ARTISTI IN RIVISTA
di Bocca Anno V, N. 16 • Gennaio-Marzo 2006
Saturno Buttò
Giovanni Serafini
L’arte è esibizione rituale dei misteri primari
Camille Paglia
Saturno Buttò vive accanto al respiro del mare.
Quando la porta del suo studio si richiude sull’affolla-
to viavai di turisti, si varca la soglia del tempo per ritro-
varsi in un oltretomba proibito. Una musica insinuante
supera l’inatteso silenzio e si è avvolti da un accattivan-
te languore che con dosate luminosità esalta visioni
attraenti e impudiche. Non è un atelier di semplice pit-
tore. È un tempio in cui officiare. Un utero conforte-
vole impreziosito da una scenografia raffinata in cui
volumi eleganti, riviste licenziose e rare, tappeti, teste
scolpite ornate di corna, divani in pelle nera, ferri chi-
rurgici, feticci, pennelli, correttori ortopedici, masche-
re a gas e altri eccentrici oggetti sono attorniati da un
fondale di quadri, dai quali si leva in muto lamento una
teoria di figure che si affolla intorno, in un clima da
girone dantesco. E il nostro autore, dita da pianista,
sguardo penetrante, ampia fronte e profilo assottigliato
in un mefistofelico pizzetto, ci introduce alla liturgia
delle sue curiose creature che traggono suggestione da
tradizioni cruente e scabrosi tabù. Cosa sarà passato in
tutti quegli animi che per secoli hanno osservato tru-
culente passioni di Cristo, santi trafitti (Mishima avreb-
be avuto il primo orgasmo contemplando il San Seba-
stiano del Reni), mutilazioni di martiri, giudizi univer-
sali con cascate di condannati straziati da diavoli infero-
citi? Erotismo e dolore, trasgressione e piacere, in con-
tinuo conflitto tra demoniaco e celestiale, e godimento
come tregua o sublimazione estatica del dolore, sono
tra i motivi conduttori di cui si nutre l’opera di Buttò,
ricca di riferimenti colti e di provocazioni sarcastiche
innescate dalla sua intransigente visione della religione.
Non vi è traccia di oscenità né di compiacimento bla-
sfemo. L’oscenità, squisitamente cerebrale, originata se
Walter Valentini
Artisti in cielo e in terra
continua da pag. 1
Galleria si faceva martellante, ma le
richieste del Comune rimanevano
ferme e pesanti, non solo volevano
più soldi, ma azzeravano i contrat-
ti d’affitto, sostituendoli con con-
cessioni, per avere mano libera nel-
l’allontanare vecchie aziende o nel
farne arrivare di nuove, tanto da spingere quaranta
inquilini della Galleria ad intraprendere una causa lega-
le presso il Tribunale di Milano per difendere il proprio
lavoro e il valore della loro azienda. In questa atmosfe-
ra dovevo trovare una soluzione al futuro della libreria
che non fosse una richiesta di contributi a fondo per-
duto al Parlamento, al Comune o alla Regione. I tempi
dei regali erano finiti e moralmente non riproponibili.
Vendere più libri restava e resta uno slogan, se si vuole
d’effetto, ma solo di facciata, perché chi opera nel
mondo dell’editoria sa che in realtà non solo si vendo-
no meno libri, ma nemmeno li vogliono più. Le nuove
generazioni infatti, amano viaggiare in Internet e scari-
carsi il necessario.Allargare il mer-
cato fuori dai confini nazionali,
oltre a quanto ho operato negli
ultimi vent’anni, trova due barriere
insormontabili: la lingua e i tra-
sporti. Per i libri restano i mercati
di sempre, l’Europa e l’America,
attualmente molto in crisi. Che
fare? Una soluzione mi pareva l’i-
dea di costruire un pavimento,
Claudio Olivieri
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Direttore Responsabile: Giorgio Lodetti / Direttore Artistico: Roberto Plevano / Progetto Grafico: Franco Colnaghi
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mai dall’audacia delle contaminazioni tra sacro e profa-
no — ma non discendono entrambi dall’unico De-
miurgo? — che Buttò trasforma in immagini per i
nostri pavidi occhi, in grado di sommuovere delicati
equilibri, rivelandoci le intuizioni più turpi. Saturno
Buttò, come ogni uomo, ha una sua partita aperta con
Dio. E la gioca con tutto il suo potere di evocazione
delle violente contraddizioni che con perversione gau-
diosa divelgono le radici dei nostri rimorsi, palesando
l’inganno di ciò che ci viene chiesto di venerare. Da
qui forse un senso confuso di profanazione con un titil-
lamento diabolico di rivalsa delle nostre coscienze in
fatto come quello visto in Galleria l’anno prima, al
posto delle mattonelle, opere realizzate dagli amici arti-
sti, concretamente impegnati nel sostenere la loro libre-
ria, collocate sotto un cristallo, in bella mostra, dove si
potevano ammirare non alle pareti, ma in terra e poi
metterlo in vendita. Così facendo, con quelle opere
d’arte avrei dato vita ad una sinergia tra la Bocca, gli
artisti e i nostri soci, nella quale la somma dei protago-
nisti avrebbe fatto più di tre, finanziando in parte l’au-
mento dei costi della libreria, indipendentemente dal-
l’andamento delle vendite dei libri. In tre anni di posa,
i numerosissimi avventori ne hanno decretato il suc-
Giacomo Sampieri
per le Segrete di Bocca
in 3a pagina
Cioccolabbra, 2004, olio su tela, cm 40 x 30
19
cui reprimiamo le insorgenze della ragione. Il senso di Pissing woman, 2003
colpa, la castrazione di impulsi vitali, il tormento della cm 78 x 135
confessione sembrano a Buttò — credente anche se
non osservante — vincoli assurdi orientati contro la
natura umana che non sa conciliare l’attrazione al sacro
e la divina riprovazione per il peccato: il più irrefrena-
bile dei nostri desideri. E poi i cerusici, con i loro arne-
si chirurgici di sinistro fascino, che aggiungono sopras-
salti di patimento a carni indifese col borioso pretesto
di sanare. Così Buttò introduce nei quadri l’agghiac-
continua a pagina 20
Giovanni Sesia
cesso. […] La prima mattonella l’ha portata Fernanda
Fedi, l’ultima, Eugenia Ciuro, la posa risale all’agosto
del 2003, alla presenza delle amiche Gabriella Ruggeri
e Fausta Dossi. Di buon auspicio una compresenza
femminile tanto numerosa, nell’aprire e chiudere que-
sto ciclo, giacché di un ciclo di opere d’arte si tratta, che
in parte cambieranno ogni anno. Dalla prima idea ori-
ginale la situazione si è andata evolvendo in modo in-
controllabile.Tutti gli artisti facevano una mattonella e
la facevano fare anche ai loro amici. Grazia Chiesa ne
mobilitava una gran parte, Stefano Soddu con la moglie
Jaume Rocamora
Gabriella Brembati e Giulio Santabarbara non erano da
meno. Non potendo rifiutare quell’aiuto spontaneo e
generoso, mi impegnavo a trovare gli spazi in un luogo
dove ormai i centimetri quadrati sono tutti impegnati.
Così, levando gli occhi al cielo ho pensato che sopra gli
scaffali potevo mettere delle finestre scorrevoli ed ospi-
tare le 220 opere arrivate nel frattempo. Ogni anno,
sotto Natale, a partire da questo 2005, due-
centotrentesimo dalla fondazione della Bocca (Torino
1775) organizzo una vendita, accompagnata da catalo-
go, per consentire ai soci, comprando un’opera d’arte,
di fare, una volta tanto, regali originali, di fare un pic- Franco Zazzeri
colo, ma solido investimento in arte e dare un contri-
buto, non a fondo perduto, alla storica libreria e con-
sentirle di fronteggiare un futuro che si presenta incer-
to e rischioso. L’anno venturo riproporrò la vendita,
sostituendo con opere nuove quelle vendute.
SpazioBoccainGalleria
Giovedì 15 dicembre 2005 ore 21,00

