20DANGELO06
Fondatore: Giacomo Lodetti / Direttore: Giorgio Lodetti / Direttore Artistico: Roberto Plevano / Progetto Grafico: Franco Colnaghi
Anno V, N. 17 • Aprile-Giugno 2006 • Galleria Vittorio Emanuele II, 12 - 20121 Milano • Tel. 02 86462321 02 860806 fax 02 876572
Carlo Previtali
Giovanni Serafini
Non esistono ricette per abbellire la Natura, si tratta solo di vedere
Auguste Rodin
Gli uomini vanno avanti senza vedere niente
Lao-Tzû
Quando osserviamo una fisionomia, la forma di un
oggetto, il colore di un tramonto, siamo sicuri di vedere
gli stessi lineamenti, forme, colori che vedono gli altri?
Il linguaggio della comunicazione è fatto di segni con-
Olga, 2005, ceramica raku, h. cm 30
Lorenza Cavalli
Vele in Regata
Andrea Baroni
Vele in Regata è il titolo della mostra che si è tenuta nel
Novembre dello scorso anno presso Palazzo Crivelli a
Milano. I dipinti ad olio su tela realizzati dall’artista
Lorenza Cavalli hanno per soggetto fasi reali delle com-
petizioni nautiche. Le imbarcazioni ritratte, impegnate
in regata nel corso di importanti appuntamenti velistici,
tra cui la Coppa Rolex tenutasi a Porto Cervo nel set-
tembre scorso, sono rese attraverso una tecnica detta-
gliata, un richiamo iperrealista sullo sfondo di una mag-
giore gestualità pittorica le cui sfumature richiamano le
varie umoralità del cielo e del mare.
I soggetti scelti vogliono farsi icona contemporanea
della sospensione spazio-temporale, la cui eco silenzio-
Kausis III, 2005, olio su tela , cm 100 x 150
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venzionali esteriori, ma le nostre percezioni sono inte-
riori, del tutto soggettive e non verificabili, poiché ogni
uomo è un caso e nessuno può entrare nell’intimo di un
altro per confrontarvi rispondenze di sensazioni e
conformità di canoni ricettivi.
Che tipo di cromie percepisce, ad esempio, un daltoni-
co? La nostra idea di cavallo o di sedia sarà uguale a
quella degli altri? Ogni uomo, che si differenzia per fat-
tezze, carattere, voce, perché non potrebbe anche avere
un suo difforme avvertire?
Ciascuno di noi è di fatto un mondo conchiuso, mona-
de leibniziana, e immaginato come un essere smarrito
dentro una camera buia cui giungano colpi e segnali
dall’esterno, da ricondurre ad altri misteriosi quanto
inaccessibili mondi. La scultura di Carlo Previtali, san-
guigno e originale artista di Grumello del Monte — che
dopo la personale da Arsmedia di Bergamo esporrà a
Roma alla Pettinato Arte in Via della Lungaretta, 12 dal
23 marzo al 20 aprile — invita a varie riflessioni sulla
complessa elaborazione del reale e le trasfigurazioni
indotte dalla fantasia dell’autore, le cui mani robuste tra-
sfondono con impeto in duttili argille o scavano pazien-
ti nella scontrosità della pietra. Scabre verità, che aleg-
giavano vaghe e sfocate dentro di noi, che solo l’artista
sa fissare in magnifica sintesi, di cui mai prima avevamo
avuto così limpida, definitiva contezza. Curiosa quanto
significativa scoperta è che questo autore esegua solo
ritratti di persone a lui note, attingendo alla sua capacità
di evocazione e alla sua straordinaria forza di sintesi,
senza sedute di posa né foto, solo a memoria come teo-
rizzava Gauguin. Previtali predilige materiali antichi, di
cui ha conoscenza profonda e ama le discipline classiche:
disegno, di immediata eccellenza, e sopra tutto scultura a
mettere o a togliere, in marmo, terracotta, bronzo, legno,
cera, con una istintuale vena di genio nel complicato e
incerto processo della ceramica raku, sublimando arden-
ti tracce amorose per alcuni superbi autori del passato in
sa pone in risalto la tensione emotiva dell’impegno
competitivo.Tra queste, le opere che ritraggono imbar-
cazioni d’epoca sottolineano, nella loro maestosità, il
sapore di un tempo passato che dialoga elegantemente
col presente. Si ritrova, all’interno della produzione del-
l’artista, la volontà di rendere le sue opere testimoni di
un mondo che, per quanto elitario, esprime, attraverso la
competizione, il fascino di vere e proprie sculture che
assecondano la potenza del mare e del vento, trovando
l’espressione massima della propria bellezza nell’impre-
vedibile collocazione data dalla maestosa ambientazione
che il mare offre nei suoi differenti scorci scenografici.
Le barche in regata entrano in perfetta simbiosi con il
Cristiano Tassinari
per le Seg rete di Bocca
in 3aa pag ina
Erodiade,
Erodiade, 2004, olio su alluminio, cm 40 x 30
21
un personalissimo stile sulfureo e sognante.
Dopo le infatuazioni informal-concettuali,
le boutades dei Koons e dei Duchamp, di cui
il solito Pierino Manzoni si è preso gioco
con la Base del mondo (esponendo un piedi-
stallo rovesciato che pretende di reggere il
globo), i giochini dei Munari e dei Calder,
le infezioni degli ismi, la babele dei generi e
le pervicaci biennalate di pattume, ci serve
aria pura. Lasciamo volentieri quell’inesti-
mabile patrimonio ai Baluba (titolo di un’o-
pera di Tinguely, altro involontario umori-
sta) che fingono di capire e, masochistica-
mente, lo acquistano. Il nostro preteso attua-
lismo nell’arte è per lo più un penoso rin-
corrersi di facezie, confondendo originalità
e genio con stravaganza e nonsenso: il volo
di un gabbiano, la spigolosità di una capra, il
canto dell’usignolo sono uguali e arcaici, ma
non ci hanno stancato. Sono anzi una delle
confortanti certezze del vivere. Come la freschezza delle Giuturna, 2000
creature di Previtali, stralunati personaggi della nostra altorilievo
scombinata esistenza, dalle fisionomie talvolta grottesche ceramica raku
o tumescenti come ne La rose sur les cheveux (1984), o cm 45 x 35 x 25
convocazioni di stati d’animo, miti fantasticati, appari-
zioni assorte e dolenti che nascondono impercettibili
lacerazioni stemperate in languori di malinconia. Pronte
a incupirsi in maschera di dolore, come nella bronzea
intensità di Pensoso (1980) sul cui giovane volto si
addensano, con prodigiosa scansione plastica di pieni e
vuoti di ombra, sedimenti di angoscia a stento placata
nel cavo cieco degli occhi. O come nell’inaudito, sover-
chiante mistero del Cristo, che da sempre lo attira e lo
tormenta con fascino atroce. Dio ha mandato suo figlio
nella forma della carne del peccato (S. Paolo) ed è carne del
continua a pagina 22
contesto che le accoglie. Il dialogo fra questi è orche- Avel a Imperia, 2005
strato dal taglio della luce che proietta i riflessi delle
onde sulle superfici degli scafi, i colori dei quali si amal-
gamano a loro volta con la vibrante gamma cromatica
olio su tela
cm 90 x 150
del mare. Il silenzio delle vele plasmate dal vento si fa
protagonista sullo sfondo delle ampie campiture dei
cieli, o di ciò che di questi lascia intravedere la resa mate-
rica delle nuvole. Sposando l’uso del colore ad olio, l’ar-
tista trova la tecnica più affine atta ad esprimere ora la
plasticità, ora la trasparenza che il mare offre all’interno
della sua complessa vibrazione cromatica.
La volontà di riprodurre fedelmente la fisionomia delle
barche e di ciò che le caratterizza singolarmente all’in-
terno della competizione,conduce ad una versatilità del-
l’uso della pennellata, laddove va a scomparire in una
resa quasi fotografica, per poi ritrovarsi più libera e mar-
cata nella descrizione delle nubi e del moto delle onde.
 peccato quella
che Previtali
con tragica
tensione costrin-
ge nei suoi
Crocifissi. Il Cristo
inchiodato e morente è
tema immane sul quale
egli ha meditato e lavorato a
lungo, riuscendo non solo a
gridare la brutalità dello scem-
pio, ma anche ad infondere il
balenìo di trascendenza di que-
sto negletto Dio-Figlio-Uomo
che — sotto lo sguardo muto di
un impassibile Dio-Padre —
invoca una morte terrifica a
sovrumana espiazione e salva-
mento di secolari, diuturne
stratificazioni di peccato e di
male nel mondo. Un percorso di
sofferenza, dalla francescana maci-
lenza dell’Ecce Homo (1995) in cui
un’infitta corona di filo spinato
— rugginoso simbolo di vessazio-
Volto di Cristo
monumentale ni e discrimine — cola sangue e
1989, bronzo raggelati umori sul battito stremato
h. cm 70 dei denti; all’austera nota di ripugnanza
nella ieraticità de Il volto del Cristo monumentale (1989);
alla racchiusa potenza del Crocifisso (2000) — trionfato-
re di Pulchra Ecclesia — monco di braccia protese, ove un
perizoma imbevuto di sangue, l’ossuto cadaverico bian- un ultimo patetico
core, i riflessi lividi sul volto contratto, i bruni della capi- bacio (Olga, 2005), fino
gliatura arruffata, la rosseggiante carneficina si esaltano alla materializzazione
nella portentosa magia infuocata del raku. Impressionano impossibile di un rossic-
il rigore e la profondità solenne del sembiante del cio Genius loci di terra-
Cristo, impegno arduo per un credente che si debba cotta,vaghissimo spiritel-
misurare col volto di Dio. lo nume tutelare di luo-
Forse per un riequilibrio, un intimo rimedio di ironia, ghi, che con piglio gio-
torna il versante ludico in una gioiosa lettura del mito, viale e beffardo ci ruba
altra fonte infinita per il fervido Previtali, che dissemina l’ennesimo stupefatto
il suo gremitissimo studio e la sua residenza importante sorriso. Siamo grati allo
di visibilio e mistero con Bacchi ebbri e festanti, assata- sparuto novero di artisti
nati Pan,aggrottate divinità boschive,Fauni astuti e vane- geniali e tenaci come
si, ridanciani Sileni. E una filiforme cerulea Medusa Carlo Previtali di tenere
(2001) scarmigliata di serpentelli, esile stalagmite di fatue annodati e dare conti-
fiammelle, e una Dafne (2005) di pallidità lunare, già per- nuità ai fili colti e prezio-
vase le gambe e le braccia dall’invocato salvifico alloro, si della miglior tradizio-
che torcendosi in un residuo incanto di nudità esibisce ne, dalla quale sanno far
lontani piccoli seni e, a contrasto, procaci formosità nel scaturire opere nuove
seducente profilo di natiche e grembo, degni di matura dopo diecimila anni di
e non più casta fanciulla, con effetto di genuino pro- arte. Questa è la sfida.
rompente erotismo. Artisti ancora capaci di
Più in là una nenia ammaliante si effonde dalle labbra nutrire di sani stupori e
invitanti di una delicata Giuturna (2000), palpitante ninfa slancio di sogni il
in uno scroscio chiaro di acque, attraente sirena ingenti- nostro grigio trascorre-
lita dal delicato reticolo di vene azzurrine, che ci attira re di uomini pretenzio-
verso echi stregati di navigatori perduti. Incantesimi di si ed ignari, mulinanti
maschere inedite, bizzarrie argute, satanassi dorati che infinitesimi di polvere
escono sogghignanti dai trattamenti al calor bianco del per un momento felici Medusa, 2001
terzo fuoco, eccentriche ninfe, bolsi Arlecchini (2002) di scoprirsi vivi dentro terracotta patinata
ingolfati di singhiozzi e risate, svaporate zitelle protese in un raggio di sole. cm 80 x 30 x 30

Cromoplastico 904, 2006
acrilici e rilievi in legno
cm 70 x 70 x 7
Terzo millenio, 1999
acciaio patinato
cm 50 x 70 x 15
Lorenzo Piemonti
Neoplasticoncreto
Alessio Calestani
“La sapienza è figliola della sperienza”
Leonardo Da Vinci
È difficile, davvero difficile raccontarvi un artista come
Lorenzo Piemonti. Raccontarlo significa, prima di ogni
altra cosa, prendere coscienza di cinquanta anni di storia
dell’arte, da lui vissuti in prima linea, da protagonista vero.
