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Georges Rouault

Georges Rouault

Casa en Beaumont sur Sarthe, País del Loira,Francia, en la que se dice que vivió Georges Rouault

Nombre completo

Georges Henri Rouault

Nacimiento

27 de mayo de 1871 París, Francia

Fallecimiento

13 de febrero de 1958 París, Francia

Nacionalidad

francesa

Área

Pintura

Georges Henri Rouault (París, 27 de mayo de 1871 – 13 de febrero de 1958) fue un pintor francés fauvista y expresionista. Trabajó además la litografía y el aguafuerte.
Índice
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1 Infancia y educación 2 Primeras obras

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3 Obras expresionistas 4 Obras 5 Referencias

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5.1 Fuente en línea 5.2 Libros

Infancia y educación[editar · editar código]
Rouault nació en París en una familia pobre. Su madre le animó en su amor por lasartes, y en 1885 un Rouault de 14 años entró como aprendiz con un pintor de vidriopolicromado y restaurador, a lo que se dedicó hasta 1890. Esta temprana experiencia como pintor de vidrio se ha señalado como posible origen del fuerte contorno de color negro y colores intensos que caracterizan su estilo pictórico de madurez. Durante su aprendizaje también acudió a clases vespertinas en la Escuela de Bellas Artes, y en 1891 entró en la Ecole des Beaux-Arts, la escuela de arte oficial de Francia. Allí estudió con Gustave Moreau, convirtiéndose en su estudiante favorito. Las primeras obras de Rouault muestran un simbolismo en el uso del color que probablemente refleja la influencia de Moreau, y cuando Moreau falleció en 1898 Rouault fue nombrado curador del Museo Moreau en París.

Primeras obras[editar · editar código]
Rouault también conoció a Henri Matisse, Albert Marquet, Henri Manguin, y Charles Camoin. Estas amistades lo acercaron al Fauvismo, cuyo líder era Matisse. Desde 1895 en adelante, participó en grandes exposiciones públicas, destacadamente, en el Salon d’Automne, donde se mostraban pinturas de temas religiosos, los paisajes y los bodegones. En 1905 expuso sus pinturas en el Salon d’Automne con los otros fauvistas. Mientras Matisse representaba los aspectos reflexivos y racionales del grupo, Rouault encarnaba un estilo más espontáneo e instintivo. Su uso de bruscos contrastes y su emocionalidad se atribuyen a la influencia de Vincent van Gogh. Sus caracterizaciones de personalidades grotescas remarcadas en exceso inspiraron a los pintores expresionistas.

Obras expresionistas[editar · editar código]
En 1907, Rouault comenzó una serie de cuadros dedicados a tribunales, payasos y prostitutas. Estas pinturas se interpretan en clave de crítica social y moral. Le atrajo el espiritualismo y el existencialismo dramático del filósofo Jacques Maritain, quien fue un amigo cercano durante el resto de su vida. Después de esto, se dedicó a los temas religiosos. La naturaleza humana centró siempre su interés. Rouault dijo: «Un árbol contra el cielo posee el mismo interés, el mismo carácter, la misma expresión que la figura de un ser humano.» En 1910, Rouault vio por primera vez expuestas sus obras en la Galería Druet. Sus obras fueron estudiadas por los artistas alemanesde Dresde, que posteriormente formarían el núcleo del expresionismo. Desde 1917, Rouault se dedicó a la pintura. Buscó inspiración en los temas religiosos: primero de todo, en el tema de la pasión deCristo. La faz de Jesús y los lamentos de las mujeres a los pies de la cruz son símbolos del dolor del mundo que para Rouault quedaba aliviado por la creencia en la resurrección. En 1930 comenzó a exponer en el extranjero, principalmente en Londres, Nueva York y Chicago.

Al final de su vida quemó unos trescientos de sus cuadros, que actualmente valdrían quinientos millones de francos. Rouault murió en París en 1958.

Obras[editar · editar código]
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Camino del calvario (1891) La Santa Faz (1933) El rey viejo (1937), que se considera su mejor obra expresionista Ciclo «Miserere», expuesto en 1948.

Referencias[editar · editar código]
Fuente en línea[editar · editar código]
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Fundación Georges Rouault "Rouault, Georges." The Columbia Encyclopedia Georges Rouault. Artcyclopedia.com. "Georges Rouault." Artchive.com "George Rouault". Spaightwood Galleries Imágenes de Rouault en el Museo de Bellas Artes de San Francisco. Información sobre Rouault y el Expresionismo alemán «Miserere» de Rouault al completo «Miserere», exposición en Ancona Ancona (Italia)

Libros[editar · editar código]

Rouault, Georges. Sobre el arte y sobre la vida, trad. Oihana Robador, Pamplona, Colección Cátedra Félix Huarte / Eunsa, 2007.

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Dyrness, William A. Rouault: A Vision of Suffering and Salvation. Grand Rapids, MI: William B. Eerdmans, 1971. Maritain, Jacques. Georges Rouault. The Pocket Library of Great Art. Nueva York: Harry N. Abrams, Inc., 1954. Getlein, Frank and Dorothy Getlein. George Rouault's Miserere. Milwaukee: Bruce, 1964. San Lazzaro, G. di. Homage to George Rouault. Nueva York: Tudor, 1971. Courthion, Pierre. Rouault. Nueva York: Harry N. Abrams, Inc. 1961. Robador, Oihana. Georges Rouault. Al margen de las doctrinas, Pamplona, Eunsa, 2004