Opus Dei, 2003 ciante perfezione di ferri operatori o ingiuriose ampol-
cm 135 x 108 le per clisteri a penzoloni su trepidanti cavie umane
come silenziosa denuncia. Di questo e altro si sostanzia
l’incantesimo dei suoi nonsense, fissati in momentanei
ristagni di silenzio, dai quali in ogni attimo può sorge-
re la possibilità di un feroce disordine (Clistery Dominus
Gourmet, Teresaextasy). Nell’intensa opera Silvia Devotio
riappare il famoso segnacolo del Sacro Cuore che una
piacente fanciulla ostenta in penosa scarnificazione sul
Nada Pivetta
Giulio Residori
Nada Pivetta è una giovane scultrice che persegue sin
da piccola un grande sogno: trovare attraverso la
modellatura della materia la realizzazione di forme che
soddisfino l’amore per il disegno anatomico ma anche
l’espressione di ricerca introspettiva e di libertà quali
solo l’astrattismo può dare.
Cresciuta in un ambiente ove
l’arte era di casa, con un eclet-
tico zio Emilio quale referente,
non poteva che accedere al
liceo artistico e quindi a Brera,
a Milano ove studia i grandi
moderni — in particolare
Giacometti, Marini, Brancusi
— lasciandosi alle spalle ben
presto, il figurativo classico
alla ricerca della propria
strada. Il legno e la creta
sono le materie che meglio
si addicono alla sua sensibi-
lità, per la gioia di scavare in
forme vive ove vi è traccia di
un passato o di plasmare con
gioia per i misteriosi effetti
finali della terracotta.
Passo dopo passo e sempre con
grande entusiasmo ed impegno
— ché la vita dell’arte è lunga e
avara di soddisfazioni — ha
presentato dal 1992 in rassegne
collettive e in personali racco-
gliendo consensi da parte di
critici ed appassionati d’arte che
ne hanno colto, in particolare, lo
spirito e la visione non volti al
mercato, ma tesi all’espansione
della propria intima ricerca.
Per questo ne apprezziamo l’o-
pera e ben volentieri ne segna-
liamo la presenza, oggi poco
conosciuta, ma che merita un’at-
Odoacre, 2004 tenta considerazione.
legno policromo
Soprattutto se potrà avere un seguito concreto, come le
cm 100 x 48 x 22
auguriamo, quella aspirazione a realizzare in grande
quelli che ora sono dei ben curati ed amati piccoli
capolavori.
La strada è quella giusta, Nada. Auguri.
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petto scoperto, marchio a fuoco di fede che le lascia
sollevata la pelle irrorata di sangue, con stimmate sulle
mani devote e con un cordone penitenziale in grembo.
Cruciale richiamo ai simboli forti dell’iconografia cri-
stiana in tempi di antitesi al dilagare dell’islamismo.
Ogni rappresentazione diventa metafora, rimando so-
billatore alla prevaricazione divina su un’umanità so-
praffatta che cerca scampo e rivincita nella trasgressio-
ne del piacere negato. L’Opus Dei, stupenda schiena
nuda di donna, dal largo sensuoso bacino al fondo del
quale si allarga l’ambigua scritta del titolo nell’eleganza
del carattere gotico, provoca un divertito scalpore inte-
riore. Quale opera è più compiutamente divina di un
nudo di donna e cosa vi è di più empio — per i codi-
ni — della contaminazione tra religione e un bel fon-
doschiena? Uscire dalle regole è l’imperativo dell’arti-
sta, preda di aberranti ma anche stimolanti antinomie.
Il ricorrente richiamo sessuale, coscienza di una lacera-
zione interiore che sottende insistentemente il tema
religioso e la sua rappresentazione, ma anche il noir, il
piercing, i culti pagani, il sadomaso, il punk e la body
modification stanno alla base delle creative e caustiche
meditazioni di Buttò in cui l’irriverenza contamina la
sacralità dei rituali con fisionomie e tic del quotidiano,
in totale assenza dell’estasi immateriale della vergogna
ma su cui aleggia una sottile ansia di redenzione. In
Danae, ingravidata dalla pioggia dorata di Giove, ridot-
ta qui a inseminante e mirato fiotto virile, e nel suo
contrappasso, la stupefacente Pissing woman che presen-
ta un’avvenente femmina ignuda nell’atto di liberare un
impetuoso getto di orina, incontenibile orgasmo fe-
condatore a inondare la terra quale unica e vera gene-
ratrice dell’umanità senza il concorso di miseri fuchi,
Buttò raggiunge tensioni emotive memorabili.
In Milk si ammira una giovane compiutamente nuda,
proprio perché inguainata di nero fino ai gomiti, con
un profilo flessuoso e perfetto, che strizzandosi una
mammella caprina fa sprizzare un denso, candido zam-
pillo di latte, nutrimento sublime, che in lieve traietto-
ria obliqua irrora il fondo nero del quadro, restando
lussuriosamente immortalato nell’aria. Evocazione
impulsiva di una generosa Susanna o dello steinbeckia-
Maria Teresa Fata
Pino Bravin
So perché Maria Teresa riesce a creare i volti delle sue
maschere. Perché li ha già tutti dentro. Deve solo farsi
largo tra le emozioni e i ricordi, aprire le narici dell’a-
nima. Così la cartapesta si curva e si modella accompa-
gnata dalle sue dita lievi lei osserva quello che accade
dietro il sipario della materia, e poi chiama a sé gli ovali
dei volti. Non sorride alle sue maschere, le guarda nel
profondo come fanno gli amanti che si sfiorano al
primo ballo. E i volti asciugano cercando di capire cosa
stia succedendo dietro i grandi occhi azzurri di Maria
Teresa. In quel momento la maschera è nata, come
frammento di donna e creatura artistica. Sono sfingi,
madri sofferenti, decadenti peccati dannunziani, carne-
vali opachi nella notte.Alcune sono ragazze che sogna-
no di fare l’amore, altre donne abbandonate. Qualcuna
è figlia di banchieri arroganti e qualche altra accenna
un sorriso, per non restare sola. Qualcuna vive di dolo-
rosa immobilità, qualche altra di indifferenza. Tutte
invitano ad entrare in un mondo da inventare. Il mes-
saggio delle labbra e degli occhi non rimane ritagliato
nell’ovale, ma si adagia intorno come cuscino d’argilla.
Il bronzo e il blu si fondono, vanno e vengono sulle
Plevano incontra
Roberto Casiraghi
Cos’è per te l’arte?
È la ricerca della libertà e l’affermazione dell’unicità, è
reinventare il mondo. L’arte non si dichiara ma si com-
pie, nella sua gestazione ha il beneficio del dubbio e
inaspettatamente e inesorabilmente arriva all’assoluto.
Cos’è un’opera d’arte? Può assurgere a personalità propria?
È un mistero che ti rivolge lo sguardo.
Ti consideri un pittore astratto?
Amo sempre l’affermazione di Barnett Newman: “un
artista dipinge per avere qualcosa da guardare”, una
definizione, uno stile, sono strade a senso unico… la
Pittura sta in bilico.
Cosa significa per te essere attuali?
I valori dell’arte sono originari e quindi assoluti, supe-
rano la condizione temporale e rendono secondo me
indissolubile la contemporaneità che lega Wiligelmo a
Rothko, Mozart a Monk.
Da cosa nasce in te l’impulso all’opera? Quando sai che l’o-
pera è compiuta?
20
no Furore ove una puerpera porge il giovane turgore
del seno al disperato squallore di un vecchio morente
di fame. Nell’opera Fetish, tema sul quale Buttò lavora
da tempo, trionfa ancora l’interminabile incanto di un
nudo di schiena, reiterato in un trittico esultante di
rossi e di neri, che imprigiona gli sguardi scossi dalla
bellezza, galvanizzati dai lacci di un nero corsetto di
cuoio che diventano legature di carne, infibulazione
dorsale, cucitura di un peccaminoso recesso, per ridi-
ventare feticistica costrizione di carni, urlante idolo
sensuale che scatena la fiera che si annida nell’uomo.
Riflessioni stringenti e sfida per enigmi sull’uomo che
nasce già infetto e soggiogato da un mai commesso
peccato. E sul colpevole silenzio di Dio che non si giu-
stifica per il male del mondo.
Un Deus Otiosus o un Demiurgo stanco che non si
capacita di avere dischiuso l’accesso alla titanica lotta tra
le potenze del Bene e del Male, consentendo che la
condizione umana finisca per essere intuita come il
prodotto maligno di una sviata volontà divina. Pittura
nitida e personale, di sana impronta figurativa, stesa con
la pazienza riflessiva delle velature, in cui prevalgono i
rossi accesi delle perversità e del piacere, gli ocra delle
malinconie e i neri del dolore e della morte, con son-
tuoso impiego della foglia d’oro a nobilitare l’infamia
della carne. In un autoritratto Buttò, a spalle nude, fa-
sciato stretto al petto come un torero, brandisce l’alle-
goria di un pennello quale arma pronta ad offendere,
incoronandosi di un imponente trofeo di ritorte corna
di muflone (fidando dell’essere scapolo), lasciando fil-
trare un moto d’ironia nello sguardo accigliato. La sua
non comune produzione, già apprezzata nel mondo, in
particolare negli Stati Uniti, è molto ben presentata sul
suo sito www.saturnobutto.com che suggeriamo di vi-
sitare. È una summa delle ossessioni esistenziali, vissute
nel tormento del raziocinio e nell’assillo di un’impos-
sibile composizione di opposti. Se il mistero del dolore
patito, equanime e assiduo compagno di vita, conterà
davvero come espiazione, ci auguriamo si tramuti in
bastante gruzzolo di pietà a commuovere il Dio che ci
attende, affinché affidi la nostra anima sfinita a un’eter-
na quiete di tenebra.
guance e sulle fronti, prevalgono
e sfumano in una sfida nella
quale Maria Teresa arriva
a deporre la tecnica tra
i sentimenti, avvol-
gendosi in un’affa-
scinante sintonia. E
a cornice dei volti le
foglie dorate, i guizzi
azzurri,le fiamme metal-
liche di colate ancora
calde. Sono vesti imma-
ginarie di una sfilata magi-
ca dove la materia e la mu-
sica si baciano e si propagano.
Forse non sono altro che visi quoti-
diani in uscita dal metrò o in fila dentro
centri commerciali, sono maschere dietro le quali ci
sono altre maschere. Io le ho messe in fila e osservate
come modelle giunte da altri mondi. Comincerò
anche a dare loro dei nomi per poterle chiamare nella
loro realtà inquietante, realtà di dolcezze tristi in fondo
alle quali spunta sempre Maria Teresa.
In occasione del carnevale ambrosiano verranno esposte opere
dell’Artista alla Libreria Bocca.
Maschera, 2004, cartapesta dipinta
Come dicevo prima, “per avere qualcosa da guardare”
e per rinascere dal bianco del nulla.
Un quadro nasce dalle mani e sono gli occhi che lo
completano. Credere in ciò che sei, ripudiare il com-
miato, inoltrarsi… fino a quando l’opera ti accoglie.
Roberto Casiraghi. Incisioni e disegni
Lugano, Biblioteca Salita dei Frari
3 dicembre - 10 gennaio 2006
Memori amnesie, 2004, olio su tela cm 40 x 60
Giacomo Sampieri
sampictor@libero.it
 I luoghi di Adalberto Borioli
Donatella Airoldi

