrarci
a un naufragio: è una giganto-pittura in cui al-
Portacontainer notturno, 2005
CYRILLE MARGARIT
Red Mask, 2006
Il mezzo è il digitale perché le foto sono or-
mai tutte in digitale; col computer si manipo-
la e si trasforma la realtà. Attraverso il com-
puter la realtà diventa sogno e il sogno di-
venta una nuova realtà reinventata e diffe-
rente. Il digitale permette di passare dal figu-
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me, che l’inesorabilità del tempo sa vorace-
mente corrompere e lui ancora più celermente
anticipare nelle sue tele così atrocemente pre-
saghe. E’ in primo luogo la sofferenza dei con-
flitti della bellezza e della sua inarrestabile con-
sunzione che sottende la ribellione umana ed
artistica di Casadio. Nudi di donna, infocate
meteore emananti splendore (Nudo rosso,
Riposo), prepotenza di seni che “fondono” la
sottile ipocrisia dei vestiti e si mostrano incan-
descenti ai nostri peccaminosi languori (Capelli
rossi, Brindisi), imbarazzanti avvenenze muliebri
(Omaggio a Courbet, Le tre mele), raffinate no-
stalgie feticiste di erotizzanti reggicalze neri
(Arlecchino e la modella, Invidia, Lussuria), le Belle
fumatrici irrequiete — unghie rosse affilate e
trucco pesante a mitigare occhiaie scavate dal-
la lascivia — perse a divagare tra nebbie di fu-
mo e di alcol su naufragi di amori e fantasmi
di figli perduti, trasfigurano in degradate crea-
ture in cui ogni attrattiva si spegne, sopraffat-
ta da garbugli di rughe, dalla fatica volgare del
vivere, dal ricordo delle ferite, dal rattrappirsi
dei sogni (Nastro rosso). Roberto Casadio sa,
quando dipinge, che anche la sua mano è mo-
ribonda. E che essa ritrae carnali oggetti di
contemplazione ormai prossimi al niente,
pronti a dissolversi in un soffio di cenere. La
sua pittura rivela gli inganni dell’esistenza e
l’insondabilità del suo complesso mistero, il
cui cardine non può che essere ancora la don-
na, capace di tenere in vita il mondo, in una
contaminazione di esuberanza e di morte, di
speranza e dolore, in un groviglio di sconvol-
la resa incondizionata e allucinata del singolo
si sostituisce il prodotto di una capacità co-
rale di reazione, un “memento vivi” che fa ab-
bandonare il vissuto grigiore degli interni.
Non mi convince questo entusiasmo, tu vuoi fuor-
viare l’attenzione…
Sì, forse lo scopo è proprio questo, immergerci
in una realtà complessa in movimento, ritro-
vare un dialogo con l’ambiente che ci accoglie,
fuggendo dal chiuso per arginare il senso di ab-
bandono e crollo imminente che ci dilania, ci
parla degli oggetti abbandonati, delle scolorite
impronte che sopravvivono al nostro passag-
gio. Così i miei personaggi li reinvento in atte-
sa del varo di quelle navi a popolarne le cabi-
ne, o immersi nel traffico delle strade parigine
in una affannosa guida verso il caos, risucchia-
ti ancora una volta da un vortice di voluta e
incosciente trasgressione nei confronti di un
tempo che fluisce con la stessa intensità, qua-
si a ignorarne le dissacranti conseguenze.
Da questa euforia vitale di fuga maturo così
l’analogo disagio degli esterni, di quegli sce-
nari urbani che paiono resti di un’esplosione
atomica, privati improvvisamente di ogni at-
tività vitale, testimoni di una civiltà distrutta,
come cristallizzati nel tempo.
Ancora una volta mi assale l’iniziale senso di
Digital
Evidences
rativo all’astratto sulla medesima base di par-
tenza; è il figurativo che si fa astrazione, la
realtà che vira verso l’astrazione e diviene so-
gno. Quindi nel digitale il sogno è realtà.
Il mondo del reale viene sperimentato e vis-
suto sotto sfaccettature diverse, sotto altre
luci; si mostra il sogno contenuto nella realtà;
le altre possibili realtà, le moltitudini di “realtà”
diverse. Un corpo umano diviene macchia,
colore, emozione pura; un grattacielo di New
York si incendia in un fuoco morbido e caldo
che non scotta, che non ha nulla di pericolo-
so o mortale. È solo un “altro” Empire State
Building. Una Ferrari che sfreccia al Gran
Premio di Monaco non è solo il mito che tut-
ti vediamo e conosciamo; è un soffio, uno stri-
dio, un urlo, movimento puro, movimento del-
l’anima, moto del tempo, l’espace d’un matin.
È il sogno.“Evidences” in inglese significa “pro-
ve” di un processo o di un discorso. Prove di
realtà che ci circonda. Quello che viene ri-
prodotto dal mezzo fotografico è realtà.
In francese infatti significa “evidente” vale a di-
re sotto gli occhi di tutti: reale. Per Cyrille
Margarit la realtà è quella che si vede e si fis-
sa attraverso un obiettivo.Tutto il mondo che
18
Brindisi, 2003
genti contraddizioni: Dea Madre e Furia in-
fernale, vergine e prostituta, incoercibile for-
za della natura e corpo violato, fragilità e in-
contenibile energia rigenerante, gorgo di pas-
sioni e simbolo angelicato, concupito enigma
di sublimate meschinità. Casadio, dall’entusia-
stica ammirazione per il fascino muliebre, co-
sì magnificamente affermato nelle imponen-
ti allegorie dei Vizi capitali e in particolare del-
la Superbia — un corpo di donna colmo, di
straordinaria avvenenza, eccitante nella sua
nudità procace accentuata da trasparenze di
vesti leggere - e dell’Invidia — magistrale scor-
sospensione nel tempo dei ritratti e degli in-
terni, avverto la vita come accumulo di po-
vere tracce che ci sopravvivono, una poetica
alla Boltanski, l’oggetto come anima delle no-
stre emozioni, immobile testimone di un ve-
loce passaggio: così poltrone, letti, tavoli par-
lano di noi, ma vivono di vita autonoma, rac-
contano delle varie identità che hanno ospi-
tato, come un albergo ad ore.
Ma questo Boltanski è tuo complice?
Ma no! è un artista che come me guarda il
mondo col disincanto di chi lo vede spoglio
di ogni significato, che ne esalta i piccoli og-
getti come monumenti alla memoria e ne
mette a nudo la fragilità.
Ecco, nell’acqua ho trovato l’elemento più
consono a rappresentare questo senso di so-
spensione e di disarmante nudità: forse è un
richiamo al grembo materno o più semplice-
mente a un mezzo che rallenta il nostro af-
fanno, scomponendolo in movimenti più ge-
stuali, di eleganza teatrale, che sottolineano
un’inutile ansietà di sopravvivenza.
Ecco, in questo atteggiamento Boltanski è mio
complice.
Ah! finalmente hai confessato!
Fortunatamente, in questa calda giornata esti-
va, il rumore di un tuffo nella piscina di fron-
ci circonda e che viviamo è lì dentro; un oc-
chio magico indagatore che mette a nudo noi
stessi e tutto ciò che ci capita a tiro.
Da lì la realtà non può sfuggire. È l’evidenza,
Ma vi è un “ma”, una domanda, una sfida più
che altro:“ma è veramente tutto e solo quel-
la la realtà?” E se fosse anche qualcos’altro,
qualcosa che sta al di fuori della mera perce-
zione visiva e sensoriale? Perché non prova-
re ad andare “oltre”, a stravolgere quella realtà
per farla divenire sogno? Per vedere cosa c’è
dietro la facciata, dietro l’angolo? Sperimentare
un mondo diverso per arrivare non si sa do-
ve, alle radice dell’essere o al di là dell’essere
stesso?
Da qui parte, nella ricerca di Margarit, la fu-
sione tra “digital” ed “evidences” che diventa
una nuova forma di figurazione o una pura
astrazione. E Margarit gioca con figurazione
e astrazione in modo nuovo su un supporto
di alluminio dove le fotografie non vengono
incollate, ma vengono direttamente impres-
se con una tecnica totalmente nuova.
La luce non è più quella proveniente dal qua-
dro, dal chiaroscuro pittorico, ma viene colta
direttamente dal mondo esterno; è la luce del
sole, del giorno che interagisce direttamente
con il supporto di alluminio dandogli nuance
e modulazioni differenti. Una tecnica nuova,
una nuova sperimentazione sui materiali per
cio di un discinto corpo femminile disteso, in-
cendiario, inesauribile oggetto di desiderio -
sprofonda nel desolato sconcerto del suo di-
sfacimento peccaminoso, della sua sinistra con-
danna all’infezione del mostruoso e del brut-
to. Una pennellata fluente, pastosa, dal tim-
bro deciso e ricco di tonalità, staglia primi pia-
ni sfrontati su dissolventi cupezze da retro-
scena, tagliate a volte dal cono indagatore di
un occhio di bue o da un indiscreto sciabola-
re di riflettori che mettono al vivo stati d’a-
nimo, simulacri di maschere abbandonate, ca-
scami di menzogne, estenuate ossessioni, ca-
ligini di memoria. Quadri che scagliano vo-
luttuose censure al fascino vizioso del vive-
re, opponendo straniato sgomento all’in-
terrogativo del nostro rovinoso sparire, al-
la bestemmia del dolore, al millenario in-
calcolabile accumulo di sofferenze delle mol-
titudini umane (e animali) che dovrebbe far
scoppiare il cuore di qualsiasi dio che non
si sia voluto distrarre. L’amara poesia che
Casadio riversa nei nostri occhi affascinati
e smarriti percorre un’impietosa teoria di
solitudini, di dolenti intuizioni, di echi di di-
sperazione e di sfiorite bellezze disperse nel
tempo che ci raggiungono come un inter-
minabile grido di belva ferita. Quell’urlo sor-
do che attraversa l’anima di ciascuno di noi
e che solo l’ultimo sipario di silenzio saprà
finalmente acquietare, raccogliendo nel buio
della terra la nostra indifesa nudità.
Giovanni Serafini
Paris - Metro Passy, 2006
te alla mia abitazione mi fa svegliare d’im-
provviso: ho sognato di essere Papetti, uno
dei più coinvolgenti e significativi artisti del
panorama internazionale e ho vissuto un in-
terrogatorio da incubo, sottoposto al suo stes-
so disagio di identificazione, alla sua stessa co-
scienza dell’inadeguatezza di un vero mezzo
espressivo al livello dell’umano sentire.
Ora ho il terrore di continuare quell’interro-
gatorio nel chiuso del mio studio, interro-
gando le immagini dei suoi personaggi, cer-
candone una autentica complicità.
Aldo Benedetti
esprimere un
modo di sentire,
un mondo che
è quello tutto
particolare di
Cyrille Margarit.
Un sognatore,
uno dei pochi e
degli ultimi ri-
masti! Un senso
estetico il suo,
fatto di istinto Chrysler, 2006
puro, che scatu-
risce inconsciamente dalla sua anima.Tutto è
giocato su un ideale di bellezza che è prima
di tutto bellezza interiore, è scavo nell’animo
umano, è un atto di amore. Solo su una base
di tal genere si può costruire un “Artista”; sul-
l’istinto, sulla delicatezza, sulla purezza. Cyrille
riesce ad essere tutto ciò, riesce ancora a me-
ravigliarsi di fronte al mondo, alla sua bellez-
za, alla sua magia. Riesce ancora ad emozio-
narsi di fronte ad un paesaggio o al volto di
un bambino. Fino a quando avremo esseri
umani capaci di provare ancora e nonostan-
te tutto sentimenti di tal genere, avremo an-
cora e fortunatamente “Artisti”.
Cyrille è uno di questi.
Cynthia Penna
 LUCIANO VENTRONE
Leptis magna, 2006
STUDIO FORNI - Milano
Il corpo femminile, cantato da poeti e scrit-
tori, immortalato sulla tela dai più grandi pit-
tori di tutti i tempi, diviene il soggetto pre-
scelto da Luciano Ventrone, per un nuovo ci-
clo di opere, che affiancano ed accompagna-
no le più note nature morte.
Ventrone aveva già affrontato questo tema
all’inizio della sua carriera, prima di intra-
prendere quel lungo viaggio che lo ha porta-
to ad essere uno dei più indiscussi maestri del
nostro tempo. In questi anni di continua ri-
cerca pittorica, sulla luce e sul colore,Ventrone
ha dato vita a memorabili cicli di nature mor-
te, immortalando sulla tela composizioni di
frutti o foglie illuminati da quella luce fredda,
algida che è divenuta una della sue più note
CLAUDIO MAGRASSI
Krisalide, 2006
Sono già passati tre anni da quando con un
gruppo di amici decisi di organizzare un Pre-
mio di pittura dedicato ai giovani artisti, che
si è fatto e si è andato consolidando nei due
appuntamenti biennali previsti, 2004 e 2006,
con catalogo edito Bocca contenente le
opere finaliste e l’elenco dei partecipanti.
L’idea è nata dalla necessità di contattare
giovani artisti fuori dal mio tradizionale am-
bito, infatti, sono riuscito a conoscerne pa-
recchi, sia in italia che all’estero. Grazie al
contributo e al sostegno di molti critici, tra
i quali vorrei citare Aldo Benedetti,Antonio
D’Amico, Philippe Daverio,Victoria Fernan-
dez, Sara Fontana, si continua e per il pros-
simo appuntamento, con la recente colla-
borazione di Antonella Piccardi della Galle-
ria ArteIdea ci saranno considerevoli cam-
biamenti, che non svelerò in questa sede.
Entrambe le edizioni hanno suscitato mol-
to interesse di pubblico e di critica, ma il
fatto che mi entusiasma di più, è il notevo-
le successo degli artisti selezionati, ovvia-
mente in primis i vincitori delle due edizio-
ni: Eltjon Valle 2004 e Claudio Magrassi 2006.
Con Eltjon ho avuto la riprova che talento,
impegno e voglia di fare premiano. Artista
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Still-human-life
caratteristiche: oggi la scelta di rappresenta-
re con la stessa tecnica e lo stesso sguardo il
corpo femminile. Non è la prima volta che
l’autore decide di affrontare temi diversi dal-
la natura morta, ne sono un esempio i de-
serti e le marine, ma forse il nudo si inserisce
in modo più incisivo all’interno del suo uni-
verso pittorico. Nelle prime opere su questo
tema compare accanto alla modella un pic-
colo cesto di frutta, quasi una dichiarazione
di poetica, un rimando evidente alle altre ope-
re per evidenziare la medesima attenzione
posta nel raffigurare le membra femminili al
pari di una zucca o di un melograno. Anche
la scena pittorica è la stessa: un fondo nero
ed un piano d’appoggio bianco. Non vi è un
interesse psicologico, introspettivo; dal volto
della modella non traspaiono emozioni o sen-
sazioni che tradiscano il suo stato d’animo, o
svelino qualcosa della sua personalità, tutto
ciò che si vuole svelare è lì, davanti ai nostri
occhi, nell’armonia e nell’eleganza del suo cor-
po, nel fascino emanato dai suoi capelli, rap-
presentati nei più piccoli dettagli, tanto da
sembrare veri, tangibili. La sua interiorità ri-
mane un mistero, conservato per sempre nel-
l’atmosfera rarefatta del quadro.
Nelle ultime opere scompare anche il cesto
di frutta, la composizione diviene ancora più
essenziale, affidata solo al corpo della model-
la, che assume, a volte, posizioni più articola-
te, descrivendo all’interno della tela delle for-
me geometriche nelle quali la luce si insinua
accentuando le forme o sottraendo allo sguar-
do porzioni di pelle. In alcuni dipinti i giochi
chiaroscurali sono più violenti, lasciando in om-
bra intere parti del corpo, come in Leptis ma-
gna dove, forse non a caso, è proprio il viso a
rimanere quasi nascosto, mantenendo così an-
cora una volta celati i segreti dell’anima.
Barbara Frigerio
Premio Movimento
Segrete di Bocca
albanese, studia a Brera, in due anni, ha già
all’attivo nonostante la giovane età, classe
’81, tre mostre personali, la segnalazione a
numerosi premi organizzati in Italia, un ca-
talogo edito con Bocca e contatti interna-
zionali. Ovviamente per Claudio dovrò at-
tendere un po’ di tempo, ma gli esordi so-
no molto interessanti, classe ’69, ha fre-
quentato il Liceo Artistico di Tortona dove
attualmete vive, per affinare e migliorare la
conoscenza delle tecniche artistiche ha fre-
quantato lo studio di colleghi, tra cui quel-
lo di Benedicenti. Ha all’attivo diverse mo-
stre personali e collettive. Claudio, che ho
conosciuto alla serata di premiazione in li-
breria, è una persona di una sensibiltà e sem-
plicità disarmanti. Quando l’ho proclamato
vincitore, si è visibilmente commosso tra-
smettendomi la sua emozione. Il premio pur
Larvale II, 2006
19
Oltre la geometria, 2006
GALLERIA FORNI - Bologna
Presso FORNIBOOKSHOP saranno in ven-
dita e consultabili diversi prodotti editoriali:
non solo i cataloghi delle mostre ospitate dal-
la Galleria nel corso del tempo, ma anche i
volumi editi da prestigiose case editrici qua-
li Electa, Charta e Skira sull’opera di alcuni
importanti artisti che hanno esposto presso
la Galleria; fra tutti basti citare Giorgio Tonelli,
Luciano Ventrone, Alessandro Papetti o
Giovanni La Cognata.
Il nuovo spazio si propone in questo modo di diventare un punto di riferimento per l’editoria d’arte e le
pubblicazioni di un settore, quello fotografico, che vanta un numero sempre più ampio di appassionati.
L’ambiente, reso caldo e accogliente dalle librerie in legno, è stato pensato tanto per poter ospi-
tare appuntamenti quali presentazioni e anteprime, quanto per favorire la consultazione del ma-
teriale da parte del pubblico.
Galleria Forni - Bologna, via Farini, 26 - e-mail: forni @ galleriaforni.it
Studio Forni - Milano, via Fatebenefratelli, 13 - e-mail: forni.mi @ iol.it
www.galleriaforni.it
non essendo particolarmente appetibile, of-
fre la possilità ai giovani di entrare in con-
tatto con molti addetti ai lavori, tutti quei
personaggi che negli anni hanno collabora-
società ma a lei resistiti, volti veri. La sua ri-
cerca è introspettiva dell’animo umano, vol-
ti dipinti in spazi chiusi illuminati da luci cal-
de e colori forti: rossi, marroni, gialli. Ho vi-
to e collaborano con la rivista e la Libreria. sto poche opere recenti e, mentre le pri-
Galleristi e soci si sono già interessati a con- me erano legate alla tradizione Caravagge-
tattare i finalisti ed in particolare Claudio, sca, a personaggi e simboli religiosi, in par-
con il quale, ho già avviato i programmi per ticolare la crocefissione e la corona di spi-
il prossimo anno. Il suo lavoro non è velo- ne, o nature morte; i volti hanno tutta la tra-
ce, sono opere dipinte con colori cupi, te- dizione della pittura precedente, e soprat-
le sbrecciate, cucite e rattoppate, volti che tutto hanno quello che io reputo fonda-
scrutano e si scrutano, a volte sofferenti a mentale in un giovane artista, la personalità,
volte autoritari, non più giovani ma non an- sono riconoscibili quindi sono suoi.
ziani, uomini che conoscono la vita, che han-
no sofferto e gioito, volti consumati dalla Giorgio Lodetti
Privato vende al miglior offerente opere della propria collezione
d’arte di artisti contemporanei. Prenotare una visita al 339.6859871
Opere di Ajmone, Arrivabene, Bacci, Baj, Becon, Becca, Berrocal,
Bertante, Bonalumi, Borioli, Celada, Colnaghi, Corona, Dangelo, Del
Pezzo, Della Torre, Fomez, Lavagnino, Nespolo, Olivieri, Papetti, Petrus,
Ercole e Luca Pignatelli, Arnaldo Pomodoro, Raciti, Rampinelli,
Rognoni, Attilio Rossi, Sanesi, Sangregorio, Sersale, Sesia, Tadini,
Tiboni, Vago, Valentini, Velasco, Vicentini, Vistosi, Zanon, Zazzeri e altri.
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BIANUCCI CINELLI studio
comunicazione La Libreria Bocca è lieta di annun-
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fax +39 0220401644 delle iniziative culturali promosse.