Otro
Georges Rouault

(París, 1871-1958) Pintor francés dotado de un estilo personal cercano al expresionismo. En su juventud aprendió a hacer vidrieras, y los vivos colores y fuertes perfiles de las junturas de plomo de este medio dejaron una característica impronta en su obra que siempre conservó un grueso reborde negro que recorría las figuras en recuerdo de dichas tiras de plomo. Aprendió pintura (1892-1898) en la École des Beaux-Art y fue compañero de estudios de Henri Matisse y de Albert Marquet. Fue el discípulo favorito de Gustave Moreau, y a la muerte del maestro en 1898 se convirtió en primer conservador del museo Moreau de París, cargo que conservó hasta su propio fallecimiento. Sus primeras pinturas religiosas reflejan tanto la imitación de la joyería por la pintura de Moreau como su propia afición al arte medieval. Su gran religiosidad se avivó por los contactos con Huysman y con León Bloy, cuyas apasionadas novelas sobre la vida sórdida de París propiciaron la serie de lasProstitutas de 1903 a 1907 donde destaca el cuadroAnte el espejo (1906). Esta serie, aunque cercana, en cuanto a tema y técnica, a la obra de TolouseLautrec, ha sido vinculada al estilo del grupo de artistas fauves en torno a Matisse que en 1903 expusieron junto a Rouault en el Salon d'Autome. No obstante, pese a su amistad con Matisse, no adoptó sus alegres temas y brillantes colores, sino que pintó payasos, marginados y jueces en tonos sombríos pero intensos. Estos cuadros expresaban su odio a la crueldad, la hipocresía y el vicio. Mostraban con apasionada convicción la fealdad y depravación de la humanidad y fueron concebidos como lecciones de moral sobre el pecado y la redención. Al principio inquietaron al público, pero a partir de la década de 1930 su autor consiguió reputación internacional. Después de 1940, Rouault se entregó de manera casi exclusiva al arte religioso de tintes expresionistas. Pintor prolífico, su obra incluye los aguafuertes Guerra y Miserere (1917-1927), numerosas ilustraciones para libros, cerámicas, diseños de tapices y vidrieras (como los ventanales de la iglesis de Assy, 1948), y decorados ( El hijo pródigo, 1929) para el ballet del famoso empresario ruso Diaghilev Pavlovich, para el que también trabajaron importante artistas de vanguardia como Braque y Picasso.

OTRO
IÉRCOLES, 25 DE ABRIL DE 2012

Georges Rouault: Inclasificable y forzosamente reconocible.

Georges-Henri Rouault, pintor y grabador expresionista francés, (París, 27 de Mayo de 1871-13 de Febrero de 1958). Hijo de un modesto ebanista empleado en una fábrica de pianos, desde pequeño mantuvo contacto con el mundo de la artesanía y el trabajo creativo, además de disfrutar en la figura de su abuelo materno del perfecto guía para el conocimiento de la pintura moderna. Formado a partir de 1885, en calidad de aprendiz junto a un maestro vidriero local y expresamente en cursos de Artes Decorativas; no será hasta cinco años después, cuando dedique su tiempo a la pintura de forma completa y profesional. De esta manera, ya matriculado en la Escuela de Bellas Artes de París y de la mano del pintor y excelente pedagogo (permitía una total libertad en la creación de sus alumnos) Gustave Moreau, en calidad de profesor, es donde pondrá en práctica sus potenciales actitudes. Una relación entre pintores, que dejó constancia de su mutua admiración y tuvo como consecuencia: la influencia en el estilo de su obra inicial y la asunción del cargo (vitalicio) de conservador del Museo Gustave Moreau desde 1898 (Año de fallecimiento de su mentor). Situado al margen de rigideces y estéticas encuadradas en una corriente artística concreta, dentro del bullicio que supuso el comienzo del siglo XX. Podría decirse que es un expresionista inclasificable y, forzosamente reconocible. Realizó su primera exposición a título personal en 1910, mostrando trabajos definidos por la aparición de anchos bordes en la composición de sus figuras, hecho que denota y lo pone en total relación con la etapa que ejerció como vidriero y el uso habitual del plomo en el tapado de las juntas. Centrado en la temática social, urbana y en muchos caso marginal; sus obras destilan un cierto pesimismo y tragedia, relacionadas con contextos desolados en los que intenta acentuar la angustia y desamparo de sus contemporáneos. Suya es por tanto una pintura oscura, sombría y lejana a la luminosidad o los colores vivos, en la que se reflejan payasos, prostitutas, jueces,... recubiertos en cualquier caso de una sibilina crítica al vicio, la depravación o la atrocidad humana. Destacada en su prolífica trayectoria y de importancia similar a sus trabajos mundanos, son las piezas relacionadas con la temática religiosa; inclinada al análisis moral y sujetas a la reflexión sobre la culpa y su salvación, con el tema de Pasión de Cristo como escena principal. Asimismo, esta etapa de espiritualidad artística que dio comienzo desde 1918, pasó a aumentar dentro de su producción y a convertirse desde la década de los cuarenta en su única dedicación. Entre sus influencias cabe destacar, a Paul Cézanne y entre sus amigos de profesión al famoso Henri Matisse. Actualmente el Museo de Bellas Artes de Bilbao presenta una exposición retrospectiva de su obra, titulada: Georges Rouault. Lo sagrado y lo profano.

Cabeza de un trágico payaso, 1904.

Odalisca, 1906.

Muñecos del salón de tiro, títeres y la novia, 1907.

Los fugitivos o El éxodo, 1911.

Desnudos, 1914.

La dura tarea de vivir, 1917.

Jesús en el arrabal, 1920.

Cristo ultrajado, 1932.

Crepúsculo, 1937.

Homo homini lupus, 1948.

Quizás también le interese:

Otro
Principales obras
Sus obras fueron donadas al Estado francés en 1963 por su viuda Marthe Rouault.

Obra de Georges Rouault,El Niño Jesús entre los doctores
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Camino del calvario (1891). El Niño Jesús entre los doctores, (1894). La primera obra importante de Rouault. Muchacha con espejo, (1906). La Santa Faz (1933). El rey viejo (1937), que se considera su mejor obra expresionista. Ciclo «Miserere», expuesto en 1948.