Colori stratificati, sovrapposti, stesi innumerevoli volte, vergono, si raddensano e si deli-

piani obliqui, continuo divenire e addivenire della
materia, del senso, dell’intuizione di spazi remoti e
nascosti, visualizzazione di mondi a noi paralleli fatti
emergere con pazienza d’acciaio.
Adalberto Borioli, pittore dal 1962, linguaggio astratto,
musicista, di fatto e ovunque poeta.
Guardare una sua tela blu e scoprire che i colori sono
infinitesime particelle di vibrazioni con vicissitudini
continue, mutazioni enzimatiche che producono di-
chiarati processi timbrici.Tinte e gradazioni di elemen-
ti compositi che convergono in una dimensione d’az-
zurro profondo e che ci inducono toute courte ad ab-
bandonare la metropoli inquinata per entrare nel
mondo metaforico della tela fino a perdersi nelle ine-
brianti sfumature dispiegate in quel frammento di
atmosfera che seduce anche gli sguardi distratti.
È come se una dimensione universale accedesse a una
forma frammentaria distinta dove gli elementi infinite-
simali producono cristallizzazioni trasparenti, struttura-
zione di campi visivi intersecati e profondamente sen-
sibili. L’artista ci accompagna in spaccati di colori intri-
si di piani sotterranei o sovrastanti, come nei grattaceli
fatti di cristallo e vetro dove lo sguardo si sente sensi-
bilmente attratto da un’immensità narrativa che non
accetta costrizioni stilistiche, ma si sente parte dell’uni-
Giallo pallido
verso-mondo tanto da poter spiccare un volo leonar-
2005 desco pienamente riuscito.
acrilici su carta Ma le sue opere presentano al contempo una inusita-
Ø cm 33 ta e articolata tonalità volumetrica. Gli elementi con-
neano per poi, con un movi-
mento repentino, dirigersi al di
fuori della tela fino a creare
atmosfere monumentali dalla
assoluta leggerezza aerea.
È come se la pesantezza dei
volumi cercasse una soluzione
cromatica di levità composita
e venisse totalmente circondata
dalla luce e dal colore diffusi
nella superficie del dipinto.
Notturni compiacimenti s’inol-
trano in fragili attese di escoriazio-
ni di pelle celeste, centellinando sab-
bia nelle scarpe che impedisce di vola-
re, con notti a tutto tondo dove non c’è
più confine tra il cielo e la terra rovesciata,
sensibile a ogni tocco umano.
Essere avvolti in una particella di spazio, in quiete o
sconvolto da venti tempestosi che si rifugiano nei cri-
nali dei rilievi più alti, essere catturati dall’oltre di quel-
lo spazio, fino alle dimensioni più misteriche e spiri-
tuali. rociti i futuri possibili, i cieli si stanno facendo sempre
Frammenti poetici dell’universo mondo? più grigi, gli insetti stazionano su ogni quadro colorato
Linguaggi metacomunicativi per trasmettere che i cieli scambiandolo per la natura viva nel tentativo di suc-
e il mondo stanno cambiando forma e idioma? chiare il polline dai colori dipinti.
Certo è che molti millenni si stanno accumulando Noi fissiamo, con la ceralacca trasparente, le opere e i
nella nostra storia esistenziale, i gas e i motori stanno cieli di Borioli sperando che siano i veri colori dell’at-
asfissiando le nostre narici, i nostri occhi guardano infe- mosfera e che non si sbiadiscano mai.

Anna Laura Cantone

Immagini della fantasia
Giorgio Lodetti
È la prima volta che scrivo un giudizio sul
lavoro di un’artista, e il fatto mi emozio-
na di più se penso che parlo di mia
moglie Anna Laura Cantone, classe
’77. Ho preso questa decisione al
ritorno da Sarmede dove Anna
Laura ha partecipato alla 23a
Mostra Internazionale dell’Il-
lustrazione per l’Infanzia, Le
Immagini della Fantasia, sul tema
di “Le Mille e una Notte”,
organizzata, come ogni anno,
dal responsabile per le atti-
vità culturali Leo Pizzol.
L’esposizione coinvolge l’in-
tero Comune di Sarmede, la
Provincia di Treviso, le
Pro-loco territoriali, oltre
a volontari locali.Viene in
parte finanziata dall’ormai
celebre Cassamarca (vedi
esposizioni di Conegliano
e Treviso), ed è ospitata
nel palazzo Municipale di
questo piccolo comune, a
pochi chilometri daVittorio
Veneto. Ha una durata di
circa due mesi e viene visita-
ta mediamen-
te da circa qua-
rantamila perso-
ne. Poi si trasferisce a
Treviso, Monza, Siena,
Lugano, Berlino e Pa-
rigi.Anna Laura par-
tecipa come illustra-
trice, con alcune tavole del volu-
me Un papà su misura, stampato in
Italia dall’editore Arka e in Francia
(edizione originale) da Sarbacane e ha
realizzato un’installazione all’ingresso
del Palazzo, nello spazio che, ogni anno,
gli organizzatori mettono a disposizione di
un illustratore, scelto tra quaranta, provenien-
ti da venti nazioni.
Di Anna Laura che, nonostante la giovane
età, ha già ricevuto molti riconoscimenti in Italia e
all’estero, desidero ricordare la manifestazione TIBE di
La balena in mezzo al quadro Taiwan, in rappresentanza della giovane illustrazione
2005, acrilico su tela italiana, nel 2002. Mi vengono in mente molti altri
cm 90 x 60 premi, ma non voglio tediare il lettore con un lungo
e non ancora definitivo elenco.
Vorrei invece soffermarmi sulla sua attività espositiva. Il
suo esordio la vede alla Libreria Bocca nell’ottobre del
2000, in quell’occasione oltre ad alcune illustrazioni,
aveva realizzato dei dipinti di piccolo e medio formato
che già davano un’idea della sua dote innata: un’origi-
nalità espressiva molto accattivante.
Le mostre personali sono poi proseguite in altre sedi tra
cui: la galleria Nuages di Milano, la galleria La
Panchetta di Bari, la galleria Il Basilisco di Genova, la
galleria Gambalunga di Rimini. Nei dipinti di Anna
Laura recentemente esposti a Rimini, si evidenzia un
senso ironico con un segno veloce ed incisivo, che cat-
tura e diverte lo spettatore.
La presenza di frasi o parole ricorda agli adulti tempi
lontani e incanta i più piccoli che in quella grafia infan-
tile si rispecchiano. Le linee di contorno, rosse e nere,
sono sempre doppie e non nitide per dare all’immagi-
ne un movimento vibrante reso ancor più accattivante
da colori accesi e brillanti.
Interessanti sono anche i volumi creati e introdotti
nelle immagini, che svelano una dote innata per la scul-
tura nella quale Anna Laura si cimenta con successo.
Il richiamo iconografico si ispira a temi fantastico-iro-
nici in cui i personaggi, il più delle volte buffissimi,
inducono al sorriso.
Sorriso che l’accompagna sempre quando lavora, sorri-
so che contagia le sue opere con risultati felici, diver-
tenti e accattivanti, quanto basta per rimanere impresse
nella memoria, perché è difficile, una volta visto il suo
segno dimenticarlo o confonderlo con altri.
Le auguro di continuare in questo faticoso ma soddi-
sfacente cammino e Vi invito a visitare una sua esposi-
zione per sorridere con gli occhi…
Polpo, 2005, tessuto