Il mondo della critica internazionale parla di lui in ter-
mini concretisti e, a ben pensarci, è anche piuttosto nor-
male nella misura in cui è difficile non venire etichettato
come tale, dopo aver passato dieci anni, fianco a fianco,
nello studio svizzero di Max Bill che,del Concretismo,ha
fatto il motivo stesso della sua esistenza ma, volerlo collo-
care unicamente all’interno di questa sfera culturale
diventa tremendamente riduttivo. È pur vero che “il
Piemonti”(come lui stesso si definisce quando parla di sé)
ha vastamente studiato il rigore matematico applicato alla
pittura, concetto di base del Concretismo, passando quo-
tidianamente ore ed ore nello studio di Max Bill in qua-
lità di discepolo prediletto ma,è altrettanto vero che la sua
gamma produttiva spazia a trecentosessanta gradi negli
ambienti concettuali internazionali, a partire dagli anni
’60 a oggi, affrontandoli con grande rigore, nella ricerca,
neanche tanto razionale, di un contesto coinvolgente e
unico. Ho visto le opere degli anni ’50, le sue “macchine
da cucire”, che indagano la figurazione Metafisica di De
Chirico e De Pisis riuscendo a concentrare su di esse il
suo piacere per il design. Ho visto i suoi manichini in
vetroresina, realizzati su commissione dalle maggiori
Maison modaiole degli anni ’60, oggi esposti al Moma di
New York a perenne ricordo di un design essenzialista
tornato in auge negli anni ’70 e ancora copiato alle porte
del nuovo millennio.Ho visto uno dei primi tentativi,che
la storia dell’arte ricordi, di estroflettere o se preferite
sagomare la superficie pittorica attraverso le sue opere in
Vacuum, risalenti alla metà degli anni
’60 (Superficie Gravida, Pancia del
1966),che basano la propria ese-
cuzione sull’utilizzo di questo
materiale plastico sagomato
attraverso l‘intervento di una
pressa a caldo su di una
forma in legno, opere che
sono la più lampante dimo-
strazione di quanto, ancora
oggi, per i più Lorenzo
Piemonti sia un artista di avan-
guardia. Ho visto le sue opere realizzate
a partire dal ’64 circa, sulla cui superficie è pos-
sibile iniziare a leggere la contaminazione derivante dal-
l’applicazione del rigore matematico in pittura, quelle
sulla cui superficie si scorgono ovali sagomati nel legno o
nei materiali plastici piuttosto che linee orizzontali e ver-
ticali sagomate nella materia protese a dar vita a quella
limpida ricerca relativa alla libertà delle forme nello spa-
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zio che altri non è se non la madre, vera, del suo approc-
cio al MADÌ (Materia e Dimensione o se preferite
Materialismo Dialettico come viene più comunemente
chiamato dagli storici dell’arte) al quale approderà sola-
mente trentacinque anni dopo.Ho visto le sue opere degli
anni ’70 ed ’80, quelle della maturità Concretista, attraver-
so le quali l’allievo dà una lezione di stile al maestro, i
Cromoplastici,ancora oggi parte della sua produzione,attra-
verso i quali Piemonti mette definitivamente in atto la
lezione di Max Bill con linee purissime di colore che si
stagliano sulle sue tele prive di qualsiasi sfumatura croma-
tica a identificare quella purezza matematica che in realtà
non abbandonerà mai, nonostante il tradimento delle sue
Accellerazioni, che faranno il loro ingresso in scena sola-
mente negli anni ’90, (Accellerazione 1, 1995 ), risultato di
un’analisi compiuta su se stesso per esprimersi anche attra-
verso il metodo della sfumatura cromatica, dove l’accelle-
razione non è intesa nel suo significato sociale o fisico ma,
in termini squisitamente emozionali. Libertà del fenome-
no coloristico, così caro alla cultura pittorica italiana, libe-
rato dal rigido vincolo della razionalità.Chiamare in causa
Max Bill è molto facile, è talmente lapalissiana l’apparte-
nenza di stile di Piemonti al lavoro del suo maestro, più
complesso è notare,in un ristretto gruppo di opere,lo stu-
dio che l’artista mette in atto su un altro grande maestro
della pittura Neo-Plastica, Piet Mondrian. Da zero a totale,
del 1973 è forse l’opera più rappresentativa di questo avvi-
cinamento. Linee rigorosamente verticali ed orizzontali
aprono un immaginario diaframma fotografico attraverso
il quale Piemonti analizza i principi di stile della pittura
Neo-Plastica alla ricerca di quell’immaginario e possibile
rapporto di connubio che esiste tra questa ed il
Concretismo di Bill legando a doppio filo i due in una
ricerca che trova proprio in Piemonti il suo punto di
incontro. Per certi versi è come se lui fosse riuscito nella
magia di creare una sorta di Neo-Plasticismo-Concretista,
inevitabile conseguenza della sua indagine pittorica.Arriva
la fine degli anni ’90 e con questa il MADÌ Italiano fon-
dato proprio da Lorenzo Piemonti, incapace di fermarsi,
di non tentare un’altra via evolutiva, di non gettarsi, un’al-
22
tra volta ancora, in una nuova sfida. I musei lo cercano di
nuovo, nel 2003, a Belgrado prima e Dallas poi. Proprio al
MADÌ Museum di Dallas-Texas, sono esposte, in perma-
nenza, le sue opere MADÌ, imperitura testimonianza del
suo lavoro. Non si conclude qui la storia di Piemonti, è
destinata a proseguire, ancora molto a lungo, nella ricerca
di qualcosa di nuovo ed intrigante a noi ancora scono-
sciuto, di questo sono certo. Quando mi è stato chiesto di
scrivere questa breve presentazione della sua personale alla
Libreria Bocca mi è stato chiesto di essere breve,cosa que-
sta che io non so fare e tanto meno mi riesce quando
devo analizzare il lavoro di un artista come questo, bisogna
anche onorare le esigenze di chi il lavoro lo commissiona:
eviterò, quindi, di entrare nel merito del racconto dell’uo-
mo Lorenzo Piemonti. Concedimi, prestigioso editore, di
dire a chi mi leggerà che: se avrà la fortuna che ho avuto
io, vale a dire quella di entrare nel maniero di Carate
Brianza nel quale Piemonti vive e, proprio come me,
potrà sedersi per qualche ora attorno ad un tavolo, assie-
me a lui, che ti accoglie indossando
quel camice bianco da scienziato
pazzo alla Christopher Lloyd in
Ritorno al Futuro, e alla signora
Francesca, allora forse sarà
anche così fortunato di poter-
lo ascoltare mentre parla di
storia dell’arte, di esperienza,
di ricerca, di matematica, di
passione e di mille altre cose
ancora,comprendendo,maga-
ri non a pieno ma, almeno in
parte,cosa significhi,per davvero,esse-
re un grande artista, non un grande pittore,
un grande artista.
SpazioBoccainGalleria
Mercoledì 17 Maggio 2006 - ore 18,30
 CRISTIANO TASSINARI

cristianotassinari@genie.it

Purificazione, 2005
olio su tela
cm 80 x 80
Antonio Tamburro
Nel fragore
dell’attimo
Alida Maria Sessa
Di Antonio Tamburro conoscevamo una pittura sicura,
talentuosa, nel rigore di una figurazione giocata in bian-
co e nero. Ci incuriosiva l’attitudine alla sineddoche, ad
indagare la parte per chiarire il tutto, che si evidenzia
quando vuole ricostruire attraverso frammenti minimi di
vita quotidiana il mistero che avvolge ognuno di noi.[…]
Una pittura intima, emotiva, mai retorica. Un poeta delle
emozioni nascoste. Da qualche tempo qualcosa è cam-
biato. Innanzitutto lascia Perugia in cui risiedeva dal 1972
e torna alla sua città natale, Isernia, poi dopo una fortuna-
ta esperienza americana e la conseguente ondata di com-
mittenza a tema obbligato, un malessere sottile lo costrin-
ge a fare il punto con se stesso e a ricalibrare la gittata della
sua pittura.Avverte come la paura di cadere nel cliché, nel-
l’accademia di se stesso,di clonare quadri nella cecità e nel
piacere sterile del narcisismo. […] Finché non si affaccia
un’inquietudine antica: la paura non di creare, ma di pro-
durre, la paura di essere addirittura merce in prima perso-
na. Merce che produce altra merce.[…] Il fastidio per la
formula vincente, l’angoscia per la cifra tamburriana da
tutti immediatamente riconosciuta gli procura un senso
di estraneità, ma innesta un vivificante desiderio. […] di
rompere il meccanismo per uscire dalla meccanicità del
mestiere, desiderio di sfidare le leggi di mercato, di forza-
re il sistema prima proprio, intrinseco al fatto creativo, poi
quello esterno del mercato dell’arte. […] È insofferente
Tamburro,tutto ciò che è consueto e accademico lo getta
in un mare di noia e di non senso. […]
Lascia la pittura situazionista, ferma, quasi in posa teatrale
anche per via dei gradienti bilanciati tra buio e luce, ha
abbandonato ogni tono intimista e contemplativo, per
tuffarsi nel mondo problematico, difficile, convulso della
vita di fuori.Quella che si muove senza posa e forse senza
senso. Quella che è e non va indagata.
Ogni sua opera della raccolta presentata a Castel de
l’Ovo, è come il fotogramma di un filmato realizzato
con una camera a mano che mossa dal passo veloce del-
l’operatore riprende una realtà in movimento. Così le
velocità degli spostamenti si raddoppiano, le scie ed i
tracciati sono ancora più filanti e non si riesce a mette-
re a fuoco che una porzione piccolissima dell’immagi-
ne. Le uniche forme riconoscibili sono rappresentate
dal pedone fermo al semaforo, dal corpo del ferito
riverso sull’asfalto. Ma anche lì il segno è mosso, febbri-
le, dinamico quasi ad inseguire le velocità esterne.
Tanto basta a restituire l’istante, a parlare di svolte, di
curve, di inciampi esistenziali o delle zone buie di una
concitazione urbana quasi incomprensibile. […] Mentre
tagli di luce rossi, verticali, aperti come rasoiate ed una
densità di fari incrociati, mostra il buio di dentro, quel-
lo che ci abita e non vogliamo vedere.
Tamburro abbandona il dettaglio significativo, la scheg-
gia, per abbracciare la vita in una veduta d’insieme che
cerca nel fragore, nell’attimo, una possibile lettura.
Attraversa non più assenze annunciate, ma fisicità tra-
volgenti, l’irruzione dei corpi adesso è palpabile, viva.
Ed ancora rompe i silenzi disincarnati dell’oggetto e si
butta tra la gente, nel confuso, grottesco, banale e a volte
gratuitamente violento, battito della vita. […]
Ritratto, 2004
SpazioBoccainGalleria
pastello encaustizzato Mercoledì 22 Febbraio 2006 ore - 18,30
e verniciato, ø cm 40
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Matteo Soltanto
Viaggio al termine
del ritratto
Roberto Cresti
Diciamolo subito: l’impatto è forte. L’aria che
si respira intorno odora di zolfo, e l’idea di
una combustione prossima a irrompere al di
qua della tela conferisce ad ogni immagine
una consistenza sospesa fra il decadimento
organico e la rivelazione spirituale. È comun-
que evidente che, malgrado le apparenze,
queste fisionomie non possono esser dette
dei ritratti poiché la diffusione dei lineamen-
ti a brattee oppure il loro scavo in solchi di
aciduli piovaschi, l’ombra semicarbonizzata
degli occhi ed altre sottrazioni, aboliscono il
rapporto con l’originale. Ma Soltanto non si
limita a questo: egli inverte alla radice il veni-
re alla luce del volto e mentre ritrae un sog-
getto dotato in origine di una propria iden-
tità ne dissecca l’umano in un fossile anonimo,
rendendo l’anatomia del viso una pellicola
sulla quale il tempo si irrigidisce e dirama in
labirinti di pieghe o di rughe. Si può infatti
notare come questi “ritratti” blocchino le
metamorfosi vitali del volto alle soglie tra la
luce e l’ombra: tale possibilità si deve alla
fotografia, da cui Soltanto comincia a lavorare come se
fosse una materia prima che egli irradia sulla tela. Se
allora la fotografia è una materia prima, può esserlo
esclusivamente in modo paradossale poiché da essa si
ricrea sempre una forma che è già finita prima di
cominciare, e ogni sua riproduzione o uso avrà un’e-
ventualità in cui l’infanzia del “non più” ed il decadi-
mento verso il “non ancora” sono sovrapposti — e l’una
determina l’altro come una apparizione in via di spari-
zione: come un movimento di entrata e uscita della luce
dal tempo. È dunque in questo immobile movimento
che si deve identificare la materia prima delle opere di
Soltanto,nelle quali è proprio la “apparizione come spa-
rizione” del volto a fissare gli estremi del “ritratto”. Esso
non è pertanto l’immagine di un soggetto ma la vicen-
da di una sua fotografia elevata a metafora dell’esistente
intero, come appunto una materia prima. Rilevarlo non
è però sufficiente se non s’aggiunge subito che
Soltanto, proprio perché assume tutta la realtà in termi-
ni fotografici, opera al fine di liberarla e di liberarsi dai
limiti della ripetizione. Egli infatti elabora il foto-gram-
ma di partenza con l’intento di sottrarlo al suo prestabi-
lito “non ancora” e a tal fine impiega tutti gli strumen-
ti espressivi della pittura. I suoi colori agiscono così sui
contrasti fondamentali dell’immagine, colmando le
assenze o estinguendo le presenze, con una alternanza e
un’inversione di effetti che creano un’immagine origi-
nale. Ed è ovvio che, in tal modo, la somiglianza fra
l’immagine stessa e il suo contenuto subisce una dupli-
ce rimozione poiché da un lato viene meno quella tra
la fotografia e il suo contenuto, dall’altro quella del volto
con il modello fotografico. Di questo anzi resta pochis-
simo, ed è per ciò che Soltanto supera le analoghe espe-
rienze della pop-art, nel senso che egli non modifica
un’immagine di pubblico consumo per crearne un’altra
Roberto Giavarini
Mario Donizetti
La civiltà di un’epoca si evidenzia su un’altra solamente
perché le arti, i mestieri, la speculazione filosofica e la
sobrietà dei costumi dei protagonisti sono stati
il risultato finale delle loro scuole al punto
che è difficile stabilire chi ha avuto
individualmente più merito di altri
nella costruzione di quella civiltà.