MATÈ
Vetro nell’immaginario,2003
Da circa dieci anni organizzo mostre, di artisti
contemporanei è un lavoro che, tra una diffi-
coltà e l’altra, faccio con piacere, ovviamente al-
ternato a quella che è la mia principale attività:
il libraio. Il rapporto con chi fa arte, l’Artista, è
sempre diverso,in questo caso l’esperienza ser-
ve solo per essere il più pratico possibile, infat-
ti come in tutti i rapporti interpersonali, non ci
sono regole fisse su come doversi comporta-
re o su cosa dire. Ogni mostra rappresenta un
passo in più in un mondo che solo apparente-
mente può sembrare chiuso e ristretto, l’arte,
soprattutto quella contemporanea, non è un
Maria Teresa
Isenburg Negri
mondo riservato ai soli addetti;gli artisti per pri-
mi, non amano essere ignorati dal pubblico e si
lamentano quando i vernisage sono deserti, a
differenza del passato, dove la prassi era non
presenziare neppure.Oggi tutte le presentazioni
sono delle vere e proprie celebrazioni,feste nel-
la festa, tutto è più veloce e frenetico, la mostra
deve funzionare il giorno della pre-
sentazione se non addirittura
prima dell’apertura ufficiale.
La durata serve solo per
concludere trattative,
contatti,vendite e nuo-
ve esposizione. Il fine
è la diffusione dell’o-
pera,la sua circolazio-
ne sul mercato, un
meccanismo in cui ci
cascano molti,ma spes-
so,anche qui esistono le
famose, mosche bianche.
Ci sono personalità al di so-
pra delle parti che, con il loro
passato più o meno ricco di rico-
noscimenti ed esposizioni,si estraniano, non
chiedono, non si propongono, ma sono capaci
di coinvolgerti, interessarti e mostrarti le loro
opere con quella competenza tipica dei grandi.
È questo il caso di Matè, nome d’arte di Maria
Teresa Isenburg Negri. Un giorno è entrata in
Libreria e, come spesso accade, c’era un amico
comune che ci ha presentati, Sergio Dangelo.
Matè è un’artista che porta con eleganza e char-
me i suoi anni, ha una luce interiore forte e vi-
brante. Dopo quel primo incontro ci siamo vi-
sti spesso in Libreria e un paio di volte a casa
sua con mia moglie Laura. Matè è una scultrice
ma non scolpisce, i suoi lavori non sono dipin-
ti, ma si appendono, non hanno le dimensioni
volumetriche di una normale scultura,ma a que-
sta appartengono.Utilizza spesso il vetro,un ma-
teriale forte e delicato, trasparente e colorato,
ma anche: ceramica, porcellana, plastica, spec-
chio. Le sue opere sono agglomerati, stratifica-
zioni di storie e di eventi accaduti.Da anni la sua
ricerca sonda il riciclaggio di materiali
di uso quotidiano e comune,
piatti, piattini, tazze, tazzine,
teiere, barattoli, zucche-
riere e altro che,una vol- te, animali imbalsamati o in ceramica, sculture
ta rotti, perdendo la lo- etniche, maschere, un caleidoscopio di vita e ri-
ro funzione primaria, cordi, di frammenti di vite passate e presenti,
quindi rifiutati accan- sue, loro, nostre.
tonati gettati,vengono Viaggiando per il mondo è una testimone degli
sapientemente riabili- avvenimenti a cavallo di due secoli, ricordi, pen-
tati, una reinterpreta- sieri e sensazioni che tornano sono presenti e
zione del ready-made di fanno parte della sua arte.C’è il sole della Florida,
Duchamp. Lei non sce- il colore del deserto del Sahara, la terra
glie un solo oggetto ne d’Oriente e la sua filosofia,ci sono passato,pre-
raccoglie molti, li recupera, li sente e futuro nell’arte di Matè e tanto altro. Il
utilizza e,unendoli ad altri,dà lo- piacere di essere incantati, affascinati e illusi di
ro nuova vita. Le sue accumulazioni rivedere noi stessi riflessi nelle sue opere,la pos-
diventano opere d’arte da ammirare e con- sibilità di interpretarle o essere interpretati da
templare, con una loro storia da raccontare e un’arte che ci è appartenuta nella quotidianità
testimoniare,appese alle pareti si affacciano sul- e ora non è più nostra ma di Matè che le ha
l’ambiente circostante che così viene riflesso, dato nuova vita.
sfaccettato, smontato, ricomposto, distorto, in-
grandito, rimpicciolito. È un dialogo unico, con- Giorgio Lodetti
tinuo, irripetibile, magico. Lo stesso apparta-
mento vive delle storie di Matè, ricco di parti- SpazioBoccainGalleria
colari di sue opere, di oggetti raccolti e non an-
cora utilizzati, di piccole sculture, di fiori e pian- mercoledì 21 febbraio 2007 - ore 18,30