Fuentes
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Georges Rouault. Disponible en: Georges_Rouault wikipedia Genios de la pintura. Disponible en "Artehistoria Georges Henri Rouault, Francia. Disponible en Artefenix Georges Rouault. Disponible en /r/rouault.htm Biografias y vidas

Otro
Head of Christ 1939 Christ Mocked by Soldiers 1932 The Three Judges 1928 Bonimenteur L'Italienne 1937 The Dwarf Sea of Galilee 1938 Head of a Woman 1939 Clown 1912

Otro
Chaïm Soutine

Amedeo Modigliani: Retrato de Chaïm Soutine (1916), colección privada.

En francés Chaïm Soutine, nacido Jaím Solomónovich Sutin (Хаим Соломонович Сутин, en ruso) o Jaím Sutsin (Хаім Суцін, en bielorruso) (Smilovich, 1893 – París, 9 de agosto de 1943). Pintor ruso, perteneciente a la denominada Escuela de París.

Biografía[editar · editar código]
Nacido en una pequeña aldea lituana perteneciente en aquel momento al imperio ruso, Soutine era el décimo hijo de una prole de once hermanos. Su padre, sastre de profesión, no vio con buenos ojos la afición del pequeño Chaïm por el arte; ya que, en el seno de la comunidad judía ortodoxa, donde vivía estaba prohibida la realización de imágenes por considerársela pecaminosa. En 1909 se trasladó a Minsk, donde recibió sus primeras enseñanzas artísticas. Al año siguiente preparó su ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Virna. En 1913, finalizados sus estudios, se trasladó a París, estableciéndose en Montparnasse, junto a dos compatriotas, también artistas. Fueron tiempos difíciles, en los que Soutine vivió en condiciones precarias. Sin embargo pudo continuar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes, bajo los dictados del artista académico Cormon. Es en esa época donde conoció a Modigliani, con quien trabó amistad, sirviéndole incluso de modelo para al menos tres de los retratos del pintor italiano. En 1923 un coleccionista norteamericano adquirió un gran número de obras del pintor, con lo que su economía mejoró notablemente. En 1927 celebró su primera exposición en la galería de Henri Bing. De este modo se introdujo plenamente en el mercado del arte. En 1937algunas de sus obras fueron incluidas en la Exposición de Artistas Independientes, honor pocas veces concedidos en Francia a un pintor extranjero. El inicio de la Segunda Guerra Mundial significó el principio de su decadencia, en especial cuando la ciudad fue invadida por las tropas nazis, ya que Soutine era oficialmente un judío, por lo que optó por alejarse de París, refugiándose en una pequeña localidad cercana a Tours. La angustia de una posible delación agravó los problemas de salud que tenía. Finalmente en 1943 sufrió un ataque de úlcera, que se le perforó, y obligó a una intervención quirúrgica de urgencia. Chaïm Soutine murió en la mesa de operaciones.

Obra[editar · editar código]

Su producción se vio muy influida por la de artistas como Van Gogh, Cézanne, Rembrandt, y El Greco, pudiendo ser definida como expresionista. Nunca fue capaz de pintar si no tenía el modelo delante. Pintaba de un modo frenético, como poseído por un ataque de fiebre, precipitando los colores sobre la tela. Recorría las carnicerías de París en busca de la gallina que tuviera la tonalidad y el aspecto adecuados a lo que él quería representar. En una ocasión adquirió y trasladó a su estudio un buey entero, muerto, dedicándose a pintarlo hasta que el hedor de la carne putrefacta alertó a los vecinos primero, y a las autoridades después. Era muy amigo de Modiglani, para el que posó en sus retratos, al menos hay tres veces. En 1997 un retrato suyo alcanzó los 13 millones de dólares.

Enlaces externos[editar · editar código]
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Portrait photograph of Chaïm Soutine Photograph c.1918 Chaïm Soutine, Self portrait (1916) (c. 1917) (1922-3) Amedeo Modigliani, "Chaim Soutine" (1917) Marevna, "Chaim Soutine" (c. 1916/7), Erich Lessing Collection ("Quick Search" there for Marevna). Marevna, "Homage to Friends from Montparnasse" (1962) Top left to right: Diego Rivera, Ilya Ehrenburg, Chaim Soutine, Amedeo Modigliani, his wife Jeanne Hébuterne, Max Jacob, gallery owner Leopold Zborowski[1][2]. Bottom left to right: Marevna, her and Diego Rivera's daughter Marika, (Amedeo Modigliani), Moise Kisling.

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Chaïm Soutine – Chronology, Museums, Links, Bibliography Chaim Soutine at Olga's Gallery Chaim Soutine - A Virtual Gallery

Otro
haïm Soutine
(Smilovich, 1894-París, 1943) Pintor francés de origen lituano. En 1911 se trasladó a París, donde conoció a Modigliani y se interesó por Rembrandt y Courbet. Empezó pintando naturalezas muertas, pero tras sus estancias en Céret y Cagnes descubrió el paisaje, que plasmó con gran intensidad lírica, formas violentas y colores vívidos. A partir de 1922 pintó naturalezas muertas con animales sangrantes, en clara referencia a Rembrandt, y las series de los criados, de los clérigos, etc., representados con un crudo realismo psicológico y enérgica pincelada. Aunque su obra constituye una experiencia individual dentro del expresionismo europeo y presenta ciertas afinidades con las manifestaciones más contundentes del Brücke alemán, Soutine no se adhirió a ninguna corriente. Su pintura influyó en ciertos expresionistas austríacos y en la escuela simbólico-expresionista alemana.