Ho sempre ritenuto doveroso
comunicare le mie esperienze
tecniche ai miei allievi, così
come comunicare loro i miei
principi teoretici. Dal 2003 —
anno in cui ho fondato il
Museoscuola — queste mie
comunicazioni si sono estese via
Internet, con la messa a disposizione,
innanzitutto,di lezioni filmate (doppia-
te in lingua inglese) e di note tecniche e
teoretiche nelle principali lingue. Io spero che
i miei allievi — e oggi grazie ad Internet questi allievi
sono moltissimi (in Europa, nelle Americhe, in Australia)
— vorranno a loro volta comunicare ai loro futuri allievi
24
Autoritratto, 2005, olio su tela, cm 130 x 110
soggetta allo stesso destino, bensì riscatta il fondo anoni-
mo d’ogni immagine agendo sull’identità estetica della
sua materia. Quel processo di inversione nel venire del
volto alla luce si rivela allora sì una perdita dell’umanità
del soggetto ma anche una sua rinnovata “illuminazione
pittorica”. Già in Rembrandt è però evidente che il
volto — in quanto ritratto di un originale — non esiste
più, e infatti con elvetica malizia Jakob Burckardt ricor-
dava che, negli ultimi tempi della sua vita, il maestro di
Leida non aveva più avuto commissioni di ritratti poi-
ché a nessuno faceva piacere d’essere ricordato in fami-
glia “come un problema di luce”. Parlo di grandi esem-
pi poiché essi sono soprattutto — come la storia in se
stessa — dei paradigmi ideali attivi nello spirito di ogni
individuo. E se potessi nominarli con delle semplici let-
tere, come Vincenzo Cuoco suggeriva di fare con i gran-
di di ogni tempo, mi limiterei ad associarli a una funzio-
ne logica. È questa infatti che conta più di tutto, e che
ciascuno nei suoi limiti è chiamato a seguire e, se lo può,
a rinnovare. È infine un’aria baconiana a circolare in
questi suoi lavori, evocando un clima spirituale da vico-
lo o pub londinese ove si ricordava con rabbia, e le
immagini prese direttamente dalla realtà divenivano,
attraverso la fotografia o il cinema, dei foto-grammi da
incendiare o da solcare coi più corrosivi succhi del
corpo e della mente. Londra — la stessa terra desolata
attraversata da Eliot — assisteva all’estrema eclisse del
personaggio uomo, la cui immagine perdeva ogni iden-
tità facendosi un vuoto doloroso, sul quale di lì a poco
le comunicazioni di massa avrebbero iniziato a tessere il
loro velo di Maia. I ritratti di Matteo Soltanto nascono
su quel velo, ma lo tendono, lo bruciano e l’abbassano
fino a farlo aderire di nuovo a quel vuoto di rughe senza
età che è rimasto chiuso dall’altra parte.
le mie esperienze, arricchite dalle loro personali esperien-
ze,e così dare nuovo significato alle forme di vita e di cul-
tura. La nostra epoca purtroppo ha spezzato la continuità
della cultura tecnica.Ognuno sta per conto suo e così non
caratterizza un’epoca.La civiltà di un’epoca principia dalle
scuole tecniche. Ritengo Roberto Giavarini un esempio
di continuità storica. Quello che ha saputo
imparare da me sarà la fonte del sapere che
verrà dopo di lui. Ciò che caratterizza
Giavarini è che ha seguito con parti-
colare attenzione anche i miei prin-
cipi estetici ed è sua convinzione
che ogni cosa appresa è l’inizio di
un suo ulteriore sviluppo e, per
questo, si può dire che è un vero
allievo, che svolge il suo presente
come fosse il suo futuro, e il futu-
ro si conquista solo così. Tutto
questo va detto preliminarmente e
come introduzione alla sua opera.Ma
il giudizio estetico va lasciato ai suoi
committenti ed estimatori, che sono già
numerosi e già scommettono sulla sua carriera.
Presto offrirà al pubblico della Libreria Bocca di Milano
l’occasione di un riscontro.
www.donizetti-museoscuola.it

San Sebastiano, 2005
tecnica mista su tela
cm 40 x 40
Gianluca Chiodi
L’amore al tempo
del colera
Alberto Agazzani
Un giovane fotografo che s’ispira alla grande pittura
barocca ammiccando, però, al cinema. Detto così il
discorso sembrerebbe apparentemente chiuso in par-
tenza, già raccontato, o meglio, rinchiuso fra tre vertici
che rappresentano le colonne d’Ercole della figurazio-
ne (in senso ampio) contemporanea. Eppure così non è,
ed è in quel apparentemente la chiave di volta della rigo-
rosa e divertita ricerca di Gianluca Chiodi.Tonnellate di
carta ed inchiostro si sono spesi (e spesso sprecati) per
cercare di dipanare l’intricato mistero che riguarda il
rapporto tra pittura e fotografia (e cinema per estensio-
ne). Eppure ancora la soluzione è lontana, forse impos-
sibile. Questo in virtù soprattutto dell’opposta e incon-
grua natura dei due linguaggi. Come ho già avuto
modo di rilevare a proposito della pittura ingannatrice di
Luciano Ventrone, se, infatti, la fotografia ripete mecca-
nicamente se stessa all’infinito, con infinite variazioni
non sempre originali, fondendosi e con-fondendosi con
la realtà stessa, questo non avviene e non può avvenire
nella pittura, procedimento astratto e astrattivo per ec-
cellenza, che trasporta il visibile, la realtà, in una dimen-
sione ultraterrena ascrivibile al divino, per chi ha una
fede in un dio, o al metafisico per i discepoli della ragio-
Cronaca di una morte ne. Non dimentichiamo in ogni modo che la fotografia
annunciata, 2005 nasce come imitazione e semplificazione della pittura,
tecnica mista tela per mano, guarda caso, di un incisore (Niepce) e di un
cm 60 x 105 pittore (Daguerre). E non eludiamo, misconoscendole,
Spirito protettore personale, di sesso femminile, che viene assegnato, alla nascita di ciascun essere umano,
come “Angelo custode”. L’apetto è umano ma il colore del volto può variare, in funzione del valore mora-
Ibrahim Kodra nel ricordo di Sergio Dangelo
le e intellettuale della persona custodita (e protetta).
ORA
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nemmeno le importanti influenze rivoluzionarie che la
fotografia ha avuto sulla sua progenitrice, ivi comprese le
degenerazioni scaltre e perverse di una certa arte à-la-
page che imperversa, tanto arrogante quanto vacua, sulla
scena artistica d’oggi. Un fatto appare chiaro: tanto
ambigua, astrattiva appunto, appare la natura della pittu-
ra, quanto oggettiva, addirittura assoluta appare quella
della fotografia. Ed ecco allora nascere in qualche pitto-
re e fotografo il bisogno di inseguire e ricreare quella
natura a loro opposta ed estranea; pittori che dipingono
la fotografia trasportandola fuori della sua rassicurante
oggettività, creando autentici trompe l’œil tanto apparen-
temente assoluti e rassicuranti quanto ingannevoli e
ambigui (Luciano Ventrone e prima di lui tanti altri
ingannatori ottici) e, di contro, fotografi che cercano di
“soggettivizzare” la realtà visibile, trasportandola nel sot-
tile non-sense della pittura (uno per tutti potrei citare
subitaneamente Joel Peter Witkin, ma anche il nostro
Luigi Severini o, ancora più estremo, il cinematografico
Peter Greenaway).
A quest’ultima scuola appartiene anche Gianluca
Chiodi, che senza esitazioni e senza mezzi termini s’e-
sprime attraverso una fotografia autenticamente tale ma
contaminata da una personale tecnica “pittorica”, base
delle sue Opere al nero e rinnovata, ne L’amore ai tempi del
colera, da un’irriverente ambiguità interpretativa.
Un’ambiguità dichiarata ed esasperata, al limite del
capriccio, dello sberleffo e arricchita di citazioni cine-
matografiche che escludono in partenza qualunque ten-
tazione seriosa o drammatica. La direzione intrapresa da
Chiodi parte da suggestioni legate alla pittura di
Caravaggio, che in un qualche modo si può considerare
l’inventore di un’idea di montaggio fotografico ante litteram
e certamente il padre di un’idea di luce destinata a cam-
biare per sempre la storia dell’arte. Sul filo di un’ironia
sottile ma pericolosa, distaccato eppure presente, lucido
Intervista a
Giuseppe Gentile
Luca Vernizzi
Negli ultimi tempi Giuseppe Gentile ha messo in opera
un lavoro che, pur avendo nei collage d’inizio secolo e
in operazioni consimili successive la sua matrice più
lontana, perché assembla immagini ritagliate da giorna-
li e riviste, è molto particolare e nuovo.
L’ho incontrato l’altro giorno e gli ho fatto alcune
domande proprio su questo suo lavoro.
L.V. Quali sono le immagini che principalmente ti interessano?
G.G. Sono quelle pubblicitarie ad alta definizione tec-
nico-visiva e quindi più facilmente manipolabili.
Manipolabili in che senso?
Mi basta un minimo intervento per stravolgerne il
significato di partenza e attribuirgliene uno total-
mente nuovo.
E perché in particolare immagini pubblicitarie?
Voglio prendere in contropiede l’occhio e la mente;
essendo queste immagini diffusamente conosciute,
le variazioni che io apporto a ciascuna di esse fanno
sì che la nuova immagine, stravolgendo quella nota,
venga percepita con maggior efficacia.
Non ti lasci mai andare su altre immagini?
Sì, talora ve ne sono alcune molto ricche di signi-
ficato e che, pur essendo pubblicitarie, sono assai
meno note. Su queste opero senza stravolgerne il
significato, preferendo un intervento che ne arric-
chisca il senso.
Abbiamo parlato di come tu vuoi attirare l’attenzione del-
26
seppure allucinato, Chiodi illumina (o rabbuia) i senti-
menti e gli accadimenti umani d’oggi con la luce (o le
ombre) del Merisi, esaltandone, con una figuratività
sempre vertiginosamente al limite dell’eccesso, quella
dimensione malata, insana, artificiosa così tipica dei
nostri giorni (e di tutti quelli che ci separano dall’ama-
to Barocco propriamente detto). Ecco allora esaltata
l’ambiguità di San Sebastiano, più “belle” che santo, o
quella di un’altrettanto improbabile “Pietà”, Cronaca di
una morte annunciata dove l’esasperata espressione di una
madonna-badessa contrasta con la beata seraficità di un
Cristo-travestito più beatamente sognante che propria-
mente morto (e certamente non suo). E ancora la furba
innocenza degli angioletti/san Giovannini, che ad occhi
ben aperti vigilano sui maliziosi pensieri altrui (ricor-
dandoci che il male sta nell’occhio di chi guarda). E che
dire di quella Per grazia ricevuta, vanitosa (ma)donna col
bambino già stanca del figlio ancor prima d’averlo rico-
nosciuto, così presa com’è dai suoi profumi e dai suoi
balocchi d’adulta? Ed ancora il Rembrandt rivisitato de
Il ventre dell’architetto, piccolo capolavoro di sadomaso-
chismo fra sangue e frattaglie (al pomodoro), o Straziami
ma di baci saziami, altrettanto irresistibile ed altrettanto
malata metafora di “strani” sentimenti d’oggi (con
buona pace del buon Bartolmeo Manfredi e del suo
Cupido punito). Cleopatra in A 30’’ dalla fine pare sin
contenta d’andarsene (e come darle torto!), mentre in
Donne sull’orlo di una crisi di nervi il fotografo (ispirato
nuovamente da Caravaggio) pare quasi ci voglia dire che
una morte in croce a volte è meglio di una vita croce-
fissi (quelle tre madonne effettivamente non prometto-
no nulla di buono)…
Sentimenti in un’epoca malata raccontati attraverso l’ar-
tificio della fotografia (o della pittura) e infarciti di un’i-
ronia che si fa sarcasmo. Come se Chiodi volesse proprio
raccontarci L’amore ai tempi del colera.
l’osservatore, ma non mi hai detto che cosa gli vuoi dire.
Voglio mettere in evidenza alcuni elementi che in quella par-
ticolare immagine sono marginali perché vengono usati esclu-
sivamente per esaltare il prodotto da pubblicizzare.Quegli ele-
menti vengono così ad acquisire un significato primario.
E in particolare?
Significati molto contrastanti.Taluni rivelano una ricer-
ca prettamente interiore.Altri indagano il senso di vuoto
e di solitudine della nostra contemporaneità.Altri anco-
ra, con il tasto dell’ironia, vogliono demitizzare o rico-
struire alcuni valori considerati ormai obsoleti.
Ti sei divertito?
Molto, perché considero ognuno di questi lavori come un
grande puzzle in cui la scommessa è inventare un senso
all’assemblaggio di frammenti totalmente incongrui.