Biennale d’Arte Ester

NO MAN NO LAND Ferrara
Possono due concetti di simile ed apparente universalità, rias-
sumere tutto il contenuto di un evento artistico vario e diffe-
renziato? Ecco la sfida di questa Biennale d’arte di Ferrara (or-
mai alla sua terza edizione) in cui sembrano riunirsi in ordinato
affollamento i temi, gli stili, le tecniche e le umanità di diversi ar-
tisti e nazionalità. Proprio nella doppia negazione del titolo, in
quell’universale “NO” risiede il primo, immediato significato del-
l’esposizione.“Nessun uomo, nessuna terra”, un “non io” ed un
“non luogo” che, già in sé, sembrano voler conservare una to-
tale assenza di identità. La negazione serve ad esprimere que-
sto: la modificazione del predicato dell’enunciato stesso; negan-
do il tracciato esistenziale che ognuno di noi segna nel corso
della vita, tende ad universalizzare le esistenze, eliminando con-
fini e differenze, per rendere esseri umani e luoghi comuni gli
uni agli altri, pur nella conservazione pura di ogni singolo “enun-
ciato d’arte”. In questo sta l’originalità dell’esposizione ferrarese:
nel saper superare quelle differenze che appaiono come fisiolo-
giche nei rapporti umani. Ecco, quindi, come la Terza Biennale
d’arte diviene luo-
Marina Iorio
Alberto Bertuzzi go (e qui sta il gio-
co di differenze
con il titolo) di incontro e di scambio di esperien-
ze d’arte e di vita, in un universo che racchiude e
sottolinea le differenti originalità, ponendole di fron-
te a confronti diretti, in un continuo scambio di co-
lori, linee, pennellate e di plasticità difformi che, nel-
la tattilità della materia, si incontrano e si scontra-
no, dando origine ad un variegato insieme che, nel-
la straordinarietà delle differenze di paesi (europei
ed extraeuropei),
cerca di riassume-
re l’intero senso
dei rapporti uma-
ni. L’occasione è
stata senza dubbio
ghiotta, tanti sono stati i nomi e le istituzioni illustri che hanno
partecipato in modo diretto all’iniziativa promossa da Ferrara
Pro Art, dalla Galleria d’Arte Contemporanea Sekanina e dalla
Fondazione D’Ars di Milano diretta da Grazia Chiesa; ci siamo
fatti coinvolgere e messi in gioco con le diversità, l’originalità di
ognuno, nella speranza che, questo nuovo momento di incon-
tro tra le parti, divenga “scoperta” ed insieme “superamento”
dei limiti insiti in ognuno di noi, nel nome di un progresso arti-
stico che diviene apporto interessante anche dal punto di vista
sociale. Nel “dialogo” e con il “dialogo”, infatti, risiede la più effi-
cace ricetta per una sostanziale e netta pacificazione sociale, di
cui l’arte si fa portavoce e mezzo di comunicazione diretta.
Michele Govoni
Nabil Al-Zein Le immagini pubblicate sono opere di artisti selezionati alla Biennale
20
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PLEVANO INCONTRA
In un pomeriggio di settembre, passan-
do per via Brera, andavo a trovare l’a-
mico Cappelletti dell’omonima Galleria,
mi imbatto in un concorso di pittura al-
la Galleria Ponte Rosso in memoria del
pittore Carlo Dalla Zorza. È la sera del-
la premiazione, gran eccitazione, gran fol-
la, molti giovani.Al tavolo della giuria sa-
luto l’amica Bossaglia e percepisco subi-
to il livello dei partecipanti, tutti bravi, so-
no una trentina di opere degli artisti se-
lezionati sui 480 partecipanti. Mi colpi-
sce subito un bellissimo quadro astrat-
to di Brunella Rossi, ma subito dopo ven-
go letteralmente catturato da un’opera
figurativa Una giornata di pioggia di Ester
Negretti. È un viso di giovane donna che
sembra riflettersi nel vetro di una fine-
stra mentre fuori diluvia, ma il volto non
è speculare, simmetrico ad un’immagine riflessa,
potrebbe essere l’alter ego dell’artista, il suo
doppio. Opera intrigante, sensuale, d’impatto
comunicativo potente, l’occhio rimane sedot-
to, direi turbato perché non trova un’inter-
pretazione univoca, rassicurante. Si entra nei
territori misteriosi dell’enigma, di significati re-
conditi che rimandano ad altri significati in un
labirinto speculare infinito. Mi sono venuti in
mente certi sguardi nelle opere di Rembrandt,
Velasquez, Michelangelo, del ghigno esilarante
di Mozart, dell’intensa seriosità di Beethoven.
In altri momenti arrivava una sensualità sfre-
nate e lussuriosa di una donna che prende co-
scienza dell’enorme potenzialità seduttiva, ma
pochi istanti dopo percepivo l’opposto di una
condizione di insopportabile e devastante di-
sorientamento esistenziale di fronte alle diffi-
coltà e le incertezze della vita e del futuro.
Mentre sono assorto in questa altalena di sen-
sazioni opposte la Prof.ssa Bossaglia nomina
quest’opera quale vincitrice del secondo pre-
mio. Con mia sorpresa scopro che l’autrice è
una ragazza giovane di 27 anni. Dopo alcuni
giorni visito il suo studio e con mio stupore
vedo grandi opere astratte di impianto geo-
metrico ma con inserimenti di segno e di ma-
teria personali, orchestrati in una tensione in
divenire. Sono coinvolto in una dinamica esi-
stenziale complessa e in apparenza caotica, ma
in realtà supportata da un rigore normativo
possente nel ristabilire un equilibrio vitale nel
Negretti
Una giornata di pioggia, 2005
mare delle contraddizioni umane. Forme per
lo più quadrate e rettangolari si scontrano, de-
flagrano, si ricompongono in una lotta senza
fine, con un segno poderoso e devastante e
una materia sfinita nell’affievolirsi della luce. C’è
una grande padronanza del colore, dai bianchi
ai neri con gamme raffinatissime di grigi caldi,
eleganti, solari, che trasmettono ancora spe-
ranza e fiducia. Il tempo viene percepito su pia-
ni istantanei, immanenti, e la caoticità appa-
rente, ad una attenta e prolungata osserva-
zione, si tramuta in una classicità senza tempo,
immortale come tutte le grandi opere d’arte.
Questo mondo convulso costringe l’artista
ad imprimere alla forma, alla materia, al ge-
sto, al ritmo una velocità concitata e dram-
matica nuova ed irradia lo spazio in uno spa-
smo in espansione e contrazione, fra lotta e
pacificazione. Mi colpisce l’entusiasmo, la fre-
schezza, il candore di questa giovane artista,
la sua voglia di fare, di cercare, di trovare con
i mezzi intramontabili della pittura, della ma-
teria, con l’atavico movimento del braccio e
della mano che tracciano e lasciano segni pre-
gnanti di magica energia del fare perenne del-
l’uomo. Mi chiedo dove arriverà questa don-
na, questo folletto geniale che a questi livelli
ha senz’altro una dispensa celeste che la gui-
da e sorregge nel suo fare creativo. Ester
Negretti, ne sentiremo parlare, non è un au-
gurio, è una certezza.
 MAURIZIO CARIATI Morphing GIANNI MORETTI La polvere
Maurizio Cariati, classe ’83, nato a Cosenza, formazione artistica con posizione tra i suoi lavori,
specializzazione “metalli”, il suo leit motiv è un morphing ironico grot- il suo spirito e il suo modo
tesco, immagini fotografiche estrapolate da riviste, trovate su inter- di essere artista, amico e
net, ritratte con scatti dal vero. La maggior parte delle opere han- persona. Proprio così la
no per soggetto volti “generazionali” in close up, catturati e filtrati personalità si completa,
con l’uso del fish-eye. Prima di dipingere, dietro i telai spessi, su una non limitandosi esclusiva-
base di legno si avvale del poliuretano espanso, per creare una sa- mente ad un buon esito
gomatura aggettante. I colori (acrilici) sono ste- pittorico ed artistico, ma
si direttamente su sacchi di juta con nel coinvolgimento nella
pennellate veloci e decise. sua arte di tutto sé stesso
Alcune zone del supporto e delle proprie esperienze.
sono ricoperte da strati cro- Raramente il lavoro di un
Apri sono io! 2006
matici densi e materici, altre vengono giovane artista si può con-
appositamente lasciate “nude” a leggere la texture siderare tanto pronto, tan-
Tuffatori nei pozzi, 2005
della fibra naturale.Tra l’immagine rappresenta- to efficace e maturo, ma i
ta e l’intelaiatura l’artista individua un’asse “a fuo- Il disprezzo generale verso un elemento tan- suoi spolveri (così come le foto, i disegni, le in-
co”, circoscrivendo le zone a rilievo racchiuse to inconsistente, quanto fastidioso, come la pol- cisioni, …) ci appaiono di sicura certezza, ri-
nei volumi imprigionati.Chi osserva le sue ope- vere risulta noto a tutti in più aspetti del no- flessioni di un’intellettualità acuta e capace, frut-
re può notare che frontalmente la profondità stro quotidiano. Ma c’è polvere e polvere. Quel- to di un sentimento e di un vissuto realmen-
rimane appiattita; infatti, l’anamorfosi è ado- la che raccoglie, soffia e spolvera Gianni Mo- te percepiti. Inevitabile il restarne coinvolti an-
perata da Cariati come tecnica di dissimula- retti nei suoi lavori si traduce in un irresistibi- che per noi. Sono opere scritte con un codi-
zione affinché l’espediente permetta allo spet- le fascino. ce divenuto ora, per la sua efficacia, universal-
tatore di accertarne la tridimensionalità solo di Questo giovane, e promettente, artista pon- mente comprensibile: ci parlano tanto dell’ar-
scorcio. Solo osservati obliquamente, dunque, i dera il suo agire su un’operazione – quella del- tista quanto di noi stessi e delle nostre comu-
volti sembrano “vuotarsi” e denunciare la com- lo spolvero appunto – che affonda le sue ra- ni esperienze.
ponente fisica-emotiva? Dall’interno del “sacco”die- dici nelle primigenie forme artistiche dell’uo- Gianni Moretti non è però mai tracotante nel-
tro la quinta della linearità convezionale del boz- mo: una manciata di colore e sagome su cui la traduzione del suo essere artista; con un at-
zetto. Così Cariati che ha sottratto completamen- imprimerlo per poter lasciare una traccia, un’or- teggiamento composto e garbato, riesce a par-
te i riferimenti spazio-temporali alla pertinenza pit- ma che restituiscono un segno che si ripeta larci sottovoce con un’estetica che ci lascia un
torica, moltiplica i livelli di lettura attivando una de- come memoria. I pochi elementi della carta e segno e che non possiamo né smettere di guar-
terminazione sincretica che chiama in causa fu- del pigmento, mantenuto puro, bastano come dare né di ascoltare.
metto, grafica 3D, fotopittura e pittoscultura. unici mezzi a Gianni Moretti per comporre li- Si dice che per l’Arte si debba essere portati
riche musicali che danzano nell’aria e si lascia- ma una buona tecnica resta un vuoto artificio,
Tania Giuga Il mio amico Lino! 2006 no trapassare come spiriti dal nostro stupore. figlia di una professionalità unicamente acca-
Le figure, che si accennano, si addensano e di- demica, se privata del sentire dell’artista. Gian-
sgregano, sono frutto di un’immediatezza tan- ni Moretti invece sente e poi sa trasmetterci
Il nome
ANGELO SBLENDORE della rosa
to pensata, quanto immediata, da ricordare l’i-
stantanea poeticità degli Haiku orientali. Co-
me a queste composizioni poetiche non oc-
corrono troppe parole per esaudire la poesia
questo suo racconto, aprendo con i suoi lavo-
ri una via al nostro coinvolgimento verso una
comune passionalità partecipata.