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Ulivi, 1965
carboncino su carta
cm 29 x 24 Giancarlo Cerri
In Bianco e Nero
Laura Salandin
[…] Se infatti La pittura dipinta suona come un pro-
gramma poetico di base esplicitato, Prima delle Sequenze
documenta il percorso di allontanamento dal dato
naturalistico in direzione della distillazione, della sinte-
si dell’emozione della natura, verso la costituzione di
un linguaggio pittorico autonomo.
Senza titolo, particolare È il percorso che lo porterà alla produzione più recen-
1986, olio su tela te delle Grandi Sequenze in cui la verticalità è così spin-
ta da riportarci mentale al sublime di Friedrich, in cui
il nero è un indicatore di percorsi erti, in una sorta di
vertiginoso scarto di piani dal mistico sapore rothkiano,
è cortina che ottunde e svela al contempo, contrappo-
nendosi come naturale confine alla forza espansiva del
giallo, del rosso, del bianco.
E il nero aveva assunto una precisa valenza architetto-
nica nell’equilibrio compositivo del quadro fin dai
primi disegni, costituendone la trama invisibile, dotan-
dolo di ossatura, precisandone le linee di forza e le
direttrici visive con tratto deciso, essenziale, sintetico.
Collina, 1983
olio su tela, cm 50 x 60 Non a caso l’antologica In bianco e nero rappresenta una
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Giancarlo Cerri
Prima delle Sequenze
Emma Zanella
[…] Tuttavia più che un paesaggio si legge la forza e la vitalità della materia, quasi che il pittore riesca ad
entrare nella terra, nella cava, nella brughiera. […]
[…] In Estate (1990) la potenza del colore si comprende con sorprendente evidenza. La materia cromatica si
dispone infatti secondo una regola spaziale libera ma al contempo predefinita, con alternanze di gialli e rossi
infuocati e vibranti, di verdi e di azzurri profondi, capaci di portare lo sguardo “al di là” del quadro.
Il nero poi interviene a unire queste masse magmatiche, a coordinarle, divenendo protagonista, da adesso in
avanti, di tutte le opere di Cerri.
In questi primi anni Novanta il nero fa da trama:“tiene” le masse cromatiche, rinsaldandole, organizzandole
in un universo pulsante e ricco di vitalità.
Il riferimento da cui parte ancora Cerri è, innegabilmente, il reale. Basta farsi guidare dai titoli che l’artista
ha dato ai suoi lavori per rendersene conto: Foresta in giallo e nero (1991), Dopo la foresta (1991), fino ad arri-
vare alla serie Per amore del paesaggio della metà degli anni Novanta.
Tuttavia il reale non è più guardato e riproposto dall’artista; il reale, meglio la natura, è per Cerri un univer-
so a cui attingere stimoli, emozioni, impulsi creativi che lo guidano nella costruzione dell’opera. In tutta que-
sta ricerca il nero aiuta Cerri a depurare progressivamente il quadro di riferimenti naturalistici.
Il nero prende spazio, si allarga sempre di più, si confronta con gli altri colori della tavolozza inducendoli quasi
a una maggior purezza e semplificazione. […]
Prima delle sequenze
Cortina Arte Milano
Via Mac Mahon, 14/7
Dal 5 dicembre al 5 gennaio 2006
riproposizione dell’arte di Cerri a partire dal suo primo
stimolo, in linea con la concezione del disegno come
anima germinativa dell’opera, in una sorta di primoge-
nitura della carta sulla tela, che giunge in alcuni casi a
postularlo come vera e propria pittura in bianco e nero.
Ma nonostante il progetto sotteso e la salda tenuta teo-
rica di questa poetica, il dipinto rimane organismo vita-
le che non esclude mai l’imprevisto, assumendolo anzi
come indicatore di nuovi percorsi perché, dice Cerri
“nulla è più geniale di un quadro trovato”.
Per questo nelle sue opere non troveremo mai la fissità
di una ricerca rigidamente programmatica o esclusiva-
mente mentale che l’ha ispirata e il suo nero non è mai
mera negazione di luce ma riecheggia la dimensione
del mistero che l’ha originato. Per lo stesso motivo i
suoi volumi rigidamente bloccati con precisa qualità
ritmica raggiungono l’effetto di una materia “conti-
nuamente aggredita da intemperie o da sconvolgimen-
ti tellurici” come aveva evidenziato Elisabetta Muritti,
perché di arte che presuppone spostamenti di zolle car-
siche profonde e di violenti fenomeni tellurici si tratta.
In bianco e nero
SpazioBoccainGalleria
Dall’11 al 31 gennaio 2006
24
 Patrizia Masserini
Opere recenti

Il corpo, 2004, olio su tela cm 50 x 65

catalogo a cura di

Giovanni Serafini

SpazioBoccainGalleria - Milano ARSMEDIAgalleria - Bergamo

dal 15 al 30 novembre 2005 dicembre - gennaio 2006

inaugurazione inaugurazione
martedì 15 novembre 2005 ore 18,30 giovedi 1° dicembre 2005 ore 18,00
Galleria Vittorio Emanuele II, 12 - 20121 Milano orari galleria:
info: 02 86462321 - libreriabocca@libreriabocca.com tutti i giorni ore 16,00-19,00 (lunedì escluso)
Domenica 16-19 in altri orari su appuntamento

Libreria Bocca
ARSMEDIA galleria
Locale Storico d’Italia con il Patrocinio
24121 BERGAMO - V. S. Tomaso, 49 B
del Ministero per i Beni e le Attività Culturali
Tel. 035-241168 - Fax 035-4176392
Medaglia d’oro della Camera di Commercio di Milano
E-mail: info.arsmedia@arsmedia.net