Dialogo fra due assenze, 2006, collage

Giorgio Tonti
Ambiguità e sintesi
Silvia Venuti
L’immagine nell’opera di Giorgio Tonti appare subito
ambigua perché difficilmente interpretabile: è talmente
tesa sul limite estremo del riconoscibile che la sua forma
può appartenere a simboli diversi.Anche il titolo dell’o-
pera concorre ad accentuare questa ambiguità: ambigua
appare la forma,come il titolo,come il concetto che sot-
tende, come la sua interpretazione. La sintesi operata sul
confine tra figurazione e astrazione prende corpo in una
materia densa, quasi magmatica, di forte impatto fisico e
nella dimensione archetipa si palesa la scala, la porta, il
ponte, la palizzata, la volta, la tavola. L’artista interroga sé
e il mondo con un’ansia di pulizia, d’etica rigorosa: vuol
partire da forme primarie, da segni primari, da colori
primari. Ogni tentazione estetica, ogni raffinatezza ese-
cutiva fine a se stessa è sentita come disturbante, come
tentativo di barare al gioco esistenziale. “Voglio cercare
il bello nel brutto” ama dire l’artista che, da forme ele-
mentari, raggiunge, con tenacia, una sublimazione del-
l’immagine senza nulla concedere al compiacimento
espressivo. C’è come una sacralità del primitivo, dell’es-
senziale sino ad una contrazione dell’energia vitale che
diventa luminosità del colore in tensione verso l’assolu-
to. O tutto o niente: c’è un offrirsi al rischio totale senza
mezzi termini. È essere in piena verità con una forza di
sintesi quasi violenta. Questa tensione porta alla profon-
dità, a varcare soglie, a salire scale, a uscire dagli schemi,
a superare sbarramenti, ad attraversare ponti, a conden-
sare e decifrare i significati della forma rettilinea, circola-
re, su piani che s’intersecano, s’incontrano, si equilibrano
in una costruzione che rinnova la vita con nuovi criteri
estetici. Così i segni, che sembrano colare in abbandono
intuitivo, strutturano e definiscono con rigore, sigillano,
tengono insieme le forme e la materia cromatica che
vorrebbe debordare dai contorni e che invece, costretta
dal margine, accumula energia catturando ed insieme
emanando luminosità. I colori, accostati con azzardo,
proprio nel loro rapportarsi, s’esaltano a vicenda per rag-
giungere una definizione di totale contrasto.L’artista rac-
conta di sé. In questi lavori è presente, sublimato, il vis-
suto infantile, la formazione culturale, l’esperienza lavo-
rativa, il percorso esistenziale, il desiderio di costruire
certezze, trovare punti fermi con volontà risoluta e seve-
rità morale. Così l’espressionismo del segno e del colore,
la sintesi della forma, la densità della materia, raggiungo-
no l’equilibrio nell’immagine che comunica a più livel-
li, con più risonanze.Il luogo dell’anima di Giorgio Tonti
conserva, ancora vive dall’infanzia, le impressioni suscita-
te dalle foto di un vecchio libro sulle distruzioni del ter-
remoto di Messina: binari contorti, travi spezzate, mace-
rie, dolore. Questo luogo dell’anima assorbe anche la
luce mistica delle vetrate ideate e realizzate dall’arte
paterna, trattiene quella spinta alla perfezione perseguita
attraverso una tecnica dai connotati metafisici e spiritua-
li. La frequentazione dei corsi tenuti da Leonardo
Spreafico, Alberto Longoni, dallo scultore Russo alla
Scuola del Castello di Milano accresce ed affina la sensi-
bilità critica e creativa, il desiderio di operare nell’arte.
Forti contributi culturali giungono dai piani bidimen-
sionali di potente suggestione cromatica di Poliakoff, ma
è soprattutto da Kandisky e da Klee che arriva la lezio-
ne di perseguire realtà invisibili allo sguardo, la necessità
di rivelare l’invisibile.“L’uomo, l’artista, disegna sulla sabbia
ma la consapevolezza del suo effimero lavoro non deve indurlo
a rinunciarvi. Deve continuare a rappresentare ciò che non c’è e
che non è altrimenti visibile…” sottolinea Giorgio Tonti. La del sottrarre è scelta di valori fondamentali con cui dare Ritratto di personaggio
curiosità costante per tutte le espressioni, dall’art brut al significato al flusso vitale. La via della ricostruzione è 2004, acrilico su tavola
fumetto, comporta continue acquisizioni di materiale volontà di servirsi di questi valori per superare la soffe- cm 52 x 72
culturale da utilizzare e rielaborare con quello spirito renza, il caos, l’annichilimento di cui è malata la condi-
libero e visceralmente creativo di cui Picasso fu il più zione umana.
grande esponente.“Il lavoro dell’artista è liberazione dell’ir- La via simbolica è la capacità di leggere ed esprimere la
razionale e di quanto di più incerto e imprevedibile esiste in noi. spiritualità contenuta nella materia ed acquisirne e tra-
Va quindi consentito all’artista il più ampio spazio possibile per smetterne la consapevolezza. La vitalità dell’opera di
le sue sperimentazioni” afferma Tonti. Giorgio Tonti è epifania di questo cammino in armonia
L’interesse per la dinamica gestuale dell’espressionismo con la legge universale e provvidenziale dei talenti.
astratto è evidente in quel percorso di spoliazione della “Nessuno, del resto, nasce in epoca sbagliata, si può però sba-
forma che concorre a determinarne l’ambiguità. gliare a vivere la propria epoca” conclude Giorgio Tonti.
L’esperienza nel campo della grafica ha apportato l’eser-
cizio costante della sintesi,tipica del marchio e della veri-
fica, mediata dalla tecnica, delle modalità di comunica- SpazioBoccainGalleria Uscita, 2004
zione. E quante esperienze affettive ed esistenziali anco- Mercoledì 13 settembre 2006 ore - 18,30 acrilico su tavola
ra affluiscono ad arricchire, evolvere, trasformare! La via cm 40 x 40

tante facce e ciò che si cela al di là di queste non ne è esserci. È infatti sull’onda invisibile ma palpabile di
Katerina Lukasova che l’anima: storica, artistica, emotiva. Katerina Luka- questa tensione, l’invito ad addentrarsi nel loro
sova è una giovane artista della Repubblica Ceca che universo psico-somatico, le cui porte sono carne,
I Ritratti solleva, con la delicatezza del rispetto, i fili trasparenti
di questa caotica, colorata e poliglotta anima contem-
pelle, ombra, ed i percorsi per passarvi attraverso,
come stregati dall’incantesimo del corpo, infiniti e
Viola Lilith Russi poranea, fissandone, nei suoi Ritratti, una soggettiva sui fascinosamente rischiosi. Scorrono fiumi in piena
così simili/così differenti universi umani. I volti delle di memorie e tradizioni, terre ed emozioni, silen-
Idealizzanti o celebrativi, romantici o psicologici, i
persone da lei “ridisegnati”sembrano cristallizzati in un silen- ti quanto burrascosi, al di là di uno sguardo che
Ritratti artistici hanno sempre “dato un volto”,
zio che ne blocca i movimenti, le impercettibili fissa la sua luce su di te. E i “bagagli a mano” che
incarnandone sguardi e lineamenti, allo
smorfie;fermi e partecipi della sottaciuta galleggiano su queste acque di vita, portandosi
spirito dei tempi.
intenzione di non esprimere null’al- dietro tesori di storie e generazioni, sono esatta-
Cosa essi debbano sottolineare,
tro di sé se non quella naturale mente ciò per cui brillano l’interesse e l’arte di
esaltare o drammaticamente
intensità del proprio esistere, Katerina Lukasova. La “nudità” di un volto, in
rappresentare, lo si può leg-
nascosta nei tratti e vertigi- tutta la sua bellezza, prelude o conclude, a secon-
gere attraverso le ombreg-
nosamente profonda, oltre da del punto di vista di chi lo osservi dall’esterno
giature, le sfumature, i
l’immobilità dello sguar- o da chi invece se lo porti dentro da una vita (!),
dettagli di espressione o
do. Gli occhi dei perso- un viaggio attraverso spazi e tempi che l’artista
di ornamento, dei for-
naggi ritratti dalla coglie con acuta e commovente intelligenza in
tunati soggetti per
Lukasova, e parlo di tutta la sua “mobilità”. A partire dal ritratto stesso Autoritratto, 2004
l’appunto ritratti di
personaggi cogliendo di Pasolini, che l’autrice letteralmente “apre” in matita su cartoncino
volta in volta, a fissa-
il suggerimento dai profondità, congeniando un sistema di fruibilità cm 50 x 70
re i tratti somatici di
titoli dati dall’artista ai interattiva dell’opera da parte di chi la voglia
un’epoca. L’estetica
suoi lavori: Etrusca, esplorare, addentrandosi nelle stratificazioni dei
contemporanea,fran-
Siciliana, Gloria di Li- piani di vita e dell’arte del soggetto, cui l’utente
tumata nella miriade
sbona…, guardano drit- può accedere giocando a spostare i differenti e
di mondi possibili e
to in fronte a loro, quasi sovrapposti livelli di lettura. Come dimostra l’in-
immaginabili dettati
volendo somigliarsi e tera opera della Lukasova, riassunta forse nel
dal virtuale e dalle
confondersi l’un l’altro Globo, presentato e selezionato al “Salon primo
nuove tecnologie,ma
nel gioco del fermo- 2005” presso il Museo della Permanente di
prima ancora dalla
immagine, senza tra- Milano, è il magico intreccio fra cultura e memo-
compenetrazione
dire alcun indizio che ria di provenienza, con l’infinito e trasversale oriz-
umana “globale” di
possa svelare la luce zonte di incontri che cambiano ed impreziosisco-
razze, culture e siste-
del proprio piccolo, no il proprio tesoro, a far vibrare e fortunatamen-
mi di comunicazio-
immenso “tesoro a te ancora girare il mondo.
ne che ci “avvicina-
mano”. “Prova a definir-
no”,è dunque apparente-
mi, ad indovinare da dove vengo,
mente libera da maschere e calchi
a spingerti in un qualche giudizio!”, Siciliana, 2004 Gloria di Lisbona, 2004
catalogabili e prevedibili. Essa trova nella
sembrano sussurrare i pensieri di questi matita su cartoncino matita su cartoncino
sensibilità di ciascun artista una delle sue
volti ritratti, sul filo sottile e sospeso del loro cm 50 x 70 cm 50 x 70

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Tra la linea, 2005
Davide Casari
Tra la linea
Pier Giacomo Lucchini
La verità transita sulla linea, ma non sta oltre la linea e
neppure al di qua della linea. L’energia che sprigiona
“tra la linea”, installazione di Davide Casari, si solidifica
nel cemento, quindi si incarna, producendo un’ansia
antropoligica non ancora metafisica che tormenta lo
spazio e il tempo della nostra esistenza. La verità, fonte
o incipit da cui scaturisce ogni contemporaneità filoso-
fica, letteraria, storica e artistica, non scientifica: l’uma-
nesimo inquieta lo spirito, la scienza attraverso la tecni-
ca a volte tranquillizza i cuori e le menti,“Tra la linea”
come grammatica dello spazio e del tempo: un vocabo-
lario aperto che non si colloca mai al di fuori della linea,
non la supera, non la precede, non la invade, non la
chiude ma appunto, transita tra la linea, divenendone il
suo sorgere, il suo sostare, il suo tramonto, la sua assen-
Particolare za, il suo volto, la sua pienezza, la sua presenza. Davide
Casari, artista “tra la linea” ha tentato
di interpretare le molteplici sbavature
esistenziali legate al mondo della sof-
ferenza psichiatrica e più volte nei
suoi lavori l’ho visto a disagio nel
“risuscitare” alla vita edifici esistenzia-
li privi di architettura; in entrambi i
casi, si è rivelato capace di recuperare
l’armonia compromessa tra il mondo
convenzionalmente detto normale e il
mondo non normale, con la stessa esi-
stenza tormentata ma intimamente
silenziosa e di profonda spiritualità.
Davide Casari interpreta con lo sguar-
do, non invade mai lo spazio degli
altri, perché lui stesso e l’Altro vivono
lo stesso spazio, appunto “tra la linea”.
Giuseppe Gogeni
Rossella Noris
“…nel tormento interiore mi aggrappo alla vita a volte sfuggente;
E nella gestualità, nello scorrere la mano,
fermo per un istante il tempo che mi passa tra le dita…”
L’arte di Giuseppe Gogeni si esprime in una pittura
non figurativa, che poggia le sue basi sulla concezione
di derivazione futurista della velocità e del movimento
ma anche sull’inconscia ma costante ricerca della più
pura e lirica forma di emozione dell’io. Segno e colo-
re sono scelti ed isolati come oggetti di attenzione e di
esplorazione, diventando così i protagonisti principali
delle opere. Gogeni riproduce il movimento del suo
animo e del suo pensiero, che non approda mai ad un
fine, tramite la forte sensazione di dinamismo ed ener-
gia che imprime nelle sue tele. La pelle della pittura
viene, infatti, solcata da innumerevoli scalfitture, che
“scavano” nella materia dei suoi quadri, così come la
sua sensibilità “scava”, cercando di squarciare il muro
materialista che rende l’esistenza stessa un intollerabile
e malato gioco di assuefazione. L’estremo dinamismo è
l’unica via che gli permette il riscatto dall’inerzia della
vita e del mondo circostante. L’arte di Gogeni è il flui-
La Timidezza re diretto della sua emotività nelle opere che si colloca-
acrilico su tela no al di là di ogni connotazione spazio-temporale.
cm 65 x 95 In ogni creazione è presente un turbinio vitale che pulsa
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Riccardo Dametti
Viola Lilith Russi
Che cos’è che innervosisce, disturba e indigna il vede-
re segni e persino disegni(!) sulle pareti dei nostri co-
siddetti luoghi pubblici? Questo mi sono chiesta la
prima volta che mi trovai intrappolata in insoliti mes-
saggi di “allarme”, appesi ad una parete e sospesi nello
spazio di una tela: erano i quadri di Riccardo Dametti.