Otro

outine, Chaim (1894-1943).
Pintor expresionista bielorruso, asociado a la Escuela de París, nacido en Smilovitchi (cerca de Minsk) en 1894, en una modesta familia judía. En 1909 comienza sus estudios en Minks y en 1912 emigra a París, instalándose en los talleres de La Ruche, donde conoce a Modigliani, quien le presenta a Zborowski, que acabará siendo también su marchante. En 1914 se alista voluntario y en 1918 se instala en Ceret al Sur de Francia. Hacia 1916 y 1917 pinta paisajes de París y naturalezas muertas; visita el Louvre y admira la obra de El Greco, Rafael, Goya, Ingres, Courbet y Rembrandt. Tras la muerte de su amigo Modigliani en 1920 hace cuadros de hombres rezando y en 1922 vuelve a París con más de doscientos lienzos, de los cuales acaba destruyendo una gran parte. En 1923 Alfred C. Barnes le compra varias obras para su colección en Merion, estableciéndose así la reputación de Soutine, asegurándole por fin una estabilidad económica. En los cuadros de esta época, refleja un expresionismo salvaje, fruto de la liberación de su propio carácter; los árboles, las casas, las montañas se mueven como si hubiera habido un cataclismo. Durante los años veinte hace retratos en los que pone el acento en un color predominante, como Mujer de rojo de 1922, que , como la mayoría de sus retratos, da la primera impresión de ser una cruel caricatura: de repente uno se da cuenta de algo molesto, patético, a veces terrible, algo que le pertenece al artista más que al retratado. (Arnason). Hacia 1925 hace cuadros de canales de bueyes, bajo la influencia de Rembrandt y más tarde naturalezas muertas con animales. En 1927 hace una exposición individual en la galería Bing de París. En 1935 hace su primera individual americana en el Arts Club de Chicago. Con el estallido de la segunda guerra mundial se refugia en Civry-sur-Surein sintiéndose enfermo. Tras huir de la persecución nazi, muere el 9 de agosto de 1943 en París.

Bibliografía
  WEINER, ALFRED- Chaim Soutine, Abrams, New York. ARNASON, H.H.- History of Modern Art, Abrams, New York, 1986

Otro
Chaim Soutine (1894-1943 ) Pintor expresionista, nacido en Lituania (entonces Rusia). De familia judía, siendo el décimo de once hermanos de una familia económicamente bastante pobre. Le gustaba pintar desde joven (desde los 13 años), pero su familia quería que fuera sastre. Como continuamente le ridiculizaban para que no pintara, se iba al bosque a pintar y sólo volvía cuando estaba hambriento. A los 15 años (en 1909) estudia un curso de pintura. A los 16 años (en 1910) estudió arte de 3 años de duración en la Escuela de Bellas Artes de Vilna. Posteriormente, en 1913 (a los 19 años) y habiendo ahorrado algún dinero, deja Vilna y saca un billete de tren a Francia y se fue a vivir en "La Ruche" = edificio construido para Exposiciones y que luego se convirtió en un estudio de artistas. Allí estaban Chagall, Léger, Kisling y Modigliani entre otros. Era un lugar donde vivían y trabajaban. Estuvo viviendo 6 años y se hizo muy amigo de Modigliani. En París pasó mucha pobreza sobre todo durante los primeros años, ello le afectó mucho tanto a

su salud física como psicológicamente. Tuvo trabajos esporádicos como de portero en una estación de ferrocarril y otros. En "La Ruche" pintó muchos retratos de artistas y refugiados políticos. Encontró un prototipo para la distorsión de la forma en El Greco, a quien consideró un gran maestro y a quien estudió mucho. En muchos de sus retratos se observa esta distorsión, pero a diferencia de El Greco, Soutine incorpora elementos grotescos, casi cómicos, del mundo del terror con humor. Estuvo recibiendo clases de Cormon, quien unas décadas antes había enseñado a Van Gogh y a Tolouse-Lautrec. Otros pintores que influyeron en Soutine fueron Rembrandt, Van Gogh, Cezanne (rompiendo la forma en planos y aplanando la figura), Bonnard (que le enseñó a dar consistencia al cuadro, a dar pinceladas fuertes, con mucho peso y propósito). Se va a Ceret (en los Pirineos franceses) donde permaneció 3 años aproximadamente y donde pintó muchos paisajes y algunos retratos. De Kooning dijo de sus retratos "Soutine distorsiona las pinturas pero no a las personas". Sus paisajes se fueron haciendo cada vez más violentos y convulsivos. Durante su estancia en Ceret tiende a pintar hacia lo abstracto, siempre metido en un estilo expresionista. Pintaba con mucha emoción, era muy intenso y vigoroso. Se le ha considerado el precursor del Expresionismo Abstracto Americano. Su pintura destaca por su enorme vitalidad. La pincelada de Soutine no suele ser con una línea sino un brochazo ancho puesto de una forma muy sentida, con colores tumultuosos, gestuales. Es el "estilo de Ceret". Tanto en el estilo de Ceret como en el de Cannes, la pincelada es violenta y las formas están agitadas. Posteriormente pinta de forma más controlada aunque siguen perteneciendo al expresionismo eslavo-judío. En 1923-25 se encuentra entre París y Cannes. "El estilo de Cannes" como se llamaba, se utiliza para distinguirlo del estilo que tomó en París. En Cannes, utilizó una paleta más brillante y más luminosa debido al clima veraniego. Es característico del estilo de Cannes los paisajes de la ciudad vistos desde arriba. A los 28-29 años (1922-23) es descubierto por un coleccionista americano que le compra muchos cuadros y Soutine empieza a tener una buena reputación y vive bien económicamente. A partir de 1923 se comenzaron a vender sus cuadros y a partir de aquí dejó de preocuparse por el tema económico. Su vida sentimental es bastante discreta y oculta. A los 31 años (1925) va a Amsterdam y quedó fascinado por Rembrandt. Durante estos años conoce a Debora Melnik con quién según parece se casaron (boda religiosa) y tuvieron una hija. Soutine niega la paternidad y deja a la madre con la niña. Durante los años siguientes (1930-35) estuvo influido por Rembrandt, Corot y Courbet (se inspira en Courbet para sus estudios de animales). A los 36 años, (en 1930) la característica de sus cuadros era la tristeza y comienza la atracción por los cuadros de Courbet. Sus modelos están en el suelo y sus paisajes son más tranquilos. Existe una mayor distancia entre el pintor y el tema a pintar. ("hand is the dancer, following the rhythm of the disturbances of the soul"). Entre 1931-35 su producción disminuye mucho. Le costaba mucho inspirarse, estaba continuamente buscando el paisaje adecuado o el modelo adecuado. Cada vez tenía más ataques de úlcera, estos eran fuertes y dolorosos y frecuentemente tenía indigestiones. A los 46 años, (1940) le introducen a Marie-Berthe Aurenche, exmujer de Max Ernst y pronto su compañera. Por la ocupación alemana, Soutine tiene que dejar París (pues era judío). En 1943 sufre un grave ataque de úlcera. Para no ser detectados por los alemanes, toma un circuito alternativo a París llegando más de 24 horas más tarde de lo previsto. Se le diagnostica úlcera perforada con hemorragia interna. Es operado muriendo durante la operación en 1943 en París. (Al velatorio acuden Pablo Picaso y Max Jacob entre otros).