Patrizia Comand
Visioni
Flaminio Gualdoni
Una delle sostanziose possibilità che la pit-
tura dopo le avanguardie ci ha consegnato,
è un rapporto con l’antico, con i modi e i
temi della tradizione, per così dire en sou-
plesse, frutto dell’incrocio tra amore e gioco.
Di tale possibilità da sempre si è servita
Patrizia Comand, che negli anni va
costruendo una sorta di tutta personale fan-
tasmagoria sulla base di ricche e non bana-
li contaminazioni tra talento e sprezzatura,
tra retaggio antico e umori fastosamente
surreali. Cresciuta alla scuola d’un arguto
inventore di figure come Usellini, Comand
ha delucidato, negli anni, una padronanza
tecnica sofisticatissima. Punti di triangola-
zione sono stati la pittura con forte compo-
nente disegnativa della tradizione gotica e
Di notte, nel buio, 2005
acrilico su tavola
cm 140 x 70
Bruno Chersicla
Il Codice alfabetico dell’io
Vincenzo Guarracino
A un primo approccio, di fronte
alla gran teoria di teste e sagome
dello scultore Bruno Chersicla,
allineate col metamorfico cipiglio
di una mobile foresta di Birnam
emersa per prodigio dalle
plaghe più fonde di
Brianza e iscritte sotto l’in-
segna di Ritratti della
mente, quel che mette più
soggezione, prima ancora
dell’inquietante mostruosità
dei loro ingranaggi, sono quelle
strane sigle (a caso, tra le tante, a
mo’ di esempio, RDM-TXTK,
RDM-WSPK, RDM-D-ZDLY),
che con maniacale precisione e
puntiglio ambiguamente corredano
e contornano tutti i disegni (in gra-
fite e acquerello) e i lignei manufat-
ti (in pregiate essenze, vivacemente
colorate), esposti già nella grande
mostra allestita presso la Villa Sartirana
di Giussano (Mi) nell’autunno del
2004. Sembrano, quei cifrati mono-
grammi, fissare e circoscrivere,
entro lo spazio di un profilo di
umanoide, realtà tecnologiche ed
aliene, rese sideralmente inaccet-
tabili al nostro idioma dalla loro
ingrata, ostentata avocalicità:
Giorgio Strelher, 2000 machinae logiche misteriose nella
legno dipinto loro complessa semanticità, astru-
cm 185 x 87 se algebre di un mondo alternati-
Paola, 2005, olio su tela, cm 110 x 60
Emilio Palaz
Il pittore errante
Paola Cattaneo
Sono sempre più convinta dello scarto, inevi-
tabilmente e per fortuna incolmabile, tra un
dipinto e la sua traduzione di senso in parola,
in parola scritta. È semplicemente vero, è il
dipinto stesso a parlare, a raccontare di sé e
proprio perché articolazione di un linguaggio
figurato, espresso in disegno, luce, colore,
emozione, lascia ampio spazio in chi lo guar-
da alla propria sensibilità estetica e visiva.
Sarei tentata di fare come Giuseppe Ungaretti
che, chiamato a parlare di “Alla luna” di
Giacomo Leopardi, si mise a leggerla, a leg-
gerla e ancora a leggerla, non fece altro se non
invitare all’ascolto.
Ma, forse, una mediazione serve, in questo
caso la mia, cioè quella di chi, posando ogni
settimana nello studio di Emilio Palaz da più
Per la tua pubblicità chiama Antonio D’Amico 338 2380 938 - Gabriele Lodetti 333 2869 128 - Giorgio Lodetti 338 2966 557
rinascimentale nordica, e del Novecento gli ambiti di
deviazione dalla Nuova Oggettività e dal Realismo
Magico tedeschi verso derive oniriche, per intenderci la
linea che da Ben Shahn ha condotto, da noi, ai
Vespignani e ai Guerreschi. Non è stata, beninteso, solo
una scelta stilistica. Dire di umore prevalentemente dise-
gnativo è dire di una priorità indiscussa dell’iconografia,
del costrutto tematico, capace di muovere dalla conven-
zione illustrativa per spingersi sino alla ripresa allegori-
ca, a un probabile umore simbolico. Dire della padro-
nanza tecnica, è intendere. comunque che la straordina-
ria capacità di formalizzazione non valga in se stessa, ma
sia condizione necessaria di un esprimere motivato,
forte, anche eticamente consapevole. Il ciclo recente di
pitture di Comand rappresenta, da questi punti di vista,
una dimostrazione autorevole di maturità. Mi piace
pensare a due grandi opere, il Baccanale del 2001 e la
Mosca cieca con rischio in un giardino barocco, 2004, come
agli snodi delle consapevolezze più recenti. L’ipertrofia
manierista che lievita entro l’esplicita citazione antica,
ma soprattutto il concepire la partitura decorativa come
strumento per un discorso iconografico non seconda-
rio, sono un esercizio di lievità intellettuale che si collo-
ca all’opposto dei troppi citazionismi odierni, e che
vo e parallelo, protese a identificare e incasellare iden-
tità e intelligenze (quelle dei personaggi rappresentati,
non meno di quelle degli attoniti osservatori, risuc-
chiati dal buco nero della loro enigmaticità) in acroni-
me formule definitorie e definitive per proiettarle sulla
scena di una quotidianità disarmata e intimidita dalla
loro minacciosa cerebralità, come “cavalli di Troia” di
un’eterna, interminabile guerra dei mondi esperita per
forza di enigmi e tale da lasciare estrerrefatti e allibiti al
cospetto del loro monstrum di indecifrabile sostanza,
non meno dell’“enigma musicale”, che, teste Alceo di
Messene (A.P.,VII,1), a suo tempo fu fatale perfino al
grande Omero.
Certo, Chersicla a siffatte arcane formularità è tutt’altro
che nuovo: ricordo serie dai nomi non meno incom-
prensibili e inquietanti, fatte via via di “cerambici”,
“mask” e “baroki”, così come i ritratti assemblati sotto
l’etichetta di Spitzenkongress o il congegno da antica
macchina medioevale di tortura di Cronoscopio
(1997), tali da meritargli in sede critica e a buon dirit-
to la definizione di “scultore ludico” affibbiatagli già
nel 1976 e mai più smentita in tutto quanto il prosie-
guo della sua avventura creativa da Miklos Varga, come
una sorta di sua peculiare cifra caratteristica e distinti-
va. Eppure qui, in questi Ritratti della mente, il gioco del-
l’artista, se di gioco effettivamente si tratta, si fa ancora
più determinato nel pretendere l’attenzione ermeneu-
tica dell’osservatore, provocato a decifrarne intenzioni e
destinazioni. Ironiche ed esplicative quanto basta per
consentirci di intuirne almeno l’appartenenza alla spe-
cifica serie (RDM), ci lasciano infatti, lì, interdetti di
fronte al rebus della seconda parte dell’iscrizione, con
nessun altro ausilio se non l’aleatorietà delle nostre ri-
sorse interpretative: dato per scontato che nei disegni la
di 4 anni, ha occasione di veder nascere un quadro,
dalla sua idea iniziale fino alla realizzazione finale. La
pittura di Emilio è cambiata: nonostante il soggetto e
l’ambientazione siano gli stessi (ritratti o nudi, quasi
sempre tra le pareti del suo studio), la pennellata è più
sciolta, più libera, filtra più luce sui suoi volti, come se
l’aria cominciasse ad entrare tra quelle mura e le per-
sone ritratte respirassero più leggere.
Avverto una sorta di coincidenza emotiva (dettata più
dall’intuizione e dall’acquisita padronanza del “mestie-
re”, nell’esercizio continuo e paziente, nella conoscen-
za dei materiali) tra la fluidità del suo gesto pittorico,
la capacità ormai istintuale perché consapevole di sce-
gliere il tono e il colore, e la maggiore vivezza degli
sguardi ritratti, sempre in attesa di qualcosa, sospesi tra
immobilità e movimento, ma accesi dal colore e da
un’energia vibrante e gentile. Non c’è acquietamento
in questi sguardi come non c’è fine all’esplorazione
pittorica ed affettiva di Emilio, errante tra i tanti visi, i
tanti corpi che incontra e mai lo saziano.
I modi del suo linguaggio cambiano, ma il radicamen-
to definitivo non c’è mai, sempre teso a scoprire in
ogni lineamento una diversa tensione, una nuova luce
sotto cui orientare la sua geografia dell’anima.
Michela, 2004, olio su tela, cm 70 x 100
26
ribalta il principio d’autorità della tradizione in matter
d’un trasognamento di soave — e non meno sottilmen-
te feroce — visionarietà. Il teatro delle pose convenzio-
nali che si fa suggestione implicitamente grottesca, il
paradigma della bellezza corporea evocato per eccesso
sensuale, si sono trasferiti da quelle trattazioni larghe a
serie pittoriche di più serrata concentrazione. Comand
ha dissezionato altri topoi dell’antico — il balance del
costrutto, certi luminismi da notturno dell’anima — e
ne ha fatto materia per iconografie di serrata tensione
inventiva. Le figure, ancora stagliate su fondi che valgo-
no scenario vagamente metafisico, contrappongono la
propria espansa corporeità al gioco aereo dell’immagi-
nario alla sospensione che ne fa figure fantasticate. E gli
attributi, che si coagulano intorno alla figura come
trame simboliche dai forti umori — il trono, il pesce, il
serpente — erigono un teatro intellettualmente lucido
tanto quanto abbigliato della dimensione di un traso-
gnamento fascinoso. L’operare di Comand è, s’è accen-
nato, tipicamente ciclico. E ogni ciclo aggiunge consa-
pevolezza alla sua ricerca, nella quale convivono. perfet-
tamente una lucida tensione intellettuale e un sensuoso
piacere visivo: valori, entrambi, dei quali sempre più ci
rendiamo conto di non poter fare a meno.
D, successiva a RDM, è funzionale a indicarne l’ambi-
to di appartenenza espressiva, è la parte conclusiva a
costituire l’autentico rompicapo, lasciandoci nel gine-
praio delle nostre ipotesi, ma con appena una certezza,
quella di trovarci in mezzo ad un’eletta accolta di “cer-
velli”, la cui identità è forse consegnata proprio alle
misteriose iniziali.
La congettura parrebbe trovare se non conferma alme-
no autorizzazione nel fatto che sotto la medesima
ragione dei Ritratti della mente si son più di recente
ritrovati, convocati nella rassegna del Collezionista
(Galliata – Gian Pietro Menzani Arte Contemporanea,
Alassio, 2005), ben 70 artisti (da Adami a Zotti, passan-
do per Altan, Bonalumi, Echaurren, Dorazio, Morlotti,
Pozzati, per citarne solo alcuni), nella duplice veste di
“radiografati” ma anche di “cooperanti” all’opera defi-
nitiva, e tutti giudiziosamente e specularmente “inter-
pretati” dallo stesso Chersicla e connotati con le rispet-
tive marche onomastiche. Se dunque di “radiografie al
cervello degli artisti” si tratta, come ha acutamente ipo-
tizzato Paola Artoni, le opere della mostra giussanese,
più ancora di quelle dell’esposizione di Alassio (docu-
mentata in un prezioso volume a cura della stessa
Galleria), danno ulteriore conferma proprio di quello
spirito ludico di cui discettava Varga e che qui si tradu-
ce in un tratto di ironica finezza che impone all’artista
di occultare degli interessati il nome dietro la misterio-
sa e inquietante formula consonantica, in omaggio al
diritto alla privacy di ognuno.
Come dire che, contraffatte fisionomie e storie, nel
tempo della globalizzazione delle merci (e merce è per-
fino l’identità dell’individuo) resta la nuda spoglia alfa-
betica di ognuno, depositaria della sua storia, dei tic e
traumi che formano l’esperienza del profondo, di fron-
te al quale all’artista è concesso di soffermarsi in penso-
so rispetto: padrone soltanto di consentirsi il diritto di
sorriderne, se non addirittura di riderne fragorosamen-
te, ove questa “forma” franasse (come franano i suoi
congegni imbullonati e incernierati). Giusto come
ricordava Leopardi, secondo cui “chi ha il coraggio di
ridere, è padrone del mondo” (Pensieri, LXXVIII).
 LUIS RICARDO FALÉRO
(1851 - 1896)