Cosa li accomuna ai graffiti metropolitani? Suppongo
la stessa urgenza, un’immediatezza di immagine e di
parola che può mettere a disagio perché ce la si sente
addosso, vera e intransigente come solo una paura
condivisa è capace di generare. Demoni e fantasmi di
un inconscio collettivo, abituati ad albergare sopiti in
una delle cavità oscure del nostro cervello, evaporano
dal magazzino di rimozione, in cui solitamente scivo-
lano pochi secondi dopo esserci stati trasmessi, via ca-
vo, tubo catodico, inchiostro. Emersi dall’abisso creati- Isolation cell (Hollywood), 1997, tecnica mista su tela, cm 100 x 120
vo che ne plasma e denuncia l’inferno zittito, si con- per aprirsi a volti ed esperienze che si disperdono e
densano in pensiero visivo: ed eccoli ricadere ad arte, deformano in un esterno che è il loro interno, o in un
come pioggia di meteoriti, sulle tele di Dametti. Lo sentire l’atto creativo come assoluta occasione di
schianto è vita, morte, avvertimento e dell’incendio confondersi col tutto, assorbirlo, penetrarlo, sino a per-
cromatico in rosso e nero respirano i primi lavori del-
l’artista. Allarme, monito, denuncia, sembrano lampeg-
dere i propri contorni (Head, Rain, ’03; Vecchio, ’04; City
boy, ’05). Ma c’è ancora uno squarcio di mondo lirica-
giare sullo strapiombo di un contrasto insanabile tra i
sogni e la cruda realtà (Dreams, ’96), l’innocenza e il
mente esplorato, forse da quelle parole sfuggenti ed
enigmatiche che “si prendevano gioco di noi”? O dal
massacro del sistema (Isolation cell, ’97), l’urlo di chi pesce che nuotava nel mare del suo stesso scheletro? I
non si riconosce in un orizzonte apocalittico di guerra più recenti quadri di Riccardo Dametti, realizzati sem-
e devastazione e la pretesa di una parola di salvezza pre con colori acrilici, olio e gessetti, vibrano di un
eterna (Perso, ’97). nuovo cuore. L’universo di segni ed emozioni è fitto e
Ma c’è qualcosa che serpeggia fra le trame di questi frastagliato di energie,calde,vorticose e morbide nel rac-
quadri, forse un ulteriore messaggio, un codice segreto chiudere e nello stesso tempo infrangere forme, barrie-
o semplicemente ironico, che si diverte nel depistarci da re e persino parole (My way, ’05). Verso un’astrazione
facili letture. Lettere, parole, scritture “al contrario”, musicale, numerica (5, ’05), creativa? Forse, ciò che è
affiorano in superficie a suggerire una via, un possibile certa è la disarmante emozione che le opere di Dametti
percorso creativo che ignori il prestabilito. Facendo trasmettono al ritmo di un linguaggio che nasce, scher-
capolino nel cielo delle false certezze si reimmergono in za, scompare, urla, si distrugge, comunicando quell’ur-
chissà quali acque, inghiottite in un mistero che potreb- genza che sola può essere vita e anima dell’arte.
be svelarsi nelle opere successive dell’artista. La dicoto- Le opere di Riccardo Dametti sono in questo momen-
mia simbolicamente ricreata di un pesce che nuota fra to in esposizione presso lo spazio “Satura”, in piazza
il positivo e il suo negativo (chissà forse l’artista si è ri- Stella nel centro storico di Genova.
velato? Dopeshow, ’00), e l’avventura creativa si libera in
percorsi e colori che infrangono i limiti del contrasto, Dopeshow, 2000, tecnica mista su tela, cm 80 x 120
incessantemente e che non lascia via di fuga allo spetta-
tore, che ben presto si trova immerso in un vortice di
colore, di luci ed emozioni. Giuseppe instaura un rap-
porto quasi magico tra luce e colore, fa sì che questi due
elementi si trasmutino incessantemente l’uno nell’altro,
intessendo meravigliosi giochi di trasparenze cromati-
che. Le tele si illuminano di colore e agiscono affinché
lo spettatore si adagi in uno spazio indeterminato, fatto
di luce e vita, di mille sensazioni e sentimenti simulta-
nei che sono l’espressione materica delle più intime
sensazioni del pittore. Dipingere è per lui l’unico modo
per afferrare l’inafferrabile, per ricomporre la realtà
frammentata del quotidiano. Egli opera attraverso un
percorso di ricerca soggettivo: la sua pittura equivale alle
pulsioni e alla frenesia dei sentimenti, a volte anche vio-
lenti, che muovono il suo essere. Ogni tecnica nasce di
getto ed è legata ad una sensazione particolare che
rispecchia la volontà di regalare qualcosa di unico ed
irripetibile all’interlocutore. Il suo gesto pittorico nasce
dall’inconscio e vitale desiderio di liberare, per un istan-
te, il proprio essere dalla stasi che sovrasta la vita.
28
 CÉSAR

www.mirexspa.it Autoportrait Quadrillé, 1984-1996

PER L’ARTE email: mirexspa@tin.it bronzo saldato e patinato, cm h. 53 23 x 20

C, 2005
Stampa fotografica da
video, cm 45 x 60, 1/3
Machidiel, 1995
Biscottiera, 2004
183, 2005
cera, corda e olio su
carta antica, cm 35 x 25
Angolo in basso a sinistra, 05
fotografia su alluminio
Monica Mazzoleni
Da Bangkok a L.A.
gli angeli verso occidente
Danilo Villa
Gli angeli. Gli angeli come simbolo della dualità del-
l’essere. Connessione tra due mondi: spirituale e mate-
riale; interiore ed esteriore; visibile e invisibile: una stan-
za buia, un fascio di luce colpisce diretto una figura tri-
dimensionale che dal supporto invade lo spazio dell’os-
servatore. La figura è composta da sette quadrati asim-
metrici e semitrasparenti. La loro ombra è proiettata sul
Margherita Premuroso
Le forme strambe
Ferruccio Giromini
Nuove espressività fanno capolino di continuo. Si va
imponendo, ad esempio, un’arte plastica giovane dalle
forme briosamente capricciose, vicina al gusto car-
toonesco e un po’ provocatorio con cui sono cre-
sciute le nuove generazioni. In questo campo
si è già fatta notare una giovanissima crea-
tiva milanese, diplomata in illustrazione
all’Istituto Europeo di Design e al momen-
to operante per la Playstos, società produttri-
ce di videogiochi, come art director e come
responsabile degli ambienti e del character design
di videogame fantascientifici. Margherita Pre-
muroso, che nel 2005 ha visto subito riconosciute le
sue rare qualità di illustratrice venendo inclusa nel
ristretto novero degli artisti internazionali esposti in
mostra dalla Fiera del Libro per Ragazzi di Bologna,
confessa predilezioni miste, oscillando ora tra Schiele e
Klimt e Walt Disney, e ora magari tra Michelangelo e
tutto il frenetico cinema d’animazione contemporaneo;
ma, per quanto riguarda la modellazione tridimensiona-
Gianmaria Giannetti
Quattro cose che dico al mio amico
Gianmaria guardando la sua pittura
Rossana Campo
1. In un catalogo dedicato a Gaston
Chaissac (a proposito, ti piace il vecchio
Gaston? A me tanto, forse non è uno dei
grandi capi dell’arte ma giustamente mi
piace anche per questo) trovo che questo
signore che ha vissuto una vita molto da
outsider, una vita senza soldi, nella campa-
gna francese, ma in completa libertà e ha
potuto così sperimentare e divertirsi molto
con la pittura, la scultura, i collage, la scrit-
tura… Chaissac dice sulla sua arte:“mon but vise à repre-
sénter le non talent, la peinture malhabile, négligée, vacillante,
incertaine, artificielle…”
Personalmente, questo è ciò che mi esalta nei pittori e
anche negli scrittori, quando sanno tirare fuori questo
coraggio, del non-talento, della non-abilità, non-bravu-
ra, tutto quello che vacilla, è incerto. Detto fra noi,
anche nelle persone mi piace trovare questo e per que-
sto mi annoia parecchio la maggior parte degli esseri
umani, perché qui tutti vogliono essere sempre all’altez-
za della situazione, sempre belli, ricchi, con le belle
automobili e le belle fidanzate/i.
2. adesso un’altra cosa, io credo che la pittura, proprio
l’atto del dipingere e tutti i suoi materiali, le tele i pen-
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muro. Come una delicata pennellata. Il quadrato è la L’ultimo lavoro presentato dall’artista a Bergamo nel
perfezione dell’elemento terrestre,confine definito,con- novembre 2005 si intitola Con . tatto. Le mani intese
tenitore della perfezione vitruviana. come parte di contatto finalizzato al dialogo. Le mani
Monica Mazzoleni parte da qui, dagli angeli. Lavoro di dell’artista sono messe a disposizione delle mani di dieci
tesi il cui titolo: Da Bangkok a L.A.: gli angeli verso occi- persone, che a turno possono usarle per esprimere ciò
dente, esprime attenzione verso la filosofia orientale e il che desiderano: dalla tenerezza, alla rabbia, fino alla vio-
cammino di questa verso occidente; cammino ricco di lenza. Lo schermo proietta in simultanea tutti i dieci
tracce e linee di confine in costante bilico tra corpo e modi diversi del comunicare. Con questo lavoro Monica
spirito. ha voluto riportare la relazione tra persone dalla forma
I lavori che seguono e che sono stati esposti sia in Italia verbale verso una più diretta e non mediata.
che all’estero approfondiscono questa tematica e la svi- Mostrare come i rapporti tra soggetti possano trasfor-
luppano secondo nuove linee prospettiche: un muro cir- marsi in un’esperienza fisica, sensoriale e percettiva nella
colare in plexiglass che accoglie al suo interno lo spetta- dinamica tra il video proiettato e le persone che lo osser-
tore diventa metafora del rapporto prossemico tra le per- vano diviene lo scopo del lavoro. Così emerge il contat-
sone (Bergamo 1998); frammenti di pelle di persone di to come condizione limite nelle relazioni, creando una
diverso sesso ed età fotografate in macro sfumano l’indi- situazione disagevole e disorientante.
viduo nel dettaglio, scardinando i criteri primari di con-
fronto (New York 1999); “zone di risonanza”, lungo la
via che conduce al caffè sono posate delle strisce colo-
rate sul manto stradale, una sorta di percorso intercalato
da scritte invitanti alla riflessione, all’azione e a vedere lo
spazio in modo non usuale, così da rompere gli schemi
soliti dell’interazione tra individuo, gruppi e ambiente
circostante (Padova 2000); una serie di ristoratori
imbandiscono tavoli secondo la propria tradizione culi-
naria: torinese, greca, araba.., una sorta di ristorante vir-
tuale e multietnico che confronta il rapporto tra indivi-
dualità e identità (Torino 2003).
L’idea di Monica è di scardinare gli schemi classici di
percezione delle persone, luoghi, ambienti attraverso sti-
moli indotti allo spettatore, che diventa parte dell’opera
stessa, poiché è con essa che si trova ad interagire.
le, si è avvalsa con profitto degli insegnamenti di due gonisti di piccoli set pubblicitari e narrativi, a metterla a
piccoli grandi maestri del settore, la giappo- parte di un utile segreto del mestiere: l’uso di un mate-
nese-quasi-italiana Fusako Yusaki e il
meneghino Libero Gozzini.
È stato proprio Gozzini, tra le
riale poco noto da noi ma dalle ottime qualità di lavo-
razione, la pasta Darwi. Di produzione belga, si tratta di
un’amalgama bianca che secca all’aria, dalla consi-
cui dita continuano a nasce- stenza meno cartacea del classico Das e di una
re azzeccati prota- maneggevolezza più simile al Pongo. E, per uno
scultore, il rapporto di confidenza con la mate-
ria è essenziale.
Ecco come nascono i bizzarri personaggi
della giovane modellatrice. Dopo accura-
ti disegni che ne propongono le differen-
ti viste fronte-retro-fianco, lo scheletro di
fildiferro viene rifasciato prima di carta e
poi dei volumi-base in Darwi. Dopo
l’essiccazione, il lento procedimento
continua con l’aggiunta dei particola-
ri (le parti più sottili in Darwi light),
l’attenta molatura con la cartavetro, la
coloritura con i colori acrilici, i ritoc-
chi in smalti brillanti e infine il fissag-
gio sul supporto, o l’eventuale inserimen-
to in altri contesti ambientali preesistenti.
Camaleonti, mucche, polli, esserini giocosa-
mente gonfi e sghembi prendono vita così, pronti a
stupire grandi, piccini e peterpan assortiti.
interessanti che ha detto: “I bambini, come i pazzi, sono
fuori dal sociale, fuori dalla legge, asociali, alienati: proprio quel-
lo che l’artista deve essere. Ecco da dove viene il sapore dei loro
disegni, la libertà d’invenzione che in loro troviamo, la facilità e
la disinvoltura delle loro trascrizioni, il loro ardimento e soprat-
tutto (ed è questa la chiave di volta della pittura) la forte capa-
cità di ‘vedere’ sul serio ciò che è dipinto, senza che lo spirito cri-
tico intervenga subito, come succede nell’adulto, nel ‘professioni-
sta’, a impedirlo.”
nelli i colori i solventi gli odori, le ore passate in solitu- Io non sopporto i professionisti dell’arte, se un artista
dine dentro se stessi, magari con la musica anche, sia una non sa mantenersi un po’ nell’incertezza, e in quello che
specie di droga fantastica. E una volta che l’hai provata e i maestri buddisti chiamano “lo spirito del principiante”
ti è entrata nel sangue non puoi farne più a meno. per me perde qualunque interesse. Che ne dici?