Leer más: http://www.monografias.com/trabajos17/chaim-soutine/chaim-soutine.shtml#ixzz2fXvTqNPg

Otro
482 obras encontradas 70.70 - Siglo XX. Escuela de París - 19.65.15 - Paisajes y Vistas

Alley of Trees

Autumn Trees, Champigny

Avenue of Trees at Chartres

Avenue of Trees at Chartres

Cagnes Landscape with Tree

Céret Landscape

Céret Landscape

Céret Landscape

Céret Landscape

Céret Landscape

Céret Landscape

Céret Landscape

Champigny Landscape

Chartres Cathedral

Chartres Cathedral

Otro

Chaim Soutine
(Francia, 1894-1943)

Obras:

1916 - 22 años

1922 - 28 años

Mujer Reclinada
Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 54 x 81.3 cm. Museo: Colección particular

La pequeña pastelera
Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 66,3 x 50,3 cm. Museo: Barnes Foundation. Merion

1922 - 28 años

1925 - 31 años

El conejo despellejado
Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 73 x 60 cm. Museo: Barnes Foundation. Merion

Chico mensajero del Maxim
Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 81.9 x 74.9 cm. Museo: Colección particular

Biografía:

Pintor expresionista francés, nacido en Smilovichi cerca de Minsk, Bielorrusia. En 1913 emigró a París, donde desarrolló muy pronto una visión y técnica artística muy personal. La mayor parte de su trabajo, realizada entre 1920 y 1929, se caracteriza por figuras en posiciones violentas. Sacrificó una cuidada composición y un dibujo perfecto en favor de una intensidad febril, empleando pigmentos densos, con colores vivos y a menudo deliberadamente desagradables. Entre sus obras se incluyen retratos de panaderos, mozos y niños cantores, como por ejemplo, el cuadro El pastelero (1922, Museo del Louvre, París), naturalezas muertas o bodegones de piezas de carne en diferentes estados de putrefacción (Vaca abierta en canal, hacia 1925, galería de arte Albright-Knox, Buffalo, estado de Nueva York) y paisajes atormentados con ráfagas de nubes y árboles inclinados (Calle siniestra, c. 1921, Kunstmuseum en Lucerna). A menudo, destruyó o volvió a pintar sobre composiciones de su primera etapa artística y después de 1930 realizó muy pocas obras. © M.E

Otro
Edvard Munch
Edvard Munch

Edvard Munch en 1921 Museo de Orsay, París

Nacimiento

12 de diciembre de 1863 Løten, Noruega

Fallecimiento

23 de enero de 1944 (80 años) Ekely, Noruega

Nacionalidad

Noruego

Área

Pintor expresionista

Firma

Edvard Munch /ˈɛdvɑ:ʈ mʉŋk/ (Løten, 12 de diciembre de 1863 - Ekely, 23 de enero de1944) fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. Sus obras son
como variaciones constantes sobre la gran sinfonía de la existencia humana en sus lados diurnos, pero aún más, como es congruente con la sensibilidad finisecular, en los nocturnos. El amor y el odio, el deseo y la angustia, las pasiones y las emociones, son elevados a arquetipos de la vida anímica del hombre moderno o, incluso, de la propia condición humana.
1

El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El Grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes,El beso). Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.
Índice
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1 Biografía 2 Obras principales 3 Munch en los museos 4 Notas 5 Bibliografía 6 Enlaces externos

Biografía[editar · editar código]
Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en Løten, Noruega. Hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que murió en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio. En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería pero unos años más tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. El pintor naturalista noruego, Christian Krohg fue un maestro esencial para Munch que en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Cristianía (Oslo) donde estableció relaciones con el círculo de literatos y artistas de la capital. En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin, visita allí los Salones y el Louvre que le impresionó notablemente. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.

No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del público lo aclamara con entusiasmo. En el año 1890 la influencia del Neoimpresionismo en sus obras fue muy notoria. Ese mismo año recibe su segunda beca estatal. Un año más tarde comenzó a desarrollar los motivos del Friso de la vida ciclo pictórico que incluye muchas de sus obras más conocidas que en su conjunto pretenden dar una visión unitaria de la vida, dibuja ampliamente las memorias personales de Munch, incluyendo la devastadora pérdida de su madre, Laura Munch, y de su hermana favorita, Sophie. Estuvo en 1892 viviendo en Alemania varios años, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París donde realizó numerosas exposiciones como la de Berlín la cual tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas dirigida por el gobierno conservador de Berlín. En 1893 entabla relaciones con la tertulia del «Cochinillo negro» lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pinta El grito una de las obras más importantes de Munch:
Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza...

Refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras. Entre 1894 y 1897 crea sus primeros aguafuertes mientras continua realizando exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo con una de sus exposiciones con más éxito. Con el estudio de Tolouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard creó una serie de bocetos mediante una técnica que puede considerarse un invento común de ambos, como eran los bocetos de óleo sobre papel o bien sobre tableros unidos con cola en el que no se trabajaba el fondo. De aquí no hay más que un pequeño paso hacia el estilo completamente nuevo que Munch desarrollaría en el “Friso de la Vida” en que destacaríamos cuadros como Pubertad, que refleja por primera vez una asociación entre miedo y sexualidad; Melancolía, serie sobre la plenitud y el fin del amor al igual que Celos. Munch termina con estos ciclos del Friso de la Vida en el año 1900 y empieza a exponerlos en 1902 y en 1905 en Praga, intenta plasmar un terreno más tradicional. Retratos, paisajes y pinturas de estudio le preocupan cada vez más. En 1903 realiza su primera exposición en la Galería Cassirer en Berlín, un año más tarde cede los derechos de venta en Alemania a Cassirer de grabados y a la Galería Cometer de Hamburgo de óleos con varias exposiciones y toma parte en el Salon des Indépendants. Este periodo de tiempo fue cuando Munch empezó a alcanzar su éxito como artista, realiza numerosas exposiciones como en Copenhague y en la Galería Cassirer, también La Academia de Bellas Artes de Weimar pone un estudio a su disposición. El año 1905 fue duro para Munch ya que pasa el invierno curándose de neurastenia y alcoholismo. En 1906 Max Reinhardt le encargó un diseño de los decorados para Los fantasmas y Hedda Gabler de Ibsen, así como un friso para un salón de su teatro en Berlín. Ya en el año 1908 expone en el Brücke de Dresde. En otoño del mismo año viaja a Copenhague, sufriendo allí un colapso nervioso. La mitad del año siguiente la pasa en un sanatorio. En 1909 regresa a Noruega y Rasmus Meyer le compra un gran número de cuadros de su colección, realiza una gran exposición en Oslo. Estos años realiza numerosos viajes por sus continuas crisis nerviosas a pesar de su éxito. Visitó Berlín, Francfort, Colonia, París, Londres, Estocolmo, Hamburgo, Lübeck y Copenhague. Recibió amplios honores con ocasión de su quincuagésimo aniversario ya en el 1913.

Años más tarde, en 1918, publica un panfleto del Friso de la vida en el que incluye sus obras maestras. Los siguientes años Munch decide retirarse un poco, recibe numerosos honores con ocasiones de su septuagésimo aniversario ya que una enfermedad de los ojos en el año 1930 le hace casi imposible trabajar. Tuvo una mala época como pintor ya que el gobierno nacionalsocialista confiscó 82 cuadros suyos de los museos alemanes. Sus pinturas fueron consideradas como “degeneradas”. La mayoría de sus cuadros plasmaban la muerte o temas que en aquella época resultaban muy polémicos. En 1940 con la invasión del régimen Nazi a Noruega le retiraron muchos de sus cuadros de las galerías de arte porque pensaban que escandalizaban a sus visitantes. Munch no quería tener ningún tipo de relación con los invasores ya que le consideraban un demente. Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes, a pesar de su mal estado, en el que sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor. El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como había vivido: completamente solo. Tras su muerte Ekely dona a la ciudad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que obraba en su poder. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, se inaugura en 1960 el Munch-Museet.

Obras principales[editar · editar código]
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De Mañana. 1884. Óleo sobre lienzo. 96,5 x 103,5 cm. Colección Rasmus Meyer, Bergen. La niña enferma. 1885- 86, óleo sobre lienzo, 119,4 X 118,7 cm., Galería Nacional de Oslo. Esta obra, que traduce experiencias de infancia del pintor, dio origen a otras tres telas fechadas en 1906, 1907, 1926, y a numerosas gravuras y litografías. El pintor declara, sobre esta obra:
Con La niña enferma abrió caminos nuevos para mi, fue una ruptura en mi obra. La mayor parte de mis trabajos posteriores deben su existencia a este cuadro.

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Hans Jaeger. 1889. Óleo sobre lienzo 109,5x84 cm. Galería Nacional, Oslo. La Rue Lafayette. 1891. Óleo sobre lienzo, 92 x 73 cm., Oslo. El Grito. 1893. Témpera . 83,5 x 66 cm. Museo Munch, Oslo. Pubertad. 1894-95. Óleo sobre lienzo 151,5x 110 cm. Galería Nacional, Oslo. Madonna. 1894-95. Óleo sobre lienzo 91x70,5 cm. Galería Nacional, Oslo. Celos. Óleo sobre lienzo, 66,7 x 100,3 cm., Rasmus Meyers Salinger, Bergen. Una litografía con el mismo título, de 1896, se conserva en el Acervo Municipal de Arte de Oslo.

Mujer en tres etapas.1895. Óleo sobre lienzo, 164,1 x 250 cm., Rasmus Meyers Samlinger, Bergen.

Fue en 1895. Hice una exposición en el otoñote Blomquist. Los cuadros provocaron un tremendo rechazo. La gente quería boicotear la galería, llamar a la policía. Un día me encontré allí a Ibsen… mostró un interés especial por “Mujer en tres etapas”. Tuve que explicarle el cuadro. Aquí esta la mujer soñadora, allí la mujer hambrienta de vida y finalmente la mujer como monja, pálida y erguida entre los árboles…Unos años después Ibsen escribió “Cuando los muertos despertemos”… Estas tres fig uras femeninas aparecen con frecuencia en el drama de Ibsen, igual que en mi cuadro”.