Angelo Sblendore, con il suo co- di un racconto e donarci l’ebbrezza dell’inten- Matteo Galbiati
gnome bello e strano, ci rimanda sità, così alle opere di Gian-
con le sue “sblendide” rose sui ni Moretti non servono
banchi di scuola. Rosa rosae, rosae dettagli superflui, non oc-
rosam. Rosa rosa, Rosae rosarum corre una dichiarazione di
rosis, rosas rosae rosis. intenti ma basta l’accenno
Lui le declina in tutti i casi, abla- e delle ombre sfuggevoli
tivo compreso, singolare e non. fanno breccia in noi, per
Lasciando il mondo latino ci ri- aprire, con un leggero sus-
troviamo nella poesia francese sulto, il nostro sentire. Non
dell’800 che dà i titoli a questi si devono capire, non si de-
lavori: L’alba spirituale, L’orgoglio A colei che è troppo gaia, 2006 vono solo vedere, per af-
punito, Canto d’autunno, A colei ferrarle bisogna innanzi-
che è troppo gaia, De profundis calmavi, sono poesie di Baudelaire della raccolta I Fiori del tutto sentirle le sue opere.
Male che ispirano Sblendore nella realizzazione dei suoi lavori, oli su tela con colori di mar- Affascina, cosa che perso-
ca Rembrandt, a volte colori Maimeri. Marroni, verdi, beige, amaranto, rosso, puro olio bian- nalmente ho avuto modo
co, puro olio azzurro, per rendere la terra, il cielo, la nebbia, il ghiaccio e la brina. Queste di comprovare ripetuta-
rose sono persone, hanno ca- mente, proprio la giustap-
ratteri e atteggiamenti antro-
pomorfi. Nei quadri di Sblen-
dore può esserci un freddo nor-
dico, la rosa è persona, è ricor-
do di un sud caldo e freddo, si-
lente, poetico e serio. La bianca
SIMONA CIARI In progress
rosa thea, la rossa rosa gallica Ispirarsi alla natura senza indulgere ad atteg-
sono figure teatrali frustate dal giamenti di naturalismo è quanto compete al-
vento e dalla neve che non è al- la ricerca pittorica di Simona Ciari che di quel-
tro che calce, spessore materi- lo sconfinato territorio esplora piuttosto che
co che copre i colori ad olio. I le forme, la magica energia degli elementi e so-
quadri di Sblendore sono ma- no suoi temi il cielo il mare il sole la sabbia —
terico-espressivi, comunicano come dire l’aria l’acqua il fuoco e la terra —.
una temperatura a volte Celsius, De profundis clamavi, 2006 C’è infatti qualcosa d’alchemico anche nella fat-
a volte Fahrenheit, soffiano il tualità delle opere in cui l’artista sperimenta il
vento in faccia a chi guarda, ma siccome per Sblendore tristezza è mezza bellezza, oltre al dialogo tra materie diverse coniugando il co-
vento, da questi lavori esce anche una musica di Sibelius. Essi sono osservabili da tutte le po- lore pittorico ad ingredienti plastici che le con-
sizioni perché non hanno un piano di riferimento di paesaggio. Questi frammenti di affreschi sentono d’intervenire sulla superficie e susci-
pompeiani si possono vedere da nord, sud, est ed ovest. Le rose e le foglie sono classiche, tare spessori e sgocciolature, solchi incisi, gra-
quasi fiamminghe, è lo sfondo nulose striature.
che rende contemporanei que- L'Orgoglio punito, 2006 Con ulteriore scatto espressivo interagiscono
sti lavori, a volte invadendo i pri- anche vetri trasparenti, sassi colorati e fili di ra-
mi piani per dichiarare “Siamo me, quasi a scandire il mobile e imprevedibile
nel terzo millennio”. sconfinamento tra gli elementi. Ogni suo spar-
Queste rose e queste foglie, co- tito sembra infatti teso a rendere gli opposti
sì macrofotograficamente pre- compartecipi di un unico disegno armonico e nante viaggio ricco di suggestioni figurali e
cise sembrano essere le uniche come naturale riflesso anche nella struttura- astratte, luce e spazio non reinventati per una
forme di vita ad aver resistito zione dell’opera ricorre spesso la composi- rappresentazione fantastica ma nutrimento di
al soffio della bora. E nel vento zione multipla, di più parti destinate a comu- un equilibrio nuovo tra percezione tattile e vi-
si sente un’eco: è il nome del- nicare nella loro combinazione di forma e co- siva capace di attribuire all’immagine la vibra-
la rosa. lore nello spazio. E luce e spazio, liberi da re- zione di un evento in progress.
gole di fisica scientificità, appaiono essere i nu-
Jean Blanchaert meri guida che accompagnano questo affasci- Roberta Fiorini
21
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 La spirale del gusto opere per una collezione
a cura di Adalberto Borioli

4 Riccardo Pezzoli, Il rosso e il nero

2006, collage su tempera
cm 26,5 x 20,5 € 450
1 Paola Scialpi, Troppo presto donna, 2006
acrilico su tela, cm 50 x 40 € 1.000
3 Camillo Franciskelli, Classico dei 3 caratteri
1999, pastello a olio su cartone
2 Giovanni Compagni, Scheggia blu, 2005 cm 60 x 35 € 2.000
tecnica mista su tavola, cm 70 x 50 € 800

7 Piero Vezzi, Talblickweg, 2005, cartella di 7 litografie

di cm 50 x 70, tiratura 35 es. € 1.000

6 Antimo Mascaretti, Le amiche, 1992, tecnica mista su tela

5 Maria Serena Olivari, Kahvè n° 4, 2003 cm 100 x 120 € 2.200
tecnica mista su gesso e juta,cm 90 x 70 € 2.200

10 Graziella Bertante, Rinoceronte, 2005

terracotta policroma, cm 37 x 20 x 60, es. unico € 4.500

1 Paola Scialpi tel. 0832.347359 - cell. 340.4951799

2 Giovanni Compagni tel. 0323.516045
www.gicoarte.it
8 Lorenzo Piemonti,Cromoplastico 960,2006 e-mail: giocom@alice.it
rilievi, cm 40 x 40 € 2.400 3 Camillo Franciskelli cell. 335.7364562 -
e-mail: c.franciskelli@guna.it
4 Riccardo Pezzoli tel. 030.311389
e-mail: riccardopezzoli@libero.it
9 Giorgio Vicentini, Colore crudo, 2006
tecnica mista su polifoil e tela cm 100 x 100 € 3.600 5 Maria Serena Olivari tel. 010.3771784 - cell. 340.5017511
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6 Antimo Mascaretti cell. 347.7118710
e-mail: antimomask @tiscali.it
7 Piero Vezzi tel. 0571.42177 - cell. 340.9480865
8 Lorenzo Piemonti tel.0362.901209 - www.arsvalue.com
e-mail: lorenzo.piemonti@virgilio.it
9 Giorgio Vicentini cell. 348.6729806
www.giorgiovicentini.it
e-mail: info@giorgiovicentini.it
10 Graziella Bertante tel. 0523.338409
11 Salvatore Sebaste tel. 0835.543248 - cell. 338.9875131
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12 Roberto Origgi tel. 02.55210627 - cell. 339.3753854

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11 Salvatore Sebaste, Volo, 2003 12 Roberto Origgi, Un tavolo inclinato, 1995 Antonella al 320.5735630
tecnica mista, cm 70 x 50 € 1.500 acrilico e olio su tela, cm 90 x 130 € 2.800
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e-mail: fotolito@fotolito.191.it

cato da raffinati equilibri cromatici e formali,
tensioni luminose e complesse metafore visi-
ve. La ricerca di Enrico Monticelli rievoca tut-
to questo e la materia pittorica sembra in-
staurare un contatto simbiotico e profondo
con l’osservatore, assecondando armonica-
mente le diverse modalità stilistiche.
Nella serie di opere degli anni ’90, sulla super-
ficie delle tele prendevano vita dimensioni oni-
riche e claustrofobiche a volte attraversate da
attori quasi incorporei, avvolti da un’aura no-
stalgica e apparentemente distaccata.
Tuttavia nel corso degli anni, l’espressività del-
l’artista si è notevolmente evoluta e modifica-
ta, rivelando inediti linguaggi pittorici, con al
centro la costante esigenza di equilibrio for-
male. I colori si sono stemperati e raffreddati
Calm Worry, 2006
e la materia cromatica si è come liberata dal-
Un universo cristallizzato che si autoalimenta l’urgenza del “gesto”, lasciando il posto a una
e rivive in continuazione la sua personale, me- sintassi più matematica e riflessiva, quasi un “ri-
tamorfica memoria. Un istante sospeso, vivifi- torno all’ordine” all’interno di quest’evoluzio-
Tutto nuovo
DANIEL TARONDO niente di nuovo
attraversare il tempo; umilmente ha osserva-
to, religiosamente. Ascoltandolo parlare mi è
facile immaginarlo percorrere quella galleria
luminosissima che raccoglie il frutto della vi-
ta dei molti artisti prima di lui e dove assimi-
la il segno, la pennellata, le forme, i colori, E
gli occhi, gli sguardi, i ritratti. E, sempre se-
guendo il pensiero di Daniel artista, all’im-
provviso scende il buio: l’arte diventa lo spec-
chio di un tempo in cui è persa la leggerez-
za, il contatto con l’ambiente circostante, la
perdita del senso del sacro, così strattamen-
te legato al bisogno dell’uomo. E in quella vir-
tuale galleria, lentamente, la luce si affievoli-
sce, fino a diventare priva di colore, una rac-
Neoclassico, 2006
colta capricciosa di chi vuole sminuire il gu-
sto naturale del bello.
Daniel Tarondo. Dicevamo: tutto nuovo, nien-
te di nuovo. Ci troviamo di fronte ad una pit-
“Tutto ciò che è bello, è tura legata al gesto del disegno, dove i segni
bello di per sé; ha il termine della sua bellezza di pigmento si incrociano e danno forma a
dentro di sé; né annovera tra le sue parti la lode; volti spesso monocromatici, intensi.
e lodato non diventa né peggiore né migliore”. Rivive il segno del disegno del quattrocento
Marco Aurelio, I ricordi IV, 19 ma senza essere fuori tempo. Una pittura fre-
sca, allegra, positiva, che entra in simbiosi con
La cosa che più mi ha colpita di Daniel è la l’osservatore trasmettendogli la sensazione
straordinaria tenacia che gli ha permesso di che ogni cosa sia al proprio posto. Perché, si
non farsi soffocare da quella invisibile pre- chiede spesso Daniel, che senso ha dividere
senza che attraversa la vita di molti artisti: di i propri spazi con immagini che creano an-
arte non si vive. L’artista è diverso, vive nel goscia, tristezza, mancanza di luce?
suo mondo, non ha voglia di lavorare, vive di
notte, non ha regole. Qualcuno sopravvive e Loredana Perrone
si rovescia l’immagine: quell’artista è superio-
re, ha avuto il coraggio delle proprie idee, la-
vora ininterrottamente anche di notte, riesce SpazioBoccainGalleria
a vivere senza farsi sopraffare dalle regole. mercoledì 31 gennaio 2007 - ore 18,30
Perché l’arte, per nascere dall’anima dell’arti-
sta, ha prima subito centinaia di processi fuo- Angelo, 2006
ri e dentro di lui. Daniel
ha coltivato il proprio so-
gno senza mai vacillare,
è stato capace di far vi-
vere la propria vocazio-
ne pienamente. Ognuno,
certo, vive secondo la
propria verità. Gli arche-
tipi che segnano il giusto
cammino sono di pochi,
è impegnativo aguzzare
la vista dell’anima per far-
si consigliare.Conoscendo
l’artista Daniel mi ralle-
gro al pensiero che an-
che lui non sia rimasto
contaminato da verità
che appartengono al si-
stema solare di altri.
Uscire dalla ruota, para-
frasando i buddisti, per
l’artista è questo. Daniel
ha percoso a lungo quel-
la ricca galleria capace di
23
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ENRICO MONTICELLI
Franco Tarantino
ne stilistica astratta. Sfere evanescenti, bianchi
quadrati e altri elementi geometrici sono en-
trati a far parte di questo nuovo alfabeto arti-
stico. Singole e marcate lettere hanno iniziato
a fare il loro ingresso sulle tele, simboli evidenti
della necessità di dare un ordine e una classi-
ficazione a questa nuova fase.Accanto alle let-
tere, hanno iniziato a lasciare il proprio “segno”
anche brevi frasi, a volte spezzate, a volte qua-
si epigrammatiche: una vera e propria irruzio-
ne del verbale all’interno di questa “sinfonia”
visiva. Una svolta che, a prima vista, può appa-
rire brusca ma che appare perfettamente na-
turale all’interno di questo percorso di speri-
mentazione, dove il significato, la dimensione
del concetto, si incarna nella realtà tangibile del-
la pittura e la geometria che permea sottil-
mente le opere, quasi come una levigata epi-
dermide, diventa generatrice di un ordine ra-
K, 2006
ALEJANDRO FERNANDEZ
Horizonte marino, 2006
La porta delle stelle
L’arte di Alejandro Fernandez assale e cattura mostro la mia anima.
con un impatto che è allo stesso tempo, dia-
logo e percorso. L’essenza primaria: pensie-
ro/parola/opera, si stabilisce in un pulsare ener-
getico dal “fuori” al ”dentro” e viceversa.
Le sue opere, schematizzate dalla “finestra/si-
pario”, si fanno veicolo di condivise emozioni:
ricevere e dare, tuttavia nella scelta quotidia-
Totorita, 2006
a cura di
refatto, complesso e misterioso.
Occasionalmente, alla ricerca di un contatto
con una dimensione più tattile e materiale,
compaiono anche oggetti emersi dal flusso del-
la vita quotidiana: brandelli di iuta e granelli di
sabbia, catturati direttamente dal sottobosco
saturo di concretezza dell’Arte Povera, come
se fossero frammenti integrati con inaspetta-
ta eleganza in un più ampio brano musicale.
Infine, le opere più recenti necessitano di un’at-
tenta lettura per via delle nuove suggestioni di
cui si carica l’intervento dell’artista. Geometrici
spazi bianchi diventano, in queste ultime, il tra-
mite espressivo di un inedito alfabeto artisti-
co: i titoli che personalizzano i diversi lavori si
ritrovano quasi come degli anagrammi o dei
giochi mentali tra le pieghe della materia cro-
matica e delle sue innumerevoli declinazioni.
Una sorta di gioco intellettuale con lo spetta-
tore, sfidato a leggere dietro le apparenze per
scoprire, a volte, proprio l’essenziale.
Una possibile chiave di lettura per compren-
dere questa svolta può essere rintracciata nel-
l’inaspettata osmosi tra gli echi raffinati e gli
equilibri cromatici, presenti nelle opere di Burri,
e un certo tipo di Concettuale, interiorizzato
ed espresso da Enrico Monticelli tramite il lin-
guaggio a lui più congegnale, quello della pit-
tura. Un Concettuale dove la presenza di ele-
menti verbali così autoreferenziali riporta alla
mente anche alcune tracce del multiforme uni-
verso della corrente verbo-visuale, presentan-
do affinità con artisti come, solo per restare
nell’ambito italiano,Vincenzo Ferrari. Un per-
corso individuale, ma che sembra raccogliere
in sé gli echi e il fluido patrimonio “genetico”
di gran parte delle avanguardie del secolo scor-
so in un’originale e intima rielaborazione.
Viola Monticelli
na tra paura e amore e biso-
gno di attraversare sempre
questa porta suprema.
Parole, vibrazioni che da echi
si fanno pittura. La necessità
di reinventare la scrittura è per
riallacciarsi ad una tradizione
storica orale ormai quasi per-
duta, è rievocazione di un mi-
to passato, cancellato con una
sofferenza collettiva che per
secoli fu lotta silenziosa ad ar-
mi impari. I numeri raffigurati
sono semi gettati verso un fu-
turo misterioso e migliore. Gli
archetipi solari, o meglio di
contrapposizione e compe-
netrazione Sole/Luna, emer-
gono nelle scelte cromatiche:
i gialli, i rossi, i blu, i bianchi.Al-
la ricerca rappresentativa di
altre percepite dimensioni e ci invia questo ul-
timo supremo messaggio: venite, guardate vi
Alberto E. Cantù
SpazioBoccainGalleria
mercoledì 10 gennaio 2007 - ore 18,30
fino al 23 gennaio 2007