Soppianta un po’ tutti gli altri enzimi, comanda la ghian-
dola pineale, e come con l’eroina, il solo antidoto alla
pittura è la pittura stessa.
3. libertà nella pittura. Credo che si diventi artisti per darsi
SpazioBoccainGalleria
delle regole, per trovare un modo di stare al mondo Mercoledì 5 aprile 2006 ore 18,30
secondo regole che ci diamo noi, che stanno bene a noi.
Contro le regole del mondo.
Un artista, come uno scrittore, se è davvero tale (se fa
sul serio, se non è solo uno che passa il suo tempo a
buttare giù colori su una tela o a riempire i fogli con
le sue cazzate) compie una specie di cammino di
autoeducazione, di autodisciplina, e si costruisce la sua
vita e il suo lavoro in libertà, mettendosi al mondo da
sé, contro il discorso dominante, contro le regole che
hanno cercato di imporgli. Chi?
La scuola,la famiglia,le chiese,le religioni,il gruppo,le fidan-
zate e i fidanzati, i mariti e le mogli, le mode culturali…
4. uno dei miei artisti preferiti in assoluto, uno di quelli
che torno sempre a guardare e a leggere anche, è
Dubuffet, e così ti voglio trascrivere una delle molte cose
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Sul filo dell’arte
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Omaggio a
Nam June Paik
Marisa Vescovo
[....] Nam June Paik — che aveva studiato composi-
zione musicale e storia dell’arte all’università di
Tokyo — nel 1956 si reca in Germania, dove, due
anni dopo, incontra John Cage, l’artista che lo con-
vince a diventare con lui l’apostolo del “caso”, mes-
saggero dell’anti-musica.
La prima esposizione di Paik, Music-Electronic
Television, avvenuta nel 1963, alla Galleria Parnass, a
Wuppertal, consisteva in un’installazione con 13
video-monitor, messi a caso, che riempivano lo spa-
zio con l’emissione di immagini ferme interagenti
domanda surreale
“Può l’arte ballare
al ritmo del flamenco?”
Senza titolo, 2005, Mariangela De Maria
risponde
Mariangela De Maria
L’arte non può, l’artista sì.
Ballo il flamenco liberatorio, dipingo l’arte come av-
ventura. Ballo liberamente senza costrizioni, dipingo e
racconto la mia libertà.
Mariangela De Maria
esporrà alla Galleria Scoglio di Quarto, Milano
dal 15 marzo 2006
June Paik
creatore della
video arte
... addio
Nam June Paik è nato a Seul
(Corea del Sud) nel 1932. Nel 1956
si laurea all’Università di Tokyo in
storia dell’arte e della musica.
Alla fine degli anni ’50 conosce
John Cage e inizia a creare musica
elettronica, musica-azione; diventa
un protagonista del movimento
Fluxus e sperimenta con la televi-
sione a colori e gli elettromagneti.
Nel 1982 espone al Whitney Mu-
seum of American Art di New
York. Nel 1993 partecipa alla XLV
Biennale di Venezia, e nel 1994
espone a Palazzo Reale a Milano.
Paik ha vissuto e lavorato a New
York e nella Repubblica Federale
Tedesca. È scomparso nel 2006.
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a cura di Stefano Soddu
con gli spettatori. Da questo primo passo nascono
una miriade di idee e invenzioni, che per ben 40
anni hanno avuto un ruolo fondamentale nell’intro-
duzione — accettata quasi subito — delle immagini
elettroniche in movimento nel mondo dell’arte.
In breve Paik diventa un
“genio” dei media per la sua
straordinaria capacità di pro-
porre forme-immagini, otte-
nute con mezzi tecnologici,
capaci però di coinvolgere
tutti i sensi, di mettere in
scena un movimento pro-
teiforme di un’apertura infi-
nita, un gioco complesso che
coinvolge inevitabilmente
anche l’interprete.
In Germania Paik, oltre a Jo-
seph Beuys e Cage, incontra
anche George Maciunas, il
fondatore di Fluxus, il quale,
nel 1964, lo introduce nel
mondo artistico newyorkese,
che viveva il momento magi-
co degli “happenings” e della
nascita dei film d’artista,
come quelli di Jonas Mekas.
Paik entra a far parte del mondo Fluxus, un grup-
po ondeggiante di artisti - Allan Kaprov, Wolf
Vostell, Yoko Ono, Dick Higgins, George Brecht,
Joe Jones, Geoffrey Hendricks, Philip Corner,
Robert Filliou,Alison Knowles, Ben Vautier, gli ita-
liani: Giuseppe Chiari, Silvano Bussotti, Gian
Emilio Simonetti, e poi La Monte Young, Henry
Flynt, ed altri — che avevano individuato nei mass
media la parte più negativa della cultura del tempo.
Questi artefici cercavano l’interdisciplinarità totale
dei mezzi da usare, e privilegiavano il processo crea-
tivo piuttosto che l’oggetto finale, e l’assoluta pre-
carietà dell’opera. Ma più che opere vere e proprie
gli artisti Fluxus preferivano dare vita ad “azioni” —
che rifuggivano ogni dogmatismo, o l’adesione a un
“bello” stereotipo — documentate da riprese in
video, foto, dischi, partiture musicali, e documenti
di vario genere. [....]
Nel 1964 entra a far parte di Fluxus, soprattutto
per volere di Paik, l’americana Charlotte Mo-
orman, diplomata in violoncello classico alla
Julliard, solista dell’American Symphony Or-
chestra, diretta da Leopold Stokowski. Essa diventa
fulmineamente una delle protagoniste più origina-
li della scena sperimentale newyorkese degli anni
Sessanta e Settanta. I due artisti insieme hanno for-
31
arte contemporanea
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mato un dinamico “duo” del multimediale, che ha
viaggiato per tutto il mondo. In Italia, nel 1966, alla
Biennale di Venezia, essi hanno presentato il Venice
Gondola Happening, portando una piccola orchestra
su una gondola, che inquadrata da una luce inten-
sa e teatrale passava romanticamente tra i canali Nam June Paik
della città lagunare col suo carico di giocosi turisti- con Lee U Fan
in secondo piano
performer. Francesco Conz
[....] Durante tutti gli anni ’70 e ’80 Paik ha lavo- foto di Enrico Cattaneo
rato come insegnante e attivista, supportando
altri artisti, e studiando opportunità per cambiare
le potenzialità del mezzo emergente del momento,
ovvero la TV. In questo periodo troviamo le collabora-
zioni fondamentali con Laurie Anderson, Joseph Beuys,
David Bowie, Merce Cunningham, e i sempre verdi
Cage e Moorman, con i quali ha creato una serie di
installazioni che hanno cambiato radicalmente l’uso del
video,ridefinendo in modo drastico questa pratica arti-
stica. Paik evidentemente pensava che l’orizzonte per-
cettivo di ogni essere vivente, e di ogni specie, fosse
molto particolare e potesse intervenire sulla sua visione
del mondo.
[...]. Paik è perfettamente consapevole che la televi-
sione tende a ridursi a “contenitore di visibilità”,
“coscienze delegate”, oggetto espositore di capacità
comunicative, orientatore del giudizio politico, ma
soprattutto a grande procacciatore di danaro,
mediante la pubblicità, danaro che alimenta questo
“mezzo”, garantendone un’esistenza sempre più
“vuota” — cioè sempre meno creativa e progettata
culturalmente — dal punto di vista dei contenuti e
dei messaggi, ma sempre più invadente e onnipo-
tente nei confronti dell’opinione pubblica, della pre-
senza visiva, della formazione del gusto e dei deside-
ri, nonché del controllo dei costumi e dei consumi.
È sullo sfondo di questo scenario che possiamo,
credo, capire l’intensa concentrazione, lo sforzo di
introspezione e di controllo compiuti da Paik.
Infatti nel suo lavoro egli ha saputo innanzitutto far
convivere interessi umanistici e musicali, una filtra-
ta e poetica cultura Zen, l’eredità delle avanguardie
del Novecento, legando il tutto con una conoscen-
za perfetta della tecnologia e dell’intelligenza artifi-
ciale. Attraverso un umorismo leggero e insieme
irriverente, di sapore Neo-Dada, egli decostruisce il
linguaggio del mezzo televisivo, indagando parallela-
mente i legami tra arte e cultura popolare, combi-
nando una tradizione sciamanica e razionale con una
magica capacità di sintesi, di astrazione, che lo hanno
condotto verso la conoscenza profonda e consapevo-
le dei mezzi informatici. Una conoscenza facilitata
dalla sua pazienza orientale mai venuta meno.
[...] Per mettere in crisi le immagini televisive [...]
Paik [...] usa le immagini in modo astratto — in
questo aiutato dalle sue conoscenze musicali — su
schemi dove troviamo forme ritmiche, geometrie
quantistiche particolari di natura, potenziati da
esplosioni di luci e di colori, contenuti in tempi
molto brevi, che ci costringono a ritrovare l’inten-
sità dello sguardo, e talora ci fanno balenare innan-
zi la luminosa immediatezza di squarci di storia di
questo nostro tormentato XX secolo. [...]
Nam June Paik, Charlotte Moorman e la scatola parlante
Dal testo critico di Marisa Vescovo
 Sergio Pedrocchi
Franco Farina
So per esperienza vissuta con artisti di diversa caratura e
immagine i personalissimi tragitti calcografici (in partico-
lare dell’acquaforte e puntasecca) da loro non ritenute
espressività minore, ma piuttosto collaterali all’attività pit-
Calcografie torica, soprattutto se le lastre non sono affidate a stampe-
rie prestigiose che pure esistono, ma i fogli siano “tirati”
dallo stesso incisore. Non è questa, ai fini di una scrupo-
losa valutazione del foglio, questione di poco conto,
anche e perché la “tiratura” comporta inevitabilmente
varianti impercettibili, ma varianti, che sono tanto più
valide se sono d’autore poiché ne accrescono connota-
zione e originalità. Preambolo questo mio necessario ai
fini di una più equa valutazione delle opere calcografiche
di Sergio Pedrocchi, che in proprio dalle sue lastre stam-
pa i suoi fogli intervenendo su ciascuno secondo un sen-
tire che trascende il puro esercizio formale, dimostrando-
si decisamente padrone della strumentazione tecnica che
lo fa capace di mettersi in uno stato di ipersensibilità e
così di cogliere il sotteso del mondo e dei suoi spettaco-
Riccarda Montenero
Ora-mai… è troppo tardi
Lorella Giudici
Ci sono almeno due punti fondamentali su cui
Riccarda Montenero e Ruggero Maggi amano
riflettere e confrontarsi, che sono poi gli stessi sui
Riccarda Montenero
e Ruggero Maggi
quali trovano il terreno di convivenza: il tempo e la
memoria. Due aspetti che, tra l’altro, come vedre-
Ora-mai… mo, tenderanno magicamente a fondersi in un’uni-
ca inquietante realtà. Ma, andiamo con ordine.
è troppo tardi
Sulla loro idea di tempo molto
è già stato detto e scritto, tal-
mente tanto che sembrerebbe
quasi superfluo riprendere per
l’ennesima volta l’argomento.