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El beso. 1897, gravura. Acervo Municipal de Arte de Oslo. Muchachas en el muelle. 1899, óleo sobre lienzo, 135,9 x 125,4 cm.

No pinto lo que veo sino lo que vi.

Amor y Psiche. 1907, óleo sobre lienzo, 119,4 x 99,1 cm., Munch museet, Oslo.

A principios de siglo tenía la necesidad de romper con áreas y líneas. Sentía que esta forma de pintar se podía convertir en una costumbre… Después pinte una serie de cuadros con líneas anchas, a menudo de un metro de largo, que se extendían vertical, horizontal y diagonalmente.

Munch en los museos[editar · editar código]
Al morir, legó más de 1.000 cuadros, 15.400 grabados, 4.500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en el barrio de Tøyen en su honor. Las obras se costearon con la recaudación de las salas de cine de propiedad municipal, y se inauguró en 1963. Tras el sonado robo de El grito y La madonna, de gran resonancia internacional, se reforzaron las medidas de seguridad en 2005, de tal modo que las obras más valiosas se exhiben detrás de grandes paneles de vidrio, en expositores que recuerdan a los escaparatescomerciales. Los dos cuadros citados se recuperaron con desperfectos menores, y fueron presentados provisionalmente en una vitrina, sin sus marcos, para mostrar el alcance de tales daños. Munch careció de presencia en museos de España hasta fecha reciente. Ahora se conocen dos obras suyas: un retrato de su hermana en el Museo Thyssen-Bornemisza y otro retrato (en préstamo) en el MNAC de Barcelona.

Notas[editar · editar código]
1. Jump up↑ Simón Marchán Fiz, Las vanguardias en las artes y la arquitectura (1900-1930), I, Espasa, Madrid, 2000, pág. 57.

Bibliografía[editar · editar código]
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Heard Hamilton, G. Pintura y escultura en Europa 1880-1940. Madrid: Ediciones Cátedra, 1980. Bischoff, Ulrich. Munch 1863-1944, Cuadros sobre la vida y la muerte. Madrid: Benedikt Taschen Verlag, 2000. De Micheli, M. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid: Alianza Editorial, 1996. Loshack, David. Munch. Madrid: Editorial LIBSA, 1991. Messer, Thomas. Eduard Munch. Madrid: Julio Ollero, 1991.

Enlaces externos

Otro
dvard Munch
(Loten, Noruega, 1873 - Ekely, cerca de Oslo, id., 1944) Pintor y grabador noruego. La estilización de la figura, la prolongación de las líneas y, en ocasiones, el intenso dramatismo y la intensidad cromática, hicieron del estilo pictórico del noruego Edvard Munch uno de los modelos estéticos del expresionismo de las primeras décadas del siglo XX.

Edvard Munch

Sufrió muy joven la pérdida de sus seres queridos, y el espectro de la muerte, que llenó su niñez, lo acompañaría durante toda su vida, convirtiéndose en uno de los temas recurrentes en sus obras. En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En Noruega contó pronto entre sus amistades con importantes personalidades políticas y literarias y tuvo particular afinidad con el realismo social de la creación de Henrik Ibsen, para quien realizó los escenarios y el vestuario de la obra Peer Gynt en 1896. En 1908, Munch, después de una tormentosa relación sentimental y víctima del alcohol, sufrió una grave enfermedad nerviosa, por lo que tuvo que ser recluido en el psiquiátrico del doctor Jacobsen, en Copenhague, del que salió completamente restablecido. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió algunos encargos oficiales (pinturas del paraninfo de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad. Munch legó a la ciudad de Oslo todas las obras que conservó hasta su muerte, acaecida en 1944.

El grito (1893), de Edvard Munch

La obra de Edvard Munch se caracteriza por un sentido trágico de la vida y de la muerte, propio de toda la literatura escandinava de Ibsen a Strindberg. A pesar de que sus primeras pinturas recibieron la influencia de los impresionistas, pues conoció bien la obra de Gauguin y Van Gogh, en seguida se inclinó por la idea de plasmar los sentimientos, por exteriorizar las sensaciones de angustia y soledad del ser humano. Su etapa de madurez está impregnadas de ese "sentimiento trágico" que tanto caracterizó a los románticos, pero extraído del contexto propio del Romanticismo y llevado a sus últimas consecuencias, otorgándole un valor "absoluto", como algo de lo que el hombre no se puede liberar. En la pintura de Munch aparece el rostro del mundo alimentado por esas fuerzas desconocidas que forman parte también de la condición humana. Su ambicioso proyecto titulado El friso de la vida (1893-1918), al que pertenecen sin duda sus cuadros más representativos, refleja los sentimientos y las obsesiones humanas. Veintidós de esas pinturas fueron expuestas, en 1902, en la muestra del grupo berlinés Sezession. La mayoría de ellas refleja la desilusión del fin de siglo y la imagen del hombre como víctima. Su obra anterior a 1908 está muy vinculada a este ciclo que, de algún modo, concibió como si se tratara de un poema de amor, de vida y de muerte. Así El beso (1892) o La cámara de muerte (1894), ambas en la Nasjonalgalleriet de Oslo, donde alude al drama acontecido durante su infancia: la muerte de su madre y su hermana. Los personajes reflejan su sufrimiento, pero formalmente están unidos por una línea serpenteante que recorre toda la superficie del cuadro. No hay sombras, sólo colores planos y pronunciados contornos que marcan el ritmo visual, un medio idóneo para expresar la angustia del espíritu. Sin embargo, su obra más emblemática es El grito(1893, Nasjonalgalleriet, Oslo), una de las pinturas que más intensamente han reflejado el horror y la angustia del ser humano. La figura que se halla en primer término expresa un terror inconmensurable. La angustia por la soledad, la desesperación por no encontrar un sentido a la vida y su relación con los abismos quedan intensamente reflejados en la obra del pintor noruego.