MARCO TAMBURRO
Attesa, 2006
“…le esalazioni che ristagnano sui tetti delle me-
tropoli, il fumo opaco che non si disperde, la cap-
pa di miasmi che pesa sulle vie bituminose. Non
le labili nebbie della memoria né l’asciutta tra-
sparenza, ma il bruciaticcio delle vite bruciate che
forma una crosta sulle città, la spugna gonfia di
materia vitale che non scorre più, l’ingorgo di pas-
sato presente futuro che blocca le esistenze cal-
cificate nell’illusione del movimento: questo tro-
vavi al termine del viaggio”.
Questo frammento di brano tratto da Le città
invisibili di Italo Calvino evoca in me alcune im-
magini delle famose città-metropoli di Marco
Le città
Invisibili
Tamburro. Le città che egli rappresenta sono
l’espressione più tangibile del caos umano e
del vuoto esistenziale che attanaglia l’uomo
moderno, un vuoto questo che va dilatando-
si sempre più e che rischia di aprire un solco
sotto ai nostri piedi, per poi ingogliarci defini-
tivamente nel buio insondabile delle sue vi-
scere infernali.
In questi dipinti la figura umana è una sempli-
ce comparsa, un’ombra, uno spettro consu-
mato dal tempo che insegue incessantemen-
te le traiettorie infinite della città, attraversan-
do lunghe strisce pedonali, salendo in alto a
vertiginosi e monumentali grattacieli. L’esistenza
dell’uomo si riduce a un repentino passaggio
sulla terra, un segno transitorio che indica il
termine del suo breve viaggio, un viaggio che
all’andata è sempre bello, ma al suo ritorno ci
lascia a metà strada.
Con la sua acuta e visionaria fantasia Marco
riesce ad andare oltre alla semplice percezio-
ne del reale, riesce a trascendere questa mi-
sera e triste realtà che ci circonda, per con-
durci con il solo ausilio dei suoi sensi e della
sua immaginazione verso un viaggio dove il var-
co è un orizzonte infinito aperto a tutti, dove
c’è spazio per i sogni e per i desideri più arca-
ni: prospettive traballanti, fatiscenti e avveniri-
stici grattacieli, uomini-clown sospesi su fili in-
stabili, volti simbolici come quello indemonia-
to di Jack Nicholson in Shining o quello malin-
conico di Charlot che entrano silenziosamen-
te nei nostri sogni più reconditi, teatri, scac-
chiere e pedane da gioco che diventano tanti
campi di battaglia o vie di fuga dove l’uomo
mette in gioco la sua ultima carta e prova a ti-
comunicativa delle im-
magini, attraverso una
varietà di passaggi e sfu-
mature tonali di bianco
rare l’ultimo dado che segnerà la sua sorte. Il e nero, interrotte spes-
senso di instabilità e di ansia convulsiva che so da violenti squarci di
prorompe da queste tele si percepisce so- rosso. A dare ancora
prattutto dalle linee-forza dinamiche che si più forza al senso di fin-
spezzano, si scontrano, si intersecano tra loro, zione scenica e alla ri-
segnando traiettorie labili e sfuggenti che petitività delle cose che
confondono i passanti nel loro cammino, un si manifestano all’uomo,
labirinto di sensazioni e di stati d’animo che si negli ultimi lavori l’arti-
perdono nel vuoto dell’esistenza. La propen- sta mette in scena sem-
sione verso gli ampi spazi scenici che l’artista plici oggetti, scelti e de-
matura con l’esperienza scenografica insieme contestualizzati secon-
alla passione per la fotografia, assolvono un do un criterio di ripeti-
ruolo fondamentale nella realizzazione dei suoi tività multipla:puzzle,da-
quadri: il rapporto architettura-spazio diviene di, orologi, biglie, se-
sempre più articolato e mutevole, amalga- mafori, obbiettivi, nien-
mandosi con i vortici delle pennellate dinami- te altro che un pretesto
che, con i segni graffianti che rendono l’opera per rafforzare il valore
sempre più vicina a un graffito metropolitano dell’immagine stessa,per
e con le dinamiche inquadrature prospettiche, avvalorare l’esistenza
prese dall’alto, dal basso, di sbieco, che sem- materiale che li con-
brano evocare la pittura aereo-futurista. Que- nota. Come un regista,
sto costante senso di mobilità che ritroviamo Tamburro si diverte ad
nelle sue opere serve a rendere la realtà stes- assemblare i suoi pez- Particolare
sa del quadro effettivamente mobile, attraver- zi e le sue pedine die-
so segni e pennellate labili e sfuggenti che sem- tro alle quinte sceniche di quel “teatro della
brano percorrere la tela all’infinito, inarresta- vita” che per lui non è altro che la rappre-
bilmente. Le immagini che dipinge sono spes- sentazione simbolica di un’umanità trasfor-
so sgranate ed evanescenti, solcate da ombre mata in tristi burattini manipolati da un con-
spettrali che assumono forme diverse secon- gegno infinito di fili, tra i quali si rivede im-
do la definizione dei contorni e dell’intensità potente anche lui.
del timbro cromatico. Il mezzo cromatico
rafforza maggiormente la potenza e la sintesi Barbara Tamburro

Die Emotion
ERIO CARNEVALI der farbe
È una pittura che echeggia una tradizione li-
rica, fatta di orizzonti slontanati.
Astratta, certo, ma per sintesi tesa di pulsa-
zioni emotive in comportamenti primari: del
colore, delle sue temperature, dei gesti sem-
plificati, ma quasi intensivi, che gli danno luo-
go. Erio Carnevali persegue con limpida one-
stà intellettuale — merce rara, in questi tem-
pi di blague visiva — un percorso che rimonta
alle radici meno clamorose del moderno, quel
districarsi dei fondamenti del pittorico dalla
cultura di simbolo, che pure ha significato, del
simbolo, ritenere e amplificare umori, e spes-
sori, in una sorta di nudità essenziale della vi-
sione. Così, dopo la stagione fondamentale
dei ripensamenti kandinskijani, primi Novanta,
egli ha percorso il crinale sottile della tradi-
zione nuova statunitense, l’hard edge soprat-
Leçon de morale, 2006 tutto, ma come liberando, sotto l’icasticità del
what you see, i riverberi profondi di una poe-
sia del luogo fondamentale: quella, per inten-
derci, che rastrema sapori di natura entro to-
ni e rapporti in consonanza, che spreme tra-
sparenze e liquidità sino a produrle in brividi
emotivi: senza che ciò comporti altro che co-
lore, colore solo. Quanto è diverso, questo
scriver pittura alla prima, dai rigorismi meto-
dologici e dagli alibi gestaltici sui quali pure s’è
ritenuto di proiettare, in decenni d’equivoco,
ogni esperienza di pittura senza oggetti.
Quanto, soprattutto, è figlio non della messa
in distanza del naturale fatto oggetto, e anzi
del Raccorciamento estremo, sino al punto di
confondersi, per osmosi sentimentale, del-
l’artista con la sua visione. Questo il punto sul
Il segreto, 2006
quale Carnevali, sereno inflessibile, lavora per
scavo metodologico, elidendo ogni traccia che Identificazione senza premesse, o aggettivi, o
lo possa far riferire a un dover essere pitto- regole. Identificazione definitiva, nitida, sonante.
rico fatto di tradizione e modalità, e invece Pittura che dice se stessa, e forse ancora un
scandendo le tappe, verrebbe da dire le gior- mondo.
nate, di un processo lucido di identificazione
del flusso emotivo con il colore, con la luce. Flaminio Gualdoni