Eppure, forse proprio perché è
il punto attorno al quale, bene
o male, insistentemente ruota-
no la maggior parte degli inter-
venti critici precedenti, credo
che valga la pena ragionarci su
ancora un po’. E, sia chiaro,
non è per mera insistenza che si procede, ma per
amore dell’analisi, per quell’insaziabile bisogno di
andare sempre più a fondo o, se preferite, per quel
senso del dovere e di pignoleria critica che mi porta
spesso a spaccare il capello in quattro. E sia. Si
potrebbe cominciare affermando che la nozione di
tempo che entrambi sposano (seppure con sfumatu-
re diverse, con materiali affatto dissimili e con per-
corsi assolutamente differenti) è quella legata, per
così dire, a una dimensione
archeologica, storica, alla ricer-
ca di accadimenti ormai tra-
scorsi (più o meno recente-
mente), soprattutto di quelli
rimossi o dimenticati. Quel
passato che, come sempre
avviene, ha lasciato dietro di sé
delle tracce, degli oggetti, dei
labili segni viene tenacemente
riportato alla luce da Maggi e
Montenero. Scavando ostinata-
mente tra le macerie della memoria, entrambi sve-
lano realtà incredibili che in un attimo sembrano
trasportarci in sogno terribile. Il più delle volte,
infatti, dietro a questi ritrovamenti (sarei tentata di
aggiungere casuali, se non sapessi che, al contrario,
alle spalle ci sono interminabili ore di lavoro) sem-
bra celarsi un mistero, un enigma, un dramma col-
lettivo o anche una vera e propria catastrofe. Lo sce-
nario è alquanto eloquente, mentre un senso di
abbandono e di solitudine atta-
naglia lo spirito. Tutt’intorno
mani turgide, ma così poco
umane, affiorano da una terra
brulla o da superfici bianche
come sudari; bagagli di lamiera
giacciono abbandonati, come
se non avessero mai cominciato
il loro vero viaggio o come
relitti di un disastro aereo o di
un naufragio. E dietro a quelle
valige deformate, divelte e
annerite; tra quelle lamiere tortuosamente piegate e
marchiate con inutili e ossessivi orologi; nel loro
carico di ricordi e di speranze deluse; in quelle
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li, non tanto come illustratore, bensì di una realtà tanto
concreta da riassumere in se stessa possibili destini. I suoi
fogli confermano tutto questo e si ripropongono di tra-
sferire le emozioni vissute in chi ha la curiosità di cimen-
tarsi in un percorso certo non agevole, però pregnante di
significati che non sono solo dell’operatore estetico, ma
peculiari del nostro disastrato tempo, così come è testi-
moniato dalla cultura, figurativa e non, europea. È il caso
di aggiungere che l’apparente “disordine” è il lievito su
cui germoglia e ramifica la sua poesia esplicitata dal pos-
sesso misurato di ogni artificio tecnico: la prontezza della
mano nel fissare segni di luce e spessori d’ombra.La volu-
ta assenza di qualsivoglia figurazione induce a ricercare
scelte e motivazioni più sottili e mimetiche, in quanto i
“segni” sono sempre e comunque testimonianze e river-
beri di concrete realtà. Infatti, a ben guardare si avverto-
no echi di situazioni che ci appaiono al presente tanto da
confondersi con l’impulso stesso di una fantasia non avul-
sa dal quotidiano a tal punto da suggerirne atmosfere e
condizionamenti.A loro modo i fogli di Sergio Pedrocchi
sono racconti certamente non didascalici dove non sono
assenti motivi autobiografici, quasi un diario segnico che
ha registrato curiosità ed umori pacatamente calibrati, a
mani, alzate in un ultimo disperato gesto di aiuto, di
preghiera o d’amore; oltre quello strato soffocante
di terra c’è una tragica storia di uomini, c’è la me-
tafora di un’umanità che, nelle sue avventurose
migrazioni, si schianta, è travolta, inghiottita e ab-
bandonata, risucchiata prima di tutto dall’indiffe-
renza di chi ha assistito all’odissea e non ha fatto
nulla per porvi rimedio.
Quei resti foscoliani (solo ora, riconoscendoli, lo
sono diventati), allarmanti e dolorosi, sono la me-
Plevano incontra
Adriana Contarini
R.P. Quando e come il tuo incontro con l’arte?
A.C. Era l’ottobre del 1994 quando ho riaperto
una porta socchiusa tanti anni prima e sono passata
nelle stanze dell’arte incominciando da quella dove
si disegna con la matita, si guarda, si osserva e si crea
una propria interpretazione della realtà, passando
poi attraverso le altre: quella della pittura ad olio e a
tempera, quella dell’acquerello difficile intrigante…
trasparente per poi sostare a lungo nella stanza del-
l’incisione dove odori acri di acidi, antichi torchi,
dorate scaglie di colofonia, calore di una fiamma,
tempi di attesa o effetti immediati, sgorbie, brunitoi
e bianco di Spagna mi sospingevano in un mondo
ricco di effetti speciali! Per alcuni anni con ritmo
incalzante ho desiderato imparare per poi iniziare
un percorso mio facendo uso di elementi presenti
nelle varie tecniche.
Come realizzi quindi i tuoi lavori?
Procedo iniziando dalle forme degli elementi com-
positivi: devono stare bene insieme, parlarsi o crea-
re un accordo forte o delicato, raffinato o irruente,
avere richiami, rimandi, creare dei primi piani e
degli sfondi. Poi interviene il colore a farla da
padrone a volte pieno, denso altre volte trasparen-
te, lieve, sottile e poi qualche segno, qualche vuoto
pieno di bianco. E così a volte da un lavoro ne
nasce un altro perche è l’idea che si sta realizzando:
all’inizio erano solo pensieri, forme nella mente,
colori in libertà, ora sono lì come li avevo pensati,
ecco, come dovevano essere! Questi sono momen-
ti in cui puoi veramente dire che l’arte crea piace-
re cioè piacere di creare per te stesso perché il dia-
logo è tra l’artista ed il lavoro che sta facendo. Se il
dialogo tra l’artista e l’opera non è fluido, diventa
difficile, stenta a procedere, allora meglio aspettare
un momento migliore perché poi arriva la soluzio-
ne. E quando giunge magari si porta con sé l’inizio
di tanti altri lavori e così continua la storia dell’ar-
tista e delle sue opere.
Cosa ti aspettavi nel riprendere il tuo cammino artistico?
Quando ho riaperto quella porta sull’arte non
sapevo dove mi avrebbe portato questa esperienza
ma era intenso in me il desiderio di riprendere un
discorso iniziato negli anni giovanili e mai com-
pletamente interrotto durante quelli dedicati alla
matematica. Ecco proprio lei, la matematica, è stata
un’amica che come l’arte ho amato fin da giovane
e come l’arte è ricca di fantasia che è “colei” che
al momento opportuno ti suggerisce possibili
soluzioni ai problemi siano essi matematici o arti-
stici, purché si conoscano le “tecniche” per opera-
re o se ne introducano di nuove. Quando l’artista
32
volte con nervosa misurata gestua-
lità, sempre sottomessi a padronan-
za e rigore esecutivo. Rispetto ai
fogli realizzati recentemente, questi
ultimi sono tali da supporre uno
“sconfinamento” in un’area appa-
rentemente più accattivante dell’e-
donismo. Si tratta però di una
impressione di brevissima durata, in
quanto risulta evidentissimo che le
distinte immagini prendono corpo
da una sola matrice: un evento
segnico allusivo che è contestuale
anche ad esperienze grafiche di
tutt’altra “matrice” dalle quali
dipartire per itinerari altri dove, di volta in volta, vengo-
no artatamente strumentalizzati.Arte anche di invenzio-
ne, questa di Sergio Pedrocchi, che si confronta con le
fisionomie del presente su basi problematiche per aprirsi
anche alle suggestioni dell’oggi, e ripensarle come parte
integrante e non isolata di quel flusso continuo e inarre-
stabile dove si immerge il tempo dell’uomo nell’espan-
dersi della natura.
tafora dell’uomo, nella propria vicenda di singolo e
di essere sociale, gli avanzi di un passaggio tumul-
tuoso e repentino, le uniche tracce di un’identità (e
di un’umanità) sconfitta.
Presente e passato per un momento si confondono.
I ricordi e le emozioni si accalcano, affiorano senza
ordine e senza freni. E con loro mille domande:
perché? quando? come? chi?
Solo ora vorremo che tutto questo non fosse mai
accaduto, ma oramai è troppo tardi.
realizza un’opera affronta il problema di cosa vuole
realizzare e di come ottenerlo: ecco dunque che
deve individuare la soluzione e tra le tante quella
che ritiene la migliore, la più congeniale a sé o la
più semplice o la più facile o la più romantica o la
più aspra o la più concettuale o… Ora sento il
desiderio di esprimermi attraverso i miei lavori
che cerco siano il più possibile corrispondenti
all’idea che ho di ciascuno di essi prima di realiz-
zarlo. Qualche anno fa ho presentato alla Libreria
Feltrinelli di via Manzoni una mostra dal titolo
Altri Spazi; ecco quando lavoro mi colloco in un
altro spazio e lì ricerco la realizzazione dell’idea.
Spesso sono i giovani ad apprezzare le mie opere e
ciò mi fa molto piacere perché ho l’impressione di
avere ancora cose da dire e sono molto contenta
quando ho l’occasione di lavorare con i ragazzi o
con i bambini: sono più liberi di esprimersi e di
usare il linguaggio artistico. Fare una mostra per
me vuoi dire non solo esporre alla fruizione altrui
dei lavori, ma partire da un titolo, da un argomen-
to, da un colore, comunque da un elemento che
accomuni le opere esposte e lavorare per ottenere
un “ritmo astratto”. Dopo le prime mostre collet-
tive giovanili sono venute quelle degli anni No-
vanta per poi cimentarmi negli ultimi anni in
mostre personali.
Quali artisti italiani ti affascinano o incuriosiscono?
Dovrei fare una lunga lista di nomi, ma al momen-
to ne scelgo tre: lontano nel tempo ma sempre
attuale e presente Leonardo da Vinci, irripetibile
per la sua ricchezza scientifica, artistica, culturale e
capace di spaziare in ogni direzione dell’intelletto;
in un recente passato Umberto Boccioni per l’in-
tensità e la forza dei suoi lavori, la capacità di inte-
riorizzare gli esterni ed esteriorizzare gli interni
cioè fare posto a tutti gli spazi; nel presente
Mimmo Rotella perché le sue opere sono intri-
ganti, ci sono sempre oltre al primo un secondo, un
terzo e ancora altri piani nascosti e per l’uso che fa
della carta che è un materiale molto interessante
come strumento creativo, realizzando quegli “strap-
pi”che interrompono ma che danno forza alla
composizione.
Cosa pensi dell’attuale approccio all’arte?
Attualmente tutti siamo più attenti alle manifesta-
zioni artistiche, molte più persone, rispetto solo ad
alcuni anni fa, si recano a vedere mostre, a visitare
musei o a conoscere opere d’arte e questo è molto
positivo anche perché è un valido modo per educa-
re all’arte le nuove generazioni; uno sforzo in più
andrebbe fatto nell’avere maggior coraggio ed en-
trare nelle gallerie, vedere di più e con più disinvol-
tura la produzione artistica di oggi.Tanta gente nel
tempo libero va per negozi o a vedere le proposte
della moda e allora perché non andare anche per
gallerie e vedere cosa offre l’arte oggi?
Potrebbe essere una valida alternativa.

Paola Blasi
Skies
Vladek Cwalinski
Quello che è successo a Paola Blasi, ragazza con la fissa
della pittura che, intrappolata in un accademismo forzato,
studiato, imposto, sopportato, accettato, ma mai amato, in
fondo, è una vera e propria liberazione. Come una specie
di terremoto sotterraneo che tutto, ma proprio tutto, ha
squassato per tornare, finalmente a ricostruire, dalle fon-
damenta, dalle basi. Devo ammettere che la cosa, inaspet-
tata, quanto segretamente desiderata, ha sorpreso anche
me. Non me l’aspettavo. Ecco. Nasce così questa serie dei
cieli. Skies. Omaggio al linguaggio internazionale. E pla-
netario.Anche.“Ma a te cosa piace dipingere?”“Il cielo!”.
È nata così l’idea di questa mostra. Semplicemente.
Partendo da ciò che piace. Perché da cosa si dovrebbe
partire, altrimenti, in pittura, con la pretesa che essa porta,
da sempre,da Giorgione a Tiziano,da Turner a Constable,
da van Gogh a Kiefer, se non da ciò che può potrebbe,
potrà,forse,dar pace all’animo? Pur nella miseria,nei casi-
ni, nella rogna, nella peste, anche, di cui questa città, sem-
bra (sembra…) impiastrata fin nelle viscere? Anche quel-
le dell’arte. Cieli, dunque. Perché la Blasi il cielo l’ha sem-
Gio Ross
L’archeologia del
presente
Pietro Quartani
C’è una battuta che è circolata a lungo, fino a una deci-
na di anni fa, tra psicologi e psicoanalisti. Diceva:
“Ognuno scopre l’inconscio solo quando apre un conto corren-
te…”. Mutuando quel neppure troppo sottile aforisma,
sono tra quanti pensano che, invece, il modo migliore di
scoprire l’inconscio sia visitare una mostra di arte con-
temporanea, partecipare cioè, seppure per un piccolo
frammento, di quella lunga cavalcata attraverso la psiche
individuale e collettiva che è stata e continua ad essere la
ricerca artistica nell’ultimo secolo.Anche l’opera di Giò
Ross non si sottrae a questa suggestione, opera che pro-
pone le tracce di un’indagine all’apparenza lieve e flebi-
le come i profili dei suoi Timidi, in realtà segnata da
un’ansia profonda di ricerca, che quasi si materializza nel
continuo agitarsi e rincorrersi di temi, tecniche e mate-
Ianuario Solaris
Panni al sole
LA CITTÀ DELL’ARTE, sede decentrata della
Libreria Bocca, in via Olona 16, a Quinto De Stampi
Rozzano - Milano, domenica 9 ottobre 2005, ha ospi-
tato lo scultore Giancarlo Ianuario (in arte Solaris), che
si è esibito in una performance intitolata Raku, ragù e
panni al sole.
Su corde ben tese, l’artista, al suono, altamente coinvol-
gente, de La tammurriata nera, ha steso lenzuola, magliet-
te, mutande e altri indumenti e ha cominciato a dipin-
gere il tutto con la sua personalissima tavolozza solare.
L’estro pittorico era accompagnato dai profumi culina-
ri tipicamente partenopei: spaghetti alla puttanesca (così
detti perché, la velocità di preparazione, consentiva alle
signorine delle case chiuse, di non perdere troppo
tempo…) con pomodori vesuviani, salcicce arrostite
sulla brace accompagnate da friarielli e bruschette.