Vision de Faust, 1878, olio su tela, cm 145 x 118

www.mirexspa.it
email: mirexspa@tin.it PER L’ARTE
 teranno nel giardino del voi, un giardino popolato da
Salvatore Sebaste musei in evoluzione, senza mai la stessa collezione ogni

il Segno del Sogno… giorno. Sorella Luna vi placherà solo guardandovi, ma

Scherzando con gli
uccelli e le acque che
corrono dentro e fuori
di noi, ci siamo ritrova-
ti a volare e a volere
volare sapendo di cade-
re, eppur bramando il
momento della caduta
e della sua inevitabile
ebbrezza. Il coraggio di
essere bambini, dicono
alcuni, è ciò che l’Arte
potrebbe farci recupe-
Dea ferita, 2005 rare; la magia di essere puri, pure e nonostante in
tecnica mista su tavola mezzo a tante tempeste culturali, è probabilmente la
cm 60 x 40 nostra più difficile ricerca. Non a caso Sebaste si chia-
ma Salvatore; a ben guardare nelle sue opere, anime
animali sfuggono al controllo di schemi e gabbie di
cultura senza conoscenza, sguardi fugaci e liberi, di fal-
chi e colombe, si rincorrono con l’aggressività della
passione, giammai della violenza. La luce scorre sotto i
loro occhi appena accennati, ma ad uno sguardo atten-
to non sfuggiranno molecole di infanzia, profumi di
giardini incantati e di amici in attesa, sorprese di Natale,
carezze e desideri maturi eppure inconsapevoli, forze
inesplorate ma familiari, umori di amori e gocce di
orgoglio... Che alchimia le forme di Sebaste, che rive-
lazioni pungenti, inattese, imprendibili e desiderabili
allo stesso tempo. Che potenza. Che eleganza.
Leggendo un bellissimo testo di Elena Pontiggia del
2002 in occasione della mostra del maestro a Roma, mi
fermo e rileggo una frase esatta, di quelle che non
fanno più dai tempi di Pertini:“Ma la Natura, lo abbia-
mo già detto, non è per Sebaste il regno del visibile.Al
Margherite, 2005 regno animale, vegetale, minerale bisogna aggiungere
tecnica mista su tavola un quarto regno: quello del Mistero. Per questo nelle
cm 60 x 40 sue opere c’è sempre molto da imparare. Soprattutto su
soltanto dopo che avrete lasciato andare i sensi al rico-
noscimento istintuale del mistero, appunto. Il mistero
Francesco Cascino
dell’arte, delle forme, del gesto e della sua imprescindi-
quello che si crede di sapere. E, ancor di più, sul fatto bile libertà. Un mistero che lascia il segno perché esi-
che l’unica cosa che sappiamo, è che sappiamo ben ste, perché risveglia ciò che è già in noi ma non sem-
poco”. A parte questa ultima riflessione dedicata alla pre trova il tempo e la voglia di uscire. Un mistero che
mente ma giustissima, perché io stesso apprendo molto alberga negli animi di chi sogna. Un mistero che parla
più da un’opera ben fatta che da un libro, la considera- la vostra lingua, la cerca al contempo e la riconosce
zione critica di Elena Pontiggia è inappuntabile e sere- senza averla mai studiata. Quello che sentite sferzarvi
na, e si assume una responsabilità grandissima: le forme davanti alle opere, dunque, è il segno del sogno.
e i colori saputi coniugare con la maestrìa della cono-
scenza, sia essa consapevole o meno, creano Vita, oltre SpazioBoccainGalleria
tutti i positivismi e le sue alteranti esasperazioni.
Raccontano la Vita al di là delle nozioni e sono molto Mercoledì 7 dicembre ore 18,30
più vicine alla nostra realtà, di tante superstizioni e fino al 24 dicembre 2005
immagini inutili e ammiccanti. Se si ha il coraggio e la
possibilità di rimanere fermi ad osservare le opere di
Sebaste, s’impareranno tante altre cose, tralasciate per
colpa di lavoro e carriera, simili a quelle che abbiamo
imparato mentre, invece di fare i compiti, andavamo a
giocare in cortile con le nostre anime gemelle. Ci si
può perdere un simile tesoro? O lasciarlo ad altri…? E
la lezione di Mirò, che Sebaste ha interiorizzato alla
perfezione, non si sintetizza con le esperienze degli
informali, tanto da farne un artista educativo ed e-
ducatore? Guardate quei bianchi che si inerpicano su
montagne di rosso incandescente, provate a immagina-
re di penetrare le mille vagine di quella materia attraen-
te e magnetica; i rivoli del piacere vi sveglieranno di
notte e non potrete dormire se non dopo aver assag-
giato il potere del vento, della pioggia e del sole, con le
labbra, con le mani e con gli occhi…
O forse vi addormenterete, ma solo dopo aver capito
che la vera magia è la materia stessa. Essa vive e convi-
ve con noi, si trasforma in pianto, rumore o musica a
seconda di avere ben chiare le leggi dell’armonia. E se
ancora non sarete stanchi né paghi, allora provate a
addentrarvi nelle fessure che Sebaste ha costruito per
aprire finestre sulla terra e sui suoi misteri, sulle sue
leggi; seguite le linee più blu, quelle profonde; vi por-

Angela Govi certezze che inevitabilmente (purtroppo)

“contaminano” la freschezza delle emozioni
con quello che tutti chiamano il mestiere
Alberto Agazzani
(curioso notare come si passi da una neces-
sità espressiva ad un ruolo prestabilito, dalla libertà delle
Compito, insieme, lieto e difficile, scelte proprie agli obblighi di una corporazione). Da qui
quello di “tenere a battesimo” la grande difficoltà, come critico, di non intaccare con
un’artista alla sua prima, importan- eccessive pastoie storico-intellettuali un valore che è
te mostra personale. La letizia aggiunto, una freschezza e un entusiasmo unici e irripe-
viene, finalmente!, dall’avere a che tibili, soprattutto in un’artista come Angela Govi, un’au-
fare con un’aria nuova, con uno tentica potenza della natura in fatto di forza ed entusia-
spirito non ancora contaminato dai smo, ma anche rara e preziosa per la contrapposta fragi-
ruoli e dalle certezze di un artista lità che l’accompagna in questo importante debutto. la
consumato. Il dubbio, la tensione, tendenza del critico sarebbe qui di addentrarsi nel fitto
un senso umanissimo di inadegua- boscoso dell’arte contemporanea per ri-cercare e ri-
tezza spesso portano gli artisti a creare quel sentiero “verso casa” dal quale la Govi pro-
creare le loro cose migliori. Poi viene, e sul quale, del tutto autonomamente, si è incam-
arriva il successo, o se non si vuole minata. Un esercizio tutto sommato facile, che nulla
usare una parola tanto grande chia- porterebbe alla Nostra, se non riconoscerle qualche
miamolo “riconoscimento”, e con paternità eccellente e, forse, lontana dal suo fresco sen-
esso il “sistema dell’arte”: il merca- tire. […] Angela Govi è approdata alla pittura attraverso
to, le gallerie, i critici. E tutto, ine- un intimo percorso emotivo. Come ogni autodidatta,
vitabilmente si complica: quel deli- perciò, appartiene a quella famiglia di artisti che sono
cato fiore svanisce e arrivano le giunti alla pittura più per necessità espressivo-comuni-
Madrepora I, 2005
tecnica mista su tela
cm 50 x 40
SpazioErgy che passa dal figurativo a forme più astratte sperimen-
tando l’uso di materiali diversi e svolgendo un’opera-
zione affine alla ricerca materica di Burri dando vita,
Giulio Residori
nel primo dopoguerra, con Capogrossi, Ballocco e
Colla al “Gruppo Origine”. Scultore dell’energia è
Premio di Scultura - Edgardo Mannucci stato definito, ma soprattutto punto di riferimento per
Jacopo Mandich, Sfera Di premi in Italia, in nome dell’arte, ne sorgono molti tanti artisti forse più noti, un uomo ricco di sensibilità,
ma hanno quasi sempre una vita effimera. precursore attento alla propria opera e non al palcosce-
Sull’onda dell’entusiasmo o della emotività di una nico.A ricordarne la memoria ecco, però, la storia suc-
ricorrenza nascono e si spengono: capita spesso di cessiva che porta all’antefatto. Nel ’93 Mino Perini
leggere nel curriculum di alcuni artisti, so- Presidente del Rotary Club Altavallesina-Grottefrasassi
prattutto di una certa età, il ricordo ed il in provincia di Ancona, dà vita ad un Premio annuale
riferimento all’evento, ma del seguito volto ad onorare la memoria del conterraneo
non vi è più traccia. L’ispiratore o il Mannucci, finalizzato, in una prima fase, a giovani stu-
curatore sono passati ad altro! In denti e diplomati di Accademie d’arte del territorio e
questo panorama che motiva più coinvolgendo, successivamente, altre Accademie italia-
di una diffidenza od indifferenza ne. Oggi sono cinque le Accademie che concorrono
sono stato chiamato, quest’anno, a stabilmente al Premio (L’Aquila – Macerata – Perugia
presiedere la Commissione per – Tirana – Urbino) e una sesta è invitata. Nell’attuale
l’assegnazione del Premio Ed- XII edizione, ogni Accademia presenta tre artisti con
gardo Mannucci. Sono certo che tre opere ciascuno, per un totale di 54 opere esposte ad
molti si chiederanno: chi era Arcevia (Ancona), Palazzo dei Priori, da fine maggio a
costui? Uno scultore, protagoni- fine agosto. Al vincitore di ogni Accademia viene asse-
sta con Prampolini e i futuristi gnato un premio di 1.500 euro e tra i sei prescelti viene
28
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cativa che per scelta calcolata. E infatti tutta la breve car-
riera di questa giovane pittrice si è svolta e si svolge
attorno ad emozioni intimamente legate alla sua vicen-
da personale. […] Ecco allora che la materia pittorica,
sorta di affascinante e colorato magma primigenio, si
componeva nelle sue prime tele con una forza e una
ricchezza davvero insolite per una giovane pittrice. Se
non volessi prestar fede al solenne impegno di non
impastoiarmi in genealogie storico-critiche, direi che in
quei primi dipinti si ritrovano lo spirito e la sensibilità
di un certo “Naturalismo padano” […], quel disordine
materico che è altro dall’informale e che evoca e sug-
gerisce le figure anziché “illustrarle”. Ed è altrettanto
strano come quei grovigli materici si formassero in
forma di onde, poi di figure appena suggerite, fino alle
forme-finite d’oggi, travolgenti per l’esuberanza della
materia pittorica, eppure così serene nel loro intimo,
suggerito messaggio.
SpazioBoccainGalleria
Mercoledì 1 febbraio ore 18,30
fino al 15 febbraio 2006
proclamato il vincitore del Premio Edgardo Mannucci
che quest’anno è: Jacopo Mandich dell’Accademia di
Belle Arti di Roma per l’opera: “Sfera”. Lo scopo del
premio, come ricordavo in occasione dell’inaugurazio-
ne, non è di assegnare graduatorie — talora effimere —,
ma di fornire possibilità di incontro e di confronto, di
dialogo, di conoscenza, di entusiasmo e di stimoli per
realizzare una crescita che nel cammino dell’Arte è
sempre molto difficile. Ed in questo si sente vivo lo spi-
rito rotariano che ogni anno, da dodici anni, cura e
sostiene l’iniziativa.
Devo dire che il coinvolgimento è stato totale sia da
parte delle autorità locali che delle Istituzioni che
hanno sponsorizzato l’iniziativa. La prospettiva è ora
quella di dare un impulso al Premio coinvolgendo
Accademie, italiane ed estere. I giovani artisti diploma-
ti in scultura hanno bisogno di supporti ma anche il
Premio, se vuole vivere ed affermarsi, ha bisogno di
loro e del contributo dei loro docenti. Una considera-
zione finale riguarda il livello delle opere presentate
che, come è possibile verificare nel catalogo pubblicato
per l’occasione, hanno spunti e realizzazioni veramente
interessanti e mostrano un entusiasmo e una creatività
di buon auspicio per una futura attività artistica.
 via Scoglio di Quarto, 4 - MI
tel. 0258317556 - 3485630381
bazart.scoglioquarto@tiscali.it
Sul filo dell’arte a cura di Stefano Soddu
ar te contemporanea
V. le Col di Lana, 8 - MI
0258317556 - 3485630381