ANTONIO NOIA Terre comuni

Nella linea evolutiva del disegno nel XX se-
colo, certamente vi sono dei momenti parti-
colarmente estremi e significativi. Se si pren-
de il lavoro di Duchamp Con la lingua nella
mia bocca si vede come l’artista abbia sapu-
to accostare la scultura con il disegno, in al-
tre parole due fasi (preliminare e finale) del-
la stessa operazione artistica. L’opera assume
così un valore concettuale perché fa riflette-
re su se stessa. Ma questo comporta anche
una riflessione sull’arte in generale e sul suo
modo di procedere. E certamente ci voglio-
no artisti sensibili e intelligenti per fare que-
Spazialità definita quanto indefinibile, 2006
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sto, perché non bisogna rinunciare né al la-
voro artistico, quindi alle sue ineccepibili
caratteristiche formali, né al mettere a nu-
do processi di pensiero e d’esecuzione che
spesso restano in secondo piano, cioè pre-
supposti in quella sintesi che semiotica-
mente si chiama extratestuale. Credo che
i recenti lavori di Antonio Noia abbiano la ca-
ratteristica illuminante d’essere figli della ma-
no e del pensiero concettuale. Un artista co-
sì polimorfo, nel senso autenticamente freu-
diano, ha raggiunto esiti importanti in una se-
rie di lavori in cui tra fotografia e disegno si
determina un’osmosi perfetta. Quello che ac-
cade è che la ricerca fotografica per lo più di-
retta verso paesaggi con caratteristiche in-
determinate, venga coniugata con la preci-
sione e la grafia del disegno a grafite.Tra i due
mezzi si determina un equilibrio di tensione
e pertanto portatore di piacere e novità. La
fusione non distribuisce il lavoro in una me-
dia uniforme, piuttosto crea dei campi di for-
za reciprocamente coesi. Antonio Noia con
sapienza e precisione sa giocare su più fron-
ti percettivi.
Dall’inserimento del disegno tra due foto-
grafie ad una giustapposizione diretta in for-
ma di dittico, per esempio, le sue possibilità
24
Confine, 2006
espressive sono molteplici. In questo modo
la manualità diventa non solo il contrappun-
to della meccanica fotografica, ma se ne ap-
propria in quanto progettualità. L’indecisione
del fruitore, quell’ambiguità alla base del “pia-
cere del teso” per dirla con Roland Barthes,
consiste non sapere mai quale dei due mez-
zi sia prioritario, almeno dal punto di vista
temporale. Foto o disegno? In un certo sen-
so il problema è pseudologico, però porlo
può servire a dipanare la lettura dell’opera. Il
disegno completa, reintegra, quasi in una for-
ma di restauro, l’opera fotografica o piutto-
sto l’opera fotografica risulta la realizzazione
di quanto è visibilmente disegnato?
La questione si pone perché è l’artista stes-
so a lasciare un magico alone di ambiguità. E
del resto non potrebbe essere diversamen-
te in una prospettiva coscientemente con-
cettuale, perché non esiste nessun lavoro che
si spieghi da solo. Piuttosto risulta evidente
come la padronanza perfetta dei linguaggi da
parte di Noia, costituisca la base della riusci-
ta di questi lavori. La tecnica è tutto, anche la
casualità va aiutata, e questo proprio il su ci-
tato Duchamp lo aveva ben insegnato. Così
questi fotodisegni oppure opere grafiche fo-
tografiche riescono soprattutto non solo a
convincere sulla chiarezza intellettuale dell’o-
perazione, ma anche a risultare un fattore di
novità da tenere in considerazione. L’effetto
estetico è indubbio perché tra il bianco e ne-
ro della grafite e i toni alti delle fotografie, si
crea una sospensione poetica veramente no-
tevole. L’effetto di sorpresa, lo ripeto carat-
terizzato soprattutto dalla qualità dei lavori,
probabilmente consiste nel cogliere impre-
parata l’immaginazione dello spettatore e nel
lasciare un effetto di positivo straniamento.
[…]
Valerio Dehò
Spazio memoria, 2006
 Sul filo dell’arte
GEOGRAFIA EMOZIONALE
GEOGRAFIA EMOZIONALE ED
APPUNTI DI VIAGGIO
Quali e quante sono per te le motivazioni
del viaggiare?
Le ragioni sono, evidentemente le più varie e
talvolta singolari.
Si viaggia per vedere, si viaggia per comprare
o per vendere, si viaggia per evadere, per fin-
gere di smarrirsi, per occupare il tempo. Si
viaggia per conoscere, per arricchire il proprio
bagaglio culturale, per imparare le lingue e-
stere e, talvolta, anche per pensare e fare arte.
Immagino che quest’ultima sia la tua moti-
vazione prevalente
L’esperienza del viaggiare ha sempre stimo-
lato la mia immaginazione oltre il visto, fino
al punto di condurmi ad identificare il viaggio
con gli “appunti di viaggio”, che arrivano
dopo.
Gli appunti di viaggio sono un risultato concre-
to, spontaneo ma non scontato. Nel senso che
durante lo svolgersi del viaggio non so mai cosa
mi resterà dentro di questo avvenimento del-
l’avventura che sto vivendo. Le visioni, le imma-
gini richiedono tempo per sedimentare, per
decantare. Solo dopo, talvolta molto tempo
dopo, riaffiora l’urgenza di fermare una sen-
sazione un’emozione che dallo spazio geo-
grafico attraversato durante il viaggio trae
motivo ma che si è disegnata col tempo.
Quale rapporto c’è tra il viaggiare e il tuo
fare arte?
Succede che le immagini archiviate nella
memoria dopo un lungo percorso, durante il
quale si contaminano con altre suggestioni, si
rivelano ma non sono più le visioni del pae-
Emma Vitti
saggio osservato, ma altro. Un qualcosa oltre
il visto. Non solo ricordo per immagini ma
ricordo emozionale, ricordo quasi visionario.
Ricordo di un “viaggio sentimentale” che si è
evoluto attraverso un percorso interiore.
Ed il viaggio talvolta ricomincia senza fisico
spostamento, da fermo. Un viaggio di rincor-
se, di sensazioni già vissute che si confondo-
no con armonie nuove in un giro stravagante
di visioni nelle quali luoghi, volti, personaggi,
rumori, odori, oggetti si ricreano suggestiva-
mente in percorsi non più reali, in geografie
solo soggettive.
È questo il tuo concetto di “GEOGRAFIA
EMOZIONALE” ?
Giuliana Bruno, che di viaggio sentimentale
parla nel suo “Atlas of emotion”, ricorda una
frase di Walter Benjamin “si viaggia per sco-
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a cura di Stefano Soddu
Stefano Soddu intervista Lucio Perna
prire le proprie geografie”.
Il viaggiare è “KINEMA”, che in greco signifi-
ca movimento ed emozione, da cui deriva la
parola italiana “CINEMA”. La Bruno sostiene,
e io condivido, che i concetti di “vedere e viag-
giare“ siano inseparabili e lo dimostra attra-
verso un sistema evocativo di parole ed
immagini, ad esempio: motion (movimento)
ed emotion (emozione).
Muovendosi attraverso lo spazio geografico
si raccolgono un’infinita sequenza di visioni
che si sovrappongono, si intrecciano con per-
cezioni captate attraverso altri sensi: il tatto,
l’olfatto, l’udito. La mescolanza senza un cri-
terio prestabilito, ma solo casuale e sponta-
nea, genera sensazioni ed emozioni che il
cervello registra prontamente, incamera per
poi filtrare e riproporre attraverso il ricordo.
E il ricordo, per una serie di combinazioni chi-
miche e fisiche, ripropone il viaggio ma da
fermi e recupera: visioni, sensazioni ed emo-
zioni da cui emergono non più le immagini ori-
ginarie ma quelle nuove costruite e mixate
dalle soggettive pulsioni.
Accade che le immagini incamerate si distor-
cano, si deformino o che un particolare pre-
varichino tutto il resto e rimangano motivo Lucio Perna
centrale e dominante del ricordo. inconsapevolmente modificate e ci fornisco-
Queste visioni alterate, modificate generano i individuare e conquistare. no una rappresentazione molto personale,
miei “appunti di viaggio” che io chiamo Come? dove ciò che prevale è sempre il particolare
“miraggi”. Una realtà a sé che in effetti non Attraverso un percorso lento di riflessione e sensazionale. Fra le sequenze di immagini di
esiste ma che proviene ed è costruita dalla meditazione. Attraverso un più attento e me- cui disponiamo il ricordo seleziona sempre
precisa visione di luoghi geografici e di ciò di todico dialogo con noi stessi. Che poi vuol dire quelle per noi più sensazionali, quelle più vici-
cui questi luoghi-spazio sono composti (colo- anche scoprirsi, conoscersi meglio e forse an- ne al nostro “KINEMA”.
ri, odori, sapori, rumori-suoni, atmosfere che volersi più bene.Ti parlo della scoperta e Il “miraggio” è dunque il risultato di questo
soprattutto). Con i miei appunti tento di fer- del grande valore, anche terapeutico, del silen- percorso. Ma allo stesso tempo è la rap-
mare queste visioni e ricreare, suggestiva- zio, del grande valore dello spazio vuoto, della presentazione emozionale di personali e-
capacità di vivere il poco o tanto tempo libe- sperienze, di viaggi attraverso luoghi non
ro come dimensione della quale disporre in solo fisici ma anche e forse soprattutto, in-
modo più proficuo. Con ritmi totalmente diver- teriori. Ogni opera che realizzo è sempre
si da quelli della consuetudine di noi occiden- frutto di un pensiero che ho il bisogno di
tali. E guarda che non ti sto dicendo nulla di comunicare e che si crea sempre attraverso
nuovo o di inedito. Questi concetti sono già lo stesso percorso.
delle filosofie “new age”. Ecco dunque perchè quasi sempre lo stesso
Il titolo che dai ai tuoi lavori è quasi sempre titolo. Miraggio come visione, molto sogget-
lo stesso: “miraggio”. Mi spieghi perché? tiva, di un mondo visto “dal lato della vita”
Tutti noi, quando pensiamo, pensiamo solo come ricorda Vichi Vendola commentando
per immagini, quelle incamerate e archiviate i propri versi e che per primo, in Italia, ha
che sotto lo stimolo del ricordo riaffiorano, parlato di “geografia emozionale”.
mente, certe atmosfere.
Per capire meglio, puoi parlarmi di espe-
rienze o di luoghi da cui hai tratto”appun-
ti di viaggio”?
Per anni ho viaggiato lungo i paesi sahariani,
dall’Egitto al Marocco, dalla Mauritania al-
l’Algeria. Per anni il deserto ha alimentato e
ancora alimenta la mia voglia descrittiva.
E dal momento che amo dipingere la mia
descrizione avviene attraverso la pittura.
Ciò che prepotentemente emerge dai viaggi
nel deserto e che compone, se vuoi, il fattore
estetico dei miei lavori, è il senso e la sco-
perta di nuove ricchezze. Quelle, per inten-
derci, che non hanno una quotazione di mer-
cato e che non si possono comprare. Quelle
che, paradossalmente e potenzialmente, tutti
saremmo in grado di possedere se capaci di Enrico Cattaneo, paesaggio
25
CLAUDIO BUSO
Cronogramma n. 1: De curru mali, 2006
Mi avevano sempre parlato di Claudio Buso
(Padova 1955) come di un artista rappre-
sentante di una certa Pop Art italiana, desi-
deroso di iconizzare città e luoghi, a denun-
ciarne quasi un’assuefazione consumistica.
Quando ebbi occasione di vederne un’ope-
ra cominciai a dubitare della mia stessa ca-
pacità critica, mi accorsi che nulla era più di-
stante da una sensibilità Pop di quella com-
posta e luminosa Piazza Cordusio di Milano,
crocevia simbolico di uno stile di vita, mira-
colo futurista che si arresta e diventa sogno
rubato alla velocità, permeato della stessa ve-
lata e malinconica dolcezza di una cartolina
ricordo. La Pop Art nasce in America negli an-
ni Cinquanta opponendosi al dominio del-
l’Arte Astratta e sostenendo un’autentica li-
turgia celebrativa di immagini e oggetti della
realtà quotidiana, accreditandone il ruolo di
mito, feticcio da elevare agli altari dell’Arte
cancellando il confine tra Arte e vita.
Questa rivalutazione dell’oggetto è un tenta-
tivo limite di esaltare la materialità, quasi a far-
ne un laico culto di sopravvivenza, un pre-
zioso quanto vistoso viatico di salvezza alla
consapevole disgregazione di un mondo ar-
tificiale e inconsistente.
Andy Warhol ha stigmatizzato questa ango-
scia attraverso una ripetitiva sequenza di ope-
re che appaiono testimonianze di un’epoca,
affrancate da qualsiasi apparente interpreta-
zione ideologica, pura “segnaletica” di vita: non
BRUNO CERBONI BAJARDI
Ritratto di vecchio, 2006
Seguire il percorso degli studi di Bruno
Cerboni Bajardi sul ritratto non significa tro-
vare il grimaldello che apra ad una lettura
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L’iper...marcato
si può comunque non leggervi un preciso
messaggio di omologazione, appartenenza ad
una società che fa dell’equazione Arte = Vita
un ossessivo istinto di protagonismo, di cieca
fede nei principi di un ostentato consumismo,
vistosa asserzione di presenza.
Così lattine di Coca Cola e di zuppe
Campbell, automobili e oggetti di massa as-
surgono a propaganda di un sistema di vita,
fabbrica (Factory) di una felicità fragile e illu-
soria : gli stessi successivi ritratti di personag-
gi famosi sembrano trasformarsi in fotogra-
fie formato tessera scattate in diverse condi-
zioni di luce, ma segnate dalla stessa allucina-
ta, algida assenza di emozioni, assorti repli-
canti del vuoto. In Italia la Pop Art ha anno-
verato esponenti di più esplicita e tormenta-
ta ironia: dalla caotica e convulsa simbologia
del grande Schifano, nutrita di insaziabile cu-
riosità e avidità di bruciare emozioni, allo scon-
certante visionismo capitalistico e capitolino
del tragico Franco Angeli. La Pop Art era già
degenerata in denuncia di autodistruzione e
si avviava a rifugiarsi nel Realismo e nel con-
seguente Iperrealismo, il fascino chiassoso del
consumismo rivelava tutta la sua inconsisten-
za e il boom economico segnava la stessa fles-
sione del ripensamento ideologico post ses-
Cronogramma n. 31: De curru mali, 2006
Il ritratto?
Un giallo napoletano
facile, universale e semplificata; piuttosto è
percorrere una strada sulla quale sono dis-
seminate sparse parti di un progetto che si
compone passo a passo in un’unità di am-
pio respiro fatta di elementi moventesi su li-
velli diversi accanto ad altri che invece si coa-
gulano attorno a nuclei che possiamo ten-
tare di pescare entro le trame di una rete.
Da una parte vi sono i pretesti, le occasio-
ni; dall’altra i contesti, la materia pittorica che
organizza un motivo di riflessione.
Sarebbe perciò illusorio assegnare ai suoi la-
vori una potestà esemplare e additarli co-
me sintesi del lavoro di un artista. Non è al-
trettanto ingannevole cercare tra questi
frammenti un’unità tematica; meno illusorio
(prendendo a prestito ad uso di metafora il
titolo di un’opera di un maestro quale fu
Alberto Giacometti, cui Bruno spesso fa ri-
ferimento come esempio di reductio e pu-
lizia) cercare tra le righe l’oggetto invisibile,
quel minimo comune denominatore che può
contribuire a vivificare un dibattito sul ri-
tratto, genere che secondo Bruno ha anco-
ra molto da dire.
Il Rinascimento italiano, cui pure, controcor-
rente, nel secolo scorso faceva riferimento
Pietro Annigoni, rinnovò il genere con l’ap-
porto di nuovi contenuti vivificati dal ricor-
so ad un apparato tecnico di forte matrice
artigianale che però non rinunciava mai al
rapporto diretto col soggetto.
A questo punto il lettore potrebbe smar-
27
santottino: ancora una volta il
Realismo italiano aveva tutta-
via connotazioni diverse da
quello americano. Mentre gli
statunitensi Richard Estes e
Don Eddy esibiscono una stu-
diata maestria nel costruire una
spiazzante tensione spaziale nei
riflessi di vetrine e carrozzerie
di automobili, cancellando la
presenza umana, quasi impri-
gionando ogni emozione al di
fuori di una raggelante ogget-
tività, i Realisti italiani affronta-
no altri orizzonti: Gianfranco
Ferroni proietta scenari urbani
già esistenzialmente deforma-
ti, Banchieri disegna periferie
dove l’uomo è un semplice ma-
nichino di passaggio. Il succes-
sivo Iperrealismo (nome coniato dopo la VII Cronogramma n. 23: De signo medio, 2006
Biennale di Parigi nel 1971) sembra voler ri-
me prezioso incantesimo. È questo che co-
qualificare, quasi con un ingannevole “ritorno
municano le opere di Buso, il traguardo di una
all’ordine”, questo progetto di progressiva alie-
nuova luce, l’emozione di una “prima visio-
nazione, recuperando le immagini nitide di
ne”: i soggetti e gli scenari prendono forma
una realtà di cui siamo disorientati spettato-
da immagini fotografiche scattate in prece-
ri, ormai rinsaviti dall’ubriacatura della stagio-
denza e accuratamente selezionate secondo
ne Pop, consapevoli di un negato protagoni-
un criterio di protagonismo emotivo, quasi a
smo, di un fluire della vita fine a sé stessa, co-
impressionare un’altra pellicola, quella del ri-
me il caricatore di un proiettore di diapositi-
cordo, ottenendo un magico effetto evocati-
ve. Ecco allora che l’Iperrealismo vuole addi-
vo e associativo. Nasce così il soggetto dei
rittura superare la realtà, mettendone a fuo-
taxi gialli, i mitici yellow cabs simbolo di New
co, fotograficamente, det-
York, bagliori luminescenti di una metropoli
tagli ancor più inconsueti,
che ne fa elemento connotativo del suo dna:
ma non per drogarci di
ancora un preciso profilo e impianto archi-
miti consumistici, quanto
tettonico contraddistingue le Piazze di
per renderci coscienti del-
Bologna, Bergamo e Milano, ciascuna con la
l’umana capacità di indagi-
propria luce, non quella piatta e metafisica
ne, riconoscerci almeno
delle Piazze d’Italia di De Chirico, tutte so-
nel ruolo di estasiati nar-
spese nello stesso scultoreo silenzio, ma un
ratori di una favola lucida
taglio luminoso che apre la ferita della me-
e ambigua. È proprio la ri-
moria, scolpendo un’inquadratura indelebile
produzione fotografica a
che sintetizza spazio e colori. E qui veniamo
fornirci particolari irrile-
ad un altro carattere distintivo delle opere di
vanti su cui generalmente
Buso, la consuetudine, che si rivela intima esi-
non ci soffermiamo ad ali-
genza, di identificare univocamente, quasi con
mentare una curiosità
un moderno codice a barre, ciascun sogget-
istintiva che il vivere quo-
to, rivendicandone i natali e le peculiarità.
tidiano soffoca, svelando-
Ogni opera è vissuta come la nascita di una
ci impensabili capolavori
nuova creatura, attimo da catalogare e regi-
di perfezione: non più
strare attribuendogli un “codice vitale”, del
dunque esaltazione di ido-
tutto analogo a quello fiscale, ricavato da un
li pubblicitari, ma sguardo
algoritmo che tiene conto del luogo, del sog-
stupito di chi ogni giorno
getto ritratto e dell’ora: questa caratteristica,
si apre alla vita, di chi ne
che può apparire fredda archiviazione, è in ef-
custodisce ogni istante co-
fetti desiderio di assorbire ogni singolo istan-
te di vita, rendendone inalienabile l’esperien-
za. Si può sintetizzare come una “ipermarca-
tura” messa ad arte in rilievo, che richiama
volutamente la funzione dell’opera, non un
barocco iperrealismo, ma l’esplicito invito a
decifrare il ripensamento della visione ogget-
tiva, la tranquillante certezza di non clonabi-
lità e di irripetibile emozione. Buso si pone
dunque come otturatore di un processo fo-
tografico che filtra ogni virtuosismo pura-
mente estetizzante per concentrarsi sul con-
tenuto di un messaggio, su quella purezza di
immagini e colori che ci insegna a percepire
come un‘autentica firma di Dio.Vengono al-
la mente le parole semplici, ma coinvolgenti
di quella stupenda canzone dei Beatles che ci
invitava a bordo di un sommergibile giallo
Sans Georges, 1999 (Yellow submarine), alla ricerca di una bellez-
za e di un contatto umano che ritroviamo ri-
rirsi e chiedersi: dove trovare quell’ogget- flessi sulle lucide superfici dei taxi di Buso.
to quando ironicamente proprio il titolo
del Sans Georges (1999) ci avvisa dell’as-
Aldo Benedetti
senza del soggetto? Dove, sempre quel sot-
tinteso, spicca nell’apparente sotto tono de
Il barone rampante (1998) o nel Ritratto di
vecchio (2001)?
Per capirne di più, invece di inseguire il sog-
getto, dovremmo cercare la materia ogget-
to del ritratto e quindi percorrere a ritroso
il tempo per scoprire quanto degli antichi
maestri sia voce viva in Bruno e quanto sia
importante il lavoro di imprimitura che per
lui è “temperatura, atmosfera, aria che ruota
in tutti gli angoli, rimbalza in tutto il quadro e
diventa pensiero, silenzio che ordisce le occa-
sioni. La tonalità dominante è funzionale ad un
respiro più ampio”. […]
Roberto Peruzzi Cronogramma n. 28: De tabula media, 2006