Un buon vino aglianico ha esaltato ancor di più il mo-
mento altamente creativo di Solaris, che letteralmente
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pre guardato.Cosa ci veda,se un ordine,un disegno segre-
to, ma esplicito, inaspettato e sorprendente, o un tetto di
piombo, non mi è dato saperlo. Fatto sta che dal cielo è
attirata da sempre.Pur nei casini,lo guarda.E,fin qui nien-
te di strano. Il fatto, sorprendente, e, appunto, inaspettato, è
che ha iniziato anche a trovarvi una forma adeguata, per
dipingerlo questo “Ciel di Lombardia che è così bello quando
è bello”, come scriveva Alessandro Manzoni nei Promessi
sposi. Con carte, pigmenti, colori, resine, lucidi, sabbie, che,
da un lato dicono, dalla liberazione, dell’impossibile quanto
irrinunciabile aspirazione dell’animo; dall’altro la macula,
il nostro lato tenebroso, oscuro, quando lui, di fuoco si
tinge e, sembra che tetti, case, automobili, autobus, tram,
rimangano per un attimo immobili, attoniti, tanta è la
sproporzione. Un attimo solo, perché poi si riprende a far
business. Ma quello basta, come una ferita, a squassare
tutto, e la Blasi se ne è accorta, nonostante la noncuranza,
cieca,di chi il cielo,forse,lo guarderà solo quando gli cadrà
un meteorite sulla capoccia. Cieli, dunque. Limpidi, pieni
di luce, lux, con colori tenui e delicati, intrisi, o sporchi,
quasi che assumano in sé per pulirle,tutte le rogne,le maga-
gne, le ferite e le pustole, anche, della terra. Lucenti, limpi-
di,tersi o tenebrosi poco importa.Fatto sta che le carte,reg-
gono. Eccome. È un inizio. Come ho già detto dove que- SpazioBoccainGalleria
sto porterà non mi è dato saperlo.Per ora c’è.Pittura,dolce, Mercoledì 7 giugno 2006 - ore 18,30 Sky, 2005
limpida e bastarda insieme. Basta osservarle. Cielo! acquarello, cm 40 x 50
riali.Tanto che può risultare difficile, se non vano, cerca- no attorno e della loro ricostruzione arbitraria secondo Formula magica, 1997
re di incasellare il suo lavoro in una corrente, una fami- codici espressivi connotati ora da pulsioni estetizzanti olio su masonite
glia, un apparentamento, operazione peraltro spesso pra-
ticata dalla critica più per pigrizia mentale e — ahimè
ora, più spesso, da istanze comunicative. […]
Si è detto della natura evolutiva del lavoro di Giò Ross,
cm 60 x 80
— per esigenze di mercato. Così nell’attuale foresta arti-
stica popolata da tanti post, new e trans-qualcosa, Giò
natura evolutiva che ci ha presentato fino ad oggi scheg-
ge di trasformazioni oniriche, metafore di evoluzioni
Ross, novello Pollicino, sembra scorazzare seminando le antropologiche, reperti di mutazioni dei codici dell’arte.
molliche di un suo percorso amico di tanti, memore dei Non crediamo di essere cattivi profeti se diciamo di
grandi, ma, soprattutto, libero di de- e poi ri- intravedere, dopo le tappe trasformative ed evolutive, un
costruirsi attraverso la cifra assolutamente perso- approdo che trova nella metamorfosi la sua linea rossa.
nale di un’ingenuità sapiente. […] […] Un sociologo attento ed acuto come Zygmunt
Il suo è un percorso attraverso un’archeologia del Bauman ci ricorda che nella nostra società, che respinge
presente, che propone i reperti ora evidenti, ora la stabilità e la durata e che preferisce l’apparenza alla
sottintesi, di una contemporaneità tutta connota- sostanza, le vite si frammentano in episodi e “il tempo non
ta da rivoluzioni quotidiane. […] Ecco allora i
floppy disk — quotidiano strumento del virtuale
— riordinarsi in quadri-bacheca (Reperti) in cui
un colore caldo e materico avvolge e dà corpo
alla memoria artificiale, incrosta e umanizza un
oggetto quotidiano disperso. Si torna alla materia
— come ad un’anfora secolare che riappare da
uno scavo — in un itinerario capace di rianno-
dare con suggerito processo mentale, quei dati,
dispersi su un floppy consunto, a numeri fragili,
parole sconosciute scritte su un byte di cui fare
inutile memoria. […] In questo gioco tutto
rivolto ad intra ci accompagna verso la metabo-
lizzazione di un’incomunicabilità sancita, una resa di
fronte all’impossibilità a comunicare l’incomunicabile,
ma proprio quando alza la sua bandiera bianca ci offre
una di quelle che crediamo tra le sue prove più riuscite
(Rigurgito di parole).
Così l’ultimo Giò Ross ci propone una sua Città dei
reperti che poi ritroviamo devastata e ridotta a discarica
della memoria (Dopo il bombardamento); poi ancora visi-
tata dall’ombra dell’artista giustapposta alla tela (Ombra
nella città) in una sorta di zapping delle apparenze, che fa è più un fiume, ma un insieme di pozzanghere”. Giò Ross ci Rigurgito di parole, 2005
dell’artista un collezionista di sensazioni. […] Se la ten- propone un’arte in cui con consapevole gioco, l’artista tecnica mista
tazione di tanta arte dei nostri giorni è quella di caval- salta a piè pari nelle sue ed altrui pozzanghere, schizzan- cm 50 x 70
care l’effimero mutuando un iconologia fredda dal lin- do di fango e di humus fecondo le sue tele, non meno
guaggio pubblicitario, lui sceglie invece la strada più ana- di chi le osserva riconoscendovi, volente o nolente, trac-
litica del setacciamento dei frammenti visivi che ci cado- ce del proprio percorso.
faceva volare i colori in un turbinio di immagini astrat-
to-figurative.
Tutti i numerosi partecipanti sono tornati a casa con la
loro opera d’arte da indossare o usare come elemento
d’arredo a ricordo di una giornata solare e indimentica-
bile in tutti i sensi.
Angelo Calabrese, critico d’arte, a proposito di questa
iniziativa ha scritto:“…Giancarlo Ianuario prende le sue
‘memorie’ di panni sacri della sua città e li rende solari con il
suo gesto cromatico. Non è di quelli che non sanno ‘leggere’.
Per lui il canto delle lavandaie del Vomero che invocano il sole
è dettato da vitale necessità lavorative: ‘Jesce sole’, esci dalle
nuvole o sole, splendente imperatore, ha sapore e senso di un
antico rito di propiziazione.
Panni stesi ad asciugare e sole si conciliano perfettamente…”
La Città dell’Arte
la 2a domenica del mese
da APRILE a OTTOBRE 2006
dalle 10 alle 18
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SegretediBocca
Via Molino delle Armi 3/5
Mercoledì 3 maggio 2006 ore - 18,30
Gabriele Buratti
Le sue veline
Antonio D’Amico
Nella nostra attuale contemporaneità, l’arte sembra essere
dominata da un uso smodato del concettuale, a tal punto
che, estremizzando, l’artista, o presunto tale, potrebbe fare
a meno di esercitare il gesto creativo. L’idea ‘primogenita’
contiene in nuce una forma visiva non omologata che
attende l’esplicitarsi.Nella recente produzione pittorica di
Alessandra Rovelli
Fields*
Vladek Cwalinski
Più volte sono rimasto affascinato dalla bellezza dei
campi lungo la Rivoltana, dal loro silenzio e dalla loro
sacralità‚ quando s’aprono come mantelli, soprattutto
dopo aver superato la villa Invernizzi, e poi attraverso
Liscate, Melzo, Trucazzano, e qui, quando le giornate
sono serene, si apre sulla sinistra una visione meraviglio-
sa, con la terra che si estende a perdita d’occhio, piatta,
arata, e lo sguardo può spaziare liberamente, fino a con-
templare la Grigna, la Grignetta e il Resegone, inneva-
ti, limpidi, assoluti. E poi avanti dopo il canale Muzza,
attraverso l’Adda, fino a Rivolta, dove talvolta capita,
soprattutto d’inverno, di incontrare qualche airone
cenerino appollaiato ai bordi della strada, che sta lì,
senza paura, a osservare le auto e i camion che passano.
Presenze immobili che mi tengono compagnia, mute
sentinelle rassicuranti.
Sono rimasto molto stupito dall’aver appreso che una
giovane artista, Alessandra Rovelli, proprio quei campi
aveva iniziato a prendere in considerazione, a guardarli,
percorrerli, disegnarli, a dipingerli, ecco. Dipingerli?
Non so se il verbo sia adeguato, perché quello che la
Rovelli fa non c’è parola per descriverlo. Lei questi
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Daniele Cazzato
L’emozionante
danza del volo
Laura Giunipero
La ricerca artistica di Daniele Cazzato si avvale delle
forme simboliche degli animali; simboli che si ritrova-
no nell’arte dalla preistoria a oggi. Un percorso dell’im-
maginario collettivo, nel quale questo artista salta tutta
l’arte di maniera, per arrivare, per esempio, all’emozio-
ne di un volo. Questo legame alla natura lo porta ad
esprimere ciò che vede e sente con forme essenziali,
non astratte, legate alla vita delle esperienze quotidiane.
Come dice l’artista stesso il suo lavoro incomincia da
una “emozione” reale momentanea, una percezione che
ricerca di volta in volta il segno per arrivare all’espres-
sione. Un tentativo faticoso di annullarsi nel volo di un
insetto o di un uccello, che diventa una danza, una sen-
sazione che si ferma sul foglio attraverso una tecnica
pittorica quasi scultorea, un senso del volume a pochi
colori e molta luce. L’amore e il trasporto verso la natu-
ra permettono a Daniele Cazzato di dominare e rap-
presentare l’inquietudine della vita stessa. Ciò che esiste
attorno a noi diventa un pretesto per l’invenzione, che
sa andare oltre la convenzione del reale e della sua ripro-
duzione, per arrivare a costruire e ricostruire con sinte-
si pittorica e chiarezza espressiva il soggetto di questa
ricerca artistica, che si muove sempre su un grande
sfondo, come se volesse esprimere l’inafferrabilità dell’e-
sistenza e ci porta, grazie a questo straordinario artista,
nelle profondità dell’inconscio e attraverso queste im-
magini primordiali riusciamo persino a superare il
nostro minaccioso mondo contemporaneo.
Gabriele Buratti le condizioni dell’oggettivarsi esprimono
i temi della donna farfalla o meglio dell’eterna giovinezza o,
brutalmente, dell’inculatio verginis. Gesti genetici che
uniformano gli intenti e omogeneizzano la società ren-
dendola inerte alle manipolazioni di qualsiasi tipo.
D’altronde, così facendo, se il fruitore comprende o meno
il risultato finale, apprezzandone il significante, non è ele-
mento indispensabile.Poi,in verità,perché immergersi nei
meandri intricati della comprensione del risultato pittori-
co? Se già gli interventi sul DNA ci renderanno uguali, la
funzione dell’arte può forse aiutare a difendere l’identità
dell’individuo? D’altro canto sapere il perché dei concetti
espressi o a volte, magari, lasciati inespressi e solo accenna-
ti? Volendo banalizzare,ma volendosi anche calare nel vis-
suto quotidiano, basta accendere la televisione e siamo
attratti da svariate ‘immagini in movimento’ pronte all’u-
so che fanno della loro vana bellezza il motivo principe
dell’esistere, nessuna di quelle ‘veline’ si fa domande
profonde che intaccano il perché dei gesti. Dunque in
quei movimenti e in quegli atteggiamenti che sanno di
pura ‘inculatio s-verginis’ si legge una vuota bellezza che
attende di essere consumata dal primo passante! Questo è
il concetto del vuoto e dell’essenza primordiale del gesto
inconsapevole di un io femminile che non conquista stadi
alti della femminilità. Queste verosimilmente sono alcune SpazioBoccainGalleria
fra le espressioni pittoriche che Gabriele Buratti tenta di Mercoledì 26 aprile 2006 - ore 18,30
eternare nella sua produzione recente.
campi prima di tutto li ama, li contempla, li scava, ne perché questa costitui-
prende le terre, gli arbusti, gli sterpi, la cenere dei falò sce un legame, una pre-
accesi dai contadini. ferenza elettiva a un
Gli stessi che appaiono poi nelle sue opere dove la neve
sta lì, nei solchi, talvolta marcisce, diventa acqua, e le zolle
sentire comune, profon-
do, come i solchi dei
tornano a riaffiorare, umide. campi, come i crateri
Questa scelta, estetica e di giudizio sul mondo, su un dei vulcani.
mondo, che può apparir inusuale, ha una precisa tradi- Questo percorso storico
zione nell’arte del 900, italiana, europea e, in alcuni casi, vanta di una tradizione
anche statunitense della quale occorre esser fieri. Sì, fieri ben precisa nello scorso
secolo da Alberto Bur-
ri a Ennio Morlotti,
da Robert Smithson
a William Congdon,
fino ad Anselm Kiefer.
Alessandra Rovelli s’inserisce, timidamente, in questo Colori di Sardegna
solco, in questo tracciato, che evidenzia un sentimento 2003
comune verso la natura e non disdegna di abbassarsi agli tecnica mista
aspetti umili della materia, per ritrovare, e questo per lei con elementi vegetali
è già un presente, i propri paesaggi interiori, sollecitati su tavola
cm 100 x 70
da ciò che si è visto. collezione privata
*estratto dal testo del catalogo della mostra
SpazioBoccainGalleria Campi d’acqua, 2005
Mercoledì 15 marzo 2006 - ore 18,30 tecnica mista su tavola
cm 114 x 122
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