otro
Edvard Munch. Biografía y obra
Edvard Munch, considerado precursor de la tendencia expresionista, nació en Loten (Noruega) en 1863. Pasó la mayor parte de su infancia y adolescencia en Cristiania (la capital de Noruega, que a partir de 1924 se llamará Oslo). Cuando aún no había cumplido los cinco años, su madre murió a causa de tuberculosis. Nueve años más tarde, su hermana Sophie, dos años mayor que él, fallece de la misma enfermedad. Estos hechos ejercerán una influencia decisiva en su actividad artística. Sus tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Después de un año en la Escuela Técnica de Arquitectura, en 1880 decide dedicarse a la pintura, se inscribe en la Escuela de Dibujo de Cristiania y pasará algunos veranos pintando en la academia de pintura al aire libre del paisajista Frits Thaulow, asimilando un realismo de inspiración francesa. En 1885 realiza un corto viaje a París y conoce de cerca algunas obras de los impresionistas Monet, Renoir, Degas, Pisarro y Seurat. Sus pinceladas serán cada vez más audaces, menos atadas a las convenciones del realismo. Lo más importante de este periodo es la obra La niña enferma, en la que evoca su experiencia personal con la muerte de su hermana y donde ya aparece la desolada visión de la existencia que caracteriza la mayor parte de su producción. En 1889, Munch viaja a París de nuevo con una beca del gobierno noruego y durante un breve periodo de tiempo es alumno del pintor academicista Leon Bonat. Tras realizar obras de carácter impresionista recibe el influjo del postimpresionismo, concretamente de la obra de Gaugain y Van Gogh, que lo llevan a dar un giro radical a su trabajo. Poco después de su llegada a París recibe la noticia de la muerte de su padre. En Noche, de 1890, representa la soledad y la melancolía. El interior oscuro, con la figura solitaria junto a la ventana, queda dominado totalmente por los tonos azules. Hasta 1908 vive la mayor parte del tiempo en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hace frecuentes viajes a Noruega y a París. Son años cruciales en su pintura, crea un estilo sumamente personal basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reduciendo las formas a su expresión más esquemática y a hacer un uso simbólico, no naturalista del color. Pinta El grito, Vampiro, La voz, la primera versión de Madonna, comienza un ciclo que el artista llamaría más tarde El Friso de la vida. Todas ellas expresan sus experiencias personales sobre el amor, la enfermedad, la muerte y la propia naturaleza. A Munch le interesa lo que se puede captar por el espíritu y no a través de la vista. El grito refleja sus propios temores y tormentos. Su fuerza expresiva se debe en gran medida a las técnicas y efectos pictóricos empleados, la estridencia del colorido y la sinuosidad de las líneas. Se expresa la soledad del ser humano y su pesimismo frente las adversidades. El grito de terror trae consigo la tensión y el pánico interior que destruyen la anatomía. Los rasgos de rostro desaparecen bajo el gesto. No hay nada de realismo, se representa el interior y no el exterior. La figura del primer plano aprieta las manos contra la cara como signo de angustia y desesperación, mientras que en segundo plano aparecen otras personas frías y distantes como queriendo significar que el prójimo no nos ayuda en los momentos de desconsuelo.

El paisaje participa en ese malestar. El cielo encendido y los torbellinos parecen envolver amenazadoramente a la persona que grita. Las líneas curvadas y sinuosas enlazan con el Modernismo, tan de moda en la época. Los colores cálidos y fríos no están compensados, su efecto es agresivo, ofreciendo una imagen angustiada de la realidad y del mundo interior. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de la vida. Vampiro. De la atmósfera incierta surge una mujer misteriosa, perversa, de cabello largo que se identifica con la potencia sexual. Madonna. Supone un vuelco con respecto al modo tradicional de representar la maternidad. Es un espectacular y sensual desnudo femenino rodeado de una atmósfera poco tranquilizadora. La figura emerge de un fondo tenebroso, de líneas distorsionadas. El cuerpo nos atrae, pero hay algo que nos angustia, la gran tensión psíquica, los ojos son casi cuencas cadavéricas que simbolizan la muerte. Es una visión demoledora de la maternidad. El Puente. Presenta a de tres muchachas asomadas a un puente sobre un riachuelo. Las líneas sinuosas recrean un ambiente de cierta angustia, las chicas no hablan, no se comunican, solamente observan en silencio, reflexionan sobre el sentido de la existencia, sobre las contradicciones de la vida, o sobre la soledad. Muerte en la alcoba muestra una escena en tonos chillones y descoloridos. El motivo se basa en el recuerdo de la muerte de su hermana Sophie y toda la familia de Munich está representada. El foco dramático del cuadro se centra en la figura que simboliza al propio Munch. En 1908, tras vivir una turbulenta relación amorosa, los problemas nerviosos del artista agravados por los efectos del alcoholismo, le obligan a permanecer internado ocho meses en una clínica psiquiátrica en Copenhague. Una vez restablecido regresa a Noruega e inicia un periodo en el que su obra muestra una nueva vitalidad. Ejemplo de ello son los paneles que decoran el Aula Magna de la Universidad de Oslo. El tema central es El Sol, un amanecer en el fiordo, la explosiva composición se puede considerar también como un símbolo de la energía desbordante y vitalizadora de la existencia. Formando pareja con El Sol se encuentran La Historia y Alma Mater.

En 1916 comprará una finca en las afueras de Cristiania y allí vivirá cada vez más aislado, muriendo en 1944 completamente solo.