BEPPE BOLCHI
Città senza tempo è un progetto di Beppe
Bolchi che affronta il tema del paesaggio ur-
bano con l’apparecchio a foro stenopeico. Il
risultato che se ne ottiene sono immagini che
uniscono, alla fissità dei luoghi e delle archi-
tetture, la traccia del passaggio delle perso-
ne, quindi la percezione della loro presenza,
ma non la loro figura. La città rappresentata
in questo modo restituisce la valenza di case,
edifici, arredi, quasi fini a se stessi, pur se di-
segnati e realizzati in funzione dell’uomo. Una
rivincita che l’antica tecnica del foro steno-
peico, con i suoi lunghi tempi di posa, con le
sue visioni pensate e non rubate, fa in modo
che sia la città stessa a entrare nell’immagine,
a specchiarsi, ad aprirsi e rappresentarsi nel-
la sua realtà, semplice o complessa, piacevo-
le o meno bella, con prospettive assoluta-
mente naturali, non falsate da obiettivi che
vogliono codificare, stringere, allargare e quin-
di, in qualche modo, falsificare i luoghi stessi.
Gli abitanti, le persone, gli animali, sono solo
fantasmi, tracce di un passaggio che c’è oggi
e che c’era ieri e ci auguriamo ci sarà doma-
ni. Quello che viene impressionato stabilmente
sulla pellicola sono invece le strutture che l’uo-
mo ha costruito e che l’uomo può sì di-
struggere, ma che normalmente gli sopravvi-
vono, testimoni di vite presenti e passate, con-
tenitori di esistenze, di passioni, di dolori, di
entusiasmi che via via si dissolvono lasciando
il posto ai ricordi e alla storia. La città rimane
in silenzio, ascolta, avvolge, protegge, a volte
schiaccia e stritola chi non riesce ad adeguarsi
ai ritmi imposti dai suoi simili, non certo da
mura e cancelli erti per proteggere e con-
Le Segrete di Bocca
via molino delle armi 5/3 20132 milano
La Libreria Bocca in collaborazione con la Galleria Poleschi di
Milano hanno il piacere di invitarla alla personale di
Aldo Mondino
in esposizione opere dal 2000 al 2004
giovedì 22 marzo 2007 ore 18,30
dal 23 marzo al 20 aprile 2007
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Lunedì-Venerdì
info: 338 2966557 - 333 2869128 - 02 86462321 - 02 860806
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Città senza tempo
servare. La fotografia a foro stenopeico, pur
non restituendo i minimi dettagli consentiti
dagli obiettivi sempre più tecnologici, riesce
nell’intento di rendere l’atmosfera, unitamen-
te a una assoluta leggibilità dei luoghi; una vi-
sione quasi onirica, ma comunque reale, così
come tutti i lavori dell’Autore, che pur scate-
nando approcci creativi diversificati, riesce
sempre a rendere efficacemente la realtà, of-
frendo nuovi spunti di visione e di analisi. Il
percorso di questo progetto si snoda attra-
verso paesi e città diversi fra loro, accomu-
nati, però, dalla notazione autobiografica del-
l’autore. Infatti si tratta di un viaggio a ritroso
nel tempo, rivisitando tutti i luoghi più cari o
che in qualche modo hanno segnato la sua
vita. Luoghi in cui ha trascorso momenti o an-
ni, però tutti significativi del percorso stesso
della sua esperienza, dei successi, delle diffi-
coltà, delle sfide. Un tragitto che non è an-
cora terminato e quindi in qualche modo un
work-in-progress, seppur celebrativo dei cin-
quanta anni trascorsi a stretto contatto con
la Fotografia, dalla prima Bencini agli attuali
apparecchi digitali. Italia, Germania, Inghilter-
ra, Stati Uniti, Francia, Scozia, un viaggio nel
mondo Occidentale pilotato dalle esperien-
ze familiari e professionali che sono sempre
diventate anche esperienze di vita.[…]
La morbidezza delle immagini dovuta alla tec-
nica di ripresa, ben si presta a rappresentare
la memoria; l’assenza del colore, pur nelle pa-
stose tonalità dei grigi, restituisce questi ri-
cordi senza altre emozioni, fermando il tem-
po e, allo stesso momento, rappresentando-
lo pienamente con le lunghe pose necessa-
rie per impressionare propriamente la pelli-
cola.[…]
Teresio Nocent
Milano, 2006
28
LEO-NILDE CARABBA
Polittico DAU, lampada wood, 2006
,lL’aria, l’acqua, la terra, il fuoco, al di là della in-
dubbia scelta assunziale, sono protagonisti istin-
tuali delle opere di LeoNilde Carabba, poten-
ze vitali allo stato puro che hanno trovato nel-
le sue opere una possibilità d’espressione e di
coagulo fino a dare corpo a un’immaterilità
energetica vestita di colore.
La pittura è una passione intensa che danna
ed esalta la vita, Carabba vi si immerge come
in una catarsi da teatro tragico greco ed espri-
me potenzialità cosmiche in sequenze pittori-
che che avvolgono e travolgono. Il fruitore ten-
de a scomparire magicamente nel buio della
sala, a essere sommerso da visioni notturne at-
traversate da impercettibili luci gialloidi che ri-
mangono intrise negli occhi e che restituisco-
no una dimensione quasi extrasensoriale.
Cercare di scoprire quali formule utilizza è dif-
ficile saperlo, è come un magma che non co-
ELIO MAZZELLA
L’universo pittorico si ammanta di continui ri-
svolti emotivi e nell’arte contemporanea cap-
tiamo immagini che sono il risultato di un per-
corso intrinseco che l’artista ha operato su se
stesso. Dall’inconscio emergono mondi incon-
taminati che vivono nel cosmo dei ricordi o
della fantasia e con abilità divengono riflessi pit-
torici,pronti a risvegliare l’io bambino,dormiente
dentro ogni anima. L’arte ha la capacità di far
affiorare sommerse immaginazioni che si ma-
terializzano, divenendo immagini cariche di vi-
talità, provenienti da una realtà misteriosa: quel-
la intrinseca dell’anima. Assistiamo al travaglio,
sulla superficie, di un colore, a volte solo appe-
na accennato, che si armonizza con la materia
plasmabile e a rilievo della malta a cemento. Il
concretarsi di forme che emergono dalla lun-
ga preparazione stratificata di cemento e che
ora il sapiente dosaggio dell’arte del levare, di
michelangiolesca memoria, ha reso oggettive,
sono figlie della pitto-scultura. Non un sempli-
ce dipinto che col gioco chiaroscurale rende
tridimensionale la composizione, né un rilievo
scultoreo… «c’è ancora un confine tra le due ar-
ti?», si chiede Argan; bensì un creare contem-
poraneo e istantaneo di malta e colore. Ele-
menti scanditi in uno spazio dinamico che si ag-
grovigliano e si stendono con l’ausilio di stru-
menti dentati,quasi distillati in percorsi visivi che
conducono lungo le scie dell’orizzonte. È que-
sta l’operazione che conduce nelle sue opere
Elio Mazzella, vivendo la sintesi di un’idea ela-
borata mentalmente e solo ora concepita sen-
za precognizione. L’esecuzione non è altro che
intellettualmente ed emotivamente dipenden-
te dai gesti e dai movimenti delle figure quan-
do si esteriorizzano. Le sue immagini parlano
‘dei riti di passaggio’subiti nello stadio della trac-
cia graffiata sulla superficie; impronta compiu-
ta con armonia e leggerezza, nonostante la pe-
santezza della materia cementizia. Gli anni ’70
sono per Mazzella il formidabile «recupero del-
la poetica del muro, tanto diffusa nel periodo d’o-
ro dell’informale»; timbro tecnico e stilistico che
non abbandonerà mai, facendone un suo pre-
ciso tratto distintivo incomparabile. Nell’ambi-
to dei nuovi percorsi di pitto-scultura l’artista
Tra Oriente
e Occidente
nosce leggi ed imbrigliamenti, ma tra-
duce materialmente dei componi-
menti astrali per i quali è interprete
e segreta traduttrice di linguaggi a noi
sconosciuti. Le soluzioni composte
non accompagnano solo la matema-
tica ma l’esistenza. I colori sono gialli
accesi, verdi, rossi, arancioni, e il blu
notte, materializzati con le polveri del
sole. Possiamo immaginare queste
opere collocate nell’immenso Orien-
te immerso nel fiume di colori degli
abiti delle donne che si adagiano e
s’intingono nel Sacro Fiume. L’Occi-
dente è assorbito, trasformato, spia-
nato dai ricordi di un’America lonta-
na, lasciata negli anni Ottanta, oltre
l’Oceano e con l’orizzonte ormai in
chiaroscuro. Le donne lasciano spes-
so i loro difficili riconoscimenti e intraprendo-
no viaggi per ricominciare da un a capo senza
limiti e senza storie che si portano in valigie la-
sciate alla stazione. È questo che le arricchisce,
saper lasciare la materialità delle cose, a volte
il tutto, per ricostruire altrove.
Le opere di Carabba trasportano lo spettato-
re in compensazioni siderali dove il passaggio
metacomunicativo è senza peso corporeo. La
proiezione prospettica travalica le leggi degli
spazi considerati e ingarbuglia la lucidità dei
luoghi architettonici in fibre luminose. C’è un
ordine nascosto nella successione delle tesse-
re che gravitano attorno al grande centro mo-
tore, punto di partenza e arrivo, dove i segni
sono ribellamente liberi nel rigore di una com-
posizione decisamente progettata.
Donatella Airoldi
nuovi percorsi di
Pittoscultura
elabora un antro di sole napoletano a Milano
in via Canonica al 41 dove il geometrismo del-
le scacchiere irregolari, i mondi geografici e le
figure antropomorfe stilizzate e alterate prefi-
gurano esiti futuristi e aeropittorici. In Elio Maz-
zella, infine, quei miscugli fluorescenti per ela-
borazioni scalfite nel cemento che ora ha ab-
bandonato il suo grigiore di fondo, raggiungo-
no abbaglianti dimensioni cromatiche, vivide e
fulgide. È qui che in nuce si prefigurano nuove
atmosfere, le stesse che nell’immediato futuro,
prima ancora che l’opera sia finita e un’altra
venga abbozzata, scandiscono, nelle sperimen-
tazioni di Mazzella, un’armonica dimensione tri-
dimensionale delle arti sorelle, le medesime va-
gliate da Benedetto Varchi nel Rinascimento.
Architettura pittura e scultura in Mazzella vali-
cano i sentimenti del reale per raggiungere nuo-
vi equilibri di pitto-scultura.
Dal catalogo della mostra
Nuovi percorsi di pitto-scultura
Milano, via Canonica, 41
Antonio D’Amico
IL TEATRO PITTORICO DI GORSENIO
Achille Bonito Oliva*
… Giancarlo Gorsenio opera mediante gli strumenti della pittura, impiegati come modi di rappresentazione di immagini interiori che trovano nello
spazio visivo la loro capacità di apparizione.
… Lo spazio si apre duttilmente per accogliere il sistema di segni che si organizzano e si definiscono sincronicamente col proprio supporto, con un
impatto diretto, senza più alcuna gerarchia, senza direttive precostituite. Su questa zona fluida Gorsenio propone una griglia segnica di forme orga-
niche, aperte e direttamente collegate con le pulsioni elementari della vita sensoriale.
… Gorsenio produce immagini che volta per volta seguono forme diverse, si aprono e si chiudono su strutture formali differenziate. Quello che han-
no di persistente è semmai l’ambigua capacità di comprendere dentro il loro alveo una pluralità di rimandi e di rinvii, tracce di un sentire complesso
e articolato. Una sorta di panteismo guida la formazione e la crescita
di queste immagini, un senso laico della vita che trova in ogni micro-
cosmo la prova del divenire e della trasformazione della vita. Un sen-
so che si sviluppa sotto la pelle della materia e che trova poi la sua
affermazione nel suo affiorare nella forma.
… In definitiva le opere pittoriche di Gorsenio sono il diagramma di
una condizione esistenziale che trova nel linguaggio dell’arte e del-
l’immagine in particolare la pos-
sibilità di parlare, di esprimere
una tensione che altrimenti non
troverebbe parole possibili.