La scala dell’arte
L’arte, come la vita, è una scala. Baudelaire sosteneva
che riesce perfino a far scorrere l’acqua dal basso in
alto, sfidando la gravità. Ed è in omaggio a questa sfida,
per rendere visibile il gusto di assaporarla, che abbiamo
reso il nostro scalone suggestione espositiva per una
collezione importante di opere della nostra galleria
d’arte contemporanea, le cinquanta tele dei venticin-
que artisti raccolti, con studio e passione, dal capofila
Stefano Soddu ed allestiti, con inventiva ed entusia-
smo, da Gabriella Brembati. Simbolo di un’epoca di
transizione, questa collezione di opere che punteggia-
no la fine di un secolo e l’inizio del successivo voglio-
no suggerirci un percorso che è in salita, come sempre
è in salita il passaggio delle epoche, un percorso ascen-
dente, come è sempre in ascesa il cammino dell’arte
attraverso le generazioni, gli stili, i gusti che essa stessa
ispira e produce restandone indipendente. Ogni gradi-
no di questa scala ideale è una stazione indispensabile
per trovare segni, gesti, linguaggio del nostro tempo.
Salite gradino per gradino, senza correre, senza saltare:
chi ha paura della salita sappia che cosa perde.

Pialuisa Bianco
(dal catalogo “Contemporaneo Italiano”
edito dall’Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles, 2005)
Stefano Soddu
In oltre, 2004, acrilico su tela, cm 128 x 70

VISMARA ARTE
40 ANNI 1965-2005
a Zita

Penso davvero di doverti molto. Senza i suggerimen-
ti che mi hai saputo offrire, la mia attività d’artista
non sarebbe stata la stessa.Tu credi nel rigore, nell’ar-
te e hai saputo rafforzare in me questo essenziale
messaggio. Ricordo, dieci anni fa, la tua attenzione
nello scorrere i miei cataloghi. Insolita e rara curio-
sità di chi svolge da trent’anni attività di gallerista nei
confronti di un artista appena conosciuto. Poi la
mostra presso la tua galleria, e ancora l’inizio di un’a-
micizia duratura, per me sempre gratificante. La tua
galleria compie quarant’anni ed è un albero solido e
ben radicato. La tua forza, la tua passione, la tua
costanza hanno nutrito come una radice profonda in
tutti questi anni la cultura e l’arte milanese, anche
proposta in un confronto internazionale oggi così
raro. E l’albero continua a fiorire e a dare i suoi frut-
ti. Come in un susseguirsi di sequenze e di stagioni
molti tra i protagonisti dell’arte contemporanea, in
una linea ininterrotta sempre coerente e fedele per
le tue scelte, si sono esibiti nel tuo spazio. Quelli già
famosi e quelli un po’ meno, tutti hanno avuto per
tuo merito sostegno e visibilità. È la tua vocazione e
ci riesci con semplicità. Grazie a una presenza forte,
ma sempre discreta, grazie al tuo parlare con toni
misurati, grazie a un’innata capacità di intuire dove si
annidi veramente la qualità.Tutti noi, amici, artisti e
frequentatori della tua galleria ammiriamo il tuo
coraggio, la tua bravura e professionalità.
Io ti voglio anche molto bene.
Stefano Soddu
Milano, 2005 - Ornella Piluso, Laura e Francesco Cucci, Gabriella Brembati
Milano, 2005 Zita Vismara e Stefano Soddu

della sua umanità nel senso della terra. L’uomo è il vero

prioritario. (Fabrizio Garghetti, fotografo)

L’arte come esperienza prioritaria di vita mi punse, mi

punge, mi pungerà. (Albino De Francesco, artista)
“Arte Prioritaria” è un’idea di Gabriella Brembati. Il logo è stato realizzato da Danilo Premoli

L’arte è come quel venticello lieve che durante il cam-

Arte Prioritaria, ovvero priorità dell’arte, è un’idea
forte a supporto della libertà di pensiero atta a inci-
dere nella coscienza e conoscenza collettiva. È un
concetto che va rafforzato con la partecipazione at-
tiva degli artisti e di chi tenga a cuore le sorti del-
l’arte. Per tale ragione chiediamo soprattutto a que-
sti di esprimere un proprio pensiero sull’argomen-
to. Desideriamo che sorga un movimento di idee
che, raccolte, formino un documento in progress.
E-mail: bazart.scoglioquarto@tscali.it
... segue dal numero precedente
Arte prioritaria: perché arriva prima.
(Giorgio Moiso, artista)
L’arte è liberazione dalle pastoie del linguaggio, del
razionalismo meccanicistico, dalle griglie del quotidia-
no, dalla noia del vivere. (Roberto Plevano, artista)
Per la tua pubblicità chiama Antonio D’Amico 338 2380 938 - Gabriele Lodetti 333 2869 128 - Giorgio Lodetti 338 2966 557
Arte prioritaria? Bohh!!!
(Enrico Cattaneo, fotografo e artista)
L’ossigeno vitale nell’arte è la vera essenza, racchiusa in
ogni singola opera; è una priorità intima, segreta e…
molto preziosa. (Daniela Baito, artista)
L’arte prioritaria è quell’arte che considera prioritaria
la vita rispetto all’arte. (Roberto Borghi, critico d’arte)
La priorità dell’arte oggi consiste non tanto nella
pratica dell’arte come desiderio, feticcio o lussuria,
ma nella necessità dell’arte di far vedere l’invisibi-
le, ascoltare il terzo respiro, svelare i percorsi nasco-
sti della creatività.
(Donato Di Poce, poeta e critico d’arte)
L’arte non esiste, pertanto non può esistere arte priori-
taria, perché la priorità è solo la salvezza dell’uomo e
29
mino in piena estate desideri prioritariamente per rin-
frescarti l’anima. (Antonio D’Amico, storico dell’arte)
L’arte ha una sola destinazione prioritaria: la gioia.
(Donatella Bertoletti, libraia)
Segue sul prossimo numero
Collana “ARTE PRIORITARIA” Anno 2005
Ed. Bazart&Scoglio di Quarto - Edizioni numerate
B. Aprea - P. Barrile - A. Borioli - A. Casiraghy - G. Cerri
F. Colnaghi - C. Crosio - M. De Maria - M. Falco - R. Forino
G. Fra - N. Frigerio - G. Gurioli - G. Kuruvilla - A. Lambardi
M. Marra - E. Moschetti - O. Alvaro - R. Origgi - A. Pasquali
G. Pavanello - L. Pescador - L. Pitscheider - A. Pizzolante
C. Plicato - D. Premoli - A. Prota Giurleo - G. Rubino
S. Sansevrino - L. Sessa - S. Soddu - A. Spinelli - A.Verdirame
E. Zanon
 Dopo il successo della prima mostra organizzata in Sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana - Con il Patrocinio della Presidenza del Consiglio dei Ministri e del Ministero per i Beni e le Attività Culturali
collaborazione con la Libreria Bocca di Milano, il COMUNE DI GUALTIERI CENTRO STUDI & ARCHIVIO ANTONIO LIGABUE
Museo Documentario Antonio Ligabue DI PARMA
Ristorante Nameless continua l’attività espositiva con
tutto
LIGABUE
la mostra di Fausta Dossi.
Un mondo, quello della Dossi, popolato da continui
rimandi a un personale dizionario emozionale ed
entusiasmante. Così come fitta di emozioni è la sua
pittura!
Antonio D’Amico CATALOGO RAGIONATO DEI DIPINTI