* tratto dal testo di Achille Bo-

nito Oliva, In Gorsenio la natu-
ra diventa teatro di una rap-
presentazione particolre

G. Gorsenio, Lisippo, olio su tela, 1982

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CURATORE D’IMMAGINE
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 WONDERFUL
Arlette Vermeiren
Wonderful* o della “meraviglia”. Una mostra
internazionale promossa dal Gruppo 78 di
Trieste, incentrata sul recupero di una bellez-
za accantonata, che enfatizza la visibilità del-
l’arte, il suo concreto disvelamento, al contra-
rio di concettuali minimalismi in voga non tan-
to tempo fa. Rinnovo di un vestimento sun-
tuoso e spericolati incroci linguistici; un de-
bordare nella forma come nei contenuti. L’o-
pera H2O di Robert Gkligorov, ad esempio,
ALDO PAVAN
Australia, pesca aborigena, 2006
Aldo Pavan è un Artista al di fuori del tempo
e dello spazio. Le sue opere scaturiscono da
uno scatto fotografico, per poi essere da lui
ripensate attraverso gli occhi della mente.
Lo scatto fotografico è la scintilla iniziale, in
quanto la fotografia è il mezzo espressivo pre-
scelto per catturare le immagini. L’attimo del
clic fa la differenza tra quanto è già irrepara-
bilmente svanito un attimo prima e quanto ne
potrà conseguire. Ciò presuppone una scelta.
Ma l’Arte di Pavan non si esaurisce in una fo-
Kenya,Watamu, 2006
Per la tua pubblicità chiama Antonio D’Amico 338 2380 938 - Gabriele Lodetti 333 2869 128 - Giorgio Lodetti 338 2966 557
sembra sfidare il creato, sovvertendo para-
dossalmente l’ordine che lo governa, utiliz-
zando in diretta la natura – pesci, uccelli – al
posto dei media convenzionali. Una sorta di
neo-barocco, già evocato vent’anni fa da illu-
stri studiosi, come Omar Calabrese e Gillo
Dorfles, un barocco aggiornato all’era tecno-
logica, che non si esaurisce nello splendore del
decoro ma investe le ardue tematiche del no-
stro tempo. Undici artisti tra la magia di una
Serra ottocentesca convertita a spazio espo-
sitivo nella triestina Villa Revoltella e la galleria
LipanjePuntin; tra l’arte tout court e i percorsi
della moda — è presente anche Roberto Cap-
pucci con i sui abiti/scultura — perché i cri-
nali tra i due versanti sono spesso oltrepassa-
ti in una reciproca proficua invasività. Gli altri
artisti a proporre svariate “meraviglie” sono
Alessandro Amaducci, Giuliana Balbi, Lore Bert,
Lucia Flego, Robert Longo, Anna Pontel, Am-
paro Sard, Carole Solvay, Arlette Vermeiren.
Il catalogo si arricchisce dei contributi critici
di Luciano Panella e di Paola Goretti, oltre a
quello introduttivo della curatrice:
Maria Campitelli
* Catalogo della mostra omonima svolta a Trieste
alla Serra di Villa Revoltella e alla Galleria LipanjePuntin
Anna Pontel
Human Being
tografia. Pavan rincorre il presente in giro per
il mondo. Le sue fotografie sono vive, perché
evocano le stesse emozioni di chi le ha scat-
tate. Così il figurativo assume connotazioni
astratte e l’astratto diviene figura e materia.
Le sue fotografie escono dal proprio confine
di istante isolato e sospeso. Ciò in quanto gli
occhi attivano un’esperienza che coinvolge tut-
ti i sensi. Le sue foto appagano le nostre ne-
cessità sensoriali e ci emozionano. Il suo sen-
so estetico ci fa sentire il caldo, il sudore sulla
pelle, il gelo alle mani, le spezie e gli aromi, la
fame e la sete, la musica ed il rumore, la di-
gnità e la speranza. Riusciamo perfino
ad intravedere ciò che è avvenuto pri-
ma e ad immaginare come andrà a fi-
nire. Il suo sguardo diviene una mano
che cattura immagini; la sua mente fil-
tra luce, buio, forme e colori e ci re-
stituisce storie, miti e leggende che ci
trasportano lontano. In un tempo che
ancora deve venire. Così una singola
immagine acquista il medesimo pote-
re evocativo di un film. Il lavoro di Aldo
Pavan si inserisce nel progetto artisti-
co Avvenirismo 3535, che riunisce Artisti
che hanno fatto della propria Vita
un’Arte.
alm fraschetti
30
MARC FERROUD Fili sospesi
Fili di ferro sospe- sce il rischio alla sicurezza che presiede alla ap-
si, costruzioni in plicazione delle leggi”.
equilibrio nell’aria, Deve essere sulla base di questa convinzione
disegni scolpiti che, dopo anni passati ad occuparsi di infor-
che si auto-gene- matica, Ferroud ha deciso di dedicarsi intera-
rano: questo è il mente all’arte. Le sue sculture non hanno mai
linguaggio delle un titolo, solo la data in cui sono state create,
sculture dell’arti- quasi che attribuir loro un nome rischierebbe
sta francese Marc di fissarle/agganciarle ad un senso che non gli
Ferroud. è proprio, accostarle ad un simbolo rischie-
Nato a Parigi nel rebbe di ingabbiarle. I disegni scolpiti di Fer-
1954, Ferroud ha roud sono, invece, lasciati liberi di fluttuare nel-
alle spalle una for- lo spazio fisico e nell’universo di senso; sono
mazione non solo aperti al molteplice e al diverso che caratte-
poetica e lettera- rizza il mondo d’oggi.
ria, ma anche in-
formatica e scientifica che insieme si ritrovano Alessandra de Bigontina
e sono sintetizzate nelle sue sculture aeree.
Con una scrittura tutta personale, questo ar-
tista lavora il filo di ferro galvanizzato creando
delle architetture che si muovono nell’aria in
un incontro fra leggerezza e complessità. La
leggerezza quasi spirituale delle forme flessuose
che possono arrivare fino a tre metri di altez-
za e la complessità matematica degli equilibri
plastici che le sostengono e le reggono, ma non
impediscono loro di muoversi. Un gioco, sen-
za contraddizioni, fra il rigore della razionalità
cartesiana e scientifica da un lato e il fluttuare
dell’emotività e dell’interiorità dall’altro. L’uni-
verso che Ferroud mette in scena attraverso
le sue opere è abitato, come dice Alain Jouf-
froy nel libro Ferroud - L’invention de Marc Fer-
roud,“da un uomo che, nonostante tutto, preferi-
Il mistero
CAMILLA SOLYAGUA delle piccole cose
Se è vero che è lo sguardo il vero mezzo artisti- Three Seahorses, 1998
co del fotografo e che è appunto il modo in cui
vede il mondo a fare la differenza, senza dubbio
Camille Solyagua è un’artista inconfondibile e ori-
ginale. I soggetti delle sue opere, appartenenti al
mondo degli esseri viventi — fiori, farfalle, uccelli,
meduse — provengono spesso dalle sue escur-
sioni nella natura per raccogliere materiale, che
colleziona, conserva e successivamente fotogra-
fa. C’è qualcosa di antico in questo modo di pro-
cedere, che ricorda le catalogazioni di fine ‘800 ,
ma nelle sue opere i soggetti assumono un ca-
rattere del tutto nuovo e sorprendente.Vengono
stabilite nuove connessioni tra gli esseri e l’arte
percorrendo sentieri preclusi alla scienza. Così, i
cavallucci marini volano davanti alla luna piena e
le meduse (fotografate nell’acquario di Monterey)
sono navicelle spaziali che fluttuano in un cielo
stellato. Quasi tutte le fotografie di Camille Solyagua sono still life realizzati in studio. Il risultato di
lunghe ore trascorse in una sorta di laboratorio studiando fiori, farfalle, insetti. Un approccio che
rende evidente il fascino che — da sempre — esercita sull’artista la connessione tra arte e scien-
za. Seppur drasticamente divergenti nell’approccio e nel metodo, artisti e scienziati trovano in-
fatti nella natura la fonte primaria di esplorazione e scoperta. Entrambi sono mossi dal desiderio
di comprendere e rivelare i misteri della natura, ma dal lavoro di Camille Solyagua emerge il de-
siderio di stabilire una connessione tra le infinite forme di vita, nella ricerca di un’armonia che le
opere ci restituiscono. Dal punto di vista stilistico appare evidente la vicinanza dell’artista ameri-
cana alla pittura. Componendo immagini che sembrano spesso quadri più che fotografie, rivela
proprio nella libera giustapposizione un gusto vicino ai surrealisti e nelle sfumature una qualità
della fotografia pittorialista, seppure in una declinazione del tutto diversa e originale. E se c’era bi-
sogno di dimostrare che il modo in cui si guarda al mondo ha il potere di cambiarne il senso, i
campioni (specimen) fotografati al Museo Nazionale di Storia Naturale di Parigi sfidano il tempo
e la morte. Esseri preservati nel loro ultimo istante di vita, fluttuanti in provette e isolati in scuri
laboratori di cui l’artista afferma “credo che questa collezione dovrebbe essere vista da un pubblico
più ampio, e spero che queste provette possa-
no essere guardate con compassione e un sin-
cero desiderio di comprendere cosa rappre-
sentano, cosa che può essere diversa per ognu-
no di noi”. Nelle opere della Solyagua è quin-
di spesso la bellezza dei suoi soggetti a invi-
tare alla riflessione. Due sono le parole che
ci sono venute in mente guardando le sue
bellissime opere: esplorazione e scoperta, che
senza dubbio hanno segnato i primi tre an-
ni di vita di MiCamera e che ci guideranno
in questa nuova avventura. In fondo è signi-
ficativo che “Il mistero delle piccole cose” se-
gni il passaggio di MiCamera a una nuova,
più grande realtà.
Giulia Zorzi
Wing Study, 1998 www.micamera.com



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