A LIGABUE
NEL QUARANTESIMO ANNIVERSARIO DELLA MORTE (1965-2005)
Catalogazione Ufficiale a cura di Augusto Agosta Tota e Marzio Dall’Acqua
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Dan Iroaie (e chi se no) Ogni pennellata è un’affermazione perentoria, dotata

Enzo Bilardello
L’analogia più convincente me la suggerisce il vulcano.
Può sembrare inerte e torpido per un tempo lungo e
poi esplodere cambiando i connotati dei luoghi.
Nel caso di Dan Iroaie, l’assenza è inerzia, distrazione,
fino a quando un filo di attività batte l’ignavia e subito
diviene parossistica, torrentizia, esplosiva.
Mentre la creatività del vulcano è distruttiva e solo len-
tamente l’area interessata torna a fruttificare, quella di
Iroaie è immediatamente ferace, feroce, ricca di ger-
mogli che ne creano subito altri e ne cancellano altri
ancora. Sì, è vero, la sua arte è gridata, sempre a rischio
di andar sopra le righe, piena di scorie e di ripetizioni,
spesso ridondante. Ma, intanto, non è mai finta, simula-
ta, non deve cercare una creatività elusiva, non ha l’an-
goscia del foglio bianco in attesa della prima parola e
poi della seconda che non viene mai.
Se esiste una cosa come l’innatismo, Dan Iroaie lo pos-
siede nella sua dimensione di pittore. Platone sosteneva
che per imparare a nuotare bisogna avere un’idea pre-
liminare di cosa è il nuoto e dei movimenti necessari
acrilico su cartoncino per realizzarlo. Io mi sono sempre domandato com’è
2003, cm 70 x 100 che i bambini, avidi di assaggiare tutto, non si avvele-
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nano mai con piante comuni che ci circondano, come
l’oleandro. Le famiglie non lo sanno e non li mettono
in guardia (comunque servirebbe a poco); eppure i
bambini sembrano sapere spontaneamente con che
cosa possono fare esperimenti e con che cosa no. Dan
è un istintivo, ha sempre disegnato e dipinto, senza
disciplina, ma non senza regole. La sua scienza della
forma gli deriva dall’intuizione, consolidata da una pra-
tica di lustri, e da una dote che lui possiede e che la
maggior parte dei pittori fatica a conquistarsi: la felicità
creativa, il dono. Quando cominciò (credo che siano
passati almeno quarant’anni), era tutto dedito ad una
linea estenuata, sottile, di gusto art nouveau. La moltipli-
cava all’infinito in onde sinuose, la rendeva fitta e densa,
come ad abolire l’intervallo tra una linea e l’altra.
Eppure, in questo giuoco d’infinita pazienza, Dan non
sporcava mai il suo reticolo, era esemplare per chiarez-
za d’ordito e per senso compositivo. Nessuno gli ha mai
detto quali colori sono consonanti e quali repulsivi,
quanto estese devono essere le pause, che rapporto c’è
tra disegno e campo cromatico.
Ecco, nella sua pratica febbrile e, all’apparenza, esclusi-
vamente affidata all’estro, Dan Iroaie deve aver avuto
come dono innato e consolidato dall’esercizio quello di
conoscere mirabilmente codesti aspetti e di realizzarli a
colpo sicuro, prova dopo prova. Ci sono artisti che sono
di una lentezza esasperante (Vermeer, Cézanne). Si
dispera che portino mai a compimento un lavoro, e si
teme che, peggio di Penelope, lo disfacciano, arrenden-
dosi per sempre. Poi, ovviamente, col loro ruminare
continuo arrivano anche a risultati copiosi, come nel
caso di Cézanne. Altri considerano l’opera come un
esserci, come la manifestazione della loro fisicità.
L’opera è, spinozianamente, consustanziale al loro io. È
il caso di Pollock e di pochi altri, i quali non si pongo-
no il problema di una qualità da realizzare, quanto di
esistere dentro l’opera e tramite essa.
Con le opere astratte il controllo della qualità, per chi
guarda e valuta, è più complesso e bisogna possedere un
occhio esercitato, cinico e spregiudicato, perché i traf-
ficanti (e a complemento i bigotti) del colore sono tanti
ed il colore, di per sé, non è arte, è solo qualcosa che
permea la nostra vita. Dan Iroaie non è un pittore di
sfumature, di colori morbidi, di passaggi modulati.
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di energia propria e la continuità e soprammissione con
altri colori crea un campo ad alta energia, quasi senza
pause. Lo spettatore non viene, però, esasperato, spossa-
to. Dato che si tratta di arte, spesso eccellente, talvolta
suprema, chi vi si abbandona, meglio che appagato ne
viene rigenerato. In certe opere i meandri sono tal-
mente fitti che nessun filo d’Arianna sarebbe servito,
ma l’equilibrio è mirabile. Dedalo contemplando dal-
l’alto la trama senza vuoti non avrebbe potuto che
lodarla e complimentarsi con sé stesso. In un altro caso,
su un antro nero piovono i bengala di una fantasmago-
ria cromatica impressionante. Il nero resta tale, per nulla
a disagio sotto quell’assedio fastoso. Il disordine c’è, ma
è di una perizia consumata. Io ci trovo tutta la scienza
di Matisse nel colorire con “sprezzatura” divina i suoi
tappeti, i suoi pesci rossi e i vestitini da donna delizio-
si. C’è tutta la bravura di Matisse in tanti disegni di
Dan, senza mai aver copiato una virgola. In altri casi la
pittura si realizza come sotto il pelo dell’acqua, mossa,
vibrante, morbida, spezzata e sempre intera. I rossi sono
consueti sotto l’acqua? Certamente no, se non rappre-
sentano qualcosa, dalla chiglia di una barca ad una bar-
riera di corallo. Dan Iroaie ci mette il suo rosso, che ser-
peggia, affonda moroso, si riaccende nitido e risulta
credibile pur senza richiamare niente di conosciuto, né
una gomena né un tronco: è pura forma che esiste per
corroborare la bellezza del mondo. In tutta quest’orgia
di forme, e di colori disegnati ed organizzati con pasta
spessa o sottile o quasi corporalmente evanescente,
numerose sono le prove meno riuscite, sia perché l’a-
strazione non è un programma scientifico, ma conser-
va sempre un quoziente d’alea, di azzardo, sia perché
Dan vuole cercare altre strade, non contentandosi di far
meglio quel che già gli riesce bene. Sono restìo a sor-
volare su queste prove meno coinvolgenti; servono allo
studioso per seguire le oscillazioni della creatività, i sen-
tieri interrotti, la battuta a vuoto prima della successiva
ondata di pennellate frenetiche: appunto un vulcano
che ha l’energia contenuta nel centro della terra, quin-
di limitata, ma per noi incoercibile. Servono all’artista
per non credersi infallibile e fare l’inventario ed il rie-
same dei nessi che non tengono.
È un attimo, subito dopo siamo persi dietro a dei Van
Gogh e a dei Cézanne eseguiti con uno spirito diver-
so, con mete diverse e, certamente, senza aver control-
lato immagine alcuna di quei maestri.
È l’eterno ritorno della creatività ingenua, incorruttibi-
le che, col tempo, incorpora la sapienza, si fa magistero.